Captura movimiento: técnicas dinámicas de acuarela para la luz y el flujo

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Elliston Y hoy, estaremos pintando a una graciosa bailarina en movimiento usando acuarelas suaves Este es un tema verdaderamente hermoso lleno de atmósfera, movimiento y elegancia. En esta clase aprenderemos a combinar pinceladas sueltas y expresivas con un delicado control para sugerir movimiento, suavidad y luz Desde capturar los suaves pliegues de un vestido fluido hasta crear fondos soñadores y borrosos, este proyecto nos brinda la oportunidad perfecta de experimentar tanto con libertad como con sutileza en acuarela He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde la vida silvestre y los retratos hasta paisajes de la ciudad y Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando empecé, no tenía idea dónde empezar o cómo mejorar. No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas como la International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de una manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas, y explicando cómo uso todos mis suministros y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la alegría A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarlas en el hilo de discusión que se encuentra a continuación. Me aseguraré de leer y responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón Seguir en la parte superior Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Entonces aprendamos a mezclar técnica con emoción y precisión con espontaneidad ¿Estás listo? Empecemos. 2. Tu proyecto: Muchas gracias por acompañarme en esta clase. Tengo muchas ganas de pintarlo. Vamos a estar pintando una bailarina mid spin con su vestido fluyendo a su alrededor, rodeada de suave color y luz Es un tema que puede parecer complejo al principio, pero no te preocupes. Lo llevaremos paso a paso y mantendremos las cosas ligeras y agradables en todo momento. Nos centraremos en crear una silueta de figura fuerte pero suave, pintando tela suave y fluida usando técnicas de mojado sobre mojado y levantamiento. Y también mezclaremos fondos de ensueño que complementan el movimiento de los bailarines Esta clase trata de expresión, no de perfección. No hay necesidad de obtener cada detalle justo. En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos, así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos del estudiante bajo la pestaña Proyecto y recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la galería de proyectos estudiantiles. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros: Antes de comenzar con la pintura, repasemos todos los materiales y suministros que necesitará para pintar. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición y te facilitarán el seguimiento. Empecemos por las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que me llenan de tubos. Son amarillo cadmio, ocre amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul Opramarne, azul cobalto, azul serlean, lavanda, morado, vidiano, negro, y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos. No uso ninguna marca en particular. Estos colores los puedes obtener de cualquier marca, aunque personalmente uso Daniel Smith, Windsor y Newton para pinturas Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo redondo sintético como este cepillo Escoda Pull o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque no solo los puedes usar para trabajos detallados con su punta fina, sino que como pueden contener mucha agua, también son buenos para lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen, y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los pinceles. Sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato qwinkles fácilmente y es muy implacable, no permitiéndole Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel a base de algodón, no solo te permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear mejores pinturas Yo uso papel arcos porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local. Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura antes de mojarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo una salpicadura o goteo no deseados puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un gotero de agua para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitiremos crear un borde muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que necesitas para pintar. Te animo a experimentar y explorar con cualquier color que quieras usar, cualquier material con el que quieras practicar. Ahora, sigamos adelante y comencemos la pintura. 4. Consejos para el boceto: Este dibujo no necesita ser muy detallado o delineado celestialmente. Sólo lo estamos usando como marco de luz para la pintura. Entonces las líneas deben ser delicadas y mínimas, y puedes tomarte tu tiempo para asegurarte de que todo esté bien y puedes usar mi plantilla de rastreo en la sección de recursos para ayudarte a comenzar. Pero antes de pensar en los rasgos o pliegues del vestido, es importante capturar primero el gesto, el movimiento general y el flujo de la figura. Estamos apuntando a obtener la postura y el movimiento del giro de la bailarina Se puede ver como la cabeza es solo un simple círculo en este momento. Entonces, en lugar de esbozar todo, intenta pensar en términos de formas simples, bloques del vestido, óvalos para los brazos y la cabeza, luego refinarlos gradualmente. Todavía estoy usando un lápiz de plomo muy suave en el escenario, y luego podemos cambiarlo por una mina más fina para obtener más detalles una vez que estemos seguros de que todo está en su lugar, como ahora mismo Ya que estamos usando colores suaves y lavados ligeros, es muy importante mantener tus líneas de lápiz claras Aquí no hay demasiada presión, ya que hará que sea más difícil mantener la calidad aireada que queremos en la pintura final. 