Bocetos digitales: del papel a Procreate

1. Introducción: Hola a todos. Mi nombre es [inaudible]. Soy ilustrador y dibujante de viajes de [inaudible], Rusia. Me encantan los cuadernos de bocetos y por los años de hacer bocetos en diferentes lugares hermosos, llené supongo, cientos de páginas y decenas de cuadernos de bocetos. Por supuesto, mi técnica ha sido variada con el tiempo. Pero después de todos estos años y cambios, la única cosa se mantuvo constante, un cuaderno de bocetos. Pero en algún momento voy, probé bocetos digitales en iPad y simplemente no pude parar. Fue como cuando quieres dibujar solo un boceto de pared de túnel para probar alguna característica de procreate y luego te encuentras más tarde agradable para explorar en ajustes de pinceles y ver tus propios lapsos de tiempo. En realidad, después de los años de bocetos tradicionales, fue un poco complicado cambiar a digital directamente. Algunas cosas en el boceto digital son las mismas y otras son completamente diferentes. Pero, ¿cuál fue el más desafiante para mí? Fue encontrar una técnica que sería visualmente similar a mis dibujos de cuaderno de bocetos, para hacerme sentir satisfecho con ella y no perder un estilo que ya tenía. Creo que lo encontré y por supuesto, me gustaría compartirlo con ustedes ahora. Esta clase es para quienes quieran dibujar en el iPad, pero no saben cómo empezar. Te mostraré paso a paso cómo dibujé el mismo boceto dos veces, primero en papel de acuarela y luego en iPad. Verás las similitudes y diferencias de qué proceso en cada paso. Juntaremos los pinceles para obtener un efecto adecuado y te mostraré cómo creo mis palets de color. Al final, te pediré que hagas lo mismo, que dibuje un boceto dos veces, tradicional y digitalmente y lo subas aquí como tu proyecto de clase. Para esta clase, uso mi iPad 2010, no el modelo pro, Apple Pencil y la app Procreate. Si aún no tienes tu propio iPad, esta clase puede responder a tu pregunta; ¿necesitas comprar uno o no? ¿ Qué aprenderás como resultado de esta clase? Aprenderás a dibujar un boceto digital con contornos y color paso a paso con un algoritmo predecible. Aprenderás a no perderte en la colección de pinceles procreate, sino usar unos particulares, cómo agregar formas, reflejos y texturas fácilmente, cómo crear y usar referencias fotográficas y aprenderás cómo para usar tu experiencia de dibujo tradicional para sumergirte en el arte digital. Si eres dibujante, ilustrador, cualquier tipo de artista visual, o diseñador o simplemente una persona a la que le gusta dibujar, esta clase puede ser interesante para ti. Tu experiencia de dibujo no es realmente importante para esta clase. Creo que es adecuado tanto para principiantes como para profesionales. Gracias por ver y les deseo feliz dibujo. 2. Papel digital: Hablemos de cómo los cajones digitales se diferencian de los tradicionales. En primer lugar, iba a llamar a este episodio más y menos. Pero entonces me di cuenta que están dependiendo de la situación y tus preferencias personales cualquier menor puede convertirse en un plus y viceversa. Comparemos ambos enfoques usando los ocho criterios. Equipo. Aquí, se puede ver lo que llevo conmigo cuando voy a bosquejar. A pesar de que uso cuadernos de bocetos muy pequeños, suelo tener mi mochila llena. Un conjunto de acuarela, un pellet, un estuche con lápiz, forros, cepillos, cepillos de agua, marcadores, etc. Algo aplanar firme para dibujar sin mesa, una cámara para poder tomar una bonita foto de un boceto en el acto pero sólo para mencionarlo aquí porque lo estoy usando ahora mismo. Esto es lo que necesito para el boceto digital en mi iPad, un stylus, y un cargador portátil. Eso es todo. Tiempo y espacio. ocasiones llevo en mi bolsillo un pequeño cuaderno de bocetos y una banda de pincel para los bocetos sueltos rápidos. Pero en caso de hacer un boceto más detallado más largo y coloreado, también necesito estar preparado primero. Llevo todo mi equipo y por supuesto, necesito algo de espacio para ello a mi lado. El cuadro real no es necesario. Siempre puedes usar un piso, pero de todos modos, necesitas algún trozo de superficie plana para poner tus abiertos [inaudibles], lápices y así sucesivamente. Después, debes recoger todo de nuevo y tener en cuenta que no puedes cerrar cuaderno de bocetos con dibujos de acuarela hasta que se seque. Para comenzar tu boceto digital, solo tienes que sacar tu iPad, stylus y abrir la aplicación de procreate. El espacio de trabajo está listo. Puede parecer que si es tan ghrelin, de una sola vez, alguien debe guardar libros de boceto dibujados a mano y aquí pasamos al siguiente criterio, ambiente. Alguna vez te has dado cuenta de cómo a veces solo echamos un vistazo a algunos arcos foto de lugar de trabajo en Instagram y luego de inmediato obtenemos esta herramienta E voluntad para dibujar. Todas estas cajas de acuarela, tubos, y lápices, pinceles y forros, e incluso latas de pintura, por todas partes inspira mucho. El caos creativo de repente tiene su estética. Para mí, el proceso de dibujo digital luce sin rostro e incluso estéril. Se puede crear una ilustración increíble, pero luego se apaga este verde y se imaginó desaparece. No obstante, el formato digital garantiza que nunca derramarás manchas ni ensuciarás nada. Condiciones de trabajo. Además de la mesa en algún espacio drone escalable requiere un buen aligeramiento. Es bastante difícil dibujar cuando no puedes ver tu dibujo. A veces tengo que iluminar mi página con la linterna de un teléfono. Pero lo bueno aquí es que nunca obtendrás una descarga de cuaderno de bocetos. Para el dibujo digital, el aligeramiento no es tan importante. Por supuesto, no es muy saludable que tus ojos dibujen en completa oscuridad. Pero ya tuve algo de experiencia cuando la luz y el café estaba demasiado tenue para mis amigos con cuadernos de bocetos y para mí con el iPad, estaba totalmente bien. Pero como ustedes saben, deben pagar por todo en este mundo, a las baterías les encantaba ser descargadas de repente. Por eso siempre llevo un cargador portátil en mi bolso. Limitaciones. Ahora, hablemos de limitaciones. En primer lugar, me gustaría decir que la limitación en sí no es algo malo. Puede despertar tu creatividad, hacerte crecer como profesional y a veces realmente te ahorra tiempo. Pero también en puede frustrarte mucho, sobre todo si no esperabas ninguna limitación en absoluto. Limitaciones en color. A pesar de que en acuarela real o cualquier otro material de hoja, siempre estamos limitados en colores. Según la teoría de llamadas, podemos conseguir cualquier color en el mundo, hace un honor tres colores básicos, rojo, amarillo, y azul. En realidad, no está funcionando tan fácil. Cada acto de mezclador de color reduce la saturación. Por eso a menudo obtenemos colores apagados usando un pellet limitado. En el dibujo digital, vamos a conseguir cualquier color que queramos en cualquier momento. Es muy conveniente, pero no siempre es bueno para tu dibujo. Una imagen hecha de demasiados colores brillantes difícilmente se vería armónica. Por eso te recomiendo limitar tu pellet digital intencionalmente y usar medios tonos ligeramente saturados con axones brillantes. Limitación en tamaños. Es bastante obvio que en dibujos programados, estamos limitados por tamaño y proporciones de una página y también por espesores y formas de nuestras herramientas. Si solo tengo dos liners, 05 y 08, no puedo hacer una línea 005 sin importar cómo lo intente. En el dibujo digital, somos