Afiche de ilustración estilo Mucha en tinta y acuarela | Línea y lavado

1. Bienvenido a Mucha Style: Hola, soy Chloe. Soy artista y educadora de Pan andk Soy autodidacta, y como tú, siempre estoy buscando formas de mejorar mis habilidades, técnicas. Una de las cosas que más me ha ayudado en mi viaje para convertirme en artista a tiempo completo es estudiar maestros influyentes. Comenzaremos el proceso señalando lo que observamos sobre los rasgos clave del estilo art nouveau Los maestros legendarios, que la hicieron atemporal, centrando nuestra atención en las características de los carteles de arte comercial de Muha Con base en esas impresiones iniciales, reunirás referencias, bocetos, conceptos de miniaturas, refinarás tu concepto superior en un dibujo borrador y usarás ese dibujo como plantilla para trazar el papel final del proyecto También tendrás la opción de rastrear mi dibujo de proyecto si prefieres seguir más las demostraciones como un tutorial paso a paso. En la segunda mitad de las lecciones, entintaremos nuestro proyecto, luego desarrollaremos una combinación de colores como un ejercicio para profundizar en nuestra comprensión de cómo Muha armonizó su línea con el color en diseños color en Luego usaremos lápices de colores para agregar los toques finales a nuestro emocionante proyecto. No es necesario tener experiencia en el uso de todos los médiums demostrados en las lecciones La clase está dirigida a artistas de nivel intermedio que buscan utilizar estudios de maestría para obtener ideas frescas del estilo Muha Pero claro, los principiantes son bienvenidos. El proyecto puede tardar hasta varios días completar el trabajo a su propio ritmo. Encontrarás la plantilla, las tomas de progreso y la lista de suministros para descargar de la página de proyectos y recursos. Repasaremos los suministros que estoy usando para el proyecto. También te sugeriré alternativas para que puedas usar lo que tienes a mano. Genial. Así que descarga los medios y en la siguiente lección, empezaremos. 2. Herramientas y materiales: Los elementos más importantes serán su papel de proyecto y tener acceso a una impresora para usar la plantilla. Estoy usando un papel multimedia para prensa caliente de 140 libras hecho por Strathmore Queremos prensado en caliente porque el acabado liso es lo mejor para entintado Una prensa fría atrapada en papel de acuarela normalmente tiene una superficie más rugosa, lo que es ideal para medios húmedos, pero no funciona tan bien para la aplicación de tinta El formato depende de usted. Cualquier cosa mayor que 8.5 por 11 es gris. Mi trabajo es de 11 por 14. Los otros artículos en mi lista must have son una goma de borrar necesaria y una regla F bosquejar y dibujar un lápiz H plomo o HB y papel de bosquejo para los estudios Para la aplicación de tinta, ya sea que estés usando rotuladores técnicos o marcadores, comprueba que tengan tinta impermeable. Voy a usar tinta India impermeable con plumas de inmersión y pinceles. La acuarela es algo que recientemente introduje en mi flujo de trabajo porque combina muy bien con la tinta. Tengo el kit de acuarela grado estudiante Cotman de Windsor y Newton Usaremos una paleta de colores limitada para nuestro proyecto, así que cualquier kit básico servirá. Lo mismo con cepillos. Estoy usando pinceles redondos sintéticos de grado estudiantil para la aplicación de acuarela. Número dos, combinado con un cuatro o seis, no estamos haciendo grandes lavados, así que solo necesitarás un cepillo pequeño de detalle y otro un poco más grande Algunos frascos de agua, tengo un resfriado y otro caliente y uno para mi tinta, toallas de papel o un trapo, y un plato para mezclar Para colorear lápices, nuevamente, estamos usando solo un puñado de colores, por lo que un conjunto básico es El mío es un castillo de fibra, el conjunto de artistas policromos Si los tuyos son lápices de acuarela o pastel, esos también funcionarán. Opcional pero útil es una plantilla geométrica de círculos y cinta de artista. Diferentes suministros producirán diferentes resultados, como diferentes marcas, colores y combos de papel, pero hablaremos más sobre esto durante los ejercicios 3. Qué lo hace Art Nouveau: Art Nouveau fue un movimiento de diseño que comenzó en Bélgica y creció gradualmente en todas partes a lo largo finales del siglo XIX hasta 1910, por lo que no demasiado tiempo, pero tuvo un impacto notable El estilo se caracteriza por un énfasis en la fluidez de líneas, formas geométricas Composiciones asimétricas y combinación de estructura y ornamentación Hay toneladas de recursos sobre el género por ahí, y sospecho que ya eres fan y con ganas de conseguir dibujos, así que revisaremos brevemente los rasgos clave que hacen que este estilo sea tan memorable. Alphonse Muja fue litógrafo y uno de los mejores diseñadores gráficos de la época, y hasta el día de hoy, sus carteles ejemplifican Había, por supuesto, otros actores importantes en el movimiento art nouveau Tenían una cosa en común. En pocas palabras, eran planos. Comparado con lo que la gente estaba acostumbrada a ver desde el mundo del arte, este nuevo estilo reflejaba una simplicidad refrescante, enfatizada por la bidimensionalidad de las figuras que a menudo tenían poca o ninguna sombra y se perfilan con líneas de contorno limpias Los sujetos de Arnvau fueron estilizados, embellecidos representaciones de la realidad, inspiradores y esperanzados embellecidos representaciones de la realidad, inspiradores y esperanzados. El arte antes de eso estaba atrapado en la realidad bien, sombría. Entonces aquí viene el Art Nouveau con estas alegres curvas onduladas pastel con líneas entrelazadas que crecen de todo, influenciadas por el arte japonés en madera, motivos y simbolismo. estas alegres curvas onduladas pastel con líneas entrelazadas que crecen de todo, influenciadas por el arte japonés en madera, motivos y simbolismo. Los sujetos de Muha fueron ornamentales y elegantemente exagerados, en su mayoría flora, fauna Gracioso. Lo primero que me saltó fueron los zarcillos Las composiciones de Muha se describen como asimétricas, pero se equilibran visualmente