Acuarela: simplifica escenas callejeras complejas con confianza

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos, y bienvenidos a la clase de hoy sobre la pintura de una escena callejera lluviosa. Y estoy muy entusiasmado con la clase de hoy porque vamos a aprender a romper los principios fundamentales de la acuarela y a averiguar cómo podemos tomar una escena compleja y realmente descomponerla en una imagen muy cautivadora Cuando miras este cuadro, parece que está lleno de muchos pequeños detalles. Pero en realidad, cuando acercas, solo ves que se trata de formas abstractas. Y los principios que usaremos demuestran y nos muestran cómo podemos romper la complejidad y usar la espontaneidad del medio para crear verdaderamente encantadores y Una de las cosas más importantes acuarela es dejar ir y permitir que la acuarela hable por sí misma y deje que esa magia brille. Y si nos enfocamos demasiado en controlar la técnica y forzar la imagen, entonces perdemos esa magia. Entonces esta es una clase perfecta para conseguir que nos relajemos y confiemos en el proceso Realmente no importa tu resultado final. Todo lo que importa es permitirte ver cómo se mueve el pigmento y no tener miedo de adónde te pueda llevar. He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes urbanos y campiñas. Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando empecé, no tenía idea de por dónde empezar o cómo mejorar. No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas, como la Sociedad Internacional de Acuarela, la Alianza de Maestros de Acuarela, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas y explicando cómo uso todos mis insumos y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la diversión A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de discusión que se encuentra a continuación. Me aseguraré de leer y responder a cada pensamiento que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón Seguir en la parte superior Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique sorteos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Entonces, si quieres llevar tu pintura de acuarela al siguiente nivel, esta es la clase para ti, porque te voy a mostrar cómo puedes ser suelto y expresivo vez que terminas con un resultado muy cautivador 2. Tu proyecto: Muchas gracias por elegir esta clase. Realmente lo agradezco como siempre. Realmente creo que esta clase te va a encontrar muy útil porque vamos a estar practicando técnicas que pueden dar miedo, y realmente tienes sumergirte en este proceso para que funcione. Y es a través de esto dejar ir y permitir que la acuarela hable por sí misma lo que realmente hace brillar la magia. Ahora, no se preocupe si su resolución no es exactamente como la mía. Nunca podría volver a pintar el mismo cuadro porque estoy permitiendo que la acuarela haga gran parte del trabajo por mí. Entonces la forma en que seguimos la pintura es mediante el uso de principios de contraste y colores cálidos y colores oscuros y contraste de tono o claro y oscuro y textura. Entonces, cuando pensamos en lo que falta o cómo construir la composición, esto nos guía en nuestro camino. No necesitamos pensar en los detalles, por así decirlo. Porque si haces zoom en la pintura, puedes ver que en realidad es bastante abstracta aparte de algunas cosas que la anclan juntas, todas son sugerencias de detalles en lugar de detalles en lugar de detalles en sí mismos. Así que confía en el proceso, y ojalá al final, tu pintura se unirá, y será una pieza única que tenga sentimiento, que es lo más importante. En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos. Así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos del estudiante debajo de la pestaña Proyecto y Recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la galería de proyectos estudiantiles. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros (comprimidos): Así que repasemos todos los materiales y suministros que usaré en la lección de hoy. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición, y te facilitarán el seguimiento. L et's comienzan con las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que me llenan de tubos. Son amarillo cadmio, cha amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí sarín, azul ultramarino, azul cobalto , azul cerliu, lavanda, morado, negro vidu, y al final de la pintura, a menudo uso guash blanco para pequeños reflejos . No uso ninguna marca en particular. Estos colores los puedes obtener de cualquier marca. Aunque personalmente uso pinturas de Daniel Smith, Windsor Newton o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo sintético redondo como este cepillo ascoda pla o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles, porque no sólo se pueden utilizar para trabajos detallados con su punta fina. Pero como pueden contener mucha agua, también son buenos para los lavados También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para pinceles, sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato se arrugada fácilmente y es muy implacable, no permitiéndote Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel a base de algodón, no solo le permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y será más probable que cree mejores pinturas Yo uso papel arcos porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local. Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta, que usé para limpiar mi cepillo Limpiar la pintura antes de desenterrarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitiremos crear un borde limpio muy nítido. Y eso es todo lo que necesitas para pintar. Te sugiero que experimentes y explores todo tipo de materiales para ver qué te conviene. Pero sigamos adelante y comencemos la pintura. 4. Cómo dibujarlo: En esta clase, he incluido dos plantillas de calco, una con formas simples, y otra con todos los detalles de la escena como los edificios, las ventanas, los autos y las luces. Lo primero que quieres hacer si estás dibujando esto por ti mismo es marcar la línea del horizonte y luego poner un punto justo donde conducen todas las líneas de perspectiva, conocido como el punto de fuga Yo solo voy a rotar el papel dibujando líneas muy rectas, y esto nos ayudará a guiarnos a lo largo de la pintura, no solo del dibujo, para la profundidad que queremos crear. Esta será una forma muy útil de guiarnos a hora de trazos de pincel o rematar el dibujo. Y siempre empiezo con grandes formas para empezar, así que estoy marcando un círculo ahí para uno de los autos, y a medida que pasemos por esta clase hoy durante el proceso de pintura, voy a explicar un poco más sobre la composición. Por el momento, solo estamos dibujando, y se puede ver que no estoy poniendo ningún detalle para empezar Solo estoy bloqueando formas porque ese es el núcleo de una buena composición es la simplificación No queremos alborearlo con detalles. Queremos obtener la imagen principal, el mensaje principal, las formas principales precisas primero. Si podemos crear una imagen poderosa solo con unas pocas formas fuertes, entonces podemos agregar detalles después de eso, solo como un bono. Pero no son los detalles los que hacen una pintura, son las formas más grandes y sus interacciones. He puesto líneas para el edificio, contornos, bloques muy simples, y ahora solo estoy poniendo estos círculos, tratando de obtener una conciencia espacial de donde quiero poner los autos. Hay cuatro autos. Uno de ellos, es tan pequeño en la distancia, apenas es concebible como un auto realmente Ya ves, estoy tratando de hacer mis verticales muy fuertes. Se tener el equilibrio de verticales con horizontales fuertes es un truco de composición agradable A la hora de dibujar estos autos, usaremos ese punto de fuga y estas líneas diagonales para hacer la Ahora, usando la punta fina de mi lápiz, solo para definir los edificios tendrá un poco más de detalles ahora que los hemos bloqueado. Y podemos tomarnos tanto tiempo como queramos para