5. Mezclar los colores: Para comenzar esta pintura , mezclemos un bonito morado diluido, acuoso Estoy usando azul ultramarino, y un poco carmesí de alizarina Y lo estoy manteniendo agradable y diluido. También tengo morado en mi paleta ahí. Eso es solo como un atajo, de verdad. Puedes mezclar fácilmente tu propio morado, como lo he hecho aquí usando ese carmesí de alizarina y Y puedes jugar con diferentes tipos de blues para hacer tu propio morado, o si ya tienes un morado, puedes usarlo directamente. Tenemos azul Cerlean, y tenemos rojo Camen, así que hay alguna mezcla de rojo o azul que quieras poner ahí, lo que sea morado que te guste Una vez que lo hayas mezclado, pon tu pincel a un lado, y ahora ya podemos comenzar a preparar el papel. Una buena manera de hacer esto rápidamente es usar un rociador de agua. Así que solo estoy distribuyendo agua de manera uniforme en la página. También puedes usar un pincel muy grande para ayudar a saturar completamente el papel Y vamos a darle unos minutos absorba por completo porque vamos a agregar encantadoras transiciones de fondo suave, y para asegurarnos de que todo esté suave, necesitamos asegurarnos de que no haya área seca en el papel. Así que tómate tanto tiempo como necesites para asegurarte de que todo esté completamente mojado. Además, hay que tener una cinta de enmascarar muy fuerte. Incluso con papel de algodón de alta calidad, el papel definitivamente se abrochará cuando esté así de húmedo. Entonces necesitas la cinta de enmascarar para asegurarte de que vuelva a quedar plano cuando se seque. Sin embargo, si usas papel barato, a veces la cinta adhesiva se puede pegar al papel cuando lo quitas y puede crear un desgarro en el papel. Entonces hay que tener cuidado con eso al final. Pero como puedes ver, estamos empezando desde el borde, y poco a poco vamos haciendo el borde sea cada vez más ligero a medida que avanzamos hacia el centro. Así que casi estamos creando un poco de frontera. Y mientras la mantengamos mojada, puedes tener ese spray de agua en la mano, agregar más agua con la brocha. Mientras la mantengamos mojada, no habrá bordes duros. Y podemos comenzar con la luz y agregar un poco cada vez para que no nos sobrecarguemos con el color Y mira en mi paleta ahí como tenemos un morado cálido y un poco de azul. Así que estamos teniendo un poco de rango de temperatura. Tenemos el azul más frío y el rojo más cálido, y no está muy saturado. No queremos que sea demasiado vívido o brillante. Entonces, cuando lo mezclamos en el papel, casi se ve un poco gris en esta etapa. Y poco a poco, a medida que se seca, podemos ser un poco más deliberados con nuestras pinceladas Pero si aún no estás en esa etapa , eso está perfectamente bien. Simplemente puedes seguir rociando el papel o agregando más y más agua con el pincel hasta obtener los tonos que quieras. Ya puedes ver cómo mi papel está empezando a abrocharse, pero no me preocupa porque sé que la cinta de enmascarar lo está sujetando y se aplanará cuando se seque. 6. Fondo húmedo sobre húmedo: Sigo sin pensar que esté lo suficientemente oscuro para mi gusto, y no quiero que sea demasiado oscuro, así que voy a seguir añadiendo más pigmento poco a poco. Y en realidad no voy a mezclarlo en mi paleta hasta que esté perfecta. Voy a empezar a agregarlo directamente al papel, un poco de azul aquí, un poco de rojo allá, y luego con la mezcla húmeda sobre húmeda en el papel, se mezclarán para hacer sus propias mezclas únicas de púrpura. Al usar técnicas como esta donde se moja el papel super duper, tienes que asegurarte de que esté constantemente mojado porque cuando se abrocha así y tienes áreas donde el papel se pliega hacia arriba, el agua en realidad, como en una montaña en la vida real, el agua bajará hacia los valles, y ahí es cuando creará desniveles Así que tienes que inclinar la cabeza una vez más y asegurarte de que no haya exceso de agua acumulándose y puedas usar el cepillo para ayudar a igualarlo. Por suerte, no estoy notando ni viendo grandes albercas de agua La naturaleza del papel a base de algodón en realidad ayuda a la propagación del agua mucho más fácil. Encontré con vapor más barato cuando estaba aprendiendo por primera vez a pintar acuarela, era muy difícil detener la acumulación de agua y áreas irregulares de agua Entonces, si estás dispuesto a darle una oportunidad al papel a base de algodón, realmente lleva tu trabajo al siguiente nivel y te ayuda. Hace que sea más fácil trabajar con este medio. Se puede ver que el centro del papel está empezando a secarse ahora, y por eso estoy siendo un poco más consciente de mis marcas de pincel. Y estoy agregando pinceladas direccionales y usando un carmesí elsuan muy diluido, que se ve como un rosa cuando está tan Pero también puedes usar rojo cadmio. Y debido a que el papel se está secando, está sosteniendo la forma de esas marcas de pincel. Entonces ya no va a ser un lavado. En su lugar van a ser lindas líneas suaves. Y poco a poco voy añadiendo un toque de ocre amarillo, así como a esa mezcla Acumulando la cantidad de pigmento y haciéndola un poco más gruesa, también usando la punta de mi pincel aquí para hacer muchas de esas líneas muy delgadas. Y va a haber una agradable transición de los lavados suaves a las líneas medias suaves para eventualmente cuando el papel esté completamente seco, líneas muy duras Y estamos aprovechando esta transición de papel húmedo a papel duro. Y no he mezclado ningún otro color con esto. Solo estoy usando esa alizarina carmesí, pero como la estoy usando, es, por supuesto, mezclar y recoger otros pigmentos en el papel y crea No quiero ir demasiado oscuro porque este vestido en particular tiene que tener algo de blancura Es un vestido blanco con sombras rosadas. Y tener estas pequeñas transiciones suaves ayuda a la sensación de volumen con una tela suave y sedosa. 7. La humedad del papel: Siempre estoy evaluando la humedad o humedad del papel, y creo que aún es seguro agregar más pigmento al fondo circundante, básicamente, a los básicamente, Y quiero que haya un contraste porque los bordes tienen que tener esa atmósfera, esa sensación de espacio y profundidad. Pero quiero que la figura misma esté en contra de la luz. Así que tenemos una especie de elemento dinámico interesante donde el fondo vuelve a pasar de oscuro a claro a oscuro. Y eso tiene que ser una transición. Realmente no queremos líneas duras en el fondo. Tenemos que hacerlo más aireado y atmosférico. Y otra vez, se puede ver en mi paleta, hay ligeros lavados de azul, ligeros lavados de púrpura y rojo, e incluso gris, agregando elementos de gris ahí dentro, empezando a ponerse un poco más deliberados, cada vez más deliberados con mis brochas como se está secando porque como dije, anteriormente, cuanto más seco esté, duras y más obvias serán las Además, a pesar de que es difícil ver exactamente dónde está mi mano en el cepillo, se puede ver que la estoy sosteniendo al final, no al frente. Y eso es porque no estoy tratando de ser tan preciso. Estoy siendo deliberada pero no precisa. Y que sostener el pincel al final permite flojas gestoriales más expresivas, marcas de pincel más emocionantes, vívidas y vivas Nos estamos sintiendo. Cuando sostenga un pincel en la punta, eso será para todos los detalles finos de la cara y los detalles de cordones del vestido más adelante donde necesitamos precisión Pero por el momento, quiero mantener las cosas sueltas y expresivas. Por eso lo estoy sosteniendo al final. 