Transcripciones
1. L1 DZW: Hola. Soy Piotr Zlotorowicz
y soy director de cine. Me gradué dirigiendo en la escuela nacional de cine
polaca en Lodz. Cuando estoy grabando esto,
mi reciente largometraje, Faithbreaker, se estrena
en festivales de cine. Hoy, quiero
enseñarte a filmar escenas que son potencialmente
peligrosas para los actores. Desde que empecé a hacer
películas en 2004, había adquirido algunas escenas
desafiantes
donde mi equipo tuvo que
contratar a un hombre de acrobacias profesional para filmar lo que se
planeaba en el guión. Ahora bien, en
realidad no importa cuál es el acto peligroso con el que
estés lidiando. Para rodar tu película, necesitas cooperar con un coordinador de acrobacias
para que esto suceda. En este curso, te
voy a dar herramientas para comunicar tus
ideas con tu equipo. También obtendrás consejos
prácticos y trucos provenientes de 18
años de experiencia. Comenzaremos con
la escena que rodé hace
unos años que implica
caerse del caballo. Te voy a mostrar
cómo pudimos filmar
la escena
con una sola cámara. Te voy a enseñar
a tener un
ensayo productivo
mostrándote metraje nunca antes visto detrás del escenario de los preparativos, y luego te voy
a enseñar a filmar una escena con
multicámara configuración. Por último, vamos a
analizar un truco donde se necesita trabajar bajo un
régimen de un tiro maestro, por lo que toda la escena
está siendo filmada en una toma ininterrumpida,
continua. Ahora bien, aunque no te interese hacer
películas con acrobacias, todavía
hay mucho valor
en conocer el proceso de preparación por el
que debes pasar como director. En este curso, te estoy
mostrando cómo usar storyboards y otro tipo de gráficos para expresar tus ideas. Tendrás acceso a materiales
que creé cuando me preparaba para filmar la escena que estoy
presentando en este curso. En esta clase, toda la teoría
está respaldada por ejemplos. Además, podrás practicar estas nuevas habilidades con
tres ejercicios. Si decides publicar
tus proyectos de clase, personalmente te
daré comentarios, esa manera, todos podemos
aprender como comunidad. Entonces ojalá, nos vemos
en la clase. [MÚSICA]
2. L2 de preparación V DZW: [MÚSICA] Gracias
por tomar mi clase. Por favor, recuerda que
en cualquier momento puedes acelerar o ralentizar el tempo de la
lección si quieres. Normalmente veo conferencias
con 1.5 velocidades. No obstante, durante estas conferencias, te
estaré mostrando ejemplos de escenas. Si eliges
acelerar el tempo de la conferencia, solo recuerda
volverlo a la normalidad cada vez que estemos viendo
las escenas de ejemplo. Empecemos con una pregunta. ¿Por qué
necesitarías siquiera de un doble para realizar toda la peligrosa
tarea en lugar de un actor? ¿No sería genial que lo hiciera un
actor mismo? Ciertamente sucedió en la
historia de Hollywood. Un ejemplo famoso
fue John Wayne quien realizó todas sus
acrobacias él mismo. Bueno, lo comprobé
y este rumor es falso. John Wayne hizo algunas
de sus acrobacias, pero nada realmente peligroso. Ahora, veamos un
clip del ejemplo. [RUIDO] [Risas] Ahora bien, se puede ver en este ejemplo
que está asegurado por un especialista que se está asegurando que el actor se mantenga intacto. En escenas realmente peligrosas, los profesionales hicieron
las acrobacias por él. Hay
que entender que el actor no
debe ser el que
realice las acrobacias. Puede ser tentador y algunos actores pueden incluso querer
hacer las acrobacias ellos mismos, pero simplemente no es práctico. No importa si tu película
tiene un presupuesto pequeño o no. En primer lugar, si algo
le va a pasar a un actor, se
parará toda
tu producción. Si un actor lamentablemente
se rompe el brazo, hay que
esperar hasta que
sane para seguir rodando. Otra cosa es que los especialistas están entrenados para hacer mejor las cosas
peligrosas. Saben
caerse o recibir puñetazos que no
hacen que se lastimen. Tienen mucho mejores
reflejos que el actor. Incluso si las cosas van a salir
mal durante el truco, con especialistas profesionales, tienes más posibilidades de todos
salgan con buena salud. Si tienes algo potencialmente
peligroso en tu película, contrata a un especialista profesional. Periodo. Ahora, otro tema es evaluar si incluso necesitas un especialista para hacer el truco. Si se trata de una escena en la
que un automóvil choca contra un edificio, probablemente
sea mejor hacerlo sin que nadie
conduzca el auto. Ahora bien, hay muchas maneras en
las que puedes hacerlo. Puedes tener el auto
sobre rieles que
vas a borrar en
postproducción. O puedes tener el auto controlado de forma remota
por un operador. Echa un vistazo a otra escena. Es de Gegen die
Wand o Head-On. [MÚSICA] En una escena que
estaba planeada así, no
había razón para meter a
nadie dentro de un auto. Como director, estás a
cargo de la calidad
de tu película y
necesitas trabajar en cargo de la calidad
de tu película y
necesitas estrecha colaboración con tu equipo de producción
para encontrar la manera de
lograr el mejor efecto posible que el presupuesto de
tu película puede manejar. Dado que el productor es el responsable de la
seguridad en el set, ustedes dos necesitan trabajar de cerca para evaluar si la idea que tienen de cómo quiere
filmar la escena exige una implicación
de un doble. Pero dejando a un lado
todas las excepciones, en el 99 por ciento de los casos, estarás lidiando con
situaciones en las que necesitarás filmar la parte peligrosa de la escena con un doble de acrobacias, quién es va a
reemplazar a tu actor. En este curso,
vamos a hablar las escenas que requieren
trabajar con especialistas. Ahora, sea cual sea esa situación en tu guión, puede
ser un accidente automovilístico o un salto o una caída
del caballo. Tu trabajo es dirigir la escena una
manera que puedas intercambiar al actor por un doble de
una manera invisible
para el público. Entonces después de que se realice la peligrosa
actividad, necesario cambiarlos nuevamente. Ahora, [Risas] déjame repetirlo porque es súper importante. Tu trabajo como director es
planificar una escena de tal
manera que
te dé la oportunidad de hacer esas transiciones
sin problemas. Hablemos del
proceso por el que estás
atravesando como director que está preparando una
escena con un truco, pero desde el
punto de vista de la producción. En primer lugar, usted y
su productor evalúan que la escena es potencialmente
peligrosa y que necesitará
un especialista involucrado. Tú como director, tienes que tener una idea inicial, ¿cómo quieres que se vea la
acción? Con esta idea,
vas a reunirte con un coordinador de acrobacias para discutir formas de lograr el
efecto que deseas. Un coordinador de acrobacias
es en la mayoría de los casos, un especialista muy experimentado
que te va a ayudar a diseñar cómo vas a
filmar esta escena en particular. Él es quien te
va a decir lo que es posible y lo que no
es posible. Es muy importante
que su director de fotografía también
asista a este encuentro. Con este coordinador de acrobacias vas a establecer
lo que es posible, y con el director
de fotografía, vas a planear
cómo vas a filmar la escena en
forma de storyboard. Un storyboard es una serie de dibujos similares
al cómic, donde vas a dibujar las imágenes que
quieras filmar. Tú y tu DOP
van a escoger las tomas exactas donde el actor será
reemplazado por el doble. Entonces, cuando tengas listo
el storyboard, es el momento de
consultarlo nuevamente con un coordinador de acrobacias para asegurarte que todos están
en la misma página. Vamos a pasar por
este proceso en detalle durante el estudio de caso
posterior en este curso. Ahora, quiero que recuerden que comunicación y la paciencia
es lo más importante aquí. Estas escenas son muy técnicas y cuanto más
vas a planificar con anticipación, mejor. Nos vemos en la próxima conferencia.
