Acuarela por diseño: guía del diseñador

1. Introducción: [ MÚSICA] Hola ahi. Mi nombre es Cynthia Oswald. Soy artista y diseñadora viviendo y trabajando desde mi estudio casero en Phoenixville, Pensilvania, a unos 30 minutos al noroeste de Filadelfia. Mi trabajo es una mezcla de cosas, en su mayoría una combinación de pasión y conjuntos de habilidades. Actualmente, paso mi tiempo creativo haciendo pinturas de acuarela botánica y paisajística y creando diseños de superficie para el hogar. También ayudo a los clientes a sacar a la luz sus propias esperanzas, metas e ideas creativas a través de branding, impresión y diseño web. Mi actual cuerpo de trabajo implica tirar de la inspiración de los paisajes que más me han inspirado. Me gusta crear composiciones botánicas y luego separarlas en Photoshop, esto me permite combinar naturalmente mi amor por el diseño y las bellas artes a través de la creación de diseños de superficie. Llevo pintando con acuarela más de 20 años y he participado en espectáculos de arte jureed nivel local y nacional desde 2005. En mayo de 2020 recibí mi MFA y desde entonces he impartido cursos en la Universidad Kutztown de Pennsylvania. Hoy quiero compartir con ustedes mi proceso de acuarela. En el último par de años, he descubierto un proceso que me permite utilizar algunos principios básicos de diseño en combinación con algunas referencias en mente para crear composiciones que se sientan orgánicas y completamente único para mí. Quiero compartir ese proceso con ustedes hoy. Para el proyecto de clase, vamos a crear una pintura botánica. Incluirá completar esto usando tu espectro favorito de colores para crear tu propia obra de arte. Para el primer paso, vamos a reunir nuestros suministros y algo de inspiración. Te compartiré mis materiales favoritos y cómo me gusta recabar inspiración de la naturaleza. A continuación revisaremos cómo se pueden usar los principios básicos de diseño en combinación con sus preferencias únicas combinación con sus preferencias únicaspara componer su pieza. Hablaremos de jerarquía, contraste, repetición, proximidad, equilibrio, color y espacio y cómo cada uno afectará la sensación de tu pieza. Entonces vamos a empezar a esbozar algunas miniaturas para comenzar a mapear un plan para tu proyecto. A continuación, revisaremos los fundamentos básicos de la pintura de acuarela. Te compartiré algunos de mis consejos y trucos favoritos. A continuación, pondremos pintura al papel y crearemos su propia obra de arte. Por último, vamos a terminar sacando una foto de la pieza y compartiéndola en la galería del proyecto. Esta clase es para creativos que buscan aprender una nueva habilidad, expresarse a través de la creación de bellas artes, o simplemente para entender mejor las técnicas de acuarela. Las habilidades y principios revisados en este curso son beneficiosos para componer diseños, dominar el medio acuarela y construir competencia como creativo. Los estudiantes pueden comenzar a crear obras de arte basadas en sus propias sensibilidades únicas al completar este curso. Todo lo que necesitas para empezar es papel de acuarela, un par de pinceles, acuarelas, una taza de agua, y una toalla de papel. [ MÚSICA] Empecemos a crear. [ MÚSICA] 2. Proyecto de clase: [ MÚSICA] Para el proyecto de clase, estamos creando una pintura de acuarela inspirada en la naturaleza. Elegí este proyecto ya que permite que la preferencia y el estilo únicos del artista cobren vida en el resultado final. Nos permite separarnos de copiar composiciones exactas y liberar nuestra mente para usar nuestra intuición mientras pintamos. Al integrar principios básicos de diseño con tus preferencias únicas desbloqueará tu capacidad de pintar usando la intuición. Ponte algo de música, eso solo ayuda a ponerte en ese estado de flujo. Entonces, cuando estés atascado en el medio desordenado, ten en cuenta que los principios básicos de diseño que estamos revisando te ayudarán a darte una visión para tu próximo movimiento. Cuando creé por primera vez una composición de acuarela usando esta idea y técnica, en realidad terminé recortando alrededor de la mitad de ella. No tengas miedo de explorar esto y realmente empujar los límites de lo que esto podría ser. Date cuenta de que tal vez tu primera no va a ser exactamente como quieras, pero te está ayudando a moverte a este estado de flujo meditativo. Encontré este proceso