Wie man eine üppige Laubillustration in Procreate erstellt

1. Trailer zum Kurs: Willkommen in meiner ersten Skillshare Klasse. Hallo, ich bin Francesca, eine Künstlerin und Illustratorin in Mailand. Meine Arbeit ist inspiriert von der Natur, der Kraft und Schönheit. Ich glaube, dass die Natur selbst eine Künstlerin ist. In dieser Klasse wirst du mir in meinem kreativen Prozess folgen. Sie werden lernen, wie man schöne üppige Laub Illustration kreiert. Während Sie die grundlegenden Fähigkeiten erwerben, müssen Sie beginnen, mit Procreate zu arbeiten. Wir werden gemeinsam diskutieren, wie wichtig es ist, Illustrationen zu schaffen und zu engagieren und wie dies zu erreichen ist. Theorie und Praxis gehen Hand in Hand. Die Klasse ist offen für alle Ebenen. Ich werde auf einem iPad in der Procreate arbeiten, aber wenn Ihnen das nicht zur Verfügung steht, können Sie jede andere digitale Malsoftware verwenden. Wir sehen uns in der Klasse und vergessen Sie nicht, Spaß zu haben. 2. Projektbeschreibung: Ihre Aufgabe ist es, Ihren Lieblingsgarten zu illustrieren. Es kann ein tropischer Wald, Ihr Stadtpark, Ihr Hinterhof, ein imaginärer Garten sein. Es spielt keine Rolle. Machen Sie es einfach interessant, fröhlich, üppig, mit den Fähigkeiten, die Sie gerade in dieser Klasse gewonnen haben. Am Ende der Klasse laden Sie Ihre Illustration in den Projekt- und Ressourcenabschnitt in JPEG oder PNG hoch. Außerdem werde ich gerne sehen, wie Ihre Arbeit zum Leben erweckt wird, also posten Sie Ihre Referenzbilder, Ihre Skizzen und auch das Prozessvideo, wenn Sie möchten. Geben Sie Feedback zu den Projekten anderer Studenten. Denken Sie daran, dass es bei Skillshare darum geht, gemeinsam zu lernen . Daher können Sie gerne die Arbeit anderer Schüler kommentieren. auch daran, die fertige Illustration in sozialen Medien zu posten und mich zu markieren. Ich bin bei Francesca_inArt auf Instagram. Ich kann es kaum erwarten, deine Arbeit zu sehen. Im Bereich Ressourcen finden Sie meine Referenzbilder, meine endgültige Skizze und meine Palette. Wenn Sie Fragen haben, zögern Sie nicht, sie im Diskussionsbereich zu fragen. Ich werde mein Bestes tun, um ihnen zu antworten. 3. Procreate grundlegende: Wie gesagt, diese Klasse ist offen für alle Ebenen. Ich habe diesen Abschnitt über Procreate basic nur für Anfänger eingeführt. Wenn du mit Procreate bereits vertraut bist, kannst du zum nächsten Video springen. Ich werde es kurz machen und nur das grundlegende Zeug abdecken weil ich dich nicht mit den unnötigen Informationen überwältigen will. Wenn Sie an weiteren Klassen auf Procreate interessiert sind, um den Einstieg zu erleichtern, überprüfen Sie die Links im Ressourcenabschnitt. Um einen neuen Canvas zu erstellen, drücken Sie das Plus-Symbol. Dies ist eine Auswahl von Voreinstellungen und vorherigen Canvasen, die ich verwendet habe, aber wir werden gemeinsam eine neue Leinwand erstellen. Sie können die Bemaßung in Pixeln, Zoll, Zentimetern oder Millimetern festlegen. Ich werde Millimeter wählen. Stellen Sie sicher, dass Sie eine Leinwand erstellen, die so groß ist, wie Sie Ihr letztes Stück haben möchten, unabhängig davon, ob es digital reproduziert wird oder gedruckt wird. Wenn Sie beispielsweise Ihre Illustration im Format A4 erstellen und sie dann in einer größeren A3-Größe benötigen , verlieren Sie dabei die Qualität. Während, wenn es umgekehrt ist, werden Sie überhaupt keine Qualität verlieren. Ich werde eine A3-Größe Canvas erstellen, die 420 Breite und 297 Höhe ist. Dreihundert ist ein guter DPI. Sie können sogar höher gehen, wie 600 DPI, aber Sie werden sehen, dass, wenn ich 600 setze, Procreate sagt, dass die Datei zu groß ist, also werde ich sie bei 300 behalten. Die maximale Anzahl der verfügbaren Ebenen hängt von der Dimension und der DPI auf dem Canvas ab. Dann lassen Sie uns das Farbprofil einstellen. Wenn Ihre Illustration nur digital wiedergegeben wird, können Sie sie als RGB-Modus festlegen. Da ich meine Illustration drucken möchte, setze ich sie als CMYK-Profil ein. Ich drucke zu Hause, und ich hatte das beste Ergebnis, wenn meine Illustration in einem CMYK-Profil ist. Ich werde mein neues Projekt als SkillShare