Cine: aprende a montar escenas peligrosas en tu película | Piotr Złotorowicz | Skillshare
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Cine: aprende a montar escenas peligrosas en tu película

teacher avatar Piotr Złotorowicz, Screenwriter & Director

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      ¡Hola!

      2:28

    • 2.

      Preparación con el coordinador de escenas de riesgo

      7:55

    • 3.

      Cómo crear una anticipación del corte

      3:20

    • 4.

      Cómo trabajar con dobles en el set

      7:11

    • 5.

      Cómo filmar las escenas con una cámara: estudio de caso, los 4 mejores consejos

      16:40

    • 6.

      Proyecto de clase 1

      6:01

    • 7.

      Filmar las escenas de riesgo con muchas cámaras: estudio de caso de una escena de riesgo en Joker,

      17:17

    • 8.

      Proyecto de clase 2

      3:01

    • 9.

      Escena de riesgo en una toma maestra: estudio de caso de una escena de "Tres anuncios por un crimen"

      10:04

    • 10.

      Proyecto de clase 3

      3:52

    • 11.

      Excepciones: los actores que realizan las escenas de riesgo

      3:50

    • 12.

      ¡¡¡Buena suerte!!!

      1:39

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

80

Estudiantes

--

Proyectos

Acerca de esta clase

Uno de los elementos clave para hacer películas es emocionar a tu audiencia. Nada crea un espectáculo como las escenas de riesgo. Me llamo Piotr. Soy un director de cine activo, y recibí mi educación en la Escuela Nacional de Cine Polaca en Łódź. Desde que hice mi primer cortometraje en 2004 he tomado bastantes escenas desafiantes donde mi equipo tuvo que contratar a un doble profesional. En esta clase te voy a enseñar a dirigir escenas de riesgo con éxito.

Esta clase es un curso especializado para personas que quieran ampliar sus habilidades cinematográficas. Además, los cineastas y directores principiantes aprenderán el valor del proceso de preparación cuando se está por filmar una escena exigente a nivel técnico. Hay herramientas que pueden ayudarte a comunicar tus ideas con tu tripulación, como los guiones gráficos, diagramas y lista de tomas, etc.

Esta clase incluye:

  • Cómo intercambiar entre el doble y el actor sin que la audiencia lo note,
  • Consejos de edición: crea una anticipación del corte,
  • Flujo de trabajo: preparativos con tu coordinador de escenas de riesgo,
  • Herramientas para comunicarse con la tripulación, como los guiones gráficos,
  • Ensayo de las escenas de riesgo,
  • Cómo trabajar con los dobles en el set: los 4 consejos más importantes,
  • Escenas de riesgo con una sola cámara,
  • Configuración de múltiples cámaras en las escenas de riesgo,
  • Escena de riesgo en una toma maestra (una toma ininterrumpida).

En este curso te comparto todo lo que me pareció útil para el montaje de escenas potencialmente peligrosas. Mi objetivo es darte los consejos prácticos que puedes usar en el set de tu película. Todos estos conceptos se explican como un estudio de caso de las escenas de mis películas, o películas reconocidas de otros directores, como Joker.

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Piotr Złotorowicz

Screenwriter & Director

Profesor(a)

I'm an academic teacher at Polish National Film School, a screenwriter, an award-winning director, and an online film teacher here on Skillshare.