libres de cambiar, recortar y rotar el lienzo en cualquier momento. También podemos elegir una herramienta de cualquier grosor y forma. Puede parecer una locura para un artista tradicional, pero podemos aplicar todos estos ajustes no sólo a un pincel, sino también a un borrador. Suena como un cuento de hadas lo primero, pero jugar con cosas básicas como pinceles, formatos, y colores puede tomar demasiado tiempo. Limitación en detalles. En el dibujo programado, todavía estamos limitados por el tamaño de una página, grosor de tus herramientas, y los más nítidos [inaudibles]. Si la cola es demasiado pequeña para tu pluma, solo déjala en paz. En el iPad, podemos acercar infinitamente las piezas más diminutas de tu obra de arte y añadir cada vez más detalles. A veces lleva a sobrecargar la digitalización, innecesariamente realismo y una pérdida de tiempo. Errores y aleatoriedad. En el dibujo tradicional, es muy raro cuando puedes arreglar todos tus errores por completo, pero a veces puedes convertirlo en una ventaja. Por ejemplo, para agregar color a un lugar que no planeabas colorear pero donde dibujo algo de pintura accidentalmente. La aleatoriedad es algo genial. Te puede llevar a las nuevas decisiones y darte una pista de algunas maneras que no aconsejarías intencionalmente. En el dibujo digital, eres puedes arreglar literalmente todo. En el peor de los casos, puedes hacer poca capa y empezar de nuevo. Pero aquí, casi estamos privados de la aleatoriedad. Si accidentalmente dibujamos una línea en un lugar equivocado, solo tocamos con dos dedos para deshacer. Puede parecer que es una forma de lograr el dibujo perfecto, pero de hecho, perdemos la magia de la aleatoriedad. Texturas. En el dibujo clásico obtienes texturas agradables y vívidas fácilmente. Aparecen solo por la textura del papel, la forma del trazo, los detalles de los materiales y la mezcla de columnas. Apta app tiene un montón de grandes pinceles de textura y hay cientos de artistas crean sus propios sets y vendiendo en Internet o regalando de forma gratuita. Me encantan los pinceles imitando materiales secos como lápices y tiza, pero no estoy contento con el pincel ya que para mí parecen ser demasiado artificiales y necesitas esforzarte mucho para replicar un efecto el cual puedes crear un papel con un solo movimiento . Pero tal vez no soy lo suficientemente hábil. Materialidad. El último criterio del que me gustaría hablar es la materialidad. ¿ Eres feliz cuando dibujas en papel o no? Es poder tocarlo y sentirlo. Verlo en diferentes aligerar percibir la textura es una sensación increíble cuando tu próximo cuaderno de bocetos está llegando a terminar. Al pasar las páginas, puedes sentir cuánto trabajo se ha hecho, cuántos lugares has estado en tan literalmente un peso de tus experimentos. El resultado del dibujo digital es virtual. A veces echo de menos este relleno táctil mientras dibujo, diversidad de materiales, oportunidad de probar nuevas combinaciones. Pero claro que puedes imprimir tus dibujos digitales si quieres imprimir algunas pegatinas o tarjetas y carteles, es mucho más fácil hacerlo con imagen digital. Para concluir, diría que cada enfoque tiene sus difíciles [inaudibles] y poderes, y ninguno de ellos es generalmente perfecto. Cuando dibujo en el iPad Pro a tiempo, empiezo a perder mis cuadernos de bocetos. Después de un largo periodo de dibujo clásico, quiero regresar a lo digital. Creo que es genial que tengamos la oportunidad de combinar estos enfoques y de elegir uno adecuado dependiendo de nuestro estado de ánimo y propósito. 3. Bienvenido a Procreate: Por lo que ahora conozcamos Procreate Interface. En realidad, esta app es muy fácil e intuitiva, sobre todo si tienes alguna experiencia en Photoshop. Pero está completamente bien si no lo haces. No te asustes, no hablaré por mucho tiempo sobre la función de error. Te voy a contar de características que uso yo mismo. Entonces, cuando abres Procreate, ves la galería. Galería contiene todas las fotos que has creado con Procreate o importado aquí. Entonces vamos a crear una nueva imagen. Para esto, necesitamos aprovechar el plus aquí. Aquí puedes ver tallas, algunas tallas estándar o tallas que ya he usado aquí. Pero vamos a crear uno personalizado. Aquí puedes escribir cualquier ancho y alto de la imagen. También aquí está DPI, la resolución de la imagen. Te recomiendo encarecidamente no conseguir menos de 300 DPI porque esta es una resolución que es buena para imprimir. No toques el color ya que RGB está completamente bien. Aquí, puedes escribir cualquier título que quieras, pero también puedes mantenerlo sin título. Por favor, echa un vistazo aquí. Aquí está el número de capas máximas posibles. Una de las pocas desventajas de esta app de Procreate app es que hay un número limitado de capas. Este número depende de lo grande que sea tu imagen. Entonces, por ejemplo, creemos una imagen muy pequeña. Por ejemplo, 500 por 500 píxeles. Se puede ver que las capas máximas son 128, lo cual es bastante. Pero intentemos crear una imagen más grande. Por ejemplo, 5 mil por 5 mil. Podemos ver que las capas máximas son sólo cuatro. Para el boceto digital, creo que cuatro capas no es nada. Entonces estaremos en algún lugar del medio, como 2 mil por 2 mil. Se puede ver que aquí se pueden crear 46 capas, lo cual es suficiente para cualquier boceto. Entonces vamos a crear. Ahora, estamos dentro. En realidad, a partir de aquí, ya podemos empezar a dibujar. Pero creo que es mejor aprender algo sobre algunas características principales. Entonces aquí está galería y presionando aquí podemos volver a la galería. Hablemos de estos botones. Primer botón con este pequeño arreglo esconde muchos ajustes útiles. Entonces aquí está agregar, y aquí puedes agregar archivos y fotos y cortar y copiar todo el Lienzo. Por ejemplo, si necesitas cortar toda la imagen con todas las capas de aquí, y pegarlas a otra imagen. En Lienzo, podemos encontrar recortar y redimensionar. Por lo que con el recorte y el cambio de tamaño, podemos cambiar el tamaño de nuestro lienzo real. También aquí puedes encontrar guía de dibujo. Puedes usarlo si quieres algunas guías. También, hay algunas guías de perspectiva y guías de simetría, pero no las usaremos ahora. También aquí hay un punto muy útil. Este es información de Lienzo. Aquí puedes ver tu número máximo de capas, y puedes ver cuántas de ellas ya has utilizado. Estos, vamos a saber cuántos de ellos quedaron. Por lo que esta puede ser información bastante útil. Además, existen algunas dimensiones físicas de tu imagen. Por ejemplo, si creas tus dimensiones de imagen y píxel, y ahora quieres saber qué tan grande es en milímetros, puedes encontrarla aquí. Aquí está el botón compartir, y compartir aquí significa exportación. Para que pueda exportar su archivo en cualquier tipo de archivo. El más popular es JPEG es solo el formato habitual para cualquier foto o imagen. También aquí está BSD. BSD es un archivo de Photoshop. Por lo que significa que si exportamos nuestro archivo de Procreate a BSD, podremos abrirlo en Photoshop y editarlo con toda esta capa guardada. Aquí tienes un video. Procreate es tan agradable, que graba video para ti. Por lo que después de terminar tu dibujo, puedes ver el lapso de tiempo de tu proceso y tal vez compartirlo en Instagram o en algún otro lugar. En preferencias, tenemos algunas preferencias como, podemos cambiar el color de la interfaz, cambiarlo al modo de mano derecha, y tenemos algunos controles de gestos aquí. Lo