Do desenho à ilustração: conecte seu estilo de desenho e de ilustração

1. Einführung: Das Zeichnen steht im Mittelpunkt jeder Kunst und dazu gehört auch die Illustration. Wenn das stimmt, warum haben so viele Illustratoren dann mit der Zeichnung zu kämpfen? Wenn Sie mit mehr Selbstvertrauen aus dem Herzen ziehen und nahtloser verbinden möchten , wie Sie zeichnen, wie Sie illustrieren, sind Sie nicht allein. Mein Name ist Tom Froese. Ich bin ein preisgekrönter Illustrator und ein Top-Lehrer hier auf Skillshare, wo ich Zehntausenden von Schülern geholfen habe die Welt der kommerziellen Illustration zu entfalten. Als ich als Illustrator anfing, stellte ich fest, dass ich diese beiden Welten nicht verbinden konnte, obwohl es gut im Zeichnen war und ein Händchen für Illustrationen hatte . Meine Art zu zeichnen und meine Art zu illustrieren, wo ein zwei getrennte Dinge, und es war immer ein Kampf, diese Dinge zusammen zu bringen. In den frühen Tagen als Illustrator für Kunden, während ich in der Lage war, mit guten Konzepten in losen Skizzen zu kommen, war es immer ein Glücksspiel, ob ich in der Lage sein würde sie in meinem letzten Illustrationsstil auszuführen. Dies hat nicht nur eine Menge Unsicherheit in meinem Prozess verursacht, es hat mich viel Zeit gekostet und es hat wirklich von meinem Vertrauen als Künstler weggefressen. Noch wichtiger ist, dass es eine Menge Angst verursacht, als ich fuhr, die Erwartungen meiner Kunden zu erfüllen, während ich die große Frist eingehalten. Glücklicherweise bin ich seitdem in der Lage, einen Prozess zu entwickeln, der mir hilft, diese Herausforderungen immer wieder zuverlässig zu meistern. Eine der wichtigsten Entdeckungen für mich war es, wirklich zu lernen, wie man in Richtung Illustration ziehen kann. Jetzt freue ich mich, Ihnen zu zeigen, was ich gelernt habe, damit Sie das Zeichnen in Ihrem eigenen Illustrationsprozess stärker nutzen können. Begleiten Sie mich, während ich Sie zuerst durch eine Reihe von Mini-Vorträgen führe und Ihnen alles erzähle, was ich über das Zeichnen in Richtung Illustration weiß. Dann werden wir alles in einigen Übungen ausprobieren, einige grundlegende Fähigkeiten aufbauen und zeichnen, zuerst aus der Beobachtung und dann aus dem Herzen. Im abschließenden Projekt werden wir alles harmonisch in einer ganzseitigen illustrierten Szene in Ihrem Stil zusammenstellen . Egal, welche Art von Künstler Sie sind, beim Zeichnen geht es darum, Ihre wichtigste Fähigkeit und den wichtigsten Einfluss Ihres Stils in Frage zu stellen. Je selbstbewusster Sie sind, wie Sie zeichnen, desto effektiver werden Sie in Ihrer Kunst sein, und letztendlich werden Sie freier und weniger ängstlich sein, wenn Sie auf Illustration in Ihrer Kundenarbeit hinweisen. 2. Über diesen Kurs: Diese Klasse ist in drei Hauptabschnitte unterteilt, die Grundierung, die Übungen und das abschließende Projekt. Die Grundierung ist, wo ich einige meiner wichtigsten Erkenntnisse und Prinzipien lege, um Sie durch die Übungen und das endgültige Projekt und natürlich durch Ihre eigene Reise als Illustrator zu führen . Die Übungen sind, wo wir die Theorie in die Praxis umsetzen können. Hier führe ich Sie durch einige herausfordernde, aber lustige Zeichnungsaufgaben. Gemeinsam erleben wir, was ich die Modusverschiebung nenne, die Erfahrung des Zeichnens zuerst im Beobachtungsmodus und dann später im Ideationsmodus. Keine Sorge, ich erzähle dir mehr darüber in der Grundierung. Das letzte Projekt ist, wo wir alles, was wir in der Grundierung und Übungen gelernt haben, auf die ultimative Probe stellen , eine ganzseitige Illustration einer Szene mit Thema und Hintergrund und vielen Details. Wir konzentrieren uns in erster Linie auf den Zeichnungs- und Skizzieraspekt des Prozesses. Meine Hoffnung ist, dass jeder Schüler die in dieser Klasse gelehrten Prinzipien auf seinen eigenen Stil der Illustration anwenden kann , indem er seine eigenen bevorzugten Werkzeuge und Techniken verwendet. Trotzdem werde ich einen Überblick über meinen eigenen Illustrationsprozess zeigen, während ich meine eigene Szene fertigstelle , um ein Beispiel dafür zu zeigen, wie der Übergang von der Skizze zum Finale aussehen kann. In Bezug auf die erforderlichen Fähigkeiten und Ausrüstung werden diejenigen, die mindestens einige traditionelle Zeichenunterricht und Erfahrung haben, die kämpfen, um diese Zeichnung für sie in ihrer Illustration arbeiten zu lassen, am meisten von dieser Klasse profitieren. In Bezug auf die Ausstattung braucht man wirklich nicht viel, nur einen Bleistift und etwas Papier oder ein Skizzenbuch, zumindest bis man die Dinge im endgültigen Projekt in den eigenen Illustrationsstil nimmt. Ob Sie Procreate oder einen guten alten Bleistift und Papier verwenden, es liegt wirklich an Ihnen, es spielt wirklich keine Rolle. Für das endgültige Projekt können Sie wieder Ihre eigenen Werkzeuge und Geräte mitbringen. Was Sie verwenden, ist völlig Ihnen überlassen. Wenn Sie auf einem Schnellweg sind, um diese Klasse abzuschließen, können Sie sie wahrscheinlich an einem Tag abschließen, zumindest an der Zeichnungskomponente. Sie können jedoch feststellen, dass Sie einen anderen Tag oder so benötigen, um an Ihrem endgültigen Projekt zu arbeiten. Natürlich gibt es wirklich keine zeitliche Begrenzung für diese Klasse, und Sie können die Übungen schnell, alle auf einmal oder langsam nacheinander durchführen, wie Sie können. In Bezug auf das, was Sie von dieser Klasse erhalten, wird es Ihnen helfen, Ihre Zeichenfähigkeiten zu entwickeln, um Ihnen dabei zu helfen, mit mehr Selbstvertrauen aus dem Herzen zu ziehen und das Zeichnen mit Ihrem endgültigen Illustrationsstil zu verbinden . Ich möchte nur noch einmal betonen, dass dies keine Klasse ist, die Ihnen dabei hilft, realistisch zu zeichnen. Ich werde Ihnen natürlich einige wirklich hilfreiche Tricks beim Zeichnen aus der Beobachtung zeigen. Aber wenn überhaupt, werde ich Sie wahrscheinlich ermutigen, sich schlecht zeichnen zu lassen. Meiner Erfahrung nach ist es nicht das, was Sie zeichnen können, das, was Sie nicht können, ist der Schlüssel zu Ihrem Illustrationsstil. Ich glaube, ich bin bereit, da reinzukommen, also gehen wir. 3. Einführung: Zeichnen für Illustration: Zeichnen zur Illustration unterscheidet sich von dem, was die meisten von uns denken, wenn wir an Zeichnen denken. Wenn ich über das Zeichnen zur Illustration spreche, denke ich speziell an den Prozess der Entwicklung von Ideen mit dem Ziel einer fertigen Illustration im Auge. Das Endprodukt ist keine Zeichnung, es ist eine Illustration, oder noch wichtiger ist, es ist ein visueller Ausdruck einer Idee. Wenn wir Illustratoren keine Dinge zeichnen, sondern Ideen ausdrücken, wo passt das Zeichnen hinein? Nun, lassen Sie uns keinen Fehler machen. Zeichnen ist entscheidend für den Illustrationsprozess. Aber ich denke, wir sind Krawatte in traditionellen Umgebungen. Nur eine Art von Zeichnung, die aus Leben oder Referenzen in einer realistischeren darstellenden Art und Weise zeichnet . Das Ziel beim traditionellen Zeichnen ist es, die Realität zu imitieren. Je genauer die Darstellung ist, desto höher schätzen wir die Zeichnung. Ich sage nicht, dass dies nicht beeindruckend ist, und ich sage sicherlich nicht, dass dies keine wertvolle Fähigkeit ist. Ich glaube jedoch, dass es in den meisten unserer Ausbildung als Illustratoren eine Lücke gibt, wo es darum geht, unsere Zeichenfähigkeiten mit unseren Stimmen als Illustratoren zu verbinden. Ich denke, es ist verständlich, warum es fast unmöglich ist, anderen Menschen ihre Stimme oder ihren Stil beizubringen . Sie können Ihre eigene Stimme nicht in einem Buch, Video oder in der Klasse eines anderen finden. Ich glaube jedoch, dass es möglich ist, anderen Anhaltspunkte zu zeigen , um ihre Stimme durch bestimmte Techniken zu finden. Das ist es, was ich in dieser Klasse tun möchte. Eine der größten Entdeckungen, die ich gemacht habe, ist, dass unsere Stimme nicht davon stammt, technisch genau zu sein, wie wir zeichnen, sondern tatsächlich darin, wie wir Ideen ausdrücken, obwohl wir nicht zeichnen können. Lassen Sie mich es erklären, indem ich meinen zweistufigen Illustrationsprozess beschreiben , den wir später in den Übungen verwenden werden. Wenn ich an einer Illustration für einen Kunden arbeite, was denkst du, ist das erste, was ich tue? Du könntest vermuten, dass ich damit beginne, welche Ideen zu skizzieren. Ja, ich fange an zu skizzieren, aber zuerst nur beobachtend. Ich arbeite noch nicht an Ideen. Sagen wir einfach, ich muss eine ganze Seite für ein laufendes Magazin illustrieren. Sie wollen, dass ich etwas darüber illustriere, dass ich beim Laufen bei heißem Wetter sicher und gesund bleibe . Das erste, was ich tun werde, ist zu gehen und einige Bildreferenzen rund um das Thema Laufen zu sammeln . Suchen Sie natürlich nach bestimmten Bildern, die sich auf Ideen beziehen, die in dem Artikel gefunden werden. Jetzt habe ich Referenzfotos von Leuten laufen, vielleicht Bilder von Orten, die Menschen laufen würden, Trinkausrüstung, Sonnencreme, Sonnenbrille, im Grunde ein Mischmash von Bildern, die sich auf Ideen in dem Artikel beziehen. Jetzt bin ich bereit, mit dem Skizzieren zu beginnen, aber zuerst zeichne ich keine Ideen. Ich zeichne nur, was ich in meinen Referenzbildern sehe. Ich nenne diese Beobachtung oder Modus eine Zeichnung. In meiner süßen Sportklasse nenne ich das kostenlose Skizzieren. Es ist frei von Druck, irgendwelche Ideen zu haben, es ist nur eine Möglichkeit, visuelle Informationen in meinen Kopf herunterzuladen , von denen ich später im zweiten Schritt buchstäblich zeichnen kann, oder was ich Mode 2 Skizzen nenne. An einem bestimmten Punkt habe ich meine Referenzen beobachtbar gezeichnet, und jetzt bin ich bereit, in den zweiten Modus zu treten, ideales Zeichnen. In diesem Modus sehe ich meine Referenzen nicht mehr an. Ich lege sie beiseite und ich versuche so hart wie ich kann nicht, sie zu referenzieren, es sei denn, absolut notwendig. Indem ich das mache, fange ich an, Dinge ein wenig falsch zu zeichnen. Obwohl dies wie ein Nachteil erscheinen mag, ist es eigentlich meine größte Stärke. Ich weiß genug von der allgemeinen Idee meines Themas oder dem Inhalt meiner Illustration, um zu wissen, was einbezogen werden sollte. Aber dann muss ich nachdenken oder erfinden, wie es tatsächlich aussieht, wie alles in der Komposition zusammenpasst. Es ist in dieser Übersetzung vom Zeichnen, was ich sehe, bis zum Zeichnen, an das ich mich erinnere, und letztendlich, was ich in der Zeichnung symbolisieren muss, wo die meiste Kreativität geschieht. Deshalb glaube ich, dass ideationale oder Modus 2-Zeichnung kreativer ist als Beobachtungs- oder Mode-1-Zeichnung. Ideales Zeichnen ist nicht besser und es ist ohne Beobachtungszeichnung fast nicht möglich. Die beiden sind Partner und einer führt zum nächsten. die gleiche Weise, wie der erste Gang eines Autos benötigt wird, um das Auto schnell genug bewegen, um in den zweiten Gang zu gelangen. Zusammenfassend: Beim Zeichnen für Illustratoren geht es darum, diese beiden Zeichnungsmodi zu verstehen und zu wissen, wie und wann sie verwendet werden sollen. Unser Ziel als kommerzielle Illustratoren, vor allem diejenigen, die in einer stilisierten grafischen Weise arbeiten, ist es, symbolisch statt buchstäblich zu zeichnen. Da es sich bei unseren Bildern um visualisierte Ideen handelt, wird alles, was wir in unsere Kunst einfließen, eher zur Interpretation oder zur Symbolisierung des Realen. Das aktive Dolmetschen, müssen wir zuerst ein Objekt für das sehen, was es ist, aber dann zum Ausdruck bringen, was es für uns bedeutet. 