Zeichnen lernen: Überzeugende Kompositionen schaffen

1. Willkommen!: Hey, ich bin Liz. Ich bin Lebensmittel-Illustrator im Norden von New Mexico, und ich freue mich sehr, Sie hier im Druckwerk Studio begrüßen zu dürfen. In der heutigen Klasse lernen Sie in Ihren Illustrationen alles darüber, wie Sie überzeugende Kompositionen erstellen können. Ich weiß, dass Komposition sich wie dieser schwer fassbare, komplexe, alte Kunstbegriff anfühlen kann . Ich möchte nicht, dass du dich eingeschüchtert fühlst, ich möchte, dass du dich in deiner Fähigkeit, Kompositionen zu machen, ermächtigt und zuversichtlich fühlst, weshalb ich diese Klasse gemacht habe. Ich werde alles in verdauliche bissgroße Stücke zerlegen, so dass Sie von dieser Klasse mit all der künstlerischen Terminologie weg gehen , um auf Ihrer nächsten Dinnerparty herumzuwerfen. Aber auch mit der Fähigkeit, Kompositionen mit Zuversicht aus einem soliden Fundament zu schaffen . Wir beginnen diese Klasse, indem wir in die Elemente eintauchen, die eine kraftvolle Komposition bilden, sowie die Regeln traditioneller Kompositionen und natürlich, wann wir sie brechen. Anschließend praktizieren wir viele praktische Übungen, sowohl auf Papier als auch digital in Adobe Illustrator, um Ihr Kompositions-Toolkit zu massieren. Sie implementieren alles, was Sie am Ende dieses Kurses lernen, mit dem abschließenden Klassenprojekt, um ein illustriertes Kochbuchcover zu erstellen. Bist du bereit? Schnapp dir dein Skizzenbuch, schnapp dir deinen Stift, lass uns eintauchen. 2. Materialien: In dieser Klasse lernen Sie, wie Sie eine Komposition mit Stift und Papier erstellen und wie Sie eine Komposition digital in Adobe Illustrator erstellen. Ich habe eine Materialliste in dem Dokument erstellt das im Abschnitt Projekte und Ressourcen dieser Klasse angehängt ist. Zögern Sie nicht, es für die Namen und direkte Links zu referenzieren, um die empfohlenen Werkzeuge zu sammeln. Für den analogen oder Stift und Papier Teil dieser Klasse benötigen Sie einen Stift. Ich empfehle die Prismacolor Premier Illustration Marker Set von sieben in schwarz. Ich bevorzuge dieses Set derzeit, weil diese Stifte knackige, fließende schwarze Linien erzeugen. Es gibt so viele Größen zur Auswahl. Sie können kleine, zarte Linien mit der Spitze 005 erstellen oder die Pinselspitze für eine dickere Flüssigkeitslinie verwenden. Diese Stifte sind auch wasserabweisend, was Ihre Zeichnungen schützt. Einer der Hauptgründe, warum ich empfehle, einen Stift anstelle eines Bleistifts für Ihre Zeichenübungen zu verwenden , ist, dass Sie Ihre „Fehler“ nicht löschen können. Ich fand in den Klassen, die ich unterrichte, dass viele Leute, selbst eingeschlossen, zu früh in einer Zeichnung aufhören, weil sie glauben, dass sie sich durcheinander gebracht haben. Wenn wir jedoch mit einem Stift arbeiten, können wir selbstbewusste Linien zeichnen und aus unseren Fehlern lernen, indem wir schnell verstehen, was in einer Zeichnung nicht funktioniert oder lernen, die festgestellten Fehler in unsere endgültige Zeichnung zu integrieren. Das macht Platz für glückliche Unfälle und neue Entdeckungen. Umarmen Sie die Tinte und haben Sie Vertrauen in Ihre Linien. Wenn wir mit Stift arbeiten, müssen wir dafür sorgen, dass es funktioniert. Das klingt herausfordernd und manchmal ist es wirklich. Aber es ist ein großartiger Ansatz, durch den Prozess zu lernen. Für diese Klasse benötigen Sie auch mehrere Blätter Papier für die Zeichenübungen. Dieses Papier kann alles sein, von achteinhalb mal 11-Zoll-Druckerpapier, Skizzenbuchpapier bis hin zu Zeitungspapier. Für schnelle Skizzen und Üben bevorzuge ich Druckerpapier oder Zeitungspapier. Aber wenn ich Illustrationen auf dem Sprung oder ein Kunstwerk, das ich beabsichtige ein endgültiger Druck wie das Kochbuch Cover für diese Klasse zu sein, liebe ich es, ein Canson XL Mixed Media Skizzenbuch zu verwenden. Ich empfehle die 9 x 12 Zoll Größe dieses Skizzenbuchs für die Klasse. Sie können das Papier leicht auf die empfohlene Größe von acht x 10 Zoll für die letzte Kochbuchabdeckung im Klassenprojekt abschneiden . Für diese Klasse benötigen Sie auch eine Schere, einen Klebestift, einen Bleistift und ein paar Blätter Baupapier. Mach dir keine Sorgen um die Farbe des Baupapiers. Wählen Sie einfach etwas, das bequem ist und Ihre Phantasie auffällt. Sie benötigen auch ein Lineal, um Ihr Papier auf acht mal 10 Zoll für die Kochbuchabdeckung im Klassenprojekt zu messen . Für den digitalen Teil dieser Klasse benötigen Sie einen Stift. Auch hier ist das Prismacolor-Paket meine Empfehlung. Leere Blätter Papier zum Zeichnen, Zugriff auf einen Scanner, sowie Adobe Illustrator. In Ordnung, ich glaube, das war's. Sammeln Sie Ihre Materialien und lassen Sie uns in der nächsten Lektion in die Klassenprojektübersicht eintauchen. 3. Kursprojekt-Übersicht: Für Ihr Klassenprojekt erstellen Sie ein illustriertes Kochbuchcover mit den Elementen der Komposition, die wir in dieser Klasse besprechen und praktizieren. Sie haben die Möglichkeit, dieses Kochbucheinband mit Stift und Papier oder digital in Adobe Illustrator oder beidem zu erstellen . Denken Sie an einige verschiedene Lebensmittel und Kochwerkzeuge, die Sie vielleicht in Ihre abschließende Projektabbildung aufnehmen möchten. Ich denke, ich werde einige Rüschen Senf Greens zeichnen, definitiv einen Spatel, weil ich liebe es zu backen, sowie einige andere lustige Veggie Überraschungen, die Sie sehen werden, wenn wir am Ende dieses Kurses zum Klassenprojekt kommen. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihr letztes Kochbuchcover im Bereich Projekte & Ressourcen dieser Klasse hochladen . Wenn Sie Ihr letztes Kochbuchcover hochladen, würde ich auch gerne ein paar Fotos Ihrer Prozessskizzen aus den Übungsstunden während des Kurses einbinden. Dies kann Ihre Ausschnittskomposition, Ihre Miniaturansichten Übungen und Beispiele für Ihre intuitiven Musterkompositionen umfassen . Ich würde es auch lieben, dass du dein Pinterest-Inspirationsboard, das du in der Lektion „Gathering Inspiration“ erstellen wirst, und einen kurzen Absatz über das Kochbuchcover, das du illustrierst, einfügst dein Pinterest-Inspirationsboard, das du in der Lektion „Gathering Inspiration“ erstellen wirst , . Ist es ein Kochbuch mit Familienrezepten? Ein Kochbuch mit Ihren Lieblingsrezepten? Ein Frühstücks-Kochbuch? Teilen Sie die Geschichte hinter Ihrer Kochbuchillustration mit Ihrem endgültigen Projekt. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihr endgültiges Projekt im Abschnitt „Projekte & Ressourcen“ dieser Klasse hochladen. Ich habe auch einige Ressourcen Dokumente unter der Schaltfläche „Klassenprojekt“ geteilt , die die empfohlenen Materialien für diese Klasse enthalten, Skillshare Klassen, auf die ich während der Unterrichtsstunden verwiesen habe, um tiefer in bestimmte Fächer zu tauchen, sowie Image-Downloads, die wir in einigen der Lektionen verwenden werden. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihre Fragen stellen und teilen Sie Ihre Entdeckungen auf dem Weg im Abschnitt Diskussionen. Ich liebe es, von dir zu hören. In der nächsten Lektion werden wir eintauchen, was Komposition wirklich bedeutet und warum es so wichtig ist. 4. Was ist Komposition?: Was ist Komposition? Bei seiner grundlegendsten Definition ist die Komposition, wie visuelle Elemente auf einer Seite angeordnet sind. Die Bedeutung der Komposition geht jedoch viel tiefer als diese, weil es die Praxis ist, ein Gefühl von Harmonie, Einheit und Schönheit in einem Kunstwerk zu schaffen . Daher ist Komposition nicht nur ein Werkzeug, um das Auge eines Betrachters über ein Kunstwerk zu lenken, sondern es ist auch eine notwendige kreative Methode um einem Betrachter ein bestimmtes Gefühl oder eine Botschaft zu vermitteln. Wie Matisse in Notes of a Malers feststellt, ist Komposition die Kunst, die verschiedenen Elemente, die die Maler befehlen, dekorativ zu arrangieren , um seine Gefühle auszudrücken. Wenn eine Komposition nicht harmonisch und nicht ausgewogen ist, kann sie sich fade und uninteressant oder chaotisch und überstimulierend anfühlen. Zum Beispiel kann sich eine sehr beschäftigte Komposition chaotisch, interessant, spannend oder nervenös anfühlen . Alternativ können sich einfache Kompositionen friedlich, erdend und manchmal zu leer anfühlen . Eine harmonische Komposition fügt sich zwischen diesen beiden Extremen ein, um Ordnung zu schaffen. Eine überzeugende Komposition kann sich wie ein tiefes Einatmen und Ausatmen, ein Moment der Pause und ein Moment des Gleichgewichts anfühlen. Einige Kompositionen sind so mächtig, dass sie einen Betrachter dazu führen, von einem Kunstwerk fesseln zu lassen, Zeit zu verlieren und ein tiefes Gefühl der Verbindung zu spüren. Die durchschnittliche Zeit, in der eine Person ein Kunstwerk ansieht, liegt zwischen 15 und 30 Sekunden. Aber eine überzeugende Komposition kann einen Betrachter anrufen, um 15 Minuten oder 30 Minuten oder länger mit dem Kunstwerk zu bleiben . Siehst du, je länger wir mit der Kunst bleiben, desto mehr können wir über das Werk, die Bedeutung und den Künstler entdecken . All das gibt uns ein tieferes Gefühl der Verbindung. Ich wette, du hattest einen Moment wie diesen mit einem Kunstwerk in einem Museum, einer Stadtstraße oder in deinem eigenen Haus, das so tief einen Akkord schlug, dass du es nicht vergessen konntest. Nehmen Sie sich einen Moment Zeit, um an diese Zeit mit diesem spezifischen Kunstwerk zurückzudenken. Schließen Sie Ihre Augen und erinnern Sie sich an die Farben, die Themen sind wichtig , die Anordnung der Elemente im Bild, wer Sie zu diesem Zeitpunkt waren, was Sie an diesem Punkt in Ihrem Leben durchgemacht haben. Wie haben sich die Elemente im Artwork zueinander bezogen? Wie haben sich diese Elemente auf Sie bezogen? Ich wette, dass viele der anfänglichen Gefühle, die du damals erlebt hast, jetzt wieder auftauchen. So mächtig können Kunst und Komposition sein. Für mich ist der Kunstmoment, der mir auffällt, so klar. Es war, als ich das Georgia O'Keeffe Museum besuchte, als ich 13 Jahre alt war. Ich war in der achten Klasse und fing an, mich in der Schule mit Kunst zu beschäftigen, aber ich habe nie wirklich geglaubt, dass ich Künstler werden könnte, weil meine Zeichnungen, sie waren nicht völlig realistisch. Ich dachte, Kunst müsse im Realismus verwurzelt sein. Aber dann im Museum drehte ich eine Ecke und sah eine von Georgia O'Keeffes Pastellzeichnungen namens Pedernal 1945. Es hat mich in meinen Spuren gestoppt und etwas so tief in mir getroffen , dass alle anderen Kunstwerke scheinen aus dem Blickwinkel zu fallen. Ich war fesselnd. Die Arbeit zeigte eine Landschaft, aber sie zeigte die Landschaft in O'Keeffes Stil aus ihrer einzigartigen Perspektive und Herangehensweise. Diese Zeichnung war nicht realistisch. Es war ein Werk des Kontrastes in der Farbe zwischen Blues und Pfirsichen, in Form zwischen geometrischen Rippen des Berges und dem gebogenen organischen Schlag eines abstrakten Knochens. Dieser Moment bringt mir immer noch Schüttelfrost, denn es war der Moment, in dem ich wissen musste, dass ich auch Künstlerin sein könnte. Es war ein Moment, der mir gezeigt hat, dass Kunst nicht um Realismus geht. Es geht um das Gefühl. Es geht um Verbindung. Es geht darum, eine Brücke zwischen Schöpfer und Betrachter für einen Augenblick zu schaffen , der geteilt, erinnert und einflussreich ist. Habe ich Sie überzeugt? Überzeugende Kompositionen können einen Betrachter dazu aufrufen, einen Traum zu verfolgen, eine neue Erkenntnis zu erlangen, Heilung zu finden und sich zu verlangsamen, um einen tieferen Sinn für Bedeutung zu finden. Ziemlich mächtiges Zeug, huh. Um zu beginnen, Ihre eigenen überzeugenden Kompositionen in dieser Klasse zu fertigen, stellen Sie sich einige dieser Leitfragen. Wie kann ich diese Elemente verwenden, um mein Auge durch das Kunstwerk zu führen? Wie kann ich diese Elemente platzieren, um das Auge des Betrachters durch das Kunstwerk zu führen? Wie kann ich diese Elemente arrangieren, um jemanden einzuladen, mit dem Kunstwerk zu bleiben? Wie kann ich mit diesen Elementen im Artwork ein gewisses Gefühl oder Emotion vermitteln? Eine überzeugende Komposition zu erhalten, die klickt, erfordert viel Versuch und Irrtum und Experimentieren. Es wird einen Moment geben, wenn Sie eine Komposition erstellen und es einfach klicken, wie zwei Puzzleteile, die zusammen kommen. Wenn du das spürst, wirst du wissen, dass du in ein Arrangement eingesperrt hast, das funktioniert. Wir werden viele Übungen in dieser Klasse durchlaufen, um Kompositionen zu üben. Aber in erster Linie möchte ich sagen, vertrauen Sie Ihren Instinkten. Hören Sie sich diese innere kreative Anleitung Ihnen sagt, wo Sie jedes Element in Ihrer Zeichnung platzieren müssen. Ihr Vertrauen in diese kreativen Impulse wird im Laufe der Zeit stärken und Sie zu handwerklichen Kompositionen führen, die bleiben, die einzigartig für Ihren Stil sind. In der nächsten Lektion werden wir über die wichtigsten Elemente der Komposition sprechen und wie Sie sie in Ihr Kunstwerk integrieren können. 5. Elemente der Komposition: In dieser Lektion nehmen wir es aus dem Studio und zurück Klassenzimmer , um in die Elemente der Komposition einzutauchen. Betrachtet als Ihre Toolbox, die Sie referenzieren, während Sie Ihre Kunstwerke während des gesamten restlichen Kurses und in Ihrer eigenen Praxis erstellen. Dies könnte sich wie eine ganze Menge Informationen anfühlen, weil es irgendwie ist, aber lassen Sie sich nicht einschüchtern, wenn Sie anfangen, Kompositionen zu erstellen. Fühlen Sie sich nicht unter Druck, jedes einzelne Element einzuschließen oder sich Sorgen darüber zu machen, es falsch zu machen. Diese Elemente sind Wegweiser, auf die Sie verweisen können, wenn Sie sich feststecken fühlen oder das Gefühl haben, dass Ihre Komposition ein gewisses Flair fehlt. Also haben Sie einfach Spaß, nehmen Sie es rein und experimentieren Sie. Schnappen Sie sich einen Stift, schnappen Sie sich ein Blatt Papier und notieren Sie uns Notizen im Klassenzimmer. Einige der Hauptelemente der Komposition sind; Balance, Bewegung , Rhythmus, die auch als Wiederholung und Muster, Fokus und Kontrast bezeichnet werden können. Je nachdem, wo Sie suchen, könnte die Anzahl der Elemente größer sein als diese Liste, aber weil viele Elemente zusammenhängend zusammenarbeiten können, habe ich sie kombiniert, um unsere Erkundung heute zu vereinfachen. Lassen Sie uns in erster Linie über das Gleichgewicht sprechen. der Komposition geht es um Balance. Es geht darum, ein wahres Gefühl der Harmonie zwischen verschiedenen Elementen in einem Kunstwerk zu schaffen. Wenn es um das Gleichgewicht geht, gibt es drei Hauptkategorien, die Sie beim Erstellen Ihrer Zeichnungen berücksichtigen können: Symmetrie, Asymmetrie und radiale Symmetrie. Symmetrie ist, wenn es sich bei den Zeichnungselementen ein Spiegelbild auf beiden Seiten der Seitenmitte handelt. Wenn Sie Ihre Zeichnung in zwei Hälften falten würden, würden die Elemente vollständig aufeinander abgestimmt? Symmetrie kann das Gefühl einer sehr ausgewogenen Komposition erzeugen, aber je nach Thema kann diese vollständige gespiegelte Balance ein wenig glanzlos anfühlen. Asymmetrie ist, wenn die beiden Seiten Ihres Kunstwerks kein Spiegelbild sind, aber immer noch gegenseitig ausbalancieren, da das visuelle Gewicht verwendet wird. Diese Balance des visuellen Gewichts beruht oft auf dem Element des Kontrastes, das wir in ein wenig mehr diskutieren werden. Dieser Kontrast und das Gleichgewicht des Gewichts kann erreicht werden , indem man gegensätzliche Elemente auf der gesamten Seite anordnet; wie dunkle, dicke und dünne, negative oder leere Räume sowie positive oder gefüllte Räume aufhellt negative oder leere Räume . Kleine und große Größen von Objekten, einfache und komplexe Themen. Asymmetrie kann verwendet werden, um Kompositionen zu schaffen, die visuell faszinierend sind denn obwohl es immer noch ein Gefühl von Balance und Harmonie zwischen verschiedenen Elementen gibt, ist es nicht sofort offensichtlich, wie dieses Gleichgewicht entsteht. Das Element von Geheimnis und Entdeckung kann einen Betrachter lange genug mit asymmetrischer Arbeit beschäftigen , um herauszufinden, wie dieser Sinn für Harmonie vermittelt wird. Radiale Symmetrie ist, wenn um die Mittelachse gespiegelte Symmetrie vorhanden ist. Zum Beispiel ein Stern oder der oberste Stern auf einer Tomate oder einem Sternfisch oder ein Steppmuster. Radiale Symmetrie innerhalb einer Komposition kann besonders effektiv bei wiederholten Mustern sein, die wir später in dieser Klasse erstellen werden. Ein weiteres Element der Komposition ist Bewegung. der Bewegung innerhalb einer Komposition geht es darum, das Auge des Betrachters über Ihr Kunstwerk von einem Element zum nächsten zu führen . Überzeugende Kompositionen entstehen aus einer Beziehung von Elementen, die das Auge des Betrachters durch Bewegung über eine Zeichnung oder um eine Leinwand halten. Bewegung geht es nicht nur um visuelle Führung, sondern auch darum, ein Gefühl in einem Kunstwerk zu vermitteln , indem man Energie und Aktivität hinzufügt. in diesem Gemälde beispielsweise die Bewegung, Wie sehen Siein diesem Gemälde beispielsweise die Bewegung,die vom Künstler vermittelt wird? Es gibt so viele Elemente der Bewegung, die in dieser Arbeit geschehen. Der innenliegende Regenschirm gibt das Gefühl der Bewegungen eines unsichtbaren Windstoß, sowie die Frau, die versucht, den Regenschirm zu fangen, bevor er wegfliegt. Darüber hinaus fließt ihr Kleid nach rechts, was das Bewegungsgefühl von einem starken Windstoß verstärkt. Das Kind auf der linken Seite des Gemäldes ist in Bewegung mit Kindern, die scheinen ihre Freunde zu sein. Sie zeigt, und ihr linkes Knie ist in einer leichten Biegung , die es scheint, dass sie sich bewegen oder rennen wird. Des Weiteren scheinen die Meereswellen auf den Strand zu stürzen verstärken das allgemeine Bewegungsgefühl an einem windigen Tag. Können Sie mehr