que la pintura sea tan detallada como queramos que sea porque es la columna vertebral. Es realmente lo que hace más cómodos que estemos con el dibujo, cuanto más claro sea, más probable es que nuestra pintura sea un éxito porque conoceremos el plan, la idea del mismo. Así que puedes tomarte tu tiempo buscando ver cómo estoy dibujando estos autos y puedes detenerlo y ralentizarlo solo para ver qué líneas lo hago. Normalmente hago la ventana primero en la parte superior y luego las luces del auto, y luego el capó en las ruedas en la parte inferior, así que trabajo de arriba a abajo Si lo piensas, formas muy simples por completo. Son una cosa bastante sencilla de dibujar. Si nunca lo has dibujado antes, podría ser un poco una curva de aprendizaje, pero siempre es lo mismo cuando dibujas autos. No necesitamos ser tan específicos sobre diferentes detalles. Es realmente, estos autos son lo único en la pintura que tiene mucho detalle. A lo mejor vamos a hacer algunas marcas de pincel seco para las ventanas, pero es muy generalizado. La etapa de dibujo, por supuesto, es solo línea. No podemos demostrar dónde estarán los diferentes tonos. Tenemos que dejar eso para nuestra imaginación. Pero se puede ver que hay mucho espacio vacío a ambos lados de la carretera. Poniendo unas pautas para las ventanas, voy a pintar más tarde. Pero aparte de eso, es solo espacio vacío. Siempre estoy tratando de ser consciente de dónde está ese punto de fuga, y no voy a frotar eso porque quiero ver dónde está eso cuando estoy pintando también Eventualmente, la pintura lo cubrirá, así que no necesitamos frotarlo. Ahora, me va a llevar un poco más de tiempo refinar el dibujo, así que volveré cuando esté completamente hecho. 5. Aplicación de líquido enmascarante: El primer paso del procedimiento de pintura en realidad antes incluso de obtener la pintura del papel es aplicar un poco de líquido de enmascaramiento. Y se puede ver, en realidad no estoy aplicando el líquido de enmascaramiento directamente sobre el papel. Tengo una paleta un poco vieja aquí, y estoy usando un palito solo para aplicarla en las áreas específicas Y aunque esto pueda parecer un poco complicado, El resultado al final va a ser muy impactante porque vamos a usar tono y aprovechar fuertes contrastes para hacer esto Así que preservar este blanco del papel se verá tan audaz al final, y la escena que hoy estamos pintando es una escena lluviosa al atardecer, de verdad. No va a haber luz. Mucha de la luz serán luces artificiales y farolas y cosas así. Entonces eso es lo que estas pequeñas marcas de líquido enmascarante van a transmitir al final, o la calle, los postes de señalización, los frentes de las tiendas. Ese es un buen ejemplo de lo que quiero decir en esta lección. Va a ser un punto repetitivo es que no voy a ser tan específico con los detalles. Solo hay sugerencias de detalles, y dejamos la imaginación del espectador para llenar los vacíos, sea consciente o no de que no necesitamos ser tan directos con nuestros detalles. Para que puedas ser experimental como quieras a la hora de aplicar este fluido enmascarante. Diré, no dejes demasiadas marcas grandes. Incluso estos pequeños puntitos que me estoy poniendo ahí serán muy obvios por el alto contraste entre los tonos blancos y oscuros. Entonces, si pones tus marcas o preservas demasiado del blanco del papel, será abrumador, te distraerá del punto vocal Incluso cuando estoy aplicando esto, puede ver que estoy rotando este palo, este punto para que marcas que estoy preservando esos puntos, están mirando hacia ese punto de fuga Estoy rotando el palo alrededor para que ahí te esté atrayendo hacia el centro. No estoy tratando de que sea demasiado obvio. No todos están alineados entre sí, pero puedes sentir que a medida que van llegando hacia ese punto de fuga, se van acercando y más densos, y a medida que se extienden hacia los bordes del papel, están un poco más 6. Pintar el cielo: Ahora, me aseguré de usar un secador de pelo para secar completamente el líquido de enmascaramiento. Quiero que echen un vistazo a la imagen final para ver dónde han terminado estas áreas conservadas de blanco. No espero que sigas junto con la pintura sin antes ver todo este camino solo para ver cómo funciona porque mucha acuarela es preparación para las cosas hacia el final. Podrías estar haciendo cosas sin contexto, siempre es útil mirar el proceso completo antes de intentarlo tú mismo. Estoy empezando de un cielo usando amarillo cadmio y un poco de azul, y lo estoy haciendo tan tenue que en realidad no va a mezclarse en un verde como el amarillo y el azul generalmente lo harían Quiero tener un contraste fuerte en la pintura, así que no quiero que el cielo sea tan oscuro. Quiero que exista, pero que sea muy sutil. Estoy usando un pincel grande para esto porque si usas un pincel pequeño, no será un cielo degradado suave. Estaré muy distrayendo. Si están pasando demasiadas cosas en el cielo, solo tiene que ser sutil. Tengo mi pintura en una ligera inclinación. Para que el agua caiga gradualmente, y estamos usando esta gravedad para ayudar a controlar a dónde va el enfriador de agua. Porque si el papel es plano en la superficie, entonces no sabrás a dónde se derrama el agua si hay demasiada agua o dónde creas tus lavados. Pero si tienes una ligera inclinación, siempre sabes que va hacia abajo y habrá una unidad la pintura porque todo el pigmento va a tener esta sensación a ella, esta esencia vertical a ella. Entonces he hecho un lavado ligero para el cielo, pero está un poco demasiado pálido en el fondo. Quiero que sea un poco más vívido en el fondo mientras aún está mojado. Estoy agregando un poco más amarillo ahí para darle ese brillo. Esta primera etapa de la pintura es en realidad la más fácil porque estamos pintando las cosas menos obvias. Estamos pintando la capa inferior. Entonces podemos ser un poco más expresivos. No necesitamos pensar en los detalles en absoluto en esta etapa. Y quiero aplicar, quiero aumentar este lavado en los edificios en realidad para dar algo de calor a los edificios, como si hubiera luz artificial brillando Y nuevamente, mira la imagen final para ver de qué hablo con el amarillo en el edificio del lado izquierdo. Porque cuando comenzamos una pintura como esta, es fácil quedar atrapados en el pensamiento, necesitamos ser precisos y exactos con cada trazo de pincel. Pero realmente la belleza de esta pieza y agua general radica en su espontaneidad, su energía Y la idea principal para esta clase no es empantanarse en la perfección técnica, sino abrazar la fluidez de la acuarela Y la forma en que manejamos el pincel, el flujo del agua, y la imprevisibilidad de los pigmentos, todo esto respira vida a la obra Se trata de capturar un momento o una sensación en lugar de reproducir cada pequeño detalle Porque si intentas replicarlo lo más cerca posible sin permitir que la acuarela haga lo suyo, entonces mucha de la magia se pierde Por ejemplo, cuando pintas este brillo amarillo del edificio a la izquierda, el agua podría no derramarse exactamente en las mismas áreas que conmigo solo por la espontaneidad del medio 7. El primer lavado: Entonces voy a traer este amarillo a la carretera más allá de los autos. Y estoy haciendo esto porque estoy tratando imitar el reflejo de un camino mojado Entonces estos edificios van a tener luz amarilla. El cielo será algo amarillo, y solo dará esa sensación de luz. Estamos usando la técnica húmeda sobre húmeda en este momento. Así que no muchos bordes duros por el momento. Entonces mientras trabajamos para esta pintura, recuerda que estamos apuntando a transmitir la vitalidad y el movimiento de la escena Y nuestros trazos no necesitan ser precisos. De hecho, cuanto más flojos son, más invitamos a la imaginación de los espectadores a llenar los vacíos La cualidad expresiva de este medio es lo que lo hace tan poderoso. No estamos pintando una fotografía, claro, estamos creando una interpretación evocadora dinámica que