Arte digital: un enfoque práctico

1. Introducción: Hola a todos. Soy Mauricio Pérez, ilustrador digital y entusiastas de la pintura digital con sede en la Ciudad de México. Para mí, la teoría del color y el color son temas fascinantes, pero tienen una inmensa cantidad de subtemas para elegir, y puede ser realmente fácil perderse en su complejidad. Tienes colores primarios, colores secundarios, colores terciarios, esquemas de color, armonía de color, temperatura de color, aberración cromática, la lista sigue y sigue, y si la estás mirando desde una perspectiva puramente teórica, las cosas pueden ponerse realmente complicadas y realmente frustrantes en poco tiempo, pero no tiene que ser así. Decidí hacer esta clase sobre el color porque es un tema con el que he luchado toda mi vida. También porque sé que todo artista que aspira a convertirse en un profesional necesita dominar esta habilidad. Si acabas de tener las manos en una tableta de dibujo y quieres llenarte lienzo digital con ilustraciones increíbles y coloridas, pero no sabes por dónde empezar, esta es la clase es para ti. Si tus piezas dependen en gran medida de linework y te resulta difícil hacer la transición a dibujos y pinturas más volumétricos, esta clase es para ti. Si te apetece el arte gráfico bidimensional, pero te interesa experimentar con un enfoque más plástico, esta clase también es para ti. Quiero mantener las cosas divertidas, quiero mantener las cosas simples, y al final de la clase, quiero que tengas un producto terminado, una ilustración terminada que en realidad puedes compartir en tu social medios de comunicación. Así es como va a funcionar. Primero, te mostraré mis herramientas y trabajadora. Te familiarizarás con los pinceles que uso, mis ajustes, y cómo mantengo mis capas organizadas. Entonces te enseñaré sobre los fundamentos del sombreado. Te mostraré cómo dar forma a volúmenes básicos con algunas de mis técnicas de sombreado. Aprenderás sobre los tres bloques de construcción del color; matiz, saturación y brillo, cómo se relacionan con la rueda de colores, y cómo relacionan dos conceptos clave; valor de color y temperatura de color. Después de apresurarse a través de esos tres temas, comenzaremos un proceso paso a paso en el que aprenderás a aplicar colores locales a tu personaje, cómo recoger fuente de luz, agregar algunas sombras , algunos efectos de iluminación, y así toques finales para completar tu proyecto, que será una versión 3D de tu cabeza de personajes 2D favoritos. Creé esta clase para ayudarte en tu propio viaje de exploración del color y para hacer que la teoría del color sea un poco más agradable y mucho más agradable. No desperdiciemos más tiempo. Vamos a llegar a ella. 2. Herramientas: [ MÚSICA] Bien, todos. Pensé que había hecho un pequeño video de introducción para mostrarte las herramientas que utilizaré durante esta clase. Estas son herramientas muy simples que vienen por defecto en cualquier software de pintura digital. Incluso si no estás usando Procreate, no deberías tener ningún problema a seguir. Primero, abriré mi biblioteca de pinceles, que es el ícono del pincel en la barra de menú superior derecha. Ve al juego de pinceles aerografiados y selecciona un pincel redondo suave. Como se puede ver, se llama pincel suave porque produce puntos y líneas con un borde suave borroso. A continuación, escogeré un pincel duro, que como su nombre también implica produce puntos y líneas de borde nítido y duro. Hablando de líneas, Procreate tiene una característica muy cool. Si dibujas una línea y sostenes la punta de tu dedo o el lápiz de Apple hacia abajo, creará una línea perfectamente recta. Antes de levantar el dedo hacia arriba, puede cambiar la longitud y la dirección de su línea. Algo similar sucede cuando dibujas una línea curva. Si mantiene pulsado el dedo o el lápiz Apple, te permitirá cambiar el tamaño y la orientación de tu curva. Después de levantar el dedo, podrás seguir modificando aún más tus líneas pulsando el botón Editar forma. Si dibujas un círculo como forma y mantén el dedo hacia abajo, creará una elipse. Si presionas y manteles presionado con otro dedo, creará un círculo perfecto. Algo similar sucede cuando dibujas un rectángulo y sostienes el dedo hacia abajo. Excepto esta vez si presionas y manteles presionado con otro dedo, crearás un cuadrado perfecto. Por cierto, si toco y sostengo la herramienta de selección de color en la esquina superior derecha, arrastre el color con mi dedo y levante el dedo encima de mi rectángulo, puedo llenar toda la forma con color. Pasando a nuestra próxima herramienta, la herramienta de manchas. Esta es una herramienta muy potente que te permite untar pigmento alrededor del lienzo y crear transiciones suaves y suaves de un color a otro. Pero hay un par de cosas que debo mencionar. Número 1, al igual que con la biblioteca de pinceles, la biblioteca de herramientas de manchas te permite escoger y elegir entre cualquier pincel de tu colección, pero siempre usaré la herramienta de manchas con el pincel suave seleccionado. Número 2, me aseguro de ajustar mi opacidad del pincel a cerca del 40 por ciento. Entonces empecé a manchar pigmento usando mi dedo o lápiz Apple con toques veloces y suaves en la pantalla, pasando de negro a gris, luego de gris a negro, y también con trazos verticales hasta que consiga el gradiente que quiero. A continuación, tenemos la herramienta de goma de borrar. Si lo uso con el pincel redondo duro seleccionado, me ayudas a crear bordes nítidos y duros. En este caso, me está ayudando a definir los bordes del rectángulo que había creado antes. Entonces si uso la herramienta de manchas, puedo desenfocar ese borde e incluso hacer desaparezca en un degradado. Entonces puedo volver a tomar mi goma de borrar y redefinir mi borde. También puedo usar mi borrador con un pincel redondo suave seleccionado para crear un borde más borroso y más suave. Entonces tenemos la herramienta de selección. Para activarlo, presiono el icono de selección en la parte superior izquierda de mi menú. Esta herramienta me ayuda a seleccionar una sección de mi lienzo y modificarlo sin alterar el resto de mi pieza. En este ejemplo, seleccioné un área de mi lienzo y la llené de pintura usando mis pinceles. También podemos utilizar la herramienta de selección para realizar otras modificaciones. Esta vez lo estoy usando para seleccionar un elemento de mi lienzo, este punto negro. Entonces activando la herramienta de transformación, que es el pequeño icono de flecha junto a la herramienta de selección, puedo hacer modificaciones aún más radicales como cambiar su tamaño, moverla, o incluso distorsionarlo para cambiar completamente su forma. Eso es todo. Ahora estamos listos para seguir adelante y empezar a pintar. En nuestra próxima lección, estaremos hablando de luz y sombra. Te veré ahí. [ MÚSICA] 3. El panel de colores: [ MÚSICA] Para nuestra primera lección, quiero mostrarte la forma más fácil y rápida que conozco para sombrear una forma sencilla. Pero antes de hacer eso, necesito presentarle a nuestro amigo, el panel de color. En el lado derecho del menú superior, verás un pequeño círculo que representa el color activo. Toca para abrir el panel de color y luego toca la pestaña “Clásico” en la parte inferior del pop-over. En su versión clásica, el panel de color nos permite ajustar la saturación y el brillo de un color moviendo un radical alrededor de este campo de color rectangular. Para cambiar de