Acuarela para principiantes: técnicas para pintar paisajes de pincelada suelta

1. ¿De qué se trata esta clase?: Si te preguntara, ¿ qué es lo que más te cuesta en la acuarela, cuál sería? Bueno, una de las respuestas más comunes que obtengo de mis alumnos es tratar de pintar de manera más holgada y más relajada. Recuerdo cuando apenas estaba comenzando con la acuarela, también sentí dejar de pintar fuerza renderizadas y sobretrabajar las pinturas. Quería que mis pinturas se vieran sin esfuerzo, frescas y pictóricas como lo hacen artistas famosos como Alvaro Castagnet y Joseph Zi, pero en serio, siempre termino frustrada al ver mis pinturas apretadas, rígidas y demasiado detalladas. Pero sabes qué, si bien algunas personas pueden tener naturalmente un estilo más flojo que otras, después de años de estudiar, practicar y observar grandes maestros en acuarela, me di cuenta de que el estilo de pintura suelta es una habilidad que en realidad se puede aprender y desarrollar. Hola, soy Bianca Rayala, soy acuarela, educadora y la mejor maestra de Skillshare. Trabajo con marcas como Etchr Studio, Silver Brush Limited, Schmincke, Arkon Mounts y All About Art International. Realmente creo que la pintura es para todos. A lo largo de los años, he enseñado miles de estudiantes en todo el mundo. Mi propósito es inspirar a la gente a descubrir y perseguir su moda creativa. En esta clase, te ayudaré a dar vida a la belleza de la naturaleza con expresividad, libertad en el estilo, aprenderás estrategias poderosas y efectivas para relajar tu estilo de pintura y crear cautivadoras obras maestras utilizando acuarela en amplia variedad de técnicas. Para tu proyecto final, pintarás siete paisajes inspirados en la naturaleza con las nuevas noticias y el estilo pictórico. Los proyectos de cada clase se pueden pintar en solo 15 minutos en un enfoque muy simple y del tamaño de un bocado. Para lograrlo, explicaré qué significa pintar suelto y qué se necesita para lograrlo. Compartiré estrategias y prácticas efectivas que hago, como la manera correcta de ver tu tema, cómo sostener tu pincel, cuánta pintura cargar tu pincel, cómo hacer un trazo con confianza y aún más. Te enseñaré a mejorar tu pincelada única para pintar trazos con energía, dinámica y expresividad sin sobretrabajar tu pintura. Luego veremos cómo los colores afectan el estado de ánimo general de tu pintura y cómo contribuye a mantener tu trabajo fresco y suelto. Aprenderás a mezclar paletas de colores vintage apagadas usando pocas selecciones de colores. Por último, te enseñaré paso a paso cómo pintar siete paisajes desde el primer lavado hasta los toques finales como agregar salpicaduras y rasguños para obtener efectos interesantes. Estos ejercicios te ayudarán a poner en práctica todas las estrategias y conceptos que has aprendido y te proporcionarán diferentes formas de aplicarlos. Al final de la clase, estarás equipado con todos los consejos y técnicas necesarias para lograr una acuarela pictórica suelta, serás más seguro y expresivo en tu pincelada, y por supuesto, tendrás tu propia colección de siete pinturas de paisajes vintage inspiradas en la naturaleza. Para ayudarte aún más en clase, estaré compartiendo recursos gratuitos como una receta de color personalizada para crear paletas de colores apagadas o vintage que hice específicamente para esta clase. También incluí un tutorial sobre cómo deckle edge tu papel para lograr una obra maestra de look vintage. Además, he recopilado algunas fotos de referencia que puedes usar como referencia o inspiración para tus futuros cuadros. compartiré una lista completa de mis suministros recomendados, tiendas en línea y enlaces de descuento. Todo esto lo puedes encontrar y descargar gratis en la sección de proyectos y recursos de la clase. Si estás interesado en unirte a mis sorteos y quieres saber cuándo se lance mi próxima clase, serás el primero en saberlo, si me sigues en Skillshare. Simplemente haz clic en ese botón Seguir en la parte superior, y también puedes seguirme en Instagram @biancarayara para ver más actualizaciones y ver más tutoriales de clips cortos. Si eres un principiante en acuarela, que está ansioso por aprender a pintar suelto y deshacerte de las pinturas y la experiencia del exceso de trabajo. La acuarela es quien quiere mejorar tu pincelada y llevar tus pinturas al siguiente nivel, o alguien que simplemente quiera tomar un descanso creativo y escapar de las rutinas diarias de la vida, esta clase es perfecta para ti. Seguro que estás tan emocionada como yo. Así que comencemos a crear paisajes sueltos de acuarela. 2. PROYECTO DE CLASE: Esta clase está diseñada para ayudarte a tener éxito en tu deseo de aflojar tu estilo de pintura. Para lograrlo, la primera parte de la clase será todo sobre conceptos y consejos prácticos para aflojar efectivamente tu estilo de pintura. También profundizaremos en mejorar tu pincelada, que es un elemento importante para mantener tus trazos frescos, y no sobrecargados de trabajo. También te enseñaré cómo simplificar la mezcla de colores y cómo aprovechar al máximo una paleta de colores limitada. La segunda parte de la clase es la aplicación de todos los conceptos que vamos a cubrir. Creo que la práctica es la clave del éxito así que he preparado no sólo uno, sino siete ejercicios de pintura de paisajes para que practiques y aprendas de ellos. Si hay alguna ayuda que necesitas o preguntas sobre el proceso que te vino a la mente, sabes que siempre estoy muy feliz de compartir mis conocimientos, y ayudarte a tener éxito también. Puedes escribirme en la sección de discusión debajo de este video, y me encantaría ver qué has pintado y cómo esta clase te ayudó a hacer tiempo para ti mismo. Bajo esta clase, verás la galería de proyectos del estudiante, está debajo de la pestaña de proyectos y recursos. Aquí es donde puedes compartir tu proyecto de clase. Simplemente toma una foto de tu trabajo y súbela ahí. Aquí Aquí cómo compartir tu trabajo, verás un botón verde a la derecha que dice Crear proyecto. Toca ese botón, luego tendrás la opción de subir una foto de portada, agregar un título y escribir una pequeña descripción. Se pueden incluir tanto textos como imágenes en la caja provista. También me encantaría ver tu progreso, así que no dudes en compartir algunas fotos como tus ejercicios de calentamiento, estudios de paletas de colores, obras finales y tu área de trabajo también. Una vez que tu proyecto esté subido, debería aparecer en la galería de proyectos del estudiante, y puedo dejar un comentario sobre tu trabajo. También puedes ver proyectos de otros estudiantes ahí, y definitivamente te animo a que te gustes y comentes sobre el trabajo de otros estudiantes también. De esta manera construimos una comunidad sana de artistas animan y empoderan mutuamente. Además ellos llegan a descubrirte a ti también. Te veré en el siguiente video, y echemos un vistazo a los materiales necesarios para la clase. 3. Comprensión de tus materiales: En esta lección, te mostraré los materiales que usaremos en este curso y te explicaré cómo funciona cada uno. Puedes descargar la lista PDF de materiales en la sección de recursos de la clase, donde enumeré abajo los nombres de color de las pinturas en mi paleta, tipos de pinceles, y también alguna lista de fuentes de arte que puedes considerar. Los materiales que usaremos aquí son bastante similares a los que usamos en mis clases anteriores. Seguiré usando papel de acuarela de prensa en frío de grado artístico de Baohong . Está hecho de algodón 100 por ciento en 300 GSM. Este papel se vende ya sea en hojas grandes o en bloques, que consisten en varias hojas de papel encuadernadas en las cuatro caras. El tamaño de papel que uso es de seis por nueve pulgadas. En el siguiente video, voy a compartir cómo calcar el borde para obtener el bucle vintage. Personalmente, prefiero comprar hojas grandes en lugar de bloques de acuarela, así puedo cortar las hojas en tamaños más pequeños dependiendo del formato de papel que voy a usar. Sé que hay otras marcas de papel en el mercado, pero según mi propia experiencia, realmente hace una gran diferencia cuando pintas paisajes usando papel de acuarela Baohong 100% algodón de grado artístico. La forma en que absorbe el agua y retiene la vitalidad de la pintura es realmente agradable. También es fácil levantar el color y tomar diferentes técnicas también. Para los pinceles, solo usaré estos dos pinceles. Ambos son de pincel plateado. Se trata de Silver Atelier sintético y cepillo de pelo de ardilla, Talla 40, mientras que este morado es seda plateada 88 cepillo ultra redondo Tamaño 6. Echemos un vistazo a este cepillo para plumas. Está hecho de pelo mixto de ardilla y fibra sintética. Este cepillo tiene mucha sed y es una barriga llena para absorber una cantidad máxima de líquido, limitando el tiempo de recarga. Las fibras también son bastante flexibles y un secreto clave para pintar rápido es usar un pincel más grande. De esta manera se cubren grandes áreas en pocos trazos, haciendo así que pintes más rápido. Dado que este cepillo también lleva una buena cantidad de agua en él, puedes hacer múltiples trazos sin tener que recargar tu cepillo. Además, cuando haces un trazo, la capa no se seca inmediatamente. En efecto, puedes pintar principalmente todo en una capa sin tener bordes duros entre transiciones. Yo uso este pincel para pintar principalmente los lavados completos. Dado que es un pincel sediento, es importante controlar el contenido de agua en su mezcla de colores para lograr la consistencia adecuada y los tonos adecuados. Por ejemplo, si quieres crear una mezcla de color cremosa, es posible que necesites un pañuelo o una toalla para eliminar el exceso de agua del cabello simplemente frotando la base del cabello sobre la toalla. Para pintar detalles y texturas, utilizo este pincel ultra redondo. Tiene una punta afilada de aguja y tiene un buen chasquido, lo que facilita su control. Es perfecto para pintar pequeños detalles y las líneas como hojas de pasto y alambres. Como también es puramente sintético, es agradable para crear trazos secos para impresiones de árboles simplemente frotando el pincel sobre el papel y la textura rugosa natural del papel te ayudará a obtener esta impresión muy natural de los árboles. También uso este pincel para pintar elementos de paisaje con texturas rugosas como cercas de madera, graneros y similares. Para las pinturas, los colores que utilizo son Schmincke Horadam Aquarell. No voy a usar todos los colores de mi paleta para crear el tema vintage, pero déjame enumerar los colores para guiarte. Amarillo nápoles, amarillo transparente, naranja cadmio, ocre amarillo, siena quemada, perileno rojo oscuro, violeta perileno, magenta de quinacridona, azul cobalto, turquesa cobalto, violeta de mar profundo, violeta cobalto, gris paynes, verde oliva, índigo, azul marino profundo, azul prusiano, azul hielo. También puedes usar el blanco titanio como alternativa. Otros colores aquí son gamboge nuevo, rosa concha y sepia. En la sección de recursos, proporcioné una copia descargable de la receta de mezcla de colores para crear una paleta de colores apagada o vintage para tu guía. Otros materiales que vamos a utilizar son dos vasos de agua y toalla vieja. Esta es una botella de spray regular en caso que queramos suavizar los bordes y crear un efecto fluido. Es una botella de spray regular que puedes obtener en las tiendas locales. También tengo aquí un lápiz mecánico y goma de borrar para boceto básico, y una carpeta o tablero impermeable para sujetar tus hojas de papel al pintar. Por último, un cortador y cartón viejo para crear papel de bordes de calcomanía. Una vez que tus materiales estén listos, pasemos a la lección principal, cómo escuchar tu estilo de pintura. 