Aprende a mezclar música con Young Guru | Young Guru | Skillshare
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Aprende a mezclar música con Young Guru

teacher avatar Young Guru, Grammy-Nominated, Legendary Audio Engineer

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      1:15

    • 2.

      Organización de una mezcla

      6:43

    • 3.

      Determinación de niveles

      10:31

    • 4.

      Adición de efectos: Ecualización

      13:15

    • 5.

      Adición de efectos: Reverberación

      6:33

    • 6.

      Adición de efectos: Compresión

      9:05

    • 7.

      Balance tonal

      5:32

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

31.827

Estudiantes

160

Proyectos

Acerca de esta clase

Desde organizar una mezcla hasta añadir efectos, aprende de los mejores.  Únete al legendario productor, nominado al Grammy, y DJ Young Guru para aprender los fundamentos de la ingeniería de audio, para que puedas crear el sonido que deseas escuchar en tu música.

Una nota de Young Guru

Más que todos los demás medios, parece que consideramos la música como el más personal y vital para nuestra existencia. A medida que su influencia e importancia sigue aumentando en la forma en que los seres humanos interactúan, se conectan y celebran la convivencia, también aumenta la importancia de comprender el arte de la ingeniería de audio. Precisamente por eso he decidido aventurarme en la enseñanza y desarrollar esta clase con Skillshare.

He tenido el placer de trabajar con artistas de la talla de Jay Z, Eminem, Beyonce y muchos más artistas brillantes a lo largo de mi carrera. Aunque sigo perfeccionando mis habilidades, incluso a estas alturas del juego, me entusiasma compartir con todos ustedes algunos de los conocimientos y técnicas que he adquirido a lo largo de los años.

Esta clase en línea de Skillshare está compuesta por cuatro secciones, que incluyen videos y materiales exclusivos desglosados en las siguientes lecciones:

  • Organización de una mezcla: trabajar con los componentes básicos de una mezcla de bricolaje, que incluyen la Estación de trabajo de Audio Digital [DAW en inglés], las pistas y los controles, y cómo organizar de forma óptima toda la información de audio y las herramientas para la tarea en cuestión.
  • Determinación de niveles: cómo organizar los niveles de acuerdo con la visión del artista para la canción
  • Adición de efectos: cómo trabajar con efectos básicos como fáseres, potenciadores, reverberaciones y retardos, así como crear espacio negativo o mezclar/atenuar cuando sea necesario.
  • Balance Tonal: cómo reconocer cuándo se ha alcanzado el balance tonal perfecto

Proporcionaré un archivo de audio en crudo descargable para que todos mezclen juntos y estén al mismo nivel durante todo el proceso. Sin embargo, para el proyecto de clase, puedes utilizar música de tu propia creación.

— Young Guru

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Young Guru

Grammy-Nominated, Legendary Audio Engineer

Profesor(a)

Throughout his illustrious, decorated career, Gimel “Young Guru” Keaton has resoundingly earned his reputation as one of the most renowned recording and mixing engineers in music today , having worked with artists such as Jay-Z, Beyonce, Rick Ross, Drake, T.I., and Eminem.   Wisened after years of successful endeavors (multi-platinum albums, and multiple Grammy nods) Young Guru has recently been working tirelessly to elevate the discourse of audio engineering philosophy, science and technology, emerging onto the college lecture circuit as one of the subject’s most distinguished and dignified speakers, and further proving why he is one of audio’s most important minds and essential voices.  Traveling the country, Guru’s intellect and el... Ver perfil completo