Lo logró arreglando motivos, texturas, curvas sinuosas y formas abstractas fluidas que crean la ilusión de simetría Echemos un vistazo más de cerca a su serie Las estaciones. De inmediato me llama la atención el diseño visual. Cómo estas seductoras poses fluyen en curva, remolinos y patrones que guían al ojo del espectador en un Observe cómo se simplifica la anatomía de sus damas y posturas agraciadas. Primero primavera, vea cómo su brazo se curva esta manera hacia la rama que se arca de la manera opuesta Su cabello se abalanza hacia el otro lado de su cuerpo, y aquí su vestido queda atrapado en una rama Es como un montón de Ss en la composición. Todas estas pequeñas cosas crean encantadores contrapesos para la simetría visual Con Summer, está usando curvas opuestas en su postura para llenar el espacio y describir el estado de ánimo sereno Entonces aquí, la tela de la túnica está a mitad de camino en esta barcaza o en lo que sea que esté sentada. Nuevamente, utilizando un contrapeso de diferentes elementos para armonizar la composición Después de hacer solo dos garabatos, ya obtenemos una idea de cómo el maestro logra composiciones fluidas fluidas En el boceto de otoño, mi atención se desplaza hacia los tonos y valores. Aunque los tonos de color están apagados, los tonos más oscuros enmarcan la línea de acción La línea de acción es el movimiento de la figura. Hay toneladas de pequeños detalles e historias secundarias sucediendo en esta ilustración, como el entretejido de botánicos y estas telas agrupadas, vestidos enganchados que accidentalmente revelan más partes del cuerpo de las doncellas jóvenes, lo que supongo que habría sido Pero la forma en que arregló los valores y cómo usa estratégicamente el peso de la línea es lo que yo llamo líneas ornamentales pero económicas. Están pasando muchas cosas, sin embargo, nuestra atención se acerca a la figura. Ahí es donde nuestro ojo va primero. Lo mismo con el invierno. ¿Ves? A pesar de que estas formas orgánicas están frente a la figura, casi no las registramos. O ¿qué tal estos pajaritos en la rama y el de nuestra mano, incluso? Debido a las diferencias de tonos y peso de línea, la atracción principal sigue siendo la dama en el contorno audaz. Estos bocetos ayudaron a comprender cómo el maestro logra una armoniosa integración decorativa de su composición La mayoría de sus ilustraciones, los contornos tienen prioridad sobre todo lo demás, incluyendo la forma, la textura, el espacio y el color por su valor estético En cuanto a los colores, predominaron los tonos pastel, y estudiaremos las opciones de color en una lección posterior 4. Tema y referencias: Me gustaría que investigaras un poco y recopilaras las ilustraciones de Alphonse Muha que más te atraigan Toma nota de lo que destaca. Qué aspectos de su colección de obras te gustaría incorporar en tu proyecto. También considera un tema para tu obra de arte, como en el ejemplo anterior de la serie de temporada de Mohas Te mostraré cómo organizo mi proyecto, y podrás decidir la dirección que quieres tomar con el tuyo al final de esta lección. Reuní dos conjuntos de referencias. La primera carpeta son las ilustraciones de Muha que más me atraen, señalando qué elementos quiero incorporar a mi ilustración Para ayudar a tu investigación, encontrarás mis referencias en el libro de trabajo y también enlaces a mi MohaPitsBard, y a donde puedes Me asenté en un tema otoñal, luego reuní elementos de flora y fauna estacionales. Entonces en mi segunda carpeta están botánicos, animales lindos, y bellezas vintage para hacerse pasar por el tema principal Los encontré en sitios libres de regalías. Ahí está Piube en chapoteo. Y para algo como esto, Pinterest está bien, también. Entonces, echa un vistazo a tu folleto. Puedes elegir un tema y reunir referencias para crear tu propio diseño único inspirado en Moha O puedes seguir adelante y hacer el proyecto que demuestro en las lecciones o una combinación de las dos. 5. Miniaturas de concepto: Vamos a juntar las referencias para bosquejar nuestras miniaturas de concepto Las miniaturas son pequeños garabatos para capturar rápidamente un concepto. Son garabatos rudos Pero es importante dibujar estos en proporción porque nuestro propósito en esta etapa es diseñar una composición agradable. Echa un vistazo al tamaño de papel usarás para tu arte final. El papel es de 11 por 14. Vimos que la mayoría de los carteles de Mohas son altos y estrechos, así que estaré recortando mi hoja a 8" de ancho y manteniendo la Determina las dimensiones finales de tu obra de arte en base a tu papel, si es diferente al mío, nuestros mini estudios serán proporcionales al proyecto final. Así que ocho por 14 en tamaño de miniatura se convierte en dos por 3.5 ”. Haremos tres. Encuentra los centros y aproximadamente la cuarta parte de tus marcos. Estas pautas indican un primer plano, término medio y un fondo Usando un lápiz HB para esto, comienza la primera miniatura con un halo circular Está centrada en la mitad superior de la composición. Entonces centraré la cabeza de nuestra primera belleza vintage con un peinado que puf sale proporcionalmente en el halo para llenar el espacio Ahora pasando rápidamente a la vanguardia, marco el centro de la mitad inferior de la composición con un guión y esbozo la garceta grande para llenar esa sección del diseño Luego coloca en capas grandes formas circulares detrás de él para indicar flores. Después la tercera flor detrás más pequeña para sugerir que está más lejos del espectador entrando en el término medio, volviendo al tema principal, llenaremos el halo un poco más agregando un pájaro cantor Para equilibrar al ave, agregando mechones de pelo que fluyen en ese característico diseño de zarcillos azotes Ahora para el motivo del borde superior, estoy haciendo referencia a más de esos florales de temporada para el tema otoñal y simplemente cargando el espacio restante con trazos en varias direcciones para dar la ilusión de que hay follaje en el fondo, como en las referencias Muha De vuelta al tema principal, añadiendo flores de pelo interior y cargando el halo con elementos decorativos. Para