tonalidad, debemos usar el primero de los deslizadores a continuación. Pero espera un minuto. ¿Qué significa incluso la saturación o el brillo del tono? Bueno, la tonalidad es sólo una palabra elegante para el color. Movemos el deslizador de tonalidad hacia la izquierda y la derecha, y el campo de color cambia de color. Es así de simple. Saturación o croma se refiere a la brillantez e intensidad de un color o matiz. Mueve el deslizador hacia la derecha y se vuelve más vibrante e intenso. Muévelo a la izquierda y se vuelve más fangoso y grisáceo. Observe cómo cuando manipulamos este deslizador, el radical se mueve en línea recta de izquierda a derecha dentro del campo de color. Por último, el brillo, también conocido como valor, describe cuán claro o tan oscuro es un color o matiz. Si movemos el deslizador hacia la derecha hacia el blanco, nuestro matiz se vuelve más claro. Si lo movemos a la izquierda hacia el negro, se vuelve más oscuro. Observe que esta vez el radical se mueve en línea recta desde arriba a la parte inferior del campo de color. Por ahora vamos a mover el deslizador de saturación todo el camino hacia la izquierda, hacia el gris. Al hacer esto, nuestro deslizador de tonos se vuelve irrelevante ya que nuestros tonos están completamente desaturados, lo que significa que hay lo más opaco que posiblemente puedan ser. De esta manera podemos pintar en escala de grises y enfocarnos en la base misma del color, valor o brillo, arriba siguiente en la Lección número 3. 4. Valor: [ MÚSICA] Durante esta clase, me verás cambiar mis niveles de opacidad todo el tiempo. Pero, ¿qué hace exactamente bajar la opacidad de un pincel? Te daré un ejemplo rápido. Voy a pintar con el pincel redondo duro usando este gris oscuro. Si bien la opacidad se establece en 100 por ciento, puedo pintar ese valor exacto en un solo trazo solo presionando hacia abajo con el lápiz de Apple. Cuando baje la opacidad a un 29 por ciento, incluso cuando el color seleccionado sea el mismo gris, un solo trazo superpuesto sobre sí mismo nunca me va a llevar a ese valor, mucho que presione con mi Lápiz de manzana. Para que mi valor sea más oscuro, tendré que levantar mi lápiz y pintar sobre él. Este enfoque nos permite construir nuestros valores de una manera mucho más controlada. Para comenzar a sombrear un objeto, lo primero que debo establecer es el valor local o tono local de ese objeto. En pocas palabras el valor local es el valor real de un objeto sin la influencia de la luz o la sombra. Una forma fácil de averiguar el valor local de un objeto es pintando un fondo. Ahora tengo que hacer una pregunta muy sencilla. ¿ Mi objeto es más claro o más oscuro que ese fondo? Si decido que es más ligero, lo pintaré en un valor más ligero. Si es más oscuro, en un valor más oscuro. Tiene sentido ya que las cosas no son claras ni oscuras dentro y fuera de sí mismas, siempre son más oscuras o más claras que otras cosas. Ahora tengo una forma plana. Para que parezca tridimensional, tengo que introducir luz y sombra. Para hacer eso, necesito una fuente de luz. Imaginemos que el sol está iluminando la esfera desde este ángulo. Ahora, una escapada afortunada para nosotros los artistas es que la luz viaja en línea recta. Para determinar el área de sombra de mi objeto, todo lo que tengo que hacer es dibujar dos líneas rectas desde la posición imaginaria de mi fuente de luz y obtendré estos dos puntos. Ahora, todo lo que tengo que hacer es unir esos dos puntos siguiendo la forma de mi objeto, como una línea de latitud en un globo de la tierra. ¿ Qué valor debe ser mi sombra? Eso depende de muchos aspectos como la textura, material y la reflectividad de mi objeto. He oído decir a la gente que un buen punto de partida es a medio camino del negro desde tu valor local. Pero creo que puede ser un poco excesivo. Te recomiendo que te vayas un poco más oscuro que tu valor local. Si es demasiado ligero, siempre se puede oscurecer. Pero al igual que con los medios tradicionales, si te vas demasiado oscuro, tratar de hacer que tus sombras sean más claras es mucho más difícil. Para agregar mi sombra, iré a mi menú Capas, crearé una nueva capa y la convertiré en una máscara de recorte. De esa manera sólo puedo dibujar en el área pintada de la capa subyacente. Ahora tomo mi pincel suave, disminuyo su opacidad, aumente su tamaño considerablemente, y empiezo a sumar mi sombra. Una nota rápida y muy importante. Mientras estoy pintando en mis luces y sombras, no voy a bajar mi lápiz de dedo y frotarlo por la pantalla sin levantarlo. En cambio estoy haciendo pequeños trazos, apenas tocando mi pantalla como si estuviera dibujando la letra U con el dedo en el aire, en un movimiento de ida y vuelta, partiendo de manera fuera de mi forma y trabajando mi camino en, poco a poco construyendo mi valor. Haré una nueva capa y la colocaré debajo de mi forma. ¿ Recuerdas esas dos líneas que dibujé para establecer nuestra forma sombra? Bueno, ahora solo necesito estirar esas líneas hasta donde creo que la luz está tocando el piso y unirme a esos dos nuevos puntos para crear mi sombra proyectada. Utilizaré la herramienta de selección en el lado izquierdo de la barra de menús para crear una elipse. Entonces con la herramienta de transformación, le daré la forma que necesito y toque mi dedo en cualquier parte de mi lienzo. Ahora bien, ¿qué valor debería ser mi sombra proyectada? Utilizo el sellador de color tocando y sosteniendo para seleccionar el valor del piso. Ahora lo hago un poco más oscuro y pinto en mi nuevo valor. Sombra fundida hecho. Voy a crear una nueva capa y nombrarla sombra de oclusión. Voy a mi rueda de color y voy muy abajo en valor. Hago mi pincel un poco más pequeño y pinto lejos. Este será el valor más oscuro de esta pintura, ya que la luz tiene más problemas para llegar allí. Sombras como estas tienden a aparecer donde dos superficies u objetos se encuentran, como mi esfera y el suelo en este caso. ¿ Ves cómo este tipo de sombra hace que mi escena sea mucho más volumétrica? [ MÚSICA] Pintemos en nuestra luz. Empecemos con los menos populares de ellos, luz reflejada. Además de viajar en línea recta, la luz tiene otra propiedad, le gusta rebotar mucho. Tan pronto como un rayo de luz golpea una superficie, rebota en ángulo, perdiendo parte de su intensidad, pero conservando lo suficiente como para aligerar las áreas en sombra. Cuando pinto mi luz reflejada, es imperativo asegurarse de que su valor sea más claro que mi sombra formada, pero más oscura que mi valor local. Para ello, puedo abrir mi panel de color, escoger el valor de mi sombra, luego mi valor local, y elegir un valor entre ellos. Al agregar luz reflejada, creé el valor más oscuro de mi esfera, un borde o frontera que marca donde la luz ya no es bienvenida, comúnmente conocida como el terminador. Una luz abajo, dos más para ir. Crearé una nueva capa de máscara de recorte, escogeré el color de mi valor local, y esta vez la haré un poco más ligera. Suavemente y lentamente, agregaré algo de luz directa. Por último, en otra capa, pintaré un poco de destaque especular al ir un poco más ligero en valor. Mi punto culminante especular debería estar apuntando directamente a mi fuente de luz, por cierto, porque es literalmente un reflejo de esa fuente de luz. Ya hemos terminado. Este pequeño ejercicio práctico nos ha enseñado mucho sobre el rayo un objeto, y el control de nuestros valores. Serán muy útiles cuando sea el momento de reanudar nuestro proyecto de clase. Ahora, por fin vamos a introducir el color aprendiendo un poco de algo sobre la saturación y el matiz. 