8. Enfatizar la luz: Entonces ahora hemos secado completamente el papel, y como puedes ver, está completamente aplanado de nuevo porque tenemos la cinta adhesiva fuerte, y es papel a base de algodón Y he cambiado a un pincel más pequeño porque ahora vamos a ser un poco más precisos. Estoy mojando previamente el papel justo por encima del codo en el brazo izquierdo desde nuestro punto de vista del mismo, y estoy agregando un poco más de una transición controlada. Quiero que haya un poco más de sombra o un tono más oscuro en el fondo ahí y poco a poco desvaneciéndolo en el fondo Estoy usando un gris violáceo para esto. La razón por la que estoy usando el gris es porque no quiero que sea abrumador con colores vivos y brillantes. Me encantan los colores vivos y trato usar colores vivos en todas mis pinturas, pero necesitas algún elemento de gris o monótona o opacidad para contrastar esa vitalidad Si todo es vibrante en todas partes, entonces no habrá tensión en la pintura, lo que la hace emocionante. Se igualará a sí mismo, por así decirlo. Y ahora estoy pintando con mucho cuidado alrededor las afueras de su mano Nuevamente, para aumentar el contraste. Allí estará agarrando su vestido o falda. Estoy agregando un poco de capa inferior. Estoy encontrando que usar el rojo por sí mismo lo está haciendo un poco demasiado genial. Le he agregado un ocre amarillo a este rosa para darle un poco de calidez porque es un fondo bastante genial, así que quiero que la figura y el vestido estén un poco más cálidos Um, y ahora que el papel está completamente seco, podemos empezar a agregar líneas muy llamativas, pero queremos tener mucho cuidado con ellas. No queremos añadir demasiadas líneas afiladas. Entonces solo unos pocos para ayudar a guiar el ojo, llevándolos al centro, siguiendo la dirección de las arrugas del vestido. Mira cómo estoy usando líneas de barrido. Otra vez, sostengo el pincel muy arriba, no en el frente. Estoy moviendo todo mi brazo, no solo mi muñeca y mano o dedos, usando también la punta misma de mi cepillo. Aumentando el contraste justo ahí justo debajo de la mano y entre el vestido para ayudar a que el vestido salga por donde lo sostiene. 9. Pinceladas abstractas: Ahora prácticamente hemos terminado de hacer la sección de calco de luz, los colores claros. Ahora vamos a pasar al siguiente rango tonal, los tonos medios. Para eso, necesitamos un poco de negro y voy a usar el cabman rojo con el ocre amarillo Es el mismo color que estamos usando antes, solo que mucho más rico y necesitamos mezclar mucho más de él Es interesante cómo puedes simplemente hacer dos colores diferentes en función de lo fuerte que sea el pigmento. Es un color rojo muy rico cuando se usa mucho, pero se ve rosa cuando se usa tan ligero. Ahora estoy usando azul serlean con una mezcla de verde viridiana para hacer un bonito color turquesa que está bordeando el lado azul en lugar del lado Es un turquesa azulado. Empezando por el gris, agregando algunas marcas abstractas de pincel que implican el vestido, pero están desenfocadas. No tienen que ser refinados ni detalles porque es donde el vestido se funde con el fondo Así que solo unas cuantas formas orgánicas. Usando una variedad de espesores. Algunos de ellos son más gruesos, y algunos de ellos solo estoy usando la punta misma de mi cepillo. Porque cuando pensamos en el vestido sedoso en la cabeza o cuando miramos referencias, hay todo tipo de pliegues y reflejos. Entonces algunos de ellos van a ser suaves. Sólo estoy ablandando los pequeños bordes de ahí. Tienes pequeños pliegues delgados y curvas y transiciones gruesas Y hay una naturaleza zigzagueante en ello. Entonces estoy tratando de agregar algún elemento de zigzaggy, pero no estoy tratando de ser demasiado específico o limpio Es marcaje de pincel muy abstracto. Tampoco estoy tratando de pensarlo demasiado conscientemente. Estoy usando ese púrpura grisáceo como mi color principal de sombra porque es un tono agradable y neutro Más tarde, podemos empezar a ser un poco más aventureros y tal vez agregar sombras azules, sombras rosadas, sombras verdes, Pero como color neutro de puesta a tierra, podemos usar este morado En el borde superior del vestido a la izquierda, debajo del brazo, voy a tener que oscurecer un poco el vestido para que quede oscuro sobre un fondo claro. Porque claro, tono dice el mensaje y explica lo que sucede con las formas. Y podríamos tener un fondo oscuro con un vestido claro o un fondo claro con un vestido oscuro, y ahí el fondo es claro, así que eso es lo que tenemos que hacer. Tenemos que hacer el vestido un poco más oscuro. Eso no significa que tengamos que oscurecer todo el vestido, esa pequeña área y luego mezclarla. A. 10. Luz sobre la oscuridad, oscuridad sobre luz: Ahora en este borde, solo voy a agregar una pequeña línea afilada en la parte superior para que haya una definición clara en el borde de ese vestido. Pero sí quiero suavizarlo hacia abajo. Entonces quiero un borde duro en la parte superior y luego un borde liso a medida bajamos para implicar esa forma, la curvatura del vestido. Y entonces podemos comenzar a agregar algunas sombras más a este vestido para darle la sensación de tela. Y cuando se trata de estas expresivas marcas de pincel, realidad es mejor cometer un error y seguir adelante que sobretrabajar estas áreas en rigidez porque estamos tratando de implicar una sensación de flujo de libertad de gesto Y sobre todo en estas primeras etapas de un cuadro como este, apenas estamos empezando a sugerir el movimiento y la suavidad del vestido con estas pinceladas abstractas sueltas. En este punto, no estamos tratando de definir detalles. Sólo estamos tratando de captar una sensación de esa ligereza y esa gracia. Y para ello, tenemos que pintar con una especie de libertad que no permita espacio para constantes dudas. Y eso puede parecer muy antinatural, sobre todo porque la acuarela en particular necesita mucha planeación, pero planeas tu pintura para que puedas dejarte llevar en estos momentos Y esa libertad no significa descuido. Significa estar presente, intuitivo y dispuesto a aceptar que lo que sucede en la página, aunque no sea exactamente lo que imaginamos, sigue funcionando para la pintura Volviendo al otro brazo aquí, y voy a hacer contrario de lo que hacemos del otro lado. Voy a oscurecer ligeramente el fondo y hacer que el vestido sea blanco, para que podamos ver ambas formas de hacerlo Teníamos un fondo claro con un vestido oscuro en el otro lado, y ahora estamos oscureciendo el fondo para hacer estallar el vestido de este lado Entonces eso lo hace bastante dinámico. Pero no queremos que quede demasiado oscuro donde está el torso porque si miras la imagen final, en realidad oscurecimos el Y cuando lo pintamos, el torso, va a ser mucho más oscuro que el fondo. Así que no podemos oscurecer demasiado el fondo. Y aquí es donde entra la intuición y la previsión porque tenemos que pensar en las múltiples capas que vamos a agregar pero si miras la pintura final que he subido a la sección de recursos, puedes ver cómo he arreglado las diferentes capas y los diferentes Así que intenta emparejarlo. Y también puedes oscurecer el torso. Si te vas demasiado oscuro aquí, puedes hacerlo. Y solo estoy pintando por encima del brazo aquí para ayudar a esa transición de oscuridad porque tenemos un poco de oscuridad debajo del brazo, así que sería extraño que de repente se detuviera por encima del brazo. Entonces tenemos que pintar el otro lado para ayudar a esa ilusión. Cuando una pincelada sale mal, y lo hará, lo hace todo el tiempo Conmigo en esta pintura, hice muchas pinceladas equivocadas. Sólo hay que dejarlo vivir. Déjalo sentar ahí y ser parte de la pintura. Porque muchas veces las partes más memorables de una pintura son en realidad las que no se planearon, especialmente con la acuarela que prospera con la espontaneidad y su magia proviene de cosas que no fueron pintadas o pretendidas directamente Ese chapoteo extraño, esa floración, esa oscilación en la línea, estos llamados errores le dan vida y autenticidad a la pintura, aunque te pueda sentir mal después de que te hayas desconectado de ella y volvieras a ella o para alguien más que no haya visto la pintura antes, les da esta sensación interesante y eso es lo que es el arte, ese mensaje, esa expresión única que has creado. 