que recomiendo encarecidamente que hagas es desactivar las acciones táctiles. Eso significa que no podrás dibujar algo accidentalmente con el dedo. Por lo que podrás dibujar solo con tu lápiz Apple o cualquier otro estilo. Usarás tus dedos solo para algunos gestos como el zoom principal, rotar, deshacer, y otras cosas pero no dibujar. Entonces por eso lo enciendo aquí. En ayuda, hay algunas cosas habituales que están en “sección Ayuda”. Vamos a movernos aquí. Aquí está el botón con esta varita mágica. Hay algunos ajustes. Para mí, parece una lista muy limitada de funciones fotográficas, pero en realidad para dibujar, es suficiente. Yo uso sólo pocos de ellos aquí, como la obesidad, cambia la obesidad o qué tan transparente es tu capa. También uso este, matiz, saturación, brillo. Funciona exactamente como funciona en Photoshop. Puedes cambiar la ligereza de tu objeto. Es la saturación y también el matiz. Por lo que puedes cambiar el color muy suavemente. Además, hay curvas que pueden ser bastante útiles. Puedes cambiar el contraste y la ligereza de tu objeto, completamente igual que Photoshop y Lightroom y cualquier otro programa que tenga curvas en él. Entonces aquí está la herramienta de selección. Herramienta de selección puede ser a mano alzada. Por lo que dibujas tu selección de la mano. Puede ser rectángulo y puede ser elipse. Después de seleccionarlo, puede hacer que este gesto se deslice con los tres dedos en una pantalla. Entonces aparece este menú y podrás elegir qué quieres hacer con esta parte seleccionada de tu imagen, como cortar, copiar, pegar y demás. Por cierto, gesto muy útil es solo pisar con dos dedos. Haces eso y esto significa deshacer. Para mostrar esto, dibujaré otra cosa. Ahora, estoy golpeando con dos dedos y sólo voy hacia atrás. Yo puedo hacer lo mismo con sus flechas. Entonces aquí está redo, aquí está deshacer. Pero a veces es más conveniente hacerlo solo con los dedos. Esta pequeña flecha aquí es una herramienta Mover. Por lo que lo presionas y tienes esta selección alrededor de tu capa. Puede moverlo, girarlo, cambiar el tamaño de la misma, y así sucesivamente. Pasemos a la parte más interesante del menú. Aquí está el pincel y presionando aquí, puedes ver toda la biblioteca de tus pinceles. Tienes la misma biblioteca para la herramienta Pincel, para la herramienta Borrador, y para la herramienta Borrador. Por lo que si creas algún pincel nuevo o lo descargas, puedes usarlo para todas estas tres herramientas. En algunos de los siguientes videos, te contaré sobre los pinceles que uso y un poco sobre Ajustes de pincel. Por lo que ahora quiero decirle en etiqueta a estos dos deslizadores. Por lo que este cambia el tamaño de tu pincel. Por ejemplo, cuando está aquí, el pincel es pequeño y cuando está aquí, los pinceles muy grandes. Aquí está el deslizador de transparencia. Entonces cuando vas aquí, el pincel es bastante transparente. Cuando vas aquí, los pinceles realmente sólidos. Entonces aquí está tu herramienta Smudge. Cuando abres tu herramienta Smudge, puedes ver que aquí es la misma biblioteca que en los pinceles. Herramienta de manchas es una herramienta que mancha como un dedo. Por lo que se puede utilizar para mezclar algunos colores, por ejemplo, así. Por lo que se mezcla en colores que están cerca uno del otro. En ocasiones, uso esta herramienta para algunos efectos. Aquí está la herramienta Eraser y funciona como un borrador habitual. Elimina algunas partes de tu imagen. Aquí están las capas. Con este botón plus, puedes crear las nuevas capas tanto como quieras hasta obtener estos límites. Esta casilla de verificación significa que esta capa es visible. Entonces, por ejemplo, dibujemos algo en esta capa y luego desmarcarlo, y verás que desapareció pero sigue aquí. Vuelves a abrirlo y aparece. Entonces para obtener la configuración de capa, puedes presionar aquí y aquí también está [inaudible] que ya hemos visto aquí. También puedes tocar la capa y verás algún menú aquí. Por lo que aquí puedes despejar la máscara, hacer una máscara de recorte, y así sucesivamente. También se puede deslizar a la izquierda. Aquí puedes ver algunas opciones simples como bloquear, duplicar o eliminar. Aquí está el color. Hay diferentes modos de color en Procreate. Se puede ver un color así. También puedes usar palets. Puedes usar estos palés predeterminados o el loto desde algún lugar o simplemente crearlos tú mismo. Hablaremos de ello un poco más tarde, cuando colorearemos nuestro boceto. Entonces ahora se acabó nuestra pequeña tienda de interfaz, y finalmente pasemos al dibujo. Bueno, aquí va a ser l plus crypton. 4. Bocetos en papel: Ahora, les voy a mostrar mi proceso de dibujo sobre papel. La mayoría de las veces dibujo por el mismo algoritmo que consta de cuatro pasos. El paso 1 es el Sketch. Utilizo un lápiz y goma de borrar para ello. Paso 2, es el Esquema. Yo uso para ello, revestimientos de tinta resistentes al agua. Paso 3, es color, donde uso acuarela, y Paso 4, es los Detalles, y los dibujo con los mismos revestimientos de tinta. Te estoy contando todas estas ahora, porque en bocetos digitales y seguir exactamente los mismos cuatro pasos. Te voy a mostrar dos procesos de dibujo primero en papel y luego en iPad. Esto nos permitirá comparar ambos enfoques y ver detalles y diferencias de cada uno de ellos. Para dibujar, inventé un poco de bodegón a partir de algunos objetos que encontré en casa. No me daría la mano con alguna decoración fragante. Un vaso diminuto, una flor seca, una cámara vintage, y un libro inspirador por naturaleza, yo [inaudible] el nombre incorrectamente. El libro llamado Brazen Rebelde Damas que Rock the World. A mí me gusta dibujar de la vida mucho más que usar referencias de papel de aluminio. Dibujar desde la vida te permite ver tus objetos desde cualquier ángulo que quieras, elegir el mejor punto de vista, moverlos a las posiciones más armónicas y examinar todos los detalles. obstante, a veces no tengo tiempo suficiente para terminar mi dibujo en el acto, y luego tomo fotos. Un poco más tarde, te diré cómo elegir el momento adecuado para ello y cómo hacer referencias convenientes para su posterior uso. En primer lugar, hago un boceto áspero para encontrar la composición correcta. Cuando dibujo en un cuaderno de bocetos, suelo hacer estas diminutas vistas previas en la última página. Dibujo un marco proporciones de las cuales son similares a mi boceto futuro. Encuentra un lugar para cada objeto determinar sus tamaños. Este es un paso muy rápido, pero es importante en la medida en que te ayuda a estudiar tus objetos y avanzar más con confianza. Ahora, transfiero mi boceto a la hoja de papel de acuarela. Traté de dibujar con más precisión que antes, pero aún así sostenerme de mostrar cada detalle. Lo haré más adelante en el paso de esbozo. Ahora miro no sólo a los objetos, sino también a mi primer boceto. Es muy servicial. Después de que termine mi dibujo a lápiz, lo aligero con lo necesario para borrar. También, se llama goma de borrar gomita. Es muy suave y no borra el archivo dibujado por completo, pero quita una capa superior del mismo. Todavía se puede ver el dibujo pero ahora es muy ligero. Tu dibujo se aclara de manera más uniforme si enrollas tu goma de borrar en lugar de frotarte. Pasando al siguiente paso. Al principio, dibujo con 08 liner, dibujo todas las líneas principales, haciéndolo mucho más preciso y en detalle que en la etapa anterior. No obstante, no incluyo texturas y tuve que dejarlo ahora para el