4. Afloja tu estilo de pintura: Cuando decimos que queremos aflojar nuestro estilo de pintura, a menudo nos referimos a que queremos dejar de exagerar nuestras pinturas. Es una lucha común para la mayoría de los artistas porque, naturalmente, siempre tendemos a pensar demasiado, trabajar demasiado y complicar demasiado las cosas. Admitámoslo, es tentador enfocarse demasiado sobre un área en particular y poner tantos detalles en ella, pensando que esto hará la pintura general se vea bien. Si observamos las obras de grandes artistas como Alvaro Castagnet y Joseph Zbukvic, sus pinturas tienen denominador común. Simplificación, simplifican la imagen, simplifican los trazos, dan énfasis en el elemento importante o el punto focal entonces el resultado final es una pintura fresca y suelta. Echemos un vistazo a una de las pinturas de Joseph Zbukvic de su libro. Seguro que hay muchos detalles y movimiento sucediendo en el lugar real donde hizo esta pintura, pero ¿puedes ver la simplicidad del cielo en el campo? Cuán limitado los colores a usar, observar cómo simplificó los trazos de los árboles jugando con trabajos de pincel fluido y orgánico. También podemos notar cómo dio pinceladas apretadas en el punto focal, que es el granero y pintar los detalles como grandes formas conectadas. ¿Qué podemos aprender de esto? Para aflojar nuestro estilo de pintura, el primer paso es cambiar la forma en que ves tu tema. Cuando miramos nuestro tema, ya sea una foto de referencia o un escenario real. Cuando pintamos en localizaciones, es natural que tomemos nota de cada detalle pero hacerlo solo nos llevará a sobretrabajar nuestro trabajo. Necesitamos enseñar a nuestra mente a ver las imágenes, las formas y no los objetos. No necesitamos pintar todo lo que vemos, tenemos que decidir sobre nuestro punto focal dado con láser enfocado en él y dejar todo a su alrededor se convierta pequeñas formas conectadas que construyen toda la imagen. Tengo una manera de hacer esto, es entrecerrar los ojos cuando miras tu referencia, entrecerrar los ojos te permite simplificar la imagen porque estás mirando a través del filtro oscuro de tus pestañas. Cuando entrecerras los ojos, solo ves masas de gran valor, el punto focal suele ser el que se vuelve dominante en la foto mientras que todos los demás detalles simplemente se desvanecen. Por ejemplo, si miramos esta foto de referencia, a pesar de todo el ruido y detalles que suceden en el fondo, al entrecerrar los ojos, podemos determinar fácilmente que este árbol de la derecha es el punto focal. Ya que este es el único objeto que permanece fuerte y dominante mientras que todos los demás aparecen como una forma borrosa. Ahora que nos hemos identificado, que es la parte más importante que queremos plasmar en su tema, podemos centrar nuestra atención en hacer esto bien captado en nuestra pintura y pintar otros detalles de manera muy floja. Número dos, ponte de pie para pintar. Sí me pongo de pie al pintar e incluso los grandes artistas lo hacen. ¿Cuál es la razón detrás de esto? pie permite que tu brazo y hombro se muevan mientras pintas y mantiene la longitud de tu brazo lejos de tu papel, evitando así el hábito de enfocarte demasiado en una parte. Si has tomado mis otras clases, muchas veces me escucharás decir, dar un paso atrás y mirar tu trabajo desde la distancia. Esto fomenta mirar la pintura como un todo y no perder la esencia de la escena. Número tres, pinta con un pincel grande y sujeta tu pincel más atrás. Cuando eras nuevo en las acuarelas, alguien podría haberte enseñado a sostener el pincel, como sostener un bolígrafo, bueno, es cierto en algunos casos, si quieres pintar pinceladas apretadas o precisas pero, para aflojar tu estilo de pintura, el secreto es sostener el pincel un poco más atrás. De esta manera tienes menos control y te evitaremos pintar pequeñas formas y detalles. Pruébalo por ti mismo, podrás sentir el flujo y la fluidez de la acuarela aún más cuando sostienes el pincel más atrás. Ahora el tamaño del pincel también importa, un pincel grande te hace enfocarte en pintar formas grandes en lugar crear trazo preciso, creas formas, eso sirve como una impresión de los objetos así practica usando el mismo pincel grande desde el principio hasta casi el final de la pintura y luego pasa a un pincel más pequeño solo para pintar pequeños detalles y apretados trazos para el punto focal. Otro beneficio de usar un pincel grande, es que ya que puede cubrir grandes áreas en pocos trazos, puedes aprender a pintar rápido. Esa es la razón por la que decidí terminar cada proyecto de clase en 15 minutos. Cuando pintas rápido, evitas pensar demasiado, exagerar y complicar demasiado las cosas. Comience rápido y suelto y luego vaya más lento hacia el final del proceso de agregar detalles precisos. Número cuatro, limite su paleta de colores pero para usar mucha pintura rica. Usar pocos colores y aprender a mezclarlos y combinarlos no solo promueve la armonía del color sino que también mantiene tu pintura simple fresca y ordenada. Recuerda, menos es más. Puedes descargar mi receta de paleta de colores vintage en la sección de recursos de esta clase. Cuando se trata de la cantidad de pintura cargará nuestro pincel, aquí está la punta, no tengas miedo de usar mucha pintura jugosa. acuarela se desvanece un tono más bajo cuando se seca sobre papel. Si usa pálida t como consistencia o pintura se verá plana y opaca. Carga tu pincel con pintura y deja que fluya libremente sobre tu papel, no tengas miedo al flujo de acuarela o a los rones, experimenta con salpicaduras y salpicaduras y descubrirás cuándo se usan mejor para crear efectos interesantes en tu pintura. Número cinco, practica tu pincelada. pincelada es la forma en que los pintores usan su pincel, es como tu firma, es lo que distingue a tu pintura de los demás. Podemos seguir el mismo procedimiento paso a paso de la pintura pero es tu pincelada la que hace que tu pintura sea única y la tuya. A medida que tus pinceladas revelan tu propio estilo de pintura, también refleja si tienes miedo o vacilación. Para relajar tu estilo de pintura, debes practicar tu pincelada para reflejar energía, confianza y dinámica. Practica el uso de tu pincel en ángulo, presión o dirección variable dependiendo del efecto que quieras lograr. Hay trazos que requieren velocidad o trazos repetitivos rápidos para sugerir movimiento o emoción en tu trabajo y a veces puedes frotar tu pincel de tu papel, variar el nivel de presión al presionar el pincel o tal vez mover tu pincel para crear efectos interesantes. La clave aquí es pintar, pintar, pintar, seguir practicando para que te pongas lo más cómodo posible con tu pincel. Cuanto más cómodo te pongas, más seguro y expresivo serás y cuando digan confiado, no nos referimos a un golpe rápido pero sin sentido. Implica planear con anticipación cómo te acercarías a una pintura, cuya pincelada es apropiada en cada fragmento, y aprender a confiar en tu corazón. No analices en exceso hasta el punto de que te paralizarás. Por último, pero no menos importante, pinta por ti mismo. Pintar libremente es un estado mental, todo comienza con cómo piensas y sientes contigo mismo y cargándote de la presión para crear algo perfecto quita el miedo a comenzar y experimentar. Pinta porque te encanta pintar y porque te da alegría en la vida. Me parece útil crear un ambiente relajante antes de pintar, me alejo de cualquier distracción, tocar mi música favorita y bailar y cantar con la música mientras pinto. Me ayuda a escapar a un lugar donde puedo ser libre y creativo. Cuando estés feliz e inspirado y te sientas positivo mientras pintas, aparecerá en tu pintura. Se trata de 90 y la intuición fluirá libremente de tu corazón. Recuerda siempre, el arte no se trata solo tener el conjunto adecuado de habilidades, eres tú. Para recapitular, para aflojar tu estilo de pintura. Número uno, cambia la forma de ver a tu sujeto, pinta formas no objeto, entrecerrar los ojos para identificar tu punto focal. Número dos, levántate a pintar, siempre da un paso atrás para ver el panorama general. Número tres, pinta con pincel grande y sujeta tu pincel más atrás. El número cuatro limita tu paleta de colores pero usa mucha pintura rica. Número cinco, practica tu pincelada. Número seis, pinta por ti mismo. En el siguiente video, voy a compartir contigo algunas de mis pinceladas, cuales puedes intentar conocer tu pincel. 