Transcripciones
1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi
nombre es Will Elliston Y hoy, estamos pintando un retrato de perfil
en acuarela. Lo que hace que este
tema sea tan emocionante es el contraste entre el
control y la libertad. El rostro tiene forma
de notas cálidas y tranquilas, mientras que el cabello y la
ropa se disuelven en marcas
pictóricas sueltas de color azul violeta profundo
. Nos centraremos en una
silueta clara, proporciones elegantes y un suave equilibrio de bordes para que el ojo
se asiente naturalmente en la frente, la
nariz, los labios y la línea de la mandíbula Exploraremos la
suavidad, la moderación y el poder de
dejar las cosas desajustadas He sido un
artista profesional durante muchos años,
explorando muchos
temas diferentes, desde la vida silvestre y los retratos hasta paisajes de la ciudad
y Siempre me han fascinado las posibilidades
de la acuarela Pero cuando
empecé, no tenía idea dónde empezar o
cómo mejorar. No sabía qué
suministros necesitaba, cómo crear los
efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones
mundiales, aparecido en revistas
y he
tenido la suerte de
ganar premios de organizaciones
muy respetadas
como la International
watercolor Society, la Masters of
watercolor Alliance, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora
para quienes empiezan, razón por la
cual mi objetivo es ayudarte
a sentirte relajado y disfrutar de este medio de
una manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando
a través de una pintura completa, demostrando una variedad
de técnicas y explicando cómo uso todos
mis insumos y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás
seguir a tu propio ritmo y mejorar
tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante
o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de
habilidad. Me gusta comenzar con un
enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas
emocionantes
para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y
hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas
complejos en formas más fáciles que
fomenten la alegría A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos
consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir
los errores en oportunidades, quitando el estrés de la
pintura para divertirte. También te proporcionaré
mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta
invaluable a la hora de elegir
y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de
discusión que se encuentra a continuación. Me aseguraré de leer y
responder a todo lo que publiques. No olvides
seguirme en Skillshare haciendo clic en el
botón Seguir en la parte superior Esto significa que serás el
primero en saber cuándo lance una nueva clase
o publique regalos También puedes seguirme en
Instagram en Will Elliston
para ver mis últimos trabajos Así que comencemos y veamos cómo la simplicidad puede crear
verdadera emoción y profundidad.
2. Tu proyecto: Muchas gracias por
unirse hoy a esta clase. En este proyecto, la verdadera belleza radica en el equilibrio entre
sugerencia y definición. El rostro lleva la precisión
silenciosa, mientras que el pelo y el escote,
y la ropa nos dan libertad para ser más pictóricos
e Piensa en lo poco que realmente
se necesita para crear carácter, la
inclinación de la cabeza, la curva de la nariz,
la forma de los labios, la suavidad del párpado, el resto puede permanecer abierto,
roto y expresivo Deje que los cambios de color permanezcan sutiles, deje que los bordes respiren
y permita que el blanco del papel se convierta en parte de la
composición del retrato. En la sección de recursos, he agregado una imagen
de alta
resolución de mi pintura terminada
para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a
seguir mi pintura exactamente o experimentar con
tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto
de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas
que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el
boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando
se usa como guía para
aprender a pintar. Es importante
tener el underdrawing correcto para que
puedas relajarte y
divertirte aprendiendo el propio medio
acuarela Cualquiera que sea la dirección
que tomes esta clase, sería genial
ver tus resultados y las pinturas que
creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis
alumnos, así que por favor tome una foto
después y compártala en la galería de proyectos estudiantiles la
pestaña de proyectos
y recursos. Siempre me intriga
ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar
sobre tu proceso y lo que aprendiste en el
camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente
que mires el trabajo del
otro en la Galería de Proyectos del
estudiante. Es muy inspirador ver el trabajo de los
demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus
compañeros de Así que no olvides dar me gusta y
comentar el trabajo del otro.
3. Materiales y suministros: Antes de comenzar
con este proyecto, repasemos todos los materiales y suministros
que necesitará seguir. Tener los materiales adecuados puede afectar
enormemente el
resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para
esta clase y más allá. Son muy útiles para
tenerlas a tu disposición y te
facilitaremos el seguimiento. Empecemos por las propias
pinturas. Y como la mayoría de los materiales
que usaremos hoy en día, tiene mucho
que ver
con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que me
llenan de tubos. Son amarillo cadmio, ocre
amarillo, siena
quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul
Opramarne, azul cobalto, azul
serlean, lavanda,
morado, viridian, negro, y
al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos. No uso ninguna marca
en particular. Estos colores los puedes
obtener de cualquier marca, aunque personalmente
utilizo las pinturas Daniel Smith, Windsor y Newton,
o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es
un cepillo redondo sintético como
este cepillo Escoda Pull
o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque
no solo los puedes usar para trabajos detallados
con su punta fina, sino que como pueden contener
mucha agua, también
son buenos para
lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes
en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas
amplias, rellenando áreas grandes y creando
transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se
puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa
que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético
tamaño cero. Todas las marcas las tienen,
y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas
y una punta muy puntiaguda. Son perfectos
para agregar textura o crear
líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes
avisarlos así para lograr
texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los
pinceles. Sobre papel. La mejor calidad
de tu papel, más fácil será pintar. papel barato qwinkles fácilmente
y es muy implacable, no permitiéndole Es más difícil crear efectos
atractivos y aplicar técnicas útiles
como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel base de algodón, no solo te permite reelaborar
errores varias veces, sino que debido a que el pigmento
reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de
errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear
mejores pinturas Yo uso papel arqueros porque eso es lo que hay disponible
en mi tienda de arte local Un spray de agua es
absolutamente esencial. Al usar esto, te
da más tiempo para pintar las áreas que
deseas antes de que se seque. También te permite
reactivar la pintura si quieres agregar una
línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo
para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura
antes de
mojarla en el agua hará que el
agua dure mucho más Siempre es útil
tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar
el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo una salpicadura o goteo no deseados puede ocurrir
una salpicadura o goteo no deseados que necesita
limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas
para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es
importante que tengan una consistencia
similar a lo
que son en los tubos. De esta manera, es más fácil
recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil
para acelerar el tiempo de secado y controlar la
humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice
mientras pinta. Además, si planeas
pintar hasta el borde, te permitirá crear un borde
muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que
necesitarás para pintar
en la clase de hoy. Pero sí te animo a
explorar tu propia expresión y usar cualquier color
que quieras usar para
seguir tu propia voz. Ahora, vamos a subirlo y
esbozar este retrato.
4. Preparación de la composición: Entonces, en la etapa temprana de dibujo, solo
estoy trazando con un solo círculo donde estará la
colocación de la cabeza, y estoy usando estas líneas
diagonales para elaborar la proporción y la inclinación y la
estructura básica de la cabeza. Y todos los días, como
cuestión de práctica, dibujo esta estructura
desglosada en tercios porque estas son solo proporciones
generales que
puedes mapear y doblar
a cualquier retrato. Entonces practico dibujar cabezas
en muchos ángulos diferentes, así que básicamente lo he memorizado. Entonces no se trata tanto recordar o
tratar de elaborar la semejanza de una persona
específica Recuerdas las proporciones
generales, y puedes adaptarlas, ajustarlas para crear el tipo
de semejanza que quieras Quiero entender
la forma del cráneo, la posición de la mandíbula, la línea del cuello, donde está
la colocación de
la cuenca del ojo. Y la relación general
de la nariz y la boca. Pero no necesito que cada línea se
comprometa fuertemente. De hecho, en esta etapa, las líneas más ligeras
y flexibles suelen ser mucho mejores
porque me permiten ajustarme a medida que voy. También trato de moverme por el dibujo en lugar de instalarme
en una zona demasiado pronto. Y ese hábito
ayuda enormemente en retrato porque si
paso demasiado tiempo en los labios, pierdo la frente o si
me
obsesiono con el ojo, puede
que deje de ver cómo se
relaciona con el resto de la Para que puedas, por supuesto, usar la plantilla que te proporcioné.
