Aprende a grabar voces con un ingeniero galardonado con un Grammy

1. Introducción: ¿qué hay en este curso?: Hola, soy Dom Morley. Soy un ganador del Grammy, multi platino, productor, ingeniero, mezclador, todas estas cosas Y llevo casi 30 años trabajando en estudios, y un tema con el que siempre he estado bastante obsesionado es la grabación de voces Desde el punto de vista técnico, desde el punto de vista psicológico, siempre me ha fascinado Y he tenido mucha suerte de haber trabajado con tantos cantantes desde, como, la banda Indie más pequeña hasta gente como Adele y Amy Y he trabajado con los productores Mark Ronson, Tony Visconti, Phil Spector, Y realmente me ha dado una idea de muchas técnicas diferentes de cómo grabar voces y cómo sacar lo mejor de los cantantes Y lo he puesto todo en el curso. Entonces comienza con la preproducción, como tempo, ¿en qué tono deberíamos estar ¿Qué deberías decir como productor sobre las letras, ya sabes, dónde deberías opinar sobre eso? Y luego mucho sobre la psicología de preparar cantantes y prepararte para dar la mejor actuación Hago un poco en equipo, como qué micrónicos son buenos, o qué tipo de micrófonos deberías estar pensando, qué otro equipo deberías estar pensando en comprar. No demasiado en equipo. Creo que gente puede empantanarse un poco en todo eso, y no es tan importante como la psicología del día y del proceso Entonces me meto en cómo armar tu habitación para sacar lo mejor de la cantante y para que sea lo más fácil para ti. B usted produce o auto produce y luego en la etapa de edición y cuándo debe bucle y cuándo no debe bucle, la mejor manera de hacer comping, tuning, todo ese tipo de cosas Entonces es básicamente de todo , desde la primera vez que estás pensando en hacer una voz hasta una vocal terminada lista para mezclar y todo lo que necesitas saber en el medio. Es todo lo que se me ocurre, todas las cosas que he aprendido a lo largo de 30 años para hacer con la grabación de voces, y espero que disfrutes el curso 2. 1.1 ¿Por qué hacemos la preproducción?: Este es un curso completo sobre la grabación de voces, y sin embargo el primer capítulo que nos estamos metiendo no tiene nada de grabar voces Entonces, ¿por qué es tan importante esta preparación de la canción? Y la razón de ello es, así como los elementos técnicos en los que nos vamos a meter, pero realmente lo más crítico de grabar una gran voz es capturar una gran actuación. Escuché a alguien decir una vez que la famosa canción de Rolling Stone Simpatía por el diablo es una increíble interpretación vocal en esa canción, y Mick Jagger la interpretó miles de veces en su carrera Pero hubo una actuación que marcó más diferencia que cualquier otra. Una actuación donde realmente contaba, y esa fue la que hicieron en el estudio ese día cuando grabaron la canción. Entonces, la razón por la que quiero meterme en esto tan profundamente es porque la interpretación que captas está restringida por el arreglo de la canción. Entonces vamos a hablar lo que podemos hacer con el arreglo. Vamos a hablar de tono, y vamos a hablar de tempo y algunas cosas sobre las letras y lo que vamos a hacer con los BVs y todo eso ayuda a crear el marco adecuado para ocurra el rendimiento correcto Para que puedas hacer todo lo demás. Puedes hacer que todo lo demás sea perfecto. Vas a tener el micrófono más caro del mundo. Pero si el tono no es adecuado para el cantante, si está en la clave equivocada, entonces no va a funcionar, y va a sonar mal. Entonces por eso esto es tan importante. Y estas cosas, se pueden hacer después. Ya sabes, si estás en la clave equivocada y quieres cambiar la clave de la canción, ya sabes, técnicamente, se puede hacer, pero es difícil de hacer. Lleva mucho tiempo, lo que a menudo significa que es caro. Y en última instancia, suena peor. Habrá alguna degradación de audio que ocurre si cambias el tono o si estiras algo, mueves el tiempo. Entonces, si puedes hacerlo bien antemano para que sepas que tienes la clave correcta y el tempo correcto y todas las demás cosas, entonces vas a obtener la mejor interpretación y vas a obtener el mejor sonido en tu grabación. Una vez me lo explicó un ingeniero que en realidad estaba hablando de mezclar. Solía asistir a un ingeniero que se formó como arquitecto antes de dedicarse a la ingeniería de sonido. Y siempre describió una mezcla como ser como un edificio en su cabeza, la batería y el bajo fueron los cimientos. Y si no obtuviste la batería y el bajo justo en la mezcla, si no fueran realmente sólidos, entonces todo lo demás que construías encima se vino abajo, y nada de eso funcionaría correctamente. No estaría en su mejor momento. Creo que con una canción, es lo mismo. Si quieres grabar una gran voz, si quieres grabar una gran canción, entonces tienes que obtener estos pedacitos de clave y tempo justo antes de comenzar la grabación, y luego tendrás una base sólida para una gran grabación. 3. 1.2 Tempo: El primer aspecto que voy a cubrir en preproducción, por lo que la preparación de la canción es tempo. Y esto comienza cuando solo escuchas la demo. Ojalá tengas una demo que puedas escuchar antes de empezar a grabar. Si no, si no tienes ninguna demos, entonces definitivamente necesitas estar en algún tipo de espacio de ensayo con la banda antes de estar grabando porque tienes que hacer este proceso antes de llegar al estudio Es muy importante que esto se cubra antes de ese punto. Y si estás en el espacio de ensayo y eso es todo lo que tienes, es el mismo proceso, pero solo tienes que pensar No tienes tiempo para vivir con canciones y tener tiempo para idear ideas. Así mismo proceso, pero es solo que tienes que ser más rápido. Entonces, ¿qué estás escuchando cuando estás escuchando la demo? Bueno, lo primero de verdad es, ¿puede el cantante cantarlo a este tempo? Es sorprendente la frecuencia, ya sabes, un miembro de la banda se le una pista a cierto tempo, está trabajando con la batería y las guitarras y todo lo demás, así que el cantante se une, pero en realidad no es nada bueno para el cantante. Y entonces eso significa que no es bueno para la canción, así que necesita cambiar. A veces, como productor, podrías ser tú quien tenga que intervenir y sugerir esto. Puede ser algo político dentro de una banda que lo dificulte. Pero sí hay que decir si el cantante no se siente cómodo con el tempo, si suena como las letras son apresuradas y no están siendo capaces de ser debidamente enunciadas, debidamente escuchadas, entonces eso necesita ser abordado y hay que probar diferentes tempos Y hablando de eso, ¿ han probado diferentes tempos? Eso siempre vale la pena mencionarlo porque a veces lo han hecho. A veces lo que estás a punto de sugerir también ha sido probado previamente y abandonado. Entonces, si ese es el caso, averigua por qué. El razonamiento para abandonar otros tempos te ayudará a entender un poco más a qué aspiran en la canción porque sabrás por qué no querían ir O más lento. Entonces esos son tus primeros pasos. Idealmente, estás escuchando la demo. Es posible que estés conversando por teléfono o por correo electrónico, y esto es algo con lo que te estás instalando mientras estás en casa y revisando las canciones. Entonces el siguiente paso es escuchar la letra. Ahora bien, ¿qué sugieren las letras sobre el tempo? ¿Debería apresurarse la canción porque la letra sugiere que lo son, o hay letras sugiriendo algo mucho más relajado Había algo que estaba haciendo recientemente, y la canción trataba sobre la quietud. Y la pista era una especie de cosa de tempo medio. Todo fue muy cómodo y todo trabajando, pero realmente sentí que había una oportunidad subrayar esa quietud que se sugería en la letra Ahora bien, el verso estaba bastante ocupado, líricamente. El coro está bastante vacío. Entonces sugerí subir por bastantes BPM para que el coro se sintiera apresurado, solo para darle esa sensación de estar al borde y no del todo poder encajarlo para que cuando entrara el coro, esa quietud y vacío quedaran aún más expuestos, lo que subrayaba la lírica quietud y vacío quedaran aún más expuestos, lo que subrayaba la bastantes BPM para que el coro se sintiera apresurado, solo para darle esa sensación de estar al borde y no del todo poder encajarlo para que cuando entrara el coro, esa quietud y vacío quedaran aún más expuestos, lo que subrayaba la lírica de la quietud. Entonces hay cosas así que puedes echar un vistazo, y luego puedes intentar y ver si hay alguna manera de trabajar con el tempo para entregar mejor la canción. Porque recuerden, eso es lo que siempre estamos haciendo es que solo estamos trabajando para entregar la canción. Y ¿estamos reflexionando cuál es la letra en la canción con nuestro tempo o estamos contrastando con ella ¿Tenemos la oportunidad de hacer algo así? Hay un ejemplo de otra pista que trabajé donde el tempo era crítico, que era una canción muy prolija Y fue una muy buena. Pero los había visto hacerlo en vivo, y el cantante estaba luchando por salir, pero le gustaba la energía que tenía al respecto. Pero las palabras fueron muy importantes para él. No voy a entrar en los detalles de ello. No es importante, pero las letras necesitaban quedarse como estaban. Entonces lo que sugerí, le envié un par de canciones que estaban mucho más a la baja tempo que le permitirían encajar la letra completa en Pero ellos eran más antémicos. Y eso aún sostenía la energía que sabía que quería sacar de la canción que estaba tratando de obtener subiendo el tempo Así que pudimos ralentizar el tempo y crear una gran especie de himno pisando fuerte en lugar de una canción indie apresurada, una especie de ajetreada que no funcionó del todo porque estaba Y funcionó muy bien. Al final, fue una canción que no estaba seguro de querer en el disco, y terminó siendo un primer sencillo accidental porque radio escuchó el disco desde el principio y luego recién comenzaron a tocar esta canción porque les encantó. Entonces esa fue una canción que realmente solo funcionó porque conseguimos el tempo correcto porque estábamos probando cosas diferentes y luego capaces de hacer un salto bastante grande en el tempo y ver a dónde nos llevó eso. 4. 1.3 Discurso de presentación: Entonces, lo siguiente de lo que hay que hablar es el tono de la canción. Eso es lo siguiente en lo que pensar a la hora preparar y hacer tu preproducción, porque lo mismo que cambiar el tempo después de haber empezado a grabar es extremadamente difícil y puede llevar a la degradación de tu audio. Es lo mismo para el lanzamiento. Si necesitas volver a lanzar cosas, volver a lanzar instrumentos musicales a menos que estés trabajando completamente en midi, si estás lanzando algo que se haya grabado, después de que se haya grabado, pierdes la calidad del sonido Hay degradación. Y así es simplemente más fácil, hace que la vida de todos sea mejor si decides antes llegar a grabar en cualquiera de tus DAW, cuál debe ser el tono de la canción ¿En qué clave vamos a estar? Entonces otra vez, lo que haces es escuchar la demo. Escucha lo que está sucediendo en cuanto a la voz del cantante y el sonido de la voz del cantante en ese tono. ¿Es factible? ¿Suenan como que se están esforzando? ¿Suena cómodo? Y entonces es bastante simple, y siempre vale la pena hablar también con el cantante y simplemente decir, ¿cómo te sientes al respecto? ¿Es esta la clave adecuada para ti? Porque normalmente tienen una idea bastante buena si lo es o si no lo es hablar con el cantante. Nuevamente, esto a veces puede ser una situación, como dijimos a ritmo en ese capítulo, que estás hablando con la banda, y tú como productor eres el que es capaz de hacer estas preguntas y decir estas cosas porque a veces puede haber un problema político dentro de la banda que significa que estas conversaciones no se están teniendo. Entonces esto es algo que traes contigo como productor. Haces estas preguntas sobre el terreno de juego. ¿ Es la correcta? Porque podría ser algo un poco más difícil de tocar para un músico. No obstante, realmente tenemos que ir con lo que es más fácil de hacer para el cantante porque eso es lo más importante para la entrega de la canción, que voy a decir esto tantas veces mientras estamos haciendo todo este curso. Todos estamos al servicio de la canción, y eso tiene que ser lo más importante. Entonces sí, es cómodo para el cantante, ¿ pueden hacerlo en este terreno de juego? Ahora bien, la pregunta interesante en ese momento es, ¿debería ser cómoda? ¿Debería sonar como que pueden hacerlo en este terreno de juego? ¿Debería haber algún problema? ¿Deberían estar tensando? Porque de nuevo, volviendo a cómo ajustamos el tempo de una pista, para entregar la emoción correcta, ¿necesitamos ajustar el tono para que sea más difícil cantar con el fin de entregar la emoción correcta? Entonces estás escuchando de nuevo la letra, platicando con el cantante sobre eso y sobre si es posible cambiarla para que la emoción quede más resaltada, más subrayada. Y tengo otro ejemplo aquí. En realidad es al revés. Estaba mezclando un disco. Fue un DVD de un concierto en vivo para una banda. Era una banda Indie. Y me dieron el CD como referencia, como, del disco, porque era su primer disco, así que toda la gira fue básicamente solo el primer disco. Simplemente lo jugaron con un par de lados B. Entonces todo estaba fuera de ese CD. Y lo que noté, que le mencioné al manager cuando se balanceó por el estudio, es que todo el disco era un semitono más alto de lo que vivían Todo el asunto yo era un semitono o un tono. Era solo que el disco estaba un poco más alto de lo que estaban haciendo en vivo, lo cual me pareció interesante porque muy a menudo, ya sabes, como puedes encontrar a medida que los cantantes envejecen, como alguien que lo lleva décadas haciendo, su voz simplemente no va tan alta como solía hacerlo, así que terminan cayendo un semitono o un tono para ir gira y recorrer esas canciones que hicieron Hace 20 años que escribieron para lo que su voz podría hacer entonces. Y ahora, este es un primer down con una banda joven, así que eso no es lo que pasó. Entonces hablé con el gerente al respecto y acabo de mencionar esto. E interesante, lo que la banda había hecho es que habían ensayado todos sus temas para hacer el disco Ellos conocían los tonos de cada canción, y luego los empujaban hacia arriba un semitono o un tono para cada canción para que se estuviera Querían que todo el disco sonara incipiente y al borde. Entonces lo hicieron todo un poco demasiado alto para el cantante. Así que solo se estaba empujando un poco demasiado por cada canción que le daba un nivel extra de energía y filo. Entonces eso es algo que puedes usar tú mismo si piensas en ¿hay necesidad de agregar algo de energía extra a esta canción? ¿Necesito sonar como apresurado en el tempo? Y ahora en el terreno de juego, ¿necesito sonar como si me estuviera esforzando ¿Se supone que hay un elemento de ese tipo de estrés que pueda traer ajustando el tono de la canción? Así que piensa en tu tono en términos de eso, así como en términos de si es el correcto o si 5. 1.4 Letras: En nuestra siguiente etapa de preparación de la canción. Y para ésta, estamos hablando de letras. Ahora bien, una vez que tengas tu tiempo y tu llave resuelta, esta es la siguiente que quieres tener clavada antes de golpear record en cualquier cosa porque volver atrás y cambiarla es un dolor No tanto como la clave y el tempo. Pero sigue siendo un dolor, así que lo mejor es que se haga todo esto antes de comenzar. De nuevo, voy a estar acercándome a esto en términos de ser un productor más que un artista autoproductor. Pero todo esto también es muy importante como artista autoproductor para hacerte tú mismo y revisarte a ti mismo o incluso revisar tus cs con otras personas. Pero nos meteremos en eso. Será obvio con qué partes necesitas hacer eso a medida que avanzamos. si sientes que algunas de las letras necesitan ser cambiadas, la primera pregunta que podrías hacerte es, ¿qué tan involucrado deberías estar en la letra? Esta es una zona sobre la que me parece que algunos artistas pueden ser un poco más sensibles que otros. Así que siempre tengo un poco de cuidado al hacer sugerencias para cambiar de letra. No va a ser lo primero con lo que salga. Lo dejaré, ya sabes, hasta que tengamos algunas otras cosas de las que hemos discutido que hemos cambiado, que nos hemos adaptado, y están trabajando para que haya un nivel de confianza en la sesión de que las cosas van bien, y que la gente esté contenta con mis sugerencias y dispuesta a probar cosas. Entonces cuando sepa que ahí estamos en una buena situación, entonces empezaré a hacerlo si siento que algo necesita funcionar de manera diferente en la letra, entonces probaré el agua con solo un pequeño cambio y veré cuál es la reacción. Esto es obviamente algo que es importante hacer en la sala con el cantante, para que puedas ver cuál es su reacción ante tu cambio lírico Aquí, estoy asumiendo que el cantante es el letrista, como suele ser. Obviamente, si no lo es, esto se vuelve más fácil porque nadie está apegado emocionalmente a la letra. Pero solo trabajando en esa suposición, pruebas el agua con un pequeño, poco cambio, y ves qué pasa entonces. Entonces, las preguntas que te quieres hacer en cuanto cuando estás pensando en revisar la letra y ¿tienen razón? Lo primero es, ¿ el ritmo fluye bien? Muy a menudo las letras se pueden escribir ligeramente alejadas la música en que ciertas palabras quieren estar ahí, ciertas líneas quieren estar ahí, y ocasionalmente llegas a este punto donde el cantante realmente quiere cierta letra en la canción, pero no va encajando con la canción y algo puede sonar un poco crowbd en algunas veces como si hubiera sido forzada Ahora bien, de nuevo, lo que estamos haciendo aquí es que no estamos trabajando al servicio de la canción si dejamos esa letra adentro porque si se llama la atención del público sobre el hecho de que una voz no fluye correctamente y suena incómoda e inconexa, entonces no están escuchando Están escuchando, ya sabes, esencialmente un error. en esa situación, ya sabes, mencionaría eso y preguntaría si hay una mejor manera de expresar esa emoción con diferentes palabras que funcionen mejor con el ritmo. A veces esta puede ser una situación en la que el artista sabe ese tipo de profundidad, el artista sabía que no estaba funcionando muy bien y era algo optimista de que lo hiciera. Entonces, cuando lo mencionas como productor, y hay una comprensión de que ese tipo de duda subyacente era correcta y luego van y la cambian. Personalmente, no creo que sea un gran letrista, así que generalmente no hago sugerencias en cuanto a qué cambiar algo también, sino más bien que algo podría necesitar un cambio, y luego dejo que el letrista ocupe Entonces sí, ¿fluye bien? Eso es algo así como lo primero que debes preguntarte. El siguiente es, ¿tiene sentido? A veces la palabra se puede usar fuera de contexto y no funciona del todo. No está del todo bien. Y vale la pena sacarlo a colación si tú como productor no sientes que las letras tienen sentido. Si no están teniendo sentido para ti, entonces tal vez solo pregunta al respecto, podría ser que es solo que aún no lo entiendes del todo, y cuando te lo expliquen, lo haces, o podría haber, ya sabes, alguna jerga con la que no estás familiarizado eso está en la letra Y por lo tanto, una vez que se explica, entonces lo hace. Un buen ejemplo de hace mucho tiempo atrás en los años 70 fue la pista Walk on the Wild Side de Lou Reed, una pista famosa, ejemplo tan famoso. y usó jerga De hecho, Louis hizo esto en bastantes veces. Usó jerga que creó porque no quería que saliera No quería la letra que usaba para fechar la pista. Entonces usaría su propia jerga que inventaría, y luego no estaba atada a un momento en particular Entonces eso podría ser lo que alguien está haciendo. En cuyo caso, solo verifica eso si eso es algo de lo que no estás seguro Y entonces si ese es el caso, eso es genial. Ya sabes, solo déjalos continuar. Porque la otra pregunta es, ¿deberían tener sentido? Si hay cosas así siendo arrojadas para ser, ya sabes, deliberadamente artística, interesante elección deliberadamente artística, interesante, entonces eso es genial. O, ya sabes, en el otro extremo del espectro, tienes bandas como cockta twins en los 80 o más recientemente Cigaros y son bandas que cantaban con sonidos Deliberadamente no usaron palabras adecuadas, o si eran palabras, no se construyeron para que tuvieran sentido como letra, como oración Era solo que eran los sonidos adecuados para poner en esos lugares. Entonces, si ese es el caso, entonces eso es genial. Ya sabes, eso está permitido que fluya siempre y cuando fluya rítmico, y esté sonando bien, luego ir con él y luego no se supone que tenga sentido. Entonces eso está bien. El último punto, y esto es raro, pero a veces, ya sabes, vez en cuando he trabajado con un artista para el que el inglés no es su primer idioma. Y entonces también estás ayudando con la traducción, básicamente. Eso es parte de tu trabajo es simplemente comprobar que las traducciones al inglés están funcionando. Al igual que, hay un ejemplo en el que uno, alguien usó cierta palabra del argot que pensaban que funcionaría en inglés, pero en realidad tenía connotaciones políticas bastante negativas, que no esperaría que nadie fuera de Inglaterra Pero como entonces estaban lanzando esas canciones en Inglaterra y las personas para las que el inglés es el primer idioma entenderían esas implicaciones, lo mejor era usar una letra diferente en ese momento Entonces para esas cosas, ya sabes, eres una parte importante del proceso ahí, así que solo sé consciente de eso y ayuda a guiarlos a través de eso. Y luego, por último, sólo como un punto, recuerda destacar las letras que te encantan. Así que cuando estas cosas aparecen, ya sabes, y me pasa mucho cuando estoy trabajando con artistas, ya sabes, habrá líneas que me matan absolutamente, y me aseguro de hacerles saber que, ya sabes, esa línea, me encanta absolutamente porque además de, ya sabes, mostrarle a la gente dónde puede ser mejor, también necesitas mostrarles dónde están muy, muy bien y las cosas que amas porque eso solo ayuda a que todos se sientan un poco mejor. Ayuda a que la sesión avance mejor. Entonces con todas estas cosas en las que estás diciendo, Oh, tal vez esto podría ser diferente, tal vez esto podría ser diferente, ya sabes, hay otras cosas donde, ya sabes, voy a decir, no te atrevas a cambiar una palabra de esa línea que es increíble. Entonces sí, otra cosa para recordar para seguir volviendo a las cosas que amas y seguir recordando al cantante, al letrista esos bits 6. 1.5 Comenzar el viaje psicológico: En esta conferencia, vamos a estar hablando de que realmente está construyendo las bases de un entorno realmente creativo en el que puedas hacer tu grabación. Y eso es una especie de inicio de lo que yo llamo el viaje psicológico. Y eso probablemente suene demasiado pretencioso, pero realmente se trata de poner a todos en la mentalidad correcta y poner al cantante en la mentalidad correcta, así que sabemos que podemos obtener la mejor actuación de él o Así que empezaré en la etapa de preproducción porque quiero que todos sientan que están haciendo algo donde puedan ser creativos y expresivos posible lo más creativos y expresivos posible para que cuando lleguemos a presionar el botón de grabación, hagamos que la gente se estire creativamente y probando cosas diferentes y tratando de ser lo mejor que puedan y ojalá llegue algún lugar al que no han llegado antes. Entonces para hacer eso, cuando empezamos, ya sabes, soy productor, así que parte de mi trabajo es llegar a algunas ideas. Entonces seguiré poniendo ideas en la mezcla y haciendo sugerencias. Y lo que dejo abundantemente claro desde el principio es que estoy muy feliz de equivocarme Al igual que, soy casi imposible de ofender. Entonces, si lanzo una idea y a alguien no le gusta, entonces házmelo saber, ya sabes, y ya no está, y solo se me ocurrirá otra idea. E incluso en la medida en que si siento que nadie dice que mis ideas son malas, entonces diré que mis ideas son malas. Entonces voy a poner en uno que no estoy seguro, y luego lo tiraré solo para dejar claro que no puedo ofenderme Sabes, puedo equivocarme, y estoy muy feliz por eso. Y el punto del ejercicio, el punto de lo que estamos haciendo es que solo se nos ideas y todos las escuchan y las estamos sopesando y las estamos probando, y estamos echando las que no nos gustan, y luego eventualmente llegaremos a las que nos gustan y las que vale la pena probar y con las que trabajaremos. ¿Correcto? Entonces, al constantemente idear ideas y tirarlas constantemente a la basura, todos nos estamos poniendo más cómodos con la idea de que eso es algo que todos deberíamos estar haciendo y todos podemos estar haciendo. Y eso termina poniéndote en un entorno creativo mucho mejor. Esa es la idea. Ahora bien, si puedes, me parece mejor hacer esto cara a cara, porque entonces realmente estamos siendo honestos el uno con el otro y es más fácil hacerlo por correo electrónico. Ahora estoy diciendo esto. Ya sabes, actualmente es febrero. Estoy en Reino Unido, febrero de 2021. Estamos en otro de estos bloqueos de COVID 19. Todos en el país necesitan un corte de pelo y un abrazo. Entonces tipo de cosa cara a cara es mínima en este momento. Pero tenemos a Zoom, ya sabes, no está del todo sentado en el pub con alguien, pero es mejor que nada. Y, ya sabes, ese tipo de interacciones cara a cara son muy, muy importantes para establecer este nivel de confianza que se requiere para todos sientan que pueden ser realmente creativos y llegar a áreas más creativas entre ellos. 7. 