Was jeder Künstler wissen sollte: Die Kunstgrundlagen lernen, deinen Stil finden, Profit machen und mehr

1. Trailer: Da kein offizieller Führer existiert, kann es sich als Künstler so anfühlen, im Dunkeln herumzufummeln, unsicher zu sein, was als nächstes zu tun ist oder ob Fortschritte gemacht werden. Ich bin hier, um dir zu sagen, dass es nicht so sein muss. In der Tat habe ich diese Klasse gemacht, um die Art und Weise der kreativen Reise zu beleuchten und Ihre Kenntnisse und Fähigkeiten zu verbessern. Hi, mein Name ist Hismena. Ich bin Autodidakt Aquarell, Tinte und andere Mixed-Media-Künstler. Vielleicht kennen Sie mich aus verschiedenen anderen Skillshare Klassen. Diese Klasse ist ein wenig anders. Anstatt eine bestimmte Technik zu unterrichten oder wie man ein Medium verwendet, wir in die Grundprinzipien eintauchen, die für eine starke Grundlage erforderlich sind , um ein erfolgreicher Illustrator zu sein. Diese Klasse setzt sich aus allem zusammen, was jeder neue oder erfahrene Künstler bewusst sein sollte. Im Wesentlichen sind dies die Dinge, die ich wünschte, ich wüsste schon vor Jahren. Ich werde auf jede Menge Themen eingehen, von super wichtigen Designprinzipien, Zeichenübungen, wie Sie die richtigen Medien für Sie finden und sogar Ihren Stil und Ihre persönliche Nische entdecken. Wir werden auch Dinge ansprechen, für die Sie wahrscheinlich Fragen haben, wie die Verwendung von Referenzen, Aufbau Ihres Publikums und Ihrer Marke und wie Sie Ihre Kunst monetarisieren können, damit Sie eine Karriere machen können. Ich gebe Ihnen sogar Ratschläge zu Dingen wie Kunsteifersucht und Kunstblock. Ob Hobbyist oder Profi, dieser Kurs hilft Ihnen, sich die richtigen Fragen zu stellen und herauszufinden, was Sie als Nächstes auf Ihrer kreativen Reise tun müssen. Es wird Ihnen auch unzählige Ideen geben und hoffentlich inspirieren, Ihr Handwerk zu wachsen und zu üben. Worauf wartest du? Lass uns direkt eintauchen. 2. Was bedeutet es, ein Künstler zu sein?: Was bedeutet es, ein Künstler zu sein? Nun, es ist einfach. Für mich, wenn Sie gerne Kunst machen und Sie es oft tun, sind Sie ein Künstler. Denk drüber nach. Pablo Picasso, dem Moment, als er seine Bürste aufnahm und anfing, es zu kreieren und liebte, war er bereits ein Künstler. Es war nicht so, als ob jemand zu ihm kam und sagte: „Hey, weißt du was? Endlich bist du gut genug. Du kannst dich jetzt als Künstler bezeichnen.“ Sie haben bereits die Macht, sich als Künstler zu bezeichnen. Selbst wenn Sie ein Anfänger sind, möchte ich, dass Sie die Tatsache akzeptieren, dass Sie ein Künstler sind, weil Sie diese Klasse beobachten, Sie setzen die Zeit und die Mühe und dann müssen Sie zu leben. Du musst die Zeit einlegen, du musst die Liebe hineinlegen, du musst dein Handwerk üben. In den nächsten Lektionen werde ich Ihnen viele Ideen geben, wie Ihr Handwerk praktizieren und etwas über die Grundlage lernen, die Sie als Künstler benötigen, um Ihre Arbeit vorzeigbar aussehen zu lassen und schöne Kompositionen und solche Sachen zu haben. Aber Künstlerin zu sein, ist eine persönliche Sache. Du hast deine eigene kreative Reise, die du machst. Das hat nichts mit meiner Reise zu tun oder jemand anderem, du wirst wissen, was für dich richtig ist, wenn dir irgendetwas, was ich in dieser Klasse sage, nicht richtig erscheint oder mit dir jive, nimm es einfach mit einem Körnchen Salz. Das Wichtigste, um Künstler zu sein, ist Ausdauer, denn in den Anfangsphasen macht man viel hässliche Kunst. Wie hier ist mein Skizzenbuch von vor 7,5 Jahren. Wie Sie sehen können, war es nicht sehr gut, es ist wirklich peinlich. Es war in einem privaten Skizzenbuch und ich füllte es aus und ich zeichnete und zeichnete, und zeichnete und zeichnete, weil ich liebte es zu zeichnen. Also bitte, ziehen Sie einfach. Mach dir keine Sorgen um die Ergebnisse. Du praktizierst, du wirst immer besser und besser mit der Zeit. Es ist nur eine Frage der Zeit, bis du genau wie die professionellen Künstler bist , zu denen du aufsiehst. Lassen Sie sich von der Angst, hässliche Kunst zu machen, nicht aufhalten. Es gibt keine Fehler in der Kunst, es gibt keine hässliche Kunst, es ist nur Übungszeit. Ich mache die ganze Zeit hässliche Kunst, auch heutzutage, wie Sie hier sehen können, gibt es nur Dinge, die ich mache, die Fehler darin haben und nicht gut genug aussieht. Es passiert die ganze Zeit auch jetzt, und ich denke, es wird immer und ewig passieren. Ich bin dankbar dafür, denn es macht mich wirklich zu schätzen, wenn das Stück richtig geht und ich lerne Lektionen von jedem Stück, das ich so mache. Bitte, halten Sie sich nicht zurück, indem Sie sagen: „Ich werde keine Kunst mehr machen “, nur weil Sie denken, dass Sie noch nicht gut genug sind. Der einzige Grund, warum du noch nicht gut genug bist, ist, dass du mehr üben musst. also, üben Sie, üben Sie, und haben Sie keine Angst, Fehler zu machen. Das ist ein normaler Teil des kreativen Prozesses und der Reise. Bevor wir mit dem Kurs beginnen, nehmen Sie sich einen Moment Zeit, um sich Ihrer Kunstpraxis zu verpflichten. Nehmen Sie sich einen Moment Zeit, um nachzudenken, Sie werden hart daran arbeiten und Sie werden Erfolg haben. Wenn du glaubst, wirst du es tun, aber du musst die Arbeit hineinlegen. Je härter Sie arbeiten, desto besser werden die Ergebnisse und desto erfüllter werden Sie sich fühlen. Es ist ein Sieg, Sieg, Sieg, Sieg, Sieg. Nehmen Sie sich einfach Zeit, machen Sie Ihr Ding und lieben Sie Ihr Handwerk. Du wirst nie aufhören zu lernen, sich zu entwickeln oder zu wachsen und das ist eine erstaunliche Sache. Ich freue mich wirklich auf ein ganzes Leben davon. Wenn Sie die Zeit in jeden einzelnen Tag oder fast jeden einzelnen Tag, wer weiß, wie schön Ihre Arbeit sein wird, ein Jahr , zwei Jahre oder sogar in 10 Jahren, vielleicht sogar in 50 Jahren. Ich kann mir nicht vorstellen, wie Sie die Welt beeinflussen werden. Kunst ist mächtige Magie. Im Ernst, wir sind alle Zauberer, und ich begrüße dich in der Künstlergilde des Zauberers. Das habe ich mir erfunden. Aber der Punkt ist, dass Sie so glücklich sind, von dem kreativen Bug gebissen zu werden , und ich kann es kaum erwarten zu sehen wie Sie die Welt und Ihr Leben beeinflussen und einfach den Prozess genießen. Lassen Sie uns über alles in Künstlern gehen, da Sie für ihre Gründung wissen, denn wenn Sie diese Grundlage haben, dann können Sie tun, was Sie wollen, mit welchem Stil Sie wollen, aber wir müssen zuerst die Grundlagen lernen. Also lasst uns das hineingehen. 3. Linie, Form & Gestalt: Kunst besteht aus vielen Elementen, aber wohl das Wichtigste ist Linie, Form und Form. Linie ist nur, dass eine einfache Linie. Es kann quickly, gerade, zerbrochen in viele Zeilen oder alles andere, was man sich vorstellen kann. Linien können auch dick oder dünn sein oder Linienvariationen haben, die von dick bis dünn gehen, was meine bevorzugte Art ist, sie zu verwenden. Sie können sogar eine Textur zu ihnen haben oder das Gefühl von Textur oder Schattierung oder beides nur durch eine bestimmte Art und Weise verwendet werden. Wie hier ist ein erstaunliches Beispiel des super talentierten DZO Olivier, der extrem detaillierte Illustrationen mit Linien in jeder Hinsicht macht. Er beherrscht Stift und Tinte Illustration, und es zeigt wirklich, dass die Tiefe und Details seiner Arbeit und er tut all dies in einfachen technischen Stiften. Ein weiteres gutes Beispiel ist die Arbeit von Katie Wolford. Sie verwendet durchgehende Linien, um ihre Illustrationen zu machen. Das bedeutet nur, dass sie ihren Stift nie von der Seite hebt. Ihre Illustrationen sind im Wesentlichen eine sehr lange Linie. Ist das nicht genial? Hier ist ein weiteres Beispiel von einem Meister der Linie, Sara Tepes. Ihre Linien sind fließend, voller Charakter im Leben, und das war auf Tinte, aber sieh dir diese Bleistiftzeichnung an. Es füllt sich genauso lebendig, auch wenn es sich um einen anderen Zeilentyp handelt, das ist nicht so ausdrucksstark. Wie Sie sehen können, gibt es eine Menge, die Sie mit Linie erreichen können. Das Komische an Linien ist, dass, wenn man sich die Welt um dich herum anschaut, man keine Linien sieht, die Dinge umreißen, sondern nur zeichnen kann, besonders wenn man anfängt, wir neigen dazu, Konturlinien zu zeichnen, was nur ein Umriss ist Art des Trocknens. Dies ist eine gute Möglichkeit, zu lernen, wie man zeichnet und die Details bemerkt, aber es kann auch machen, dass die Dinge mehr Cartoonie und weniger realistisch aussehen. Einige Künstler verwenden Umrisse mit realistischer Arbeit absichtlich für einen coolen Kontrast oder weil es ihr Stil ist, wie DZO es tut, aber manche nicht, wenn man zum Beispiel die extrem geschickte Künstlerin Ozabu anschaut, kann man in ihrem fertige Stücke, bekommt sie ein sehr lebensechtes Gefühl, indem sie keine Konturen verwenden. Aber hier ist ein anderes Beispiel als ihr Skizzenbuch, das sich weniger realistisch und stilisierter anfühlt, weil sie Umrisse verwendet hat. Wie Sie sehen können, haben beide unterschiedliche Gefühle für sie. Eine weitere tolle Sache über ihre realistischen Stücke, ist, dass sie tatsächlich Linien verwendet, die nahe beieinander liegen, um Schatten. Ausrichten oder Nichtverwenden von Konturen liegt an Ihnen. Es gibt keinen richtigen Weg, Kunst zu machen, aber es ist gut, sich der Wirkung bewusst zu sein, die Sie erhalten, indem Sie Umrisse einschließen oder ausschließen. Ich persönlich benutze Linien die meisten meiner Arbeit, indem sie zerbreche und sie nicht den ganzen Weg berühren lasse. Sie heben den Kontrast und Detail auf die Stücke, aber das ist nur mein Stil. Der Punkt ist, ich bin mir bewusst, wie Linie wirkt meine Kunst und verwenden Sie sie bewusst, aber es ist nicht etwas, das ich normalerweise denke, wie alle Konzepte, die ich Ihnen auf den ersten beibringen werde, Sie werden darüber nachdenken, viel, aber nach einem während Sie auswählen, was zu tun ist, werden Sie automatisch Ausdruck Ihres Stils, und Sie werden wissen, welchen Effekt Sie automatisch erzielen. Versuchen Sie einfach, sich bewusst zu sein, wie verschiedene Künstler Linie verwenden, wenn Sie sich ihre Arbeit betrachten, und Sie werden natürlich ein Gefühl für die verschiedenen Möglichkeiten entwickeln , die Sie Linie auch verwenden können. Werden Sie auch so kreativ, wie Sie wollen, denn die Linie ist super vielseitig und die Möglichkeiten sind unendlich. Als Nächstes ist die Form. Form ist genau das, was passiert, wenn eine Linie rückwärts trifft, beginnt. Quadrate, Kreise, Dreiecke usw. sind alle Formen. Formen sind 2D, was bedeutet, dass sie flach sind. Formen sind äußerst nützlich, insbesondere beim Skizzieren von Proportionen dessen, was Sie zeichnen möchten. Du kannst alles nahe ziehen, ich habe dir gezeigt, wie du Objekte, die du siehst, in grundlegende Formen zerlegst. Auf diese Weise können Sie Ihre Skizzen mit den grundlegenden Proportionen beginnen, und Sie müssen sich keine Sorgen darüber machen, wenn Sie Details hinzufügen, und es sieht am Ende wackelig aus, weil Sie nicht wussten, wohin alles gehen soll. Die Fähigkeit, sich umzusehen und die grundlegenden Formen zu sehen, die die Dinge ausmachen, ist als Künstler wirklich unerlässlich. Wenn es schwer für Sie ist, die Formen und Alltagsgegenstände zu sehen, empfehle ich Ihnen, Zeitschriften oder Bücher mit Bildern in ihnen zu bekommen und versuchen, die Bilder, die Sie sehen, in Formen zu zerlegen, indem Sie einen scharfen Marker verwenden, oder wenn Sie ein Tablet haben, das noch besser, Sie können einfach viele verschiedene Bilder verwenden und dasselbe tun, indem Sie nachzeichnen. Tun Sie dies, bis es leicht wird, sie zu sehen. Achten Sie darauf, es einfach zu halten und Sie sind alles bereit. Formen in komplexen Motiven sehen, wird es einfacher, alles zu zeichnen, was Sie wollen. Eine weitere lustige Sache, die Sie mit Formen tun können, ist zu übertreiben oder mit ihnen zu spielen. Zum Beispiel, Künstler Eleni Kalorkoti, verwendet Form in der interessanten Weise. Sie hatte nur auf die Form ihres Themas geachtet, aber auch auf die Formen im Hintergrund oder auf den negativen Raum. Beachten Sie, wie Ihr Auge durch alle Formen wandert und es macht so viel Spaß, sie anzusehen. Sie spielte eine große Rolle in ihrem Stil und wie Sie sehen können, geben sie ihrer Arbeit ein wirklich cooles Gefühl. In anderen guten Beispiel ist, dass wir drei Kreise zusammen, denken Sie an ein muss berühmten Zeichentrickfiguren jemals gemacht. Das liegt daran, dass gute Charakterdesigner die Bedeutung von Formen kennen und immer sorgfältig auf die Silhouetten ihrer Charaktere achten. Wie Sie sehen können, können Sie erkennen, wer jeder dieser Charaktere ist, obwohl ich nur die Silhouette zeige. Eine Silhouette ist super wichtig. Dies sind nur einige Beispiele, aber Sie können wirklich viel mit einfachen Formen tun also unterschätzen Sie sie nicht und spielen Sie mit ihnen. Jetzt sind Formulare etwas komplexer. Es ist im Wesentlichen eine 3D-Form. Kreis ist eine Form und eine Kugel ist Form. Dasselbe mit dem Quadrat im Vergleich zu einem Würfel. Form ist wichtig, weil wir in einer 3D-Welt leben und aus diesem Grund wird Ihr Thema in der Regel ein 3D sein. Sie müssen das verstehen und es als 3D-Motiv betrachten, besonders wenn Sie eine Fotoreferenz verwenden, kann es leicht sein zu vergessen, dass es eine echte Sache ist, von der Sie ein Foto haben. Deshalb empfehle ich Ihnen, aus dem Leben zu zeichnen, aber wenn Sie am Ende mit Fotos, nur bedenken, dass es eine 3D-Sache, die Sie betrachten. Es wird Ihr Rendering moralistisch machen und es wird sich richtig fühlen. Wenn Sie Ihr Motiv als 3D betrachten, schenken Sie besondere Aufmerksamkeit auf die Beleuchtung und den Winkel, mit dem sie konfrontiert sind usw. Wenn Sie sich zum Beispiel Gabrielle Brickeys Arbeit ansehen, werden Sie als erstes bemerken, dass sich alle Porträts lebendig und real anfühlen. Obwohl ihre Stile und die Kanten verschmolzen sind, fühlt es sich an, als ob Sie eine echte Person betrachten weil sie ein Meister darin ist, Dinge in 3D zu sehen, dass zu wissen, wie Licht von jedem Teil des Gesichts springt. Zum Glück für Sie ist sie auch eine Skill-Share-Lehrerin und hat eine Klasse, wie man Beleuchtung und Porträts verwendet. Ich ermutige Sie, es zu überprüfen, wenn Sie Menschen zeichnen oder malen wollen, aber keine Sorge, wenn dies ein wenig zu kompliziert für Sie wurde, Sie werden sich natürlich daran gewöhnen, über Form mit der Zeit nachzudenken, und ich werde Ihnen einen Weg zeigen, zu üben Sehen und Zeichnen aus der Zeichenübungen Lektion. Lassen Sie uns über den Wert sprechen. 