Cómo hacer la cuarta pared

1. Hacer el cuarto pared - Episode 1: los fundamentos: Hola a todos. Bienvenido a una emocionante serie de tutoriales, de cine y cinematografía. Mi nombre es Georgia Dradis y soy el director de desarrollo de contenido en Stocks the United Today Y durante los próximos 10 días, vamos a estar rodando un cortometraje aquí en la hermosa Atlanta, Georgia, y vamos a usar el corto película como telón de fondo para enseñarte algunos de los fundamentos del cine. En este primer episodio, vamos a cubrir algunos de los conceptos básicos y lo que necesitas saber si estás en transición para fotografía a video. Para aquellos de ustedes que son fotógrafos, ya tienen un arranque de cabeza increíble cuando se trata de video. Entonces, cuando hagas la transición al video, encontrarás muchos de los fundamentos de los fundamentos son exactamente los mismos. La parte emocionante del video son todas las increíbles nuevas oportunidades de narración de cuentos que tendrás . Creo que a menudo puede ser intimidante entrar en cine o video a menudo, sobre todo cuando ves lo que entra en él en la cantidad de personas en la cantidad de equipo. Pero mientras sigas algunas reglas fundamentales y pautas básicas sobre contar una historia con movimiento, descubrirás que no necesitas ninguno de esos equipos de gran fantasía o no necesitas toda gente extra. Solo necesitas una cámara capaz de capturar movimiento, y eso es todo. Entonces, empecemos con lo básico. La velocidad de fotogramas se expresa en fotogramas por segundo. También se refieren como FPs para cortometraje a 24 fotogramas por segundo, obtendrías el look cinematográfico al que estás acostumbrado cuando estás viendo películas. Es lo que te da ese bonito movimiento. El modo de lograr cámara lenta es filmar metrajes de la velocidad de fotogramas más rápida, como 60 o 120 fotogramas por segundo. Y luego reproduciste una velocidad estándar, algo así como 24 fotogramas por segundo. Una buena regla del pulgar respecto a la velocidad del obturador es que cuando estás filmando en tiempo real y no a cámara lenta para duplicar tu fotograma, correcto. Entonces, por ejemplo, si estás disparando a 24 fotogramas por segundo, dijo tu velocidad de obturación a 50. Hey allá, solo estoy montando nuestra cámara B para una sesión. actualidad, algunos de los ajustes estándar fueron disparando 24 fotogramas por segundo con obturador de 100 grados para mantener ese desenfoque de movimiento cinematográfico que todos estamos acostumbrados a ver y tenemos un eso base de 800 en esta cámara. Es una magia negra o tantos pro. Pero afortunadamente, esta cámara tiene integrados y filtros D que de lo contrario necesitarías poner delante de la lente. Por suerte, con esta cámara, todos son internos. Nos ayuda a subir bastante. Vamos a estar filmando la profundidad de color de 12 bits en bruto solo para que podamos obtener todo el rango dinámico y toda la información del sensor. Y nos da la capacidad de cambiar el i s so y cambiar mucho los ajustes después del hecho en caso de que nos metamos en problemas donde, como si fuéramos a disparar en pro rez, no podríamos hacer eso, Estaríamos encerrados en cualquier configuración en la que filmamos, y como que no te da mucha flexibilidad. Entonces para el para la película, estamos rodando en crudo para que tengamos esa capacidad de cambiar las cosas después, si es necesario. Desafortunadamente, no vamos a poder disparar sin pérdidas porque eso son unos 500 megabits por segundo y nos quedaríamos sin cartas en poco tiempo. Entonces vamos a disparar una relación de compresión de 3 a 1 con las lentes anamórficas que estaban usando. Desafortunado no pudieron utilizar la resolución completa de 4.6 K de esta cámara. Tenemos que ir a un modo anamórfico de tres latas. Entonces tenemos que ir a nuestro escenario, su vez, son dos veces anamórficos t apriete. Echemos un vistazo a algunos ángulos de cámara. El término ángulo de cámara siempre se refiere a la forma en que se compone un disparo. Ahora examinemos algunos ejemplos de cómo el ángulo de la cámara es relativo al sujeto. Cuando estás mirando un ángulo a nivel de ojo, esta es la vista más común siendo el ángulo de vista rial al que todos estamos acostumbrados. Muestra sujetos como esperaríamos verlos en la vida real. Se trata de un tiro bastante neutro. Ah, ángulo alto muestra al sujeto desde arriba. El camara esta tobillo hacia abajo hacia el sujeto, y esto tiene el efecto de disminuir al sujeto, haciéndolos parecer menos poderosos, menos significativos, débiles, asustados o incluso sumisos. Se utiliza un ángulo