1.6 Preproducción de los voces de acompañamiento: Entonces ahora voy a hablar de los coros. Esto vale la pena mencionarlo cuando estás en la preproducción cuando estás en esta etapa. A menudo es algo que encuentro que no se ha pensado tan profundamente como quizás algunas de las otras partes. Normalmente, supongo que eso es porque no es la parte principal de nadie en una banda. Ya sabes, hay bastante frecuencia con bandas o obviamente, si se trata de un solista, también, han pensado en la voz principal y las partes del instrumento individual, pero no han pensado demasiado en la forma en que van a ser las coros A menos que, por supuesto, se trate de una canción que ya ha sido girada fuertemente, si ha sido de gira, probablemente haya habido algún nivel de respaldo vocal siendo trabajada, aunque quizás no tanto como quisieras para la grabación completa Ya sabes, no hay tantos como van a ser para la grabación. Entonces, hay algunas preguntas que debes hacer en esta etapa que ayudarán a acelerar y hacer una buena grabación. Y el primero es ¿quién va a estar haciendo los coros Entonces, ¿quién es el cantante para estos? A veces es el cantante. Ya sabes, quien sea el vocalista también hace los coros. A veces puede haber un miembro dedicado de la banda que las haga. Ya sabes, solo lo descubres porque es bueno que lo sepas para que puedas saber cómo van a funcionar las sesiones y cómo van a encajar las cosas. También podría ser algo que no hayan discutido entre ellos, y alguien tiene algunas ideas sobre cómo quiere que le agreguen algunos coros, lo cual es genial Entonces vale la pena tener una conversación sobre todo eso. El siguiente es donde van a aparecer en la canción. Entonces esto obviamente también es importante, ¿es si solo están en el coro, o están en otras partes? ¿Hay otras cosas que quieran poco de subrayado con una voz de respaldo? Ya sabes, ¿el Ache medio va a funcionar como vocal de respaldo? ¿Todo? ¿ Hay planes en eso? Así que vale la pena mencionarlo también. Y entonces también ¿cuántas partes va a haber? ¿Tienes una idea todavía como artista si va a haber solo algunas cosas duplicadas haber solo algunas cosas duplicadas para hacer que las cosas suenen más gruesas o si tienes, como, una armonía de cinco partes pasando en tu cabeza que necesitas para salir Entonces esas cosas vale la pena saber de antemano, para que puedas planear tu sesión y saber quién va a cantar esas partes, cómo va a funcionar eso porque alguien podría tener algunos planes vocales de respaldo bastante ambiciosos, y aún no los han probado. Entonces eso sí plantea también la cuestión. ¿Necesitamos contratar a un cantante para poder hacer estos coros Pueden estar fuera del registro de cualquiera de la banda, o, ya sabes, puede ser que seas solista. Estás trabajando con un solista, y quieres un tono diferente en tu tono vocal en tu disco. También, ya sabes, podría ser que sea una banda de chicas, y quieren una voz masculina o viceversa. Entonces todas esas cosas deben abordarse antemano o al menos hay que hacer las preguntas. A pesar de que las respuestas pueden no estar listas, pero son solo cosas en las que hay que pensar porque realmente lo que estamos haciendo en este momento es que estamos plantando semillas. Ya sabes, estamos ayudando estamos ayudando al artista o la banda a resolver exactamente lo que quieren para que cuando entren al estudio para comenzar a grabarlo, caminen con un nivel de confianza que, ya sabes, ellos saben que quieren esto. Pero también, cuando salen del estudio, cuando está hecho, entonces no empiezan a pensar en lo que podrían haber hecho, ya sabes, que cuando estemos en la sesión de grabación para las voces, sepamos lo que estamos haciendo y sepamos lo que queremos Entonces una de las cosas que podríamos estar haciendo es que solo podríamos estar rastreando la pista. Sabes, podría haber solo voces adicionales en la parte superior de la pista, que no necesitan mucho ejercicio, ¿ de acuerdo? Si solo estás duplicando lo que está pasando con el protagonista, eso es genial Si eso es todo lo que alguien quiere, entonces ese es un proceso sencillo. Entonces ahí no se requiere mucha planeación. No obstante, si buscas armonías, eso es un poco más complicado, y, ya sabes, necesitan hacer ejercicio para que no termines a la deriva al unísono con el plomo y estamos haciendo, ya sabes, un tercio y una octava o ¿qué es exactamente lo que buscamos en términos de armonías Entonces todas esas cosas realmente vale la pena tener una pequeña conversación sobre como dije antes, aunque no hayan obtenido las respuestas, empiezan a pensar en cuáles podrían ser las respuestas. Así que cuando lleguemos al estudio para grabar, estamos listos. Es solo dejar tiempo para ese tiempo de planeación entre la preproducción y la grabación para que se tomen esas decisiones. Entonces la otra pregunta u otra pregunta que hacer es, ¿qué hay que subrayar Lo toqué antes, pero ¿dónde vamos a estar cantando ? y qué estamos subrayando si solo estamos estratificando, ya sabes, si estamos usando ese tipo de técnica de rastreo O tendido con armonías. Ya sabes, no lo está rastreando. Es hacer armonías, pero están a tiempo con la voz principal O vamos a empezar a usar cierta complejidad en el arreglo de las coros para construir la canción Esto se utiliza un montón de veces. Un montón de ejemplos diferentes, pero solo te voy a dar algunos aquí solo para tener rápidamente una caja. Hay una pista de Creo que fue el Kiss de Rose by Seal de los 90, que, se puso realmente genial al medio ocho, que comienza bastante simple, y luego se acumula con algunas armonías diferentes superpuestas Y esencialmente el ocho medio se construye con eso y una sección de cuerda que apenas crescenda hasta luego aterrizar en el coro final Y es realmente, muy genial e inteligente el uso de coros para hacer eso Un ejemplo más reciente que creo que es bastante interesante son los bloques Breeze de Old J, donde al final de la pista, tienen, creo que es la misma letra, y se usa en diferentes partes y rítmicamente de una manera diferente, cada Entonces creo que hay alrededor de tres partes o algo así, y están cantando la misma letra, pero una y otra vez entre sí Y luego al final mismo, todos cantan juntos en armonía. Entonces esas tres partes distintas que se han ido superponiendo y cruzando luego cantan juntas al unísono y armonía, creo, o puede que sólo sea al unísono Podría ser solo una melodía la que están cantando. Pero ese tipo de caos hacia la coherencia es un paso realmente interesante que realmente resuelve el final de esa sección. Y otra que creo que es un gran uso de coros es una pista la Tinting llamada Creo que podría ser el ting ting. He escrito Ting tings ahí, que se llama That is Not My Name. Y es una canción bastante larga, y el final es muy largo, y hace un muy buen trabajo al tener un montón de capas interesantes de coros, y están haciendo cosas muy diferentes rítmicamente Y hay una voz masculina y femenina, y creo que cada uno está haciendo un par de cosas. Y lo que están usando muy bien es cantar en diferentes registros, esos dos cantantes, cantando en diferentes registros y usando diferentes tiempos, para que haya mucha complejidad que se trae a la canción solo por lo que están haciendo con los coros Así que eso nos lleva a la idea de coros sin capas Entonces, cuando no te quedas con lo que es el plomo y reforzándolo con una parte al unísono o con armonías, hay diferentes cosas que puedes hacer Por ejemplo, puedes estar llenando los huecos, así que podría ser que solo estés haciendo los huecos o estés cantando más tiempo. Ya sabes, estás poniendo algunas voces más largas en los huecos entre las líneas de la letra principal Pero también, Adlibs obviamente una parte importante de los coros, particularmente si te gustan ciertos estilos pop y R&B, Adlibs son, ya sabes, tan importantes, hay una pista al final, ya sabes, están ahí arriba con la voz principal, y son los que traen el interés cuando se repite el coro son los diferentes Adlibs o qué cuando se repite el coro son los una parte importante de los coros, particularmente si te gustan ciertos estilos pop y R&B, los Adlibs son, ya sabes, tan importantes, hay una pista al final, ya sabes, están ahí arriba con la voz principal, y son los que traen el interés cuando se repite el coro son los diferentes Adlibs o qué traer el interés a la canción en esos puntos. Entonces esa es otra cosa en la que pensar es en cuánto va a pasar eso. Ahora, Adlibs obviamente por la naturaleza de sus Adlibs. Entonces se supone que no debes planear eso demasiado, aunque sí conozco a algunos artistas que planean sus Adlibs con mucho, mucho cuidado Entonces tal vez eso solo vale la pena mencionarlo con tus artistas. Entonces, ¿quieres planear tu AdLibAsí que prefieres hacerlos simplemente estímulo del momento y ver qué sale? Otra cosa es una llamada y respuesta tipo de respaldo vocal vocal, vocal y respaldo vocal. Gran ejemplo siendo Reales de Lord o Lordy. No estoy muy seguro de cómo se supone que se debe pronunciar eso. Pero, ya sabes, la canción quiero decir, esa es una búsqueda fácil. Entonces sus coros en el coro están apenas en las brechas, y es una situación de llamada y respuesta Entonces ese es otro genial también. La pregunta que hay que hacer si realmente estás en una etapa temprana de pensar en coros, ¿qué es lo que quieres de ellos Ya sabes, ¿Cuál es la respuesta emocional que buscas obtener de los propios coros Entonces, ¿estás tratando de darle un nivel extra de intimidad a la canción? En cuyo caso, tal vez estés buscando una especie de coros susurrados que sean bastante secos y simplemente silenciosos y realmente al oído del oyente, porque ya sabes, los coros podrían sacar eso O tal vez estamos buscando una gran especie de situación multitudinaria en la que estés animando al oyente a cantar Siempre pienso que si puedes tener una pista en la que has trabajado tocó en un pub y todo el mundo canta en un pub o un bar en algún lugar, entonces has hecho un muy buen trabajo al traer una audiencia contigo. Entonces tal vez quieras tener un montón de voces sueltas con mucha gente diferente cantando, así obtienes todos esos tonos diferentes, así que suena como una multitud A lo mejor es la manera que quieres ir. Un buen ejemplo de esto sería Hey, amigo, con la nana nana nana bit al final, que dura Es como siete minutos Otro o algo así. Y es una multitud cantando, y eso simplemente te levanta porque quieres cantar a lo largo porque puedes escuchar a la multitud cantando. que también me lleva a los BBs sin letras, ya sabes, ahí está el tipo de cosas nana Na que obtienes, o están los oohs y los s, ya sabes, todas esas cosas son importantes, también, y pasar a formar parte de la instrumentación, y pasar a formar parte Y eso es construir diferentes secciones y hacer que partes de la pista se sientan más amplias y profundas. Entonces esas también son cosas que solo vale la pena mencionar y has pensado en algo así todavía, que el artista esté un poco más preparado cuando aparecen. Entonces en ese sentido, la planeación de la sesión, ¿qué es lo que vamos a hacer ese día? En cuanto a tu planeación diaria y qué pasa cuando, quieres estar preguntándote, estamos haciendo voces de bloque en eso Voy a explicar lo que quiero decir con voces de bloque con coros Es que están todos juntos. Todos están en cierto momento, y todos están cronometrados al ritmo, no a la voz principal, ¿de acuerdo? Entonces, si es un bloqueo que no importa lo que hagan las voces principales, y esencialmente la voz principal está trabajando alrededor de eso, entonces eso podría grabarse antes que la voz principal Así que no necesitas hacer la voz principal antes de los coros. Podrías hacer primero los coros, y luego el protagonista canta alrededor de eso Porque sea lo que hayan hecho los coros, realmente no le importa al protagonista, no se supone que se canten juntos Pero si son, ya sabes, dobles o si se supone que deben estar trabajando con la voz principal, entonces obviamente, primero necesitas grabar la voz principal. Necesitas obtener la comp de la voz principal. Nos adentraremos en todo ese comping y cosas en la sección final de este curso donde hablamos de comping y edición Entonces todo eso tendría que hacerse para que las coros puedan grabarse al plomo y los vocalistas de respaldo puedan escuchar lo que hacen las voces principales y trabajar Todas esas cosas a mirar, o al menos que esas semillas se planten antes de entrar a la sesión para antes de entrar a la sesión que cuando empecemos a grabar, no nos preocupe y sepamos lo que estamos haciendo, y sea una sesión muy agradable y tranquila 8. 1.7 Equipo: lo último de lo que voy a hablar en cuanto preproducción y preparación de la canción es gear Ahora bien, esto no es realmente parte de la preproducción como tal, pero es algo que podría levantar la cabeza Entonces solo vale la pena comprobarlo. Y es decir, ¿hay alguna pieza favorita de equipo, un micrófono favorito, un pre de micrófono favorito, ya sabes, una cadena de señal favorita que tiene el cantante con el que estás trabajando y que van a querer usar Sabes, me ha pasado algunas veces donde ha habido una llamada de antemano con X cantante al que le gusta usar un bla, bla, bla Y entonces, ya sabes, vale la pena hacer esa pregunta, particularmente trabajar con cantantes más experimentados porque a menudo pueden tener algún tipo de preferencia La otra pregunta es, por supuesto, ¿estamos tratando de igualar un sonido existente? Si no estás iniciando un nuevo proyecto, si vas a entrar en un proyecto o hay otros productores que están haciendo otras pistas, y todo eso va a ser parte del mismo proyecto, y todo tiene que ser mezclado al final y emparejado. Entonces podría valer la pena averiguar cuál es la cadena de señales que ya han estado usando. Y si lo están disfrutando, entonces tal vez sería prudente igualar eso. Y luego, particularmente, obviamente, si después los estás mezclando todos eso te hace la vida más fácil, pero solo facilita la vida del mezclador, hace que todo el proyecto suene más coherente. Entonces vale la pena intentar hacer eso, si es posible. Y por lo tanto, tal vez necesites contratar algo en o si tienes suerte pedir prestado o algo así Pero si sabes lo que estás haciendo, sabes lo que necesitas, entonces puedes contratarlo antes la sesión y todo está preparado y listo. Y es solo que generalmente es una forma más profesional de dirigir la sesión. 9. 2.1 Capítulo 2 Introducción: Bien, bienvenidos al Capítulo dos. Bien hecho al completar el primer capítulo. Espero que haya mucho ahí para que aprendas, y sacaste algunas cosas de ello. Y ahora vamos a hablar de preparar el estudio. Así que no estamos del todo en presionar el botón de grabación todavía, porque todavía hay una buena cantidad de lo que hablar para prepararnos para obtener el rendimiento adecuado. hay un poco de técnico en este capítulo, y voy a entrar en eso. Para la gente a la que le gusta hablar equipo, hay una parte de eso Pero también, aunque seas, ya sabes, el engranaje más grande del mundo, por favor toma nota también de los aspectos psicológicos y de las cosas que debes hacer porque como dije antes, todo el mejor equipo no te ayuda si no estás obteniendo el rendimiento adecuado Entonces aquí estamos pensando en lo que estamos apuntando, que es realmente estamos apuntando a una muy buena clase de expresión emocional por una muy buena clase de expresión emocional parte del artista. Ahora bien, para conseguirlo, hay una posibilidad razonable de que hay una posibilidad razonable el artista tenga que estar um estar en algún lugar que para ellos sea vulnerable y empiecen a sentirse frágiles. Y si están en ese tipo de estado de ánimo, realmente necesitan un ambiente que sea muy solidario porque en última instancia, cuando estamos grabando voces, es el instrumento más transparente que grabamos porque en realidad presenta parte del cuerpo humano que es el instrumento. cualquier tipo de conflicto emocional, cualquiera de ese tipo de cosas, realmente van a ser parte de la grabación. Y eso es algo que podemos usar a nuestro favor así como en desventaja. Sabes, ya sabes, queremos esas emociones, pero solo hay que tener cuidado que sean las correctas, ¿de acuerdo? Entonces, lo que vamos a intentar y hacer es construir un ambiente que sea cómodo, físicamente cómodo, así como emocionalmente. Es solidario y no juzga completamente, ¿verdad? Entonces en eso, en este capítulo, vamos a hablar las cosas técnicas que puedes hacer por eso. Y eso se trata de crear el ambiente adecuado de confianza en el estudio. Entonces, si todo está funcionando técnicamente, entonces el artista sabe que no hay preocupaciones por eso. No tienen que pensarse que las cosas se van a romper, ya sabes, voy a estar desperdiciando mi energía aquí porque nada va a funcionar? ¿Se va a perder la actuación en algún lugar del éter? Así que vale la pena cubrir todo ese tipo de cosas técnicas. Y también, ya sabes, estamos haciendo algo de ingeniería al final del día aquí también. Esto no es sólo producción. Entonces queremos que las cosas suenen bien. Porque eso realmente nos va a ayudar a entregar la emoción correcta si suenan bien. Entonces ahí está eso para cubrir, y luego también tenemos que hablar del ambiente que creamos en el estudio, porque el mayor enemigo que tenemos cuando estamos trabajando con cualquiera que esté actuando es lo que se llama ansiedad de performance. Yo sí tengo una conferencia sobre esto. Es universidades. A lo mejor debería tal vez debería ponerme algo aquí. En fin, podría haber un curso sobre eso en un rato. La ansiedad por el desempeño generalmente está relacionada con la vergüenza o trauma pasado, que puede haber ocurrido durante una actuación, y por lo tanto tienen ansiedad al respecto, o puede que no esté relacionada con una actuación en absoluto, y puede que simplemente sea algo que alguien lleve consigo. Entonces solo necesitamos ser sensibles de que eso pueda ser lo que está sucediendo. Eso podría ser algo de lo que no conoces y no entiendes, pero solo dale a alguien el tiempo y el espacio para trabajar a través de esas cosas que tal vez necesite resolver. Entonces eso es parte de crear el ambiente que va a obtener el mejor rendimiento de las personas. Entonces sí, básicamente, dos cosas que estamos viendo, una con competencia técnica, infunden confianza en la gente con la que estamos trabajando de que las cosas van a ir bien, y luego esa confianza que aportan a su desempeño Y luego también el ambiente creativo que estamos creando con el que empecé en el último capítulo y todavía estamos construyendo en este capítulo para que el intérprete nos dé nuestro papel, nos dé su mejor oportunidad. 10. 2.2 Preparativos técnicos: Entonces ahora estamos en preparar el estudio, y lo primero que vamos a hacer para prepararlo es prepararlo técnicamente. Ahora bien, para aquellos de ustedes que son autoproductores y pueden pensar, ya sabes, solo voy a vomitar un micrófono. Voy a estar bien. No necesito hacer toda esta preparación. No tengo clientes entrando. De verdad enfatizaría que es tan importante para ustedes hacer esto para separar la parte técnica de lo que están haciendo. Con la parte creativa. Entonces haces el bit de ingeniería, y eso es un proceso separado, un día separado, aunque sea posible, o al menos has separado el proceso entre la parte de ingeniería de lo que tienes que hacer y la parte de rendimiento de lo que tienes que hacer. Esos dos lados diferentes de tu cerebro, cuando estás saltando entre ellos, ambos van a sufrir. Así que haz todo esto exactamente como si te estuvieras preparando para que otra persona entrara y cantara que cuando vengas a cantar y estés cantando, eso es todo lo que estás pensando, y estés obteniendo la mejor actuación que puedas. Obviamente, todo esto no hace falta decir si solo eres un productor que trabaja con otro cliente como yo, así que todo está preparado antes de que lleguen Sin embargo, solo pensé que diría que eso también es muy importante para los artistas autoproductores. Entonces, aquí vamos. Nos estamos preparando. ¿Qué estamos haciendo? Estamos poniendo nuestros micrófonos en gradas. Obviamente, eso es muy obvio que no va a sostenerlo a menos que, ocasionalmente, muy ocasionalmente, consigas un artista que desesperadamente quiere usar una computadora de mano Ya he trabajado con un boxeador beat antes. Así fue como trabajaba. Él manejó el micrófono porque tenía muchas técnicas diferentes que consiguieron diferentes sonidos, y definitivamente necesitaba, ya sabes, sostener un Shure SM 58 o similar para poder hacer eso Pero aun así el micrófono va sobre un soporte, ya sabes, ahí es donde descansa. Ahí es donde se sienta. Así que pon el micrófono en las gradas. ¿Y entonces estamos poniendo más de uno arriba? Tienes más de uno, obviamente. Ahora, vamos a entrar en la selección de equipo más adelante. Tengo un todo, ya sabes, conferencia sobre, ya sabes, a qué micrófonos probar y Mike pres y todo el tipo de charlas de equipo Entonces esta vez, solo voy a decir, si tienes más de uno, entonces eso es genial, porque lo que te permite hacer es probar algunos micrófonos diferentes, y eso te permite escuchar al cantante en diferentes micrófonos, ver cómo reaccionan y ver cuál es el mejor para ellos Así que pongo normalmente unos tres o cuatro micrófonos diferentes que son buenos para la voz y que podrían funcionar en esta cantante Y luego cuando empiece con el cantante, pasaremos por y comprobaremos y escucharemos esos diferentes micrófonos. Y también consigo que el cantante se involucre. Algunos están más interesados que otros, pero involucrelos y escojan el que les suene mejor. Así que estamos recibiendo algunos micrófonos diferentes en las gradas en preparación para la sesión. Lo que también es importante si tienes el lujo de más de un micrófono es que ahí tienes piezas de repuesto para que si algo, ya sabes, Dios no lo quiera, algo va a mitad de sesión, y es una rotura no fijable, entonces tienes otro listo para que la sesión no tenga Ya sabes, solo sacas el siguiente mejor micrófono, lo pones delante del cantante, vuelves a enchufar algunas cosas, golpeas disco, y, ya sabes, vas y estás corriendo Las sesiones siguen en curso. Así que consigue todos tus micrófonos que vas a usar o que quieras revisar. Póngalos en gradas, y luego menear los cables porque esa es una fuente tan común de falla en una ruta de señal es solo una pista que tal vez está siendo almacenada mal o, ya sabes, hay una parte de ella doblada ya que ha estado descansando contra una pared o algo raro así, y algo se ha deshecho Entonces, en una posición estacionaria, los cables pueden funcionar y, ya sabes, hay un poco de contacto entre los dos trozos de cable roto dentro del cable. Y luego en cuanto algo se mueve, ese contacto se divide. Y has perdido tu señal. Así que ve a través de los leads que estás usando en tu ruta de señal y simplemente dales a todos un poco de meneo y asegúrate no perder ninguna señal en ningún momento mientras haces eso Porque si lo haces, entonces necesitas cambiarlo a diferentes leads, obtener algunos leads diferentes. Ruta de señal comprobada. Entonces aquí obviamente tienes el micrófono upp, has enchufado todo lo que vas a estar usando Obviamente, tienes el McAP que es importante. Si solo estás usando el Mcap en la interfaz, entonces es bastante simple Es un cable desde el micrófono a la interfaz. O sea cual sea tu ruta de señal, ten todo eso enchufado, ten una pista armada en tu DAW que también vas a grabar, y luego hablar por el micrófono y asegurarte de que la señal esté funcionando, porque lo último que quieres es aparezca un cantante y luego no funcione, y estás ahí estás enchufando leads pareciendo que no sabes lo que están haciendo. Así que, lo ideal sería que se marque la ruta de la señal antes de que los cantantes estén listos antes de que estén en el edificio Y también los auriculares. Así que los auriculares también necesitan ser revisados. Entonces con toda esa configuración, lo que hago es tener toda mi ruta de señal establecida y un auricular envía configurado en mi DAW, y luego voy a ponerme los auriculares y me escucho para que sepa que cuando un cantante se acerca al micrófono, se pone los auriculares, pueden escucharse a sí mismos Entonces, toda la ruta de la señal, incluida la sección de auriculares, está funcionando. Y eso es en caso de que consigas a uno de esos cantantes que entra y quiere cantar. Ya sabes, muy a menudo, habrá un poco de charla y un poco de climatación mejor habrá algún calentamiento del cantante, ese tipo de cosas. Pero, ya sabes, ya he trabajado con cantantes antes, y literalmente ellos entraron por la puerta Vieron dónde estaba el micrófono, y saludaron mientras caminaban hacia todos en la sala de control, y no dejaron de caminar hasta que estuvieron parados frente al micrófono, y dijeron: Bien, vamos. Entonces esperaban que todo estuviera listo para golpear récord mientras entraban por la puerta, y esa es la posición en la que deberías estar. Incluso sé de gente que, um te voy a adivinar, creo que es Bono, pero podría estar equivocado en esto, que siempre quiere una micra puesta incluso cuando las pistas se mezclan para que si quiere entrar y rehacer una voz, se pueda hacer Entonces ese es el nivel de profesionalismo al que debes estar apuntando es que todo esté configurado. Estás listo para golpear disco cuando el cantante entre por la puerta para que si eso es lo que quieren hacer, estés listo para hacer. Entonces tu lista de chequeos, de verdad. Las cosas que quieres que sean una especie de regla de oro aquí es ser minuciosas. Entonces estás revisando todo. Te estás asegurando de que tus clientes potenciales estén funcionando. Te estás asegurando de que todo funcione. Te estás poniendo en la posición del cantante. Y, ya sabes, esto te incluye a ti. Si eres el cantante, si eres autoproducido, imaginas que estás a punto de dar un paso para hacer una voz. Haces todo lo que harías en ese proceso, y te aseguras de que todo funcione de esa manera. Y usa tu lista de verificación. Entonces voy a estar poniendo una lista de verificación. Estoy grabando esto antes de haber hecho la lista de verificación o incluso subido al sitio. Entonces no sé exactamente dónde estarán, pero será obvio. Habrá una lista de verificación que podrás descargar que tiene todo el proceso de cómo configuraste tu estudio para grabar una voz para que no necesites recordar lo que se dice aquí. Solo podrás sacar tu lista de verificación y puedes marcar las casillas o lo que sea a medida que avanzas mientras montas tu estudio para que no haya nada que olvides. 11. 