la siguiente miniatura, comenzamos de la misma manera, comenzando con un halo en la mitad superior para enmarcar nuestra belleza vintage Vaya, quiero su cara hacia adelante, como en la referencia. Llegando a la vanguardia, tenemos otro pájaro cantor en una flor de gran tamaño junto a un gran arreglo frondoso, adornado con formas redondas más pequeñas para representar flores o nueces, luego arrojando algunos valores para enmarcar Abordaremos el cabello de manera similar, desplegando sus cabellos junto con elementos florales para su pieza de pelo Pasando al borde superior con motivos florales estilizados. Y decoraciones adicionales para el halo. Hecho. En la tercera miniatura Mismos pasos, diferentes referencias. Esta belleza vintage tiene brazos y una mano sosteniendo a un lindo pájaro. Para el elemento de vanguardia, iremos con orejas de conejo, orejas más grandes sentadas en pasto alto. Entonces algunas ramas de abedul con esas hermosas hojas redondas doradas más grandes en la vanguardia y más pequeñas a medida que se desvanecen en el fondo. Hay espacio para darle más protagonismo a su vestido en comparación con los dos conceptos anteriores A Muha le encanta usar la tela como elemento visual. Un diseño de uva y vid para la frontera, y ese es el proceso para anotar rápidamente ideas visualmente Ahora tenemos tres composiciones potenciales que podríamos explorar más a fondo. En la siguiente lección, construiremos nuestras miniaturas para definir los detalles 6. Proyecto Mini Composición: En esta etapa del proceso, suelo tomar una decisión. De las tres miniaturas, ¿tengo alguna preferencia? ¿Hay elementos que más me gusten que tal vez se puedan combinar? Si no estoy muy seguro, vuelvo dibujar los tres un poco más grandes , eliminando algunos de los detalles para ayudar a confirmar mi preferencia, como lo hice aquí, solo para mostrarles Para esta lección, tengo una preferencia, y así trabajaremos con la miniatura número uno Si estás trabajando en tu propio diseño, usa eso. Entonces, para resumir lo que estamos haciendo, ya sea que armó su propio conjunto de referencias para crear un concepto que sea diferente al mío, o si siguió junto con la demostración usando mis referencias De cualquier manera, usaremos esa miniatura como referencia para bosquejar un borrador con más detalles Si te lo estás preguntando, ¿por qué no pasar del garabato en miniatura al arte final En realidad es un paso importante, y nunca lo salto para proyectos de pluma y tinta. Es por el papel. ¿Ves? Hay una enorme brecha en la integridad entre este doodle de cinco minutos en comparación con la versión final Si pasamos de esto a lo otro incluso con mucha experiencia en el dibujo, todavía vamos a estar haciendo muchas marcas, reposicionando elementos, ajustando proporciones, tomando decisiones, luego borrando, ¿qué desgasta Queremos minimizar el tráfico en la superficie de nuestro papel liso de prensa caliente. Es sensible a las abolladuras y denso, tira de la tinta y el agua. Bien. Entonces, con eso en mente, nuestra siguiente etapa es crear una plantilla para la obra final. En lápiz va más grande que la miniatura, aún en proporción Midiendo un marco de cuatro por siete pulgadas para el tamaño de mi papel y agregando un borde con bordes redondeados. Encuentra el centro y cuartean el marco. Entonces estoy usando cristalería para el doble halo que enmarcará nuestra belleza vintage, comenzando por las formas principales de la cabeza, el pelo poofy y su torso no estoy prestando tanto atención a las referencias fotográficas, sino más bien usando la miniatura como mi guía para el posicionamiento Decidir aquí colocar la garceta un poco baja y más grande que en mi boceto anterior Ahora, los grandes círculos para las flores en el frente y el término medio. Aquí estoy viendo tanto las referencias fotográficas las ilustraciones de Muha para guiar mi dibujo Estoy peleando un poco con el diseño del cabello. Estoy apuntando a equilibrar el espacio en el halo para que coincida con el concepto de miniatura inicial, que me gusta Ahora agregando detalles a los otros elementos estilizados, el pájaro y las flores en primer plano. Veo un problema con el espaciado en la porción superior, que se resuelve agregando un halo. boceto para entintado o pintura es diferente al boceto para dibujar. Estamos creando un mapa de donde irán los bordes y los valores, midiendo para poner guiones uniformemente espaciados alrededor del halo para marcar la posición de los elementos decorativos Me gustan estas flores arremolinadamente desorganizadas en el Es un bonito contraste con la geometría del borde. Es un ejemplo perfecto de las formas asimétricas de Muha dispuestas para sugerir un patrón repetible Después de filmar esta demostración, decidí que no me gustaba su cabello. Desafortunadamente, no filmé las revisiones, pero ambas versiones están en el folleto. Verás que el segundo dibujo es el que estamos usando para el proyecto final. Bien, genial. Ahora que hemos refinado nuestra composición, todos los elementos están en su lugar y estamos listos para transferir nuestro mapa al papel de arte. 7. Boceto preliminar del proyecto: Para nuestro lápiz bajo dibujo, que es el dibujo para nuestro proyecto final, tienes algunas opciones. Pero primero, preparemos nuestro trabajo. Mi sábana, de nuevo, es de 11 por 14. El arte es de ocho por 14. Puedes centrar la obra de arte o recortar el papel con una cuchilla. Lo estoy rasgando aplicando presión a un rodillo de metal para un borde rasgado Me quedo con los adornos para swatching o demás. Adelante y agrega un borde. Min mide un cuarto de pulgada en la parte superior e inferior y un octavo de pulgada en cada lado. Y eso en realidad no es suficiente borde alrededor de la obra de arte si planeas grabarla para la aplicación de acuarela Así que deja más papel alrededor del borde de tu obra de arte que lo que estoy mostrando aquí en la demo. Para transferir el dibujo a tu hoja, las opciones son, si creaste una mini composición, basada en tu selección de referencias en el concepto de miniaturas, digamos que ésta es tuya. Toma una foto o escanea tu miniatura. Y