bajo cuando queremos mostrar sujetos desde abajo, dándoles la impresión de ser más poderosos o dominantes. Una vista de pájaro es una escena directamente desde arriba. Se trata de un punto de vista completamente diferente en algo antinatural, que puede ser utilizado para efecto dramático o mostrar diferente perspectiva especial. Lo opuesto a una vista de pájaro es la vista de gusanos. Este ángulo está cerca del suelo, mirando hacia arriba, transmitiendo un punto de vista antinatural desde el suelo hacia arriba. Un ángulo de inclinación inclinado o holandés es donde la cámara se inclina a propósito. Un lado para el horizonte está en ángulo. Esto crea un efecto dramático interesante. Comunicar confusión de algún tipo, o que algo no está bien. Ahora vamos a sumergirnos en los tipos de tiro. A menudo se utiliza un tiro ancho extremo como tiro de establecimiento en el tiro ancho extremo. El sujeto apenas es visible en el tiro medio ancho. El sujeto es visible, pero el énfasis sigue siendo colocarlo en su entorno. En un tiro ancho, el sujeto retoma el fotograma completo en un medio tiro. Mostramos más detalles del tema, pero nos eludimos todavía al sujeto completo, y en un acercamiento, cierta característica de parte del sujeto retoma el marco completo con un extremo de cerca. Podemos enfocarnos en detalles extremos de nuestro sujeto y el disparo por encima del hombro es cuando estamos mirando desde atrás a una persona al sujeto, un punto de vista, disparo o p. V es básicamente un disparo desde el punto de vista del tema. Estos son algunos consejos que puedes recordar si estás pasando de la fotografía a video con video, mover tu cámara es muy importante, pero tan importante como saber cuándo mover la cámara. Piensa en la composición a lo largo de tus tomas, cuál es la composición al inicio del video y luego nuevamente al final del video. Y estar al tanto de algunos problemas comunes a los que se enfrentan las personas cuando entran por primera vez al mundo del video. La mayoría de las cámaras te darán la opción de balance de blancos automático. Por lo menos, algunos te darán opciones para auto eso, pero esas suelen ser cámaras fotográficas en contraposición a las cámaras de cine. Pero realmente quieres asegurarte de mantenerte alejado de usar ajustes de auto porque dependiendo del tipo de iluminación, o estás entrando o saliendo de ella cambiará en cámara con balance de blancos que tendrá . A veces puedes tener fuentes de luz competidoras, Um, y eso confundirá típicamente confundirá a la cámara, y los colores también cambiarán en medio de la toma. El efecto que tiene es que hace que el público sea más consciente de la cámara que de la historia misma, y los quita de las historias. Por lo que quieres asegurarte de que siempre tomas lecturas de temperatura de color, ajustes del medidor de luz y bloqueas todos los ajustes. Antes de empezar a rodar. Estás buscando hacer la transición de la fotografía fija a video o película. Ahí afuera hay una cámara para absolutamente todo el mundo en cada absolutamente cada punto de precio. Las diferencias técnicas, si bien ciertamente algo a considerar, de ninguna manera deberían impedirte hacer esa transición. Todo lo que necesitas es un poco de creatividad. No, ninguna cámara te va a detener o ayudarte o hacerte contar una mejor historia. Todo depende de ti, no del campamento. Se pueden contar muchos tipos diferentes de historias a través del video, y dependiendo de cómo se dispara una toma, se puede cambiar totalmente su significado. Estado de ánimo y sentimiento. Entender algunos de estos conceptos básicos del cine te ayudará a lograr exactamente los resultados que estás tratando de transmitir. Esto termina nuestro primer episodio por favor regresa para el episodio dos, que va a ser todo sobre composición. Si te gustó el episodio, asegúrate de que, como, suscríbete y déjanos. Um, comentarios. Que tengas un hermoso día. Y otra cosa que debes saber sobre ser cineasta es que a veces podrías tener que quedarte despierto hasta las cinco de la maldita mañana. Qué divertido. Eso fue todo, por cierto. Ya terminamos, como, como, tan empacados. 