5. Saturación: [ MÚSICA] En la lección anterior, te enseñé cómo manipular el deslizador de brillo en nuestro panel de color para obtener diferentes valores. En la vida real con pigmentos reales, el equivalente de eso sería mezclar pintura en blanco y negro para obtener diferentes tonos de gris. Siempre que subí en el campo de color es como añadí blanco a la mezcla y cuando bajé es como añadí negro a una mezcla. Ahora tenemos que examinar lo que sucede cuando agregamos color a nuestras paletas digitales. Ahora ya sabes que si movemos el radical todo el camino hasta la esquina superior izquierda del campo de color, obtenemos el valor más ligero posible, que es un blanco puro. Por el contrario, si lo movemos a la esquina inferior izquierda, o a la derecha, obtenemos el valor más oscuro posible, un negro puro. Pero si lo movemos a la esquina superior derecha del campo de color, lo que obtenemos es un color o matiz puro. Un color puro es la versión más intensa de un matiz, un color que no ha sido contaminado por así decirlo con negro o blanco. Cuando movemos este círculo alrededor del campo de color, lo que efectivamente estamos haciendo es agregar blanco o negro a un color. Demostremos esto de una manera más tradicional. Agregando blanco y negro manualmente como haríamos con pigmentos reales. Empezaré con este rojo puro. Lo probaré y le agregaré algo de blanco. Tomo mi rojo al 100 por ciento de opacidad y agrego blanco al 50 por ciento. Después escojo esa muestra y agrego 50 por ciento de blanco, muestreo eso y agrego otro 50 por ciento. Haz eso un par de veces más hasta llegar al blanco puro. Ahora vamos a analizar lo que pasó con la ayuda del selector de color. Si recojo el color mis muestras, podemos ver cómo nuestro rojo puro se está moviendo hacia el blanco, perdiendo saturación o intensidad en el proceso. Ahora intentemos lo mismo pero agregando negro puro esta vez, notarás que nuestro rojo se puso más bajo en valor pero no perdió saturación. Podemos terminar esta lección diciendo que al agregar negro puro nuestro color se puso menor en valor, y cuando agregamos blanco puro nuestro color perdió saturación y se volvió más claro en valor. Pero espera un minuto ahora, pensé que habías dicho que si el pequeño círculo estaba en la parte superior del campo de color, ese era el valor más ligero que podríamos conseguir. Eso es cierto cuando se trabaja en escala de grises. Si vamos al blanco puro y empezamos saturar ese blanco hacia cualquier tonalidad, aumentamos su intensidad pero también afectamos su valor. No todos los colores están saturados iguales. Cuando saturamos un blanco hacia púrpura, azul o rojo, se pone más oscuro súper rápido. verde, el naranja, y sobre todo el amarillo son bloomers tardíos y es más difícil para ellos ponerse más oscuros en valor. En otras palabras, cuando pasamos de un valor más claro a un valor más oscuro en escala de grises o retícula viaja en línea recta desde la esquina superior izquierda hasta la esquina inferior izquierda del campo de color. Pero cuando agregamos color a la mezcla, viaja en forma L desde la esquina superior izquierda hasta la esquina superior derecha, y luego a la esquina inferior derecha del campo de color. Como dije antes, el rojo, el azul y el púrpura a plena saturación son más oscuros en valor que el amarillo, naranja y el verde a plena saturación. Toma eso en cuenta cuando trabajes de escala de grises a color porque realmente pueden estropear tus valores. Esa saturación de cobertura más o menos. Pasemos a mi parte favorita, el deslizador de tonos, o como me gusta llamarlo, el deslizador de temperatura de color. [ MÚSICA] 6. Temperatura de color: [ MÚSICA] Sé lo que estás pensando. Sé que sabes que estoy a punto de hablar los colores primarios: rojo, azul y amarillo. Si estás adivinando que estoy a punto de decirte que si mezclas esos colores juntos, obtienes los tres colores secundarios: verde, naranja y morado, también estarías en lo correcto. También estoy bastante seguro de que si adivinas eso, entonces debes saber que si sigues combinando primarias y secundarias juntas, obtienes otro tipo de colores llamados colores terciarios. Pero déjame detenerte justo ahí, antes de hablar de colores terciarios, me gustaría separar estos seis colores aquí en dos grupos diferentes. [ MÚSICA] Dos naciones diferentes separadas por una frontera. Llamaremos a estas dos naciones en disputa, colores cálidos y colores fríos y estas dos naciones cada una tienen un gobernante. Por un lado, hay naranja que consideraríamos rey de calentamientos en la rueda de color, y por otro lado, declararemos el azul como el color más fresco en la rueda de color. Esto es solo una metáfora por cierto; en la vida real, cuanto más cálida es una fuente de luz, más azul se pone. [ MÚSICA] Míralo, es algo bastante genial. Además, la temperatura del color es bastante subjetiva pero para el propósito de esta lección, digamos que nuestro color más cálido es naranja y nuestro color más fresco es azul. [ MÚSICA] Dejemos a un lado la política por un minuto y sigamos mezclando colores. Seguiré la misma metodología que en la lección anterior, solo que esta vez, en lugar de mezclar colores con blanco y negro, los mezclaré con los colores adyacentes en la rueda de color. Empezaré con este verde y agregaré un poco de amarillo hasta que cambie de tonalidad, y luego haré lo mismo pero con azul. Entonces repetiré el mismo proceso con cada color y te hablaré en un poco. [ MÚSICA] Al mezclar colores juntos, hemos creado caminos, líneas de comunicación entre colores de ambas naciones. Aun cuando sus respectivos gobernantes deseen acercar a sus ciudadanos hacia ellos y obligarlos a prometer su lealtad, los otros colores no pueden dejar de hablar con sus vecinos y al hacerlo, algunos de ellos cambian sus inclinaciones políticas. Empecemos de nuevo con el verde. Sabemos que el verde es un color fresco porque está en el lado fresco de la frontera pero estos greens que gravitan hacia el amarillo son más liberales, más abiertos al diálogo con el enemigo. Abrazan el multiculturalismo y se consideran verdes cálidos. Algunos de ellos son tan radicales que incluso cruzan la frontera en busca de asilo político. contrario, los greens que gravitan hacia el azul o más conservadores, son leales a su rey, son verdes geniales. ahora, debería ser bastante obvio para ustedes que cada color primario y secundario tiene dos posibles inclinaciones políticas. Los amarillos que gravitan hacia el verde son más fríos, y los amarillos que van hacia el naranja son más cálidos. Las naranjas que viajaron hacia el rojo son más cálidas que las que viajan hacia el amarillo. azules que van hacia el verde son más fríos que los que van hacia el púrpura. En algunos, hay calientos, calientos y fríos calientos, y se y se enfría y se enfría caliente. Pero luego, hay un tercer tipo de colores terciarios. Estos colores no solo se mezclan con colores adyacentes en el espectro político o de color. Estos colores se mezclan con los colores en el lado opuesto de la rueda de color y lo hacen porque simplemente no se meten en la política. Se consideran neutrales. Para ellos, todos los colores se crean iguales y deben vivir en un mundo sin fronteras, en paz y armonía de color. Me gustaría hablar un poco más ellos en nuestra próxima lección y después de eso, comenzaremos a trabajar en nuestro