11. Pintar el cuerpo: Ahora lo hemos vuelto a secar, solo para que podamos verificarlo marcarlo, por así decirlo. Podemos comenzar en esta siguiente sección de pintar el torso. Estoy usando marcas de pincel diagonales, rayado cruzado. Entonces estoy viniendo de un lado y cruzando hacia el otro y luego como una X, yendo al otro lado también, usando líneas muy delgadas para implicar esa sensación de intrincado tapiz de encajes pasando en arso podemos construirlo Entonces, si queremos tener más textura, podemos pintar una capa, secarla y volver. Principalmente estoy usando rosa. Tenga en cuenta que no he usado el rosa ópera, que es el típico rosa vibrante, ve, y lo he usado en muchas de mis clases. Acabo de descubrir que era demasiado vibrante para el estado de ánimo y el ambiente que quería transmitir con esto. Quería agregarle un poco de color sometido. Porque pensé que la ópera rosa era un poco demasiado ruidosa, pero eso no significa que no puedas usarla. A lo mejor quieres expresar algo fuerte. Es una elección personal, y eso es algo emocionante para ver si los estudiantes eligen usar diferentes colores. No quiero que las marcas de cepillo estén demasiado limpias. Así que de vez en cuando, simplemente me deslizo sobre ellos para desbastar un poco los bordes Lo primero que hago es crear la textura, y eso es lo que acabamos de hacer. Y luego una vez que hemos creado la textura, tenemos que agregar forma y hacerla sentir como un torso. Entonces estoy empezando a volver al borde, hacerlo un poco más oscuro, donde el cuerpo se curva redondeando hacia la sombra. A El lado izquierdo del cuerpo se encuentra en esta suave transición de sombra, que acabamos de pintar, acaba de terminar ahora. Y para contrastar eso, del otro lado, todavía podemos agregar sombra, pero podemos hacerlo de una manera diferente. Podemos hacerlo más crujiente, agregar más textura ahí, más líneas finas en lugar de una sombra suave, podemos tratar de definir la textura y la sensación de encajes que está sucediendo Pero incluso aquí, no estoy tratando de exagerar los detalles. No estoy tratando de corregir cada marca, suavizar cada borde. No estoy tratando de controlar todo al respecto porque eso va a perder la energía, y acabaremos con algo apretado, cauteloso y un poco sobrecargado Y en una pintura como esta con la bailarina mid spin y llena de movimiento, ese tipo de rigidez despojaría todo lo que estamos tratando Entonces, en vez de pensar, ¿fue correcta esa pincelada, puedes preguntarte, se siente viva Porque al final, eso es lo que realmente buscamos. Queremos que nuestros cuadros respiren, se sientan sin esfuerzo, aunque no fueran sin esfuerzo de hacer, queremos que estén vivos en el papel Así que date permiso para seguir adelante y seguir pintando, sigue confiando Aunque algo se sienta mal ahora, podría convertirse en la parte más interesante de la pintura más tarde. Así que deja que el agua y pigmento hagan lo que necesitan para hacer mejor. Permita que estén sueltos y permita que sean ligeros si necesitan ser ligeros o pesados si necesitan ser pesados. 12. Capa inferior de tono de piel: Ahora podemos empezar a trabajar en la cara usando como base la siena quemada y el ocre amarillo Sienna Burnt, el ocre amarillo y el rojo Caban son buenos colores base para los tonos de piel, y puedes usar una variedad de esos para obtener el color que elijas Básicamente la siena quemada con un toque de ocre amarillo y rojo camim es un buen lugar Y estoy empezando muy a la ligera, como pueden ver, solo una sutil influencia de dónde están esos pigmentos en la cara, un poco más cálidos en la parte superior, un poco más rojo en la parte superior, todavía muy sutil. Y podemos usar el pincel para controlar la cantidad de pigmentos que hay. Podemos esparcirlo en el cepillo, y de vez cuando uso un pañuelo para absorber algo de ese pigmento donde está en el lugar equivocado, o si es demasiado pesado. Y eso es todo lo que necesitamos para la cara por el momento, solo una capa inferior puede ver como es más fuerte en la parte superior y luego se desvanece a medida que va más abajo por la cara. Pero yo uso ese tejido para crear ese pequeño resaltado en la frente donde la luz se estaría reflejando en la parte superior. Lo bueno del tejido es que también crea un bonito borde suave. Estoy usando ese mismo tono para simplemente llenar el brazo, básicamente. Bloquearlo. No es necesario hacer mucho trabajo tonal en esta etapa. Hay que tener cuidado aquí. No pintamos sobre el vestido blanco. Asegúrate de tener suficiente pigmento en tu pincel y donde estés pintando el área que quieres pintar porque si no hay suficiente, comenzará a secarse a medida que estés aplicando la pintura y empezará a ensuciarse Pero si tienes suficiente agua y pintura, entonces puedes llenar el área de manera bastante limpia. El interior de este codo, agregando un poco más de pigmento ahí. Después rellenando cuidadosamente los dedos y el pulgar aquí. Ahora, mientras aún está seco, podemos limpiar nuestro cepillo con el pañuelo y empezar a aplicar un poco más de pigmento donde queramos que sea poco más oscuro porque está mojado sobre húmedo Siempre y cuando todavía esté húmedo, podemos simplemente aplicar este color allí y se difuminará suavemente Y hay un pequeño borde o resaltado que va a lo largo del borde de este brazo. Estoy tratando de enfatizar ahí. Y luego incluso puedes succionar el pigmento de tu cepillo. Después de limpiar el cepillo, puedes usarlo para succionar algo de pigmento del papel. 