3. L3 de anticipación de corte V DZW: [MÚSICA] Siempre que estés fingiendo
algo en tu película, lo
vas a
esconder bajo un corte. Un corte es una transición
entre dos disparos. Hay reglas
sobre hacer recortes. Es una forma de arte en sí misma. No vamos a
hablar mucho del escurridizo arte de la edición cinematográfica. No es el tema
de este curso. No obstante, planear un corte es
tu trabajo como director. En una situación en la que
estás lidiando con un truco, es posible que quieras planear un corte
por dos posibles razones. Uno es cambiar a un actor por
un doble, obviamente. La otra razón para un
corte es mover el punto de vista de la cámara
a una mejor ubicación. Es porque algunos alumnos
van a quedar bien sólo desde uno o dos ángulos. Echemos un vistazo a un ejemplo de la película de John Wayne que ya
hemos visto. Ahora, ahí han fingido
un puñetazo. Veamos la escena
una vez más solo para refrescar tu memoria. [ANTECEDENTES] Ahora, obviamente, han trasladado la cámara a esta nueva ubicación porque no
querían demostrar que
el actor que estaba interpretando y nativo americano no le
pegó a John Wayne. Desde este ángulo,
sería visible que el puño de Nativo Americano voló
frente a la boca de John Wayne. Desde atrás,
sin embargo, funciona. Ahora, para mostrar el puñetazo
desde ese ángulo, necesitaban cambiar la
posición de la cámara. La parte difícil es que necesitan una razón
para hacer un corte, lo contrario,
parecerá sospechoso. Si la situación es estática
y nadie se mueve, y de repente te cortas
a otro lado de la barra, el público va a anticipar que algo
va a pasar. No quieres
que se anticipen
al puñetazo con sólo hacer un corte. Se considera mala edición. buena edición siempre sigue la
acción y no al
revés. En este ejemplo en particular, necesitaban un pretexto
para hacer un corte. Usaron un gesto de poner
la botella en la barra. Cualquier movimiento decisivo de un actor puede ser utilizado como
pretexto para hacer un corte. Por lo tanto, es
mucho más natural cambiar el punto de
vista a otro ángulo. Échale un vistazo una vez más. [ANTECEDENTES] Ahora, quiero que estén conscientes de eso cuando estemos
analizando otras escenas.
4. L4 trabajando en V DZW: [
MÚSICA] A veces el coordinador de acrobacias va a realizar
el truco él mismo. Por lo general, contratará a
un compañero que se especialice en este tipo
de acrobacias que se necesita, pero en producciones más pequeñas, sucede con más frecuencia. En la escena de ejemplo que
vamos a analizar en
la siguiente conferencia,
el coordinador de acrobacias tuvo
problemas para encontrar a un hombre acrobático cuyo tipo de cuerpo fuera similar al nuestro actor y
decidió hacerlo él mismo. Afortunadamente para nosotros,
era lo suficientemente parecido. Quienquiera que vaya
a estar en el set, usted como director tiene que
tratar a un hombre acrobático
como intérprete. Recuerdo cuando
estaba trabajando por primera vez con el hombre de
acrobacias, me sorprendió mucho lo involucrados que están en el
proceso de hacer la escena. Cuánto quieren
ayudarte a realizar tu visión. Después de cada intento, el
hombre del truco preguntaría, ¿cómo estuvo? ¿Quieres que
cambie algo? Usted como director, tiene que proporcionar esa
retroalimentación para ellos. Recuerda que las
acrobacias son parte de tu película y
se pueden llevar a cabo
de varias maneras. Esto es algo que tiene
un impacto en tu historia. Para darte un ejemplo, vamos a ver dos
clips de personas que reciben disparos. Ahora aquí está la primera escena. Prepárese. Esto va a ser un
alborotamiento. Vamos a ver. [RUIDO] Eso es suficiente. [Risas] Se podía ver
que estos hombres acrobáticos, estaban haciendo un
esfuerzo extra con los brazos y moviendo todo su cuerpo para hacer la escena más dramática. Un poco por
encima en mi opinión, esta película no ha envejecido bien. Es Wild Bunch
de Sam Peckinpah. En fin, si no
le das a tus hombres acrobáticos ninguna nota de dirección sobre
cómo quieres que se comporten, podrías esperar que
lo hagan ya que esta es una forma genérica de
ser rodado en las películas. Ahora, se puede decir a los hombres
acrobáticos que sean más realistas como en
el siguiente ejemplo. Veamos Inception. [RUIDO] Has visto a estos dos hombres
caer de balas. En Inception, Christopher Nolan quiso mostrar
al público que estos hombres con armas son bots que se generan
como en los videojuegos. Por eso le dijo a los hombres de acrobacias que se cayeran como si estuvieran apagados. Como puedes ver, todo
depende de la película que estés haciendo y del
efecto que busques. Otra cosa es que
necesitas entender que tienes que ser
decisivo en tu plató de filmación. Si después de la toma
todo funcionó, no
puedes esperar que los hagan otra toma solo
para mejorarla. que entender que en cada toma, están arriesgando su salud. Si lo lograron y
el tiro es aceptable, no les pidas que lo vuelvan a hacer. Cuando estás dirigiendo actores, puedes tener tantas tomas como el tiempo en el
set te permita. Es posible que sienta que
él o ella necesita una toma más para hacer una buena
actuación mucho mejor. Con el hombre acrobático, no
deberías hacerlo. que estar al tanto de algo que se
llama una micro lesión. Siempre que te vayas a
golpear a la ligera, puedes sufrir una lesión que es tan leve que ni
siquiera la sientes. Un hombre acrobático que está realizando la misma caída
una y otra vez, durante diferentes tomas se está infligiendo este tipo de
lesiones a sí mismo. Después de algunos años, estas pequeñas lesiones
pueden volver a ellas en forma de enfermedad o
vulnerabilidad a contusiones. Todo hombre acrobático es consciente
de este fenómeno, así que no te enojes con
ellos si quieren una razón específica por la que
necesitan volver a hacer el truco. Es porque su
salud está en juego. Puedes meterte en discusiones
muy interesantes en el set con tus hombres acrobáticos. En caso de algún problema, recuerda que tu
coordinador de acrobacias debe estar presente en el set y asistirte
con las conversaciones con los especialistas. Te di alguna teoría
fundamental, pero cada escena es
diferente y es mucho más fácil explicarla
dándote el ejemplo. Por lo tanto, en la próxima conferencia, vamos a tener un estudio de caso de una escena
que rodé hace unos años. Es una escena en la que tuvimos a un hombre acrobático cayendo
del caballo dos veces. Te voy a mostrar los pasos que dimos para
prepararnos para el rodaje. En todo el curso, decidí darte
tres ejemplos de las escenas con diferentes
formas de usar la cámara. El propósito de esto es
mostrarte cuánto impactan
las circunstancias de producción en los métodos para lograr
el efecto que deseas. decir, cómo vas a
escenificar la escena para la cámara. Con el primer ejemplo, te
estoy mostrando cómo disparar un truco con una sola cámara. Muy útil cuando
comienzas
como director y estás trabajando
con presupuestos más pequeños. Nos vemos en la próxima conferencia.