proyecto de clase. [ MÚSICA] 7. Color y luz: [ MÚSICA] Ahora sabemos que cada tonalidad en el espectro de colores puede moverse en dos direcciones diferentes. Dependiendo de la dirección que tomen, se pueden enfriar o calentarse. Pero, ¿cómo sabemos en qué dirección debe moverse un color cuando estamos pintando? La respuesta radica en la fuente de luz. Del mismo modo que el color puede ser más cálido o más fresco, las fuentes de luz también pueden ser más cálidas o más frías. Nuestro primer paso cuando relámpago y colorear cualquier escena es establecer la temperatura de nuestra fuente de luz. Algunos ejemplos de fuentes de luz cálida incluyen la luz solar, por supuesto, una bombilla de tungsteno, o una hoguera, un día nublado, la luz de la luna o la luz del monitor de tu computadora son algunos ejemplos de fuentes de luz fría. El color de la luz determinará la dirección que recorrerán tus colores tanto en las familias de luz como de sombra. Es posible que hayas escuchado la frase luz cálida produce sombras frías y por el contrario, luz fría produce sombras cálidas. ¿ Recuerdas cómo hablé de un borde que separaba la luz de la oscuridad en el ejercicio de escala grises llamado terminador y que también uso analogía partidario para separar cálido y colores oscuros en mi rueda de color? Eso es porque esas fronteras son una y la misma. Para ilustrar mejor este punto, usaré este retrato de Matisse pintor francés Andre Derain. Ojalá se pueda ver una decisión muy consciente por parte del artista de separar claramente sus familias de luz y sombra utilizando la temperatura de color. Ni siquiera necesito probar estos colores para que reconozcas de inmediato que los colores más cálidos están frente a la luz, que muy probablemente sea producida por el sol. También debes sentir que hay contrapartes más frescas. Esos azules, verdes y morados están en la sombra. Hay una idea que me dieron de Marco Bucci, él lo llama el principio de matón. Estoy parafraseando, pero Marco básicamente dice que la luz es como un tirano. Quiere influir en todos los colores que toca y hacerlos más como a sí mismo. En la pintura de Derain, se puede ver este principio en acción. La luz amarilla anaranjada del sol es tan abrumador que supera los colores locales de la piel y la pipa de Matisse y también la hierba detrás de él. Los colores cálidos de esta pintura viven en la tiranía. Se puede sentir cómo el amarillo los está contaminando y controlando su comportamiento. En tanto, en el lado de la sombra, las cosas son mucho más sueltas y anárquicas, y se permite que los colores fríos paseen por la rueda de color con más libertad. De hecho, las cosas se pueden relajar tanto que hay una fiesta realmente genial pasando en el lado de la sombra de prácticamente cualquier pintura. Una fiesta es tan salvaje que puede desafiar nuestra percepción de la realidad. Usaré esta otra pintura de Claude Monet para explicar a qué me refiero. Este cuadro también cuenta con luces cálidas y sombras frescas. Pero la forma en que Monet logró ese contraste es menos evidente y más fascinante que el de Derain. En esta pintura, los colores más frescos son estos tonos puramente en el fondo. Pero cuando los recojo color, el pequeño círculo en mi panel de color no los coloca en el lado fresco de la rueda de color, los colocó en el lado cálido. De hecho, no hay tonalidades de la familia cool en este cuadro. ¿ Cómo se puede sentir tan equilibrado y colorido? Entonces pensé en colores terciarios. Recuerdo que cuando mezclamos dos colores opuestos, obtenemos esos tonos terrosos neutros. Escogí una naranja de la pintura de Matisse y elijo un azul oscuro porque eso es su opuesto en la rueda de color e intenté mezclarlas juntas. Después de un tiempo, pude igualar su valor y unos minutos después pude igualar su tonalidad. Entonces me pegó. Cuando neutralizamos un color mezclándolo con su complementario, también cambiamos su temperatura. Eso significa que neutralizar un color cálido hace que se vea más fresco y neutralizar un color fresco hace que se vea más cálido. Por eso todos los matices en la pintura se quedaron en el lado cálido de la rueda de color. Ese fresco tono puramente fue de hecho una naranja neutralizada. Se ve más fresco porque sí tiene algo de azul en su ADN y porque está rodeado todos esos amarillos saturados, naranjas y rojos. En la lección 1, te dije que un objeto es un oscuro más claro en sí mismo y resulta que los colores no son fríos ni cálidos en y de sí mismos tampoco. Todo depende del contexto en el que se encuentren. Bueno, eso es sobre toda la teoría del color que conozco. Ahora por fin ha llegado el momento de empezar a trabajar en nuestro proyecto de clase. [ MÚSICA] 8. Boceto básico: [ MÚSICA] Es hora de esbozar a nuestro personaje. Comenzaré mi boceto activando la guía de dibujo en el menú Acciones, que es el grange en la parte superior izquierda de la pantalla. Después tocaré en 'Editar guía de dibujo' y seleccionaré la opción 'Simetría'. Ahora, todo lo que dibuje de un lado de mi Canvas se dibujará por el otro lado en tiempo real. Esto me permitiría terminar mi boceto en la mitad del tiempo. Cuando estoy dibujando, trato de descomponer primero la figura que quiero dibujar en formas básicas, dejando cualquier detalle para después. Yo uso el mismo enfoque para una caricatura personajes, así como para algunas formas más realistas y orgánicas. Creo que ya debiste adivinar quién es este personaje. Así que déjame darte un ejemplo de lo que quiero decir al descomponer a un personaje en formas simples. Pienso en el cranio como forma de círculo. Yo hago lo mismo por los ojos y los oídos. Los labios superiores son como un fútbol desinflado, y las mejillas también son dos círculos. Estoy usando el pincel de menta incluido por defecto en la biblioteca de pinceles. Deja la marca similar a un lápiz HB o 2B, y es en mi opinión, lo más cercano a hacer bocetos con un lápiz real. Pero puedes usar cualquier pincel con el que te sientas más cómodo, o puedes escanear o tomar una foto de un boceto que hayas dibujado tradicionalmente también. Realmente no hay forma correcta o incorrecta de hacer esto. Después de haber definido mis formas simples se trata de agregar detalles y refinar mi dibujo hasta que consiga el carácter y la expresión que estoy buscando. Este boceto no necesita ser perfecto, ya que no vamos a utilizar este trabajo de línea en nuestra ilustración final. Solo asegúrate de limpiar tus líneas para que sepas exactamente dónde están todos tus contornos. No tengas miedo de alejarse del diseño original de un personaje. Aquí estoy agregando algunos colmillos a mi diseño porque quiero agregar un toque personal a mi pieza. Podría llevarte algún tiempo acostumbrarte a dibujar con la opción de simetría encendida. Pero créeme, vale la pena absolutamente, y es un salvavidas cuando necesitas terminar una pieza con prisa. Aquí estoy usando formas simples de nuevo para dibujar su cabello. Te darás cuenta que me lleva un par de intentos para hacerlo bien. Entonces mi consejo para ti es que no intentes saltar directamente a líneas limpias al principio de tu dibujo. Las líneas limpias son el resultado de muchas capas de bocetos. Haz varios pases rugosos, bajando la opacidad de tu pincel y dibujando líneas sueltas hasta que sientas que estás listo para comprometerte con líneas más duras y oscuras. Y ya hemos terminado. A la siguiente fase, el bloque de color. 