Elemente der Bewegung innerhalb dieses Gemäldes finden? All diese Elemente kommen zusammen, um ein energiegeladenes Kunstwerk zu schaffen , das voller Action ist. Es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, Bewegung in einem Kunstwerk zu vermitteln. Sie können wiederholte Texturen in einem Bildmaterial verwenden. Zum Beispiel ist Van Gogh für seine Verwendung von strukturierten Köpfen bekannt , die mit einer dicken Anwendung von Farbe und Pinselstrichen hergestellt werden. Sie können auch Leerzeichen auf der Leinwand verwenden, um Bewegungen zu vermitteln. Zum Beispiel platziert Lisa Congdon die menschliche Figur in diesem Kunstwerk mit Spritzwasser zwischen Himmel und Wasser, um visuell zu vermitteln, dass sich die Person durch den Raum bewegt. Sie können auch Linien hinter einem Thema hinzufügen, um zu zeigen, dass es sich durch den Raum bewegt. Dies kann einen cartoonischen Stil haben, der schnell und direkt vermittelt, wo sich das Motiv innerhalb eines Kunstwerks bewegt. Sie können auch visuelle Spannung erzeugen, um Bewegung zu vermitteln. Dies kann durch Einfrieren eines Augenblicks erreicht werden, von dem wir visuell wissen, dass es nicht ewig dauern kann. Zum Beispiel steht die Ballerina in diesem Gemälde von Degas mitten in der Pose, steht auf einem Fuß, lehnt ihren Körper nach vorne und nutzt ihre Arme zum Ausgleich. Wir wissen, dass sie diese schwebende Bewegung nicht ewig halten kann, und so gibt es ein Element der visuellen Aufmerksamkeit, das sie bald in eine neue Bewegung fallen muss. Diese Methode der Schaffung von mittleren Bewegungen kann das Gefühl von Spannung und Drama in einem Kunstwerk erhöhen, was zu einem größeren Gefühl von Intrigen und Spannung für den Betrachter führt. Das nächste Element der Komposition ist Rhythmus , der auch als Wiederholung oder Muster gedacht werden kann. Dieses Element verbindet sich sehr direkt mit Bewegung, denn wie wir gesehen haben, kann Wiederholung verwendet werden, um ein Gefühl von visueller Bewegung in einem Kunstwerk zu erzeugen. Genau wie in der Musik, in der jedes Lied einen bestimmten Rhythmus hat, hat das Kunstwerk auch unterschiedliche Rhythmen, abhängig vom Künstler , dem Thema und dem Medium. Rhythmus und Musik wird mit einem bestimmten Abstand von Noten erstellt. Rhythmus in der Kunst wird mit Abständen verschiedener visueller Elemente geschaffen. Es gibt fünf Haupttypen von Rhythmus und Artwork: regelmäßiger, zufälliger, abwechselnder, fließender und progressiver Rhythmus. Ein regelmäßiger Rhythmus in der Kunst ist ein Rhythmus, bei dem die gleichen Elemente in Bezug auf Größe, Abstand, Farbe und Form gleichermaßen wiederholt werden. Diese Art von Rhythmus kann sich sehr ausgewogen und erdend in einem Kunstwerk fühlen, zum Beispiel die gleichen Tomaten, in dieser Zeichnung, in der gleichen Farbe, der gleichen Größe, in der gleichen Form, alle regelmäßig über diese -Folie. Der zufällige Rhythmus hingegen ist, wenn dieselben Elemente mehrfach verwendet werden , aber ohne gemessene Reihenfolge oder Anordnung. Zum Beispiel, in diesem Gemälde, Autumn Rhythm, Jackson Pollock verwenden die gleichen Elemente der gespritzten Farbe, aber ohne eine geplante Anordnung. Wechselnder Rhythmus ist, wenn zwei oder mehr Elemente jede zweite Runde wiederholt werden. Sie könnten sich ein Schachbrett oder ein Schachbrett vorstellen, oder in diesem Beispiel, den Querschnitt der Rüben, sehen Sie die Farben von Weiß und Rosa abwechselnd mit jedem strahlenden Kreis. Fließender Rhythmus gibt das Gefühl einer eleganten und sanften Bewegung über ein Kunstwerk könnte die Verwendung von organischen oder gekrümmten Elementen tun. Zum Beispiel, Klimts Verwendung von Spiralen in diesem Gemälde, Baum des Lebens, führt das Auge lebhaft über das Kunstwerk. Progressiver Rhythmus in Kunstwerken ist die Verwendung von sich wiederholenden Elementen, die sich nur in einer Eigenschaft ändern, wie Größe oder Farbe in einem Muster. Zum Beispiel wird in diesem Werk von Andy Goldsworthy der Kiesel größer, wenn er von der Mitte der Spirale nach außen kreist. So ändert sich die Größe, aber das Thema nicht. Progressiver Rhythmus kann drastisch und dramatisch oder langsam und subtil sein. Zum Beispiel ist die Verschiebung des Wertes zwischen diesen drei Quadraten ziemlich schnell und daher dramatisch, aber die Verschiebung des Wertes der gleichen Farbe oder Farbtons über 10 Quadrate ist schrittweise und subtiler. Fokus, oder Brennpunkt ist ein weiteres riesiges Element der Komposition. Im Mittelpunkt steht der Großteil der Aufmerksamkeit eines Betrachters in ein Kunstwerk. Dies könnte das erste sein, was der Betrachter angezogen wird, das Thema, zu dem das Auge des Betrachters immer wieder zurückkehrt, während es sich um die Kunst oder die Hauptbotschaft des Kunstwerks bewegt. Denken Sie darüber nach, wenn Sie so in ein Projekt aufgenommen werden, dass Sie die Zeit verlieren und sich vollständig auf die Aufgabe konzentrieren, Sie plötzlich aufschlagen und erkennen, dass 30 Minuten, eine Stunde oder mehr vergangen sind. Das ist auch die Kraft der Fokussierung in der Komposition, sie können den Betrachter dazu bringen, mit der Arbeit zu bleiben. Fokus kann auf verschiedene Arten erstellt werden, einschließlich Größe, Farbe, Isolation, wodurch ein Gefühl für das Ungewöhnliche, zum Beispiel, Kreis inmitten einer Gruppe von Quadraten, sowie ein Werkzeug namens Unterordnung, das verwendet tragende Elemente, um die Aufmerksamkeit auf den Brennpunkt zu lenken und hervorzuheben. Dies, Sie können es wie unterstützende Charaktere in einem Roman an an den Hauptprotagonisten vorstellen. Im Wesentlichen bedeutet Unterordnung, dass alle Elemente des Kunstwerks außer dem Mittelpunkt heruntergespielt werden, um auf diesen Schwerpunkt aufmerksam zu machen. So kann Unterordnung auch als Betonung betrachtet werden. Der Fokus kann auf Realismus in Kunstwerken angewendet werden, in denen ein Subjekt erkennbar ist, oder er kann auf Abstraktion in Kunstwerken angewendet werden, bei denen die Elemente vom Realismus gelöst werden und eher repräsentativ sind, zum Beispiel eine geometrische Muster. Ein Beispiel für eine einfache, aber leistungsstarke Möglichkeit, den Fokus zu erstellen, ist in dieser VW-Anzeige zu sehen. Das Auto befindet sich in einem Meer von negativem Raum. Das Auto wird zum Hauptschwerpunkt, weil es im Raum isoliert ist, keine anderen Elemente ablenken vom Subjekt. Das Auto ist die Verkaufsargumente und das wird betont indem es das einzige Thema abgesehen vom Werbetext ist. Das Auge des Betrachters weiß genau, wohin er gehen soll, keine Verwirrung, kein Aufhebens, nur fokussieren. Ein Beispiel für Unterordnung ist diese einfache Tomatenillustration. Eine Tomate ist mit der Farbe Rot gefüllt, alle anderen Tomaten sind nur Konturen. Dies ermöglicht es, diese Formen in den Hintergrund zu verblassen und so mehr Aufmerksamkeit und Fokus auf die gefüllte Tomate auf der Vorderseite zu lenken. Der Fokus hilft dabei, eine überzeugende Komposition zu schaffen da er dem Betrachter klar zeigt, wo er schauen soll, was Klarheit und Wirkung vermittelt. Ein weiteres Beispiel für Fokus und überzeugende Komposition findet sich in diesem Gemälde, Christina's World, von Andrew Wyeth, das 1948 gemalt wurde. Beachten Sie, wo Ihr Auge zuerst in diesem Kunstwerk geht. Eine Möglichkeit, dies zu testen, und lassen Sie uns das zusammen tun, besteht darin, die Augen zu schließen. Jetzt fangen Sie langsam an, sie zu öffnen und notieren Sie, wohin Ihre Augen zuerst gehen, wohin sie sofort gehen. Es ist ziemlich wahrscheinlich, dass deine Augen zuerst auf die Frau gehen, Christina. Was macht sie zum Mittelpunkt? Für den Anfang ist die Farbe ihres Kleides rosa, was in krassem Kontrast zum Rest der gedämpften Farbpalette des Gemäldes steht. Sie ist auch im Vordergrund oder näher am Betrachter als alle anderen Elemente des Gemäldes, daher ist sie das größte Thema aller Elemente im Kunstwerk. Des Weiteren ist sie mittlere Bewegung, die das Gefühl der visuellen Aufmerksamkeit erzeugt, die wir zuvor diskutiert haben. Denken Sie für einen Moment nach, wenn Sie in ihrer Position waren, auf halbem Weg vom Boden, nur von Ihren Armen unterstützt, als ob Sie sich vorwärts ziehen würden. Es ist dieser Atem eines Augenblicks zwischen den Aktionen, der diese Spannung erzeugt. Warum ist es Inspiration für die Frau in diesem Gemälde war eine Frau namens Anna Olson, die auf einem Bauernhof in der Haupt lebte. Olson hatte eine degenerative Muskelstörung, die ihre Fähigkeit, bis Ende der 1920er Jahre zu gehen nahm. Sie weigerte sich, einen Rollstuhl zu benutzen und kroch so um das Gelände. So wird hier die Frau mitten in ihrer Bewegung in jenem Moment der Spannung dargestellt , kurz bevor sie sich wieder nach vorne zieht. Genau wie am Beispiel der Degas Ballerina schafft der Künstler hier durch die in der Zeit eingefrorene Bewegung einen Moment visueller Aufmerksamkeit. Die Bewegung, die der Betrachter in jedem Moment zu verschieben erwartet. Nun ist der Schwerpunkt dieses Gemäldes sehr interessant weil es nur eine Rolle in der Gesamtkomposition spielt. Obwohl dein Auge zuerst auf die Frau landet, beachte, wohin es als nächstes geht. Sie blickt in die Ferne entlang einer implizierten oder imaginären Diagonallinie in Richtung des fernen Bauernhauses. Natürlich, mit Neugier, führt uns das als Zuschauer dazu, auch auf das ferne Bauernhaus zu blicken. Wo geht dann dein Auge hin? Wahrscheinlich links, zum anderen Bauernhaus oder Scheune im Gemälde. Wo geht dann dein Auge hin? Zurück zum ersten Brennpunkt, die Frau in rosa. Diese drei Hauptelemente des Gemäldes bilden eine dreieckige Komposition innerhalb der Leinwand, die eine sehr mächtige Möglichkeit ist, Elemente in Ihrem eigenen Kunstwerk abzubilden. Ähnlich wie die Drittelregel, die wir in der nächsten Lektion besprechen werden, kann das Dreieck ein Gefühl von Intrigen und kontinuierlichen Bewegungen in einem Kunstwerk erzeugen , anstatt sich visuell stecken oder stagnieren zu fühlen . Darüber hinaus können implizierte diagonale Linien das Gefühl von Bewegung und Energie in einem Kunstwerk mehr erhöhen als implizierte horizontale oder vertikale Linien. Zum Beispiel können Sie in diesem Bild die horizontale Linie mit dem Gras sehen, und während Ihr Auge letztendlich dieser Linie durch die Arbeit folgen könnte, sind die implizierten diagonalen Linien des Dreiecks stärker und nehmen die ersten Momente von Aufmerksamkeit und visuelle Bewegung. Ein weiteres Element, das Wyeth Malerei zu einer überzeugenden Komposition macht, ist, dass er Raum einschließt, um die Hauptelemente des Werkes auszugleichen. Anstatt jeden einzelnen Zentimeter der Leinwand mit Gebäuden oder mehr Menschen zu füllen, gibt es eine Geräumigkeit des Landes, das Atemraum für das Auge bietet. In der Tat können Sie feststellen, dass, nachdem Sie das implizierte Dreieck zwischen den drei Hauptelementen der Arbeit bewegt , Ihr Auge in diesen Raum wandert, um der Kurve des Graslandes horizontal zu folgen, über die Reifenspuren und von der Leinwand, nur um wieder in die Leinwand geführt zu werden wegen des starken Kontrastes von Christinas Kleidungsfarbe, der Größe ihrer Figur und ihres Augenblicks zwischen den Bewegungen. Raum ist so wichtig, um dem Auge einen Platz zum Ausruhen zwischen Bewegung um eine Komposition zu geben . Bei der Bestimmung des Schwerpunkts in einem Kunstwerk, eine andere Möglichkeit, es zu finden, ist es, zur Kenntnis zu nehmen, wo Ihr Auge weiterhin zurückkehrt. Sobald sich Ihr Auge von Christina zum Bauernhaus bewegt, versuchen Sie, Ihre Augen nur auf das Bauernhaus zu halten, ohne sich irgendwo anders auf dem Gemälde zu bewegen. Meine Vermutung ist, dass das Rosa ihres Kleides und die Größe ihrer Form im Vordergrund Ihr Auge ruft, sich als Hauptfigur in dieser Szene zurück zu bewegen , sei es durch das Dreieck, das wir bereits besprochen haben, oder rückwärts entlang dieser diagonalen Linie, die Sie reiste, um zum Bauernhaus zu gelangen. Sie Kompositionen in dieser Klasse erstellen und sich andere Beispiele von Kunstwerken ansehen, beachten Sie, ob Elemente Sie vom beabsichtigten Brennpunkt ablenken. Diese Elemente können Ihr Auge vom Fokus wegführen, was verwirrend sein kann und den Betrachter unsicher sein kann, wo er schauen soll. Regel möchten Sie dieses Gefühl der Ablenkung oder konkurrierende Elemente in einer Komposition nicht, es sei denn, es dient dazu, die visuelle Aufmerksamkeit zu erhöhen oder eine bestimmte Botschaft wie Schwindel oder Chaos zu vermitteln. Aber wie wir im nächsten Abschnitt besprechen werden, können diese Regeln gebrochen und gespielt werden, also vertrauen Sie sich selbst und experimentieren. Wir haben den Kontrast bereits in den vorherigen Elementen der Komposition erwähnt. Es ist so ein mächtiges Werkzeug, um diese Spannung zu erzeugen, über die wir diskutiert haben, um ein Kunstwerk wirklich ansprechend zu machen. Der Kontrast ist wie das Drama. Es ist wo, Kontrast von Farbe, oder Wert wie hell und dunkel, Größe, Gegenstand, Textur wie glatt und rau, und Form, geometrisch und organisch oder gebogen. Das sind alle Beispiele für Kontrast. Eine kurze Notiz zur Farbe. Farbe ist unglaublich wichtig für den Kontrast in der Kunst. In der Tat ist es so wichtig, dass meine nächste Klasse hier auf Skill-Anteil alles über Farbe ist, also nehmen Sie das, sobald es verfügbar ist. Aber für die Zwecke dieser Klasse werden wir nicht zu viel in dieses Thema eintauchen und stattdessen weiterhin auf Schwarz-Weiß-Zeichnungen konzentrieren, um unsere Fähigkeiten in der Komposition zu entwickeln. Andere Elemente, die Sie beim Erstellen Ihres Kunstwerks berücksichtigen müssen, und Komposition sind Raum, wie ich bereits erwähnt habe, es kann sich sowohl auf positiven oder gefüllten Raum als auch auf negativen oder leeren Raum beziehen . Wir sprachen kurz über den Raum mit Bewegungen und auch am Beispiel von Christinas Welt. Die Nutzung des Raumes und die Platzierung der Elemente in diesem Raum sind entscheidend für eine überzeugende Komposition. Zum Beispiel, die Think Small Anzeige, alternativ, in Van Goghs „Sternennacht“, gibt es eine Menge Bewegung, und ein Großteil der Leinwand ist mit strukturierten Farbmarkierungen gefüllt. Der Fluss dieser Markierungen und die Wiederholung, schafft einen flüssigen Weg für das Auge zu folgen, aber es gibt viel weniger Gebrauch von leerem und negativem Raum für das Auge, um sich auszuruhen. Boundaries' ein leistungsfähiges Werkzeug, um die Platzierung der Elemente in Ihrer Komposition zu lenken . Eine Begrenzung kann die Kanten eines Ansichtsbereichs, die Kanten des Papiers, ein traditioneller rechteckiger Rahmen oder eine unregelmäßige Form sein, die Sie aus Papier ausschneiden. Die Grenze kann der erste Hinweis auf Ihrer kreativen Karte sein, wie Sie die Elemente Ihrer Zeichnung anlegen. Grenzen können sich manchmal restriktiv anfühlen, aber denken Sie daran, dass Grenzen Kreativität fördern. Es gibt einige Möglichkeiten, um zu überlegen, wie Sie mit ihnen arbeiten, wenn Sie Ihre Illustrationen erstellen. Beispielsweise könnten Sie alle Elemente innerhalb der angegebenen Grenzen platzieren , so dass das gesamte visuelle Bild innerhalb des Raums enthalten ist. Oder Sie können bestimmte Elemente von der Seite laufen lassen oder außerhalb der Grenze laufen lassen. Dies kann wirklich visuell interessant sein, und eine Taktik, die den Betrachter in und aus dem Kunstwerk führt mehr Bewegung im Stück verursacht. Schließlich könnten Sie die Grenze, je nachdem, was sie ist, in Ihr Gesamtkunstwerk integrieren. Zum Beispiel, einige Maler wie Georgia O'Keeffe, würden gelegentlich ihre Rahmen zu ihrer Malerei malen. Auf diese Weise wird der Rahmen oder die Grenze Teil des Bildmaterials, um ein vollständiges Ganzes zu bilden. Hinzufügen zu dieser Gesamtharmonie der Komposition, anstatt der Rahmen oder die Grenze, die von den Bilddaten des Kunstwerks ablenkt. Mit der Illustration können Sie die Umgrenzung auf verschiedene Arten in Ihre Zeichnung integrieren. Wenn Sie beispielsweise an einer Schwarz-Weiß-Zeichnung für einen traditionellen Kunstdruck arbeiten , für den Sie gerahmt werden möchten, können Sie einen weißen Rahmen auswählen, der praktisch mit Ihrem Papier verschmilzt, sodass ein nahtloser Übergang in zwischen der Zeichnung und dem Rahmen. Oder wenn Sie an einer Illustration für die Vorder- und Rückseite eines Buch- oder Zeitschrifteneinschlags arbeiten , können Sie mit dem Einwickeln eines Teils Ihres Bildes von vorne, über den Rücken und über nach hinten spielen , so dass gibt es einen nahtlosen Übergang zwischen den verschiedenen Räumen der Begrenzung des Covers. Oder Sie können die Grenze in einem Kunstwerk hervorheben , um ein zusätzliches Element von Interesse zu schaffen. Dies kann erreicht werden, indem eine Illustration um die Grenze des Kunstwerks wie Reben oder Blumen oder ein abstraktes geometrisches Muster hinzugefügt wird. Sie könnten auch eine Grenze erstellen, die nur negativer Raum ist, um der Arbeit mehr Atemraum zu geben. Dies kann mehr Aufmerksamkeit hinzufügen und sich auf das Thema konzentrieren. Wie Sie mit diesem weißen Rand um den abstrakten Boden Illustration sehen. Dies sind nur ein paar Ideen, die Sie dazu bringen, wie Grenzen und Grenzen eine große Rolle bei der Erstellung Ihrer Kompositionen spielen und noch überzeugendere Layouts Ihrer Kunstwerke erstellen können. Ob sich eine Komposition beschäftigt oder einfach anfühlt, hängt es von einigen der Elemente ab, die wir bereits besprochen haben, einschließlich Bewegungen. Zum Beispiel kann sich viel Bewegung wirklich hektisch anfühlen. Weltraum. Kunstwerke mit vielen Elementen und kein negativer oder leerer Raum kann sich beschäftigt fühlen. Kunstwerke mit zu viel negativem Raum können sich flach oder uninteressant anfühlen. Rhythmus. Zum Beispiel kann der zufällige Rhythmus von zufälligen Elementen wirklich beschäftigt sein, ein ausgewogener Rhythmus desselben Elements kann sich erden oder manchmal zu einfach fühlen . Auch hier geht es darum, das Gleichgewicht zwischen Extremen zu finden, um das Gefühl zu vermitteln, das Sie mit Ihrer Kunst kommunizieren möchten. Beispielsweise können Sie eine Illustration einer Stadtstraße in New York erstellen und die aktive Energie erfassen, die Sie sehen. Wenn das der Fall ist, dann möchten Sie die Nutzung von Bewegung, positivem und gefülltem Raum undden geschäftigen Rhythmus vieler Elemente innerhalb der Arbeit maximieren positivem und gefülltem Raum und , egal ob es sich um Menschen, Fahrräder, Autos, Food Trucks oder alle oben genannten. Auf der anderen Seite möchten Sie vielleicht eine Zeichnung erstellen , die Ihrem Betrachter ein Gefühl von Ruhe und Frieden verleiht. Sie können sich von der Geräumigkeit eines Gartens im frühen Morgenlicht inspirieren lassen. In diesem Fall möchten Sie weniger Elemente mit größerem Fokus auf negativen Raum einschließen , dem Auge einen Platz zum Ausruhen geben einen langsameren Gesamtrhythmus zwischen den Elementen des Kunstwerks erzeugen , um eine langsame und ruhiges Gefühl. Die Art und Weise, wie Sie Elemente zusammen platzieren, wird zwangsläufig eine bestimmte Emotion oder Botschaft vermitteln. Überlegen Sie, was das ist und welchen Ton Sie mit Ihrem Betrachter teilen möchten. wir vorwärts gehen, werden Sie wahrscheinlich viele verschiedene Elemente aus dieser Liste in Ihren Kompositionen verwenden, alles um dieses Gefühl von Balance, Einheit und Harmonie zu schaffen . Denken Sie daran, dass einige hilfreiche Fragen zu stellen sind, wenn Sie Ihre Arbeit beobachten und bauen, wie führen die Elemente mein Auge durch das Kunstwerk? mich die Elemente ein, in der Arbeit zu bleiben, oder fehlt ihnen das Gleichgewicht und Interesse? Fühlt sich etwas fehl am Platz an? Oder passt alles harmonisch zusammen? Wieder, wenn es klickt, werden Sie es wissen. Es ist wie ein kleines Herzklickchen oder Flattern, wenn Sie ein Element platziert haben und plötzlich alles fließt. Lassen Sie sich nicht entmutigen Wenn Sie es nicht fühlen, oft, kommt es nach Frustration, nach Versuch und Irrtum, und nachdem Sie lange genug weg von Ihrer Arbeit, um später mit frischen Augen zurückzukehren. Wenn ich zu diesem Frustrationspunkt komme, ich oft gerne einen Spaziergang in der Natur, komme zurück und schaue mir die Arbeit an, und ich werde eine neue Lösung finden, einen neuen Schritt zu machen. Arbeiten Sie weiter damit, bis Sie dieses Gleichgewicht gefunden haben, und wissen Sie, dass Sie von jeder Komposition lernen, die Sie erstellen. In der nächsten Lektion werden wir über die traditionellen Quote-on-Zitat-Regeln der Komposition sprechen, und natürlich, wann wir sie brechen. 