5. Mejora tu pincelada: Mi proceso de pintura es muy sencillo. Es como un enfoque de tres lavadas. Primer lavado para pintar valores de luz, segundo lavado para valores medios, tercer lavado para pintar valores oscuros, detalles y acentos. Nuestra pincelada cambia dependiendo dónde nos encontremos en el proceso de pintura. Ya que el primer lavado es para pintar todos los valores de luz como cielo y tierra, pinto estos elementos con continiuidad, considerándolos como una forma grande usando un pincel grande. La pincelada que uso aquí es lo que llamo lavado grande negrita usando trazo horizontal rápido. Así es como lo hago. Cargo mi pincel grande con muchas pinturas frescas jugosas, luego hago un trazo horizontal de izquierda a derecha, luego de derecha a izquierda. Lo hago en un movimiento rápido para poder lograr una transición sin fisuras y evitar ocultar líneas. A veces también es útil inclinar un poco el papel para ayudar a que la pintura fluya por sí sola. También utilizo la misma pincelada para pintar vastas tierras o el lavado de base del metal. El segundo lavado en mi enfoque de tres lavos es para pintar los valores medios como pintar el pliegue del fondo, las montañas y las estructuras de las casas. Pinto estos valores medios cuando el primer lavado aún está húmedo para poder crear una mezcla suave entre capas. Cargo mi pintura con mezcla de colores cremosos para que tenga un tono más oscuro sobre el fondo, y así puedo crear profundidad. Una de las pinceladas que uso a menudo en este paso es el trazo de frotamiento para pintar árboles. Esto lo hago presionando el pincel hacia el papel y moviéndolo en dirección aleatoria, creando la forma general del árbol. Otro es lo que yo llamo un trazo de pincelada. Para pintar el metal o el pastizal o un gran trozo de tres, juego con mi pincel para crear el lavado variando el lado o el ángulo del pincel y la presión que le pongo. De esta manera creo diferentes tipos de marcas e inicio energía y movimiento en la imagen. La clave aquí es evitar crear la misma marca con cada trazo para que tu pintura no se vea aburrida o repetitiva. El tercer y último lavado es para pintar los valores oscuros, agregar detalles y mejorar la pintura general. Comencemos con el trazo de deslizamiento rápido usando pincel seco. Esto es perfecto para pintar texturas ásperas como troncos de árboles, cercas de madera y similares. Cargo mi pincel con pintura gruesa y menos agua en ella, luego hago un trazo de deslizamiento rápido. Verás esos diminutos y pintados parches en el trazo. Puedes hacerlo horizontal o verticalmente dependiendo de para qué sirve. Otro es el trazo repetitivo hacia arriba. Yo uso esto para pintar briznas de pasto. Puede parecer muy simple, pero el error común al pintar pasto es tener briznas de pasto rígidas y de aspecto natural. Te animo a practicarlo a menudo para desarrollar la memoria muscular y crear trazos más fluidos y de aspecto natural para imitar el movimiento de la hierba. Uno de mis trabajos favoritos que utilizo no solo para impresión de flores, sino que también para agregar textura es favorecedor. Cargo mi pincel pequeño con mezcla cremosa y fluida de pintura, luego golpeo suavemente mi pincel para obtener esas hermosas salpicaduras aleatorias. El tamaño de tu pincel y la cantidad de agua en tu pintura afecta el tamaño de las salpicaduras que puedes crear. Si es algo nuevo para ti, prueba primero tus salpicaduras en un trozo de papel antes de aplicarlo en tu pintura real. Por último, pero no menos importante, es el rascado. Utilizo esta técnica para despegar la pintura en ciertas áreas para dar resaltado o simplemente para crear una impresión de líneas brillantes. En lugar de usar líquido de enmascaramiento para conservar una mancha en tu pintura, que puede parecer demasiado apretada y refinada, rasco la pintura usando mi uña para un efecto más suelto. Ahora, el tiempo es importante para lograr un rasguño perfecto. El nivel de humedad en tu papel debe estar bien, no demasiado húmedo y no demasiado seco. Si está demasiado húmeda, la pintura simplemente fluirá de regreso al área de rayado. Cuando la pintura está demasiado seca, tampoco podrás obtener una pintura transparente levantada. Esos son todos los trabajos de pincel que usaremos para pintar los siete paisajes del proyecto de clase. Cuando esté listo, preparemos nuestras pinturas y aprendamos sobre la mezcla de colores simplificada. 6. Mezclar colores simplificados: Como ya he mencionado en nuestras lecciones anteriores, la clave para una acuarela suelta y fresca es mantenerla simple. Cuando decimos simplificar su pintura, no se refiere sólo a la interpretación simplificada y a los trazos, sino también a simplificar el uso de los colores. Cuando usamos una paleta de colores limitada en nuestra pintura, creamos armonía de color. Al combinar pocos colores, hacemos que nuestra pintura sea agradable a la vista. Se puede tener un tema agradable, buen boceto a lápiz, valores correctos, pero sin armonía de color, la pintura seguirá luciendo mal. Otro beneficio de usar una paleta de colores limitada es que simplificó la mezcla de colores y obtiene una mejor comprensión de cómo funcionan sus colores juntos. No necesitas conseguir todos los colores que una marca de acuarela tiene para ofrecer. Con el conjunto justo de primarias frescas y cálidas y tonos tierra, y tal vez un color verde base, puedes crear hermosas pinturas. Por último, apegarse a una paleta de colores limitada le da a tu trabajo un sentido de identidad. Su elección de color y mezclas tiene el poder de separar su pintura. Al igual que tu pincelada que es única para ti, tus decisiones de color forman parte de tu identidad como artista. Permítanme compartir una guía simple para mezclar y combinar colores limitados para crear una paleta de colores vintage. Por el color del cielo, juego principalmente con colores como tono violeta cobalto y el azul cobalto para los tonos fríos, nuevo Gamboge y el rosa concha para los tonos cálidos. Intente mezclar cada conjunto y variar la proporción y proporción de los colores para descubrir diferentes tonos. Por ejemplo, pongo más azul cobalto que violeta cobalto si quiero retratar la luz del día. Pero si quiero pintar puesta de sol, voy por más violeta cobalto que azul cobalto en mi mezcla. Por el color de la pradera y los verdes, puedes ser creativo al jugar con los colores mientras los pintas. Los colores base que utilizo para esto, son la siena quemada, nuevo Gamboge, el verde oliva y el índigo. Para conseguir un tono más claro y silenciado para el campo, mezclo siena quemada y nuevo Gamboge. Entonces a partir de esta mezcla, puedes introducir ligeramente verde oliva para obtener un tono verde. Para el primer plano o los verdes oscuros, mezclo verde oliva e índigo. También puedes intentar mezclar siena quemada, verde oliva e índigo para obtener un color verde apagado. Para que las impresiones de las flores se vean frescas y vibrantes, siempre utilizo colores limpios y puros de pinturas. Mis colores favoritos para escoger cuatro flores son el magenta quinacridona, amarillo Nápoles y el azul hielo. Me encantan estos colores porque Nápoles y el azul hielo son opacos. Realmente hacen un buen resaltado y acento. Para quinacridona magenta, pesar de que es de un color transparente, si salpicas una mezcla cremosa y saturada de este color, obtienes un bonito efecto vibrante. A veces si quiero usarlo para acentos y reflejos, lo mezclo con blanco o con azul hielo para que sea opaco. Ahora, para el color de la madera, es necesario tener diferentes tonos para mostrar dimensión. Yo uso como base la siena quemada y el violeta cobalto. Violeta desactiva el brillo de la siena quemada. Cuanto más violeta añadas, más oscuro se pondrá el tono. Si quiero oscurecer aún más la madera, puedo agregar violeta perileno y sepia a mi mezcla para mayor profundidad. Eso es. Si no tienes exactamente los mismos colores que yo tengo, definitivamente está bien. Puedes hacer uso de los colores de tu paleta que te sientes cómodo usando. Todo lo que necesitas tener es un tono de violeta y azul para tonos fríos, un amarillo y melocotón para tonos cálidos del cielo, siena quemada y sepia para tu color neutro, un color verde, azul índigo o indantrona o crear tonos más oscuros de verde, y tu elección de rojo, amarillo o rosa para tus flores. Una vez que hayas seleccionado tus colores, pega tu paleta limitada y explora diferentes tonos nuevos a medida que los mezclas y combinas. De esa manera podrás practicar la armonía del color y simplificar tu pintura. Seguro que estás más que listo para comenzar nuestro ejercicio diario de pintura. Te veré en el siguiente video para preparar nuestros papeles con bordes de cubierta. 7. Cómo decorar tu papel: [MÚSICA] Para lograr ese look vintage en esas obras de arte, déjame compartir contigo un tutorial rápido y sencillo para deckle tu papel. Este es un papel de nueve por seis pulgadas. Usando un cartón como guía y un cortador, crearé un pliegue en el costado del papel. Use el cortador ligeramente para evitar recortar el papel por completo. Hago lo mismo por las cuatro caras del papel. Después de anotar los cuatro lados, doblo cada lado y rasgar suavemente el papel a lo largo de la línea de plegado. Ahí lo tienes. Así es como se verá tu papel de borde engarllado. 8. Día 1 Prado tranquilo: Bienvenidos al Día 1. Nuestro tema es bastante sencillo con muy pocos elementos en él. El enfoque de nuestro primer ejercicio de pintura es calentarte al pintar grandes lavados audaces. Te animo a que te pongas de pie mientras pintas y sostienes tu pincel más atrás mientras pintas lavados grandes y sueltos. Para darle una visión general, estaré pintando sobre papel seco y no usaré cinta adhesiva para asegurar mi papel en el tablero. Ya que pintaremos todo el papel durante nuestro primer reloj, deformación no será una preocupación. Sin embargo, si no te sientes tan cómodo pintando sin los lados de la cinta de seguridad de papel en tu tablero, siéntete libre de pegar los bordes de tu papel. Además, si tu papel no es 100% algodón, te animo encarecidamente a pegar las cuatro caras de tu papel para un soporte adecuado y para evitar que el papel se deforme. Comencemos nuestro aviso de pintura con un simple paisaje al atardecer. Se trata de un boceto a lápiz. Dibujo la línea del horizonte aquí en la parte media superior del papel, luego dibujo el contorno de las montañas distantes. A continuación, dibujo una sola barda de madera aquí en la parte inferior derecha de los papeles, ya que ésta servirá como nuestro punto focal. También dibujo líneas horizontales para los alambres de la barda. Voy a añadir algunos trazos de hierba aquí y allá, pero no voy a estar dibujando los detalles del medio. La acuarela lo hará por nosotros más tarde. Ahora comencemos a pintar usando una brocha grande para fregona, empiezo a mezclar violeta cobalto y azul cobalto para obtener este bonito color fresco al atardecer. Quiero que le eches un vistazo a mi pincelada. Puede que parezca rápido para pintar, pero este es solo el gran lavado audaz que compartí en la lección