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Transcripciones

1. L1 DZW: Hola. Soy Piotr Zlotorowicz y soy director de cine. Me gradué dirigiendo en la escuela nacional de cine polaca en Lodz. Cuando estoy grabando esto, mi reciente largometraje, Faithbreaker, se estrena en festivales de cine. Hoy, quiero enseñarte a filmar escenas que son potencialmente peligrosas para los actores. Desde que empecé a hacer películas en 2004, había adquirido algunas escenas desafiantes donde mi equipo tuvo que contratar a un hombre de acrobacias profesional para filmar lo que se planeaba en el guión. Ahora bien, en realidad no importa cuál es el acto peligroso con el que estés lidiando. Para rodar tu película, necesitas cooperar con un coordinador de acrobacias para que esto suceda. En este curso, te voy a dar herramientas para comunicar tus ideas con tu equipo. También obtendrás consejos prácticos y trucos provenientes de 18 años de experiencia. Comenzaremos con la escena que rodé hace unos años que implica caerse del caballo. Te voy a mostrar cómo pudimos filmar la escena con una sola cámara. Te voy a enseñar a tener un ensayo productivo mostrándote metraje nunca antes visto detrás del escenario de los preparativos, y luego te voy a enseñar a filmar una escena con multicámara configuración. Por último, vamos a analizar un truco donde se necesita trabajar bajo un régimen de un tiro maestro, por lo que toda la escena está siendo filmada en una toma ininterrumpida, continua. Ahora bien, aunque no te interese hacer películas con acrobacias, todavía hay mucho valor en conocer el proceso de preparación por el que debes pasar como director. En este curso, te estoy mostrando cómo usar storyboards y otro tipo de gráficos para expresar tus ideas. Tendrás acceso a materiales que creé cuando me preparaba para filmar la escena que estoy presentando en este curso. En esta clase, toda la teoría está respaldada por ejemplos. Además, podrás practicar estas nuevas habilidades con tres ejercicios. Si decides publicar tus proyectos de clase, personalmente te daré comentarios, esa manera, todos podemos aprender como comunidad. Entonces ojalá, nos vemos en la clase. [MÚSICA] 2. L2 de preparación V DZW: [MÚSICA] Gracias por tomar mi clase. Por favor, recuerda que en cualquier momento puedes acelerar o ralentizar el tempo de la lección si quieres. Normalmente veo conferencias con 1.5 velocidades. No obstante, durante estas conferencias, te estaré mostrando ejemplos de escenas. Si eliges acelerar el tempo de la conferencia, solo recuerda volverlo a la normalidad cada vez que estemos viendo las escenas de ejemplo. Empecemos con una pregunta. ¿Por qué necesitarías siquiera de un doble para realizar toda la peligrosa tarea en lugar de un actor? ¿No sería genial que lo hiciera un actor mismo? Ciertamente sucedió en la historia de Hollywood. Un ejemplo famoso fue John Wayne quien realizó todas sus acrobacias él mismo. Bueno, lo comprobé y este rumor es falso. John Wayne hizo algunas de sus acrobacias, pero nada realmente peligroso. Ahora, veamos un clip del ejemplo. [RUIDO] [Risas] Ahora bien, se puede ver en este ejemplo que está asegurado por un especialista que se está asegurando que el actor se mantenga intacto. En escenas realmente peligrosas, los profesionales hicieron las acrobacias por él. Hay que entender que el actor no debe ser el que realice las acrobacias. Puede ser tentador y algunos actores pueden incluso querer hacer las acrobacias ellos mismos, pero simplemente no es práctico. No importa si tu película tiene un presupuesto pequeño o no. En primer lugar, si algo le va a pasar a un actor, se parará toda tu producción. Si un actor lamentablemente se rompe el brazo, hay que esperar hasta que sane para seguir rodando. Otra cosa es que los especialistas están entrenados para hacer mejor las cosas peligrosas. Saben caerse o recibir puñetazos que no hacen que se lastimen. Tienen mucho mejores reflejos que el actor. Incluso si las cosas van a salir mal durante el truco, con especialistas profesionales, tienes más posibilidades de todos salgan con buena salud. Si tienes algo potencialmente peligroso en tu película, contrata a un especialista profesional. Periodo. Ahora, otro tema es evaluar si incluso necesitas un especialista para hacer el truco. Si se trata de una escena en la que un automóvil choca contra un edificio, probablemente sea mejor hacerlo sin que nadie conduzca el auto. Ahora bien, hay muchas maneras en las que puedes hacerlo. Puedes tener el auto sobre rieles que vas a borrar en postproducción. O puedes tener el auto controlado de forma remota por un operador. Echa un vistazo a otra escena. Es de Gegen die Wand o Head-On. [MÚSICA] En una escena que estaba planeada así, no había razón para meter a nadie dentro de un auto. Como director, estás a cargo de la calidad de tu película y necesitas trabajar en cargo de la calidad de tu película y necesitas estrecha colaboración con tu equipo de producción para encontrar la manera de lograr el mejor efecto posible que el presupuesto de tu película puede manejar. Dado que el productor es el responsable de la seguridad en el set, ustedes dos necesitan trabajar de cerca para evaluar si la idea que tienen de cómo quiere filmar la escena exige una implicación de un doble. Pero dejando a un lado todas las excepciones, en el 99 por ciento de los casos, estarás lidiando con situaciones en las que necesitarás filmar la parte peligrosa de la escena con un doble de acrobacias, quién es va a reemplazar a tu actor. En este curso, vamos a hablar las escenas que requieren trabajar con especialistas. Ahora, sea cual sea esa situación en tu guión, puede ser un accidente automovilístico o un salto o una caída del caballo. Tu trabajo es dirigir la escena una manera que puedas intercambiar al actor por un doble de una manera invisible para el público. Entonces después de que se realice la peligrosa actividad, necesario cambiarlos nuevamente. Ahora, [Risas] déjame repetirlo porque es súper importante. Tu trabajo como director es planificar una escena de tal manera que te dé la oportunidad de hacer esas transiciones sin problemas. Hablemos del proceso por el que estás atravesando como director que está preparando una escena con un truco, pero desde el punto de vista de la producción. En primer lugar, usted y su productor evalúan que la escena es potencialmente peligrosa y que necesitará un especialista involucrado. Tú como director, tienes que tener una idea inicial, ¿cómo quieres que se vea la acción? Con esta idea, vas a reunirte con un coordinador de acrobacias para discutir formas de lograr el efecto que deseas. Un coordinador de acrobacias es en la mayoría de los casos, un especialista muy experimentado que te va a ayudar a diseñar cómo vas a filmar esta escena en particular. Él es quien te va a decir lo que es posible y lo que no es posible. Es muy importante que su director de fotografía también asista a este encuentro. Con este coordinador de acrobacias vas a establecer lo que es posible, y con el director de fotografía, vas a planear cómo vas a filmar la escena en forma de storyboard. Un storyboard es una serie de dibujos similares al cómic, donde vas a dibujar las imágenes que quieras filmar. Tú y tu DOP van a escoger las tomas exactas donde el actor será reemplazado por el doble. Entonces, cuando tengas listo el storyboard, es el momento de consultarlo nuevamente con un coordinador de acrobacias para asegurarte que todos están en la misma página. Vamos a pasar por este proceso en detalle durante el estudio de caso posterior en este curso. Ahora, quiero que recuerden que comunicación y la paciencia es lo más importante aquí. Estas escenas son muy técnicas y cuanto más vas a planificar con anticipación, mejor. Nos vemos en la próxima conferencia. 