9. Bloque de color: [ MÚSICA] Comenzaremos nuestro proceso de coloración haciendo un bloqueo con colores planos, separando y nombrando las formas más grandes de nuestro sujeto en diferentes capas. [ MÚSICA] Empezaré creando una nueva capa y colocándola debajo de mi boceto. Entonces escogeré mi primer color local y comenzaré a pintar sin tener en cuenta los bordes de mi figura. ¿ Recuerdas que en la Lección 1, te dije que tu valor local era el valor de un objeto sin la influencia del color o la luz? Bueno, la misma idea aplica con colores locales o planos. Se supone que sirven como punto de partida desde el que comenzaremos a sumar nuestras sombras y luces. Un bloqueo de color es esencialmente una capa de color que sirve como punto de partida. Colores planos referidos a áreas de color pintadas en tono y tono uniforme o idéntico. [ MÚSICA] Cuando termine colorear un área de mi dibujo, escogeré mi borrador con el pincel redondo duro seleccionado para crear un contorno agradable y limpio. También puedo establecer mi capa de boceto para multiplicar y bajar su capacidad para ver lo que estoy haciendo con mayor claridad. [ MÚSICA] Hay muchas maneras hacer un bloqueo de color dependiendo del tipo de software que estés usando. Algunas personas prefieren la herramienta Lasso, la herramienta Pluma, o la varita mágica mientras usan photoshop por ejemplo. Lo genial de Procreate es que me permite usar esa característica de la que te hablé en mi introducción, donde si pinto una línea recta o curva, Procreate con pulir automáticamente y luego déjame modificarlo. Sólo que esta vez no lo estoy usando para pintar, sino para borrar toda la pintura que no necesito. [ MÚSICA] Cuando termine de corregir, abriré una nueva capa. Esta vez lo colocaré por encima mi capa de piel ya que los ojos están frente a ella. Esa es también la razón por la que no puse esos bordes porque sabía que se cubrirán con pintura. Con el nodo de asistencia de dibujo activado, dibujo un círculo y Procreate hace la mitad del trabajo por mí. Después toco y sostengo mi pantalla con otro dedo para que sea un círculo perfecto. Después toco y arrastro desde el círculo de color hasta el interior de uno de mis globos oculares para colorearlos. [ MÚSICA] Durante este proceso, no nos centraremos en ningún detalle, sino más bien en establecer las grandes masas de nuestro tema en nuestra gama de colores. Es muy importante que cada vez que coloreas un nuevo elemento, lo hagas en una capa diferente. Colocar elementos que son los más cercanos a nosotros en capas por encima de nuestra primera capa y los elementos que son los más alejados de nosotros en capas debajo de nuestra primera capa. Puede parecer mucho trabajo ahora pero confía en mí, hará nuestra vida mucho más fácil más tarde donde comenzamos a sombrear a nuestro personaje. [ MÚSICA] También me aseguraré de incluir el archivo PSD de esta ilustración para que puedan ver cómo organizo mis capas. Este es un proceso bastante sencillo. No es particularmente difícil, pero puede llevar mucho tiempo dependiendo de la complejidad de tu personaje. Entonces ponte algo de música, afloja esos hombros, relájate y disfruta de ella. [ MÚSICA] Elegir los colores adecuados para una pintura es un tema que merece su propia clase y es precisamente por eso que creo este ejercicio de pintar a un personaje de dibujos animados es tan útil porque la paleta de colores ya está establecida. Los personajes de dibujos animados ya tienen colores muy distintivos asignados a ellos, que podemos utilizar como colores planos para nuestra ilustración. Por cierto, probablemente hayas notado que estoy recogiendo mis colores locales de una paleta. Lo creé tocando la pestaña de paletas en el panel de color, luego toqué el signo más en la esquina superior derecha y seleccioné nuevo de las fotos. Después cargué una captura de pantalla de mi personaje que guardé en mi rollo de cámara y eso fue todo, tenía mi paleta. Pero no necesariamente tienes que usar ese método. Puedes escoger y elegir tus colores planos siguiendo tu intestino. Cambiar tonos más fríos para tonos más cálidos o viceversa. No te sientas limitado ni asustado de experimentar hasta que consigas algo que te queda bien. [ MÚSICA] No olvides activar la ayuda de dibujo cada vez que creas una nueva capa tocando sobre ella y seleccionando ayuda de dibujo en el menú de opciones. [ MÚSICA] Un error común al pintar ojos y dientes es colorearlos usando blanco puro, pero hay que recordar que necesitas poder ir más ligero en valor para agregar tu luz directa y reflejos en esas áreas. Prefiero usar un gris claro para los ojos y un amarillo claro para los dientes. Pero de nuevo, dése permiso para experimentar con diferentes opciones hasta que consigas algo que te parece bien. [ MÚSICA] También es una buena idea desactivar tu capa de linework vez en cuando para comprobar si hay imperfecciones y bordes tambaleantes en tus pisos. [ MÚSICA] Nuestro bloqueo de color está completo y estamos listos para empezar a sombrear. [ MÚSICA] 10. Sombras: [ MÚSICA] Ahora es el momento de sumar nuestras sombras. Para ello, empezaré estableciendo mi fuente de luz y la dirección desde la cual la luz está derramando por la cara de mi sujeto. Dibujé estos lineamientos azules para ayudarme a establecer dónde comenzarán y terminarán las áreas de luz y sombra, y también para ayudarme a crear cualquier sombra proyectada. En este ejemplo, sombrearé la nariz pintando en mi sombra donde esas dos líneas azules la toquen. [ MÚSICA] Te darás cuenta que el rojo que elegí para pintar mi sombra está viajando hacia el morado o volviéndose más azulado. Al hacer esa elección, ya he establecido que mi fuente de luz es cálida y por lo tanto todas mis sombras estarán frescas a lo largo del resto de la pieza. Todo lo que hemos cubierto en esta clase gira en torno a esta simple idea. Cuando estás aplicando sombras y luces a tus colores locales, estás cambiando su valor haciéndolos más claros u oscuros. Pero cada vez que cambias valores, tiene que haber un tono cambiante correspondiente hacia una versión más cálida o más fresca de tu color plano. La dirección que tomen sus colores estará determinada por la temperatura de su fuente de luz. Si hace calor, tus reflejos deben ser cálidos y tus sombras se enfríen. Si tu fuente de luz es fría, tus sombras deben ser más cálidas. [ MÚSICA] Ahora me has visto usando mis pautas para pintar en la sombra proyectada por la nariz de mi personaje. Tanto la técnica como el pincel que estoy usando durante todo este proceso son las que te mostré en la lección sobre el valor. Estoy usando un pincel suave con una opacidad muy baja y estoy construyendo mis sombras trabajando desde el exterior hasta el interior de mi figura, levantando suavemente mi Apple Pencil después de cada golpe. No lo olvides, también puedes esculpir tus formas de sombra usando la herramienta de goma de borrar. Punta rápida. A medida que estoy agregando mis sombras, sigo pensando en cada área individual del rostro de mi personaje en términos de formas simples. Estoy pensando en el cranio, la nariz, los ojos, la boca, las mejillas, y la barbilla, esencialmente en esferas. La única diferencia es que algunos de ellos son más alargados o menos perfectos que otros. Se puede ver que reducir su personaje a formas simples no solo es útil para esbozarlos, sino también para renderlos. Te lo dije en la lección número uno para evitar ir demasiado oscuro con tus sombras. Pero parece que no seguí mis propios consejos en el área de la boca. Sin embargo, no