5. L5 una cámara V DZW: [MÚSICA] En esta conferencia,
vamos a analizar una escena que dirigí. Esta es una escena teaser que
rodamos durante el periodo de
desarrollo. aquel entonces, yo era un director que aún no ha filmado su
primer largometraje. Esta película se suponía que iba a ser
mi primer largometraje. El objetivo de la
escena era mostrar a los
posibles inversores de
qué se trata
la película, el principal conflicto
entre los personajes y cómo
va a quedar la película. Elegimos la escena donde
hubo entrenamiento de caballos porque queríamos demostrar que somos capaces de
filmarla con éxito. Hoy este proyecto está en suspenso. Estoy planeando
reescribir el guión en
cuanto termine de
trabajar en mi segundo largometraje. En fin, me
complace poder mostrarte el clip y enseñarte a trabajar con dobles
en el proceso. La parte peligrosa obviamente es
caer del caballo. En este clip que estoy a
punto de mostrarles, hay dos caídas. El primero que
vemos de lejos; es el que
ves detrás de mí. El segundo es
mucho más dramático porque estamos más cerca
con la cámara. Voy a detener la
escena justo después de la segunda caída y después
vamos a hablar de ello. Vamos a ver. [RUIDO] [ EXTRANJERO] [RUIDO] En la segunda
parte de la escena, va a
haber un
enfrentamiento entre hermanos. Pero lo paré ya que estamos aquí para hablar de las acrobacias. Con el primer truco, la cámara está tan lejos
que no tuvimos que encontrar una manera inteligente de intercambiar al
actor por un doble. Esto fue filmado tan amplio
que no nos preocupaba que alguien reconociera
que este no es un actor. El segundo truco fue mucho más complicado porque la
cámara está más cerca. Veamos esta
situación disparo a tiro. [RUIDO] Solo
hay un disparo
con el doble. Voy a marcar los tiros
para ti y repetirlos. [RUIDO] Echemos un vistazo al momento de la
primera transición. Se ve al actor caminando
hacia el caballo. Comienza a montar el caballo, luego tenemos un corte, y la persona que termina montar el caballo
es un especialista. La clave aquí es ocultar el
corte bajo un movimiento físico. Siempre que un personaje está
haciendo un movimiento brusco, es un buen pretexto
para hacer un corte. Este movimiento puede ser cerrar una
puerta o golpear a alguien. Siempre que va a ser, tienes que planificarlo con
anticipación en detalle, especialmente cuando estás trabajando con una sola cámara
como lo hicimos aquí. Este es mi primer consejo, planifica todo hasta
el último detalle. Usa storyboards para que todos sepan exactamente cuál es tu idea. Estos storyboards serán
tu principal herramienta para trabajar con tu coordinador de acrobacias y tu director
de fotografía. Ustedes tres
deben planear todo de antemano y luego mostrárselo
al resto de la tripulación. Ahora, veamos
los storyboards que creamos cuando nos estábamos
preparando para la escena. Voy a centrarme en el momento exacto de
la primera transición. Como pueden ver aquí, lo
dibujé a mano sobre papel. Si quieres echarle un
vistazo a esto a tu propio ritmo, descarga esta guía del
curso. Marqué especialmente
qué tiro es el que estamos intercambiando un
actor por un doble. Cascadeur en polaco
significa doble. Ahora, puede parecer que es aburrido ser tan
meticuloso al respecto,
pero confía en mí, la precisión lo
hace funcionar. Si intentas freestyle
una escena así, probablemente
vas a fallar. Mi primer consejo fue planear todo
hasta el último detalle. Ahora, mi segundo consejo
es tener un ensayo. Si es posible que
veas el truco antes, hazlo. Este es un ensayo que
hicimos el día anterior al tiroteo. Ya transportaron
al caballo
al lugar para que pudiéramos
tener una hora para probar acrobacias. Este es nuestro coordinador de acrobacias, Arthur, quien también hizo el truco. Es un intérprete increíble y un gran especialista también. Tengo muchas ganas de volver a
trabajar con él. Aquí puedes verlo vistiendo todo el equipo de protección que estaba escondido debajo del disfraz
durante el tiroteo. Como pueden ver, mi
director de fotografía y yo estábamos filmando para buscar ángulos de cámara
interesantes. Después,
revisaríamos estas grabaciones. Arthur entregó en el truco lo que se prometió
con el caballo, así que decidimos apegarnos a lo que se planeaba
en el storyboard. Ahora, puedes considerar un
ensayo de un truco como un lujo. Cuando estás aplastando un silo de
grano en un edificio, o estás aplastando dos autos, no vas a
tener un ensayo. Simplemente va a pasar una vez
en el set y eso es todo. Pero si es algo
así como una escena de pelea o una caída o
personas que están en llamas, cualquier cosa que le tenga una
coreografía,
se encuentra con un ensayo. Recuerden sobre eso. Ahora, mi tercer consejo es filmar la escena en el
orden correcto, disparo a disparo. Por lo general, cuando estás
filmando una escena que es tan técnica y
tienes todo planeado, puedes tener la tentación de
filmarla fuera de orden. A lo mejor habrá
una mejor luz por
la tarde desde otro
ángulo de la cámara u otras
razones de producción por las que se te
pedirá mezclar el orden de
las tomas, no lo hagas. Con acciones que tanto
dependen del movimiento, hay
que
dispararles uno por uno. La continuidad del movimiento
tiene que ser la misma. Imagínese que el hombre acrobático
se sentaría en el caballo mucho
más lento que el actor, y entonces el corte no funcionaría. El público sentiría que
algo andaba mal. Puede que no sepan exactamente
por qué, pero lo sentirán. Al filmar la escena
en el orden correcto, es mucho más fácil asegurar que la continuidad del
movimiento sea la correcta. En mi opinión, en mi escena, la primera transición
cuando un actor está montando un caballo es perfecta. Pero echemos un vistazo al momento durante
la
segunda transición [RUIDO] ¿Ves eso? Sigue funcionando, pero no es perfecto. Se puede ver que
el hombre acrobático se movía mucho
más rápido que el actor. Vuelva a echar un vistazo [RUIDO] Es lo suficientemente bueno, pero podría ser mejor. Recuerdo que al editar, tuvimos que usar esta toma en
particular porque en otras tomas, el actor no rodaba
lo suficientemente rápido al
inicio de una toma. Como director, hay que estar
al tanto de eso. Ahora bien, ¿cómo puedes controlar la continuidad del movimiento
cuando estás disparando, cuando estás en el set? Es necesario pedirle al camarógrafo
que reproduzca el clip con el truco exitoso y lo
juzgue en el acto. También puedes contratar un editor de inicio que va
a hacer las ediciones en el set. Es una elección muy inteligente. Cuando estábamos haciendo esta escena, no
teníamos presupuesto para eso. Pero si pudiera pagarlo, entonces me gustaría tener
un apoyo así. En cambio, recuerdo que le pedí al asistente de cámara que tocara el tiro con un truco
exitoso, y luego
estimaría la intensidad