Level: Beginner

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Transcripciones

1. Introducción: Mi verdadero nombre es Jamil Keaton. hecho soy conocido como Young Guru. Soy ingeniero de música, productor, y también DJ. Estamos aquí hoy porque quiero dar algunos conceptos básicos sobre cómo mezclar registros, cómo conseguir que tu disco suene al menos a un nivel profesional por el hecho de que puedes quedarte sin 200 dólares, y comprar el último dock, y creo que eres ingeniero de grabación después de lanzar algunas señales ahí dentro, y esa es una de las cosas más grandes del aprendizaje es que, aprendí debajo de otra persona. Muchos de los niños de hoy no tienen acceso a esos lugares. Es una situación en la que los lugares a donde vas para conseguir esa información están lentamente, pero seguramente se están muriendo. La grabación solía ser un arte negro porque se pasaba de boca a boca. Sí, hay ciencia en ella, pero las cosas que hacen especiales a los ingenieros particulares fueron cosas que les fueron transmitidas. Entonces, esa es la razón completa de por qué necesitamos tomar esta información y ponerla a disposición del público, que la forma de arte no muera. 2. Organización de una mezcla: Está bien. Entonces, en nuestra primera lección, vamos a empezar por donde empiezo dentro de la sesión, que es organizar la sesión. Creo que mucha gente pasa por alto este hecho. Organizar para tu sesión es una de las cosas principales que te permiten tener un gran flujo de trabajo. Si estás tirando hacia arriba la música, especialmente la que no has grabado, es mucho más fácil si comienzas a etiquetar todo y comienzas a mover archivos de audio para que las cosas comunes estén juntas. No creo que se pueda exagerar lo importante que es aprender tu DAW. Ahora mismo, estoy trabajando dentro de Logic, pero puedes transferir esto a cualquier DAW que quieras. Pero lo importante es que debes aprender a trabajar tu DAW. Sé que la gente consigue su DAW, y querían simplemente ir directo a hacer música. Pero uno de esos domingos solo despierta, empieza a leer el manual, hay un montón de cosas en línea que puedes ir y ver cómo operar realmente tu DAW. No quieres estar en medio de tratar de hacer una mezcla y averiguar cómo operar el DAW al mismo tiempo. Es una de las cosas importantes que hace que un ingeniero de mezclas sea mejor otro ingeniero que se mantenga al tanto de entender cómo operar el DAW. Como pueden ver, elegí Superstition como ejemplo para la canción porque quería quedarme con algo que tenía muchos de los elementos clásicos de lo que se escucharía una canción. Además, quería construir a partir de unas pistas de batería en vivo que se puede escuchar exactamente lo que sucede cuando se está grabando micrófonos. Muchas veces cuando estamos lidiando con, digamos música electrónica, la gente está tan acostumbrada a escuchar sólo un solo el patada o una trampa en solitario, pero eso normalmente no sucede en la realidad. Cuando tengas micrófonos configurados, te vas a sangrar y vas a conseguir otros sonidos que están involucrados dentro de ese sonido por muy buena que sea tu colocación de micrófono. Entonces, hay ciertos consejos y técnicas que son diferentes para lidiar con el sangrado de los sonidos o determinar cómo quieres usar ese sangrado. A veces el sangrado es bueno en cuanto a la plenitud de una canción. Entonces, esa es otra razón por la que queremos concentrarnos en este material aquí. Entonces, cuando levanté por primera vez esta sesión de hoy, de inmediato, lo primero que hice fue sacar unos archivos de audio. Cuando miro estos archivos de audio, veré que son más o menos toda la longitud de la canción. Aquí no se repiten muchas cosas o no hay un montón de bucles aquí. Entonces, empezaré a alinearlos y a ver qué tengo. Pero creo que lo primero que debes hacer es levantar todos tus faders y escuchar tu canción. Esto es importante para que puedas empezar a tener una idea de lo que se supone que estás haciendo. Cuando estés mezclando un disco, no olvides nunca que la emoción del disco y la calidad de lo que estás tratando de sacar a la luz lo va a hacer la emoción del disco. Entonces, averiguar qué está tratando de decir el artista, a dónde está tratando de ir el disco, y cuando escuches esto, empieza a descifrar un plan de ataque de cómo vas a mezclar el disco. Entonces, lo primero que haría, sería traer a los faders y luego escuchar el disco. Al estar tocando una canción, estoy tratando de notar la forma en que ciertos instrumentos se están tocando unos de otros. ¿ Cuál es el arreglo de la canción? ¿ Cuánto tiempo se tarda en llegar a cada parte? ¿ Qué espectros de frecuencia están llenando? Entonces, lo primero que noto es que hay un doble a la cabeza, y tal vez resolviendo cosas para averiguar cómo suenan. Entonces, obviamente, esta es nuestra primera ventaja y hay una doble ventaja a como fondo. Como pueden ver, pasé por aquí y etiqueté cada pista, también extremadamente importante. Cuando estás en medio de una sesión, no quieres estar mirando audio uno y audio dos y audio tres. Eso está bien para el archivo real, antes de tu pista quieres ponerle nombre para que sepas lo que es. Al pasar por esta canción, noté que hay guitarras, hay aplausos, hay cuernos, hay bajo, y luego hay tambores. Es más o menos una canción clásica con instrumentos clásicos. El modo de mezclar es que me gusta poner todos mis tambores a la izquierda. Entonces, eso no importa desde comenzar con un kit de batería en vivo o un kit de batería electrónico. A mí me gusta empezar con la patada, la trampa, la gorra alta, después voy a añadir todo el material percusivo y luego terminar con los gastos generales. Esto me permite ver visualmente lo que está pasando dentro de la sesión y mantener todo organizado. Otro gran consejo para organizar tu sesión es que a veces tendrás temas que tendrán partes en solo una parte de la canción y quedarán en blanco para una gran parte del resto de la canción. Tomemos por ejemplo nuestra voz de fondo aquí. Vemos que en partes de la canción, en realidad no está en la canción. A veces es una gran idea ir por y sacar el archivo de audio en esa parte particular de la canción. De esa forma te aseguras de no tener clics y pops extraños o simplemente ruido extraño dentro de tu mezcla. Entonces, una de esas cosas que es genial de trabajar en la era digital es que podemos eliminar completamente las cosas. De esa manera no tenemos que preocuparnos tanto por gating o comprimir algo en esa zona en particular. Simplemente podemos borrar el archivo de audio por completo y además visualmente, nos permite saber que no hay nada tocando durante esa sección. Entonces, entraría