5. Mezclar los colores: Como siempre, voy a
tratar de dividir esto pasos lo más simples
posible para que sea más fácil trabajar con ellos, básicamente. Esto lo hago por mí mismo,
no sólo por los estudiantes. Trato de romper cada escena
o retrato en los pasos más simples
que puedo hacer para que sea menos intimidante para mí mismo Entonces, comenzando
con solo usar agua pura y mojando cada área
donde haya piel. Entonces no estoy tocando la ropa y
no estoy tocando el pelo, solo el cuello, la mejilla, los labios, los ojos,
la frente No aplicar ningún pigmento
por el momento. Y ahora, mientras
estamos esperando que esa agua
se empape en el papel,
podemos comenzar a mezclar
nuestros tonos de piel, que básicamente tengo como paleta limitada porque estos pocos colores que
voy a usar,
amarillo ocre, siena quemada, amarillo ocre, siena quemada, zarin carmesí se pueden moldar
en cualquier Esos son los colores base. También puedo incluir rojo cadmio
en eso. Básicamente, lo estoy dividiendo
en tres colores. Tengo mis amarillos, mis marrones y mis rojos. Y
se puede ver eso ahí. Tenemos café en la parte superior, amarillo en el medio
y rojo en la parte inferior. Y todo es solo una proporción
diferente
dependiendo de la cara. Y voy a explicar un poco más adelante dónde podríamos querer un poco más rojo o dónde podríamos querer un poco más amarillo o marrón, etcétera
6. Capa base de luz: Por el momento, esos
colores son un poco fuertes, así que realmente
lo estoy diluyendo y comenzando
muy suavemente porque el papel está mojado obviamente lo mojamos antes y solo lo estamos dejando caer Y no es que me lo esté
pensando demasiado en esta etapa. Estaba tratando de
conseguir una capa base. La frente, no quiero que
sea demasiado rosada, al
menos no en esta etapa Entonces es un bonito
color neutro de los tres,
básicamente, no demasiado rojos, ni demasiado marrones, ni demasiado amarillos. Y puede sentirse un poco fuerte aplicando
pigmento en este momento. le agregué un poco más de rojo a Ahí le agregué un poco más de rojo a
la nariz.
Es mucho más ligero. Pero solo por mencionar, ahí
le estoy agregando un toque más
rojo en la nariz. Pero como decía, puede
resultar bastante intimidante aplicar pigmento en la cara antes de habernos aplicado
el pelo o la ropa, y puede ser fácil ir
demasiado ligero en esta etapa Por supuesto, no queremos
ir muy, muy oscuros, pero considerando que
al menos con este retrato, vamos a pintar pelo negro y sombras más oscuras
en la ropa, tenemos que pensar en el futuro
y compensar eso. La piel se ve muy oscura ahora, pero créeme, cuando vengamos con
negros sólidos para el cabello después, no
se verá tan oscura en absoluto Por eso estoy compensando
un poco por eso ahí. Así que he pintado en el
cuello y la mejilla. Se puede ver que la línea del cuello es un poco más amarilla, un poco más ocre
amarillo ahí,
y luego la mejilla, sobre todo abajo por la
línea de la mandíbula por el
momento , un poco más Son tonos muy sutiles,
muy sutiles, y no hace falta que
sea preciso, de verdad. Es casi ibeceivable
estos pequeños cambios, y podría fácilmente
ponerlo al revés,
tal vez un poco más amarillo en la mejilla y más rojo en el Se puede ver que
no es tan específico. Básicamente es
casi un lavado plano con algunas diferencias sutiles. Unos trazos amarillos
en la parte inferior ahí.
7. mojado sobre mojado: Entonces esa es la primera capa
base, básicamente. Y todavía está húmedo
porque, claro, agregamos ese pigmento
que tenía más agua puesta, así que no se está secando pronto. Así que todavía podríamos
perder el tiempo con mojado sobre mojado. Apenas probando algunos
golpes ahí. Eso estaba un poco demasiado amarillo en la parte superior ahí,
un poco demasiado fuerte. Así que he hecho un poco más de
calidez y mezclándolo. Estoy pensando en los
planos de la cara donde los pliegues y la estarían
los pliegues y la
curvatura del cráneo,
la cara, así que va a quedar un poco
más oscura debajo de las cejas, tal vez alguna sombra en
el puente de la nariz. Estoy eligiendo ir
un poco más rosada ahí. Por supuesto,
te estoy diciendo lo que estoy haciendo mientras estoy pintando porque estoy reaccionando al
pigmento de mi papel. Por ejemplo, me estoy
dejando caer mucho más rojo, algo de lisarina carmesí en la
mejilla ahí porque ahí suele ser donde hay un resplandor rojo
en la mejilla ahí y
le Pero estoy viendo la forma los pigmentos reaccionan
en el papel ahí, y me estoy adaptando a eso, y su pintura podría
ser un poco diferente. De igual manera, si volviera a pintar
esto varias veces, podría reaccionar de
manera diferente cada vez. Por lo
que las instrucciones que doy paso a paso podrían no
ser necesariamente tan relevantes. Entonces a veces pienso que
es más útil
hablar de los conceptos más grandes
o básicamente de la estrategia, el plan en lugar de directamente
lo que estoy pintando porque a veces puede
ser engañoso si tu pintura es demasiado clara u
demasiado oscura en comparación con la mía. No quisiera decir que estoy agregando más pigmento ahora
porque es demasiado ligero. Si el tuyo ya es lo suficientemente
bueno o
necesito quitarme algún
pigmento
porque está demasiado oscuro cuando otra vez, el tuyo ya es lo suficientemente claro. Entonces creo que debería hablar un poco
sobre las principales estrategias. De igual manera, si mi color, mis tonos de piel son un poco demasiado amarillos y quiero
agregar un poco más de calidez, a mejor los tuyos
ya están bien equilibrados. Entonces necesito hablar de
qué objetivos queremos con un tono de piel en lugar de referirme
directamente a
mi pieza porque a medida que adentramos
más en la pintura, naturalmente, la
pintura va a cambiar. Entonces necesitamos solo
un objetivo que sea independiente de mi resultado aquí para que también puedas usarlo
en futuras pinturas. Es un poco de sombra ya que se curva debajo de
la espinilla ahí, así que solo estoy mojando
un poco más de pigmento
8. Sombras claras: Así que en realidad he
secado completamente la pintura ahora, así que esa es la primera capa hecha. Entonces, antes de que sigas adelante, trata de igualar lo
que ves en pantalla ahora lo más cerca que puedas antes de entrar en
la segunda etapa. En la siguiente etapa,
no vamos a hacer un lavado completo sobre toda la
piel como acabamos de hacer. Vamos a
separarlo en diferentes secciones. Entonces empiezo con algunas
de las sombras cálidas en
el cuello. Área ahora. Se puede ver con
ese lavado de pasta, empezamos muy a la ligera, y esa es siempre
la forma en que trabajo. Siempre prefiero comenzar con suavidad. Quiero que la pintura se
abra poco a poco en
lugar de llegar demasiado duro o
demasiado rápido porque la acuarela, sobre todo en los retratos,
recompensa ese tipo de paciencia. La piel puede perder su frescura muy rápidamente si
la forzamos demasiado pronto. En el momento en que la pintura
se vuelve pesada al inicio, a menudo es difícil recuperar esa sensación
de luz delicada, esa suavidad
porque hay cambios sutiles ahí Sólo está el
lavado ligero, la primera capa. Entonces mi primer pensamiento suele ser sobre
proteger la luminosidad ¿Dónde está la
zona más ligera de la cara? ¿Dónde quiero que el blanco
del periódico permanezca activo? Se pueden ver las
zonas más ligeras alrededor de la nariz, el área de
los labios por encima de la barbilla Ese tipo de áreas. ¿Qué áreas solo necesitan la más leve
sugerencia para sentirse vivo No estoy tratando de modelar
cada plano en esta etapa, una base sobre la que
puedo construir. Y aquí es donde el médium está haciendo algo muy
especial por nosotros. acuarela nos da la
oportunidad de construir la piel a través capas
transparentes en
lugar de a través del grosor. Eso significa que el propio papel
participa en la pintura.