2. Hacer el cuarto pared - Episode 2: composición y enfoque: Oigan, todos, bienvenidos a nuestro segundo episodio en nuestro tutorial, de Siri. Este episodio es todo sobre composición y enfoque. La composición es como un arte en sí mismo, y muchos la consideran como uno de los aspectos más importantes de la narración visual. El modo en que arreglaste las cosas en una toma puede contar una historia por sí sola. Y si estudias algunas de tus películas favoritas, notarás lo magistral que puede ser este arte. La composición no es sólo una decisión técnica, sino quizá uno de los aspectos más expresivos de la cinematografía. Composición es como uno posiciona diferentes elementos dentro del marco y la hábil decisión de qué mostrar y qué no mostrar y cómo mostrarlo. La pregunta, sin embargo, no sólo es dónde posicionamos estos elementos, sino también por qué. Por lo que aquí te presentamos algunos consejos de composición para que consideres dirigir intencionalmente la posición de los elementos en tu marco para realzar el significado, emoción y el resultado que deseas lograr. Técnicas clásicas de composición como la regla de los tercios siguen siendo útiles y todavía se encuentran hoy en día en video y cine profesionales. El principio de los tercios es una directriz que propone que una imagen debe imaginarse dividida en nueve partes iguales por dos líneas horizontales igualmente espaciadas y dos líneas verticales igualmente espaciadas , y que elementos de composición importantes deben colocarse a lo largo de esas líneas o de sus intersecciones. Trata de contar una historia completa con un solo disparo usando la composición para ayudarlo la composición primero y ante todo debe impulsar la atención de los espectadores. qué debería estar mirando la vista, y cómo puedes hacer que la miren? Estos son algunos ejemplos de composición para que los explores. sistema de cuadrantes es similar a la regla de los tercios, excepto el marco de división en cuatro cuadrantes, derecha izquierda, superior e inferior. Usar el marco dentro del marco es una gran manera de liderar. El espectador mira hacia un tiro, agregando profundidad y contexto y llamando su atención. A cierto punto, las líneas principales son otra gran herramienta compositiva. Se pueden utilizar para impulsar años de atención a una parte específica del marco, ya sea una persona o un punto de fuga, donde convergen todas estas líneas. Si tienes unos personajes imponentes, otro truco genial simplemente centrarlos en el marco. Se puede utilizar el espacio negativo para llamar una vez más la atención del espectador, o bien se pueden potenciar subliminalmente emociones específicas. Tus personajes aire fallando, teniendo mucho interés visual en el fondo de tus tomas, como la nieve de lluvia de viento, y hace un impacto aún mayor. Si tu sujeto está quieto y usando movimiento de grupos, puedes realzar una escena. Por el contrario, ing a un actor contra un grupo de personas equilibran el encuadre, escena y la profundidad son clave y cómo enmarcar el espacio en una escena. Ahora hablemos un poco de enfoque. Es importante encontrar tu enfoque antes de empezar a grabar, así que practica el movimiento con las manos de antemano. Si estás planeando mudarte dentro y fuera de foco, es muy popular ir por una profundidad de campo extrema y superficial. Pero trata de evitarlo a menos que sea necesario para tu historia o disparo, recomiendo encarecidamente invertir en mano focal uno o en inalámbrico. Si tienes un asistente de cámara focus extractor puñado para esto te ayuda a ver que todas tus encuestas de esa manera puedes pasar de un objeto a otra unidad. Necesitas tener a los imbéciles o algo así ahí, y era Tailandia en transición ponerse en el público, mirando las películas de Hollywood en busca de inspiración. Te darás cuenta de que gran parte del tiempo, la columna vertebral no está fuera de foco excepto a tomas específicas como acercamientos. Por lo que no tengas miedo de cerrar a una parada F inferior. Cuando tienes a dos personas en un tiro, puedes cambiar de enfoque entre ellas para ayudar a la historia. Usa los cambios de enfoque intencionales dentro de un disparo. No solo juegues con el foco. Cazando por tu tema. Un buen ejemplo para cambiar se enfoca cuando un personaje se vuelve a mirar algo, y se podría crear una sensación de ser ese personaje cambiando el dedo del pie del foco. Desvela lo que está mirando ese personaje. No hay nada malo. Nos estamos centrando. Ahí hay un enfoque cálido, no intencional que no encaja con la historia. Entonces si tu continente se enfocó, Pero estás tratando de conseguir una foto fija, esta hermosa, aún disparo de alguien un retrato, digamos solo de cazar. Enfócate dentro y fuera que sólo se ve jarring encontrarse en el medio así. Tengan un momento en esta película en el principio mismo, donde los exportadores se preparan para cometer un delito. Por lo que tenemos estos tirones de gran foco en otro enfoque. Eso es porque en su mente puesta, está un poco intoxicado. Está sintiendo un poco de ese zumbido, y