aquí y básicamente acabaría de cortar esta pequeña pieza de audio en blanco para hacerme saber que no va a tocar nada durante esa parte. Nuevamente, es solo una cosa de organización para mí, no es del todo necesario pero me hace mucho más fácil trabajar visualmente con mi sesión. Entonces, nuevamente, solo para resumir todo, cuando primero obtenemos nuestra mezcla, más importante es que organicemos la pista. Entonces, empezamos a etiquetar cada canal para que sepamos qué es. Empezamos a organizarlos de izquierda a derecha. A mí me gusta empezar con tambores, puedes empezar con lo que quieras, no hay absolutamente reglas lo que es la organización, es clave y primordial. Entonces entramos y tratamos de sacar cualquier ruido extraño que no necesitemos. A veces hay una silla de fondo, a veces un DAW chocó, cualquier cosa puede pasar. Pasamos y nos aseguramos de sacar esos ruidos, para que cuando nos enfoquemos sónicamente en el disco, no estemos limpiando el disco de ruidos extraños. 3. Determinación de niveles: Entonces, a medida que pasamos a nuestra segunda parte, esto realmente se está convirtiendo en la parte principal de la mezcla. Aquí es donde obtenemos el saldo para cada una de las pistas. Lo que tratamos de hacer es escuchar cada pista y entraremos y conseguiremos un balance inicial solo para ver cómo suena en el lugar adecuado, después pasaremos y trataremos de realzar cada uno de esos sonidos para llegar a donde lo queremos. Por lo que normalmente, empezaría con los tambores. El motivo de ser es porque los tambores ocupan el rango más dinámico en una mezcla. Estás constantemente preocupado por tu bus estéreo. Tu bus estéreo es donde todos esos sonidos se suman juntos, y si ese bus estéreo es demasiado alto, entonces vas a empezar a distorsionarte. Ya que estamos trabajando en un reino digital, nuestro máximo es cero. El fader leerá cero y empezaremos a conseguir recorte. Esto es lo que no quieres. Queremos mantenernos alejados de la roja y queremos mantenernos alejados de golpear cero. Entonces, empezaré con mis cosas más ruidosas primero para asegurarme de que estén más en control que normalmente son los tambores. Entonces, empezaré a empujar hacia arriba la patada. Empezar a agregar la trampa. Al estar escuchando esto, solo estoy tratando de conseguir un nivel general de donde voy a colocar todo en mi canción. Este es el micrófono de arriba. Uno de los mejores consejos que puedo dar es que hago esto libremente, sin prestar atención completamente al bus estéreo en un momento dado, ahora mismo se trata de sentir. Porque una vez que tengo la sensación adecuada de dónde deben estar estas cosas, siempre puedo agruparlas y tirarlas hacia abajo en mi mezcla para que los niveles de audio no estén recortando. Ahora mismo nos preocupa la relación entre un instrumento y el siguiente instrumento en la mezcla. Entonces, seguiré bajando mi canción agregando en todo. Empezaré con esta guitarra, agregaré la siguiente guitarra, y también estoy averiguando panning mientras hago esto. Estoy averiguando los lugares donde se van a sentar dentro de nuestra mezcla. Para aquellos de nosotros que no entendemos panning, es muy fácil de explicar. Tienes una oreja izquierda y una oreja derecha, sonido puede ir todo el camino desde tu oreja izquierda hasta tu oreja derecha y ser colocado en cualquier lugar de eso. La forma más fácil de pensar en ello es pensar en una orquesta. Cuando te sientas y ves una orquesta tienes gente colocada en el escenario por una razón dada. Tienes las violas todo el camino por aquí a la derecha, moviéndose en cuernos, moviéndose a otras cuerdas como violines y entonces esa es la razón por la que tenemos todo el material de percusión y bajo en el medio en el foso es porque eso se sienta directamente en medio de tu mezcla. Entonces, es muy fácil visualizar dónde están las cosas en tu espectro visualizando una orquesta, así es como lo hago. Creo en dónde colocaría a esta persona en el escenario. Uno de los mejores consejos que puedo darte y uno de los mayores errores que veo en muchas mezclas de gente, es que solo piensan de izquierda a derecha cuando piensan en panning. Panning no es sólo de izquierda a derecha, también es pensar en dónde de frente a espalda esa persona está sentada en el escenario. Nuevamente, usaremos el ejemplo de una orquesta. Cuando una orquesta se sienta, el mejor jugador se sienta en el frente, eso se llama primera silla. Eso significa que tú el público oirá primero al mejor jugador porque están sentados más cerca de ti. Entonces, comienzas a colocar jugadores detrás de esas personas y están más alejados. Entonces, deberían sonar más removidos en tu mezcla y nos meteremos en cómo mover las cosas de frente a atrás. Pero por ahora, vamos a preocuparnos de dónde vamos a colocarlos panning sabio de izquierda a derecha, estas son decisiones que estamos tomando mientras estamos obteniendo el nivel inicial. Entonces, para esta guitarra, movería esta guitarra un poco a la derecha como si mi guitarrista estuviera sentado un poco a la derecha de mí. Otro gran truco es doblar una guitarra y ponerla en el lado opuesto de cualquier otra guitarra que tengas ahí dentro. Una de las cosas que buscamos en una mezcla es el equilibrio, no queremos que todo se incline a un lado y no queremos que todo sea pesado de frecuencia en uno u otro lado. Entonces, tratamos de equilibrar donde ponemos diferentes instrumentos para que sea interesante para el oyente. Como puedes ver esta guitarra está más a la derecha, hay guitarras más brillantes más a la izquierda. Entonces, ahora tenemos la imagen estéreo que estaban sentados entre estos dos. También con nuestros tambores, cuando nos sentamos en un kit de tambor, podemos visualizar exactamente a dónde deben ir los tambores. Hay dos perspectivas al mezclar un kit de tambor. ¿ Quieres mezclar desde la perspectiva de los bateristas? Significa que todo se verá de la manera que le parecía al baterista sentado ahí, o ¿quieres hacer desde la perspectiva del público? El modo en que se ve al público. Entonces, la mayoría de las veces cuando un baterista se sienta su caja está en su lado izquierdo y la caja debe moverse hacia el lado izquierdo en tu mezcla para replicar el sonido exacto que escucharía el baterista. Voy a mezclar esta canción desde la perspectiva del baterista. Entonces, eso significa que movería mi caja un poco a la izquierda y movería mi sombrero alto un poco a la izquierda, y mantendría la patada en el medio porque ahí es exactamente donde la escuchaba el baterista. Ahora, tengo un efecto de guitarra. Este efecto de guitarra está reflejando nuestra segunda guitarra así que moveré