4. Einführung: Werkzeuge und Techniken: Zum Zeichnen und Skizzieren sind die Werkzeuge immer einfach: Bleistift und Papier oder ihre digitalen Äquivalente. In Bezug auf die Techniken, in dieser Klasse, werden wir uns auf einige sehr einfache Zeichentechniken konzentrieren. Für einige können diese natürlich kommen, während für andere sie sich gezwungen fühlen, zumindest zuerst. Aber für diejenigen, die einen mehr grafischen Stil und die Illustration anstreben und ihren Zeichnungsstil mehr auf diese Weise beziehen wollen, sind die folgenden Techniken unerlässlich. Die grundlegende Technik, die ich benutze, ist die Konturzeichnung, die im Grunde die Umrisse und Innendetails und Kanten Ihres Motivs mit durchgehenden Linien zeichnet. Ich finde, dass viele Künstler dazu neigen, vorläufig zu zeichnen, bauen ihre Formen mit einer Reihe von kürzeren Lichtstrichen auf, modellieren die Foren auf der Seite leicht bevor sie sich zu einem selbstbewussten Schlaganfall nach. Ich empfehle nicht, auf diese Weise zu zeichnen, obwohl es sein mag, wie Sie es gewohnt sind, zu zeichnen, sondern zielen Sie eher darauf ab, selbstbewusste, kontinuierliche Striche zu fallen , die Sie fast so weit führen, wie Sie sie führen. Was passieren wird, ist, dass der Schlaganfall ein eigenes Leben annehmen wird. Sie werden sehen, wie unerwartete Formen entstehen, die wie das aussehen, was Sie wollten, aber wie ich sagte, sie werden ein bisschen einen eigenen Geist haben, vor allem auf den ersten. Wenn Sie diese Technik üben und weiterentwickeln, erhalten Sie mehr Kontrolle, aber es ist diese Methode des Zeichnens, selbstbewusste, durchgehende Linien, die Ihren Zeichnungs- und Illustrationsstil mehr als alles andere definiert . Wenn diese Art des Zeichnens für Sie zunächst einfach zu unnatürlich ist, ziehen Sie natürlich, aber es kommt heraus und konzentrieren Sie sich auf das übergeordnete Ziel, das zu zeichnen, was Sie im Beobachtungsmodus sehen und dann zeichnen, was Sie sich erinnern oder denken im Idealmodus. Sie können immer über Ihre skizzenhaften zaghaften Linien nach der Tatsache verfolgen. Selbst ich verfolge meine Konturzeichnungen, um ihnen ein noch größeres Gefühl von Auflösung und Vertrauen zu geben. In der reinen Konturzeichnung werden die Motive in reiner Linie ohne Schattierung ausgedrückt. Der Effekt ist die Abflachung von allem im Bild, ob es einen Vordergrund und einen Hintergrund gibt, diese Dinge werden alle auf der gleichen Ebene zusammengeführt. Für einen abgeflachten Grafikstil der Illustrationist dies eigentlich ideal und ein riesiger Hinweis darauf, ist dies eigentlich ideal und ein riesiger Hinweis darauf wie Sie Ihre Zeichnungs- und Illustrationsstile heiraten können. Da wir in der endgültigen Abbildung alles auf einer flachen Ebene darstellen wollen, ist es sinnvoll, auch unseren Zeichnungsstil zu glätten. Das heißt nicht, wir wollen nicht manchmal ein Gefühl der Tiefe in unserer Arbeit ausdrücken, es ist nur, dass wir vorsichtig sein wollen, in einem minimalistischeren Stil, um nicht zu stark auf andere Rendering-Techniken zu stützen, insbesondere Schattierung. Schattierung ist sehr nützlich und findet seinen Weg in meine Arbeit, aber nur in dem Maße, wie es gebraucht wird. Wir müssen bedenken, dass unser Kunde beim Skizzieren zur Illustration die Skizze sieht und genehmigen wird, unser Kunde beim Skizzieren zur Illustration die Skizze sieht und genehmigen wird bevor Sie in die endgültige Illustration übergehen. Unser Ziel in unseren Skizzen, insbesondere im Hinblick auf Zeichnungen, unsere Ideen, sollte sich auf Inhalt, Komposition und Konzept konzentrieren und nicht allzu in die Details von Schattierung und Tiefe geraten. Je einfacher die Skizze Ihre Idee zeigt, desto besser. Es strahlt ein Gefühl von Vertrauen für Ihren Kunden aus und es eliminiert Möglichkeiten für Nitpicking auf fremde Details, die in diesem Stadium keine Rolle spielen sollten. Zusammenfassend sollte das Zeichnen in Richtung Illustration mit einem einfachen Bleistift und Papier erfolgen, und Sie sollten darauf abzielen, sowohl im Beobachtungs- als auch im Idealmodus mit Konturen zu zeichnen. Verwenden Sie zuversichtlich fortlaufende Striche, anstatt Shapes mit kurzen, vorläufigen Strichen aufzubauen. Ziel, alle Formen so flach wie möglich auszudrücken, vermeiden Sie die Versuchung, den Dingen ein voluminöseres, gesprenkeltes Aussehen zu geben. Natürlich erlauben Sie sich, ausgewählte Momente der Schattierung oder andere ausdrucksstarke Markierungen zu werfen , die helfen können, das Bild zu klären oder mehr Persönlichkeit hinzuzufügen. 5. Einführung: Die 3 Cs des Skizzierens: Wenn Sie in Richtung Illustration zeichnen, das heißt, wenn Sie Skizzen entwickeln, die letztlich mit unseren Kunden teilen , bevor Sie in unsere endgültige Illustration gehen, sind die wichtigsten Dinge, die Sie herausfinden möchten, was ich die 3 C des Skizzierens nenne; Inhalt, Zusammensetzung und Konzept. Inhalt ist das, was Sie in Ihre Illustration aufnehmen werden. Grundsätzlich, welche Objekte oder Symbole Sie in der Kunst darstellen werden. Komposition ist, wie Sie diesen Inhalt auf der Seite anordnen. Das Konzept ist letztendlich, worum es in der Illustration geht. Wie der Inhalt in der Komposition zusammenarbeitet , um die beabsichtigte Botschaft oder Bedeutung klar auszudrücken. Diese 3 C und nichts anderes sollten Gegenstand des Gesprächs sein, zu dem Zeitpunkt, an dem Sie Ihre Skizzen mit Ihrem Kunden teilen. Sie möchten das Gespräch nicht entgleisen, indem Sie mit Farben, Mustern oder Texturen oder anderen stilistischen Entscheidungen, die idealerweise als kreativer Lead in Ihrer Domäne landen sollten . Eine Skizze ist natürlich eine Gelegenheit für den Kunden, die Richtung der Kunst abzuwägen und zu beeinflussen , ohne auf Ihre kreativen Zehen zu treten. Sie möchten, dass sie bestätigen können, dass Sie ihre Bedürfnisse erfüllt haben, ihr Problem in Ihrer Skizze gelöst haben oder ihnen anbieten, Ihnen zu sagen, warum Sie es nicht getan haben. Aber das Letzte, was Sie besprechen möchten, ist, ob es im richtigen Stil ist. Sie können das Gespräch auf dem richtigen Weg halten, indem Sie sicherstellen, dass es so wenig Möglichkeiten gibt Feedback zu lenken, die die allgemeine Konversation von Inhalt, Zusammensetzung und Konzept entwirren können . Ihre erste Skizze zu teilen ist immer ein verletzlicher Moment und zu Recht, aber Sie wollen sich nicht mehr Kritik aussetzen als unbedingt notwendig. Halten Sie Ihre Skizzen alles über Inhalt, Komposition und Konzept, und Sie haben eine bessere Chance, dass Ihre besten Ideen die Zustimmung Ihrer Kunden erhalten. Indem Sie den Kunden auf diese sauberere Weise durch den Prozess führen, werden Sie tatsächlich schneller sein Vertrauen verdienen. Nur eine Notiz zum Kundenfeedback zum Stil, Sie könnten fragen, ob oder wann es für einen Kunden in Ordnung ist, Feedback zu Ihrem Stil zu geben. Ich würde sagen, dass alles faire Spiel ist, wenn respektvoll diskutiert wird. Natürlich müssen wir Künstler-Typen eine feste Haut aufbauen , nur für den Fall, dass Respekt aus dem Fenster zu gehen scheint. Davon abgesehen, ist die beste Zeit, um Stil zu bringen, nicht in der Mitte des Projekts, sondern bevor Sie überhaupt beginnen. Zu diesem Zeitpunkt in meiner Karriere habe ich sehr hart gearbeitet, um eine Art der Illustration aufzubauen, die ich glaube, dass meine Kunden überhaupt zu mir kommen. Der Stil, in dem ich arbeite, steht nicht mehr zur Diskussion. Aber wenn ich jemals das Gefühl habe, dass es sein könnte, frage ich nach vorne. Ich frage den Klienten, welche Arbeit von mir sie gesehen haben , die sie dazu inspiriert hat, überhaupt zu mir zu kommen und sie sogar ermutigen, mir Bilder von meiner Arbeit zu senden sie mögen und denken, dass sie sich auf ihre eigene Vision beziehen. Dies ist eine großartige Möglichkeit, sich zu öffnen und dem Kunden eine Chance zu geben , auf Stil zu wiegen, ohne dass es eine Frage wird , ob Sie es in Ihrem eigenen Stil oder jemand anderes tun , was normalerweise nicht sehr Spaß macht. Wenn Sie neu in der Illustration sind und keinen einzigen Stil haben, Sie das Gefühl, dass Sie durchsetzen können, das ist völlig normal und am Anfang erwartet. In einem solchen Fall würde ich sehr empfehlen, am Anfang ein Gespräch über Stil zu führen. Sie können fragen, warum sie zu Ihnen gekommen sind und ob es ein bestimmter Stil war , den sie glaubten, dass Sie tun könnten, dass sie dazu führte. Oder wenn du aufgeregt bist, einen von ein paar verschiedenen möglichen Styles auszuprobieren, versuche ein Pinterest-Board mit zwei oder drei möglichen Richtungen oder Stilen zu erstellen und nutze diese, um ein besseres Gefühl davon zu bekommen, was dein Kunde will. Seien Sie Ihrem Kunden natürlich klar darüber, dass Sie den Stil eines anderen nicht nachahmen, sondern einfach, dass Sie die Arbeit davon inspirieren lassen möchten. Egal, ob Sie in einem einzigen Stil zuversichtlich sind, einfach nur anfangen und verschiedene Dinge ausprobieren, oder irgendwo dazwischen, es ist wirklich wichtig, sicherzustellen, dass Ihre Kunden und Ihre Erwartungen übereinstimmen. Sie diese Stil-Konversation am Anfang, aber in Ihren Skizzen, halten Sie die Konversation auf die 3 C , Inhalt, Komposition und Konzept. 6. Einführung: rechte und linke Gehirnhälfte: Ich wollte kurz über eine Idee sprechen , die meine Zeichnung von Anfang an beeinflusst hat. Als ich in meinen frühen 20er Jahren war und gerade erst anfangen, Kunst und Design als eine mögliche Karrierewahl zu entdecken, bemerkte Mutter meines Freundes und gab mir ein Buch namens Drawing From the Right Side of the Brain von Betty Edwards. Dieses Buch hat mein Leben verändert. Ohne Sie das ganze Buch zu lesen, kann ich sagen, dass die einzige größte Idee in der Unterscheidung zwischen dem rechten und linken Modus des Gehirns ist . Diese sind nicht zu verwechseln mit den beiden Zeichenmodi , über die ich in dieser Klasse spreche, obwohl es einige Überlappungen geben kann. Kurz gesagt, unser linkes Gehirn ist verantwortlich für Sprache und Vernunft, während unser rechtes Gehirn für räumliches und kreativeres abstraktes Denken verantwortlich ist. Wenn Sie aus der Beobachtung ziehen, ist der Trick, in den R-Modus zu wechseln, wo Ihr Gehirn nicht über Worte und Logik nachdenkt. Wenn wir zulassen, dass sich das linke Gehirn einmischt, dann beginnen unsere Zeichnungen auseinander zu brechen, wenn wir entmutigt werden, indem wir nicht in der Lage sind, das, was wir vor uns sehen, auf Papier zu legen. Edwards charakterisiert das linke Gehirn als sehr aufgabenorientiert und sogar ungeduldig, mit Zeichnung. Wenn wir etwas zeichnen, sagen wir unsere eigene Hand vor uns, unser linkes Gehirn will die Operation mit Abkürzungen beschleunigen. Da steht: „Oh, ich weiß, was das ist, sind Finger, das ist eine Hand, das sind Fingernägel.