2.3 Crear el capullo: En esta conferencia, vamos a hablar de psicología, básicamente. Esta es la psicología de una sesión de grabación, y esto es algo que me sale muy amable que me meto mucho porque creo que es tan, muy importante. Y mucha gente no se involucra tanto en ello. Muchos productores no se involucran tanto en ello. Y creo, ya sabes, definitivamente es una ventaja ser quien se está involucrando realmente en la psicología de la sesión y asegurándose de que la psicología para desempeño sea lo mejor que pueda ser y tan positiva como pueda ser. Entonces esto es lo que yo llamo construir el capullo, que realmente se trata crear un ambiente para el cantante donde se sienta, ya sabes, como que no van a ser juzgados y están en un ambiente seguro, esa es la palabra Un ambiente seguro, no ser juzgados y lo que significa que pueden desempeñarse. Ya sabes, pueden llegar a lugares a los que normalmente no llegarían en rendimiento, y pueden probar cosas, y así es como vas a obtener su mejor desempeño, ¿ verdad? Entonces por eso construyes el capullo para que se sientan así Ahora bien, de nuevo, si esto es tú mismo produciendo, entonces esto también es importante, ¿de acuerdo? También tienes que hacerlo por ti mismo y construir esto por ti mismo para que estés cantando en el ambiente adecuado para ti. Entonces, para empezar, podrías saber por todas estas pequeñas luces bonitas de aquí, es iluminación. Ahora, voy a citar a Bruce Swadean quien es un ingeniero muy famoso, y estaba describiendo la grabación del thriller de Michael Jackson Y dijo: Otra cosa que aprendí de Michael es que siempre cantaba en la oscuridad. Su sentimiento y Quincy siempre estuvieron de acuerdo, ese es Quincy Jones, el famoso productor, era que la luz distraía mucho Así que la iluminación es realmente importante. No voy a decir que hay que grabar en la oscuridad. He trabajado con un par de personas a las que les gusta trabajar así, pero me parece bastante inusual que alguien quiera trabajar en la oscuridad completa. Ya sabes, más que nada, si tienes una hoja lírica que mirar, eso no te va a ayudar Pero la iluminación es muy importante, y creo que algún tipo de iluminación ambiental suave marca una gran diferencia en el estado de ánimo de tu estudio, y eso marca la diferencia lo creativo que se siente la gente. Por lo que personalmente uso una combinación de las bombillas Phillips Hue. Ahora, esas son las bombillas que tienen como 16 millones de colores en ellas o lo que sea, y las controlas desde tu app. Otras marcas de bulbo están disponibles. Así que no solo tienes que llegar a eso. Eso es bastante caro. Solo los he comprado en el tipo de rebajas del Black Friday de noviembre. Pero eso es lo que uso en mi estudio, así como luces de hadas. Así que puedes gastar mucho dinero en un montón de bombillas Phillips Hue, o simplemente puedes comprar esas pequeñas luces de hadas como las pones en un árbol de Navidad, y prácticamente no cuestan nada Y puedes simplemente iluminar tu estudio con esos, y ese realmente será el estado de ánimo adecuado. La otra cosa que la gente usa a veces son las velas. Siempre me desconfío un poco de eso. Simplemente abre la llama en un estudio. Sí, sólo que siempre ha sido algo de lo que he estado nervioso, así que nunca lo he hecho. Pero si eso no te molesta, entonces esa también puede ser una muy buena vibra. Una habitación a la luz de las velas es ideal para el ambiente. Así que la iluminación es increíblemente importante. Piensa realmente en lo que vas a hacer con tu estudio y la iluminación del mismo para que tenga el estado de ánimo adecuado para cuando alguien aparezca a cantar o para cuando estés cantando para ti mismo. Ahora, puertas puertas. Ahora bien, esta es una interesante, pero básicamente es poder mantener las puertas cerradas y cerradas en todo momento, porque si metes a alguien en el espacio psicológico adecuado, que realmente van a por ello con su actuación y la emoción, y luego un completo extraño entra por la puerta. Entonces todo ese capullo que has construido para crear esa actuación se ha hecho añicos porque alguien si un cantante está actuando y está preocupado de que un extraño pueda atravesar mientras está haciendo algo a lo que no puede llegar del todo, por ejemplo, entonces van a sentirse avergonzados y avergonzados y luego no van a querer Entonces, si a un cantante le preocupa que algún extraño pueda atravesar la puerta en cualquier momento, no van a estar alcanzando todo su potencial de lo que puede hacer como cantante, porque siempre van a estar un poco vigilados de que no quieren meterse demasiado en lo desconocido por si alguien los ve haciéndolo con lo que no se siente cómodo Porque obviamente, como productor, te has sentido cómodo con ellos, y ellos se sienten cómodos empujando límites contigo. Cubrimos eso un poco en la preproducción. Entonces los tienes ahí, pero si entra un extraño, eso lo arruina. Entonces, lo que solía hacer en realidad, cuando era ingeniero asistente en un gran estudio, me sentaba junto a la puerta. Así que durante una sesión de grabación, una vez que todo estaba configurado y sabía que no tenía nada que hacer por un poquito, solo empujo mi silla hasta la puerta y luego si porque nuestras puertas no tenían cerraduras en los estudios donde trabajaba. Entonces, si alguien intentó entrar, si la puerta se abría aunque sea un poquito, entonces yo estaba ahí, y salté y salté y salí y hablé con la persona que estaba afuera del estudio para que nadie pudiera entrar en la habitación mientras el cantante cantaba. Aunque alguien lo intentara, yo podría evitar que lo hicieran porque solo tendría una charla con ellos afuera, averiguaría qué es lo que querían. Entonces tal vez tengas una cerradura en tu puerta. Al igual que, eso es bastante bueno para instalar si es una opción o una luz roja para que tus compañeros de cuarto, tus compañeros de piso, todos sepan que estás grabando, así que no pruebes la puerta en este momento Sea lo que sea que necesites instalar para que tu estudio sea un entorno completamente seguro, una especie de capullo, súbase a eso y hazlo como Ojalá esto sea obvio, pero los teléfonos apagados, ¿de acuerdo? Así que no queremos escuchar los teléfonos móviles sonando mientras hay una sesión de grabación en proceso Y no es sólo que no suenen. Es que no te distraiga tu teléfono mientras alguien está actuando, porque si alguien lo está dando, son todos, ya sabes, quieren estar atrayendo a la audiencia con ellos. Y si eres el único miembro del público el ingeniero productor, y tu teléfono es más interesante que eso, van a sentir que su todo no es lo suficientemente bueno, y entonces eso va a tener un gran efecto en la psicología de la sesión porque no van a sentir que lo tienen realmente lo tienen. Realmente han podido entregar cuando, de hecho, es solo que has sido descuidado con tu atención y has permitido que tu teléfono se haga cargo Ahora, todos tenemos, ya sabes, una relación con nuestros teléfonos eso es una batalla porque hay algunas personas muy inteligentes por ahí cuyo trabajo es ingeniero de atención para captar nuestra atención y hacernos pasar a estas cosas en estas aplicaciones. Pero solo asegúrate de que tu teléfono esté fuera del camino. No puedo distraerte, y puedes concentrarte completamente en el trabajo que estás haciendo Otra cosita telefónica si tienes un teléfono fijo. Sé que en estos días es más raro, si tienes un teléfono fijo en el estudio, asegúrate de que esté silenciado o apagado o desenchufado o lo que sea, para que ese teléfono no pueda sonar en medio de una toma Audífonos abiertos. Entonces esto es algo que tocamos un poco en la preparación técnica sobre tener tus auriculares abiertos. Entonces, la razón por la que es por este edificio lo del capullo porque es para evitar que una sensación de aislamiento se arrastre particularmente si estás trabajando en un estudio con cabina, pero también cuenta También es importante cuando no lo estás. Puede ser una sensación bastante aislante poniéndose los auriculares y luego simplemente estar muertos y no pueden cantante no pueden oírse a sí mismos hablando a través del micrófono. Es particularmente, ya sabes, es peor en una cabina porque se siente bastante aislante ser como una cabina de sonido muerto por tu cuenta, de todos modos Entonces si te pones un par de auriculares, y se vuelve aún más muerto, entonces eso es peor Entonces solo es importante que los auriculares los auriculares estén abiertos y que, ya sabes, antes de que tu cantante se acerque al micrófono, estás seguro de que el sonido que está entrando en ese micrófono está entrando en sus auriculares para que puedan escucharse a sí mismos. Y lo otro es tener el talkback abierto. Ahora bien, de nuevo, esto es sólo en situaciones con cabinas, porque si estás en la misma habitación que un cantante, entonces no necesitas un talkback, y solo estás platicando Así que tener el talkback abierto les permite sentir que están contigo y no están tan aislados Ya sabes, ellos pueden escuchar todo lo que está pasando. También hay cierto nivel de, ya sabes, nivel potencial de paranoia, si un cantante no está seguro de lo bueno que es su actuación, y puede ver a través de la sala de control y verte hablando sin escuchar lo que estás diciendo Y he trabajado con cantantes que están luchando con esto, y se han molestado bastante el hecho de que no escucharon lo que se decía cuando no se presionaba el botón talkback Ya sabes, podían ver a la gente hablando después de la actuación, y no podían oírla. Sé por experiencia de ser, ya sabes, ingenieros asistentes en estas salas muchas, muchas veces, si no se está presionando el botón talkback, es porque hay algo técnico aburrido que quiere ser mirado y el productor no quiere que el artista piense en eso y tenga eso en mente. Sin embargo, creo que es aún mejor que sepan que estás haciendo eso, y eso es lo que es la conversación porque simplemente pueden desconectarse de eso. Entonces el cantante piensa que estás diciendo algo negativo sobre la actuación que no quieres que escuchen. Entonces por esa razón, siempre tendría el talkback abierto siempre que fuera posible, para que el cantante sepa que no estamos hablando de nada que no queremos que escuchen Obviamente, a ese respecto, vale la pena que todos lo sepan por si acaso alguien quiere hacer un comentario inteligente en la sala de control, y no se dan cuenta de que el talkback siempre está abierto Entonces sí hago saber al inicio de la sesión que el talkback estará abierto en todo momento tanto como sea posible, así que asuma que lo es Entonces es solo otra cosita psicológica para que la cantante se sienta más segura y cómoda. Ahora a más cosas que podemos hacer con el propio estudio , flujo de aire fresco. Puede parecer un pequeño detalle, pero si llegas, ya sabes, un par de personas en una habitación, por cualquier periodo de tiempo, el oxígeno empieza a agotarse un poco y todo el mundo empieza a cansarse un poco y solo tener un flujo de aire fresco, ya sabes, si tienes uno de esos tipos de flujos de aire fresco especialmente diseñados, entonces brillante, bien hecho Si no, solo abre una ventana de vez en cuando, solo para obtener eso a través del flujo de aire fresco que va a mantener a todos despiertos y alertas y detener el tipo de sesión . Y algo relacionado que un poco es temperaturas manteniendo una temperatura estable, buena en la habitación. Si hace demasiado calor, la gente empieza a ponerse un poco somnolienta Si hace demasiado frío, empiezan a congelarse un poco. Esto cuenta menos para las voces. Es más para, ya sabes, si estás sobredoblando guitarras y todos están un poco fríos, entonces sus dedos son un poco lentos Entonces sigue siendo importante, sin embargo, que mantengas una temperatura confortable en la habitación para que nadie piense ni demasiado caliente, demasiado frío o sintiendo los efectos de eso. Y todo es parte de considerar una experiencia de lujo que estás entregando, así que el cantante siente que están siendo atendidos en todos los sentidos. Sabes, están siendo atendidos técnicamente porque estabas en la cima con tus habilidades de ingeniería. Están siendo atendidos como persona porque te estás asegurando de que tengan las cosas que necesitan y que estén cómodos. El toque de lujo puedes hacer lo que quieras con este. Esto es sólo una especie de yo plantando una semilla. ¿Qué hay en tu estudio que es bastante agradable y lujoso y creo que gente podría mencionar después? Sabes, soy un poco obsesivo con el café. Toso mi propio café y tengo mis propias mezclas y cosas así. Entonces si vienes a mi trabajo de estudio, los cafés van a ser muy, muy buenos, como es el té, porque solo uso bolsas de té Yorkshire, un poco de enchufe para ellos ahí. Es el mejor té. Entonces, ya sabes, tu té y café, cuando vengas a mi estudio va a ser excelente. Hay un toque de lujo que llegas aquí que no obtienes en otro lado. Entonces solo hay cosas así. Sea lo que sea que funcione para ti, tu personalidad, lo que te gusta, introduce eso en tu estudio para que haya esa sensación de algo que es un poco especial que solo obtienes aquí. Y otro solo arreglado. Asegúrate de que esté ordenado. Sé que podrías sentirte como en casa con, como, cosas por ahí, y sabes que esta cosa está aquí, pesar de que técnicamente no está lejos, y está por todas partes. Hace una diferencia en cómo se siente la gente cuando está en tu estudio, si se siente ordenada y cuidada. Es como que hay una cosa subconsciente que si estás en cima de tu situación en cuanto al desorden del estudio , ya sabes, si estás encima de eso, entonces probablemente también estés encima de otras cosas Ya sabes, si alguien entra en un estudio donde hay desorden por todas partes, van a empezar a asumir tal vez los cables no están funcionando correctamente y se ha limpiado el equipo y todo ese tipo es un mantenimiento bastante a la altura. Esas son las suposiciones que la gente hace cuando ve un estudio desordenado Ellos asumen que no estás junto con todo el resto de las cosas que se requieren para mantener un estudio, también. Así que eso los pone en una especie de que hay un respaldo psicológico ahí que están nerviosos, las cosas van a salir mal Entonces, si mantienes el lugar luciendo en las mejores condiciones posibles, entonces eso le da a la gente que viene a visitar tu estudio confianza en ti, ya sabes, como persona, así como ingeniero. Entonces solo algunos pequeños toques finales los que vale la pena pensar es ¿qué puedes hacer como parte de tu capullo para que se sienta más creativo ¿Qué puedes introducir para hacer tu capullo de estudio un ambiente más creativo Pienso en qué obra de arte estoy poniendo en las paredes? ¿Cómo se relaciona eso con la música y con la interpretación y con la creatividad? ¿Hay algo en lo que alguien va a mirar y sentirse bastante inspirado? También pienso en qué tipo de pequeños instrumentos raros podemos tener por ahí, ya sabes, como pequeños escaladores, como pequeños escaladores, el piano de pulgar o algunas cosas extrañas de percusión o simplemente lo que sea que pueda tener por ahí que la gente pueda recoger y tocar Sabes, no estoy asumiendo que va a terminar en un disco, pero solo hace que su clase creativa de jugos fluyan y hace pensar de esa manera, y eso es solo de cosas que tienes por ahí en tu estudio. La otra cosa que esto es algo adopté bastante temprano cuando era, ya sabes, era ingeniero asistente, ya sabes, con ambiciones de convertirme en ingeniero, y quería que la gente quisiera y quería que la gente quisiera que volviera a las sesiones Querían recordar por qué era bueno y algo así que hice eso, ya sabes, hay muchas cosas que hice, pero una cosa que hice en términos de pero una cosa que hice en términos solo mientras hablamos de comprar pedacitos de equipo y esas cosas, Um, es que traté de tener un poco de equipo que era mío que llevé a una sesión que era relevante para cada miembro de la banda que significaba Había pensado en lo suyo y traje algo para tratar de mejorar su cosa. Al igual que, compré un DI muy agradable. Era uno de Avalon, DI muy elegante y eso era lo de los bajistas, ya sabes, eso pasaría Y compré una especie de par de micrófonos interesantes que eran raros y que funcionaban para sacar un sonido extraño del baterista y hacerlo realmente interesante Entonces hubo, ya sabes, un montón de cosas que poco acumulé donde tenía en mente, como, en una sesión de grabación con una banda, voy a traer esto, y eso se configurará para ese músico, y luego sabrán que estoy pensando más profundamente ellos y en lo que puedo hacer con ellos para que si les gusta el sonido que obtengo, tendrán que pensar, Oh, Bueno, ese tipo. Él trajo todo eso, cada miembro de la banda va a traer esa cosa que me hizo sonar muy bien, y por eso este disco suena bien. Así que volvamos a atraparlo porque tiene todo ese tipo de cosas interesantes. Entonces eso es sólo un ángulo. Trabajé para mí, algo solo para pensar en esa línea con tal vez lo que puedes hacer para cada persona individual con la que estás trabajando se sienta particularmente especial y que hayas pensado en lo que va a mejorar su proceso de grabación. 12. 2.4 La hora de los brujos: Esta conferencia trata sobre la hora de las brujas. Ahora bien, eso podría ser ojalá, esa es una frase con la que estás familiarizado, pero quizás no lo sea. Entonces lo que voy a hacer es sólo voy a explicar cuál es la hora de las brujas Es a esa hora de la noche. En realidad no es específicamente una hora. Se considera que está en algún lugar entre la medianoche y las dos de la mañana. Um, pero básicamente, el punto es que es esa hora de noche en la que te sientes como la más alejada del amanecer y la más alejada del Y puedes sentirte bastante , ya sabes, psicológicamente alejado del mundo exterior en ese momento, porque todo está tranquilo Ya sabes, no has recibido ningún correo electrónico ni ninguna llamada telefónica ni nada más en mucho tiempo. Y realmente puedes algo así como, ya sabes, si estás despierto en ese tipo de momento y, ya sabes, sintiéndote despierto, no solo, ya sabes, insomne, sino despierto, realmente puedes concentrarte porque no hay nada más te quite la atención Y la razón por la que nos resulta útil es que podríamos planear nuestra sesión para aprovechar ese tiempo. Si estás trabajando, especialmente si estás trabajando durante varios días, podrías planear una sesión para que durante unos días cambies el reloj corporal de todos hasta llegar a un punto en el que estés usando la hora de brujas para hacer ciertos aspectos más enfocados de la grabación Ahora, voy a poner tiempo de cuentos ahí porque voy a contarte una pequeña historia Es otro de mis ejemplos de cómo así ha entrado en juego en mi carrera a lo largo de los años. Había una sesión en la que estaba trabajando, y fuimos a un estudio residencial a grabar por unos días. Y era una banda de cuatro piezas, y había un par de canciones que tuvieron que grabarse las cuatro a la vez como una especie de una sola toma, sin overdubs Quiero decir, haríamos varias tomas, pero solo teníamos que elegir una, esencialmente, una toma favorita sin sobregrabaciones No podría ser una especie de construcción y capas como podrías hacer tradicionalmente donde haces todas las baterías, y luego te sientas y agregas algunos bajos, y luego trabajas en las guitarras por un tiempo. Sólo tenía que ser todos ellos en una habitación. Es solo la dinámica de la canción y la forma en que se movía y los tiempos significaban que todos tenían que simplemente tocarla juntos e ir por ella Ahora bien, para obtener la mejor versión de eso, ese es un requisito bastante intenso porque todo el mundo tiene que estar realmente en la pelota para ello. Para obtener la mejor versión de eso, lo que hicimos fue en el transcurso de unos días, cambiamos lentamente nuestro tipo de reloj corporal. Entonces empezaríamos a grabar a, digamos, a las 10:00 de la mañana del primer día. Pero para el día cuatro o cinco, que cambiábamos una hora cada vez. Así que no empezábamos a grabar hasta, ya sabes, una o dos de la tarde, y nos íbamos a dormir a las tres de la mañana. Ahora bien, lo que eso significaba fue por, como, día cinco o cuatro o cinco, no puedo recordar muy bien, um estábamos una especie de que todos estábamos completamente despiertos a la medianoche dos de la mañana. A veces, estábamos muy despiertos. Estábamos listos para irnos, pero fue muy brujo, ya sabes, solo tuvimos unos pocos Creo que en realidad ya sabes, esto es bastante relevante considerando lo que dije la última vez en la última conferencia, teníamos algunas velas arriba, y había muy poco más en términos de iluminación. Era, ya sabes, muy, muy oscuro, solo unos pequeños toques de iluminación ambiental. También vale la pena recordar eso porque estamos a pocos días de la sesión en este punto, hemos logrado bastante, y nos estamos sintiendo bastante bien con nosotros mismos. Así que todos se sienten seguros sobre el proceso, y saben que está funcionando, y tenemos algunas cosas muy buenas en la bolsa. Entonces, cuando venimos a hacer estas dos canciones, nos sentimos seguros, pero tenemos esta ventaja de que es como la medianoche, donde tenemos unas horas antes de que la gente empiece a cansarse, y tenemos estas dos canciones para simplemente obtener una interpretación realmente especial de. Y realmente conseguimos actuaciones muy, muy especiales. Fue bastante increíble. Recuerda darle la vuelta al asistente detrás de mí después de que uno de ellos dos asistentes, en realidad, en ese. Dos asistentes detrás de mí, y ambos tienen los ojos muy anchos, y creo que uno de ellos logró un guau, y eso fue Fueron actuaciones realmente espectaculares. Y eso se debe, en parte, a hacer uso de la hora de las brujas 13. 2.5a ¿Cuál es el micrófono?: Esta es la primera de tres conferencias sobre el engranaje. Sé que para algunas personas, esta es su cosa favorita, así que vas a disfrutar esto. Es algo de lo que trato de no hablar demasiado porque a la hora de grabar una gran voz, todas esas cosas de psicología que hemos estado haciendo son mucho más importantes que el engranaje. Pero, ya sabes, sé que todos somos tipo de reductores si estamos en esta industria o muy probablemente hasta cierto punto. Entonces hablemos de eso. Y cuando estoy hablando de equipo aquí, no estoy dando este tipo de recomendaciones generales. No soy un revisor de engranajes. No me mandan 1 millón de micrófonos para revisar, cosas así. De lo que voy a estar hablando son cosas que he experimentado. La mayor parte de esto serán cosas que he grabado, a través de las voces, he hecho una sesión con, o podría ser algo con lo que he mezclado algo, y sé que eso fue lo que se grabó Entonces tengo una buena idea de cómo suena y lo fácil que es mezclarlo y cosas así. Entonces estas son estas recomendaciones por las que voy a estar pasando están muy restringidas a cosas de las que tengo experiencia. Entonces significa que es una recomendación honesta. Sin embargo, no te voy a dar la imagen completa del mercado de los micrófonos, ¿de acuerdo? Así mic pre market y todo lo demás. Entonces esta es simplemente una lista muy personal. Entonces, antes que nada, un pequeño desglose de los diferentes estilos de micrófono que puedes obtener porque cuando estás construyendo tu estudio y estás juntando tu equipo, variedad de micrófono es realmente una parte clave de ello porque quieres muchos tonos diferentes a los que puedas acceder en términos de tus opciones de micrófono. Que diferentes cantantes puedan pasar por tu estudio, y puedas tener diferentes opciones para que consigas la combinación correcta del micrófono adecuado a esa voz Si eres una persona autoproductora, entonces depende algo así como. Depende si crees que alguna vez vas a grabar cualquier otra cosa o a alguien más en tu estudio, porque si solo vas a estar tú y solo vas a estar grabando tu voz, hay menos necesidad de variedad, y es más un caso de encontrar esa que funcione particularmente con tu voz que te guste. Pero por el bien de la gente que está grabando algo más que una voz y además grabando más que solo ellos mismos o un vocalista, pasaremos por lo que son algunas opciones , qué vale la pena probar Pero en serio, lo que quiero para la lección que quiero dejar muy claro aquí es en lugar de solo comprar un micrófono dorado que es el mejor micrófono vocal, lo que quieres hacer es conseguir un rango pequeño juntos. Y prefiero tener tres de precio medio que uno muy caro porque sé que va a ser más útil para hacer sesiones. Sabes, todos van a sonar decentes. Y ahora voy a poder emparejar uno más de cerca con un vocalista, así que eso va a conseguir un sonido vocal realmente genial para esa persona de lo que necesariamente lo haría con uno súper caro que espero que funcione para todos, pero probablemente no lo haga Entonces sí, ese es solo el punto de la variedad. Y hay diferentes tipos de hay diferentes formas de categorizar, y aquí hay un poco de crossover porque estoy hablando de tubos, y eso no es exactamente lo mismo Pero obtienes tus micrófonos de condensador. Esos son tu tipo de micrófonos verticales más tradicionales Ellos tienen ya sabes, tienen el condensador de diafragma grande LDC, a veces se les llama. Y parece un post mic grande como el que podemos ver en la foto aquí. Entonces son bastante sensibles. Recogen mucho sonido alrededor del micrófono. Estoy haciendo estas voces en off con un micrófono de condensador, un condensador de diafragma grande Y tal vez te des cuenta a veces me oyes pulsando un botón en mi teclado mientras estoy haciendo esto. Entonces puedes escuchar cómo son sensibles y captan sonidos por todas partes, ¿de acuerdo? Entonces eso es útil si estás en el entorno de estudio adecuado. Entonces, si estás en, ya sabes, algún lugar que está bastante apagado y está bien tratado y no estás recibiendo muchos sonidos externos entrando, entonces este es un gran tipo de condensador es un gran micrófono para elegir porque pueden captar todos los pequeños detalles de la voz de alguien, todos los pequeños aspectos de su respiración y cosas, y lo convierte en un grabación más detallada y más íntima. Y si estás en un ambiente un poco más ruidoso, entonces probablemente sea mejor optar por un micrófono dinámico porque no captan tanto alrededor del Son mucho más direccionales. Simplemente captan, ya sabes, la voz frente a ella y no mucho más. Las cosas que estoy haciendo, si quieres notar una ligera diferencia en el sonido, estoy usando la misma ruta de señal para todas estas voces en off Pero los que le hago a la cámara donde ves mi cara, estoy usando un micrófono dinámico y todos estos otros donde no ves mi cara, estoy usando un condensador. Entonces, si quieres hojear entre estas diferentes conferencias, escucharás la diferencia en, ya sabes, entre un condensador en particular y un micrófono dinámico en particular Entonces podría valer la pena un pequeño cheque, si eso te apetece. Las cintas son otro diseño de micrófono. Usan una cinta en lugar del tipo habitual de diafragma, y son menos utilizados para las voces. Sí me meto en eso un poco al final. Vas a tener una gama razonable de micrófonos antes de empezar a comprar cintas para voz porque hay más universales disponibles. Y tubos. Ahora bien, hay bastantes micrófonos de gama alta, particularmente, tienen tubos en ellos, eso es parte de su tipo de parte de la fabricación de ellos. Lo único que diría es, ya sabes, aunque muchos de los micrófonos de extremo superior tienen tubos en ellos, porque un micrófono tiene un tubo