3. L3 de anticipación de corte V DZW: [MÚSICA] Siempre que estés fingiendo algo en tu película, lo vas a esconder bajo un corte. Un corte es una transición entre dos disparos. Hay reglas sobre hacer recortes. Es una forma de arte en sí misma. No vamos a hablar mucho del escurridizo arte de la edición cinematográfica. No es el tema de este curso. No obstante, planear un corte es tu trabajo como director. En una situación en la que estás lidiando con un truco, es posible que quieras planear un corte por dos posibles razones. Uno es cambiar a un actor por un doble, obviamente. La otra razón para un corte es mover el punto de vista de la cámara a una mejor ubicación. Es porque algunos alumnos van a quedar bien sólo desde uno o dos ángulos. Echemos un vistazo a un ejemplo de la película de John Wayne que ya hemos visto. Ahora, ahí han fingido un puñetazo. Veamos la escena una vez más solo para refrescar tu memoria. [ANTECEDENTES] Ahora, obviamente, han trasladado la cámara a esta nueva ubicación porque no querían demostrar que el actor que estaba interpretando y nativo americano no le pegó a John Wayne. Desde este ángulo, sería visible que el puño de Nativo Americano voló frente a la boca de John Wayne. Desde atrás, sin embargo, funciona. Ahora, para mostrar el puñetazo desde ese ángulo, necesitaban cambiar la posición de la cámara. La parte difícil es que necesitan una razón para hacer un corte, lo contrario, parecerá sospechoso. Si la situación es estática y nadie se mueve, y de repente te cortas a otro lado de la barra, el público va a anticipar que algo va a pasar. No quieres que se anticipen al puñetazo con sólo hacer un corte. Se considera mala edición. buena edición siempre sigue la acción y no al revés. En este ejemplo en particular, necesitaban un pretexto para hacer un corte. Usaron un gesto de poner la botella en la barra. Cualquier movimiento decisivo de un actor puede ser utilizado como pretexto para hacer un corte. Por lo tanto, es mucho más natural cambiar el punto de vista a otro ángulo. Échale un vistazo una vez más. [ANTECEDENTES] Ahora, quiero que estén conscientes de eso cuando estemos analizando otras escenas. 4. L4 trabajando en V DZW: [ MÚSICA] A veces el coordinador de acrobacias va a realizar el truco él mismo. Por lo general, contratará a un compañero que se especialice en este tipo de acrobacias que se necesita, pero en producciones más pequeñas, sucede con más frecuencia. En la escena de ejemplo que vamos a analizar en la siguiente conferencia, el coordinador de acrobacias tuvo problemas para encontrar a un hombre acrobático cuyo tipo de cuerpo fuera similar al nuestro actor y decidió hacerlo él mismo. Afortunadamente para nosotros, era lo suficientemente parecido. Quienquiera que vaya a estar en el set, usted como director tiene que tratar a un hombre acrobático como intérprete. Recuerdo cuando estaba trabajando por primera vez con el hombre de acrobacias, me sorprendió mucho lo involucrados que están en el proceso de hacer la escena. Cuánto quieren ayudarte a realizar tu visión. Después de cada intento, el hombre del truco preguntaría, ¿cómo estuvo? ¿Quieres que cambie algo? Usted como director, tiene que proporcionar esa retroalimentación para ellos. Recuerda que las acrobacias son parte de tu película y se pueden llevar a cabo de varias maneras. Esto es algo que tiene un impacto en tu historia. Para darte un ejemplo, vamos a ver dos clips de personas que reciben disparos. Ahora aquí está la primera escena. Prepárese. Esto va a ser un alborotamiento. Vamos a ver. [RUIDO] Eso es suficiente. [Risas] Se podía ver que estos hombres acrobáticos, estaban haciendo un esfuerzo extra con los brazos y moviendo todo su cuerpo para hacer la escena más dramática. Un poco por encima en mi opinión, esta película no ha envejecido bien. Es Wild Bunch de Sam Peckinpah. En fin, si no le das a tus hombres acrobáticos ninguna nota de dirección sobre cómo quieres que se comporten, podrías esperar que lo hagan ya que esta es una forma genérica de ser rodado en las películas. Ahora, se puede decir a los hombres acrobáticos que sean más realistas como en el siguiente ejemplo. Veamos Inception. [RUIDO] Has visto a estos dos hombres caer de balas. En Inception, Christopher Nolan quiso mostrar al público que estos hombres con armas son bots que se generan como en los videojuegos. Por eso le dijo a los hombres de acrobacias que se cayeran como si estuvieran apagados. Como puedes ver, todo depende de la película que estés haciendo y del efecto que busques. Otra cosa es que necesitas entender que tienes que ser decisivo en tu plató de filmación. Si después de la toma todo funcionó, no puedes esperar que los hagan otra toma solo para mejorarla. que entender que en cada toma, están arriesgando su salud. Si lo lograron y el tiro es aceptable, no les pidas que lo vuelvan a hacer. Cuando estás dirigiendo actores, puedes tener tantas tomas como el tiempo en el set te permita. Es posible que sienta que él o ella necesita una toma más para hacer una buena actuación mucho mejor. Con el hombre acrobático, no deberías hacerlo. que estar al tanto de algo que se llama una micro lesión. Siempre que te vayas a golpear a la ligera, puedes sufrir una lesión que es tan leve que ni siquiera la sientes. Un hombre acrobático que está realizando la misma caída una y otra vez, durante diferentes tomas se está infligiendo este tipo de lesiones a sí mismo. Después de algunos años, estas pequeñas lesiones pueden volver a ellas en forma de enfermedad o vulnerabilidad a contusiones. Todo hombre acrobático es consciente de este fenómeno, así que no te enojes con ellos si quieren una razón específica por la que necesitan volver a hacer el truco. Es porque su salud está en juego. Puedes meterte en discusiones muy interesantes en el set con tus hombres acrobáticos. En caso de algún problema, recuerda que tu coordinador de acrobacias debe estar presente en el set y asistirte con las conversaciones con los especialistas. Te di alguna teoría fundamental, pero cada escena es diferente y es mucho más fácil explicarla dándote el ejemplo. Por lo tanto, en la próxima conferencia, vamos a tener un estudio de caso de una escena que rodé hace unos años. Es una escena en la que tuvimos a un hombre acrobático cayendo del caballo dos veces. Te voy a mostrar los pasos que dimos para prepararnos para el rodaje. En todo el curso, decidí darte tres ejemplos de las escenas con diferentes formas de usar la cámara. El propósito de esto es mostrarte cuánto impactan las circunstancias de producción en los métodos para lograr el efecto que deseas. decir, cómo vas a escenificar la escena para la cámara. Con el primer ejemplo, te estoy mostrando cómo disparar un truco con una sola cámara. Muy útil cuando comienzas como director y estás trabajando con presupuestos más pequeños. Nos vemos en la próxima conferencia. 