estamos ahí mismo con una venganza y las cámaras entrenaron esa emoción. Pero si eres como te dije, si vas por un todo-tiro, no creo que sea buena idea. Tira el foco y cazar por él. Encuentra el foco. Ensayarlo. El bloqueo era originalmente un término de teatro. El referido de posicionar un movimiento de actores en escena en películas y cine. Bloquear una escena simplemente significa que trabajas los detalles con tus actores como faras su movimiento en relación a la cámara. Este conjunto en particular quiso darle a nuestro actor espacio que estoy interpretando, realmente en el momento que sintió algo que pudo haber sido mejor. Entonces si bien teníamos una forma de bloqueo B y C tipo de incorporada en el trabajo de la cámara y en algunos del diálogo, un poco de espacio para interpretaciones mientras el bloqueo es importante para especie de obtener el flujo inicial , Um, arte inicial, arte visual y arte de diálogo entre ambos como actores y la gente que está rodando, creo que construyendo en esa sala de meneo y sabiendo que tiene que haber un cierto margen de aire construido también, tú podría ser flexible con su ocurrencia Muy Así que gracias, chicos, por ver. Esperamos que se hayan divertido tanto como lo hicimos haciendo este episodio para ustedes chicos. Únete a nosotros la próxima vez en un episodio, todo sobre la iluminación. Y si te gustó este episodio, asegúrate de suscribirte, me gusta y dejar comentarios a continuación. Que tengas un hermoso día. El trabajo. Suficiente. Tenemos que arreglar eso. Se puede conseguir una lámpara nueva, por favor. Acerca de la iluminación. Y este es el fácil se va a llevar toda la noche. De acuerdo, Seguimos teniendo aviones estaban justo al lado de uno de los aeropuertos más grandes del mundo. Entonces, uh, tener aviones volando directamente sobre la cabeza y no quieres conseguir una toma perfecta y tener llano joderla hasta el último segundo. Entonces somos una sirena o pelea de perros, como si acabamos de tener a sus perros ladrando, pero vecinos enojados, vecinos enojados. Sí, camino. Camina a alguien esta mañana. No fue feliz. Sí, definitivamente. Tener 3. Hacer el cuarto pared - Episode 3: iluminación: Hola a todos, todos, y bienvenidos a nuestro tercer episodio en nuestro tutorial, de Siri. Hoy se trata todo del importante tema de la iluminación. Podemos hablar de iluminación y luz natural y mejores prácticas sobre cómo usar ambos - hermosa aplauso calle trasera con vistas a Atlanta, Georgia Downtown pista. Nuestro disparo matutino están en posición. Consigue la cámara tratando de obtener un disparo del centro de Atlanta con auto vandalizado Aquí. Apenas el sol está saliendo justo antes de que salga el sol para que podamos juntar todo eso y amable Buena hora mágica y sopló. Nuestros son dos de los mejores momentos del día para filmar con vida natural. La Hora Mágica es la hora que lleva a la puesta del sol o justo después del amanecer y sopló. Nuestro es el poco tiempo después de que se pone el sol, o justo antes de que salga azul. Nuestro es genial para escenas nocturnas y la iluminación de la hora mágica se puede aprovechar por sus calidades suaves y cálidas que hacen que tus tomas estén a la altura de su nombre. Como te puedes imaginar, trabajando dentro de estos horarios limitados del día, debes asegurarte de haber planeado tus brotes con anticipación. Bailar con luz es más sobre usar diferentes luces para crear ciertos estados de ánimo, sentimientos y tono, o realzar la historia que los directores tratan de contar a un director de fotografía Es tu trabajo asegurarte de que realmente transmitas lo que sea el director buscando con iluminación, cámara, movimiento de cámara y sí, y todo eso hace juntos si estamos tratando de llegar tarde algún día de mal humor o algo más divertido o si íbamos por algunos de los malhumorados y esta habitación, es obviamente contar que va a ser una conversación interesante. A lo mejor pasó algo. Algo está a punto de suceder, algo que agrega drama. Por lo tanto, pintamos esta escena con más de una iluminación estilizada dramática. La iluminación es uno de esos aspectos muy importantes de la cinematografía que, aunque en Girl, no necesariamente sigue un conjunto específico de reglas, ya que una configuración de iluminación diferente de la misma escena puede crear un estado de ánimo diferente hasta que un historia diferente. Dicho esto, aquí te presentamos algunas de las terminologías principales y más comunes para la colocación de iluminación. En primer lugar, hablemos de la luz clave. Un conjunto de iluminación de siempre comienza con enviar