“ und zum Besseren oder zum Schlechteren hat das linke Gehirn Symbole für diese Dinge, die oft ziemlich vereinfacht und unrealistisch sind. Deshalb, wenn viele Menschen versuchen, ihre Hände zu ziehen, ziehen sie eine Reihe von Wurstfingern, die aus dem, was der Hauptteil oder die Handfläche sein soll, herausfächern . Aber wenn Sie das linke Gehirn beruhigen und trainieren es für einen Moment beiseite treten und dem rechten Gehirn eine Chance geben, sein Ding zu tun, dann plötzlich Sie zeichnen beginnt, die Realität vor Ihnen zu ähneln. Ihr rechtes Gehirn, frei von den Trappings von Sprache und Symbolen, kommt nicht mit einer Antwort oder vorgefertigten Symbolen vorbereitet, es verfolgt nur die Konturen Ihrer Hand oder des Objekts vor Ihnen, die Sie zu zeichnen versuchen. Wenn ich sowohl in dieser Klasse als auch in meiner Praxis als Illustrator beobachtete , beginne ich so weit wie möglich in meinem R-Modus. Dies ist eine der angenehmsten Erfahrungen, die Sie mit dem Zeichnen machen können, wo Sie die Zeit verlieren und verloren gehen und nur sehen, was Sie zeichnen. Aber leider funktioniert, wo Ihr R-Modus zeichnen kann, nicht immer für eine Illustration, die eine kommunikative linguistische Ebene haben muss. Das Paradoxe ist, dass wir für die Art der Illustration, die wir anstreben, die mehr stilisiert und symbolisch ist, tatsächlich das, was wir im R-Modus zeichnen, in etwas konvertieren müssen, das eher wie L-Modus ist. Während wir als Illustratoren entwickeln, bauen wir ein Repertoire von Dingen auf, die wir zuvor gezeichnet haben, und in mehr oder weniger Ausmaß werden diese Symbole mehr im Kommando unseres linken Gehirns. Ideationsmodus, der zweite Modus oder die Phase des Zeichnens in meinem eigenen Prozess kehrt zurück in den Betty Edwards L-Modus. Ideationsmodus ist symbolischer und sprachlicher. Anstatt zu versuchen, auf die mehr [unhörbare] Art des R-Modus zu ziehen, lassen wir unsere rationale Seite wieder übernehmen. Aber es ist immer ein Gleichgewicht. wir diese Illustratoren praktizieren, wollen wir in der Lage sein, zwischen Beobachtungs- oder R-Modus, im Ideal- oder L-Modus, je nach Bedarf der Situation hin und her zu wechseln im Ideal- oder L-Modus, . 7. Einführung: 5 Schmerzpunkte des Zeichnens: Als ich meinen Schülern ankündigte und folgte , dass ich diese Klasse zum Zeichnen zusammenstellen werde, fragte ich sie, was sie für ihre größten Schmerzpunkte halten. Es gab viele verschiedene Antworten, aber ich habe das Gefühl, dass sie auf diese fünf Arten zusammengefasst werden können. Der erste Schmerzpunkt ist in der Lage, aus dem Herzen zu ziehen, ohne Referenzen zu verwenden. Ich denke, das ist der Traum eines jeden Illustrators, Lage ist, ohne Hindernisse frei zu zeichnen, in derLage ist, ohne Hindernisse frei zu zeichnen,auf die gleiche Art und Weise, wie man fühlt, wenn sie fließend in einer zweiten Sprache sind. Die Realität ist, dass ich auch nach jahrelanger Erfahrung immer noch von Referenzen zurückgreifen muss. Aber die gute Nachricht ist, dass ich im Laufe der Zeit, während ich immer mehr zeichne und illustriere, mehr und mehr mit dem vertraut werde, wie ich von innen zeichne, und ich werde akzeptieren, was ich zeichne, weil ich es als mein eigenes erkenne. Natürlich, indem ich Dinge aus dem Leben, aus Referenzen immer und immer wieder ziehe, baue ich nach und nach ein Repertoire auf, aber in meinem Gedächtnis unvollkommen ist. Das größte Heilmittel für diesen Schmerzpunkt, den ich anbieten kann ist das Versprechen, dass Sie, wenn Sie Dinge immer und immer wieder ziehen, einen Weg finden, sie auf eine natürlichere und fließende Weise zu zeichnen. Ich möchte Ihnen die Erlaubnis geben, diese Dinger genau so zu zeichnen, wie sie herauskommen. Geben Sie sich die Erlaubnis zu zeichnen, wie Sie zeichnen und zu lassen, dass nur das, was es ist. Sie werden im Laufe der Zeit ein Muster darin finden, wie Sie bestimmte Dinge zeichnen: Hände, Schuhe, Autos, Häuser, Katzen, Bäume, und werden Sie mehr Vertrauen in diese, um Ihre Geschichten und Ideen in Ihren Illustrationen zu erzählen. Der zweite Schmerzpunkt ist in der Lage, eine Zeichnung einfach zu halten , ohne das Gefühl zu haben, dass Sie mehr hinzufügen müssen und sich darin sicher fühlen müssen. Für mich, Dinge einfach zu halten, ist nicht etwas, was ich direkt anstrebe. Die Wahrheit ist, dass ich meine Arbeit nicht so einfach machen könnte, wenn ich es versuche. Der Moment, in dem ich versuche, meine Arbeit einfach zu machen und nicht über Gedanken zu denken, ist der Moment, in dem ich über kompliziert bin und überdenke. Stattdessen möchte ich die Botschaft meiner Bilder so klar wie möglich machen. Ich frage nicht: „Wie kann ich meine Arbeit minimalistischer und einfacher gestalten?“ Ich frage: „Was ist notwendig und was ist nicht notwendig? Entweder um die beabsichtigte Bedeutung auszudrücken oder ein überzeugendes Bild zu schaffen.“ Zeichnen mit Einfachheit ist das Ergebnis meines Strebens nach Stilisierung in meiner Arbeit. Ich spreche darüber sowohl in meinen ungeraden Körpern als auch in Sweetspots Klassen und ich werde die Stilisierung genauer im nächsten Video berühren. Der dritte Schmerzpunkt ist das Zeichnen und Illustrieren zusammenhängender Szenen mit Hintergründen. Nun, es geht eigentlich weniger spezifisch um das Zeichnen und mehr um eine bestimmte Illustration. Ich denke, es lohnt sich, in dieser Klasse anzusprechen, weil die Rolle, die das Zeichnen beim Aufbau einer vollständigen Szenenart von Illustration spielt. Ich glaube, das zugrunde liegende Problem mit diesem Schmerzpunkt besteht eher darin nicht zu wissen, wie man eine solche Szene komponiert. Bezug auf die drei Cs geht es bei diesem Problem um Inhalt und Komposition, darum, was einzuschließen ist und wie es in die Zeichnung aufgenommen werden soll. Die große Annahme hier ist, dass Sie versuchen, eine Szene aus Ihrer Phantasie zu schaffen. Wenn Sie vor Ihnen ein Modell der Szene hatten, die Sie illustrieren wollten, können Sie daraus einfach im Beobachtungsmodus zeichnen, oder? Der große Einblick hier kommt in den Aufbau einer Szene zuerst in Teilen und dann zusammen als Ganzes. Aber es ist nicht genau das, was du denkst. Die Art und Weise, wie ich Szenen zeichne und Entscheidungen darüber treffe, was in meine Bilder aufnehmen soll, kommt immer davon, dass ich einige Zeit nehme , um Referenzbilder zu sammeln, die mir Ideen über die Szene geben, die ich aufbauen möchte , und diese dann durch Beobachtungszeichnung. Die gute Nachricht ist, dass die Übungen in dieser Klasse alle genau diesen Prozess demonstrieren und Sie werden eine Chance haben ihn im endgültigen Projekt auf die Probe zu stellen. Der erste Teil ist also das Herunterladen der visuellen Informationen, die Sie in Ihre Szene aufnehmen möchten, von Referenzbildern oder aus dem Leben. Das ist der leichte Teil. Der zweite Teil, der vor allem am Anfang schwieriger sein kann, ist, dass alles in der Komposition Ihrer Skizze herauskommen zu lassen. Hier ist der Haupttrick, wenn wir eine Szene auf eine flachere, stilisierte Art und Weise zeichnen, wir Dinge auf der Seite arrangieren und ändern, sowieso wir wollen , um ihre richtige Geschichte zu erzählen und die Komposition genau richtig zu bekommen. Da wir in diesem Stadium nicht aus Referenzen ziehen, sind wir nicht an die Realität gebunden, wir können mutig ändern, was wir wollen, um unser Thema einzurahmen oder den Rahmen auszufüllen. Der vierte Schmerzpunkt zeichnet mit Zuversicht. Dies ist sehr verbunden mit dem Zeichnen von Herzen, aber ich denke, es lohnt sich, in diesem Punkt ein wenig mehr zu erweitern. Für das Zeichnen aus dem Herzen verwende ich die zweite Sprachflüssigkeits-Metapher. Wenn aus dem Herzen zu ziehen ist zu wissen, wie man fließend spricht, Zeichnen mit Zuversicht zu wissen, was man sagen soll. Das zugrunde liegende Problem mit diesem Schmerzpunkt besteht darin, Ihre Stimme nicht zu kennen. Es ist nicht anders, wenn wir jünger sind und versuchen, unsere Identität zu finden, wer wir sind, wenn wir volljährig sind. Je weniger wir uns selbst kennen, desto weniger Vertrauen haben wir. Aber wenn wir älter werden, werden wir hoffentlich selbstbewusster, weil wir anfangen zu verstehen, wer wir sind, und daraus haben wir unsere stärkste Stimme. Das Heilmittel für diesen Schmerzpunkt besteht darin, herauszufinden, wie Sie im Beobachtungs- und Idealmodus im Laufe der Zeit zeichnen. tut mir leid zu sagen, dass es keine Möglichkeit gibt, diese Selbsterkenntnis zu erlangen, außer durch Erfahrung und Experimentieren, und das bedeutet Zeit und es gibt einfach keine Ersatzstoffe. Wenn es einen Hack gibt, den ich Ihnen geben kann, gibt es Ihnen nur die Erlaubnis, während nur Sie sich diese Erlaubnis geben können. Aber geben Sie die Erlaubnis, schlecht zu zeichnen, lassen Sie, was natürlich aus Ihrer Hand kommt, während Sie zeichnen geschehen. Verwenden Sie eher selbstbewusste, kontinuierliche Konturlinien als jene schüchternen, kurzen Strichen, mit denen Sie Ihre Formen aufbauen. Am wichtigsten ist, finden Sie Wege, es zu akzeptieren und zu umarmen. Wenn es etwas gibt, mit dem du dich unglücklich fühlst, ist es okay, es herauszufordern. Aber ich würde sagen, fragen Sie sich „Welche Stimme wollen Sie haben, wenn es nicht die ist, die Sie richtig haben? Wessen Stimme inspiriert dich am meisten? Was kannst du von ihnen lernen? Wie können Sie das auf authentische Weise mit Ihrem eigenen integrieren?“ Der fünfte Schmerzpunkt besteht darin, die Art und Weise zu verbinden wie man skizziert, wie sie ihre endgültige Illustration haben wollen. Ich denke, das ist der einzige größte Schmerz Punkt da draußen und es ist, was mich dazu gebracht hat entdecken, worüber ich bisher auf meiner eigenen Reise gesprochen habe. Ich sagte im Intro, als ich als Illustrator begann, meine Art zu zeichnen und Illustration, wo zwei getrennte Dinge und es war immer ein Kampf, einen Weg zu finden, um diese Dinge zusammen zu bringen. Das zugrundeliegende Problem ist ein Konflikt zwischen der Art und Weise, wie wir gelernt haben, meist realistisch zu zeichnen , und dem Stil der Illustration, in dem wir arbeiten wollen. Die Chancen stehen, dass das, was Sie inspiriert hat, schon in jungen Jahren zeichnen zu lernen, ganz getrennt war von dem, was Sie dazu inspirierte, später Illustrator zu werden. Daher stimmen diese beiden Dinge von Anfang an nicht überein. Es hilft nicht, dass es wenig offizielles Training gibt , wie Sie auf Ihren Illustrationsstil Ihrer Wahl ziehen können. Es gibt nur Zeichenanweisungen, die dazu neigen, Realismus und wörtliche Repräsentation zu begünstigen. Das Heilmittel für diesen Schmerzpunkt besteht darin, die verschiedenen Modi des Zeichnens zu verstehen, dass es eine Zeit und eine Rolle für Beobachtungszeichnen und eine Zeit und eine Rolle für das ideelle Zeichnen gibt. Beide Zeichnungsmodi sollten gepflegt werden, aber wenn Ihr Zeichnungs- und Illustrationsstil nicht übereinstimmen, sollten Sie daran arbeiten, wie Sie im Modus 2 zeichnen. Ziel ist es, eine Art des Zeichnens zu entwickeln, die symbolischer ist und die aus dem Zeichnen ohne Referenzen kommt. Natürlich ist es durchaus akzeptabel, sich auch von deinen Helden in Illustration inspirieren zu lassen und diese beeinflussen zu lassen, wie du zeichnest und illustrierst. Für mich wurde ich immer von Illustratoren der Mitte des Jahrhunderts wie Paul Rand und Alice und Martin Provensen inspiriert , so dass ich und immer noch erlauben einige ihrer Ansätze zur Stilisierung Einfluss auf meine eigenen. Der zweite Teil dieser Heilung besteht in der Reverse Engineering Ihres Illustrationsstils, um mehr mit dem Zeichnen zu arbeiten. Was ich meine ist, Sie könnten es hilfreich finden einen Mittelweg zu finden zwischen dem, wie Sie natürlicher zeichnen und wie Sie illustrieren. In der Tat könnte dies die genaue Kombination sein, die Sie benötigen, um Ihren Illustrationsstil zu finden. Der entscheidende Einblick bei diesem Schmerzpunkt ist, dass Ihr Zeichnungsstil und Ihr Illustrationsstil möglicherweise zwei sehr unterschiedliche Dinge sind, zumindest auf den ersten Blick und es ist Ihre Aufgabe, herauszufinden , wie Sie diese Dinge bringen können näher beieinander. Der beste Weg, wie ich dies tun kann, ist, zuerst zu trennen, wie ich aus der Beobachtung schöpfe , wie ich aus dem Herzen oder in einem ideellen Modus ziehe. Dann, um sicherzustellen, dass das, was ich skizziere , tatsächlich in meinem Illustrationsstil ausgearbeitet werden kann. Sie könnten sehr daran gebunden sein, wie Sie etwas auf eine beobachtbarere Weise oder sogar auf ideelle Weise zeichnen können , aber wenn es nicht mit Ihrem Illustrationsstil vereinbar ist, müssen Sie bereit sein, es gehen zu lassen. Dies kann sehr schwierig sein, aber Sie müssen sich versichern, dass Ihre Aufgabe nicht darin besteht, die schönste Zeichnung zu zeichnen, sondern eine Idee für Ihren Kunden zu kommunizieren. Das Wichtigste ist, in diesem einen Fall nicht in der Lage zu sein , eine Sache so zu veranschaulichen, sondern im Laufe der Zeit alles stilistisch konsistent zu veranschaulichen. Wenn Sie als Illustrator wachsen, suchen Sie nach Möglichkeiten, Dinge mit den gleichen Formen und Stilen zu zeichnen, um sicherzustellen, dass sie in Ihrem endgültigen Illustrationsstil immer sinnvoll sind, was bedeutet, dass Sie die Waren tatsächlich liefern können , wenn es um Drehen diese Skizze in Ihre endgültige Illustration. Wenn nötig, können Sie sie immer in Ihrem Stil testen, bevor Sie sie mit Ihrem Kunden teilen und dann Ihre Skizze ändern, um sie näher an das zu bringen, was Sie tatsächlich erreichen können. Es ist immer besser, Ihre Kunden zu unterversprechen und zu überliefern. Teilen Sie niemals Skizze, egal wie schön, wenn Sie nicht sicher sind, können Sie es im Finale vorwärts tragen. Natürlich können Sie idealerweise viele Dinge in einem Stil illustrieren, den Sie lieben, und wieder geht es in dieser Klasse darum, Ihnen zu helfen, dorthin zu gelangen. 