Aprende guion escribiendo una escena en el formato correcto

1. Anuncio de introducción con guion escrito en 2025 R2: Siempre que estoy trabajando con una nueva idea, es como abrir una puerta a un nuevo mundo. Traer ese mundo a nuestra existencia es un desafío fenomenal para mí cada vez Con experiencia, descubrí que la capacidad de poder escribir una cosa a la vez no sólo puede domar tu idea, sino también domar tu creatividad, casi. En esta clase, desmitificaremos el proceso de guion enfocándonos en escribir enfocándonos en Mi nombre es Olaf. cineasta con más de 20 años de experiencia He dirigido películas y documentales y vendido conceptos originales a estudios A lo largo de mi carrera cinematográfica, he escrito más de 30 guiones Y en esta clase, voy a compartir todas mis herramientas de escritura. Vamos a aprender a escribir una escena en formato de guión Entonces después de ella, podrás hacerlo de forma independiente. Así que solo puedes pensar una escena en formato de guión. Lo escribes varias veces, y oh, tienes un guión Aprender el formato de guión no sólo te ayudará a escribir para cine y televisión, sino porque es un poco rígido, un poco rígido, tiene la capacidad de domar nuestra creatividad Esta clase está diseñada para que poco a poco puedas tomar todas las herramientas que contiene para que al final, puedas diseñar tu propio método de escritura. La técnica que usaremos en esta clase para enseñarte el formato de guión tiene los poderes de limitación, donde usaremos un marco de escritura y muchas otras herramientas para brindarte una experiencia práctica manejable Independientemente de si eres principiante o acabas de empezar a escribir tus propios guiones, este curso te ayudará a profundizar tus habilidades como narrador de Todo lo que necesitas para comenzar en esta clase es tener un bolígrafo o un papel o algo sobre lo que escribir. Y a partir de ahí, poco a poco comenzaremos a aprender el formato de guión escribiendo una escena No sé ustedes, pero me emociona compartir todas mis herramientas de escritura y ver qué tipo de toma trae a esta clase de escritura. Entonces, vamos. Vamos. Quiero compartir brevemente que he creado varias clases de cine que cubren aspectos esenciales del oficio Estos incluyen hacer un cortometraje, guionismo, documentales, elaboración de trailers de películas y financiamiento de tu y financiamiento Cada clase viene con guías completas descargables para apoyar su viaje como narrador visual Para obtener aún más recursos gratuitos, visite mi sitio web donde encontrará herramientas adicionales, ideas e inspiración para ayudarlo a dar vida a sus historias. 2. Proyecto de la clase: Gracias por unirte a esta clase. Enumeremos algunos de los recursos y otras cosas que necesitas para poder tomar la clase. Pero primero, una visión rápida. Esta clase se divide en dos secciones. En el primer tiempo, nos enfocaremos en desarrollar tu toma sobre el marco que presentaremos. En la segunda parte, trabajaremos en el formato de guión. Justo arriba en el medio, contaré con una sección especial donde les doy toda la información necesaria sobre cómo funciona el formato de guión. Todo guión, grande o pequeño se hace con el mismo proceso y lo que estamos haciendo en esta clase, estamos viendo los fundamentos. Vamos a hacer una versión de ADN de un guión dominando el arte de hacer una escena y lo vamos a hacer muy bien, casi molesto lento, pero la esperanza es que ganes confianza para empezar a escribir tu propio guión. Por supuesto, escribir un guión es complicado pero, si dominas el arte de escribir una escena, va a ser un buen comienzo. Si no estás familiarizado con el formato de guión entonces más adelante en esta clase, habrá una sección específica justo antes de pasar a ese formato sobre cómo formateas un guión. El método que estaremos usando en esta clase es uno de mis métodos favoritos para hacer cualquier cosa. Es decir, vamos a estar explorando y usando el poder de la limitación. La limitación funciona a la inversa, como una paradoja. Cuantos más límites aplicamos , menos límites, o desaparecen, no sé decirlo. Lo que voy a estar haciendo es sugerir un marco o situación o pronta, donde escribirás en tu toma de una cosa. Echemos un vistazo a algunas de las limitaciones específicas que estaremos utilizando. Empezaremos con cantidad. Estamos haciendo algo manejable. Sólo vamos a estar escribiendo una escena en formato de guión y por eso, aprendiendo el formato de guión. Duración; nuestra escena no puede ser más de cuatro páginas así que, idealmente , tendrías dos , tres, o cuatro páginas, pero no más porque no queremos exagerarla. Entonces es mi limitación favorita de toda la limitación lo que realmente te pone libre, el marco. Te daré una situación de marco o pronta, y es ahí dentro donde insertarás tu toma sobre ella. El marco que estaremos usando será sobre conseguir que una persona, tu personaje, enfrente una calle. Nos sumergimos en este marco más específicamente cuando llegue el momento de trabajar con él. Vamos a ponernos específicos sobre lo que necesitas para esta clase. Necesitarás algo en lo que escribir, obviamente, un bolígrafo o papel o cualquier tipo de procesador de textos. La filosofía detrás de esta clase es que estamos manteniendo las cosas lo más simples posible. Es importante porque vamos a terminar en un lugar un poco complicado, que es el formato de guión. Con este curso, he adjuntado siete recursos que puedes descargar. Algunos ejemplos de guión, algunos ejemplos, y el plano de los ejercicios que estamos a punto de hacer en este curso. Se puede descargar todo. También te animo a que vayas por internet, encuentres algunos guiones gratuitos que estén abiertos al público, y estudies el formato de guión. Muy bien, empecemos a trabajar con marcos y limitaciones y consigamos ilimitados. Nos vemos en la siguiente lección. 