9. Extensión de las sombras hacia arriba: Así que voy a saltar
de un lado a otro entre mi estrategia general y lo que estoy haciendo específicamente mientras
estoy pintando en este momento. Así que solo pinté el área de sombra clara sobre el cuello para
darle un poco de forma, y los colores que estaba
usando en eso eran púrpura, violeta y ocre amarillo Y un poco de siena quemada, pero principalmente ocre amarillo y morado porque esos son colores
complementarios, y se
mezclan para crear una especie de gris neutro, yo no diría barro, pero agregan un tono sin que
sea demasiado fuerte y lo mantenga armonioso Es muy sutil.
Realmente no se puede detectar el morado ahí porque se mezcla
con el amarillo, y el amarillo se ve bastante
natural como tono de piel. Y luego hemos añadido
un poco de siena quemada
porque la sienna quemada es mi favorita personal
todos los pigmentos Para tonos de piel. Y estamos siguiendo ese
lavado hasta la línea de la mandíbula. Y luego se vuelve un poco
más fuerte a medida que llegamos al oído. Voy a usar un poco de
trampa y no pintarme la oreja. Voy a mantener
ese poco bastante abstraído en la sombra y
detrás del pelo un poco Así que de nuevo, estamos construyendo
usando capas de luz a la vez, y realmente
no hay tantas
sombras duras en este retrato. No tenemos oscuros fuertes. Entonces en estos primeros lavados, estoy pensando menos en los detalles
y más en la presencia Quiero que el retrato empiece a
respirar, por así decirlo. Quiero un ligero calor
en algunas de las sombras, un toque de estructura
alrededor de la mandíbula, tal vez un pequeño cambio alrededor del cuello a medida
que se curva alrededor. No quiero que se sienta
encerrado demasiado pronto. Una mentalidad útil
aquí es tratar los primeros lavados como un pequeño susurro para que comiences a poner marcha las
ruedas Están introduciendo el
cuadro y no terminándolo, así que no deberían
sentirse demasiado estresantes. Están ahí para simplemente
sugerir a dónde
van a ir las cosas después, y establecen
la temperatura, la suavidad y la dirección. No necesitan llevar
todo el retrato por su cuenta. Y la razón por la que me gusta romper todos los escalones
es que nunca debería haber realmente un punto en el que
todo se esté poniendo caótico
y bajo control Estamos tratando de
romperlo poco a poco. Solo estoy suavizando
algunos de los bordes de esta sombra en este momento.
10. Sombras alrededor del ojo: Pienso una de
las razones por las que los estudiantes y a veces a mí cuando me olvido porque muchas veces tengo que
recordarme esto. Una de las razones por las que nos sentimos ansiosos al inicio
de una pintura, particularmente un retrato, es porque pensamos que cada
trazo importa demasiado. Y claro, importa
de alguna manera. Pero las primeras capas no
necesitan resolverlo todo. Es solo una o
dos capas simples, y se permite que sea simple y está destinado a ser
incompleto a propósito. Y nos está animando o se permite dejar
preguntas para etapas posteriores. No tenemos que decidir
todo de una vez. Y en realidad, esa es una de las cosas más útiles para recordar con la
acuarela en general. No estamos pintando todas las
respuestas a la vez. Estamos construyendo hacia ellos, nos estamos dando
algo a lo que reaccionar, y estamos permitiendo que se
despliegue la pintura Ahí es donde
aprovechamos el medio. Así que todavía me quedo
bastante ligero. Y se puede ver que el
primer lavado en realidad está empezando a verse
mucho más claro ahora que estamos trabajando en algunos tonos medios ya que estamos trabajando en
esas sombras de cabello, las sombras de cabello que van hacia
arriba hacia el lado de la cara. Todavía no quiero
ir demasiado oscuro. Es mucho más fácil agregar fuerza después que sacar de nuevo toda
esa pesadez. Y la frescura es una de las
cosas más preciosas en acuarela. Y son estas primeras decisiones las que hacen mucho para
preservar esa energía. Incluso cuando estoy trabajando
en el ojo aquí, solo
estoy mirando
la forma general de la sombra y qué áreas de luz necesito proteger y cómo se
conectan todas entre sí. Entonces esto en realidad
todavía está técnicamente conectado a esas
suaves sombras de cuello que pintamos en la parte inferior, lugar
de una colección de características separadas, tratando de
vincularlas todas juntas. Especialmente con este tipo de vista de perfil, esta vista lateral, tratar de tener ese flujo pintar una vista lateral como
esta es una estrategia diferente, por
supuesto, que pintar
una vista frontal de la cara. Tenemos un retrato de frente. El espectador suele leer
primero los ojos o la simetría
entre las características. Pero en un perfil,
el contorno exterior, la frente, el
puente de la nariz, los labios, la barbilla, etcétera, hace mucho
más del trabajo Todo ese movimiento que
baja que
seguiremos refinando más adelante. Si ese ritmo externo funciona, entonces todos estos pequeños
detalles en realidad no tienen que ser tan significativos porque
en realidad no son el punto vocal. Ayuda también que el sujeto no nos esté mirando directamente. El retrato se siente
más reflexivo. Tiene un estado de ánimo más tranquilo
porque está mirando hacia abajo.
11. Sombras de barbilla: Hablemos un poco sobre la
estrategia de color
a la hora de seleccionar pigmentos y
colores para pintar retratos. Porque una vez que
tengas una idea general sobre
qué funciona o qué ruta recorrer, entonces te ayudará a tomar tus propias decisiones
con pinturas futuras, así
como si te sientes
un poco perdido en esta. Uno de los principales cambios que
realmente puede ayudar con
pintar la piel es
dejar de perseguir un
solo color carne y empezar a pensar más
en términos de temperatura. Porque la piel nunca es realmente
solo una mezcla plana. Está lleno de todos estos pequeños cambios
sutiles, pasajes
más cálidos, pasajes más
fríos, áreas que se sienten un poco sonrojadas
como la mejilla allí, colores que retroceden un poco y áreas que captan la luz de una manera
completamente diferente, dependiendo de la configuración
o la naturaleza de
la luz que está
brillando Entonces en un retrato como este, no me pregunto, ¿qué color de piel debo usar? Estoy preguntando, ¿dónde se siente caliente
la cara? ¿Dónde se siente más tranquilo? ¿Dónde
pasa la luz en un área más delgada? Porque a veces hay
pequeños capilares, aunque no veamos
el detalle de ellos, afecta la
composición general de la piel ¿Dónde se
vuelve más firme y fresca la estructura? Esa forma de pensar hace que
la pintura se sienta mucho más viva porque la piel obviamente tiene una
naturaleza transparente, así que no es solo una
especie de piel. La mejilla puede contener una especie de calor
hermoso que
le da vida y suavidad, especialmente en ese primer
lavado donde está mojado sobre
mojado y tiene esa agradable transición
suave Entonces la nariz puede moverse a través los rosas más cálidos y tal vez incluso colores tierra más suaves
dependiendo de la luz La mandíbula y el cuello pueden desplazarse ligeramente más fríos o al
menos neutros. Incluso las sombras pueden
contener algo de calidez si el retrato general necesita esa sensación porque generalmente
pensamos en las sombras como frescas. Si la carne misma es cálida, entonces para complementar que
usamos sombras frías, lo que hemos hecho un poco ahí En el cuello y la mandíbula, hemos usado ese morado,
pero alrededor del ojo, esas siguen siendo
sombras cálidas, en realidad. Entonces ese es el tipo de
decisión que puedes tomar. No es necesariamente
una regla estricta. Entonces, en lugar de mezclar un tono fijo y
usarlo en todas partes, prefiero dejar que la
piel se mueva y se adapte y no es estricto.