5. L5 una cámara V DZW: [MÚSICA] En esta conferencia, vamos a analizar una escena que dirigí. Esta es una escena teaser que rodamos durante el periodo de desarrollo. aquel entonces, yo era un director que aún no ha filmado su primer largometraje. Esta película se suponía que iba a ser mi primer largometraje. El objetivo de la escena era mostrar a los posibles inversores de qué se trata la película, el principal conflicto entre los personajes y cómo va a quedar la película. Elegimos la escena donde hubo entrenamiento de caballos porque queríamos demostrar que somos capaces de filmarla con éxito. Hoy este proyecto está en suspenso. Estoy planeando reescribir el guión en cuanto termine de trabajar en mi segundo largometraje. En fin, me complace poder mostrarte el clip y enseñarte a trabajar con dobles en el proceso. La parte peligrosa obviamente es caer del caballo. En este clip que estoy a punto de mostrarles, hay dos caídas. El primero que vemos de lejos; es el que ves detrás de mí. El segundo es mucho más dramático porque estamos más cerca con la cámara. Voy a detener la escena justo después de la segunda caída y después vamos a hablar de ello. Vamos a ver. [RUIDO] [ EXTRANJERO] [RUIDO] En la segunda parte de la escena, va a haber un enfrentamiento entre hermanos. Pero lo paré ya que estamos aquí para hablar de las acrobacias. Con el primer truco, la cámara está tan lejos que no tuvimos que encontrar una manera inteligente de intercambiar al actor por un doble. Esto fue filmado tan amplio que no nos preocupaba que alguien reconociera que este no es un actor. El segundo truco fue mucho más complicado porque la cámara está más cerca. Veamos esta situación disparo a tiro. [RUIDO] Solo hay un disparo con el doble. Voy a marcar los tiros para ti y repetirlos. [RUIDO] Echemos un vistazo al momento de la primera transición. Se ve al actor caminando hacia el caballo. Comienza a montar el caballo, luego tenemos un corte, y la persona que termina montar el caballo es un especialista. La clave aquí es ocultar el corte bajo un movimiento físico. Siempre que un personaje está haciendo un movimiento brusco, es un buen pretexto para hacer un corte. Este movimiento puede ser cerrar una puerta o golpear a alguien. Siempre que va a ser, tienes que planificarlo con anticipación en detalle, especialmente cuando estás trabajando con una sola cámara como lo hicimos aquí. Este es mi primer consejo, planifica todo hasta el último detalle. Usa storyboards para que todos sepan exactamente cuál es tu idea. Estos storyboards serán tu principal herramienta para trabajar con tu coordinador de acrobacias y tu director de fotografía. Ustedes tres deben planear todo de antemano y luego mostrárselo al resto de la tripulación. Ahora, veamos los storyboards que creamos cuando nos estábamos preparando para la escena. Voy a centrarme en el momento exacto de la primera transición. Como pueden ver aquí, lo dibujé a mano sobre papel. Si quieres echarle un vistazo a esto a tu propio ritmo, descarga esta guía del curso. Marqué especialmente qué tiro es el que estamos intercambiando un actor por un doble. Cascadeur en polaco significa doble. Ahora, puede parecer que es aburrido ser tan meticuloso al respecto, pero confía en mí, la precisión lo hace funcionar. Si intentas freestyle una escena así, probablemente vas a fallar. Mi primer consejo fue planear todo hasta el último detalle. Ahora, mi segundo consejo es tener un ensayo. Si es posible que veas el truco antes, hazlo. Este es un ensayo que hicimos el día anterior al tiroteo. Ya transportaron al caballo al lugar para que pudiéramos tener una hora para probar acrobacias. Este es nuestro coordinador de acrobacias, Arthur, quien también hizo el truco. Es un intérprete increíble y un gran especialista también. Tengo muchas ganas de volver a trabajar con él. Aquí puedes verlo vistiendo todo el equipo de protección que estaba escondido debajo del disfraz durante el tiroteo. Como pueden ver, mi director de fotografía y yo estábamos filmando para buscar ángulos de cámara interesantes. Después, revisaríamos estas grabaciones. Arthur entregó en el truco lo que se prometió con el caballo, así que decidimos apegarnos a lo que se planeaba en el storyboard. Ahora, puedes considerar un ensayo de un truco como un lujo. Cuando estás aplastando un silo de grano en un edificio, o estás aplastando dos autos, no vas a tener un ensayo. Simplemente va a pasar una vez en el set y eso es todo. Pero si es algo así como una escena de pelea o una caída o personas que están en llamas, cualquier cosa que le tenga una coreografía, se encuentra con un ensayo. Recuerden sobre eso. Ahora, mi tercer consejo es filmar la escena en el orden correcto, disparo a disparo. Por lo general, cuando estás filmando una escena que es tan técnica y tienes todo planeado, puedes tener la tentación de filmarla fuera de orden. A lo mejor habrá una mejor luz por la tarde desde otro ángulo de la cámara u otras razones de producción por las que se te pedirá mezclar el orden de las tomas, no lo hagas. Con acciones que tanto dependen del movimiento, hay que dispararles uno por uno. La continuidad del movimiento tiene que ser la misma. Imagínese que el hombre acrobático se sentaría en el caballo mucho más lento que el actor, y entonces el corte no funcionaría. El público sentiría que algo andaba mal. Puede que no sepan exactamente por qué, pero lo sentirán. Al filmar la escena en el orden correcto, es mucho más fácil asegurar que la continuidad del movimiento sea la correcta. En mi opinión, en mi escena, la primera transición cuando un actor está montando un caballo es perfecta. Pero echemos un vistazo al momento durante la segunda transición [RUIDO] ¿Ves eso? Sigue funcionando, pero no es perfecto. Se puede ver que el hombre acrobático se movía mucho más rápido que el actor. Vuelva a echar un vistazo [RUIDO] Es lo suficientemente bueno, pero podría ser mejor. Recuerdo que al editar, tuvimos que usar esta toma en particular porque en otras tomas, el actor no rodaba lo suficientemente rápido al inicio de una toma. Como director, hay que estar al tanto de eso. Ahora bien, ¿cómo puedes controlar la continuidad del movimiento cuando estás disparando, cuando estás en el set? Es necesario pedirle al camarógrafo que reproduzca el clip con el truco exitoso y lo juzgue en el acto. También puedes contratar un editor de inicio que va a hacer las ediciones en el set. Es una elección muy inteligente. Cuando estábamos haciendo esta escena, no teníamos presupuesto para eso. Pero si pudiera pagarlo, entonces me gustaría tener un apoyo así. En cambio, recuerdo que le pedí al asistente de cámara que tocara el tiro con un truco exitoso, y luego estimaría la intensidad del movimiento a ojo. Rodar la película, rodado a rodado en el orden correcto te brinda esta oportunidad. Ahora, hablemos del cuarto consejo que ya repasé mientras hablaba de mantener el orden correcto de los disparos y la continuidad del movimiento. El cuarto consejo es comprometerse con el tiro correcto mientras estás disparando. Cuando estamos dirigiendo actores, tendemos a elegir las tomas correctas en la mesa de edición o tu editor lo hace por ti. Bueno, escenas con acrobacias, exigen decidir entonces y allá en el acto. Ahora bien, ¿por qué es esto importante? ¿Recuerdas cuando te hablé de la continuidad del movimiento? Cada disparo va a diferir un poco. No se puede controlar completamente cómo va a caer un hombre acrobático de un caballo. Echemos un vistazo a las tomas que he elegido. Podría haberse caído fácilmente con la cabeza del otro lado. Entonces, ¿qué? Sería ineditable. Por eso hay que decidir entonces y allá qué tiro va a ser. Puede sonar aterrador porque puedes pensar : “¿Y si elijo el tiro equivocado?” Pero no creo que lo hagas, porque las escenas de acrobacias son muy técnicas. El hombre acrobático o logró hacer el truco o no lo hizo. Es completamente diferente a trabajar con actores. Cuando tienes una escena de diálogo con un actor y estás dirigiendo sus sutiles emociones, probablemente necesitarás tomar decisiones, qué tiro elegir cuando estás en la mesa de edición, es normal. Con escenas de diálogo, realmente necesitas sentir