mismo final. Al terminar con una mano y una flor, tomo de nuevo un lápiz y hago un boceto más preciso para una cámara ya que tiene una forma bastante complicada. Para cámara, uso un liner más delgado, 04 porque la cámara se encuentra detrás de la flor y quiero mostrar algo de espacio. [ inaudibles] líneas no medias para llenarlas bien y armónicamente con una forma de flor. Después de terminar todas las líneas, dibujo el marco. A mí me gusta cómo se ven los bocetos de marco en el papel como una composición terminada. Ya están listos los contornos. Ahora, limpio de nuevo mi papel con una goma de borrar suave, luego quitar los últimos trazos de lápiz con una goma de borrar regular y ahora y no antes, ahora es el momento adecuado para tomar fotos. Ya que ya he dibujado todos los detalles principales, sé qué exactamente y desde qué ángulo necesito disparar. Yo tiro los hoyos para vivir pero lo que es mucho más importante los artículos individuales. Tomo los primeros planos de una mano y una flor, quiero decir, en los tiros si quisiera restaurar las texturas en el futuro. Ahora si tuviera que dejar mis objetos de inmediato, tengo todo lo necesario para terminar mi cuadro más tarde y esta vez, suerte, tengo la oportunidad de seguir dibujando de la vida. Pasando al paso de color. Esto es lo que necesito para esta etapa. Un conjunto de mis diferentes acuarelas, unos tubos con pinturas extra, los pinceles, mi paleta de cerámica favorita, un vaso de agua, y una toalla de papel para limpiar mis pinceles y corregir algunos errores. Empiezo con colorear cada objeto, una capa a la vez para evitar la mezcla accidental de color. Si necesito algunos gradientes lisos, como de la barra de luz a la mano a la oscura, no espero a que se seque una pintura y dibuje sobre mojado. Para que mis colores encajen mejor, trato de sacar más de los colores ya usados de la paleta y menos de pinturas limpias de la caja. Aunque no corresponda precisamente a los colores reales del público desde la vida, hace que un dibujo, vea mejor y más armonioso. Yo uso pintura negra muy raramente, es para objetos oscuros y colores [inaudibles] y ligeramente saturados. A mí me gusta usar violeta e índigo para ello. Volver al lápiz por un momento, para bosquejar una imagen en la portada del libro. No estoy tratando de hacer una copia exacta pero aún quiero hacerlo natural en términos de perspectiva. Constantemente agrego colores, dejo que cada uno de ellos se seque, para evitar que las pinturas fluyan y se mezclen. Para que las manchas rosadas sean más saturadas, decido agregarles estas acuarelas líquidas. Esta pintura es increíblemente concentrada y brillante, demasiado saturada para ser utilizada como es pero puede ser muy agradable editar aquí y allá para crear los acentos. Honestamente, esta combinación de chocolates y rosa resultó ser mucho más brillante de lo que esperaba. Si fuera una imagen digital, recolorearía esta pieza, pero en el dibujo sobre papel no hay botón de deshacer, así que me quedo con el dibujo. Pinto el vaso con colores que ya he acostumbrado a mostrar que es transparente, pero agrego mucha agua aquí para que los colores fluyan y se mezclen para crear un poco de efecto borroso. Mantener un poco de espacio en blanco para mostrar reflejos y luz reflejada y pequeños puntos rosados son reflejos del libro. Después de cubrir todo mi dibujo con pintura uniformemente, hago algunos detalles. Colores reflejados en la cámara, textura de madera de la mano, tonos en la flor y el cristal. Puedo agregar detalles casi sin fin, pero trato de tener en cuenta que también añadiré algunos detalles, pero con revestimientos al final. Después de que el papel se seca, agrego más sombreado y sombras. Eso es todo con color. Vamos a mover el paso de detalle, el último. Para detalles, además de mis revestimientos habituales, utilizo estas bandas de letrero de lápiz. Esta es una súper herramienta, algo entre un liner y una banda de pincel. El extremo está predando elástico y hace que la línea sea bastante dinámica. No obstante, no es lo suficientemente resistente al agua y puede mancharse accidentalmente, por lo que es mejor usarlo después del color del agua. Para eventuales reflejos, voy a usar este lápiz costal forber blanco y este marcador acrílico blanco para Molotov. El lápiz es bueno para un relámpago suave y la precedencia del marcador y capaz de cubrir tu imagen completamente con blanco. [ inaudible] en mis líneas aquí y allá para separar partes de mi dibujo luego agrego alguna eclosión con liner para mostrar las texturas y para hacer las superficies más físicas y voluminosas. Dibujo pequeños puntos y trazos para hacer un cuadro entero más gráfico y visualmente interesante. Añadí algunas bandas blancas en la portada del libro para modular un poco y dibujé par de reflejos con marcador a superficies brillantes de mi cristal y cámara. Al final, pienso enmarcar con el rotulador para que sea más legible. Mi dibujo sobre papel está listo. Esta imagen que he estado haciendo con tres herramientas principales, un lápiz, revestimientos, y acuarela. En el siguiente video, te mostraré qué pinceles apropiados usé para imitar estas herramientas y cómo configurarlas. 5. Pinceles de Procreate: Como ya he dicho antes, mi dibujo tradicional y tiene cuatro pasos. Boceto, con el lápiz de grafito, contornos con liners, color con acuarela y detalles con forros de nuevo. Ahora te voy a mostrar qué pinceles procreate se utilizan para cada uno de los pasos en el dibujo digital. Todos ellos un pinceles procreate nativos, pero algunos de ellos se modifican un poco. Para un paso de boceto, me gusta usar algo como lápiz suave. En este momento, mi elección es el pincel de tiza. Lo puedes encontrar en la sección de caligrafía de la biblioteca de pinceles. Lo uso tal como es con su configuración nativa. Los pasos de Líneas y Detalles son un poco más complicados. Tanto líneas como detalles, utilizo el bolígrafo técnico. Lo puedes encontrar aquí en la sección Tintado, y así es como funciona. A mí me gusta lo sensible y crujiente que es. Pero para mí, estos consejos de los trazos son demasiado agudos y delgados. Contrasta con mucho con el cuerpo de la línea. También el tamaño de esta línea se ve demasiado pequeño para mí, no como una línea real sobre papel, y hace que se vea artificial y evidente con lo digital. Para mis bocetos, lo modificé un poco. Para modificar un pincel, en primer lugar, debe duplicarlo con deslizamiento a la izquierda y presionar sobre duplicado. Ahora tenemos una copia de un pincel, y aunque le cambiemos el nombre, siempre podemos distinguir un pincel nativo y un duplicado de uno, por un pequeño icono aquí en la esquina derecha. Ahora vamos dentro de la configuración del pincel. Hay muchas opciones con las que jugar, pero sólo necesitamos un par de ellas ahora. Aquí abajo puedes encontrar siete botones y vamos al quinto. El lápiz. Esto es lo que buscamos el Apple Pencil Presion. Como puedes ver, el deslizador lateral se cambia a su máximo. En realidad, significa que la diferencia entre la punta y el cuerpo de un pincel es del 100 por ciento. Lo movemos y se puede ver cómo cambia la forma del trazo. Si lo movemos por debajo de cero, la punta se vuelve más gruesa que el cuerpo. Puedes probar cómo funciona aquí. Prefiero mucho trazo adicional donde la punta es más delgada que el cuerpo, pero no tan drásticamente como lo es con configuraciones nativas. Yo muevo el slider al 25 por ciento y estoy bastante contento con esta línea. Ahora