Es flexible.
12. Sombras del cuello: De hecho, aquí hemos pintado la
mayoría de las sombras. Por supuesto,
todavía tenemos la nariz, los labios, y uno de
los ojos para pintar. Pero el trabajo de sombra
se realiza principalmente, solo un poco más ajustándose, solo un trazo de marrón ahí, un tono similar a
esa cálida sombra arriba alrededor del ojo. Porque necesito enfatizar un poco más
esta curva. Se puede ver que hasta ahora no
es realista en absoluto. No está destinado a ser
súper realismo en absoluto. En realidad es bastante abstracto. Por lo que solo necesitamos algunos detalles para anclar la pintura y dar esa ilusión
de detalle completo. Estoy como que estoy usando
los pigmentos que ya
tengo en mi paleta. Me gusta pensar estos colores como una especie
de pequeña familia de tonalidades en lugar de usar toda o cada una de
las
colecciones de pintura que tengo Yo solo unos rojos cálidos, un amarillo o un amarillo tierra, siena
quemada, como dije, gran parte de este trabajo de sombra es solo pura
siena quemada, A lo mejor algunas notas más frías. Todavía no he usado ningún azul, solo morado, pero puedes
jugar con eso. La razón por la que
en realidad no he usado ningún azul es porque voy a estar usando mucho azul
en su cabello más adelante. Entonces tengo ese
contraste con el que jugar. Pero aparte de
eso, ya basta. Lo que importa es no
tener infinitas opciones. Lo que realmente importa es cómo se equilibran
esos colores. Como mencioné antes, creo que la temperatura es una
de las grandes maneras de dar vida a un retrato para
sentirse expresivo y real. A veces un retrato puede ser
técnicamente bien ejecutado, pero la piel
aún puede sentir vida
porque todo ha
sido tratado de manera demasiado uniforme. Entonces, una vez que comenzamos a
introducir calidez y frescor dentro de
la pintura, el rostro comienza a
sentirse un poco más humano Solo usando un poco de sensibilidad alrededor de esos
contrastes entre frío y cálido
13. Sombras de nariz: Podría haber algunas
pinturas que piden exagerar los contrastes A lo mejor ese es tu tipo de estilo. Se quiere una pintura más fuerte, más profundamente expresiva en lugar de una más tranquila Yo diría que esta pintura es un poco
más silenciosa en su expresión. No estoy exagerando realmente el contraste por el bien de ello. Estoy tratando de estar un poco más alerta o consciente de la sutileza Algunos otros retratos,
las clases obviamente son mucho ruidosas y piden
más atención Pero aquí, por ejemplo, tal vez una pequeña nota cálida cerca de
la mejilla pueda hacer tanto Es un detalle muy sutil
o una sombra más fresca alrededor la sien puede hacer que la calidez a su lado se
sienta más luminosa. Y luego partes la
pintura interactúan o tienen algún tipo de relación
con la otra parte. Se siente un poco más
armonioso porque cada área influye en la siguiente. Entonces, si quieres que la piel
se sienta más viva, la respuesta muchas veces
no es más detalle. A menudo es más sensibilidad o experimentación con la
temperatura del color. Eso es lo que le da a la piel
su variación y su delicadeza y
su movimiento interior Al pintar áreas
como la nariz, por ejemplo, esta pequeña
zona de sombra debajo de la nariz, pienso en ello como una forma
completa para empezar, en lugar de una mezcla de
diferentes tonos, por así decirlo. Entonces todo es una forma plana, y luego poco a poco construyo
sobre ella y la defino. Entonces pienso en ello como un avión
más que como una característica. Entonces es casi como una zona
plana debajo de la nariz. Porque en el momento en que comenzamos
a enfocarnos demasiado de la idea de una nariz
o un ojo o una boca, podemos comenzar a tratarlos como objetos
separados pegados en
el rostro cuando en realidad,
todo el rostro está
realmente conectado a través de un conjunto de planos que giran a
través de la luz y la sombra
14. Calentar el cachete: Pensando en la luz, la sombra y el ángulo de los
diferentes planos, las diferentes secciones
son particularmente útiles en un
perfil lateral como este. Por supuesto, es útil
con cada retrato, pero específicamente para esto
porque la frente, la nariz, el labio superior, el labio
inferior, la barbilla, la mandíbula, todos forman parte
de una estructura cambiante. La luz se mueve a través esos planos de diferentes maneras, pesar de que es la
misma fuente de luz. Y nuestro trabajo es observar
dónde ocurre ese giro, dónde es gradual o dónde es repentino y cómo
cambian los valores como resultado. Por eso tienes algunas líneas duras y algunas
líneas suaves donde es repentino, vas a conseguir una
línea dura como la zona de la nariz, donde es gradual,
va a ser suave como la parte inferior de la
barbilla o incluso la mejilla Entonces cuando pinto la
nariz, como acabamos de hacer, no estoy pensando solo en las fosas nasales y los contornos Eso es lo último en
lo que pienso. Añado eso al final. Todavía no he pintado los profundos oscurecidos de
las fosas nasales Estoy pensando en cómo el
puente capta la luz. Y a su vez, cómo los planos laterales se ven afectados por la
sombra o la luz, cómo la parte inferior se
mete en sombra, y si las transiciones
son agudas o suaves Y muy a menudo, lo
que hace que una nariz se sienta convincente no son todos esos montones de pequeños detalles, sino que es la
relación entre solo unos pocos planos y bordes cuidadosamente
juzgados Y entonces esa fosa nasal es sólo
una línea gruesa, ondulada Y después de la práctica
y
la repetición, claro, no
se puede esperar que nadie aprenda esto todo en una o dos va. Pero la práctica repetida
a través de la memoria muscular, como
que reconoces formas
similares, planos similares porque lo
más probable
es que la luz venga de arriba hacia abajo, así que todas las narices tendrán este tipo de plano
debajo y el puente Entonces se aprende.