esto para que coincida con la posición exacta de esa guitarra también. En esta canción, es obvio que el clav es probablemente el instrumento más importante de la canción. Entonces, vamos a descifrar diferentes lugares para poner este clav. Pero como podemos ver nuestro ingeniero grabó casi cinco clavos diferentes. Entonces, podemos poner el clav en un montón de lugares diferentes para que suene extremadamente lleno. Este primer clav lo voy a traer y me voy a mover un poco a la derecha, y voy a tener este próximo clav imitar esa misma cosa. Entonces tomaré estas otras tres clavos y las subo y las equilibraré por el otro lado, también teniendo en cuenta que ya puse una guitarra por ese lado así no quiero que esté exactamente en el mismo lugar que la guitarra. Yo quiero que parezca que diferentes personas estaban sentadas en diferentes lugares dentro de la banda, por eso los movemos a diferentes posiciones. Ahora, durante todo este proceso también estoy teniendo en cuenta cuando ciertas cosas tocan en la canción. Es importante entender que la balanza se puede tirar si un instrumento está en una sección de la canción. Entonces, te enteras de cuáles son tus principales instrumentos y eso te ayuda a decidir dónde quieres colocarlos en nuestro lapso de donde estamos panoramizando estos de izquierda a derecha. Muy importante a la hora de colocar la base, se quiere comprobar la relación entre la batería y el bajo. Esta es probablemente la relación más importante cuando se trata de la fundación del registro. Entonces, por ahora mismo para que me sea mucho más fácil ver, moveré la base hacia donde están los tambores. Entonces, si solo solo la patada y la trampa y la base, puedo empezar a entender un poco mejor esta relación. Siempre teniendo en cuenta que queremos sentir el bajo y queremos el bajo nos golpee una especie de lo que yo llamo en el pecho pero no queremos que el bajo supere el tambor. Ese es otro gran error clave que veo con la gente, es que permiten que la base supere los tambores y luego empiezan a empujar los tambores hacia arriba para tener un ataque más fuerte. Todo el tiempo, hay que tener en cuenta que tienes una cantidad limitada de espacio dentro de tu bus estéreo. Entonces, no siempre se trata de empujar hacia arriba el bajo, se trata de conseguir una gran relación entre el bajo la patada y la caja y luego colocar todo lo demás alrededor de eso, es muy clave. Empezar a añadir los cuernos. Ahora, que tengo una relación en la música, empezaré a concentrarme en las voces, y volverla a empezar. mí me gusta iniciar la canción desde el principio para que pueda tener una idea de adónde voy en la canción. Entonces, empezaré con la vocal principal. Esperaré a que eso entre. Pero como estamos esperando, seguimos reconociendo qué nivel está el resto de todo lo demás para que cuando entre la vocal, tengamos una mayor comprensión de dónde necesita sentarse eso. Como puedes ver, la vocal es baja y eso significa que vamos a tener que hacer algún procesamiento hacia la vocal pero al menos lo sé ahora. Este proceso inicial sólo para mí para que me dé una sensación de la canción. Después de poner mi ventaja, pondré el ad lib. Ahora, casi tengo toda la pista en. Nuevamente bajaré y escucharé la canción de principio a fin para asegurarme de que la sensación siga ahí. Ahora, tengo una idea general de la canción y relativamente donde quiero colocar todos mis instrumentos y los niveles de esos instrumentos y he escuchado la canción lo suficiente como para ahora tener una gran sensación por la canción. Lo que nos permitirá llevarnos a nuestra siguiente lección que será empezar a agregar plugins y efectos a los instrumentos. 4. Adición de efectos: Ecualización: Ahora tenemos un balance general para nuestros niveles, lo que queremos hacer es empezar a pasar y sumar efectos en EQ. Este es realmente el corazón de la mezcla. Entonces, lo que haré para que esto sea fácil para ti es que me llevaré uno de mis plug-ins favoritos que es el plug-in SSL, y lo pondré en cada una de estas pistas. Entonces, lo que estoy haciendo es que realmente estoy tomando lo que sería la tira de canales de este SSL y aplicándolo a cada canal en forma de plugg-in. Entonces, entraré aquí, seleccionaré de mi categoría olas, e iré hasta aquí hasta donde dice SSLG. Lo que esto hace es colocar uno de estos SSL en cada uno de mis canales, por lo que ahora puedo empezar a ecualizar cada uno de estos por separado. Entonces, lo que haré es volver a empezar con mi patada y empezaré a ecualizar la patada para acercarme al balance tonal que quiero. En ocasiones, cuando estás seleccionando como quieres que suene la patada, tienes que decidir si va a ser una patada wuffy, una patada punchante, o una patada subby. Al describir esas cosas diferentes, realmente es decir en qué frecuencia me voy a concentrar. Muchas veces cuando decimos punchy, referimos en torno a la categoría de 200 Hertz. Cuando decimos subby, nos referimos a algún lugar alrededor de la categoría 50 o 60 Hertz. Debe haber en general un lenguaje general que cuando un artista o productores hablen con usted puedan traducir ese idioma a frecuencias. Entonces, cuando toco esto, ahora como pueden notar, el micrófono está recogiendo un poco en el extremo inferior de esta caja. Entonces, una de las cosas que me gusta hacer es solo conseguir la patada. Entonces, estoy oyendo sólo la patada. Cuando estoy gating quiero asegurarme de que tengo mi umbral lo suficientemente alto. Que el pateador sigue viniendo, pero no pasa nada más. Ahora, no pasa nada. Entonces, me retrocederé solo un poquito para asegurarme de que mi patada esté ahí. Entonces, mi patada está llegando pero el tiempo de lanzamiento no es suficiente, para que yo estoy recibiendo toda la patada. Entonces, al aumentar el tiempo de lanzamiento, estoy incrementando la cantidad de la liberación del patada que estás escuchando. Entonces empezaré a EQ. Lo que me gusta hacer, es girar el camino más hacia arriba, y barrer por estas frecuencias. De esa manera puedo empezar a escuchar el punto dulce de dónde están la patada para estar. Voy a decir justo ahí y luego me retiraré solo un poquito hasta llegar exactamente donde quiero. Eso suena bien por ahí. Ahora, en algún momento con tambores en vivo, querrás agregar algo al tambor para que sea equivalente a la música que hoy escuchas. Muchas veces en la radio escuchas cosas que se hacen a través de sintetizadores, escuchas cosas que se hacen a través de máquinas beat y quieres tener algo si estás tocando música en vivo que es equivalente a eso cuando toca contra esos otros registros. Entonces, a veces eso es imposible solo de instrumentos acústicos. Uno