6. Kompositionsregeln: Wir werden in einige traditionelle Regeln der Komposition eintauchen. Aber zuerst möchte ich sagen, dass Regeln zwar nützlich sind, es gibt definitiv Zeiten, in denen sie gebrochen werden sollen. Aber es ist sehr hilfreich, die Regeln zu lernen, zu wissen, welche zu brechen, und wann Sie Ihren eigenen kreativen Stil entwickeln. Georgia O'Keeffe und Picasso waren zwei von vielen Künstlern, die eine solide Grundlage der Kunstregeln entwickelten und traditionelle Ausbildung hatten. Aber dann schmiedeten sie ihren eigenen Weg mit diesem Wissen als Ausgangspunkt, aber sie brachen es für ihre eigenen kreativen Visionen der Welt, weshalb wir heute noch über ihre Kunstwerke sprechen. Picasso sagte: „Lerne die Regeln wie ein Profi damit du sie wie ein Künstler brechen kannst.“ Das werden wir tun. Denken Sie daran, während wir über einige traditionelle Regeln der Komposition gehen, um zu berücksichtigen. Für den Anfang ist die Regel der Drittel eine Richtlinie, die ein Raster von neun gleichen Quadraten innerhalb einer Grenze verwendet. Diese Quadrate werden durch zwei gleichmäßige vertikale Linien und zwei gleichmäßige horizontale Linien gebildet . Die Regel ist, dass die wichtigsten Elemente in einer Komposition entlang dieser Linien und an der Kreuzung von ihnen platziert werden sollten. Dies hilft, mehr Spannung und Intrigen in einer Komposition zu erzeugen , anstatt wenn die Subjekte genau in der Mitte zentriert wären. Die Regel des Raums wird angewendet, um ein Gefühl von Bewegung, Energie oder Auflösung in einem Kunstwerk zu schaffen . Hier geht es darum, den negativen Raum einzubeziehen, über den wir rund um Ihr Thema gesprochen haben. Dies gilt, wenn Sie ein zentrales Thema haben, aber es kann auch in sich wiederholenden Mustern funktionieren. Diese Regel zeigt an, dass negativer Raum mehr Aufmerksamkeit auf Ihr Thema lenken kann, Atemraum bieten, den wir besprochen haben, und den Bewegungssinn in Ihrem Kunstwerk verstärken kann. Es kann dem Betrachter den Ort zum Ausruhen geben und ihm erlauben, mehr Zeit mit Ihrer Zeichnung zu verbringen. der Vereinfachung geht es darum, die Menge an Details innerhalb eines Artworks zu reduzieren , um auf die wesentlichen Elemente zu gelangen. Dies kann auch abgeschnitten werden, wenn man mit der Zeichnung aufhören sollte, was wirklich eine Herausforderung sein kann, weil es oft verlockend ist, ein Stück weiter zu arbeiten und zu überarbeiten, bis es perfekt ist. Manchmal kann jedoch einfacher besser sein. Georgia O'Keeffe sagte: „Details sind verwirrend. Nur durch Selektion, durch Eliminierung, durch Hervorhebung, können wir die wahre Bedeutung der Dinge erkennen. Denken Sie daran, dass wir wirklich versuchen, die Emotionen und das Gefühl in Kunstwerken zu vermitteln, und manchmal kann die Verringerung der Ablenkung des Details dazu beitragen. Vereinfachung ist diese Idee. Weniger ist mehr, und diese Botschaft kann mit weniger Details kraftvoll kommuniziert werden. Es erfordert Übung, Vertrauen und gewagte Verwundbarkeit. Es kann wirklich komplex sein, um Einfachheit zu erreichen, weil es eine menschliche Tendenz ist, leere Räume auffüllen zu wollen. Ob es sich um ein leeres Regal in einem neuen Zuhause, Stille in einem Gespräch oder um eine Leinwand in einem Studio handelt. Allerdings gibt es Bedeutung und Kraft für Einfachheit, also tauchen Sie ein in sie. Weitere Informationen zur Reduzierung von Details und zur Einfachheit des Handwerks finden Sie in meiner Klasse „How to Draw: Learning Line“. Alle diese Regeln sind wie Rezepte, wenn Sie lernen, wie man kocht. Zunächst können Sie mit Kochbüchern beginnen, aber wenn Sie aus den Richtlinien der verschiedenen Gerichte üben, werden Sie lernen, welche Gewürze natürlich gut zusammen passen. Welches Gemüse paaren sich gut, und vielleicht am wichtigsten, Ihre eigene einzigartige Palette und Geschmack. Vielleicht bevorzugen Sie Ihre Mahlzeiten ein bisschen würziger als Rezepte erfordern, oder Sie mögen keinen bestimmten Geschmack überhaupt, also lassen Sie es einfach aus. Das Gleiche gilt, wenn man Kunst erschafft. Beginnen Sie mit den Regeln oder den Rezepten, finden Sie, was Sie lieben und was Sie nicht ganz graben. Beginnen Sie, vom Rezept abzuweichen, um selbstbewusst mit Ihrem eigenen Stil zu experimentieren. In der nächsten Lektion werfen wir einen Blick auf einige Beispiele der Komposition und sprechen darüber, wie man das Gefühl des Gleichgewichts in einem Kunstwerk verbessern kann. 7. Erfolgreiche Kompositionen erstellen: Es ist eine Sache, Theorie zu sprechen und eine andere, Elemente in Aktion umzusetzen. Viel von Komposition geht es um Praxis, Versuch und Irrtum, Lernen, wie Sie gehen. Sie finden, was Sie mögen und lernen, wie verschiedene Elemente zusammenpassen, um diese Harmonie und Balance zu vermitteln. Ich persönlich glaube, dass es kein Recht oder Unrecht in Kunstwerken gibt, nur verschiedene Ansätze und Stile und Vorlieben. Wenn du erschaffst, anstatt zu fragen, mache ich das richtig? Besser Fragen zu stellen sind, funktioniert das? Schafft das Gleichgewicht und Einheit? Ist das mein Stil? Ist es das, was ich mag? Werfen wir einen Blick auf ein paar Beispiele verschiedener Kompositionen, einschließlich derer, die verbessert werden können. Wie wir durch diese gehen, achten Sie darauf, wenn Sie fühlen, dass Puzzleteil klicken wir über gesprochen. Dies ist Ihr Hinweis auf die Kompositionen, die Sie überzeugend finden. Sehen Sie sich die Elemente an, die wir in diesen Kunstwerken besprochen haben , und bemerken Sie, wie Sie sie in Ihre eigenen Zeichnungen integrieren können. Wenn wir zum Beispiel diese Illustration betrachten, können Sie sehen, dass durch die Platzierung der Äpfel vertikal ein Gefühl der Bewegung entsteht . Es gibt eine leichte Kurve zu den Äpfeln, die das Auge von diesem größeren führt durch dieses Muster hinunter zum größeren hier unten. Es gibt auch ein Gefühl des wechselnden Rhythmus geschieht wegen dieser beiden Farben; das dunklere Rot und dann dieses wirklich hellrosa, so gibt es ein schönes Gefühl für Rhythmus passiert dort. Allerdings gibt es einen Moment von Interesse, weil dieser zusätzliche Apfel geworfen wird. Wenn du deinen Finger nimmst und diesen Apfel mit deinem Daumen bedeckst, kannst du dir vorstellen, wie diese Komposition ohne dieses Motiv aussehen würde. Das schafft ein bisschen ein Gefühl von asymmetrischem Gleichgewicht, denn es gibt diesen zusätzlichen Apfel-Offset von dieser Haupt-Mine von Äpfeln. Das schafft nur ein bisschen mehr Intrigen und hilft dem Betrachter, durch diesen Abschnitt der Äpfel zu tragen und sich hier von der Seite zu bewegen. Ein weiteres Element, über das wir mit unserem Klassenprojekt auf dem Kochbuchdeckel mehr sprechen werden , ist dieser Text hier. Text kann ein Teil einer Komposition sein, die mit den Elementen der Bilddaten integriert ist. Dieser Text wird Teil des Schwerpunkts dieser Arbeit, weil die Äpfel in diesem Halbkreis um ihn herum platziert werden, und das ist fast so, als ob es den Text wiegt, um auch dort Ihre Aufmerksamkeit zu lenken. Ein weiterer Ort und Quelle, den ich wirklich liebe, um Inspiration für Komposition und Design zu geben, ist Essen und Natur. Wenn ich mich besonders fest auf einem Kunstwerk und Illustration fühle, gehe ich gerne eine schnelle Mahlzeit peitschen und nehme mir einfach Zeit, während ich koche, um mein Essen wirklich zu beobachten. Wenn ich einen Grünkohl zerschneide oder Salat zerreiße, schaue ich mir dieses Thema wirklich an und suche nach den Elementen des Designs und der Komposition, über die wir heute sprechen. Oder ich gehe spazieren und suche nach Pflanzen und suche nach Designnachweisen in meiner natürlichen Umgebung. Ich ermutige Sie, das auch zu tun, wenn Sie sich feststecken fühlen oder einfach nur nach Inspiration suchen. Viele der Elemente von Design und Komposition, über die wir sprechen, finden sich jeden Tag überall um uns herum, vor allem in Lebensmitteln und der natürlichen Welt. Wenn wir zum Beispiel diese orangefarbene Scheibe in der Nahaufnahme betrachten, bin ich gespannt, welche Elemente der Komposition Sie sehen. Nehmen Sie sich einen Moment Zeit, um es anzusehen und dann sagen Sie mir mehr oder notieren Sie die Elemente, die wir besprochen haben, ob es sich um Fokusbewegung, Balance, Rhythmus handelt. Wenn ich das betrachte, wird mein Auge sofort auf diese zentrale Sternform gezogen, so dass das zum Mittelpunkt dieser Komposition wird. Aber dann folgt mein Auge diesen Linien nach außen zum Rand dieses Fotos, so dass das ein Gefühl der Bewegung wird, vor allem mit diesen Linien, die in jeder Scheibe mehr gekrümmt und organisch sind. Es gibt einen schönen Kontrast zwischen diesen geraden linearen Linien dieser Scheibe und den inneren Linien, die gebogen und organisch sind. Das schafft einen schönen Kontrast. Es gibt auch ein Gefühl des Gleichgewichts, denn wenn wir das hier in zwei Hälften schneiden würden, wäre es ziemlich symmetrisch, in zwei Hälften gefaltet. All diese Elemente des Wettbewerbs kommen ins Spiel. Gibt es noch mehr, was du siehst oder noch mehr, was du findest? Wenn ja, lassen Sie sie bitte in den Diskussionsbereich fallen , denn ich würde gerne Ihre Beobachtungen hören. Ein weiteres Beispiel kann in den Spinatblättern gefunden werden. Dies ist von einem lokalen Bauernhof, und ich liebe besonders diese Sorte von Spinat, Bloomsdale Spinat, weil es so üppig mit den Linien ist. Es ist wie eine Linienzeichnung, ein Kunstwerk. Was Sie hier sehen können, ist, dass diese Linien wie Gratlinien oder wie kleine Hügel auf Berggipfeln sind. Sie sind wie Spalten, in die du spazieren könntest. Wenn wir uns das ansehen, ist es nicht völlig symmetrisch. Das ist, was ich an jedem Bloomsdale Blatt liebe, ist, dass sie alle sehr einzigartig sind und sie sich auf unterschiedliche Weise umrollen. Aber was passiert, ist, dass die Mittellinie die dickste Linie ist, die wir sehen können, und so wird das etwas wie ein Brennpunkt in diesem Spinatblatt, und es schafft auch ein Gefühl des Gleichgewichts, weil es uns auffordert, dieses Blatt visuell zu falten über diese Linie, falten Sie es über sich selbst. Es gibt keine totale Symmetrie, aber es gibt ein Gefühl des Gleichgewichts auf beiden Seiten der Linie. Was passiert, wenn wir uns auf diese dickere Linie konzentrieren, ist, dass genau wie in der Orangenscheibe unser Auge beginnt, diesen anderen Linien zu folgen, die in Richtung der Blattränder ausstrahlen. Wir können diesen Linien überall auf der Oberfläche dieses Blattes folgen und diesem Werk bewegen, als wäre es eine Komposition. Nun, es gibt keine Kontrastfarbe zwischen verschiedenen Farben, und wir werden später in einer anderen Klasse mehr in Farbe eintauchen, aber ich möchte das ansprechen. Dies ist alles grün, es ist ein grüner Spinat Blätter, aber Sie können sehen, wie es verschiedene Werte und Schattierungen von Grün in diesem Blatt wegen der Beleuchtung passiert. Das ist in Ordnung, denn das beginnt damit zu spielen wie viele Farben man von nur einer Farbe bekommen kann, und wie es immer noch Kontrast zwischen einem wirklich hellen, fast weißen, grünen Farbton bis hin zu diesen tiefen dunklen, fast schwarz, Grüntöne. Lassen Sie uns kurz darüber sprechen, wie man bestimmte Kompositionen verbessert. Ich habe an dieser Bodenillustration gearbeitet, einer Nahaufnahme des Bodens. Als ich an diesem Muster arbeitete, zeichnete ich jedes Stück einzeln und hielt einen Moment hier an, weil ich mich wirklich fragte, ich diesen Atemraum um das Muster verlassen möchte? Soll ich diese leeren Leerzeichen belassen? Ich habe eine Weile darüber nachgedacht, aber dann kehrte ich zu der Frage zurück, die ich Sie ermutige, zu stellen , was heißt, welches Gefühl möchte ich dem Betrachter vermitteln? Was ich wirklich mit der Interaktion mit dieser Arbeit geschehen wollte, war ich wollte, dass der Betrachter das Gefühl hat, dass er in diesem einen Abschnitt, diesem einen Fleck Erde, vollständig absorbiert wurde. Ich wollte, dass das Kunstwerk das Gefühl hat, als wäre es eine mikroskopische Ansicht, als ob du durch ein Mikroskop auf einen Abschnitt des Bodens schaust und fast so aussehen hättest, als wärst du gerade in diesem Raum. Ich beschloss, es in Richtung der gesamten Papierränder zu werfen, also setzte ich das Muster bis an die Ränder fort. Aber dann, was ich tat, als ich mich darauf vorbereitete, dies zu einem Druck zum Verkauf zu machen, da ich einen weißen Rand um den Rand hinzufügte. Ich mache das manchmal, besonders wenn es ein Relais für gemusterte Drucke ist, nur ein Kunstdruck zum Verkauf. Ich füge diese Grenze manchmal nur für einen kleinen visuellen Atemraum hinzu, obwohl im Kunstwerk selbst nicht viel negativer Raum vorhanden ist. Manchmal füge ich es gerne an den Rändern hinzu, nur um einen Atem und Applaus zu geben. Dies ist ein weiteres Beispiel, um über Komposition nachzudenken und wie man sie verbessert und wirklich mitten im Prozess sein kann. Also habe ich diese Illustration von Himbeeren vor ein paar Jahren gezeichnet, und ich habe ein paar Elemente gezeichnet, es gibt noch eins, das Sie in einem Moment sehen werden. Aber ich spielte mit nur Zuschnitt auf diese beiden, die halbierte Himbeere und die volle Himbeere. Aber ich fühlte mich wirklich so, als ob etwas fehlt, und so fehlte an Interesse und an der Balance, die ich suchte, also ging ich zurück auf die erste Zeichnung, die diesen vergrößerten Querschnitt beinhaltete. Interessant an dieser Arbeit ist, dass dies kein Realismus ist. Ich meine, der Querschnitt einer Himbeere wäre nicht größer als die Himbeere selbst. Aber ich mochte es, die Abstraktion zu vergrößern und zu betrachten, funky und seltsam und wild damit zu sein und sie zum größten Teil der Zeichnung zu machen. Nachdem sie sich an der Basis dieser Zeichnung getroffen haben, die anderen beiden kleineren Elemente wirklich ausbalanciert. Hier drüben, als ich gerade auf diese beiden zugeschnitten habe, sind sie ungefähr gleich groß. Sie sind ziemlich ähnlich in der Größe, also war das nicht das Interesse, das ich suchte, und das Hinzufügen dieses größeren Stückes auf den Boden gab wirklich mehr die Balance, die ich in der Komposition suchte. Als ich das zum ersten Mal illustrierte, erlaubte ich die Illustrationen von der Seite zu laufen, und ich mag es manchmal, so dass das Auge des Betrachters um den Rand einer bestimmten Zeichnung reisen und dann wieder einkreisen kann . Das habe ich also hier gemacht. Auch in Christina's World sehen wir hier den Schwerpunkt mit ihrem Körper ins Spiel, wobei ihre Form im Vordergrund das größte Subjekt des Gemäldes ist. Wir haben auch ein Gefühl der Bewegung geschieht basierend darauf, wo die Elemente im gesamten Gemälde platziert werden. In Starry Night haben wir ein schönes Bewegungsgefühl, basierend auf den Pinselstrichen, die Van Gogh auf die Leinwand aufgetragen hat. So ihre strukturierten Pinselstriche, die wirklich diesen fließenden Rhythmus zum Kunstwerk schaffen , eine fließende organische Bewegung. Es gibt nicht viel negativen Raum in dieser Komposition, aber es ist immer noch ziemlich üblich, weil unser Auge wirklich fließend auf der Leinwand bewegen kann . In diesem Surface Pattern Design von Elena Wilken , der ich ihre Arbeit so sehr liebe. Dies ist ein sich wiederholendes Muster. Mit Oberflächenmuster Design, anstatt unser Auge nur auf einem Brennpunkt