anterior. Deslice su cepillo de izquierda a derecha y hacia atrás para crear un agradable lavado suave. A continuación, limpio mi pincel y vamos a conseguir algo de color de gamboge nuevo y un poco de rosa concha. Observe que mezclo este color cálido en mi pintura morada sobrante para bajar el tono cálido. Empiezo con un solo trazo horizontal aquí en la parte de la montaña luego agrego un poco de agua en mi pincel para obtener un lavado más suave mi pincel para obtener un lavado más suave mientras pinto hacia la línea del horizonte. Aquí tenemos una tira sin pintar entre amarillo y morado. Para mezclar los dos colores, vuelvo a agregar un poco de agua en mi pincel y conecto los dos colores. Usar agua para mezclar el morado y amarillo nos ayuda a evitar la mezcla fangosa. También incliné un poco mi papel para que el morado fluya hacia abajo y se mezcle con el amarillo por sí solo. Quiero crear profundidad en el cielo ajustando el tono en la parte media del cielo usando el mismo color mezclado con un poco más de violeta cobalto. Añado algunos trazos más aquí en la parte media del cielo. Nuestro cielo está hecho. Mira lo simple y rápido que fue. Pintar el cielo no tiene por qué ser complicado. Como no es nuestro punto focal, no necesitamos ponerle mucho detalle. En la medida de lo posible, evite pensar demasiado, exagerar y volver al fragmento del cielo y pintar más capas sobre él. Pasemos a pintar los fragmentos de lentes. Me pongo verde oliva y mezclo un poco de gamboge nuevo y siena quemada para bajar el tono del color. Usando el mismo trazo rápido en negrita deslizo mi pincel horizontalmente. Al pintar la zona, agrego algo de siena quemada poco a poco para crear una variación de tono con mi verde. A continuación, cargo mi pincel con agua y obtengo una mezcla de verde oliva e índigo para un tono más oscuro. Ya que estamos pintando el término medio, voy a cambiar mi pincelada, los trazos del lugar del pincel. [MÚSICA] Aquí estoy empezando a hacer arriba y abajo e incluso trazos en zigzag, mira cuánta presión pongo en mi pincel mientras lo froto a mi papel. A medida que me acerco al borde del papel, también hago la transición de mis valores a tonos más oscuros para crear profundidad. Simplemente agrego más índigo a mi mezcla verde para obtener este rico color verde oscuro. Ahora que pintaron completamente el fragmento de tierra, uso mi pequeño pincel redondo para salpicar un poco de agua al primer plano para obtener textura. Aquí podemos ver poco a poco algo de magia sucediendo a medida que las pinturas reaccionan sobre las gotas de agua. No te preocupes por las carreras de acuarela si ves alguna. Recuerda, estamos apuntando a pintar suelto y relajado. También intento salpicar algo de pintura verde oscuro en primer plano usando la misma mezcla verde oscuro hecha de índigo y verde oliva. Solo hazlo pocos, puede que sea divertido, pero evita exagerar. Ahora voy a estar mezclando siena quemada con esta mezcla verde oscuro hecha de verde oliva e índigo. Me sale un color muy jugoso para pintar la montaña lejana. Usando mi pincel pequeño, deslizo mi pincel diagonalmente para crear la pendiente de la montaña. Agrego un poco de verde a mi mezcla para tener un juego de colores y pintar la parte baja de la montaña. Quiero que pongas atención a mi pincelada. Qué veloz es el trazo para retratar la forma, no el objeto en sí. Dado que el cielo de fondo aún está húmedo al mismo tiempo, verás esa suave mezcla de color en el borde de la montaña. Ahora usando nueva gamboge y siena quemada creo una mezcla espesa de este color para pintar la otra montaña detrás. Coloco el pincel plano sobre el papel para crear un trazo lateral con mucha presión sobre el pincel. Trato de pintar la forma usando marcas de pincel. Después de esto, limpio mi cepillo y me pongo un poco verde mezclado con siena quemada para oscurecer la montaña de enfrente, esto hace que la montaña salga más. [MÚSICA] Aquí trato de vivir un ligero color de la montaña detrás simplemente deslizando mi pincel suavemente sobre la capa. Estos pequeños pasos le dan a la montaña una sensación de textura sin poner demasiado trazo ni detalles. Ahora pinto el pie de la montaña con algunas marcas de pincel para conectarlos en delgado y la tierra. La clave aquí es hacer que la mezcla de pintura lo suficientemente gruesa como para que quede por encima del color de fondo. Si la mezcla está demasiado húmeda , creará floraciones. Tenga en cuenta también que simplemente me aplico el pincel para poner los colores hacia abajo. No pinto toda la línea del horizonte, sino solo líneas sugerentes. A continuación, tomé un poco de mezcla verde oscuro, aún de verde oliva e índigo, los hago mezclar realmente cremosos para pintar las briznas de la hierba. La pintura trazos finos y orgánicos, sostengo mi pincel más atrás del mango y lo coloco a casi 90 grados. Hago trazos rápidos hacia arriba y trato de imaginar el movimiento natural del pasto para evitar líneas repetitivas y rígidas. Pinto principalmente aquí en la sección inferior derecha debajo del lugar donde colocaré la barda de madera. También pinto algunas briznas de hierba usando sienna quemada para variar y variar la longitud y el ángulo de mi trazo. Aquí, hago reflejos rascando el papel usando mi uña para crear una impresión de hierba a este rasguño de manera efectiva, la pintura no debe estar demasiado húmeda y no demasiado seca. Rasca usando la uña en un golpe rápido hacia abajo. Agrego algunos trazos de color verde oscuro para rellenar los huecos pero a medida que hago esto, trato de dar un paso atrás para ver la imagen completa. Ahora mezclemos sepia, siena quemada y gris de Payne para el color de la cerca de madera. La mezcla debe ser realmente opaca y seca, por lo que hace una imitación de la textura de la madera. Mientras pongo el trazo, verás lo seco que está mi pincel. Traté de hacer que la barda pareciera 3D pintando la parte lateral derecha con un tono más claro. [MÚSICA] Luego rasco algunas líneas horizontales para obtener detalles. También oscurezco un poco el lado izquierdo. Ahora, pinto los cables usando el mismo pincel, sujetando mi pincel a un ángulo de 90 grados y colocando una presión muy ligera para crear trazos finos. Está bien que la línea sea un poco inestable. El alambre no debe pintarse con un dolor muy pesado por lo que no va a vencer a la cerca de madera. Si sientes que el dolor se puso un poco grueso, solo aplica el dedo sobre él para aplanar el color. Entonces pinto el alambre sobre con color azul hielo o puedes usar blanco titanio para reflejos. [MÚSICA] Como toque final, vamos a salpicar, algún color puro de amarillo alrededor del área del campo de pasto. Puedes usar tu dedo u otro cepillo para tocar el pincel y hacer salpicaduras. Ten en cuenta hacia dónde se enfrenta tu pincel para que no salpiques en el fragmento del cielo. También salpicé algunos colores como el blanco. Por último, voy a añadir algunos puntos de rosa aquí y allá como acentos finales. Nuestra pintura está completa. No puedo esperar a ver lo que has pintado hoy y dirigirme a la sección de proyectos y recursos y por favor comparte tu trabajo subiendo ahí tu proyecto de primera clase. En la siguiente lección, practiquemos algunas pinceladas sueltas para pintar impresión de pinos y lago tranquilo. 9. Día 2 Lago de calma: [MÚSICA] Estoy muy contenta de tenerte aquí conmigo otra vez. Hoy, vamos a pintar otro paisaje enfocándonos en los trabajos de pincel específicos para pintar la impresión de pinos y el lago tranquilo. Nuestro objetivo aquí es capturar la esencia de los elementos importantes en tu tema sin ser demasiado detallados. Empecemos. El boceto a lápiz es sencillo. Comenzamos dibujando la línea del horizonte en la tercera parte inferior del papel y trazos ligeros de la montaña. Me dio una impresión de pequeña isla aquí a la izquierda, y ya terminamos. Vamos a mezclar color para el cielo. Sigo usando violeta cobalto para mi color cielo base. Usando mi pincel grande, hago grandes trazos horizontales, igual que como pintamos el cielo en el ejercicio anterior. Mientras pinto la parte media del cielo, desaturo la pintura agregando agua a mi pincel. Aquí verán que dejé de pintar morado a mitad de camino, y cambiaremos el color. Con una ligera mezcla de nueva gamboge en mi pincel, continúo el lavado plano desde donde terminé hasta llegar al horizonte. A continuación me sale azul cobalto y agrego un poco de violeta de mar profundo para fortalecer el tono, y pinté la parte superior del cielo. Es importante hacer que la parte superior del cielo sea más oscura en tono para que puedas crear un sentido de perspectiva, y tu pintura no se vea plana. Terminamos con el fragmento del cielo. Fácil y simple. Ahora vamos a pintar el lago a continuación. Un consejo importante es, al pintar agua, recuerda siempre que el color del agua debe ser un reflejo del color del cielo y de los objetos que la rodean. Si hemos pintado el cielo de púrpura, el color del agua también debería tener influencia de púrpura. Otra cosa es que, si te das cuenta, no limpié mi paleta antes comenzar con otra pintura, bueno, esa es la ventaja de usar una paleta de colores limitada para todas tus obras de arte. Evitas conseguir mezclas fangosas incluso estás mezclando en la misma paleta usada, porque los colores que usas pertenecen a una familia. Sigamos con nuestra pintura. Aquí, estoy consiguiendo algo de pintura jugosa de violeta cobalto, mi cepillo de trapeador, y luego cargo mi pincel con un poco de agua, y mezclarlo con un amarillo sobrante que tengo. Pinto el fragmento de agua con trazos horizontales rápidos y ligeros de izquierda a derecha desde la línea del horizonte bajando. Aquí puedes ver que los fragmentos de cielo y lago no tendrán valores casi iguales en color similar. A continuación, pasemos a pintar el término medio, comenzando con una montaña al fondo. Usando violeta cobalto y siena quemada, creo un tono marrón violáceo para pintar el montaje. La mezcla tiene que ser más gruesa que la mezcla que usamos en el cielo, por lo que el valor tonal será más oscuro. Mientras pinto, el fondo es bastante húmedo. Por eso conseguí unos bordes lisos pero controlados. Observa cómo pongo mi pincel sobre el papel, y cómo varío el ángulo para hacer un trazo. A veces uso el lado de mi pincel, y a veces lo presiono sobre el papel. A continuación, usando siena quemada, alguna gamboge nueva y violeta cobalto, pinto un tono marrón