3. La historia detrás de esta clase: Yo quiero contarles la historia detrás de esta clase. Llevo escribiendo más de 20 años y hace cinco años me quedé atascado en un poco de abrumación. Tenía esta escena, se trataba de una persona que tenía que cruzar la calle. Tenía a esta persona en un extremo a la calle por unos seis meses porque siempre lo estaba pensando demasiado. Después de unos seis meses, estoy adivinando aquí, durante mucho tiempo, me di cuenta de que ni siquiera podía ayudar a la persona de enfrente. No podía hacer simple. Después de eso, empecé a usar esta situación para mí mismo para animarme a no parar, siempre seguir adelante. Principalmente me ayuda a recordarme que nos quedamos tan a menudo atascados cuando no podemos hacer simple. Entonces este curso, es un método con este marco en particular sobre una persona que cruza una calle que he estado usando en mis clases como entrenador de escritura alrededor del mundo, y siempre me pongo este marco, como si alguien apilara, Yo les doy este marco, que es una persona que se pone de pie a un lado de la calle, y piden a la gente que los saque del otro lado. Si bien suena extremadamente simple, siempre estamos poniendo nuestra propia toma en ello. Simplemente no podemos escapar de nuestra propia toma de las cosas. Por eso es que este marco limpio es muy poderoso para desbloquearnos. Esta clase es también para ayudarnos a través de la experiencia de pasar por ella, es reconocer nuestro propio poder en hacer simple. Porque hacer simple es el antídoto a la complejidad, y como cualquier buena paradoja, la capacidad de hacer simple nos permite crear mucha más complejidad. Tomar esta clase te ayudará a reconocer el poder de, si puedo hacer simple, puedo hacer complicado. Por eso es importante pensar en esta clase ya que es un proceso gradual. Aunque patines a través de ella, va a funcionar así y así como si pasas por las minutia de verlo en tiempo real, y no te preocupes, he editado, mayor parte de la ciencia está fuera. Pero si lo atraviesas, entonces poco a poco sentirás las metamorfosis y el poder de hacer este sencillo ejercicio que luego podrás transferir a tu propio trabajo. 4. El marco: En esta sección vamos a hablar del marco, del cuadro de limitación que vamos a trabajar en la situación. Por lo que el marco en este caso es en realidad una escena. Lo llamaremos un marco o una situación solo por claridad, pero es una escena y la escena va así. Este es sólo el contorno crudo. Tenemos una persona en un extremo de la calle, cruzan la calle y terminan en el otro lado, eso es todo. Este es el marco. Recuerda, vamos súper despacio, vamos súper sencillos. Usar este marco puede ser un poco incómodo, pero realmente exprime tu creatividad y te lo prometo, te sorprenderás realmente lo poderoso que es este sencillo marco. 5. Primer borrador: En esta sección, queremos que crees tu propia versión fuera de este marco. Queremos que ayudes a la persona a cruzar la calle. Este es tu primer intento, y haremos varios. Para esta ronda, no estaremos utilizando el formato de guión. Seguimos desarrollando la escena, y sólo usaremos el formato de guión cuando trabajemos a través de ella varias veces. Como siempre, te sugiero que uses un temporizador, lo contrario, podemos tan fácilmente caer presa para pensar en exceso. Para esta sección, sugiero usar 15-20 minutos, y anotar todo lo que venga a la mente. Un par de útiles tal vez indicaciones, ¿cómo dejarías que una persona cruzara la calle? ¿ Quién es esa persona? ¿ Cómo camina la persona? ¿ Qué vemos a su alrededor? Ya te he hablado del marco. Vas a parar aquí mismo, y hacer tu primer intento. 6. ¡Revisar!: ¿ Cómo te va después de tu primer intento de usar este marco? A lo mejor no fue para nada, pero sí sospecho que rápidamente creaste un personaje que podría cruzar la calle. Si no lo hiciste, inténtalo de nuevo hasta que hayas encontrado el carácter correcto que quieres usar en esta configuración. 7. Recordatorio y recursos: Ahora vamos a pasar al segundo paso en nuestro desarrollo del marco. Recordemos lo que estamos haciendo. Estamos más practicando escribir una escena en formato de guión, y para eso necesitaremos varias rondas. Si dominas este curso habrás sabido exactamente cómo escribir una gran escena en un guión. Por lo tanto, se pueden escribir muchas escenas en un guión. Por lo tanto, se puede escribir un guión. 8. Siguiente versión: Ahora que has hecho el primer intento de escribir tu marco, el siguiente paso, el segundo paso, es un pequeño ejercicio donde vamos a visualizar el mundo que has creado en tu primer intento. En el siguiente apartado, iniciaremos la visualización. Entonces vamos a prepararnos un poco. Esta visualización es para mostrar que ya sabes bastante de tu escena, pero quizá no lo hayas notado en la primera corrida porque en la primera corrida normalmente estamos un poco ocupados tratando saber qué está pasando y estamos ocupados escritura. Por lo que a veces nos olvidamos de mirar dentro de la escena misma en nuestra imaginación. En este ejercicio, se trata de entrar en esa imaginación y simplemente permanecer ahí un poco, por unos minutos. Para esta sección se trata de notar lo que ya hay y después podrás decidir qué quieres traer de nuevo a tu escritura. 