a través de la recopilación ideas e inspiración a lo largo de los años. Un día solo tuvo que salir y cuando lo hizo, se sintió tan liberador. Mi objetivo es que también consigas esa experiencia en la creación de este trabajo. Si las formaciones foliares no inspiran te sientas libre de usar cualquier cosa de la naturaleza que te ilumine. Elegí hojas porque me permite jugar con el valor de una manera muy monocromática. Podrías hacer eso con cualquier referencia. Reunamos nuestros suministros, referencias y bocetos. Después revisaremos algunas técnicas de pensamiento de diseño y acuarela. Empezaremos a poner pintura en papel. Cuando hayas terminado con este proyecto, tomarás una foto rápida usando tu teléfono o cámara y la compartirás en la galería del proyecto. [ MÚSICA] Si lo compartes en redes sociales o usas el hashtag acuarela por diseño para que podamos mostrarte un poco de amor. Empecemos reuniendo nuestros suministros e inspiración. 3. Reunir materiales e inspiración: Para el primer paso, vas a reunir algunos insumos e inspiración. Necesitarás papel de chatarra y lápiz. Estaremos creando unos bocetos en miniatura como calentamiento. Si te gusta el formato circular, querrás brújula o puedes usar un plato pequeño o un cuenco. Los cepillos que vamos a utilizar durante este curso son un cepillo de trapeador para lavados y cepillos redondos para detalles. Puedes usar una variación de estos dos o añadir algunos otros pinceles para ayudarte a lograr el look y sentir que estabas buscando. También necesitarás un conjunto de acuarela y una paleta si estás usando tubos de acuarela. Utilizo acuarelas de grado profesional Winsor & Newton. Quiero que elijas una gama de colores para trabajar dentro para que el resultado final sea algo monocromático. El motivo de esto es solo para que te sientas cómodo con el medio, enfocarte en crear espacio a través de valores, y explorar la composición, teniendo algunas limitaciones. Entonces vas a necesitar papel de acuarela. Yo uso un papel de acuarela prensa caliente. También te recomiendo asegurarte tener una toalla de papel para manchar tu pincel, y también podrías usar una esponja. Muchos de ustedes usarán esponjas para sacar pintura del papel si la han puesto ahí, y no les gusta la forma en que se ve. También puedes usar una toalla de papel para esto. Eso es lo que me gusta usar, pero realmente sólo es una preferencia personal, así que tal vez tener ambos alrededor es buena idea. Esta clase nació a partir de años de observación. Mi conjetura es que YouTube ha estado observando el mundo natural y reuniendo imágenes que te inspira. Siempre me ha fascinado el espacio negativo y los patrones que se encuentran en la naturaleza. A lo largo de los años, estas observaciones han dejado una huella duradera. Pensé que podría ser difícil explicar su punto de vista, pero resulta que llevo años capturando fotografías y videos de estas inspiraciones. Dicho esto, el primer ejercicio que recomendaría es esbozar hojas y plantar vida desde tu mente. Mira lo que te viene naturalmente primero. Así se crean ahora la mayoría de mis piezas. Si se siente antinatural, entonces puedes agarrar algunas flores o vegetación en una tienda local. Refiere libros de botánica para entender la anatomía de las plantas o mirar través de sus propios archivos fotográficos a través de sus propios archivos fotográficospara ver qué tipo de vegetación puede encontrar. Tal vez puedas hacer referencia tus florales de boda o florales de boda de un amigo, o tal vez tengas imágenes de tu propio jardín. Por último, siempre puedes explorar compra de plantas secas para inspirarte. A continuación, vamos a revisar los principios de diseño y cómo puedes aplicarlos para crear una composición. 