Class betiteln. Lassen Sie uns auf „Erstellen“ klicken. Das ist unsere neue Leinwand. Sie öffnen den Ebenenabschnitt, indem Sie auf dieses Symbol in der rechten oberen Ecke tippen. Wenn Sie den „Plus“ -Button drücken, erstellen Sie natürlich eine neue Ebene. Sie können die Markierung des Layers aufheben, um sie auszublenden. Wenn Sie nach links streichen, können Sie die Ebene sperren, damit Sie sie erst ändern können, wenn sie entsperrt ist. Sie können den Layer duplizieren und löschen. Sie können die Deckkraft des Layers ändern. Lassen Sie mich es Ihnen zeigen. Tippen Sie mit zwei Finger auf die Ebene, und Sie werden sehen, dass Sie die Deckkraft ganz nach unten anpassen können. Ich zeige Ihnen, wie Sie Ebenen zusammenführen. Sie kneifen die Schichten, genau so. Sie können die Ebenen natürlich verschieben, wählen Sie sie aus und halten Sie sie gedrückt, und Sie werden in der Lage sein, sie zu verschieben. Wenn Sie es auf einem anderen Layer ablegen, erstellen Sie eine Gruppe. Sie können es offen halten, und Sie können alle diese Ebenen sehen, oder Sie können es schließen. Sie können auch die gesamte Gruppe ausblenden. Sie öffnen das Menü „Layer“, indem Sie den Layer auswählen. Es gibt viele Möglichkeiten. Sie können es umbenennen, auswählen, kopieren, löschen, aber ich denke, die, die ich Ihnen zeigen möchte, ist das Alpha Lock. Es ist eine sehr coole Funktion, und ich werde Ihnen zeigen, wie es funktioniert. Alpha Lock gibt Ihnen die Möglichkeit, innerhalb der Ebenenform und -grenzen zu zeichnen. Um schnell auf Alpha Lock zuzugreifen, nehmen Sie zwei Finger und wischen Sie nach rechts auf eine bestimmte Ebene. Alpha Lock ist äußerst nützlich, um Ebenen schnell zu ändern und Füllfarben zu füllen, und Sie können feststellen, dass sie aktiviert ist, da die Ebenenminiatur einen karierten Hintergrund aufweist. In der oberen Menüleiste sehen Sie diesen Pfeil, ist die Schaltfläche Transformieren. Wenn Sie darauf tippen, wird die Farbebene ausgewählt und eine Transformationssymbolleiste eingeblendet. Es ist ein sehr nützliches Werkzeug, das ich viel benutze. Sie können verschiedene Transformationsmethoden verwenden, wie Uniform, die die Bildration beibehalten, oder Freiform, die sich dehnt und zerquetscht, ohne das ursprüngliche Verhältnis beizubehalten, und sie dann verzerren. Warp sind wahrscheinlich mein Favorit, und du wirst sehen, wie ich sie später in der Klasse benutze. Sie schaffen sehr interessante Formen. Dann ist das Symbol neben dem Pfeil das Ellipsenwerkzeug, dem Sie einen Teil der Ebene auswählen und ihn selbst verschieben können, ohne die Ebene zu ändern. Sie können die Auswahl auch kopieren und in eine andere Ebene einfügen. Lassen Sie uns über die Farbpaletten sprechen. Wenn Sie auf das Farbsymbol klicken, öffnen Sie Ihre Farbauswahl. Sie können das wählen, das Sie bevorzugen, die Disc oder den Klassiker. Ich werde heute nicht über die Harmonie und den Wert sprechen. Dann haben Sie Ihre Palettenbibliothek. Procreate wird mit vielen Paletten geliefert, die einsatzbereit sind, aber Sie können Ihre eigenen aus Kamera, Datei oder Fotos erstellen. Das, das Sie als Standard wählen, wird unter der Farbauswahl und dem Verlauf angezeigt. Das iPad ermöglicht es Ihnen, den Bildschirm zu teilen und zwei Apps gleichzeitig zu verwenden. Öffnen Sie zuerst eine App, in diesem Fall ist die Foto-App, und legen Sie dann die zweite App auf die Seite. In diesem Fall, Procreate. Wählen Sie das ausgewählte Bild aus, halten Sie es gedrückt, ziehen Sie es und legen Sie es in die Bibliothek ab. Procreate wird dir alle Farbfelder von diesem Bild geben. Ich zeige Ihnen zwei schnelle Abkürzungen. Wenn Sie einen Bereich mit Farbe füllen möchten, können Sie oben rechts auf den Farbkreis tippen und ihn an die Stelle ziehen , an der die Farbe hinzugefügt oder geändert werden soll. Stellen Sie sicher, dass die Form, die Sie füllen möchten, geschlossen ist, denn wenn sie geöffnet ist, wird sie die gesamte Ebene färben. Außerdem können Sie zwischen der aktuellen Farbe und der vorherigen Farbe wechseln , indem Sie auf den Farbkreis tippen und halten. Lass uns über die Bürsten reden. In der rechten oberen Ecke finden Sie die