8. Einführung: Stilisieren und Kuratieren: Wenn wir tiefer in die Idee eintauchen, unsere Zeichnungs- und Illustrationsstile zu vereinen, kommen wir unweigerlich zur Diskussion der Stilisierung. Stilisierung in einfachen Worten bedeutet, etwas auf eine nicht realistische Weise darzustellen. Stilisierung kann in fünf Prinzipien oder Elemente unterteilt werden, die tatsächlich in Sweet Spots und seltsamen Körpern zu anderen Klassen, die ich hier auf Skill-Anteil habe, in mehr Tiefe gehen , aber ich bin mehr als glücklich, sie hier schnell zu berühren. Die Prinzipien der Stilisierung funktionieren bequem in den Akronym Gesichtern, F-A-C-E-S. F ist für Abflachung, A ist für Abstraktion, C ist für Klarheit, E ist für Übertreibung oder Exzentrifizierung, und S ist zur Vereinfachung oder Symbolisierung. Abflachung bedeutet natürlich, das, was wir in Wirklichkeit beobachten, auf einen flachen Raum zu reduzieren den Begriff von Tiefe und Volumen zugunsten einer einfacheren, grafischeren Darstellung zu entfernen. Abstraktion kocht etwas auf seine visuelle Essenz, die Idee von etwas und nicht seine wörtliche Form darzustellen. Abstraktion ist der Schlüssel zur Stilisierung, da sie uns erlaubt , komplexere Dinge auf einfache Weise darzustellen. Mein Lieblingsbeispiel besteht darin, nur das grüne Dreieck zu verwenden, vielleicht mit dem Rechteck unten für einen Weihnachtsbaum. Sie müssen nicht jede Nadel und jedes Stück Rinde zeichnen, Sie müssen einfach die allgemeine Form des Baumes zeigen und vielleicht ein paar bunte Kreise als Ornamente hinzufügen. Klarheit sorgt dafür, dass das, was Sie darstellen, Ihrem Publikum klar ist. Es ist eine Sache, etwas auf unrealistische Weise darzustellen, aber wenn die Idee der Sache nicht klar ist, dass es den ganzen Punkt übersieht. Wenn Sie ein Motiv gestalten, sollten Sie immer darauf abzielen, es eindeutig identifizierbar darzustellen. Übertreibung ist zwar frei, mit Skala in Ihrer Arbeit zu spielen. Nur weil die Dinge im wirklichen Leben eine gewisse Größe haben, bedeutet das nicht, dass Sie sie auf diese Weise in Ihrer Kunst darstellen müssen. Sie dürfen die Größen und Maßstäbe von Dingen ändern, damit Ihre Komposition funktioniert. Ich erwähnte auch das Wort Exzentrifizierung für diesen Punkt, und das ist wirklich nur erlaubt Macken in Ihre Arbeit, in Ihren Stil einzugehen, weil diese letztendlich, was Ihre Arbeit identifizierbarer macht, wenn es zu knackig und zu perfekt ist und Sie erlauben nicht ein paar sorgfältig kuratierte Fehler, dann könnte es einfach ein wenig mechanisch und robotisch erscheinen. ist auch wichtig, dass einige dieser Menschlichkeit in Ihre Arbeit eintreten , wenn Sie stilisieren. Schließlich geht es bei der Vereinfachung darum nur das einzubeziehen, was notwendig ist, um Ihre Idee oder Geschichte zu erzählen. Was mit der Abstraktion zusammenhängt, indem Sie etwas so weit wie möglich auf sein Wesen hinunterkochen möchten. Selbstverständlich möchten Sie Vereinfachung mit Interesse ausgleichen. Du willst etwas nicht so sehr vereinfachen, dass es nichts mehr zu sehen gibt. Sie wollen einen Raum nicht so sehr vereinfachen, dass Sie nur weiße, kahle Wände haben. Gleichzeitig möchten Sie nicht mehr als das, was notwendig ist, einbeziehen , sonst könnte Ihre gemeine Idee verloren gehen. Ein anderes Wort, das ich für das S in den Gesichtern Akronym mag, ist die Symbolisierung. Was ich meine, ist, eine Möglichkeit zu entwickeln, bestimmte Elemente in Ihrer Arbeit immer wieder auf sehr abstrahierte Weise darzustellen . Alle Symbole sind von Natur aus Abstraktionen. Der Buchstabe A zum Beispiel ist eine reine Abstraktion, weil er keine repräsentative Bedeutung hat, die Form des A ist kein Bild von allem, was wir im wirklichen Leben finden. Zur Veranschaulichung verwenden wir jedoch viele Abstraktionen als stilistische Verknüpfungen. Zum Beispiel habe ich Symbole, die ich Abstraktionen für Bäume, Gras, Wellen und sogar Gebäude im Hintergrund verwende . Ich habe diese Objekte so symbolisiert, dass ich sie verwenden kann, um die Idee dieser Dinge vorzuschlagen , ohne sie genauer zu zeichnen. Dies ist besonders nützlich, wenn sie nicht im Mittelpunkt meiner Hauptdarstellung stehen, sie sind Extras in meinem Filmset. Indem Sie bestimmte weniger wichtige Elemente in einer Illustration symbolisieren, können Sie den Sinn einer Szene aufbauen ohne buchstäblich die ganze Szene herausziehen zu müssen, was ansonsten sehr ablenkend und möglicherweise zeitaufwändiger, als sie wert sind. Wenn Sie zeichnen und illustrieren, ist eine gute Möglichkeit, Stil und Persönlichkeit zu Ihrer Arbeit hinzuzufügen in der Art, wie Sie in Verwendung stilistische Kurzbänder wählen, effektiv einfachere Symbole anstelle komplexerer Dinge. Squiggles für Federn oder Rauch, Zickzack für Berge oder Reißverschlüsse, Chevrons auf einem Stock für Bäume, das Ding. Abgesehen von der Stilisierung möchte ich auf das, was ich Kuration nenne, eingehen. Kuration ist der Akt der Auswahl, Organisation und Präsentation von Dingen nach einem bestimmten Zweck oder Geschmack. Eine Galerie kuratiert eine spezifische Sammlung von Kunst nach ihrem Auftrag. Es gibt bestimmte Arbeiten, die es akzeptieren wird, als Wände und andere zu hängen , die kein Vergehen nicht hineinpassen. In einem sehr naheliegenden Beispiel hätte die Malerei keinen Platz in einer Skulpturengalerie. Tizian hätte keinen Platz in einem Museum für Moderne Kunst. Eines meiner schmutzigen kleinen Geheimnisse als Illustrator ist die Tatsache, dass ich bestimmte Objekte auf bestimmte Weise kuratiere oder beschließe, basierend darauf, wie ich sie mit der meisten Leichtigkeit zeichnen kann, oder zumindest mit dem geringstmöglichen Gefühl der Anstrengung in meinen Stil. Es geht nicht darum, faul zu sein, sondern um meine Stärken meines Stils zu nutzen, anstatt ihn dazu zu zwingen, sich wie ein anderer Stil zu verhalten. Da meine besondere Art der Illustration sehr stilisiert und vereinfacht ist, ist es in meinem Interesse, mit Themen und Standpunkten zu arbeiten , die sich am meisten für diesen Ansatz eignen. Ein großartiges Beispiel ist, wie ich Autos zeichne. Nun, ein Illustrator mit einem komplexeren realistischen Stil hätte kein Problem, ein modernes Auto in Dreiviertelansicht zu zeichnen. In meinem eigenen Stil könnte es mir schwer sein, etwas auszuarbeiten. Wenn ich stattdessen ein Auto illustrieren müsste, könnte ich meinen kuratorischen Sinn verwenden, um ein Auto zu wählen, das ich natürlich in meinem Stil zeichnen kann, sagen wir einen 1980, Volvo 240 Wagen in der Innenansicht , der im Grunde ein Ziegelstein auf Rädern ist. Kuration bedeutet, Objekte auszuwählen, die am besten auf die Ziele Ihrer Illustration zugeschnitten sind. In einem solchen Fall könnte das Ziel sein, einfach die Idee eines Autos darzustellen. Ein 1980 Volvo ist weit mehr ikonisch in seiner Interpretation oder Darstellung der Idee des Autos als sagen, ein 2018 Ford Taurus. Es sollte auch beachtet werden, dass ich einfach einen 1980 Volvo einer modernen Limousine jeder Marke oder Modell vorziehe . Das kann ein ebenso gültiger Grund sein, es in meine Kunst aufzunehmen wie jede andere. Wenn ich über Kuration in Illustration und Zeichnung in Richtung Illustration spreche, spreche ich davon, selektiv zu sein, was, wie Sie bestimmte Dinge zeichnen. der Kuration geht es um die Auswahl von Themen und Aussichtspunkten, die in Ihrem Stil und Ihrer Absicht am besten funktionieren. Wie Sie kuratieren, was Sie als Referenzen verwenden, und wie Sie sich entscheiden, Ideen in Ihre Kunst einzubeziehen, das ist ein großer Teil Ihres Stils. Wenn Sie sich jemals fragen, warum ein Illustrator entschieden hat , eine Sache über eine andere in eine Illustration aufzunehmen, gibt es eine gute Chance, dass es auf ihrem kuratorischen Sinn basiert, sowohl in Bezug auf das, was sie sich sicher fühlen, als auch in dem, was sie mögen. 9. Einführung: Iteration (The Secret Sauce): Dies ist das letzte Primer-Video und dann können wir zu den Übungen übergehen. Aber bevor wir es tun, möchte ich Ihnen nur eines der mächtigsten Werkzeuge geben, die ich in der Illustration kenne. Iteration. Iteration bedeutet, etwas immer und immer wieder zu tun, bis Sie es richtig machen. Selten präsentieren sich Ideen sofort in voller Form. Das ist, wo Iteration und sein Cousin, Verfeinerung ins Spiel kommen. Wenn wir auf Illustration zurückgreifen, vor allem, wenn wir an der Entwicklung unserer Konzepte arbeiten, müssen wir zuerst in Bezug auf die Quantität verschiedener Ideen iterieren. Probieren Sie einfach viele verschiedene Dinge aus, ohne zu kritisch zu sein. Nachdem wir einige Zeit damit verbracht haben, alle unsere Möglichkeiten zu erschöpfen, können wir für eine Stunde oder über Nacht wegtreten, im Grunde eine Pause einlegen. Dann können wir später mit einem frischen Geist darauf zurückkommen und unser stärkstes Konzept wählen. Dann können wir wieder iterieren, aber dieses Mal über dieses eine starke Konzept und verfeinern es, um es klar zu machen oder um die Komposition mehr zu passen, oder um es interessanter in irgendeiner Weise zu machen. Verfeinerung ist nur eine andere Iteration, die sich auf Qualität und nicht auf Quantität konzentriert. Iteration und Raffinesse sind die geheime Sauce in Bezug auf den Schritt von Null-Ideen zu mehr Ideen, als Sie wissen, was zu tun ist. Iteration und Verfeinerung helfen Ihnen, auf eine Idee aufzubauen , die Sie sich sonst nie vorgestellt hätten. Es gibt einen Mythos, dass Illustratoren Ideen direkt aus der reichen Phantasie auf die Seite verschütten , wie Magie. Aber die Realität ist, dass Ideen selten so aus dem Nichts kommen. Stattdessen werden starke Konzepte iterativ Schritt für Schritt entwickelt, indem sie mit groben Flecken beginnen, die sich unsicher fühlen, und auf diesen aufbauen, bis der große Eureka-Moment eintritt. wir die Übungen und im abschließenden Projekt durchziehen Sie daran, dass Ideen iterativ kommen, wennwir die Übungen und im abschließenden Projekt durchziehenund während Sie auf Ihre eigene Reise zur Illustration ziehen. Wenn Sie sich jemals fest fühlen und Sie nicht wissen, was zu tun ist, beginnen Sie mit Markierungen und reagieren Sie dann auf diese Marken und antworten Sie dann auf diese Antworten, immer auf der Suche nach dieser Idee oder stellen Sie die Frage, funktioniert das? Tut das, was die Illustration tun muss? Nur durch Iteration und dann wegtreten und zurückkommen und nach Dingen suchen, die objektiver funktionieren, können Sie wirklich Ideen aufbauen, an die Sie nie zuvor gedacht hätten. Denken Sie daran, wenn wir die Übungen und Projekte in dieser Klasse durchlaufen. 