el estado de ánimo de la escena para tomar una decisión. Aquí, es mucho más sencillo. Es decir, confía en mí, lo vas a ver. Si tuvo éxito, entonces lo fue. Si falló, también lo vas a ver el y le pediremos que lo vuelva a hacer. Como puedes ver, con todos estos cuatro dispositivos que te di, todos exigen que puedas ver el avance del truco en el set. Es realmente crucial que tengas tu propio monitor de vista previa. También es importante que le pidas a un asistente de cámara que te muestre la toma del truco siempre que necesites controlar la continuidad del movimiento. No dejes de mostrar la toma de un truco al actor para que después de que escuche acción, pueda emular el movimiento del hombre acrobático. Cuando estábamos filmando la escena, teníamos el monitor de vista previa digital fuera de esta escuela de equitación. Como pueden ver, esto estaba muy lejos ya que es un complejo tan vasto. Para trabajar más rápido, terminé dando los comentarios del Director junto a la cámara. Yo preveía todo con los actores en la pantalla polar de enfoque, que estaba unida a la cámara. Cuando te estás preparando para rodar una escena como esta, tienes que planificar de antemano cómo vas a previsualizar el truco en el set. Lo mejor es que tengas tu propio monitor inalámbrico. Un monitor como este se llama clamshell por alguna razón. Solo pídalo, alguien de tu equipo de producción. O si estás produciendo la película tú mismo, entonces pregunta el alquiler de la cámara. Seguro lo van a tener. Nos vemos en la próxima conferencia. 6. Proyecto de clase L6: [MÚSICA] [RUIDO] [EXTRANJERO]. Ahora, hemos comenzado esta clase con una escena. Lo hice a propósito así que sería más cómodo para ti volver a jugarlo. Ahora, obviamente es una escena de Jackie Chan sin un hombre acrobático. Como dije antes, si esta película se produjera hoy, tu equipo de producción querría que filmes la escena con un hombre de acrobacias en lugar de un actor principal. razón, se lastimó durante el tiroteo de este truco en particular, y tuvo que ir al hospital. Ahora bien, en este ejercicio, quiero que se imaginen que es director de esta película. Tu proyecto de clase es preparar el storyboard donde señalarás cómo filmarías esta escena. Estás restringido a tener una sola cámara. En la escena original, hay varios ángulos de cámara, se supone que debes elegir solo uno. Ahora bien, es importante que lo hagas en papel, y después de leerlo, otras personas puedan entender cuál es tu plan. Estoy esperando que planee tres disparos. Primero uno con el actor, luego el segundo con el hombre acrobático, y luego el tercero con el actor nuevamente después de la transición. Si quieres, puedes hacerlo más complejo, pero planear solo tres tomas es suficiente. Ahora, espero que recuerden cuando estábamos hablando de crear una anticipación del corte. Esta escena es un buen proyecto porque es un ejemplo negativo de esta regla. En esta escena, el montaje está presagiando la acción. Recuerda, te dije que los recortes deberían seguir la acción, no al revés. Echa un vistazo al momento antes de que Jackie vaya a saltar. [RUIDO] Como has visto, antes de que Jackie saltara, pudimos verlo desde muy lejos en el plano ancho. De esa manera, sabíamos que iba a saltar. En este caso, lo hicieron a propósito para mostrar al público que es el propio Jackie Chan haciendo el truco, por lo que sacrificaron la regla de que la edición siempre debe seguir la acción. Si quisieran respetar la regla, este corte se vería de la siguiente manera. En el primer plano, Jackie Chan está iniciando el salto. Entonces tenemos un corte, y cortamos a un tiro ancho cuando ya está en el aire. [RUIDO] Ahora bien, para tener claro tu proyecto, cuándo vas a estar trabajando en tu proyecto, quiero que respetas la regla. Quiero que se cree una anticipación del corte planificando una escena donde la peligrosa tarea la va a llevar a cabo un especialista profesional. Ahora bien, no te animo a filmarlo con tus amigos, ni a hacer algo parecido a esto. Los hombres acrobáticos son profesionales, no trates de imitar lo que hacen. Es posible que te lastimes en el proceso, así que no lo hagas. La parte más educativa de este proceso para ti como director es expresar tus intenciones en papel. Si no sabes cómo hacer guiones gráficos, consulta la guía que está disponible para esta clase. Encontrarás un ejemplo de un storyboard de la escena que analizamos en la conferencia anterior, también encontrarás una plantilla de un storyboard que podrás multiplicar. Ahora bien, cuando estés dibujando, recuerda que el propósito del storyboard es ser comprensible, no estar al tanto. O sea, si puedes dibujar es genial, pero no tienes que hacerlo. Ahora bien, para que entiendas lo que se supone que debes hacer, voy a presentar mi propuesta de filmar la escena como un proyecto también. Mi consejo para ti es que lo mires cuando termines de dibujar tu propia idea primero. Ahora bien, hay algunas formas de hacer esta escena. Algunas ideas son más fáciles de hacer que otras. No es mi posición juzgar cuál es mejor que la otra. Cuando esté viendo tus proyectos, pensaré si tienes éxito en expresar tu idea o no, y voy a dar comentarios a cada proyecto enviado, así que asegúrate de enviarlo. Nos vemos en la próxima conferencia. 7. L7 multi cámara V DZW: [MÚSICA] Ahora, voy a mostrarte materiales del set con mucho mayor presupuesto. Los principios son los mismos. Sin embargo, si puedes usar varias cámaras, facilita la edición. En esta conferencia, vamos a analizar el truco de Joker donde el personaje es atropellado por un auto. Esta es una escena donde Joker está huyendo de la policía, es atropellado por un auto, luego se pone de pie y sigue corriendo. Veamos el clip de la película. [MÚSICA] Arthur, tenemos que hablar. Arthur. [RUIDO] Ahora veamos la escena en cámara lenta donde voy a marcar qué tomas son interpretadas por un actor y cuáles son interpretadas por un hombre acrobático. [MÚSICA] [RUIDO] En la conferencia anterior, ya hablamos intercambiar un actor por un hombre acrobático. Mi conjetura es que primero le han disparado al truco. En este tipo de situaciones, nunca se sabe dónde va a aterrizar el especialista, en qué posición va a estar, así que lo más conveniente es disparar primero el truco y luego trabajar con el actor para emular el movimiento del hombre acrobático en dos momentos cruciales. Ahora, el primer momento clave es la transición entre el actor y el hombre acrobático. Ahora, recuerdas cuando te hablé crear una anticipación del corte. En esta escena, Joker está corriendo por la ciudad, por eso no tuvieron que encontrar una forma inteligente ocultar el corte que intercambiará al actor por un hombre acrobático. Cuando alguien corre, esperas el corte porque necesitas ver al actor viajando. Cada vez que cortan, la cámara está en un nuevo lugar de la ciudad. Primero las escaleras, luego la acera, luego está cruzando la calle y así sucesivamente. Entonces la primera transición es muy sencilla, solo tienes que asegurarte de que ese hombre acrobático tenga el mismo tipo de cuerpo que un actor. El hecho de que esté usando un maquillaje facilita aún más las cosas. Ellos le dispararon primero al truco. Entonces tuvieron que asegurarse de que Joaquin Phoenix, quien interpreta a Joker, aterrice en el suelo de manera similar. Tengo algunas imágenes detrás de escena desde otro ángulo, así que veamos eso. [RUIDO] De nuevo, en un truco como este, nunca se sabe cómo va a quedar exactamente el movimiento. Como puedes ver, el hombre acrobático está rodando su cuerpo para absorber la energía del impacto. En el proceso de rodar, está mirando