4. Wert: Nun lasst uns in etwas etwas komplexeres eintauchen und vielleicht entmutigend sein, aber mach dir keine Sorgen, wie alles andere nur Übung ist. Wert bedeutet die Helligkeit oder Dunkelheit einer Farbe oder eines Farbtons. Wenn du dich umsiehst, wirst du feststellen, dass einige Dinge heller und dunkler sind, und innerhalb eines Objekts gibt es auch hellere oder dunklere Teile, je nachdem, was im Licht ist oder was im Schatten ist. Wenn es schwer für Sie ist, Wert in Farbe zu sehen, können Sie immer nur mit Studien in Graustufen beginnen, und wenn Sie es vollständig verstehen, dann gehen Sie zu versuchen, Wert in Farbe zu sehen. Ein einfacher Weg, dies zu verstehen, ist, indem Sie in Ihrem gewählten Medium eine Wert-Fähigkeit erstellen. Es ist nur eine Skala von reinem Weiß zu Schwarz, die sich allmählich ändert. Jede Farbe hat auch einen helleren und dunkleren Ton und Sie können auch eine Skala mit ihnen machen. Wert ist, was Ihre Kunst realistisch aussehen lässt , weil sie eine Beleuchtung in Form des Objekts zeigt. Dieses Konzept ist leicht zu ignorieren, aber es ist wirklich wichtig, zu meistern, damit Ihre Kunst diese besondere Wirklichkeit hat, oder sogar surreale Krankheiten wie Gabriels Kunst erinnern. Der Grund, warum es sich surreal anfühlt, ist, weil sie eine Meisterin ist, im Sehen und Malen Wert. mit Werten spielen, können wir einen Wertekontrast eines Bildes ändern. Dies ist beispielsweise ein normales Bild mit Normalwertskalierung. Jetzt ist das Bild auf der linken Seite ein kontrastreiches Bild da zwischen Weiß und Schwarz weniger Grauschattierungen vorhanden sind. Und dann ist eines auf der rechten Seite ein Bild mit geringem Kontrast, da seine Wertskala innerhalb eines begrenzten Bereichs mit wenig Variation liegt. Beachten Sie, wie Weiß und Schwarz nicht einmal enthalten sind. In der Regel sind kontrastreiche Bilder dramatisch und kontrastreich oder subtil. Sie können auch Werte implizieren, indem Sie einfache Muster verwenden, wie ich gezeigt habe, unabhängig in der Klasse schattieren . Viele Anfänger-Künstler vermeiden Wert, weil es so schwer zu meistern ist. Aber nur die Grundlagen zu kennen, kann äußerst vorteilhaft sein. Zum Beispiel habe ich in diesem Stück den Kristall mehr herauskommen lassen und mich glänzender fühlen, als einen dunkleren Hintergrund zu machen und sie in schwarzer Tinte zu umreißen. Dies erhöht den Kontrast mit dem helleren Kristall und sogar den Teilen, die weiß sind. Es ist eine einfache und effektive Technik. Ein weiterer netter Trick besteht darin, Ihre Kunst mit Photoshop schwarz-weiß zu machen , um zu sehen, ob Sie Ihre Werte richtig machen. Wenn Sie ein Stück machen, das fast die gleichen Werte hat, fühlt es sich flach an und es wird das zugrunde liegende Gefühl geben, dass etwas abschaut. Vergewissern Sie sich, dass sich Ihre Werte in Ihrem Stück ändern. Selbst wenn Sie Cartoony-Kunst machen, können Sie dies tun, indem Sie Farben mit unterschiedlichen Werten für verschiedene Teile auswählen. Es gibt noch viel mehr über den Wert zu lernen, und der beste Weg, dies zu tun, ist mit Wertestudien. Holen Sie sich etwas Kohle oder Bleistift und versuchen Sie, nur Werte für die Praxis zu zeichnen. Lassen Sie uns nun über die wichtigsten Fähigkeiten jedes Künstlers studieren. 5. Beobachten ist die Nummer 1: Wenn Sie meine genommen haben, Sie können alles zeichnen, dann wissen Sie bereits, dass Beobachtung ist das Wichtigste in der Toolbox eines Künstlers. Ohne die Fähigkeit, richtig zu sehen, egal wie gut Sie sind, perfekte Kreise zu zeichnen, wird Ihre Arbeit leiden. Beobachtung macht eine Menge, aber vor allem egal, was Ihr Stil ist, wird es Ihre Arbeit einzigartig, glaubwürdig und lebendig zu halten. Lassen Sie mich Ihnen zeigen, was ich meine. Unsere Gehirne sind verdrahtet, um Abkürzungen zu machen, und das gilt besonders, wenn es um das Zeichnen geht. Wenn man sich die Arbeit eines Anfängers oder die Arbeit eines Kindes anschaut, sieht es ungefähr so aus. Der Grund dafür ist, dass das Gehirn denkt, dass es weiß, wie alles aussieht , und es steht in der Quere, was Sie sehen, tatsächlich zu zeichnen. Wenn Sie die Welt mit frischen Augen betrachten, anstatt alles zu beschriften, werden Sie die Details bemerken und wie unterschiedlich alles ist. Ein wahrer Künstler sieht Linie, Form, Form und Wert, wenn er kein Auge zieht, keine Decke, keine Pflanze. Sie sehen die Details und die Formen. Auswendiglernen, wie man etwas zeichnet, ist keine schlechte Sache. In der Tat, das ist nützlich, wenn Sie Dinge wie Anatomie und so lernen. Das Problem ist, Sie haben bereits viele fehlerhafte Dinge, die Sie sich merken, wenn Sie sie als Kind oder Anfänger zeichnen. Das habe ich auch von Zeit zu Zeit schuldig. Deshalb achte ich, wenn ich zeichne, genau auf die Details und verliere mich in ihnen ein Detail nach dem anderen. Es ist wichtig, keine Angst davor zu haben, hässliche Arbeit zu machen. Dein Gehirn will, dass du es sicher machst. Hören Sie es nicht an. Stattdessen sei ehrlich mit dem, was du zumindest am Anfang siehst. Wenn Sie Ihre Beobachtungsfähigkeiten auf Stufe bringen und lernen, gut zu sehen, dann haben Sie die Möglichkeit, alles zu stilisieren, was Sie wollen, mit Ihrer eigenen einzigartigen Stimme. Wenn die Beobachtung schwer für Sie ist, ist mein Rat, zu üben, aus dem Leben so viel wie möglich zu ziehen und wirklich Aufmerksamkeit auf Details und die Linien zu zahlen, und ich werde Ihnen einige Übung zeigen , die in der nächsten Lektion helfen wird. Der Punkt ist, lassen Sie sich nicht von Ihrem Gehirn sagen, was Sie sehen, hören Sie stattdessen auf Ihre Augen. Beobachtung sollte nicht kompliziert sein und sollte das Zeichnen einfacher und nicht schwieriger machen. Zuerst wird es schwierig für Sie sein, den Schalter zu machen, wenn Sie dies noch nicht getan haben, aber wenn Sie wirklich sehen, wird es einfach. Jetzt, da wir die wichtigsten Grundkonzepte in der Kunst gelernt haben, lassen Sie uns einige Zeichenübungen durchgehen, die Ihnen helfen, Ihre Fähigkeiten schnell zu erweitern. 6. Zeichnenübungen: Jetzt kennen wir vielleicht die Grundlagen des Zeichnens, aber ohne tatsächlich zu zeichnen, werden wir uns nicht verbessern. Praxis ist der Schlüssel für jede Fähigkeit, besonders in der Kunst. Aber ich weiß, wie entmutigend sein kann, auf eine leere Seite zu starren oder nicht zu wissen, wo ich anfangen soll. Deshalb werden wir in dieser Lektion über jede Menge Spaß Zeichnen Übungen gehen , von der Verbesserung schnell. Diese Übungen sind für jede Schwierigkeitsstufe und Sie müssen nicht alle in einer Sitzung durchführen. Lernen Sie einfach die Übungen und machen Sie ein oder zwei, wenn Sie Freizeit haben. Aber versuchen Sie, jeden mindestens einmal zu tun , damit Sie sehen können, welche die anspruchsvollsten sind. Das sind die, die Sie brauchen, um mehr zu arbeiten. Denken Sie daran, je schwieriger etwas zu tun ist, desto mehr verbessern Sie sich. Nehmen Sie Herausforderungen Kopf an. Das erste, worüber ich sprechen möchte, ist, wie wichtig es ist, nicht zu unterschätzen, wie wichtig es ist, Markierungen auf einer Seite zu setzen. Es spielt keine Rolle, was du zeichnest. Das Üben, auch wenn man Grundformen oder nur Wellenlinien macht, profitiert Ihnen. Dies war eine Warm-up-Übung und dass Sie alles Klasse zeichnen können. Ich lasse dich auf ein Geheimnis. Ich habe es erfunden. Sie können sich auf diese Weise aufwärmen oder Sie können kritzeln, oder Sie können Schlüpfen oder sogar zu einem kleinen Doodle üben. Tu einfach etwas, irgendetwas. Wenn du das nächste Mal auf eine leere Seite starrst, nimm ein Stück Papier heraus und geh wild. Sie können Ihre Kennzeichnungsfähigkeiten mit allen Werkzeugen üben, mit denen Sie experimentieren möchten, oder Sie können komplizierte Designs kritzeln, sogar Klassen darauf haben. Oder Sie können sogar ein schnelles Studium machen. Unterschätzen Sie nicht die Tatsache, dass Sie jedes Mal, wenn Sie Stift auf Papier legen, besser werden. was auch immer dein Boot schwimmt. Lassen Sie uns nun in einige berühmte Trainingsübungen einsteigen, die bestimmte Regeln haben. Für diese erste Übung werde ich einen Pinselstift verwenden, aber Sie können alles verwenden, was Sie mögen, vom Kugelschreiber bis zu einem Mikronstift oder einem scharfen Stift. Ich bevorzuge es nur, dass es nicht löschbar ist, damit Sie es nicht löschen und die Linien die ganze Zeit neu zeichnen. Der Punkt ist, das nicht zu tun. Das ist nur eine Übung. Nimm es nicht ernst. Ich werde meine Hand als Thema verwenden, da die Hände kompliziert sind, viel Detail haben und leicht zu erhalten sind. Ich empfehle Ihnen, auch Ihre zu zeichnen oder wählen Sie ein Thema mit vielen Details wie Hände. Jetzt zeichne ich den Umriss. Ich mache mir keine Sorgen um Proportionen oder Schattierungen oder Farbe, nur Details, die in Linien interpretiert werden. Du trainierst deine ITC-Details und -Umrisse und trainierst sie auch, um das zu zeichnen, was du siehst, anstatt was du denkst, zu sehen. Dies wird Konturzeichnung genannt. Zeichnen Sie alle Falten und Knicke und jedes andere Detail, das herausspringt. Konturzeichnung ist der erste Weg, wie wir zeichnen lernen , und es ist extrem wichtig zu meistern. Sie können sich Zeit nehmen und es super detailliert und genau machen oder es schnell wie ich tun. Wichtig ist, dass Sie Ihr Thema so viel oder mehr betrachten als Ihr Papier. Ihr lernt, richtig zu beobachten. Tun Sie so viele, wie Sie brauchen, bis es sich natürlich anfühlt. Eine andere Sache, die Sie tun können, ist blinde Kontur. Das trainiert dich wirklich dazu, dein Fach zu studieren. Sie müssen zwei Stück Papier bekommen und Ihre Seite mit dem zweiten abdecken oder einfach nur ein Thema direkt vor sich ziehen. Du kannst deine Seite einfach gar nicht ansehen. Wählen Sie einen Punkt und beginnen Sie mit dem Zeichnen Ihres Motivs. Versuchen Sie einfach Ihr Bestes, aber schauen Sie nicht auf Ihre Seite und gehen Sie so langsam oder so schnell, wie Sie sich wohl fühlen. Wie Sie sehen können, ist mein Ergebnis seltsam aussehend, aber das ist eine perfekte blinde Konturzeichnung. Es macht so viel Spaß, das zu tun. Es spielt keine Rolle, wie es am Ende aussieht. Wir üben nur. Wenn Sie nicht wissen, was Sie im wirklichen Leben zeichnen sollen, können Sie einfach die zufälligen Dinge auf Ihrem Schreibtisch zeichnen, wie ich es hier getan habe. Beachten Sie, dass ich die Proportionen nicht vorher skizziere, weil, wie ich bereits sagte, die Ergebnisse keine Rolle spielen. Es geht nur darum, ein schnelles Übungsbeispiel zu machen. Wenn Sie es eine Kerbe aufwerfen und üben wollen, Form zu sehen, dann können Sie Querkonturzeichnungen erstellen. Dies ist, wenn Sie Zeile verwenden, um die Form oder das Volumen Ihres Objekts anzuzeigen. Studieren Sie zuerst Ihr Objekt. diesem Grund ist es besser, realisierte Themen zu machen, und dann Linie zu verwenden, um dafür zu zeigen. Zum Beispiel ist der Topf flach an seinen Seiten, also verwende ich normale gerade Linien. Aber die Pflanzenstiele sind außen abgerundet und innen leicht konkav. Ich benutze Line, um das zu zeigen. Hier ist ein weiteres Beispiel dafür. Dies ist eigentlich eine große Zeichnung einer Statue, die ich mir Zeit genommen habe, aber es half uns, die Form zu studieren. Hier ist noch eine. Wenn Sie 3D-Kunst machen möchten, empfehle ich Ihnen, eine Fähigkeit viel zu üben, um sicherzustellen, dass Sie Form verstehen. Sie können auch Wertestudien durchführen, die eine Linie in Ihrem Subjekt ignorieren und stattdessen auf die Dunkelheit und Lichter fokussieren. Ich habe viele große Zeichnungen von Tieren gemacht, da das mein bevorzugtes Thema ist. Diese wurden mit anspielten Inc gemacht und waren lustig und locker. Ich habe farbige Referenzen verwendet, aber wenn das schwer für Sie ist, können Sie einfach Bildbearbeitungssoftware verwenden, um Ihre Bilder in Schwarz-Weiß zu verwandeln oder einfach Schwarz-Weiß-Bilder zu finden. Eine andere Sache, die Sie tun können, ist eine negative Raumzeichnung. Es ist, wenn Sie den negativen Raum um das Objekt anstatt um das Objekt selbst studieren. Dies macht Sie auf den negativen Raum und die Formen aufmerksam, die es macht. Sie können auch versuchen, Ihre Zeichnungen zu Timing zu zwingen, sich zu lockern und schnell zu tun. Versuchen Sie alles von 30 Sekunden bis 5 Minuten. Dies ist eigentlich super-nützlich in Gestenzeichnung, die nur macht schnelle Studien der menschlichen Figur. Es gibt Tonnen von Websites, die nur dafür gemacht werden, und wenn Sie Menschen zeichnen möchten, ermutige ich Sie, es zu betrachten und machen Sie es zu einem Teil Ihrer Kunstpraxis. Ich habe wirklich nur die Oberfläche mit diesen Beispielen zerkratzt. Weil die Wahrheit ist, gibt es eine unendliche Menge an Möglichkeiten zu üben. Tu einfach dein Ding, finde heraus, was für dich funktioniert, aber laufe nicht vor Herausforderungen weg. Sei stattdessen aufgeregt, wenn du einen triffst. Weil es bedeutet, dass Sie in etwas viel verbessern können. Denken Sie daran, es ist alles Übung. Setzen Sie die Zeit ein, indem Sie Übungen machen und experimentieren. Lassen Sie uns nun mehr fortgeschrittene, aber gleichermaßen wesentliche Konzepte lernen. 7. Muster und Texturen: Muster und Texturen können sehr viel Spaß machen, mit dem zu spielen. Sie können auch verwendet werden, um einem Stück viel Dimension zu verleihen. Vergessen Sie auch nicht, dass Texturen und Muster austauschbar sind , da ein Muster auch eine Textur ist. Pen und Ink Basic-Klasse habe ich einige verschiedene Möglichkeiten zum Schattieren und Beispielen von Mustern gezeigt In meiner vorherigenPen und Ink Basic-Klasse habe ich einige verschiedene Möglichkeiten zum Schattieren und Beispielen von Mustern gezeigt. aber dafür sind Sie nicht auf Stift und Tinte beschränkt. Sie können Muster und Texturen mit allen Arten von Medien verwenden. Sie können es zeichnen oder malen, mit was auch immer Sie wollen, aber vergessen Sie nicht, Sie können Textur auf die nächste Ebene bringen, um es real zu machen. Dies ist einfacher mit Acryl- oder Ölfarbe zu tun und kann Ihrer Kunst mehr Dimension verleihen. Texturen und Muster können Ihre Arbeit taktiler machen auch wenn sie flach ist und sie können sie auch interessanter machen Spielen Sie also definitiv damit und überlegen Sie es in Ihrer Arbeit zu verwenden. Schauen Sie sich zum Beispiel an, wie die äußerst erfahrene Künstlerin Daria Hlazatova Muster und Texturen in ihrer Arbeit verwendet, um ihren Stücken und anderer weltlicher Qualität so viel Dimension zu verleihen. Haben Sie nicht nur den Drang, Ihre Hand zu erreichen und sie zu berühren, obwohl Sie wissen, dass sie flach ist? Ein weiteres großartiges Beispiel ist Matt Millers wunderschönes Werk, das hauptsächlich Textur verwendet, aber die Menge an Details bemerkt, die er in. Auch Muster werden sehr interessant überall verwendet. Seine Stücke haben viel Rhythmus und Detail dank Mustern und Texturen. Catalina Estrada auf der anderen Seite, macht wunderschöne Muster, die Textur in ihnen und Muster innerhalb von Mustern haben. Ihre Arbeit macht so viel Spaß zu betrachten und obwohl es eine Menge Details gibt, ist es nicht überwältigend, stattdessen fühlt es sich wie eine Party für die Augen. Wie Sie sehen können, können Muster und Texturen auf eigene Faust super mächtig sein, also seien Sie nicht schüchtern, sie sogar ein wenig in Ihre Arbeit einzubeziehen. Lassen Sie uns nun die Grundlagen der Farbtheorie durchgehen. 