9. Visualización: Empecemos con la visualización. En este apartado, si es apropiado para ti, cierra los ojos. Te voy a hacer un par de preguntas seguidas con el espacio del silencio para darte un poco de espacio para pensar. Pensemos en el marco para la tarea. Se trata de una persona que comienza en un extremo de una calle, terminando en el otro extremo, y en el mientras tanto la cruza. Observa lo que te imaginas cuando piensas en este marco. ¿Qué ves? ¿ Qué pasa si acercas de cerca algo que ves? ¿ Puedes acercarte aún más a esa cosa en la que quieres concentrarte? ¿ Notas textura? Ahora aleje lentamente. A lo mejor sólo moviéndose hacia el cielo, mira hacia abajo. Mira lo que te está mostrando tu imaginación. Te está dando bastante opciones e ideas. Quédate un poco en el cielo. Mientras te quedas arriba en el cielo, ¿qué sonidos escuchas? ¿ Cuántas capas de sonidos hay? Ahora quiero que vuelvas a acercar al suelo y muevas tu cámara imaginacional en círculos. ¿ Qué nota? ¿Qué tipo de calle es? ¿ De qué está hecho? Ahora quédate ahí un poco o el tiempo que quieras, y cuando vuelvas vamos a hablar de cómo capitalizamos este ejercicio. Gracias. 10. Notas: Bienvenido de nuevo. Después de haber hecho este ejercicio, te sugiero que anotes todo, grande o pequeño, de lo que viste en tu visualización. Siempre, sugiero hacer esto rápidamente y no gastar más de 10 minutos para hacerlo, solo para seguir pensando en exceso y abrumar a raya. Corre por él, anote todo en ningún orden en particular. Basta con recoger la información. 11. Descripción general: Ahora que has completado tus notas desde tu visualización, vamos a pasar a la tercera ronda de esta fase de desarrollo visitando una ubicación. 12. Investigación de locaciones: En este apartado, vamos a visitar un lugar. Con visita de localización o investigación de localización, suceden varias cosas mágicas. Cuando entras en los pasos de tu personaje, comienzas a sentir todo tipo de información nueva que está ahí tirada, escondiéndote ahí cuando estás trabajando en tu idea. Cuando visitas un lugar, no necesita ser exactamente como está en tu guión, solo tienes que tener los mismos parámetros, una calle para cruzar, y así sucesivamente y así sucesivamente. Lo más importante es que realizas este acto de investigación, como en realidad vas a la ubicación y haces el intento. Ahí suceden algunas cosas mágicas sólo por el esfuerzo. Con una ubicación establecida, suceden varias cosas mágicas. Cuando visites, nota qué sientes cuando comienzas, cuando lo cruzas, oh Dios mío, estoy cruzando, y cuando llegues al otro extremo. La gente te está mirando gracioso cuando estás haciendo un curso de escritura sobre alguien caminando por la calle, eso es parte del proceso. Simplemente me alejaré. Con todo lo que hemos estado haciendo, siempre estamos contribuyendo de maneras poco extrañas. Está aseado ahí. Tenemos este pequeño cuadro nuestro de alguien cruzando una calle. Es manejable, es realizable. Es algo comestible [inaudible] Diviértete. Cuando visites la ubicación, simplemente cruza la calle de forma segura. Observe lo que está pensando cuando está parado a un lado de la calle y cuando está cruzando y cuando está justo al otro extremo de la misma. Es tan simple como eso. Recordemos que lo simple es probablemente lo más complicado del mundo, así que no subestimes esta práctica. 13. Introducción de personajes: En las siguientes tres sesiones, vamos a hablar de carácter. Vamos a trabajar en su historia de fondo, comprobar sus necesidades y sus necesidades, y examinar cómo podemos transmitir sus sentimientos a través de la expresión física. 14. Bonus :: Desarrollo de personajes: Desarrollando un personaje cinematográfico. Cuando escribimos una historia y sentimos que no es del todo completa, un buen enfoque para enriquecer la historia es examinar sus elementos. Esto podría implicar reflexionar sobre el tema, el mensaje, etc. Pero otro método es enfocarse en el desarrollo del personaje. Entender a tus personajes puede elevar tu película ya que te permite ver la película desde su punto de vista. A menudo pasamos por alto que vemos películas principalmente para los personajes, no solo para la trama ¿Cuál fue la última película destacada que viste? Quizás una pregunta más reveladora sería, ¿quién fue el último personaje memorable que encontraste en una película? Si estás trabajando en un personaje cinematográfico, aquí tienes algunas técnicas para ahondar en su personalidad Ponte en la piel de tu personaje simplemente imaginando que eres ellos. Antes de hacer esto, te recomiendo realizar tantas investigaciones como puedas. ¿Qué eventos mayores y menores de la vida conoces de ellos? En el siguiente ejemplo, me he puesto en zapatos de mi abuelo e imaginé cómo podrían haber sido los momentos de su vida durante un día aleatorio de invierno allá por la década de los 50 Después de que te hayas puesto en los zapatos de tu personaje, escribe lo que has observado. Tenga en cuenta que hay una gran diferencia entre pensar en este ejercicio y simplemente escribir lo que se me viene a la mente. No confundas pensar y visualizar para este ejercicio, decidí imaginar un día en la vida de mi abuelo Venía de una comunidad agrícola en la costa oeste de Islandia donde crecí. Y quería estudiar su carácter y además solo recordarme de dónde vengo. Le pedí a mi madre una idea de su vida, su padre, y ella me habló de un día, un día de invierno en la década de 1950 Su descripción me ayudó a re, imaginarlo en aras de obtener una perspectiva del personaje de mi abuelo. Me imaginé descendiendo lentamente hacia la masía donde mi abuelo y mi abuela vivían en un clima frío en su época en Islandia. Me instalé en un día, imaginé que viajaría hacia su casa o una masía. Cuando estaba dentro de la casa, sentí el olor, el olor que me recordaba a mi infancia. Cuando estaba en todas estas casas de campo, había indicios de olor a suciedad vieja de cuero y también un toque de azufre de sus calentadores ardientes Colocándome en los pasos del personaje de mi abuelo, inhalé descenso y miré por la ventana y por fuera de la ventana porque mi abuelo era sacerdote, vi una iglesia Yo diría a unos 100 metros de la casa. Me puse en los zapatos de mi abuelo, y me imagino ser él. Me vestí con ropa abrigada de lana y