13. Agregar forma: Entonces ese es el primer pase, y ahora podemos volver atrás y refinarlo un poco más. Ya es bastante convincente como es. Así que solo siendo sutil y agregando algunos tonos más solo para ayudar a construir esa ilusión de forma en la axila tienes que pensar si la luz viene de arriba, la sombra va a estar abajo, así que hazla un poco más oscura abajo Piensa en dónde están las otras curvas en el codo, y luego podemos agregar la sombra para el área de la axila debajo el área de la axila debajo del hombro, eso es algo aparte Podemos descomponerlo paso a paso. Si estás notando que tus papeles se secan demasiado, debes parar y hacer que todo se seque completamente y luego volver a trabajarlo Porque si algunas áreas se están secando, entonces no vas a obtener las transiciones suaves que necesitas. Hay que esperar a que se seque todo y luego volver a humedecerlo cuidadosamente con agua pura sin mojar los pigmentos Pero en realidad, a medida que empieza a secarse, puedes estar un poco más controlado con donde están las líneas finas. Para que veas que los bordes tienen tengo estoy agregando una pequeña línea delgada a lo largo de ese brazo derecho ahí. Justo en el borde. Por lo que tiene un borde definido, pero hay un ligero gradiente hacia el centro del brazo. Ahora podemos empezar a implicar dedos las manos no son el foco principal de esta pintura Y porque son tan pequeños, no necesitamos agregar demasiados detalles. Sólo tenemos que hacerlos creíbles como manos. Así que manteniéndolos bastante simplificados, solo un poco de diferencia tonal, haciéndolos más rosados, tal vez definiendo el fum y luego ocultando el resto debajo la tela del vestido Ahora en el brazo izquierdo, quiero agregar un poco más de sombra donde el bíceps baja y se encuentra con la muñeca o el codo Entonces ahí es un poco demasiado duro, así que necesito ablandarlo un poco Nuevamente, creando ese borde duro, pero luego suavizándolo a medida que se curva hacia el brazo. Pongamos un poco más de definición en estas manos. 14. Mano izquierda: Es una de las partes más detalladas y expresivas de la figura, y merece un poco de cuidado extra porque es un poco más compleja que las marcas expresivas más ambiguas del vestido o del fondo Porque a pesar de que es pequeña, cada pequeña curva y sutil cambio de valor ayuda a darle vida al gesto. Entonces me estoy moviendo bastante despacio observando cuidadosamente y siendo bastante deliberado con cada pincelada Y aquí es donde realmente sentimos ese hermoso contraste entre el control y la libertad en acuarela. Partes como la mano y la cara, piden un poco más de paciencia y precisión. Ellos molieron la pintura, y agregan esa sensación de realismo. Estos son los momentos en los que apretamos ligeramente y confiamos en el control técnico. Pero más adelante, volveremos a los suaves pliegues del vestido y tal vez un poco más del fondo. Es un sentimiento completamente diferente. Llegamos a relajarnos un poco, dejar fluir el agua y el pigmento y abrazar el lado expresivo más intuitivo del medio. Pero aún así, no estamos persiguiendo la perfección. Estamos persiguiendo ese sentimiento, el movimiento en la atmósfera. Y creo que esa es la verdadera magia de la acuarela aprendiendo a jugar entre estos dos extremos, saber cuándo frenar y refinar algo y saber cuándo dar un paso atrás aflojar tu agarre, y dejar que el médium hable por Y ese contraste no sólo mantiene interesante el proceso, sino que le da a la pintura final un sentido de vida que equilibra, ese contraste que se mueve entre la quietud y el control del movimiento y la libertad Cuando se trata de manos, lo mejor es no pensarlo como una mano. No estoy pensando, aquí hay un pulgar, aquí hay un dedo. Sólo estoy pensando en los tonos y las formas. Porque sí se siente intimidante pintar las manos. Eso es completamente normal. Son formas complejas, pero no necesitan ser sobretrabajadas En última instancia, nuevamente es más importante capturar el gesto y las proporciones que renderizar cada pequeño detalle. Comienza primero con las grandes formas. Antes de enfocarnos en los dedos o los nudillos, pintamos el tono general debajo, ese tono de siena quemada, la silueta general , el ángulo de la muñeca, la posición del pulgar y cómo la mano sale del brazo Estoy pensando en ello como una sola forma expresiva, no como cinco dedos separados porque eso ayuda a evitar la rigidez. Y luego estoy tratando de mantener los bordes lo más suaves que pueda donde sea posible, porque rara vez están completamente delineados. 15. Mano derecha: Ahora voy a pintar la sombra principal debajo de la axila, nuevo, usando esa siena quemada, pero luego mezclando ese morado ahí para hacerlo más oscuro en lugar de solo usar el negro, comenzando delgado y luego siguiendo esa curva alrededor y llenándolo Al mirar diferentes referencias, estoy tratando de pensar en la forma general de la misma. No lo estoy viendo como una axila, como las manos, no las veo como manos Es parte de la ilusión. Estoy mirando la forma general y la oscuridad del tono, y eso crea la sensación de profundidad. A la hora de pintar la figura, merece nuestra atención y cuidado, pero hay que ser conscientes para no sobredfinarla La bailarina no debería sentir que acaba de estar pegada sobre el fondo Debería sentir que le pertenece y emerge naturalmente de la atmósfera que la rodea. Entonces, mientras trabajamos en el resto de ella, el escote y la cara, nos estamos enfocando en transiciones sutiles. Añadiendo algunos puntos ambiguos de pigmento de oscuridad ahí dentro, algunas sombras suaves en su interior No necesitamos delinear cada detalle. De hecho, demasiada delineación endurecería la figura y la haría sentir bastante estática Entonces, en cambio, sugiera la forma a través de cambios de tono, dejando que la luz y la sombra definan la forma en lugar de depender de fronteras duras. A veces hasta mezclaré una sección que acabo pintar solo para mantener esa suavidad ahí. Mantener la suavidad no significa que perdamos estructura. Seguimos pensando en la anatomía general, el equilibrio y las proporciones, pero lo estamos describiendo con un toque más ligero. Es un baile entre precisión y sugestión. Y cuando lo hacemos bien, que sí requiere práctica, y por eso estamos haciendo estas clases juntos. Cuando lo hacemos bien, le da la pintura una elegancia fiel al tema. Y esta mano a la derecha es en realidad un poco más simple que la del otro lado por la forma en que está orientada, agrega la punta rosa al dedo y el pulgar mezcla eso a medida que llega a la muñeca. Entonces podemos entrar con una punta muy fina del pincel y enfatizar ese borde sombreado en la parte inferior donde se encuentra con la tela Después añadiendo ese rojo intenso debajo del pulgar. A, 16. Comenzar la cara: Entonces ahora pasemos a las sombras debajo de la barbilla y en el cuello. Y mientras pinto hasta estos detalles, estoy tratando de recordarme a mí mismo que estamos pintando a una bailarina, no solo a un cuerpo, y eso significa que la emoción importa más que la exactitud No estamos aquí para renderizar cada músculo o hueso a la perfección. Estamos aquí para capturar un momento, un estado de ánimo y un movimiento. Algo fugaz y grácil que ojalá hable al