ligeramente más oscuro pero más cálido para esta montaña de la izquierda. Presiono el pincel hacia abajo para pintar la pendiente, y mantener mi trazo simple. Cambio mi pincel por nuestro cepillo redondo. Me sale verde oliva y lo mezclo con mi pintura marrón sobrante, y agrego un poco de gamboge nuevo para pintar el gran trozo de árboles aquí a la izquierda. Recuerda eso, pintaremos formas, no objetos. Aquí, en lugar de pintar cada árbol uno por uno, jugamos con los colores variando la proporción de colores en la mezcla, y pintamos la forma general del fragmento de árbol. También se puede ver aquí que, hago algunas manchas más oscuras mientras que otras más cálidas. También pinto trazos verticales para retratar las diferentes alturas de los árboles. Dejo que la pintura fluya hacia abajo y se mezcle de forma natural, en lugar de mezclarlas con mi pincel. Sigo pintando formas con pinceladas lúdicas y expresivas para completar todo el fragmento. Dado que el lado derecho del papel ya se está volviendo seco, puedes notar estos bordes duros mientras pinto árboles. Eso está totalmente bien, y de hecho agradable, porque nos da una sensación de bordes perdidos y encontrados dentro de la pintura. Ahora empiezo a crear más ilusión de árboles pintando la punta de los árboles finos usando trazos de dabbing. Aquí tu pintura tiene que ser lo suficientemente gruesa y cremosa como para ponerla encima de la mancha verde de color. Trate de no pintar cada árbol al detalle. Simplemente pinte la punta de los árboles, varíe la altura y tal vez el ángulo pintando a otros en posición inclinada, y luego aplique una gruesa capa de pintura encima de la gran forma verde para crear profundidad, y toques del cuerpo. Ahora voy a pintar la isla de la izquierda con brunch, y ahora con trazos deslizantes. Quiero crear una separación entre tierra y agua, y este sugerente trazo horizontal es una buena manera. También vuelvo a conseguir mi cepillo de fregona para realzar el lago. Usando violeta cobalto y un poco de verde oliva, quiero crear una rica mezcla de púrpura verdoso para pintar el agua. Con un trazo horizontal rápido, creo trazos de pincel seco aquí en la parte inferior del lago para retratar el resplandor en el agua. Trato de no repasar repetidamente un área para preservar el resplandor que creé usando las pinceladas secas. Como paso final, profundicemos el tono aquí en la frontera mayor parte del lago para prospectiva y dimensión. Todavía uso violeta cobalto para esta porción, y mantengo mis trazos ligeros y rápidos para mostrar energía y dinámica. Terminémoslo agregando un poco de violeta de perileno a mi violeta cobalto, y hagamos los últimos trazos horizontales. Da un paso atrás y ve tu trabajo desde la distancia. Decide parar incluso antes de pensar que tu pintura está completa para evitar sobretrabajarla. Nuestro siguiente tema es uno de mis favoritos. Pintemos un granero de serina en un prado florido en la siguiente lección. [MÚSICA] 10. Día 3 de granero en un campo: [MÚSICA] Para nuestro tercer ejercicio, estaremos pintando un sereno granero en un prado florido. Aquí, veremos cómo las texturas contrastantes, los bordes duros y suaves, y varios efectos interesantes pueden crear una dinámica y energía a tu pintura. Empecemos con un breve boceto a lápiz. Dibujo la línea del horizonte en la parte media del papel y luego dibujo un poco de trazos en zigzag para el contorno del trozo de árboles al fondo. Entonces aquí en la parte derecha del papel, dibujo un techo triangular del granero. [MÚSICA] Dibujo el contorno de la hierba debajo del granero y algunos troncos de árboles a su alrededor para mi guía. No voy a estar dibujando los árboles en detalle ya que lo estaremos diseñando a través de trabajos con pincel. Vamos a mezclar colores. Como queremos pintar una puesta de sol resplandeciente, necesitamos una mezcla limpia de nuevo Gamboge con un poco de rosa concha. Agrego agua en mi pincel, y mira lo acuosa y jugosa que es mi mezcla. Ahora que mi pincel está cargado de pintura, hago trazos horizontales desde el horizonte que van a mitad de camino. Antes de hacer la transición a otro color, suavizo aún más el borde con un pincel acuoso. Hacer esto me da más tiempo para preparar mi color púrpura sin la capa amarilla se seque y se vuelva a un borde duro. A continuación, tomo una buena cantidad de violeta cobalto y pinto la parte superior del cielo con pocos trazos y luego lo mezclo lenta y suavemente con amarillo con solo unos pocos trazos. La mezcla excesiva con demasiados trazos puede causar una mezcla fangosa. [MÚSICA] Oscuzco un poco más la porción superior aplicando un tono más oscuro de violeta cobalto. Inclino mi papel de vez en cuando para dejar que el tono púrpura se mezcle con el amarillo por sí solo. Ahora puedes ver una transición de colores muy agradable y suave. Sin bordes duros y sin mezcla fangosa. Dejémoslo así y vayamos a pintar el lavado base del prado. Usando Gamboge nuevo y siena quemada, pinto la luz reflejada en el prado. Quiero que mires cómo sostengo mi pincel y ejecuto el trazo. Mi pincel se posiciona hacia arriba y hago pequeños trazos de dabbing. Posicionar el pincel de esta manera me permite crear una textura irregular, lo cual es un efecto agradable para el campo. También dejo caer color saturado de siena quemada en algunas zonas así que hay un juego de tonos. Continúo el mismo trazo hacia el otro lado del papel. A continuación, sin limpiar mi cepillo, tomo violeta cobalto y verde oliva para pasar lentamente el tono a un tono violáceo ya que es el atardecer. Al pintar este fragmento, varío la relación entre el verde oliva y el violeta cobalto. Algunas partes tengo más violeta cobalto en mi mezcla mientras que otras tienen más verde oliva. Pero me ocupo de que mantenga el equilibrio adecuado entre los dos para que mi mezcla de colores coincida con el ambiente y la ambientación del día. A medida que casi me acerco al primer plano, necesito introducir texturas más visibles en el prado, así estaré cambiando mi pincelada trazos repetitivos de arriba y abajo. También empiezo a alterar la posición de cómo sostengo mi pincel para que mis trazos no se vean aburridos. Aquí en primer plano, mi tono debería ser aún más oscuro y profundo. Ahora uso verde oliva e índigo con violeta cobalto y siena quemada para obtener un color verde oscuro apagado. Me aseguro que el primer plano tenga el tono más oscuro aquí en el lavado inicial para que pueda llevar los ojos de los espectadores hacia el horizonte. [MÚSICA] Aquí solo estoy agregando algunas manchas más oscuras de color para crear profundidad. Solo una propina, el valor tonal tiene que ser más oscuro a medida que se aleja más de la línea del horizonte. [MÚSICA] Ahora tomo mi pincel redondo y pinto impresiones de hierba mientras la capa aún está mojada. Lo hago con algunos trazos ascendentes. [MÚSICA] También salpicio un poco de agua limpia usando mi cepillo para crear un pequeño efecto de floración. Pretendo hacerlo mientras está mojado para que la pintura luzca atmosférica y suave. Ahora me sale violeta perileno, salpica alrededor del prado, y coloco mi pincel en dirección opuesta para no salpicar pinturas en el cielo. [MÚSICA] Aquí solo estoy agregando más colores en el campo para hacerlo más colorido y encantador. Yo uso quinacridona rosa mezclada con azul hielo para hacer opaco el color. También uso amarillo Nápoles para el efecto salpicadura. Dado que la acuarela tiende a desvanecerse un poco cuando se seca, posible que necesitemos agregar algunas capas más oscuras para compensarla. Aquí tomo una mezcla de color verde oscuro y pinto algunos trazos de hierba en primer plano. [MÚSICA] Agrego otra salpicadura de azul hielo así tengo ese estallido de luz en el campo oscuro. Deja que la pintura florezca sobre la superficie húmeda y crea su propia magia. Dejaremos que esto se seque por ahora y podemos pintar el granero y los elementos que lo rodean. Ahora usando violeta cobalto y siena quemada y un poco de verde oliva, froto mi pincel redondo sobre el papel para pintar la vegetación distante. [MÚSICA] No tengas miedo frotar tu cepillo plano ya que no se dañará. A continuación, obtengo violeta perileno e índigo y siena quemada para obtener un color marrón oscuro profundo para el granero. [MÚSICA] En mi trazo inicial, noté que mi papel aún está húmedo y si lo sigo pintando, no voy a conseguir un borde duro y nítido para el techo. Dado que el granero es nuestro punto focal, tiene que definirse. Necesito secar el área completamente primero usando una pistola de calor y continuar pintándola cuando esté seca. Usando la misma mezcla de colores, pinto el lado del granero frente al frente. Observe cómo pinto el área. Utilizo todo el vientre del pincel para crear trazos gruesos hasta rellenar toda el área. [MÚSICA] Observe también que hice la parte inferior dentado para mostrar impresión de que el granero está parcialmente cubierto por la hierba. [MÚSICA] Pinto el otro lado de la habitación con un tono más claro y también dejé una línea diagonal discontinua sin pintar para distinguir los lados de la cubierta. [MÚSICA] Ahora podemos ver claramente cómo las texturas contrastantes, lo que me refiero al lavado suave en el prado y los bordes duros en el granero trabajan juntas para crear una pintura que realza. [MÚSICA] No quiero que el granero se vea como una pegatina sobre la pintura, así que necesitamos conectarlo al prado. Usando mi dedo, arrastre suavemente la pintura del granero hacia abajo para que construya la conexión con el prado y tenga un borde dentado. Ahora la parte divertida, pintemos los árboles usando pinceladas expresivas. Me pongo verde oscuro usando mi pintura verde sobrante. La pintura tiene que ser tan espesa con menos agua en ella. Empiezo con un pino aquí a la izquierda. Hago movimientos de movimiento usando la punta de mi pincel y retrato esta forma triangular del árbol. [MÚSICA] A continuación, cambio el tono agregando un poco de amarillo, que es nuevo Gamboge a mi mezcla de colores, y froto mi pincel en la zona para pintar un árbol lleno y tupido. Pienso en la forma general del árbol y trato de retratarlo usando estos trazos rápidos de frotamiento seco. Me froto trozos de pinturas oscuras para que el árbol sea dimensional, pero trato de no poner demasiados detalles en su interior. [MÚSICA] Ahora vamos a pintar el árbol a la derecha. Sigo usando mi trazo de frotamiento, pero esta vez quiero hacer una forma diferente a los otros árboles de la izquierda. En lugar de usar una sola mezcla de colores, intenta variar la proporción de colores para el juego de colores. También rasco algunas partes del papel para mostrar impresión de baúles. Recuerda hacer esto cuando tu pintura ya no esté tan mojada. [MÚSICA] Terminemos la pintura realzando el prado. Voy a añadir algunas salpicaduras más ya que el lavado inicial ya se desvaneció. Salpicé un poco de rosa mezclado con azul hielo y también amarillo Nápoles en la parte más baja de la pradera ya que este es el primer plano. [MÚSICA] Terminamos con nuestra tercera pintura. Me encantaría saber cómo es para ti hasta ahora. Puedes compartir tus obras y escribir en el pie de foto, tus pensamientos o tal vez tu experiencia mientras subes tu proyecto de clase para que pueda viajar contigo. Nos vemos en nuestra siguiente lección. 