salí de la casa y entré en el crepúsculo de la tarde. Sentí mis dedos fríos debajo de los guantes donde me quitaba la nieve bloqueando el camino que conduciría hasta la entrada de la iglesia. Después de despejar el camino, tenía hambre y entré de regreso a la casa a buscar algo de comer. Escuché un viejo reloj en la casa y los sonidos de otras personas hablando dentro de las habitaciones. Me comí los restos de una cabeza de oveja. Era bastante común en el pasado, y bebí café negro a tono con una sobrecarga de azúcar mientras volvía y bebí café negro a tono con una sobrecarga de a mirar por la ventana, esta vez no para vigilar la iglesia, sino a la masía para el ganado Boom, estoy de vuelta afuera y oigo el sonido de la dura nieve rompiendo bajo mis pies. Entonces veo día dado esta noche. Vi mi viejo auto Jeep enterrado en nieve y pensé que tendría que arrancarlo más tarde y calentarlo. Pero dudo que en realidad pudiera ir a ningún lado porque había mucha nieve por todas partes en mi camino a la granja, entrecerré Durante la dura transición crepuscular, me hizo pensar en personas que se habían aventurado a reclamar el Polo Norte Ahora, solo estoy en la mentalidad de mi abuelo. Cuando estaba en la masía trabajando con el ganado y preparando comida, escuché a las ovejas y las vacas y las escuché masticar y respirar al mismo tiempo. Entonces noté que un perro leal me había estado siguiendo todo el tiempo, sus ojos ofrecían un abrazo cada vez que me sentía sola. Pensé que me dolería la espalda con la constante tensión de llevar el estiércol y la comida del bar a la casa principal. También tendría que preparar un caballo tal vez, e instalarme en la iglesia. Si alguien de la comunidad moriría, quiere casarse Después de imaginar este día, sé más de mi abuelo porque me puse en los zapatos A una nota personal, aprecio la resiliencia de mi abuelo También aprendí lo mucho que admiro lo que hizo por la comunidad, la comunidad donde crecí. Esto fue un pequeño estudio del personaje, colocándote en la piel del personaje. Yo solo quería visitar a mi abuelo y te animo a que hagas tu propio estudio en tus propios términos para tu película. 15. Historia de fondo: En esta sección, vamos a pensar en la historia de atrás. Qué pasó antes de ver la escena de un personaje cruzando la calle. Podemos pensar en qué hicieron por la mañana? ¿ A dónde van? ¿ Qué relaciones tienen? ¿ Qué ropa llevan y demás? Esto no es algo que necesitamos poner directamente en exposición en la escena, pero ayudará con el trabajo intangible que estamos haciendo. Estamos haciendo todos estos pequeños ejercicios solo para agregar un poco de datos cada vez antes de empezar a escribir. 16. Necesidad vs. deseo: Si estás leyendo un libro sobre guion, te encontrarás con este término, querer versus necesidad. ¿ Qué quiere tu personaje? Al igual que un chocolate o qué necesita tu personaje como no un chocolate. En nuestro caso, tenemos una persona que quiere cruzar una calle. En esta escena, no sabemos por qué quieren cruzar la calle, o al menos no lo sabremos en voz alta como público, pero es importante que usted o nosotros como el autor pensemos en ello. Ya has creado este personaje así que queremos pensar en lo que quieren versus lo que viene, lo que necesitan. Es solo un pequeño ejercicio de carácter a tener en cuenta cuando piensas en tu personaje. 17. Expresión física: Parte del trabajo intangible que estamos haciendo con todos estos ejercicios puede entonces manifestarse en algo que realmente vemos, como en la expresión física; ¿cómo caminan? ¿ Cómo parpadean los ojos? Y así sucesivamente. Porque esa es la única moneda que tenemos. ¿ Cómo se manifiestan visualmente las cosas en la expresión física? Podríamos saber que la persona está deprimida, pero hay que señalar al público cómo la persona se siente deprimida o feliz. ¿ Tienen un resorte en su paso o algo que los pesa sobre sus hombros o algo así? 18. Cambios de fondo: En este apartado, vamos a trabajar en el fondo de la escena. Sabemos lo que está en primer plano, en la acción principal, que es una persona que va de un extremo de la calle a otro. Ahí está el primer plano el principio, el medio y el fin. Ahora nos vamos a centrar en el fondo, principio, medio y final. Todos sabemos que al contar una historia el cambio es lo más fundamental. Porque el cambio ayudará al público a sentir que la historia avanza. Si algo es de cierta manera en el inicio de la escena y luego al final de la escena se cambia el público marcará la diferenciación, y por eso tendrán la sensación de que las cosas están avanzando porque han cambiado. Esto lo hemos logrado en primer plano ya al tener a una persona en una ubicación física y luego entrar a otra ubicación física, por lo que hay una clara distinción, hay una clara diferenciación aparecer, cambio. Ahora vamos a pasar a segundo plano. La idea es que entre más cambio pongamos más cosas pueden avanzar. Cuando comienza la escena ¿qué es algo que quieres cambiar al final? Puedes cambiarlo al final, y cuando decidas cuál es el cambio, entonces tienes por supuesto cambiarlo al principio. ¿ Cuál es un buen ejemplo de fondo? No voy a robar tu reto de intentar averiguarlo. Creo que es bueno dar un par de ejemplos claros. Un buen cambio de fondo podría ser, por ejemplo, que en el inicio de la escena alguien esté sosteniendo una taza de café. Entonces al final de la escena, la copa puede estar vacía, se puede romper y demás. Piensa en el ejercicio. ¿ Qué puede haber en un solo lugar al inicio de la escena fondo y cómo puede esa cosa estar en un lugar diferente al final de la escena? 