deja espacio para Por supuesto, sé que esta escena sí parece abrumadora al principio. Están pasando muchas cosas. Tenemos autos, edificios, farolas, reflejos, etcétera Pero quiero asegurarle que no es tan complejo como parece E incluso para mí, a veces lo hago más complicado de lo que tiene que ser. A menudo, cuando termino la pintura, creo que podría haberlo hecho mucho más rápido si solo permitiera que la acuarela hiciera su magia, sin interferir. Muchas veces cuando interfiero, en realidad lo hago más complicado de lo que tiene que ser. No agrega a la pintura, se lleva. Hay una encarnación natural de querer exagerar para controlar el medio Y claro, la técnica es parte de eso. Sí hay que conocer la técnica, pero no es la técnica que hace que la pintura al final. Cuando lo desglosamos, en realidad se trata de capas de color, formas y luz. Y no estamos tratando de renderizar cada ventana del auto, cada ladrillo del edificio, cada luz de la calle, cada texto de la carretera. Nos estamos enfocando en el estado de ánimo y el ambiente general. Y lo estamos haciendo simplificando las formas. Unos pocos trazos bien colocados pueden sugerir algo sin definirlo completamente. Y eso es, si acaso, lo más difícil es encontrar esos trazos bien colocados. Y eso viene a través de explorar y ser intrépido, que es exactamente de lo que trata esta clase Una vez que entendemos eso, todo el proceso de pintura se vuelve mucho más accesible Así que trata de no sentirte intimidado porque al trabajar libremente, nos estamos liberando de la presión de la perfección Y se puede ver en esta pintura que para el 75% del tiempo, es un desastre. Y es solo en los últimos trazos de detalles al final que simplemente lo mantienen unido. Cada pintura comienza desordenada. Eso es solo parte del viaje. Es en esos rudos comienzos abstractos que empezamos a incorporar la energía en la pieza final Por el momento, sigo trabajando en ese resplandor de los edificios, pero me aseguro de no pintar sobre los autos. Lo estoy bajando solo a los techos de los autos, y aparte de la mitad de la carretera, esta naranja no va más allá de la línea del horizonte. Se puede ver el punto de fuga. Apenas va por debajo de eso en este momento. De nuevo, puedes mirar la imagen final para ver a dónde me llevo esta naranja. Otra cosa es no desanimarse por resultados feos porque al principio, cuando eres estudiante, van a ser feos. Pero este patito feo eventualmente se convertirá en un cisne glorioso Si mantienes este hábito de respetar el medio acuarela y permitirle hacer lo suyo sin forzarlo, crecerá y madurarás como artista. 8. Sugerencia sobre la exactitud: Ahora voy a extender este lavado hacia el lado derecho, y quiero usar un poco de rojo audaz para esto, y voy a ser bastante expresivo usando mi cepillo de trapeador, tal vez incluso lograr algunas marcas de pincel seco, y se puede ver usando líneas verticales y también líneas que apuntan hacia el punto de fuga Sólo para conseguir ese resplandor. Este resplandor rojo está en la parte inferior donde estarán las luces de la calle , o las señales, o los frentes de las tiendas, donde esa luz artificial saldrá por las ventanas y señales y brillará los fondos de los edificios en lugar de la parte superior Yo solo voy a limpiar mi pincel y mojar un poco de agua en la parte inferior izquierda de la carretera solo para agregar un poco más de textura y una sensación de gotas mojadas Creo que lo que hace que la acuarela sea tan especial es que invita a la sugerencia sobre la exactitud Si nos acercamos a alguna parte de esta pintura, si miras la referencia, notarás que lo que parece detalle desde lejos son en realidad solo unas salpicaduras o marcas gesturales abstractas, y esa es la magia Estamos sugiriendo detalles sin realmente pintar minuciosamente cosita Cuando implicamos más que definir, permitimos esta interacción con el espectador y su imaginación. Hace que una pintura sea más interactiva y atractiva. Estamos guiando el ojo, pero estamos dejando espacio para la interpretación. Y el espectador podría mirar la escena e inmediatamente sentir la bulliciosa energía de la calle, el brillo de la luz en el pavimento mojado sin necesidad de ver cada auto o persona individual De hecho, no creo que haya una persona en absoluto en la escena, solo una sugerencia tal vez en las sombras. Es el estado de ánimo, es el ambiente en adelante. Y el enfoque de sugerir más que renderizar es uno de los elementos principales a los que realmente se afianza cuando se trata de acuarela específicamente. me relaciono con otros medios, pero ayuda a crear una pintura que se siente viva. Estoy empezando a pintar uno de los edificios a lo lejos allá y lo estoy manteniendo ligero y tono porque quiero agregar al ambiente. El realismo es, por supuesto, muy impresionante, el talento y la técnica la que llevan años trabajando. Pero no permite que el espectador llene los vacíos. Hace que una pintura sea más personal pero más evocadora, y ahí es donde radica el verdadero poder de la Acuarela en su capacidad para insinuar algo y dejar que se despliegue en la mente del espectador 9. Caos y control: Ahora, lo he secado completamente con el secador de pelo, y ahora voy a empezar a pintar el lavado principal en los edificios. Voy a mezclar un tono bastante oscuro, pero manteniéndolo bastante acuoso, no va a ser un pigmento espeso Voy a mantenerlo bastante neutral, bastante marrón y silenciado. Usando la punta de mi pincel, mi cepillo ascoda perla Otra cosa a añadir es que aunque estamos trabajando con espontaneidad, todavía necesitamos una fuerte composición subyacente, una idea en nuestra mente que nos guíe a lo largo de todo el Esto también ayudará a guiar el ojo del espectador a través de la pintura también. Ahí es donde entra en juego el equilibrio entre el caos y el control. Utilizamos la composición y el contraste para poner orden a la fluidez. Piense en dónde colocamos los valores más oscuros o los reflejos más brillantes, y estos puntos de contraste, no sólo crean profundidad, sino que también dirigen la atención a las áreas focales de la pintura, que básicamente serían la línea del horizonte o el punto de fuga es Da su estructura y propósito a pesar de la naturaleza abstracta de la pieza en general. Esta estructura o composición de una pintura se puede reducir a unos principios simples, y hay principios que interactúan entre sí, por lo que es bastante dinámico. Pero en general, estos principios cualquiera puede seguir, sin importar cuál sea tu nivel de habilidad. No estamos confiando en técnicas avanzadas. En lugar de centrarnos en los principios de composición y los elementos del diseño, que son los bloques de construcción de cualquier pintura fuerte. Y todos los maestros y artistas profesionales utilizan estos principios de composición y elementos de diseño para hacer que sus obras se destaquen y lo que hace que su obra sea tan especial. Para decirlo de manera muy simple, cuando hablamos de composición, estamos hablando de cómo organizamos los elementos de nuestra pintura para crear equilibrio, movimiento y enfoque. Por ejemplo, utilizamos el contraste para dirigir la atención del espectador hacia las áreas que más importan. Pensamos en el equilibrio, no necesariamente en la simetría, sino en un equilibrio visual que haga que la pieza se sienta cohesiva y armoniosa Guiamos el ojo a través de la pintura con movimiento usando líneas, formas o incluso transiciones de color. Al mismo tiempo, los elementos del diseño, cosas como la línea, forma, el color, la textura y el espacio, nos ayudan a dar vida a la composición. La línea puede crear dirección y ritmo mientras que el contraste entre la luz y la oscuridad da profundidad y estado de ánimo. Todas estas cosas se unen para formar una pintura que se siente intencional y también expresiva. 