del movimiento a ojo. Rodar la película,
rodado a rodado en el orden correcto
te brinda esta oportunidad. Ahora, hablemos
del cuarto consejo que ya
repasé mientras hablaba de mantener el orden correcto de los disparos y la continuidad
del movimiento. El cuarto consejo
es comprometerse con el tiro correcto mientras
estás disparando. Cuando estamos dirigiendo actores, tendemos a elegir
las tomas correctas en la mesa de edición o tu
editor lo hace por ti. Bueno, escenas con acrobacias, exigen decidir entonces
y allá en el acto. Ahora bien, ¿por qué es esto importante? ¿Recuerdas cuando te
hablé de la continuidad del movimiento? Cada disparo va a
diferir un poco. No se puede controlar completamente cómo va
a caer
un hombre acrobático de un caballo. Echemos un vistazo a las
tomas que he elegido. Podría haberse caído fácilmente con la cabeza del otro lado. Entonces, ¿qué?
Sería ineditable. Por eso hay que
decidir entonces y allá qué tiro
va a ser. Puede sonar aterrador
porque puedes pensar : “¿Y si elijo
el tiro equivocado?” Pero no creo que lo hagas, porque las escenas de acrobacias
son muy técnicas. El hombre acrobático o logró hacer el
truco o no lo hizo. Es completamente
diferente a trabajar con actores. Cuando tienes una escena de
diálogo con un actor y estás dirigiendo
sus sutiles emociones, probablemente
necesitarás
tomar decisiones, qué tiro elegir cuando estás en la
mesa de edición, es normal. Con escenas de diálogo, realmente
necesitas sentir el estado de ánimo de la escena
para tomar una decisión. Aquí, es mucho más sencillo. Es decir, confía en mí, lo
vas a ver. Si tuvo éxito, entonces lo fue. Si falló,
también lo vas a ver el y le
pediremos que lo vuelva a hacer. Como puedes ver, con todos estos cuatro dispositivos
que te di, todos
exigen
que puedas
ver el avance
del truco en el set. Es realmente crucial
que tengas tu propio monitor de vista previa. También es importante que le pidas a
un asistente de cámara que te muestre la toma del truco
siempre que necesites
controlar la continuidad
del movimiento. No dejes de mostrar la
toma de un truco al actor para que después de
que escuche acción, pueda emular el
movimiento del hombre acrobático. Cuando estábamos filmando la escena, teníamos el monitor de
vista previa digital fuera de esta escuela de equitación. Como pueden ver, esto estaba muy
lejos ya que es
un complejo tan vasto. Para trabajar más rápido, terminé dando los
comentarios del Director junto a la cámara. Yo preveía todo con los actores en la pantalla polar de
enfoque, que estaba unida
a la cámara. Cuando te estás preparando para
rodar una escena como esta, tienes que planificar de antemano
cómo vas a previsualizar el truco en el set. Lo mejor es que tengas tu
propio monitor inalámbrico. Un monitor como este se llama clamshell por alguna razón. Solo pídalo, alguien de tu equipo
de producción. O si estás produciendo
la película tú mismo, entonces pregunta el alquiler de la cámara. Seguro lo van a tener. Nos vemos en la próxima conferencia.
6. Proyecto de clase L6: [MÚSICA] [RUIDO] [EXTRANJERO]. Ahora, hemos comenzado esta
clase con una escena. Lo hice a propósito
así que sería más cómodo para
ti volver a jugarlo. Ahora, obviamente es una escena de Jackie Chan
sin un hombre acrobático. Como dije antes, si esta
película se produjera hoy, tu equipo de producción
querría que filmes la escena con un hombre de acrobacias en lugar
de un actor principal. razón, se lastimó durante el tiroteo de
este truco en particular, y tuvo que ir al hospital. Ahora bien, en este ejercicio, quiero que se imaginen
que es director de esta película. Tu proyecto de clase es
preparar el storyboard donde
señalarás cómo filmarías esta escena. Estás restringido a
tener una sola cámara. En la escena original, hay varios ángulos de cámara, se supone que debes
elegir solo uno. Ahora bien, es importante que lo
hagas en papel, y después de leerlo, otras personas puedan entender
cuál es tu plan. Estoy esperando que
planee tres disparos. Primero uno con el actor, luego el segundo
con el hombre acrobático, y luego el tercero con el actor nuevamente después de
la transición. Si quieres, puedes
hacerlo más complejo, pero planear solo
tres tomas es suficiente. Ahora, espero que recuerden
cuando estábamos
hablando de crear una
anticipación del corte. Esta escena es un buen
proyecto
porque es un
ejemplo negativo de esta regla. En esta escena, el montaje
está presagiando la acción. Recuerda, te dije que los recortes deberían
seguir la acción, no al revés. Echa un vistazo al momento
antes de que Jackie vaya a saltar. [RUIDO] Como has visto, antes de que Jackie
saltara, pudimos
verlo desde muy lejos
en el plano ancho. De esa manera, sabíamos que
iba a saltar. En este caso,
lo hicieron a propósito para mostrar al público que es
el propio
Jackie Chan
haciendo el truco, por lo que sacrificaron la regla de
que la edición
siempre debe seguir la acción. Si quisieran
respetar la regla, este corte se
vería de la siguiente manera. En el primer plano, Jackie Chan
está iniciando el salto. Entonces tenemos un corte, y cortamos a un tiro ancho
cuando ya está en el aire. [RUIDO] Ahora bien, para tener claro
tu proyecto, cuándo vas a estar trabajando
en tu proyecto, quiero que respetas la regla. Quiero que se cree
una anticipación del corte planificando una escena donde la peligrosa
tarea la va a llevar a cabo un especialista
profesional. Ahora bien, no
te animo a filmarlo
con tus amigos, ni a hacer algo
parecido a esto. Los hombres acrobáticos son profesionales, no trates de imitar
lo que hacen. Es posible que te lastimes en el
proceso, así que no lo hagas. La parte más educativa
de este proceso para ti
como director es expresar
tus intenciones en papel. Si no sabes cómo
hacer guiones gráficos, consulta la guía que está disponible para esta clase. Encontrarás un ejemplo de un storyboard de
la escena que
analizamos en la conferencia
anterior, también
encontrarás una plantilla de un storyboard que
podrás multiplicar. Ahora bien, cuando estés dibujando, recuerda que
el propósito del storyboard es
ser comprensible, no estar al tanto. O sea, si puedes dibujar es
genial, pero no tienes que hacerlo. Ahora bien, para que entiendas lo que
se supone que debes hacer, voy a presentar mi propuesta de filmar la escena como un proyecto también. Mi consejo para ti es
que lo mires
cuando termines de dibujar
tu propia idea primero. Ahora bien, hay algunas formas
de hacer esta escena. Algunas ideas son más
fáciles de hacer que otras. No es mi posición
juzgar cuál es mejor
que la otra. Cuando esté
viendo tus proyectos, pensaré si tienes éxito en expresar
tu idea o no, y voy a dar comentarios a
cada proyecto enviado, así que asegúrate de enviarlo. Nos vemos en la próxima conferencia.