en él que no lo hace de extremo superior He visto, ya sabes, algunos pedacitos de equipo de audio donde realmente acaban de hacinarse en un tubo porque saben que la gente piensa que el tubo es igual a genial, y no siempre No es necesario. Así que no solo compres algo porque tiene un tubo dentro y asumas que automático hace un micrófono de mejor calidad. ¿Bien? Sólo un poco de advertencia en los tubos ahí Así que de todos modos, nos meteremos en ello. Mike, yo lo recomendaría. Entonces vamos a empezar a nivel presupuestal. He hecho esto en una especie de tres niveles. Son corchetes muy sueltos, y ni siquiera puedo recordar los números que tenía en mi cabeza para los corchetes. Podría haber sido el presupuesto fue de hasta 500 queered, rango medio era de hasta 1,000 libras, tal vez algo así Está vagamente en ese grupo, ¿de acuerdo? Entonces tu primer deseo de mirar, si estás en un presupuesto bajo es el corto SM 58. Prefiero la versión beta. Puedes obtener dos versiones diferentes. Um y es solo un gran micrófono. Es el clásico micrófono de mano estándar de la industria que se ha utilizado durante años. Es ya sabes, es sólido como una roca, por eso se acostumbra mucho en vivo. Ya sabes, es casi imposible de romper. Tiene un sonido más pequeño y un sonido más directo que algo más grande y elegante. Um, pero a veces funciona. A veces es el correcto en una voz. Trabajé en un disco una vez donde estábamos en un estudio Big Pos, y teníamos todos los Neumans vintage y AKG vintage y todo ese tipo de cosas Ponemos un montón de micrófonos para el cantante, y el SM 58 fue el que mejor le funcionó. Entonces ese fue en el que grabamos el disco. Así que nunca se sabe. Entonces esa es una gran cosa para tener. Creo que solo pesan unas 80 libras o algo así. Entonces hay uno bueno para tener en tu micocker de todos modos. Y entonces el siguiente que recomendaría sería un Aston Origin. Eso está en el tipo similar de presupuesto. Bueno, eso es alrededor de 200 libras, creo. Um, entonces el origen de Aston es un micrófono de condensador, y Aston es una compañía relativamente nueva, y están haciendo cosas increíbles. Están ganando muchos premios. Los micrófonos realmente golpean por encima de su peso. Suenan mucho mejor de lo que asumirías por el precio que cobran por ellos. Entonces hay unos geniales para tener alrededor, realmente, muy buen condensador de presupuesto. El siguiente que voy a recomendar es el corto SM seven B. Así que este es otro micrófono dinámico. En realidad es el que estoy usando para las cosas de la cámara para esto. Entonces cuando veas mi cara, verás probablemente un Shure SM seven B ahí dentro Este se hizo famoso porque era el que Michael Jackson siempre solía grabar. Entonces creo que hay alrededor de 250 queer en algún lugar de ese rango. Y sin embargo, ya sabes, Michael Jackson, que podría elegir cualquier micrófono del mundo. Siempre usó un corto SM seven B. Y de hecho trabajé en una sesión vocal de Michael Jackson una vez hace muchos años, mientras aún estaba vivo. Y obviamente, mientras aún estaba vivo, una estupidez decir. Lo siento. Y así trabajé en una sesión suya, y es cierto que es el micrófono que usa, y lo usó para esa sesión. Entonces ese es un micrófono realmente bueno, si buscas una dinámica. Ya sabes, si quieres esa cosa dinámica porque tu habitación no es tratada muy bien y no quieres captar demasiado ruido extraño, eso realmente hace el trabajo Otra dinámica que suena muy bien. Esto es en realidad la línea fronteriza en el presupuesto porque creo que estos están más arriba como 500 libras Electro voice RE 20, ese es otro diseño muy antiguo, pero es clásico. También se acostumbra mucho en amplificadores de bajo y bombos y cosas así. Tiene un buen extremo inferior en él. Pero ese también puede ser un micrófono dinámico muy bueno para usar. Entonces, si ves en los micrófonos económicos, solo hay un condensador y hay tres dinámicas, y eso es porque los condensadores son más caros que los micrófonos dinámicos Pero con esos, tienes tu bajo presupuesto, pero tienes algunas buenas opciones y algunas cosas que suenan muy bien. ¿Bien? Entonces ahora, vamos a pasar a rango medio. Entonces creo que prácticamente todos somos condensadores en el rango medio No creo que tengamos tubos ahí dentro. Ya veremos a medida que vayamos atravesando. Entonces bien. El primero, sí, así que tengo uno de estos. Tengo dos de estos, de hecho, Austrian Audio OC 18. Entonces Austrian Audio es, nuevo, una compañía nueva, una compañía muy nueva, todos salen de AKG que hacen el famoso 414 tipo de micrófono plano así como el C 12 y un montón de otros micrófonos de estudio muy clásicos Y creo que la historia es que todo el mundo o algo así como el 90% de los empleados de Austrian Audio salieron AKG y lo instalaron porque hicieron el micrófono que siempre realmente quisieron hacer, ya sabes, que es más fácil de hacer en una pequeña empresa que es que una realmente grande Entonces son unos micrófonos fantásticos. También suenan muy bien en instrumentos acústicos. Pero he grabado voces en ellos, y realmente han trabajado para eso Entonces esa es una buena opción si quieres echar un vistazo a algo que sea un diseño muy nuevo. Hacen cosas muy, muy inteligentes con la selección de patrones, que te dejaré ver. Eso realmente no importa en términos de esto. Pero sí, esa es una buena para mirar. Ontronics creo que es una compañía británica. Su micrófono de área. Ese es otro que realmente golpea por encima de su peso por el precio que están cobrando Suena increíble, y se sostiene fácilmente con micrófonos vocales de un precio mucho mayor. Está diseñado para voces. Eso fue, ya sabes, lo que particularmente se propusieron hacer era hacer un micrófono vocal. Entonces sí, he mezclado algunas cosas que se grabaron en eso, y sonaron realmente fantásticas Entonces esa es otra buena para mirar. Neumann es obviamente el clásico Neumann. Eso es como la gran marca de micrófonos alemanes que han hecho, ya sabes, algunos de los mejores micrófonos para grabar durante décadas. Son TLM uno oh dos. Ya he trabajado con eso antes. Sonó genial. Ahora, de nuevo, tienes que recordar cada vez que digo que algo sonaba genial, funcionó para ese vocalista No significa que vaya a funcionar para ti o para un vocalista con el que estás trabajando, por lo que una selección de estas cosas es una muy buena manera de hacerlo Pero Neumann TLM uno oh dos es realmente bueno para mirar Y entonces sólo voy a mencionar las marcas Mojave y Road porque hacen muy buenos micrófonos He tenido algo de experiencia, pero muy limitado con esos, pero solo pensé en marcarlos como aquellos que valen la pena mirar porque hacen cosas buenas. También hay ADK, que se les menciona un poco más tarde Y esa es en realidad la que estoy usando ahora mismo es un ADK, pero es una de sus versiones vocales más caras Pero también hacen muy buenos micrófonos de condensador de rango medio. Entonces algunas de esas compañías más nuevas, particularmente Mohave Road, han existido por un tiempo, pero Mojave y ADK son empresas relativamente nuevas, y hacen muy buenos Entonces ahora vamos a entrar en las cosas del dólar superior. Ahora, posiblemente no necesites que te diga esto, o, ya sabes, esto es un poco pastel en el cielo. Pero si tienes el presupuesto, estas cosas son increíbles. Ahora, todos vienen en algunos diseños bastante tradicionales. La mayor parte de lo que ves unos micrófonos de primer dólar como el U 47 son diseños que han existido desde los 50 o 60, y son simplemente geniales y son clásicos y no están rotos, así que no lo arregles Entonces lo que ves a menudo en el mercado es una versión de uno de estos. Entonces, si puedes pagar a los precios de hoy, creo que estás buscando alrededor de 10,000 libras para un Neumann U 47 en buenas condiciones, entonces genial Ve por eso. Flee es una empresa que hace muy buenas versiones del Neumann U 47 por considerablemente menos, como alrededor de un tercio de Obviamente, eso sigue siendo mucho dinero. Wagner es, creo una O alemana, lo mejor era australiana. No importa. Hizo alrededor de 50, creo, excelentes copias de una U 47. Obviamente, son muy difíciles de conseguir. Son muy valorados. Pero si puedes hacerte con uno de esos, eres dorado porque suenan increíbles. Y también Perlman. Ahora, Perlman es una empresa nueva. Tengo uno de sus TM. Hace grandes micrófonos. Otra de esas empresas boutique más pequeñas, un poco como Flea, ADK Mahave empresas más nuevas que están haciendo cosas realmente buenas, y están tomando la idea de un 47 es lo que Pelmans hizo y lo adelantó un poco Entonces suena casi como tal vez como un 47 moderno, pero tiene un par de versiones diferentes que también puedes elegir si quieres algo un poco más tradicional. Entonces, si quieres un U 47, ese tipo de micrófono estelar, entonces hay algunos lugares a donde ir. 67 es otro gran micrófono vocal. Supongo que tradicionalmente el 47 era visto como una especie de micrófono vocal masculino, y el 67 como un micrófono vocal femenino. Pero obviamente, puedes intercambiar alegremente eso, y la gente solía hacerlo, y el 67 sonaría mejor en un chico y en una chica, el 47 sonaría Entonces todo es diferente, ya sabes, diferentes vocalistas. Pero 67 ahora es reeditado por Neuman, lo que lo están haciendo de nuevo. Los originales, creo, van por cerca de 7.5 mil, 8 mil ahora. Los originales son como 4.5 mil, creo. Entonces en las nuevas versiones, las reediciones son alrededor de 4.5 mil Um, buenas versiones de quiero decir, cuando digo sobre este tipo de clones o copias cercanas o las nuevas versiones, hay muchos de ellos por ahí. Sólo digo que los que he probado y sé que son buenos. Polso hace una muy buena versión del 67 y ADK hacen, y eso es lo que estoy usando ahora mismo Entonces soy dueño de uno de los ADK 60 sevens. Creo que suenan fantásticos, así que bien, ya sabes, voces y guitarras acústicas, todo ese tipo de cosas. El C 12. Así que esos son los dos primeros U 67 y U 47 son originales Neumans el C 12 es un micrófono AKG Entonces el AKG C 12, muy, de nuevo, muy difícil de conseguir del clásico clásico, precioso top end, bonito micrófono brillante Wonder es otra gran compañía que son, ya sabes, rehaciendo micrófonos clásicos y a veces con una ventaja ligeramente moderna en ellos, hacen, ya sabes, una muy buena versión del C 12 Entonces, si buscas un C 12 y no quieres pagar lo que sea, diez mil, lo que sea, entonces mira la versión Wonder del mismo. Um, y luego el Telefunken 251, ya sabes, ese es posiblemente el otro esos son los cuatro grandes Están en los clásicos micrófonos vocales de estudio. Entonces creo que van por como 20 de los grandes, si tienes uno original que funcione muy bien, lo cual es una locura para un micrófono Pero Telefunken todavía los hace, o creo que es más bien los vuelven a hacer. Entonces es una idea de reedición. Creo que son unas 9:10 mil libras por una. Libro de audio, así que hay otro en el mismo tipo de Bock y ADK Wonder Todas estas nuevas empresas huyen lo siento también. Estas nuevas empresas hacen realmente grandes versiones de estos micrófonos clásicos. Creo que Bock creo que se llama David Bock, creo que fue, como, el tipo de pionero de rehacer estos 25 y hacer un muy, muy buen trabajo Entonces esos definitivamente vale la pena mirarlos. Y el ADK, también es muy venerado la versión ADK del 251 Entonces son algunos que recomendaría si estás buscando ese tipo de versión realmente de gama alta de esos micrófonos. Y entonces algo ligeramente diferente es el Chandler Red Realmente no sé mucho sobre la historia de eso si es una reedición de un diseño antiguo o lo que es Interesante que tenga el mCamp o AMCamp integrado en el micrófono Entonces esa es, ya sabes, elección de diseño ligeramente diferente. Pero lo he escuchado en acción. Suena increíble. Entonces ese es, ya sabes, otro a considerar. Creo que también están alrededor de 4.5 mil libras de área. Perdón por todo esto si estás escuchando en un país donde no estás muy seguro de dónde funciona tu tipo de cambio con libras. Eso es obviamente, estoy en Inglaterra, así que eso es lo que sé. Entonces sí, esos son un montón de los mejores dólares, y hay equivalentes, si quieres algo que sea nuevo, no una especie de gasto vintage y el mantenimiento vintage Ya sabes, la otra cosa sobre poseer equipo vintage, yo soy dueño de algún equipo vintage He sido dueño de otro equipo vintage en el pasado. Cuesta mantenerlo funcionando, ya sabes, cuando estas cosas son más viejas que yo, ya sabes, cuestan dinero para mantenerlas en funcionamiento. Las cosas van tapas, van válvulas, todo ese tipo de cosas. Mientras que, si obtienes uno nuevo que suena increíblemente similar al de esos viejos, entonces sabes que puedes confiar en él. Entonces eso es una gran cosa. Entonces entonces sólo voy a nombrar un par de inusuales. Uno es un micrófono de cinta, así que es un diseño muy antiguo. El RCA 77 DX creo que hay una nueva compañía llamada AEA que hace algo muy, muy parecido En realidad posee uno de los RCA 77, el original. Son un sonido bastante oscuro. Es un sonido muy natural, siendo un ritmo. Eso es lo que los ritmos sobresalen en un sonido natural, pero es bastante oscuro, así que es inusual encontrar una voz que realmente coincida con eso, y esa es la mejor para ellos. Curiosamente, Amy Winehouse, con quien sí trabajé, ese fue el micrófono vocal que usamos para todo su álbum de regreso a Black Realmente funcionó para ello. Estuvo genial. Por lo que de vez en cuando funciona. Y, ya sabes, normalmente lo voy a poner con un vocalista, pero muy raramente gana. Suena mejor. Sabes, lo uso mucho más como en un piano o algo así, pero vale la pena ponerla arriba. Y entonces el último es el SOR 520 dx, que se conoce como bala verde. Y es tradicionalmente un micrófono de armónica. Esa es la idea de ello. Es para ser sostenido ahuecado en tu mano mientras sostienes una armónica Y tiene un rango de frecuencia muy, muy pequeño. Creo que hay como que es casi como un teléfono. Creo que es como que no hay nada debajo de 500 y no hay nada por encima de cinco K. Algo bastante loco así, que tiene un rango de frecuencia muy restringido. Entonces esto es un efecto. Sabes, esto suena raro, pero puede ser algo genial tenerlo. Si quieres algo que suene bastante extraño. Ahora, sé todas estas cosas que suenan extrañas, ya sabes, si digo, usa esto y hará que suene extraño, todas se pueden hacer con plugins después, absolutamente Pero si quieres, ya sabes, tener una sesión de grabación realmente emocionante, interesante, entonces ¿por qué no grabar como? Acorde con estas cosas que suenan extrañas. Así que tus intérpretes se están metiendo en el sonido y en las cosas que suenan extrañas, y eso los inspira y les da una sesión más emocionante Entonces, si crees que eso es lo que quieres hacer y quieres que suene esa bala verde, entonces saca la bala verde si tienes una, obviamente. Entonces sí, hay un par solo pequeños un poco inusuales fuera de lo común. Ahí está Frankie Pero cuando lo estés haciendo, discute el proceso con el cantante, ¿de acuerdo? Así que ten una charla sobre lo que vas a estar haciendo y por qué estás probando los diferentes micrófonos. Y, ya sabes, hablaré con ellos y conseguiré que escuchen las diferentes tomas y vean cuál les gusta, ya sabes, si tienen preferencia de qué micrófono es el mejor. Eso es genial si puedes hacer ese chat y procesar con ellos. Pero recuerda también probarlos en el mismo micrófono pre. ¿Bien? Entonces, si estás probando en diferentes pres de micrófono, entonces no estás obteniendo un tipo adecuado de visión empírica de qué micrófono es el mejor Así que solo mantén todo lo demás en la cadena de señal igual y solo mueve el micrófono alrededor. Tener diferentes micrófonos en el cantante para que puedas tener un montón de diferentes grabaciones del mismo tipo de pedacito de la canción a través de diferentes micrófonos. Esto lo haces al inicio mismo de la primera sesión, trabajas con ellos en, y luego tienes una buena idea de cuál va a funcionar para ellos. Así como una especie de característica de seguridad, si crees que hay una que va a ser la indicada, que esa se establezca primero por si acaso realmente no pueden molestarse en pasar por este proceso contigo y no quieran verificar diferentes micrófonos Sabes, siempre voy a tener el que creo que va a ser el número uno como el que está listo y funcionando. Entonces si lo sugiero y son realmente reacios a hacerlo, entonces me voy, Bien, solo usemos este y vámonos Porque no quieres interrumpir su tipo de estado mental y su proceso creativo si realmente no les gusta la idea de experimentar con diferentes sonidos, ¿de acuerdo? Y justo mientras estamos aquí, y vamos a entrar en esto un poco más tarde, pero el sonido de la habitación y necesita más tratamiento, eso es algo en lo que también puedes estar pensando mientras escuchas estos sonidos diferentes, estos micrófonos diferentes, solo podría darte una ventaja si estás escuchando algo así como que es un poco demasiado espacioso y podría simplemente tirar una pantalla o poner otro poco de relleno en alguna parte Podrías escucharlo mientras haces este proceso. Entonces ese es un buen momento para saltar sobre eso y solo estar al tanto de ello y escuchar cualquier tipo de problemas leves que pueda tener. 14. 2.6 ¿Qué micrófono pre?: Entonces la última conferencia fue sobre micrófonos, y ahora vamos a llegar al preamplificador de micrófono, así que a qué enchufas el micrófono porque esa es otra gran parte del sonido Así que merece la consideración. Y voy a hacer lo mismo que hice en la conferencia anterior. Estas serán cosas de las que tengo alguna experiencia. Hay mucho más en el mercado, pero estas son solo algunas cosas de las que, ya sabes, he tenido experiencia. Vale la pena intentarlo. ¿Bien? Entonces, um, lo mismo que el último. La variedad es clave. Entonces, ya sabes, qué opciones tienes, tener dos o tres de estas es una gran cosa en un estudio solo para que puedas, ya sabes, tener una idea diferente de cómo suenan y luego emparejarlos con tu vocalista Si tienes tiempo, es encantador poder emparejar un micrófono con el vocalista y luego solo verificar las diferentes pres de micrófono y ver si hay una ventaja en usarlos también Depende de si tienes tiempo con un vocalista. De lo contrario, ya sabes, vale la pena comenzar con el que crees que vas a ganar. Como dije, con el micrófono, si crees que no va a tener la capacidad de seguir intentándolo y seguir adelante en las diferentes comprobaciones de sonido, diferentes ideas de ruta de señal, empieza por la que crees que vas a ganar. Pero si crees que están disfrutando de este proceso de encontrar el sonido adecuado para ellos, entonces definitivamente pruébalo a diferentes turbas si las tienes, ¿de acuerdo? Depósito de advertencia. Voy a mencionar eso otra vez porque se aplica aquí tal como lo hizo con los micrófonos. Hay algunos no muy buenos en los que solo tiran un tubo, y luego la gente está convencida de que son fantásticos. No es así como funciona. Un tubo no hará automáticamente algo mejor. Entonces algunos de los grandes tienen tubos adentro, algunos de ellos no la existencia de un tubo no automáticamente mejora una pieza de engranaje. Bien, entonces ojalá, eso es algo que ahora sabemos. Derecha. Entonces hay algunos tipos diferentes aquí, así que solo voy a entrar en el micrófono independiente pres Standalone Mc Pres que son um eso es todo lo que hacen. Ya sabes, son sólo un Micre. No hay otras cosas involucradas. Entonces presupuesto, rango medio, y dólar superior, vamos a ir de nuevo. Entonces con el presupuesto, ya sabes, tu mejor apuesta, de hecho, es usar tu interfaz porque sea cual sea la interfaz que tengas, si tiene una entrada LR en ella, esa será un micro pre. Eso será capaz de entregar suficiente ganancia para obtener una señal de micrófono. Unos en los que no voy a profundizar demasiado en las interfaces porque ese es un mundo completamente diferente y no específicamente vocal, ya sabes, específico. Pero Universal audio y enfoque, cierto, hay dos grandes compañías que hacen grandes interfaces, y, ya sabes, puedes conectarlas. Y cuando estás empezando y, ya sabes, estás ahorrando con el equipo que compras, hay un gran punto de partida, bien. Uno de esos micrófonos en el sonido. Pasando al rango medio, entonces, estos son algunos más independientes. Focus Wright vuelve a aparecer. Tienen esta caja llamada la ISA one, que es una hermosa micro pre, funky little box, también, lo cual es bastante divertido Pero si, solía usar tengo mucha suerte. Cuando empecé a finales de los 90, trabajé en dos estudios diferentes que tenían escritorios de enfoque derecho, dos escritorios de enfoque diferentes, hecho. Lo cual es muy raro. Entonces no hay mucha gente que trabajó en dos, pero me callaré porque a nadie le importa. Pero sí, dos escritorios de derecha de enfoque diferentes. Ambos sonaban increíbles. Gran camino de grabación, y el ISA es una especie de uno de esos. Así que muy agradable. Universal Audio, tienen el solo 610, que es sus ratones Pre stand alone, otro gran sonando genial sonando pre, bueno para voces También he mencionado cumbre ahí dentro. Tengo un poco de engranaje de cumbre. Hacen muy buen equipo de tubo, y es gracioso. Es una de esas empresas. Hacen cosas geniales, y en realidad no son tan promocionadas. Entonces no mucha gente lo sabe, así que puedes encontrar algunas increíbles gangas de segunda mano de esas cosas de cumbre. Entonces sí, son muy buenos para mirar para rango medio. Y luego nos meteremos en el primer dólar independiente Mike Pres Ahora, DW Fern, una compañía increíble. Actualmente estoy platicando a través de un helecho DW Mike Pre, AnDeQ y un Entonces sí, me gustan. Suenan muy bien. Así que DW helecho VT uno es un increíble Mike Pre, uno de tubo. Un Cube Tech, como su nombre indica, eso también es Tube. Son absolutamente guapos Mie Pres. Ya sabes, carga de regalos para ellos, suenan muy bien. Y luego mencioné el Avalon cinco, también. De hecho verás en la pequeña foto de ahí. Ese es un estudio que solía compartir con una Mente Motora. Entonces algo de ese equipo es mío. Algo de ello lo es. Ahí se puede ver un Avalon M cinco. Entonces tuvimos eso como uno de nuestros Mie Prix Al lado del Avalon V cinco, que es un gran DI Muy bueno, suena muy limpio. No tienen del todo el tipo de presencia de que el tubo tiene los tubos del helecho y la cubierta de tubos, pero uno que suena muy limpio y genial por derecho propio Entonces ese es otro muy buen tipo de top dollar mic pre para mirar. Ahora bien, vale la pena mencionar las 500 series porque este es el nuevo tipo de formato que digo Nu. En realidad es, ya sabes, es una copia de algo que ha estado sucediendo desde hace mucho tiempo, pero ha habido un estallido reciente de actividad en el mercado de las series 500. Un montón de diferentes opciones. Y parece ser Mike Prize es algo que está pasando bastante en cierto modo en la serie 500. Ahí hay muchas opciones. Entonces, si por casualidad tienes una caja de la serie 500, básicamente, el chasis de la caja proporciona la alimentación y los enchufes de entrada y salida. Y luego compras este tipo de módulos que pueden deslizarse dentro de ellos y puedes obtener ecualizadores, compresores, Mic Pres, efectos, todo tipo. Yo tengo uno. Tengo algunos compresores y ecualizadores en. En realidad no tengo a Mike Pres ahí. Um, pero sí, son muy útiles tipo de formato para comprar equipo porque solo compras una fuente de alimentación, lo que significa que las partes individuales son un poco más baratas. Entonces, si estamos viendo una especie de rango económico en la serie 500, ahí está CAPI, que es una compañía a la que estoy tratando de recordar qué significa el CAPI para productos de audio clásicos de Illinois, creo que representan Pero también son una especie de clones de APIs. Para que puedas leer eso como te guste. Pero es un formato DIY mayormente. Creo que acaban de empezar a hacer no DIY donde puedes comprar el artículo terminado. Pero con todas estas cosas con la serie 500 en particular, si eres hábil con un soldador, puedes ahorrarte un poco de dinero porque puedes conseguir estos kits de muy buenos pedacitos de equipo, y CAPI es una de las grandes compañías para eso Entonces hacen gran mic pres. Son como los antiguos API. Suenan muy, muy bien. Entonces vale la pena verlo. También, SSL, hacen su VHD, que son los ratones modernos Pre que ves en todo el tipo de grandes escritorios insignia como la Si la memoria sirve correctamente, esa es la que tiene un poco de característica seca para darle un poco de tono extra, lo cual es realmente interesante. Entonces esa es una gran para lanzar en tu serie 500. Y también el Portico Rupert Nev. Así que eso es lo nuevo de Rupert Neves, no el tipo de cosas viejas de Neve, que ahora es propiedad de una compañía llamada AMS Las cosas de Rupert Neve son sus diseños más nuevos. Sonan un poco más limpios que cosas de AMS Nev o el viejo diseño de AMS Nev Pero aun así consiguieron un buen sonido para ellos. Y, ya sabes, cualquier cosa que toque Rupert Nev fue genial Para ser un punto interesante que enfocar bien cosas que estaba mencionando antes, los escritorios de Mike de enfoque en los que había trabajado hace 20 años impares fueron diseñados por Rupert Neve también cuando trabajó allí brevemente Entonces sí, un diseñador increíble para Mike Pree. Entonces cualquier cosa que sea un diseño de Nev probablemente va a ser genial Um, así que ahora en el rango medio de la serie 500, está el Nev real, el AMS Nev Entonces eso es más Nev 1073 es el clásico Nev. Entonces por eso digo real porque es una especie de considerado los clásicos ratones Nev Pre que es mundialmente famoso y muchos, muchos discos que sabes se han hecho con esos Entonces hay un diseño más antiguo. Lo están haciendo de nuevo con esta compañía AMS Nev, para que puedas hacerte con eso en una serie 500 Um, especie de paquete Grace designer, hacen cosas muy, muy limpias, así que eso puede ser bastante interesante. Hacen una muy buena gama de Mike Prize. Entonces el Grace diseña uno para la serie 500, vale la pena echarle un vistazo si quieres algo limpio. Wonder Audio, ahora, tengo el Premio Wonder Audio Mike. De hecho, en esa imagen, verás en la esquina inferior derecha, mi Wonder Audio PA four, que es cuatro Mike Prize no en el formato de la serie 500, pero su cobalto es el formato de las 500 series de eso. Y eso es muy parecido al Nev 1073. A mi me suena un poco más grande lo de Wonder Audio, si puedes creerlo más grande que A Nev, 1073 Pero me encanta el sonido de las cosas de Wonder Audio. Entonces