4. Principios del diseño: A continuación revisaremos cómo se los principios básicos de diseño en combinación con pueden usarlos principios básicos de diseño en combinación con sus preferencias únicas para componer su pieza. Como artista y diseñador, es importante para mí entender la diferencia entre los dos. El diseño sirve a un propósito muy específico y por lo tanto, los principios se pueden utilizar para lograr un objetivo particular. El arte es un medio de autoexpresión y no necesariamente necesita tener una meta apegada a ella. Al trabajar con clientes, me gustaría decir más de ellos y menos de mí, no quiero verme en el resultado final. Cuando estoy creando bellas artes, se trata más de un proceso intuitivo de autoexpresión. Como diseñadora, no puedo evitar ver cómo estas prácticas han influido en mi toma de decisiones a la hora de hacer arte. Eso es lo que quiero compartir contigo. Jerarquía. ¿ Cuál es el aspecto más importante de tu pieza? A lo mejor no es algo que realmente sepas de inmediato, pero cuando estás trabajando, es algo que podría revelarse. Escala intencional, o detalle de densidad, y prominencia general juegan un papel en determinación de dónde estará el punto focal. Es una herramienta práctica a tener en cuenta al bosquejar tu pieza. Contraste. Agregar un espectro de valores pone énfasis o un desénfasis en áreas específicas. El contraste es una excelente herramienta de composición. Se puede utilizar en combinación con otras técnicas para crear un camino para el espectador se mueva a través de la pieza. Al utilizar una paleta más monocromática, estamos utilizando contrastes en luces y oscuras, pero también se aplica a otros elementos contrastantes como la nitidez o técnicas pictóricas, detalles, u obstrucción. Repetición. Elementos repetidos, preferencias de estilo, colores, etc. pueden proporcionar uniformidad, o en este caso, puede revelar su estilo. Reconocer y repetir patrones en tu trabajo es una gran manera de mejorar tu estilo de firma así como de apoyarte en lo que está funcionando para ti. Proximidad. En el diseño, proximidad se utiliza para crear organización y cohesión dentro de un espacio. Cuando se trata de bellas artes y uso de su intuición, la proximidad se puede usar para crear fricción, sala de respiración, consistencia, o alguna combinación de los tres. El equilibrio es también una herramienta que se puede utilizar para crear una sensación de fricción o facilidad. Cuando algo no se siente del todo bien, crea incomodidad que puede ser intencional o se podría optar crear equilibrado para consolar al espectador. El color puede evocar ciertas emociones y expresar valores. Los colores cálidos crean una sensación diferente de los colores fríos. Los colores de cortesía pueden crear equilibrio o contraste cuando se colocan uno al lado del otro, o cancelarse unos a otros cuando se combinan. El color puede agregar profundidad y falta de color, lo hace sentir plano. Ambas pueden ser opciones intencionales. El espacio, como el equilibrio y la proximidad, son importantes a tener en cuenta para fines compositivos. Al crear espacio, le estás dando al ojo un momento para respirar. Por falta de espacio, se crea mucha fricción. Si has creado composiciones en el pasado, echa un vistazo a tu propio trabajo y define cómo estas juegan un papel en el aspecto y la sensación general. ¿ De qué maneras podrías jugar con estas ideas para crear un sentimiento específico en tu trabajo? Vamos a tomar medidas. Considera cómo puedes aplicar estos principios para crear o evocar un sentimiento en tu trabajo. Crea algunos bocetos en miniatura con estos principios en mente. Agarra un lápiz y un trozo de papel de desecho y explora cada una de estas ideas en combinación con las referencias que has reunido y ve qué tipo de composiciones puedes crear. Consigue una pequeña miniatura por la que estés bastante emocionado y ahí es cuando sabes, estás listo para sumergirte en crear una composición en acuarela. Siguiente paso vamos a revisar técnicas de acuarela. 5. Pintar pintura para papel: parte 1: En esta clase voy a revisar configurar tu papel, tu paladar. ¿ Por qué estamos utilizando cada uno de los pinceles y algunas técnicas básicas de acuarela? Mientras te camino a través de mi propio proceso de acuarela. Primero, despejemos nuestro espacio de trabajo. El papel de acuarela puede absorber fácilmente pigmentos, por lo que desea asegurarse de que está trabajando en una superficie limpia. Agarra tus materiales. Lo básico son pinceles, pintura, papel, agua, y una toalla de papel. Descarga mi lista completa de suministros utilizando el enlace en los recursos de clase. En esta demo estoy usando arcos, un papel de acuarela de prensa caliente de 140 libras. Prefiero usar un bloque de acuarela ya que me permite pintar desde el sofá [Risas] o al aire libre manteniendo el papel tenso. Me gusta la prensa caliente porque escanea bien, y como uso mucho de mi arte original para el diseño de superficies, se traduce bien en la computadora. prensa fría también tiene muchos