primero la luz clave. Por definición, esta es tu luz principal para la escena y se utiliza para eliminar a tu actor o sujeto para usos dramáticos. Experimentar con la colocación de las luces clave, por ejemplo, colocar la luz en el costado del actor puede crear un efecto dramático y misterioso. Después de configurar la luz clave, terminarás con algunas sombras sobre tu actor o tema. Aquí es donde entra la luz de relleno para llenar esas sombras, típicamente el filete desplazado frente a la luz clave y a una potencia menor en la luz clave . En ocasiones se puede lograr una luz de relleno utilizando un reflector. En tercer lugar, hablemos del contragolpe para ayudar a separar a tu actor o sujeto del fondo. Y para crear profundidad, una línea trasera se coloca detrás y típicamente contrata a tu actor o sujeto. Ahora hablemos de luces prácticas, lámparas, velas, velas, luces de coche, un televisor, monitor de computadora o pantalla de teléfono pueden utilizarse como una vida práctica. Esto puede mejorar tu historia donde crear algunos efectos únicos y dramáticos. Un par de formas de disparar una luz natural es usar el sol ya que tus líneas de espalda casi siempre evitan la luz solar aérea. No tengo el sol soplar tus caras de actores y crear sombras duras, creando una mirada poco favorecedora sobre todo, la iluminación estará incluso en tus actores si el sol está detrás de ellos, mientras que también ayudará a separarlos del fondo. Mejor así que intenta usar el sol como tu luz de fondo en su lugar. Por lo que en general hablando como director de fotografía siempre explora la ubicación previa y determina qué luces serán suficientes. Y después de eso, tómate tu tiempo. Haz que los planes aparezcan con una idea sólida que puedas ejecutar o por favor probarte. Muchos de nuestros contribuyentes, sin embargo, sí utilizan iluminación natural y práctica. Pero sugiero altamente al menos tratar de introducir algunos elementos de iluminación profesional y ejecutarlos o experimentarnos al final que definitivamente incrementará drásticamente la calidad fuera de escena, sus tomas y su final producto luces favoritas para trabajar con nuestras alfombrillas de luz y algo que estamos usando aquí luces led extremadamente delgadas, y sirven un propósito muy específico. Pero siempre son fáciles de usar, fáciles de aplicar y cada situación y rápido eficiente y producen gran ubicación tardía es obviamente muy fundamental para tu película. Más pequeña, uh, producción de cortometrajes. Por lo que queríamos elegir ubicaciones que ya tenían una gran iluminación por lo que no se instalaron demasiado Obviamente tenemos un poco hoy estamos teniendo que seguir bloqueados. . Esta ubicación en particular es un ejemplo perfecto para la luz natural utilizada, adecuada o apropiadamente, en este caso, más ligera, bastante difusa, basada en lo que está pasando fuera de camino tenía algunos encuadernados on solo para llenarlo. Pero en realidad nunca instalamos ninguna luz siempre y cuando las exposiciones corrijan y la calidad de vida esté ahí, creo que deberías estar siempre llegar a ir. Y aunque sí introduzcas luces, vas siempre debes ser para recrear la luz natural. Cuando enciendes cosas , nunca debería parecer. Deja que se sienta como si no fueran luces y, como si no supieras trabajar. Mejores espectáculos de trabajo Sin palabra, creo. Y en este caso, trabajamos por el tiempo. Ya sabes, escenario de defensividad, por supuesto, pero a veces sólo llegó a rodar con él. Trabaja con lo que tienes, que es esta luz natural. Disparar con luz natural puede ser muy liberador, y puedes lograr algunos resultados sorprendentes cuando se hace bien. Pero asegúrate de planear tus brotes con anticipación y traer las herramientas adecuadas para el trabajo. Porque la luz natural puede ser notoriamente difícil de controlar cosas como límites y filtros D y banderas todos pueden ayudar con todo eso. También es importante considerar el momento del día que vas a disparar. Y no te olvides de tu historia porque todas las diferentes formas en que vamos a usar la luz natural realmente pueden realzar esa historia. Estamos usando Different para ayudarnos a mantener nuestra exposición para parar o a mitad de camino mantener el campo poco profundo en tu bastante abierto a un campo donde tu oficina de personajes Quiero ser tu lata . Algún día saliste. Aplica D's en algunas cámaras tienen un incorporado para estas gafas de sol, muchas veces cuando estás disparando en configuraciones con iluminación natural, especialmente configuraciones súper anchas donde no puedes contratar a alguien en