8. Farbtheorie: Die Farben, die Sie in Ihrer Komposition verwenden, können Ihr Stück machen oder brechen. Sie können auch verwendet werden, um Ihren einzigartigen Stil zu zeigen oder Emotionen zu vermitteln. Ich persönlich wähle meine Farben intuitiv aus, aber es braucht Zeit, um dorthin zu gelangen. Man musste zuerst die Grundlagen der Farbtheorie lernen. Ein wirklich gutes Beispiel für eine Künstlerin, die Farben stark in ihrer Marke verwendet , ist Leigh Ellexson. Wenn Sie sich ihr Instagram ansehen, können Sie sehen, dass sie ähnliche Farben in den meisten ihrer Stücke verwendet, und sie alle haben eine weiche und traumhafte Pastell-Atmosphäre. Sie hat eine Hauptfarbe, die sie überall für ihre Marke verwendet und ist fast in jedem Stück enthalten. Kannst du erraten, was das ist? Das ist richtig, rosa; und du denkst auch an Pastellgelb und blau. Wenn man sich ihre YouTube-Miniaturbilder anschaut, verwendet sie rosa Overlays auf jedem. Es ist so konsistent mit ihrer Marke. Der Punkt ist, dass sie Farben sehr effektiv verwendet, um bestimmte Gefühle nicht nur für ihre Arbeit, sondern auch für ihre gesamte Marke zu vermitteln , und wir werden später darüber sprechen. Lassen Sie uns nun zuerst darüber gehen, mit welcher Emotion jede Farbe normalerweise verbunden ist. Rot ist Wut, Leidenschaft oder Aufmerksamkeit. Wie zum Beispiel, wenn Sie einkaufen gehen, sind alle For Sale Schilder rot. Rosa ist Süße, Romantik oder Jugend. Ich denke an Kirschblüten oder eine Baby-Mädchen-Kleidung. Orange ist Glück, Energie oder Selbstvertrauen. Gelb ist Positivität, Motivation und auch Energie. Gelb und Orange sind beide sehr mächtige fröhliche Farben. Grün ist natürlich, heilend und erholsam. Dies liegt daran, dass Grün mit der Natur verbunden ist und wir an Bäume und Gras und Pflanzen denken, es ist eine sehr entspannende Farbe. Blau ist ruhig, stabil und friedlich. Weil überall auf der Welt der Himmel blau ist. Es ist eine sehr stabile Farbe. Purple ist königlich, luxuriös und spirituell. Lila ist sehr selten in der Natur, nur einige Blumen haben diese Farbe, deshalb ist es so eine geheimnisvolle und besondere Farbe. Schwarz ist raffiniert, geheimnisvoll und stark. Negative Konnotation zu Schwarz ist der Tod in der westlichen Kultur, aber es ist lustig, weil in anderen Kulturen diese Farbe weiß ist, aber schwarz ist eine wirklich klassische Farbe und deshalb sehen Sie immer viele Künstler, die nur Schwarz und Weiß in ihre Kunst und keine Farbe überhaupt. Weiß ist Reinheit, Heiligkeit und Frische. Schwarz und Weiß zusammen funktionieren einfach gut. Dies sind nur allgemeine Wörter, die beschreiben, wie sich die meisten Menschen normalerweise fühlen, wenn sie eine Farbe betrachten und wie ich sie denke. Sie sind keine Regeln, sie sind nur allgemeiner Konsens darüber, was jede Farbe tut. Jeder wird eine andere Assoziation mit jeder Farbe haben. Mach dir keine Sorgen darum. Das ist nicht wirklich etwas, woran ich denke, ich wähle einfach unbewusst die Farben aus, die ich tue. Lassen Sie uns nun über die Grundlagen der Farbtheorie gehen. Das Farbrad ist ein super nützliches Werkzeug, um Farbe zu verstehen, und ich empfehle Ihnen, entweder einen zu machen, wie wir es in meiner Aquarell-Klasse tun, oder Sie können Tonnen von vorgefertigten finden online und drucken Sie es aus und setzen Sie es irgendwo, wo Sie sehen können es. Wir haben Primärfarben, das sind die drei Farben, die verwendet werden können, um jede gewünschte Farbe zu mischen. Bei herkömmlichen Medien oder Drucken sind sie Cyan, Magenta und Gelb. Aber in digitalen Medien sind sie blau, rot und gelb. In welchen Medien Sie arbeiten, wählen Sie das richtige Farbrad für Sie aus. Sekundärfarben sind die Babys oder Mischungen der Primärfarben; und tertiäre Farben sind die letzten verbleibenden Farben, die die Primärfarben umgeben. Die Worte spielen keine Rolle, aber es ist eine gute Idee, die Terminologie zu kennen. Eine weitere Sache ist darauf hinzuweisen, dass es kühle und warme Farben gibt. Kühle Farben neigen dazu, zurückzutreten und sich ruhig zu fühlen, und warme Farben erscheinen auf Sie und fühlen sich lebendig. Es kann wirklich bei der Einstellung der Stimmung helfen, Ihre Farben basierend auf der Temperatur auszuwählen und kühle und warme Farben zusammen zu verwenden, um verschiedene Teile der Komposition herausragend zu machen. Dies macht auch einen sehr schönen Kontrast. Wir haben auch ergänzende Farben, die Gegensätze auf dem Farbrad sind. Wenn diese beiden Farben in einem Wettbewerb zusammen verwendet werden, machen sie sich wirklich Pop. Sie müssen vorsichtig sein, die Wirkung nicht zu übertreiben und mindestens einen von ihnen zu verdünnen. Aber Sie können wunderschöne Stücke mit nur diesen zwei Farbkombinationen erstellen, besonders wenn eine Farbe ein Stück dominiert und die andere verwendet wird, um den Fokus auf einen bestimmten und kleinen Bereich zu lenken. Die Ergänzungen von Grün und Rot sind berühmt in meinem Lieblings ist Urlaub. Wenn man sich dieses Bild anschaut, fühlt man sich hochenergetisch und den Urlaubsgeist. Analoge Farben sind Farben, die auf dem Farbrad nebeneinander liegen. Eine meiner Lieblingsfarbkombinationen ist rosa, lila und blau. Wenn ich diese Farben verwende, macht es die Stücke sehr zusammenhängend und angenehm für das Auge. Dieser Ansatz ist besser für ruhigere Stücke. Es hat nicht, dass Pop-Faktor, die kostenlose Farbkombinationen tun, aber Sie können ein Kompliment aus der Mitte der Farbgruppe hinzufügen , um die Dinge Pop ein wenig. Ein triadisches Farbschema wird mit Farben erstellt, die gleichmäßig um das Farbrad verteilt sind , wie unsere Vorwahlen. Diese Farbkombination neigt dazu, für sehr lebendige Stücke zu machen. Es gibt mehr Kombinationen wie eine Split-Ergänzung, aber ich möchte nicht, dass dies zu technisch oder komplex erscheint. Es liegt wirklich an Ihnen, welche Farben Sie verwenden. Ihr Endziel sollte es sein, ein Gefühl für Farben zu haben und mit Ihrem eigenen Stil und Regeln zu kreieren. Die einzigartigsten und originellsten Stücke haben ihre eigenen einzigartigen Farbkombinationen. Wenn Sie ein Monochrom oder Schwarz-Weiß erstellen möchten, dann tun Sie dies. Wenn Sie jede einzelne Farbe da draußen verwenden möchten, um Regenbogeneffekt zu machen, dann gehen Sie weiter. Es tut nie keine Farbtheorie weh, aber tun Sie Ihr eigenes Ding. Wenn Sie Farbkombinationen sammeln möchten, die Sie mögen, empfehle ich Ihnen, ein Pinterest-Board zu starten und dies zu tun, und ich habe eine, die Sie folgen und Kasse. Aber wie alles andere in der Kunst, überdenken Sie es nicht oder verrückt. Regeln sollen gebrochen werden, vor allem in der Kunst. Aber um sie zu brechen, müssen Sie sie zuerst kennen. Lassen Sie uns nun die ultimativen und wichtigsten Prinzipien lernen, die wir uns bewusst sein müssen. 9. Design-Prinzipien: Jetzt gehen wir über Design-Prinzipien, die sehr wichtig sind zu verstehen. Ich ermutige Sie, diese Lektion nicht nur zu sehen, bis Sie sie bekommen, sondern auch, um mehr darüber zu erfahren, wo immer Sie können, ob ein Kurs über die Prinzipien des Designs oder ein Bibliotheksbuch in Ihrer lokalen Bibliothek, oder sogar durch einen Blick auf andere die Kunst der Menschen direkt nach dem Betrachten dieser Lektion und dem Versuch zu sehen, wie sie diese verwenden. Mit einer starken Grundlage und Verständnis Designprinzipien wird in Ihrer Arbeit als ausgewogene Kompositionen eine insgesamt harmonische und angenehm zu sehen Kunstwerk zeigen . Das erste Prinzip ist das Gleichgewicht. Balance ist genau das, was es klingt, gleich visuelles Gewicht auf beiden Seiten der Komposition. Zum Beispiel ist ein symmetrisches Stück perfekt ausbalanciert, weil, wenn Sie eine Linie in der Mitte setzen, Es ist auf beiden Seiten gespiegelt. Dies ist eine der einfachsten Möglichkeiten, um ein Gleichgewicht zu erreichen. Wenn Sie dies tun, erhalten Sie automatisch ein perfekt ausbalanciertes Stück. Asymmetrisches Gleichgewicht ist ein wenig schwieriger zu erreichen, weil es Übung erfordert, aber es ist im Wesentlichen Augäpfel das Stück, bis beide Seiten sich ausgewogen fühlen, obwohl sie nicht symmetrisch sind. Wenn ich zum Beispiel einen Kreis auf die untere linke Seite dieses Stückes lege, fühlt sich die rechte Seite leer an, so dass sie unausgewogen ist. Aber wenn ich oben rechts ein kleineres hinzufüge, fühlt es sich etwas besser an, aber wegen des Größenunterschieds nicht vollständig ausgeglichen. Wenn ich nun diesen Kreis ausfülle, fühlt er sich ausgewogen an, denn obwohl er kleiner ist, fühlt er sich schwerer an. Dies wird als visuelles Gewicht bezeichnet, und es ist etwas, das Sie lernen müssen, in Ihrer Komposition auszugleichen. Sie erreichen Balance, indem Sie Formen, Farben, Linien, Kontraste und viele verschiedene Möglichkeiten verwenden. Es ist eine Fähigkeit eingebaute Beobachtung. Obwohl diese Art von Balance schwieriger ist, sind es häufiger Illustrationen. Insgesamt fühlt sich Symmetrie in der Regel stabil an und Asymmetrie fühlt sich dynamisch und instabil an. Symmetrie ist auch sehr begrenzt und fühlt sich in der Regel sicherer an. Symmetrie ist in der Regel interessanter, dynamischer und die Möglichkeiten dessen, was sie machen kann, sind unendlich. Dieses Prinzip ist super einfach zu erlernen, aber schwer zu meistern. Halten Sie Ausschau nach Künstlern, die Ihre Kompositionen auf interessante Weise hüpfen. Das nächste Prinzip ist Einheit oder Harmonie. Das bedeutet nur, dass die Dinge so aussehen, als ob sie zusammengehören. Zum Beispiel sieht das komisch aus, weil es zu viele verschiedene Techniken in jedem kleinen Element gibt. Sie passen einfach nicht zusammen oder ergeben keinen Sinn, zusammen zu sein. Jetzt sieht das normal für uns aus, weil wir in jedem Stück ähnliche Techniken verwenden und sich allmählich auf einen lockeren Weg bewegen, von oben links nach unten rechts. Obwohl sich die Art und Weise, wie wir die Komposition machen, verändert, fühlt sie sich harmonisch an, weil sie schrittweise und durchdacht ist. Eine weitere einfache Möglichkeit, sich zu vereinigen, besteht darin, Objekte durch die Verwendung von Nähe nahe beieinander zu setzen. Wir verknüpfen automatisch das, was wir als eine Sache betrachten. Beachten Sie, dass drei verschiedene Gruppen angezeigt werden, nur weil die Shapes in jeder Gruppe eng beieinander liegen. Ein weiterer einfacher Weg ist die Verwendung von Wiederholungen, was nur bedeutet, ein bestimmtes Element zu wiederholen, wie Farbe oder Textur im ganzen Stück. Dies bedeutet einfach, das Stück im gleichen Stil zu tun , und Sie können es in der Gruppe Punkte und Linien sehen. Die Punkte- und Liniengruppe ist viel harmonischer und einheitlicher als die mit den zufälligen Formen. Sie können auch Wiederholung verwenden, um visuellen Rhythmus zu machen, was nur eine Verwendung von ähnlichen Elementen ist, die für ein rhythmisches Gefühl wiederholen, das sich wie die Noten von Musik anfühlt. Das nächste Prinzip besteht darin, einen Schwerpunkt zu haben. Dies ist super wichtig und bedeutet nur ein Thema, das im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit in Ihrem Stück steht. Der erste Ort, auf den die Augen eines Betrachters landen, ist der Mittelpunkt. Zum Beispiel fängt dieses Stück von Sam Yong Ihre Aufmerksamkeit ein und fokussiert es auf den Schnitt des Schwanzes, nur weil er dort und nirgendwo sonst Farbe hinzugefügt hat. Dies kann auch durch die Verwendung von Skalenkontrast, Details usw. erfolgen. Der Schwerpunkt ist nur etwas, das man sich bewusst sein muss, weil man normalerweise im Kopf hat , was es ist und um sicherzustellen, dass nichts zufällig das Rampenlicht stiehlt. Eine weitere wichtige Sache, die in diese Bindung ist die Fortsetzung, was nur bedeutet, dass die Zuschauer Augen auf die nächste Sache gezogen werden, und die nächsten Dinge durch die Linien und Formen in der Komposition. Zum Beispiel verwendet dieses Stück von Michelle Wolfskulljack einen Brennpunkt in der Fortsetzung auf geniale Weise. Das erste, was Sie betrachten, ist ein Shulpt, wegen des Kontrastes, da es kein Weiß in diesem Bereich hat, dann führt der Schnabel Sie tiefer zu schauen, weil er dort zeigt und Sie auf den Pfeil, den Schädel und die Luft schauen sind die beiden wichtigsten Elemente der Komposition und wir betrachten beide zuerst. Dann schauen Sie in der Einnahme des ganzen Raben Körper, weil der Pfeil nach oben geht, und höchstwahrscheinlich Ihre Augen enden oben auf dem Dreieck, und folgen Sie dann der Linie bis zu den Füßen, und dann den Schädel hoch und Schnabel wieder. Die Einbeziehung des Dreiecks im Hintergrund hilft wirklich, die Augen des Betrachters zu lenken. Mit einem starken Fokus Hilfe, weil Sie wissen, wo die Augen zuerst landen werden. All dies geschieht plötzlich und vielleicht unbewusst, aber weil Ihre Augen Wege zu reisen haben, finden wir es einfacher, sich zu begeben, sogar die Komposition zu studieren. Um zu üben, dies zu sehen, schauen Sie sich einige andere Kunst an, die Sie möchten, achten Sie darauf, wie Ihre Augen reisen und warum. Ein weiteres Prinzip ist Maßstab und Proportion, das ist, wie groß oder klein etwas im Vergleich zu den anderen Teilen der Komposition ist. Spielen mit Skalenanteil ist in der Illustration sehr nützlich. Zum Beispiel zeige ich in meinen Qt-Klassen, dass ein großer Kopf und ein kleiner Körper die Dinge niedlich macht. Was wir taten, war, dass wir ein Tier oder eine Person beobachteten und dann vereinfachte und machte den Körper klein und den Kopf größer für einen niedlichen Look. Das wurde erreicht, indem man mit Skalierung und Kontrast in nur Vereinfachung spielt. Auch wenn Sie mit Skala spielen, können Sie Dinge auf eine lustigere Weise zuschneiden, indem Sie entweder vergrößern oder verkleinern. Eine weitere super wichtige Sache, die Sie beachten sollten, ist der negative und positive Raum in Ihrer Arbeit. Negativer Raum ist der Hintergrund, und der positive Raum ist der Vordergrund oder Ihr Motiv. Sie können Ihre Perspektive invertieren, um den negativen Raum anzuzeigen. Ein gutes Beispiel dafür ist die berühmte Gesichtsvase Illusion. Kannst du die Gesichter sehen, wenn das Schwarz im Vordergrund steht? Kannst du jetzt die Vase sehen, wenn das Weiß im Vordergrund steht? Nur indem wir mit dem spielen, was der Hintergrund ist oder was der Vordergrund ist, drehen wir unsere Wahrnehmung des positiven und negativen Raums um. Es ist leicht, den negativen Raum um Ihr Objekt zu vergessen. Awesome macht Formen und Sie müssen die Aufmerksamkeit auf diese Formen zahlen viel wie Sie auf den positiven Raum in der Nähe der Arbeit tun. Es ist wichtig, Silhouette des Motivs in Ihren Stücken zu bemerken, eine starke Silhouette, die leicht erkennbar ist. Dies ist besonders wichtig Charakterdesign, wie ich zuvor gezeigt habe. Ich habe gerade eine Menge von Principals durchgegangen. Eine einfache Möglichkeit, all dies in Ihrer Arbeit zu implementieren, ist die Verwendung von Miniaturansichten, bevor Sie beginnen. Haben Sie eine super kurze Klasse und das Thema, wenn Sie es überprüfen möchten. Aber es sind im Grunde winzige Skizzen von dem, was du machen wirst. Sie können mit allen Konzepten schnell spielen und viele verschiedene Ideen ausprobieren, ohne Vorräte oder Zeit zu verschwenden, bis Sie die perfekte Komposition finden. Ich empfehle Ihnen, es zu versuchen und es in Ihre Kunstpraxis zu integrieren. Wie Sie sehen können, gibt es eine Menge Dinge zu denken, wenn es darum geht, Ihre Kunst zu machen. Aber lassen Sie sich nicht überwältigen, versuchen Sie einfach, diese Konzepte so gut wie möglich zu lernen, und Sie werden sie automatisch auf Ihre Arbeit anwenden. Indem Sie all das wissen, haben Sie ein kritischeres Auge auf alle Fehler. Überstunden erhalten Sie unbewusst ein Gefühl für das, was aussehen gut ist und machen Ihre Kunst angenehm, ohne viel darüber nachzudenken. Nun, da wir für das Fundamentdesign haben, lassen Sie uns darüber sprechen, wie Sie das richtige Medium für Sie finden und warum es so wichtig ist, zu experimentieren. 