beneficios divertidos. Una de las cosas interesantes de la prensa fría es cómo reúne pigmento dentro de la textura en el papel. Te animo a explorar ambos para que tengas sentido con lo que te gusta trabajar y lo que te sienta natural. Puedes elegir una composición circular o cualquier forma que quieras. Pero para esta demo, voy a usar un círculo. Para crear un círculo perfecto, me gusta usar una brújula. Al usar una brújula, decida el tamaño del círculo y luego mida la mitad del diámetro. Ese es el tamaño en el que se debe fijar tu brújula. Asegúrate de medir un punto central y luego crea tu círculo. Puedes usar tu boceto para hacer referencia a una composición si lo eliges o puedes bucear directamente en. También entiendo el deseo de esbozar tu composición directamente en el papel. Adelante. Aquí no hay reglas. Esto se trata de hacer lo que se siente bien para ti. Puedes usar una goma de borrar amasada para quitar algunas de las marcas de lápiz después de que ya hayas pintado en él. Para el propósito de esta clase, también podrías usar un plato o un tazón para delinear el parámetro. Cuando hago un boceto sobre papel de acuarela, lo hago a la ligera y solo delineo los campos de diferentes valores. Entonces tengo un sentido de las formas generales, pero me reservo los detalles para la pintura misma. Si te gustan tus marcas de lápiz, considera colocarlas de manera muy intencionada e incluirlas como parte de tu trabajo final. A continuación, vamos a preparar su paladar. Para el propósito de esta clase, estamos usando una paleta limitada, pero dicho eso, todavía estamos usando todos los colores del arco iris. Yo uso tubos de Winsor y Newton acuarela de grado profesional. No limpio mi paleta entre cada uso ya que el pigmento sigue siendo bueno después de que se seque y va un largo camino. Si estás preparando una nueva paleta, recomiendo comprar un conjunto básico de acuarela Winsor y Newton, son 12 o más. Entonces agarra algunos colores extra en el espectro en el que prefieras trabajar. Estoy usando todos los colores del arco iris en esta pieza, centrándome principalmente en azules, verdes y amarillos. Elige un color principal y luego inclínate en ambos lados de ese color en la rueda de color. También estoy usando alguna combinación de rojo Windsor, siena quemada, umber crudo, y azul ultramarino francés para crear sombras. Para este ejercicio, vamos a empezar usando el pincel de trapeador para demostrar la técnica húmeda sobre húmeda. Lo primero que vamos a hacer es mojar nuestro pincel y sin pigmentos, empezar a agregarlo al papel. Quieres cubrir toda la superficie del papel. Si quieres mantener un área un verdadero blanco, no añadas agua a esa zona. También puedes usar un fluido de enmascaramiento para preservar cualquier área que desees permanecer intacta. No es algo que use o me encanta, pero recomendaría explorarlo. Definitivamente es una preferencia personal. La idea con la técnica húmeda sobre mojado o pincel mojado sobre papel mojado es crear lavados o grandes áreas de color que se mezclen perfectamente. Lo otro sorprendente de húmedo sobre mojado es cómo puedes usar diferentes pigmentos sumergiendo tu pincel en el pigmento y luego en el papel y observándolo naturalmente extendido. Una de las razones por las que mi pincel favorito es un pincel redondo es por la versatilidad que tienen. Puedes usar un pincel para obtener una gama de detalles en la pintura. Los cepillos redondos grandes tienen una punta diminuta, pero también tienen la capacidad de contener mucha agua. También puedes preparar un lavado usando un cepillo redondo. Si sólo ibas a invertir en un pincel, te diría que agarres un pincel redondo talla 14 o así. Cuanto más grande sea el pincel, más agua aguanta. Cuanto mayor sea el área de superficie que necesite pintar, más grande será el pincel que necesitará. Dependiendo del tamaño de tus lavados que determina qué tan grande necesitarás un cepillo. Imagina que estás pintando un cielo en una hoja grande de papel de acuarela. Es posible que necesite un cepillo mucho más grande. Mirando hacia atrás a tu boceto, determina si hay áreas de la página que deben permanecer blancas, donde el color podría funcionar muy bien en un nivel rico y denso de color, y cómo puedes jugar crear atmósfera a través de variaciones en su lavado. Ten en cuenta cómo el contraste de color, equilibrio y el espacio podrían jugar en la