ruht, bewegt es sich weiterhin über das gesamte Muster. Dieses Muster kann auf Tapeten oder einem Stoff oder einer Geschenkverpackung sein. So wird unser Auge gebeten, im Rhythmus und in Bewegung zu bleiben. Wenn Sie also darüber nachdenken, ein sich wiederholendes Design zu erstellen, ist es wichtig, darüber nachzudenken, wie Sie Elemente der Komposition heranziehen , die Intrigen und Interesse enthalten, ohne zu überwältigend zu sein. In dieser Arbeit mit den Sonnenblumen ist die Sonnenblume das Thema und es gibt hier ein angenehmes Gefühl für Rhythmus. Aber anstatt Elena die gleiche genaue Größe und den gleichen genauen Winkel jedes Sonnenblumenkopfes zu verwenden , variiert sie die Größen, und sie ist auch, auf diesem können Sie sehen, wie sie einige der Blätter in so es ist, als ob der Sonnenblumenkopf in einem Winkel ist. Das schafft ein wenig mehr Interesse an der Bewegung unseres Auges aus den verschiedenen Größen und den verschiedenen Winkeln der Sonnenblume, im Gegensatz zu, wenn es war alles nur die Größe und Form wiederholt genau die gleiche quer. Auch sie hat einige nette Verwendung von negativen Raum, denn wenn Sie an dieser Arbeit schielen, beginnen Sie zu sehen, dass off-white Hintergrund durch glänzen. Aber was Elena auch hier getan hat, ist ein wenig mehr Interesse mit diesen botanischen, floralen Elementen, die in diesen negativen Raum passen. Das fügt ein bisschen mehr Intrigen hinzu, als wenn diese völlig verschwunden wären. Wieder, genau wie wir es mit dem Apfel getan haben, ist dies ein lustiger Tipp und ein lustiges Spiel zu spielen, wenn Sie an Kunstwerken suchen, ist es, Ihren Finger oder Ihre Hand zu verwenden, nur um einige Teile der Arbeit zu vertuschen , um zu sehen, wie es Ihr Auge verändert und die Interaktion Ihres Auges mit dem Kunstwerk. Wie verändert es das Gefühl der Komposition? Wie bewegt sich Ihr Auge anders, wenn diese Elemente verdeckt sind? Das kann eine wirklich gute Übung sein, wenn Sie Ihre eigenen Kompositionen erstellen , um herauszufinden welche Elemente wirklich funktionieren und was weggelassen werden könnte. Etwas anderes, was Elena hier getan hat, ist, dass sie nicht jedes Detail enthält , das man in einer Sonnenblume sehen könnte. Sie betrachtet das Thema wirklich und verwandelt es in ihren eigenen Stil, und eine der Möglichkeiten, die sie tut, ist, Details zu eliminieren und sich in Richtung Einfachheit zu bewegen. Das hilft zu verringern, was zu chaotisch für ein sich wiederholendes Muster sein könnte. Wenn es weniger Details gibt, kann es unserem Auge mehr Momente geben, um sich während der Bewegung dieser Wiederholung auszuruhen. Dies ist ein weiteres sich wiederholendes Muster desselben Künstlers, und das ist ganz anders, wie wir sehen können. Diese Arbeit fühlt sich ein bisschen belebter an. Aber in einer Komposition beschäftigt ist nicht unbedingt eine schlechte Sache. Es kann wirklich energisch und spielerisch und lustig sein. Also, was Elena hier getan hat, ist, dass sie einige dieser floralen Elemente heruntergeschrumpft hat. Sie sind nicht so groß wie die Sonnenblumenköpfe. Vieles davon sind kleiner und so sind sie alle Fee viel die gleiche Größe, oder sind in der gleichen Größenbereich hier. Sie sind wirklich nah beieinander, so dass es nicht viel negativer Raum oder Atmung passiert, aber es gibt dem Stück ein Gefühl von Verspieltheit statt Chaos. Eine der Art, wie sie diese Verspieltheit erschafft, ist die Verwendung von Farbe, die Art und Weise, wie sie jede dieser Formen organisiert und positioniert, so dass einige nach oben schauen, einige nach unten zeigen, da alle verschiedene Richtungen gehen. Eine andere Sache, die passiert und über die Sie beim Erstellen eines Musters und mit Elementen der Komposition nachdenken können , ist, dass Sie in einem Stück, das mehr gefüllt ist wie dieses und belebter ist, dem Auge einen Anker oder ein Gefühl der Erdung geben können , indem Sie wirklich abspielen von der Wiederholung. In einem Oberflächenmuster gibt es also eine Wiederholung, und wenn Sie danach suchen, können Sie anfangen, es zu finden. Hier sehen wir diese beiden roten Blütenelemente. Wir sehen, wie sie hier wiederholt werden. So können Sie hier nach oben schauen und sehen, wie dieses graue Blumenelement hier wiederholt wird. Das gibt tatsächlich die Augenessenz der Erdung und das Gefühl für Rhythmus, über das wir in einer Komposition gesprochen haben, weil es wie ein Beat ist, es ist wie eins, zwei, und wenn das ein längeres Stück Stoff wäre, Wir könnten drei, vier sagen. Inmitten der Geschäftigkeit und inmitten des gefüllten Raumes, hat unser Auge einen Ort, um zurück zu gehen, um dieses Gefühl von Rhythmus und Konsistenz zu schaffen. Wieder kommt wieder ins Gleichgewicht, das kann dazu beitragen, mehr gefüllte Räume in der Komposition auszugleichen. Natürlich verwendet Elena hier Farbe, um die Verspieltheit mit den Roten zu verstärken, aber sie wendet das auch mit diesen schönen neutralen Grauen und diesen ruhigeren goldenen Gelbtönen ab . Sie schafft also ein schönes Gefühl der Balance mit Farbe, und macht dies wirklich nur zu einer sehr verspielten Komposition und nutzt die Positionierung aller Elemente, um ein Gefühl von Bewegung zu schaffen. In der nächsten Lektion werden wir ein Werkzeug erstellen, das zu Entdeckungen von Kompositionen in Ihrer alltäglichen Umgebung führen kann . Du wirst die Welt auf eine ganz neue Art sehen. 8. Viewfinder für die Hosentasche: Diese Lektion ist ein Pro-Tipp, den ich mit Ihnen teilen möchte, damit Sie Ihre Umgebung in Themen mit einer frischen Perspektive betrachten können . Es ist wirklich einfach für unsere Gehirne, daran festzuhalten, wie wir denken, dass etwas aussieht. Zum Beispiel, wenn ich Blume sage, haben Sie vielleicht ein generisches Bild einer Blume in den Sinn kommen. Aber wenn Sie tatsächlich hautnah und persönlich mit dem Thema, werden Sie beginnen, eine neue Details zu entdecken, die visuell faszinierend sind. Es kann wirklich schwierig sein, aus unserer traditionellen Sichtweise auszubrechen , um etwas, das mit neuen Augen vertraut ist, zu sehen. Aber dieses Tool, das ich teilen werde, hilft Ihnen, genau das zu tun. In dieser Lektion erstellen wir einen Sucher, den Sie bei Spaziergängen in Ihrer Nachbarschaft mitnehmen können, wenn Sie Besorgungen machen oder einfach zu Hause, um ständig neue Kompositionen um Sie herum zu sehen. Um zu beginnen, schnappen Sie sich ein Blatt leeres Papier oder Konstruktionspapier und Ihre Schere. Schneiden Sie einen Schlitz in einen Teil Ihres Papiers und schieben Sie dann Ihre Schere in diesen Schlitz, um ein Rechteck zu schneiden. Sie können dieses Rechteck dünn oder dick machen, aber ich würde empfehlen, es nicht zu groß zu machen. Hier habe ich dieses Rechteck aus dem Papier geschnitten, und jetzt werde ich eine quadratische Grenze um es schneiden, um etwas von dem Überschuss loszuwerden. Sie können das überschüssige Papier für zukünftige Skizzen speichern. Jetzt habe ich einen Sucher. Dieses Tool betrachtet die Welt durch eine Kamera. Halten Sie Ihren Sucher auf Armlänge und schauen Sie sich um den Raum, in dem Sie sich gerade befinden. Setzen Sie sich auf ein Thema und schauen Sie es durch dieses Werkzeug an. Bewegen Sie den Sucher nach links, rechts, nach oben und unten, um verschiedene Teile dieses Motivs aufzunehmen. Beachten Sie, wie dieses Thema, das Sie beobachten, das Rechteck auf viele verschiedene Arten ausfüllen kann. Mit dieser Übung können Sie viele verschiedene Kompositionen rund um Sie beobachten , die als Lernmöglichkeiten und Inspiration für Ihre Illustrationen dienen können. Tragen Sie also Ihren Sucher um Ihr Haus und üben Sie, sich mit verschiedenen Motiven durchzuschauen. Trage es mit dir auf einem Spaziergang, um natürliche Themen mit einer neuen Perspektive zu betrachten. Beachten Sie einfach, wie diese verschiedenen Motive den Sucher füllen und bewegen Sie Ihr Auge durch das Rechteck. Beachten Sie, welche Schnappschüsse überzeugende Kompositionen voller Interessen erzeugen und welche flach fallen. Notieren Sie diese Beobachtungen einfach in Ihrem Skizzenbuch um darauf hinzuweisen, während wir in weitere Übungen eintauchen. In der nächsten Lektion werden wir meine wichtigsten Tipps besprechen, um mit dem Aufbau Ihrer Komposition zu beginnen. 9. Tipps zum Aufbau einer Komposition: Wir sind dabei, in der nächsten Übung mit Stift und Papier einzutauchen, aber ich möchte Ihnen einige Tipps mitteilen, die Ihnen helfen können, eine Grundlage für den Aufbau dieser Komposition zu legen. Obwohl Farbe eine große Rolle beim Aufbau einer Komposition spielt, ist es ein Thema, das völlig seine eigene Klasse erfordert, also empfehle ich für die Zwecke dieser bestimmten Klasse, halten Sie sich einfach an die Linienzeichnung und machen Sie sich noch keine Sorgen um Farbe. Wenn Sie mehr über Linienzeichnung erfahren möchten, können Sie meine Klasse besuchen, Wie man zeichnet: Lernlinie und auch Peggy Deans Klasse Botanical Line Drawing. Linienzeichnungen sind ein großartiger Ausgangspunkt, denn Sie können Ihre Zeichnung aus diesem einen Grundschritt aufbauen. Für jede Zeichnung, die ich erstelle, baue ich gerne die Elemente eins nach dem anderen auf. Anstatt zum Beispiel einige Linien zu zeichnen, Schattierungen hinzuzufügen und dann mehr Linien zu zeichnen und dann Farbe hinzuzufügen, arbeite ich normalerweise ziemlich systematisch, beginnend mit einfachen Linienzeichnungen und erforsche dann, wo der Wert Kontrast und Farbe können hinzugefügt werden. Ich empfehle Ihnen, Ihre Zeichnungen und Illustrationen Schritt nach dem anderen zu erstellen. Deshalb habe ich diese Art unterteilt, wie man Serien in drei Klassen zeichnet , die sich mit Linien, Komposition und Farbe auseinandersetzen. Nur ein Pro-Tipp, ein kurzer Überblick über meinen Prozess, dem Sie vielleicht Stücke und Stücke packen möchten. Sieht so aus. Eins, wählen Sie Ihr Thema aus. Normalerweise ist das für mich, wenn ich ein wirklich schönes Gemüse frisch von meinen Partnern Bauernhof sehe oder während ich Essen koche. Nummer 2 schnappen Sie sich meinen Prismacolor Stift und machen Sie ein paar Strichzeichnungen des Themas in meinem Skizzenbuch. Nummer 3 ist, auf diese anfänglichen Skizzen zu reflektieren. Ich mag es, sie aufzustellen, zurückzutreten, schleudern das Papier, nehmen Sie sich einen Moment mit den ersten Zeichnungen, um darüber nachzudenken, wie ich sie interessanter, abstrakter, einfacher machen kann. Dann beginne ich, die Motive auf ein neues Stück leeres Papier zu platzieren, in eine Komposition, die nur diese Linienzeichnungen verwendet. Manchmal, wenn ich mit der Linienzeichnung zufrieden bin, werde ich dort aufhören. anderen Zeiten werde ich beginnen, bestimmte Bereiche mit Tinte zu füllen, um Kontrast zu erzeugen , oder ich gehe in die Auswahl und Anwendung von Farben. So arbeite ich auf Papier. Wenn ich digital arbeite, scanne ich diese ersten Skizzen in Adobe Illustrator und vektoriere sie, und dann fange ich an, mit Komposition und Farbe zu spielen. Ich führe dich später in dieser Klasse durch. Denken Sie zuerst über Ihr Thema nach, das Sie in Ihre Zeichnung aufnehmen möchten und wie viele Details Sie einbinden möchten. Wenn Sie Ihr Motiv vor dem Zeichnen beobachten, überlegen Sie, welche Details bei Bedarf eliminiert werden könnten und welche Sie für das Kunstwerk von wesentlicher Bedeutung finden. Betrachten Sie als Nächstes die Botschaft oder die Bedeutung, die Sie vermitteln möchten. Überlegen Sie, ob es sich um ein bestimmtes Gefühl handelt, das Sie mit dem Kunstwerk zeigen möchten. Betrachten Sie die Elemente der Komposition, die Sie verwenden könnten, um diesen Punkt zu erreichen, oder vielleicht arbeiten Sie an einem abstrakten Muster, und in diesem Fall möchten Sie, dass es sich ruhig, beschäftigt, geheimnisvoll fühlt? Überlegen Sie Ihre Nachricht und wie Sie das Toolkit, das Sie erstellt haben, verwenden können, um es zu teilen. Wir haben darüber gesprochen, dass Grenzen ein wirklich wichtiges Element der Komposition sind. Ich gebe mir immer gerne eine festgelegte Grenze, mit der ich anfangen kann, egal ob es sich um die Kanten meines Papiers oder um eine Form handelt, die ich in meinem Papier zeichne. Jeder von Ihnen gewählte Rahmen gibt Ihnen einen Startpunkt und hilft beim Layout. Sie könnten mit nur Elementen beginnen, aber dann fühlt es sich ein wenig an wie im Raum zu schweben. Die Grenzen, die für mich typisch sind, sind ein 8 mal 10 Zoll Blatt Papier, ein 8 mal 8 Zoll Quadrat oder ein 10 mal 10 Zoll Quadrat. Denn das sind all die typischen Kunstdruckgrößen, die ich benutze, die gerahmt werden könnten. Sie können auch einen flippigen Rahmen wählen, der atypischer ist, wie eine ovale oder eine abstrakte Form. Nun, üben Sie beides während der Unterrichtsstunden in dieser Klasse. Wir haben ein solides Fundament, und es ist Zeit, Stift auf Papier zu legen. Wir gehen ins Atelier, schnappen uns Ihre Materialien. In der nächsten Lektion werden wir anfangen, Kompositionen zu erstellen. 10. Schnittformen-Komposition: Diese Übung ist ein wirklich hilfreiches Aufwärmen, um verschiedene Kompositionen zu basteln und zu visualisieren. Um loszulegen, benötigen Sie Ihre Schere, Baupapier, einen Klebestift und ein Blatt blankes weißes Papier. Zeichnen Sie zunächst eine Vielzahl von abstrakten Formen auf Ihr Konstruktionspapier. Erstellen Sie Formen in verschiedenen Größen, erstellen Sie geometrische und organische oder gekrümmte Formen. Dies wird Ihre Formbibliothek sein, um mit dem Erstellen Ihrer Kompositionen zu beginnen. Zum Beispiel habe ich dieses Sortiment von Formen erstellt, ich schneide Dreiecke in verschiedenen Größen, Schnörkel, Kreise, gekrümmte Formen aus , die mich an einige Unterwasserpflanze erinnern. Wenn Sie Ihr Sortiment auf Ihrem Konstruktionspapier gezeichnet haben, schneiden Sie jede Form aus. Sobald Sie sie geschnitten haben, fangen Sie an, sie auf Ihr leeres Papier zu legen, kleben Sie noch nichts nach unten, spielen Sie einfach und experimentieren Sie mit der Anordnung Ihrer Formen auf dem Papier auf unterschiedliche Weise. Dies gibt Ihnen viel Flexibilität und Freiheit zu sehen, was fließt und wie Sie die Elemente kombinieren, um ein Gefühl von Balance und Harmonie zu schaffen. Beginnen Sie mit einem Element und bauen Sie sich von dort [MUSIK]] auf. Wenn Sie mit Ihrem Layout zufrieden sind, können Sie damit beginnen, Ihre Formen auf Ihr Papier zu kleben. Wallah, du hast eine Komposition erschaffen. Machen Sie ein Foto oder scannen Sie es zum Klassenprojekt, damit wir Ihren Prozess in Aktion sehen können. In der nächsten Lektion werden Stift und Papier verwendet, um eine Musterkomposition zu erstellen. 11. Intuitives Muster: In dieser Lektion werden wir eine intuitive Musterkomposition erstellen. Was soll ich damit meine? Dies ist ein wirklich nützliches Werkzeug beim Start der Praxis, weil es Sie aus dem Kopf und hilft Ihnen, das Gespräch zwischen Ihrem Herzen und Ihrer Hand zu vertrauen. Anstatt dies mit einem festgelegten Plan einzugehen, werden wir die Komposition ein Element nach dem anderen erstellen. Zeichnen Sie zunächst eine abstrakte unregelmäßige Form auf ein Blatt leeres weißes Papier. Das ist deine Grenze. Beginnen Sie nun, diese Grenze mit einer Vielzahl von Formen zu füllen. Sie können in der Mitte beginnen oder Sie können an der Kante beginnen. Innerhalb dieser Grenze, das ist abstrakte Grenze, werde ich hier auf der linken Seite anfangen und ich werde nur anfangen, die Linien zu imitieren und zu spiegeln, die ich bereits als Ausgangspunkt sehe. Diese Anfangslinien können wirklich führen, wo Ihr unregelmäßiges Muster, Ihr intuitives Muster gehen wird. Hier geht es nur darum, die Formen intuitiv auszubauen. Ich überdenke wirklich nicht jeden Schritt, ich erlaube nur, dass meine Hand, mein Auge, mein Gehirn, mein Herz die nächste Form lenken. Ich lasse etwas Raum zwischen diesen Linien, aber alle unsere Muster werden anders aussehen. Aber es ist ein lustiges Rätsel. Die Formen beginnen ineinander zu passen. Mach dir keine Sorgen darüber, dass es perfekt ist. Spielen Sie einfach. Sobald Sie diesen Raum mit Ihrem Muster ausgefüllt haben, können Sie beginnen, ein wenig Kontrast mit Werten hinzuzufügen. Ich werde diesen gemeißelten Spitzen Marker verwenden, weil er dicker ist und es eine Menge Kontrolle gibt, um bestimmte Formen auszufüllen. Ich werde anfangen, nur intuitiv bestimmte Bereiche zu füllen. Hier gefällt mir, was zwischen diesen beiden Formen passiert. Wie sie nahe an Berührung sind, aber nicht ganz. Ich mag den Wechsel zwischen dem dunklen und hellen Wert hier unten. Jetzt schaue ich mir diese Kreise an und ich werde anfangen, einige davon auszufüllen. Ich denke wirklich, während ich diese durchmache, zuerst dachte ich, ich würde jeden anderen tun, aber ich möchte alle tun, weil ich will, dass sie füllen als gäbe es ein starkes Fundament oder eine starke Erdung für dieses Stück. Ich fühle mich wie das Gewicht dieses Kontrastes, dieser dunklere Wert bringt das Auge nach unten. Das schwebt nicht nur hier oben in all diesen Formen, es gibt etwas Wurzel zu allem, aber ich möchte es nicht in den quadratischen Kurs füllen, den ich will Kontrast zwischen den beiden. Sie können beginnen, einige der Linien, die Sie gemacht haben, auszufüllen oder sogar verdickt. Das ist eine wirklich gute Möglichkeit, Kontrast zu hinzuzufügen. Sie können beginnen, bestimmte Bereiche zu füllen, um mehr Intrigen und die Wertunterschiede für mehr Interesse visuell in der Zusammensetzung hinzuzufügen . Das gefällt mir. Wenn Sie sich das ansehen und sich Ihr eigenes Stück ansehen, können Sie anfangen zu fragen, ist es aus dem Gleichgewicht? Gibt es einen anderen Bereich, den ich auch einen Kontrast hinzufügen kann, um es unausgewogener zu machen? Ich sehe, dass es eine Menge Gewicht gibt, um hier oben visuell. Was das für mich bedeutet, ist, dass ich sehen will, ob es hier drüben entgegengewirkt wird, und es ist etwas mit diesen unteren Kreisen. Aber dann schaue ich mir an, kann ich ein wenig Gewicht hinzufügen, vielleicht sogar zum Umriss der Form, die nicht unbegrenzt ist? Das gefällt mir. Jetzt habe ich das Gefühl, dass es mehr Balance über das gesamte Muster gibt. In der nächsten Lektion werden wir tiefer in das Üben einiger der Kompositionsregeln eintauchen , die wir zuvor in dieser Klasse besprochen haben. 