a su alrededor, orientándose y moviendo ya su cuerpo para aterrizar adecuadamente para que no sufra una lesión. Como te dije antes, los hombres acrobáticos entrenan mucho de antemano para obtener estos reflejos. El hombre acrobático completa con éxito el truco, luego el director se compromete con un disparo. Ahora, un actor llega al set. Cuando estaban disparando el truco, probablemente estaba en el maquillaje. Joaquín llega al set y ve el exitoso truco con el director en un monitor de avance. Joaquín ve el movimiento. Se le muestra en el monitor donde exactamente se supone que debe correr, donde va a encontrarse con el auto en la calle y donde se supone que debe caer. Mientras se lleva a cabo esta preparación con el actor, todos los demás departamentos están trabajando para garantizar la continuidad. Ahora bien, si la ventana del auto se agrietó, entonces se reemplaza el auto. A juzgar por el tamaño de la producción, creo que han tenido otro auto esperando por si acaso y noten que estoy diciendo que si la ventana se agrieta. En la escena, se puede ver que se agrietó pero podrían haber agregado esta grieta en CG, que es la abreviatura de gráficos por computadora. Eso lo hicieron antes en esta película, mira esta toma. ¿Te lo dije? Eres un ******up, Arthur, y un mentiroso. Estás despedido. [RUIDO] Este efecto visual de agrietamiento del vidrio se agregó en la posproducción para hacer que la toma sea más dramática. En fin, ahora están listos para disparar a Joaquín, por lo que ensayaron el movimiento. Lo están haciendo muy despacio. El objetivo del ensayo es establecer la secuencia de señales. El conductor necesita ver dónde está el lugar para golpear con éxito al actor en la calle. El conductor necesita ser puesto en cola por asistentes de producción para comenzar a conducir en el momento adecuado, por lo que conoce al actor en el lugar correcto. Obviamente, Joaquín no va a correr con toda su fuerza sobre el auto, el actor va a detenerse frente al auto y empujar hacia atrás para que quede bien el momento en que caiga a la calle. Ahora, he encontrado un metraje que algunos paparazzi filmaron cuando estaban filmando la escena o ensayando. Vamos a ver. [RUIDO] Como puedes ver aquí, el actor está haciendo el 10 por ciento del esfuerzo. Se le olvidó saltar sobre el capó del auto. Me imagino que fue una de las primeras tomas o un ensayo, así que Joaquín no tenía su momento adecuado. En fin, después de algunos intentos, se pusieron más cómodos y encontré este tiro donde el movimiento es más extremo. Se parece más a la toma que se utilizó en la película, échale un vistazo. [RUIDO] Ahora puedes ver lo mojado está su disfraz por rodar sobre un pavimento mojado. Esto quiere decir que hubo varios intentos de esto. Ahora, pasemos al tema de usar muchas cámaras para filmar el truco así. Veamos un clip en cámara lenta e intentemos contar cuántas cámaras se utilizaron para filmar este truco. Ahora, ¿estás listo? Vamos. [RUIDO] Conté para ángulos de cámara, voy a volver a reproducir la escena con tomas individuales marcadas en la pantalla. [RUIDO] Probablemente han tenido más cámaras ahí pero han terminado usando sólo cuatro. Ahora, cuando tienes un presupuesto para cámaras adicionales es una excelente manera de cubrir la escena, tendrás más opciones mientras estás editando. Es una práctica común editar escenas como esta desde muchos ángulos porque la hace más dinámica. Obviamente, hay que asegurarse de que las cámaras no se filman entre sí, si lo hacen, se puede hablar ocultarlas en la estenografía. Aquí en esta escena, tienes una cámara que está dentro de un auto que potencialmente podría ser visible. La mayoría de las veces no va a ser un problema porque en tu edición final, los disparos se van a mostrar en una sucesión tan rápida que nadie se dará cuenta. Pero si por alguna razón cámara es visible tal vez pasó algo, no sé, tal vez un repentino rayo de luz del cielo iluminó la lente, y ahora es el elemento más brillante de el marco, entonces puedes borrarlo en CG. Por lo general, no es gran cosa para un profesional, costará algo pero si tienes dinero para rentar un par de cámaras con equipos para operarlas, luego rastrear y borrar algo del tiro no debería ser un problema. Ahora, hablemos qué tipo de cobertura quieres tener. Ahora bien, no tiene sentido tener pocas cámaras si todas filman el truco de la misma manera. En primer lugar, es necesario poner las cámaras en dos posiciones perpendiculares entre sí. Veamos el esquema que he preparado. Por cierto este esquema está disponible en la guía. Asegúrate de echarle un vistazo. No quieres demasiados ángulos, esta configuración perpendicular elimina los problemas de las cámaras filmando entre sí. En Joker, tienes dos cámaras desde la parte frontal y una lateral. Todas las cámaras están estacionarias en trípodes, la que está en el carro se fija en una posición, otras tres están siguiendo el movimiento del personaje durante el disparo. Las cámaras están estacionarias en trípodes como dije antes, estas tomas se ven dinámicas porque los hombres de la cámara están rastreando a Joker moviendo las cabezas del trípode. En tiros anchos, este movimiento parece más sutil, en tiros medianos este movimiento parece más errático ya que Joker se mueve muy rápido. Ahora, cuando tienes tantas cámaras, necesitas tener una diversidad de los tamaños de tomas. Aquí tenemos dos tiros establecidos, uno es un disparo ancho en la parte delantera del auto, el otro plano ancho está dentro del auto. No obstante, en la edición, han utilizado no como una toma estableciendo, ya que esta toma es tan corta y muestra sólo el acto más dinámico de Joker golpeando el parabrisas de un taxi. Yo diría que se usa como uno de los ángulos más dramáticos. Esta división se trata principalmente de diferencia, ya sea un tiro ancho o un tiro medio, los medios van a ser mucho más dramáticos, los tiros anchos van a funcionar como tiros establecidos, los los que se utilizan después del truco para que el público pueda orientarse. Es exactamente como se usó en el Joker, después de tres tomas dramáticas, llega a ver un plano amplio para establecer algunos rodamientos y evaluar lo que sucedió. Veamos la escena en cámara lenta para diferenciar los ángulos de la cámara. [RUIDO] Yo diría que es una buena práctica tener al menos un tiro ancho y un medio, esa manera siempre se tiene un equilibrio donde se puede usar el tiro ancho como tiro de establecimiento así los espectadores pueden ver exactamente lo que está pasando, y entonces tienes el medio para excitarlos. Esta fue la configuración multicámara, tuve el placer de hacer una escena con dos cámaras, estábamos aplastando un silo de grano en un edificio, lo filmamos desde dos ángulos, es una configuración perpendicular al igual que en Joker. Echa un vistazo a la escena [ANTECEDENTES] Esta escena está en mi película Fate Breaker. Siempre que estés filmando algo que es tan espectacular y caro, [RISA] es inteligente tener cobertura adicional desde otros ángulos, especialmente cuando no podrás repetirla. Cosas como esta se puede hacer sólo una vez, sabíamos que nunca va a caer de la misma manera y reconstruir el cobertizo que el silo destruyó en el set nunca fue una opción. Entonces dos cámaras fueron un movimiento inteligente. Ahora bien, a pesar de que esta escena fue consultada y preparada con un coordinador de acrobacias, no voy a hablar de ello en este curso. Si bien los coordinadores de acrobacias se encargaron preparar el silo y planear la caída, no hay razón para hablar de ello ya que durante la grabación de The Fall, no había nadie en la toma. No había