7. L7 multi cámara V DZW: [MÚSICA] Ahora,
voy a mostrarte materiales del set
con mucho mayor presupuesto. Los principios son los mismos. Sin embargo, si puedes
usar varias cámaras, facilita la edición. En esta conferencia,
vamos a analizar el truco de Joker donde el
personaje es atropellado por un auto. Esta es una escena donde Joker está huyendo de la policía, es atropellado por un auto, luego se pone de pie
y sigue corriendo. Veamos el clip
de la película. [MÚSICA] Arthur, tenemos que
hablar. Arthur. [RUIDO] Ahora veamos la escena en cámara
lenta donde
voy a marcar qué tomas son interpretadas por un actor y cuáles son interpretadas
por un hombre acrobático. [MÚSICA] [RUIDO] En la conferencia anterior, ya
hablamos intercambiar un actor por
un hombre acrobático. Mi conjetura es que primero
le han disparado al truco. En este tipo de situaciones, nunca se sabe dónde va a aterrizar el
especialista, en
qué posición
va a estar, así que lo más conveniente es disparar primero el truco
y luego trabajar con el actor para emular el movimiento del hombre
acrobático en
dos momentos cruciales. Ahora, el primer momento clave es la transición entre
el actor y el hombre acrobático. Ahora, recuerdas
cuando te hablé crear una anticipación
del corte. En esta escena, Joker está
corriendo por la ciudad, por
eso no tuvieron que
encontrar una forma inteligente ocultar el corte que intercambiará al actor por
un hombre acrobático. Cuando alguien corre, esperas el corte porque necesitas ver
al actor viajando. Cada vez que cortan, la cámara está en un nuevo lugar de la ciudad. Primero las escaleras, luego la acera, luego está cruzando la
calle y así sucesivamente. Entonces la primera transición
es muy sencilla, solo
tienes
que asegurarte de que ese hombre acrobático tenga el mismo tipo de
cuerpo que un actor. El hecho de que esté usando un maquillaje facilita aún más
las cosas. Ellos le dispararon primero al truco. Entonces tuvieron
que asegurarse de que Joaquin Phoenix, quien interpreta a Joker, aterrice en el suelo
de manera similar. Tengo algunas
imágenes detrás de escena desde otro ángulo, así que veamos eso. [RUIDO] De nuevo, en
un truco como este, nunca se sabe cómo
va a quedar exactamente el movimiento. Como puedes ver, el hombre
acrobático está rodando su cuerpo para absorber la
energía del impacto. En el proceso de rodar,
está mirando a su alrededor, orientándose y moviendo
ya su cuerpo para aterrizar adecuadamente para que no
sufra una lesión. Como te dije antes, los hombres
acrobáticos entrenan mucho de antemano
para obtener estos reflejos. El hombre acrobático
completa con éxito el truco, luego el director
se compromete con un disparo. Ahora, un actor
llega al set. Cuando estaban
disparando el truco, probablemente
estaba en el maquillaje. Joaquín llega al
set y ve el exitoso truco con el director en un monitor de
avance. Joaquín ve el movimiento. Se le muestra en el monitor donde exactamente
se supone que debe correr, donde va
a encontrarse con el auto en la calle y
donde se supone que debe caer. Mientras se lleva a cabo esta preparación con
el actor, todos los demás departamentos están trabajando para garantizar la continuidad. Ahora bien, si la ventana
del auto se agrietó, entonces se reemplaza el auto. A juzgar por el tamaño
de la producción, creo que han tenido otro
auto esperando por si acaso y noten que estoy diciendo
que si la ventana se agrieta. En la escena, se puede
ver que se agrietó pero podrían haber
agregado esta grieta en CG, que es la abreviatura de gráficos por
computadora. Eso lo hicieron antes en esta
película, mira esta toma. ¿Te lo dije? Eres un ******up, Arthur, y un mentiroso. Estás despedido. [RUIDO] Este efecto
visual de agrietamiento del vidrio se agregó en la posproducción para hacer que
la toma sea más dramática. En fin, ahora están
listos para disparar a Joaquín, por lo que ensayaron el movimiento. Lo están haciendo muy despacio. El objetivo del ensayo es establecer la
secuencia de señales. El conductor necesita ver dónde está el lugar para
golpear con éxito al actor en la calle. El conductor necesita ser puesto en cola por asistentes de
producción para comenzar a conducir en el momento adecuado, por lo que conoce al actor
en el lugar correcto. Obviamente, Joaquín no va a correr con toda su fuerza sobre el auto, el actor va a detenerse frente al
auto y empujar hacia atrás para que quede bien el momento
en que caiga a la calle. Ahora, he encontrado un metraje
que algunos paparazzi filmaron cuando estaban filmando la escena o
ensayando. Vamos a ver. [RUIDO] Como puedes ver aquí, el actor está haciendo el 10
por ciento del esfuerzo. Se le olvidó saltar sobre
el capó del auto. Me imagino que fue una de las primeras tomas o un ensayo, así que Joaquín no tenía
su momento adecuado. En fin, después de algunos intentos, se pusieron más
cómodos y encontré este tiro donde el
movimiento es más extremo. Se parece más a la toma que se utilizó en la
película, échale un vistazo. [RUIDO] Ahora puedes ver lo mojado está
su disfraz por
rodar sobre un pavimento mojado. Esto quiere decir que hubo
varios intentos de esto. Ahora, pasemos
al tema de usar muchas cámaras para
filmar el truco así. Veamos un clip en
cámara lenta e intentemos contar cuántas cámaras se
utilizaron para filmar este truco. Ahora, ¿estás listo?