19. Formato de guion: Hasta este punto, hemos estado haciendo todo tipo de métodos diferentes en la recolección de datos, extrayendo cosas de nuestras ideas, sacudiendo un poco nuestra idea, y captando todos estos datos. Es hora de moverlo al formato de guión. si no estás familiarizado con el formato descriptivo entonces he preparado un pequeño mini-curso que te hará familiarizarte rápidamente con él. 20. Mini curso de guion: Al final de este capítulo, debiste haber reconocido los principales elementos en la escritura en formato de guión. Este es un curso acelerado en formato de guión y lo vamos a hacer bastante rápido. Vamos a empezar con un encabezado de escena, cuándo y dónde se lleva a cabo la escena. Entonces vamos a entrar en personajes, cómo los presentamos, qué es mayúscula, cómo decimos su edad, y cómo se formatea y estructura el diálogo. También vamos a hablar de los pequeños corchetes de fantasía que podemos usar en todo el guión entre paréntesis y descripciones, diálogo fuera de pantalla y voz en off, y lo vamos a terminar con el uso de transiciones. Primero lo primero, empecemos con el encabezado de escena. En el encabezado de escena, te decimos una respuesta si la escena está dentro o fuera, INT o EXT, entonces decimos el nombre del lugar, ¿ dónde se realiza la escena? Entonces le decimos al público qué hora del día es. Se trata de varios aspectos prácticos en cuanto a producción. Es bueno que la producción sepa cuándo y dónde se lleva a cabo la escena. Cuando introducimos un personaje, decimos el nombre y normalmente, depende de ti, es un poco de tema de estilo, es agradable poner su nombre en todos los gorros al principio y luego su edad entre paréntesis después. Como probablemente sabrás y veremos en cualquier software de guion, es que los personajes se centran automáticamente en el medio con el diálogo. También es bueno tener en cuenta cada línea que lo escribes puede ser muy útil pensar en ello como un solo disparo. Aquí mismo podemos ver cómo un solo disparo es una sola línea o párrafo, y esta es la sección de acción del guión donde describimos lo que está sucediendo en la escena. Algunas de las pequeñas cosas alrededor de hacer un guión están en estos armónicos corchetes repartidos alrededor del guión. Hablemos de algunos de ellos. Justo después del nombre del personaje, antes de que hablen, podemos poner en lo que se llama el paréntesis, que es un poco como una última reflexión o explicación. Para que podamos poner voz tonal y cosas así. Sólo tenemos que usarlo con moderación. El siguiente en esta sección de soporte de fantasía es el sistema operativo, después del nombre del personaje, que está fuera de pantalla. Entonces cuando algo está fuera de pantalla, está sucediendo en la escena. Por ejemplo, alguien anda caminando y alguien grita: “Oye, ven aquí”. Eso está fuera de pantalla porque está en la escena, pero no están en el marco. Fuera de pantalla también se puede usar ya que, por ejemplo, hay una escena que tuvo lugar hace mucho tiempo, también podemos estar escuchando esa escena. Esto no se debe confundir con la voz en off o VO. Eso es algo que ponemos en donde el personaje está hablando con el público, como siempre recordaré, bla, bla, bla. Tenga en cuenta no confundir a estos dos. Fuera de pantalla es una cosa y Voiceover es otra. Entrémonos en transiciones. Es muy práctico poner en corte a como estás en una escena, escribes la escena y luego escribes corte a y luego estás en la siguiente escena. Esto también es un poco de estilo. Puedes elegir si usas esto o no. 21. Bono :: Historia de exposiciones: En esta lección voy a reflexionar sobre el equilibrio de la exposición cuando estés escribiendo tu guión Al escribir un guión, siempre nos preguntamos cuánta información necesita saber el público para que se sienta intrigado ¿Cuánta exposición explicando la trama necesita el público para sentir curiosidad por esa película y obtener la historia? para sentir curiosidad por esa película y obtener la historia No queremos tener demasiada información ni muy poca. Sí, esto es tan confuso como suena lateral para encontrar el equilibrio de cuánta exposición o información necesita el público La mejor manera, en mi experiencia, es escuchar tu instinto Y B, pídele a alguien que lea el guión para ver lo que consigue y que no consiga ni siquiera después de que complete mi película Para asegurarme de alcanzar el equilibrio perfecto de información y exposición, pruebo varias veces la pantalla de mi película a un público pequeño y escucho sus comentarios La pregunta a tu gusto personal es, ¿cuánto te gustaría esconder y cuánto te gustaría que supiera el público? Si quieres, también puedes decidir hacer tu película para que nadie la obtenga. Eso está bien. Siempre y cuando estés explorando algo que te interese, cuánto te explicamos depende también de la estructura financiera de tu película. Si tienes financiadores, entonces tal vez tengas que tragarte algo de orgullo artístico Continuemos y volvamos a la pregunta central. ¿Cuánta información necesita el público para entender o interesarse por la historia? Esta pregunta debería perseguirte durante todo el proceso de escritura porque te reta y al final te entrena para que aprendas a explicarte mí me gusta que las cosas sean muy claras en mi primera ronda de escritura. Y en la segunda vuelta utilizo la metáfora del lado oscuro de la luna porque en la segunda vuelta empiezo a ocultar claridad selectiva Esto no es tan robótico como suena, porque a menudo escribo algo que al principio no entiendo y luego voy al revés y agrego claridad como de costumbre. Aquí no hay bien o mal. Pero el objetivo de estas palabras es ayudarte a tomar más conciencia de jugar con el equilibrio de la exposición La metáfora del lado oscuro de la luna. Jugar con este equilibrio es una herramienta maravillosa. Queremos suficiente claridad, repartidos con oscuridad. El objetivo es invitar al público a inclinarse hacia adelante para intentar asomarse detrás de la luna, curiosos por ver si pueden ver lo que hay dentro de la oscuridad 22. Bono :: Diálogo de exposiciones: En esta lección, vamos a discutir el equilibrio de exposición cuando estés escribiendo diálogo en tu guión El objetivo principal al escribir el diálogo es hacerlo sentir natural y auténtico. Si encuentras que el diálogo parece forzado o incómodo en la página, un consejo útil para representarlo. Un actor hábil a menudo puede dar vida incluso al diálogo rígido, haciéndolo sonar mucho más natural de lo que parece por escrito. La pregunta clave que debes hacerte mientras escribes diálogo es, ¿está claro? La claridad no significa necesariamente divulgación o exposición completa En la vida real, las personas a menudo no declaran explícitamente sus pensamientos o sentimientos. En cambio los ocultan. Por lo tanto, tal vez quieras preguntar, es evidente que los personajes están ocultando lo que realmente están pensando y son claras tus intenciones? Como escritor, un método que utilizo es escribir el diálogo con exposición casi tonta y obvia, explicando la escena completamente en diálogo Yo luego después, empiezo a ocultar la exposición. Al hacer esto, me dejo claro cuáles son las intenciones de los personajes para poder ocultarlos. Esto es casi como pintar una pared. En lugar de hacerlo perfecto la primera vez que hago esta estratificación para la primera ronda, y luego agrego la segunda capa para ocultar la primera A través de esto, el público comienza a jugar al gato y al ratón con los personajes. ¿Qué hay en la capa detrás de la conversación? Ejemplo, diálogo. Digamos que un personaje es sospechoso de cometer un delito y un policía los está interrogando. Ejemplo, una capa uno con mala exposición. Oficial, ¿dónde estaba el décimo sospechoso? Estaba en casa de mi hermana. Ella puede confirmarlo, pero me está mintiendo y cubriéndome. Esta fue mi primera ronda de exposición obvia. Ahora, en la segunda vuelta, empiezo a ocultarlo. Ejemplo, capa dos. Sin exposición, el personaje esconde lo que está pensando Oficial, ¿dónde estaba el décimo sospechoso? Hace frío aquí. ¿Me das algo de beber? En este segundo ejemplo, evito responder a la pregunta, pero el sospechoso insinúa que sienten frío, diciéndonos que son sensibles al calor. Preguntan si pueden conseguir algo de beber. Tratando de hacer una pregunta contra una pregunta, insinuando que o en realidad tienen sed o están siendo tácticos y tratando de distraer al oficial 23. ¡A prepararse!: Ahora hemos cubierto algunos de los conceptos básicos de escribir un guión, y es hora de que escribas tu primer borrador. Saltemos a ello. 24. Primer borrador: En esta sección, vas a escribir el primer borrador de tu escena en formato de guión. Para ayudarte con ello, he creado una pequeña plantilla de esquema de blueprint que puedes descargar en los recursos de clase. Esto es más como una pauta solo para asegurarte en caso de que estés en general más perdiéndote, entonces puedes usarlo como marco de referencia. Ten en cuenta que esta tableta es sólo una pauta y nada para tomarse con demasiada seriedad. 25. Escrito en piedra: Algo a tener en cuenta cuando estamos escribiendo en formato de guión, sobre todo después del primer borrador, es que notarás que hay algo en escribir en esa estructura rígida que hace que sea un poco difícil cambiar las palabras. Se atascan como si hubieran sido martillados en piedra. Este es un reto camuflado. No creemos que sea así. Hemos escrito un guión, sí, sólo podemos cambiarlo. Mira otra vez. Va a ser útil sólo estar al tanto de ello. Que cuando estás escribiendo un formato de guión, hay algo en nuestros cerebros interpretado como las palabras son poesía y realmente no puedes cambiarlas. Tan solo ten en cuenta eso porque puedes quedarte atascado fácilmente en una versión y realmente comienzas a luchar con actualizar tu texto o cambiarlo. 26. Segundo borrador: Ahora que ya ha completado su primer borrador, en este apartado, vamos a pasar obviamente al segundo borrador. Algo que me gustaría mencionar es que es extremadamente importante que tomes descansos, pausas entre borradores. Idealmente, cuando hayas terminado el primer borrador, es bueno esperar uno o dos días antes de entrar al segundo draft. Al esperar, solo verás las cosas con más claridad y serás rápido para arreglar arte y cambiar. Este segundo borrador se trata de agregar carne a los huesos. Si creaste el primer borrador y el segundo borrador, se trata de subirlo un poco, agregar cosas, agregar bits, quitar bits e insertar otros nuevos, y así sucesivamente. Hay un poco de edición, pero todavía le estamos agregando cosas y revisando la arquitectura. ¿ Cómo comienza? ¿Cómo termina? ¿ Qué hay en medio, y así sucesivamente? Si bien te estoy dando estas herramientas, principio, medio, fin, y todo eso, simplemente estoy tratando de ser extra neutral. Al ser extra neutral y pensar en las matemáticas un poco principio, medio y final, es un poco como crear u ofrecer un aeropuerto para que aterricen tus ideas. Tienen algún lugar donde aterrizar. A menudo tenemos que usar estos sencillos parámetros para ofrecer eso. Echemos un vistazo a la plantilla para el segundo borrador. No puedo exhortarte lo suficiente para ignorar esto, recuerda que estos son solo lineamientos y marcos que puedes romper. Tenemos esta calle. Ahora mismo en el segundo borrador, podríamos agregar detalles al medio ambiente, como el clima. ¿ A qué suena esto? Esto es de la primera plantilla. En este momento podemos agregar detalles a cómo se ven, cómo se sienten. No necesariamente tenemos que ver su cara todavía, podríamos ocultarla. Paradas por el semáforo. Volveríamos de nuevo a los alrededores y tal vez haya otras personas alrededor. Entonces podemos entrar en ¿cuál es reacción de nuestro personaje principal ante el entorno u otras personas