10. Contre-jour: Así que sólo me estoy quitando algo de esta naranja aquí porque está un poco demasiado oscura. Yo en el centro aquí. Yo sólo quiero traer de vuelta ese amarillo. Así que solo lo estoy rehumedeciendo con mi cepillo para recuperar ese amarillo. Así que hemos colocado la capa inferior, y ahora estamos empezando a trabajar encima de ella con tonos más oscuros. Como decía antes, contraste es uno de los elementos y principios más poderosos del diseño y la composición. Y uno de los esquemas de iluminación más populares que puedes usar para una pintura es algo llamado contrade Y esta escena es un buen ejemplo de ello. Es un término francés que se traduce en contra de la luz del día. Y esta técnica implica colocar una fuente de luz detrás de los sujetos, en este caso, los edificios, creando un llamativo contraste entre la luz y la sombra. Se trata de un método poderoso que puede evocar emoción y drama en nuestras pinturas, haciéndola particularmente relevante para esta pieza Se puede ver cómo juega un papel vital porque da forma a la atmósfera general. También en realidad facilita la pintura ya que al colocar la fuente de luz detrás de edificios y elementos de la calle, creamos siluetas que destacan contra el telón de fondo iluminado Este enfoque no sólo potencia el interés visual, sino que también contribuye al sentido de profundidad y dimensionalidad de las pinturas Cuando observamos las brillantes luces de las calles y los tonos cálidos que se reflejan en el pavimento húmedo, queda claro cómo el contradue nos permite explorar la interacción Las áreas brillantes atraen nuestra atención mientras que las regiones oscuras crean contraste en la tensión, haciendo que la escena se sienta viva y dinámica. Este contraste se suma al impacto emocional de la pintura. Se pueden ver muchos de estos ejemplos contradu en obras de arte muy famosas o incluso William Turner o Mone utilizan magistralmente esta técnica en su trabajo. Se puede ver a Turner con sus paisajes atmosféricos, a menudo escenas pintadas donde la luz del sol se derrama por el lienzo, creando siluetas dramáticas contra cielos brillantes Y yo las pinturas de Monet, podemos ver cómo utilizó contrad para realzar la vitalidad de la naturaleza, permitiendo que la luz solar se filtrara a través de árboles o iluminara campos con Entonces, cuando trabajes en tus propios cuadros, trata de no rehuir experimentar con contrade Juega con el posicionamiento de tu fuente de luz y observa cómo transforma tu sujeto. Observe cómo las sombras pueden definir formas y crear una sensación de misterio que invita al espectador a mirar más de cerca y a involucrarse. Entonces Contradur es más que una simple técnica. Es una manera de expresar la relación entre la luz y la oscuridad, la energía y la tranquilidad. Nos permite explorar la profundidad emocional de nuestros sujetos y transmitir una historia a través de nuestras pinceladas. Entonces, a medida que continuamos con esta pintura, en cuenta el poder de la luz y la sombra, y cómo el contradur puede guiarnos para crear imágenes más emocionantes y atractivas Entonces he comenzado las formas principales a la izquierda, y solo estoy usando la punta de mi cepillo para llevar el lavado hasta los bordes mismos de estos autos. Intenta no pintar sobre los autos todavía. Ahora estoy usando un pigmento oscuro solo para crear ese contraste entre el auto y el fondo de la carretera. Y se puede ver como el fluido de enmascaramiento sigue conservando ese papel, y necesitamos este contraste para que ese blanco del papel estalle. 11. Los principios de la composición: Ahora hablemos un poco más sobre los principios y elementos de la composición porque son estas cosas las que pueden ayudar a desarrollar tus propias composiciones y tus propias pinturas. Al conocer estos principios, comprenderás mejor lo que estoy tratando de lograr y lo que otros artistas están tratando de lograr. Puedes notar estas cosas en otras obras de arte que te puedan gustar, y puedes integrarlas en las tuyas propias. medida que los atraviese, verás que en realidad hay mucho crossover porque todo es muy dinámico y se relacionan entre sí aunque técnicamente no son los mismos. El primero del que vamos a hablar es equilibrio o simetría y asimetría El equilibrio en la composición consiste en crear una sensación de estabilidad y armonía dentro de una pintura. Es uno de los principios clave que podemos utilizar para guiar la mirada del espectador y crear una sensación de cohesión en nuestro trabajo En acuarela, el equilibrio no significa que todo tenga que ser simétrico o igualmente ponderado en ambos lados. Se trata de cómo distribuimos los elementos visuales, ya sea que los colores, las formas o los valores logren una sensación de equilibrio en su conjunto. La simetría se refiere a crear un equilibrio reflejando elementos a cada lado de la composición Piense en un reflejo en el agua o en un edificio perfectamente centrado en un paisaje. La simetría a menudo evoca una sensación de calma u orden y estabilidad. Por ejemplo, en una escena callejera, al colocar un objeto grande como un edificio en medio de la composición con iguales elementos visuales a ambos lados, puede crear una sensación equilibrada y armoniosa. Se pueden formar o estructurar composiciones simétricas, lo que les da una calidad clásica atemporal. No obstante, hay que tener cuidado con la simetría porque si todo está demasiado perfectamente equilibrado, a veces puede sentirse un poco artificial, un poco estático o Es excelente para ciertos efectos, pero su uso excesivo podría hacer que la sensación de la composición sea menos dinámica. Otro ejemplo podría ser en un paisaje. Si tienes árboles simétricos en ambos lados, mientras se mantiene el equilibrio, la estafa puede sentirse un poco demasiado estructurada y carece de movimiento o energía. Ahí es donde entra la asimetría. La asimetría aporta una sensación de energía, movimiento e interés a una pintura Se trata de crear equilibrio usando diferentes elementos a cada lado de la composición. Pero no son imágenes espejadas. En cambio, podríamos colocar una forma más grande en lado y equilibrarla , tenemos un grupo de elementos más pequeños en el otro. Sigue siendo equilibrado, pero de una manera que se siente más espontánea y dinámica. Con esta escena callejera, por ejemplo, se puede decir que no es simétrica en ambos lados, sino que está bastante bien equilibrada. En el lado izquierdo, tenemos grandes edificios, y en el lado derecho, también tenemos edificios, pero no son simétricos, sino que están ponderados igual. De igual manera con los autos, pesar de que aún no los hemos pintado, incluso, podemos ver que hay dos autos en un lado y dos autos en el otro. Pero tienes un auto más pequeño con un auto más grande, y se iguala, si puedes imaginarlos en una escala. Se equilibra porque el auto más grande está más lejos del centro y los dos más grandes, otros autos no están tan lejos, están más cerca del centro. Pero también hay otras formas distribuir el peso visual. Podemos usar las luces de la calle. Podemos usar cifras posiblemente. Por lo que la pintura se mantiene equilibrada, pero se siente más viva y menos predecible que la estricta simetría. 