hay problema, todo lo que tengo que hacer es tocar mi capa de máscara de recorte y ajustar su opacidad para hacer esas sombras un poco menos intensas. Estoy seguro de que por ahora te has dado cuenta de que estoy agregando mis sombras usando máscaras de recorte. Para usar una máscara de recorte y procrear, simplemente creo una nueva capa por encima de cualquier capa de color plana. Toco en mi nueva capa y selecciono máscara de recorte en el menú Flyout. Cualquier cambio realizado en una máscara de recorte se recortará a la capa directamente debajo de ella. Puedes capas de máscara de recorte en la parte superior de tus pisos como necesites. También podría usar la opción Alpha Lock en el menú Flyout para agregar mis luces y sombras. Pero si elijo hacerlo, todos los cambios que hago a mi imagen serán permanentes. Me gusta tener la posibilidad de probar diferentes temperaturas de color y eliminar cualquier cambio que no me complacen. Normalmente uso una máscara de recorte para mis sombras y otra para mis luces, y una vez que estoy contento con la dirección que está tomando mi pieza, las fusioné. Pero eso sucederá más abajo de la carretera. [ MÚSICA] El proceso es siempre el mismo. Para crear una nueva sombra, coloreo, escojo el color local de un área, cambio su tono, haciéndolo un poco más fresco a un poco de saturación y oscurecer su valor. [ MÚSICA] Recuerda trabajar lenta y progresivamente. No hagas que tus sombras sean demasiado oscuras demasiado pronto. Es mejor seguir reevaluando y ajustando tus valores a medida que agregas más luces y sombras a tu imagen. [ MÚSICA] Ese es el punto de usar máscaras de recorte para poder realizar cambios en tu imagen en cualquier paso del camino y como los consideres necesarios. [ MÚSICA] Solo recuerda que este es mi primer pase de sombra y probablemente siga ajustando mis valores ya que sigo agregando detalles a mi pieza. [ MÚSICA] Bueno, estas sombras de forma me parecen bastante bien. Creo que ya le han sumado mucho volumen a mi personaje. Con eso en mente, lleguemos al siguiente paso, sombras de oclusión. [ MÚSICA] 11. Sombras de Occlusion: [ MÚSICA] Las sombras de oclusión, también conocidas como oclusión ambiental o sombras de contacto son un tipo de sombra que es independiente de la fuente de luz direccional. Para seleccionar el color de mi oclusión ambiental, simplemente escojo el color de mi forma sombra y lo hago un poco más bajo en valor y aumento un poco de saturación. Tampoco hace daño hacer el matiz un poco más fresco si lo desea. Para pintar las sombras, necesito hacer mi pincel mucho más pequeño para crear un borde duro. Entonces lo haré un poco más grande para crear una transición más suave. Se puede pensar en este tipo de sombras como los lugares donde se encuentran dos superficies, donde la luz no tiene forma de llegar. Me verás pintándolas donde la nariz se encuentra con la boca, donde los ojos tocan la cara, en las comisuras de la boca, el interior de sus orejas, y en cualquier otro lugar que creo que el la luz tendría problemas para entrar. Mencioné que la luz tendría problemas para meterse en las esquinas de la boca de mi personaje, lo que creará una sombra proyectada sobre mis dientes. Para lograr ese efecto, ahora utilizaré la herramienta de selección. Si toco la opción “Mano alzada” en la barra de menús en la parte inferior de la pantalla, la herramienta Lasso me permitirá dibujar libremente sobre el área en la que quiero trabajar, creando una línea punteada indicando el área que he seleccionado. Cuando estoy contento con mi selección, simplemente toco el punto gris que apareció cuando empecé a dibujar para cerrar mi selección. Ahora puedo usar mi pincel suave para pintar al borde mismo de mi selección, creando efectivamente un borde duro y mi sombra de yeso. Ahora sólo tengo que repetir el mismo proceso al otro lado de la boca de mi personaje. Entonces tengo que seleccionar mis dientes y oscurecer la sombra proyectada que pinté antes un poco más. [ MÚSICA] Durante la fase de colores planos, pinté y sombreé mis dientes como una estructura sólida. Pero la herramienta de selección me permite separar cada diente individual y pintar las sombras de oclusión entre ellos rápida y fácilmente. Simplemente tengo que repasar el borde de un diente y seleccionar una pequeña área de un diente adyacente. Después usando un pincel suave, empiezo a pintar cerca del borde de mi diente para crear la sombra de oclusión. De esta manera, puedo dar la impresión de que sus dientes están en contacto unos con otros y que son uno frente al otro. Ahora sólo tengo que repetir el mismo proceso cinco veces más. [ MÚSICA] Creo que eso cubre las sombras de oclusión presentes en la boca de mi personaje. Pasemos a su cara. Agregaré algunas sombras de oclusión en cada zona donde se encuentran dos superficies, como los ojos y la frente o sus mejillas y sus ojos, en la parte superior de su cabeza donde ese trozo de pelo y su piel de cranio se reúnen. Otro lugar obvio para agregar una sombra de oclusión será el interior de sus oídos. Creo que esta parte del proceso es cuando nuestros personajes realmente empiezan a cobrar vida. En mi opinión, las sombras de oclusión realmente venden la ilusión de la tridimensionalidad. Como mencioné en la lección anterior, agregar sombras a tu imagen así como ajustar cuán claras u oscuras deberían ser es un proceso largo. Normalmente no pinto en mis luces y sombras tan ordenada y metódica. Siendo completamente honesto, tiendo a ir y venir de las sombras a luz y volver a las sombras de una manera mucho más intuitiva e rebelde. Pero por el bien de la claridad, estoy tratando de mantener las cosas lo más ordenadas posible. Solo recuerda que la mayoría de las veces tendrás que hacer un segundo o incluso un tercer pase para conseguir bien los valores de tus sombras de forma y tus sombras de oclusión. Genial. Eso es todo por nuestras sombras de oclusión. Al siguiente paso, pintando a nuestra luz. 12. Luces: [ MÚSICA] Esta es probablemente la parte más fácil del proceso. Para crear un resaltado, simplemente colorearé escoger mi color local e ir en la dirección opuesta en el deslizador de tonalidad hacia un tono más cálido. Entonces disminuiré considerablemente la saturación. Por último, aligeraré este valor deslizando el deslizador inferior hacia la derecha. Pero recuerda, intenta lo mejor para no ir al blanco puro. Empezaré agregando luz directa al iris o pupilas de mi personaje. Esto es más o menos como añadir luz a esa esfera que pintamos en escala de grises al comienzo mismo de la clase. A continuación, pintaré en la luz directa en la nariz de mi personaje. Me aseguro de desaturar mi color local y moverlo hacia un tono más cálido esta vez. No te exageres, un poquito va a hacer. [ MÚSICA] Ahora, es hora de sumar algunos puntos destacados. Estos deben ser los valores más ligeros en nuestra composición. Iré con un rojo súper claro para la nariz de mi personaje. [ MÚSICA] Trata de ser sutil con los aspectos más destacados también. Si los exageres, tu personaje podría terminar buscando demasiado plasticky. [ MÚSICA] También pondré un punto culminante en el labio inferior ya que está mirando también la luz. [ MÚSICA] A continuación, creo que le agregaré algo de luz directa a su lengua. Pero esta vez, usaré uno de los pinceles de textura que vienen por defecto con Procreate en lugar de mi pincel de cosas regulares. Después de unos experimentos, decidí ir con el pincel viejo para la piel en la sección