Pinselmischung und neue Löschsymbole. Sie werden sehen, dass, wenn Sie sie treffen, die gleiche Pinsel-Bibliothek geöffnet wird, weil Sie all diese drei Dinge mit dem gleichen Pinsel tun können, was sehr nützlich ist, wenn Sie Ihre Mischung löschen und die gleiche Textur, die Sie verwendet haben, um zu malen. Wenn Sie das Löschsymbol gedrückt halten, wird es mit dem aktuellen Pinsel gelöscht. Wie Sie hier sehen können, kann ich die Textur des Gesso-Pinsels löschen. Auf der linken Seite befinden sich zwei Schieberegler. Der untere Bereich steuert die Deckkraft Ihres Pinsels. Lassen Sie uns die Deckkraft senken. Das zu sehen ist natürlich als undurchsichtig. Dann bringen wir es zurück auf 100 Deckkraft, während die auf der oberen Größe des Pinsels. Dann lasst uns mit der Größe spielen. Das ist wirklich klein. Dann hier, die größte Größe. Procreate kommt mit vielen Sätzen von Bürsten bereit. Aber Sie können immer viele mehr kaufen und herunterladen oder auch Ihre erstellen. Ich werde vorschlagen, herumzuspielen und sie auszuprobieren, damit Sie diejenigen finden können, die Ihnen mehr gefallen. Meine Lieblings-zwei und die, die ich am meisten verwende, sind diese Copic Marker, die sehr glatt ist und mir erlaubt, mit Deckkraft und Ebenen zu spielen, und der Narinder Pencil , der Teil des Skizziersets ist. Ich mag es, weil es aussieht wie ein sehr weicher Farbstift, und es schafft einen schönen Kontrast mit dem glatteren Copic Marker Pinsel. Sie können zwei Pinsel an ihren Seiten verwenden, und es wird eine andere Art von Markierung erstellen, wie wenn Sie Schattierung wären. Sie haben die volle Kontrolle über Ihre Pinselcharakteristik. Sie können Einstellungen innerhalb eines einzelnen Pinsels im Brush Studio hinzufügen. Wählen Sie „Pinsel“ und klicken Sie erneut darauf, und das Brush Studio öffnet sich. Ich werde dir hier nicht alles zeigen. Hier können Sie jedoch beispielsweise den Strichpfad und seine Eigenschaften ändern, wie Abstände und Straffung. Mehr Straffung bedeutet mehr Schlaganfall Stabilisierung, und es wird mehr fließen, weil es jede Wackeln reduziert geschieht. Ich ermutige Sie, es zu versuchen. Ist sehr nützlich, wenn Sie Kalligraphie machen oder mit dem Zeichnen fortfahren. Wenn Sie Änderungen vornehmen möchten, ist es eine gute Angewohnheit, zuerst ein Duplikat als Backup zu erstellen, und dann ändern Sie das Duplikat. Dann ist die Druckkontrolle ein weiteres großartiges Werkzeug. Die Druckkurve steuert, wie Ihr Apple-Stift auf Druck reagiert. Sie werden feststellen, dass mit einigen Bürsten die Striche größer werden, je mehr Druck Sie anwenden, oder andere Bürsten werden mit Druck undurchsichtig. Last but not least in diesem Abschnitt, die schnellen Gesten. Sie sind sehr nützlich, wenn Sie in Procreate arbeiten. Sie sind viele von ihnen, und sie machen Ihren Prozess so viel schneller. Ich zeige Ihnen ein paar von ihnen. Um den Vorgang rückgängig zu machen, tippen Sie mit zwei Finger. Dann wiederholen Sie, tippen Sie mit drei Finger. Wenn Sie mit drei Finger schrubben, werden Sie die Schicht löschen. Sie kneifen und drehen, um zu drehen. Wenn Sie dann eine schnelle Prise machen, passen Sie an den Bildschirm an, und ein Vier-Finger-Tippen öffnet den Vollbildschirm. Tippen Sie auf vier Finger, um wieder zurückzukehren. 4. Brainstorming und Inspiration finden: Was bedeutet Luscious für dich? Für mich ist etwas Reiches, Luxuriöses, fröhlich, übermäßig kunstvoll. In meinem Kopf ist es eine ganzseitige Illustration reich an Farben, Texturen, Formen und Details. Etwas, das mich dazu bringt, darin transportiert zu werden. Weißt du, wie im Mary Poppins Film, wenn sie in die Bilder auf dem Bürgersteig springen, will ich genau das erreichen. Ich werde Ihnen eines meiner Lieblingsbücher zeigen, die ich besitze, das ist Painting The Modern Garden: Monet to Matisse. Wir werden viele meiner anderen Bücher durchschauen, und ich werde Ihnen die Arbeit meines Lieblingskünstlers zeigen, und ich werde erklären, was wir von ihnen lernen können und warum. Ich ermutige Sie, nach Inspiration zu suchen und das Thema Ihrer Illustration mit mir zu finden, während ich nach meiner suche. Sie haben einen botanischen