operar una grúa con como un boom masivo, que la mayoría de nosotros no tenemos. El recurso es para mis muchas veces como usar los rascacielos playoff. El sol en el rascador del cielo usando eso es como una difusión o cantidades justo aquí tenemos un hermoso, enorme rascacielos sobre mi izquierda, ese lado iluminando mi cara perfectamente una manera muy barata y fácil de crear algunos bonitos iluminación dinámica sin tener que configurar ninguna vida en absoluto. A veces, Daniel, me gustaría ser un poco de corazón o un poco demasiado país demasiado fuerte o tal vez el último demasiado fuerte y el talento de fondo es demasiado oscuro o, ya sabes que hay sombras duras. Entonces estás tratando de que vuelva a parecer más natural. Eso va a siempre vino con aspecto natural. Um, para que siempre Siempre introduzcas la difusión, y de esa manera puede suavizar tu tarde. Por lo que a veces ayudaremos con las sombras duras. A veces rol. Simplemente hará que se vea menos así. RSI menos cuando ella al filmar en luz natural Bounce es tu amiga. A menudo, cuando estás usando iluminación práctica led o iluminación fluorescente, como todas estas fuentes de luz tienen diferente potencia. Las frecuencias de actualización sobre lo que sucede es si la frecuencia de actualización de potencia en la velocidad de obturación en un ángulo de obturación DSLR en una cámara Sumer más pro, alta y cámara. Si esos no coinciden, obtienes parpadeo. A veces, um, eso es muy, muy difícil. Casi imposible arreglar un poste. Algunas fuentes de luz simplemente no funcionarán en absoluto porque la potencia de la tasa fresca o bien viene por una mala fuente de energía o hay demasiada o muy poca energía yendo a la fuente de luz real . Entonces hay un desajuste en que va a ser el parpadeo, pero eso es sólo algo para ser muy, muy inundación mental porque arruina por completo tu tiro. Déjate distraer para ver ese parpadeo en el sensor. Entonces si ese problema no sube, solo necesitas ajustar tu ángulo de obturación en una cámara más alta o la velocidad de obturación en una DSLR, generalmente en algún lugar entre, como 61 60th de un 2do 1/80 de segundo arreglará la mayoría de esa película aquí. Pero es sólo algo con lo que hay que jugar hasta que se vea bien en cámara grabando una escena donde le está pasando a nuestros grandes problemas de madrugada. Con esto, apenas están el verano pasado ya llegando tiro. De verdad no sé que hijo podría ser jugado por ahí. Estos casos caminarían. Esto suena algo así como un plano 20 por su absoluto fuera de marco. Pero en este caso, recursos de tiempo para hacer decente. ¿ Tienes? Gracias por ver Hope aprendiste mucho. Intentas ganar esta cosa, por cierto. Ah, aquí vamos. Uh, únete a nosotros la próxima vez, aunque para entonces episodio todo sobre movimientos motivados de cámara, uno de mis temas favoritos. Y si te gustó este episodio. Asegúrate de que, como, suscríbete y déjanos algunos comentarios. Que tengas un hermoso día. Voy a tratar de conseguir este rodaje en luz natural puede ser muy tengo los buenos goles ahora esto es genial y solo tomó 50 tomas Y todas las diferentes formas en que la luz natural puede realzar esa historia esta 4. Hacer el cuarto pared - Episode 4: movimiento de cámara: Hola a todos, a todos, y bienvenidos a otro tutorial muy emocionante. En el episodio de hoy, vamos a hablar de uno de nuestros temas favoritos. Movimiento de cámara. Para cualquiera que pase de la fotografía al movimiento de la cámara de video es quizás una de las cosas más importantes. Toe aprende, acostúmbrate y ten en cuenta durante cada forma de rodaje antes de hablar de otra cosa. Lo que probablemente deberíamos salir del camino es la regla más importante Creemos que debes saber. Si vas a mover tu cámara, debes hacerla intencional y respaldarla con alguna manera de motivación muy necesaria que significa por movimiento intencional de la cámara. Intentando no tener sacudida la cámara cuando no se supone que trate de usar Gimbels, Steadicam, aparejos de hombro y cualquier toma de mano intencional. Tan solo asegúrate de que estés estable ya que la menor cantidad de movimiento podría ser molesto para el público. Incluso el movimiento más pequeño se ve mucho más pequeño en tu monitor de cámara que en la pantalla más grande. Si vas a estar caminando con tu cámara o moviéndola a través de una escena, casi definitivamente necesitarás algún tipo de apoyo. Siguientes personajes en pantalla. Tienes un par de opciones. ya sea puedes moverte con ellos con dispositivo de estabilización como leva estable o un deslizador están prohibidos o dobles. O