espectador a nivel emocional Y la belleza de este tema radica en el ambiente que crea la suavidad del vestido, la elevación hacia arriba de los brazos, la delicada inclinación de la cabeza, todas estas invitaciones a sentir algo. Entonces, si las proporciones no son perfectas o la anatomía está ligeramente apagada, realmente no importa. Lo que importa es si el gesto se siente verdadero o auténtico, y verdadero y auténtico no significa exacto. O correcto. Puedes hacerte preguntas como, ¿la figura se siente ligera? ¿Hay una sensación de movimiento? ¿La pintura comunica elegancia, gracia o aplomo? Si la respuesta es sí, entonces la pintura está haciendo lo que se supone. A veces podemos quedar atrapados en los tecnicismos obsesionados sobre la curva o el hombro o la colocación de la sombra debajo del cuello Y perdemos de vista el panorama más amplio. Lo que estamos haciendo aquí es evocar una presencia. Estamos sugiriendo personalidad, suavidad, hasta aliento. Y eso no siempre se puede lograr solo a través de la precisión. De hecho, perseguir la precisión con demasiada fuerza a menudo puede despojar la vida de una pieza. Así que vamos a apoyarnos en la sugerencia y permitir que partes de la pintura permanezcan abiertas, sueltas y sin resolver Estas suelen ser las áreas que más se sienten vivas porque le dan al espectador espacio para imaginar. Y ahí es donde ocurre la verdadera conexión. Entonces mientras pintas, no tengas miedo de soltar control para confiar en tus instintos y dejar que tu pincel baile un poco Deja que el agua y el pigmento se muevan de formas inesperadas. Esto es lo que hace que la acuarela sea tan hermosa, la capacidad de reflejar la espontaneidad y ligereza del propio sujeto Y al final del día, nuestro objetivo no es una figura perfectamente renderizada. Nuestro objetivo es crear una pintura que sienta que todavía se mueve, respirando, aún flotando en el aire. Y a veces eso viene de dejar ir y enfocarse en la sensación, no en la precisión. Se puede ver cómo estoy rompiendo las sombras en diferentes formas. En primer lugar agregamos esa capa muy ligera. Ahora agregamos ese tono medio ese tipo de zig zags en la cara Y ahora estamos usando la punta de nuestro pincel para pintar la sombra debajo del ojo o la ceja. Entonces incluso dentro de esas cejas o cuencas oculares, hay una ligera variación. Estoy manteniendo el exterior un poco más oscuro donde están las sombras y luego donde estarían los párpados, solo lo estoy manteniendo un poco más claro porque si piensas en la forma del mismo, los párpados vuelven a salir y reflejan la luz 17. Acabado del rostro: Ahora nos estamos moviendo hacia los detalles de la cara, y este es en realidad el principal punto focal. Entonces, pasar a esta zona es donde realmente queremos frenar las cosas. Y estoy usando un pequeño cepillo redondo con un buen punto, algo que me da control sin sentirme demasiado rígido. Lo primero que busco son las zonas más ligeras. Y eso lo hemos hecho a través de la frente, los pómulos y el puente de la nariz Y dejo esas zonas ligeras, permitiendo que el papel actúe como punto culminante. Entonces para el tono base, usamos un reloj muy diluido. Sólo un toque de calidez. A lo mejor quieres usar algo suave. Usé sienna quemada con mucha agua, y la apliqué suavemente dejando que se asiente de forma natural en la cara sin restregar ni arrastrar demasiado el pigmento Y como que la teníamos bastante plana esa primera capa inferior. Pero hubo un poco de variación en el lavado. Estaba un poco más oscuro en el lado izquierdo, como puedes ver. Mientras el papel aún está húmedo, comenzamos a caer en tonos ligeramente más oscuros para sugerir áreas destrozadas Y acabamos de hacer la cuenca del ojo y alrededor del cuello. Si algo parece demasiado duro, lo limpié con mi cepillo, lo mojé ligeramente para ablandar el borde con agua limpia Pero hay algunos bordes que sí queremos que sean duros, como los bordes de las cuencas de los ojos y los labios. Cuando se trata de rasgos como los ojos, la nariz y los labios, sugiero más que definir. Solo se necesitan unas pocas marcas mínimas, pero hay que concentrarse para acertar esas marcas. Un trazo suave para la sombra de la nariz, una línea tenue para los párpados cerrados porque los párpados cerrados agregan un poco más de misterio que encuentro y son más fáciles 18. Comenzar con el pelo: Ahora estoy bastante seguro de que la cara está hecha para que podamos pasar al cabello. Y quiero crear una especie de rubio ceniciento, no un rubio vibrante, así que voy a tener que bajarlo un poco de tono Entonces estoy mezclando ocre amarillo, con un poco de azul. Y púrpura también. Y como que hace un amarillo grisáceo, especie de rubio ceniciento que voy por, y estoy muy ligeramente comenzando con finas líneas de pincel onduladas Esta es una de esas áreas en las que queremos mantener un buen equilibrio entre forma y suavidad. Manteniéndolo agradable y diluido, no demasiado pesado, solo para bloquear en la primera capa y la forma básica y dirección del cabello. No estoy pensando en mechones individuales o detalles finos, pensando más en el flujo general, la forma en que el cabello se curva alrededor de la cabeza y cómo responde a la composición y al movimiento de los bailes. Muchas veces estoy dejando el pincel siga el ritmo. Casi como si estuviera esculpiendo la forma de suaves trazos de barrido estoy usando un pincel pequeño, pero todavía tiene un buen punto, algo que me puede dar tanto formas anchas como líneas más finas cuando las necesito. Pero lo más importante es el control del agua, demasiada agua, y los bordes florecerán o correrán hacia las áreas circundantes, y muy poco, y la pincelada puede parecer un poco rígida o irregular Así que siempre me estoy ajustando, cargando el cepillo lo suficiente para obtener un flujo suave, uniforme. Y ahora estamos avanzando con un tono más oscuro en el que eventualmente podemos mezclarnos para hacer la transición de la luz a la oscuridad. Regresando con esta mezcla un poco más fuerte. Esto agrega más profundidad, especialmente en las raíces o debajo donde la luz no golpea tan directamente. Estos toques crean dimensión, y hacen que el cabello se sienta más natural también. Una cosa a evitar es ponerse demasiado apretado o quisquilloso, lo que entiendo es un hábito fácil de meter Pero si lo trabajamos demasiado, el cabello puede comenzar a verse plano y antinatural Así que deja que algunos bordes se desvanezcan en el fondo, especialmente cerca de las puntas. Por lo que se siente como si estuviera captando la luz o fusionándose suavemente con el color circundante Porque esa holgadez ayuda a que toda la pieza se sienta elegante y ligera Al igual que el tema y el movimiento estamos tratando de capturar el resto de la pintura. Mm hm. Observe cómo en la parte superior de la cabeza, he optado por un color ligeramente más cálido, un poco más