11. Día 4 Sunset: Nuestro cuarto ejercicio de pintura, iremos aún más expresivos en nuestra pincelada para retratar árboles de luz y bosque. Practicaremos eliminar los detalles pintando el primer plano como una forma grande. El boceto a lápiz solo será una pendiente para las montañas de fondo. Entonces dibujemos un pequeño círculo aquí en el lado derecho para representar al sol. Aclaré el boceto para que no se vea debajo de la pintura. Empecemos a pintar. Usando mi cepillo de trapeador obtengo una nueva gamboge con concha rosa para pintar la cálida luz alrededor del sol. De nuevo, estoy pintando sobre papel seco. Observe que pinté un círculo más grande que el boceto. La razón es que ablandaré el borde interior con un cepillo limpio y húmedo más adelante. A continuación, también suavizo el borde exterior de mi trazo redondo inicial. Pinto el área a su alrededor con mezcla saturada de gamboge nuevo y rosa concha. Quiero que notes lo intenso coloco en el horizonte es el color. También hago trazos horizontales rápidos para pintar las otras porciones del cielo. Para la parte superior del cielo difuso el tono pintándolo con un pincel acuoso. [MÚSICA] Aquí he terminado de pintar todo el fragmento del cielo. Pero antes de proceder a los otros fragmentos, ablandaré este borde en la parte inferior para que no se seque inmediatamente y deje un borde duro. Me sale un poquito de violeta cobalto y lo mezclo a mi mezcla amarilla para difundir el tono amarillo. Pintaré la parte inferior del papel con un lavado apagado para configurar la luz en nuestra capa base. Usando violeta de perileno y violeta cobalto, pintaré la montaña al fondo y luego mezclaré bien las pinturas para obtener una agradable mezcla cremosa. Mientras les pinto silueta de montaña, el fragmento de cielo tiene que estar húmedo para que puedas lograr ese borde suave pero controlado. El valor tonal tiene que ser más oscuro y cremoso que el fondo amarillo, por lo que aparecerá como término medio. Observe que juego con tonos dentro de la montaña, algunas partes aparecen más gruesas y más oscuras que las otras. No te preocupes si la pintura simplemente se desangrará, es un efecto único de acuarela que queremos abrazar. Ahora, limpiaré mi pincel y lo cargaré de color verde para pintar los árboles del bosque. Es agradable pintar este fragmento mientras el papel aún está húmedo por lo que obtenemos una suave mezcla de colores en el bosque, contrastando el borde duro y fuerte en la fuente de luz, que es nuestro punto focal. Mezcle verde a mi mezcla morada sobrante, agrego un poco de violeta cobalto y hago trazos repetitivos hacia abajo. Aquí quiero retratar los árboles de las montañas y los pintaré como una forma grande. Poco a poco paso a un tono ligeramente más oscuro agregando índigo a mi mezcla. Sigo haciendo los trazos arriba y abajo para esta porción. A continuación tomo mi pincel redondo y obtendremos una mezcla muy saturada y espesa de verde usando verde oliva, índigo y, un poco de gamboge nuevo para pintar los grandes pinos de fondo. Empiezo a pintar este gran árbol que mira a la izquierda, pintaremos solo una porción del árbol y quiero que estés aquí para trabajar con tu pincelada. Enfócate en retratar la impresión general del árbol jugando con el ángulo de tu pincel. Experimenta en hacer trazos usando la barriga llena del pincel y también en algunas zonas solo usando la punta del mismo. El secreto aquí es estar cómodo en el manejo de tu cepillo para que puedas tener confianza en tus trazos. Pinté hasta la parte inferior, pero estaré agregando tonos oscuros para que sea más completa. Mezcle verde oliva, índigo y chana marrón para esta mezcla verde oscuro profundo. Cuando agregas tonos oscuros, no pintes sobre todo solo aplica trazos oscuros solo en manchas seleccionadas. Estoy cargando mi pincel con un poco más de verde pero estoy mezclando un poco de violeta cobalto para cambiar ligeramente el valor del otro árbol. Aquí uso la punta de mi pincel para pintar la parte superior del árbol. Observe los trazos de dabbing que hago para crear trazos más gruesos. A medida que voy más bajo, pongo más presión en mis golpes de dabbing y meneo para obtener marcas aún más gruesas. Ahora esta vez no voy a pintar hasta el borde del papel. Usando botella de spray rocío agua en la parte inferior y dejo que la pintura desangre. Pasé a pintar el siguiente árbol. Lo hice más pequeño que el otro. Repito los trazos de dabbing y meneo, para crear la forma triangular. Yo rocié un poco de agua en el borde inferior para llevar la pintura hacia abajo sobre el papel también. Como esta porción se mojó debido a este pulverizador, froté algunas verdes para agregar color. También froto un poco de chana marrón aquí abajo, así que este lugar no será demasiado aburrido con el mismo tono verde. Sirve como un punto culminante. Pinto otro árbol aquí y lo hice más pequeño, así que no voy a cubrir el fragmento de sol. Repito el proceso de pintar los árboles y rociar agua para que la pintura fluya hacia abajo. Es como crear un efecto que las pinturas se disuelven para darle un enfoque extra a la luz. Aquí mientras pintamos el árbol más cerca del sol, usamos nueva mezcla de gamboge con chana marrón. De esta manera creamos una impresión de luz golpeando la porción del árbol. Esta es una de las cosas que me encantan de este cepillo ultra redondo. Tiene una siesta muy bonita y tan fácil de controlar que pintar detalles finos como este se siente como dibujar con un bolígrafo. La punta puntiaguda también me permite crear una pequeña marca de pincel, así que no tengo que cambiar los pinceles de vez en cuando. Ahora a medida que te alejas de la luz, volveremos a hacer la transición del color al verde. En esta zona inferior, solo soy yo frotando trazos para rellenar un área más grande. Sigo pintando algunos árboles más aquí en el lado derecho y haciendo mis trazos más sueltos y más grandes. Siento que el área del cielo aquí a la derecha se ve un poco vacía así que agregaré un árbol más alto aquí. Todavía empiezo con un color naranja y luego hago la transición al verde a medida que llego a la parte media e inferior. También agrego un arbolito aquí en el medio, ya que la brecha es bastante grande y se ve vacía. Voy a agregar pequeñas marcas para que el bosque se vea más lleno y también frotaré algunos trazos oscuros aquí en la parte inferior. Como paso de acabado, salpicaré algunas gamboge nuevas usando mi pincel redondo aquí en la parte inferior como acentos y también para romper el relleno sólido de color verde. Nuestra pintura está completa. Espero que hayas podido seguirlo. Si tienes preguntas, no dudes en dejarme un mensaje en la pestaña Discusiones debajo de este video. En la siguiente lección, practicaremos pintar cercas de madera enfocándonos en crear texturas rugosas usando diferentes trazos de pincel. [MÚSICA] 12. Day 5 cerca de granja de madera: Estamos hasta los últimos ejercicios, y estoy seguro de que para entonces, podrás ver el progreso y la diferencia en cómo te acercas tu proceso de pintura y cómo sostienes y juegas con tu pincel. Ahora para el ejercicio de pintura de hoy, vamos a practicar cómo sacar a relucir la textura rugosa de las cercas de madera y cómo mezclar múltiples colores en el cielo de una sola vez. Comencemos nuestro boceto identificando la línea del horizonte. A partir de aquí, asigno un punto aquí del lado derecho de la línea que me servirá como mi punto de fuga. Para que una valla de madera se vea realista, tiene que dibujarse siguiendo la perspectiva fórica. Dibujé dos líneas diagonales que se cruzan todas hasta el punto de fuga. Esto me sirve de guía para dibujar la altura de cada barda. Dibujé la madera aquí comenzando por la izquierda, y luego la siguiente un poco más corta, siguiendo mi línea diagonal como guía. [MÚSICA] A medida que agrego más madera, la distancia entre cada madera tiene que ir más corta también. [MÚSICA] Este es nuestro boceto final. Empecemos a pintar el cielo. Estamos pintando sobre papel seco. Empiezo mezclando el color cálido usando gamboge y shell nuevos. Mi mezcla tiene más gamboge nueva en ella. Después con un trazo horizontal completo, pinto la línea del horizonte. Vuelvo a cargar mi pincel con pintura, agregando un poco más de concha rosa en ella. Se me ocurre hacer el lavado grande audaz y solo variar la cantidad de gamboge nuevo o rosa concha en cada lavado. A continuación, agrego un poco de quinacridona magenta para introducir un toque de rosa concha en mi mezcla. Yo hice algunos trazos cortos y ligeros para ver cómo se ve en el cielo. Como se ve demasiado pálido, me sale violeta de perileno y lo agrego a mi mezcla amarilla. Aquí consigo un bonito color naranja violáceo para la puesta de sol. [MÚSICA] A continuación me sale violeta cobalto y lo agrego a mi mezcla actual para conseguir este muy bonito color púrpura profundo en la parte superior del cielo. [MÚSICA] Para agregar más profundidad, agrego un poco de violeta de mar profundo a mi mezcla. También hice pocos trazos rápidos pero cortos del mismo color para retratar franjas de nube en el cielo. A continuación, dejé una pequeña porción de pintura para mostrar la luz. Entonces usé mi cepillo limpio y húmedo para quitar la pintura restante y despegar el color por completo. Ese es el beneficio de pintar rápido y con un pincel grande. Podemos pintar el cielo lleno con diferentes colores sin tener bordes duros. Vuelvo a buscar mi cepillo de fregona, mezclo violeta perileno, gamboge nuevo y rosa concha para pintar tiras más pequeñas de nube en el cielo. Esto se hace mejor