ese es definitivamente uno que vale la pena mirar en la serie 500 de gama media. Y luego milenios, mezclo algunas cosas que estaba grabando en Millennia Mike Otro que está bastante limpio, como el diseño Grace, un poco más de gama alta. Creo que los milenios y el Grace tal vez pero muy limpio, muy elegante, muy bien sonando Y luego vamos a top dollar. Hay algunos que son un poco más caros. Y más en el área de las mil libras aquí. Creo que tal vez poco más de mil libras. Chandler, haz el TG 2500. Ese es el diseño de los viejos escritorios EMI que solían estar en Abbey Road que usaban los Beatles y Pink Floyd y todo ese tipo de grabaciones se hicieron en estos clásicos escritorios antiguos de Mike Se les llamaba escritorios EMI en su momento, porque fueron diseñados por los ingenieros de EMI Todo se hacía en casa en aquellos días. Y así suenan muy bien. Curiosamente, antes mencioné lo de Amy Winehouse Ese fue el Mike Pre con el RCA, esa era la cadena de señal para su voz. Entonces tienes API. Entonces este es el CAPI es el clon de las API de diseño más antiguas Y luego aquí, si estás gastando top dollar, obtienes la nueva API hecha por API. Y ahí está la versión 512 C o la V. Olvidé cuál. Uno de ellos, creo que la diferencia, creo que es uno de ellos tiene un recorte de salida, si eso es lo que quieres. Entonces, los recortes de salida en Meris significan que realmente puedes conducir la entrada, si te gusta un poco de distorsión o color en la entrada, baja el recorte de salida y luego estás obteniendo un nivel normal decente de tu Mi pri, pero lo has impulsado bastante Un poco como, ya sabes, conducir algo en un amplificador para una guitarra o algo así. Obviamente, normalmente no estás buscando ese nivel de distorsión, pero solo te da un poco de ventaja si eso es lo que buscas. sirena de la canción de Crane es una de tubo, y creo que estoy bastante seguro de que el tipo que dirige la canción de la grúa es el mismo tipo de Summit Creo que pasó de Summit, vendió esa compañía, y luego comenzó la canción de la grúa, creo. Si realmente te interesa, búscalo en Google. Creo que es un tipo llamado Dave Dave Way, tal vez. En fin, en realidad no importa. Suenan muy bien. Suena muy, muy bien. Amigo mío tiene uno, escuchaba un poco, suena muy bien. Cualquier cosa que si es el mismo tipo que el chico de la cumbre, cualquier cosa que toque, puedes estar seguro de que es genial. Pero sí, la canción de la grúa Sirena una válvula Mike Pre que funciona en la serie 500 Entonces entonces la otra opción es un canal, así que este es un micrófono Pre que estás comprando, pero también tiene un EQ en él o un compresor. Entonces algunos tienen un compresor, algunos tienen un EQ, algunos tienen ambos junto con el micrófono Pre. Entonces generalmente, ya sabes, este canal, se llama así porque es como una tira de un escritorio. Ese es todo el canal del escritorio. No es todo el canal porque escritorios, normalmente obtienes ac sends y todo ese tipo de cosas funcionales, sartenes y cosas que no necesitas en esto Pero es un micrófono pre y otro poco de equipo también. Entonces, desglosándolo en presupuesto, rango medio y top dollar nuevamente en el rango de presupuesto, no tienes suerte. Sí miré. No pude encontrar nada. Ciertamente nada que haya usado y pueda recomendar. Quiero decir, estoy seguro de que podría haber algunas cosas por ahí, Berner probablemente haga algo, pero no hay nada que haya usado y recomendaría, lo siento mucho por eso Y cuando nos metemos en el rango medio, SSL hace su lógica canal Alpha, lo cual es genial. Así que eso es lo mismo que los escritorios modernos. Entonces suena muy bien. Ya sabes, no puedes equivocarte con SSL. Todo lo que hacen suena genial. Es un sonido que ha estado funcionando y haciendo discos de éxito desde los 80. Entonces, sí, eso es realmente, realmente vale la pena verlo. No hay mucha competencia por ello ahí en el rango medio, o al menos, voy a decir de nuevo, no es que haya usado. Y luego si nos metemos en las cosas de primer dólar, las cosas caras, Hazelw Industries VTC Ahora, esa es una nueva. Es una especie de nicho. Ese es el que estoy usando actualmente. Dije que era un helecho DW, pero son los mismos chicos DW helecho y Hazel Y Hazel rig es como si no hubieran puesto los medidores grandes, los paneles más baratos Así que han logrado obtener una versión más barata del equipo realmente caro, pero por dentro, sigue siendo igual de bueno. Y lo que obtienes con eso es un ratón increíble Prix y DI, ya sabes, lo que quieras usar, y un ecualizador realmente muy agradable. Entonces esa es una gran. Si tienes el presupuesto para eso, eso es fantástico. Para no tubo, tienes el Nev 1073. Tienes el canal real, que tiene el mic pre y el EQ, el ecualizador completo en él. No creo que el 1073 en el tal vez lo haga en la serie 500 No estoy seguro de que tal vez la Serie 500 sí tiene que tiene el EQ así como el Mike Pre que vale la pena echarle un vistazo. Pero, ya sabes, 1073 suena genial. Eso es fantástico. O la versión Wonder Audio. Como ya he dicho antes, me gustan mucho las cosas de Wonder Audio. Es muy similar al 1073, pero en realidad lo prefiero. Tengo un par de sus canales, que es el Mike Pre y el EQ, y suena increíble. Um, entonces Universal Audio, hacen el 6176, que es el Mike Pre y un compresor adentro y un pensamiento y ecualizador básico Ya sabes, Universal Audio Mike Pres son fantásticos. El compresor es el compresor clásico 11 76 que han estado fabricando durante décadas y cada récord cuenta de alguna manera. Entonces esa es una muy buena, también. Y luego finalmente, el Avalon 737, que verás en esa foto de engranaje, Avon 737, que es una tira muy bonita Tiene compresor, Scott EQ, Mike Pre DI, hace todo el lote. Es un sonido muy limpio, muy agradable extremo superior, sonido limpio todo en una caja. Suena muy bien. 15. 2.7a Otros equipos: Esta última sección sobre Gear se titula imaginativamente Otro engranaje Entonces estos son los bits que no son un micrófono y un micrófono pre que podrías estar usando como parte de una sesión de grabación vocal. Vamos a comenzar con EQ y compresión. Esto es lo que mucha gente me ha preguntado. ¿Utilizo EQ y compresión cuando estoy grabando? Y debería, ¿ sabes? Bueno, la respuesta a eso es un poco. Entonces tiendo a usar un poco de EQ y compresión, y pero no demasiado. Y la razón por la que es una especie de par de razones. Una, es que no quiero cambiar demasiado el sonido porque probablemente he seleccionado un micrófono que realmente me gusta, ya sabes, y lo tengo en un bonito micrófono pre. Así que no hay necesidad de hacer nada demasiado drástico, y me preocupa que tal vez suene demasiado procesado en el camino antes de que realmente hiciera algo Así que sólo voy a darle un poquito. La otra razón por la que realmente quiero concentrarme en la actuación del artista. Yo ingeniero y produzco, ya sabes, al mismo tiempo. Así que no quiero estar pensando demasiado en la ingeniería mientras el cantante está actuando en realidad. Quiero estar pensando en su desempeño y cómo podemos mejorarlo y realmente tener mi sombrero de productor puesto en lugar de mi sombrero de ingeniería puesto. El riesgo que puedes correr, ya ves es por, ya sabes, decir, sobrecomprimir algo y entonces tu enfoque o bien se llevará a eso Entonces no te estás enfocando en tu desempeño en la actuación, lo siento. No es mi actuación. Son los cantantes. Entonces te sentirás atraído porque estarás escuchando demasiado el sonido o porque tu enfoque está en la interpretación, realmente no lo vas demasiado el sonido o porque tu enfoque está en la interpretación, a escuchar correctamente, así que no notarás que en realidad has empezado a tener un sonido que no es óptimo, a tener algo que no es muy bueno. Entonces tiendo a vigilar mi compresor. El compresor vocal que uso. Cuando estoy grabando con bastante frecuencia es el helecho DW, que está justo frente a Es donde me siento en mi DAW, así siempre puedo ver el medidor moviéndose Entonces sé si lo fuerte que le estoy pegando, además de escuchar. Así que siempre lo estoy vigilando, pero nunca estoy haciendo demasiado de todos modos, para que pueda estar quitando un DB o dos DB como máximo. Esa sería la mayor compresión que buscaría en un proceso de grabación. Y, ya sabes, en lo que va de la Q, podría agregarle un poco de extremo superior. Habrá un par de cositas, pero no mucho. Y realmente, la clave para ello es si en abajo, no lo grabes plano, graba un micrófono decente a través de un pre micrófono decente y déjalo así. Y se puede trabajar en ello después. Esto es particularmente si eres razonablemente nuevo en la grabación. No has hecho muchas sesiones. Lo mejor para apuntar es una grabación limpia porque realmente, si suena bien con el micrófono y el micrófono pre, ya sabes, solo corre con eso Puedes arriesgarte a estropearlo , puedes hacerlo un poco mejor con un poco de buen EQ EQ y compresión, pero el mayor riesgo es que podrías hacer un lío, y luego, ya sabes, la grabación está terminada , las sesiones terminadas Es un poco tarde para cambiarlo. Así que sí, en caso de duda, no hagas EQ y compresión. Si vas a hacerlo, solo haz un poco, concéntrate en el rendimiento más que en la ingeniería. Esa es la posición en la que quieres estar. Entonces, ¿qué más, bien? ¿EQ y compresor? Sí, ¿qué más vamos a usar en nuestra sesión? Bueno, hay un escudo pop. Vas a necesitar eso porque todo el mundo hace plosivas Plosivas, suena como Ps y Bs, cosas así. Tengo un escudo pop en este momento frente a mí, razón por la cual no puedes escuchar esos explotar. Pero lo que pasa es que hay una gran explosión de aire. Por eso llaman a las plosivas cuando haces esos ruidos, y pueden golpear el diafragma de tu micrófono hasta tal punto que haga un ruido retumbante, y no es muy agradable, ¿de Entonces tu escudo pop dispersa eso. Hay dos tipos diferentes. Obtienes el tipo de nylon tipo de tela, y luego obtienes tipos de metal. Tengo que ser honesto, nunca he usado uno de los metálicos. De hecho tengo uno dando vueltas en algún lugar que salió gratis con algo, pero nunca lo he usado. Realmente debería, ya sabes, solo AB, pero las medias de nylon siempre han sido muy transparentes en lo que a mí respecta Entonces esos son los que siempre he ido por Um, pero sí tienen un efecto en el sonido. Por lo que vale la pena señalar. Lo he escuchado algo así como en una especie de bebés de YouTube, que nunca confío plenamente, y he escuchado que hay una diferencia en el sonido. Entonces, si estás, por ejemplo, revisando diferentes micrófonos, asegúrate de que estás usando el mismo escudo pop cada vez porque si estás usando diferentes escudos pop, eso afectará tu juicio de cómo suena el micrófono, ¿verdad? Um y otra cosa para recordar es si un escudo pop no está haciendo lo suficiente, si las plosivas siguen llegando, porque ese es el estilo de la cantante Son muy plosivos. Lo que puedes hacer es vender una cinta tiendo a usar cinta adhesiva o cinta aislante como a veces se le conoce porque tiene poca pegajosidad y no va a dejar un residuo pegajoso en tu micrófono Usa un poco de esa cinta aislante y solo pon un lápiz en la parte frontal de tu micrófono. Y lo que eso hace es el lápiz frente al diafragma simplemente dispersa demasiado de ese aire Ya sabes, si todavía hay demasiado aire entrando a través de tu escudo pop, el lápiz lo dispersará alrededor del diafragma y no entrarás en tantos problemas con las plosivas También puede funcionar con DSing. Un par de personas me preguntaron qué le hago a DS mientras estoy grabando voces, y en parte está en tu elección de micrófono, y también ese truco de lápiz puede funcionar para ayudarte DS Esas son las únicas dos cosas que sé sobre cómo hacerlo en el proceso de grabación. El resto es usar DSs después. Pero si tienes la ruta de señal correcta, eso ciertamente puede ayudar. Y luego etapar un lápiz la parte frontal de tu micrófono para que disperse el aire a su alrededor para que no todo golpee el diafragma a la vez, también puede ayudarte Entonces lo siguiente que voy a recomendar es un filtro de reflexión, que es lo que se sienta alrededor la parte posterior del micrófono como una mini pantalla. Tendrás que enviarlos por ahí, Google esa frase si no la has hecho, y entonces sabrás a lo que me refiero. Hay algunas marcas diferentes de ellas ahora tengo un SEO. Pídeles que hagan una muy buena. Hay algunos diferentes que puedes hacerte con. Y de alguna manera actúan como una pantalla alrededor de la parte posterior del micrófono. Ahora, lo que hay que recordar es que sonido entra al micrófono principalmente en la parte delantera. Generalmente grabas voces en un patrón cardioide. Entonces el sonido está entrando en la parte frontal del micrófono, y la parte posterior del micrófono, debido a la naturaleza de un patrón cardioide está captando mucho menos Entonces no es realmente tan importante como lo que tienes detrás del cantante en cuanto a pantallas. Pero aún así, puede que le resulte útil en su habitación. Si tienes una sala en vivo en particular o si quieres proteger de algo, entonces eso puede funcionar. De hecho, creo que es algo útil a nivel psicológico porque un cantante puede esconderse detrás de él. Entonces estoy trabajando en la sala con el cantante. Ambos estamos juntos en la misma habitación, y sería lo mismo si los pusieras en una cabina vocal y estuvieran frente a ti. Si tienes un gran pop grande lo siento filtro de reflexión hacia arriba, algún tipo de pantalla como esa detrás del micrófono, entonces si el cantante se siente particularmente vulnerable o como que no quiere ser visto mientras está haciendo algo, entonces están de pie o sentados detrás este filtro de reflexión y no se pueden ver si no quieren ser vistos. Y eso puede ser algo bueno para ellos. Lo siguiente a considerar en términos de equipo para la grabación, es el tratamiento de tu habitación, y ¿qué tienes alrededor de donde van a estar los cantantes Si tienes una cabina que está muerta, eso es genial. Así que has matado todo el tipo de reflejos en tu cabina vocal. No me gustan las cabinas porque me gusta estar en la misma habitación la cantante pongo mucho de tienda por nuestro entre tomar conversaciones, y son muy naturales cuando estás en la misma habitación, solo te quitas los auriculares y empiezas a platicar en lugar de hablar por un micrófono talkback Y entonces lo que tengo, tengo un par de pantallas arriba que están detrás del cantante. Entonces son pantallas grandes. Tienen una especie de pozo de seis pies, más de seis pies de altura. El cantante se para frente a ellos. Entonces, con esas pantallas detrás de ellos, entonces obtuvieron un filtro de reflexión por el micrófono que realmente hace un trabajo razonable amortiguar el área que los rodea. No es perfecto. un poco de vivacidad, sobre todo si están cantando y cantando bastante alto Pero en realidad no me importa que haya un poco de sonido de habitación que pueda entrar donde empiecen a cantarlo Um, pero el trato en la habitación es algo en lo que hay que pensar y es bueno tener algunas opciones de. Así que recuerda que dije antes, cuando estás escuchando tu micrófono y escuchas el espacio alrededor de la voz así como la vocal y ves cómo piensas que suena eso. ¿Eso suena como si estuviera agregando? Está muerto, así que no está haciendo nada en absoluto, o más bien algún tipo de extraños tonos huecos que están saliendo por ahí porque a lo mejor eso necesita un poco más de relleno para acabar con eso. Y luego lo último, claro, son los auriculares. Qué auriculares tienes es importante porque los auriculares se derraman. Es otra cosa que mucha gente preguntaba sobre derrame de auriculares. Entonces, solo debo mencionar, tengo una lista de correo, y cuando comencé a diseñar este curso, solo envié un mensaje a mi lista de correo y digo: Hay algo que quieras saber sobre la grabación de voces, así puedo asegurarme de que podría incorporarlo en Entonces, cuando digo que la gente preguntaba al respecto, es como que muy pocos de los correos que recibí fueran sobre los temas. Entonces, ya sabes, tenía que asegurarme de cubrirlos. Para esas personas. Entonces sí, si no estás en la lista de correo, por cierto, ve a la consultancy.com mixta, aparecerá una cajita, pondrás tu nombre, y obtienes algún tipo de descuentos, competencia ocasional, y solo vas a conocer las cosas que están surgiendo antes de que Entonces, sí, quieres unos auriculares traseros cerrados. Los auriculares vienen en dos diseños, espalda abierta y cerrada B. Ahora, la espalda abierta suena realmente natural. Suenan como si estuvieras algo el sonido está en la habitación contigo, y son buenos para escuchar por largos periodos. Me mezclo me dieron un par de pares de espalda abierta que mezclo. Y eso es genial. Pero el problema es que de ellos sale mucho derrame, así que en realidad no son de mucha utilidad para grabar, entonces todo el sonido de las pistas va a estar derramando sobre el micrófono Entonces quieres unos auriculares traseros cerrados para que el cantante esté encendido. El clásico es el Bodynamic Det cien, que verás en todas las fotos de estudio porque son esas grandes y grandes grises son enormes. Se sientan sobre tus orejas. Ahora, en realidad suenan bastante horribles. No son agradables. Ya sabes, las mezclas suenan bastante sombrías a través de ellas. Pero son realmente buenos para reducir el derrame. Lo hacen Hay versiones más modernas como DT one 50s, ya sabes, Beer Dynamic han actualizado ese diseño. Entonces hay mejores versiones. Pero son muy buenos para derrames. Tiendo a usarlos realmente solo cuando tengo que hacerlo, o, como, ya sabes, si es un baterista y tienen un clic muy fuerte en sus oídos, ya sabes, lo último que quieres es ese clic derramando en los 12 micrófonos que tienes alrededor de la batería justo en frente de Así que a menudo pondré un baterista en una de esas disculpas a Los voy a poner en DT 100 porque esa es realmente mi mejor apuesta para reducir la derrama. En mi estudio, utilizo Sony MDR 7506 es. Son los auriculares que he usado desde hace años. Muchos de los estudios en los que he trabajado los tienen porque están cerrados de nuevo, y son un muy buen equilibrio entre sonar genial y reducir la derrama Entonces creo que son alrededor de 80 libras o en algún lugar de ese territorio, 75, 80 libras. Entonces esa es una muy buena si quieres una especie de equilibrio entre la reducción de derrames y un buen sonido. Otra cosa que puedes hacer para ayudar a reducir la cantidad de derrames de auriculares que está saliendo es comprimir la grabación menos compresión es aplastar los bits fuertes y sacar a colación los bits silenciosos Entonces esos bits tranquilos entre las líneas vocales cuando los cantantes solo escuchan la música y sale algo de derrame, la compresión lo estará sacando aún más Entonces tal vez si estás sufriendo de eso en tu proceso de grabación por exceso de derrame y tienes un compresor encendido mata el compresor. Simplemente no comprimimos mientras estamos grabando. Enfréntate a eso después cuando podamos, por ejemplo, hacer algunos paseos en nuestra automatización vocal, automatización de volumen, lo siento, de la voz antes de golpear un compresor, y luego hay menos entrando. Te diré lo que voy a hacer todo un curso de mezcla de voces, también Entonces nos meteremos en eso y en lo que puedes hacer ahí. Pero sí, reduciendo la compresión. Y qué buena regla general es comenzar tu sesión con los auriculares que no son demasiado ruidosos, para que el cantante salga, se ponga los auriculares y no sean demasiado ruidosos. Entonces sabes que vas a empezar con una buena posición para derrame. Y si están contentos con ese volumen, entonces estás en un buen lugar porque no sale demasiado y están heno los cantantes felices donde está Tal vez encuentres que lo quieren más fuerte. Eso no es inusual. En cuyo caso, ya sabes, entonces tienes que subirlo, y luego podrías lidiar con derrames o estar en el territorio donde eso podría suceder. Pero ahí tienes. Si empiezas con él más tranquilo, la mezcla de auriculares, entonces podrías encontrarte en un buen lugar Por encima de eso, ya sabes, estás obteniendo una buena actuación. Eso es lo más importante. Un poco de derrame de auriculares no debería entorpecer el buen rendimiento, y podría terminar siendo algo que tienes que hacer como trabajo de edición después del proceso de grabación. 16. 2.7b Otros equipos: Por lo que recientemente me preguntaron sobre las pantallas acústicas y los paneles acústicos y cómo deberían organizarse y qué hacer al respecto. Entonces me di cuenta que no lo había cubierto mucho en el curso, así que acabo de agregar este poquito. Y realmente, supongo que tal vez la razón por la que no lo agregué es porque inicialmente no hay, es que no hay reglas duras y rápidas cuanto a esto es lo que tienes que hacer. Entonces, hablemos de para qué sirven. La idea es que si solo cantas en una habitación, obtienes todos los reflejos de la habitación y todo rebotando en el micrófono, y muy a menudo eso no es lo que quieres Si estás en, como, un estudio realmente post que ha sido diseñado acústicamente, entonces es posible que realmente quieras algo de eso Quizás quieras un gran sonido en vivo. Y así quizás no usarás muchas, si alguna, pantallas. Pero generalmente, no quieres ese tipo de reverberación y reflejos tempranos de la habitación en tu micrófono cuando estás grabando una voz porque quieres trabajar con una voz razonablemente seca Entonces tus pantallas acústicas y tu tratamiento acústico es lo haces para lograr esa sequedad alrededor de tu voz en lugar de un sonido de sala. Y hay muchas maneras de hacerlo, y hay muchos tipos diferentes de presupuestos que puedes soplar en él. He hecho una grabación en una alacena con algo como una manta Duve detrás del cantante, y era un armario de ropa, así que estaba lleno de ropa, así que todo era realmente absorbente Después una manta detrás para ayudar a matarlo aún más. Y eso realmente funcionó. un ambiente completamente muerto. Y así podía cantar tanto como quisiera, tan fuerte como quisiera, y no había ninguna reflexión temprana pasando. No había nada que sonara algo duro o duro o raro pasando ahí dentro. Entonces eso estuvo genial. Si estás construyendo una habitación, probablemente quieras instalar un área pequeña, como una cabina para mí, solo tengo, como, una esquina de mi estudio en la que solo tengo un par de pantallas levantadas, y eso es suficiente, y está cerca alrededor de la voz. Y así como lo he hecho es que tengo una pantalla directamente detrás del cantante y luego otra a un lado porque es junto a una pared de ladrillos. Entonces el lado uno está cortando los reflejos de la pared de ladrillo. Y luego con un filtro de reflexión alrededor de la parte posterior y micrófono, también, para mí, que aprieta el ambiente lo suficiente alrededor la voz que podría obtener un buen sonido seco, bueno de ella Entonces para ti, podría ser diferente. Es posible que tengas que hacer más o quizás necesites hacer menos, dependiendo del tamaño de tu habitación. Tiene un efecto enorme al tamaño de tu habitación, y también a los ángulos de las paredes. Hay todo tipo de cosas que los acousticistas podrán contarte Pero lo que yo haría es decir, errar por el lado de la precaución, tener más amortiguación de la que cree que necesitará. podría ser que yo sea casi supersticioso sobre esto, pero cuando configuré las pantallas, y esto es cuando estaba en grandes estudios y asistiendo y teniendo que configurar todas las pantallas, no usaría ángulos rectos solo algo así como lo poco que sí sé de acústica es ángulos rectos en las habitaciones es malo para la acústica y el sonido como que vuela alrededor acústica es ángulos rectos en las habitaciones es malo para la acústica y el sonido Y aunque obviamente es material absorbente, por lo que no debería estar reflejando nada. Entonces por eso creo que tal vez estoy siendo un poco supersticioso al respecto Pero yo haría al menos una pantalla detrás del cantante, porque si crees que el micrófono está apuntando de esa manera. Entonces, cualquier sonido que esté rebotando la pared detrás y volviendo hacia adelante otra vez, tiene la oportunidad de entrar en el micrófono Así que la pantalla detrás del cantante, eso detiene esos rebotes directos de nuevo en el micrófono Y luego si puedes, o si necesitas, uno o dos arriba a los lados del cantante dos, solo para evitar que esas cosas entren paredes laterales y se metan en el micrófono Entonces eso es realmente una especie de principios en los que estás pensando, y luego cómo abordas eso y cómo lo haces en tu estudio será muy individual para ti. Una cosa voy a decir, YouTube tiene muchos buenos videos sobre cómo hacer tus propias pantallas acústicas si no quieres comprarlas. Es un trabajo relativamente sencillo. Es un trabajo muy barato. Um, y si tienes tiempo, entonces puedes hacer algo realmente a medida a tu estudio que cumpla absolutamente con tu necesidad y sea del tamaño adecuado y suba al techo o lo que sea que quieras hacer Eso definitivamente vale la pena verlo si quieres meterte en eso. Entonces, sí, eso es todo. Solo un poco en pantallas acústicas. Y ojalá, ya sabes, puedas usar eso para construir tu propio estudio cuando tengas la oportunidad. 17. 