forma en que creas tu base para esta pieza. Esencialmente, eso es lo que estamos creando. Hemos cubierto mucho terreno. Vamos a recapitular rápidamente lo que hemos cubierto en esta lección. Por ahora, deberías tener una comprensión de cómo preparar tu papel, qué colores usar, qué colores usar una comprensión sobre cómo los cepillos de fregona, y los pinceles redondos interactúan con el pigmento y el papel. También estarás listo para crear lavados usando la técnica húmeda sobre húmeda. A continuación, revisaremos húmedo sobre seco, seco sobre seco, y cómo podemos utilizar los principios de diseño que hemos revisado para influir en nuestra composición final. 6. Pintar pintura para papel: parte 2: En esta lección final te voy a mostrar cómo usas las técnicas nosotros- on-seco y seco sobre seco, y te guiaré a través de cómo tomé decisiones compositivas mientras terminamos nuestras piezas. Si no has dejado que tu lavado se seque absolutamente adelante y haz eso ahora. Dale al papel unos 20 minutos para que se seque entre crear el lavado y empezar con los detalles. También podrías usar un secador de pelo si prefieres simplemente seguir avanzando. La técnica húmeda sobre seco o pincel húmedo sobre papel seco es cómo se empieza a agregar en detalle y crear líneas limpias. Si el papel todavía está mojado sangrará creando una suavidad a los bordes. A lo mejor quieras crear un nivel de detalle más suave también, podrías colocarlo en el papel mientras aún se está secando. Si querías crear un nivel de detalle más suave entre las líneas crujientes y los lavados, no dejes que el papel se seque completamente y coloca unas líneas sobre para probarlo. Cuando estés listo para agregar líneas finas y detalles querrás que el papel esté seco o en su mayoría seco. Entender cómo se seca el papel y cómo reacciona el pigmento a cada nivel entre húmedo y seco te ayudará a crear los detalles y los efectos pictóricos que deseas ver. Personalmente pienso desde cero y típicamente empiezo con mis lavados y construyo en detalles desde ahí. Entraré y agregaré lavados adicionales durante todo el proceso sobre todo cuando quiero construir sobre el color y crear profundidad. Voy a empezar trabajando en mis detalles de nivel medio o los ítems que son como una prioridad de nivel medio. Hago esto porque no quiero que sean el punto focal per say, pero pueden ayudarme a diseñar la página general permitiéndome considerar la jerarquía, el espacio, la proximidad, y el equilibrio. También estoy haciendo constantemente con las manos en cada una de mis piezas. Yo creo un elemento y luego miré toda la composición en su totalidad para crear equilibrio yuxtaponando otro elemento que es casi igual en escala. En este caso el eigen que desplaza mi primer elemento botánico es opuesto en contraste. Esto ayuda a crear la ilusión de profundidad en mi pieza. Todo no está en el mismo avión por decir. Toma nota de cómo creo otro lavado sangrando lejos del elemento botánico. Esto me permite crear un borde suave en el exterior manteniendo un borde duro en el interior más cercano a la pieza botánica. Solo quieres tener en cuenta que cada vez que hagas un lavado como este, necesitarás dejar que se seque antes crear detalles nítidos en esa ubicación, así que trabaja alrededor de la página de ida y vuelta por decir permitiendo el tiempo de secado entre cada movimiento. Como pueden ver sigo usando el pincel redondo grande. Quería que tuvieras una sensación por el detalle que es posible mientras utilizas este pincel. Voy a cambiar a un pincel redondo más pequeño a continuación, deseo que mi trabajo se sienta orgánico y equilibrado. Quiero que se sientan meditativos pero tienen un elemento decorativo en el sentido de celebrar la belleza. Hay baile entre salvaje y ordenado. Pueden estar diciendo algo sobre quién soy en la vida real. Digamos, me gusta crear variación en los elementos a través de la escala, la forma, y los cambios sutiles de color a la vez que equilibran todo para que se sienta intencional, meditativo y decorativo. Mis decisiones se basan en este deseo. ¿ Qué deseas explorar a través de la tuya? Eso es algo que quieres tener en cuenta ya que estás tomando decisiones para esta composición, y mientras estás pensando en cómo se pueden utilizar los principios de diseño para tomar decisiones en tus piezas. Si quieres crear muchos detalles finos utilizando espacio