Vamos. [RUIDO] Conté para ángulos de cámara, voy a volver a reproducir
la escena con tomas individuales
marcadas en la pantalla. [RUIDO] Probablemente
han tenido
más cámaras ahí pero han
terminado usando sólo cuatro. Ahora, cuando tienes un presupuesto para cámaras
adicionales es una excelente
manera de cubrir la escena, tendrás más opciones
mientras estás editando. Es una práctica común
editar escenas como esta desde muchos ángulos
porque la hace más dinámica. Obviamente, hay que
asegurarse de que las cámaras no se
filman entre sí, si lo hacen, se puede hablar ocultarlas en
la estenografía. Aquí en esta escena, tienes una cámara
que está dentro de un auto que potencialmente
podría ser visible. La mayoría de las veces no
va a ser un problema porque
en tu edición final, los disparos se van
a mostrar en una sucesión
tan rápida
que nadie se dará cuenta. Pero si por alguna razón cámara es visible tal vez pasó
algo, no
sé, tal vez un repentino rayo de luz del cielo
iluminó la lente, y ahora es el
elemento más brillante de el marco, entonces puedes borrarlo en CG. Por lo general, no es gran cosa para un profesional, costará algo
pero si tienes dinero para rentar un par de cámaras
con equipos para operarlas, luego rastrear y borrar algo del
tiro no
debería ser un problema. Ahora, hablemos qué tipo de cobertura
quieres tener. Ahora bien, no tiene sentido tener pocas cámaras si todas filman
el truco de la misma manera. En primer lugar, es necesario
poner las cámaras en dos posiciones
perpendiculares entre sí. Veamos el esquema
que he preparado. Por cierto este esquema está
disponible en la guía. Asegúrate de echarle un vistazo. No quieres demasiados ángulos, esta
configuración perpendicular elimina los problemas de
las cámaras
filmando entre sí. En Joker, tienes dos cámaras desde la parte frontal y
una lateral. Todas las cámaras están
estacionarias en trípodes, la que está en el carro
se fija en una posición, otras
tres están siguiendo el movimiento del personaje
durante el disparo. Las cámaras están estacionarias
en trípodes como dije antes, estas tomas se ven dinámicas porque los hombres de la cámara están rastreando a
Joker moviendo las cabezas del
trípode. En tiros anchos, este
movimiento parece más sutil, en tiros medianos
este movimiento parece más errático ya que Joker
se mueve muy rápido. Ahora, cuando tienes
tantas cámaras, necesitas tener una diversidad
de los tamaños de tomas. Aquí tenemos dos tiros
establecidos, uno es un disparo ancho en
la parte delantera del auto, el otro plano ancho
está dentro del auto. No obstante, en la edición, han utilizado no como
una toma estableciendo, ya que esta toma es
tan corta y muestra sólo el acto más dinámico de Joker golpeando el
parabrisas de un taxi. Yo diría que se usa como uno de los ángulos más dramáticos. Esta división se
trata principalmente de diferencia, ya sea un tiro ancho
o un tiro medio, los medios van a
ser mucho más dramáticos, los tiros
anchos van a
funcionar como tiros establecidos, los los que se utilizan después del truco para que el público
pueda orientarse. Es exactamente como
se usó en el Joker, después de tres tomas dramáticas, llega a ver un
plano amplio para establecer algunos rodamientos y
evaluar lo que sucedió. Veamos la escena
en cámara lenta para diferenciar los ángulos
de la cámara. [RUIDO] Yo diría que es una
buena práctica tener al menos un
tiro ancho y un medio, esa manera siempre se tiene un
equilibrio donde se puede usar el tiro ancho como tiro de establecimiento así los espectadores pueden ver
exactamente lo que está pasando, y entonces tienes el
medio para excitarlos. Esta fue la configuración multicámara, tuve el placer de hacer
una escena con dos cámaras, estábamos aplastando un
silo de grano en un edificio, lo
filmamos desde dos ángulos, es una configuración perpendicular al
igual que en Joker. Echa un vistazo a la
escena [ANTECEDENTES] Esta escena está en mi
película Fate Breaker. Siempre que estés filmando
algo que es tan espectacular y caro, [RISA] es inteligente
tener cobertura adicional
desde otros ángulos, especialmente cuando no
podrás repetirla. Cosas como esta
se puede hacer sólo una vez, sabíamos que nunca va
a caer de la misma manera y reconstruir el cobertizo que el silo destruyó en el set nunca
fue una opción. Entonces dos cámaras
fueron un movimiento inteligente. Ahora bien, a pesar de que esta escena fue consultada y preparada
con un coordinador de acrobacias, no
voy a
hablar de ello en este curso. Si bien los coordinadores de acrobacias
se
encargaron preparar el silo
y planear la caída, no
hay razón
para hablar de ello ya que durante la
grabación de The Fall, no
había nadie en la toma. No había ningún actor ni hombres de acrobacias en las inmediaciones cuando esta cosa se estrelló contra el edificio, el actor que
ves en el cuadro se sumó a la toma
en postproducción. Por lo tanto,
voy a hablar esta escena quizá en el
futuro en otro curso cada vez que voy
a cubrir imaginaciones
generadas por computadora ,
que es CGI. Esta fue la
configuración multicámara en escenas de Stunt. En la próxima conferencia, vamos a hablar de las situaciones en
las que no
puedes usar cortes para intercambiar a tu
actor por un hombre acrobático. Pero primero, déjame darte tu próximo
proyecto de clase. Nos vemos ahí.
8. Proyecto de clase L8 V DZW: [RUIDO] Oh Dios mío. Ahora, de nuevo, para
tu comodidad, he puesto el clip con el truco al inicio de la conferencia. Esta no es una película. De veras sucedió. Se trata de un accidente donde un
motociclista choca la parte trasera de un auto y tras hacer una
impresionante voltereta en el aire, aterriza en el techo de
un auto con los pies. Es una forma muy inusual de
sobrevivir al accidente. Se mueve igual que un superhéroe cuando está
aterrizando en el auto. Ahora, para el propósito
de nuestro ejercicio, vamos a suponer que nuestro especialista es capaz
de hacer precisamente eso. En la vida real, si
planeas un truco así,
tendrías que hacerlo
dentro de un estudio con un arnés especial o ir con animar
todo con CGI. Pero nuevamente, para el
propósito de nuestro ejercicio, vamos a suponer
que has encontrado un especialista que es capaz de
hacerlo al estilo Jackie Chan, es
decir, aplastar una bicicleta así y aterrizar en
el techo con sus pies. Ahora, digamos que
tu producción tiene un gran presupuesto y puedes
contratar cuatro equipos de cámara. En este proyecto de clase, quiero que planees un
truco usando cuatro cámaras. Tu trabajo como director
es averiguar los cuatro ángulos desde los que
ese truco quedaría genial. También hay que
decidir cuál
van a ser
tiros medianos o planos anchos. También puedes usar cámaras en movimiento, algo que se
llama brazo ruso. Se trata de una cámara en una grúa
que está adherida a un automóvil. Tu imaginación
es ilimitada aquí. Ahora, espero que marquen las posiciones de las cámaras
en el gráfico y dibujen, aproximadamente, qué ven
las cámaras. Como ejemplo,
puedes usar el gráfico de una conferencia sobre
el jogger de retraso en el crecimiento. Voy a dar observaciones a cada
proyecto que se presente. Puede que tengas que
esperar la semana o dos, pero me comprometo a
darte comentarios. Creo que es genial que
todos podamos aprender unos de otros. También voy a presentar
mi propio proyecto también. Pero mi consejo es que
le eches un vistazo cuando completes primero
tu propio proyecto. No quiero que mi idea
limite tu imaginación.