o medio ambiente? Esperamos, y entonces también podemos acercarnos más a insertar alguna reacción donde podamos leer la reacción desde los ojos o la boca o algo así. Recuerda, expresión física. A lo mejor se están imaginando algo, así que en realidad podríamos poner un poco de fantasía aquí si queremos, entonces ven la luz verde mientras están cruzando la calle. También podríamos volver a mencionar el medio ambiente, y sólo tiene que ser una escalada desde el entorno anterior. No puede ser lo mismo, no queremos repetir las cosas. También podrías tener voz en off en la escena si quieres. Entonces podemos entrar en qué pasa si las preguntas. ¿ Y si no llegaron al otro lado de la calle? ¿ Y si algo pasó o pasa? Si algo sucede aquí, por ejemplo, quieres subir hasta el principio y configurarlo. Siempre quiero hacer estos lazos interconectados dentro de la escena. Entonces podemos editar puede ser así o tal vez podamos hacer algo más. Diviértete en tu segundo draft. 27. Afiche y banda sonora: En este apartado, te voy a ofrecer un par de herramientas más para conocer un poco mejor tu idea. Estas herramientas son herramienta de banda sonora y herramienta de póster. Si hubiera música a tu escena, con todo lo que sabes al respecto, ¿cómo sonaría eso? Es posible que tengas una canción en la cabeza, pero también puedes simplemente componer algo. Al igual que hacer una pequeña melodía, lo que quieras hacer. Con todas las técnicas que utilizamos para aflojarnos, hay un montón de cosas ahí. Al igual que si conoces la banda sonora, entonces conoces el ritmo, y luego puedes fortalecer ese ritmo si quieres. Si tuvieras que crear un póster para tus escenas en este marco, ¿cómo sería? Siempre es útil pensar en un cartel como un simple, es casi como una señal de tráfico, casi. Usando esta técnica de póster es, puedes encontrar un icono. Puede ser agradable pensar en cosas que están en tu vida diaria, cosas normales como cuchillo, tal vez eso se supone. Una taza vacía, un vaso roto, no lo sé, solo estoy riffando aquí. Cierto color, cuál es el color del cartel y demás. Estas herramientas, banda sonora y cartel, eso está destinado a flexionar un poco. Siempre nos estamos volviendo intrincados. Con cada nueva técnica que utilizamos, nos estamos volviendo como pequeños incrementos de nueva información. Pero tal vez los usaremos y tal vez no lo hagamos, pero no importa. Solo estamos conociendo nuestra idea desde muchos ángulos. 28. Tercer borrador: En esta sección, vamos a hablar del borrador número 3 y algunas opciones sobre cómo podemos acercarnos a él. Recapitulemos rápidamente lo que hemos hecho y dónde nos encontramos en este momento. Hasta este punto, hemos utilizado todo tipo de herramientas, por supuesto, en la fase de desarrollo. Después nos hemos movido al formato de guión de manera lenta y segura. Ya has escrito el primer borrador y el segundo borrador. Ahora es el momento de mi borrador favorito. El draft más juguetón, el borrador número 3. El borrador número 3 se trata de relajarse en él y masajear un poco el texto. En el primer borrador hicimos el esqueleto o el plano de la escena. En el borrador número 2, estábamos agregando carne al hueso. Ahora en el borrador número 3, se trata de tocar algo de jazz con él. Relájate, disfrútalo. [ inaudible]. Esto es lo que yo llamo la versión jazz. En este borrador, todo se trata de trabajar con el borrador número 1 y el borrador número 2 y añadirle tu carácter, como palabras que quieres usar, metáforas que quieres usar, diálogo que quieres usar. Se trata de construir sobre el borrador número 1 y 2. Vamos a divertirnos un poco con él porque en el borrador número 4, vamos a volver a un modo un poco rígido, repasemos la ortografía y la gramática y atarla juntos. Así que diviértete y hazlo con jazz. 29. Evitar por escrito: Una de las cosas interesantes a menudo con la escritura de guiones cuando estás creando una historia es que hay muchas maneras en las que la dilación puede colarse. Una de las formas más locas que encontré para mí personalmente, y eso es muy común con mis alumnos, en realidad es bastante común, es evitar tu historia escribiendo el guión. Suena un poco loco, pero es muy fáctico. Por ejemplo, cuando inicias tu historia, estás revisando la sinopsis del esquema. Esa es la versión corta de la historia, estás pensando en el tema. Podría estar tratando de manejar un poco de storyboarding. Pero esa fase es bastante incómoda porque está pavimentada de incertidumbre. Por ejemplo, escribes la historia, no puedes hacerlo con un, superarla con actitud. Entonces cuando lo hayamos hecho, digamos que estamos escribiendo un cortometraje, escribimos cinco o 10 páginas y cuando lo hemos hecho, a veces nos inhibe revisitarlo. Pensamos así: “Oh, yo he hecho esas cosas. ¿ Por qué debería volver a ella?” Ten cuidado. Es decir, no hay nada malo en saltar y escribir tu guión o fragmentos del mismo, pero yo siempre diría, salta entre departamentos en tu camino creativo. Al igual que escribir una escena, volver atrás, ¿cómo encaja en el contexto de tu mundo? Escribe una escena, detente, déjala ser por un rato, y luego checa más tarde. Es importante donde coloques todos tus elementos creativos. A lo que me refiero por lugar es a eso, mantener el guión en un solo lugar, tema de desarrollo, y todo eso en otro lugar y luego saltas entre. 