vamos al botón de trazo, y aquí me gustaría cambiar un Jitter. Cuando lo muevo, se puede ver que los bordes de más alinean se vuelven más a menudo texturizados hasta que se desmoronan por completo. Lo que necesito es alrededor del 20 por ciento y esto hace que mi línea parezca más natural. Al igual que una línea de un bolígrafo de tinta sobre papel. A veces también uso ajustes de racionalizar. Cuando el control deslizante es distinto de cero, tu línea es tan cruet y color como lo dibujas. Con agilizaciones apagadas tu 're a cargo y la línea obesa. Pero algunas veces en las que necesitas una línea realmente suave y estable, tu mano puede sentirse no lo suficientemente segura y es el momento adecuado para activar la racionalización. Justifica tu línea, alinea. Para mostrar cómo funciona. Voy a dibujar algunas líneas con el mismo movimiento de mi mano como si se sacudiera accidentalmente, como por ejemplo, al dibujar en un plano. El primer renglón es con cero racionalidad. El segundo renglón es con alrededor del 50 por ciento de racionalización y el último es con la máxima racionalización. Supongo que puedes sentir la diferencia. Pero ahora cambiemos esta línea de corriente y pasemos al siguiente paso. Para el color, suelo usar el bolígrafo de estudio de la sección de entintado, pero también un poco modificado. Supongo, está diseñado para la caligrafía, no para colorear. Por eso tiene este maravilloso trazo dinámico. Pero como lo uso para rellenos de color, no necesito esta punta afilada. Lo que realmente necesito es un tamaño más grande de mi pincel. Pero se puede ver que aquí el deslizador está encendido es 100 por ciento y el pincel aún no es tan grande. Duplico mi pincel ir a su configuración, ajustar de nuevo el tamaño de la punta y la sección del lápiz a alrededor del 50 por ciento. Ahora me parece bien. Entonces para aumentar el tamaño de un pincel en sí, voy a general y los límites de tamaño son exactamente lo que necesito aquí. Pongamos este deslizador máximo a su máximo y se puede ver cuánto más grueso es mi trazo ahora. Pero como la fuente del pincel es una imagen Raster, aumento excesivo puede conducir a la pérdida de calidad. Por eso conseguimos estos bordes borrosos. Reduzco un poco este deslizador a tal vez 50 por ciento, originalmente era 20 aquí y ahora se ve lo suficientemente afilado. Por último, apago las agilizaciones hasta donde para colorear y no lo necesito en absoluto. Hablando de colorear, también trabajo con ese deslizador de opacidad para alguna mezcla de color. Para el paso de líneas, el deslizador siempre se va a parar, pero ahora puede variar. Para mostrar cómo funciona, pondré aquí dos colores. Por cierto, en procreate, puedes usar el recolector de color de dos maneras. El primero es un botoncito aquí. Presiona aquí, y luego aparece el recolector de color, puedes moverlo al color que te gustaría recoger y eso es todo. Incluso la forma más rápida es usar el dedo. Puedes tocar la pantalla y mantenerla durante un segundo. Entonces vuelve a aparecer la rueda de recolección y te permite escoger el color deseado. Utilizo el recolector de color todo el tiempo mientras dibujo. Volver a su opacidad y mezcla de color. Digamos que necesitamos un gradiente entre estos dos colores. No es un gradiente suave perfecto, pero aún así uno bonito. Lo que necesitas es escoger uno de los colores reducir la opacidad al 30 por ciento y pintar en el medio superpuesto y el segundo color. Después escoges este color mezclado desde el medio hacia arriba y ahora pintas con él, superponiendo ambos colores originales. Entonces todo se trata de recoger y pintar con nivel de opacidad. Para aplicar a esta mezcla de colores y zona más artística look, utilizo una herramienta de manchas. Para una herramienta de manchas, suelo usar un cepillo de estuco. A mí me gusta cómo funciona la textura. No mancho todo el gradiente solo haz unos trazos aquí y allá. Con herramienta de manchas, es muy fácil exagerar, así que trato de usarla con cuidado. Otro pincel que uso además de mi modifies studio pen, es cepillo de agua. Lo puedes encontrar en ajustes de caligrafía. Para mostrártelo, volveré a pintar estos dos colores con pluma de estudio y luego cambiaré a la pluma de agua. Prefiero usarlo en un tamaño grande y con baja opacidad. Vuelvo a hacer esto recogiendo y pintando, pero se puede ver lo diferente que se ve el área de mezcla ahora y a veces, hace un efecto adecuado. Este pincel no sólo pinta sino que también mancha un poco y es muy sensible a la presión. Terminando el tema del pincel arriba, un par de palabras sobre el borrador. Para el paso de boceto, utilizo los ajustes de Aerógrafo de dureza media de la sección Aerografia. Es muy sensible a la presión y me da la sensación de un borrador muy suave. Para todos los demás pasos, utilizo ajustes de Monoline de sección de caligrafía. A mí me gusta que sea ancho constante. Es muy predecible y me ayuda a borrar exactamente lo que quiero. La biblioteca de pinceles es bastante grande y algunas de las herramientas que uso están asignadas en diferentes secciones. Para hacer mi cabezal de kit de pinceles puedo crear mi propia sección para de ellos. Presiono el plus en la parte superior de la lista de secciones, le doy algún nombre como bocetos digitales. Después voy a mis pinceles, los duplico para no perderlos de su ubicación original, y luego muevo una copia a mi sección de bocetos digitales. Aquí, puedo reorganizar mis pinceles como quiera. Ahora tenemos todos los cinco pinceles juntos y esto es mucho más fácil alcanzarlos aquí entonces cuando nos desplazamos por toda la biblioteca cada vez. Está bien, ya basta con los pinceles. Ahora voy a establecer los colores para mi dibujo. 6. paleta de colores;: En Procreate el color se representa en cuatro tipos, una Rueda de Color, o como lo llaman aquí, un disco, vista clásica, completamente como en Photoshop. Valores, donde puedes introducir aquí un número exacto de rojo, verde y azul o cualquier código de color en particular. El cuarto tabulador aquí es palés, donde puedes elegir uno de los palés predeterminados o crear el tuyo propio y eso es lo que vamos a hacer ahora. A diferencia del dibujo tradicional, en Procreate, tenemos un número ilimitado de colores posibles. Puede sonar genial, pero escoger colores de todo el espectro toma mucho tiempo para mí si lo hago mientras dibujo. Por eso prefiero limitarme intencionalmente y crear una paleta para el próximo dibujo. La paleta para mí no es cosa demasiado rígida. Por supuesto, cambio los colores si necesito, pero es una especie de base que me permite no perderme en el espectro y salva el dibujo de ser demasiado gowdy. que ya he dibujado esta composición en papel y mi decisión de color tipo, es un poco más fácil para mí escoger los colores ahora. En fin, aunque no lo haya hecho, este proceso se vería bastante igual. Si eres nuevo en el dibujo digital y es difícil para ti elegir los colores, intenta hacer un estudio rápido de color con el color del agua o cualquier otro material al que hayas acostumbrado y luego cambiar a digital. Puede ayudar. Pero por favor, no escojas tus colores directamente de la foto. Los colores en la vida, y sobre todo en las fotos y donde se pueden distorsionar, no son necesariamente hermosos y armoniosos. Trata de crear una imagen hermosa, no para hacer una copia exacta. Así es como empiezo. Escojo colores de las partes principales de mi dibujo futuro y compruebo cómo se ven uno al lado del otro. Estos colores beige y