Buena suerte.
9. L9 mastershot V DZW: [MÚSICA] Hablemos de tomas
maestras o tiros largos, quieras llamarlo. Estoy hablando de la situación
cuando estás filmando toda
la escena con una larga toma desde el principio
hasta el final. Dado que todas las escenas deben
ser filmadas en una sola toma, no se
le permite
hacer ninguna edición. Básicamente, no se puede
usar cutscening. Esto significa que necesitarás coreografiar actores y
la cámara de la manera que te permita
intercambiar al actor con el dobles sin que
tu audiencia se dé cuenta. Ahora bien, las posibilidades de que
tengas que hacerlo en tu carrera son muy escasas ya que es una tarea
tan exótica. No hay muchas historias que exijan el escenario,
algo así. Nuestro ejemplo de hoy es
una de esas historias. Estamos hablando de
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri. Ahí hay una escena donde
Dixon está golpeando a Red Welby. Ahora, como director, tengo que admitir que
no hay razón dramatúrgica para hacer esta escena como toma maestra. Sería tanto
brutal si se filmara con edición regular. Creo que filmar la escena en una toma maestra
fue exagerar. Creo que el director
estaba tratando de presumir, y acabemos
este tema diciendo que Three Billboards
es una película maravillosa, incluso con toda esta flexión
innecesaria. Pero bien,
supongamos que tú, como director, tienes una buena razón para rodar la
escena como una toma maestra. Hay que encontrar la manera de intercambiar
al actor por un doble de acción durante el disparo
ininterrumpido. Ahora, veamos cómo lo hicieron. ver si puedes detectar
la transición, y luego te voy a
mostrar cómo lo hicieron. Vamos a ver
todo el tiro maestro. Pero primero, unas
palabras de advertencia. Esta escena es muy violenta, por lo que se aconseja la discreción del espectador. Haz lo que hacía cada **** de su vida, ayuda a la
gente. [MÚSICA] [RUIDO] ¿Qué está pasando el ****? [MÚSICA] [RUIDO] [MÚSICA]
¿A dónde vas? [RUIDO] Tú ******* cerdo, ¿qué diablos eres? [MÚSICA] Cállate. [MÚSICA]
Nos vemos, Rig. También tengo
problemas con los blancos. [MÚSICA] ¿A qué ****
estás mirando? [MÚSICA] Ahora veamos el
momento de la transición. Esta vez, voy a marcar
en la pantalla cuando estás viendo a un actor y cuando
estamos viendo al doble. ¿Qué diablos está pasando? [MÚSICA] [RUIDO]. ¿A dónde vas? [RUIDO] Tú ******* cerdo, ¿qué diablos eres? Cállate. [MÚSICA] Como puedes ver,
necesitaban encontrar un pretexto para enfocar la cámara en Dixon para que el actor pudiera correr abajo para maquillarse con sangre puesta, y al mismo tiempo, El doble está siendo
arrojado por la ventana. Te acuerdas cuando te
hablé de crear una anticipación del corte para
intercambiar al actor por un doble. En tiro maestro, no
tienes cortes obviamente, es un disparo continuo. Lo que haces es encontrar un
pretexto para enfocar la cámara en una acción que no involucre al actor al que quieres intercambiar. En Three Billboards
está la acción de Dixon rompiendo la ventana. Como puedes ver, la
mecánica del truco es similar a la situación
con la edición regular. Es necesario encontrar
una acción que vaya a centrar la atención de la
audiencia. La regla es que la cámara
debe seguir la acción, no al revés. Ahora, veamos el
detrás de escena. Aquí puedes ver el
momento exacto en el que cambiaron. El doble aterrizó a salvo en un camión lleno de
algo blando. Cuando Dixon bajaba
las escaleras, sacaron la camioneta del sitio de la cámara. El actor tuvo un rápido cambio de maquillaje con la sangre puesta
y mintió en el suelo. Una nota al margen, la mayoría de los tiros maestros se
hacen con Steadicam. Se trata de una plataforma de cámara que básicamente realiza el movimiento
del motor de la cámara. En este metraje detrás de
escena, se
puede ver que el
camarógrafo está operando la cámara sin un Steadicam. Es 100 por ciento portátil y es absolutamente espectacular. Está subiendo las escaleras con la cámara y
apenas está temblando. Supongo que se
estabilizó digitalmente
en posproducción, pero aún así es muy impresionante. Muy impresionante. Enhorabuena a la
tripulación y a los actores. Ellos son los
que lo hicieron realidad. Sólo para terminar, te
voy a dar el
ejemplo de una película donde esta postura de tiro maestro
fue decidida. Hacer un truco en una escena de
tomas maestras es muy desafiante y a veces estos desafíos son la principal fortaleza
de la película. En la película como Atomic Blonde, tienes un personaje muy
genérico de un tipo rudo que es interpretado
por Charlize Theron. Los primeros cinco minutos, pensarás que es
genial que hayan elegido la mujer en este personaje
parecido a Rambo, pero luego te quedas con la historia que es muy genérica. El principal entretenimiento de
la película son las peleas. El director de la película es un coordinador de acrobacias en X
así que te
imaginas que esta
película probablemente sea una lista de todas las cosas que quería hacer como
coordinador de acrobacias, pero que no era permitido por los
directores con los que trabajó. Atomic Blonde es probablemente
su opus magnum. En el caso de esta película, las escenas de acción son el
principal atractivo de la película, por lo tanto,
haciéndolas lo más exóticas y desafiantes
posibles tenía sentido. Con Tres Carteleras, es un caso totalmente diferente. Nos encanta esta película por
los personajes y la
historia y los diálogos. Es un gran drama y la
comedia a la vez, es una combinación muy rara. No creo que
nadie haya ido a ver Three Billboards por la escena
de la pelea. Siempre hay que pensar dónde está la calidad de su película. ¿Qué es mantener al público
frente a la pantalla? Presumiendo o como yo lo llamo, flexionar a veces es un
poco distrayente.