12. Plane eine abstrakte Komposition: Für diese Übung verwenden Sie eine Auswahl von bereitgestellten Formen, die ich Ihnen geben werde, um eine abstrakte Komposition zu erstellen. Dies ist eine wirklich gute Praxis, um sich darauf zu konzentrieren, wie Elemente innerhalb einer Komposition ohne die zusätzlichen Entscheidungen realistischerThemen oder eine spezifische Bedeutung eines Kunstwerks auszugleichen ohne die zusätzlichen Entscheidungen realistischer sind. Hier sind die Elemente, die wir in dieser Übung verwenden. Sie können auswählen und wählen, welche Elemente Sie auf Ihrem Papier zeichnen und welche Sie auslassen. Sie können auch einige der Shapes wiederholen. Zum Beispiel könnte ich wählen, die kleine quadratische Faser 10 Mal im Kunstwerk zu verwenden und eine Mehrheit der anderen Formen auszulassen. Dies ist wirklich ein wählen Sie Ihre eigenen Abenteuer-Übung, Arbeiten mit den Formen zur Verfügung gestellt. So viel von Baukompositionen ist kreative Entscheidungsfindung. mit jeder Komposition, die Sie erstellen, Versuchen Siemit jeder Komposition, die Sie erstellen,neue Ansätze und neue Wege, um nach verschiedenen Wegen zu suchen , um dieses starke Gefühl von Balance und Harmonie zu schaffen. Um zu beginnen, greifen Sie ein leeres Blatt weißes Papier, einen Bleistift, einen Stift und ein Lineal. Wir werden damit beginnen, diese Drittelregel zu üben, die wir vorhin besprochen haben. Ich habe mein Papier auf eine Größe von sechs mal neun Zoll geschnitten, aber das funktioniert mit jeder Größe, die Sie verwenden. Die Entfernungen können nur andere Zahlen als in diesem Beispiel sein. Um zu beginnen, möchte ich die Höhe und Breite meines Papiers durch drei teilen. Also für die neun Zoll Seite meiner Seite, werde ich eine Markierung auf drei Zoll und eine weitere Markierung von sechs Zoll. Für die 6-Zoll-Seite meiner Seite werde ich eine Markierung auf zwei und vier Zoll machen. Nun, ich werde diese Linien auf der Seite sehr leicht mit meinem Bleistift verbinden , damit ich sie später mit meinem Lineal löschen kann. Jetzt habe ich die Regel der dritten Gitter. Wie wir besprochen haben, wenn ich diese Regel befolge, dann werde ich eine meiner Hauptformen platzieren, sagen wir, diesen großen Kreis an der Kreuzung dieser Linien anstatt direkt in der Mitte der Seite. Dann verwende ich diese Linien, um auch die Platzierung meiner anderen Elemente zu lenken. Ich kann beginnen, diese Linien als Leitfaden zu verwenden , um die Formen in Beziehung zueinander zu platzieren. Wenn ich dann mit der Platzierung zufrieden bin, kann ich die Linien löschen und weil wir einen Stift benutzen, bleiben die Formen. Hier habe ich gerade dieser linken Linie auf der Drittelregel gefolgt , um diese Elemente miteinander auszurichten. Das kann wirklich hilfreich sein, nur um alles auf einem linearen Weg zu halten, und das gleicht diesem Kreis, der hier drüben am Querschnitt dieser Linien ist , aus. Ich möchte nichts direkt unter diesen Kreis stellen, weil ich dann das Gefühl habe, dass es zu gleichmäßig sein wird, aber ich werde weiter kleinere Kreise aus diesen Beispielen in dieser Linie platzieren. Jetzt folgt das Auge diesem linearen Weg, und dann denke ich darüber nach, hier drüben der Linie von der Seite zu folgen, und ich werde damit spielen, einige der Quadrate in Rechtecke zu verlängern. Ich könnte dieses Raster weiter abspielen, natürlich können Sie den Raum zwischen dem Gitter ausfüllen, das ist nur ein Ausgangspunkt, um in Ihrer Zeichnung voranzukommen und Dinge auszulegen. Einmal war ich glücklich mit der Gesamtkomposition, jetzt fühle ich mich, dass es hier zu gewichtet ist, also was das hier ausgleichen könnte, ist, den Kreis auszufüllen, das visuelle Gewicht zu geben oder einige kleine Kreise um diese größere Kreis. Denn dann fängt das an, die Kreise hier zu spiegeln, also gibt es ein bisschen mehr Balance. Das fühlt sich ein wenig zu chaotisch für meine persönliche Präferenz an, aber wieder, das ist nur Experimentieren, lernen, was funktioniert, was du magst und wie man Balance in dieser Komposition schafft. Sobald ich mit der Platzierung meiner Elemente zufrieden bin, kann ich die Linien so löschen, als wären sie nie da gewesen. Jetzt bist du dran. Beginnen Sie, Elemente aus diesem Sortiment in dem von Ihnen erstellten Raster zu platzieren. Wenn Sie mit dem Layout zufrieden sind, löschen Sie die Bleistiftrasterlinien und fangen Sie ein Foto oder einen Scan Ihrer Zeichnung an, um am Ende dieser Klasse in den Klassenprojektbereich hochzuladen. Tolle Arbeit, aber ich habe ein kleines Geheimnis mit dir zu teilen. Ich ziehe ehrlich gesagt nie die Regel der Drittelzeilen auf mein Papier. Ich persönlich bevorzuge es, Kompositionen intuitiver zu bauen, aber ich wollte diese Technik teilen, weil sie eine wirklich hilfreiche visuelle Hilfe sein kann , um loszulegen, und es kann auch helfen, wenn Sie sich mitten im Handwerk stecken fühlen und Artwork und brauchen Richtung auf den nächsten Schritt zu nehmen. Also lasst uns ein weiteres leeres Blatt Papier in jeder Größe packen. Mit den gleichen Formen aus dieser Gruppierung werden wir eine Komposition ohne diese Rasterlinien erstellen. Abhängig von Ihrer Herangehensweise an Kunstschaffung kann dies sich ein bisschen wie ein Sprung in das tiefe Ende ohne ein Gefühl der Führung anfühlen, aber hier sind einige hilfreiche Punkte für ein wenig Plan berücksichtigen müssen, bevor Sie vollständig eintauchen. Was ist Ihr Hauptthema? Obwohl wir abstrakte Formen verwenden, denken Sie darüber nach, welche Form Sie im Mittelpunkt stehen möchten. Dies ist die Form, auf die Sie bei Ihrer Arbeit am meisten aufmerksam machen möchten. ich zum Beispiel diese Optionen anschaue, könnte ich den großen Kreis erneut als Mittelpunkt meiner Zeichnung auswählen. Wie werden Sie mit Stützelementen die Aufmerksamkeit auf den Brennpunkt lenken? Ich denke daran, ein Gefühl der Wiederholung mit den kleineren Kreisen zu schaffen , um zum größeren Kreis zu führen, oder um den Rand des großen Kreises mit den kleineren Kreisen zu umgeben. Dabei wird nicht nur der Schwerpunkt auf das Hauptthema gelegt, sondern es schafft auch diesen Kontrast durch Unterschiede in der Größe. Ihre Auswahl an Elementen kann mehrere Zwecke beim Aufbau dieser Komposition dienen. Wie werden Sie wählen, um Ihre Komposition zu beschneiden? Cropping Bindungen an die Grenze, die ein unglaublich wichtiges Element der überzeugenden Balance und Harmonie ist. Beschneiden ist, wie Sie das Bildmaterial innerhalb seiner Begrenzung platzieren möchten. Also werden Sie wählen, Teile des Themas abzuschneiden? Hier wähle ich, wieder zu beginnen, keine Rasterlinien, ich wähle, mit einem großen Kreis zu beginnen, der auf halbem Weg von der Seite geschnitten wird. Das führt das Auge schon ab, und dann denke ich darüber nach, das Auge über die Seite mit einigen sich wiederholenden Elementen zu führen, einige der kleineren Kreise. Sie müssen nicht genau in der Zeile sein. Dies wird nur in einer gekrümmten Form auf der ganzen Seite aufgewickelt . Also, jetzt, da ich von dieser Ecke hierher bis zu diesem Halbkreis folgen kann. Nun, etwas, mit dem Sie anfangen können, ist ähnlich wie die intuitive Musterübung, die wir gemacht haben. Ich kann kleinere Halbkreise innerhalb dieser Hauptgrenze zeichnen. Was ist dann der nächste Schritt? Das fühlte sich wie das Richtige an. Also, jetzt habe ich das, und dann kannst du auch mit dem Drehen deines Motivs spielen. Hier mag ich dieses Arrangement ein wenig besser, und um mehr Balance zu schaffen, werde ich Kreise auf beiden Seiten hinzufügen. Jetzt gibt es ein bisschen symmetrisches Gleichgewicht Gefühl hier, und dann geht es hier hoch, und es geht aus dem symmetrischen Gleichgewicht und oft in die Ecke. Ich mag, was dort passiert, und Sie können einfach Ihre Seite drehen und das kann helfen, die Komposition zu informieren. Sie können an diesem Beispiel sehen, dass die Elemente das Auge in zwei Richtungen von der Seite führen . Aber wenn wir das umdrehen und alles in diesem Raum enthalten würden, dann hätte das einen völlig anderen Effekt wie sich unser Auge visuell über das Kunstwerk bewegt. Zum Beispiel, wenn dieser große Kreis gerade hier geschieht und nicht abgeschnitten wurde, dann anstatt das Auge mit den Kreisen in die Ecke zu bewegen, erzeugt er immer noch Bewegung zum Hauptkreis, diesem Brennpunkt, aber das ist eine steifere und geometrisches Muster von Kreisen als das flüssige, das wir betrachteten. Dies informiert jetzt verschiedene Entscheidungen. Da wir innerhalb der Grenze der Seite bleiben, fange ich an, darüber nachzudenken, wie ich jetzt ein Lineal dafür hätte verwenden können, aber denken Sie darüber nach, wie Linien hier ein Gefühl der Symmetrie hinzufügen könnten. Auch hier können Sie mit dem Drehen Ihres Papiers in verschiedene Richtungen spielen , um zu sehen, wie sich das auf das Auge auswirkt, aber Sie können hier sehen, dass dies ein mehr enthaltenes Stück innerhalb der Grenze ist, das nicht von der Seite läuft aber Sie können hier sehen, dass dies ein mehr enthaltenes Stück innerhalb der Grenze ist,das nicht von der Seite läuft. Auge bewegt sich nur zwischen den Elementen, anstatt abzulaufen und wieder an zu kommen. Wie Sie an diesen Beispielen sehen können, führen beide Optionen zu völlig unterschiedlichen Kunstwerken , die Ihren Blick auf die Seite auf ganz andere Weise bewegen. Beide Beispiele funktionieren, funktionieren aber sehr unterschiedlich. Experimentieren Sie also mit Ihren Elementen, die von der Seite laufen und eingeschlossen bleiben. Sehen Sie, was Sie bevorzugen. Ihre Präferenz wird sich wahrscheinlich auch ändern, je nach Thema und Nachricht, die Sie übermitteln möchten. Eine weitere wichtige Frage, die Sie beim Nachdenken über Ihre Komposition berücksichtigen sollten, ist, wie werden Sie Balance mit verschiedenen Kontrastmodi schaffen? In diesem Beispiel habe ich bereits ein Moment des Kontrastes mit Größe, den großen und kleinen Kreisen und dem Wert verwendet , um Kontrast zu erzeugen, einige dieser Formen auszufüllen und einige leer zu lassen. Denken Sie dagegen darüber nach, ob Sie geometrische und organische Formen, positive und negative Räume, kleine undgroße Formen ausbalancieren positive und negative Räume, kleine und möchten. Denken Sie darüber nach, wie Sie einen visuellen Oomph erzeugen können indem Sie die Spannung zwischen diesen verschiedenen Elementen steigern. In Ordnung, tolle Arbeit. Machen Sie ein Foto oder scannen Sie Ihr Bild, um es mit Ihrem Klassenprojekt hochzuladen. In der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, wie man ein Muster auf Papier mit den Elementen der Komposition erstellt . 13. Plane ein Muster: In dieser Lektion erstellen wir ein weiteres Muster. Aber anstatt es von einer intuitiven Praxis wie zuvor zu nähern, werden wir eine Vorplanung mit den Elementen der Komposition durchlaufen. In dieser Übung verwenden wir dieselbe Auswahl an Formen aus der letzten Lektion, um eine gemusterte Komposition zu erstellen. Anstatt einen einzigartigen Brennpunkt zu haben, der von vielen Elementen unterstützt wird, erstellen wir ein Muster, das sein Design wiederholt, um ein Gefühl von Kontinuität und Fluss zwischen den Elementen zu schaffen. Wenn Muster zum Beispiel als Wiederholungen auf Stoff oder Tapete gedruckt werden, bewegt sich das Auge normalerweise über das gesamte Design, anstatt sich auf einen einzigen Punkt zu konzentrieren. Nehmen Sie sich einen Moment Zeit, um nach Mustern in Ihrer unmittelbaren Umgebung zu suchen. Diese können auf einer Decke, einem Couchkissen, einer Grußkarte oder einer Kaffeebecher sein. Das Muster könnte sogar die Spirale einer Blume außerhalb Ihres Fensters oder die Wiederholung von Grashalmen sein. Muster sind überall herum, wenn wir langsamer werden und uns Zeit nehmen, um zu schauen. Lasst uns anfangen, unser eigenes Muster zu machen. Nehmen Sie für diese Übung ein leeres Blatt Papier wählen Sie nur drei Elemente aus diesem Shape-Sortiment aus, das wir verwendet haben. Auswahl einer begrenzten Anzahl von Formen kann kreativere Lösungen für die Übung bieten und gleichzeitig die Überwältigung des Versuchs bändigen, zu viele Details zu integrieren, auf Vereinfachung und Einfachheit zurückkommen. Nun, ich werde diese auf Papier zeichnen, beginnend mit dem großen Quadrat. In meinem Kopf fange ich an, dies auf der Seite diagonal zu wiederholen. Dies wird mein erster Schritt sein. Nun denke ich darüber nach, wie man die Elemente der Komposition, die wir besprochen haben, in dieses Muster einbinden kann. Nämlich denke ich darüber nach, wie man Kontrast schafft und genug negativen Raum schafft, dass dieses Muster sich nicht überwältigend und beschäftigt fühlt. Ich möchte auch genügend Bewegung und Rhythmus zwischen den Formen schaffen , um das Muster interessant zu halten. Für zusätzlichen Kontrast kann ich bestimmte Formen ausfüllen, um sie zu einem dunkleren Wert zu machen. Ich werde auch kleinere Kreise verwenden, um diese großen Quadrate zu kontrastieren. Für Bewegung und Rhythmus führen die größeren sich wiederholenden Quadrate das Auge über das Papier und fungieren als Anker des Stückes. Obwohl es nicht ein einziges Quadrat ist ein Brennpunkt, weil es die dominierende Form in Bezug auf die Größe ist, wird es wahrscheinlich die größte Aufmerksamkeit auf sich ziehen und von den anderen beiden Elementen unterstützt werden. Basierend auf meinem ursprünglichen Plan, ist dies, was passiert ist, und um ganz offen zu sein, ich bin nicht glücklich damit. Obwohl ich diese Idee habe, dass die großen Quadrate einer Diagonale, die immer noch als Anker dienen, vor allem, ineiner Diagonale, die immer noch als Anker dienen, vor allem,wenn sie gefüllt waren, was am Ende passiert ist, ist, dass es sich ein wenig chaotisch und beschäftigt fühlt. Ich versuchte, einige dieser negativen Räume, die sich bildeten, zu füllen, aber sie waren nur ein wenig unangenehme Formen und Größen. Also habe ich versucht, diese mit diesen hinzugefügten Linien zu füllen und gleichzeitig Bewegung mit den Kreisen zu erzeugen. Die Dinge, die meiner Meinung nach für diese Komposition arbeiten, sind der Kontrast zwischen den steifen geometrischen Quadraten und den Kreisen und Schnörkeln, sowie das Bewegungsgefühl der Kreise, die diese Diagonale ausbalancieren, starre Bewegung der Quadrate. Was ich nicht denke, ist gut mit dieser Komposition zu arbeiten, sind diese zufälligen Linien. Dinge begannen sich zu beschäftigt zu fühlen und es fühlt sich ein wenig einfach zufällig, wie diese platziert werden. Also wäre ich absichtlich darüber, das beim nächsten Mal auszumessen. Aber das ist ein guter Weg, um einfach mit dem sich wiederholenden Muster zu experimentieren und eine eher geplante Art und Weise, als zu sagen, die intuitive Übung, die wir früher gemacht haben. Mit dieser Information, was ich mochte und nicht mochte, mit dem letzten mehr geklemmten Muster, habe ich ein neues Muster erstellt. Was ich in Bezug auf die Elemente gehalten habe, sind die diagonalen Quadrate als Ankerpunkt. Ich behielt auch den Kontrast zu den organischeren Formen der Kreise, und dann steige ich auch den Kontrast, indem ich diese Kreise einfüllte. Dies ist eine viel rhythmische Wiederholung, weil es fast so ist, als ob man 1, 2, 3, 4 oder 1 und 2 und 3 und 4 sagen könnte . Sie hat mehr von dieser treibenden Kraft als das vorangegangene Beispiel, das sich etwas wilder, chaotischer und etwas zerstreuter anfühlte . Ich war auf der Suche nach etwas, das mehr über rhythmisches Mustergefühl hatte. Ich könnte damit weiterspielen. Aber das ist die Sache an der Komposition ist, wenn Sie eine erstellen, können Sie eine Menge Informationen lernen, was Sie mögen, was Sie nicht mögen, und das in die nächste Iteration tragen. der Komposition geht es um Iterieren. Es geht darum, es nochmal zu versuchen. Dies ist die nächste Version, und ich könnte das in eine andere Version schieben. Aber jetzt, ich möchte, dass du eine Wendung machst und das selbst machst. Es ist Zeit für dich, dein Muster zu erstellen. Laden Sie ein Foto hoch oder scannen Sie Ihre Kreation als Teil Ihres Klassenprojekts, damit ich Ihren Prozess sehen kann. In den vorangegangenen Lektionen haben wir untersucht, wie Kompositionen mit mehreren Themen erstellt werden können. In der nächsten Lektion werden wir in eine Übung eintauchen, um eine Komposition mit nur einer zu erstellen. 