3.1 Capítulo 3 Introducción: Ahora estamos en el capítulo tres, y este es en realidad el proceso de grabación. Así que en realidad ya hemos hecho bastante del trabajo. De hecho, yo diría que la mayor parte, ya lo hemos hecho. Y ahora estamos llegando al proceso de batear record y capturar una toma. Lo que quiero que recuerdes es que hemos hecho toda esta preparación. No se limite a golpear disco sin las otras consideraciones que necesitamos hacer. Entonces, este es tu último paso para conseguir una actuación realmente, realmente genial para tomar nota cuidadosa de lo que atravesamos en este capítulo, de las conferencias que se avecinan y solo asegúrate de que también estás poniendo todas esas cosas en práctica. Este es el punto crucial para toda la psicología que hemos estado aprendiendo. Aquí es donde puedes entregar todo eso, y puedes poner en práctica todo lo que has hecho. Además, vale la pena tener en cuenta que para este proceso, sí tienes puesto tu sombrero de ingeniero y productor. Ahí están los dos trabajos que van a estar corriendo mientras estás grabando. Sabes, estás siendo el ingeniero, pero quieres concentrarte en ser el productor. Para eso se prepara todos los preparativos. La razón por la que hicimos toda esta preparación, y hay pedacitos que también se mencionan en la próxima conferencia. La razón por la que hacemos todo esto es para que los errores se minimicen y su sombrero de ingeniero esté encendido por la menor cantidad de tiempo. Quieres producir un sombrero en la medida de lo posible durante el proceso de grabación. Entonces toda esta preparación está hecha, así que ojalá nada salga mal. La ley de Murphy y todo eso, pero ojalá nada salga mal. Lo que realmente queremos hacer es poder concentrarnos en el rendimiento como productor. Estás escuchando la forma en que el cantante está cantando, estás escuchando la forma en que están discutiendo, y estás trabajando en si estamos sacando lo mejor del cantante y lo mejor de esta actuación, y no estás pensando, ¿ he puesto el compresor demasiado fuerte Ya sabes, ¿los niveles están pegando demasiado fuerte? Sigo el camino de mi estudio fuera es que mantengo mis mCamps muy cerca de donde puedo ver cuando estoy grabando Entonces, si hay alguna luz de sobrecarga, ya sabes, las voy a ver, así sé que están pasando. Pero en general, he hecho mucha configuración de antemano, así que sé que hay muy pocas posibilidades de que entremos en ese tipo de área. Para eso se prepara tu. Pero de todos modos, toma muchas notas. Hay mucho que cubrir en esta sección con la psicología de cómo vamos a conseguir la mejor actuación del día con la cantante. Entonces sí, disfrútalo, y te veré en el capítulo cuatro. 18. 3.2 Pruebas: Ahora estamos en el proceso de grabación, y lo primero que hay que hacer es una especie de configuración, de verdad. Así que asumiremos, ya sabes, Mike está en las gradas y hemos hecho todo eso, pero hemos comprobado todo cuando nos instalamos. Y ahora, justo antes de que en realidad ya sabes, el cantante da un paso al frente para grabar, lo que vamos a hacer es que solo vamos a probar de nuevo. Se puede ver un ligero error esta persona ha cometido en su configuración en el micrófono la derecha no tiene un cable enchufado a él Entonces esa sería una obvia. De todas formas, estás buscando cualquier cosa que hayas probado ya que podría haber salido mal en el periodo de descanso entre tu configuración y tú lo haces, porque ya hemos probado todo. Eso lo sabemos. Pero como una ley que se hizo famosa por el capitán Edward A Murphy, quien dijo de su asistente, si puedes encontrar una manera de hacerlo mal, entonces lo hará, o también ahora es una especie de traducido como cualquier cosa que pueda salir mal saldrá mal Asume que las cosas habrán salido mal en el momento en que las dejaste para que las vuelvas a revisar y asegurarte de que no lo han hecho. Y nuevamente, estamos comprobando toda la raíz. Entonces la mejor manera de hacerlo es pararse en el micrófono con los auriculares encendidos, canal DAW abierto como si fueras el cantante, y solo revisar la raíz Asegúrate de que puedas escucharte a ti mismo, asegúrate de que los niveles sean buenos. Ya sabes, lo que sea que hayas configurado, reverberaciones y esas cosas en la DAW, todos están funcionando, y no hay crujidos, no hay ruidos extraños pasando Todo está bien. Y luego, de nuevo, haz ese meneo de todas las pistas por si acaso, ya sabes, hay un contacto extraño, algo salió mal Simplemente menea todos tus clientes potenciales. O sea, son unos segundos de trabajo. Dales un poco de meneo, asegúrate de que nada se corte. Cuando haces eso. Todo sigue funcionando, y entonces estás listo para ir con confianza. 19. 3.3 La configuración física de la habitación: En esta conferencia, vamos a estar hablando de la configuración física real de la sala, así que las cosas que hay ahí y dónde las estamos poniendo y lo que necesitamos recordar para tener configuración en la sala ya. Pantallas o caseta. Yo en realidad no soy un gran fan de las cabinas para grabar voces Me doy cuenta de que hay una ventaja técnica en que puedo tener el si tengo una cabina, luego en la sala de control, puedo tener la música en buena y alta, y en la cabina, eso no va a estar sangrando en lo que están haciendo en el micrófono. Así que hay una buena separación técnica del sonido entre las dos salas distintas. Y la razón por la que no me gusta es que me gusta estar en la habitación con el cantante. Para esos momentos en los que te estás quitando los auriculares y estás discutiendo la parte y lo que están haciendo, ya sabes, como estoy seguro ya no te sorprenderás, para mí, los aspectos psicológicos de la actuación son los más importantes. Entonces me gusta estar en la misma habitación que la cantante para hablar de esas cosas. Se siente más natural y siento que puedo ir un poco más profundo con él estando en la misma habitación. Si no vas a tener una cabina, sin embargo, es bueno que se levanten algunas pantallas para que el cantante quede algo así el cantante quede algo cerrado en cuanto a la acústica. Así que no estás recibiendo demasiado del sonido de la habitación a su alrededor y estás obteniendo un buen sonido vocal seco y limpio. Así que unas cuantas pantallas alrededor. Se puede ver en esa imagen verde, tienen, ya sabes, ese tipo de cosas de difusor absorbedor, y también tienen un filtro de reflexión. Entonces hay algunas cosas arriba para tratar amortiguar el sonido alrededor del cantante Entonces pantallas o stand, lo que se adapte a tu estilo como productor o como artista, lo que prefieres En la situación de apagado del teléfono del aire acondicionado, obviamente, no queremos que el ruido suene en medio de lo que estamos haciendo No queremos llevarnos a ser mimado por un teléfono sonando o un zumbido repentino de una unidad Entonces, si puedes sacarlos inicio antes de comenzar la sesión o al menos antes de comenzar a grabar, entonces eso significa que no vas a tener una grabación destruida por algo que podría haberse apagado y ese problema no ocurrió. Ahora, la posición del mictnd. Esto es más sobre dónde están parados los cantantes, asegurándose de que el mictnd esté en una posición que les resulte cómoda en cuanto a los pies del micrófono Stand, como, no van a empezar a patearlo porque los pies del micrófono Stand están en una posición donde van a estar sus pies Entonces tiendo a, ya sabes, si los cantantes en la cabina, los seguiré a la cabina cuando entren ahí, o, ya sabes, si están de pie en mi estudio detrás de mí, lo verás en un minuto Y adónde van. Cuando están ahí parados, solo verifico dónde están parados que es cómodo y que no lo son, no parece que estén tratando de pararse alrededor del soporte de los micrófonos porque el problema es que podrías terminar recibiendo patadas y luego eso envía un gran boom a través de todo el mictnd hacia el Además, si por alguna razón, tienes más que un micrófono de pie, lo mejor tienes otro stand que está sosteniendo la letra arriba. Voy a meterme en eso en un segundo, o podría haber otro soporte que esté sujetando el escudo pop arriba o por cualquier otra razón, no superpongas las piernas porque entonces es solo significa que si el otro soporte que no tiene el micrófono se golpea, si esas piernas se están tocando, entonces ese boom va a viajar directamente a tu micrófono. Entonces, si tienes más de un soporte muy cerca del soporte con el micrófono encendido, solo asegúrate de que no se toquen de ninguna manera. Y también, una pequeña nota, si miras en la esquina inferior derecha de esta imagen, que con un cantante sosteniendo el mictnd va a poner todo tipo de ruidos horribles y auges y golpes Entonces eso es un no. Si un cantante necesita sostener un mictnd mientras está actuando, entonces dele otro para que sostenga, no el de los micrófonos Y para el caso, en realidad, ese tipo de idea de que un cantante necesita utilería para cantar. Eso no es tan inusual. Sé que me he olvidado de la banda, pero había un cantante, una banda de rock muy grande, y él también tocaba la guitarra. Entonces, lo que hizo cuando hacía su voz fue tomar una guitarra que no tenía ningún compromiso, y una especie de falsa la rasgueó porque necesitaba sentir que estaba haciendo eso mientras interpretaba su voz, y eso le dio una mejor interpretación vocal Entonces cualquiera de esas cosas está bien. Apenas esta en particular que está haciendo este tipo no está bien porque va a poner algunos flequillos y retumba en el micrófono mientras le está cantando Entonces necesita otro micrófono Stand al que agarrarse para que se sienta cómodo. Bien, entonces en el micrófono y el patrón de captación del micrófono. Entonces esta es una gran foto porque es como, zonificada en el interruptor selector de pastilla Para que veas, está en cardioide. Cardioide que proviene de la palabra que significa corazón, algo así como en forma de corazón He escuchado a otros idiomas llamarlo forma pulmonar, que creo que en realidad es más precisa que la forma del corazón, pero eso no importa. Cardioide es donde básicamente recoge lo que tiene delante, lo que está delante del micrófono Omni es otra opción. También se puede ver la figura ocho ahí también. La figura ocho recoge exactamente delante y detrás, y Omni recoge todo el micrófono Ese es el patrón de recogida. Y en cierto modo depende de lo que estés haciendo. La mayoría de la gente usaría cardioide para hacer voces. Eso simplemente se deshace del sonido. Sólo estás recogiendo lo que sale de la boca del cantante y te deshaces del sonido que la rodea. Si estás en una habitación particularmente buena y quieres un poco de eso ahí, entonces tal vez podrías elegir Omni O si tienes un cantante que se mueve mucho de lado a lado, eso será menos problema con un micrófono que está en una posición omni Pero para ser sinceros, si se mueven mucho de frente y de atrás, lo que suele ser más del problema con el cantante no se quede en la misma posición, el omni realmente no te va a ayudar ahí De hecho, si quieres comprimir y montar la voz arriba y abajo un poco más debido a esa posición, el hecho de que Mike esté en omni y jalando más de la habitación podría funcionar en tu contra Entonces otro aspecto del bien, diferencia a tener en cuenta entre omni y cardioide es el efecto de proximidad, que es donde el cantante se acerca al micrófono para obtener más de una especie de sonido íntimo final de fondo Aquí tienes, yo lo haré. Me acercaré más en este, y tú obtienes más de una especie de sonido más grueso, más íntimo y eso es que es menos obvio en omni y más obvio en cardioide Entonces, si quieres hacer eso, entonces es mejor que estés tomando cardioide para obtener ese efecto Así que sí, es más probable que estés usando cardioide, pero esas son solo algunas de las razones por las que quizás quieras asentir hacia omni en su Otras cosas a tener cuenta es tener las letras impresas. Quizás quieras uno tú mismo si eres el productor y hay un artista diferente o obviamente si eres autoproductor, solo necesitas un set. Pero tener las letras impresas y listas es bueno y un soporte para poner la letra. Si no tienes un atril, otro soporte de micrófono con la letra pegada al final del mismo y simplemente levanta eso para que la letra esté a la altura correcta Esa es una manera realmente útil de sostener la letra que es conveniente para el cantante. Y también ligero. Obviamente, hablamos de una iluminación genial, pero a lo que me refiero en el capítulo anterior. Pero lo que quiero decir aquí es que hay suficiente luz para ver la letra por. Entonces, si el cantante está requiriendo letras para cantar, probablemente necesite la luz para verlas, también. Entonces tu iluminación ambiental es obviamente muy importante, pero no perdamos la capacidad de leer la letra. Y luego una mesita cerca, obviamente muy útil para poner su agua en el teléfono o lo que sea, solo uno de esos pequeños elementos de lujo, pequeñas comodidades. Y además, tu escudo pop debería estar listo y listo. Eso siempre debe estar ahí. Y también potencialmente tu lápiz o bolígrafo con un poco de cinta aislante en caso de que el escudo pop no lo esté cortando del todo. Necesitas un poco de ayuda extra allí o ayuda con DSing. Y luego estar armado y listo con eso solo lo hace más rápido si necesitas saltar y poner eso ahí. Entonces solo es útil tenerlo a mano. Y aquí se puede ver, sólo rápidamente el tipo de esquina donde tiendo a hacer voces. Hay pantallas arriba alrededor de la altura vocal. Ese es mi ADK, que es muy bonito. Se pueden ver los auriculares colgados ahí. Tienen su propio control de volumen para ese pequeño taburete que pueden usar como mesa. Hay un atril, que tiene algunas luces bonitas encendidas. Y si, esa es generalmente la distancia a la que comenzaría el escudo pop, entonces tal vez cambiarlo si es necesario. Y si, 20. 3.4 Configuración del cantante: Por lo que nuestro siguiente paso es prepararnos para el cantante. Obviamente, esto es un poco más parecido a que aparezca el cantante que de estar aquí. Hay un poquito que haces de antemano, pero, ya sabes, haces esto más en el día. Aunque puedes hacerlo el día anterior. No hay razón para que no. Así que aquí tienes. Con lo que empezaremos son los auriculares, y lo que estás haciendo, es que estás preparando su mezcla de auriculares. Entonces, lo que escuchan mientras cantan, es probable que van a querer su voz sea un poco más fuerte de lo normal Sólo nos meteremos en eso en un segundo. Pero la mezcla que van a estar escuchando para cantar, hay algunas consideraciones con esto. En primer lugar, mézclalo con los auriculares de los cantantes puestos. Entonces lo estás escuchando a través de los mismos auriculares que son. Ya sabes, si tienes diferentes modelos de auriculares dando vueltas por tu estudio, no quieres hacer algo que suene brillante en cierto par, y luego te pones los que obtuvieron los cantantes ese es un par de auriculares diferente, y no suena tan bien Entonces tu mejor apuesta es agarrar los auriculares de los cantantes y simplemente hacer la mezcla con esos auriculares puestos, que sepas que va a sonar bien cuando los escuchen Ahora, hay una posibilidad. A veces no aparece muy a menudo, pero a veces, si un cantante sigue pidiendo tener más ellos mismos, es bastante normal que tengan, ya sabes, un volumen de sí mismos más alto del que tendrías en una mezcla Pero si siguen pidiendo más ellos mismos, intentan simplemente voltear la fase en el canal a medida que vuelve Normalmente puedes obtener un enchufe que es muy, muy simple, ya sabes, sin latencia, y tiene un botón de fase en él. Así que ponlo en su canal. Dale la vuelta a la fase porque podría haber un pequeño problema de fase que significa que no se están escuchando a sí mismos correctamente Se están cancelando a sí mismos. Entonces ese puede ser un pequeño truco que solo les permita escucharse un poco más claramente para que no se ponga demasiado ruidoso porque no quieres demasiado derramar. No quieres que sigan subiendo las cosas. Y también, quieres poder escuchar cosas también. Entonces sí, eso a veces puede funcionar. La otra cosa es una oreja apagada. Ahora bien, esto es algo que naturalmente hacen algunos cantantes. Algunos cantantes son conscientes de que es una buena idea. Pero si no vale la pena mencionarlos, realmente ayuda con la afinación, por lo que pueden escucharse mucho más claro si tienen una oreja apagada y una oreja puesta en los auriculares. Um, vale la pena tenerlo en cuenta con eso, obviamente, cualquier cosa que esté pandeada en tu mezcla de auriculares, si está girada hacia un lado en el que no tienen la oreja puesta, entonces eso va a marcar entonces eso va a marcar la diferencia en lo que están escuchando Así que solo sé consciente de eso y de cualquier cosa crítica, solo piensa, estoy perdiendo algo, quizás lo crítico en la mezcla de auriculares sea lo mejor en el medio. Entonces sabes que aunque le quiten la oreja, se la vuelvan a poner, siempre van a tenerla adentro. Entonces, hablando de dónde estás panoramizando las cosas y esas cosas, también necesitas que tu sesión esté configurada en tu DAW Hay una imagen encantadora de algún software DAW que no he usado Seguro que es genial. Entonces marcadores de sesión. Los marcadores de sesión son obviamente algo muy útil para moverte por la pista y asegurarte de que estás hablando de la misma sección. Entonces, cuando tu cantante dice el puente, el puente es un buen ejemplo porque es como un americanismo llamar al Ocho Medio el puente Nosotros lo llamamos Medio ocho. Lo llaman puente. Y entonces, igualmente, algunos ingleses llamarán al pre coro el puente Entonces ese tipo de confusiones se planchan mejor de antemano, de lo contrario, puede resultar frustrante y molesto mientras estás en proceso de Entonces, si pones tus marcadores, solo comprueba que estás hablando las mismas secciones con los mismos nombres con tu cantante, entonces podrás moverte con bastante velocidad a través de la canción Ahora bien, este es otro instrumentos sin trastes. Instrumentos sin trastes, gloriosos como son, sabes, corres el riesgo de que tengan leves problemas de afinación en ellos. Esa es una especie de naturaleza de un instrumento sin trastes. Entonces, obviamente, los bajos sin trastes es uno que se me viene a la mente porque tiene la palabra fretless Pero hay muchos instrumentos de cuerda que son sin trastes Así que solo piensa un poco sobre lo que está pasando en tu sesión. ¿Hay algún instrumento sin trastes ahí que pueda tener algún tipo de problemas de micro afinación que desanimen a tu cantante y le dificulten más, si es así silenciar ese Ya sabes, mira cuánto puedes escapar sin usar ese instrumento en tu mezcla de auriculares que sea un trabajo más fácil para el cantante. Y también reverberación vocal. Ya sabes, pon algún tipo de reverberación. Tiendo a usar solo un plato como punto de partida, a veces un acarreo, pero es simplemente agradable tener algo ahí, así que no están cantando secos. Y si empiezas con eso, entonces de nuevo, estamos pasando por este proceso donde los estamos haciendo sentir cómodos porque tenemos el ambiente profesional donde ya todo está hecho por ellos. Así que tenlo configurado con un poco de reverberación encendida que luego puedas ajustar a medida que avanzas Y luego, por último, solo su posición física. ¿Dónde están en relación con el micrófono? Lo que a menudo uso es el escudo pop para darles un poco de guía. Entonces colocaré el escudo pop en alguna parte. Generalmente, los cantantes estarán una pulgada o dos del escudo pop, así que colocaré eso donde quiera que estén Y entonces, obviamente, puedes usar tu relación, tu relación física con el micrófono para tu ventaja. Porque si te mueves muy cerca de un micrófono, cuando está en una posición cardioide, cuando está configurado en una posición cardioide, la proximidad al micrófono da un poco más de extremo inferior, y algo así también podemos traducir que yo, Aquí te acercas Aquí está el cantante cada vez más cerca, y traducimos eso como algo más íntimo. Así que eso se puede utilizar con bastante eficacia. Si necesitas resaltar algún tipo de lírica y quieres que algo sea más íntimo, entonces la proximidad al micrófono puede funcionar ahí, así como también si van a ser ruidosos, consiguiendo que retrocedan un poco para que las cosas no se sobrecarguen, solo haciendo que se inclinen un poco hacia atrás Y puedes usar tu posicionamiento como escudo pop como un poco de guía para el cantante para mostrarles dónde puede estar un buen punto de partida. 21. 3.5 Grabación de voz principal: comunicación: Ahora bien, esta conferencia tiene que ver con la comunicación y cómo nos estamos comunicando a través del proceso de grabación. Entonces de antemano, así que esto es antes de que realmente grabemos, pero estamos en el día de la grabación. Lo primero que me gusta hacer es discutir los horarios del día Entonces estamos con, ya sabes, una banda o un artista, y solo vamos a pasar por el plan del día, mapearlo. ¿Por qué no hacemos esto y luego esto? Y lo que eso significa es que tienes esa discusión con todos, ya sabes, si es más de una persona con todos, y también estás obteniendo la información de ellos sobre cómo funciona eso para ellos porque no tiene sentido que tengas una gran idea de cómo van a trazar los días, pero el guitarrista tiene que irse a las 4:00, y pensaste que iba a hacer su grabando a las cinco. Entonces, ten esa conversación, averigua cómo funciona el plan para todos. Y entonces lo que eso significa es, una vez que tienes un plan ya sabes, que todo el mundo sabe, a medida que entra en el día, todo el mundo sabe cuándo son próximos y cuándo siguen sus partes. Y también, puedes resolverlo y tipo de guitarrista necesita el piano primero antes de que haga sus bits Entonces lo haces bien y así sucesivamente. Así que es muy bueno discutir los horarios y permite que la gente quiera hacerte saber cómo tiene que ir su día y también avisar a todos cuándo van a estar despiertos Así que no hay sorpresas y todos están listos para ir cuando sea su turno. Lo otro que hay que hacer es dejar un poco de tiempo para que el vocalista se caliente. No a todos los cantantes les gusta hacer un calentamiento, pero siempre pregunto porque muy a menudo no preguntan. No dicen, Todos pueden hacer un calentamiento. Creo que algunos cantantes piensan que cuando entras en un estudio, simplemente te acercas al micrófono y comienzas a cantar y sale esta cosa gloriosa Y realmente, no hay muchos cantantes en el mundo que trabajen así La mayoría necesita algún tipo de calentamiento. Para conseguir su voz, ya sabes, sus músculos en el lugar correcto para que realmente puedan usarlos tanto como puedan. Así que siempre voy a sugerir un calentamiento, quieran o no es totalmente genial, pero la opción está abierta. Y si tienes esto como opción, una especie de habitación o área separada donde alguien pueda ir y hacer un calentamiento vocal que sea bastante privado es muy bueno porque no sé si ya has escuchado uno antes, pero sí suena bastante raro, escuchar a alguien haciendo todos los ruidos extraños que se requieren para calentar sus músculos en garganta y sus labios y todo lo demás. Entonces a la gente tiende a no gustarle tener audiencia cuando están haciendo sus calentamientos vocales. También pueden ser bastante ruidosos. Entonces sí, solo vale la pena tenerla en cuenta, si puedes conseguir un área pequeña que puedan usar en privado para hacer sus calentamientos, entonces, ya sabes, media hora o así antes de empezar a grabar, esa es una muy buena idea. Entonces, cuando en realidad están subiendo al micrófono, solo hablo de lo que vamos a hacer y general cómo me gusta hacer la grabación, el procedimiento de la misma. Entonces serán un par de tomas al principio en las que solo se están calentando en la idea, escuchando la mezcla de auriculares, y lo estamos haciendo bien, para que puedan darme muchos comentarios sobre la mezcla de auriculares. Y mientras estoy haciendo las partes de ingeniería, estoy jugando con un juego, consiguiendo eso justo en el micro pre. Y si tengo compresor y ecualizador sobre la marcha, estoy haciendo esas cosas bien. Entonces acabo de explicar que habrá un par de tomas donde las cosas van a cambiar de nivel sabio, pero escucha la mezcla de auriculares, asegúrate de que puedas escuchar todo lo que quieras escuchar. Y yo solo digo, también, ya sabes, solo di parar en cualquier momento porque quieres que algo cambie, y luego lo cambiaremos y nos aseguraremos de que sea genial. Entonces y si les hablas a través de eso y luego dices, ya sabes, entonces empezaremos a hacer algunas tomas, y me gusta conseguir bastantes tomas, buenas para munición para el comping, entonces tu cantante sabe que si estás haciendo algunas tomas, entonces no es porque se estén equivocando o no sean lo suficientemente buenos Es simplemente que estás recibiendo una carga de munición para comping. Entonces, en cualquier momento que hagas la comp, que es compilar los mejores aspectos de la voz, tienes algunas cosas realmente buenas ahí. Entonces, explicar eso significa que están mentalmente preparados para que eso suceda. Y luego también, diré, como, tal vez podríamos enfocarnos primero en el verso o ¿cómo funciona eso para tu voz? ¿Es mejor si primero hacemos el coro? ¿Porque eso es todo un cinturón? Así que es mejor que hagas eso después de que hayamos hecho el verso, y estés aún más caliente, o mejor que lo hagas primero cuando tengas todas tus fuerzas, y luego haremos los versos después porque están un poco más refrigerados. Entonces vale la pena tener la conversación sobre todas esas cosas para que las estés rastreando de la manera correcta eso es lo mejor para el cantante y lo mejor para su voz. Y lo siguiente es lo que yo llamo tiempo de cuentos. Ahora bien, esto no es tiempo de cuentos como lo hemos tenido antes en este curso, donde les he estado contando un ejemplo de algo que he hecho que tipo de ilustra el punto Lo que es la hora del cuento cuando estoy con un cantante es donde hablamos de la letra Ahora bien, supongo que por la naturaleza de la música tiendo a hacer, tiendo a trabajar con cantantes que han escrito la canción ellos mismos, al menos han escrito la letra Entonces la letra puede ser algo muy, muy personal. Pero aunque ese no sea el caso, es una muy buena idea discutir la letra todos modos para que el cantante se la meta en la cabeza Lo que estoy buscando es esencialmente llevar al cantante de vuelta al punto en que estaban emocionalmente cuando decidieron que tenían que escribir esta canción, y necesitaban escribir estas letras. Porque lo que queremos hacer en el micrófono es tener un cantante que esté emocionalmente en el lugar correcto para entregar realmente la emoción que están tratando entregar y entregar la canción como se supone que debe ser. Entonces les hablo a través. Les hago muchas preguntas sobre, ¿qué significa esta línea? ¿Qué significa esta línea? Para que estén hablando a través toda la canción y realmente me cuentan la historia al respecto. Lo que también hago es preguntar qué emociones se supone que debo estar sintiendo. Entonces a veces no puede quedar tan claro. Entonces voy a decir algo como, ¿Es esta línea ¿Estás enojado en este punto, o esto es más una especie de algo molesto y un poco decaído al respecto? ¿Sabes, cuál es la emoción que se supone que debo sentir como oyente Cuando escucho estas letras. Entonces sé qué buscar porque una vez lo he sentido, una vez los he escuchado cantar así y sentí esa letra, la emoción en esa letra que se supone que debo, entonces sé que tenemos una buena toma y podemos hacer la siguiente parte Entonces sí, la hora del cuento es una parte muy, muy importante de hacer las voces porque realmente ahí es donde tú como productor, aprendes cómo se supone que tienes que sentirte acerca de esta canción Y ahí es donde el artista tiene la oportunidad de meterse realmente en la psicología de la misma y en la emoción de misma