de materiales de la biblioteca de pinceles, pero también puedes probar otros pinceles de textura. [ MÚSICA] Para lo más destacado en los ojos, usaré blanco casi puro y un pincel redondo duro. [ MÚSICA] No te olvides apagar la opción de simetría mientras pintas reflejos, ya que todos ellos deben estar orientados directamente hacia la fuente de luz. [ MÚSICA] Creo que para hacer estallar estos reflejos, necesito oscurecer el valor de las sombras en los globos oculares para crear un poco más de contraste. Esto es lo que quise decir haciendo varios pases de sombra. A medida que avanza con tu pintura y sigues agregando detalles, este tipo de ajustes se volverán cada vez más necesarios. [ MÚSICA] Entonces con la ayuda de mi borrador, crearé un borde más suave en la parte inferior del resaltado, borrándolo con un pincel redondo suave a una opacidad muy baja. [ MÚSICA] Creo que hemos terminado. Ahora, es el momento de trabajar en nuestro trasfondo. [ MÚSICA] 13. Luz traslada y reflectada: [ MÚSICA] Para trabajar en mi fondo, me gusta crear una nueva capa y colocarla debajo de todas las demás capas de mi proyecto. Ahora, es el momento de elegir un color para nuestro fondo, que luego nos informará sobre el color de nuestra luz reflejada. Me encanta cómo se ve este rosa neutro contra de los colores más vibrantes de mi personaje. Pero desde que le di colmillos, no creo que se ajuste al estado de ánimo de la pieza. Necesito algo un poco más oscuro y macabro. Decidí ir con un morado oscuro ya que mi personaje es un amarillo pálido y morado es de cortesía. Entonces escogeré una versión más ligera de ese morado y crearé un degradado usando un pincel grande y suave. Entonces puedo usar el ajuste de desenfoque gaussiano para hacerlo aún más suave. Ahora, agregaré algunas luces reflejadas eligiendo una versión más ligera y desaturada del morado en el fondo porque este fenómeno es producido por la luz producida por tu fuente de luz rebotando de tu fondo. Tenga en cuenta que este tipo de luz es menos intensa y sólo visible en las áreas de sombra de su pintura, así que asegúrate de pintarla suave y suavemente mediante el uso de un pincel suave con una opacidad muy baja. Agregaré luz reflejada en cada área de mi personaje que está mirando al suelo, como la parte inferior del labio superior, la parte inferior de las orejas, la barbilla, la parte inferior de su cabello y la parte inferior de su nariz, y también el fondo de sus globos oculares y el fondo de sus pupilas. También debes tener en cuenta que su valor debe ser más claro que tu valor de sombra de forma, pero más oscuro que tu semitono o valor local. Para ayudarte con eso, creo que este es el momento perfecto para introducir un pequeño hack que puede ayudarte a mantener tus valores bajo control incluso cuando estés trabajando directamente con el color. Esto es lo que hay que hacer. Primero, crea una nueva capa y colócala por encima de cualquier otra capa de tu proyecto. En el lado derecho de tu capa, verás una o más letras, estas te dicen qué modo de mezcla está activo en tu capa. Por defecto, el modo normal está activo, mostrado por la letra N. Pulsa para abrir el menú “Modos de mezcla”. Ahora, selecciona la opción “Color” en la parte inferior de la lista. Ahora, pinta toda tu capa con pintura blanca y tienes una versión a escala gris de tu pieza. Esto hará que sea mucho más fácil juzgar si sus valores necesitan ajustes. La parte impresionante es que al usar esta capa con este modo de mezcla activado, obtienes dos ilustraciones por el precio de una, una a todo color y otra en escala de grises. Me encanta cómo la luz reflejada realmente ayuda a vender la verdadera dimensionalidad del personaje. Olvidé mencionar que sigo creando nueva máscara de recorte y recortándolas a mis capas de color locales , pero en este punto, podrías optar por pintar luces reflectantes en tu sombra capas o sus capas de luz, o podría fusionar esas capas juntas para mantener las cosas más simples y organizadas. Aprenderás más sobre eso en la próxima lección. Ya hemos terminado. Ahora, vamos a nuestra lección final donde refinaremos y agregaremos algunos toques finales a nuestro proyecto. [ MÚSICA] 14. Toques finales: [ MÚSICA] Ahora voy a hacer algo que creo que debería haber hecho antes, que está fusionando mis capas. Puedes fusionar una capa tocando sobre ella, abriendo Opciones de capa y luego toca “Fusionar hacia abajo”. Aquí estoy usando otro método. Estoy fusionando múltiples grupos pellizcándolos junto con dos dedos. Simplemente pellizca las capas superior e inferior que quieras fusionar. Mucho mejor. Ahora lo que voy a hacer es crear un nuevo grupo de capas tocando una capa y luego seleccionando todas las demás capas que quiero agrupar deslizando mi dedo hacia la derecha encima de cada una, luego punteará en la opción “Grupo” en la esquina derecha del panel de capas. Después de agrupar mis capas, deslizaré hacia la izquierda con un dedo y seleccionaré la opción “Duplicar”. Tocaré en mi nueva carpeta creada y seleccionaré “Aplanar”. Ahora tengo una copia de mi personaje en una sola capa. Es hora de sumar algunos toques finales a nuestra pintura para que realmente lo haga estallar. Empezaré agregando una textura. He reunido algunas texturas de Internet y las guardé en un archivo procreate para poder tener fácil acceso a ellas. Pero estoy bastante seguro de que puedes encontrar mucho más navegando por Internet. Escogeré esta textura de libro viejo. Pulsaré en slide con tres dedos en mi pantalla y aparecerá un menú, luego tocaré en “Copiar”. Después iré a Mi Archivo, deslizaré tres dedos hacia abajo y toco en “Pegar”. La textura aparecerá en una nueva capa. Ahora tengo que agrandarlo hasta que se ajuste a mi Lienzo usando la Herramienta Mover. A continuación, tocaré la capa y elegiré entre la capa diferente más procreate o cualquier software de pintura digital ofrece. Primero intento multiplicar, luego me desplazaré hacia abajo para ver si hay algo más que me gusta. Realmente estoy cavando este modo de división. Ha hecho todo más fresco. Ahora puedo ir al Menú de Ajustes y añadir un poco de ruido usando el filtro de ruido. Haré que sea más difícil o más suave deslizando mi dedo a la izquierda y a la derecha. Creo que agregaré algo de sangre en sus colmillos creando una nueva capa por encima mis dientes y jugando con los pinceles en la sección de elementos de la biblioteca de pinceles. Bajo la opacidad de las nubes cepillo y creo algunas manchas de sangre en sus dientes. Este pincel de nubes también me permite añadir un poco de niebla en el fondo que creo que le agregará un bonito toque a la pieza. Solo necesito crear una nueva capa, colocarla por encima de mi fondo y pintar. Después pintando sobre la misma capa, escogeré un pincel redondo duro con un tamaño bastante pequeño, opacidad de baja tasa y pintura en un poco de luz de llanta. Creo que a su cabello le vendría bien algo de trabajo también. Como se puede ver, rompí los bordes del cabello en el lado izquierdo de su cabeza. Lo hice seleccionando pincel fino para el cabello en la carpeta de materiales en la biblioteca de pinceles. Entonces coloreé la muestra de su cabello y le agregué algunos mechones de cabello sueltos agregando algunas pinceladas siguiendo las líneas curvas de los bordes de su cabello. Cuando hayas terminado de agregar detalles a tu personaje, todo lo que hay que hacer es seguir ajustando tus valores usando la capa de modo de color que creamos antes hasta que