en cualquier programa básico de fotografía, éste es vista previa en un mac, conviértalo a escala de grises, ajusta el contraste y luego redimensiona para que se ajuste a tu proyecto y luego imprímalo Si estás usando mi dibujo, puedes redimensionar el JPEG separado e imprimirlo como plantilla Estaré rastreando el mío. Si tienes una mesa ligera, usa eso. De lo contrario, la ventana funciona bien. Asegure la impresión a la ventana, alinee su hoja y tape bien. Apaga las luces para crear un efecto de habitación oscura y trazar suavemente, sin aplicar presión sobre el lápiz. Todavía estoy usando un cable HB para crear marcas más oscuras solo para que aparezca en la cámara. Te aconsejo que uses marcas de luz con un cable H si tienes. Si su papel es demasiado grueso para un trazado efectivo, método número dos es una transferencia de grafito. Vamos a fingir que esta es la copia impresa y que está en el tamaño final Usarías un cable blando, como un tres B o seis B o más suave y cubriría completamente la parte posterior del papel impreso. Pega con cinta adhesiva a tu papel de proyecto y con un bolígrafo normal, traza suavemente sin demasiada presión sobre tu bolígrafo Una vez completamente copiado, finge que hice todo el asunto. Retire el papel y con un laboratorio H, pase por las líneas suavemente. Transferencia de grafito, es como un polvo y frota y ensucia tu trabajo Para evitar esto, lo vuelves a rastrear, luego levantas el grafito con una goma de borrar necesaria Por supuesto, ya sea que hayas hecho esta transferencia de grafito o la hayas rastreado desde tu ventana, aún querrás ordenar el dibujo antes de la aplicación de tinta 8. Aplicación de tinta para proyectos: Para la aplicación de tinta, estoy usando una pluma de inmersión grande. Es una punta 513 EF y tinta India súper negra todo por speedball Sumergirlo en tinta hasta la mitad de los dientes, no completamente o correrá el riesgo de fugas Use papel de repuesto para probar la punta antes de entintar su Espere obtener alrededor de ocho a diez golpes de una inmersión. Luego estropear enjuague y agua, limpie y recargue. Es aconsejable mantener la punta limpia en lugar de volver a sumergir cada vez porque la tinta se seca sorprendentemente rápido en la punta mientras está en uso y puede Si estás usando forros finos u otros bolígrafos técnicos, opta por un medio como oh cinco Hay una tabla de tallas en su documento. Sostando la pluma de inmersión aproximadamente en un ángulo de 30 grados desde la superficie, empiezo por el borde. Con la punta del mismo tamaño, aplico la tinta, viajando de izquierda a derecha, arriba a abajo, en el plano de la imagen Soy diestro, y esto ayuda a evitar que se manche la tinta con la mano También llevo un guante de artista para mantener mi piel alejada de la superficie. A veces voy a usar una pequeña hoja de papel para descansar mi mano, pero eso puede entorpecer la tinta húmeda. El tiempo de secado varía dependiendo del combo de tinta y papel. No estoy entintando todo en la primera pasada. Abordaremos algunos de los contornos más adelante con una punta más pequeña o con color. Refleja el estilo Muha donde los elementos de fondo son más sutiles con contornos apagados. Voy a señalar lo que estamos entintando a medida que avanzamos. Aún trabajando en la mitad superior del plano de imagen, he cambiado a una punta más pequeña equivalente a una pluma técnica h tres para las plantas parecidas a la vid a ambos lados del halo principal Volver a la punta más grande para la vanguardia para darle a la parte superior la oportunidad de secarse Para líneas más largas, como en el pico de las garcetas, trato de mantener mi Tradicionalmente, se nos enseña a sostener nuestros instrumentos con la muñeca bloqueada, viajando desde el codo y el hombro. Pero me parece que para los detalles dentro de un radio de 1 "cuadrado, mover solo la mano y los dedos se siente más preciso. Yo giro el papel para adaptarlo al ángulo con el que me siento más cómodo. Esto es más crucial con la tinta ya que los errores pueden ser difíciles de corregir. Continuando con los elementos frontales, nuevamente, dejando algunas brechas en los contornos para más adelante. Ahora para el tema principal, aún con la punta grande, vamos a tallar nuestro camino de izquierda a derecha o de derecha a izquierda si eres zurdo Entonces, si estás entintando tu propio diseño, no este, los principios son los mismos Tinta los contornos principales y la tinta más gruesa y deja algunas de las capas posteriores para obtener contornos o colores más delgados. Es más fácil ir más grueso que más ligero. Así que solo deja todo lo que no estés seguro para volver a visitar cuando más de la ilustración esté completa Si te estás preguntando sobre la secuencia, si es preferible aplicar primero los colores, luego la tinta, no hay una regla dura para esto. Depende del proyecto, los materiales y tu nivel de experiencia. Para este estilo, el trabajo de línea es complejo. Si cubres tu boceto con acuarela, el subdibujo es difícil de ver Por lo que colocar la tinta primero es más amigable. Sin embargo, sí tiene algunos inconvenientes, como la necesidad de un papel de prensa caliente, que más adelante en la lección, verá que la gestión del agua se vuelve importante. Adelante y delinear toda esta sección de zarcillos de pelo con la punta más gruesa, pero deja el halo Ahora por los contornos principales de la señora y su vestido. Volviendo a un peso oh tres líneas para las curvas de nivel, esas son las líneas dentro de los contornos más gruesos, elementos decorativos y lo que sea que se posicione más en el fondo. Pasando al pájaro, como señalamos anteriormente en las lecciones, el estilo Arnivo no es realista Es más una representación bidimensional, no del todo plana, pero definitivamente más ilustrativa de la realidad como artista de tinta pluma. Es realmente tentador para mí renderizar cada pequeño detalle Parte del color hará que los valores parezcan más oscuros de forma natural, así que eso también es algo a tener en cuenta al entintar el arte lineal Aquí me perdí un par de líneas para mostrar la superposición de cabello, así que estoy agregando eso en ahora. Por último, la cara. Oh, me estoy cambiando a una punta más pequeña. Usa un 01 o más pequeño aquí por sus finas características. Nuevamente, dejando algunas de las marcas de lápiz para el siguiente pase. A Esta parte de la tinta está hecha. Para los icónicos contornos audaces, los aplicaremos al final. Deja todas las marcas de lápiz por ahora. Es crucial que las tintas estén secas antes de frotar el papel y proceder a la acuarela. De lo contrario, obtendremos este efecto sangrante. Estoy optando por dejar que la obra de arte se seque durante la noche, pero también podrías usar un secador de pelo En la siguiente lección, decidiremos una combinación de colores y prepararemos una tabla de mezclas para nuestro proyecto. 