marrón son para la mano , son reflejos y sombras. Este Violeta ligeramente saturado es para partes plásticas de mi cámara y otros elementos oscuros y estos azul grisáceo es para sus partes metálicas. Naranja y beige verdoso son para la flor. El ligero turquesa, rosa, y verde será para el libro. El mismo verde pero más claro que puedo usar para el fondo y ahora, he cubierto más o menos cada color y vamos a crear una paleta. Aquí en Paletas Tab, presioné este pequeño plus y luego entras pellet aparece y puedo nombrarlo de alguna manera. Ahora, solo levanto mis colores y los pongo a la paleta. De verdad se siente un poco como si pusiera mis pinturas tradicionales reales como el color del agua o un rubor a mi paleta real. Como puedes ver, esta nueva paleta se estableció como predeterminada porque puedes ver este botón azul aquí y eso significa que ya está aquí y está listo para trabajar. Como dije antes, no tengo que usar sólo estos varios colores, esto es solo una base diseñada para facilitar un proceso de coloración. Si necesito algún otro color, por ejemplo, violeta como este, pero un poco más claro y un poco más rojizo lo escojo y muevo el deslizador de ligereza hacia la derecha y encuentro el tono apropiado en la escala de tonalidades. Si necesito, también puedo añadirlo fácilmente a mi paleta. Este es un proceso mucho más controlado que seleccionar colores de todo el espectro. Te ayuda a crear tu arte de manera más consciente. Mis pinceles están listos y mis colores también están listos y en el siguiente video, por fin te mostraré el proceso del dibujo digital. 7. Dibujo en iPad: Mi dibujo de acuarela cuando se hizo en el papel de 15 por 20 centímetros. Por lo que para repetir el proceso, creo un archivo del mismo tamaño. El primer paso es el boceto y lo hago con mi cepillo de dientes. Empiezo con un marco y le doy un nombre a una capa. Después crea una nueva capa para el resto de mi boceto y también lo nombra. Por lo general, no siempre nombro capa de error, pero ahora quiero que este proceso sea más claro para ti y en realidad no he renombrado capas es bastante útil. Con los nombres, es bastante poco probable que dibuje algo accidentalmente en la capa equivocada. En procreate, no sólo puedes dibujar y borrar, sino también transformar piezas de tu dibujo. Para esto, sólo tienes que seleccionar y transformar con una herramienta de movimiento, esta pequeña flecha en la parte superior izquierda. que ya he dibujado este cuadro en papel, ahora es mucho más fácil crear una composición, pero todavía necesito algunas correcciones. Creo una nueva capa, cuatro cámaras atrapan, y por lo que está en el fondo, moví esta capa debajo de una capa con una flor y una mano. Es mejor dibujar los objetos superpuestos o enlazarlos en diferentes capas para poder editarlos individualmente. Después de que mis bocetos en bruto estén listos, fusiono todos desarrollan programadores hacia abajo y aligerar con panel de brillo de saturación de tono desde el menú de ajustes. En el sur, similar a aligerar mi boceto a lápiz con una goma de borrar. Se puede obtener el mismo efecto reduciendo las capas obesidad. Ahora, especifico mi boceto, lo hago más preciso y preciso en cuanto a formas y proporciones. Lo preparo al siguiente paso porque me gusta dibujar los contornos con confianza sin buscar la línea correcta. Ahora, cuando tengo mi boceto terminado, bajo la opacidad de esta capa a alrededor del 30 por ciento y creando tu capa para mi siguiente paso, los contornos. En un papel, he estado dibujando las líneas principales con 08 delineador de tinta. Aquí para el mismo proceso, utilicé el tamaño de ancho de banda técnico alrededor del 30 por ciento. Pero por supuesto, el tamaño de tu pincel depende del tamaño de tu imagen. La enorme diferencia aquí es que eres [inaudible] contrarios el delineador de tinta cada línea que dibujas se queda en un papel para siempre. En el caso, puedes borrar tantas veces como quieras, y funciona con cualquier pincel. No obstante, el resto del proceso es bastante el mismo. Exactamente como lo hice en un paso de boceto, creo una nueva capa para mi cámara y la dibujo con un pincel más delgado, alrededor del 20 por ciento. Al final del escenario, dibujo el marco y ahora puedo unir todas las capas de contornos a una. Pasamos con éxito los pasos anteriores, pero el tercero va a ser complicado. Bueno, ahora estamos recurriendo al paso de color y este proceso no se ve como dibujar sobre papel tanto como sea posible. Si aún no tienes experiencia en dibujo digital, esta etapa puede parecer un poco difícil para ti, pero haré todo lo posible para explicártelo tan claramente como pueda. Me aseguro de que mi capa de contornos esté bloqueada para salvarla de dibujarla accidentalmente allí. Crear nueva capa, llámala color, y muévala a los contornos. La capa de desembolsos siempre tiene que estar en la parte superior. A veces las capas pueden ocasionalmente agrupar se moverán, hablarán de grupos un poco más tarde, y ahora solo necesito arrastrar esto en capas hacia abajo. Para la coloración, tomo mi bolígrafo de estudio, elijo el color de mi pellet creado previamente y empiezo a pintar con la mano. Cubro todos los objetos de manera uniforme con la máxima obesidad, solo con un color. En realidad, en esta etapa, se puede usar cualquier color, no necesariamente uno final. Se puede pintar con trazos así como con falla. Para un campo, debes dibujar un contorno cerrado sin huecos, al igual que en un libro para colorear para niños, y luego literalmente tomar el collar y arrastrarlo a un espacio vacío. Si creas un contorno ordenado sin huecos en él, el color no fluye. Realmente no disfruto esta etapa es bastante aburrido trabajo mecánico para pintar con un color huido, pero se tiene que hacer para facilitar el proceso posterior. Para colorear esta declaración, creo una nueva capa para ella. Con ello, puedo editar mi mano y declaraciones separadamente unas de otras. Tomo el color de mi paladar tonalmente, solo afinándolos con capas. Ya que la flor y la mano no se superponen, pinto el en la misma capa. En caso de necesidad, podré cortar uno de los objetos, pegarlo en una nueva capa, y trabajar solo con él. En realidad, corriendo la cabeza. Puedo decir que lo voy a hacer al final. Creando una nueva capa para mi cámara, dado un nombre a la capa de declaración y renombrando el collar en capas a mano y flores. Por lo que parece ser cierto. Para la cámara, utilicé dos colores ahora, violeta oscuro para sus barras de plástico y gris azulado para las metálicas. Debajo de todas estas capas, creo una capa para un libro y pintado enteramente con chocolates. Aquí te dejamos un buen ejemplo de lo que sucede si no cierras tu contorno y haces un relleno de color. Al parecer, tengo un hueco en algún lugar detrás de mi cámara o de la mano, y por eso toda la imagen está inundada de color. Cierro el contorno y luego funcionó probablemente. Tomo caramelos de pintura, verde amarillento para editar a la portada, creo una capa para mi fondo con un signo de interrogación y lo pinto. Entonces crea una capa para mi brillo y pintarlo con colores ya se han utilizado aquí, pero más ligero. En este momento no se siente un brillo en absoluto, pero es sólo una preparación para el siguiente paso. Ahora bien, el punto colorante extremadamente importante es común, que difiere enormemente del dibujo tradicional. A propósito te muestro la grabación desde una cámara, no desde una pantalla para que veas mi lápiz moviéndose. Voy a utilizar