saturado, y luego se mezcla a un marrón más oscuro en la parte inferior. Y esto le agrega una especie de sensación de brillo a la reflexión porque cuando el cabello está atado de esa manera, realmente no lo piensas como un montón de mechones Entra en su propia forma, y crea la forma de la cabeza ya que se curva hacia atrás ahora podemos comenzar a pintar esas sombras profundas en la parte posterior detrás de la oreja donde la menor cantidad de luz llega a por lo tanto wor, es más oscura 19. Terminar el cabello: Cuando se trata de pintar el cabello, sobre todo en una pieza como esta, no solo estamos pensando en la anatomía o la textura, estamos pensando en el movimiento, el ritmo y el carácter. A menudo son esas cosas las que dirigen cómo vamos a ejecutar o planificar nuestras pinceladas porque cada trazo de pincel necesita ser planificado en nuestra mente, cómo lo vamos a hacer, ya sea expresivo o apretado, el pelo en una pintura no es solo un accesorio o un detalle para marcar. Es parte de la expresión de la figura. Ayuda a contar la historia de quiénes son y qué están haciendo en este momento. En este caso, el pelo de la bailarina contribuye a la sensación de flujo y gracia A pesar de que es un área relativamente pequeña, hace eco de la misma energía que hemos intentado capturar en el resto de la composición en el vestido, esa sensación de movimiento, de suavidad en acción Así que no estamos tratando de pintar cada hebra. Estamos pintando una impresión, un gesto, una sugerencia de movimiento atrapada a mitad de giro. Cuando se trabaja con pigmentos oscuros como este, como estoy seguro que has experimentado en otras clases, cuando está mojado, se ve mucho más oscuro de lo que será cuando se seque. Entonces hay que tenerlo en mente. Y así es como se ve cuando se seca. Ahí se ve el cambio. Entonces no parece que antes era negro, sino que se secó más ligero, que es lo que queremos. No queremos un negro completo. A menos que ese sea el color del cabello que quieres que tenga. Y vuelvo con alguna pintura gouache resaltada, pintura blanca opaq, solo para agregar algunas líneas finas encima de la oscuridad porque hubiera sido imposible hacer esto antes de que la única forma de obtener estas texturas resaltadas es volver después También hay algo la relación entre el cabello y la cabeza que da señales sutiles sobre la postura y el equilibrio de los bailarines La forma en que el cabello se curva alrededor de la cabeza o se mezcla con las sombras puede ayudar a definir la inclinación, la tensión y la gracia en el baile de la figura, todo sin explicarlo demasiado. A, 20. Pinceladas intencionales: Ahora ya hemos hecho la parte difícil. Podemos volver al estilo expresivo suelto nuevamente pintando las sombras del vestido. Y estoy encontrando que el tema principal de esta clase son en realidad trazos de pincel porque hay toda una gama de diferentes tipos de pinceladas. Ya hemos hecho expresivas para el fondo. Hemos hecho todas las definidas para las manos y la cara, rasgos que toman un poco más de concentración, y ahora vamos a volver a los sueltos y hay tanto poder en la intención de nuestras pinceladas, y muchas veces deberías hacer una pausa y preguntarte, ¿Cuál es mi intención con esta pincelada Porque es una pregunta sencilla, pero puede cambiar completamente la forma en que abordamos una pintura. La acuarela es un medio tan expresivo y fluido que es fácil caer en el hábito de hacer marcas solo para mantener las cosas en movimiento. Pero si no tenemos cuidado, podemos terminar reaccionando en lugar de crear o arreglar, molestando o persiguiendo un resultado sin saber realmente por qué estamos tomando las decisiones que estamos tomando Cada marca tiene el potencial de construir o difuminar tu visión. Puede agregar claridad o puede crear confusión. Y a veces eso es lo que queremos. Téngalo con este expresivo estilo suelto que estamos pintando ahora, estamos agregando un poco más de confusión para contrastar con la claridad de los detalles faciales. Entonces por eso es importante a veces respirar, tomarse un momento antes cada pincelada significativa y pregúntese, ¿Qué estoy tratando de decir aquí? ¿Estoy reforzando? ¿Qué estoy tratando de ablandar o qué trato de llamar la atención Cuando nuestros trazos son guiados por un propósito más que por el impulso, sucede algo bastante poderoso, y la pintura comienza a sentirse unificada. Cada parte comienza a relacionarse con el todo. Ya no estás llenando espacio ni tratando de copiar lo que ves, estás componiendo y estás tomando decisiones Y eso aporta fuerza y coherencia a la obra. Pero esto no significa que cada golpe deba ser rígido o sobrecalculado, para nada De hecho, lo contrario es cierto. Incluso nuestras marcas más sueltas y expresivas pueden llevar intención A veces la intención es simplemente crear movimiento, equilibrar la composición o introducir un poco de ligereza o contraste. Pero la clave es que sabemos por qué lo estamos haciendo. acuarela premia este tipo de atención plena porque es un medio implacable Nos enseña a ser deliberados. Aprendemos a observar más cuidadosamente para actuar con propósito, y luego a aceptar los resultados con gracia, incluso cuando no vayan exactamente a lo planeado. Así que trata cada pincelada con sentido de respeto, incluso las pequeñas, especialmente las pequeñas. Pregúntate, ¿esta marca está ayudando a la pintura? ¿Está reforzando el sentimiento que quiero expresar? ¿Me está acercando a la imagen en mi mente, o se la está llevando más lejos? 21. Deja ir el miedo: A medida que vamos más allá en agregar estas sombras expresivas, experimenta con dejar ir el miedo. Porque si pintas con vacilación o duda, se mostrará en tu pintura, verás en la rigidez de las líneas, la tímida pincelada o las zonas sobrecorregidas donde se ha levantado la vida Y es natural sentir vacilación y miedo cuando estás aprendiendo a pintar Es algo con lo que la mayoría de los artistas tienen que lidiar. El miedo aparece en la pintura tan claramente como el color o la composición. Tiene una manera de silenciar todo lo demás. Limita tu expresión, entorpece tus instintos, e incluso puede hacer que el sujeto más hermoso se sienta incierto, y me afecta Y específicamente con esta pintura, es algo que tiene que ser algo reconocido y desafiado. La acuarela prospera con la confianza. Nos pide confiar no sólo en el proceso, sino en nosotros mismos, lo que es más importante. Para dejar que el agua y el pigmento hagan lo que mejor saben hacer sin tratar de controlar cada gota. Y cuando pintas audazmente, hasta tus errores se sienten vivos. Esa es la magia de la misma. Hay una especie de energía que viene a través de la pincelada expresiva, una claridad de intención que solo ocurre cuando no estás cuestionando cada movimiento Y claro, eso sí significa que habrá más desorden y más pinturas fallidas, en realidad. Pero es la única manera