9. Esquema de color del proyecto: Al mirar a través de los carteles de Moha, ¿ hubo combinaciones de colores que te atraigan más que a otras Mouha utilizó una paleta de colores limitada que consistía en colores complementarios análogos y divididos Nosotros haremos lo mismo. Antes de comenzar a intrigar nuestros colores Muha, hablemos de los pigmentos que tiene porque como se mencionó anteriormente, diferentes suministros producen diferentes resultados Teoría del color, conocemos las primarias, tradicionalmente rojas, azules, amarillas Para obtener nuestros colores secundarios, mezclamos partes iguales de dos primarias para obtener naranja, verde y morado Para obtener los colores de tercery, mezclamos una primaria con una secundaria, que debe darnos rojo naranja, rojo púrpura, amarillo naranja, amarillo verde, azul verde y azul púrpura Pero dependiendo de lo que tenga tu hijo en casa, la mezcla puede dar resultados inesperados. Por ejemplo, en esta teoría, este lado de la rueda se considera colores cálidos y este lado frío. Pero aquí hay un amarillo cálido y un amarillo frío. ¿Y qué pasa cuando tiramos eso en la mezcla? Mi kit básico de acuarela dice que el rojo cadmio, amarillo cadmio y el azul ultramarino Cuando mezclo estas primarias, mis naranjas, todas se ven igual Los greens, tienen un rango bien. Pero luego los morados, se ven como umber quemado y barro. Confirme, repetí el mismo ejercicio varias veces, y me dio los mismos resultados. La mayoría de los niños vienen con al menos algunos pigmentos premezclados. Así que vamos a crear una rueda de colores con lo que tenemos a mano, apuntando a una gama más vibrante. Coge todos los pigmentos que tienes disponibles y todo lo que necesitas para comenzar con la acuarela. Usando el mismo papel que para el proyecto, recorte una hoja aproximadamente 8.5 por 11 para que se ajuste a todos los ejercicios. Adelante y haz la rueda de colores. Hay una plantilla de muestra para referencia o rastreo en el folleto. Una nota sobre colores neutros, blanco, negro y gris. Para nuestro proyecto, usaremos el blanco del papel para resaltar. Ya tenemos un negro dominante en la composición con la tinta, y para sombras y tonos apagados, usaremos los colores complementarios divididos Ejemplo, aquí hay un rojo cad con una capa de sombra negra, y aquí está el mismo rojo cad con su verde complementario que la capa de sombra. El rojo y el verde son una mezcla complementaria y una combinación más cercana a los métodos de Muja Estoy preparando mi cad red para mi primaria. Algunos artistas usarán magenta, cian y amarillo medio para las primarias, y si eso es lo que normalmente usas, entonces haz lo que prefieras Para el amarillo, estoy optando por el amarillo limón como mi primario, mezclando partes iguales de rojo cad y amarillo Para naranja. Esta marca de papel de prensa en caliente es ideal para tintas, pero menos rendimiento cuando está mojado. agua tira fácilmente de la superficie, y eso es algo a tener en cuenta. amarillo cad se convierte en mi naranja amarillo, usando el verde savia para el complementario, mezclado con amarillo limón para el verde amarillo. Se puede ver que realmente estoy revolviendo esas mezclas usando la barriga del pincel para una mezcla uniforme. Manteniendo mi plato limpio para la siguiente mezcla porque también quiero probar una muestra del amarillo cad en lugar del amarillo limón para mezclarlo con mi savia verde. El azul cerúleo hace un azul primario vibrante. Eso está muy cerca de Cyan, en realidad. Estoy organizando mis mezclas cálidas y frías en extremos opuestos de mi plato, probando el cerulano con savia verde, pero prefiero usar viridian como mi Sólo por diversión, estoy mezclando el cerulano con el rojo cad para ver ese malva grisáceo en el que se Oh, pero tengo un tubo de lago morado para salvar el día. Entonces el azul ultramarino hace un bonito azul púrpura, seguido de rojo carmesí para un morado rojo fácil A, más. También colocaré mi rosa permanente en esta rueda, que podría haber servido como magenta para mezclar. También hay ocre amarillo en mi kit, siena quemada y umbre quemada Ahora bien, si tienes una gran cantidad de colores, es probable que no encajen todos aquí. Asumiré que has hecho tablas de mezcla en el pasado, y que puedes hacer referencia eso para el siguiente ejercicio. Es hora de elegir una combinación de colores para un proyecto. Volviendo a los MohaPosters, mencioné que utilizó una paleta de colores limitada que consiste en colores complementarios análogos y divididos Análogos son los colores de lado a lado complementarios, uno frente al otro, y dividido serían los colores al lado de What's across. Muha probablemente cuatro, tal vez cinco colores, tal vez creo que tres como el principal color local Entonces aquí, el naranja, en su mayoría rojo para el impacto, luego armoniza el primer plano y el fondo silenciando usando los colores complementarios divididos, probablemente un verde azul y un verde amarillento de savia, diluyendo con agua para obtener varios tintes y mezclando con un color complementario para obtener diferentes mezclando con un color complementario luego armoniza el primer plano y el fondo silenciando usando los colores complementarios divididos, probablemente un verde azul y un verde amarillento de savia, diluyendo con agua para obtener varios tintes y mezclando con un color complementario para obtener diferentes valores para el tono. Pero con solo mirar el producto final, puede que no sea tan sencillo igualar sus mezclas en nuestro proyecto a menos que tengamos ese color exacto ya mezclado en nuestro kit. Vamos a darle una oportunidad. tus referencias para identificar tres a cinco colores que te gusten, y en la siguiente lección, haremos una tabla de mezclas para guiar nuestro proyecto. 