cada objeto agregando texturas, reflejos y sombreados y otros tonos. Empecemos con una mano. Puedo agregar una sombra en la misma capa donde tengo mi mano. En este caso, tengo que ser increíblemente precisa, lo contrario el color conduce a través del contorno. De hecho, puedo arreglarlo con un borrador y limpiarlo, pero realmente ralentiza todo el proceso. Volvamos atrás. Procreate tiene una maravillosa característica llamada Alpha log. Presionando aquí vemos que el icono de esta capa se cubrió de cuadrados, eso significa que esta capa tiene inicio de sesión Alpha. Ahora bien, si pinto muy descuidado, mi trazo aún permanece dentro de los bordes de esta capa. Esta es una opción perfectamente conveniente ya que ayuda a dibujar más rápido y con mayor precisión. Para apagar la sesión Alpha, vuelve a pulsar aquí. También podemos encenderlo solo moviendo la capa con dos dedos a la derecha. Ya ves lo hice y aparecieron unas casillas. Vuelvo a hacerlo, y desaparecen las plazas. Eso significa que el registro de Alpha está apagado. Puedes hacer casi lo mismo en una capa separada. Digamos que dibujo un poco de sombreado desordenado aquí, luego vamos al menú de capas y elegimos cuidado de máscara de recorte. Como pueden ver, todo lo que dibujé aquí fue cortado a lo largo de los bordes de la capa inferior. Puedes reconocer una capa con esta máscara de recorte por estas diminuta flecha aquí. Por el momento, puedo apagar la máscara de recorte y conseguir mi capa tal como está. Cuando el clip y la máscara están encendidos, puedo dibujar aquí sin temor a ir más allá de la capa. El recorte de máscara es más funcional que el registro Alpha porque siempre podemos apagarlo, eliminar, o colorear y editar. Pero de hecho, no es una necesidad muy frecuente. Como recuerdan, en procreate, tenemos un número limitado de capas. Por lo que mayormente uso Alpha log en lugar de recortar la máscara es suficiente para estas fotos. Si quieres agregar algo a tu capa, como este pequeño soporte debajo de la mano, necesitas apagar el registro Alpha, pintar tu pieza en la capa desbloqueada y luego volver a encender. Bueno, volvamos a la pintura. He estado dibujando todo aquí con máxima opacidad hasta este momento. Pero ahora pongo mi pincel más transparente para crear transiciones de color sutiles. Pinto el lado oscuro de una mano con violeta parduzco. Después coge este beige original y debido a la baja obesidad, me levanto y entre él y el color más oscuro. Poco a poco hacen que esta transición sea más suave. Ahora, tengo bastantes tonos beige y marrón. Por lo que mayormente el recolector de color de usuario, no mi paleta. Utilizo el menú de colores solo para obtener un color completamente diferente como este azul oscuro. Por sombreado inclinado, hago una mano cada vez más volumen en detalles. Escojo un amarillo saturado para enfatizar piezas iluminadas por el sol. Las sombras azules y moradas y los reflejos amarillos y anaranjados son comunes para un día de sol y hacen que un objeto sea más voluminoso. Tenía este amarillo a la punta de los dedos, ya que su rostro en deleite. Poco a poco editar tonos claros y oscuros transparentes aquí y allá, traigo más vivo a esta mano. En esta mano hay una hermosa textura de madera. Por lo que para expresarlo mejor, creo una nueva capa para ello y enciendo la máscara de recorte. Dibujo un botón de madera con colores que ya he usado aquí. Después toma esta gran herramienta y frota algunas partes de una textura para integrarse con el resto de un objeto de forma natural. Al mismo tiempo, aligero un poco los tonos para dibujar una textura debajo del pulgar. Después dibuja una textura en la parte baja de una mano, haciendo una oscura y sombras, sigue trabajando con herramienta de pincel y aplastar. Pasar a los dedos, dibujar textura allí, reflejos y sombras, y volver a esta cosa estándares color oscuro. Añadiré reflexión azul claro transparente al lado sombreado y fusiono una capa textural y la capa de mano juntos. Ahora, más bien dejo mi mano en paz. Pasando a la decoración, el tema es mucho más sencillo, así que cambio Alpha log on y pinto con diferentes tonos de verde y rojo. Agrega algunos detalles a la cuerda para que sea más real. Si no tuviera un registro de Alpha aquí, sería realmente difícil pintar con precisión este pequeño detalle. Pinto sombreado y superficie más inteligente de esta cosa un poco para mostrar que algunas de estas batallas están dentro, por la superficie misma es lisa. Ahora, es hora de la flor. Le agrego unos tonos y volumen a la cabeza y diferentes tonos a las hojas. Empiezo naranja de una flor y añadí transparentemente a las hojas, pinto algunas manchas aquí, y muestro que las hojas son secas y texturizadas. Añade trazos brillantes, oscuros y claros a la flor para enfatizar su esponjosidad. Dibuja un poco más de textura y muévete a la cámara. Al principio, dibujo algunas líneas en la capa de contornos ya que son importantes para la forma y las extrañé antes, y luego comienza el sombreado. Pinto esto [inaudible] con un color más claro hasta el [inaudible] más luz. Pintando las sombras, traté de mostrar que la luz va desde la izquierda. Agrega algunos trazos amarillos a las partes que son las más cercanas a la luz. Trae algo de contraste a las luces y sombras y agrega algo de volumen a la lente. Con diversos trazos grises un espectáculo de que estos metal, a pesar de su superficie mate total reflejan colores, y estos trazos rosados y azules son reflejo de la portada del libro. Cambia al vaso ahora. vidrio puede ser bastante frustrante, y hay cuatro cosas principales que debes recordar al respecto. Es transparente, distorsionante, reflectante, y suave. Para hacerlo transparente, utilicé los colores de su entorno, pero más ligeros. Para que se distorsione cambio la forma de las manchas de vidrio en lugar de un brillo a más flujo en unas. Para que refleje, agrego algunos colores brillantes como este, rosa de la portada del libro y naranja de la flor, y además agrego algunos reflejos blancos. Para hacerlo suave uso un cepillo de agua, que puede pulir pintura y manchas. Eso es todo con el cristal, finalicemos la portada del libro. No necesita ningún volumen real y sombreado ya que es plano, pero quiero que estos colores se vean más artísticos, no como si solo estuvieran cortados y pegados aquí, así que los mancho un poco, y además agrego más claros y oscuros tonos para guardar una imagen de ser aburrido relleno de color homogéneo. Hago algo bastante parecido a mi proceso pasado con una acuarela líquida brillante. Añado algunos colores saturados y luego los manché. Parece que es, es algo malo con esta imagen, los objetos se ven más o menos realistas, pero no dejan caer ninguna sombra, así que es hora de arreglarlo. Dado que todos los objetos son ascendidos sobre un libro, las sombras también deben estar ubicadas en él. Creo una nueva capa sobre una capa de libro, nombro sombras, y cambia el modo de fusión de normal a multiplicarse. Entonces ver la letra N es reemplazada por M ahora. El modo Multiplicar significa que los colores de esta capa se mezclarán con los colores de la capa de subrayado. Bajé la opacidad aquí para que mis futuras sombras luzcan no demasiado oscuras, porque violeta ligeramente saturado y dibuje las sombras. El luz va desde la izquierda, por lo que las sombras se desplazan hacia la derecha. Yo los pinto con pluma de estudio y luego manchar un poco. Más cerca del objeto, la sombra siempre es más clara y luego se disuelve radiantemente. Puede