10. Übungen: Start: Es ist Zeit, in die Übungen zu kommen. Es gibt vier Übungen, jeweils ähnlich sind, da sie zwei Teile haben. Im ersten Teil zeichnen wir aus dem Beobachtungsmodus, entweder aus dem wirklichen Leben oder aus einem Referenzfoto. Im zweiten Teil zeichnen wir im Idealmodus, wobei wir das, was wir aus dem ersten Teil kennen und erinnern, als unsere einzige Referenz verwenden. Für alle Übungen sollten Sie die Konturzeichnung verwenden, um das Formular zu beschreiben. Vermeiden Sie die Versuchung, das Volumen übermäßig zu schattieren und zu modellieren. Wenn Sie diese Übungen durchlaufen, nehmen Sie so lange, wie Sie wollen. Aber ich werde eine Zielzeit für jeden Teil jeder Übung vorschlagen und dies wird Ihnen helfen, frisch zu bleiben und Dinge nicht zu überdenken. Aber noch einmal, wenn Sie sich in der Zeichnung verlieren wollen und sich keine Sorgen um die Zeit machen wollen, ist das auch ganz in Ordnung. Schließlich, bevor wir in die erste Übung kommen, denken Sie daran, dass dies Lernübungen sind, keine Aufführungen. Übung macht dich stärker, was bedeutet, dass wir noch nicht so stark sind, wie wir sein werden. Der größte Weg, um Frustration oder Ungeduld zu vermeiden, ist, zuerst einen Timer zu setzen und sich nicht zu viel Zeit zu geben , um mit Details zu betäuben und Dinge zu überdenken. Zweitens, geben Sie sich die Erlaubnis, schlecht zu sein, und drittens, einfach durchgedrängt, egal was passiert. Wenn du das Gefühl hast, dass du einen Fehler gemacht hast, akzeptiere ihn einfach und mach weiter. Was auch immer Sie tun, hören Sie nicht auf, sich selbst die Zeit zu geben, einen Fuß nach vorne zu nehmen. Es gibt eine Zeit, kritisch und zweifelhaft zu sein, aber das ist nicht die Zeit. 11. Übung 1: Der Stuhl: In Übung 1 werden wir einen Stuhl zeichnen. Finden Sie einen Stuhl in Ihrem Haus oder finden Sie bei Bedarf online ein Bild eines Stuhls. Es kann jeder Winkel sein, obwohl ich vorschlage, dass Zeichnen eines Stuhls in Dreiviertelansicht, wo Sie einige der oberen und zwei Seiten zur gleichen Zeit zu sehen. Dies gibt Ihnen die bestmöglichen visuellen Informationen zu Ihrem Thema in einer einzigen Ansicht und wird nützlich für das Zeichnen von Herzen im zweiten Teil. Für Teil eins, Beobachtungsmodus, geben Sie sich zehn Minuten oder weniger zu vervollständigen. Zeichnen Sie einfach den Stuhl, wie Sie ihn mit Konturen sehen. , für Teil 2, Idealmodus, Versuchen Sie, für Teil 2, Idealmodus,nicht länger als fünf Minuten zu dauern. Ich habe hier ein Bild von einem Stuhl aus meinem Arbeitsbereich aus meinem Studio. Ich werde das nur so gut wie möglich zeichnen, so treu wie ich kann, daran denken, nur in Konturen zu zeichnen und zu vermeiden zu viel Phantasie Schattierung und Denken in Bezug machen, dass es zu realistisch aussehen oder irgendetwas wie das. Aber ich ziehe von der Beobachtung mit schönen mutigen Konturlinien. Also werde ich einfach reingehen und schauen, was passiert. Sofort bin ich reingegangen und entschied mich, die äußere Kontur des Stuhls selbst in einem mutigen Schlag zu verfolgen . Beim Zeichnen eines Objekts suchen Sie nach Objektkanten oder Features des Objekts, mit denen es definiert wurde. Vor allem mit einer kurvigen Oberfläche wie diesem Stuhl, werde ich so viel wie möglich brauchen, um mir zu helfen, diese Oberfläche mit Kontur zu beschreiben. Diese Bolzen, die die Beine auf dem Sitz halten sind sehr wichtig, um die Gesamtkontur dieses Stuhls ohne Beschattung zu beschreiben. Auch hier kann ich ein bisschen eine Konturlinie verwenden. Eine hier, die ich sehe, dass Hilfe kommt, um das Gefühl der Kontur zu bekommen. Wenn es hilft, wenn Sie aus dem Leben ziehen, hilft es, Ihr Subjekt in Ihrem Kopf zu glätten, indem Sie nur ein Auge schließen , damit Sie nicht die Tiefe so sehr wahrnehmen. Ich schaue auf meinem Bildschirm auf meinem Referenzfoto und sehe, wo diese Beine in Bezug zueinander sitzen, aber auch in Bezug auf die Schrauben, die den Sitz an den Beinen halten. Wieder suchen Sie nach Referenzpunkten in Ihrem Thema, mit denen SieIhren nächsten Schritt machenkönnen Ihren nächsten Schritt machen , damit ich Tennisbälle auf den Beinen meines Stuhls habe, um meinen Boden zu schützen. Ich mag nur, wie es aussieht. Dieser mutige sitzt ein wenig höher in der Ebene als dieser und dieser kommt eigentlich ein bisschen weiter runter. Auch hier tue ich mein Bestes, um diesen Stuhl nur mit Konturen zu beschreiben und zu vermeiden, dass er schattiert, wenn möglich. Nun, ich möchte es vielleicht nur ein bisschen eine Schattierung hier geben, irgendwie was ich auf meinem Foto sehe, nur um ihm ein bisschen mehr ein Gefühl für die Krümmung dieser Oberfläche zu geben. Diese Art von Dienstleistungen sind nur viel schwieriger, im Konturstil zu zeichnen. Aber auch nur diese Zeilen, glaube ich, waren genug. Ich musste die Schattierung nicht wirklich hinzufügen, aber die Schattierung ist nur befriedigend, um dort beim Skizzieren hinzuzufügen. Aber wie Sie sehen können, könnte ich einfach weitermachen und überarbeiten, und genau das würde passieren. Die Suche würde einfach überarbeitet aussehen. Es wird diese Spontaneität verlieren, aber natürlich ist dies ein Studienbild. Es spielt keine Rolle, wie gut das ist, denn das ist nicht mein Endprodukt. Mein Endprodukt wird eine abschließende Illustration für meinen Kunden sein. Dies ist ein Beobachtungsbild. Das ist etwas, das ich in dem mache, was ich Sweet Spots nenne. Ich nenne diese kostenlose Skizze, wo ich gerade visuelle Informationen herunterlade , so dass die Tat getan wurde, ich habe Informationen über diesen Stuhl heruntergeladen. Da ist es. Ich werde es einfach verlassen und in Teil 2 übergehen. In Teil 2 bewegen wir uns vom Beobachtungsmodus in den Ideationsmodus. Ich werde meine Referenz weglegen. Ich schaue nicht auf mein Stuhlfoto, das ich vorher hatte. Ich werde mein Bestes tun, um diesen Stuhl mit Konturlinien aus dem Gedächtnis zu zeichnen. Ich erinnere mich, dass es diese Form des Sitzes gibt. Es gab Bolzen in dieser Art von Diamantmuster. Es gab hier eine Kontur, könnte etwas da sein und das hilft wirklich, diese Lippe des Stuhls zu beschreiben. Es gab die Beine, die etwas mit den Bolzen des Meeres verwandten. Ich erinnere mich auch, dass die Tennisbälle auf der Unterseite jedes Beines, wo sie eine Diamantform bilden, wenn Sie über diese Bälle in Bezug auf vielleicht Konstellationen denken. Wir haben die Kugeln, die die Form machen, und ich erinnere mich daran. Ich werde nur die Linie dort rückgängig machen und diese Köpfe, diese Art von Schnitten, bei denen das Bein irgendwie in die Eier ging. Da ist das Tennisball-Motiv, die kleine Tennisball-Linie auf jedem von denen. Hier ist mein Stuhl. Ich mache das völlig aus dem Gedächtnis und ich würde sagen, es ist wahrscheinlich ziemlich nah. Ich erinnere mich, dass diese Beine schwarz waren. Nun, hier ist eine interessante Sache, die ich möchte, dass du es auch ausprobierst. Jetzt, da Sie diese Referenz dieses Stuhls im Kopf haben, versuchen Sie, mit dem Winkel dieses Stuhls zu spielen, ohne den eigentlichen Stuhl im wirklichen Leben um die Suche nach verschiedenen Winkeln zu drehen. Sie müssen dies tun, besonders wenn Sie nur mit Referenzbildern arbeiten , da Sie keine anderen Winkel haben. Aber es ist nur eine interessante mentale Schrägstrich visuelle Übung. Wie können Sie diesen Stuhl in Ihrem Kopf auf unterschiedliche Weise drehen als Ihre Vorstellungskraft? Stellen Sie sich vor, wie dieser Stuhl in all diesen anderen Winkeln aussehen würde und fordern Sie sich heraus , ihn zu zeichnen, ohne eine visuelle Referenz haben zu müssen. Sie werden feststellen, dass meine Vorderansicht des Stuhls, meine Seitenansichten, sie sind technisch nicht so gut, aber sie machen Spaß. Sie sind wunderlich und wackelig und letztendlich ist das meine Stimme, das ist meine Zeichenstimme, und das gefällt mir. Wieder, was ich tun könnte, wenn ich diese irgendwie durchgehen wollte, habe ich hier eine neue Schicht. Ich habe Zeichnungen festgelegt, die ich gerade als eine Art geringere Deckkraft gemacht habe, also jetzt ist es, als hätte ich Transparentpapier darüber. Ich kann versuchen, diese auf eine klarere, selbstbewusste Art und Weise zu verfolgen. Vielleicht machen Sie einen der Fehler aus, die ich dachte, ich habe im ersten Durchgang gemacht. Zum Beispiel kann ich hier runtergehen und wirklich sicherstellen , dass die Interaktion zwischen dem Riss in der Kugel, wo das Licht in den Schlitz geht. Ich kann das etwas klarer machen, was da vor sich geht. Dies kann in meiner letzten Illustration notwendig oder unnötig sein, es hängt alles davon ab. Aber das sind die Dinge, die Sie tun können, wenn Sie über eine Illustration gehen. Hier ist meine Linienqualität wirklich wackelig, was ich denke, hat viel Bewegungsgefühl, so dass ich wählen könnte, einfach das zu verlassen, aber vielleicht muss der Illustrationsstil, den ich in meiner letzten Kunst gehe , ein bisschen knackiger sein. Ich werde knackig machen, was hier vor sich geht. Ich habe dort etwas Oopsie gemacht. Also werde ich es noch ein Mal machen und ich kann das so oft wiederholen, wie ich das Gefühl habe, bis es perfekt ist, besonders wenn es digital ist. Es ist wirklich keine Haut von meinem Rücken, außer für ein bisschen Zeit. Vereinfachen Sie den Schlitz, um nur auszurichten. Wenn ich es nicht dreidimensionaler beschreiben möchte. Das könnte alles sein, was ich brauche. Sie können sehen, dass es eine Bewegung, einen Fortschritt in Richtung oder zuversichtlich scharfe Linien gibt, die meine Zeichnung beschreiben. Wieder möchte ich einige dieser kleinen Details mitbringen, die die Geschichte dieses Objekts erzählen , das interessanter ist als der Stuhl selbst ist, dass ich Tennisbälle darauf gelegt habe. Sehen Sie, wie viele verschiedene Winkel Sie Ihren Stuhl zeichnen können. Dann, wenn Sie fertig sind, vergleichen Sie, was Sie im zweiten Teil gezeichnet haben, mit dem, was Sie im ersten Teil gezeichnet haben. Ich mache das hier mit euch, meine eigene Kunst. Hier haben wir den Stuhl, den ich aus dem Leben gezogen habe und dann hier haben wir meine raffinierteste Version der Stühle, die ich in verschiedenen Winkeln gezeichnet habe. Sie können hier wirklich sehen, dass wir viel mehr Feinheiten in der Beobachtungszeichnung haben , wie die Subtilität der Kurve der Beine, die sich zurück zum anderen beugen. Sie haben alles mehr an einem realistischen Ort. Sogar die Art und Weise, wie ich diese Konturen mit diesen einfachen Linien beschrieben habe , funktioniert und macht Sinn, wenn man es betrachtet. Hier in meinem zweiten Teil, wo ich nur zum Gedächtnis gezeichnet habe, habe ich die Beine geglättet, ich erinnere mich nicht an dieses Detail hier. Ich habe die Konturen des Sitzes wirklich vereinfacht. Während Sie sich das ansehen und denken, das sieht besser aus. Diese erste Beobachtungszeichnung sieht besser aus, das ist eine faire Beobachtung und eine faire Meinung. Aber Sie können dies auch als sein eigenes Ding betrachten, getrennt von dem, was Sie beobachtungstechnisch gezeichnet haben und den Wert auch sehen. Das macht einfach mehr Spaß, es ist wunderlicher, und es wäre wirklich interessant zu