Garten oder einen Stadtpark in der Nähe, gehen Sie einfach nach draußen und besuchen Sie sie oder schauen Sie sich einfach genau an Ihre Zimmerpflanzen an. Ich mache das die ganze Zeit. Dieses Buch wurde erstmals anlässlich der Ausstellung Malerei The Modern Garden: Monet to Matisse veröffentlicht. Es ist bekannt, dass Impressionisten in Europa die ersten waren, die Gärten aus dem Leben porträtierten. Sie konzentrieren sich auf ihre Farben und Form, anstatt sie nur als Hintergründe zu verwenden. Gärten hatten eine große ästhetische Bedeutung für diese Künstler. Nun, wir können sagen, dass die Gärten und die Natur seit Jahrhunderten eine Quelle kreativer Inspiration sind. Gärten sind in der Regel sehr beschäftigt Themen zu malen und zu illustrieren wegen ihrer Natur. Sie sind voller Leben, Farben, Formen, Details, so dass die Vereinfachung des Themas und die Schaffung einer ansprechenden Komposition eine Menge helfen kann. Ich möchte Ihnen schnell zeigen, wie sich Maler wie Monet, Renoir und Nolde nähern, einen Garten zu malen. Hier, in Woman in a Garden of Renoir, folgt die Komposition der Standardregel von Dritteln. Das Bild ist in dritte unterteilt, sowohl horizontal als auch vertikal. Dann wird der Brennpunkt, die Dame, auf den Schnittpunkt dieser Trennlinien gelegt. Dann gibt es diesen Weg, der unsere Sicht zu ihr führt , und diese zwei Linien von Bäumen verstärken die Komposition. Ich kann sagen, dass wir hier eine sehr starke Zusammensetzung haben, auch eine ziemlich Standardkomposition. Im Garten des Künstlers gibt uns Monet ein ganz anderes Arrangement. Der Vordergrund ist leer und führt uns in die Mitte des Gemäldes und nach unten auf der Treppe, und diese Kinder sind in der Mitte des Gemäldes und sie sind natürlich der Mittelpunkt des Kunstwerks. Dann gibt es manchmal keinen Brennpunkt, wie in diesem Gemälde, Große Mohnblumen von einem Emil Nolde. Wenn der Betrachter dieses Gemälde anschaut, können seine Augen umherwandern, ohne dass irgendetwas ihre Aufmerksamkeit erregt. Diese Art von Komposition ist eine Option, die Sie für Ihre Illustration in Betracht ziehen möchten. Es ist ein wenig schwieriger zu komponieren, vielleicht, aber was kann Ihnen helfen, wenn Sie diese Option folgen, ist eine gute Farbpalette, und denken Sie daran, einen Bereich mit weniger Details zu erstellen ob Ihre Arbeit seine Augen ruhen kann. Wenn Sie einige dieser Meisterwerke genau betrachten möchten , aber Sie haben keine Kunstbücher zur Verfügung, oder Sie können nicht ins Museum gehen, würde ich vorschlagen, Google Arts & Culture zu betrachten. Sie können auch viel in die Bilder hineinzoomen. Nicht einmal im wirklichen Leben dürfen Sie so nah an einem Gemälde sein. Bücher über Zimmerpflanzen und Gartenarbeit sind perfekt, um Referenzen zu finden. Sie werden sich in der erstaunlichen Welt der Pflanzen verirren. Es ist schwer, sich nicht inspirieren zu lassen, wenn man sich dieses schöne Laub anschaut. Sie können nach Bildern über Garten suchen, so dass Sie das Arrangement kopieren können, aber dann können Sie ganz verschiedene Pflanzen zeichnen, wie diejenigen, die Ihre Aufmerksamkeit wegen ihrer Formen und Muster erregt haben. Schau dir diese an, erinnert mich nur an ein Monet oder ein Renoir-Gemälde, das wir gerade gesehen haben. Ich versuche nicht, eine Illustration zu erstellen, die botanisch glaubwürdig ist, also werde ich wahrscheinlich Arten zusammenstellen, die nicht zum gleichen Lebensraum gehören oder sie in einer anderen Jahreszeit blühen, aber das macht mir nichts aus. Ich bin wirklich auf Kakteen und tropische Blätter, und ich vermute, meine letzte Illustration wird Art tropischer Garten oder sogar ein Blick auf einen tropischen Wald sein. Unsplash ist ein weiteres großartiges Werkzeug in Ihren Händen. Es ist eine Website, auf der Sie kostenlose nutzbare Bilder finden können. Ich werde eine Sammlung namens Skillshare Klasse erstellen, und ich werde sie im Ressourcenbereich verknüpfen , so dass Sie leicht meine Referenzbilder finden können. 