12. Equilibrio: Ahora me siento como pandilla un poco más audaz, así que voy a usar pigmento muy espeso y sigo con esta mezcla morada que he mezclado en mi paleta Y quiero que sea espeso porque se va a integrar cuando agreguemos más agua después, y va a crear algunos efectos espontáneos. Nuevamente, estamos permitiendo que la acuarela haga su magia. Así que no estoy teniendo miedo apillarse realmente sobre el pigmento espeso de aquí. Es efectos de pincel muy seco en este momento. También estoy planeando para el futuro. Así se puede ver en la imagen final, nuevo, que aquí tenemos púrpura. Tenemos naranja, y voy a agregar verde turquesa ahí también. Y esos son colores terciarios. Si tuvieras primaria si miras la rueda de colores en los colores primarios y luego girabas la rueda de colores, verías que se alinean como lo hacen los colores primarios, morado, verde turquesa y naranja. Trabajan juntos de una manera hermosa, un poco como colores complementarios, pero de tres formas en lugar de dos formas. Entonces sé que estamos tapando mucho de este rojo, pero ese rojo es un pigmento bastante bonito porque mancha el papel, y más adelante, vamos a usar una navaja de paleta o puedes usar un cuchillo normal o que quieras una regla para rascar parte del pigmento y exponer algo de ese color vibrante debajo. Pero ya verás como lleguemos a eso más adelante. Sólo estoy explicando cuáles son mis intenciones para el futuro. La acuarela es especialmente adecuada para la asimetría por su naturaleza espontánea Podemos dejar que un lavado fluya de manera desigual a través del papel o permitir que un área permanezca ligera y aireada mientras que la otra está llena de tonos y texturas audaces y más oscuros Las composiciones asimétricas a menudo se sienten más orgánicas, como el mundo natural mismo, donde las cosas rara vez están perfectamente equilibradas en una imagen espejada, pero aún así mantiene un sentido También es importante pensar en el peso visual al considerar el equilibrio porque el ight visual se refiere a cantidad de atención que dibujan los diferentes elementos en la composición. Por lo que un objeto oscuro grande naturalmente atraerá el ojo más que un pequeño objeto claro. Para que podamos jugar con estas relaciones para lograr el equilibrio. Un auto pequeño pero de colores brillantes podría equilibrar un edificio de tono neutro mucho más grande porque el color llama la atención De igual manera, un árbol oscuro y muy detallado podría equilibrarse con un cielo abierto claro al otro lado de la pintura. No siempre se trata de talla. A veces se trata de color, textura, o incluso lo ocupada o tranquila que está un área en la pintura. Una de las cosas emocionantes asimetría es cómo crea una sensación de movimiento No queremos tener un equilibrio perfecto, obviamente, porque el ojo se mueve naturalmente alrededor la pintura, explorando diferentes elementos. Este movimiento mantiene al espectador comprometido, animándolo a quedarse y descubrir nuevos detalles. También nos da la oportunidad de jugar con la dirección, quizás llevando el ojo hacia un punto focal o guiándolo por un sendero de la calle o del río o de las carreteras, subiendo por el pavimento, donde sea. Entonces, la mejor manera de sentirse cómodo con el equilibrio, ya sea simétrico o asimétrico, es experimentar, jugar con diferentes composiciones en tus bocetos en miniatura Intenta colocar un punto focal punto muerto para una composición simétrica, casi como esta, de verdad. Luego desvíelo a un lado para asimetría, y observe cómo cambia la energía de la pintura al hacer cosas así 13. Uso del contraste: Y recuerda siempre que el equilibrio no significa que todo sea igual. Significa que todo se siente bien juntos. Ya sea que esté utilizando la simetría para la calma y el orden o la asimetría para la energía y el movimiento Queremos que nuestras composiciones sientan que están trabajando en armonía, incluso cuando estamos abrazando la hermosa imprevisibilidad de la Sé que están pasando muchas cosas en la pintura que estoy haciendo, y no necesariamente estoy explicando cada paso del camino, qué colores específicos estoy usando, etc., et. Pero si has visto mis otras clases, puedes ver mi paleta ahí y puedes saber qué colores tengo y puedes verme mezclándolos y puedes y rebobinar en cualquier sección De hecho pienso que es más importante y encontrarás más crecimiento en tus pinturas cuando escuches estos principios. Y conceptos sobre el arte en general. Y en esa nota, pasemos al siguiente principio, que es, por supuesto, el contraste, y es una de las herramientas más poderosas que tenemos para crear interés visual, profundidad y enfoque en nuestras acuarelas. Se trata esencialmente de opuestos. Claro versus oscuro, suave versus duro, liso versus áspero, cálido , versus frío, etcétera, etcétera, y cómo estas oposiciones pueden trabajar juntas para guiar la vista del espectador, crear una sensación de drama y enfocar ciertas áreas de nuestra pintura Por lo general, lo primero en lo que pensamos a la hora de contrastar es la luz y la oscuridad. Y a esto se le conoce como contraste de valores. Al colocar valores de luz junto a valores oscuros, creamos una diferencia visual llamativa que llama la atención. Luz contra oscuridad es como hacemos que destaquen ciertas áreas de una pintura. Por ejemplo, en esta pintura, en el punto de fuga donde se juntan todas esas luces, donde es muy densa con Tenemos un parche concentrado de áreas contrastadas que realmente dibujan el foco en esa área Y se puede ver a medida que nos expandimos, ese contraste casi se disipa porque no es tan denso ni muy cercano Digamos que queríamos sumar figuras a esta escena. Ya sabes, estamos pintando una escena callejera al atardecer. Si quisiéramos que el espectador se centrara en una figura en particular o en un edificio en particular, podríamos colocarlo sobre un fondo contrastante. Imagínese una figura una camisa blanca parada frente a uno de estos edificios oscuros, paredes ensombrecidas, por ejemplo, la camisa brillante captará inmediatamente la atención del espectador debido al fuerte contraste entre los valores de luz y oscuridad Y del otro lado, si la misma figura estuviera vistiendo una chaqueta oscura y de pie contra una pared igualmente oscura, se mezclarían con el fondo, y el contraste sería mucho más débil y la figura mucho menos notoria. El contraste entre los valores de luz y oscuridad es clave para crear profundidad. En acuarela, tendemos a usar lavados ligeros para empujar las áreas hacia atrás en la distancia y lavados más oscuros para tirar de los elementos hacia adelante Y se puede ver que en primer plano en los bordes del papel, nuestro uso de pigmento aquí es muy grueso, muy negro, y en el centro en la distancia, ese es el edificio más ligero que tenemos, ese tipo de tono puramente que tenemos Pero esto va más allá de una escena de ciudad. Este podría ser un paisaje con montañas distantes que podrían estar pintadas en suaves azules claros y grises mientras que los árboles en primer plano son grises oscuros Entonces es el contraste entre la luz y la oscuridad lo que crea una sensación de profundidad y freedimentalidad 14. Bordes perdidos y encontrados: Y luego hay bordes duros y blandos o como a veces se le conoce bordes perdidos y encontrados. Por supuesto, los bordes duros son donde una forma o color termina bruscamente y comienza otra, creando un límite definido. Entonces tenemos bordes suaves, donde por supuesto, dos áreas se mezclan suavemente entre sí. Y en algunos casos, es tan gradual que ni siquiera se puede ver el borde en absoluto. Es una ventaja perdida, como se le conoce porque no hay separación clara. En acuarela, tenemos mucho control sobre los bordes y cantidad de agua que usamos y cómo aplicamos la pintura. Los bordes duros se pueden crear usando menos agua y dejando que una capa de pintura seque completamente antes de agregar la siguiente. Mientras que los bordes suaves, por el contrario, se pueden lograr usando técnicas de húmedo en húmedo, permitiendo que los colores se mezclen y sangran entre sí Gran parte de esta pintura es húmeda y húmeda. Y al mirar la pantalla ahora se puede ver dónde están los bordes duros y los bordes blandos Por el momento, hay muchos bordes blandos, muchas áreas indefinidas. Pero a medida que acercamos la pintura a su fin, más adelante, verás entrar más bordes duros porque nos estamos enfocando en lo húmedo sobre mojado en este momento, así que ahí es donde realmente sobresalen los bordes suaves. Los bordes duros son excelentes para llamar la atención sobre áreas específicas de la pintura, como el punto focal. Por ejemplo, cuando pintamos todas esas farolas, que de nuevo, en el punto de fuga, podríamos usar Cuando quitemos ese líquido enmascarante, van a ser bordes muy duros porque el líquido enmascarante tiene esos bordes duros, no un borde