de capturar la magia. Entonces tienes que perder algunos para ganar algunos. Y no significa que tengas que estar o sentirte seguro todo el tiempo. Simplemente significa estar dispuesto a seguir adelante de todos modos, dejar bailar un poco el pincel, confiar en tu ojo, en tu mano, tus instintos, para ser honesto en tus marcas Aunque sean imperfectos, llevarán algún tipo de verdad sobre el mensaje o lo que quieres transmitir lo que quieres sentir, y ellos te guiarán Tus emociones te guiarán, y ellos llevarán tu pintura. La pintura es tanto un acto emocional como técnico. Si traes nerviosismo, va a apretar tu trabajo Y esa es en realidad la respuesta más natural a pintura porque está afuera. Es lo desconocido. Por lo que es natural sentirse así. Entonces se necesita un poco de ejercicio y práctica para liberarse de eso, o al menos no se trata de liberarse de él, en realidad. Se trata de aceptarlo y estar acostumbrado a ello. Estar presente con ello. Y a través de eso, viene la curiosidad, y con eso, viene el coraje y todo se mostrará en tu obra, y tu obra se sentirá más libre, más expresiva y más conectada Así que no esperes hasta que te sientas listo. No esperes hasta que cada decisión realmente se sienta segura. Apenas comience. Y recuerda, tu confianza es en realidad parte de tu pincel, y puedes dejarlo hablar y salir. 22. Olvídate de la perfección: Una de las formas en que surge el miedo es por nuestra búsqueda de la perfección. Y algo que puedes intentar hacer yo también trato de hacer, es olvidarte de la perfección porque perseguirla puede sofocar tu creatividad, Y en el momento en que nos obsesionamos con que todo esté bien, cada borde limpio, cada proporción exacta, cada detalle impecable, comenzamos a cerrar la apertura misma que permite el descubrimiento, la espontaneidad De hecho, si piensas el medio acuarela comparado con otros medios, no recompensa en absoluto el perfeccionismo Va en contra. Recompensa la confianza, la flojedad incluso y la capacidad de respuesta Y la belleza de este medio radica en esa imprevisibilidad, la forma en que los colores sangran, la forma forman los bordes suaves y la forma en que los accidentes felices a menudo se convierten en las partes más expresivas de la Son esas partes que tratamos de capturar con acuarela las que la hacen tan única. Cuando apuntamos a la perfección, tendemos a trabajar en exceso, perdemos frescura. Empezamos a corregir cosas que no necesitan ser arregladas y poco a poco la energía empieza a desaparecer de la pieza. Pero cuando soltamos esa presión, cuando nos recordamos que no estamos aquí para producir algo impecable, sino algo auténtico, algo que se siente cierto, entonces toda la experiencia se vuelve más ligera, más alegre, gratificante y honesta O. Entonces, lo que más importa no es la precisión técnica, sino cómo se siente la pintura. Preguntas bastante abstractas. ¿Respira, se mueve? ¿Se conecta? Esas son las cosas que debes preguntarte y a su vez, te ayudarán a guiarte sobre cómo seguir adelante con tu pintura a la hora de pintar tus propios originales y también cómo podrías querer alterarlo a tu propia versión única de la Porque son estos aspectos los que se quedan con alguien cuando mira tu trabajo. Y no es que me refiero, hay un aspecto de tecnicismo que es impresionante que la gente ve en las obras de arte y admira Pero no son necesariamente esos aspectos los que se quedan con ellos los que los mantienen pensando en un nivel más profundo, el nivel emocional. Y no están buscando si tienes todas las líneas o sombras exactamente bien. Si hay un mensaje emocional, será una pintura mucho más exitosa, y se puede hacer una pintura así con miles de errores e inexactitudes Así que date permiso para ser imperfecto para experimentar y jugar Algunas áreas pueden estar desordenadas, algunas podrían no funcionar de la manera que planeaste Eso está perfectamente bien. Eso es parte del proceso. Y la mayoría de las veces, encontrarás que es en esos lugares imperfectos donde ocurre la verdadera magia Así que recuerda, no estamos pintando para impresionar. Estamos pintando para expresar, y la expresión vive en libertad, no en control. 23. Toques finales: Ya me he secado completamente la pintura, y esta es la última cosa de la pintura, volviendo con gouache blanca, solo para agregar algunos reflejos, refinar algunos bordes Nada mayor. Fuimos expresivos con nuestras marcas de pincel, y esta gouache blanca ayudará a darle un poco más de sentido al caos Este es uno de esos momentos en los que una pequeña cantidad puede marcar una gran diferencia. Estas pequeñas marcas finales para unir la pintura y aportar un toque de luz y claridad a las áreas clave. Y puede sonar contradictorio con lo que estaba diciendo antes sobre exagerar los detalles, pero no estoy tratando de exagerar, en realidad Estoy tratando de anclarlo en lugar de exagerar. Y la razón por la que estoy usando gouache es porque es más opaq que acuarela Se asienta en la parte superior de las capas inferiores, lo que lo hace perfecto para atrapar los bordes del vestido o el brillo en el cabello o ese suave borde de luz a lo largo de la figura Y estoy siendo muy selectivo sobre dónde coloco estos reflejos lo suficiente como para sugerir un brillo o para guiar el ojo a través de la composición Es importante no exagerar porque unos pocos toques de blanco muy bien colocados pueden ser increíblemente efectivos, pero demasiado puede comenzar a aplanar la pintura o quitarle a la transparencia que le da a la acuarela su magia Así que trata la aguada o la gouache más como un acento, un suave codazo para potenciar el movimiento o el ritmo de la pieza en zonas donde sería imposible evitar con estos pequeños pedacitos curvilíneos tenuidos en el borde del vestido, eso sería imposible de hacer, usando el blanco del papel, podríamos usar líquido Pero el punto es solo agregar poco flex de luz, solo para traer aliento final a la pintura. 24. Reflexiones finales: Bienvenido de nuevo y felicitaciones por completar este cuadro de bailarina Espero que esta clase te haya demostrado lo mágico que puede ser pintar figuras con acuarela, sobre todo cuando sueltas y permites que la pintura fluya. Nos enfocamos en crear movimiento, suavidad y elegancia a través de brochas sueltas, lavados en capas y técnicas de elevación, todo mientras mantenemos el proceso de pintura ligero y agradable. Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal. Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras de acuarela únicas Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora, y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skillshare Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en el botón de seguimiento Utop para que pueda seguirme en Skillshare Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos Espero volver a pintar con ustedes muy pronto hasta la próxima vez. Pintura feliz.