5. Gestalte eine spannende Illustration: Wenn Sie Ihre Illustration erstellen, möchten Sie faszinieren und mit den Zuschauern interagieren. Sie wollen ihre Aufmerksamkeit greifen und halten. Ich bin hier, um Ihnen die Werkzeuge zu geben, um Ihre künstlerische Komposition zu verbessern. Ich werde Ihnen helfen, sie achtsam zu benutzen. Welches sind die wichtigsten Aspekte, die Sie beachten müssen, wenn Sie ein Kunstwerk erstellen? Für mich ist die Komposition, Farben, Werte und Texturen. Diese können auf jedes Medium und jeden Stil angewendet werden. Jedes dieser Themen wird im nächsten Abschnitt ausführlich diskutiert, wenn wir gemeinsam skizzieren und malen werden. Also, dass Theorie und Praxis Hand in Hand gehen, und es wird leichter für Sie zu verstehen, und für mich zu erklären. Ich werde Ihnen trotzdem einen schnellen Überblick geben, damit Sie wissen, was Sie beachten müssen, wenn Sie sich die nächsten Lektionen ansehen. Linien, Brennpunkte, Kanten, Kontrast und Balance sind die Elemente der Komposition. In ihnen ist der Kontrast derjenige, der mir am meisten wichtig ist. Kontrast verleiht einem Kunstwerk Energie und macht eine Komposition ansprechender. Während Farben eine Geschichte erzählen. Zu welcher Tageszeit es ist. Ist es kalt? Ist es warm? Es provoziert Gefühle im Betrachter. Gute Farbpalette, kann Wunder tun, um ein tolles Ergebnis zu erzielen. Werte sind genauso wichtig wie Farben, da sie Tiefe und Perspektive erzeugen. Texturen machen die Illustration greifbarer, lebendiger, insgesamt, interessanter. Nun, wir sehen uns in der nächsten Lektion, und wir werden anfangen zu skizzieren. 6. Skizzieren und Komposition: Das ist die letzte Skizze, aber wie bin ich hierher gekommen? Zuerst möchte ich Sie daran erinnern, dass alles, was Sie sehen werden, ein Zeitraffer ist. Ich ziehe das nicht schnell. Eigentlich bin ich sehr langsam. Ich nehme mir Zeit zum Nachdenken und ich kann nicht den ganzen Prozess zeigen, sonst wird dieser Kurs extrem lang sein. Ich beginne gerne mit einer sehr groben Skizze, weil ich am Anfang hauptsächlich daran interessiert bin, das Fundament meiner Komposition zu schaffen und nicht die Details. Wie ich Ihnen gesagt habe, sind fertige Gärten, Wälder sehr beschäftigt Themen und eine starke Grundlage ist wichtig, um sie erfolgreich zu illustrieren. Aber zuerst ein bisschen Theorie. Mal sehen, was die Definition eines Brennpunkts ist. Sie beziehen sich auf die Bereiche, die die Aufmerksamkeit des Betrachters fordern und die alle Elemente zusammenlaufen. Sie können einen starken Brennpunkt oder viele weiche Brennpunkte erstellen. Beim Erstellen vieler weicher Brennpunkte kann der Betrachter das Bild als Ganzes betrachten, anstatt nur von einem Objekt angezogen zu werden. Mehrere Fokuspunkte sorgen für den Rhythmus des Bildes. Ich weiß, dass für meine abschließende Illustration ein anderer weicher Fokus, der dem Betrachter helfen wird, sich im Kunstwerk zu wundern. Was meine ich mit Zeilen? Linien führen zu etwas und die Augen des Betrachters werden entlang gezogen. Sie sind offensichtlich oder impliziert und können gekrümmt, diagonal, vertikal oder horizontal sein. Ich werde Ihnen ein Beispiel geben. Sieh dir meine Dame im Dschungel an. Es gibt eindeutig zwei diagonale Linien, die zur Dame führen, die sich in der Mitte der Illustration befindet, und es ist ein Schwerpunkt. Oder hier, mein blauer Hosta. Ich habe beschlossen, die Illustration auf einer Spirale zu bauen, und es gibt viele verschiedene Brennpunkte entlang dieser Spirale. Ich werde die Behauptung auf organischer Linie baseline. Nichts gerade, also vielleicht etwas gekrümmtes und rundes. Wenn ich in Procreate arbeite, halte ich mein Referenzbild auf meinem iPad oder auf dem Laptop geöffnet, wenn ich es dabei habe, und ich füge das Referenzbild auf dem Bildschirm ein, wenn ich das Splitwheel nicht verwende. Diese grobe Skizze ist eine einzelne Ebene und muss überhaupt nicht gut aussehen, es muss einen guten Ausgangspunkt für Ihre Illustration geben. Jetzt skizziere ich schnell einige der Pflanzen, die meine Aufmerksamkeit bei der Suche nach Inspiration erregten. Ich versuche, eine Komposition zu skizzieren, und wie Sie sehen können, ändere ich meine Meinung sehr, lösche und bewegte Sachen. Hier ist eine sehr grobe Skizze. Bevor wir jedoch noch weiter gehen, möchte