de los trucos que he aprendido, es mandar realmente la patada a través de lo que llamaríamos onda sinusoidal. Entonces, al entrar a mi puerta. Iré y mandaré esta patada al autobús uno. Ahora, nuestros autobuses, nos permiten enviar la señal a cualquier lugar que queramos. Tenemos una cantidad limitada de autobuses por cada dependiendo del sistema que tengas, pero dentro de la mayoría de los dawes, Tenemos suficientes autobuses que podemos reventar a cualquier cosa que queramos. Entonces, si entro en mis efectos de audio. Bajaré aquí a donde dice utilidad, y tengo un oscilador de prueba. Todo lo que voy a hacer es crear un tono de baja frecuencia. Tocar música en vivo que si sólo se toca por sí misma. Después de nuestro oscilador, colocaré una puerta y lo que haré es usar la patada como lo que llamamos la entrada clave a la puerta. Entonces, técnicamente ¿qué está haciendo eso? Una puerta, como vimos en nuestra patada, es algo que sólo permite que salgan niveles por encima del umbral. Permanece cerrado cuando una señal llega al umbral abre la puerta. Para que luego escuchemos el sonido, y luego cierre la puerta. Por eso lo llamamos portón. Entonces, lo que realmente estoy haciendo es colocar una sub frecuencia debajo de esta puerta. Estoy usando la patada para abrir y cerrar la puerta. De esta manera, permitiéndonos tener un fondo más pesado a la patada. Entonces, como pueden ver aquí, si me desplaza hacia abajo, he creado una pista auxiliar que tiene justamente eso. Tiene un oscilador de prueba y una puerta de ruido debajo del mismo. Acercaré esto a mi patada y llamaré a este sub. Nuevamente, tratamos de mantenernos organizados. Entonces, si desmuto esto, ahora mismo sólo suena como una onda sinusoidal básica. ¿ Verdad? Muy aburrido, puedo barrer por las frecuencias y simplemente crear cualquier onda que quiera. Esto en realidad es una onda sinusoidal puedo crear ondas cuadradas lo que quiera. Pero elegimos una onda sinusoidal, porque nos va a dar el mejor sub. Entonces le añadiré una puerta de ruido. Notarás ahora que esto está apagado, que aún escuchas la onda sinusoidal. Pero si agrego esto, y mi umbral es lo suficientemente alto, ahora no oigo esa ola. Entonces, la idea es que la patada entre y abra esta puerta para que escuchemos la ola. Te darás cuenta si tiro mi umbral hacia abajo, por debajo de menos ocho, podemos escuchar la ola. Si lo empujo hacia arriba, se corta. El clave para esto, es asignar la patada como entrada de cadena lateral. El insumo de cadena lateral está en esta zona aquí. Si bajo, y selecciono pista una patada. Ahora, esto se convierte en mi cadena lateral. Lo que hará, es permitir que las puertas se abran cada vez que la patada golpee. Entonces, si vuelvo atrás y toco nuestra patada original, como pueden ver ahora, en nuestra sub-pista, la patada está activando la puerta. A veces tienes que ajustar el umbral, pero si traigo esto ahora, oirás la diferencia. Ahora hemos creado un bottom in para nuestro kick el cual podemos mezclar con el kick, y darnos más control sobre el sonido y el hit de la patada. De nuevo, puede que tengas que ajustar el umbral de tu portón, si lo traes todo el camino hacia abajo, sonará como nuestra onda sinusoidal regular. quiere encontrar ese spot, es justo ahí donde la patada y el sub están golpeando al mismo tiempo. Podemos encontrar un buen equilibrio para los dos y tratarlos como un solo sonido agrupándolos. Ahora que tenemos ese equilibrio entre el kick y el sub, puedo empezar a sumar el resto de mis sonidos, pero ahora con el procesamiento sobre ellos. Entonces, agrego en mi trampa. A mi trampa le vendría bien un poco más de tap end. Empezaré a añadir la base, espacio puede querer subir solo un poquito y nuevo queremos revisar nuestra relación con la base, la patada y la caja. Muchas veces, la base y la patada van a batallar dentro de la canción por rango de frecuencia. Entonces, una de las cosas que me gusta hacer, es ir por debajo de la frecuencia que se muestra para la patada y subir eso en la base para llenar el resto de ese espacio. Entonces, regresaré y miraré, y diré “Está bien, bueno, me presenté 177 Hertz en la patada así que quiero ir por debajo de 177 Hertz en mi base”. Digamos que voy alrededor de 80. Empezaré a aumentar eso en la base. También iré en nuestra gama media, solo para darle un poco más de ponche. Añadiré nuestros gastos generales para los tambores, y mantengamos eso en el medio. Como puedes ver esto nos da mucho más de los símbolos y las altas adiciones del kit de tambor. Otro gran truco que hemos usado a lo largo del año, es tomar los gastos generales y comprimirlos por lo que llamamos squashing. Eso sólo significa compresión pesada. Entonces, puedo establecer mi relación de compresión en cerca de cinco. Ten un buen lanzamiento de alrededor de 0.2. Voy a subir alto en mi umbral o debería decir bajo en mi umbral, estoy bajando el umbral para que agarra todos los sonidos, y lo que eso hace es aprieta la sobrecarga juntos lo que me da una mejor general sentimiento por los tambores. Permitirá que mis símbolos sean brillantes y también añadirá un poco más de un factor de pegado a la patada y a la caja. Porque recuerden los gastos generales son uno o dos micrófonos que están capturando todo el kit. Nuevamente, empezaré a sumar mis guitarras. Ahora bien, algo importante a recordar es que una guitarra probablemente estará seca, que es nuestra guitarra directa. Otra guitarra probablemente será la grabación del efecto o el gabinete de la guitarra. Siendo que estamos trabajando en una puerta, eres libre de tomar esta guitarra y ponerla a través de cualquier gabinete que quieras. Después de mi guitarra, quiero agregar el aplauso y en este punto, es genial que empiece a prestar atención a mi bus estéreo. Porque ahora estoy obteniendo niveles de equilibrio reales que están empezando a sobreconducir, o acercarme un poco al rojo dentro de mi bus estéreo. Entonces, agruparé todos estos juntos y solo los tiraré hacia abajo. Como puedes ver esto salva mi bus estéreo pero mantiene todos los instrumentos en la misma perspectiva relativa como una relación entre sí. Sólo recuerda que no estamos cambiando nuestra mezcla lo que estamos haciendo en realidad es dándonos más espacio para la cabeza. Entonces, que no estamos superando nuestra mezcla. Entonces, en esencia tendremos la misma mezcla con mejor sala de cabecera que es decir, nos dará mejor calidad de audio. Nuevamente, sobreconducir tu bus estéreo es la forma más rápida de llegar a la distorsión digital. Una vez que golpeas ese 0.0 no hay corrección, que cualquier ingeniero puede hacer. El equipo ahora no tiene ceros y unos para representar