10. Cuadro de mezcla de proyectos: Voy con colores análogos, rosa permanente, que es mi versión de magenta, rojo cad, que es mi naranja rojo, y siena quemada para naranja Para los colores complementarios divididos que atraviesan, no puedo decidir qué greens se mezclarán mejor. Usaré este verde amarillo limón, verde savia y verde azul vidiano para mi prueba Queremos ver la gama de tintes de cada pigmento diluyendo gradualmente la saturación del A primera vista, ya quiero ver más contraste en esto. Me encantaría un umber quemado aquí. Entonces, el siguiente paso será documentar nuestras mezclas y ver si nuestro esquema producirá naturalmente colores contrastantes. Ese verde limón está fuera. Dibuja una cuadrícula menos cinco por cinco, lista tus colores en la parte superior y también en el lateral en el mismo orden. Al otro lado es donde se sentará el pigmento 100% rojo cad, siena quemada, rosa permanente, VidianGreen y savia verde Entonces en el lado izquierdo están los colores dominantes, y estoy empezando por el verde savia con un poco de rojo cad, como una relación 65 35. Manteniendo mi plato limpio y organizado, yendo a savia verde con siena quemada Nuevamente, toda esta fila es dominante en verde. Puedes hacerlos un poco más saturados con pigmento adicional en tu mezcla. Simplemente tengo demasiada agua en mi cepillo. Repite el proceso para cada fila con el color dominante que está etiquetado en el lado izquierdo de tu cuadrícula. Esto produce resultados interesantes dependiendo de cuál es el pigmento dominante en la mezcla. Y así esto nos da un montón de colores desde solo cinco y un esquema de color armónico garantizado al estilo Muja También anotar solo algunas notas como recordatorio que si quiero sombrear un elemento rojo en mi composición, pondré una capa de verde sobre la parte superior y la capa roja encima del verde silenciará ese tono, y así sucesivamente Vamos a usar mucho esta tabla de mezclas. Por supuesto, estos se verán diferentes una vez secos, sobre todo si lo dejas durante la noche. Una última cosa es que coincidan con nuestros lápices de colores. No tengo la coincidencia exacta, pero cerca. También voy a dejar de lado un color umber quemado, negro y tono de piel por si acaso Ahora podemos confiar en nuestros suministros y estar listos para la aplicación del color. 11. Aplicación de color del proyecto: Pegé mi obra de arte a cartón en lugar de a la mesa para que aún pueda girarla. Comencemos a mezclar la sienna quemada con un toque de rojo cad. Estoy mezclando una buena cantidad y también mezclas diluidas para tintes más claros y probando de antemano, comenzando con el marco superior de fondo medida que nos abrimos camino a través de toda esta aplicación de color, apuntamos a permanecer dentro de las líneas, pero absolutamente no se preocupe si repasa un poco o deja huecos blancos, abordaremos todos los huecos blancos más adelante. Aquí tengo el mismo tinte en cuanto a intensidad, pero agregué un poco más rojo cad. Así mismo tinte, color ligeramente diferente. Estamos en esta esquina de aquí de mi tabla de mezclas usando cad red y siena quemada Estoy usando esto para guiar la secuencia de la aplicación de color, expandiéndose desde la esquina superior izquierda y hacia afuera. La ilustración pretende ser bidimensional, no del todo plana, no del todo tres D, pero aún tenemos algunas sombras. Y para ello, diremos que la fuente de luz viene de la esquina superior izquierda, es decir, nuestro lado de sombra está a nuestra derecha. Para la flor, estoy introduciendo un toque de pigmento más rojo mientras el papel está mojado. Bien. Con el papel de prensa caliente, no hay suficiente textura en la superficie para que el pigmento se agarre y obtendremos flores en manchas Se ve que estoy moviendo las cuentas de pigmento a las esquinas o de nuevo hacia arriba en la sección para que se seque con bordes más suaves. Continuando con el mismo tinte rojo cad de sienna quemada para los mechones de cabello, pintando con el costado del pincel, trata de no ir y venir demasiado Añadiendo rojo al tinte y asegurándome de que mi cepillo no esté demasiado húmedo. Usando esa mezcla para las flores frontales y prestando atención a dónde aterriza esa gota de pintura, convencerla en una esquina Estoy construyendo los valores mojados sobre mojados para estas paletas. Aumentaremos la densidad del tinte, mismo color, volviendo a esta mezcla quemada Siena cad red, pero ligeramente más oscura con la aplicación. Para el cabello, estoy haciendo referencia a los carteles de Muha. Utiliza diferentes intensidades y tonalidades para los mechones individuales de cabello aquí y allá Nuevamente, moviendo el cordón de color suavemente para manejar bordes y floraciones usando una toalla de papel para eliminar cualquier exceso. Usando esa misma mezcla de tinte para la otra harina de vanguardia, aquí tengo cuidado de no meter este rojo en nuestro pájaro blanco, ir más oscuro, agregar más siena quemada, quitando el exceso de mi cepillo, así que no está demasiado húmedo para el primer plano Estoy dando vueltas por estas formas que luego se convertirán en hojas, tallos, y aquí en la tierra media algo de follaje. En los carteles de Moha, la textura del fondo es abstracta, y esa es la mirada que estamos construyendo hacia atrás con el pelo, llevando más de ese mismo tinte en mi pincel Ahora moviéndose a través de la ilustración con un poco más de cad red en la mezcla. Bien. Ahora que está seco, estoy escalonando los valores reduciendo gradualmente el tinte en nuestro pigmento Entonces agregando color, reduciendo el agua. Ahora estoy reenfocando la luz y las sombras, aplicando pigmento más profundo a las áreas posicionadas más alejadas de