podrías hacer mucho con un problema con, y es solo un punto de vista secundario, así que a veces te saco de ella. Siéntete más como un espectador que con otra gran consideración que hacer con tu movimiento de cámara. ¿ Su lente es la distancia focal? uso de lentes más largas puede hacer que sea mucho más difícil obtener material de archivo suave porque parecía una porción tan pequeña de la escena usando una lente focal más amplia. Contraste, Klay ayuda de enfatizar el movimiento de las cámaras y hacer que los pequeños golpes y sacudidas sean mucho menos perceptibles. El truco más grande que enmarcó Así ayuda Way Muy buen ejemplo de hacer mucha planeación. El motivo por el que queremos asegurarnos de que tu movimiento de cámara esté motivado es que cada vez que optes por mover tu cámara o usar una herramienta con la que mover tu cámara, debes tener alguna intención detrás de ella, y luego debería apoyar tu historia. Como se puede ver haciendo trampas aquí. Esa hermana disparó consiguiendo lo que parecía un prospecto en otro auto que circulaba por los garajes de estacionamiento. Seguimiento con son unos cuantos bolso en este momento. Coche de velocidad Sí, estable. Seguimiento de True City. Si quisieras mover la cámara de un personaje a otro, si querías un pan de una parte de una escena a otra, podrías hacerlo usando algo que la cámara pueda seguir que pueda ayudar a esa transición y hacer mejor el disparo. Y también mantiene al público comprometido. Esto podría ser una persona paseando por la noche y siendo pasada la dejó caer. Es una manera muy buena de hacer esto. Otro ejemplo de movimiento motivado de cámara es la poción y empuje hacia fuera cuando tu historia lo requiera. Podrías considerar mover la cámara lentamente hacia tu sujeto, agregando al momento una capa de importancia, profundidad emocional o para mantener a tus espectadores la atención de lo que es importante. Además, estos pueden usarse para enfatizar el punto de vista o la situación de un personaje en la que se encuentra. Es fácil querer mover la cámara todo el tiempo, pero cuando estás usando el movimiento de la cámara de una manera intencional y motivada, es en esos momentos, tus personajes y la historia simplemente brillarán. Hey chicos, esto concluye el cuarto episodio sobre movimiento motivado de cámara. Esperemos que ya sepas cuándo y cómo mover tu cámara. Únete a nosotros para el próximo y último episodio sobre la emoción de las lentes. ¿ Te gusta este video? Asegúrate de suscribirte, me gusta y deja algunos comentarios y que tengas un hermoso día. Gracias. Se lo agradezco de nuestros temas favoritos. Movimientos de cámara. Uh, no fue siguiendo personajes en pantalla. Tienes pareja. Entonces, antes de que tengamos algo más, vamos y volvamos aquí. Lo está haciendo bien, Ellen. No sé cómo sigues vivo. 5. Hacer el cuarto pared - Episode 5: la emoción de lentes: Hola a todos, todos, y bienvenidos al 1/5 y último episodio sobre cinematografía y realización cinematográfica. hoy vamos a hablar de lentes y lentes son parte crucial del proceso de contar historias y hacer cine. Son necesarios para lograr el tipo de disparo que requiere el director DP o historia. Las lentes también pueden ayudarnos a transmitir emociones específicas que queremos que experimente el público y en algunos casos, esas emociones subyacentes del aire que contrastan con lo que realmente están haciendo los personajes. 3500 disparos. Porque aquí, particularmente tanto rodar 50 como ambos ser personal y mostrar ambiente tan puente cerca. El motivo por el que los 80 mil y calumnias en este terrorista en su mayoría para enfocarse realmente en el personaje traicionó sus emociones, y yo duermo desde el mundo alrededor de un rastreo lateral con una distancia focal fija te trae al espacio con tu personaje, te trae a su mundo. Pero una lente zoom en su lugar separa al personaje de su entorno y eso y te trae más a su cabeza, así que es un poco más íntimo de esa manera, pero son dos muy diferentes, um, dispositivo de narración de cuentos. Entonces, ¿qué tipo de emociones puedes expresar eligiendo un cierto tipo de mezclas? En primer lugar, vamos a explorar qué sucede cuando se utiliza una lente gran angular. Una lente de gran angular típica tiene una longitud focal de 24 a 35 milímetros. El tipo de emociones que puedes lograr con este tipo de lentes es un sentido de ubicación. Al establecer un entorno o visto, también se puede crear una sensación de asombro o aislamiento. Estas lentes aire también son perfectas para paisajes comúnmente utilizados para establecer tomas. El uso de una lente de 