estés satisfecho. Puedes seguir jugando con la vasta gama de filtros y efectos que tu software digital de elección proporciona y con todos los increíbles pinceles de textura que puedes encontrar en línea si buscas alrededor. Una vez que estés contento con el resultado, es hora de guardar tu archivo y exportarlo para compartirlo con el mundo. Felicidades. [ MÚSICA] 15. Reflexiones finales: [ MÚSICA] Hola a todos. Si lo lograste todo el camino por aquí, solo queda una cosa más por decir, gracias. Realmente espero que hayas disfrutado viendo esta clase tanto como disfruté creándola. Lo creas o no, durante el largo proceso de redacción, filmación y edición de esta clase, solidificé muchos conceptos que entendí. Halicé esta clase tratando de incluir toda la información teórica y práctica que desearía tener cuando me puse las manos por primera vez en una tableta de dibujo, y apenas rayé la superficie. Esta clase está destinada a motivarte a profundizar tu comprensión de la teoría del color, estudiar a los viejos maestros, así como permitirte entender el flujo de trabajo de muchos artistas contemporáneos que suben sus videos de proceso de pintura digital a la web. Recuerda que conseguir bien en cualquier cosa es todo sobre esfuerzo y consistencia. No dudes en dejar un comentario o reseña de la clase, y por favor no dudes en seguirme para recibir más contenido como este si te gusta esta clase. Una vez más, muchas gracias por tomar esta clase, y nos vemos la próxima vez. [ MÚSICA] 16. Video de bono: crítica del proyecto de estudiantes: Hola a todos y bienvenidos a la primera entrega de la plataforma de crítica, un espacio dedicado a ofrecerte algunos comentarios sobre los proyectos de clase que envíes a través de mi clase Skillshare. Colorear arte digital, un enfoque práctico. A la fecha. Contará con obras de arte enviadas por Edna. Me gustaría comenzar señalando todas las cosas buenas de tu proyecto. En primer lugar, gran dibujo. Es impresionante pensar que ni siquiera usaste un lápiz, sino el mouse de tu computadora para dibujarlo. Entonces, felicitaciones para ti. En segundo lugar, me parece que tiene una comprensión muy sólida de los principios de iluminación más antiguos discutidos en clase. Veo que usa una fuente de luz. Puedo ver la dirección en la que la luz está viajando a través de nuestras sombras proyectadas, sombras de oclusión, e incluso alguna luz reflejada. Eso me deja saber que tienes una comprensión bastante buena de los conceptos e ideas discutidos en clase. En una base lo suficientemente sólida como para seguir construyendo sobre ella y mejorando a través de la práctica. Pero hay un par de problemas con tu pintura. Para ilustrarlos mejor, voy a aprovechar el hack de capa de color te mostré en la lección 13. si lo olvidaste, así es como funciona. Abre tu panel Capas, creas una nueva capa. Presiona la letra N para abrir el menú Modos de Fusión. Después selecciona la opción color, rellena toda la capa con pintura blanca, y tienes una versión instantánea en escala de grises de tu proyecto. Duplicaré la capa para poder mostrarte las versiones antes y después de mi pintura rápida sobre. El primer número que veo tiene que ver con sus valores. ¿Puedes notar que incluso cuando los colores son diferentes, el valor del fondo es casi el mismo que el valor que usas para colorear a tu personaje? De hecho, si entrecerras los ojos en algunas partes es difícil ver dónde termina el personaje y comienza el fondo. Eso se llama filo perdido y no siempre es algo malo. De hecho, muchos artistas utilizan esta técnica para potenciar sus composiciones, mejorar su lenguaje de formas y dirigir la atención del espectador. Hacer que pierdan interés en las áreas que se mezclan con el fondo y apuntando sus ojos hacia los puntos focales. Pero en este caso, dado que solo tenemos un carácter en un fondo de color sólido, supongo que será mejor tener un contraste más claro y mayor entre carácter y fondo. El segundo tema tiene que ver con la temperatura del color. Siento que la diferencia temperatura entre las zonas en luz y las zonas en sombra podría ser un poco más enfática o dramática, como es, las piedras purpúreas que usas para carro de color son ambos bastante cool. Siento que tampoco tienen suficiente contraste. Entonces tenemos una falta de contraste tanto en temperatura como válida. Y puedo abordar ambos temas por color escogiendo el morado que usaste en las sombras y haciéndolo un poco más desaturado, más brillante y cálido. También colorearé el interior de su boca un poco más oscuro para crear un poco más de contraste con los dientes amarillos. Ahora me verás coloreando los dientes en un amarillo más claro para crear un poco más de contraste también. Por último, abordemos las zonas más oscuras del personaje, que son la nariz, las orejas de la navegación. Si bien usas negro o cualquier color cercano a él, es posible que te sientas tentado a ser muy conservador hora de pintar a la luz del día. Pero no lo seas. Es tan importante tener una clara distinción entre luz y sombras en esas zonas como lo es cuando usas colores más claros o más vibrantes. Y finalmente, nunca descuides agregar reflejos brillantes en áreas como las notas. Sobre todo si tu personaje es un animal. Perros, gatos, osos, lobos en criaturas por igual tienden a tener narices muy mojadas y brillantes. Pero enfócate en los ojos ya que son el punto focal definitivo en cualquier pintura de retrato. Ahora cuando active mi capa Escala de grises, ojalá puedas ver una clara distinción, un mayor contraste entre las partes del personaje Dorian light y las que están en sombra. Se está poniendo un poco mejor. Pero creo que esta vez podemos conseguir un contraste aún mayor alterando el color de fondo. Usaré una versión menos saturada y ligeramente más brillante de este verde. Y lo que eso hace es el fondo retroceda a lo lejos, haciendo que nuestro personaje pop parezca más cercano y llame la atención del espectador. Entonces, en conclusión, cada vez que quieras averiguar si tus valores y temperatura de color están funcionando muy bien. Se pueden hacer dos cosas. Cuando se trabaja digitalmente. Puedes usar una capa blanca en modo de mezcla de colores para obtener una versión en escala de grises de tu pintura que eliminará el color de la ecuación y te permitirá juzgar tu selección de valor. Y si trabajas tradicionalmente, puedes simplemente entrecerrar los ojos y ver si las áreas de luz y sombra son distinguibles entre sí tanto en valor como en temperatura de color. Aquí estoy usando la herramienta de desenfoque gaussiano para simular lo que sucede cuando entrecerramos los ojos. Si se puede ver la frontera entre la luz y la sombra y las familias de colores cálidos y fríos que discutimos en la lección 6.7. Con suficiente claridad, probablemente signifique que necesitas ajustar tus valores. Y eso es todo por el rápido consejo de hoy. Esperemos que esta información te resulte útil y útil en el camino por delante. Por último, me gustaría animarte a que publiques tus obras de arte en la sección de proyectos y recursos de la clase. Estoy deseando ver en qué estás trabajando y eso estará más que feliz de criticar tu obra de arte y ayudarte a tener éxito. Además, no dudes en dejar una reseña de la clase en la sección de revisión. Puede que no parezca mucho, pero realmente marca la diferencia en cuanto a hacer que esta clase sea accesible a más personas en la plataforma. Muchas gracias por tu tiempo y te veré muy pronto.