10. Das richtige Medium für dich: Vielleicht wissen Sie bereits, welches Medium Sie bevorzugen, aber wenn Sie dies nicht tun, hilft Ihnen diese Lektion dabei, es einzugrenzen. Bevor ich ins Detail gehe, möchte ich, dass Sie wissen, dass ich persönlich fast jedes Medium dort draußen ausprobiert habe und nur durch körperlich ausprobierte ich heraus, was mein Favorit war. Ich empfehle Ihnen, das gleiche zu tun. Es kann teuer werden, alle von ihnen zu versuchen, aber versuchen Sie einfach billige Lieferungen oder sogar etwas von einem Freund zu leihen. Die beiden Hauptkategorien sind traditionelle und digitale Kunst. Digitale Kunst kostet zu Beginn mehr, aber sobald Sie das Tablet kaufen, müssen Sie nichts anderes kaufen. Ein günstigeres gutes Tablet ist das Wacom Intuos. Ich habe einen von ihnen und sie sind ziemlich gut. Oder du kannst den teueren und professionelleren Weg gehen und dir ein Wacom Cintiq besorgen. Ein Wacom Cintiq ist sehr teuer. Ich empfehle stattdessen, dass Sie ein iPad Pro erhalten. Es hat die gleichen Fähigkeiten wie Wacom, und es kann viel mehr tun, und ist voll tragbar. Alles, was du tun musst, ist einen Bleistift dafür zu holen und du bist golden. Wenn Sie einen Computer verwenden, benötigen Sie Software. Sie können kostenlose finden, oder Sie können den Industriestandard von Photoshop erhalten , der auch sehr nützlich ist, um Ihre eigenen Grafiken für eine Website oder irgendetwas anderes zu erstellen. Oder wenn du auf dem iPad Pro bist, kannst du Procreate bekommen, was viel billiger ist als Photoshop. Das coole Ding an digitaler Kunst ist, wenn Sie die Software und Tablet haben, müssen Sie nicht etwas anderes kaufen. Sie können Kunst in so vielen verschiedenen Stilen machen und digitale Kunst ist super verzeihend, weil Sie in Ebenen arbeiten und Fehler rückgängig machen können , wenn Sie sie machen. Das bedeutet nicht, dass die digitale Kunst einfacher ist, sie ist einfach anders. Wenn Sie ein digitaler Künstler sein wollen, ist mein Rat, viele verschiedene Pinsel ausprobieren, bis Sie Ihre Favoriten finden. Mit digitaler Kunst können Sie schneller arbeiten und mehr polnische Stücke im Vergleich zu herkömmlichen Medien herstellen . Wenn die meisten der Künstler, die Sie bewundern, digitale Künstler sind, dann werden Sie wahrscheinlich ein digitaler Künstler sein. Sie sind in der Regel von der Art der Arbeit angezogen, die Sie gerne machen werden. Aber wenn Sie sich entscheiden, ein digitaler Künstler zu sein, fallen Sie nicht in die Falle, nie wieder einen Bleistift aufzuheben. Zum Beispiel sind dies einige tolle digitale Stücke des Künstlers Bobby Chiu. Aber wenn man sich sein Instagram anschaut, werden Sie sehen, dass er auch Bleistiftzeichnungen macht und von Zeit zu Zeit traditionelles Medium verwendet. Paper zu Bleistift ist immer noch der beste Weg, um Ihre Kompositionen zu planen und schnelle Skizzen zu machen. Auch Skizzenbücher sind super tragbar. Sie können immer in Ihre Skizzen gehen oder ein Foto machen, um sie digital zu machen. Wie Sie sehen können, hat Bobby dies mit diesem super niedlichen Gemälde getan. Nun, auf traditionelle Kunst. Während traditionelle Kunst viel billiger sein kann, um mit einfachen Dingen wie Papier und Bleistift zu beginnen, kann sie auf lange Sicht teuer werden, vor allem, wenn Sie professionelle Qualität liefert , weil Sie physische Dinge. So müssen Sie Ihre Vorräte regelmäßig und mit Dingen wie Aquarell, Papier oder Bleistift ersetzen . Es kann ziemlich teuer sein, wenn Sie professionelle Qualitätsprodukte verwenden. Aber keine Sorge, Sie können immer mit billigeren Vorräten am Anfang davonkommen. Zum Beispiel hier ist ein Gemälde, das ich mit wirklich billigen Crayola-Farben und Pinsel gemacht habe. Es war nicht ideal, aber das zeigt, dass es nicht um die Vorräte geht, sondern um den Künstler. Wenn Sie Ihre Arbeit drucken möchten, benötigen Sie entweder einen wirklich guten Scanner für kleinere Stücke oder eine wirklich gute Kamera und Beleuchtung für größere Kunstwerke oder Kunstwerke mit Textur, während digitale Künstler sich keine Sorgen machen müssen darüber. Sie benötigen auch einen physischen Schreibtisch, um alle Ihre Vorräte zu speichern und sie zu verwenden. Eine gute Lichtquelle ist auch notwendig, aber Sie können nur mit natürlichem Licht aus einem Fenster davonkommen. Auch Fehler in der traditionellen Kunst zu machen, ist viel weniger verzeihend, aber es hängt davon ab, welches Medium Sie verwenden. Zum Beispiel sind Fehler in Aquarell oder Tinte wirklich schwer zu beheben, aber Fehler in Öl, Acryl oder Guage sind einfach. Davon abgesehen bin ich ein traditioneller Künstler, der sich auf Aquarell und Tinte spezialisiert hat, weil es meine Lieblingssache ist, mit der ich arbeiten kann. Ich liebe sie. Aquarelle haben ein eigenes Leben und ich umarme Fehler. mich gibt es nichts Besseres, als mit meinen Händen zu arbeiten und all die verschiedenen Vorräte zu berühren und zu sehen, wie sie mit Papier und einander interagieren. Das passt einfach gut zu meiner Persönlichkeit und es ist meine bevorzugte Art zu arbeiten. Als ich ein Kind war, benutzte ich Buntstifte und Buntstifte, meistens malte Bücher, und dann machte ich Acrylbilder, die groß und abstrakt waren, und dann versuchte ich verschiedene Dinge wie Ölpastellfarben, Tinten und schließlich Aquarelle. Ich wüsste nicht, dass Aquarelle mein Favorit wären, wenn ich nichts hätte, um sie zu vergleichen. Also mein Rat ist es, so viele verschiedene Medien auszuprobieren, wie Sie in die Hände bekommen können, weil wir alle verschiedene Dinge mögen, und Sie werden nicht wissen, was das ist, bis Sie es versuchen. Eine andere Möglichkeit, Ihren Favoriten zu finden, besteht darin, sich Ihre Lieblingskünstler anzusehen und das Medium zu finden, das die meisten von ihnen gemeinsam haben. Normalerweise bevorzugst du dieses Medium selbst. Aber hier ist eine kurze Erklärung der verschiedenen traditionellen Medien, um Ihre Wahl zu treffen. Bleistifte sind großartig, weil Sie verschiedene Werte leicht erhalten können. Ich empfehle Ihnen, mit Bleistiften zu skizzieren, auch wenn es nicht Ihr bevorzugtes Medium und vor allem, wenn Sie ein digitaler Künstler sind, denn es gibt nichts anderes ganz wie es, um leicht Idee nach unten zu bekommen, und ein guter Radiergummi ist Ihr bester Freund. Farbstifte machen gleichermaßen Spaß, aber die pigmentierten sind normalerweise unerasierbar. Aber sie haben eine super lustige Textur zu ihnen und Sie können sie sogar mischen. Copic Marker sind sehr teuer, aber ideal bei der Herstellung von kontrollierten und allen gemischten Teilen. Sie haben ein super gepflegtes Gefühl, um sie und Sie können superclass n-dimensionale Stücke leicht machen. Wenn sie zu teuer für Sie sind, können Sie Alternativen finden, die billiger sind und sie für uns ausprobieren und dann sehen, ob es Ihnen gefällt, und dann bekommen Sie einfach ein paar Copics auf einmal. Es gibt viele Möglichkeiten, Tinte zu verwenden und eine Klasse zu diesem Thema zu haben, aber meistens ist es entweder mit technischen Stiften oder tiefen Stiften für super detaillierte Stücke oder einfach nur um Umrisse zu erstellen. Oder Sie können es als eigentlich Malmedium mit verdünnter Tinte verwenden. Tinte und Aquarell reagieren tatsächlich sehr ähnlich wie Wasser. So haben sie eine sehr ähnliche Wirkung, wenn sie verwendet werden. Nass und nass wirklich zusammenfassen Aquarelle und Tinten für mich. Sieh mal, wie wunderschön das trocknet. diesem Grund sind diese beiden meine Lieblingsmedien, mit denen man arbeiten kann. Aber sie können schwierig sein, zu meistern und erfordern viel Übung. Wenn Sie mit Tinte oder Aquarell malen, seien Sie auf viele glückliche Unfälle und eine Texturen vorbereitet. Wenn Sie lernen möchten, wie man mit Aquarell malt, habe ich bereits eine Klasse dazu. Ölpastellfarben sind wie bondbare Buntstifte, die super während Stücken oder sogar hyper-realistische Arbeit machen können . Sie machen wirklich Spaß, vor allem, da Sie sie mit Ihren Finger mischen können. Ölfarben können auch die gleiche Wirkung haben, aber sie können komplizierter zu verwenden als andere Medien wegen ihrer sehr langsamen Trockenzeit, und Sie müssen ein Lösungsmittel wie Terpentin verwenden, das giftig sein kann und Stinkend. Aber heutzutage ist das kein großes Problem, weil man wasserlösliche Ölfarben kaufen kann. Acrylfarben, auf der anderen Seite, sind einfacher zu bedienen, weil sie sehr schnell in alles, was Sie brauchen, ist Wasser. Auch Acrylfarbe ist viel billiger als Öl. Aber in diesem Zusammenhang ist es eine persönliche Vorliebe. Einige Künstler bevorzugen Öl und etwas Acryl. Ich habe bemerkt, dass Künstler, die dazu neigen, Menschen zu zeichnen, Öl verwenden weil langsame Trocknungszeit ihnen hilft, die Haut mehr zu mischen. Aber einige bevorzugen Acryl, weil es einfacher ist zu arbeiten und sie nicht mögen die langsame Trocknungszeit. Wenn Sie auf Leinwand malen möchten, empfehle ich Ihnen, mit Acryl zu beginnen und dann vielleicht Ihren Weg zum Ölgemälde aufarbeiten. Versuchen Sie beiden, zu sehen, welche Sie wirklich bevorzugen. Sowohl Acryl- als auch Ölbilder neigen dazu, glänzender zu trocknen. Sobald Acryl- und Ölgemälde vollständig trocken sind, können sie auch nicht mit Wasser reaktiviert werden, sondern müssen mehr Schichten hinzufügen, um Fehler zu beheben. Gouache ist kniffliger, weil es ein wenig wie Acrylfarben wirkt, ein wenig wie Aquarelle. Der größte Unterschied zwischen Gouache und Acryl ist, dass es matt trocknet, schneller und es kann mit Wasser reaktiviert werden. Die Tatsache, dass es mit Wasser reaktivieren kann, ist das, was es so schwierig macht zu verwenden. Wenn Sie die Tatsache hassen, dass es sich nach dem Trocknen wieder wässt, können Sie immer eine Acrylwaschung kaufen. Das ist eine neue Sache und es bedeutet nur, dass es trocken ist, wenn es trocken ist. Ich selbst habe Gouache vor kurzem getäuscht und es ist wirklich schwer, aber Spaß. Ein Künstler, der dieses Medium wirklich beherrscht, ist Audra Auclair. Ihre Arbeit ist wunderschön. Also, das ist es für diese Liste. Aber das ist nicht alles da draußen. Es gibt eine Menge Möglichkeiten, Kunst zu machen, und vergessen Sie nicht, dass Sie verschiedene Medien miteinander mischen können. Dies wird gemischtes Medium genannt. Normalerweise, wenn die Leute dieses Wort sagen, denken sie an Collagen, aber es ist wirklich die Mischung von jedem Medium, das Sie wollen. Der Punkt ist, es gibt keine Grenzen, aber Sie müssen so viele Dinge wie möglich versuchen, um Ihre Lieblingsweisen zu finden, Kunst zu machen. Wie ich bereits sagte, schauen Sie auf die Arbeit von Künstlern, die Sie bewundern, für einen Hinweis darauf, was Ihr bevorzugtes Medium sein wird. Lassen Sie uns als nächstes darüber sprechen, warum es albern ist, Referenzen zu verwenden, und wie wichtig sie sind. 11. Referenzen verwenden: Aus welchem Grund auch immer, viele Leute haben das Missverständnis, dass die Verwendung von Referenzfotos falsch oder betrügen ist. Das ist nicht wahr. Referenzen sind eines der wichtigsten Vermögenswerte, die Sie als Künstler haben können. Auch wenn Ihr Ziel ist es, aus Ihrer Phantasie zu schöpfen, wird das Jahre und Jahre der Studienpraxis dauern und ja, mit Tausenden und Tausenden von Referenzen auf dem Weg. Es gab Fälle von Künstlern, die in Schwierigkeiten geraten, weil sie aus Referenzen schöpfen, die von Fotografen urheberrechtlich geschützt sind und sie nicht gutschreiben. Ich denke, dass ein knapper Anfänger-Künstler. Der Trick besteht nicht darin, nur eine Referenz zu kopieren, sondern ein Paar zu verwenden, um Ihr eigenes Bild zu erstellen, oder wenn Sie sich dafür entscheiden, eines zu verwenden, stellen Sie sicher, dass Sie es in Ihrem eigenen Stil tun. Sobald Sie etwas genug stilisieren, wird es Ihr eigenes, weil es nichts wie die Referenz aussieht, oder Sie könnten wirklich die Initiative ergreifen und Ihre eigenen Fotos machen oder Live-Referenzen verwenden, wenn Sie können. Wenn Sie exakte Kopien eines Fotos machen wollen, weil Sie vielleicht ein realistischer Maler sind und Sie dieses Werk verkaufen möchten, dann können Sie immer entweder ein höheres Modell, nehmen Sie das Foto selbst oder malen auf Szene, oder wenn Sie eher verbringen ein paar $, um diese Arbeit zu tun, können Sie eine Stock Image-Website verwenden. Es gibt Tausende von Bildern auf diesen Seiten und sie kosten Sie nur ein paar $, um eines zu bekommen. Sie können sogar einige kostenlose Stock-Image-Websites finden, aber sie sind eingeschränkter. Wenn Sie nur für das Studium zeichnen und Sie werden sie nicht verkaufen oder davon profitieren, dann spielt es keine Rolle, welche Referenzen Sie verwenden. Ich neige dazu, alle Bilder zu verwenden, die ich auch auf Pinterest finde, aber meine fertigen Stücke sehen nie wie die Referenz aus. Normalerweise ändere ich die Formen nach meinen Wünschen, benutze verschiedene Farben und ändere eine Konkurrenz und mache es einfach in meinem eigenen einzigartigen Stil. Die einzigen Dinge, die ich dazu neige, zu kopieren, sind die Pose und vielleicht die Beleuchtung, aber das kann nicht urheberrechtlich geschützt werden. Ich verwende im Wesentlichen Referenzen, um sicherzustellen, dass das Vorarbeiterlicht auf meinem Motiv genau ist. Nun, wenn Ihr Ziel ist es, aus der Phantasie zu schöpfen, können Sie. Es wird nur eine lange Zeit dauern, um dorthin zu gelangen , und Sie müssen Ihr Thema immens studieren. Referenzen werden immer benötigt, egal wie gut Sie bekommen, auch wenn Sie an den Punkt des Zeichnens von Ihrem Kopf kommen, denn es gibt so viele Dinge, die Sie zeichnen können und Sie können sich nicht alle auswendig lernen. Freundschaft mit Referenzen und werfen Sie die dumme Idee von betrügen. Wenn Sie sie nicht benutzen, wird Ihre Arbeit sehr leiden, denn wenn Sie kein fotografisches Gedächtnis haben, können Sie sich nicht vorstellen oder sich erinnern, wie alles aussieht oder verhält, ohne dem gleichen Ding viele Male ausgesetzt zu sein. Nun, das ist aus dem Weg, lass uns Stil reden. 