ningún actor ni hombres de acrobacias en las inmediaciones cuando esta cosa se estrelló contra el edificio, el actor que ves en el cuadro se sumó a la toma en postproducción. Por lo tanto, voy a hablar esta escena quizá en el futuro en otro curso cada vez que voy a cubrir imaginaciones generadas por computadora , que es CGI. Esta fue la configuración multicámara en escenas de Stunt. En la próxima conferencia, vamos a hablar de las situaciones en las que no puedes usar cortes para intercambiar a tu actor por un hombre acrobático. Pero primero, déjame darte tu próximo proyecto de clase. Nos vemos ahí. 8. Proyecto de clase L8 V DZW: [RUIDO] Oh Dios mío. Ahora, de nuevo, para tu comodidad, he puesto el clip con el truco al inicio de la conferencia. Esta no es una película. De veras sucedió. Se trata de un accidente donde un motociclista choca la parte trasera de un auto y tras hacer una impresionante voltereta en el aire, aterriza en el techo de un auto con los pies. Es una forma muy inusual de sobrevivir al accidente. Se mueve igual que un superhéroe cuando está aterrizando en el auto. Ahora, para el propósito de nuestro ejercicio, vamos a suponer que nuestro especialista es capaz de hacer precisamente eso. En la vida real, si planeas un truco así, tendrías que hacerlo dentro de un estudio con un arnés especial o ir con animar todo con CGI. Pero nuevamente, para el propósito de nuestro ejercicio, vamos a suponer que has encontrado un especialista que es capaz de hacerlo al estilo Jackie Chan, es decir, aplastar una bicicleta así y aterrizar en el techo con sus pies. Ahora, digamos que tu producción tiene un gran presupuesto y puedes contratar cuatro equipos de cámara. En este proyecto de clase, quiero que planees un truco usando cuatro cámaras. Tu trabajo como director es averiguar los cuatro ángulos desde los que ese truco quedaría genial. También hay que decidir cuál van a ser tiros medianos o planos anchos. También puedes usar cámaras en movimiento, algo que se llama brazo ruso. Se trata de una cámara en una grúa que está adherida a un automóvil. Tu imaginación es ilimitada aquí. Ahora, espero que marquen las posiciones de las cámaras en el gráfico y dibujen, aproximadamente, qué ven las cámaras. Como ejemplo, puedes usar el gráfico de una conferencia sobre el jogger de retraso en el crecimiento. Voy a dar observaciones a cada proyecto que se presente. Puede que tengas que esperar la semana o dos, pero me comprometo a darte comentarios. Creo que es genial que todos podamos aprender unos de otros. También voy a presentar mi propio proyecto también. Pero mi consejo es que le eches un vistazo cuando completes primero tu propio proyecto. No quiero que mi idea limite tu imaginación. Buena suerte. 9. L9 mastershot V DZW: [MÚSICA] Hablemos de tomas maestras o tiros largos, quieras llamarlo. Estoy hablando de la situación cuando estás filmando toda la escena con una larga toma desde el principio hasta el final. Dado que todas las escenas deben ser filmadas en una sola toma, no se le permite hacer ninguna edición. Básicamente, no se puede usar cutscening. Esto significa que necesitarás coreografiar actores y la cámara de la manera que te permita intercambiar al actor con el dobles sin que tu audiencia se dé cuenta. Ahora bien, las posibilidades de que tengas que hacerlo en tu carrera son muy escasas ya que es una tarea tan exótica. No hay muchas historias que exijan el escenario, algo así. Nuestro ejemplo de hoy es una de esas historias. Estamos hablando de Three Billboards Outside Ebbing, Missouri. Ahí hay una escena donde Dixon está golpeando a Red Welby. Ahora, como director, tengo que admitir que no hay razón dramatúrgica para hacer esta escena como toma maestra. Sería tanto brutal si se filmara con edición regular. Creo que filmar la escena en una toma maestra fue exagerar. Creo que el director estaba tratando de presumir, y acabemos este tema diciendo que Three Billboards es una película maravillosa, incluso con toda esta flexión innecesaria. Pero bien, supongamos que tú, como director, tienes una buena razón para rodar la escena como una toma maestra. Hay que encontrar la manera de intercambiar al actor por un doble de acción durante el disparo ininterrumpido. Ahora, veamos cómo lo hicieron. ver si puedes detectar la transición, y luego te voy a mostrar cómo lo hicieron. Vamos a ver todo el tiro maestro. Pero primero, unas palabras de advertencia. Esta escena es muy violenta, por lo que se aconseja la discreción del espectador. Haz lo que hacía cada **** de su vida, ayuda a la gente. [MÚSICA] [RUIDO] ¿Qué está pasando el ****? [MÚSICA] [RUIDO] [MÚSICA] ¿A dónde vas? [RUIDO] Tú ******* cerdo, ¿qué diablos eres? [MÚSICA] Cállate. [MÚSICA] Nos vemos, Rig. También tengo problemas con los blancos. [MÚSICA] ¿A qué **** estás mirando? [MÚSICA] Ahora veamos el momento de la transición. Esta vez, voy a marcar en la pantalla cuando estás viendo a un actor y cuando estamos viendo al doble. ¿Qué diablos está pasando? [MÚSICA] [RUIDO]. ¿A dónde vas? [RUIDO] Tú ******* cerdo, ¿qué diablos eres? Cállate. [MÚSICA] Como puedes ver, necesitaban encontrar un pretexto para enfocar la cámara en Dixon para que el actor pudiera correr abajo para maquillarse con sangre puesta, y al mismo tiempo, El doble está siendo arrojado por la ventana. Te acuerdas cuando te hablé de crear una anticipación del corte para intercambiar al actor por un doble. En tiro maestro, no tienes cortes obviamente, es un disparo continuo. Lo que haces es encontrar un pretexto para enfocar la cámara en una acción que no involucre al actor al que quieres intercambiar. En Three Billboards está la acción de Dixon rompiendo la ventana. Como puedes ver, la mecánica del truco es similar a la situación con la edición regular. Es necesario encontrar una acción que vaya a centrar la atención de la audiencia. La regla es que la cámara debe seguir la acción, no al revés. Ahora, veamos el detrás de escena. Aquí puedes ver el momento exacto en el que cambiaron. El doble aterrizó a salvo en un camión lleno de algo blando. Cuando Dixon bajaba las escaleras, sacaron la camioneta del sitio de la cámara. El actor tuvo un rápido cambio de maquillaje con la sangre puesta y mintió en el suelo. Una nota al margen, la mayoría de los tiros maestros se hacen con Steadicam. Se trata de una plataforma de cámara que básicamente realiza el movimiento del motor de la cámara. En este metraje detrás de escena, se puede ver que el camarógrafo está operando la cámara sin un Steadicam. Es 100 por ciento portátil y es absolutamente espectacular. Está subiendo las escaleras con la cámara y apenas está temblando. Supongo que se estabilizó digitalmente en posproducción, pero aún así es muy impresionante. Muy impresionante. Enhorabuena a la tripulación y a los actores. Ellos son los que lo hicieron realidad. Sólo para terminar, te voy a dar el ejemplo de una película donde esta postura de tiro maestro fue decidida. Hacer un truco en una escena de tomas maestras es muy desafiante y a veces estos desafíos son la principal fortaleza de la película. En la película como Atomic Blonde, tienes un personaje muy genérico de un tipo rudo que es interpretado por Charlize Theron. Los primeros cinco minutos, pensarás que es genial que hayan elegido la mujer en este personaje parecido a Rambo, pero luego te quedas con la historia que es muy genérica. El principal entretenimiento de la película son las peleas. El director de la película es un coordinador de acrobacias en X así que te imaginas que esta película probablemente sea una lista de todas las cosas que quería hacer como coordinador de acrobacias, pero que no era permitido por los directores con los que trabajó. Atomic Blonde es probablemente su opus magnum. En el caso de esta película, las escenas de acción son el principal atractivo de la película, por lo tanto, haciéndolas lo más exóticas y desafiantes posibles tenía sentido. Con Tres Carteleras, es un caso totalmente diferente. Nos encanta esta película por los personajes y la historia y los diálogos. Es un gran drama y la comedia a la vez, es una combinación muy rara. No creo que nadie haya ido a ver Three Billboards por la escena de la pelea. Siempre hay que pensar dónde está la calidad de su película. ¿Qué es mantener al público frente a la pantalla? Presumiendo o como yo lo llamo, flexionar a veces es un poco distrayente. 