14. Thumbnail Übung: Diese Übung ist vorteilhaft, wenn man sich ansieht, wie man die Zusammensetzung eines einzelnen Themas überzeugend und interessant macht. Dies gibt uns eine Möglichkeit, unsere Gehirne aus ihrer traditionellen Sichtweise zu schütteln, neue visuelle Verbindungen und kreative Kunstwerke herzustellen. So viel beim Zeichnen geht es um eine Verlangsamung, um wirklich das Objekt vor Ihnen zu beobachten. Wie ich bereits sagte, es ist leicht zu denken, dass wir Themen kennen, die wir jeden Tag sehen können ein Baum, das Blatt, ein Teekessel, ein Stück Essen. Aber wenn wir aufhören, das Thema genauer zu beobachten, sogar für eine volle Minute ununterbrochener Beobachtung, können wir beginnen, mehr Momente der Schönheit und Inspiration zu finden. Bei dieser Übung geht es weniger um den Entscheidungsprozess, den wir praktiziert haben. Stattdessen, sobald Sie eine erste Wahl mit dieser Übung getroffen haben, wird der Rest der Komposition an Ort und Stelle fallen. Lassen Sie uns eintauchen, schnappen Sie sich ein leeres Blatt Papier, Ihren Stift und eine Zutat aus Ihrer Küche, die Sie möglicherweise Ihrem letzten Kochbuch abgedeckten Klassenprojekt aufnehmen möchten. Sobald Sie Ihre Materialien und Ihr Thema gesammelt haben, möchte ich, dass Sie drei Rechtecke unterschiedlicher Größe auf Ihr Papier zeichnen. Sie können diese Rechtecke auch in verschiedenen Winkeln platzieren, wenn Sie wählen. Denken Sie nun an die Übung früher in dieser Klasse zurück, als wir Taschensucher erstellt haben. Ich möchte, dass Sie so handeln, als ob jedes dieser Rechtecke, die Sie gerade auf Ihrem Papier gezeichnet haben , ein Sucher ist, den Sie durchschauen könnten, um Ihr Motiv auf eine neue Art zu sehen. Tatsächlich könnten Sie für eine zusätzliche visuelle Hilfe auch den Sucher verwenden, den Sie hier gemacht haben. Ich beginne mit dem ersten Rechteck auf meiner Seite und ich tue so, als ob ich es zu meinem Thema durchsehen könnte. Die erste und so ziemlich die einzige Wahl, die ich treffe, ist, zu wählen , auf welchen Teil meines Themas ich mich durch diese Grenze konzentrieren möchte. Anstatt zu versuchen, das gesamte Thema in das Rechteck zu passen, schreibe ich nur auf einem Teil ein. In diesem Beispiel wähle ich diesen Teil meines Themas aus. Jetzt zeichne ich nur genau das, was ich in diesem Abschnitt des Rechtecks sehe. Alles andere ist ausgeschnitten oder ausgeschnitten. Auch hier schattiere ich momentan nichts und füge keinen Wert oder Kontrast hinzu. Ich treffe auch keine weiteren Kompositionsentscheidungen , weil ich bereits auf das Thema eingegangen bin, was wiederum dieses realistische Thema zu etwas abstrakterem macht. Ich behalte die Regel der Einfachheit im Hinterkopf. Ich schließe nicht jedes Detail ein, das ich sehe, nur diejenigen, die ich denke, sind die mächtigsten, wesentlichsten oder interessantesten oder notwendigsten. Ich habe das Zeichnen nach Thema innerhalb dieses ersten Rechtecks beendet. Nun, mit dem exakt gleichen Thema wie Inspiration, gehe ich zu meinem zweiten Rechteck und wähle einen anderen Teil aus. Ich wähle diesen Teil des Themas aus und zeichne nur das, was ich in diesem Raum sehe. Ich mache den Prozess ein drittes Mal mit dem dritten Rechteck auf einem dritten Teil des Subjekts. Jetzt habe ich drei verschiedene Versionen, oder Kompositionen des gleichen exakten Themas. Wie genial ist das? Diese Übung kann endlos sein, da Sie 5,10 oder 20 Rechtecke erstellen und jedes Mal eine andere Komposition aus demselben Thema erhalten können. Es muss keine Rechteck-Grenze sein, Sie könnten einen Kreis machen oder Sie könnten eine abstrakte Form machen, aber Sie könnten es immer und immer wieder tun, um Ihr Thema auf neue Weise zu betrachten. Wenn Sie sich fest fühlen, ist dies eine gute Möglichkeit, es zu schütteln und neue Elemente in Ihren Zeichnungen zu sehen. Werfen Sie einen Blick auf Ihre drei Rechtecke und beginnen Sie, sich ein paar Fragen zu stellen. Woran erinnert mich dieses Thema noch? Wie bewegt sich mein Auge in jeder dieser Zeichnungen? Gibt es Orte, an denen ich stecken bleibe? Gibt es Orte mit Kontrast oder visueller Spannung? Gibt es Bereiche, in denen Kontraste mehr Interesse in der Zeichnung erzeugen könnten? Gibt es Orte, an denen sich mein Auge während der Zeichnung sehr sanft und kontinuierlich bewegt ? Denken Sie an die Elemente der Komposition, die wir in dieser Klasse diskutiert haben, und sehen Sie, ob Sie sie in diesen Illustrationen finden können. Dazu gehören: Wiederholung, Bewegung, Brennpunkt, Größe, natürlich Balance, egal ob symmetrisch, asymmetrisch oder radial. Stellen Sie sich diese Fragen, wenn Sie sich alle drei Ihrer Rechtecke ansehen und beachten Sie nur, wenn Sie das Gefühl haben , dass einer der drei besser funktioniert als der Rest in Bezug auf Harmonie, Einheit und Schönheit. Wenn ich mir diese Thumbnails von Rucola anschaue, diese in der Mitte, fängt es an, mich an Vögel auf einem Baum Gliedmaße zu erinnern, teilweise ist das wegen der Art, wie ich in verschiedenen Werten hinzugefügt habe, so dass diese beginnen, wie Schatten oder abstrakte Formen aussehen von vielleicht Vögeln auf diesem Baum Gliedmaße. Dieser hier drüben erinnert mich an eine Schlucht oder ein Tal, das hinunter in die Erde schaut. Es könnte auch Teil eines Stockes oder eines Zweiges sein, der aus einem Baum herausragen kann, der von diesem Teil der Zeichnung abgeschnitten oder abgeschnitten wird. Das hier erinnert mich an nichts und vielleicht, wenn du es angeschaut hast, wirst du an etwas erinnert. Aber ich fange an, mir vorzustellen, ob das noch mehr beschnitten wurde, als ob es hier eine Linie gäbe, also halte ich meine Hand auf den Bildschirm und bedecke die Oberseite dieses Rechtecks, nur um zu sehen, ob es mich an irgendetwas erinnert. Vielleicht eine andere Pflanze oder ein anderer Baum, aber es ruft nichts sofort. Diese beiden erinnern mich an andere Verbände. Das ist, wo diese Übung wirklich erlauben kann, in die Welt der abstrakten Kunst einzutreten. Das ist ein wirklich lustiger Ort zu sein, weil es beginnen kann, uns zu öffnen, um all diese verschiedenen Assoziationen mit dem Kunstwerk zu sehen , die vielleicht nicht das eigentliche Thema sein, aber es gibt uns mehr eine Gelegenheit, sich auf einem persönlichen und beginnen, sich verschiedene Dinge vorzustellen und unterschiedliche emotionale Verbindungen mit dem Kunstwerk als Betrachter und mit dem Kunstwerk als Schöpfer herzustellen. Dies ist eine wirklich großartige Übung, um uns aus diesem Realismus und aus dieser Realität der Welt zu führen und in Formen und Linien einzutreten und mit Abstraktion zu empfinden und zu experimentieren. Das ist wirklich großartig in dieser Übung. Diese drei, würde ich sagen, dass dieser hier auf der rechten Seite tatsächlich der erfolgreichste ist. Dies wird wirklich abhängig von Ihrer Stil-Präferenz und dem, was Sie mit Artwork anziehen. Du könntest mir hier nicht zustimmen, oder du könntest mir hier zustimmen. Aber der Grund, warum ich diese als die erfolgreichste Komposition wähle, ist, weil ich wirklich von minimaler Kunst angezogen bin. Ich mag Kunst, die Raum zum Atmen hat. Ich mag Kunst, die flach und einfach ist. Was ich mit flach meine, ist, dass diese Linie, die dick und gefüllt ist, fast so ist, als würde sie gegen das Papier stoßen. Es gibt keinen Sinn für Tiefe. Es ist wirklich flach und Farbe, es gibt keinen Mittelton, es ist nur sattes Schwarz. Aber gleichzeitig kann etwas, das flach ist, eine Illustration, die flach ist, auch eine Einladung sein, in die Arbeit einzutreten. Da ist dieser Push-Pull zwischen der Ebenheit und der Tiefe. Wir können das sehen, weil diese Form zu uns drängt, und gleichzeitig möchte ich in diese Spalte eintauchen. Ich will in diesen Riss in einem Felsen gehen. Es sieht aus wie etwas, das ich vielleicht betreten und erforschen könnte, und doch drängt es mich auch an, also ist es irgendwie dieser Push-Pull. Ich fühle mich, das schafft wirklich große visuelle Spannungen und Intrigen in einem Kunstwerk. Ich liebe auch nur, wie viel negativer Raum es gibt, es gibt so viel Atemraum für das Auge, und es macht mich wirklich ruhig fühlen. Ich mag es, wie etwas Symmetrie vor sich geht, wie das in der Mitte dieses Rechtecks endet, und plötzlich ist es, als könntest du dieses Rechteck in zwei Hälften falten. Es ist keine Symmetrie im Sinne eines Spiegelbildes, aber es gibt ein Gefühl des Gleichgewichts, weil es fast auf halbem Punkt des Frameworks ist. Wenn Sie mögen, dass, gibt eine schöne ausgewogene auch. Ich genieße auch, darüber nachzudenken, wie Sie dieses spezifische Rechteck in verschiedene Richtungen drehen können, sehen, wie das aussehen könnte, und experimentieren können, wie das auch einen anderen visuellen Effekt ergeben könnte. Wenn Sie sich Ihre Kompositionen, Ihre drei Rechtecke ansehen, denken Sie darüber nach, welche Sie als die erfolgreichsten und warum wählen würden. Ich würde das nicht unbedingt zu einem Kunstdruck oder so machen, aber mich nur zu fragen, warum ich das Gefühl habe, dass es das erfolgreichste ist, kann mein zukünftiges Kunstwerk und meine zukünftige Entscheidungsfindung in Kompositionen leiten . Was ich geantwortet habe, ist der negative Raum, die Einfachheit, das Gefühl des Gleichgewichts, die Ebenheit. All diese Eigenschaften sind Dinge, die ich in eine zukünftige Illustration integrieren kann, oder einen zukünftigen Druck oder ein zukünftiges Muster. Dies ist eine wirklich gute Frage zu stellen, weil sie zukünftige Kreationen und kreative Momente leiten kann , damit wir unsere Kompositionen weiter verbessern und wirklich den Stil nutzen können, den wir wirklich anstreben und mit dem Welt. In der nächsten Lektion erfahren Sie, wie Sie eine Komposition digital mit Adobe Illustrator erstellen können. 15. Digitaler Kunstdruck: Für diesen Teil der Klasse werden wir Kompositionen digital erstellen. Der Vorteil, Kompositionen in einer digitalen Software wie Adobe Illustrator zu erstellen, besteht darin, dass Sie mit vielen verschiedenen Layouts experimentieren können, um zu sehen, was funktioniert und was nicht, ohne sich zu schnell auf Papier zu setzen, wie wir es beim Experimentieren mit einem Stift tun können. Sowohl analoge als auch digitale Ansätze zur Illustration haben ihre Vor- und Nachteile. Aber der digitale Ansatz kann unglaublich hilfreich sein, um zu experimentieren und mehr darüber zu erfahren, wie man überzeugende Kompositionen erstellt. Zu Beginn werden wir üben, eine Komposition mit einem traditionellen Kunstdruck zu bauen. Lassen Sie uns unseren Dokumentenbereich einrichten. Normalerweise verwende ich gerne eine 8 x 10 Zoll oder eine 11 x 14 Zoll Größe, da dies typische Rahmengrößen sind, wenn ich einen Druck verkaufen soll, der in Zukunft gerahmt werden soll. In diesem Beispiel richte ich das Dokument als 8 x 10 ein. Ich werde den Farbmodus als RGB behalten, da wir auf dem Bildschirm arbeiten und diese werden digital im Abschnitt Klassenprojekte präsentiert. Wenn ich dieses Kochbuchcover zu Hause drucken würde, würde ich wollen, dass das Dokument in CMYK ist, aber vorerst funktioniert RGB. Auf eine andere Notiz, wenn Sie mit einer Print-on-Demand-Firma arbeiten , die ich derzeit für die meisten meiner Drucke mache, ist ihre Anforderung an Dateien manchmal RGB. Wenn ich diesen Druck über die Firma verkaufen würde, mit der ich arbeite, würde ich trotzdem den RGB-Farbmodus verwenden wollen. Weitere Informationen darüber, wie Sie Ihre Kunst online mit Print-on-Demand verkaufen können. Du kannst meine Klasse besuchen und das Inventar ablegen. Wie Sie Print-on-Demand verwenden, um Ihre Kunst zu verkaufen und Ihre kreative Karriere zu starten. Jetzt werde ich sicherstellen, dass dieses Dokument 300 DPI hat und ich werde auf „OK“ klicken. Anstatt eine abstrakte Komposition mit der Auswahl an Formen zu erstellen , die wir zuvor gemacht haben, werden wir einige Zeichnungen verwenden, die auf realen Themen basieren. Da unser letztes Klassenprojekt ein illustriertes Kochbuchcover ist, verwende ich in diesem Beispiel verschiedene Lebensmittel-Illustrationen. Sie können gerne Ihre eigenen Illustrationen erstellen oder die Datei dieser Zeichnungen herunterladen , die ich im Bereich Projekte und Ressourcen enthalten habe. Sie können diese Beispiele herunterladen und in Adobe Illustrator öffnen, um sie weiterzuverfolgen. Diese Abbildungen sind nur für die Zwecke dieser Übung und können nicht außerhalb dieser Klasse verwendet werden. Nachdem Sie das bereitgestellte Bilddokument heruntergeladen oder in Ihren eigenen Zeichnungen gescannt haben, können Sie die Datei in Illustrator ablegen, indem Sie die Datei unter Dateityp suchen. Oder Sie können die Tastenkombination Shift Command P verwenden . Ich habe diese Illustrationen aus einem anderen Illustrator-Dokument kopiert diese Illustrationen aus , an dem ich für ein persönliches Projekt arbeite. Diese werden bereits in Adobe Illustrator verfolgt Wenn Sie jedoch Ihre Originalzeichnungen scannen oder kopieren und die von mir bereitgestellten JPEG-Zeichnungen kopieren, müssen Sie eine Bildverfolgung durchführen, um mit Sie im Illustrator-Bereich. Wenn Sie daran interessiert sind, zu lernen, wie man das macht, können Sie meine kurze Klasse mit dem Titel Digital Drawing nehmen : Wie Sie Ihre Skizze in einen Vektor verwandeln.“ Aber diese sind bereits vektorisiert, so dass wir sie sofort verwenden können. Ähnlich wie bei der Arbeit an Papier konnten Sie hier zur Shape-Leiste kommen und ein Liniensegment-Tool auswählen. Sie könnten damit beginnen, Linien für die Drittelregel einzuführen , die wir besprochen haben, wenn Sie mit einem Raster arbeiten möchten. Anstatt direkt in das einzutauchen, werde ich anfangen, mit Platzierungen allein ohne diese Linien zu spielen , und Sie können mir bei der Arbeit zusehen. Mit diesem Schritt direkt dort, als ich den Strom von Öl verlängert, der wirklich geholfen, denke ich, zu beginnen, um den Raum mehr von einer Grenze zu geben. Wir sprachen über die Grenze dieses traditionellen Kunsttafel genau hier ist das Rechteck. Aber auch innerhalb des Raums können Sie eine Begrenzung mit einigen der illustrierten Elemente erstellen. Jetzt haben wir diesen Fluss passiert, und obwohl diese nicht einmal auf dem Boden sind, bewegt sich das Auge von diesem Olivenölbehälter nach oben um den Ölstrom zurück hier unten. Wir können anfangen, darüber nachzudenken, was in diesem Raum platziert werden könnte. Ich werde damit spielen, dieses Element zu kopieren und es nach unten zu verkleinern, es außerhalb dieser Grenze zu platzieren. Aber das wird etwas klobig, wenn es kleiner ist. Lasst uns nur einen Hauch kleiner machen und es genau dort hinlegen. Aber Sie können sehen, wie wirklich darum geht, zu experimentieren und zu finden, was funktioniert und welche Klicks und was nicht, und das ist eine Menge Versuch und Irrtum und Reorganisation und Finden, welche Elemente zusammenpassen und welche Elemente Sie auslassen müssen. Denn manchmal kann es einfach zu beschäftigt werden. Ein weiterer Trick, den ich wirklich gerne mache, ich werde alle diese Elemente hier nach links verschieben. Hier ist Ihr Kunsttafel-Symbol, Sie können darauf klicken und dann können Sie auf diese neue Kunsttafel klicken und einfach ein paar mehr erstellen. Sie können so viele erstellen, wie Sie möchten. Ich werde zwei weitere erstellen und dann werde ich tatsächlich alle diese auswählen, halten Sie die Option gedrückt und ziehen Sie die Gruppierung nach unten. Ich habe genau die gleichen Elemente, mit denen ich in diesen beiden anderen Kunstbrettern arbeiten kann. Auf diese Weise können Sie mit verschiedenen Kompositionen spielen und verschiedene Ideen ausprobieren , anstatt sich nur dem einen Raum zu verpflichten. In diesem nächsten werde ich das Olivenöl auslassen und ich werde mit diesen Musterblättern spielen. Wenn ich diese hier nochmal kopiere, weil ich diese drei mag, aber ich möchte sehen, was andere Arrangements funktionieren könnten. Das hier ist schön, weil es einfach ist. Auch hier fügt Farbe eine riesige Komponente zur Komposition hinzu, aber im Moment bleiben wir mit Schwarz und Weiß fest. Aber wenn ich hier etwas mehr Kontrast hinzufügen möchte, könnte ich darüber nachdenken, bestimmte Leerzeichen mit Schwarz zu füllen. Moment ist der Umriss schwarz, ImMoment ist der Umriss schwarz, aber wenn ich ausfülle, indem ich anklicke, ging ich zum Füllen hier und klickte schwarz und dann kann ich wieder zum Strich zurückkehren und auf „Kein Strich“ klicken. Jetzt ist es wie die Silhouette des Blattes und ich könnte das hier drüben tun. Das ist auch hier das Gleiche und das schafft mehr Kontrast. Ich werde die rückgängig machen, weil ich die Linienzeichnung mag, die passiert. Ich werde das wie vorerst lassen, aber du könntest Artboards immer wieder wiederholen, um mit verschiedenen Kompositionen zu spielen. Ich werde dieses kopierte Olivenöl in diesen Raum bringen. Auch hier gefällt mir die Einfachheit, dass es nur die Flasche und das Öl ist. Aber wenn ich mit mehr Elementen des Essens spielen würde, das könnte auch Spaß machen. Aber das fühlt sich zu beschäftigt an. Sie können wieder sehen, das ist wirklich Versuch und Irrtum. Aber was ich wirklich angezogen bin, ist eigentlich, wie ich sagte, die Einfachheit hier und ich denke über das Kochbuchcover nach und möglicherweise den Text in diesen Raum zu bringen. Ich weiß, dass ich anfangs gesagt habe, dass ich bestimmte Elemente einbauen würde , und diese können es in das endgültige Cover schaffen oder nicht. Aber Sie können hier sehen, dass dies ein anderer Ansatz ist, einen Kunstdruck digital zu erstellen, und Sie können wirklich mit dem experimentieren, was funktioniert und was nicht. Hier, ich mag das nicht, weil ich das Gefühl habe, dass in dieser Ecke etwas fehlt. Ich fühle mich, als hätte es kein Interesse. Das fühlt sich ausgeglichener an. Das ist also eine bessere Komposition in meinem Kopf. Dies hat eine Menge von schönen leeren negativen Raum in der Mitte und hat Bewegung an den Rändern. Das gefällt mir. Sie können wirklich spielen und herausfinden, welche Anordnung der Elemente für Sie funktioniert und sie dann mit Ihrem Prozess in das Klassenprojekt hochladen , weil ich sehen möchte, woran Sie arbeiten. Um dies zu tun, würden Sie einfach zu Datei gehen, Exportieren, und Sie können zu Exportieren als gehen, und dann können Sie exportieren, wie hier unten wählen Sie ein JPEG. Sie können Kunstdruck, Komposition als Titel auswählen und dann Kunsttafeln verwenden, und Sie können in die Kunsttafel einfügen, die Sie exportieren möchten. Wenn es Nummer 1 oder Nummer 2 ist. Sie würden nur diese Nummer hier angeben, klicken Sie auf Exportieren, und dann würde es an Ihrem Speicherort gespeichert, und dann könnten Sie diese Datei in den Klassenprojektabschnitt hochladen , damit wir Ihren Prozess sehen können. In der nächsten Lektion werden wir üben, eine Komposition mit dem digitalen Muster zu erstellen. 