ich über die anderen Elemente der Komposition sprechen und unsere kleine theoretische Erklärung beenden. Kanten in Kunst sind der Übergang zwischen zwei Formen der Farbe. Sie können hart oder weich oder verloren sein. Weiche und verlorene Kanten schaffen Tiefe und Gefühl der Distanz. Sie können ein Objekt auch weniger signifikant machen, weil es nicht scharf ist. Während harte Kanten auf sich aufmerksam gemacht haben, sind sie normalerweise nahe an den Brennpunkten positioniert. Wir werden sehen, wie wichtig Kanten in der nächsten Klasse beim Malen sind. Kontrast ist die Gegenüberstellung der Differenz. Es geht darum, gegenüberliegende Elemente anzuordnen und es schafft Abwechslung und Rhythmus in einem Bild. Der Kontrast ist mächtig. Es kann auf alle Elemente angewendet werden und machen Sie Ihr Kunstwerk. Es ist ein gemeinsamer Nenner. Es gibt viele verschiedene Arten von Kontrast. Beim Komponieren und Malen Ihrer Illustration können Sie Kontraste zwischen kleinen und großen, runden oder scharfen Formen erzeugen . Werte, dunkel und hell. Farben, wie grau und gesättigt, warm oder kühl, oder Textur, transparent und undurchsichtig, glatt oder rau, und wie wir gerade zwischen weichen und harten Kanten gesehen haben. Balance bezieht sich darauf, wie sich die Elemente des Gemäldes in Bezug auf die visuelle Art und Weise des visuellen Gleichgewichts zueinander beziehen . Eine Seite scheint nicht schwerer als die andere. Eine ausgewogene Arbeit ist angenehm für das Auge, und Balance kann viel über ein Kunstwerk kommunizieren und zum Gesamteffekt beitragen. Ich werde versuchen, das Gleichgewicht zu erreichen, indem ich die verschiedenen Schwerpunkte achtsam anordnen. Jetzt, wo meine grobe Skizze da ist, werde ich die letzte zeichnen. Ich werde die Deckkraft dieser Ebene senken und mit dem Zeichnen auf einer neuen Ebene beginnen. Wenn ich die endgültige Skizze erstelle, befindet sich jedes Element, das ich zeichne, auf einer separaten Ebene, sodass ich sie verschieben kann. Ich werde sie viel bewegen alle verschiedenen Möglichkeiten ausprobieren. Dies ist einer der Vorteile des digitalen Arbeitens mit Schichten. Hier können Sie sehen, wie ich Verzerren und Warp verwende, um die Form dieses Blattes so zu ändern, dass es in den Raumvektor passen kann. Ich habe meine Meinung geändert und beschlossen, dass ich diese Zuteilung zu sehr mag , um sie nicht in den Vordergrund zu stellen. Ich habe dieses Bild auf Unsplash gefunden, das wirklich zu mir spricht. Ich liebe diesen Wasserfall und Bach, der durchläuft. Ich werde es verwenden und eine gekrümmte Linie entlang der Illustration erstellen. Auch der Teich im Vordergrund kann der Bereich mit diesen Details sein, auf dem die Augen des Betrachters ruhen können. Ich mag die Form der Farben dieser Handflächen wirklich und ich denke, sie werden im Hintergrund großartig sein. Wenn Sie diese Art von Laub skizzieren, ist es nicht wichtig, es perfekt zu machen, auch, sie werden weit weg sein, so dass sie weniger Details haben. Ich werde sie beim Färben direkt mit dem Bleistift zeichnen. Dieses leuchtend orange gegen mittelkühles Salbeigrün ist wunderschön. Hier ist die letzte Skizze. Ich bin mir immer noch nicht sicher, was ich mit dem Hintergrund machen werde. Wenn ich einen Himmel durch die Bäume zeigen will oder nicht. Die Skizze des Hintergrunds ist rau, aber der Vordergrund und der Mittelgrund sind ziemlich ordentlich. Ich mag diese Zuteilungen, die Rumpflanzen und diese Pflanze auf der rechten Seite, die ich liebe. Ich möchte es lila oder lila für einige schöne Pop der Farbe unter all dem Grün färben. Die Wasserfälle und der Bach bilden eine s-förmige Linie entlang der Abbildung, und die Linie teilt das Bild im Wesentlichen in Hälften, die ausgewogen sind. Diese vier Pflanzen sind meine Schwerpunkte und es gibt zwei in jedem von. 7. Malen: Farbe und Texturen: Hier ist der Höhepunkt der letzten Illustration, aber wie in der vorherigen Lektion, fangen wir zuerst mit einer Theorie an. Ich wünschte, es gäbe Zeit und Raum für eine vollständige Lektion über Farbtheorie, aber leider ist es nicht. Farbe ist die Qualität eines Objekts in Bezug auf das Leben, das von ihm