15. Cómo pintar los labios: Y lo mismo
ocurre con la boca, que ya vamos a
empezar a pintar. Estoy usando rosa ópera
en realidad para esto porque me gusta la
vitalidad de la misma, y de nuevo, eso no es esencial Solo puedes usar un
sarín carmesí o ir por un
color más natural si Pero incluso al pintar labios, los labios pueden verse mal muy rápidamente si pensamos en ellos como formas
coloreadas con
una línea alrededor de ellos. Pero si pensamos
en cambio en el volumen, cómo el plano superior
se aleja de la luz, y el plano inferior más lleno
atrapa más la luz, y las esquinas se asientan Como que succionaban
a la sombra. Entonces tienes los
oscuros lotes de sombras en las
comisuras de la boca. Entonces la boca en realidad se siente más integrada en el rostro. Y como decía antes, aunque vayamos más allá de
las características principales, cada área de la cara tiene
algún tipo de plano, algún tipo de relación con
la luz y la sombra. Hasta la mejilla es realmente un lugar de
encuentro de estos aviones. El rubor suave o
un cambio cálido pueden hacer mucho porque se asienta
sobre una amplia superficie de giro La puerta, especialmente
en perfil como este, puede ser tan elegante cuando
se maneja como una especie de cambio gradual en
lugar de una forma recortada. Esta forma de pensar también
nos ayuda a prevenir sobre la pintura. Si sé que el espectador solo necesita
realmente unos pocos
planos declarados con claridad, entonces no siento la necesidad de
explicar cada pequeña cosa. Puedo ser selectivo, y puedo dejar que la pintura
sugiera el resto. Y eso es importante
porque uno de los mayores peligros en retrato y muchas
veces muchas pinturas de diferentes temas, tenemos tanto miedo de equivocarnos de
algo que
seguimos agregando más información
para compensar Pero demasiada información
no es lo mismo que claridad. Entonces, una de las formas en que
trato de evitar eso es
volver siempre a esa pregunta. ¿Dónde está girando el avión? ¿Es un giro fuerte
o uno suave? ¿Necesita un borde duro o
blando o una transición? Ese tipo de pensamiento mantiene
la pintura fundamentada en
forma en lugar de símbolos que simplemente se pegan como
una nariz, un ojo o una mejilla
16. Cabello del lado derecho: Ahora, antes de pintar el área de
sombra del ojo derecho, el ojo detrás de la nariz, solo
voy a pintar
un poco del cabello
porque no quiero mover el porque no quiero ojo después
de que ya lo haya pintado, teniendo que pintar el cabello en la parte superior,
mientras que en realidad va por debajo del ojo en
términos de perspectiva Estoy mezclando mi propio
gris ahí solo porque había marrón en
esta parte de la paleta, lugar de limpiarlo, solo
estoy usando el azul para neutralizarlo y
hacer mi propio gris, pero puedes usar
fácilmente negro, tinte
neutro o el tono
que quieras Quiero lograr una marca de
pincel seco para que
veas que no es un cepillo muy húmedo. Estoy usando un pañuelo para
aplicarlo y mi esponja también para que cuando roza contra la
textura del papel,
el diente del papel, logre ese efecto de pincel seco Y entonces puedo
ablandarlo un poco si quiero con un poco de agua en
mi cepillo después de eso Usando pinceladas rápidas,
siento que ayuda un poco mejor al
flujo Si voy despacio, están un poco dentadas y no son
tan suaves y dobladas No están fluyendo como lo hace
el cabello naturalmente. Y en realidad sigo
manteniendo intacta el área de los ojos. Añadiendo un poco de
calidez ahí también. Mira, no estoy pensando en el cabello como cientos de trazos
diferentes, así que estoy sugiriendo el cabello, solo usando la
textura del papel. Hay un pequeño mechón
bajando por esa sección de pelo, y en su mayor parte, me voy a
quedar con ese lápiz y nadie sabrá
la diferencia. Pero voy a usar la punta de mi pincel solo para
enfatizarlo un poco y otra vez, tratar de lograr una marca de pincel
seco. Si encuentras que no estás
logrando marcas de pincel seco. Significa que tu
pigmento obviamente está demasiado diluido o que tu cepillo
está demasiado lleno de agua, así que tienes que conseguir
un pañuelo y
simplemente aplicarlo y experimentar Es más fácil secar el
pincel más de lo que
piensas en lugar de tener
accidentalmente una marca de pincel sólida cuando quieres lograr un pincel
seco, es decir. Ahora estamos empezando
a trabajar en el ojo, y es la misma mezcla de sienna quemada, ligeramente caliente de
siena quemada que he hecho para que esté en armonía con el resto del tipo de tonos
de sombra que tengo Y aunque el
ojo es menos frontal, en perspectiva en este
tipo de vista lateral, sigue siendo una de las zonas
más sensibles de un retrato porque los ojos captan la atención de
forma natural. Por el momento,
parece que los ojos están cerrados, pero creo que voy a sugerir
que estén abiertos más tarde, pero porque están en la sombra, voy a ser un
poco más esquivo Generalmente, cuando estoy
pintando cosas, ya sea un retrato
o una escena callejera, y pienso que en una sombra, me mantengo mojada sobre transiciones húmedas y
suaves, y creo que eso es
a la luz directa, me mantengo bastante duro. Generalmente. Y porque
estos ojos están en la sombra, voy a estar un poco
más suelto con ellos. Pero aun así, un pequeño cambio aquí o allá puede
cambiar la expresión, no necesariamente de mala manera. Por eso todas estas
pinturas van a ser únicas y por eso disfruto pintando retratos porque
realmente no sabes qué expresión va
a surgir
específicamente hasta que la
hayas logrado. Eso es lo emocionante para mí. Pequeños cambios
aquí y allá pueden afectar todo eso,
incluso la edad, el estado de ánimo o la
elegancia de la cara.
17. Pintar el ojo: Entonces, aunque puede
ocupar menos espacio, las áreas de los ojos que en un retrato
frontal, todavía
merece
mucha atención, especialmente también las cejas. Son muy expresivos, a
pesar de que
básicamente son dos líneas simples. En un perfil como
este, una vista lateral, uno de los ojos está parcialmente
oculto, por supuesto, por el ángulo, lo que en realidad puede ser muy útil por muchas
razones, en realidad, porque significa que no necesitamos explicarlo demasiado
porque está fuera de la vista, pero tampoco estamos lidiando con ambos ojos y
su simetría completa juntos y todas
las complicaciones que puedan surgir
con una mirada directa. En cambio, podemos trabajar con
un ojo más discreto. El de la izquierda puede
contribuir al estado de ánimo. En lugar de dominarlo. Los ojos no son necesariamente la parte más fuerte de
esta pintura porque van a ser bastante
suaves y subestimada Pero las cejas,
aunque sean simples, son una característica importante. Porque enmarcan el ojo. También ayuda a establecer
el ritmo de la frente y el
puente de la nariz. En este retrato,
la ceja tiene una especie de simplicidad a la misma. Necesita la fuerza suficiente
para mantener su lugar, pero no tanto como para que
se vuelva pesado. Quiero que la ceja
se sienta intencional, pero aún lo suficientemente suave como para
adaptarse al retrato general. Entonces el ojo mismo se vuelve más sobre forma y
valor que detalle, igual que todas las otras formas y secciones que hemos pintado. Pienso en el peso
del párpado superior, la suavidad debajo de él, la sombra dentro del zócalo, y la delicada,
muy delicada y sutil indicación de las pestañas y las sombras de esas pestañas De hecho, las sombras de
las pestañas son más
pronunciadas que las propias pestañas porque las sombras las pestañas
están en sombras, así que las he hecho un poco más suaves, y estoy usando la sombra
de las pestañas para
definir y transmitir realmente cómo El blanco de los
ojos es, por supuesto, nunca realmente blanco, sobre todo no cuando están en la
sombra así. Pero no sólo voy a
pintarlas de gris porque se ven afectadas por
el color circundante. Por el calor o
frescor de la cara. Yo iba a mantenerlos ese mismo tipo de color
sombrío que el resto para que se sintiera un poco
más integrado que aislado Y esa es una de
las formas más fáciles de
hacer que un ojo se sienta natural, no para hacer que la
parte más ligera sea demasiado brillante demasiado pronto, sino permitiendo que
pertenezca al rostro Creo que el ojo en esta vista de perfil es un lugar maravilloso para
practicar la moderación, en realidad, porque sería muy fácil
sobredfinir esta zona
18. La importancia de los valores: Ahora voy a aplicar
algunas sombras más oscuras debajo del
cuello y el mentón, básicamente, en el tipo de área del
hombro. Incluso en un retrato donde el color se siente como el aspecto más
importante, valor sigue haciendo
mucho de todo el trabajo pesado porque el valor nos dice dónde está la luz donde la estructura
es más fuerte y dónde se separan
las formas. Los valores también unifican formas así
como establecen jerarquía donde quieres que estén
tus áreas focales Realmente solo una manera de
decir donde la pintura quiere que el espectador mire primero o segundo, y luego tercero. El principal contraste tonal
en esta pintura será realidad el pelo oscuro
y la cara más clara Esa será la relación de
valor más clara. Ese contraste inmediatamente
trae el rostro hacia adelante, y le da a la piel
una cualidad luminosa porque está sentada al lado de
algo mucho, mucho más pesado. Por eso en particular quise usar un negro
tan fuerte más adelante
en la pintura. Y esa es una de las cosas
más útiles que podemos hacer en el retrato, apoyar pasajes más ligeros con formas
circundantes más fuertes. Si estuvieras pintando
a alguien de pelo rubio, necesitaríamos
oscurecer el fondo, no tener un fondo blanco para aumentar
realmente el
contraste de eso Dentro de la cara, sin embargo, los valores siguen siendo un
poco más sobrios, pesar de que se ven
bastante contrastados en este momento entre las luces
y los oscuros de los ojos
19. Capa inferior del cabello expresiva: Ahora vamos a empezar a
pintar el cabello, e incluso con el pelo, vamos a descomponerlo
y convertirlo en un paso divertido, expresivo en la pintura. Entonces solo voy a mezclar
algunos colores para empezar, usando ocre amarillo y siena
quemada y alrededor de la zona de la oreja, voy a mezclar el
mismo tono que la sombra en la cara, esa sombra cálida para que transición hacia
el cabello porque gran parte del cabello
va a ser de un color fresco y no estoy siendo limpia De hecho, tratando de
ser muy rudo con mis formas para intentar
crear mucha energía en este cabello ya que al
crear mucha expresión y texturas emocionantes
en el cabello, hacemos que los detalles en
la cara se vean aún más nítidos
y sofisticados Así que en realidad no estoy
siguiendo ninguna estrategia. Estoy tratando de pensar en
crear trazos fluidos, tal vez algunos ritmos pasando ahí para que el ojo
pueda seguir alrededor Pero básicamente, por
el momento, todo estará encubierto. Esto solo va
a ser una capa inferior que permita que pase un poco de
brillo También estoy deseando
lograr muchas marcas de pincel
seco para
esta capa inferior Entonces no va a ser un lavado
plano, mucha textura. Ahora estoy usando un cepillo más grande, un cepillo de fregona porque eso me
ayuda a lograr pinceladas
más amplias , claro, porque es más grande. Y mientras estamos en
ello, voy a agregar algunas de estas marcas de pincel seco a donde estará la ropa. Ahora, algunos violetas o morados.