16. Digitales Muster: Ähnlich wie in der früheren Lektion, als wir ein sich wiederholendes Muster auf Papier erstellt haben, können wir in Adobe Illustrator auch digitale Wiederholungsmuster erstellen. Illustrator ist ein leistungsfähiges Werkzeug, um Muster mit Ihren Illustrationen zu erstellen. Diese Muster könnten auf Produkten, Stoff, Tapeten, Geschenkpapier, Grußkarten verwendet werden , die Liste geht weiter. Ich werde Sie durch das Erstellen und Erstellen einer sehr einfachen Musterkomposition in dieser Lektion führen, aber das Erstellen von Mustern ist ein Thema mit umfangreichen Informationen Um das Thema tiefer zu vertiefen, schlage ich dringend vor, Bonnie Christines Skillshare Seite. Öffnen Sie ein neues Dokument in Illustrator, um mit dieser Übung zu beginnen . Ich werde dieses Dokument dieses Mal als Quadrat einrichten, immer noch RGB und immer noch 300 dpi. Jetzt werde ich die gleichen Elemente verwenden, die wir in der letzten Lektion verwendet haben. Ich habe sie gerade aus unserem anderen Dokument kopiert, indem ich sie alle auswählte, Befehl C auf dem Mac drückte, um ihn zu kopieren und den Befehl P hier im Musterdokument zum Einfügen zu drücken. Da ich diese Illustrationen bereits im anderen Dokument verfolgt habe, sind sie gut zu gehen. Jetzt ist es Zeit, mit der Komposition zu spielen. Wieder, da wir digital arbeiten, können wir ein Experiment spielen, ohne zu viel Engagement für einen Blick sofort. Ich werde Kopien dieser illustrierten Elemente machen , um auf der rechten Seite meiner Kunsttafel zu haben. Ich werde auch mein Kunstbrett ein paar Mal duplizieren damit wir mit verschiedenen Arrangements experimentieren können, um zu vergleichen, also werde ich dieses senfgrüne Blatt hier drüben greifen. Ich gehe zurück zu meinem ursprünglichen Kunstboard, und ich werde es erweitern, um es ein bisschen größer zu machen. Genau so, und dann halte ich die Wahltaste auf der Mac-Tastatur gedrückt, und während ich die Option gedrückt halte, kann ich das Bild über ziehen, beide Optionstaste und die Maus loslassen, und dann werde ich ein Duplikat rechts dort, und dann kann ich einfach auf Befehle D auf der Mac-Tastatur klicken um genau die gleiche Aktion wieder zu tun, also werde ich das tun. Jetzt habe ich diese drei Blätter. Jetzt werde ich alle von ihnen mit der Maus auswählen, die Option gedrückt halten, ich werde sie einfach so platzieren, also ziehe ich die Option nach unten und lasse jetzt die Optionstaste und die Maus los, und ich werde das noch einmal duplizieren. Dann haben wir diese drei Reihen von Senfgrün. Nun, ich werde alles auswählen, weil es ein wenig näher an dieser linken Kante kommt, und ich werde es einfach rüber treiben. Nun, um ein Muster zu erstellen, gibt es eine wirklich wunderbare Möglichkeit, dies zu tun, die wirklich in der Tiefe ist , und ich werde Sie wieder auf Bonnie Christine Skillshare Seite für diesen Prozess leiten . Aber es gibt eine andere Möglichkeit, dies in den neueren Versionen von Illustrator zu tun, wo Sie zu Objekt, Muster, Make gehen können. Aber zuerst wollen wir dies auswählen, also Objekt, Muster, Make. Nun, hier können Sie die Breite und die Höhe sehen, die Sie auf das Gitter sehen können. Dies wurde dem Farbfeldbedienfeld hinzugefügt, und jetzt können Sie sehen, wie es sich immer und immer wieder wiederholt. Das ist eine wirklich einfache Möglichkeit, ein sich wiederholendes Muster zu erstellen. Sie können sehen, wie diese in Dezimalstellen sind, also können Sie damit spielen, diese auf ganze Zahlen neun mal neun zu senken, und das ist nur ein wenig entfernt. Jetzt haben wir dieses sich wiederholende Muster passiert, und wenn Sie mit ihm zufrieden sind, können Sie auf „Fertig“ klicken und jetzt ist es hier in Ihrem Farbfeld-Panel. Um dieses Muster zu testen, kann ich auf meiner Tastatur auf „M“ klicken oder Sie können auf das Rechteck kommen, um ein Rechteck zu erstellen, und ich werde das einfach rüber ziehen, und dann werde ich das Muster auswählen, das wir gerade gemacht haben. Dort haben Sie ein wirklich einfaches sich wiederholendes Muster. Sie können beginnen, mit verschiedenen Elementen zu spielen, die eine Wiederholung werden und immer noch über die Elemente der Komposition nachdenken. In diesem Beispiel hier haben wir einen sehr exakten Rhythmus. Wir haben das gleiche Element wiederholt sich immer und immer wieder. Das ist etwas interessant, aber wir könnten mit dem Abstand spielen, und wir könnten damit spielen, mehr Wert im Gegensatz zu addieren. In einer anderen Box hier könnten wir mit dem Hinzufügen eines anderen Elements komplett spielen , um mehr Interesse und Intrigen hinzuzufügen. Zum Beispiel könnte ich das hinziehen, und dann ziehe ich ein Blatt hierher, und du beobachtest mich wirklich, wie ich arbeite, genau wie wir es in der letzten Lektion getan haben , weil ich wirklich nach Hause hämmern möchte , dass die Komposition wirklich über das Experimentieren. Es wird nicht immer sofort an Ort und Stelle fallen. Einige Arbeiten gehen einfacher als andere und einige kommen wirklich sehr intuitiv, sehr schnell. Andere, es ist eine Menge Frustration ehrlich und wirklich wieder zu einem Stück zurückzukehren, also wie wir in der digitalen Kunstdruckfläche gesehen haben, Sie mich wirklich bei der Arbeit gesehen, um herauszufinden wie diese Elemente zusammenarbeiten wenn sie zusammenarbeiten manchmal merkt man, dass vielleicht etwas besser auf sich selbst funktioniert, wie Olivenölflasche als es mit einem anderen Element tut. Ich möchte nur wirklich transparent sein und Ihnen zeigen, dass der Prozess nicht immer perfekt ist und dass es wirklich darum geht, Ihren Stil zu entdecken und zu üben. Ich werde hier weiter spielen und anstatt diese Blätter in die gleiche Richtung gehen, werde ich das hier umdrehen, und ich werde es ein bisschen größer machen als diese beiden anderen Blätter. Nun, ich werde immer noch nur Blätter als Thema dafür halten, aber ich werde einige von ihnen wieder verschieben und kopieren, mit diesem Optionstaste werde ich nur einige von ihnen kopieren und sie in verschiedene Richtungen platzieren. Auch hier ist dieser digitale Raum großartig, um mit dem zu experimentieren, was funktioniert, was nicht. Ich will das nicht wieder direkt neben sich selbst, aber was ich tun werde, ist, dass ich das wirklich löschen werde, ich werde dieses kopieren und es hier spiegeln. Im Moment spielen wir mit einer symmetrischen Balance der Elemente. Denken Sie daran, Balance ist eine Sache mit Komposition, eine sehr wichtige Komponente der Komposition, und wir betrachten das gerade jetzt. Es wird nicht genau gespiegelt, aber es wird ein Verweis auf ein gespiegeltes Bild sein. Nun, ich werde all das auswählen und tatsächlich alles drehen und alles nur ein wenig erweitern. Dies ist eher wie ein geworfenes Muster, es ist mehr verstreut, so dass ein Streumuster, das nicht nur genau das gleiche ist, in Reihen sich wiederholenden, normalerweise ein geworfenes Muster genannt wird. Aber hier kann ich sehen, dass es etwas zu unten ein wenig mehr, und ich möchte, dass es tatsächlich reflektiert wird, also gehe ich zu Transformieren, Reflect. Sie können in der Vorschau sehen, sieht als Vorschau vertikal ausgewählt, dass es nur die Art und Weise widerspiegelt, wie ich wollte, und jetzt werde ich drehen, dass ein wenig. Wir werden diese einige Auswählen beides durch Halten der Umschalttaste, aber weißt du was? Ich werde das löschen und ich werde das löschen. Weil dies Prozess ist, werde ich die Option gedrückt halten und diese Zeit verschieben, so dass es in der Schlange bleibt, und dann werde ich dies vertikal reflektieren. Ich werde es nur ein wenig vom Blatt skizzieren, und ich werde das gleiche tun hier, also Option, ziehen, verschieben, also ist es auf der gleichen Linie wie das andere Grün gesperrt, und dann werde ich es reflektieren wieder. Sie werden es nur ein wenig schieben, und dann gehen Sie zu Option, ziehen, verschieben, reflektieren. Cool. Aber jetzt werde ich alles auswählen und es tatsächlich wieder in die andere Richtung drehen. Auch hier können Sie diesen Prozess, Prozess, Prozess sehen. Dies hat viel mehr negativen Raum als der letzte, aber mal sehen, was passiert, wenn wir dies zu einem Muster machen. Muster, Make. Es wurde gerettet. Hier können Sie sehen, dass dies vielleicht ein bisschen interessanter ist als das andere Muster, aber wieder, ich werde hierher kommen und dies zu neun mal acht ändern und sehen, was das tut, so dass nur ein wenig geschrumpft. Sie können die Anzahl der angezeigten Kopien ändern, damit Sie noch mehr Kopien sehen können, indem Sie hier unten gehen. Sie können die Kopien abdunkeln, damit Sie die Hauptzeichnungen noch sehen können, oder Sie können diese als volle Deckkraft belassen. Dann können Sie mit den verschiedenen Arten von Mustern spielen, so Ziegel für Reihe, Ziegel für Spalte, und all diese wieder, sie änderten die Zusammensetzung und das Layout Ihres Musters. Einige von ihnen beginnen sich zu überlappen und werden ein wenig funky, aber wenn wir wieder ins Raster gehen, ist das das klassische Raster. Ich mag den Ziegelstein für Spalte. Ich denke, das ist wirklich interessant, es gibt einige nette Lücken im negativen Raum, also gibt es Raum für das Auge zu atmen, aber wir haben immer noch etwas Balance und Symmetrie passiert, könnte wie eine wirklich lustige Tapete sein, also bekommst du die Idee. Sie können wirklich experimentieren, ich werde auf „Fertig“ klicken. Sie können wirklich mit verschiedenen Arten von Mustern in Ihren Quadraten experimentieren. Ich werde auf der Tastatur „M“ drücken, um ein weiteres Rechteck zu erstellen, und dann wird es hier im Musterfeld gespeichert, also werde ich das auswählen und es gibt Ihr Muster. Wenn Sie Ihr Muster größer sehen möchten, können Sie zu Objekt, Transformationen, Skalieren gehen und dann die Objekte nicht selbst transformieren, sondern nur das Muster, und dann können Sie eine Zahl eingeben oder Sie können mit der Maus scrollen, um es zu vergrößern, so sehen, das ist wirklich ein lustiges Muster, ich denke, weil es eine gewisse Symmetrie in Spiegelung und Balance gibt, und es hat diese Diamantform zwischen der Unterseite dieses Blattes und der Unterseite dieses Blattes oder Sie können die andere Weise zurückskalieren sehen, es ist wow, wirklich klein oder wirklich groß. Meine Maus will weitermachen, also werde ich tatsächlich manuell auf der Tastatur 50 Prozente eingeben, und dann können Sie auf „Vorschau“ klicken. Das zeigt dir, dass es ziemlich klein ist. Ich werde auf „Abbrechen“ klicken, weil ich das nicht speichern möchte, und das ist das Beispiel hier. Ich möchte, dass Sie mit den Elementen experimentieren , die Sie gezeichnet haben, oder den Elementen, die ich Ihnen zur Verfügung gestellt habe verschiedene Muster erstellen und sehen, was Ihre Phantasie in Bezug auf die Komposition fällt, und dann können Sie diese als Teil Ihrer Prozess und einen Teil Ihres Projekts in den Klassenprojektabschnitt, und ich kann es kaum erwarten zu sehen, was Sie erstellen. Okay, Freund, ich denke, du hast eine Menge an Kompositionstraining unter deinem Gürtel, nicht wahr? In der nächsten Lektion werden wir damit beginnen, Inspiration für unser abschließendes Klassenprojekt zu sammeln. 17. Inspiration sammeln: Typischerweise füge ich zu Beginn der Klasse einen Abschnitt zum Sammeln von Inspiration ein. Aber wenn es um Komposition geht, denke ich, dass es wichtig ist, dich zuerst von deiner Intuition leiten zu lassen. Deshalb habe ich bis jetzt darauf gewartet, dass Sie anfangen, eine Sammlung von Beispielen zu erstellen , die als Inspiration dienen können. Um inspirierende Bilder zu sammeln, schlage ich vor, ein Pinterest-Board zu erstellen. Dies kann eine öffentliche oder eine private Pension sein. Pinterest ist eine wirklich unglaubliche Ressource, um eine Auswahl an Bildern zu sammeln , um Ihre kreative Praxis zu fördern. Inspiration ist ein großartiger Ort, um zu beginnen, wenn Sie etwas Neues ausprobieren oder sich feststecken fühlen, aber Sie wollen nie direkt von einem anderen Künstler nehmen. Wenn Sie von einem Kunstwerk oder einem Foto inspiriert sind, notieren Sie die Elemente, die Sie antreiben, anstatt direkt das zu kopieren, was Sie sehen. Dylan Mierzwinski hat einen tollen Überblick darüber, wie man dies in ihrer Klasse, Leveling Up Your Art Game, das ich in dem Ressourcendokument im Bereich Projekte und Ressourcen verknüpft habe . Um zu beginnen, Inspiration zu sammeln, machen Sie Ihr Brett. Ich habe meine, überzeugende Kompositionen angerufen. Ich begann mit der Suche nach illustrierten Kochbucheinband sowie einer weiteren Suche nach Lebensmittelillustration. Hier ist die Sammlung, die ich anfing zu sammeln, die mich inspiriert. Wenn ich diese Beispiele in einem Raum sammle, kann ich beginnen, die Verbindungen von Stilen zu sehen, zu denen ich hingezogen bin. Sammeln Sie Ihre Inspiration und bemerken alle Elemente der Komposition, die wirklich von Ihnen abheben, einschließlich Balance, Bewegung, Rhythmus, Fokus, Kontrast. Beachten Sie alle kontinuierlichen Threads, die Ihre gesammelten Bilder verbinden , um die Kompositionen aufzudecken, die Sie als überzeugend finden. Wenn ich in dieser Tafel nach gängigen Themen und Threads suche, die ich von Kompositionen erstellt habe, merke ich ein paar Dinge. Eines der Dinge, die ich merke, ist, dass es in vielen von ihnen einen Hauptschwerpunkt gibt. Hier haben wir die Mango, es sieht aus wie eine Art Saft. Hier haben wir den Topf mit Pasta, hier haben wir die Platte mit Fisch, so gibt es eine Menge von Brennpunkten passiert und sie werden oft in diesen Beispielen durch negativen Raum um sie herum erstellt. Hier unten gibt es noch ein paar mehr. Da ist diese Pasta, die im Mittelpunkt steht und in Schriftzüge verwandelt wird, was wirklich Spaß macht. Im Mittelpunkt steht hier der eigentliche Titel, und das wird durch diese Bildlinie betont. Dann haben wir hier den Schwerpunkt einer Pfanne, die durch den negativen Raum um sie herum geschaffen und betont wird. Ich merke das. Negativer Raum ist auch eine Komponente, die in vielen von diesen erscheint. Eine andere Sache, die ich merke, ist, dass ich wirklich auf die flachen Bilder hingezogen bin, Dinge, die nicht viel Tiefe, Schatten oder Schattierung haben , sondern nur eine einfarbige Farbe sind. Am gegenüberliegenden Ende des Spektrums ein wenig vom einen Hauptschwerpunkt entfernt, merke ich, dass mir auch das sich wiederholende Mustergefühl gefällt, wie dieses Bild, dieses Bild, dieses Bild und dieses Bild. Es hat ein Gefühl von Bewegung und es füllt den Raum vollständig, und es hält mein Auge wirklich fasziniert und neugierig, was diese Zutaten sind. Ich merke, dass ich das auch genieße. Ich bin neugierig, was deine Fäden sind. Was finden Sie in Ihren gesammelten Bildern , auf die Sie sich anscheinend hingezogen fühlen, wenn es um Komposition geht, und wie können Sie das in Ihr endgültiges Projekt integrieren? Ich denke, wenn ich mir diese anschaue, dass ich mich wirklich auf Einfachheit, negativen Raum konzentrieren werde und wahrscheinlich auf die Olivenölflasche zurückkehre , die wir uns früher angesehen haben. Fühlen Sie sich inspiriert? Ehrfürchtig. In der nächsten Lektion ist es an der Zeit, in Ihr Klassenprojekt einzutauchen. 18. Kursprojekt: Papier: Um zu beginnen, schnappen Sie sich einen Stift und Papier. Ich empfehle immer noch, nur die Linienzeichnung in Schwarzweiß zu verwenden , um sich wirklich auf die Komposition zu konzentrieren. Konzentrieren Sie sich darauf, wie die Elemente Ihrer Arbeit zusammenpassen können, um diese Einheit zu schaffen. Um den Prozess der Herstellung Ihres Kochbucheinsatzes zu beginnen, brainstormieren Sie die Elemente, die Sie in Ihre illustrierte Komposition aufnehmen möchten. Zum Beispiel weiß ich, dass ich mindestens eine Tomate, einen Spatel und ein senfgrünes Blatt hinzufügen möchte. Ich habe diese Elemente schnell als meine Zeichnungen auf einem leeren Blatt Papier skizziert und Sie können sie hier von einem anderen Projekt gefärbt sehen. Entscheiden Sie sich für eine Handvoll Lebensmittelelemente und Zutaten, die Sie einschließen möchten, und zeichnen Sie diese auf Ihr Papier. Mach dir keine Sorgen darüber, dass sie fertig sind. Notieren Sie sie einfach als Referenz für diese nächste Übung. Ein weiteres Element, das mit diesem spezifischen Projekt ins Spiel kommt , das wir noch nicht besprochen haben, ist Text. Der Text auf meinem Cover wird die kreative Küche sein und von Liz Brandley illustriert. habe ich auch auf diesem Papier geschrieben. Notieren Sie sich den Titel Ihres Kochbuchs und Ihren Namen in der Nähe Ihrer Bilderbibliothek auf Ihrem Blatt Papier. Denken Sie darüber nach, wie der Stil Ihres Schriftzugs zu diesem Gesamtgefühl in der Komposition beitragen kann. Handgeschriebene Schriftarten können sich zum Beispiel spielerisch, jugendlich und kreativ anfühlen. Kursive Schriftarten können sich klassisch und elegant anfühlen. Blockschriftarten können sich selbstbewusst und fett anfühlen. Auf dem gleichen Blatt Papier wie Ihre Lebensmittel-Illustrationen, oder Sie können ein anderes leeres Blatt verwenden, beginnen Sie mit dem Ausschreiben des Textes, den Sie in verschiedenen Stilen verwenden werden, zu spielen. Denk über den Titel nach. Denk an deinen Namen nach. Beachten Sie, wenn Sie einen bestimmten Stil von Schriftarten mögen und notieren Sie einfach ein paar Optionen, es zu schreiben, um zu referenzieren. Sie nun auf einem anderen Blatt Papier ZeichnenSie nun auf einem anderen Blatt Papier10 kleine bis mittelgroße Rechtecke. Diese dienen als Miniaturansichten Ihrer Kochbuchabdeckung, um schnell verschiedene Arrangements Ihrer Elemente ohne zu viel Befestigung oder Urteilsvermögen zu erstellen . Dies hilft Ihnen wirklich, den kreativen Prozess auf einem niedrigen Risiko zu starten, anstatt direkt in die endgültige Coverkunst zu tauchen. Dieses Aufwärmen, ähnlich wie Ausschnitte, die wir zu Beginn dieser Klasse gemacht haben, ist wirklich hilfreich, um viele verschiedene Optionen zu sehen, bevor sie sich zu einer Idee verpflichten. Beginnen Sie, jedes Rechteck nacheinander mit verschiedenen Anordnungen Ihrer Elemente, einschließlich verschiedener Stile Ihres Textes, auszufüllen. Denken Sie an jene Elemente der Komposition, die hier ins Spiel kommen können. Bewegung, Wiederholung, Skala, Wert. Beginnen Sie mit verschiedenen Kombinationen in jedem Rechteck zu experimentieren. Sie können diesen Vorgang für beliebig viele Thumbnail Covers wiederholen. Aber 10 ist ein guter Ausgangspunkt, um weiterhin auf neue Lösungen zu drängen , die auf den ersten Blick nicht offensichtlich erscheinen. Sie können machen, dass alle nicht zu viel Zeit in Anspruch nehmen. Behandle diese nicht als zu kostbar. Nur wirklich skizzieren schnell versuchen, die Ideen auf dem Papier zu bekommen. Es ist keineswegs das Finale. Dies ist nur, um zu sehen, wie Layouts aussehen könnten. Nicht einmal Platz für den Text übrig. Wir werden das mit einem dünneren Stift versuchen. Gehen Sie weiter und füllen Sie alle der vielen und dann können Sie immer noch mit Elementen wie Kontrast auf diesem spielen , nur um eine Vorstellung zu bekommen, wie das aussehen könnte. auf dieses zurückblickte, würde ich wahrscheinlich den Hauptkörper der Tomate füllen. Sobald Sie mindestens 10 Miniaturskizzen skizziert haben, entscheiden Sie, mit welcher Skizze Sie für Ihr letztes Kochbuchcover fortfahren möchten. Ich werde mit dieser Skizze vorwärts gehen. Natürlich, wie wir in der gesamten Klasse gesehen haben, ist diese erste Skizze ein Ausgangspunkt. Es wird sich wahrscheinlich ändern, wenn Sie Ihre endgültige Arbeit erstellen, aber es ist die Karte, um Sie in Gang zu bringen. Holen Sie sich ein neues, leeres Blatt weißes Papier heraus. Wenn Sie das 9 x 12 Zoll Cansom XL Mixed Media Pad verwenden, schneiden Sie eines der Blätter Papier auf eine Größe von acht mal 10 Zoll mit einem Papierschneider, einem X-Acto Messer oder einer Schere. Beginnen Sie nun, die Miniaturskizze Ihrer Wahl auf Ihr vergrößertes Papier zu replizieren. Beachten Sie, was Sie ausfüllen können, was Sie leer lassen, wie Sie das Auge des Betrachters über das Cover führen oder die Aufmerksamkeit auf Schlüsselelemente lenken, Aufmerksamkeit auf den Titel letztendlich Harmonie über das gesamte Layout. Nachdem Sie Ihre letzte Kochbuchzusammensetzung erstellt haben, laden Sie sie in den Klassenprojektbereich hoch. In der nächsten Lektion erstellen wir eine Kochbuchzusammensetzung digital mit Adobe Illustrator. 