sehen, wie das aussehen würde. Wenn ich hinzufügen würde, würde ich Farbe und Textur verwenden und meine letzten Illustrationstechniken verwenden, um dies zu rendern. Es ist etwas Mutiges und Mutiges und Spaß daran, mit diesem zu gehen, trotz dessen, was Sie wissen, dass Sie getan haben können. Das ist eine der kreativen Entscheidungen, die Sie als Illustrator treffen, ist der Grad des Realismus im Detail und die Subtilität, die Sie in Ihre Arbeit bringen. Wenn Sie eine konsistente Art und Weise des Zeichnens entwickeln wollen, glaube ich, dass Sie sich tatsächlich an Ihre Macken und die Dinge, die nicht perfekt an Ihrer Arbeit sind, gewöhnenmüssen glaube ich, dass Sie sich tatsächlich an Ihre Macken und die Dinge, die nicht perfekt an Ihrer Arbeit sind, gewöhnen . Denn letztendlich musst du aus deinem Herzen ziehen. Wenn du aus dem Herzen ziehst, sieht es mehr so aus als so. Diese zweite Art des Zeichnens wird zum Besseren oder zum Schlechteren sein, was Sie konsequenter zeichnen können. Ich werde es dabei belassen. Dies ist die erste Übung, und jetzt gehen wir in die zweite Übung, die die Pflanze ist. 12. Übung 2: Die Zimmerpflanze: In dieser Übung zeichnen wir eine Zimmerpflanze. Es kann eine hängende oder Topfpflanze sein, groß oder klein. Es liegt an dir. Ich werde eine meiner Topfpflanzen zeichnen. Für diesen hier schlage ich vor, eine Pflanze mit Blättern und Merkmalen zu zeichnen , von denen Sie denken, dass es schwer zu zeichnen wäre, im Gegensatz zu sagen, ein einfacher Birnenkaktus oder eine Schlangenpflanze, eine Palme oder Ficus sind ideale Exemplare zum Zeichnen, zum Beispiel. Für Teil 1, Beobachtungsmodus, geben Sie sich 10-15 Minuten, um abzuschließen, abhängig von der Komplexität der Pflanze und wie genau Sie zeichnen möchten. Von unseren komplexen Themen mit überlappenden Teilen wie Pflanzen wird es schwieriger sein, sich mit der Zeichnungsaufgabe zu betrauen. Auch, so wie ich über meine eigenen gehen, dass es einfacher ist, wenn Sie die meiste Zeit damit verbringen, Ihr Thema zu betrachten, dann auf Ihrer Seite. Lassen Sie Ihre Hand verfolgen, was Ihr Auge sieht, während sie die Kanten und Konturen der Pflanze scannt. Für Teil 2, Ideationsmodus, geben Sie sich 5-10 Minuten. Okay, das ist die zweite Übung. Jetzt ist es unsere Aufgabe, eine Pflanze zu zeichnen. Nun, warum eine Pflanze? Pflanzen sind organisch, sie sind komplex, sie haben viele überlappende Teile, und sie stellen insgesamt nur eine Herausforderung für unsere Patienten dar und definitiv eine Herausforderung für einige meiner Ideen, nur in Konturen zu zeichnen. Es ist eigentlich eine wirklich großartige Gelegenheit, um zu versuchen und Ihr Gehirn in diesen r Modus zu bringen, wenn Sie beobachten zeichnen, erlauben Sie Ihrem rechten Gehirn zu übernehmen, wo Ihre Zeichnung, was Sie sehen. Dein linkes Gehirn wird wirklich frustriert, weil es so ist, als wäre das ein Blatt, das ist ein Blatt, nur Blatt zeichnen. Es hat nicht wirklich ein Symbol für die Art, wie all diese Blätter in Ihrer Pflanze oder den Stamm oder die Rinde oder was auch immer Sie in Ihrer Pflanze zeichnen. Es hat wahrscheinlich keine sehr klaren Symbole für all diese Dinge, es wird entweder wollen Sie sagen, zu beenden, es wird Ihnen sagen, dass Sie einen schlechten Job machen und es wird nur insgesamt sehr ungeduldig sein. Ich habe vor mir ein Bild von einer meiner Zimmerpflanzen und es ist in einem Topf auf einem Ständer. Ich kann einfach die ganze Versammlung zeichnen, aber lasst uns einfach darauf eingehen. Vielleicht nur um mich selbst in das Zeichnen der Single zu täuschen, werde ich damit beginnen, den Pflanzkasten selbst zu zeichnen, weil es kein organisches Objekt ist. Das Problem hier ist, dass ich tatsächlich ein bisschen zu groß angefangen habe, ich möchte das einfach klären und wieder anfangen. Nichts Kostbares hier, und du wirst mir etwas Platz für diese Pflanze geben müssen. Wieder beginne ich mit der Übertopfzeichnung in schönen, selbstbewussten Konturstrichen im Vergleich zu vorsichtigen, skizzenhaften Strichen. Seien Sie nicht schüchtern, seien Sie nicht zu vorsichtig, schauen Sie, ob Sie all Ihre Kanten und Konturen beschreiben können. Schöne, selbstbewusste, saubere Striche, nicht perfekt, nur sauber und zuversichtlich. Während ich im Beobachtungsmodus zeichne, denke ich auch über Größenbeziehungen nach. Ich frage mich, wie groß sind die Beine auf dem Pflanzenständer im Vergleich zum Pflanzgefäß? Ist ein Blumentopf von so groß und die Beine so groß oder wenn die Pflanze dieser groß und die Länge so groß, basierend auf dem, was ich hier von meinem Auge messen, sind der Ständer und der Pflanzkasten ungefähr die gleiche Höhe. Ok. Ich kann mich später mit dem Pflanzgefäß befassen. Jetzt kann ich den Stamm der Pflanze aus ihm jetzt ziehen , um mit eigentlich ganz einfach zu beginnen, ich sehe den Stiel und dann plötzlich, wenn es hier kommt, geht es in all den getrennten Blättern dieser Pflanze verloren. Was ich tun werde, ist nur mit allem zu gehen, was ich sehen und leicht artikulieren kann, und dann mich selbst betrügen, mich einfach zu beginnen, durch Konturen zu zeichnen. Nun, eine Sache über das Zeichnen, komplizierte Dinge wie diese. Ein Trick besteht darin, mehr auf Ihr Thema als auf Ihre Seite zu schauen, denn wenn Sie auf Ihre Seite schauen, schauen Sie nicht, Sie sehen nicht, was Sie tatsächlich zeichnen. Hier erlaube ich nur meinem Stift, diese Linien zu verfolgen, ich versuche zu vergessen, dass ich Blätter zeichne und nur Formen, Linien, Konturen, Wellen zeichne. Es wird nicht perfekt sein. Es könnte sogar chaotisch werden, Sie könnten den Überblick verlieren, es ist in Ordnung, tun Sie Ihr Bestes, um den Überblick zu behalten, aber zeichnen Sie, indem Sie suchen, nicht durch Denken. Wir ziehen von der rechten Seite des Gehirns, erzählen das linke Gehirn, tut mir leid. Du musst deinen Weg später haben, gerade jetzt zeichnen wir nur diese abstrakten Linien, die wir vor uns sehen. Sie haben keine Namen, aber Sie werden feststellen, selbst wenn Sie aus dem Leben zeichnen, Sie beginnen, Sie bewegen Ihre Hand, vor allem mit Blättern. Sie bewegen Ihre Hand im gleichen Muster, wie Sie jedes Blatt immer und immer wieder trocknen. Beachten Sie, dass ich hier keine Menge Zeit nehme. Sie könnten vorsichtiger sein, Sie können so lange dauern, wie Sie Ihre Pflanze zeichnen möchten. Ich habe auf meinen Bildschirm geschaut. Ich habe wirklich ein paar Mal angeschaut, aber ich habe nicht wirklich geschaut, jetzt schaue ich. Diese Pflanze, die ich gerade gezeichnet habe, ist wirklich eine blinde Kontur. Eine blinde Kontur ist wirklich nur eine Konturzeichnung, wie ich sie bereits beschrieben habe, aber Sie verbringen fast keine Zeit damit, sich die Seite selbst anzusehen. Jetzt werde ich nur einige der Details meines Pflanzgefäßes füllen. Gezeichnet auf Gittermuster, dies sind Holz, das sie verjüngen. Ich denke, das ist alles, was ich in diesem Modus tun kann, sonst gibt es nur, es ist schon eine Masse. Aber das ist Teil eins der Pflanzenzeichnung und es dauerte weniger als 10 Minuten, um hierher zu kommen, und das ist wirklich alles, was ich brauchte, um die Pflanze wirklich für meine Zwecke zu sehen. Was ich tun werde, ist, dass ich diese Schicht für jetzt verstecken werde, ich werde eine neue Ebene öffnen. Wir werden in den zweiten Teil der Pflanzenübung gehen, was natürlich ist, die Pflanze aus dem Gedächtnis zu ziehen. Ich verschiebe die Pflanze eine Referenz aus meiner Sicht und kein Blick, kein Gipfeln, kein Betrug. Wir werden unsere Pflanze kalt aus dem Gedächtnis ziehen, und natürlich schauen wir jetzt auf den Bildschirm. Ich mag es, mit dem sichersten Objekt oder Rand zu beginnen, an den ich mich erinnern oder sehen kann, und das war natürlich der Pflanzenstand mit dem Pflanzgefäß oder Topf. Wirklich, ich verzögere nur den harten Teil, aber los geht's. Ich weiß, dass der Stamm dieser Pflanze diese Linien hat, und die Blätter haben gerade angefangen, so weiterzugehen. Kleine Bananen wirklich, und sie überlappten sich, und manchmal taten sie es nicht, und manchmal haben sie es nicht getan, je nach Rand, mein linkes Gehirn bekommt jetzt seine Zufriedenheit, weil dies Symbole sind, sind Symbole für die Blätter, meine linke Gehirne fand einen Hack, eine Möglichkeit, diese komplexen Blätter als Symbole zu zeichnen, als schnelle Vorstellungen oder Ideen. Mein rechtes Gehirn hat seine Arbeit erledigt, es kann sich entspannen. Ich kann diese Pflanzen einfach zeichnen und jetzt liegt es wirklich nur an mir zu bestimmen, wann genug ist. Habe ich genug in dieser Zeichnung? Vielleicht muss ich noch eine Sache da reinwerfen. Ich kann immer rückgängig machen, wenn ich das Gefühl habe, dass es zu viel gibt, kann ich immer mehr hinzufügen. So etwas habe ich es vielleicht schon übertrieben. Aber da ist die Pflanze aus dem Gedächtnis, ein sehr komplexer organischer Organismus. Ja, ich habe das Gefühl, diese Form aus dem Gedächtnis ist viel näher an der Art, wie ich es illustrieren würde. es ist aus der reinen Beobachtungsform entfernt und es ist sicherlich viel sauberer als die blinden Konturen, die ich im Beobachtungsmodus verwendet habe, aber mal sehen, was passiert, wenn ich versuche, dies ein wenig mehr mit einigen meiner Stilisierungsprinzipien. Es gibt Abflachung, Obstraktion, Klarheit, Übertreibung oder Exzentrifizierung und Vereinfachung oder Symbolisierung. Diese Pflanze, die aus dem Gedächtnis gezogen wird, ist so sehr repräsentativ, sie dem Original sehr nahe kommt. Aber mal sehen, was passiert, wenn ich es noch weiter aus dem Realismus entferne. Was kann ich damit machen? Ich habe den Blumentopf, ich habe ihn abgeflacht. Ich erledige das Gefühl, dass das Innere dieses Pflanzgefäßes ist, vielleicht mit den Beinen, ich verwandle sie einfach in Stöcke. Ich werde mir noch keine Sorgen um das Muster machen. Dann mit der Pflanze, die Frage ist, wie kann ich es plantae machen, aber wirklich weg von der Realität? Wie können wir die Essenz dieser Pflanze erfassen? Ich weiß immer noch nicht, wie diese Pflanze heißt. Was ich wirklich tun möchte, ist, diese einfach und flach zu halten. Mir macht es nichts aus, ein bisschen Überlappung, nur ein bisschen. Andernfalls könnte die Illustration zu beschäftigt werden. Diese Zeichnung, was ich hier mache, ist näher an dem, was ich meinen Illustrationsstil nennen würde, als diese. Es ist stilisierter, ich habe symbolische Dinge mehr, vereinfacht, es ist noch exzentrischer. Die Art, wie ich die Beine gezeichnet habe, ist es völlig nicht so, wie es im wirklichen Leben war. Es ist etwas schrulliges daran, aber es fügt Charakter hinzu. Wenn ich wollte, könnte ich wieder ein Muster hinzufügen, und jetzt bin ich total abgeflacht dieses Muster. Ich schlage überhaupt keine Krümmung mit diesem Muster vor. Nur ein Gitterwaffel-Sache, so etwas. Dann werde ich damit herumspielen, könnte ich entscheiden, dass, wenn ich es in meinem Stil illustriere , es nicht das Muster benötigt, oder vielleicht möchte ich ändern, was dieses Muster ist. Ich muss nicht genau das, was ich im Referenzbild gesehen habe, oder ein echtes Leben, vielleicht ist es genug, horizontale Streifen auf dem Topf zu haben, oder vielleicht habe ich ein Squiggle als Muster. Man kann wirklich mit der Realität herumspielen. Die Realität unterscheidet sich von Illustration, denn in der Illustration können Sie tun, was Sie wollen, Ihre Welt ist plastisch und formbar und Partei in Ihren Händen. Vergleichen wir einfach die ursprüngliche Zeichnung, die ich gemacht habe, mit den stilisierten, die ich im ideellen Modus gemacht habe. Nun, ich mag das sehr, ich denke, das ist wirklich cool. Es gibt eine Menge Gefühl und Ausdruckskraft in dieser Zeichnung, aber ich würde fragen, ob ich in der Lage wäre, es ein anderes Mal so zu bekommen, wenn ich es nötig hätte . Natürlich könnte ich in der Lage sein, eine weitere blinde Kontur der Pflanze zu zeichnen und hätte einige dieser Eigenschaften, aber eines der Dinge, die wir als Illustratoren besser werden wollen, ist in der Lage, vergangene Erfolge zuverlässig zu wiederholen. Wir wollen unsere größten Hits immer und immer wieder machen können, ein Repertoire haben, aus dem wir schöpfen können. Die Chancen, dies zu tun, sind nicht so groß wie die Chancen, dies wieder zu tun. Das ist meine symbolisierte stilisierte Pflanze. Das könnte ich wieder tun, und vielleicht von jetzt an und ich zeichne Zimmerpflanzen und Szenen, zum Beispiel. Ich werde am Ende etwas abweichen, unbewusst oder bewusst, denn jetzt habe ich es, und es ist jetzt ein Teil meiner Symbolsprache, meiner visuellen Sprache, die ich in meiner Illustration verwende. Dies schließt die Auslosung einer Pflanze Übung Teile 1 und 2, und wir gehen jetzt auf die dritte Übung, die Zeichnen unseres Arbeitsbereichs. 