ser difícil de creer, pero ahora el paso de colores finalmente ha terminado y sólo nos quedan los detalles. Creo una nueva capa en la parte superior para ellos, nombrela y me vuelvo a llevar mi bolígrafo técnico. Otra cosa que hice con capas inclinadas sobre papel en procreate hice con este bolígrafo técnico, y esta etapa es completamente similar a dibujar en los detalles sobre papel, creo que en algunas de las líneas para crear exceso y llevar el volumen. Entonces dibujo eclosión y texturas, aunque hubiera algunas relaciones de color, ahora estos trazos negros captan toda la atención. A lo mejor esta es mi parte favorita de un dibujo, tal vez porque me encantan los gráficos, y ahora toda la imagen poco a poco le da el look completado. No obstante, es importante no más de hacer con detalles, no conseguir piezas demasiado negras.. Dibujando sobre papel para crear esta pequeña tendencia wavelet en la cámara, tuve que darle al espacio blanco y pintar a su alrededor con mucha precisión. Aquí sólo puedo escribirlo con color blanco. Añado estos diminutos dígitos bajo lente para un dibujo tradicional, digital sería demasiado pequeño. Dibuja algunas sombras de gota, texturas en el libro y en el fondo, y en general, mi dibujo está listo. En mi proceso habitual, fusionaría las capas de color hacia abajo, pero ahora las guardo, por lo que podrás descargar este archivo y examinar todos los detalles. Ahora quiero mostrarte cómo cambiar algunos colores, aclarar o contrastar, si no te sientes contento con ellos al final, puedes editar las capas de forma individual así como toda la imagen. Por ejemplo, no estoy realmente contento con mi cámara ahora. Parece demasiado oscuro y se mezcla con la flor, así que me aseguro de que la capa de la cámara esté activa, luego vaya a ajustes y elija las curvas aquí. Al mover la parte superior de la línea hacia arriba, aligero las luces de mi cámara. Me siento bastante satisfecho con este efecto. Ahora tratemos de aligerar un poco la mano de la capa de flores también. Ahora me doy cuenta de que sólo es mano fue a aligerar un poco y mantener la flor tal como está, así que selecciono la mano, presiono una herramienta “Mover” y hago este tres dedos para llegar a este menú. Aquí, elijo cortar y pegar, y ahora visualmente la mano se queda en el mismo lugar, pero en capas, podemos ver que saltó a tu capa individual. Cambié el nombre de las capas para no perderme, y repito esta manipulación con curvas. Yo lo hago más ligero, y luego todavía aquí en curvas, me cambié al canal rojo, también arrastre la línea hacia arriba, y ahora mi mano se puso un poco de tinte rojizo. Me gustó este tono cálido, y ahora por fin estoy contento con todo el cuadro. No obstante, me gustaría mostrarte cómo puedes editar toda tu imagen a la vez si quieres experimentar con colores y contrastes. Para esto, voy a crear un grupo, el grupo es una carpeta donde podemos poner nuestras capas. Agrupé todas mis capas de color juntas, presiono combinado aquí abajo en la capa superior, luego aparece el grupo, y acabo de mover allí el resto de mis capas. Ya que quiero que se edite uno con el color, dejo la capa externa fuera del bucle, así que obtenemos todas las capas coloreadas agrupadas, ahora, duplico este grupo con todo su contenido, y llegamos a grupos exactamente idénticos con el mismo conjunto de capas. Desmarqué el primer grupo para ocultarlo, sólo lo mantendremos en reserva, y luego aplano el segundo grupo para fusionar todas sus capas juntas. Fue nombrado como fondo de forma automática. Vuelvo a los ajustes, abro curvas, y ahora puedo jugar con toda la imagen como quiera. Con curvas, puedes traer algo de contraste arrastrando la parte superior de la línea hacia arriba y la parte baja con hacia abajo, estos hacen que los toboganes sean más claros, y los oscuros son más oscuros. Además, podemos cambiar completamente los colores con saturación de tonalidad, brillo, o balance de color y así sucesivamente. Así se veía, y esta es una nueva versión. De esta manera, puedes editar infinitamente tu imagen y hacer tantas versiones como quieras. Pero como ya he dicho antes, estoy bastante contento con mi resultado anterior, así que lo guardo así. Resultó estar bastante cerca de mis dibujos de acuarela, por lo que sería fácil compararlos con ellos. Lo último que me gustaría hacer, es agregar algunos reflejos, similar a lo que he hecho con lápiz blanco y marcador en mi imagen acuarela. Para estos, tomo pluma de estudio y agrego algo de exceso a la mano para el cristal, la flor, y la cámara, y al final dibuja unos trazos blancos transparentes a una portada de libro para demostrar que es un poco brillante. Ahora eso es seguro, vamos a exportar la imagen para estos voy a compartir, elijo JPEG, y guárdala en mi iPad. Esta imagen, es de resolución completa y también los archivos de procreate y Photoshop que puedes encontrar en la aplicación a la clase, abrirlos en tu computadora o iPad y examinados en detalles. 8. Let’s: Echemos un vistazo rápido a ambos dibujos, tradicionales y digitales. Ambos dibujos tomaron más o menos tiempo igual para mí. Por supuesto, cuando los colocamos uno al lado del otro, vemos algunas diferencias de color y composición. Pero de todos modos, creo que son bastante comparables. Por supuesto, puede que te guste uno de ellos más que otro, pero sobre todo es una cuestión de gusto y propósito personales. En mi opinión, estos dibujos de acuarela resultaron ser más interesantes y variables en cuanto a color. Honestamente, eso sucedió mayormente por el factor de aleatoriedad, lo conté desde el principio mismo. Algunas pinturas se habían mezclado ocasionalmente en un pellet y los nuevos colores simplemente aparecieron sin mi impacto. En el dibujo digital, necesitas hacer una elección consciente para cada color y cada movimiento. Al mismo tiempo, en caso de la versión digital, definitivamente estoy más feliz con los detalles. Ya que puedes acercar tu imagen todo lo que necesites, puedes crear los detalles más diminutos. Podrás encontrar estas imágenes en su mayor resolución en las aplicaciones a esta clase y compararlas tú mismo. Estaría encantado de conocer su opinión al respecto. 9. Proyecto de clase y pensamientos finales: Aquí viene un proyecto de clase. Por favor crea dos versiones o un boceto, igual que lo hice yo. En primer lugar, tradicional y digital. La complejidad del tema, realmente no importa aquí, puede ser aún mejor empezar con algo sencillo para no estar demasiado frustrado por este proceso. No obstante, insisto en que siempre es mejor usar un objeto real para dibujar no poner referencias en su lugar, entonces por favor suba ambas imágenes aquí como proyecto de clase, y además agrega algunas frases sobre tu proceso. ¿ En qué parte de ella disfrutó más? ¿ A qué dificultades te enfrentas? ¿ Qué ventajas y cuestiones tiene cada una de esta versión en su caso particular? No puedo esperar a ver tus dibujos y a leer sobre tu experiencia. Por favor recuerda que no tienes que ser artistas profesionales ni dibujar a la perfección para hacer este proyecto. Estamos todos solos aquí y en la línea para dibujar el proceso es mucho más importante que un resultado presente. Por favor siéntete libre de contactarme aquí o en redes sociales si tienes alguna pregunta o comentario, y haré todo lo posible para ayudarte. Muchas gracias por ver mi clase. Espero que hayas aprendido algo nuevo o tal vez sistematizado algún conocimiento que ya has tenido. Con ganas de bocetos digitales. Adiós.