Al lado de ese azul. Cuando se trata de
pintar un retrato, incluso
antes de ir a mi cuaderno de bocetos para elaborar
una composición,
necesito algo de visión, algún tipo de elemento clave que sea la fuerza impulsora
de la pintura
antes de que todo lo
demás esté resuelto En realidad, el punto de partida para todo este
retrato fue la idea de colores fríos en el cabello y calidez
en los tonos de piel Yo quería que hubiera tonos de pelo azulado
violáceo. Y luego de alguna manera complementar eso también en los tonos de piel. Entonces la relación entre
cálido y genial para mí es el objetivo
o resultado más importante que quería
lograr en este retrato. La piel se siente cálida, delicada y suavemente iluminada, mientras que el cabello
sostiene estas notas negras azules
más frías y profundas, notas negras azules
más frías y profundas, y esa relación
está haciendo una gran cantidad de trabajo tanto emocional
como estructuralmente
20. Cómo agregar tonos fríos: La temperatura del color va
más allá de los tonos carne
que pintamos antes. Es una herramienta tan poderosa en toda la composición, ya sea retrato o escenas de
ciudad o lo que sea que
estés pintando siguen vivas porque puede describir la forma y el estado de ánimo
al mismo tiempo Una mejilla cálida se siente viva, y una sombra más fresca o un mechón de
cabello más fresco pueden crear profundidad Una masa negra o una masa de cabello azul y
morada pueden hacer que el rostro se sienta más
luminoso, más brillante La temperatura de color no se trata solo realismo porque el cabello azul, bueno, obviamente puedes tener el pelo
azul y aún así
hacerlo realista. Pero el azul en esta
circunstancia se
trata más de impulsar la energía
y la atmósfera. En este retrato, los
enfriamientos en el cabello le
crean un drama tranquilo, que suena algo
contradictorio, un drama tranquilo Porque, por supuesto, los colores cálidos se sienten más vivos y activos y los colores fríos parecen
un poco más tenues Entonces la temperatura del
color será calmante, pero la expresividad del mismo
será muy abstracta,
como puedes ver, usando muchas marcas abstractas, bastante desordenadas,
y tratando a propósito
de crear áreas de fealdad, por así decirlo, pero la expresividad del mismo
será muy abstracta,
como puedes ver, usando muchas marcas abstractas, bastante desordenadas,
y tratando a propósito
de
crear áreas de fealdad, por así decirlo,
abstracción. Algunos trozos blandos, algunos trozos
duros, tendidos, bordes
feos, tratando
a propósito de crear esas marcas de floración
o coliflor Me siento fuera de control en esta sección
y eso es intencional. Estoy tratando de que se sienta ambiciosa porque transmite
un sentimiento de confianza, aunque no
sienta que tengo el control, personalmente
estoy perdiendo el control
en este momento porque realidad transmite un sentimiento
de fuerza y confianza, aunque eso no es
lo que realmente Es una ilusión porque estamos siendo desordenados, parece valiente Pero sólo
porque contrasta con la zona más detallada de la cara donde hemos
tenido más control Trabajan juntos
en realidad porque sin estos oscuros fríos, el retrato
se sentiría mucho más ligero y tal vez un poco
menos anclado también Pero sin la piel cálida, los oscuros pueden sentirse demasiado pesados y definitivamente se
sentirán demasiado abstractos. Es la relación y la conversación entre ellos lo
que hace que todo funcione. Necesitas esta sección abstracta con la sección más refinada. Para mantener la paleta limitada
y también en armonía, la ropa
recogerá algunas de estas notas más frescas también
sin ser demasiado definidas. cierto, hemos estado agregando un poco
de turquesa, ahora, otro color genial. Entonces tenemos azules,
morados y verdes. Turqueses o vidianos. Puedes usar viridian
si quieres.
21. Cómo pintar la ropa: Esto es algo muy útil en
lo que
pensar con
las clases de retrato en general. Pero nuevamente, se relaciona con todos los temas
diferentes porque
tantas veces la
gente siente curiosidad
por saber por qué tomo mis decisiones o quieren ver
una foto de referencia donde en realidad tengo cientos de fotos de
referencia diferentes. Esta no es una
referencia específica que esté copiando. No es como si estuviera mirando una cara y tratando de igualarla. He hecho bocetos, he intentado
elaborar un plan de luz, un plan de
sombras, y no son esas cosas las que
llevan mi decisión Entonces algo que te puede
ayudar en el futuro es en lugar de preguntar de
qué color es algo, puede ser más útil preguntar ¿qué
papel de temperatura está jugando? Pienso en términos de temperatura más que colores específicos. ¿Esta zona está calentando la
pintura o enfriándola? ¿Está apoyando
el punto focal o retrocediendo o conectando
un pasaje a otro? Ese tipo de pensamiento
ayuda a que el color se sienta mucho más intencional porque dejamos elegir colores solo
porque parecen coincidir. Empezamos a
elegirlos porque
apoyan el estado de
ánimo y el diseño más amplios. Y nuevamente, eso se puede cambiar a lo largo de una pintura porque acuarela es impredecible. A lo mejor estás mezclando un color y viene demasiado fuerte
en una dirección diferente. Entonces en tu pintura personal o mi variación de una pintura, toma una raíz diferente. Por lo que hay que ser
adaptable con él. Esa es una de las
razones por las que un retrato puede parecer más convincente incluso cuando en
realidad no es literal o
realista en color. No sólo estamos
pintando la superficie, estamos pintando las
relaciones. Una nota fresca junto a
una cálida cambia a ambas. O un área apagada, una que esté desaturada, puede hacer que un
área saturada realmente cante La ropa que
estoy pintando ahora, estoy tratando de conseguir
un tipo de
color fangoso , un color fangoso y fresco Entonces estoy empezando
con este verde y luego repasando
con este azul. No quiero que
sea vibrante en absoluto. Y la razón es por tener
estas ropas apagadas, agrega ese resplandor de la cara Entonces el cabello, esa masa fresca y
oscura realmente levanta una cara
pálida en claridad. El color en este retrato no
se trata realmente de copiar. Se trata más de diseño
u orquestación. Lo que trato de lograr
en mis retratos o el tipo de retratos a los
que apunto son aquellos que nos den
la oportunidad de trabajar tanto con audacia como con sensibilidad
al mismo tiempo Por lo general el rostro pide esa definición,
un poco más de cuidado. Las características quieren más precisión y las proporciones, por
supuesto, importan. Pero por suerte, puedes usar la plantilla para
ayudarte con eso. Los bordes también importan. Y, por supuesto, el
timing con acuarela. Pero entonces todo alrededor de eso, todavía
hay mucho
espacio para la sugerencia, la
abstracción, la suavidad y la pincelada
expresiva De hecho, espacialmente, la mayor parte de la pintura es
expresiva y abstracta Entonces la pintura es
algo más que semejanza. No estoy apuntando a la
semejanza, en realidad. Comienza a llevar el estado de ánimo. Eso es a lo que estoy apuntando, y podría
parecer una persona
completamente diferente.