12. So findest du deinen Stil: Finden Sie Ihren Stil kann entmutigend und beängstigend erscheinen, wenn Sie zum ersten Mal anfangen zu zeichnen. Es ist wie die geheime Zutat, die alle anderen außer dir haben. Ich bin hier, um dir zu sagen, dass du dir keine Sorgen machen musst. Ihr Stil wird natürlich mit der Zeit kommen. Damit gibt es einige Dinge, die Sie auf dem Weg tun sollten , um den Prozess der Entwicklung zu beschleunigen. Was ich Ihnen sagen werde, wird tabu klingen, aber geben Sie mir eine Chance. Das Geheimnis, um Ihren Stil zu finden, ist es, viele Künstler Sie begeistern und die Sie sehr bewundern und dann kopieren. Nur für Studienzwecke natürlich, teilen Sie nie ihre Arbeit und beanspruchen Sie es als Ihre eigene. Kopieren wird schlecht rep, aber es ist wahrscheinlich das wichtigste Werkzeug für Sie zu lernen, wie Lieblingskünstler denken und machen die Kompositionen verwenden Farbe, Linie und so weiter. Indem Sie versuchen, ihre Arbeit zu replizieren, werden Sie viel über nicht nur die Prinzipien lernen, die wir bereits behandelt haben, sondern auch, wie sie ihre Hand bewegen, wie sie ihre Medien verwenden. Sie werden sogar Ihre Schwächen und Stärken aufdecken. Sie werden sehen, was funktioniert und warum und Sie werden Ihre Fähigkeiten zur gleichen Zeit erweitern. Das Wichtigste dabei ist, sicher zu sein, dass Sie viele Künstler kopieren, nicht nur ein, zwei oder drei, denn wenn Sie nur einen oder zwei Künstler kopieren, riskieren Sie, eine Kopie von einem von ihnen zu werden. Das ist nicht etwas, was du willst, das ist genau das Gegenteil. Ihr Stil muss völlig einzigartig sein, keine Kopie von jemand anderem. Wenn Sie stattdessen 20 Künstler kopieren, oder sogar 10, werden sie alle Ihren Stil beeinflussen. Sie werden die besten Teile aus jedem nehmen und Ihre eigenen Wendungen darauf setzen. Auf diese Weise entwickeln Sie einen völlig einzigartigen und magischen Stil. So wird jeder originelle Stil geboren. Wir alle sind von den Künstlern beeinflusst, die vor uns kamen. Als ich anfing zu lernen, wie man zeichnet, jedes Mal, wenn ich ein Kunstwerk sah, das wie ich mit Bleistift kopieren würde und ein wenig NM daneben lassen würde, um zu zeigen, dass es nicht meins ist. Die fortgeschritteneren Möglichkeiten, mit den gleichen Medien zu kopieren, die die Künstler verwendet, um das Medium mehr zu lernen und zu sehen, wie sie es tun. Dies wird Ihnen auch viel über das Medium lehren. Der Punkt ist das Kopieren ist völlig in Ordnung und Sie sollten es tun, um Ihren Lernprozess zu beschleunigen. Seien Sie nur sicher, dass Sie es nur zum Üben tun und gehen Sie nicht herum, um das als Ihre eigene Arbeit und Ihre goldene. Der Grund, warum diese Methode funktioniert, ist, dass alles, was Sie in der Kunst inspirierend finden , wahrscheinlich, wie Ihr Stil am Ende aussehen wird, weil Sie Stil ist genau das, was und wie Sie möchten erstellen. Was auch immer Sie am meisten lieben, ist das, was Sie lieben werden, um am meisten zu kreieren. Ich verspreche Ihnen, dass jeder Künstler da draußen ist inspiriert viele andere Künstler und in der Tat weiterhin inspiriert werden , auch während der beruflichen Karriere und weiter. Vor allem, wenn sie anfingen, hatten sie viele Künstler, die sie motivierten, Kunst zu machen , und dass sie aufschauen und wie sie sein wollten. Diese Künstler haben ihren Stil stark beeinflusst. Zum Beispiel, eine meiner Lieblingskünstler, als ich mit Katie Daisy begann, hat sie skurriles und glückliches Gefühl für ihre Arbeit. Obwohl wir verschiedene Medien verwenden und anders illustrieren, kann man sagen, dass meine Arbeit von ihrer beeinflusst wird, aber mein Stil ist nirgends in der Nähe von ihrem. Wir hatten gerade das gleiche positive Gefühl und unsere Kunst und mag es, ähnliche Themen zu malen. Ich liebte ihre Kunst so sehr, weil dies der Stil war, dem ich zuging. Ich bin sicher, dass sie auch Künstler hat, die sie vor und so weiter und so weiter inspiriert haben. Eine andere Sache, die ich empfehle, ist, einen Pinterest- oder Instagram-Account zu bekommen und dort inspirierende Kunst zu sammeln. Dies wird Ihnen helfen, Ihre Lieblingskünstler zu finden und es wird auch Ihr Unterbewusstsein mit vielen verschiedenen Ideen und Stilen ernähren. Wenn ich mich uninspiriert fühle, schaue ich gerne durch meine Bretter und wenn ich viele schöne Kunst sehe, habe ich das Gefühl, dass ich wieder malen möchte. Insgesamt schwitzen Sie nicht, sich zu viel zu finden. Es wird immer wachsen und entwickeln und weiter für Ihr ganzes Leben zu entwickeln ist nicht irgendwo versteckt und wissen, dass Sie nicht auf dem Pech, der es nie finden wird. Man muss es nur weiter schaffen und entwickeln, indem man das macht, was man liebt. Ich erinnere mich, als ich mich um Stil kümmerte und ich denke, wow, das war so albern von mir, denn am Ende fand ich es und es war immer hier und es entwickelte sich langsam. Folgen Sie einfach Ihrer Leidenschaft und Ihrem Herzen und Sie werden feststellen, dass es mit Ihnen die ganze Zeit war. 13. Lücken füllen: Wir haben viele wesentliche Fähigkeiten und Konzepte durchlaufen, die Sie wissen müssen, um ein erfolgreicher Künstler zu sein und gut in Ihrem Handwerk zu sein, aber das ist nicht alles. Du bist der Meister deiner kreativen Reise. Sie müssen herausfinden, was Sie lernen müssen, um Ihre Kunst so gut wie möglich zu machen. Denk daran, als wärst du der Lehrer und der Student. Sie müssen herausfinden, welchen Lehrplan Sie brauchen, speziell Sie, nur um Ihre Kunst wachsen zu lassen und sie besser zu machen. Zum Beispiel, wenn Sie sich Charakter bilden wollen, ist wie wirklich machen sie sich selbst von Grund auf neu, müssen Sie Anatomie lernen und ich würde eine Menge von Gestenzeichnungen machen, würde ich eine Menge Leute Studien machen und Sie müssen lernen, wie Kleidung funktioniert und wie es auf den Körper tropft. Wie Sie für mich konkret sehen können, möchte ich genauso wie natürliche Objekte wie Lebensmittel, wie Kiwis oder wie Tiere oder Blumen und Vögel zeichnen . Für mich ist es eher wie Beobachtungszeichnung. Das praktiziere ich am meisten. Ich habe viele realistische Studien gemacht und ich würde wirklich auf Beleuchtung und Schattierung achten und wie der Körper eines Tieres aus Formen und solchen Sachen besteht. Ich könnte tiefer hineingehen, wenn ich zum Beispiel von Pferden besessen wäre, Anatomie eines Pferdes erlernen und dann meine eigenen Pferdeposen bilden könnte, wenn ich wie ein Pferde-Kinderbuch oder so etwas mache. Auch die Medien, die ich benutze und der Stil, den ich benutze, sind sehr wichtig. Zum Beispiel muss ich für meinen Stil versuchen, so viel wie möglich zu lockern, und das ist nur etwas, was ich üben muss. Es ist nicht etwas, was ich in einem Buch lesen kann. Es ist nur etwas, das man sich hinsetzen muss und es jeden Tag praktizieren kann, und so werde ich es besser. Deshalb entwickle ich mich selbst weiter. Das Gleiche für dich. Sie müssen üben, was Sie wissen, aber zur gleichen Zeit fordern Sie sich heraus. Es kann wirklich schlimm sein, Lücken in Ihrem Wissen zu haben. Zum Beispiel, wenn Sie Menschen zeichnen möchten und Sie nicht wissen, wie man Hände zeichnet, die ziemlich hart sind. Ich werde nicht lügen. Sie sind ziemlich schwer zu zeichnen. Ich zeichne sie selten. Aber für mich ist es wirklich jedes Mal Beobachtung und ich kann meine eigenen Stiftpausen nicht machen, weil ich nur auf meine Hände schauen muss, sie sind genau hier, Ihre Referenzen sind hier. Aber der Punkt ist, wenn Sie Menschen zeichnen wollen und Sie nicht wissen, wie man Hände zeichnet, können Sie immer Ihre Leute mit ihren Händen in der Tasche haben oder so. Oder wenn Sie Menschen zeichnen wollen, aber Sie nur wissen, wie man die gerade Pose zeichnet, werden Sie keine große Variation in Ihrem Kunststil von verschiedenen Posen und solchen Dingen haben . Sie können Posen online finden, Sie müssen sich nicht alles auswendig lernen. Sie können Referenzfotos online finden und alles, was Sie brauchen, aber der Punkt ist, setzen Sie die Übungszeit in die Fähigkeiten, die Sie haben müssen. Ein weiteres Beispiel ist, wenn Sie wollen, sagen wir, machen Sie urbane Skizzen oder Sie wollen Stadtansichten erstellen, müssen Sie perspektivisches Zeichnen lernen und Sie müssen wirklich viele Stadtlandschaften betrachten und Sie müssen üben zeichnen sie die ganze Zeit, um den Dreh von ihnen zu bekommen und zu verstehen, wie sie aussehen. So ist es mit jedem Stil, den Sie da draußen haben, mit allem, was Sie tun möchten. Aber jeder hat eine andere Sache, die sie gerne zeichnen und sie haben eine andere Art, es zu tun. Du musst herausfinden, was du in deinem Wissen vermisst, wo hast du Lücken? Was ist es, das schwer für dich zu zeichnen ist? Woran steckst du immer fest? Ist es Augen, ist es Nasen, ist es Blumen und man mag Blumen zu zeichnen, aber man saugt es an, man muss das herausfinden. Dann musst du die Zeit einlegen und das Thema viel studieren. Was ich tun würde, ist entweder einen kleinen Planer oder ein Stück Papier zu bekommen und einfach aufschreiben, was Sie brauchen, um mehr zu lernen und dann einen bestimmten Tag für jede Sache zu widmen, oder Sie können einfach einen ganzen Monat einer Sache wie Hände widmen und dann gehen auf die nächste Sache. Was auch immer für Sie am besten funktioniert, oder vielleicht haben Sie einfach eine Liste vor sich und dann können Sie wählen, was Sie wollen, dass die Liste an diesem Tag funktioniert. Aber das Wichtigste ist, sich immer herauszufordern, denn wenn du es nicht tust, wirst du abgestanden und dein Fortschritt wird sehr langsam sein. Wenn du dich selbst herausforderst, ist es viel schneller. Sie werden Ergebnisse viel schneller sehen und sie werden viel besser sein. Achten Sie darauf, sich selbst herauszufordern, achten Sie darauf, so viel wie Sie können zu zeichnen und es ist Ihre Verantwortung, wie vielleicht Sie Autodidakt Künstler sind, vielleicht sind Sie zur Schule gegangen, vielleicht ist es ein Hobby, aber es ist Ihre Verantwortung, aus, was Sie in der Lage sein wollen, zu zeichnen und zu lernen, wie es zu tun. Sobald du das tust, wirst du dich mächtig fühlen und kannst alles tun, was du willst. Du wirst nie verletzt werden, wenn du zu viel Wissen hast, aber du kannst davon sein, zu wenig zu haben. Achten Sie darauf, nur alle Ihre Basen abzudecken und dann können Sie es so stilisiert machen, wie Sie wollen und sobald Sie ein Fundament nach unten haben und Sie all diese verschiedenen Fähigkeiten lernen, wird Ihre Arbeit viel besser aussehen, auch wenn Sie es super stilisiert haben weil Sie Dinge wie Werte kennen, die Form von Dingen oder was auch immer es ist, dass Ihr Stil wissen muss. Selbst wenn du wirklich Cartoony sein wirst wie ich, musst du die Grundlagen kennen, denn wenn du es nicht tust, wird deine Arbeit leiden. Nehmen Sie sich jeden Tag etwas Auszeit und lernen Sie ein wenig. Weißt du, du bist meiner Meinung nach auf der besten Lernplattform im Internet. Skulptur hat so viele Lehrer so vielen verschiedenen Themen und Sie können lernen, was Sie brauchen, um zu lernen. Mein Rat ist, nie aufzuhören zu lernen, so viele Klassen wie möglich zu beobachten. Aber setzen Sie die Übungszeit ein, denn wenn Sie es nicht üben, werden Sie es vergessen und Sie werden sich nicht auswendig lernen und Sie werden es nicht wirklich lernen. Üben, lernen und Ihre Arbeit wird immer mehr wachsen. Geben Sie einfach die Zeit ein. Mein Rat ist, ein Skizzenbuch zu haben, um all Ihre Arbeit zu behalten. Sie können es sogar völlig privat machen, nie jemand wie ein Tagebuch zu zeigen. Dann kannst du immer deinen Fortschritt sehen und einfach jede Seite ausfüllen und einfach jeden Tag üben. Vielleicht haben Sie ein Ziel bei einem Sketch pro Seite am Tag, vielleicht 20 Minuten am Morgen für Kunst weglegen. Vielleicht, an den Wochenenden eine halbe Stunde pro Woche und Tag oder wenn Sie tatsächlich versuchen, ein professioneller Künstler zu werden, müssen Sie Zeit in fast jeden einzelnen Tag setzen. Achten Sie darauf, einen Weg zu finden, Ihre Kunstpraxis in Ihr Leben zu bringen , zu studieren und zu lernen und zu wachsen und einfach den Prozess zu genießen, besser zu werden, was Sie tun und einfach nur experimentieren und wachsen. Es ist ein erstaunliches Gefühl und es ist extrem erfüllend. Lassen Sie uns jetzt über das Wichtigste sprechen, was jeder Künstler braucht, wenn Sie von Ihrer Arbeit profitieren möchten. 14. Entwickle deine Zielgruppe: Lassen Sie uns jetzt darüber reden, Ihr Publikum aufzubauen und Ihre Nische zu finden. Egal, was er als Künstler machen wollte, wenn man kein Publikum hat, viel schwieriger, erfolgreich zu sein. Wenn Sie sich alle erfolgreichen Künstler da draußen ansehen, werden Sie feststellen, dass die meisten von ihnen eine riesige Social-Media-Folge haben. Nicht alle von ihnen tun das. Einige von ihnen haben nur Kunst-Agenten und Freiberufler, aber eine riesige Folge kann wirklich helfen. Es kann einfach Instagram oder YouTube oder Pinterest oder Twitter oder Facebook sein. Sie können ein paar von ihnen verwenden, nur eine oder zwei von ihnen. Ich denke, in dieser aktuellen Zeit des Jahres 2018, Instagram und YouTube sind die leistungsstärksten Social-Media-Plattformen für Künstler. Aber wenn etwas anderes besser für Sie funktioniert, dann verwenden Sie, dass andere Ideen Tumblr oder Dribbble oder andere soziale Medien, die weit verbreitet sind . Eine andere Sache, die Sie tun können, ist Mailinglisten zu wachsen , nur indem Sie ein einfaches Formular auf Ihrer Website. Dies garantiert Ihnen einen persönlichen und direkten Zugang zu Ihrer Zielgruppe. Eine andere Sache, die Sie tun können, ist, einen Blog auf Ihrer Website im Zusammenhang mit Kunst zu starten. Schreib einfach über das, was auch immer du leidenschaftlich bist. Es kann sich um Ihren kreativen Prozess, Bewertungen für Lieferungen, oder Sie können sogar Tutorials machen. Einen Blog zu haben ist eine gute Möglichkeit, sich selbst zu wachsen, weil die Leute dich über Google finden und du kannst dies sogar mit Affiliates monetarisieren. Ich werde in der nächsten Lektion darüber sprechen. Dies sind nur ein paar Beispiele dafür, warum mit Website es vorteilhaft ist. Sie brauchen vor allem einen, wenn Sie professionell aussehen und als Künstler Geld verdienen wollen, da es wichtig ist, eine zu haben und Ihre beste und neueste Kunst zu präsentieren. Dies wird Ihr Portfolio genannt. Dies wird nicht nur dazu bringen, dass Sie ein echter Künstler für Ihr Publikum aussehen, sondern auch die Wahrscheinlichkeit, dass der Kunde Sie kontaktieren wird, um an einem Projekt zu arbeiten. Auch wenn Sie nicht daran interessiert sind, Freiberufler zu arbeiten, ist es immer gut, einen Ort zu haben, an dem Sie alles mitbringen können, was Sie zusammen sind. Es gibt zahlreiche Vorteile, um Ihre eigene Website zu haben, und Sie müssen nicht wissen, wie man coacht, um eine einzurichten. Ich persönlich benutze Squarespace. Ich finde es so einfach, alles zu tun, was ich will, ohne Programmierkenntnisse. Aber Sie können keine Daten auf einer Website speichern, bis Sie bereits über ein starkes Illustrationsportfolio und einige Follower verfügen. Die beste Zeit, um eine Website zu erstellen, ist, wenn Sie bereit sind, zu profitieren. Denn sobald Sie profitieren, können Sie Ihre Website-Ausgaben aus Ihren Steuern nehmen, werden Sie selbständig sein. Diese Lektion ist nicht hier, um Ihnen zu zeigen, wie Sie Instagram oder YouTube verwenden. Es gibt jede Menge Tipps und Tricks gibt es mit einer schnellen Google-Suche und es gibt viele Klassen zum Thema hier auf Skillshare zu finden. Aber es gibt ein paar Tipps, die ich mit Ihnen teilen kann. Wählen Sie zunächst eine oder zwei Plattformen aus und überlegen Sie, wie oft Sie neue Inhalte erstellen möchten. Vielleicht postet ein Instagram jeden zweiten Tag und YouTube-Video einmal pro Woche oder zwei. Dann machen Sie qualitativ hochwertige Inhalte. Qualität trumpft immer Quantität. Qualitativ hochwertige Sachen zu machen, ist der beste Weg, um es zu gehen, aber das kann für die meisten überwältigend. Machen Sie einfach das Beste aus dem, damit Sie es dann hinauslegen können. Wenn deine Sachen gut sind, werden die Leute es finden und sie werden dir abonnieren oder folgen. Davon abgesehen, es ist ein langsamer Prozess und lassen Sie sich nicht entmutigen, die Zahlen am Anfang zu betrachten. Feiern Sie jeden neuen Anhänger, denn das ist eine andere Person , die sich für Ihre Arbeit und Ihren Stil in Ihnen interessiert. Ich empfehle auch nicht, darüber nachzudenken, wer Ihr Publikum am Anfang zu viel ist. Das wird sich mit der Zeit deutlich machen. Sie werden Ihr Publikum natürlich mit der Arbeit, die Sie in sozialen Medien lieben, um Ihnen Statistiken zu zeigen und wer Ihre Arbeit verfolgt. Mach dir keine Sorgen darum, dass du anfängst. Das ist auch wichtig, um Ihre Nische und Marke zu verstehen. Ein guter Weg, das Herz davon zu bekommen, ist, sich Fragen wie diese zu stellen. Warum machst du Kunst? Warum möchten Sie es teilen? Was macht Ihre Kunst besonders? Wie soll sich der Betrachter fühlen? Was ist deine Lieblingssache zu illustrieren und warum? Beantwortung dieser Fragen hilft Ihnen, Ihre Marke klarer zu machen. Vielleicht machst du wirklich süße Dinge und du willst einfach, dass die Leute glücklich sind. Vielleicht mögen Sie extreme Details und wenn die Menschen in Ehrfurcht zu sein. Oder vielleicht machen Sie Comics, die sich auf die 90er Jahre und Histologie spezialisiert haben und so viele Leute zum Lachen bringen. Der Punkt ist, dass Sie eine viel höhere Chance haben, sich in Erinnerung zu halten und erfolgreich zu werden, wenn Sie wissen, was Ihre Marke ist. Ich meine, denk darüber nach, die meisten Künstler sind für etwas Bestimmtes bekannt. Wie Katie Daisy Mix posit Kunst, die mit der Natur verbunden ist und macht es Wenn Sie glücklich und optimistisch sind. Wenn Sie durch ihren Instagram-Feed scrollen, können Sie sehen, wie alles mit der Natur zusammenhängt und wie stark ihre Marke ist. Oder wie wär's mit Peggy Dean , der auch ein Skillshare war, Lehrer. Beachten Sie, wie sauber ihr Fötus ist und Sie können sofort sagen , dass sie Tutorials und Schritt-für-Schritt-Zeichnungen macht. Eine ihrer Leidenschaften ist das Unterrichten. Sie hat sich auf drei Dinge spezialisiert Schriftzug, Tinte und Aquarelle. Sie versucht, Kunst einfach zu machen, wie ich. Sie können all dies sehen, indem Sie durch scrollen und auch bemerken, wie Peggy wirklich Blumen und botanische Arbeit und Pinsel-Schriftzug liebt. Das sind ihre Hauptthemen. Sie können das Gefühl ihres Plans nur durch einen Blick durch und Sie können sehen, dass es für Menschen ist, die lernen und ihre Kunst wachsen wollen. Denken Sie auch an Lee Erickson aus der Farbtheorie Lektion. Beachten Sie, wie ihre Arbeit so zusammenhängend ist und Sie bekommen ein gewisses Gefühl, wenn Sie es auch betrachten. Einige Worte, die ich verwenden würde, um ihre Arbeit zu beschreiben, sind verträumt, süß, glücklich und magisch. Sie hat auch ein Thema, das ihr Liebling ist, Tiere zu malen. Vergessen wir nicht die tollen Farben, die sich wiederholen und bilden ihre Marke. Siehst du, warum Branding so wichtig ist? Es ist in Ordnung, so viel wie möglich zu experimentieren, wenn Sie nach Ihrem Stil suchen. Im Laufe der Zeit haben Sie sich selbst bis zu einer bestimmten Essenz gewonnen und dann sind Sie bereit, es mit der Welt zu teilen. Ich empfehle Ihnen, sich einen Moment Zeit zu nehmen, um ein Stück Papier zu bekommen, und es ist nur ein Brainstorming darüber, was Sie denken, dass Ihre Marke sein wird. Welche Worte beschreiben Sie Ihre Kunst? Welche Worte möchten Sie Ihre Kunst beschreiben? Eine andere Art, sich anzuschauen, ist, sich zu fragen, was meine persönliche Mission mit meiner Kunst ist? Kunst zum Wohle der Kunst zu machen ist großartig, aber es gibt etwas viel tiefer als das. Es gibt einen Grund, warum du ein Künstler sein willst und es gibt etwas Bestimmtes, das deine Mission ist. Meine Nische und Mission ist es, anderen Menschen beizubringen, wie man Kunst macht. Aber wenn du tiefer gehst, möchte ich, dass jeder das Gefühl hat, dass er alles tun kann. Ich möchte, dass Kunst einfach für die Menschen ist, so klischee es klingt. Ich möchte die Welt verändern und mehr Menschen dazu bringen, Kunst zu machen , und die andere Seite der Kunst ist, Menschen aufzuheitern. Ich liebe es, lebendige Farben zu verwenden und leuchtende, glückliche Motive zu malen und manchmal verwende ich Pinsel-Schriftzug mit positiven Botschaften, um das noch stärker zu machen. In der Tat, als ich anfing, meine Kunst dort draußen zu platzieren, habe ich es auf Tumblr mit vielen kleinen Stücken gemacht, die mich etwa 15 Minuten am Tag brauchten. Mein Ziel war es, Menschen glücklicher zu machen und die Welt zum Besseren zu verändern. Ich habe kein Geld dabei verdient, um viele Nachrichten von Leuten zu bekommen, die als nächstes inspirieren, sie wuchsen ziemlich saftig auf. Rückblickend war es, wie ich meine Publikumsmarke und meinen Stil am Anfang aufgebaut habe. Setzen Sie sich einfach da draußen und tun Sie, was Sie gerne tun. Ihre Mission wird klarer und Sie werden herausfinden, wie Ihre Marke und Nische aussehen, wenn Sie immer noch keine Ahnung haben, was Ihre Marke ist, werfen Sie einen Blick auf Ihre Stärken und Ihre Persönlichkeit und fragen Sie vielleicht sogar einen geliebten Menschen welche Wörter sie verwenden würden, um Ihre Kunst oder Sie zu beschreiben. Mein größter Rat ist, zu tun, was du liebst, zeichnen, was du liebst, und alles auszuprobieren, was du willst. Du bist auf einer Reise der Selbstentdeckung und das ist eine schöne Sache. Der Weg wird mit jedem Schritt klarer gemacht. der nächsten Lektion werde ich meine Geschichte erzählen, um Ihnen zu zeigen, wie alles, was Sie tun, verbunden ist. 15. Meine Kunstgeschichte: Bevor wir durch eine Liste gehen, wie man als Künstler Geld verdient, möchte ich meine Geschichte mit dir teilen, nur damit du sehen kannst, was ich sehe, wenn ich zurückblicke und die Punkte verbinde, weil ich denke, es gibt ein paar wertvolle Lektionen darin. Eine Sache, die ich darauf hinweisen möchte, ist, dass ich nicht die ganze Zeit erwähnen werde, die ich damit verbracht habe, mein Handwerk zu studieren, all die Bücher, die ich gelesen habe, die ganze Zeit, die ich zum Üben gebracht habe, und einfach besser zu werden, was ich tue. Ich werde das alles nicht erwähnen, ich werde nur die Dinge erwähnen, die ich tatsächlich versucht habe. Wie Sie für die letzte Lektion wissen, als ich anfing, habe ich einen Becher positiver Kunstwerke gemacht, und ich würde es jeden Tag aktualisieren. Das habe ich wirklich geliebt. Es hat so viel Spaß gemacht. Ich habe kein Geld daraus gemacht, aber es war so erfüllend, weil ich das Gefühl hatte, dass ich einen Unterschied im Leben der Menschen gemacht habe, weil ich E-Mails von ihnen bekam, und ich sehe, als würden meine Beiträge manchmal Tausende von Notizen bekommen und ich bin wie Nun, ich weiß nicht, wie viele Leute das gesehen haben, wie viele Leute angehoben worden wären, und es fühlte sich einfach gut an, und ich liebe es, das zu tun. Ich wusste, dass etwas mit diesem Zeug das war, was ich tun sollte. Zu dieser Zeit begann ich auch Grafikdesign zu lernen, weil ich dachte, man kann nicht wirklich Geld verdienen als Künstler, und dass man Grafikdesigner sein muss, wenn man in diesem Bereich sein will. Ich wollte so sein, ich bin nicht die Art von Person , die wirklich eine strukturierte Lernumgebung mag, ich lerne gerne alleine und wähle meine eigenen Dinge aus, aber jeder ist anders. Ich lernte es, und dann begann ich freiberufliche Arbeit zu machen. Ich mochte Logos und Broschüren und hasste es. Es ist nichts falsch an der Arbeit mit Kunden, jeder ist anders. Aber mir wurde klar, dass es nicht das ist, was ich tun wollte. Ich soll meine eigenen Inhalte machen. Ich mag es nicht, gesagt zu werden, was ich tun soll und dann zu erfüllen, dass es nicht mein Ding ist. Aber vielleicht ist das dein Ding, ich sage nicht, dass es eine schlechte Sache ist, ich sage nur, dass ich etwas über mich selbst erkannt habe, und deshalb ermutige ich dich wirklich, verschiedene Dinge auszuprobieren. Ich fing auch an, wie kleine Kunstaufträge zu dieser Zeit zu tun und etwas kleines Geld dafür zu berechnen. Das hat mir wirklich geholfen, meine Fähigkeiten zu erweitern und aus meiner Kiste zu gehen. Auch zu dieser Zeit habe ich angefangen, Threadless zu machen. Threadless ist ein T-Shirt wie Design Wettbewerb Sache, und Sie machen Art sieht aus wie lustige Grafiken auf sie wie Katzen und einfach lustige Sachen. Ich liebte die Herausforderung, und ich werde sie immer zu einem illustrativen mit digital machen, und ich erkannte, dass ich nicht wirklich gerne in Illustrator arbeiten, so sehr wie ich meine kleine Tumbler Post gemacht. Ich erkannte, dass traditionelle Medien mehr für mich waren. Zur gleichen Zeit erkannte ich, dass sie zu verschiedenen Wettbewerben geführt hatten, dass offene, wo Sie tun konnten, was Sie wollen, und thematische, wo sie ein Thema für Sie haben. Mir ist klar, dass ich die Themen nicht gerne gemacht habe, also mag ich es wirklich, offen zu sein und überhaupt nicht in eine Box gesteckt zu werden. Ich weiß nicht warum, aber meine Kreativität ist immer darauf zurückzuführen und es ist, als würde ich sie nicht kontrollieren. Irgendetwas sagt mir, was ich tun soll, etwas außerhalb von mir. So fühlt es sich an. Wenn mir etwas sagt, was ich tun soll, kann ich nicht kreativ sein. Indem ich all das tat, lernte ich mehr und mehr über mich selbst. Ich wollte keine Threadless Wettbewerbe, aber ich konkurrierte mit den besten Künstlern auf der ganzen Welt. Ich bin nicht überrascht. Damals war ich nicht so toll, um diese Zeit habe ich beschlossen, das College zu versuchen. Ich ging gerade auf ein Community-College, das einige Kunstkurse hatte. Ich habe nur ein paar Kunstkurse genommen, um zu sehen, wie es war. Ich erkannte, dass ich Stifte strukturierte Lernumgebung wieder gehasst, ich meine, etwas über sich selbst wie ein paar Mal wiederholt, um das zu verstehen. Aber etwas wirklich Gutes kam heraus, weil ich herausgefordert wurde, wirklich große realistische Kunstwerke wie Lebensstudien der Dinge zu machen . Weil ich das tat, erkannte ich, dass ich geschickter war als ich dachte, und ich bin wirklich düster auf Beobachtungsfähigkeiten. Es half mir herauszufordern, und wir haben diese Zeichenübungen gemacht , die mir auch geholfen haben, sich zu lockern. Ich erkannte, wie wichtig es ist, Übungen auszuprobieren, und deshalb habe ich euch gesagt, dass sie super wichtig sind. Es gab auch einen Hinweis darauf, was ich als nächstes tun sollte, als ich in der Schule war, ich erklärte einem Schüler etwas darüber, ein Watercolorer zu sein. Dann sagte ein anderer Schüler zu mir, du solltest unterrichten, und ich sagte: „Oh, nein, das ist schreckliche Idee. Ich wäre ein schrecklicher Lehrer“. Ja, hier sind wir. Aber es ist lustig, weil ich diesen Hinweis hatte und ich ihn einfach abgeschüttelt habe. Was ist, wenn ich das Unterrichten nie ausprobiere? Nur weil ich mich beschränkt habe. Deshalb schränken Sie sich nicht ein und probieren Sie einfach alles aus. Du weißt nicht, was du magst, bis du es ausprobierst. Du weißt nicht, worin du gut bist, bis du es versuchst. Probieren Sie alles einfach aus. Nach ein paar Unterrichtsstunden wurde mir klar, dass es nicht für mich war und ich hörte auf. Dann habe ich versucht, auf Twitch.tv zu streamen. Sie haben einen kreativen Bereich, in dem Sie Gemälde und Kunst posten können. Es hat eine Menge Spaß gemacht. Ich würde wie Kunstwerke machen, während ich stundenlang mit Menschen spreche. Ich würde Kunstwerke machen, die mich länger brauchten als meine kleinen Becherstücke. Ich meinte es ernster mit ihnen. Eigentlich nicht zu wissen, ob ich dabei mein Illustrationsportfolio aufbaute, und auch mein Vertrauen, vor einer Kamera zu sprechen. Außerdem bekam ich alle Geräte, die ich brauchte, um meine erste Skillshare Klasse zu füllen. Außerdem habe ich mit Videos gearbeitet, wie man herausfinden kann, woher wissen wir, wo ich meine Kameras platzieren soll, als ich meine Kunst gemacht habe und solche Dinge, und ich habe einfach viel gelernt. Es hat Spaß gemacht und sie haben mich dazu gebracht, mein Selbstvertrauen aufzubauen, denn 40 Leute würden sich gleichzeitig einstimmen und die Farbe ansehen. Mir wurde klar, vielleicht bin ich nicht endlich genug. Vielleicht kann der Kritiker in meinem Kopf ruhig sein und ich weiß, was ich tue. Ich habe ein Jahr davon und dann kündigte ich, weil es aufgehört hat, Spaß zu machen, und es fiel immer die Leidenschaft. Ich weiß, ich bin ein Austritt, aber ich folge nur meiner Leidenschaft und verliere etwas. Aber zu dieser Zeit wusste ich nicht wirklich, was ich tun sollte. Ich erinnerte mich daran, dass Skillshare mir vor ein paar Jahren eine E-Mail geschickt hat, um eine Klasse zu unterrichten, und ich ignorierte sie, weil ich dachte, ich bin noch nicht gut genug. Ich ging auf ihre Website und ich sah, dass sie eine Teach-Herausforderung hatten und ich dachte, vielleicht sollte ich versuchen, eine Aquarell-Klasse zu unterrichten, weil die Leute es zu komplizieren und ich wollte es einfach machen und zeigen, dass jeder es tun kann. Ich machte meine erste Klasse und ich habe kaum geschlafen, und ich war davon besessen. Als ich fertig bin, habe ich so viel Arbeit eingelegt, und jetzt ist es wie nachzudenken, was ist, wenn niemand das beobachtet und was wäre, wenn ich wirklich einen schlechten Job gemacht habe? Es hat so eine großartige Antwort bekommen. Ich war so glücklich, weil ich so leidenschaftlich war, es zu machen, und mir wurde klar, dass ich endlich meine Leidenschaft und meine Nische gefunden habe. Danach habe ich immer mehr Klassen gemacht. Ich will zurück zu der ganzen Publikumsaufbau-Sache. Der Grund, warum ich meine ersten Studenten bekam, dass Sie auf Skillshare Trend zu tun haben, war, weil ich ein ziemlich großes Publikum auf Tumbler hatte und ich habe ein Werbegeschenk auf dort gemacht. Aber die meisten von ihnen sind nicht der Klasse beigetreten, wirklich wie vielleicht 20 Leute. Das Problem war, dass ich 13.000 Anhänger hatte, aber sie alle waren nicht daran interessiert, Kunst zu lernen. Deshalb ist es wichtig, eine Zielgruppe zu erstellen, die speziell auf das, was Sie tun möchten und was Sie bereitstellen möchten. Aber damals wusste ich nicht, dass ich unterrichten würde. Also kann ich mir nicht die Schuld geben. Aber dieses Publikum zu haben, auch wenn nur ein paar Leute beigetreten sind, hat mir wirklich geholfen, denn das war nur Grund, warum ich es versuchen konnte. Der einzige Grund, warum viele Leute meine Klasse von Skillshare später gesehen haben. Nach meinem Erfolg meiner ersten Klasse ich einfach weiter Kurse, machte Klassen und machte Klassen und machte Klassen. Ich war besessen. Ich liebte es, es so sehr zu tun. Als Künstler konnte ich endlich normales Einkommen erzielen und mir keine Sorgen darüber machen. Rückblickend erkannte ich, dass alles, was ich getan habe, bei dem ich gescheitert oder gekündigt habe, wirklich sehr