13. Übung 3: Der Arbeitsbereich: In dieser Übung zeichnen wir unseren Arbeitsbereich oder eine andere Innenszene eines Raumes in Ihrem Haus. Sie können auch ein Foto von einem Arbeitsbereich finden, der Sie online inspiriert, es ist Ihre Wahl. Es sollte klar sein, dass Ihr Arbeitsplatz nicht in makelloser Form sein muss , um ihn zu zeichnen. In der Tat denke ich, es wäre viel interessanter, wenn Sie einfach Dinge zeichnen , wie sie ohne zu viel Styling sind. Gönnen Sie sich mehr Zeit, dies zu zeichnen, wenn Sie wollen. Für Teil 1, geben Sie sich vielleicht 20 Minuten, um die Zeichnung zu vervollständigen. Denken Sie daran, sich auf das Zeichnen von Konturen mit Konfidenzstrichen zu konzentrieren, nicht schüchtern und vorläufig. Vermeiden Sie wie immer die Versuchung, ein Gefühl von Volumen zu schattieren und zu modellieren. Achten Sie darauf, sich genügend Platz auf der Seite zu geben, um so weit wie möglich von einer Szene zu zeichnen. Wenn Sie eingeschüchtert sind und nicht wissen, was Sie zuerst zeichnen sollen, beginnen Sie einfach mit einer Kante des dominantesten Objekts in Ihrer Ansicht, was auch immer Ihr Auge natürlich angezogen wird. Für Teil 2, geben Sie sich etwa 10 bis 20 Minuten zu beenden. Sie können feststellen, dass Sie sich an alles erinnern, was Sie in Teil 1 gezeichnet haben, oder dass Ihr Gedächtnis ein wenig neblig ist, aber wenn Sie weitergehen, werden Sie hoffentlich feststellen, wie ich das tue, mein Gedächtnis mit jeder neuen Marke, die ich hinzufüge, joggt. Jede neue Marke hilft mir, mich daran zu erinnern, was meine nächste Marke sein sollte, was die nächste Sache in meiner Szene war, als ich sie beobachtbar zeichnete. Dieser wird länger dauern als der Stuhl und die Pflanzenübungen, aber wirklich ist es die gleiche Übung, Zeichnen mit Konturen, was Sie sehen, beginnen Sie mit der Kante, auf die Ihr Auge zuerst gezogen wird, und gehen Sie einfach von dort. Mach dir keine Sorgen um deinen Ausgangspunkt. Das Einzige, worüber man vielleicht nachdenken sollte, ist Skala. Du willst nicht aus dem Platz laufen. Ich werde einfach mit der visuell offensichtlichsten Sache beginnen, die mein Bildschirm ist, vielleicht zögern und füllen Sie es aus, weil es so viele Details gibt, dass es sofort befriedigender scheint , diesen Bildschirm einfach mit etwas Schattierung, anstatt nur das zu tun, was ich tun soll. Sie werden feststellen, dass, obwohl Zeichnen eine wunderbare und angenehme Übung ist, es etwas ist, das wir dazu neigen, zu verzögern und zu vermeiden, weil es eine Konzentration erfordert, um wirklich aus der Beobachtung zu ziehen. Während Sie zeichnen, finden Sie vielleicht dieses Fehlmaß, und es ist in Ordnung, einfach bearbeiten, während Sie gehen, ich zog meinen Monitor ein bisschen zu klein. Ich zeichne einige der Bücherregale, die ich habe, ich kann das als eine Möglichkeit verwenden, in meiner Gesamtzeichnung zu messen. Zeichnen aus der Beobachtung bedeutet nicht unbedingt Genauigkeit, es bedeutet nur, dass Sie offen sind, um tatsächlich zu sehen, was vor Ihnen liegt, und bis zu einem gewissen Grad zeichnen und es auf Ihrer Zeichnungsoberfläche aufzeichnen. Je komplexer die Sache, die Sie aus der Beobachtung zeichnen, desto skizzierter könnte es aussehen, desto mehr Fehler werden Sie machen, also werden Sie diesen Effekt haben, dass die Dinge etwas weniger aussehen klar und zuversichtlich, das ist das ideale, aber nicht immer das genaue Ergebnis, das Sie erhalten. Das Foto, das ich als Referenz verwende, habe ich gerade ein Foto von meinem Studio gemacht, wie es jetzt ist, ich nehme auf, also gibt es hier viel Aufnahme-TagesChaos, einschließlich der Beleuchtung. Das Schöne an der Beobachtung ist, bestimmte Dinge nicht notwendig oder gewünscht sind, man kann sie auslassen. Ich mag die Beleuchtung meines Setups hier auslassen, aber weißt du was, weil es da ist, ich würde sie lieber zeichnen, ich denke, ich werde es einfach einschließen. Sie werden feststellen, dass Sie möglicherweise völlig falsch in Bezug auf Beziehung wie in meinem Bild, mein Bildschirm und mein MacBook sind viel näher, also wenn ich wollte, könnte ich gehen und bewegen alles auf diese Weise löschen und wieder beginnen. Aber ich werde es einfach weitermachen, um euch zu beweisen dass die Dinge nicht genau perfekt sein müssen, selbst wenn sie aus dem Leben ziehen. Sie versuchen wirklich, visuelle Informationen herunterzuladen und diese unten auf der Seite aufzuzeichnen. Das ist nicht unser Endziel, wir ziehen das nicht als unser endgültiges Ziel an. Auch wenn ich, wie mein Regal diese Klammern hat, die es halten, kann ich diese gleichmäßigen Intervalle verwenden, um zu messen, wohin die Dinge gehen. In meiner Komposition habe ich ein großes Glas voller Klebeband und Lineale, es ist mein Klebeband und Linealglas. Ich habe da einen Papierball, den ich irgendwann zerknittert habe. Hier habe ich ein Licht, und zeichne nur die Konturen auf, die ich sogar meinen Schreibtisch sehe , und lasse einfach mein rechtes Gehirn hier sein Ding machen. Mit dieser komplexeren Szene interessiere ich mich mehr für die Gesamtszene als für jedes winzige Detail, und ja, ich verwende Schattierung zusätzlich zu Konturen, weil es mir hilft , auf alle anderen Elemente in meinem Komposition hier. Es gibt einige Bücher hier, und Sie werden sehen, dass ich nicht allzu besorgt darüber bin, was genau diese Bücher sind, vielleicht später, wenn es sich wichtig fühlte, ich könnte tatsächlich zurückgehen und versuchen, zu verweisen, was einige dieser Details sind, ich kann zu der Geschichte hinzufügen, oder sie könnten einfach zu viel Detail sein. Auch hier könnt ihr so detailliert sein, wie ihr wollt. Ich kann wirklich jedes kleine Detail zeichnen und genau sein. Für mich gerade versuche ich nur, in die allgemeine visuelle Information zu bekommen, Schlüsselidee hier, die Schlüsselgeschichte ist mein Arbeitsbereich. Ich arbeite schnell genug, um das einfach durchzustehen, keine Sorgen um Genauigkeit und Präzision, mehr darum, das alles nur auf der Seite und in meinem Herzen und in meinem Kopf abzubilden . Während ich zeichne, gehe ich schneller und schneller, und der Grund ist, dass ich gerade in einem Modus genau richtig bin, wo mein Verstand nicht denkt, ich schaue nicht auf meine Seite so sehr, ich versuche nicht kritisch zu sein. Der Rand meines Schreibtisches ist hier und es geht hier runter, ich habe ein paar Schubladen. Auch hier sehe ich Muster mit diesen kleinen Ziehungen, den kleinen Löchern in den Türen, damit du herausziehen kannst. Das könnte wie ein Chaos aussehen, wenn ich tatsächlich auf meinen Bildschirm schaue, aber im Moment bin ich nur in der Zone, um die Realität mit meinem Stift auf dem Papier zu verfolgen. Eine Sache, an die ich während ich diese Klasse entwickelte, war, wie das, was ich jetzt mache, nicht anders ist als das Tracing, und wenn Sie das umdrehen wollen, ist das Tracing nur das Zeichnen Ihrer Motive mit dem geringsten möglichen Raum zwischen Ihrem Bleistift und Ihrem Motiv. Wenn Sie die Verfolgung verfolgen, folgen Sie nur den Linien, die sich direkt unter der Spitze des Werkzeugs befinden. Aber wenn Sie im Beobachtungsmodus zeichnen, verfolgen Sie die Linien vor Ihnen ist nur, dass diese Objekte innerhalb Ihrer Verfolgung nur ein paar Meter entfernt, ein paar Meter entfernt oder Hunderte von Metern entfernt sind, wenn wir Fuß entfernt sind oder was auch immer. Wenn es weit weg ist, ist es immer noch nachvollziehbar. Wenn Sie zufrieden sind, dass Sie Ihren Arbeitsbereich mithilfe dieser zuversichtlichen Konturlinien beschrieben haben, können Sie dies jederzeit beenden. Ich sehe mich nur um, ob ich etwas Wichtiges verpasst habe. Ich kann nichts anderes passen, und das ist okay. Ich könnte etwas mehr wie ein Brack auf meinem hellen Tisch zeichnen, aber ich habe das Gefühl, dass das übertrieben wird. Während ich mich jetzt beeilen will, werde ich ungeduldig und kritzeln die Dinge nach unten, das ist mein Teppich, und um nur das Gefühl zu bekommen, dass es Material ist, werde ich nur ein paar Schnörkel machen, um zumindest ein Gefühl von Teppich zu bekommen. Manchmal, wenn ich komplexere Dinge zeichne und ich den Überblick behalten möchte, was ich tatsächlich gezeichnet habe, werde ich es manchmal sogar beschriften, das wird so sein, als wäre das Teppich, das sieht wirklich zufällig aus, Das war eine Heizung. Ich gehe zurück und benenne Dinge, also erinnere ich mich, was sie waren, wenn ich das Gefühl hatte, dass sie wichtig wären. Aber da ist meine Konturzeichnung meines Arbeitsbereichs. Gerade als Sie dachten, wir wären fertig, müssen wir diesen Arbeitsbereich nun aus dem Gedächtnis ziehen. Nun ist dies Teil 2, und das wird wirklich cool sein, weil, wie detailliert ein Arbeitsbereich im Vergleich zu einem Stuhl oder einer Pflanze ist. Es gibt nur noch viel mehr Teile. Es ist in einem größeren Raum, aber es ist wirklich dasselbe. Es zeichnet sich aus unserem Ideenmodus, und ich versuche wirklich zu sehen, wie es aussieht, wenn wir aus dem Gedächtnis ziehen. Was sieht unsere Zeichnung aus, wenn wir bestimmte Details vergessen? Wie können wir das wieder gutmachen? Aber denken Sie nicht zu sehr darüber nach, während wir weitermachen. Ich würde sagen, tun Sie einfach Ihr Bestes, um aus dem Gedächtnis zu ziehen. Für mich denke ich, ich fange normalerweise an, wo ich meine Beobachtungszeichnung angefangen habe. Ich denke, weil ich in meiner Beobachtungszeichnung meines Arbeitsbereichs auf diesen Bildschirm gezeichnet habe, ist es das, was ich am meisten erinnere, und es ist sehr möglich, dass ich sehr viel den gleichen Schritten folgen werde , die ich auf meinem Weg gemacht habe, um dies in beiden Modi zu zeichnen. Eine Sache, die ich wirklich aus diesem Teil der Übung nehmen sollte, ist, dass ich mich im Moment nicht an all die Dinge erinnere, die in meinem Arbeitsbereich waren. Es gibt eine Menge Zeug, und das ist ein bisschen einschüchternd, aber eine Zeile kann zur nächsten führen. Eine Zeile kann Sie daran erinnern, welche Linie von dieser Linie kam, und so ist das nur ein kleines Wort der Ermutigung. Ich hatte vergessen, dass mein iPad hier war. Als ich nur die Ecke dieses Buches betrachtete, auf dem mein Monitor sitzt, erinnerte ich mich: „Ja. Da war etwas. Ja. Es war mein iPad.