50 milímetros puede lograr normalidad en perspectiva. Es básicamente lo que ven nuestros ojos. Entonces, si quieres capturar la vida cotidiana o crear un sentido de sentimiento o comprensión para tu personaje, o llevar tu año a escena, asegúrate de usar este lente. Estas lentes funcionan mejor para sujetos a distancia cercana a media. Telephoto y lentes de zoom pueden crear una increíble profundidad de campo y podrían utilizarse para dirigir la atención. Cierres de emociones importantes limita las distracciones. Te permite enfocarte en una respuesta. Puede insinuar y dar importancia a una línea de diálogo y mucho más. Telephoto y lente de zoom pueden hacer que el espectador se sienta muy cerca del sujeto. Para los retratos se utilizan muchas veces lentes telefoto más cortas, ya que tienden a hacer que tu sujeto realmente destaque por atrás. Las lentes macro pueden llamar la atención sobre la magia del espectáculo ordinario detalles, texturas, texturas, elementos importantes de la historia como objetos o incluso detalles sutiles de manos o rostros que de otra manera perdidos por los nueve humanos. Estas son algunas formas en que puedes lograr alguna profundidad emocional adicional para crear más empatía, puedes hacer que tu actor mire directamente en la lente. Esto puede crear empatía con ese personaje, haciéndolos más fáciles de conectar, potenciando las emociones que están sintiendo igual transmiten logradas con el actor Shot desde el frente. Pero el actor viendo justo más allá de los perfiles fuera de pantalla de la cámara puede crear misterio. Disparar a un actor y perfil podría tener un efecto descarado. Los hace menos identificables, los hace más misteriosos, como si estuvieran escondiendo algo, pueden ser menos accesibles. Algo que sigue siendo importante, ya sea que estés haciendo fotografía o video de los lanzamientos de modelo y permisos que necesitas tener en su lugar cada vez que filmes, es muy importante que consigas acuerdos en su lugar de propietarios o modelos para demostrar que aprueban lo que estás filmando o dónde estás filmando, o su participación en lo que estás haciendo. Solo es importante poner las cosas en la escritura del dedo del pie para evitar problemas más adelante y ayuda a usar una liberación de propiedad o un lanzamiento de modelo en lugar de ah, pedazo de papel. También puedes usar APS como Easy Release. Pero hoy tenemos unos periódicos analógicos anticuados, así que vamos a conseguir que nuestro dueño de la propiedad se registren desde el lanzamiento. Además, los permisos podrían ser un gran problema, a veces en ciudades más grandes. Por lo que me gusta tratar de o bien encontrar residencias privadas o lugares que parezcan tan atropellados. Al no le importaría si alguien estuviera filmando ahí. De todos modos, esta ubicación resulta ser un lugar para la gente decentemente, muchas veces porque la hermosa vista que tenemos detrás, usas un Heyzer cuando quieres thio minutos para el estado de ánimo, y es para crear un poco de ambiente donde tal vez no haya ninguno, y creo donde lo usamos, en realidad fue en ayuda de llenar algún espacio muerto, lo cual en realidad podría ser bastante útil para Así que tuvimos una fiesta que corrió mucho tiempo hasta la noche , y no quedaba mucha gente al final de la misma. Entonces encendimos un poco de neblina, creamos un poco de atmósfera y llenamos algunos de esos vacíos, y no necesitas mucho solo un poquito. ¿ Qué es cierto? ¿ Encuentras las historias que son significativas para ti? Y eso es algo que siento que te golpea el corazón o la cabeza. Te vas a echar más que la historia de otra persona o algo que no necesariamente crees. Es como, cierto, cierto, usar a un individuo como cineastas en ascenso y venideros, todos nosotros. Siempre debemos recordar experimentar, tomar riesgos. No te atasques en una cámara donde repetimos lo mismo. Tan solo asegúrate de que siempre empujamos la línea hacia adelante y levantamos el listón más alto y solo seguimos intentándolo. Sigue fallando. Pero mientras estemos tratando de hacerlo lo hará funcionar. Eventualmente valdrá al final. Apenas envueltos son cortometrajes, y eso significa que también es el final de los videos tutoriales. Muchísimas gracias por ver. Esperamos que los disfrutes, divertieras y también aprendas algo. Entonces si realmente te gustan los videos, asegúrate de suscribirte me como y dejarnos. Um, comentarios. Y, como siempre digo, que tengas un hermoso día. Personajes. ¿ Qué puedo conseguirlo? Voy a saltar del techo ahora es que hace frío, así que puedo hacer una pregunta. ¿ Qué es esa gran cosa?