mientras el fragmento del cielo aún está húmedo por lo que el trazo es suave y controlado. Intenté quitar el color una vez más en la zona del sol porque la pintura sigue sangrando. Ahora mientras pintamos el campo, el color del campo está influenciado por el color del cielo. No sólo pintamos el campo con verde. Pintaré la luz reflejada en el campo usando un color similar que usé en el cielo. Mezcle violeta perileno, gamboge nuevo y rosa concha juntos para obtener este color y pintar esta porción del campo justo debajo del horizonte. A continuación, consigo violeta cobalto para pintar el campo y luego poco a poco introduzco verde a mi mezcla. Aquí tenemos un color verde mezclado con un poco de violeta cobalto. Poco a poco, añadimos índigo y violeta cobalto para obtener un tono más oscuro que usaré para pintar el primer plano. Al pintar esta zona, hago los trazos en distintas direcciones porque quiero crear textura y movimiento de hierba. [MÚSICA] Ahora que hemos terminado de pintar el campo, parece que le falta profundidad ya que la porción inferior no es lo suficientemente oscura. Aquí mezclaré verde oliva, índigo y siena quemada para un tono más oscuro y la colocaré sobre ella, llenaré de trazos juguetones, imitando el movimiento de la hierba. [MÚSICA] Usando una brocha redonda y mezclando violeta cobalto y siena quemada, salpicaré algo de pintura en primer plano. [MÚSICA] Si sientes no sale suficiente pintura, significa que necesitas agregar un poco de agua en tu pincel. A continuación, pintemos los árboles al fondo. Estoy preparando color violeta azulado oscuro usando violeta perileno, violeta cobalto, siena quemada e índigo. [MÚSICA] Una vez que obtuve este bonito color púrpura profundo, cargo bien mi pincel y hago trazos robando aquí a la izquierda. Como mi fragmento de cielo aún está húmedo, el efecto es suave y ligero. Quiero que aparezca un poco más oscuro que el fondo para mostrar impresión de silueta, así que hago una mezcla más gruesa usando los mismos colores pero menos agua. Una vez más froto el pincel encima, y aquí logramos esta silueta de árbol. [ MÚSICA] [MÚSICA] hice trazos horizontales, luego arrastré la pintura hacia abajo usando mi dedo para conectar el árbol al campo. Esto es similar a lo que hicimos para conectar el granero al campo en nuestro ejercicio anterior. Ahora usando rosa concha en la mezcla sobrante violeta, pinto trazos rotos en la línea del horizonte. Evita pintar trazo recto para que no distraiga a los ojos. [MÚSICA] Ahora estamos bien con el cielo y el término medio, procedamos junto a realzar el primer plano agregando pasto y luego pintando vallas de madera. Mezcle verde, siena quemada e índigo y lo uso para pintar la hierba aquí. [MÚSICA] En las dos primeras vallas, mi trazo es más grande y audaz. Pero a medida que me acerco al punto de fuga, mis trazos se hacen más pequeños y ligeros. [MÚSICA] También dejo algunas marcas de sienna quemada como reflejos en la hierba en las primeras hierbas. [MÚSICA] A continuación, salpico pintura amarilla aquí en el área del lado derecho para un efecto extra, y también hago un trazo de pincel seco ligero para conectar la hierba en el suelo. No se sienta intimidado si me muevo demasiado rápido al pintar estos elementos ya que es parte de la pincelada. A medida que practiques, también desarrollarás el ritmo de mover tu pincel rápidamente para crear marcas y trazos. De eso se trata en realidad la pincelada. Ahora vamos a pintar la cerca de madera. Para resaltar la textura sólida de la madera, el tono tiene que ser realmente sólido y opaco. También tenemos que hacer un cambio de tono en cada lado de la madera para mostrar la dimensión. Empecemos por la parte horizontal de la barda. Mezclo violeta de perileno, índigo, y un poco de gamboge nuevo y también violeta cobalto. Aquí pinto cada porción cuidadosamente. Tomé un pañuelo y lo froté sobre el dolor para aligerar el ictus. Como esto está cerca del punto de fuga, el tono tiene que ser más ligero y no tan fuerte. Evité pintar sobre la hierba. [MÚSICA] Hago trazo rápido para tener ese golpe de parche. [MÚSICA] A medida que me muevo más lejos, se puede ver más claramente la textura rugosa creada con trazo de pincel seco. También arreglo el esquema en alguna parte. A continuación, obtengo ocre amarillo y pinto en la parte superior de la madera para poder mostrar la dimensión. Hacer esto da la impresión de que la parte iluminada de la parte lateral superior de la madera está iluminada por el sol. A continuación pintemos las maderas verticales. Sigo usando el mismo color marrón oscuro, violáceo. Pero fíjate que dejé una parte diminuta sin pintar en el costado. Usaré un tono diferente para que eso muestre dimensión. Aquí he pintado con un tono más claro, y se pueden ver rápidamente los lados de la madera. Usaré pezones amarillos y un poco de rosa concha para agregar un poco de resaltado en algunos puntos. Esto ayudará a que la cerca salga del fondo. También puse diminutos puntitos de naranja cadmio para simplemente realzar el resaltado. Pero fíjate que a medida que aplico esto, solo hago trazos sugerentes y no pinto toda la línea. [MÚSICA] Terminemos agregando algunos trazos más de frotamiento seco aquí en el árbol solo para completar la escena, y también algunas salpicaduras en el campo para que no se vea demasiado suave y liso. Esta es nuestra pintura final. Espero que te hayas divertido haciendo este ejercicio. No olvides compartir tu trabajo en la sección de proyectos y dejarme saber cómo fue tu experiencia. En la siguiente lección, pintaremos un paisaje de bosque seco otoñal y practicaremos técnicas de rascado. 13. Día 6 Bosque de otoño: Bienvenidos al Día 6. Nuestro aviso de pintura hoy en día es bastante único de nuestros ejercicios anteriores porque es un paisaje en vivo otoñal. Aprenderemos a retratar los troncos de los árboles a través rayado y a cómo aplicar capas de colores sin que parezca una mancha. Primero dibujemos la línea del horizonte aquí debajo de la línea media. A continuación, lo importante en nuestro boceto aquí es el ángulo de la carretera. A medida que lo seques, haz un trazo lo más natural posible para que no se vea demasiado rígido. La línea tampoco debe cruzarse con la esquina del papel. Por último, dibuje algunas líneas que representarán la posición de los árboles. Empecemos a pintar. Me sale nueva gamboge con mi pincel de trapeador y pintura desde el horizonte subiendo. A medida que se apagan, agrego agua a mi pincel para que mi trazo sea más fluido. Entonces me sale violeta cobalto y pintura de arriba bajando. Hago trazos rápidos y mojo el papel con suficiente pintura. Para que el color púrpura sea un poco más fuerte, le agrego algunas violetas de mar profundo. A continuación, mezclo amarillo y violeta juntos cargando mi pincel con mucha agua y hago pocos trazos horizontales. Vi un charco de pintura amarilla en mi papel. Necesito deshacerme de él o de lo contrario va a crear una flor de acuarela. Simplemente lo lavo usando mi cepillo de trapeador, así se extenderá al papel de manera uniforme. A continuación, me dan brunch y ahora con mucha agua y empiezo a pintar zona bajo el horizonte. Yo hice esto para que no haya un borde amarillo duro desde el lavado inicial. Después de eso, me sale violeta cobalto para pintar la base lavar de la carretera. Oscuzco un poco más la parte más cercana a nosotros. Después usando verde oliva, pinto ambos lados de la carretera. Aquí puedes ver que tratamos toda la foto como una forma grande. Es por ello que pintamos el primer lavado con el mismo valor tonal. Pintaremos los elementos del paisaje más adelante una vez que hayamos terminado de configurar el estado de ánimo inicial o lavado de la escena. También salpicé algunas pinturas aquí en el camino para obtener textura. Yo uso morado para el camino y verde para los costados. A continuación, tomo mi pincel redondo para pintar las briznas de hierba. Sigo usando mi mezcla verde con índigo. Está bien si no obtienes un trazo detallado ya que el lavado inicial aún está húmedo. Este paso es solo el segundo, que está configurando los valores medios. Yo varío el tono de verde aquí. Mi trazo es muy rápido y repetitivo, pero varían en altura y no rígidos. Estoy recibiendo naranja cadmio, crear una mezcla cremosa de ella con nueva gamboge y frota la punta de mi pincel sobre el papel. Es como crear impresiones de plantas de naranja detrás. A continuación, agrego algo de pintura verde oscuro en el medio y también aquí al frente. Mantengo los mismos trazos ascendentes y descendentes, pero haciéndola pequeña a medida que me acerco a la línea del horizonte. Agrego algunas salpicaduras más anaranjadas aquí en el camino para unir todos los colores juntos. Usando la misma mezcla de naranjas, pintaré árboles en el fondo usando el vientre de mi pincel. Alterno colores al hacer la transición a verde y luego volver a naranja. Básicamente, estoy alterando la proporción de colores en la mezcla para crear juego de colores. No pintarás cada árbol uno por uno, sino que solo crearás una impresión de la forma general de los árboles colectivamente. Oscuzco el tono aquí en la parte base. Yo uso el color verde oscuro y sigo usando el vientre del cepillo mientras lo sostengo de lado. Aquí estoy agregando unos colores y trazos en la parte media que se ven bastante vacíos. [MÚSICA] [MÚSICA] También agrego algunos trazos de brizna de hierba más definidos ya que el papel ya se está secando. Usando [inaudible] necesito conectar esta hierba al suelo pintando algunos sugerentes puntos horizontales de pintura. A continuación, como la pintura ya ha sido absorbida por el papel, es un buen momento para hacer el rayado. Usando mi uña, rasco líneas verticales para el tronco del árbol. Sabrás que es el momento adecuado cuando logras un buen rasguño limpio. Si ves que la pintura fluye de regreso al área de rayado, eso significa que tu papel aún está muy húmedo. Hay que esperar un poco más para que se moje. Aquí rasco varias líneas sobre los árboles. Podemos empezar a pintarlos. Aún usando mi pincel redondo, obtengo una mezcla de color verde parduzco y pinto los lados del rasguño solo para crear más contraste. No pinto una línea marrón recta de extremo a extremo. Nuevamente, los trazos sugerentes son suficientes para crear contraste. Me sale gamboge nuevo y verde oliva, hago la batidora espesa y cremosa por lo que parecerá opaca. Extendí las cerdas de mi cepillo y empiezo a frotarlo al papel. Hago sombra más oscura y continué pintando árboles usando este trazo. La clave aquí es usar un color más grueso y más oscuro que el color que tienes en el término medio. Siendo este el árbol principal a la derecha, uso ocre amarillo y pinto la punta del árbol. Lo hago de la misma manera que pinto nuestros pinos anteriores. Toco la punta del pincel y parte coloco el vientre para crear trazos más gruesos. [MÚSICA] Pinto la parte inferior del árbol verdosa y luego agregaré puntos de ocre amarillo como reflejos. Cubro parcialmente el tronco de rasguño con pintura para que se vea más natural. A continuación, dado que la parte lateral derecha se ve un poco vacía en comparación con los árboles de la izquierda, agregaré algunas hojas aquí en la esquina superior derecha para completar la composición. Terminaré la pintura con menos salpicaduras, puntos de pintura en la carretera y tierra, y luego terminamos. Nuestra lección será nuestro último ejercicio para la clase. Estoy muy contenta de tenerte hasta aquí. Combinemos todas las pinceladas juntas y pintemos una trama muy interesante en el siguiente video. 