la luz en la composición Estamos construyendo valores monocromáticos contigo y tinte. Presentaremos los colores complementarios en una etapa posterior para ese contraste usando el mismo protocolo de color demostré en este ejemplo aquí. T. Para ayudarme a mantener los colores organizados, vuelvo a limpiar el plato mezclador, haciendo una nueva mezcla de solo cad red para profundizar los valores Continuaremos construyendo los pigmentos en el mismo enfoque a través de la aplicación del color. De vuelta a la siena quemada, introduciendo rosa permanente para mezclar un tono de piel, comprobando primero el tinte, luego aplicando el color en trazos suaves Muy ligero, presión uniforme. Bueno, sin presión. Simplemente deslizando el cepillo de arriba a abajo, abajo a arriba en un solo golpe para evitar los tirones y esas Aunque podemos suavizar cualquier borde no deseado más tarde. Añadiendo un poco más de pigmento para dar la ilusión de forma a la cara y los brazos. Y ahora abordando esos bordes duros con un cepillo limpio y húmedo, tirando y alisando muy suavemente. Aumentando la intensidad permanente de la rosa para las flores en su cabello Aquí, algunos jalones bien para dejar que la acuarela haga lo suyo, creando una textura de aspecto natural. Agrega volumen a la flor. No demasiado realismo, solo para estar en línea con el estilo Mura Hago alusión a rosa permanente para definir un poco más sus rasgos. Alisar los bordes nuevamente con un cepillo limpio y húmedo. Mezclando quemar siana con rosa permanente para glasear un poco el cabello El acristalamiento es cuando aplicas una fina capa de color sobre un color seco. Cambia el valor y crea profundidad. Por supuesto, no demasiado mojado. No queremos levantar la capa de abajo, incluyendo la tinta negra. Usando la mezcla de rosa permanente para el pico de garcetas, unos trazos largos con color, luego un trazo limpio húmedo sobre Las flores son bienvenidas por la sección que pasa a la sienna quemada para obtener un pico de dos tonos, dándole Notarás que estoy sosteniendo el pincel verticalmente aquí, usando la punta para los detalles más pequeños y trazos más largos. Ahora he cambiado a mi pincel de detalle número dos, usando una mezcla de ros Siena más profunda para los labios, dejando un resaltado ahí, luego agregando un toque de rojo cad a la mezcla para profundizar las sombras Llevando ese color a las flores del mismo color Bien, es hora de bajar la tabla a nuestros colores complementarios más fríos, agregando un toque de verde azul viridio a siena quemada Me aseguro de que esta mezcla sea homogénea en el pincel, luego usando un tinte más claro de esa misma mezcla para comenzar a rellenar el borde superior. Notarás que me voy muy suelto con la aplicación aquí para un efecto abstracto. Muha utiliza esta técnica para no distraer al espectador del tema principal He aumentado la siena quemada a la mezcla verde para obtener un tono más dorado y usándolo para comenzar en nuestro halo, a pesar de que este es un motivo geométrico Lo estoy manteniendo suelto. Llevar ese color detrás del cabello, donde el diseño no está definido, algo así como, ya sabes, cómo los objetos se difuminan juntos cuando están más lejos para un efecto de perspectiva atmosférica. Bajando el plano de imagen con un tinte dominante más verde, creando textura suelta para indicar vegetación en el fondo. Todavía en la fila viridiana azul verde en la tabla de mezclas, pero ahora con rojo cad para mezclar para obtener un rico marrón para los pájaros cantores pico Y luego esparzco ese mismo color en el borde superior. Le agregué un toque de rojo cad a esa mezcla marrón, luego usando una fina capa para continuar con el halo. No quiero meterme esto en el pelo. Entonces habrá algunas lagunas blancas aquí y allá. Los llenaremos más tarde. Nuevamente, esta sección es bastante suelta y silenciada. Llevando ese mismo color en el borde superior para armonizar la composición Para estos centros de harina, volveremos a ir con la técnica húmeda sobre húmeda para promover la textura. Apenas un fino brillo de agua hasta el borde de la tinta, luego poco a poco trabajando en la mezcla marrón, y hay un toque más verde en ella, inclinándose hacia el umber quemado Limpiando mi cepillo para el siguiente, misma técnica, pero con un toque más verde a la mezcla. Mismo color para la harina junto a ella. Ahora llevando ese color al primer plano. El contraste con el tallo es demasiado fuerte, así que lo ajusto con un esmalte para hacer que el primer plano aparezca a la sombra de los elementos de arriba Es importante ajustar los valores en relación entre sí para que la pieza se vea cohesiva Para el pájaro cantor, obtuve este morado fresco al mezclar nuestro verde viridio con un toque de rosa permanente mientras sigo moviéndome por la tabla de mezclas, salpicando alguna rosa permanente en las alas para variedad tonal, luego trayendo el morado a las flores en su cabello Busco un púrpura grisáceo, casi un gris dolores para la garceta, que encuentro ajustando la cantidad de verde en la rosa permanente Una vez feliz con el color, mojé el pájaro, misma técnica que usamos en los botones florales, luego aplico una capa muy delgada de ese gris purpúreo Estoy usando trazos direccionales que siguen la forma del ave, para que el pigmento se extienda de una manera que describe naturalmente la forma. Tomando ese gris en el pico para poner capas en los valores de sombra Oscurecimiento con más verde para la sombra central en el ave Nuevamente, siendo consciente, resistiendo el impulso del realismo de mantenerse dentro de ese pretendido estilo dos D. Este gris funciona bien para dar sombra al pájaro cantor, también. Y el rostro de la señora, cuidado de no darle bigote. Una sutil indicación de volumen en el rostro. Nada demasiado agudo o contrastoso. Continuando con el sombreado diversos elementos en la composición Ya hemos establecido que el verde es el complementario o split complementario a mis cálidos colores análogos. Así que no hay miedo a crear barro opaco. Estamos casi garantizados para lograr ricos tonos apagados. Lo único que puede amortiguar nuestra euforia