para que puedan expresarse adecuadamente. Entonces ahora durante la canción, ¿qué estamos haciendo mientras en realidad estamos rastreando? Bueno, lo que hago es mientras estoy pidiendo otra toma, que no se sienta tan ciega, voy a explicar lo que busco en la toma. Así que cuando alguien haya terminado, ya sabes, un recorrido por el verso y vete, vamos a tomarlo de nuevo y esta vez, ¿puedes? Y luego haré una sugerencia que ojalá nos acerque a donde queremos estar en cuanto a la entrega, y podría ser el pitcheo o el timing o el tono de la voz o algo así, ya sabes, voy a tener una idea en mi cabeza donde queremos estar para que solo les dé uno o dos Y no sobrecargues. Ya sabes, es suficiente lidiar con cantar de todos modos sin tener demasiadas notas de dirección. Entonces solo una o dos pequeñas cosas en las que podrían pensar que podrían acercarnos a donde estamos. Y luego una vez que los tengan ahora, si yo tengo, cuatro cosas que quiero que traigan, ya sabes, sugeriré dos y tal vez haremos un par de tomas hasta que tengan eso, y eso es parte de su actuación entonces. Y luego traeré los otros y me voy, genial. ¿Podemos ahora también intentar y luego construir así sobre él? Entonces estoy explicando lo que estoy buscando todo el tiempo y pidiendo que la siguiente toma sea un poco más X para que sepamos a dónde vamos y cómo estamos avanzando con esto. Creo que una de las cosas más útiles como productor que puedes tener en este tipo de escenarios, suena bastante ridículo, pero es un vocabulario grande porque muchas veces me cuesta explicar esto, así que espero hacerlo bien esta vez, porque si le digo a un cantante, quiero que algo suene más reacio, entonces ¿por qué no lo intentamos de una manera más reacia Entonces podrían expresar eso cierta manera eso no es lo que estoy buscando, pero así es como traducen reacios en su cabeza Entonces entonces voy a decir, bien, olvida que son reacios. ¿Qué tal hacer ¿Por qué no suenas un poco más inseguro Y luego lo prueban de una manera que para ellos significa inseguro. Y eso es lo que en realidad quiero escuchar. Entonces lo he llamado renuente, pero ellos lo llaman inseguro, y esa es la emoción que estamos tratando de sacar esta canción Entonces, si tengo un montón de adjetivos y adverbios en, al alcance de mi mano listos para comenzar, y si no estoy diciendo los correctos para sacar la actuación correcta, puedo lanzarles otro, y eventualmente llegaré al que describen esa emoción Bien, espero que tenga sentido. Y entonces la otra cosa es el viejo sándwich de crítica, como se le conoce. Primero me describieron como Build break build. Y donde cuando necesitas ofrecer críticas a alguien, empiezas diciendo, ya sabes, Esta parte estuvo genial. Esto me gusta mucho. Y luego esta parte en la que podríamos trabajar, y luego finalmente dices, pero esta parte fue brillante. Ahora bien, no hago eso porque creo que eso suena falso porque creo que la gente ha escuchado ese proceso tantas veces Que ya no confíen en los positivos de ninguno de los lados que estamos acostumbrados a entregar lo negativo y endulzar el golpe Entonces lo que voy a hacer es simplemente decir las cosas que me gustan y las cosas en las que creo que necesitamos trabajar. Ya sabes, si hay algo que me gusta en el rendimiento, lo diré. Eso estuvo genial. Guárdate con eso. Y si hay algo en lo que creo que tenemos que trabajar, diré trabajar en eso, pero no voy a hacer ese tipo de sándwich formulaico, construir, romper, construir críticas porque creo que es solo una vez que entras en ese tipo de territorio de hacerlo como fórmula, ciertamente pierdes este tipo de honestidad, y empieza a sentir que, ya sabes, estás inventando algunos cosas que son positivas, cuando honestamente, ya sabes, ese obviamente no es el caso. Va a haber cosas que te gusten de la actuación y quieres seguir ahí dentro. Entonces lo estás diciendo para que eso suceda. Entonces solo siendo conscientes de eso, que Build Break Build es un sistema antiguo que gente ve a través de estos días, así que trata de no usarlo. 22. 3.6 Grabación de voces de acompañamiento: Ahora, como parte del proceso de grabación, nos metemos en las coros. Voz principal que hemos cubierto más o menos. Entonces, ¿qué son las opciones de BV? Se llaman BV, a veces coros, a veces voces de fondo voz de fondo tiende a ser más una cosa estadounidense y coros, más una cosa británica Es todo lo mismo. A menudo solo usamos Bavis, y luego no importa Entonces de todos modos, coros. Entonces, el tipo de forma más simple de tu vocal de respaldo es el tracking, y es el tracking de la vocal principal. Ahora, hay un par de formas de abordar esto. A algunas personas les gusta rastrear la voz principal de principio a fin. A ellos les gusta que todo sea rastreado, porque ese es el sonido de su voz. Así quieren que suene su voz. Tiene un efecto espesante, y a esos cantantes les gusta ese efecto espesante Por lo que seguirán toda la voz principal. Pero para hacer esto, para poder hacer cualquiera de este seguimiento con el lead, lo importante a exponer es que se necesita hacer en la comp final del lead. Tiene que ser la versión final de la voz principal ya que se va a escuchar en el disco. En el capítulo cuatro, nos metemos en comping y edición, así que voy a hablar de eso, pero solo necesitaba señalar aquí que una vez que nos estamos metiendo en el rastreo de los BVs, eso tiene que hacerse después tengas el compat final del lead Estoy en una sesión donde alguien está haciendo sus propios BVs y lo están haciendo el mismo día que el protagonista Graba la voz principal, les digo que se tomen un pequeño descanso de media hora, una hora, y entonces comppo el plomo, y luego hacemos las coros porque de todas formas necesitan un descanso para su voz Y entonces entonces se sientan en la parte trasera de la habitación en el sofá mientras llevo en la computadora y solo consigo la mejor vocal principal, también me da la oportunidad platicar con el cantante sobre la vocal principal. Llegan a escucharlo, a ver si hay alguna parte que no les guste, quieren rehacer Quieren ver si hay otra versión en las tomas que tenemos de ciertas líneas. Eso está bien. Podemos hacer eso entonces. Pero lo importante es que, antes de comenzar los BVs y antes de comenzar a rastrear la voz principal, tenemos la vocal principal final a la que rastrear De lo contrario, nuestros tiempos, cuando estamos rastreando, van a estar apagados porque van a ser para una línea que ya no estamos usando. Entonces, cuando estemos rastreando el plomo, lo que normalmente haré es tocar una línea al cantante y luego ellos rastrearán a esa línea de inmediato. La idea es que tienen el fraseo justo en su cabeza, así que es más fácil hacer coincidir el fraseo porque eso es lo que estamos haciendo cuando estamos rastreando es que estamos haciendo coincidir el fraseo del lead para que todo suene como uno, y estás proporcionando un engrosamiento real sin ningún tipo de ritmos diferentes que puedan Así que haciendo eso por el plomo. Ahora, algunas personas lo hacen, como dije, hasta el final, mayoría de la gente lo hará por el coro, al menos, para que en el coro, el plomo sea de doble seguimiento, y eso solo le da un poco extra de grosor Y si es un arreglo bastante escaso, y no está pasando mucho, solo esa cosa, esa voz engrosada puede ser todo lo que se necesita para el curso porque el cerebro humano se irá entonces, ahora estamos en el coro. Sabrán que hemos dejado atrás nuestra voz solista. Ahora tenemos dos cantando lo mismo. Ahora estamos en el coro Solo para que conozcas el intercambio, la razón por la que a algunas personas les gusta hacerlo y algunas personas no en términos de rastrear todo el camino es que pierdes un poco de intimidad con el sonido de la voz cuando la rastreas porque como dije, el cerebro humano sabe que no es una sola voz. Sabe que son dos voces. Entonces hay un poco de intimidad perdida por la decisión de rastrear todo. Entonces está el tipo de equilibrio que necesitas hacer y decidir con qué quieres ir. Y a continuación, son las pilas de BV. Entonces estamos haciendo Bevis, y esta vez estamos rastreando la voz principal con armonías en lugar de simplemente duplicar el plomo con Entonces esto no es unísono. Esto es armonía. Y lo que normalmente hacemos en esta situación, la mayoría de la gente normalmente haría una o dos de cada armonía. Entonces cada armonía, quieren hacer normalmente como una pareja. Si haces un par, puedes panearlos a izquierda y derecha, y luego obtienes, como, una gran cosa vocal de respaldo estéreo agradable. Eso luego se puede agregar a. Podrías hacer una triple pista. Entonces hay tres de cada uno o puede seguir y seguir. Ya sabes, algunas personas querrán hacer más un efecto de coro donde no haya dos voces haciendo una armonía particular, pero podría haber seis, ya sabes, y luego realmente se engrosó y es posible que quieras involucrar a diferentes cantantes Así que diferentes personas están haciendo estas partes y entonces esos diferentes tonos realmente lo engrosan. Entonces sí depende de qué tipo de efecto quieras sacar tus coros y luego cuántas personas tienes ahí dentro haciéndolo Um y luego la decisión realmente, hemos estado hablando de rastrear hasta ahora, donde vamos junto con la voz principal y todo está coincidiendo con el fraseo en la voz principal, puede que no quieras hacer eso Quizás quieras mantenerlo en el ritmo, y los coros sean como grandes pilas que no cuenta de lo que está haciendo la voz principal, sino que solo hazlo con el ritmo de la canción Entonces, en ese caso, los BVs se pueden hacer antes o después del lead En realidad no importa porque el momento del plomo no está afectando nuestras decisiones sobre los BVs allí Una cosa para recordar es que si haces eso, la afinación tiene que ser correcta. Voy a llegar a eso al final, aunque, solo voy a marcar eso ya que esto es cuando necesitas preocuparte por la afinación. Ahora, nuestro DAW. Entonces, cómo nos estamos configurando para una sesión de BV, que es ligeramente diferente a cómo configuramos para la sesión vocal principal. Entonces porque estamos haciendo bastantes pistas, no solo estamos haciendo una pista por pista. Estamos haciendo algunos. Me parece útil desplazar la pista que estamos haciendo ahora, como la pista vocal que estamos cantando ahora en una posición diferente a la pista vocal que estamos copiando. Entonces podría ser, si esta es la primera pista de BV, solo queremos escuchar al protagonista, la voz principal. Entonces eso podría estar encendido tal vez eso esté en el medio todavía, y luego haremos pan nuestro vocal que estamos cantando ahora, el cantante está sobre a la izquierda. Y ahora, para tener en cuenta aquí, ya lo he mencionado antes cuando estábamos hablando de auriculares, si el cantante tiene un auricular apagado, una oreja apagada, entonces no quieres estar paneo hacia ese lado Así que solo asegúrate de que si están haciendo una cosa de una oreja en una oreja, estés haciendo una paneo hacia un lado donde puedan escucharse a sí mismos Entonces yo solo hago eso. Voy a sacarlo a un lado. Me parece que tienen oreja izquierda puesta y la oreja derecha apagada. Voy a panearlo a la izquierda, pero diré: ¿ Te oyes a ti mismo? Entonces lo revisan porque podría ser que tienen los auriculares al revés. Entonces, lo que he mirado en la oreja izquierda de los auriculares es realidad el del lado derecho de su cabeza que se han quitado. Entonces sí, solo revisa ese tipo de cosas, asegúrate de que puedan escucharse a sí mismos claramente, y que puedan escuchar la voz a la que están rastreando, también. Y la otra cosa es cuando te estás preparando para la sesión vocal de respaldo, tener un montón de temas listos para funcionar. Entonces sus entradas están hechas, sus salidas están hechas. Tu paneo es correcto, tus efectos son correctos. Ya sabes, hay una reverberación en cada canal que todo esté listo para funcionar, así que puedes simplemente traquetear rápidamente Entonces, si tu cantante es, ya sabes, cuando están de humor, no están teniendo que esperar a que pongas nuevas pistas constantemente. Ya sabes, tienes toda una carga lista para funcionar. Es mejor tener una docena de pistas listas para funcionar y solo necesitas seis que tener dos pistas listas para funcionar, y luego necesitas seis, y constantemente estás agregando nuevas pistas y los cantantes esperando Es solo una forma un poco más profesional de hacerlo, tener más de lo que necesitas, listo para ir con todo configurado para que puedas simplemente traquetear rápidamente Y luego finalmente vamos a hablar de grupos de cantantes. Esto sucede mucho menos, pero a veces tendrás unas tres personas diferentes quieren hacer sus BVs todas a la vez Normalmente, me pareció que esto sucede en una banda donde están acostumbrados a hacer esto en vivo, donde siempre hacen esto en vivo, y simplemente sienten que van a obtener una mejor actuación si están todos parados y M mirándose el uno al otro y así es como lo van a entregar lo mejor. Entonces, si estás en esa situación, ten un micrófono. Lo tienes en omni para que puedan pararse alrededor de él, y todos están siendo recogidos por igual O si hay dos, puedes ir a la figura ocho y ponerlos a cada lado del diafragma. Pero sí, supongamos que estás haciendo más de dos. Están en omni Y entonces lo que tienes que hacer. Es una forma muy antigua de equilibrar esto es que tienes que identificar a cada cantante para que conozcas el sonido de la voz de cada persona. Entonces como, ya sabes, solo haz que canten individualmente una línea, solo para que sepas, cuáles por las cuales luego a medida que van pasando, debes estar consciente de quién es demasiado ruidoso, quién es demasiado callado porque tienes que hacer el balance en la grabación en esta etapa, porque no tienes la opción una vez que hayas grabado a todas estas personas en un micrófono. Entonces hay que poder pedirle a la gente que dé un paso atrás o dé un paso adelante o que cante más tranquilo o fuerte, y así es como vas a hacer el balance para que las tomas que grabas de mucha gente en un micrófono estén muy bien equilibradas, y así es porque así es como lo haces moviendo físicamente a la gente en la habitación En los viejos tiempos cuando solían hacer grabaciones, ya sabes, antes de que tuvieran opciones de grabación multipista, realmente sería un caso de mover los músicos por la sala, y, ya sabes, su proximidad al micrófono tenía una diferencia en lo ruidosos que eran en el disco final. Entonces eso es realmente lo que tienes hacer de regreso a la vieja escuela para si estás haciendo grupos de cantantes en un micrófono para grabar tus BVs así Un par de cosas más en las que pensar. Hay alguien que conozco que es un arreglista de cuerdas y uno genial, y jura por tener siempre un número impar de partes Es un poco como la idea donde en un jardín, siempre siembras tus plantas en un número impar. Como siempre tienes cinco de algo en vez de cuatro. Y jura que suena mejor y más natural si tienes un número impar de partes por cada una que haces Entonces, si eres una armonía particular, tendrás una, tres o cinco voces cantándola, pero no dos o cuatro. Hasta usted. Lo he probado. Me gusta bastante, si soy honesto. Creo que suena bastante bien. Pero entonces también me gusta bastante cuando está en sólo dos o cuatro. Entonces mira si eso te funciona. Eso solo vale la pena marcarlo. Y lo que mencioné antes sobre si haces primero los BVs Entonces, si estás grabando los BVs antes de grabar el lead, entonces consigue que esos Bevis estén sintonizados si eso es lo que vas a hacer Sé que algunas personas no van a tener la intención de afinar sus BVs, pero si estás haz la afinación de BV antes de llegar a grabar el lead Porque si recuerdas cuando estábamos hablando como instrumentos sin trastes y cómo esas cosas de micro afinación pueden arrojar una voz principal, bueno, si tu cantante va a estar escuchando los coros en sus auriculares mientras interpretan su vocal principal, quieres asegurarte de que esos coros sean lo más apretados que puedan Así que tienes las mejores actuaciones y están afinadas y están a tiempo y todo está muy apretado para que el cantante cante su protagonista por encima de. Y lo último es ese tipo de todos esos sonidos, que cuando obtienes un montón de ellos, si tienes como seis coros a la vez y el final de una palabra es diferente cada vez, y suena muy desordenado Es todo un trabajo de edición. Y muy a menudo, solo le diré al cantante No cantes la T al final de estas palabras porque ya tenemos eso, ya sabes, porque si la cantaron un par de veces y ya estamos apilando, ya no necesitamos la T al final de las palabras. No necesitamos, como el principio, necesariamente, todos esos sonidos que se están poniendo un poco demasiado pueden hacer que suene desordenado porque sus tiempos no son precisos y no van a ser Um, solo di que no necesitamos esos bits en la voz, y luego estás obteniendo una buena pila ordenada de la palabra. Se puede editar. Voy a llegar a eso en la sección de edición, pero solo hace que sea una mejor sesión de grabación si todo está lo más cerca posible de lo que quieres durante la grabación en lugar de arreglar la mezcla. 23. 3.7 Bucle: Para la última conferencia en el capítulo del proceso de grabación, vamos a hablar de bucle Así que es solo una rápida, y son solo algunas cosas a considerar cuando estás grabando tus coros, y te preguntas si grabar tres coros diferentes, ya sabes, o grabas un coro, y luego simplemente cortas y pegas ese, ya sabes, bucle para que sea el mismo cada Entonces hay algunas cosas a considerar si esa es una buena decisión o no, y en general, ya sabes, eres un poco el género dependiente de eso. Entonces, si estás trabajando con cosas que son un poco más amapola y R&B y danza orientada, entonces probablemente van a ser loops Sabes, probablemente vas a conseguir un gran coro y usarlo una y otra vez Eso es lo que suele hacer ese género. Y si estás trabajando algo que es un poco más cantante compositor, un poco más, ya sabes, Indie rock, algo así, entonces quizás no lo hagas, y estarás usando diferentes actuaciones cada vez porque el cantante quiere hacer ese tipo de viaje La pregunta realmente es, ¿quieres que el coro evolucione a lo largo de la canción Ya sabes, quieres ser una diferencia en el desempeño del curso, como es la primera vuelta y la segunda vez alrededor, la tercera vez alrededor, y así sucesivamente. ¿O quieres que sean iguales? ¿Quieres que el curso de gran impacto sea la primera vez y la última vez y que siempre esté algo así como todo fuera? Entonces, si estás buscando ese tipo de cosas, entonces probablemente vas a trabajar en un curso y usarlo en todo momento. Pero si buscas el desarrollo a través de la canción y algo así, entonces quieres grabar un montón de diferentes. Un par de ejemplos, ya sabes, como uno que estaba escuchando el otro día ayer en mi camino a casa en la radio, había ayuda a la gente común. Y hay, ya sabes, una cantidad cada vez mayor de desdén en la actuación de Jarvis a medida que recorre Está algo vagamente intrigado por toda la idea al principio, y luego simplemente está harto de ella al final Entonces los coros se realizan, ya sabes, de manera diferente cada vez Y una especie clásica de Rolling Stones pista simpatía por el diablo donde Mick se está volviendo cada vez más molesto y enojado, sabes, como el personaje que está interpretando a medida que avanza por la Entonces es muy importante que cada vez sea diferente. Entonces esas son las razones por las que pienso, ya sabes, querrías que diferentes quieras que esa actuación evolucione, y eso es parte de la narración de la canción es el cambio de la interpretación Otra cosa a considerar, ya sabes, es si eso no es tan importante para ti, si definitivamente no hay un viaje que seguir y no estás seguro, hay algún rumbo que para ti realmente destaque? ¿Sabes? ¿Había uno que fuera solo uno alucinante? Y luego, en cuyo caso, solo queremos usar eso cada vez y sacarle el máximo provecho en lugar de solo usarlo una vez. Entonces, si el viaje no es importante para ti, pero ya sabes, no estás haciendo algo particularmente orientado a la música dance o al pop, entonces solo tienes que decidir, ya sabes, quizás eso podría ser lo que toma la decisión por ti que ese sería el caso Al final del día, tienes que pensar que la dinámica es el rey. Si la dinámica requiere una diferencia, entonces deberías ir por esas diferentes tomas. Sé que a veces los cantantes esperan poder hacer solo un curso y eso sea todo. Pero entonces sí les hablo si creo que necesitamos hacer más y por qué necesitamos hacer más y por qué va a mejorar su canción por esa razón. Igualmente, a veces voy a estar trabajando con alguien, un cantante y compositor y están esperando hacer ya sabes, una serie de coros Y luego hablo de cómo en realidad, creo, ya sabes, esta pista en particular tiene un guiño para bailar música, y podría ser bastante genial hacer un bucle para arriba los coros y tener ese tipo de asentimiento extra en Y ese podría ser una especie de ángulo genial en este caso. Entonces, ya sabes, funciona en ambos sentidos, pero es simplemente algo en lo que vale la pena pensar y saber cómo lo vas a hacer cuando empieces y cuando te metes en la grabación de la voz o en cuenta mientras estás grabando la vocal para ver a dónde piensas esta pista a dónde va esto y dónde crees que sería la mejor manera de tomarla. 24. 4.1 ¿Por qué es útil?: Aarón al capítulo cuatro, tan bien hecho por llegar hasta aquí. Y se trata de editar. Hay comping, afinación y cosas que hacer con coros, cosas así. He llamado a esta conferencia en particular, ¿por qué es útil? Porque quiero asegurarme que el foco esté en el lugar correcto, básicamente. Y lo que quiero decir con eso es la razón por la que la edición es útil y lo mejor de poder juntar diferentes voces y diferentes actuaciones al final, no es para que podamos ser perezosos o tener la vista fuera del balón durante la actuación, y luego simplemente lo arreglaremos todo después Lo que es es que nos permite concentrarnos realmente durante el proceso de grabación en conseguir el mejor rendimiento y el rendimiento y la entrega emocional siendo el rendimiento y la entrega emocional lo más importante. Y la capacidad de cortar juntos diferentes etiquetas y afinar cosas que podrían haberse ido un poco fuera de tono, la capacidad de hacer todo lo que nos permite concentrarnos tanto solo en la entrega emocional y la actuación. Y te voy a dar un pequeño ejemplo. Había un disco que se hizo en un estudio donde trabajé con un grupo al que en realidad se les permitió producir su segundo disco. Estaban en un gran sello, pero ellos mismos produjeron el disco, y su enfoque en la voz se volvió bastante cegado Habían decidido que no iba a haber ninguna afinación en el disco en absoluto. No querían ninguna afinación requerida por la afinación, decir, ya sabes, usando software de afinación después de la grabación. Y además de eso, todas las voces tenían estar perfectamente afinadas, lo que significa, muy buena que seas cantante, lo que significa repasarla una y otra y otra vez para concentrarte en conseguir esa afinación perfecta Ahora bien, lo que eso significó fue al final de la sesión de grabación, una vez terminado el disco, tienen voces que están perfectamente afinadas eso les falta cualquier tipo de energía o impulso o emoción porque el foco estaba en la afinación y no en la actuación, y lo han hecho tantas veces se aburrieron de ello y sonaban aburridos de ello Entonces es por eso que la capacidad afinar voces y la capacidad de componer juntas diferentes partes es tan buena y tan importante para un disco de gran sonido Nos permite centrarnos realmente en la actuación obtener la mejor actuación que ha hecho el cantante y armarla. Y si hay algunos pequeños errores de afinación o pequeños errores de sincronización, podemos solucionarlos, y eso está bien. Pero lo importante es que nos enfocamos en la actuación de principio a fin, y eso es lo que entrega un disco de sonido realmente bueno 25. 