ese archivo de audio, por lo que, simplemente lo reemplazará con distorsión. Quieres asegurarte en general que te mantengas alejado de la roja. A medida que volvamos a nuestra mezcla, comenzaremos a sumar los cuernos y nuevamente pondremos atención a nuestro bus estéreo. último pero no menos importante, vamos a sumar en todas las voces. Nuestra vocal podría usar un poco de volumen, lo mismo con nuestra [inaudible]. Nuevamente, siempre estamos revisando para asegurarnos de que nos mantengamos fuera del rojo. 5. Adición de efectos: Reverberación: ¿ Qué es la reverberación? Bueno, cuando estás grabando música, grabas en estudio, pero todos los lugares tienen lo que llamamos un espacio acústico. Eso significa que el sonido se ve afectado por la forma en que está diseñada la habitación. Todas tus paredes dentro de un estudio afectan el sonido. Entonces, si estás en un estudio de un millón de dólares o estás en tu recámara, la forma en que el sonido se ve afectado, está determinada por la construcción de tu habitación. Lo peor en lo que puedes estar, en que la mayoría de la gente está cuando están en su recámara, es una caja cuadrada. ¿ Por qué? Porque esto crea lo que llamamos ondas de pie. Ondas de pie son cuando un sonido rebota de la pared y golpea el mismo sonido viniendo a la misma velocidad y se cancela entre sí. Eso normalmente no sucede en el mundo real. Lo que normalmente sucede es que estos sonidos se golpean entre sí y no se cancelarán por completo, pero empezarán a sumar y restar de formas que afectarán tu mezcla. decir, que estarás sentado en la habitación y la habitación misma hará que añadas más graves a un sonido. Entonces, que cuando sacas tu mezcla de esa sala y tratas de tocarla en otro ambiente, como un club, o en la radio, habrá demasiado bajo en la canción o, puede suceder lo contrario. El cuarto puede agregar bajo a tu canción para que te sientas cómodo donde hay sonidos de estar sentado, y luego cuando vas a tocarlos en otro lugar, se siente como si no tuvieras suficiente bajo en tu canción. Entonces, lo que tratamos de hacer cuando tenemos una reverberación, es tratar de imitar el tamaño de las habitaciones. Todo lo que hace reverberación es colocar algo más lejos de ti o más cerca de ti. Cuanto más reverberación tengas, mayor será el tiempo de reverberación, más lejos parece ese sonido. Esto nos lleva de vuelta a nuestra demostración de orquesta. Si alguien está tocando el violín en la primera silla parecen más cercanos a ti, versus alguien tocando la quinta silla que parece más lejos. Logramos esto con reverberación. Entonces, ahora mismo voy a añadir un poco de reverberación a la vocal principal, para darle la apariencia de que se grabó dentro de una habitación. El motivo por el que grabamos seco, es para que podamos escoger nuestra reverberación más adelante. Hay habitaciones geniales en los estudios que la gente paga mucho dinero para ir y grabar en esas habitaciones estrictamente porque les encanta la reverberación de esa habitación. Entonces, eso es lo que haremos, le agregaremos una reverberación a esta vocal, para darle un poco de espacio. Ahora una de las mejores formas de configurar reverberación, es usar un sistema de reventación. Este es un error común que veo en muchas mezclas. La gente tomará un enchufe de reverberación y en realidad lo colocará en esta vocal principal, lo cual técnicamente no está mal. Pero si estás trabajando en una laptop o estás trabajando en una puerta en cualquier sistema informático, también quieres tener en cuenta que hay un límite a la cantidad de cosas que puedes hacer en cuanto al procesamiento. Entonces, con nuestro sistema de reventar, lo que esto nos permite hacer, es poner una reverberación en un canal de graves, y usar nuestros bajos para enviar tantos canales a esa reverberación como sea posible. decir, que no tenemos que poner una reverberación en cada canal de cada voz y cada instrumento que tenemos en nuestra pista. Eso maximizará nuestro sistema más rápido que cualquier otra cosa. Reverb es nuestro uno de los plugins pesados más altamente procesadores. Entonces, al colocar esto en un canal de graves dedicado y luego reventar el canal a, que queremos enviar a ese bus, sólo tenemos que usar una reverberación para todos los instrumentos. Esperemos que entiendas la diferencia. Entonces, como pueden ver, he creado un bus uno y lo que voy a hacer es en la vocal principal, voy a subir aquí y voy a ir al bajo uno, y voy a mandar un poquito de esta vocal al bajo uno. Entonces, ahora si voy a mi bajo un canal, puedo ir aquí y puedo levantar una reverberación. Ya verás que tendremos tantos incumplimientos diferentes, eso nos mostrará ambiente, podemos tener una sala grande, podemos tener una reverberación larga brillante, podemos tener una iglesia, podemos tener un club en vivo. Todas estas cosas son para meterte en un rango general de lo que la reverberación está tratando de representar, dado en mente que puedes ajustarte al contenido de tu corazón, una vez que lo pongas ahí. Entonces, empezaré con la iglesia. Entonces ahora cuando presiono play, creo que sería genial si viéramos todo esto que ustedes pueden escuchar exactamente lo que estoy haciendo. Ahora se puede escuchar. Bebé de 13 meses. Eso es reverberación. Rompió la mirada en vidrio. Esa es nota reverberación. Siete años de mala suerte. Queremos encontrar un equilibrio, que permita que nuestras voces sobresalgan lo que no suena demasiado lavado. Dependiendo del estilo de música que estés haciendo, dependerá de cuánta reverberación quieras colocar en las voces. mí mismo, me gusta sumar lo suficiente para que apenas lo oiga en la mezcla pero sé que está ahí. Simplemente realzar la voz y darle un poco de espacio. Entonces, si tomo esto de vuelta para que se pueda escuchar desde el principio del verso, quiero agregar justo lo suficiente, para que pueda oírlo pero no lo lava. Lo que normalmente hago es ir demasiado lejos y luego volver a levantarme. Eso está demasiado lejos. Genial, ahora hemos agregado un poco de espacio a nuestras voces principales. Quizá quiera hacer exactamente lo mismo a nuestras voces de ad lib, que suenan como si fueran grabadas en la misma sala. Voy a revisar el nivel de la misma, porque eso es menos seis, y llevaré el add lib a menos seis. Genial, ahora puedes hacer esto con cualquier instrumento que quieras, para que parezca que está en el espacio que quieras, y hay muchas reverberaciones creativas en las que se meterán en otras lecciones. 