de colores es si trabajamos demasiado el papel, pero hasta ahora va bien Para la mezcla final en el gráfico es nuestro verde savia dominante, que mezclo con cad bastante a fondo. Entonces no hay rayas de pigmento, especialmente importante con estos pigmentos de grado estudiantil, no son tan suaves como el kit profesional Estoy usando esto para reflejos y más como un color de impacto. Realmente ilumina las cosas. Ahora mezclando savia verde con siena quemada para obtener un oro más brillante para completar nuestro halo y usando ese color para rellenar cualquiera de los huecos blancos que dejamos abiertos en las capas anteriores lo largo de la composición Pasando a rosa permanente para mezclarla con la savia verde. Ir con un tinte súper ligero de eso para el vestido, ir mojado sobre mojado por algunas secciones, que podamos mover el pigmento alrededor sobre el papel. Poner en capas una mezcla de savia verde, luego rociar más de la rosa permanente De vuelta a la mezcla verde dominante, un poco más fuerte para enfatizar las áreas de reflejos. Después llevando la mezcla de savia verde sobre las hojas de su cabello. He agregado más rosa al verde para silenciarlo para terminar los últimos trozos del halo que su brazalete, dejando blanco para indicar reflejos. Agregué un toque de verde viridiana a esa mezcla de verde savia rosa para una versión más profunda de un marrón para ponchar las sombras en su vestido Voy a volver a VidionGreen solo por un segundo para mezclarme con la siena quemada para un Con su rostro seco ahora, podemos darle las cejas y profundizar los tonos en su cabello y rostro para áreas de sombra Luego usando un ligero tinte de ese mismo color para rellenar más de los pequeños huecos blancos en la mitad inferior de la composición. Estas son las brechas entre los elementos de diferentes colores, no el blanco dejado abierto para reflejos, terminando con ojos color avellana para nuestro tema principal Bien, ahora dejamos el arte de la noche a la mañana para ver cómo se secan los colores. En la siguiente lección, finalizaremos nuestra ilustración con el contorno coloreado a lápiz y negrita 12. Toques finales del proyecto: La idea con esta etapa es principalmente suavizar las transiciones, arreglar pequeñas cosas que necesitan más claridad o detalles mejorados. Estoy usando un umber quemado para oscurecer sus pestañas. Y para agregar un toque de valor a la mitad superior de sus globos oculares, donde las pestañas proyectarían una sombra y solo unas pocas marcas de eclosión aquí y allá Las ilustraciones de Muha suelen tener porciones de renderizado, por lo que también podemos incorporar este elemento aquí Aquí es donde trato de igualar el color para que el renderizado no domine ni distraiga Es sutil, pero sí agrega un toque de textura. Puedes quitarlo o tonificarlo con una goma de borrar amasada si no estás satisfecho con el resultado de los lápices de colores Añadiendo un toque de sombra para su vestido usando un azul verde, luego el azul verde y el verde savia para delinear un par de formas de hojas. Cambiando a siena quemada para pronunciar el follaje en el término medio Después para eclosionar unos trazos en las flores de primer plano. Seguido por el naranja rojo. Volver al umber quemado para chocar el contraste apenas ligeramente. Con la siena quemada, podemos sugerir un contorno en el motivo del halo, manteniendo un ligero toque, sin ejercer ninguna presión sobre el lápiz Cambiando al color del tono de piel para la parte circular del halo. Después más marcas de eclosión para la flor en el término medio. Y por último, para el emblemático icónico contorno audaz. Se puede usar un marcador para una línea más uniforme. No tiene que ser resistente al agua, pero mejor usar un marcador de buena calidad. No es un sharpie. Esto sangraría en tus colores y se decoloraría con el Estoy usando un pincel de acuarela número dos para aplicar tinta líquida. Si tienes un pincel de rotulación, eso también funciona bien. Apunta a una línea uniforme, lo que significa que tiene el mismo peso de línea alrededor del tema principal. El atrevido sigue la silueta muy externa del sujeto principal, que incluye al pájaro cantor en su hombro y los zarcillos de pelo También se puede poner en negrita el borde de la ilustración , pero me voy a dejar el mío como está. Puedes ver que mi línea de pincel se tambalea en los puntos, pero es fácil igualar con un bolígrafo Ahora, toma un bolígrafo de punta más pequeño, y espesaremos algunas de las otras líneas principales sobre nuestro tema, no tan audaces sino más gruesas para equilibrar las cosas visualmente. Ahora, firma tu obra, y eso completa nuestro póster inspirado en el Art Nouveau al estilo Muha póster inspirado en el Art Nouveau en pluma y tinta y acuarela 13. Conclusión del proyecto: Gracias por pasar tiempo conmigo. Espero que las lecciones te hayan parecido valiosas y que sigas incorporando influencias maestras en tu propio trabajo. Como parte del proceso, pudimos ver las obras maestras del Art Nouveau y, a partir de nuestras observaciones, explorar diseños haciendo miniaturas aproximadas Luego refinamos el concepto en un boceto de borrador, transferimos ese dibujo para mantener limpio nuestro papel de proyecto, lo que hizo que la aplicación de tinta fuera sin problemas. Experimentamos con nuestros suministros para colorear para planear una mezcla armoniosa y la hicimos la transición con un toque final Ya sea que hayas seguido haciendo el diseño de ilustración que demostré o creaste tu propio póster único, me encantaría ver tu proyecto. Asegúrate de compartir tu trabajo en la página de proyectos y recursos de esta clase. Es opcional incluir también tus tablas de colores y miniaturas, aunque es útil para otros para ver cómo planeaste tu diseño final Si tienes curiosidad por aprender sobre estudios de maestría o sumergirte más en las plumas de inmersión, asegúrate de revisar mis otras clases. También encontrarás recursos adicionales en mi blog y en YouTubes Felicidades nuevamente por terminar. Muchas gracias. Me encantaría que dejaras una reseña, y te deseo lo mejor con tus proyectos futuros.