wichtige Fähigkeiten waren und der Grund dafür war,dass gekündigt habe, wirklich sehr wichtige Fähigkeiten waren und der Grund dafür war, ich einen so erfolgreichen Skillshare Kurs gemacht habe. Denk darüber nach. Ich lerne Grafikdesign, was sehr wichtig ist, um kleine Thumbnails für die Klassen zu machen, und die Coverbilder, und die Coverbilder, und wie Sie Ihre Aufnahmen und all das rahmen. Grafikdesign ist auch in der Kunst selbst sehr wichtig. Deswegen habe ich euch das beigebracht. Das nächste, was ich gelernt habe, war, wie man Adobe Photoshop verwendet und illustrierte Nachwirkungen. diesem Grund konnte ich lernen, wie man Premier viel einfacher benutzt , weil sie alle sehr ähnlich sind. Also war Videobearbeitung für mich keine so steile Lernkurve, wie es für jemand anderen wäre. Es ist ganz neu darin. Auch ich hatte die ganze Ausrüstung von Streaming und das hat geholfen. Außerdem baue ich mein Portfolio aus Streaming, dass ich meine Arbeit zeigen konnte. welche Bemühungen sie Klasse machen werde ich zeigen, dass, Ich weiß, wie man Kunst macht. Es ist nur alles, was aus allem aufgebaut wurde, was ich versuchte zu passieren. Weil ich all diese verschiedenen Dinge versucht habe, lerne ich mehr und mehr über mich selbst, wer ich bin und was ich gerne mache, was ich nicht gerne mache, und deshalb weiß ich, wo ich meine Energie konzentriere. Die einzige Möglichkeit, all dies zu lernen, besteht darin, verschiedene Dinge auszuprobieren. Ich ermutige Sie, jeden Moment zu versuchen, was Sie interessiert, leidenschaftlich zu sein, es auszuprobieren. Wenn es dir nicht gefällt, willst du etwas Neues. Wenn du etwas nicht magst, hast du darüber gelernt, was du magst, weil ich zum Beispiel nicht mag. Ich mag es nicht, einen kreativen Brief zu machen. Mir gefällt es nicht, gesagt zu werden, was ich tun soll. Ich weiß, dass für eine Tatsache, dass ich Freiheit mag, ich arbeite gerne für mich selbst, ich mag es, ein Krater vollständig zu sein und niemanden mir sagen zu lassen, was ich tun soll. Indem du weißt, was du nicht willst, weißt du, was du nicht willst. Geben Sie alles, was Sie ausprobieren können. Sie werden viel von jeder Erfahrung profitieren, Sie werden etwas Neues lernen. Am Ende wissen Sie nie, wie sich die Punkte verbinden und was Sie in der Zukunft tun werden von den Fähigkeiten, die Sie in Ihrer Vergangenheit lernen, indem Sie einfach verschiedene Dinge ausprobieren. Was kommt als Nächstes auf meiner Reise? Ich weiß nicht, dass ich darüber nachgedacht habe, eine iPad-App zu machen, Kinderbücher, es gibt viele Dinge, die ich immer daran denke zu tun. Ich bin so besessen davon, Klassen zu machen, und ich werde das immer noch tun, aber ich werde anfangen, mehr zu verzweigen, und weil ich die Stabilität von Skillshare habe, und es ist ein Einkommen, muss ich mir keine Sorgen machen darüber so viel. Es kann so kreativ sein, wie ich will, was auch immer ich tun möchte. Ich bin so dankbar, dass ich dem Unterricht eine Chance gebe, und ich mich nicht nur selbst verärgert und bezweifelt habe und dass ich es einfach ausprobiert habe. Probieren Sie so viele Dinge aus, wie Sie können. Ich kann nicht betonen, wie wichtig das ist, denn wenn ich es nicht versucht hätte zu unterrichten, wäre ich jetzt nicht hier. Das wäre eine sehr traurige Welt für mich. Vielleicht sind einige von euch, die von meinem Unterrichtsstil inspiriert sind, und ich wusste nicht, dass ich die Fähigkeiten habe. Geben Sie es einfach mal. Ihre Reise wird anders sein als meine, von jedem anderen, aber Sie müssen irgendwo anfangen. Tu einfach Dinge, die wichtig sind. Probieren Sie so viele Dinge wie möglich aus und haben Sie Spaß. In der nächsten Lektion werde ich Ihnen verschiedene Möglichkeiten zeigen, Geld zu verdienen, und das sind alles Dinge, die Sie ausprobieren und sehen können, was für Sie funktioniert. 16. Verschiedene Möglichkeiten, Geld zu verdienen: Diese Lektion ist für diejenigen, die entweder angestrebt sind, professionelle Künstler zu sein oder bereits professionelle Künstler sind, oder auch wenn Sie nur neugierig sind, wie Künstler Geld verdienen können. Die Wahrheit ist, dank des Internets gibt es eine Vielzahl von Möglichkeiten, von Ihrer Kunst zu profitieren. Jeder erfolgreiche Künstler dort draußen hat seinen eigenen Weg, den sie auf der Grundlage ihrer Marke und was sie gerne tun. Die meisten dieser Möglichkeiten erfordern etablierte Publikum. Das ist normalerweise Schritt eins, aber manche mögen keine freiberufliche Arbeit. Mein Rat ist, jetzt zu beginnen und so viele verschiedene Möglichkeiten wie möglich auszuprobieren , um herauszufinden, was Sie tun möchten. Wenn du das Ding findest, das du leidenschaftlich bist und das du liebst, das Ding, das dich nicht wie Arbeit anfühlt und du den ganzen Tag erledigen kannst, dann konzentriere dich ganz darauf. Es muss auch nicht nur eine Sache sein. Die meisten Künstler machen verschiedene Dinge auf einmal. In dieser Lektion gebe ich Ihnen jede Menge Ideen und wie man Geld verdient. Ich habe diese davon bekommen, zu beobachten, wie andere Künstler ihren Lebensunterhalt verdienen. Ich ermutige Sie zu beobachten, wie Ihre Lieblingskünstler dies auch tun. Die meisten Künstler mischen und passen auf verschiedene Arten und sie alle summieren sich. Halten Sie Ihren Geist offen und versuchen Sie viele, wie Sie können. Denken Sie daran, dass ich nicht wusste, ob ich ein guter Lehrer sein würde, aber ich bin so froh, dass ich es versucht habe. die gleiche Weise wissen Sie vielleicht nicht, was zu tun ist, aber wenn Sie es versuchen, werden Sie sicher sein, ob es das Richtige für Sie ist, und wenn nicht, können Sie etwas anderes versuchen, bis Sie das, was Sie wirklich lieben zu tun. Bevor wir mit der Liste beginnen, möchte ich noch eine Sache sagen. Vergessen Sie nicht, dass all diese Wege viel Ausdauer, Hingabe und harte Arbeit und Geschick erfordern . Sie müssen an den Punkt kommen, wo Sie gut genug sind, um für Ihr Handwerk aufzuladen. Das heißt nicht, dass Sie warten sollten, bis Sie perfekt sind. Es bedeutet nur, dass Sie nicht enttäuscht sein sollten, wenn es Ihnen nicht gelingt und Sie nicht bereit sind. Sie lernen von allem, was Sie versuchen. Das Wichtigste ist Ausdauer, denn eines Tages wirst du mehr als gut genug sein und du wirst alles erreichen, wovon du träumst und mehr. Der erste Weg ist, wenn die meisten Künstler bieten auf der Seite oder als ihre Haupteinnahmequelle, ist der Verkauf von Drucken oder Originalen ihrer Arbeit. Es gibt zwei Möglichkeiten, Drucke zu verkaufen. Die erste besteht darin, einen Drucker zu bekommen und ihn selbst auszudrucken und ihn auf einer Website wie Etsy, Bigcartel oder Ihrer eigenen Website zu verkaufen . Wenn Sie eine große Folge haben, es selbst zu tun, ist über Ihre eigene Website lebensfähig. Wenn Sie nicht mit rezitieren wie S8 tun, weil Sie eine hohe Chance haben Menschen Ihre Drucke und Ihre Arbeit entdecken, wenn sie suchen auf der Website. Du musst nur einen winzigen Prozentsatz an Etsy für jeden Verkauf zahlen. Angebot von Artikeln ist kostenlos. Wenn Sie nicht mit der Hektik von Druck und Versand umgehen wollen, können Sie immer auf einem Print on Demand Website wie Society six verkaufen, Sie erhalten nur ein paar Dollar für jeden Umsatz und Gewinne sind viel langsamer, aber alles, was Sie tun müssen ist Ihre Arbeit hochladen und hatte auch den gleichen Komfort, wie Etsy und Society sechs durchsuchbar zu sein, können Sie auch auf Aufkleber drucken, Taschen, Tassen, und so weiter. Sie halten auch Verkäufe sehr oft werden Sie per E-Mail über sie, so dass Sie Ihre Anhänger benachrichtigen können, wenn Sie mehr über Society sechs erfahren möchten, sie haben bereits eine Klasse nur für Fähigkeiten teilen über sie gemacht. Wenn Sie nicht wollen Society six, gibt es andere Websites und es gibt Tonnen von anderen Klassen über Print on Demand Websites. Sie möchten Originalwerke verkaufen, andere Künstler mit ihrem skalierbaren Publikum und dem gleichen Medium und Chemiker betrachten und sehen, wie sie ihre Arbeit preisen. Aquarell Gemälde, zum Beispiel, verkaufen in der Regel zwischen $50-300, aber Euler Acrylgemälde auf einer großen Leinwand, verkaufen viel mehr von Hunderten bis Tausende von Dollar. Das hängt auch davon ab, wie berühmt der Künstler ist. Wenn Sie eine feine Kunstgalerie-Künstler werden wollen, können Sie versuchen, Ihre Arbeit in Galerien zu zeigen, vor allem, wenn Sie eine Sammlung haben und Sie können sogar nur tun, dies lokal. Das Problem ist, dass dies sehr wettbewerbsfähig ist. Die gute Nachricht ist, dass es eine Menge von Fine Art Websites gibt. Ich lasse Sie Ihre Arbeit kostenlos auflisten und sind eine gute Möglichkeit, von Sammlern entdeckt zu werden, wenn das ist, was Sie tun wollen, können Sie Ihre Arbeit zu Galeriepreisen und viele Leute sahen ihre Arbeit auf diese Weise. Haben Sie keine Angst, das Internet zu nutzen. Sie werden überrascht sein, wie viele Sammler ihre Kunst online finden. Wenn Sie sich entscheiden, große Stücke online zu verkaufen, stellen Sie sicher, dass Sie herausfinden, wie Sie Ihre größeren Stücke sicher versenden. Eine andere Sache in dieser Kategorie sind Provisionen. Provisionen sind eine gute Möglichkeit, zusätzliches Einkommen zu erzielen und Praxiszeit zu erhalten und mit Ihrem persönlichen Stil werden Provisionen normalerweise mehr als die Originale gepreßt, weil sie maßgeschneidert sind. Einige Künstler machen bestimmte Themen wie Haustierporträts oder Personenporträts, oder Sie können es offen lassen. Das nächste, was ich über Bindungen in das reden werde. Patreon ist eine großartige Möglichkeit für Künstler, zusätzliches Einkommen von ihren Fans und Unterstützern zu machen. Künstler können Tränen anbieten und Unterstützer leisten monatliche Zahlungen und erhalten die Vorteile dieser Tränen. Sie können auch Prinzen, Shop-Gutscheine oder Provisionen, oder sogar ein Newsletter-Abonnement nur für Gönner oder sogar nur Videos nur für Gönner oder Tutorials anbieten. Sie können auch angeben, wie viele Spots in jeder Ebene verfügbar sind. Wenn es so etwas wie Provision ist, macht Patron einen großen Großteil vieler Künstlereinkommen aus. Es ist wichtig zu erkennen, dass es nicht so effektiv ist, wenn Sie nicht bereits die mittlere oder große Größe haben , die Ihrer Arbeit gewidmet ist. Wie ich schon sagte, ein Publikum zu haben, ist das Wichtigste. Wenn Sie keines haben, machen Sie das Ihr Ziel Nummer 1, indem Sie viele kostenlose Inhalte am Anfang erstellen. Wenn Sie mehr über Patria zum Glück für Sie erfahren möchten, sind sie bereits eine Skill Share-Klasse gemacht. Sie wissen das wahrscheinlich bereits, aber YouTube ist eine andere Möglichkeit, zusätzliches Einkommen zu erzielen. Normalerweise ist die Auszahlung ein Dollar pro 1.000 Ansichten. Das bedeutet, $1.000 zu machen, müssen Sie eine Million Aufrufe bekommen, was eine Menge ist, vor allem für Videos im Zusammenhang mit Kunst. Es ist nicht der beste Weg, um ein Einkommen zu erzielen, aber es ist eine erstaunliche Möglichkeit, ein Publikum aufzubauen. Ich empfehle Ihnen, einen zu starten. Sie können auch Affiliate-Marketing tun, das ist, wenn ein Unternehmen Sie bezahlt, um Traffic oder Verkauf an ihr Unternehmen zu generieren. Eine einfache Möglichkeit, dies zu tun, ist mit Amazon-Produktlinks. Alles, was Sie tun müssen, ist ein Athlet zu werden, indem bewerben und Sie erhalten einen winzigen Prozentsatz von jedem Verkauf. Sie werden sehen, dass fast jeder YouTube dies tut. Ich habe das auch getan, weil ich all meine Vorräte auf Amazon bekomme. Sobald Sie groß genug auf YouTube bekommen, können Sie auch von Unternehmen gesponsert werden , die einen speziellen Link geben, der dem Zuschauer einen Rabatt gibt und die Künstler, die Kommission oder sie zahlen die Künstler basierend auf der Anzahl der Aufrufe auf dem Video bekommt oder beides. Wenn Sie diesen Weg gehen, stellt sicher, dass Sie nur mit Unternehmen arbeiten, an die Sie selbst glauben. YouTube [unhörbar] kann eine Weile dauern, um ein Publikum aufzubauen. Sobald Sie das tun, kann es profitabel sein. Mach dir keine Sorgen, wenn du noch keinen hast. Es gibt noch andere Dinge, die du in der Zwischenzeit ausprobieren kannst. Designer-Kunstwettbewerbe sind eine gute Möglichkeit, Ihre Fähigkeiten auf die Probe zu stellen. Wenn Sie Dinge wie Threadless tun und veröffentlicht werden, haben Sie einen Strom von wiederkehrenden passiven Einkommen kommen in mit jedem Hemd verkauft jeden Monat. Dritte Liste könnte Ihre Route sein, wenn Sie Grafik-T-Shirts mögen, aber vor allem lustige mit Wortspielen [unhörbar] Kunst, aber auch sie drucken ernsthafte Arbeit, sie haben in der Regel ein paar Team-Wettbewerbe oder Sie können einfach geben Sie in ein offenes Ding ein. Manchmal veranstalten große Unternehmen Design-Wettbewerbe und wenn man diese gewinnt, bekommt man einen riesigen Kunden. Achten Sie nur darauf, nach denen Ausschau zu halten. Diese Dinge sind extrem wettbewerbsfähig, aber es tut nicht weh, es zu versuchen, und Sie werden Ihre Fähigkeiten in den Prozess zu bauen. Kundenarbeit ist auch etwas, das Sie aktiv suchen können. Verschiedene Kunden sind spezialisiert auf verschiedene Dinge, wie manchmal suchen sie jemanden, der etwas für eine Weinflasche illustriert oder ein Kinderbuch illustriert, oder sogar Muster für Kleidung. Oder du könntest sogar mit einer Firma arbeiten, die Kunstbedarf herstellt. Wenn Sie einkaufen gehen, schauen Sie sich um und sehen Sie die Kunst, die einige Produkte und denken Sie sich, dass jemand gemacht hat. Wenn Sie dasselbe tun möchten, Sie darauf, zuerst ein solides Portfolio zu haben. Sobald Sie ein starkes Portfolio haben, das Ihre Arbeit zeigt, einen starken Stil hat, können Sie dann einen Kunst-Agent bekommen. Der Nachteil daran ist, dass sie von jedem Job, den Sie bekommen, eine Provision nehmen, aber sie werden Sie arbeiten. Oder Sie nehmen die Dinge selbst in die Hand und E-Mail Kunden direkt und sagen ihnen, warum sie mit Ihnen arbeiten sollen und wer Sie sind. Ich habe E-Mails von Kunden erhalten, wenn ich in letzter Zeit auf Instagram oder YouTube bin. Stellen Sie sicher, dass Sie sich aktiv da draußen setzen und gleichzeitig Ihr Publikum aufbauen , denn die Kunden werden Sie auch so finden. Die andere Sache, die Sie tun können, ist verkaufen Vermögenswerte auf Websites, die kreativen Markt. Ein Asset kann alles von Illustrationen, Logo-Vorlagen oder sogar Schriftarten sein. Sie bekommen Geld jedes Mal, wenn jemand es kauft, und das kann summieren. Die andere Idee, über die wir früher gesprochen haben, ist, einen Blog zu starten, besonders wenn Sie gerne schreiben. Dies wird nicht nur durch Affiliate-Marketing profitabel sein, sondern Sie können Ihr Publikum auf diese Weise aufbauen. Es wird viele Türen für Sie öffnen, weil die Leute googeln und Ihre Arbeit finden. Oder Sie können Online-Kurse unterrichten, wie ich es tue. Oder vielleicht sogar Workshops in Ihrer Nähe unterrichten. Oder wenn Sie einen Kunstabschluss haben, können Sie an einer Schule oder einem College unterrichten. Es gibt auch Möglichkeiten, von spezifischen Fähigkeiten bei Kombinationen zu profitieren. Wie wenn Sie bei Pinsel-Schriftzug und Wasserfärbung größer sind, können Sie handgefertigte