22. Comienza con los tonos oscuros de cabello: Ahora ya hemos hecho la expresiva
base del cabello. Es hora de volver con los pigmentos negros oscuros
profundos. Y estoy empezando con las pequeñas hebras que
están saliendo por los costados, y luego me abriré
camino después. Estoy tratando de lograr
una marca de pincel seco, y ahora estoy usando un pincel ligeramente
pequeño, y volviendo a
mi pincel sintético con una buena punta y
estos pequeños trozos tenues Sólo quería añadir a esa
sensación de flujo y movimiento. Cuando se trata de cabello,
es una de esas áreas donde es muy fácil
perderse en detalle. Vemos todos los pequeños hilos, todos los pequeños giros diminutos, tal vez las pequeñas
formas voladoras que estamos agregando ahora, y nos sentimos tentados de
capturarlos o transmitirlos uno por uno Pero por lo general, eso es exactamente lo hace que el cabello pintado
parezca menos convincente. Cuanto más persigamos cada hebra, más probabilidades hay de que el
cabello se vuelva entrometido o plano o se explique demasiado Por lo que casi siempre,
empiezo pensando en
el cabello como una masa. ¿Cuál es la forma general de la misma? ¿Dónde está la oscuridad principal? ¿Dónde está también
el movimiento principal? Cuál es la dirección
del cabello que fluye. ¿Y dónde están las divisiones
más grandes antes de siquiera
pensar en las más pequeñas? Porque en estos momentos es bastante
caótico. Así que a menudo, a pesar de que
estamos pintando de
una manera muy abstracta,
paso más tiempo
pensando en una manera muy abstracta, cómo
darle sentido al cabello que en
las características de la cara, no porque estemos
pintando más detalles, sino porque estoy tratando pintar algo abstracto de una
manera que tenga sentido. El pelo en este retrato y mayoría de los retratos es un
gran elemento de diseño. No es sólo un
accesorio para la cara. Por lo general, funciona como
una especie de marco. Proporciona el rango de valor
más oscuro en la pintura es donde vendrán nuestros negros
más profundos Y como decía antes, nos
da un blues fresco contra
el calor de la piel. Por lo que le da a la composición
peso y contraste. Por el momento, solo estoy
bloqueando algunas de las áreas muy oscuras, y luego averiguaré
cómo conectarlas más tarde, cómo hacer que
fluyan sin problemas. Por lo que no hay muchos
bordes blandos en este momento. Solo estoy usando pigmento
muy grueso y pegándolo básicamente Logrando tengo que restregarlo
a veces como lo estoy ahora. También quiero algunas secciones de cepillo seco. Entonces no es suave.
23. Pincel en seco: Porque quiero que ese
azul pase. Entonces, si es un lavado muy diluido, todavía lo va a gris. Pero al menos con el pincel seco, realidad son los huecos en el pigmento los que
permiten que ese azulado, esa vitalidad llegue a través Entonces, aunque esa
textura en realidad no existe en la vida real, nos permite tener un negro más
colorido, por así decirlo. Y va a haber
mucho dar y tomar y
empujar y tirar porque voy a crear bordes duros y luego suavizarlos
o voy a pintar de
negro y luego tengo que
fregar un poco solo hasta que se sienta
bien porque básicamente, estoy usando mi imaginación
para intentar que funcione bien para probarlo y jugar mientras en realidad lo
estoy haciendo Pero hasta esa etapa,
por el momento, solo
estamos usando marcas de pincel seco muy
gruesas. Entonces podemos
reactivarlo después con agua
pura Así que
aunque es bastante difícil de ver porque está tan texturizado
con las marcas de pincel seco, básicamente
está
esta gran curvatura bajando en el
costado de la cara, y estoy empezando a
definirla un poco más ahora que los pigmentos se diluyen
un poco más, tratando de trabajar no
necesariamente los hilos, agua
pura Así que
aunque es bastante difícil de ver
porque está tan texturizado
con las marcas de pincel seco, básicamente
está
esta gran curvatura
bajando en el
costado de la cara,
y estoy empezando a
definirla un poco más ahora
que los pigmentos se diluyen
un poco más,
tratando de trabajar no
necesariamente los hilos,
sino solo el
flujo general para trabajar. Ahora estoy siendo un poco
más selectivo. Desde luego no quiero
ser literal con cada línea. Solo estoy pensando en
términos de formas más grandes. Más como una escultura que
una verdadera cabellera real, una masa sólida básicamente
por el momento. Nuevamente, no
quería pintarme la oreja, así que voy a abstraer eso con esta sombra
marrón oscuro básicamente. A lo mejor podamos implicar un
poco de oído más adelante. Y tener esa mezcla con
los negros oscuros a medida que avanzamos unas hebras bien elegidas a menudo hacen mucho
más que cientos de pintadas
uniformemente porque el espectador lee la sugerencia
y rellena el resto Entonces, aunque parezca muy
incompleto en este momento, una vez que lo conectemos todo, permitiremos que el agua y
el pigmento se
entremezclen y hagan muchos de
los detalles esquivos por Por supuesto, también tenemos que
pensar en la luz, cómo la luz está
captando la parte superior del
cabello más que en la parte inferior, por lo que estas áreas oscuras
debajo pueden ser mucho más oscuras Es interesante cómo a veces
las partes más abstractas pueden ser más difíciles de
acertar que las partes
detalladas. El cabello puede mantener tanto
suavidad como textura, por lo que está tratando de encontrar ese equilibrio porque
algunos pasajes,
no mechones, sino curvas de
cabello pueden permanecer anchas y atmosféricas mientras que otros se pueden afilar más tarde con esa marca de pincel
seco nuevamente, o incluso acentos más oscuros Entonces es la variedad,
lo que le da vida. Entonces, comenzamos con esa capa inferior que era
muy expresiva y
básicamente vamos poco a poco alejándonos
poco a poco, tratando de tener un poco más de sentido, pero no tanto que
perdamos toda esa expresión Entonces hay una
llamada de juicio o un punto óptimo cuando estamos empezando a quitar estas marcas texturizadas usando
agua para ablandarlas.