reflektiert wird. In der Kunst ist Farbe ein starkes visuelles Element. Farbtheorie Begriffe sind Farbton, Sättigung, Wert und Temperatur. Hier ist der Gesamtfarbname, blau, grün, gelb usw. Sättigung definiert die Reinheit einer Farbe, eine weniger gesättigte Farbe ist größer und weniger intensiv. Wert, wie hell oder dunkel eine Farbe ist. Temperatur ist die relative Wärme oder Kühle einer Farbe. Ich kann nicht genug betonen, wie wichtig eine gute Farbpalette ist. Hier zeige ich Ihnen die Farbpalette, die wir verwenden werden, und Sie können sie im Ressourcenbereich als PDF zum Herunterladen finden. Ich mag es, eine organisierte ausgewählte Palette zu haben, anstatt jedes Mal neue Farben zu wählen. Wenn Sie eine ausgewählte Farbpalette haben, können Sie ein zusammenhängendes Stück erstellen. Ich verwende kühle und warme Farben, graue und gesättigte Farben, erinnere mich daran, dass ich auch Kontrast zwischen den Farben schaffen möchte. Ich habe sie nach Farbton und Wert organisiert. Natürlich gibt es viele Grüns, aber darüber wollte ich ein Lila und einen Hauch von Orange und Blau vorstellen. Textur ist die wahrgenommene Oberflächenqualität eines Kunstwerks, alles hat eine Art Textur. Beim digitalen Malen können Sie Texturen mit verschiedenen Pinseln erstellen. Wie ich bereits erwähnt habe, verwende ich einen glatten Copic Pinsel und einen Farbstiftpinsel wie den Narinder Bleistift. Sie erstellen Texturen, wenn Sie transparente Ebenen auch mit undurchsichtigeren Ebenen mischen. Ich werde die Skizze in einer einzigen Ebene abflachen, denn wenn Sie sich erinnern, habe ich nur maximal 34 Ebenen zum Arbeiten. Ich habe die Skizze auf einer Ebene und die Farbelemente durch Ebenen in einer anderen Gruppe geteilt, so dass ich wieder frei, sie zu bewegen. Während ich weitermache, werde ich viele Ebenen erstellen. Wie Sie sehen können, sind diese runden Pflanzen alle in verschiedenen Schichten, besonders weil sie sich überlappen, so kann ich einen Teil einer Schicht löschen, ohne die eine überlappende zu löschen. Wenn ich die maximale Anzahl von Ebenen treffe, werde ich einige zusammenführen, diejenigen, die nicht mehr getrennt werden müssen. Ich habe die Deckkraft der darunter liegenden Skizze gesenkt, und Sie werden sehen, dass ich sie manchmal komplett ausschalten werde , so dass ich nicht davon abgelenkt werde, und es ist einfacher, das endgültige Farbelement alleine funktionieren zu lassen. Normalerweise mache ich keine Umrisse, aber wenn du sie magst, kannst du das tun. Denken Sie daran, die Pflanzen Textur, Formen und Linien auf dem Referenzfoto zu studieren , wenn Sie färben, Natur ist der Künstler, von dem wir inspiriert haben. Hier habe ich zuerst eine Copic Bürste benutzt und dann ging ich mit dem Narinder für Details. Der Copic Marker ermöglicht es mir, die Deckkraft zu bauen, die ich wirklich mag, und gibt mir viel Kontrolle. Ich male diese Pflanzen mit einem hellen, kühlen Grün. Ich habe zuerst eine gleichmäßige Farbschicht erstellt, und dann habe ich abwechselnd ein gelbes Grün und eine dunkle Farbe Grün verwendet, um die Streifen zu machen. Ich wollte, dass diese Alocasia ein dunkles, wärmeres Grün hat, verglichen mit dem Grün der runden Handflächen auf dem Hintergrund. Wie zuvor begann ich mit dem Copic Pinsel und dann mit dem Bleistift. Manchmal würde ich nur den Narinder Bleistift zum Färben verwenden, ich benutze dieses leuchtend gelbe Grün und dann eine etwas dunklere und weniger gesättigte Version der gleichen Farbe, um den Umriss zu machen. Um die Schatten des Felsens zu machen, habe ich die erste Ebene transparent gehalten und dann markiere ich die Schatten mit der zweiten Ebene, die die Deckkraft bildet. Ich beschloss, den Wasserfall auf dem Hintergrund weit weg zu haben , um das Gefühl der Tiefe in dem Stück zu geben. Wie der Betrachter kann sich vorstellen, dass der Strom durch die Illustration läuft , um auf die Handfläche im Vordergrund zu gelangen. Wie näherte ich mich dem Lackieren des Wassers? Ich beschloss, mit dem Malen zu beginnen, was hinter dem Wasserfall ist, und dann habe ich Schichten auf Schichten gemalt. Sehr ungesättigte Blautöne und Grüns. Dann habe ich ein paar weißliche