19. Kursprojekt: Digital: Um diesen Teil der Klasse zu starten, öffnen Sie ein neues Dokument in Illustrator. Ich werde diese 8 mal 10 Zoll auswählen. Ich werde es im RGB-Farbraum behalten, weil wir diese online im Klassenprojektbereich ansehen werden. Wieder, wenn ich das zu Hause drucken würde, würde ich dies im CMYK-Farbraum wollen, aber RGB ist gut für dieses spezifische Projekt. Dann werde ich sicherstellen, dass es immer noch bei der 300 Auflösung ist. Dann klicke ich auf „Erstellen“. Jetzt haben wir dieses neue Dokument. Ich werde zu meinem Musterdokument zurückkehren und die gleichen Elemente greifen , die bereits verfolgt wurden. Ich werde sie kopieren. „Befehl C“, und fügen Sie sie rechts von meinem Board hier. Ich werde diese Elemente für einen Moment unter meine Zeichenfläche verschieben, so dass ich eine andere Zeichenfläche erstellen kann, nur für den Fall, dass ich mit mehr Layouts und Kompositionexperimentieren möchte mit mehr Layouts und Komposition bevor ich mich zu einer Idee verpflichte, wie wir es im vorherigen Lektionen. Aber wegen der Arbeit, die wir bereits zusammen gemacht haben und woran du mich heute arbeiten gesehen hast, habe ich ein Gefühl für die Richtung, die ich gehen möchte. Ich ziehe diese Olivenölflasche hier hoch und ich werde sie erweitern. Ich halte die Umschalttaste gedrückt, damit sie ihre Proportionen beibehält. Dann werde ich es platzieren, Sie können sich an Ihrer Zeichenfläche ausrichten. Ich habe mein Bild ausgewählt. Wenn ich hier zum Ausrichtungswerkzeug gehe und vergewissere, dass es als An Zeichenfläche ausrichten ausgewählt ist, kann ich es auf diese Weise an der Mitte ausrichten. Sie können es auch auf diese Weise ausrichten, aber ich möchte es nicht so nah an der Spitze, also werde ich das rückgängig machen und das hier lassen. Wegen des Raumes werde ich es eigentlich auch nicht so zentrieren. Ich sage wirklich, Sie können üben, ausrichten und sehen, wie es sich für Sie anfühlt, aber vertrauen Sie Ihrem Auge. Das fühlte sich ein wenig zu weit nach links an, vor allem darüber nachzudenken als Kochbuchcover und über diese Wirbelsäule nachzudenken. Aber wie wir bereits besprochen haben, möchten Sie vielleicht, dass einige Ihrer Elemente nach hinten umwickeln. Also bedenken Sie das auch. Ich wähle nur diese Olivenölflasche aus und ziehe sie ein wenig runter. Dann werde ich hier hineinzoomen und sehen, ob ich diesen unteren Teil des Öls hier runter ziehen kann . Ich benutze das Direktauswahl-Tool, ich werde auf die Ankerpunkte doppelklicken und einfach anfangen, mit dem Ziehen dieses ein wenig zu spielen. Das könnte etwas zu geometrisch aussehen, und so konnte ich mit dem Pinsel reinkommen. Ja, das gefällt mir nicht. Ich werde das wirklich löschen und das so belassen, wie es vorerst ist. Ich werde die Flasche nur ein bisschen hochziehen, und ich werde das ganze Ding runterbringen. Nun, ich weiß, dass für mich der Text sich sehnt, hier zu sein, also werde ich zum Text-Button kommen. Dann versuche ich zu überlegen, welche Füllung ich mit dem Text will. Ich habe das Typenwerkzeug, und Sie können hier reingehen und schauen. Ich stelle immer sicher, dass, wenn ich dieses Produkt am Ende des Tages verkaufen werde, dass der Text, den ich verwende, kostenlos für eine kommerzielle Nutzung ist oder dass ich eine Lizenz dafür gekauft habe. Aber in diesem Fall ist es nur ein Beispiel, also suche ich nur nach einem Gefühl, das ich will. Ich will das als kreative Küche. Also möchte ich, dass es spielerisch und lustig ist, etwas, das einladend ist, etwas, das nicht zu formell ist, aber auch nicht zusammengesetzt ist. Ich weiß nicht, das gefällt mir. Mal sehen, wie das größer aussieht. Ich tippe meinen Titel aus. Ich wollte es zentrieren, aber das könnte Spaß gegen die Olivenölflasche machen. Zuerst habe ich mir ein hier oben vorgestellt, was schön ist, denn das schafft einen Kreis mit dem Auge, mit der Komposition um den Text. Aber ich mag es auch hier unten, weil es gegen diese Flasche steht und es auch eine Linie zum Ölpool schafft. Obwohl sich der Raum dann ein wenig leer anfühlt, bin ich mir dessen nicht ganz sicher. Was ich tun werde, ist wählen Sie alle diese Option, und ziehen Sie sie dann über, um eine Kopie zu erstellen. Auf diese Weise kann ich diesen Text hier in die Mitte ziehen. Jetzt mit ihm hier möchte ich es an der Mitte von sich selbst ausrichten , anstatt an der linken Ausrichtung. Da ist das. Dann kann es in diesem Raum größer sein, aber ich die, DAS kann kleiner sein, weil das nicht so viel Aufmerksamkeit braucht. Das könnte etwas zu klein sein, aber wir werden damit spielen. Da ist diese Idee. Wir werden es rüber und nach oben bewegen. Das macht Spaß für mich. Ich mag beide wirklich. denke wieder an mein Pinterest-Inspirationsboard zurück, ich mag, dass es negativen Platz gibt. Ich mag, dass es nur ein Bild ist, aber ich bin immer noch neugierig. Was würde passieren, wenn ich den Kreis fortsetze, der um den Text herum passiert, mit ein paar weiteren Nahrungselementen? Ich bin eigentlich in diesem, ich werde darauf doppelklicken, um es zu isolieren und ich werde nur die Flasche ein wenig nach oben bewegen. Dann fühlt sich das ein wenig zu hoch an, ich mag diesen Raum nicht. Dann fühlt sich das ein wenig zu nah an. Da ist das. Mal sehen. Ich mag das Senfgrün, aber ich mag den Rüschen, den ich versehentlich hier im Musterraum gelassen habe. Ich werde beide schnappen und sie hier drüben kopieren. Ich werde die nach oben ziehen. Das ist okay, aber es fühlt sich fehl am Platz an und lenkt mich ab. Ich werde die für eine Minute rausziehen. Ich brauche meinen Namen da drauf. Denken Sie daran, wir haben gesagt, von wem es ist. Ich werde das hinzufügen und sehen, ob das hilft. Was hier am besten wäre, ist, dies zu verkleinern und es nur in Übereinstimmung mit dem Titel zu platzieren, so dass der gesamte Text an einer Stelle ist. Wieder, je nachdem, mit welchen Bildern Sie arbeiten, wie Sie Ihren Stil arbeiten, könnte es sehr, sehr unterschiedlich sein und Sie könnten andere Aktionen ergreifen als ich. Aber wieder, das ist die Schönheit der Komposition. Es kann wirklich intuitiv sein. THE ist 45 und das ist 37. Sie sind ein wenig nah als die Textgröße, also werde ich das so verkleinern. Ich werde das ein bisschen runterbringen, aber ich bin immer noch neugierig auf das hier. Ich überprüfe das visuell und sehe, ob es einen Weg gibt, das zum Laufen zu bringen. Das könnte wirklich Spaß machen. Das eliminiert diesen unangenehmen Raum, der sich nicht als Flüssigkeit gefüllt hat. Ich weiß, dass das Öl jetzt nicht aus der Spitze kommt, aber ich mag, wie es ein Band ist, das sich umwickelt. Ich möchte die Flasche fast isolieren und nur ein wenig überziehen. Wirklich, das gefällt mir. Das funktioniert für mich, und ich werde diesen winzigen Ankerpunkt hier unten löschen. Das ist interessant und lustig, also werde ich sofort damit spielen. Ich werde meinen Namen hier drüben in dieses Dokument kopieren und das dort behalten. Dann werde ich den ganzen Text nach oben verschieben, weil es dadurch ein bisschen länger gemacht hat. Nun, es ist eine kreative Küche, also wenn ich damit spiele, beginne ich an kreativ zu denken, und Pinsel oder einen Bleistift, und nur diesen Spatel, den ich auch hier unten habe. Also werde ich alle diese noch einmal kopieren. Ich werde das tatsächlich von hier löschen und dann das hier platzieren. Plötzlich denke ich darüber nach als Farbe und nicht Öl, und so spiele ich hier mit einer anderen Option. Wenn das hier reinpassen würde, und das würde hier passen, und dann kann sich das hier herumschleifen, komme ich ein wenig näher. Dann denke ich nur an einen Pinsel hier. Ich werde das nur ein wenig skizzieren, also gibt es mehr Atemraum mit dem Titel. Ich werde das nur ein wenig skizzieren. Das gefällt mir wirklich. Ich werde einen Pinsel zeichnen, um hier reinzubringen. Ich habe gerade einen Pinsel auf Papier gezeichnet, und ich werde das in diesen Raum ziehen. Ich kann das tun, indem Sie „File Place“ eingeben oder ich kann einfach „Shift Command P“ auswählen und es in meinen Downloads finden. Hier ist es. Ich werde es hier reinlegen. Es ist groß. Dann werde ich es verfolgen, so dass es ein vektorisiertes Bild ist. Schwarz und Weiß, ich werde hier runter kommen, um White Vorschau zu ignorieren . Mal sehen, wie das geht. Okay, das sieht ziemlich gut aus. Ich benutze diesen hier nicht, nur diesen. Ich klicke auf „Erweitern“ und dann werde ich die Gruppierung aufheben. Ich habe gerade den Shift-Befehl G auf der Tastatur , das gelöscht und diese Elemente zusammengefasst. Shift G und dann bringen Sie sie hierher. Ich werde sie verkleinern. Sie können sehen, wie sich das Element des Öls in Farbe verwandelte und diese Zusammensetzung vom Ausgangspunkt vollständig verschoben hat. Das ist wirklich der ganze Prozess. Manchmal sind die Dinge eher angelegt, aber wirklich nur zu beginnen kann Ihnen die Idee geben und Sie zu der Lösung führen, die Sie nicht einmal wussten, dass Sie suchen. Ich bin wirklich glücklich damit und jetzt werde ich sicherstellen, dass es hineinpasst, was es sollte, in diesen Raum. Ich werde all diese Elemente aus diesem Kunstbrett holen und diese reinbringen. Es wäre eine schöne quadratische Abdeckung. Ich könnte damit weiterspielen. Ich könnte hier treffen, nur um zu sehen, ob wir dieses Rechteck ein bisschen mehr funktionieren lassen können. Das ist wirklich peinlicher Raum und ich mochte das ein bisschen besser. Aber ich mag es, wenn das irgendwie oben auf dem Spatel ist. Ich finde, das sieht gut aus. Ich werde das so belassen, wie es vorerst ist, und ich werde das hier zentrieren. Was wir hier in Bezug auf die Elemente der Komposition geschehen , ist, dass wir den Mittelpunkt des Textes haben und unser Auge in diesem Kreis geführt wird. Obwohl es keinen vollen Kreis gibt, ist es ein implizierter Kreis hier unten, unser Auge bewegt sich von der Spitze des Pinsels hier herum , der diesen Haupttext umgibt. Sie können auch mit Kontrast spielen, indem Sie bestimmte Bereiche ausfüllen. Auch hier konzentrieren wir uns nicht wirklich auf die Farbe, aber Sie können bestimmte Bereiche mit einer dunkleren Füllung füllen. Ich werde hierher kommen und dies in eine Live-Malgruppe verwandeln , indem ich auf den Farb-Eimer klicke, nachdem ich diesen Abschnitt ausgewählt habe. Dann mache ich das mit diesem und wähle Schwarz aus, und wir haben das. Das macht irgendwie Spaß. Das schafft einen schönen Kontrast gegen die Rückseite und diese Art von Spiegeln und imitiert hier den Kontrast des Textes. Wenn wir damit spielen, bin ich mir nicht sicher, dass es zu schlammig wird. Ich fühle mich, dass das nur weniger interessant wird. Vielleicht, wenn wir nur einen bestimmten Teil ausfüllen. Aber selbst dann denke ich, ich mag das als Linienzeichnung, so. Sie können damit spielen, mit dem Kontrast von Schwarz und Weiß spielen, mit Platzierung spielen, als ob ich das hier sogar verschieben könnte. Aber ich mag es hier oben. Wieder, ich denke, das wäre eine bessere quadratische Abdeckung, weil wir diesen leeren Raum hier oben haben. Aber was wir tun könnten, um das auszufüllen, könnten wir es erweitern, so dass der Spatel und die Farben größer sind. Einen Moment lang keine. Ich werde die hier rüber bewegen, um das Blob-Pinsel-Tool zu verwenden. Was ich will, ist, dass das näher dran ist. Ich werde das dorthin bewegen und es besser mit den Böden dieser beiden Objekte direkt zurück ausgerichtet machen . Das ist ein wenig nah am Text, ich will ein wenig mehr Atemraum. Aber wirklich das einzige, was ich sehen will, ist, dass es passt, das macht auch eine Art Spaß, ist, dass es in den Raum passt. Ich werde das wirklich löschen, weil wir das nicht benutzen werden. Ich werde das hier in die Kunsttafel bringen. Dies läuft von der Seite, und stattdessen werde ich es isolieren und das verschieben, so dass es ein wenig kleiner ist. Bewegen Sie das hier runter, so. Dann wähle ich es direkt aus und klicke auf Shift E für meinen Radiergummi und lösche diese Zeile. Dann kann ich auf diese Weise einfach diese Top-Komponente auswählen und das löschen. Jetzt haben wir all die. Ich werde diesen Text ein wenig nach oben verschieben. Ich mag, dass es ein handgeschriebener Text ist, es fühlt sich verspielt an, es fühlt sich kreativ an. Dann komme ich zum Blob-Pinsel. Ich werde anfangen, eine Linie auf diese Weise zu zeichnen , die in den Raum ein wenig besser passt. Sie können sehen, es hat eine kleine Textur auf dem Schriftzug auch, so gut. Das passt besser in den Raum und ich denke, ich werde hier reinkommen und das ein bisschen aufräumen. Ich werde auf A klicken, um das Direktauswahlwerkzeug zu erhalten. Dann kann ich auf diese Anker doppelklicken und sie hineinziehen, so dass es nahtloser ist. Ich kann diesen Griff benutzen, um das zu erweitern, hier zu schlagen, und dasselbe mit hier oben. Ich war ein wenig verrückt. Dann kann ich das ein wenig mit dem glatten Werkzeug glätten, so dass es nicht so eine harte Kurve ist. Dann denke ich, ich möchte dies spitz machen, das Ende dieses spitz, nur so dass spiegelt die Pinselspitze ein wenig mehr. Da gehen wir. Das hat mir gefallen. Ich mochte dieses Quadrat sehr, aber weil wir innerhalb des Raumes arbeiten, hilft mir die Grenze wieder, Entscheidungen über meine Komposition zu treffen. Das ist es, was ich mitmachen werde. Ich werde das nur ein bisschen runterschieben und nur ein bisschen runter. Da haben wir es. Ich bin bereit, das zu exportieren. Ich werde alles ein bisschen nach unten bewegen, weil es sich ein wenig zu zerquetscht anfühlt . Dies ist ein Moment, in dem ich gruppieren konnte, indem ich auf Befehl G klicke und dann zu einer Zeile gehe und sehen, wie es aussieht, wenn es an der Kunsttafel ausgerichtet ist. Auch das sieht mir wegen dieser Abstände zu nahe an der linken Seite aus. Also werde ich alles auswählen und es einfach nach rechts schieben, dann sehen, was passiert, wenn ich es in der Mitte zentriere und ich mag das. Ich werde das da lassen. Dann ist dies die Art Board 3 und eine Möglichkeit zu sagen, dass, wenn Sie hier reingehen, Nummer 3, es ist ausgewählt, es ist die dunkelste, es ist eine dunklere Grenze als diese. Wenn ich zwei auswählen würde, würde das dieses hervorheben, wenn ich eins auswählen würde, würde es Balance hervorheben. Wir wissen also, dass es Art Board 3 ist. Um dies zu exportieren, gehe ich in eine Datei, Export , Export als, Ich werde Kochbuch Abdeckung sagen. Ich werde es als JPEG speichern, Kunsttafeln verwenden und wir sagten, es wäre Nummer 3. Also nur drei. Denn jetzt werde ich es nur auf meinem Desktop speichern, exportieren, dass, RGB hoch. Ich werde Kunst optimieren, und klicken Sie auf OK. Das ist das. Ich kann es kaum erwarten zu sehen, was du kreierst und was du für dein Kochbuchcover einfällt. Laden Sie es in den Klassenprojektbereich hoch und ich kann es kaum erwarten , Ihre Fragen zu beantworten und Ihren Fortschritt zu sehen. 20. Vielen Dank und die nächsten Schritte: Du hast es geschafft. Das ist ein Grund zum Feiern denn dies war ein tiefer Einstieg in die Komposition. Herzlichen Glückwunsch zum Abschluss der Klasse. Es war so eine Freude, Sie hier im Prints & Plants Studio zu haben. Ich hoffe, dass Sie mit mehr Fähigkeiten und einem soliden Fundament weg gehen , um weiterhin diese überzeugenden Kompositionen zu schaffen. Ich möchte Sie daran erinnern, dass Ihre Kunst und Ihre Vision und Ihre Stimme wichtig sind. Erstellen Sie weiter. Fügen Sie dieser Welt Schönheit hinzu. Wenn du weiter rumhängen und alles über Kunst und Essen reden willst, dann folge mir auf Instagram @prints_and_plants und melde dich für meinen wöchentlichen kreativen Newsletter auf printsandplantspress.com an. Wenn Sie gemeinsam lernen wollen, folgen Sie mir hier auf Skillshare. Ich kann es kaum erwarten, dich bald wieder zu sehen, und bis zum nächsten Mal. Auf Kreativität und darüber hinaus.