Hochzeitseinladungen machen. Wenn du eine bestimmte traumhafte Arbeit bei Pixar hast, dann ist dieser Typ ein Limit. Wenn das dein Ziel ist, geh drauf. Sicher wird es nicht einfach sein, denn das Beste der besten Arbeit dort. Aber wenn Sie Ihre Leidenschaft finden und die Arbeit und Sie können alles tun, mein Rat ist nicht, um den Erfolg zu kümmern, vor allem am Anfang. Wenn du es liebst, das zu tun, was du tust und beharrst, wirst du am Ende Erfolg haben. Nehmen Sie die Künstler Dallas Clayton als Beispiel. Er schrieb und illustrierte ein Kinderbuch namens An Awesome Book. Es ist super schrullig und hat eine süße Botschaft. Es ist anders als alles, was ich je gesehen habe. Er versuchte es veröffentlichen zu lassen, aber er wurde von mehreren Verlagen abgelehnt. Er hat nicht aufgegeben. Er veröffentlichte es selbst und bot es kostenlos online an. Er verkaufte Tausende von Büchern, und jetzt hat er einen Buchvertrag mit Harper Collins und Kindle Book Press. Seitdem hat er noch viele Bücher gemacht, die Menschen auf der ganzen Welt berühren und inspirieren. Er lebt seine persönliche Mission und seinen Traum. Alles begann damit, seiner Leidenschaft zu folgen und nicht aufzugeben, selbst wenn die Leute ihm sagten, dass er nicht gut genug sei. Dies ist nur ein Beispiel und man kann sagen: „Oh, er hatte Glück“, aber ich glaube nicht an Glück. Ich glaube daran, an dich selbst zu glauben und zu tun, was du liebst. Gehen Sie einfach da raus und machen Sie es und machen Sie sich keine Sorgen, wenn Sie nicht wissen, was Sie am Ende tun werden, versuchen Sie, diese erstaunlichen Dinge zu tun, die Sie können, wer weiß? Vielleicht veröffentlichen Sie auch selbst ein Kinderbuch und berührten unzählige Leben. Oder vielleicht werden Sie eine Kreativität Podcasts beginnen und das gleiche tun. Vielleicht veranstalten Sie Kunstworkshops auf der ganzen Welt. Die Möglichkeiten sind endlos. Es gibt unzählige Möglichkeiten, eine Kunstkarriere aufzubauen und jeder Weg ist einzigartig. Erinnern Sie sich an meine Geschichte und wie viele verschiedene Dinge ich ausprobiert habe, bevor ich meinen Weg gefunden habe und ich immer noch meinen Weg finde. Mach dir keine Sorgen darum zu sehr. Lebe im Moment, genieße die Fahrt und probiere so viele Dinge wie du kannst. Du wirst mit der Zeit dorthin kommen. Behalten Sie einfach aus, beschränken Sie sich nicht und tun Sie, was Sie lieben. Jetzt beenden wir die Klasse mit einigen Abschiedstipps zu Dingen wie unserem Block und Eifersucht. 17. Ratschläge zum Abschied: Nun, da die Klasse zu Ende kommt, lassen Sie uns über einige super wichtige Themen sprechen, wie Eifersucht. Früher war ich so eifersüchtig auf Künstler, die ich auf Instagram gesehen habe. Ich sagte: „Wie sieht das so gut aus? Wie haben sie das gemacht? Sie sind so geboren, ich kann nie so gut sein wie sie.“ Es war so albern zurückblickend, weil sie so viel Zeit in das investierten, was sie tun, um auf dieses Niveau zu kommen. Ich eifersüchtig zu sein, ist lächerlich, weil ich dieses Niveau auch erreichen kann, wenn ich nur die Zeit einnehme. Denken Sie daran, dass jeder Künstler da draußen, egal wie talentiert sie auch sein mögen, sie eines Tages Instagram angesehen haben oder was auch immer da war und dachte „Mann, schau dir diese Künstler an, ich kann nie so gut sein wie sie.“ Aber anstatt eifersüchtig zu sein und deprimiert zu sein und nur Kunst aufzugeben, nahmen sie tatsächlich ihren Pinsel und Bleistift auf und arbeiteten härter daran. Sie wurden motiviert, so gut zu sein wie diese Person. Deswegen sind sie das. Man muss sich also von anderen Künstlern motivieren lassen, sich von anderen Künstlern inspirieren lassen. Sei nicht eifersüchtig auf sie, denn es ist albern, denn wir alle haben etwas Besonderes und Einzigartiges zu bieten. Wir sind alle auf dieser Reise zusammen, wir alle machen einen Unterschied in der Welt und wir sind alle Brüder und Schwestern, die sich für dieselben Themen interessieren und dieselben Dinge tun, aber auf eine völlig einzigartige Art und Weise. Sie haben etwas völlig Einzigartiges, das niemand sonst der Welt bieten kann, aber Sie müssen es entdecken, indem Sie daran arbeiten und daran arbeiten und daran arbeiten und daran arbeiten. Vertrau mir, es ist kein Wettbewerb. Es gibt mehr als genug von allem, um herum zu gehen , und Sie müssen einfach gut in Ihrem Handwerk werden. Das ist alles, was dein Ziel sein muss. Sie sich einfach von anderen Künstlern inspirieren. Lassen Sie sich nicht davon demotivieren. Lassen Sie sich inspirieren, wie gut sie sind und wie gut Sie eines Tages sein können. Das nächste, worüber wir reden werden, ist Burnout. Ich hatte eine wirklich böse Erfahrung mit Burnout genau wie vor anderthalb Monaten. Ich habe, wie Sie wissen, viele Klassen gemacht und ich war so besessen davon. Manchmal machte ich zwei Klassen pro Monat, einmal machte ich drei Klassen im Monat, aber sie waren kurz. Aber ich war einfach verrückt danach, weil ich es liebte. Es kam zu dem Punkt, wo es zur Gewohnheit wurde , und ich fing an, ausgebrannt zu werden und ich zwang mich, Klassen zu machen. Es wurde zu einem Job statt meiner Leidenschaft. Ich fühlte mich ausgebrannt, aber ich wollte keine Pause machen und mich dazu zwingen. Wenn ich gerade eine Pause gemacht hätte, hätte ich nur eine Woche oder zwei Wochen frei gemacht, wäre es mir gut gegangen. Aber ich tat es nicht, also habe ich es einfach immer wieder abgeschoben und abgeschoben und ignoriert, meine Intuition ignoriert, wie ich mich gefühlt habe. Bis ich eines Tages keinen Pinsel, einen Bleistift oder irgendetwas aufheben konnte , weil ich das Gefühl habe, nie wieder Kunst machen zu wollen. Das war erschreckend, weil ich Geschichten von Menschen gehört habe, die verbrannt werden und ihre Karriere verändern oder ihr Leben verändern, und ich wollte nicht einer dieser Leute sein, weil Kunst mein Alles ist und ohne sie bin ich unvollständig. Was ich tat, war, dass ich völlig aufgehört habe, Kunst in jeder Hinsicht zu machen. Ich habe nicht darüber nachgedacht, ich habe nichts damit gemacht und habe einfach ganz andere Dinge gemacht. Ich habe es völlig vergessen. Ich war nur deprimiert. Ich war so deprimiert, weil ich Angst hatte, dass es für mich war. Aber ich habe immer daran geglaubt, dass es vergehen wird, es wird passieren. Es dauerte einen Monat und eine Woche, aber ich fühlte mich endlich so viel besser. Eines Morgens wachte ich auf und sagte „Ich kann an Kunst denken und ich fühle mich aufgeregt.“ Es ging einfach weg, weil ich mich völlig davon ausruhen ließ, kreativ zu sein. Ich weiß, das klingt produktiv. Denken Sie darüber nach, Ihr Geist ist genau wie Ihr Körper. Es ist wie ein Muskel. Wenn Sie die ganze Zeit ausarbeiten, ohne eine Pause zu machen, werden Sie erschöpft werden, Sie werden sich nicht gut fühlen. Sie müssen Pausen einlegen, um zu verdauen, was Sie lernen , zu verarbeiten und einfach zu heilen. In der Tat, Forschung zeigt dies, sie zeigen, dass kreative Menschen Pausen machen müssen , um ein erfülltes Leben zu haben und Burnout zu vermeiden. Wenn Sie also das Gefühl haben, eine Pause zu brauchen, wenn Sie das Gefühl haben, dass es anfängt zu kommen, dann machen Sie diese Pause. Sei nicht wie ich und muss dann einen ganzen Monat frei nehmen und nichts anderes tun. Zwingen Sie es nicht, weil Sie riskieren, Ihre Leidenschaft dafür zu verlieren. Ich danke Gott, dass ich es nur vorübergehend verloren habe, aber es war so erschreckend zu glauben, dass es dauerhaft sein könnte. Also erzwingen Sie es nicht, nehmen Sie sich Zeit und tun Sie, was Sie wollen. Das Lustige ist, dass meine Kreativität zurückkam und damit hatte ich einen Traum von dieser Klasse. Ich sagte: „Ich bin bereit, wieder Klassen zu machen“, weil ich davon geträumt hatte und das ist noch nie passiert. Es ist also lustig, wie Kreativität funktioniert und wie Burnout funktioniert und wie dein Unterbewusstsein immer funktioniert, auch wenn du es nicht siehst. Du bekommst ständig Ideen, die da drin entstehen. Wenn Sie versuchen, eine Idee zu erzwingen, wird es nicht funktionieren. Du musst deinen Hund spazieren gehen oder duschen, damit diese Idee zu dir kommt. Wenn Sie einfach da sitzen und auf eine leere Seite starren, wird es nicht funktionieren. Es ist nicht so, wie es funktioniert. Kreativität ist super geheimnisvoll und seltsam, und man kann es nicht zwingen. Du musst nur mit ihm rollen, und du musst es akzeptieren, und du musst es dir anhören. Normalerweise ist Kunstblock Burnout. Aber wenn Sie einen Kunstblock haben und nicht viel Kunst machen, sollten Sie nicht müde sein, dann ist es wahrscheinlich etwas anderes. Was Sie tun sollten, ist einfach alles zu zeichnen. Machen Sie einfach ein Lebensstudium, machen Sie eine Skizze , machen Sie eine Übung, und das ist die Art, wie Sie es besser werden. Sie werden Ihre Fähigkeiten verbessern und während dieser Zeit wird Ihr Gehirn langsam wieder kreativer und die Räder drehen alle Ihre guten Ideen wieder. Du entsperrst es einfach ein wenig. Das nächste, worüber ich reden möchte, ist das Selbstvertrauen und das Betrüger-Syndrom, und so etwas. Betrüger-Syndrom ist, wenn Menschen, die professionell sind, an der Spitze ihres Feldes, sie sind erstaunlich, denken nicht, dass sie gut genug sind. Ich denke, sie sind ein Betrüger. Ich denke, dass sie eines Tages erwischt werden, dass sie nicht wissen, was sie tun. Aber die Wahrheit ist, niemand weiß, was sie im kreativen Bereich tun , weil es einfach so anspielend und seltsam und zufällig ist. Kreativität ist nicht etwas, was wir kontrollieren können. Mein Rat ist, zuversichtlich zu sein, denn wenn Ihnen das Vertrauen fehlt, können Sie sich davon abhalten, eine Menge Dinge zu tun. Es tut nie weh, zu viel zu haben, aber es tut weh, überhaupt keine zu haben. Ich sage nicht, nicht bescheiden zu sein, natürlich sei bescheiden, aber glaub an dich selbst. Glauben Sie an Ihre Kunst, Ihre Fähigkeit, Ihre Reise und Ihren Geist. Du musst an dich selbst glauben. Wenn du es nicht tust, wird es niemand anderes tun, und du wirst nie tun, was du tun willst. Mein Rat ist, es vorzutäuschen, bis du es schaffst. Denken Sie darüber nach, wie sich Ihre Lieblingskünstler fühlen. Haben sie das Gefühl, dass sie etwas Erstaunliches erreicht haben? Fühlen sie sich, als wären sie die Besten? Vielleicht sagen sie es nicht, aber fühlen sie sich so? Fühlen sie sich aufgeregt, sich hinzusetzen und an einer leeren Seite zu arbeiten? Tu so, als ob du diese Person bist. Tu so, als sei es gut genug. Tu so, als wäre es, weißt du was? Ich bin der Beste in dem, was ich tue. Selbst wenn es eine Lüge ist, wirst du dich besser fühlen und du wirst dein Selbstvertrauen wachsen. Denn ein Mangel an Selbstwertgefühl ist wirklich schwer, als Künstler damit erfolgreich zu sein, und Sie werden wahrscheinlich freie Arbeit nehmen und Dinge wie das, was Sie nicht tun sollten. Vertrau mir, ich glaubte längst nicht an mich selbst und nur mit einigen meiner Erfahrungen, die ich endlich begann, an mich selbst zu glauben und mit Leuten, die mir erzählen. Aber so hätte es nicht sein sollen. Ich hätte von Anfang an an an mich selbst glauben sollen. Ich brauche nicht, dass mir jemand anderes etwas sagt. Selbst wenn ich nicht gut genug wäre, sollte ich eines Tages wissen, dass ich es sein werde , weil ich die harte Arbeit reingesteckt habe und ich dorthin komme. Du musst an dich selbst glauben. Wenn Sie der talentierteste Künstler der Welt sind , aber nicht an sich selbst glauben, werden Sie Ihre Arbeit nicht teilen. Du wirst nicht verschiedene Dinge ausprobieren, und niemand wird dich jemals entdecken, weil du dich versteckst. Du musst aus deiner Schale raus und deine Arbeit der Welt zeigen und einfach dein Bestes geben. Ich weiß, dass Sie manchmal psychologische Probleme haben, wie die Leute in der Vergangenheit gesagt haben, dass Sie nicht gut genug sind, oder Künstler verhungern oder so etwas. Vertrauen Sie mir, viele Leute haben mir gesagt, dass Künstler kein Geld verdienen können und dass ich meine Karriereentscheidungen überdenken sollte und dass ich nicht gut genug bin und nicht auf sie gehört habe. Ich tat nur, was ich tun wollte, weil ich wusste, dass ich das tun wollte. Ich war so leidenschaftlich. Folgen Sie also einfach Ihrer Leidenschaft, tun Sie, was Sie lieben und glauben Sie an sich selbst. Das ist es für meinen Rat, von dem ich dachte, dass die meisten Menschen profitieren würden. Aber wenn Sie etwas Bestimmtes haben, das Sie fragen möchten, lassen Sie es einfach im Community-Bereich der Klasse oder senden Sie mir eine E-Mail und ich werde Ihnen antworten. Damit beenden wir die Klasse. 18. Dein Abschlussprojekt & Abschied: Die Klasse neigt sich dem Ende zu und ich hoffe, Sie haben es genossen und haben viel davon mitgenommen. Ich weiß, dass es schwierig sein kann, ein Künstler zu sein und nicht zu wissen, wohin ich als nächstes gehen soll und was nicht. Aber ich hoffe, ich habe dir geholfen und ich hoffe, du hast eine bessere Vorstellung davon, was du als Nächstes tun und du glaubst an dich selbst und du bist aufgeregt, auf dieser Reise zu sein. Wenn Sie eine kreative Reise mit Rest der Klasse, anderen aufstrebenden Künstlern teilen möchten, können Sie ein Projekt in der Projekt-Galerie machen und alles, was Sie wollen, hineinlegen. Sie können Ihre Skizzenbücher teilen, zeigen, wie sich Ihr Stil im Laufe der Jahre entwickelt hat, Ihren eigenen Rat geben. Sprich über künstlerische Kämpfe, die du durchmachst, was auch immer du willst. Sie können es in die Projekt-Galerie setzen und es wird so einen lustigen Ort zum Lernen und Teilen geben und sehen, wie andere Künstler handeln und denken, genau wie Sie. Sie können auch Ihre sozialen Medien teilen. Zeichnen Übung, wenn Sie ihnen viel in der Klasse folgen oder was auch immer Sie tun möchten, sogar Ihre eigenen Tipps und Tricks, die Sie aus Ihrem Handwerk gelernt haben. Ich möchte, dass sich alle Projekte gegenseitig inspirieren und sich gegenseitig anheben aber mach dir keine Sorgen, wenn du zu schüchtern bist, um etwas zu teilen. Das ist völlig in Ordnung. Mein Rat ist nur, das Zeug anderer Leute zu überprüfen , weil du dich vielleicht mutig genug machen wirst, zu teilen. Aber wenn du es nicht bist, mach dir keine Sorgen darüber. Vielleicht bist du noch nicht bereit und das ist okay, aber hoffentlich eines Tages wirst du es sein, weil vertraue mir, teilen ist so erfüllend. Unsere Reisen sind nur persönlich. Du weißt, wann du bereit bist. Damit hoffe ich, dass Ihnen die Klasse gefallen hat. Wenn Sie irgendwelche Fragen haben, lassen Sie sie in der Community Abschnitt der Klasse und wenn Sie mehr von mir lernen wollen, können Sie auf meine zahlreichen anderen Klassen auf verschiedenen Medien überprüfen, von Tinte, Aquarell, Zeichnung und so weiter. Ich werde einfach [unhörbar]. Denken Sie daran, dass Sie auch Zugang zu Tausenden von anderen Klassen von erstaunlich talentierten Lehrern haben. Achten Sie darauf, so viele wie er kann, aber denken Sie daran, zu üben, was Sie lernen. Du kannst nur lernen, indem du Jungs machst. Also setzen Sie die Zeit ein und Sie werden Ergebnisse sehen. Also, damit werde ich Tschüss sagen, ich hoffe, ihr habt die Klasse genossen und ich seht euch in der nächsten.