6. Adición de efectos: Compresión: Ahora que hemos creado algún espacio para nuestra vocal, una cosa común que hacemos para tratar de controlar la vocal es comprimir la vocal. Esta es probablemente la técnica más incomprendida en la grabación moderna. ¿ Qué es un compresor? Un compresor en realidad aprieta tu voz. ¿ A qué me refiero con apretar tu vocal? Cada sonido tiene un rango dinámico. Tu rango dinámico es la diferencia entre el sonido más fuerte y el más suave que ese sonido hará. La voz humana puede ser muy suave y susurrante o puede ser muy fuerte y gritando. A veces, toda la gama de eso se demuestra dentro de una pista. Si establecemos nuestros niveles para el nivel más alto de nuestra pista, digamos la vocal, entonces durante las partes tranquilas, no será lo suficientemente ruidoso. Si establecemos nuestros niveles para las partes tranquilas, entonces puede distorsionarse y salir demasiado alto en las partes ruidosas. Entonces, lo que hacemos es ponerle un compresor, para que apriete nuestra vocal y controle nuestra vocal. Existen todos los diferentes tipos de sabores de compresores. Todos ellos básicamente hacen el mismo trabajo pero de diferentes maneras, pero hay algunas cosas muy comunes que están en todos los compresores. Número uno y el concepto más grande que debes entender es el umbral. El umbral en realidad está diciéndole al compresor cuándo actuar. Entonces, si tenemos una onda de audio que se mueve hacia arriba y hacia abajo en cierto pico, vamos a establecer nuestro umbral, y decir una vez que la onda de audio llegue por encima de este umbral, vamos a empezar a trabajar en ese archivo de audio, y qué ¿Significa eso? Bueno, ahí es donde entra el segundo. Nuestra relación, nuestra relación de compresión es probablemente la segunda cosa más grande. Eso en realidad le dice al compresor lo duro que trabajar. Entonces, si miras tus compresores, dirán uno a uno, dos a uno, tres a uno. ¿Qué significa eso? El ratio de compresión es solo que es una relación. Es la relación entre dos números. Básicamente está diciendo que por cada tres decibelios que esta señal va por encima del umbral, sólo vamos a permitir que pase por encima de uno. Es un factor de control, te dice lo duro que está funcionando el compresor. Entonces, obviamente, una relación de tres a uno es más ligera que una relación de 10 a uno. Entonces, descubrirás tu relación dependiendo del audio que vaya a entrar. Cuanto mayor sea tu relación, más aplastada será tu señal. Es por ello que esto es lo que más comúnmente se usa mal en audio porque es muy fácil para ti simplemente aplastar completamente la performance y hacerla sin vida, que no es lo que quieres hacer. quiere controlarlo, no se quiere hacer el rendimiento sin vida. Entonces, ten mucho cuidado con tu nivel de umbral. No quieres demasiada compresión porque entonces, le robarás al artista su gran actuación. Entonces, ¿qué quiero decir con esto? Si nos fijamos en nuestra pista vocal principal, y volveré a levantar mi enchufe. Aquí mismo, en nuestra sección dinámica, es donde tenemos todos nuestros controles. Esta primera es la relación de la que acabo de hablar. Esto es uno a uno, dos a uno, tres a uno. Este es nuestro umbral. Esto nos está diciendo cuándo la señal va a ser afectada por el compresor. Este último es también el lanzamiento. El lanzamiento nos está diciendo cuánto tiempo tarda volver a nuestro nivel natural del compresor. Cuanto más larga sea la liberación, más larga va a ser la cola. ¿ A qué me refiero con cola? Bueno, si tienes un instrumento de percusión rápido, realmente no hay cola, pero si estás lidiando con algo, digamos como un bajo que tiene un ataque inicial, y luego una cola, esto va a te digo cuánto de esa cola se va a comprimir. Eso es todo lo que te está diciendo. Si tienes una vocal donde alguien está cantando, el ataque inicial es una cosa, y luego cuando esa voz se lleve a cabo, el lanzamiento te dirá cuánto tiempo van a permanecer los compresores. Entonces, si vuelvo a tocar esto, puedes ver justo aquí por esta naranja. Esto nos está diciendo cuánta compresión tenemos en la pista. Entonces, ahora mismo, con nuestro umbral establecido aquí, estamos consiguiendo un tipo de cosas menos tres, menos cinco decibelios pasando. Si vuelvo este umbral, en realidad déjame solo esto para que puedas escucharlo. Si vuelvo este umbral todo el camino hacia arriba, eso es aplastar. Esto es lo que no queremos hacer. Esto significa que todo dentro de la vocal se está comprimiendo, y eso no es lo que queremos hacer. Entonces, vamos a tirar de esto hacia atrás. Esto fue bueno sobre justo aquí. Lo que eso hace es darnos control sobre las frecuencias que van por encima de lo que sería el promedio de donde está el nivel de señal normal, y hay otro gran punto que necesitamos traer en términos de compresión. Es que la compresión no sólo controla el extremo superior, también levanta el piso. Cuando decimos squash o decimos piso, hace subir el sonido más bajo, y hace bajar el sonido más alto. Entonces, ¿qué significa eso en términos prácticos? Eso significa que si tienes mucho ruido de piso, si tienes mucho ruido de fondo, si estás en una habitación donde se está tocando un aire acondicionado y ese aire acondicionado pasa a subir a tu grabación, todos los de ese suave ruido se levantará. Entonces, es muy importante que escuches lo que estás comprimiendo y asegúrate de que estás recibiendo solo la señal que quieres para ese instrumento en particular, ya sea una guitarra o una pista vocal o de batería. Ahora, que he comprimido esto, puedo tirarlo de nuevo a mi mezcla y me será más fácil controlar y se sentará mejor dentro de la mezcla. De nuevo, me gustaría empezar desde el principio sólo para obtener la sensación de la canción. No olvides que la música se trata de sentir y surco. No siempre se trata solo de cosas técnicas, debes estar sintiendo como lo estás haciendo. Está bien. Nuestros adlib son un poco demasiado ruidosos. Déjame sólo bajar eso un poquito. Otra cosa que la gente me pregunta es, ¿cómo sabes el nivel adecuado para una vocal principal? La mayoría de las veces, eso depende de ti, pero quieres asegurarte de que el artista sea audible, que estén claros, que puedan ser escuchados, y la mayoría de las veces trato de igualarlos en algún lugar donde esté la trampa en la canción, y si no hay trampa, como que consigues una idea de dónde están el resto de los instrumentos, y quieres que se quede un poco por encima del resto de los instrumentos dependiendo del estilo de la música. Nuevamente, estás haciendo algo donde la vocal no es realmente el foco principal, debes asegurarte de que el foco principal del disco sea lo que es prominente. Entonces, para esta canción, obviamente, la vocal es importante, por lo que la ponemos apenas un poco por encima del resto de los instrumentos. ¿ Cómo