gradual. Quizá queramos suavizar algunos de ellos, pero por ejemplo, con lo que voy a hacer después, puedes mirar la imagen de referencia final Las luces de los autos, pesar de que hemos usado cinta adhesiva, y tiene un borde duro. En realidad ablandarlos porque no quiero que tomen tanto de la atención porque no son el punto focal No quiero que distraigan del cajón central de la composición Eso es lo que hacen los bordes duros. Los bordes suaves se pueden usar para crear una sensación de atmósfera o distancia. En esta escena, se puede ver los edificios distantes tienen bordes más suaves, sugiriendo que están más lejos, por supuesto, y los estamos viendo a través del smog de la ciudad o la niebla o la visibilidad que va al crepúsculo Este contraste entre el primer plano de bordes duros y fondo de bordes suaves como profundidad e interés Son muchas cosas a considerar porque tenemos que pensar en formas de integrarlas en tu composición. Pero a través de la repetición, puedes retener estos conceptos y los encontrarás llegando a través de tu trabajo a través de la intuición. Ni siquiera necesitas pensar en ellos. Tienen una idea de lo que se siente bien eventualmente. Pero como pienso, es repetición. Entonces tienes texturas lisas y ásperas. El contraste de texturas es otra herramienta poderosa, especialmente en acuarela, donde podemos crear texturas variando cómo aplicamos la pintura y el tipo de pinceladas que utilizamos. Las texturas suaves obviamente se logran incluso con lavados controlados, mientras que las texturas rugosas se pueden crear con técnicas de pincel seco o salpicando o levantando la pintura con una esponja o raspando 15. Suave y áspero: Imagina que estamos pintando una calle empedrada de piedra. Podríamos usar pinceladas ásperas o rotas para sugerir la textura de las piedras, contrastando con el suave lavado del cielo arriba. Este contraste entre textura lisa y rugosa agrega interés táctil a la pintura, e invita al espectador a imaginar la sensación de las diferentes superficies contraste en la textura también puede crear una sensación de variedad y emoción visual. Si todo en la pintura tiene la misma textura, ya sea todo liso o todo áspero, la composición puede comenzar a sentirse monótona Al variar las texturas y colocar áreas lisas junto a las ásperas y sa, podemos mantener el ojo del espectador moviéndose alrededor de la pintura, haciéndola más atractiva. Ahora hablemos de contraste de color, sobre todo entre colores cálidos y fríos. Es otra forma efectiva de añadir dinamismo a tu pintura. Los colores cálidos como los rojos, naranjas y amarillos tienden a avanzar en la composición Se sienten más cerca del espectador. Mientras que los colores fríos como los azules, verdes y morados tienden a retroceder, creando una sensación de distancia Podemos usar este contraste de temperatura para crear profundidad o resaltar ciertas áreas. Al mirar esta escena que estamos pintando hoy, en realidad prácticamente he roto esa regla porque tengo colores fríos en primer plano y tengo ese amarillo anaranjado brillante yendo hasta la distancia Podría tener esos edificios lejanos de púrpura, que pueden considerarse de un color fresco, pero va a demostrar que a veces puedes romper las reglas. Pero tal vez si tuviera que rehacer esta pintura y pensara en todos los aspectos de la misma, tal vez la composición se mejoraría si mantuviera los colores cálidos primer plano y solo tuviera colores fríos en la solo tuviera colores fríos en También hay un aspecto emocional cuando se trata de colores. Por lo general, los colores cálidos, evocan sentimientos de calidez, por supuesto, energía y luz, mientras que los colores fríos evocan serenidad tranquila e incluso Entonces, en un sentido más abstracto, es posible que queramos usar colores cálidos y fríos para crear movimiento y enfoque en la composición, un cálido toque de rojo en un área que de otra manera sería fresca. De hecho, vamos a hacer eso a la izquierda. Se pueden ver esos pequeños reflejos rojos. Me he salpicado en la última etapa de la pintura. Ese contraste de la composición roja sobre la azul inmediatamente llama la atención debido a ese fuerte contraste en la temperatura del color 16. Guía el ojo del espectador: Entonces todos estos principios de composición con el fin de ayudar a guiar los ojos del espectador de diferentes maneras, y el contraste no es una excepción a eso. Al colocar estratégicamente áreas de alto contraste junto a áreas de bajo contraste, podemos controlar el flujo de la composición y asegurarnos de que el ojo del espectador aterrice donde queremos Por ejemplo, digamos que estamos pintando una escena ajetreada del mercado. La escena general podría estar llena de muchos valores de tono medio y texturas borrosas suaves Pero podríamos colocar una figura en primer plano con detalles nítidos y fuerte contraste de valor, tal vez una figura oscura sobre un fondo brillante, y esto inmediatamente llamará la atención del espectador hacia esa figura por el contraste, convirtiéndola en el punto focal de la pintura Y a partir de ahí, el ojo del espectador puede explorar los detalles circundantes, pero ese punto inicial de alto contraste actúa como un ancla visual. Y el contraste también puede ayudar a crear ritmo en una pintura, llevando a la vista del espectador en un viaje. Entonces después de esa inicial, ese anclaje visual, se puede explorar alrededor de la pintura en un paisaje, podríamos alternar entre áreas de valores claros y oscuros con el fin de llevar el ojo desde el primer plano hasta el término medio, y luego los horizontes distantes El contraste ayuda a crear una sensación de movimiento y flujo, además de hacer que la pintura se sienta más dinámica y atractiva. Y luego podemos incorporar la idea de equilibrio de contraste. Entonces, si bien el contraste es una herramienta poderosa, también es importante usarlo cuidadosamente, porque demasiado contraste puede hacer que una pintura sienta caótica o abrumadora, mientras que muy poco puede hacerla sentir plana La clave es encontrar un equilibrio que se adapte al estado de ánimo y al mensaje de la pieza. ¿Qué quieres transmitir? Este es el tipo de preguntas que tienes que hacerte antes de comenzar una pintura, realmente. Por supuesto, está en tu mente mientras estás pintando, pero cuando miras un tema, tienes que preguntarte, ¿qué es lo que estoy tratando de transmitir? Mantén ese mensaje e idea firmes en tu mente. Y entonces podrás estructurar estas ideas de composición alrededor de esa idea. En acuarela, tenemos la ventaja de trabajar con transparencia, que naturalmente se presta a sutiles contrastes Realmente no necesitamos depender de oposiciones duras o duras para crear impacto Sin embargo, como puedes ver en esta pintura, eso es exactamente lo que estamos haciendo. Estamos usando contraste intenso porque eso es lo que esta pintura, esto es lo que quería transmitir en esta pintura. Es una escena lluviosa al atardecer en una ciudad, y tal vez la gente se apresura a llegar a casa, por lo que ese contraste se suma a la sensación de la energía Ahora bien, si fuera una escena campestre sin autos en absoluto y sin muchas figuras, tal vez quería transmitir que ahí hay tranquilidad, así que tal vez no usaría oposiciones tan duras para crear impacto A veces el contraste más suave entre un lavado suave y uno ligeramente más oscuro es suficiente para crear profundidad e interés dependiendo de ese mensaje que se quiera transmitir Hay todo un espectro de estos contrastes y elementos que se integran con ese mensaje que quieres transmitir Así es como la emoción y el sentimiento pueden incorporarse a tus pinturas. 