10. Proyecto de clase L10 V DZW: [RUIDO] Ahora bien, si quieres
profundizar en la puesta en escena de un truco, puedes seguir adelante y
planear una toma maestra de la misma escena a partir de la historia
policial de Jackie Chan. La escena de la que
hablo en su totalidad, puedes encontrar al inicio
del proyecto de primera clase. Para planear esta toma maestra, vamos a combinar storyboards con
el gráfico que
va a mostrar el momento de transición entre el
actor y el stunt man. Para facilitar las cosas
como proyecto propio, preparé una combinación de
este tipo de materiales para la escena que has visto en tres vallas publicitarias a las afueras
de Ebbing Missouri, puedes encontrar en
esta clase guía. Ahora bien, en este ejercicio, tu objetivo es
presentar tu idea para la realización de la escena en papel para que otros
puedan entender. Ahora, esta escena tiene una característica
interesante. Cuando Jackie Chan está saltando, está viajando desde el
primer o segundo piso hasta el fondo muy rápido. No se puede esperar que un tipo con un Steadicam salte de nuevo, no
terminaría bien,
obviamente, sin embargo, hay una tecnología para
ese tipo de situaciones. Hay grúas que el operador de
Steadicam puede abordar y ser transportadas
sin problemas por las escaleras. De esa manera podrás seguir
la acción en una sola toma. Asumamos que tienes un presupuesto para una grúa así. Otra suposición que puedes hacer es que puedes transportar al actor abajo antes el hombre del truco vaya
a dar su salto. Sería un reto enorme transportar
al actor desde el segundo piso hasta
el piso inferior en cuestión de segundos. Si un actor ya está esperando abajo cuando el
hombre de acrobacias está dando su salto, te
será más fácil
planear la segunda transición. Imaginemos que también tienes un dispositivo de teletransportación
en el set. Ahora, incluso con esas
simplificaciones, sé que es difícil. Es una tarea desafiante
que no sólo es técnica, sino también creativa. Por lo tanto, se puede pensar en
este proyecto como opcional. Ahora, me alegraré
si subes cualquiera de estos tres
proyectos de esta clase, porque los estudiantes
que harán eso en mi libro son una élite. Si vas a pasar por el esfuerzo de completar
los proyectos, prácticamente
te estás poniendo
en la piel de los directores, empezando a pensar en
trabajar con imágenes en movimiento, igual que un verdadero
director lo hace. Para animarte a
publicar tus proyectos, voy a repetirlo de nuevo. Estoy dando comentarios a
cada proyecto enviado. Normalmente reviso mis estadísticas
en línea una vez a la
semana y si veo
un proyecto enviado, voy a responder. Así que adelante y por favor
hazlo [Risas]. Buena suerte con los proyectos.
11. Actriz de actores L11 V DZW: [MÚSICA] No hagas escenas donde actores
interpreten cosas peligrosas. Esta conferencia está aquí por si acaso
intentaste ahorrar parte del dinero de la
producción y hacer que el actor lo hiciera. Siento que esta es una
frase que vale la pena repetir. No obstante, hay algunos ejemplos
interesantes que doblaron esta regla. Esto es Grindhouse Death Proof. Aquí se podía
ver claramente el rostro de una actriz realizando
estas locas acrobacias. A esta fila, Quentin Tarantino, superior una
mujer acrobática profesional que también es actriz. Recuerda cuando te hablé enfocarte en la
cualidad principal de tu película. Como director, hay que
tomar estas decisiones. Estoy seguro de que productores
y distribuidores preferirían contratar a
una estrella para este papel, como Uma Thurman
Sería más fácil
anunciar la película. Pero Quentin Tarantino fue con su visión de hacer la escena y los
productores lo respaldaron. Si este papel lo
interpretara una actriz regular, sería toda
esta escena de acción
donde estos dos autos están compitiendo con esta mujer en muy
difícil coreografiar toda
esta escena de acción
donde estos dos autos
están compitiendo con esta mujer en
el capó. Siempre se vería la
cara del doble de acrobacias, sin mencionar que ver
su cara cuando está luchando por mantenerse con vida hace que la escena sea
mucho más dramática. Esta es la primera exención. También puedes tener
escenas donde los actores están actuando junto a los hombres acrobáticos. Por lo general son
escenas de lucha donde un actor está masacrando hordas
de oponentes. En Atomic Blonde, la película que
mencioné antes, tienen esta enorme y
espectacular escena de tomas maestras donde Charlize Theron, que no es una mujer acrobática, está golpeando a muchos malos. Desde el principio
hasta el final es la propia actriz
actuando en el asiento. Ahora bien, ¿por qué es eso? Porque esta escena fue planeada consecuencia con la seguridad
del actor en mente. Ahora, fíjate que Charlize Theron solo
está lanzando puñetazos, y todo lo que
es peligroso realiza un hombre acrobático
profesional. [RUIDO] Una escena como esta
tiene que ser coreografiada. Si estás haciendo una película de acción, no
tienes que coreografiar
estas escenas tú mismo. Yo le pediría a un coordinador de acrobacias que coreografiara la escena de la
pelea por mí. Al más alto nivel de Hollywood, estos coordinadores de acrobacias se
preparan solos y entrenan a los actores
para las escenas también. También hacen sus
propios materiales anteriores, lo cual es absolutamente impresionante. Ahora,
lo mencioné para que sepas cómo se ve cuando
tienes presupuesto para ello. Cuando estás haciendo
tus primeras películas y el presupuesto no es tan alto, lo
más probable es que lo
estés coreografiando tú mismo con la ayuda de
tu coordinador de acrobacias. No hay absolutamente
nada malo en eso. Ahora, esto es casi
el final del curso. Nos vemos en la siguiente conferencia, que es la última conferencia.
12. L12 goodluck V DZW: [MÚSICA] Oye,
felicidades a ti. Espero que cada vez que te
enfrentes a
un reto de un estándar visto después ver esto,
sabrás qué hacer. Si has aprendido
algo valioso, por favor considera
hacer una revisión
del curso y publicar
tu proyecto, por supuesto. Me había dado cuenta de que
uno de los 60 alumnos clasifica el curso y aún menos
de ustedes publican los proyectos. Por favor, sea quien haga
el esfuerzo y revise el curso para que otros puedan
beneficiarse de su evaluación. Además, leer tus reseñas me
mantiene motivado. Enseñar en línea no
trae mucho dinero. Si pudiera ser honesto, nada comparado con la
escritura de guion y dirección, que es mi trabajo principal. Si quieres que
siga haciendo más, por favor avíseme
dejando caer una reseña positiva. Sobre todo que el tema de este curso en particular es
tan estrecho y especializado, que espero que el público
sea bastante pequeño. Ahora, la mejor manera de revisar mis cursos es mi página web,
explicó el cine, te animo a que lo
revises ya que estoy en diferentes plataformas y este lado siempre está actualizado. Una vez más, muchas
gracias por tomar mi clase, y ojalá, nos vemos
pronto de nuevo. Adiós. [MÚSICA]