negativo, considera usar un fluido de enmascaramiento. Puedes pintar con el fluido y luego bloquea el área que deseas conservar el papel, luego puedes pintar tu lavado directamente sobre él. Cuando se seque, puedes frotar la máscara y se conservará el papel. Después de que mi primer par de objetos se sientan equilibrados y están creando un espacio que me gusta, empiezo a sumar variaciones en escala. Termino haciendo al menos un objeto como el más grande o en este caso el elemento más largo. La mayoría de las veces cuando eso sucede no creo un igual en el lado opuesto, permitiendo que ese mayor tampoco tenga un mayor nivel de importancia para la jerarquía. También para asegurar no todo se calcula y hay algunas irregularidades dando esa sensación orgánica salvaje, tal vez haya otro elemento único más pequeño en el lado opuesto de la pieza que ayuda para equilibrar la composición general pero no parece calculada. A continuación, trabajaré en algunos elementos repitiendo a menor escala que estén equilibrados. Una vez que tengo algunos elementos botánicos repetidos yendo al mismo tiempo empiezo a sentir fricción como el medio desordenado. La proximidad de cada elemento comienza a interactuar con el siguiente, y cuando algo está en equilibrio se vuelve realmente obvio. Luego repito el proceso creando espacio y profundidad a través del espacio en blanco de relleno y trabajando en sombras. Quieres asegurarte de tener agua limpia y luego tienes una toalla de papel contigo en todo momento. Te darás cuenta de que a menudo me meto mi cepillo en la toalla de papel en el agua en la boleta y vuelvo de nuevo. La cantidad de agua que permites en el pincel mientras albercas pigmento de la paleta y cuando lo colocas en el papel, dicta cuán denso será el pigmento y cuánto control tendrás. Tener una toalla de papel a mano puede ayudarte a monitorear ese control liberando poco de agua antes de colocarla en el papel o simplemente para probar la densidad del pigmento. Siempre puedes agregar agua a la paleta para aflojar los colores antes de empezar. Me gusta frotar la pintura con el agua y luego sumergirme de ida y vuelta entre colores para obtener la combinación correcta de colores para cada elemento. Al aplicar capas de pintura para crear detalle estoy pensando en agregar menos agua con cada capa, consiguiendo más pigmento en la capa superior. En algunos casos, incluso puedes usar cepillo seco sobre seco o seco sobre papel seco para crear un rico detalle muy divertido. Incluso con pincel seco sobre papel seco, usarás un poco de agua para aflojar el pigmento. Me gusta pensar que seco sobre seco como opaco donde húmedo sobre seco es un poco transparente y húmedo sobre húmedo es extremadamente transparente. Quiero tomarme un minuto para hablar de color. Me vendría bien un color; literalmente un tubo para pintar para toda esta pieza. Solo estoy agregando agua para crear tonos de ese color, pero en su lugar estoy usando todos los colores. Agregar toques de azul a los verdes crea un verde fresco, agregando amarillos saca los calentamientos. La mezcla de estos colores se siente más fiel al mundo natural. Cuando estás mirando plantas en la naturaleza, hay tantas variaciones de verde. Estoy intentando capturar la esencia del mundo natural y me parece correcto usar cada color incluso cuando estoy trabajando matemáticamente. Si acabas de empezar con la acuarela, puedes intentar usar un 2-buteno. De esta manera se puede jugar verdaderamente con la táctica del medio. Encuentro seco sobre seco o como menos agua con pigmento rico como algo que me gusta trabajar hacia arriba. Voy a trabajar alrededor de la pieza constantemente construyendo la composición, entonces como siento que está empezando a caer plana agregaré en sombras y solidificar áreas de luz para asegurar que la pieza tenga profundidad. A menudo pintaré una formación de hojas, y luego después de que se seque volveré y agregaré más detalles. En ocasiones voy a esperar a que se seque dos veces o más y simplemente seguir agregando capas. Acabo de darme cuenta que no obtendrás más detalle cuando esté mojado. Cuanto más moje el pincel, menos control. Si no te gusta parte del detalle que creaste, una de las mejores formas de resolverlo es agregando agua a la zona y trabajando de nuevo en ella con un gouache. Si terminas agregando agua a un área por error simplemente frota con una toalla de papel limpia, y