17. Ejemplos de contraste: Ya ves que estoy empezando a usar mi navaja de paleta para raspar la pintura, y tienes que hacer esto a cierto nivel de humedad No puede estar absolutamente empapado. El pigmento tiene que ser maleable. Owise, verás que corre hacia atrás. puede ver, de hecho, como lo intento a mi izquierda, se puede ver que los colores brillantes debajo, pero debido a que está tan húmedo todavía, se tapan inmediatamente después. Así que tengo que tener cuidado de no exagerar o tal vez esperar un poco más tarde y volver porque está un poco mojado Puedo mover grandes secciones así, pero no puedo hacer líneas finas como lo hice en el otro lado todavía. Podemos ver cómo está llegando ese color que manchó el papel de abajo. Y entretenido exceso de pintura que dejó en esta superficie de esta navaja paleta para implicar detalles sobre el edificio No es necesario hacerlo así, pero estoy pensando, ¿por qué no? ¿Tengo la pintura en mi paleta? No necesita ser súper detallado. Es solo una sugerencia de detalle en lugar de un detalle muy planificado y pensado. Si aún no te has dado cuenta, puedes ver que he agregado líneas a la izquierda del anuncio, el lado izquierdo de la carretera para ayudar a dirigir la atención del espectador hacia el centro. Y a estas alturas ya puedes empezar a ver alrededor si vas por las agujas del reloj, la composición, todas las diversas líneas que he insinuado para sugerir una especie de o visual a la del medio, donde está el punto de fuga Entonces déjame darte algunos ejemplos de contraste en acuarela. Por ejemplo, un paisaje urbano, si quieres intentar el tuyo, podría usarse contraste entre formas duras y angulares de los edificios y el cielo suave que fluye o los reflejos del agua debajo. Las rígidas líneas geométricas de la arquitectura se contrastan con los fluidos lavados impredecibles, y crea una tensión dinámica que hace que la pintura se sienta viva En un retrato, el contraste se puede utilizar para resaltar el rostro colocando tonos de piel claros sobre un fondo oscuro. El contraste entre la luz y oscuridad llama la atención sobre las características del sujeto, dando a la pintura una sensación de enfoque y profundidad. Y entonces incluso puedes relacionarlo con piezas abstractas. Podríamos jugar con contrastes en la textura usando lavados suaves y uniformes y algunas áreas de puntales de texto áspero Hay mucho de eso pasando aquí con los edificios en este momento. Es completamente abstracto. Así que realmente no tienes que preocuparte por agregar demasiados detalles porque son solo una mezcla completa de texturas suaves y texturas altas Solo necesitamos algunas cosas para anclarlo. Y estas cosas que estoy mencionando es lo que sí lo ancla. Entonces, si bien parece una pintura intimidante, al tratar de recordar estas cosas, se puede averiguar cómo controlar el caos El contraste mantiene los ojos del espectador moviéndose a través de la pintura, creando una sensación de energía y emoción, incluso sin un tema claro o narrativa a veces. Por lo que es importante la relación entre los elementos, ya sea a través de la textura o el color claro u oscuro ya sea a través de la textura o el color claro u oscuro. 18. Énfasis: Entonces puedes empezar a entender ahora lo que estos principios están tratando de hacer, y su propósito principal es realmente guiar los ojos del espectador, los ojos del público. ¿Y hacia dónde queremos guiar estos lados de la audiencia? El punto focal. Toda pintura necesita un punto focal, así como es una pintura perdida. Y cuáles son algunas de las formas en que podemos dejar claro al punto focal. Ese es el siguiente principio llamado énfasis, es uno de los principios más importantes de la composición porque realmente nos da control sobre a dónde va la atención del espectador? No queremos que cada parte de la imagen exija igual atención. De lo contrario, se vuelve abrumador y difícil de navegar. En cambio, podemos usar énfasis para dirigir el ojo del espectador hacia áreas específicas. A veces podemos tener múltiples puntos focales si ayudan a contar una historia de la pieza, pero generalmente es solo uno. Yo sólo tiene que ser una pequeña idea simple, como el punto de desterrar aquí Al final del día, el énfasis se trata crear una jerarquía en tu pintura, un camino visual claro para que alguien siga. Es como guiar a alguien a través de la experiencia de mirar tu trabajo. Por lo general, el punto focal es el área de mayor contraste, mayor contraste o interés o importancia en la composición. Es donde queremos que el espectador se detenga y se centre antes de explorar el resto de la pintura. acuarela con su fluidez inherente y capacidad contraste audaz nos brinda tantas oportunidades para jugar con énfasis, ya sea que estemos usando color, valor, textura o contraste Podemos crear áreas que destaquen y atraigan la atención. Pero el punto focal no siempre tiene que estar en el centro de una composición. De hecho, a veces colocarlo ligeramente descentrado como lo hemos hecho aquí hace que la pintura se sienta un poco más dinámica. Así que hay muchas maneras en las que podemos llevar la mirada hacia el punto focal. Ya hablamos de contraste. Que es una de las principales formas sencillas de hacerlo. Hemos hablado sobre el color y el contraste del color o la vitalidad del color que crea el énfasis Quizás en un paisaje, toda la escena está pintada en suaves tonos rv, pero hay una figura vistiendo una chaqueta amarilla brillante caminando por un campo, y eso definitivamente llevará la atención al punto focal. Entonces tenemos nitidez y detalle. Yo sí dije que hay detalles limitados en esto. Hay mucha abstracción pasando, pero una de las formas en que podemos crear énfasis es usando el detalle y nitidez solo en un área de la pintura y dejando las otras partes abstractas o Entonces, cuando pintamos una escena, no necesitamos renderizar todo igual detalle detalle. De hecho, parte de la magia de la acuarela es lo bellamente que nos permite sugerir detalles sin deletrearlo todo. Si deseas hacer tus propias escenas de ciudad o paisajes urbanos, puedes elegir enfocarte en un edificio y renderizarlo con líneas nítidas y ventanas distintas mientras dejas que el resto de la ciudad se difumine en suaves lavados Poco a poco, a medida que vas más lejos de ese punto vocal, y el contraste entre las formas suaves y agudas hace que esa construcción del punto vocal capte la atención. 19. Posicionamiento y tamaño: Y luego tenemos posicionamiento, donde colocamos el punto vocal, también afecta énfasis. Como dije antes, aunque es tentador poner el punto vocal justo en el centro, eso a veces puede hacer que la pintura se sienta estática Por lo general, si lo colocamos ligeramente descentrada o incluso mejor a lo largo de uno de los tercios del lienzo, la regla de los tercios, crea una composición más atractiva. Imagina una escena playera donde el punto focal principal es un velero En lugar de colocarlo punto muerto, podrías colocarlo el tercio superior derecho del lienzo, y el resto de la composición fluye hacia él. Esta colocación fuera del centro todavía llama la atención, pero se siente más orgánica y menos predecible. Por último, para énfasis es el tamaño. Los elementos más grandes en la pintura tienden a exigir naturalmente más atención que los más pequeños. Al variar los lados de los objetos en la composición, a veces podemos enfatizar un área sobre otra. Un árbol grande en primer plano de un paisaje se convertirá naturalmente en el punto focal mientras que los objetos más pequeños menos detallados en el fondo sirven para soportar el elemento principal Dicho esto, el tamaño no tiene por qué ser el único factor. Por supuesto, estos edificios son muy grandes en comparación con el punto focal, que es el centro, a veces un objeto pequeño, pero muy detallado o de colores brillantes puede destacar incluso más que las formas apagadas más grandes Se trata de cómo equilibramos estos elementos. Y aunque muchas composiciones tienen un solo punto focal, algunas pinturas se benefician de tener un punto focal secundario o múltiples puntos focales secundarios para crear un camino visual más complejo. Los puntos vocales secundarios pueden ser áreas de menor énfasis que aún llaman la atención, pero no compiten con el punto focal principal. Un poco