30. Cuarto borrador: El 4º borrador en esta clase es el proyecto maestro. Aquí es donde dominamos nuestra escena. Vamos a probar nuestra escena desde todos los ángulos y seguir recogiendo una forma de datos, pero también queremos tener cuidado de no sobrecintar nuestra escena. Por ejemplo, si estás haciendo un cuadro, ¿cómo sabemos cuándo parar? Bueno, hay una cosa que te puede decir eso, es que si revisas simplemente qué quieres decir y lo has dicho y ¿está claro? En el borrador número 4, no estamos sumando mucho a la escena, solo estamos asegurándonos de que sea, lo adivinaste, claro. Aquí es donde se vuelve importante utilizar fuentes exteriores, medición exterior, porque hemos estado tanto en escribir la escena y ahora tendremos que probarla. Pensarías que hay infinitas formas de probar tu escena. En realidad, yo diría que no lo es, y es muy peligroso pensar así. Cuando digo peligros, no me refiero a peligro real, sólo me refiero al peligro de sobrepensarlo en estrecha completarlo. Al igual que con el mensaje de tu escena, más importante es tener claro el proceso cuando terminamos algo. Aquí, me gustaría sugerir un método que puedes usar para terminar tu escena o incluso tu guión. Este es el proceso que utilizo. Este es un proceso de siete pasos y por supuesto, puedes crear tu propio sistema a partir de esto. Empiezo revisando la ortografía y la gramática, y cuando termine con eso leí la escena en voz alta. Hasta me grabo para poder escucharlo o aún mejor, tengo a alguien más leerlo en voz alta. Después de eso espero ya sea día o una semana o un mes. Después de haber esperado tengo algún amigo de confianza leerlo otra vez y escucho sus comentarios y luego aplico el sentido común. La luz guía para mí cuando se trata de retroalimentación es volver a entrar en lo de la claridad; ¿está claro? Porque no queremos caer en las trampas de pelear con opiniones, la claridad es lo más importante. No hay nada malo con una idea extraña, pero si la extraña idea es indecisa o enrevesada entonces queremos aclararla, queremos ser claros sobre ser poco claros por así decirlo. Después de haber recibido algunos comentarios espero de nuevo. Este tiempo de espera siempre es un poco de factor X, a veces esperaba un día, a veces una semana y así sucesivamente. Pero esperar es realmente importante para que el jardín de la idea pueda crecer sin que te metas con ella todo el tiempo. Después de eso hago lo que llamo una lectura y sensación. Si lo leo varias veces y puedo sentir o sentir que lo estoy disfrutando entonces sé que está ahí. El paso final para mí entra en la estética. A lo que me refiero con estética es que estoy comprobando la legibilidad y simplemente comprobar cómo se ve la escena visualmente en una página. Me gusta espaciarlo un poco solo para que sea un poco más atractivo y más fácil de digerir para el lector. Diviértete y por favor disfruta de este precioso periodo del draft número 4; El dominio de tu escena. 31. Escena de Olaf: En este apartado, voy a compartir con ustedes una escena o una toma, una de mis tomas en este marco de una persona que cruza la calle, y luego en la esquina equipada en voz alta para ustedes. Pero recuerda, esta es solo mi versión del marco. Sí. Simplemente, no quiero que te confundas. Todo se trata de tu toma. Porque hemos pasado por varios pasos, en esta etapa está bien que yo comparta un poco de mi toma. Por lo que disfruta de esta lectura fenomenal. Exterior. Calle, día. Zapatos azules en un pavimento desatado con manchas de café sobre ellos. Los dedos entran al marco y atan los cordones. Coincidiendo con el color azul de las uñas. Escuchamos un flujo constante de tráfico fuera del marco. Seguimos los dedos de la cintura de una persona que empieza a caminar. Nos quedamos en los dedos mientras golpean un botón de semáforo. El semáforo es de color rojo. Nos retiramos para ver a un grupo de peatones apilados por un extremo de la calle esperando el semáforo verde. Entre ellos, rápidamente volvemos a ver los zapatos azules. Pertenecen a Howard, quien repetidamente media muerde en este labio inferior, ojos moviéndose sin ir a izquierda y derecha. Desorientado. Enfrente de él vemos a un joven, esperando también que se encienda la luz verde. El joven lleva zapatos azules. El joven se gira hacia Howard. Deberíamos cruzar la calle. Al principio, Howard ignora al joven. ¿Me escuchaste? Deberíamos cruzar. Howard mira al joven, lo humorea. ¿ Cómo hacemos eso? ¿Cruzarlo? Vamos a correr. No puedo correr. Crawling será más parecido. Yo lo sé. Eres viejo pero yo soy joven y puedo llevarte. Corro, no me arrastro. Creo que necesitas aprender aerodinámica. Ya lo hicimos. Sí, pero no lo has hecho, aún no. Más flojo. El semáforo se vuelve verde. Última oportunidad? Salta sobre mi espalda. Vamos. Howard piensa en ello. El joven le da la espalda y le ofrece pisar. Howard sube en la espalda del joven. Por una fracción de segundo, parece que lo van a sacar. Pero entonces el joven se desmorona al suelo. Howard comienza a cruzar la calle. A mitad de camino, se detiene, gira, y mira al joven. Todavía en el suelo. ¿Ver? Arrastrar. 32. ¡Gracias!: Enhorabuena por completar esta clase. Es difícil transmitir a veces lo que significa para mí poder compartir mis herramientas, para que alguien escuche, para que alguien cree sus propias herramientas a partir de la experiencia que he tenido la suerte de tener. Me ha dado una segunda vida en mi carrera de escritura personal para poder compartir las herramientas. Me inspira mucho. A pesar de que pueda sonar gracioso, gracias sinceramente. Lo que digo es importante y estoy siendo torpe, pero eso es creatividad. Si estás de humor, por favor revise esta clase. Simplemente realmente ayuda a difundir la palabra. Cualquier tipo de revisión positiva. Por favor, sepan que siempre pueden llegar a mí directamente a través de mi página web. Es posible que no creas esto, pero generalmente prospero en usar X cantidad de tiempo para enseñar y conectarme con otros cineastas. Realmente me da oxígeno creativo. ¿ Qué te inspiró a convertirte en director? Cuando tenía 20 años, rompí con una chica. Descubres todo tipo de cosas sobre ti mismo y empiezas a hacerte preguntas serias, y encontré esta respuesta para tratar de expresarme a través del cine.