Schichten hinzugefügt. Wasser ist blau, es ist Spiegel, wo alles um mich herum reflektiert. Deshalb gibt es in diesem Wasserfall etwas Grün und Braun und Blau. Beim Malen wurde jeder Strich nach dem fließenden Wasser gemacht. Dies hilft, dem Wasserfall Bewegung zu geben. Ich wollte, dass diese Pflanze auffällt. Solch eine interessante Form und Farbe. Wenn Sie ein Element wiederholen möchten, können Sie auswählen und duplizieren. Mit dem Transformationswerkzeug können Sie es ändern und verkleinern, horizontal oder vertikal spiegeln. Es ist ein großartiger Trick, besonders wenn Sie Wiederholung in einem Stück erstellen möchten. Ich malte den Teich auf die gleiche Weise näherte sich dem Wasserfall. Die Richtung des Pinselstrichs ist wirklich wichtig, um den Elementen in der Illustration Bewegung zu geben. 8. Malen: Farbe und Texturen Teil: Nachdem Sie die großen Pflanzen im Vordergrund gemalt haben, ist es Zeit, die Lücken, sagen wir, mit kleineren Pflanzen zu füllen . Dieser Prozess kann ein wenig knifflig sein. Um diese Farne zu malen, benutze ich nur den Bleistift und eine Kritzelbewegung. Ich werde die Bewegung dieser Schichten duplizieren. Ich versuche, ein vollständiges Aussehen zu erzielen, ich möchte nicht, dass irgendein Weiß des Hintergrunds durchscheint. Die Farne in der dunkelsten Farbe sind in der 1. Schicht, dann gibt es die zweite Schicht oben mit dem mittleren Grün und dann die letzte Schicht in der hellsten Farbe. Außerdem werden diese Farne immer kleiner, je weiter ich in die Illustration gehe. Dies ist wahrscheinlich meine bevorzugte Art zu färben und es funktioniert wirklich gut, wenn Sie den Bananenbaum malen. Ich zeichne viele horizontale Linien entlang des Blattes, überlappend sie leicht, um dieses Muster zu erzeugen, das für diese Pflanze charakteristisch ist. Ich nähere mich diesem Abschnitt der Illustration, wie ich es mit den Farnen getan habe, Gebäude Schichten von Farben und Textur von dunkel bis hell. Am Ende entschied ich mich für einen Sonnenuntergang Himmel zu gehen, mit einem Hauch von lila und blassorange. Als letzten Schliff überprüfte ich, ob etwas fehlte. Ich skizziere den Bananenbaum, weil er zu unvollendet aussah. Ich habe die Ränder dieser fernen Handflächen gebrandmarkt. Dann trete ich zurück und schau nach, ob die Werte richtig sind. Normalerweise nicht, also erstelle ich eine Ebene für Glanzlichter und eine für Schatten auf allen anderen Ebenen. Weil ich für den Sonnenuntergang Himmel ging, habe ich die Highlights in diesem blassorange gemacht. Das Licht der Sonne trifft auf das Wasser auf dem Wasserfall und den fernen Bäumen, es wird auf der Oberfläche des Teiches reflektiert. Um diese Schatten zu machen, verwende ich eine dunkelblaue Farbe bei einer niedrigeren Deckkraft. Für ein sehr intensives Highlight verwende ich den Bleistift, weil er undurchsichtig ist. Ich schalte diese beiden Ebenen ein und aus, damit Sie sehen können , wie sich diese letzten Schliff auf das Bild auswirken. Hier ein Bonus Zeitraffer des gesamten Färbeprozesses. 9. Outro / Abmoderation: Herzlichen Glückwunsch, du bist am Ende dieser Klasse. Ich kann nicht glauben, dass du dich entschieden hast, mich anzuschließen, und du hast es so weit geschafft , also von ganzem Herzen, danke. Ich hoffe, meine Klasse war nützlich und dass du auch Spaß hattest. Denken Sie daran, Ihre Illustration im Abschnitt „Projekt und Ressourcen“ zu veröffentlichen. Im Bereich Ressourcen finden Sie auch meine Referenzbilder, meine Farbpalette, meine endgültige Skizze und die Links zu anderen nützlichen Klassen auf Skillshare. Wenn du willst, kannst du dein Projekt auch in sozialen Medien posten und mich taggen, ich bin @francesca_inart auf Instagram. Folgen Sie mir hier auf Skillshare, um auf dem Laufenden zu bleiben und benachrichtigt zu werden, wenn ich eine neue Klasse veröffentlichen werde. Auch sehr wichtig, dass Ihr Feedback zu dieser Klasse mehr als willkommen ist , damit sie wissen, was ich richtig gemacht habe, was Ihnen gefallen hat und was ich verbessern kann. Wenn Sie Vorschläge für zukünftige Klassen haben, die Sie von mir sehen möchten, lassen Sie es mich wissen. Bis zum nächsten Mal, pass auf.