como los autos. Los autos sí tienen algo de atención, pero como todos están en perspectiva, están llevando el ojo más cerca del medio. Nuevamente, como todas estas cosas, su principal objetivo es ayudar a guiar el ojo del espectador a través la pintura y crear movimiento y flujo. En una pintura de paisaje, tal vez el punto focal principal podría ser una montaña en la distancia. Pero también podrías tener puntos focales secundarios como árboles o un ther en primer plano, y estos se posicionarán de una manera que conduzca la mirada del espectador hacia la montaña Estos elementos secundarios son actores de apoyo, por así decirlo, al actor principal principal. Soportan la composición y añaden profundidad sin contrastar desde el punto focal primario. Y algo que debo enfatizar mientras hablamos de énfasis es que es importante recordar que no todas las partes de la pintura deben competir por la atención. Cuando hay demasiadas áreas enfatizadas, el espectador se siente abrumado y no sabe cómo ni dónde buscar primero Por eso es crucial crear un equilibrio entre las áreas de énfasis y las secciones más silenciosas y más tenues de la pintura En acuarela, este equilibrio a menudo se logra a través de lavados. Una gran área de lavado de tono suave y neutro puede servir como un fondo silencioso que hace que el punto focal destaque aún más. Por ejemplo, una flor roja brillante estallará si está rodeada de un campo verde suave. Por lo que al mantener los elementos circundantes simples y subestimados, nos aseguramos de que el punto vocal siga siendo la estrella de la composición Ya puedes ver cómo he salpicado el lienzo con agua, esperado un poco y usando el pañuelo para frotar 20. Eliminación del líquido enmascarante: Y mientras me estoy frotando ahora, en realidad estoy usando el pañuelo para quitar el resto del líquido de enmascaramiento que hay ahí, revelando el blanco del papel de abajo. Y hay que asegurarse de que los pigmentos estén completamente secos. No quieres estar manchando algunas áreas que aún no se han secado. Ahora todo el líquido de enmascaramiento de la cinta de enmascarar está apagado. Se puede ver el contraste y lo poderoso que es ese blanco del papel. Estamos llegando hacia el final de la pintura ahora. Sólo lo estamos atando todo juntos. Estoy usando pigmento blanco puro en algunas áreas nuevamente para ayudar a guiar el ojo hacia el centro del punto focal allí. Y usando algunas salpicaduras. Ahora, muchos de estos blancos son demasiado blancos. Pero eso está bien. Vamos a usar la transparencia de la acuarela. Entonces los necesitábamos blancos en primer lugar, pero vamos a repasar muchos de ellos con unos amarillos y naranjas vibrantes solo para bajar ligeramente la blancura Y también comenzando a detallar muchos de los autos, agregando pequeños reflejos, algunos puntos en pequeños lugares. No hay muchos detalles en absoluto, unos trazos y puntos bien posicionados dan la ilusión de detalle. Y se puede ver debajo de los autos los gorros, todo está a la sombra Todo está en la oscuridad, así que no necesitábamos pintar realmente las ruedas o incluso hacer evidente dónde termina el auto y comienza el piso o el suelo. Se puede ver entrando a estos blancos. Este reflejo en el medio es blanco del papel, lo cual es muy importante porque esa es la zona de contraste muy alto. Es el área más grande de blanco en el papel, y es una vertical que conduce directamente al punto focal. Es interesante que el punto focal en esta escena realidad no tenga un tema real, es solo el centro al que lleva toda la perspectiva. Y ya puedes empezar a ver cómo pronto hay una ilusión de detalle ahora. Ahora que hemos agregado estos blancos del papel, o mejor dicho, nos hemos quitado el líquido de enmascaramiento para revelar los blancos del papel, y estamos empezando a hacer algunos detalles. Simplemente ancla, la pintura, y da la ilusión de detalle donde solo nos quedan 3 minutos de la pintura, y el 90% de ella era bonita m abstracta 21. Terminación de la pintura: Así que hoy hemos hablado de muchos conceptos, y podría ser difícil pensar en cómo puedes incorporarlos a tus pinturas. Ahora bien, algunas de las formas en las que puedes hacer esto es simplemente observar tus propias pinturas o tus pinturas favoritas y considerar cómo estos elementos y principios se relacionan con ellas. Tal vez puedas hacerte preguntas como, ¿hay un punto vocal claro o puedo crear uno? Porque sin un punto vocal, puede sentirse desarticulado o Entonces tienes que preguntarte cada vez si hay un elemento fuerte que destaque o si incluso puedes manipular la escena para crear algún tipo de enfoque. Entonces puedes preguntar, ¿hay un flujo o camino natural para que el ojo siga? Puedes buscar elementos como caminos, sombras, ríos o líneas en la arquitectura que naturalmente puedan guiar la vista a través de la escena. Si la escena se siente demasiado caótica, sin un flujo claro, podría ser un desafío organizarla en una composición fuerte Y entonces vas a pensar, ¿la escena ofrece contraste, tu tema que estás eligiendo, puedes ver contraste en color, valor, luz y oscuridad o textura? Si todo es igual, en color, tono, probablemente acabará siendo un cuadro plano o poco interesante Gran parte del tiempo tenemos que simplificar la escena para lograr estas cosas sin perder su esencia. Escenas ocupadas como esta tienen que simplificarse con la abstracción, ya que con demasiados elementos competidores, puede ser difícil de pintar y difícil para el espectador conectarse con ellas tienen que simplificarse con la abstracción, ya que con demasiados elementos competidores, puede ser difícil de pintar y difícil para . Así que tenemos que tratar de visualizar cómo podríamos simplificar partes de la escena. Y lo más probable es que eso signifique eliminar detalles en lugar de agregar detalles, como estamos diciendo al principio, dejando más a la imaginación de la audiencia, lugar de poner en realidad directamente todo ese detalle. Es así como creamos arte lleno de emoción y expresión. Las pinturas son más convincentes cuando expresan una emoción, y considera si la escena quieres pintar te hace sentir algo, ya sea tranquila, si hay tensión, o es o inspiradora. Si puedes ponerte en contacto con ese sentimiento, entonces puedes averiguar cómo transmitirlo con estos principios casi de manera fórmica 22. Reflexiones finales: Bueno, bienvenido de nuevo. ¿Cómo te fue? Si aún no has hecho la pintura, te sugiero que realmente la intentes porque aunque pueda parecer una pintura más compleja de lo habitual, realmente empujarte ahí fuera y ser intrépido es lo que hace que la acuarela sea tan emocionante Cuando empecé, estaba creando pinturas terribles, pero con solo seguir adelante y haciendo ejercicio Todas estas cosas únicas que puedes hacer, solo empujándote es realmente lo que lo lleva al siguiente nivel, y tienes que pasar por un estado rudo antes llegar a ese lugar donde estás satisfecho. Y realmente esa satisfacción es continua porque una vez que aprendes a hacer algo, quieres hacer otra cosa. Entonces, aunque algo parezca abrumador, sigue siendo una buena idea a la hora de acuarela empujarte porque el nivel mejorará mucho más rápido y tu intuición realmente mejorará en el proceso Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal. Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras de acuarela únicas Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora, y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Williston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skillshare Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes avisarme sobre cualquier tema Vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en el botón de seguimiento arriba para que pueda seguirme en Skillshare Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos Espero que esta clase te haya inspirado, y estés emocionado de esforzarte más con técnicas de acuarela más emocionantes hasta la próxima vez adiós por ahora.