4.2 Composición: La primera conferencia de todo este capítulo sobre edición es comping. Entonces algunos de ustedes pueden conocer la palabra comping, algunos de ustedes tal vez no la conozcan y pueden haberla escuchado Simplemente es la abreviatura de compilar, porque el trabajo de compilar es compilar las mejores partes de cualquier desempeño juntas en una sola En este caso, obviamente estamos hablando de voces, pero esto puede aplicarse a cualquier cosa que hagas una serie de tomas con la intención de encontrar las mejores partes y unirlas en un momento posterior Entonces eso es solo si escuchas la palabra comping, eso es lo que significa O AcomP es una toma compilada. Por lo que AComP será la toma final después de que se haya llevado a cabo el proceso de compilación La primera pregunta que debes hacerte cuando estás iniciando una comp es, ¿cuál es tu objetivo? Entonces, cuando estás escuchando todas las diferentes tomas que hay, ¿qué es lo que realmente quieres escuchar? Qué es lo que estás buscando. Para mí, todos tienen un objetivo diferente en esto, y eso es algo relevante para su estilo de producción y obviamente relevante para tu propio estilo si eres un artista que te está produciendo a ti mismo. Pero para mí, lo que busco es carácter. Así que busco una actuación que me parezca que realmente se destaque y sea interesante. Y también me estoy refiriendo a la letra y esperando encontrar algo en las actuaciones que realmente exprese la letra de una manera realmente poderosa Para otras personas, hay otras cosas que miran. He trabajado con diferentes productores a lo largo de los años, muchos de ellos, especialmente como ingeniero asistente y como ingeniero. Y algunos productores buscaban tono de voz, y eso era lo que era importante para ellos. Y en sus producciones, eso ha entregado lo que entregaron como productores. Entonces realmente se trataba de tono de voz. Algunas personas buscaban algo muy técnico. Así que a menudo depende del tipo de música que estés haciendo, ese tipo de cosas, ese tipo de cosas, ya sea que estés buscando una interpretación más técnica pulida o algo más conmovedor y sincera o algo así, ya sabes, hay un montón de diferentes formas en las que la voz podría ir, y el tipo de objetivo de la comp depende del objetivo del productor y el estilo que producen y lo que terminan entregando. Al final del día, solo estás buscando las mejores partes de cada toma que haga esa cosa que estás buscando. Ahora bien, la pregunta en cuanto a cómo se hace es si lo haces durante la actuación o después. Ahora bien, lo que quiero decir con eso es que hay algunas personas que algunos productores se sientan durante una interpretación vocal con una gran hoja de papel, y van a tener la letra, y van a tomar notas en esa hoja lírica en cuanto a qué interpretación prefirieron en su momento, Entonces así es como les gusta hacerlo. Esencialmente están redactando la comp mientras está sucediendo en tiempo real, y luego, saben que, ya sabes, para esta línea, es tomar dos, esta línea, es tomar nueve. Ya sabes, ya tienen redactada la comp y solo tienen que armarla. Otras personas, y esta última simplemente resulta ser la forma en que me gusta trabajar. Me gusta tener una idea de lo que sucede mientras estoy grabando, pero no estoy tomando ninguna decisión en ese momento. Solo estoy pidiendo cosas diferentes y diferentes aspectos de la actuación. Y entonces lo que me gusta hacer es volver después con orejas ligeramente frescas y escuchar todo, y luego hacer mi comp en ese punto con orejas frescas y una nueva perspectiva cuando en realidad puedo tocar adecuadamente cada pista una contra otra para decidir. Entonces para mí, prefiero poder, por ejemplo, jugar T dos y tomar nueve juntos uno tras otro y decidir cuál prefiero. Ese es el tipo de nivel de detalle al que tiendo ir, y así es como llego a ese nivel de detalle. Entonces realmente depende de tu estilo de productor. No hay manera correcta o incorrecta. He visto resultados brillantes de ambos métodos. Entonces sí, solo si aún no has establecido un método para ti mismo, tal vez prueba ambos, mira qué funciona para ti y mira qué obtiene el mejor resultado para ti. Ahora sólo voy a hablar un poco sobre el proceso. Y realmente, es solo para entrar en el detalle de lo que estás haciendo. Mi proceso, la forma en que lo trabajo es voy a escuchar una línea a la vez. Ya sabes, voy a pasar por cada toma de, digamos, ya sabes, la primera línea. Voy a pasar por cada toma, y voy a tener en mi cabeza, Oh, tomar nueve fue bueno, T siete fue bueno, T cuatro fue bueno. Después vuelvo y comparo esos tres otra vez, y luego elijo el que creo que es mejor. Ahora, a veces no toda una línea. A veces podrías ir, Bueno, el inicio de cuatro fue realmente bueno. Pero entonces la última palabra fue genial en nueve, así que voy a cortarlas juntas. Entonces, a veces se paran las palabras sueltas. Lo he hecho en algún lugar donde se han intercambiado sílabas. Y solía hacerlo cuando también usábamos cinta, y compilar era considerablemente más difícil en cinta Voy a asumir que nadie aquí lo está haciendo en cinta. Todo el mundo lo está haciendo en DAW, en cuyo caso, es solo un caso de cortar y pegar regiones. Entonces es bastante simplista. Hacerlo en cinta es un proceso completamente diferente. Si lo estás haciendo grabando, no lo sabes, envíame un correo electrónico Te explicaré cómo lo hacíamos. Sí, sí, dejémoslo así. No necesitamos que todos escuchen a través del largo y complicado proceso de cómo hacer comping en cinta Entonces de todos modos, has cortado los mejores bits y luego obviamente los revisas y asegúrate de que fluya, y suena como que se cantó como una sola actuación, lo peor es si empiezan a sonar un poco entrecortados, como si hubieras agarrado diferentes palabras de diferentes palabras de diferentes Así que normalmente voy a tener una idea de cuáles son mis bits favoritos. Para una línea. Y luego una vez que lo haya competido juntos, lo escucharé, me aseguraré de que suene como que fluye Y si no es así, entonces también voy a tener una idea de cuál es mi segundo bit favorito o lo que se acercó. Y luego empezaré a trabajar con esa compilación e intercambiando diferentes partes para que todo suene mejor Ya sabes, toda la línea es tan buena como podemos conseguir una línea entera. Eso es lo mejor. Es un caso de tener en tu cabeza la idea de un par de cosas que están funcionando, algunas cosas que crees que valen la pena estar en la comp final y luego simplemente jugar con ellas hasta que consigas ese último tipo de Esto suena como una actuación completa, y es la mejor manera de que podamos llegar a la mejor versión de lo que tenemos. Pero todo en mente, todo en tu mente todo el tiempo, es la idea de cuál es la dinámica de la canción porque por ejemplo, podría haber una especie realmente genial de cantar en voz alta el primer verso, y es una gran actuación Pero quieres que empiece la canción. Suavamente. Y tal vez fue algo que desarrollaste mientras estabas haciendo las tomas vocales. Entonces, al principio, estaba realmente ceñido. Pero en realidad, ese tipo de quita la dinámica de la canción. Tan geniales como esos son, no son los mejores para la canción. Y, ya sabes, ya lo he mencionado varias veces. Aquí siempre tenemos que estar al servicio de la canción. Entonces eso es algo que a veces puede significar que no es, ya sabes, lo que podría ser la primera reacción. Vaya, ese es el matar o tomar. Pero recuerda la dinámica de la canción mientras la estás haciendo y asegúrate de que la dinámica de la canción va a ganar al final del día. Otro punto rápido es sobre la dicción. Entonces esta es una interesante, y es si puedes escuchar las palabras que se dicen o no, cuando alguien está cantando esta letra, ya sabes, con esta línea, ¿está claro cuál es la voz, cuáles son las letras Y ¿importa? Y ese es el punto más importante. ¿Importa? Para que sepas, para algunas canciones y algunos géneros, ya sabes, es importante escuchar la letra. Y, ya sabes, algunos artistas, las letras son muy, muy importantes para ellos, y son tan importantes como la música. Y entonces quieres asegurarte de que la letra realmente se está entregando claramente y el público pueda escucharla y luego envuélvete en la historia si esa es la forma en que se relacionan con la música Y otras veces, ya sabes, no es importante. Y creo que ya he mencionado antes en este curso sobre bandas como Siguros y los gemelos cocktau para quienes no sabías, las letras no eran importantes en absoluto y en realidad no usaban las palabras adecuadas Otro gran ejemplo de eso y un ejemplo muy deliberado fue que escuché una entrevista con la que creo que fue una entrevista o fue una discusión sobre Mick Jagger de The Y en los primeros discos de los Rolling Stones, Mick cantó deliberadamente para que fuera un poco difícil decir cuáles eran las letras Quería que no estuviera un poco claro porque básicamente, quería que la gente quisiera volver a escucharlo. Sólo para decir esas pocas palabras que no habían funcionado. Entonces era una especie de forma de meter a la gente a la canción. Y allá por esos días, porque son los años 60, si querían volver a escucharlo, o tenían que llamar a la radio y solicitar de nuevo la reproducción de radio por la cual, ya sabes, con la radio reproduciendo, de nuevo, los Rolling Stones se les pagaba de nuevo, o tenían que ir a comprar el disco aún mejor. Si tenían que comprar el disco, escucharlo varias veces y elaborar la letra porque realmente les gustaba. Entonces eso realmente ayudó a la banda a avanzar. Obviamente, ya sabes, eso puede ayudarte a ganar más reproducciones de Spotify si ese es el tipo de cosas a las que estás apuntando o tal vez conseguir una compra de campamento de banda o algo así. Si alguien realmente quiere escuchar la letra, y es un poco obtusa, un poco Quizás eso pueda funcionar para ti, o tal vez odias la idea de eso, y prefieres que solo la gente pueda escuchar las palabras que estás cantando la historia es importante. Entonces solo algo a tener en cuenta, si no estás componiendo por ti mismo, si estás componiendo para una banda, solo ten en cuenta qué tipo de artistas son y si la dicción va a ser lo importante o si lo es y un pequeño punto final es solo una vez que tienes tus tomas finales, a veces es una buena idea haber escrito si no estás componiendo por ti mismo, si estás componiendo para una banda, solo ten en cuenta qué tipo de artistas son y si la dicción va a ser lo importante o si lo es y un pequeño punto final es solo una vez que tienes tus tomas finales, a veces es una buena idea haber escrito o tener una nota de o incluso poner un segundo comp juntos de cuáles fueron las segundas mejores partes, cuáles son las partes que casi lo hicieron que no porque hablamos de esto antes, teniendo, como, una doble pista. Si no tienes una doble pista, entonces es posible que puedas armar una con bastante rapidez con tu tipo de segundas mejores opciones de tu comp vocal principal. 26. 4.3 Afinación: Esta próxima conferencia en este capítulo sobre edición trata sobre la afinación. Ahora bien, la afinación es un tema que suele ser polémico, y también suele verse como algo relativamente nuevo, como en los últimos 20 años más o menos, el advenimiento de Autotune por antars cuando eso entró por primera vez como una opción plug in, el advenimiento de Autotune por antars cuando eso entró por primera vez como una opción plug in, fue visto por personas que no son fans de la afinación como un nuevo desarrollo desastroso Ahora bien, la cosa es que no era nuevo. Ese es el problema con esa opinión porque lleva muchas, muchas décadas sucediendo. El primer bit de equipo que se utilizó en un estudio como sintonizador fue el Eventd H 910, creo que lo es Salió en 1974, se desarrolló en 1974. Entonces es incluso mayor que yo, y se utilizó para afinar las cosas. Se utilizó para varias cosas, pero también se utilizó para afinar voces. Entonces, si tuvieras una palabra en cinta que habías grabado que necesitabas afinar, alimentarías esa línea a través del armonizador, modificarías hasta que esa palabra estuviera afinada, y luego volverías a imprimir esa palabra en y luego volverías a imprimir esa palabra otra pista de cinta en su versión afinada Y luego compilarías, de nuevo, harías tu comp a partir de ahí. Entonces la idea de que la afinación comenzó con Autotune es simplemente incorrecta. Y ojalá, el hecho que hayamos estado afinando nuestras voces desde mediados de los 70 y toda la música grabada desde entonces ha tenido la opción de afinar las cosas cuando querían, y muchas veces se llevaban y ojalá eso significara que gente está menos colgada la idea de que la afinación es algo malo Bien. Así que siempre, como dije antes, siempre se trata de obtener el mejor rendimiento y mantener y usar ese mejor rendimiento. Y, por lo tanto, la gente ha querido afinar las voces desde hace algún tiempo para poder hacer eso Entonces, al pasar del hecho de que afinación ha existido desde antes de las computadoras en los estudios, el estilo de música que estamos haciendo influirá en cuánto quieres usar un sintonizador en tus voces para usar el software de afinación Si estás haciendo algo que es una especie de folky cantante indie compositor, probablemente lo vas a usar con moderación Pero si estás usando si estás haciendo música pop, música R&B, ciertos géneros como ese, entonces probablemente lo vas a estar usando más E incluso puede que lo estés usando como un efecto en el que lo abusas, así decirlo, como que lo conduces Como buen ejemplo, una vez trabajé con un cantante llamado Acon grabé su voz, y cualquiera que lo conozca sabe que su sonido vocal es muy, muy, ya sabes, basado en Autotune Es una especie de autotune llegó a 11, por así decirlo. Y y de hecho grabó con él encendido. Ya sabes, estaba en el canal como estábamos grabando para que pudiera monitorearlo mientras cantaba y pudiera controlarlo de esa manera porque era, sabes, importante para él escuchar eso como sonido final. Entonces hay un ejemplo donde, ya sabes, afinación se usa mucho en ese estilo de música. Entonces, cuánto tu afinación probablemente, ya sabes, estará determinada por el tipo de música que estás haciendo que estés produciendo. Una cosa que yo diría es independientemente de lo que estés haciendo, en realidad, digo, independientemente, voy a advertirlo Si estás haciendo algo como el estilo acon donde es un efecto, probablemente solo quieras encender el auto y encenderlo, solo para que realmente patee y haga cosas extremas. Si no lo estás, y si simplemente lo estás usando como corrección de tono, hazlo manualmente. Y la razón por la cual es que el proceso automático es un poco poco poco confiable y algunas notas se pueden enviar en la dirección equivocada. Ya sabes, el software no sabe realmente lo que estás tratando de lograr como productor como artista. Así que tómate el tiempo para entrar ahí, aprende a hacerlo manualmente con el software que tienes y ajusta manualmente la afinación para que sea correcta y lo que quieres que sea. Es aburrido y es, ya sabes, a veces puede ser complicado, pero definitivamente vale la pena el esfuerzo que pones. Es la diferencia entre bueno y genial, ya sabes, el hecho de que vas a entrar, lo estás haciendo manualmente, y estás obteniendo la mejor versión posible de la voz afinada. Y ahora, aunque, ya sabes, hay grandes partes de este curso, que obviamente son mi ángulo subjetivo sobre cómo hacer discos y, ya sabes, grabar grandes voces, solo voy a poner mi versión de afinación aquí por si acaso es útil si alguien ha visto mi CV y las cosas que hago o he hecho, lo que estoy buscando, si has hecho esto en orden, entonces acabas de hacer el capítulo de comping. Entonces dije ahí, lo que busco con mi estilo de producción es que estoy buscando actuaciones completas de personajes. Entonces, cuando estoy afinando, quiero mantener tanto de ese personaje como sea posible. Y sólo voy a afinar una línea, una palabra o lo que sea, si mi atención ha sido captada por ella Entonces estaré escuchando a través la comp una vez que esté hecho y pensando en afinar. Y si mi atención es captada por algo en que yo en vez de escuchar la actuación, escucho la afinación de la misma, entonces probablemente iré a afinar esa palabra o esa línea porque no quiero mi atención se llame la atención por la afinación, quiero que sea jalada por la actuación Entonces esas son las únicas veces en las que afinaba , lo que significa, ya sabes, lo haré un par de veces en una canción, tal vez depende de la actuación. Entonces lo haré algunas veces, pero no soy el tipo de persona que va a sintonizar de principio a fin porque ese no es el tipo de producción que hago. Yo no, no disfruto ese tipo de sonido. Entonces ese no soy yo. Pero, ya sabes, lo que sea adecuado para ti en la producción que estás haciendo, Um, una cosa que te sugiero que hagas, sin embargo, y este es un buen proceso técnico para pasar es afinar una voz, una voz principal una vez que tienes la composición, afinar esa voz principal de principio a fin, y luego tenerla en contra la versión no afinada y escuchar la canción saltando entre las dos versiones. La razón de eso es que es muy importante darse cuenta cuál es el intercambio cuando afinas una voz, porque probablemente todos conocemos las partes buenas de ella en que está más afinada, así que eso es bueno. Nos gustan las cosas que están bien. También es un poco más fácil mezclar una voz afinada. Se sienta en la mezcla mucho mejor. Entonces esos son los beneficios de tenerlo sintonizado. Pero también escucharás los aspectos negativos, porque si estás escuchando tu interpretación, y luego escuchas a los dos, notarás la pérdida de humanidad que ocurre cuando se afina una voz. Es ese tipo de, ya sabes, no es robótico, pero hay un nivel de sonido robótico, aunque esté sintonizado muy, muy bien que se introduce con software de afinación. Así que escucha eso y escucha la diferencia, y luego solo ten en cuenta que esa es la decisión que estás tomando al elegir una voz afinada es, sí, podrías hacer la mezcla más fácil, y sí, a veces la melodía suena más agradable, pero a veces no suena mejor porque has perdido algo esa interpretación que trabajaste para y todo lo que hemos estado hablando en términos de psicología y construcción del capullo y todo este curso hasta este punto ha sido sobre conseguir esta gran voz y conseguir este gran sonido vocal y conseguir esta gran interpretación vocal más que nada Y entonces sí pierdes eso un poco cuando lo afinas. Así que solo ten en cuenta que ese es el intercambio que estás haciendo y asegúrate de que esa es la decisión quieres tomar para esta palabra en particular, línea, verso, por supuesto, sea lo que sea que estés haciendo. Lo último que voy a tocar es una pregunta que se hace mucho, que es qué plug in es el mejor para la afinación vocal. Y es posible que hayas adivinado por cosas que he dicho sobre esto antes, la respuesta son todas ellas. Todos están bien. Todos ellos hacen el trabajo. Todos lo hacen muy, muy bien. Todos lo hacen mucho más fácil que el eventd H 910 1974, que aún hizo un buen trabajo Entonces lo que siempre recomendaría en este escenario es que descargues las diferentes versiones como prueba. Les das una oportunidad a todos y ves cuál funciona mejor para ti. Habrá uno de ellos tendrá una interfaz de usuario, que para ti, tiene más sentido que los demás, y simplemente fluirás con ella y harás click con ella, mucho más fácil y mucho mejor. Y ese es el software adecuado para usted. Todos harán el mismo trabajo. El resultado siempre será el mismo, pero solo quieres que el que sea más fácil de usar para ti causa la menor fricción cuando lo levantas y quieres afinar algo para que tu flujo de trabajo sea mejorado y sea más suave. 27. 4.4 Edición de la voz de acompañamiento: En esta conferencia final sobre la edición de tu grabación, voy a hablar de coros. Y obviamente, las cosas de afinación y comping se aplican todas a los coros. Entonces todo eso sigue siendo relevante, pero solo hay un par de cosas extra que podrían ser relevantes para la voz de respaldo en lugar de la protagonista. Entonces, con lo que vamos a empezar es exactamente cuáles son tus objetivos de edición. Ahora bien, si estamos hablando de cosas como Adlibs al final de una canción, entonces Adlibs obviamente probablemente va a ser Bien puede que hayas grabado mucho, y solo necesitas averiguar cuáles son los que mejor apoyan a la voz principal. Y dónde deberían estar y cómo va la dinámica de las canciones y todo lo que hablamos al compilar en el capítulo de compilación es todo relevante en términos de Los bits en los que los coros se alejan un poco de lo que estás acostumbrado en el papel principal es cuando estás construyendo tu tipo de pilas de voces, si tienes, como, un montón de armonías apiladas y cuáles son tus objetivos ¿Los quieres realmente súper apretados o se supone que están un poco sueltos y se supone que suene como un poco como una multitud cantando a lo largo, que caso, quieren estar un poco sueltos porque quieres escuchar el sonido de esa multitud ¿O es ese tipo de pila de R&B que es realmente, realmente un poco sólida y apretada? En cuyo caso, es posible que tengas que meterte en deslizar las voces un poco, moverlas un poco, tal vez un poco de estiramiento Hay un poco de software llamado vocal align. El software alineado vocal hará eso automáticamente por ti. Originalmente desarrollado, creo, para ADR haciendo películas, ya sabes, donde alguien reharía una línea en un estudio que tiene que coincidir con lo que su boca está moviendo en el set tipo de cosas Y pero, sí, eso es un aparte. En términos de lo que estamos haciendo, es posible que tengas hacer un poco de ese estiramiento y mover las cosas para las coros sean una pila muy apretada Depende obviamente de las actuaciones que tengas que hayas grabado. Entonces eso es solo un poco de tocar los objetivos de edición que tienes y por lo tanto, qué tan profundo necesitas adentrarte en el comping, afinación, movimiento alrededor de tipo de cosas La otra cosa para recordar son las S Ts y Ks, esas cosas que sí mencioné cuando hablamos de grabar. Y a veces le diré a un cantante, ya sabes, no necesitas hacer los ensayos sobre esto, no necesitas hacer la T al final de las palabras Si crees que eso fue un gran desafío, y así no lo mencionaste con el cantante al momento de grabar, entonces ahora es el momento en que tienes que entrar y arreglarlo. Porque si esas T's y Ks y esas cosas, si no están exactamente una encima de la otra, entonces vas a escuchar, como, una especie de tirada de tés llegando al final de una palabra. Y eso solo suena desordenado y torpe. Entonces en esa situación, me desharé de la mayoría de ellos. Voy a dejar uno, tal vez dos todavía ahí para que puedas escuchar que el vocal de respaldo está haciendo esa palabra. Pero no voy a dejar nada más que eso porque no voy a querer que sea como una gran especie de traqueteo tipo de carga de ellos al final de cada palabra Así que solo deja tantos como necesites para que quede claro la palabra se ha dicho claramente y luego deshazte de todos los demás están alrededor de eso en el tiempo y haciéndolo desordenado Y luego, si estás afinando tus coros, aquí hay un punto interesante en el que bastante a menudo la predisposición es sintonizarlas bastante Es como permitir a la voz principal un poco más de espacio, mantener las coros muy apretadas en cuanto a su afinación Y puedo entender ese tipo de teoría. Pero en la práctica, lo que pasa es que si vas muy apretado en la afinación y usas tu software de afinación para ir muy duro en los coros, empiezan a sonar un poco raros cuando todos son exactamente iguales Ya sabes, así no es como funcionan los humanos y la afinación no debería ser exactamente idéntica para cada vocal de respaldo. Así que la mayoría de los sintonizadores tienen algún tipo de porcentaje mediante el cual, ya sabes, puedes moverte en cualquier lugar entre nada y 100% en una afinación perfecta Entonces tal vez elige alrededor del 80% o algo así y mueve a la mayoría de ellos a ese estadio de béisbol Entonces están más cerca de la afinación perfecta, pero no están exactamente encendidos para que no suenen casi como un sintetizador cuando tienes toda una carga de voces que han sido afinadas Solo deja un poco de espacio para la humanidad, y luego eso es un poco de engrosamiento. Es el mismo principio que usar a un grupo de violinistas en una orquesta. Entonces la forma en que funcionan los violines, obviamente, no tienen trastes en sus Entonces donde quiera que pongan el dedo es donde está la afinación de esa nota. Lo que eso significa es que, aunque cada violinista obviamente está tratando de estar tan perfectamente en sintonía como sea humanamente posible, todos están siempre tan Siempre tan ligeramente fuera la nota principal a la que están apuntando. Y porque tienes un montón de ellos que siempre tan ligeramente apagados, es como suena realmente grueso y grande. Ahora, tienes que usar ese principio cuando estás haciendo los coros. Solo que siempre tan ligeramente apagado perfecto nos da una especie de engrosamiento y un efecto coral Y por eso tenemos un montón de coros es porque queremos el efecto coral Queremos que suene más grande, y sonará más grande si permites que la afinación respire un poco. Si no lo haces, si vas demasiado apretado, sonará más pequeño. Entonces quiero decir, este es un proceso que puedes probar tú mismo. Ya sabes, dale una oportunidad, haz un montón de ellos 100% y luego vuelve a unos 80 y ve la diferencia entre todos ellos y cómo suenan. Definitivamente vale la pena intentarlo. Entonces, sí, eso es todo. Solo un poco de realismo en la afinación, y eso conducirá a un sonido mucho mejor vocal de respaldo 28. Conclusiones y puntos clave: Yo solo quería hacer un pequeño video al final aquí solo para decir, Bien hecho por hacer el curso. Gracias por involucrarme en ello, y me alegra que estés tomando esta cantidad de interés y te preocupas por grabar tus voces porque creo que es crucial Creo que hace o rompe un disco, consiguiendo la interpretación vocal correcta en él. Entonces solo hay tres cosas que quería asegurarme de que te llevaras del curso. Hay tres tipos de temas que independientemente de que recuerdes gran parte de las cosas técnicas, ojalá, esto es lo que has sacado de él como aproximación a las sesiones vocales. Uno, el número uno, es preparar. Cuanta más preparación hagas, mejor será la sesión. Así que por mucho que puedas hacer en términos de preparación, acertar la canción y acertar la letra , así como verificar los leads del micrófono y todo lo demás, eso es realmente importante. Número dos, es ser minucioso, que está algo empatado con estar preparado. Pero además de eso, es solo asegurarse de que en cada paso del camino, estés pensando en lo que podría salir mal con el sombrero de tu ingeniero puesto, con el sombrero de tu productor puesto. Estás pensando en cómo puedes mejorar las cosas para el artista y meterlo en una situación más cómoda. Todas esas cosas en las que estás pensando todo el tiempo porque estás siendo minucioso en cada paso del camino. Y tienes tu lista de verificación para montar el estudio, todas esas cosas, repasas eso, te aseguras de que todo esté hecho, y no hay nada que hayas olvidado o que te hayas perdido. Y el último es ser empático. Ahora, eso suena como de lo que estoy hablando cuando estás trabajando con otros artistas. Y obviamente, eso es crucial porque realmente necesitas poder ver las cosas desde su punto de vista y entender el proceso creativo desde su punto de vista. Pero también se trata de ser Esto suena un poco mejor, ser empático contigo mismo, pero entendiendo que para que puedas hacer tu mejor actuación, necesitas darte tiempo el viaje emocional que necesitas seguir y la actuación que vas a estar haciendo, no es solo un stand up, lanzar una voz hacia abajo y volver a marcharte Ojalá te hayas dado cuenta de eso ahora y que puedes hacer tu mejor desempeño si pones más en tu estado emocional y la entrega que eso te va a conseguir. Así que eso espero que lo hayas disfrutado, y espero que vuelvas y sigas repasando las cosas a medida que avanzas con tu aprendizaje. Y ven a verme en el mixconsultancy.com porque ahí tengo un blog que puedes leer, todo tipo de cosas sobre grabar, mezclar, ser ingeniero, ser productor freelance, todo tipo de Y también está el servicio Gold Platinum que hago, razón por la cual se llama Mix Consultancy, que es donde puedes subir tus tracks en los que estás trabajando. Cuando estás trabajando en la mezcla y llegaste a cierto nivel, no puedes conseguirlo más, luego me la mandas, y luego la escucho aquí en mi estudio, y hablamos de todas las diferentes formas que puedes mejorarla. Ya sabes, cosas que estoy escuchando que podrías mejorar y cómo mejorarlas. Entonces cubro mezclar el lado de ingeniería de la misma, lado de producción de la misma, ya sabes, el trabajo. Entonces sí, hazlo eso si sientes que quieres progresar, también estás mezclando. Y envíame comentarios sobre el curso porque positivo o negativo, todo es súper útil. Entonces sí, muchas gracias. Ojalá te vea en otro de estos.