sabes si es demasiado ruidoso? Si miramos nuestro autobús estéreo, la música está conduciendo nuestro autobús estéreo. decir, que eso es lo que está provocando que todo suba y baje. Si solo esto veremos exactamente el nivel de nuestra vocal principal. Si vuelvo la vocal principal todo el camino hacia arriba, empieza a impulsar nuestra mezcla, si entiendes a lo que me refiero. Eso es lo que no queremos. Queremos que la música impulse la mezcla. Ahora, establecemos un nivel general para nuestra vocal, pero los seres humanos no cantan a un nivel consistente, ¿verdad? Entonces, pasaríamos por nuestra canción, y la escuchábamos, y haríamos lo que llamamos varillas vocales. Aquí es donde entra en juego nuestra automatización y en realidad pasaríamos por la canción, escucharíamos, y en esencia volteamos la vocal hacia arriba y hacia abajo dependiendo de lo fuerte o suave que sea en cualquier sesión dada. Está bien. Entonces, lo haríamos, porque montar tus voces te permite no comprimir más tus voces y asegurarte de que todo sea incluso a lo largo de tus canciones, o puede haber algún tipo de cosa creativa que quieras hacer donde quieras el vocal para volverse más suave o más fuerte dependiendo de la música. Ahora que tengo mi set vocal y el resto de mi set de instrumentos, escucharé una vez más solo para meterme todo en la mente antes de empezar a tomar decisiones finales para nuestra parte final de la mezcla. 7. Balance tonal: Ahora que hemos conseguido nuestro equilibrio general y hemos agregado efectos y hemos ecualizado algunas de nuestras cosas, es hora de que empecemos a pensar en nuestra mezcla final, y una de las cosas más grandes que la gente me pregunta es si comprimen la mezcla final. Significa que tienes un bus maestro o deberíamos decir un fader maestro. ¿ Debería poner un compresor o un EQ en el bus general? Esto depende completamente de ti. Aquí es donde te pones creativo. Aquí es donde empiezas a tomar decisiones sobre cómo quieres que suene lo final. Desde hace años nunca he puesto un compresor en el bus maestro. Creo que puede haber una mezcla en mi vida a la que le he hecho esto. ¿ Por qué? Porque confío en mi ingeniero de masterización, y me gustaría tener toda la dinámica de mi canción cuando se la entregue a alguien más que también va a comprimir en EQ. ¿ Eso siempre se aplica? A lo mejor estás en una situación en la que vas a apagar esta canción y quieres tener alguna compresión maestra antes de que vaya a Internet o antes de que se vaya a tu mix tape o cualquier otra cosa que estés haciendo. Esto es subjetivo. Depende de ti, pero aquí se aplican las mismas reglas que pasamos por compresión antes. Lo más grande es no squash tu mezcla. No quieres robar el rango dinámico fuera de tu mezcla con tu compresor. Así que ten mucho cuidado de poner un compresor sobre el maestro de tu mezcla. Es muy fácil para ti imprimir tu mezcla sin el maestro y luego hacerlo más tarde cuando estés compilando todas tus canciones juntas. De esa forma se pueden tomar ciertas decisiones. Si estás absolutamente seguro y te encanta la forma en que suena el compresor y suena el EQ en tu bus maestro, entonces por todos los medios, adelante y ponlo ahí. Te estoy dando mi experiencia personal de lo que me gusta hacer para asegurarme de que estoy a salvo. Normalmente imprimo mis mezclas sin ella y puedo añadirla más adelante en una etapa diferente. Una de las últimas cosas que me gusta hacer para revisar mi mezcla es realmente poner un ecualizador sobre el maestro solo para comprobar el balance tonal, ¿ y qué quiero decir con eso? Bueno, si te vas por aquí y te vas y saco un ecualizador, esto realmente me dará una gráfica para mostrarme dónde están todas mis frecuencias, y como puedes ver, quizá quiera reventar un poco en este rango de 10K y tal vez un poco poco en este 2K uno. Se puede escuchar el nivel general de mi mezcla cada vez más brillante y también se puede ver que nuestra representación de nuestra gráfica se vuelve más fuerte y más fuerte, demostrándonos que tenemos una mezcla más pareja. Queremos asegurarnos de que tonalmente, todas nuestras frecuencias estén representadas dentro de nuestra mezcla y esto asegurará que nuestra mezcla sea comparativa con otras mezclas que están ahí fuera sobre todo cuando vas a jugar algo en el radio. Entonces, al final de esta mezcla, lo único que tendría que hacer ahora probablemente sería agregar un fade al final o decidir si la canción se va a cortar. Eso, la mayoría de las veces, no es decisión del ingeniero, es sólo algo que le pedirías al productor y realmente lo harías. Muchas de las cosas que sí necesitas para obtener la autorización del productor. Hay un gran concepto que hay que entender y recordar. Como ingeniero, estás en el negocio de servicios, estás atendiendo a alguien más. Es algo así como ser barbero. Si alguien se sienta y tú eres el barbero, te dicen cómo quieren su corte de pelo. El motivo por el que vienen a ti es porque eres el experto en hacer eso. Van a pedir sugerencias, pero al final del día, no olvides nunca que es el récord de productores. Entonces, estás aquí para facilitar la forma en que esa persona quiere que suene el disco. Si es tu récord entonces eres el productor y el ingeniero y no hay problema. Por lo que esperemos, la mayoría de estos consejos y trucos te pueden ayudar a empezar a crear tu propia música y puedes usar las cosas que he aprendido a lo largo de los años como principiante para ayudarte a organizarte para tu mezcla y a salir con mejores mezclas . Entonces, esto es lo que vamos a hacer. Esto va a ser interactivo. No sólo voy a ser yo sentada aquí enseñando. Esto va a ser interactivo hasta el punto en que queremos que ustedes apliquen todas estas cosas a sus mezclas. Entonces vamos a hacer un concurso. Vamos a dejar que envíes tu propia música. Lo que necesitamos escuchar es tu original y lo que hiciste en la mezcla. Entonces, para que quede claro, habrá dos archivos de los que estarán saltando, la grabación original y la mezcla que hiciste. Escogeré a diez personas y esa gente de inmediato ganará un par de mis auriculares. Entonces, de eso, escogeremos al ganador número uno que me hará mezclar su récord real. No es solo para mí, también es para el resto de la comunidad. Estamos tratando de construir una comunidad aquí en el sitio para que ustedes puedan hablar entre sí y darse unos a otros consejos, trucos y críticas creativas. Siempre es mejor hacer música con un grupo de personas. He jugado mis mezclas para otros ingenieros que me encantan. Estamos tratando de crear ese mismo entorno aquí para ti. Entonces, pongámonos a trabajar. Vamos a mezclar y pongamos esas mezclas arriba.