24. Mezcla el cabello: En esta etapa entonces,
sigo
preguntándome si sigo
pensando en masas. Si dejo de pensar en masas y solo empiezo en pequeñas hebras, ese suele ser el
momento en el que necesito
dar un paso atrás o reconsiderar Definitivamente quiero dejar ahí
este pequeño borde azul. De hecho, estoy pintando
la sombra en la cara un poco más usando morado como una especie de resaltado, usando ese
azul claro como resaltado. Porque es realmente en ese punto con el
azulado del cabello, tocando el calor de la piel donde hay un gran
contraste en la temperatura Aquí es donde la jerarquía
se vuelve muy importante porque no todos los contrastes
necesitan ser iguales El mayor contraste podría sentarse entre el
cabello y la cara, y luego podría haber contrastes
más pequeños que se sientan
alrededor de los labios y los ojos, y luego la ropa
puede quedarse callada No quiero idealmente, no quiero
que nadie
mire la ropa,
solo pinte lo suficiente solo
para que tenga sentido, pero definitivamente no es
el punto focal en absoluto. Todavía, por supuesto,
contiene color y movimiento, pero sigue siendo secundaria
porque los
contrastes de valor no están tratando de
rivalizar con la cara Es un tipo de elemento
de tono muy medio de la pintura. Por lo que debería apoyar el
retrato sin gritar. Y eso es otra vez, por qué
los valores importan mucho y por qué cuando practico para
clases y trabajo mis composiciones e incluso práctica
diaria en
mis cuadernos de bocetos, solo pinto en Tengo una variedad de
pequeñas tintas monocromáticas divertidas que practico solo
resolviendo las relaciones tonales de las cosas Por cierto, esta pequeña
hebra que agregué, una pequeña hebra circular
bajando y pasando por la oreja, es una parte bastante llamativa. Es solo un solo trazo, pero por alguna razón, cada vez que reviso una composición, le tiene una nitidez, tal vez porque también es pincel
seco que solo ayuda con el
flujo de la pintura Entonces esa es la razón por la que el
diseño de valor importa tanto. No solo se trata de realismo, también
se trata de
énfasis porque le dice al espectador
lo que importa y le da un camino al ojo porque como asentiría antes,
los tonos de piel son
muy adaptables y es una paleta bastante
limitada Así que podemos
resolverlo de manera bastante
espontánea a medida que avanzamos Entonces mientras estoy pintando, no sólo
me pregunto si cierta forma es correcta o si el color en sí,
el matiz es correcto. También me pregunto si
es demasiado fuerte o demasiado débil en relación con el
resto del retrato. Porque un retrato nunca es solo una colección
de partes correctas, por
supuesto, tiene que funcionar
como un todo visual. Solo estoy agregando algunos mechones de
pelo
más tenues en la parte posterior
del cuello aquí Nuevamente, no pintar
hebras individuales, solo generalizar Y ahora los tonos profundos
del cabello están pintados en, puede ver lo clara que realmente se ve la
piel ahora. Recuerden que dije
al principio cómo los tonos se verían
demasiado oscuros inicialmente, pero ahora se
contrastan con el cabello, contextualmente
tienen
más Entonces, cuando se trata de
pintar esto tú mismo, asegúrate de compensar
pintando más oscuro de
lo que piensas. Bien.
25. Cómo lograr que se destaque: Una de las
partes más duras de una pintura, por
supuesto, es saber
cuándo está terminada. No terminado en una especie de sentido
absoluto porque las pinturas casi siempre se
pueden
ajustar de alguna manera, pero terminadas en el sentido de que ya
están diciendo
lo que necesitan decir. Y eso puede ser
especialmente difícil en retratos porque lo que está en
juego se siente bastante alto. Todavía
queda tanto por decir aparentemente, pero ¿está el mensaje al otro lado? Vemos cada cosita. Notamos cada
pequeña asimetría, cada borde o cambio de valor Entonces hay mucha tentación
de
seguir refinando y corrigiendo, esperando algún estado final
perfecto. Pero a menudo un retrato alcanza su momento más fuerte antes de
que realmente nos demos cuenta. Y si seguimos empujando
más allá de ese momento, empezamos a perder la frescura que le dio vida
en primer lugar. Entonces cuando llego hacia el final, cambio las preguntas
que me estoy haciendo. En lugar de preguntar,
¿qué más puedo agregar? Pregunto, ¿Qué es lo que en realidad
aún necesita atención? ¿Dónde el
retrato todavía se siente sin resolver
de una manera algo significativa ¿O qué distrae? ¿Hay algún elemento que
acabas de llamar la atención que no
debería o qué
falta estructuralmente ¿Hay acentos finales?
Eso es lo que estoy haciendo ahora. Estoy agregando estos
pequeños acentos al cabello porque
el cabello
sigue siendo una pieza muy abstracta, pero estos pequeños reflejos
tenues simplemente
lo contextualizan un Esas son algunas preguntas de mejor acabado por las que
puedes pasar. A veces la respuesta
es solo una ventaja, suavizándola o endureciéndola. A veces una nota un poco
más profunda en el cabello, o a veces la boca necesita un poco más de
integración al rostro. Y a veces no necesita
casi nada en absoluto, y te desconectas de
él por unos días, y
te das cuenta de que en realidad no ves esos temas
que viste antes, y te alegra que lo hayas dejado
solo, es
lo que es, y puedes llevar lo que aprendiste
al siguiente lugar. Trato de preservar la
diferencia entre las áreas principales y las de apoyo
justo al final. La cara puede recibir algunos acentos
finales cuidadosos, y el cabello puede obtener una o dos líneas más fuertes
o pasajes más profundos, o la ropa puede necesitar
un poco de ablandamiento o un toque ligero solo
para mantenerlo conectado, pero no todas las áreas merecen la misma atención
o nivel de detalle. Y es ese tipo de moderación que a menudo hace que una
pintura se sienta segura. Simplemente salpicé agua pura
principalmente alrededor del área de la oreja, pero también espontáneamente
alrededor del cabello, y dejé que lo absorbiera
y reactivara la pintura, y luego solo uso un
pañuelo solo para frotarlo rápidamente para abstraer
esa zona y otra vez, darle un poco Hay algo en
estas salpicaduras que le dan esta ilusión de detalle o
no le agregan más detalles, pero como que se deshace de
la necesidad de agregar Es amable se siente como una
excusa para no poner en detalle, pero no en una
especie de trampa, sino de una manera intrigante Algunos de los acentos que he
agregado son un poco demasiado fuertes, así que solo estoy suavizando, y normalmente lo último no
es agregar sino suavizar.
26. Reflexiones finales: Bienvenido de nuevo. Y
enhorabuena por completar esta clase de
pintura retrato en acuarela. En este estudio, analizamos
cómo el estado de ánimo puede provenir de la forma, espaciado y los detalles selectivos tanto
como de
la propia semejanza El perfil nos dio una estructura
fuerte y elegante, mientras que el tratamiento suelto
del cabello y la ropa mantuvo la sensación de pintura
viva y contemporánea. También exploramos cómo la oscuridad
y la luz trabajan juntas, no solo para modelar la forma, sino para guiar la atención
y crear atmósfera. Recuerda, la acuarela
no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo
personal. Te animo a que sigas
explorando, experimentando y superando tus
límites para crear tus propias obras maestras de
acuarela únicas Al llegar al
final de esta clase, espero que se sienta
más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en
acuarela. La práctica es clave
a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando
y experimentando. Quiero expresar mi gratitud
por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la
acuarela es muy inspiradora y me siento honrado de
ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me
encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la
galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes
compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta
ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también
en Skillshare Después de poner
tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda
o comentario sobre la clase de
hoy o quieres algún consejo específico
relacionado con la acuarela, comunícame en
la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te
gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería
recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me
llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor
experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en
el botón de seguimiento Utop para que pueda
seguirme en Skillshare Esto significa que serás
el primero en saber cuándo lance una nueva clase
o publique regalos Espero que esta clase
abra la puerta a un enfoque más poético de la pintura
de retratos Espero volver a verlos a
todos en futuras clases, pintura
feliz, y bifanw
Will Elliston, Award-Winning Watercolour Artist