10. Proyecto de clase L10 V DZW: [RUIDO] Ahora bien, si quieres profundizar en la puesta en escena de un truco, puedes seguir adelante y planear una toma maestra de la misma escena a partir de la historia policial de Jackie Chan. La escena de la que hablo en su totalidad, puedes encontrar al inicio del proyecto de primera clase. Para planear esta toma maestra, vamos a combinar storyboards con el gráfico que va a mostrar el momento de transición entre el actor y el stunt man. Para facilitar las cosas como proyecto propio, preparé una combinación de este tipo de materiales para la escena que has visto en tres vallas publicitarias a las afueras de Ebbing Missouri, puedes encontrar en esta clase guía. Ahora bien, en este ejercicio, tu objetivo es presentar tu idea para la realización de la escena en papel para que otros puedan entender. Ahora, esta escena tiene una característica interesante. Cuando Jackie Chan está saltando, está viajando desde el primer o segundo piso hasta el fondo muy rápido. No se puede esperar que un tipo con un Steadicam salte de nuevo, no terminaría bien, obviamente, sin embargo, hay una tecnología para ese tipo de situaciones. Hay grúas que el operador de Steadicam puede abordar y ser transportadas sin problemas por las escaleras. De esa manera podrás seguir la acción en una sola toma. Asumamos que tienes un presupuesto para una grúa así. Otra suposición que puedes hacer es que puedes transportar al actor abajo antes el hombre del truco vaya a dar su salto. Sería un reto enorme transportar al actor desde el segundo piso hasta el piso inferior en cuestión de segundos. Si un actor ya está esperando abajo cuando el hombre de acrobacias está dando su salto, te será más fácil planear la segunda transición. Imaginemos que también tienes un dispositivo de teletransportación en el set. Ahora, incluso con esas simplificaciones, sé que es difícil. Es una tarea desafiante que no sólo es técnica, sino también creativa. Por lo tanto, se puede pensar en este proyecto como opcional. Ahora, me alegraré si subes cualquiera de estos tres proyectos de esta clase, porque los estudiantes que harán eso en mi libro son una élite. Si vas a pasar por el esfuerzo de completar los proyectos, prácticamente te estás poniendo en la piel de los directores, empezando a pensar en trabajar con imágenes en movimiento, igual que un verdadero director lo hace. Para animarte a publicar tus proyectos, voy a repetirlo de nuevo. Estoy dando comentarios a cada proyecto enviado. Normalmente reviso mis estadísticas en línea una vez a la semana y si veo un proyecto enviado, voy a responder. Así que adelante y por favor hazlo [Risas]. Buena suerte con los proyectos. 11. Actriz de actores L11 V DZW: [MÚSICA] No hagas escenas donde actores interpreten cosas peligrosas. Esta conferencia está aquí por si acaso intentaste ahorrar parte del dinero de la producción y hacer que el actor lo hiciera. Siento que esta es una frase que vale la pena repetir. No obstante, hay algunos ejemplos interesantes que doblaron esta regla. Esto es Grindhouse Death Proof. Aquí se podía ver claramente el rostro de una actriz realizando estas locas acrobacias. A esta fila, Quentin Tarantino, superior una mujer acrobática profesional que también es actriz. Recuerda cuando te hablé enfocarte en la cualidad principal de tu película. Como director, hay que tomar estas decisiones. Estoy seguro de que productores y distribuidores preferirían contratar a una estrella para este papel, como Uma Thurman Sería más fácil anunciar la película. Pero Quentin Tarantino fue con su visión de hacer la escena y los productores lo respaldaron. Si este papel lo interpretara una actriz regular, sería toda esta escena de acción donde estos dos autos están compitiendo con esta mujer en muy difícil coreografiar toda esta escena de acción donde estos dos autos están compitiendo con esta mujer en el capó. Siempre se vería la cara del doble de acrobacias, sin mencionar que ver su cara cuando está luchando por mantenerse con vida hace que la escena sea mucho más dramática. Esta es la primera exención. También puedes tener escenas donde los actores están actuando junto a los hombres acrobáticos. Por lo general son escenas de lucha donde un actor está masacrando hordas de oponentes. En Atomic Blonde, la película que mencioné antes, tienen esta enorme y espectacular escena de tomas maestras donde Charlize Theron, que no es una mujer acrobática, está golpeando a muchos malos. Desde el principio hasta el final es la propia actriz actuando en el asiento. Ahora bien, ¿por qué es eso? Porque esta escena fue planeada consecuencia con la seguridad del actor en mente. Ahora, fíjate que Charlize Theron solo está lanzando puñetazos, y todo lo que es peligroso realiza un hombre acrobático profesional. [RUIDO] Una escena como esta tiene que ser coreografiada. Si estás haciendo una película de acción, no tienes que coreografiar estas escenas tú mismo. Yo le pediría a un coordinador de acrobacias que coreografiara la escena de la pelea por mí. Al más alto nivel de Hollywood, estos coordinadores de acrobacias se preparan solos y entrenan a los actores para las escenas también. También hacen sus propios materiales anteriores, lo cual es absolutamente impresionante. Ahora, lo mencioné para que sepas cómo se ve cuando tienes presupuesto para ello. Cuando estás haciendo tus primeras películas y el presupuesto no es tan alto, lo más probable es que lo estés coreografiando tú mismo con la ayuda de tu coordinador de acrobacias. No hay absolutamente nada malo en eso. Ahora, esto es casi el final del curso. Nos vemos en la siguiente conferencia, que es la última conferencia. 12. L12 goodluck V DZW: [MÚSICA] Oye, felicidades a ti. Espero que cada vez que te enfrentes a un reto de un estándar visto después ver esto, sabrás qué hacer. Si has aprendido algo valioso, por favor considera hacer una revisión del curso y publicar tu proyecto, por supuesto. Me había dado cuenta de que uno de los 60 alumnos clasifica el curso y aún menos de ustedes publican los proyectos. Por favor, sea quien haga el esfuerzo y revise el curso para que otros puedan beneficiarse de su evaluación. Además, leer tus reseñas me mantiene motivado. Enseñar en línea no trae mucho dinero. Si pudiera ser honesto, nada comparado con la escritura de guion y dirección, que es mi trabajo principal. Si quieres que siga haciendo más, por favor avíseme dejando caer una reseña positiva. Sobre todo que el tema de este curso en particular es tan estrecho y especializado, que espero que el público sea bastante pequeño. Ahora, la mejor manera de revisar mis cursos es mi página web, explicó el cine, te animo a que lo revises ya que estoy en diferentes plataformas y este lado siempre está actualizado. Una vez más, muchas gracias por tomar mi clase, y ojalá, nos vemos pronto de nuevo. Adiós. [MÚSICA]