una vez que se seque vuelve a repasar el área te interrumpiste para volver a añadir el detalle. Como pueden ver, uso una toalla de papel con bastante frecuencia en mi proceso de pintura. Una de las últimas cosas que quiero compartir contigo es de cometer errores. Este proyecto realmente nos permite celebrar nuestros errores. Si algo se siente mal, considere lo que discutimos. ¿ La jerarquía o falta de ella lo hace sentir desequilibrado? ¿ El contraste está creando profundidad en la forma en que lo imaginas? ¿ Estás combinando demasiados estilos o te estás repitiendo referencias para que el trabajo se sienta como tú? ¿ Hay demasiada o muy poca fricción por la proximidad o la relación entre elementos? ¿ La pieza se siente equilibrada en general? ¿ Estás usando los colores o valores para tu beneficio? ¿ Cuál es el espacio o la falta mismo diciendo sobre tu pieza? Si algo se siente como un error, considere cómo se pueden aplicar estas ideas básicas de diseño para resolver el problema. En cuanto a errores reales con el propio medio acuarela; bueno, hay una manera de mover la pintura una vez que la coloques hacia abajo, solo necesitas asegurarte de que la pintura se mantenga húmeda. Simplemente diluya una marca con agua pura si no es lo que querías mientras todavía está mojada y luego tire de ella con una toalla de papel limpia o una esponja. No cometas el error de usar una porción de tu toalla de papel que tenga pigmento en ella, que puede volverse desastroso rápidamente. Asegúrate de romper en un lugar que tenga sentido después de haber completado un lavado, o después de haber terminado de pintar un objeto en su totalidad. Una vez que el pigmento se seque sí deja una impresión, pero no dejes que eso te asuste. El punto de este proyecto es ayudarte a aprovechar tu intuición cuando se trata de autoexpresión creativa. Todos tenemos preferencias únicas y crear espacio para que cobren vida es algo hermoso. Dicho esto, confía en tus instintos naturales y cuando todos esos no pasan por los principios de diseño para descubrir tu próximo movimiento. No puedo esperar a ver lo que creas. Vamos a recapitular rápidamente lo que hemos cubierto en esta lección. Discutimos cepillo mojado sobre papel seco o húmedo sobre seco. También discutimos el cepillo seco sobre seco o seco sobre papel seco. También repasamos algunas preguntas clave que hacer relacionadas con los principios de diseño que te ayudarán cuando te sientas un poco atascado. Hablamos del baile de trabajar alrededor de la pieza en términos de variaciones de tamaño así como de agregar lavados y detalles a medida que continúas construyendo una pieza. A continuación vamos a echar un vistazo a la obra terminada, recapitular lo que hemos aprendido y el proceso general, luego le haremos broches [MÚSICA] una foto de la pieza y la compartiremos en la galería del proyecto. 7. Conclusión: [ MÚSICA] Dado que hay tanto baile ida y vuelta con esta pieza, muchas veces puede orientarse de diversas maneras. Mira de qué manera prefieres ahora que tu pieza está completa. Envolvamos bromeando una foto y compartiéndola en la galería del proyecto. Intenta posicionar tu obra de arte cerca una ventana usando luz natural y capturarla con tu teléfono. Una vez que tengas una imagen, estás contento con, publícala en la galería del proyecto. Si lo compartes en redes sociales, usa el hashtag acuarela por diseño, para que podamos seguir contigo. Hoy, miramos a reunir inspiración de la naturaleza. Aplicar principios de diseño para crear composiciones, crear bocetos rápidos en miniatura, preparar papel, o paletas, crear lavados, utilizando la técnica húmeda sobre húmeda. Equilibrando nuestras composiciones creando un ritmo, agregando detalles y capas mediante el uso de técnica húmeda sobre seca, utilizando tanto el pincel de fregona como el pincel redondo, así como otros innumerables consejos y trucos. Gracias por acompañarme hoy, ha sido tan divertido compartir este proceso contigo. Mi esperanza es que abra una nueva manera para que usted practique la autoexpresión y cree una conciencia de sus instintos naturales. También espero que te sientas facultado para moverte por el medio desordenado ahora que tienes una colección de principios de diseño que puedes aplicar cuando no estés seguro cuál es tu próximo movimiento. Sobre todo, espero que te hayas divertido y aprendido y nuevas técnicas en el proceso.