14. Día 7 Árbol viejo: Estoy tan bendecido de tenerte hasta aquí. Este es nuestro último y último aviso de pintura y espero que haya sido una experiencia maravillosa y perspicaz para ti. Para el último ejercicio pintaremos este paisaje resumiendo todas las técnicas y pinceladas que hemos realizado a lo largo del curso. Empecemos el boceto a lápiz. Dibujo una pendiente aquí en la parte inferior derecha para el cerro y luego la línea del horizonte desde la izquierda. A continuación dibujo un contorno de los arbustos, luego el gran tronco de árbol aquí en el lado más derecho. [MÚSICA] Lo hago lo suficientemente grande ya que es nuestro punto focal. [MÚSICA] Trato de imitar el movimiento natural de las ramas haciendo trazos temblorosos. [MÚSICA] Estoy bien con mi sketch y podemos empezar a pintar. Empiezo con el fragmento del cielo. Tomo gamboge nuevo y shelby, cargo completamente mi cepillo de trapeador y hago los lavados horizontales a partir de la línea del horizonte. Siguiente Mezcle violeta de perileno a mi mezcla para obtener un tono violáceo. [MÚSICA] Sigo pintando el fragmento del cielo, creando un juego de colores entre mis amarillos y rosas. [MÚSICA] El secreto aquí es mantener tu trazo lo más breve y limitado posible para que obtengas una capa de pintura fresca y agradable. Cuanto más regrese sobre una capa pintada y la cubra con otro color, fangosa o sobrecargada se verá. Tomaré la pintura violeta cobalto y la pintaré en la parte superior del cielo. Observe que no pinto justo al lado amarillo porque eso solo causará una mezcla fangosa. Necesitamos agua para mezclar estos dos colores pulcramente. [MÚSICA] A medida que se acerca al amarillo, cargo mi pincel con más agua diluyendo la pintura púrpura en mi pincel. También profundizo el tono púrpura aquí en la parte superior. [MÚSICA] Usando trazos rápidos pero ligeros, pinto impresión de nubes y las hago trazos delgados y fluidos. Puedes pintar estas nubes moradas mientras el fragmento del cielo aún está húmedo. Si el papel ya está seco crearás bordes duros y molestos o crearás las flores de acuarela traídas por un pincel húmedo. [MÚSICA] Creo que estoy bien con el cielo y me detendré antes de exagerar. Aquí limpio mi pincel y trato de quitar la pintura usando mi pincel húmedo. Estoy levantando color para crear resplandor de luz en el cielo. A continuación pintemos el océano usando la misma mezcla morada. ¿Recuerdas cómo pintamos la pierna tranquila en Ejercicio 2 usando pincelada seca? Básicamente estamos haciendo lo mismo aquí. [MÚSICA] Quiero retener los parches de papel sin pintar para mostrar resplandor de luz sobre el agua. Ahora, pintemos el cerro usando gamboge nuevo y verde oliva. [MÚSICA] Pintar el cerro con pinceladas dirigidas a seguir la pendiente del cerro, notar que comencé con trazos diagonales hacia abajo y luego transité a trazos horizontales para mostrar la dimensión del cerro. Recuerda hacer la parte más cercana a nosotros a través del tono más oscuro para la profundidad. [MÚSICA] Ahora tomo mi pincel redondo y obtengo violeta cobalto y violeta perileno. [MÚSICA] Pinto un poco más en el fragmento de agua para profundizar el tono. A continuación vamos a pintar el pincel detrás del árbol. Usando las pinturas sobrantes en mi paleta, intentaré crear un color verde apagado. Tomo verde oliva, violeta perileno e índigo. [MÚSICA] Hago una mezcla cremosa de pintura, froto mi pincel de derecha a la parte media del papel y pinto la forma general del arbusto. [MÚSICA] Mezcle un poco de gamboge nuevo a mi mezcla existente para pintar las coronas del arbusto con un tono más claro. [MÚSICA] Aquí estoy tratando de levantar el color con mi pincel redondo ya que cubrí la porción del tronco del árbol. Siguiente Splateo algunas pinturas en primer plano para que no se vea demasiado simple. Yo uso mis pinturas verdes sobrantes para esto. [MÚSICA] Me sale violeta cobalto y pinto la porción iluminada del árbol. [MÚSICA] Esta es la parte lateral izquierda del tronco y las ramas. [MÚSICA] Luego usando brunch y luego violeta cobalto y un poco de índigo, pinto el tronco con este color marrón oscuro. Necesito hacer la mezcla muy espesa para que salga del fondo. [MÚSICA] Como no puedo hacer los trazos finos porque el papel aún está mojado, primero uso mi pistola de calor para secar el papel. Sigo pintando la porción del tronco. [MÚSICA] Para pintar estas ramas y ramitas, utilizo la punta de mi pincel y la pinto con muy mínima presión. [MÚSICA] Si te resulta difícil controlar la presión sobre tu brocha, te recomiendo usar una brocha más pequeña o una brocha de forro. [MÚSICA] Hago mis trazos ondulados y temblorosos para crear una impresión natural. [MÚSICA] A veces también toco la pintura con el dedo para desvanecer el color. [MÚSICA] A medida que pintamos las ramitas, el tono también tiene que ser muy ligero. Pero a medida que pintamos el tronco y las ramas, ambos pueden tener un tono un poco más oscuro. [MÚSICA] Tomo el gris de Payne y lo mezclo con mi marrón para obtener un color marrón oscuro profundo. Necesito este tono oscuro para que el árbol se vea más vivo. Necesitamos crear un alto contraste entre la porción iluminada del árbol y la porción oscura del árbol en sombra para que aparezca dimensional. Aquí solo estoy mejorando la forma general del tronco haciendo algunas partes más gruesas y proporcionadas. [MÚSICA] Entonces me sale azul hielo y violeta cobalto y lo pinto en las porciones iluminadas del tronco como resaltado. [MÚSICA] Apago esta pintura opaca solo en algunas áreas de la porción iluminada. [MÚSICA] Cuidado de no exagerar para que no se vea incómodo. Lo mejor es colocarlo como puntos en la porción del tronco y también en algunas ramitas y ramas. [MÚSICA] Asegúrate de hacer una pausa de vez en cuando, dar un paso atrás y mirar tu trabajo desde y mirar tu trabajo desde la distancia para ver si ya estás poniendo demasiados detalles y es mejor parar. [MÚSICA] Creo que nuestra pintura está hecha, me detendré desde aquí y la dejaré secar completamente. Guau, ¿ te imaginas que terminaste con los siete ejercicios de pintura Enhorabuena. Ha sido una lección repleta. Hemos cubierto muchas cosas, desde estrategias prácticas, pinceladas, mezcla de colores con la paleta de colores limitada hasta una variedad de formas de aplicarlos en diferentes temas de pintura. Espero que sigas practicando para que aflojes con éxito tu estilo de pintura. Es normal que a veces te sientas infeliz con tu trabajo pero no dejes que eso te impida practicar. Tu práctica nunca es en vano. Te veré en el video final para algunos consejos para que sigas creciendo. [MÚSICA]. 15. Continúa el viaje: [MÚSICA] Ante todo, muchas gracias por acompañarme toda la semana para crear estas pinturas de paisajes y felicidades por tus increíbles obras. No puedo esperar a ver tu pintura, así que no olvides tomar una foto de tu obra y subirla a la sección de proyectos y recursos. También te animo a que compartas tu trabajo en Instagram y por favor sígueme y etiquétame en Biancarayala y Skillshare en Skillshare. De esa manera puedo dar me gusta, comentar y compartir tu trabajo en mis historias de Instagram. Si disfrutaste de mi clase, por favor deja una reseña aunque sea breve y dulce, realmente me animo leyendo tus amables críticas, lo que te gustó de mi clase, cómo te inspiró y te ayudó en tu viaje. Tu opinión también ayuda a mi clase a obtener más atracción aquí en Skillshare. Agradezco mucho su apoyo. Puedes dejar tu opinión una vez que hayas terminado ver toda la clase debajo del video, verás la pestaña de revisión. Haga clic en el botón verde Dejar reseña, luego simplemente puede hacer clic en su calificación de las opciones. Por último, tengo algunas otras clases que me gustaría recomendar. Si quieres llevar tus habilidades a los siguientes pasos mientras continúas con el hábito diario de pintar unos minutos al día, tengo dos clases diferentes disponibles. Primero es el Viaje a la Acuarela: Desarrolla Tu Estilo en 14 Días de Pintura de Paisajes. Esta es una de mis clases más populares por ahí. Si aún no lo has visto. Es una clase súper divertida donde pasarás por 14 días de práctica de autodescubrimiento y exploración de acuarela mientras pintamos diversos paisajes de 14 increíbles destinos alrededor del mundo. Cuando termines, puedes continuar la serie y unirte a la Parte 2 de la clase, que es el viaje de acuarela, construir un hábito en 14 días de pintura de paisajes. A continuación, si quieres ir despacio y descubrir una forma divertida de relajarte y jugar con la acuarela, puedes probar Free-Flow Watercolors: 7 Días de Relajante Pintura de Paisaje. Se trata de una clase amigable para principiantes donde aprendes a disfrutar creando sin miedo que salgan de la necesidad de controlar el resultado y descubrir nuevas y divertidas relaciones entre el agua y el pigmento, medida que experimentamos, observamos y jugamos. Una clase más que recomendar es Paisajes Acuarela: Pintura con Técnicas Modernas de Acuarela. Este es otro de los favoritos. Aprenderás técnicas modernas de acuarela, obtendrás una comprensión práctica de los fundamentos de la acuarela y aprenderás a pintar paisajes de una manera que capture el estado de ánimo y la atmósfera. Bueno, eso es una envoltura para hoy. 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