“ Dann erinnere ich mich natürlich, dass ich ein Regal habe. Ich erinnere mich, dass ich meine Kamera, meine Overhead-Kamera und dann meinen Laptop hier habe. Hier drin sind ein Haufen Akkorde. Ich versuche nicht genau so zu zeichnen, wie es in Wirklichkeit war. Jetzt nehme ich ein paar Freiheiten. Ich habe Dinge wie diese Akkorde gemacht. Ich benutze nur stilistische Kurzschrift, ein Schnörkel, um die Art und Weise darzustellen, wie all diese Akkorde sich dort verheddern. Ich erinnere mich, dass es ein Rampenlicht gab. Natürlich erinnere ich mich, dass hier ein Lichttisch war. Ehrlich gesagt, Leute, ich sehe meine Referenzen nicht an. Ich schaue mich nicht in meinem Zimmer um, obwohl ich könnte. Denken Sie daran, dass es hier einen Hut gibt, diese Klammern, die das Regal halten, gleichmäßig verteilt und diese haben diese Teile hier. Dann unter dem Schreibtisch sind auch einige Klammern. Ein Radio da hinten. Ich versuche so sehr, nicht direkt vor mir zu schauen, weil es genau da ist. Ein bisschen abstrakt. Aber ja. Jetzt erinnere ich mich, dass es dort eine Klammer hatte, die es festhielt, was bedeutet, dass es auch eine Klammer auf diesem hier gab. Dieses Licht ist ein bisschen hoch. Jetzt kann ich nicht zeichnen, was da war, aber das ist okay. Ich weiß, dass es Bilderrahmen gibt. Mein Ziel mit dieser ersten Iteration des Zeichnens aus dem Herzen ist wirklich, wieder, Dinge zu kartieren, wie ich sie erinnere. Dies ist eine Karte dessen, was ich von meiner ersten Zeichnung erinnere und später, wenn ich wollte, könnte ich dies iterativ verfeinern. Dieses Bild ist eigentlich ein interessantes Beispiel Ihren Stil wirklich auf etwas aufzuzwingen, das vorher nicht war. Diese Zeichnung wird im Malstil eines anderen gemacht. Es ist nicht mein Stil. Aber während ich es aus dem Gedächtnis ziehe, weil ich Gesichter auf eine bestimmte Weise zeichne, zwinge ich diese Art auf, auf den Malstil dieser anderen Person zu ziehen. Ich denke, das ist okay. Ich versuche nicht, den Malstil eines anderen zu reproduzieren und nachzuahmen. In der Tat, wenn ich so etwas in meinem eigenen Stil interpretieren kann, fügt es Wert zu dem, was ich illustrieren kann. Sagen wir einfach, ich habe die Mona Lisa da hängen. Ich könnte die Mona Lisa und all ihre Ähnlichkeit treu zeichnen oder vielleicht kann ich die Mona Lisa auf eine Weise zeichnen, die eher auf meinem Stil basiert. So ist es wie eine Mischung aus meinem Stil und dem Mona Lisa Stil. Neben meinem Laptop hier, weiß ich, dass ich einen Scanner habe. Ich ziehe das nur ein. Ich habe das im ersten Teil der Übung nicht gezeichnet, aber ich werde es einfach dort hineinzeichnen, weil ich den Raum ausfüllen muss, in dem der Rohling früher war. Ja. Interessant, dass ich einfach nicht kann, denn das Leben von mir erinnern, wenn in diesen Räumen. Ich werde jetzt aufhören und wir werden diese beiden vergleichen, das Original und das hier und nur sehen, woran ich mich erinnerte, was ich ausgelassen habe und insgesamt, was der Unterschied zwischen ihnen ist. Nimm das Original und bewege es auf diese Seite. Ja. Das ist interessant. Ich schaue mir diese beiden Dinge an und es gibt einige Dinge, die ich hier und hier vergessen habe. Eines der Dinge, die ich bemerkte und mich erinnere, ist, dass ich, als ich hier ankam, nicht wirklich darüber nachgedacht habe, was ich gezeichnet habe. Ich eilte zu weit und ich habe das überhaupt nicht beschrieben. Ich habe mir nichts zur Erinnerung an dieses Ding gegeben. Also habe ich mich nicht mehr daran erinnert, was es war. Aber jetzt, wo ich schauen kann, weiß ich, dass es eine kleine Flasche und einen Hut gibt und alles auf einer kleinen Kiste sitzt. Aber insgesamt, für eine so komplexe Szene, erinnerte ich mich ziemlich viel. Die Tatsache, dass ich das jetzt zweimal gezeichnet habe, einmal aus der Beobachtung, einmal durch Ideation, werden die Objekte in dieser Szene für einige Zeit in meinem Gedächtnis bleiben. Für die nächsten Stunden und für den nächsten Tag oder so, werde ich einige sehr frische Erinnerungen an das, was in dieser Szene war, und das ist mir helfen , dies für den Fall zu verwenden, dass ich eine Szene illustrieren muss, die wie dieser Arbeitsbereich ist. Ein kleiner Spoiler-Alarm zu diesem Zeitpunkt, wir werden die Zeichnung, die wir hier gemacht haben, verwenden, unseren Arbeitsbereich und auch die beiden anderen Zeichnungen, den Stuhl und die Anlage in unserer letzten Illustration insgesamt. Aber bevor wir das tun, werden wir nur noch eine dieser Übungen machen, bei denen wir Beobachtungen machen und dann Ideen machen, und das wird eine menschliche Figur sein. Wenn Sie so weit gekommen sind, wenn Sie in der Lage sind, aus Ihrem Arbeitsbereich, von derBeobachtung und dann von der Idee bis zur Erinnerung zu ziehen, herzlichen Glückwunsch dafür,dass Sie es so weit gemacht haben Beobachtung und dann von der Idee bis zur Erinnerung zu ziehen, herzlichen Glückwunsch dafür, . Ich weiß, es ist eine Menge Arbeit. Aber meine Hoffnung ist, dass Sie sich an diesem Punkt mit dieser Verschiebung von Modus 1 zu Modus 2, der Verschiebung von Beobachtung und Aufzeichnung, und der Aufnahme von Daten, Informationen in und dann verschütten sie wieder in Ihre Ideenmodus zum Zeichnen. Gute Arbeit. Lass uns weitermachen. Ich werde dich im nächsten Übungsvideo sehen. 14. Übung 4: Die Figur: Dies ist die letzte Zeichenübung. Zeichnen Sie für diesen eine vollständige menschliche Figur. Jemand, der sich in einer interessanten Pose setzt, wird am besten funktionieren. Sie können ein Foto von sich selbst machen, Sie können einen Freiwilligen für Live-Model für Sie rekrutieren, oder Sie können ein Foto einer Person online finden. Lassen Sie Ihre Modelle sitzen oder stehen in einer interessanten Pose, oder finden Sie ein Foto von jemandem in Aktion. Vermeiden Sie Fotos von Menschen, die gerade auf oder in einer langweiligen Straight-on-Pose stehen . Das könnte am schwierigsten zu zeichnen sein, denn wir werden versucht sein , das Gleichnis in unserer Figur einfangen zu wollen. Dabei geht es nicht darum, Ähnlichkeit zu erfassen oder realistische Menschen zu zeichnen. Wir zeichnen einfach ein anderes Thema wie den Stuhl, die Pflanze im Arbeitsbereich, zuerst aus der Beobachtung, bekommen ein Gefühl für sein gesamtes Wesen und seine Form und ziehen es dann aus der Erinnerung. Wenn Sie meine Augen Körper Klasse genommen haben, werden Sie mit dieser Methode vertraut sein, zuerst die Person aus Referenz und dann aus dem Gedächtnis zu ziehen . In diesem Video werden Sie sehen, dass selbst ich mich auf das Bild meines Modells festhalten will, und ich fast meine Übung verschrotten und wieder anfangen zu wollen. Aber dann versichere ich mir, dass das Erfassen von Ähnlichkeiten in diesem Fall nicht wichtig ist. Wir wollen die Idee einer menschlichen Figur erfassen, nicht die genaue Ähnlichkeit dieses Charakters. Geben Sie sich für Teil 1 nicht länger als 10 Minuten, um die Zeichnung zu vervollständigen. Wieder alles in Konturen ausdrücken. Suchen Sie nach interessanten Linien und Kontrasten, die zwischen Kleidung und Haut, Uhren oder Schmuck und sogar Falten und Falten auftreten . Jede Linie, die Sie in Ihrem Modell sehen, wird zu einem Bezugspunkt, der Ihre nächste Markierung informieren kann. Für Teil 2, geben Sie sich etwa fünf Minuten, um zu beenden. Konzentrieren Sie sich wieder auf die Gesamtfigur. Mach dir keine Sorgen darüber, in die Details zu kommen. Vor allem, nicht verloren gehen, wenn Sie versuchen, das Gesicht zu zeichnen. Ihr linkes Gehirn wird einen Anfall haben, aber kämpfen Sie es und zielen Sie einfach darauf ab, die Idee einer Figur in einer bestimmten Pose nach unten zu bekommen. Sie können in den allgemeinen Markierungen des Gesichts rau , wenn Sie möchten, oder Sie können das Gesicht leer lassen. Alles, was Sie tun können, um zu vermeiden, dass Sie versuchen, dieses Gesicht in voller Ähnlichkeit zu zeichnen. Auch hier, nur darauf abzielen, die Idee einer Figur in einer bestimmten Pose zu bekommen, das ist Ihre einzige Aufgabe. Willkommen bei der letzten Übung, Zeichnung einer menschlichen Figur. Wieder können Sie aus dem wirklichen Leben oder aus einem Referenzfoto zeichnen , wie Sie möchten, und natürlich, in meiner eigenen Übung hier, werde ich ein Foto verwenden, das ich heute von mir selbst geschossen habe und ich dachte, es wäre eine lustige Pose, und ich werde einfach damit arbeiten und wir werden sehen, was passiert. Ich ging wahrscheinlich mit einer der dominantesten Kanten, die die Linie unter meinem Oberschenkel und meinem Sitz ist, und ich zeichne nur überlappende Konturen. Auch hier denke ich nicht an anatomische Korrektheit, ich zeichne nur die Konturen dessen, was ich sehe. Ich trage hier ganz schwarz, was wirklich hilft, eine Menge Kontrast zwischen dem, wo meine Haut zeigt und schafft diese dramatischen Kontraste von Dunkel und Licht. Aber dann, wenn es um die Kleidung selbst geht, bietet das Schwarz auf Schwarz fast keinen Kontrast, was eine Herausforderung zu zeichnen sein kann. Hier trage ich nur meine Handform hier nach. Wie Sie sehen, ist es anders als das Zeichnen, sagen wir, in einer Life Drawing Klasse, die Sie für Animationen oder bestimmte Arten von Illustration nehmen müssen . Dies ist nicht auf diese Weise zu zeichnen , wo Sie mehr Volumen der menschlichen Form und so etwas analysieren. Ich zeichne das nur auf die gleiche Weise, wie ich alles andere gezeichnet habe. Gleiche Herangehensweise, das Einzige, was anders ist, ist das Thema. Ja, wenn ich also etwas Ähnliches suchen würde, wäre ich hier vielleicht vorsichtiger, aber im Moment versuche ich nur, einige dieser Dinge in Erinnerung zu bringen. Ich überarbeite diesen Schuh aus irgendeinem Grund. Es ist okay. Dies ist nur eine Studie, es ist nur eine Übung, keine Leistung. kann sehen, dass ich hier etwas zu kurz gekommen bin, sehen, dass mein Hemd hier herumkommt. Wenn Ihnen der Platz fehlt und Sie digital arbeiten, können Sie Ihre Seite immer ein wenig nach unten verschieben. Ich werde hier aufgehängt werden, denn sobald wir das Gesicht sehen, wird unser Ziel sein, dieses Gesicht wie diese Person aussehen zu lassen, denn so sind wir verdrahtet. Sie müssen nur dieser Versuchung widerstehen, zu versuchen, in den Details des Gesichts zu arbeiten und es genau so aussehen zu lassen. Denk nicht so sehr an diese Dinge, wie nur das zu tun, was du die ganze Zeit getan hast. Zeichnen Sie, was Sie sehen. Es ist kein Gesicht, es sind keine Lippen, es ist keine Nase, sind nur die Konturen von dem, was Sie sehen. Natürlich benutze ich hier einige stilistische Verknüpfungen, die mir tatsächlich im Wege stehen, was ich sehe, um ehrlich zu sein. Jetzt kommt mein linkes Gehirn hierher und sagt: Nein, es sieht nicht aus wie du. Du bist keine gute Schublade, die Leute, die diese Klasse nehmen, werden dich nicht respektieren und sie werden aufhören, diese Klasse zu nehmen, weil du nicht zeichnen kannst. Aber das ist es, was das linke Gehirn sagt. Ich sage euch nur, dass ich das nicht wirklich glaube. Dies ist das Zeug, das das linke Gehirn sagen wird, wenn Sie zeichnen weil es alles braucht, um perfekt zu sein und es will keine Fehler machen. Es will sicher und richtig sein und ich denke, wenn du das einfach durchdrücken kannst, kannst du einfach eine Menge Müll durchbrechen und zu dem kommen, was du wirklich tun musst. Ich mag es wirklich, wie es diesen Kontrast meiner schwarzen Kleidung gibt. Ich denke, es gibt einige Dinge, die ich darin verbessern möchte wenn ich es wieder tun würde. Wenn Sie ein paar verschiedene Einstellungen beim Zeichnen Ihrer menschlichen Figur nehmen wollen, gehen Sie direkt vor. Es ist gut zu üben und ich möchte Sie nicht davon abhalten. Aber ich würde nur sagen, wenn Sie feststellen, dass Sie eine Wand schlagen, lassen Sie sie. In dieser Klasse geht es im Moment nicht darum, das Gleichnis der Menschen zu erfassen, die Sie zeichnen. In der Tat gehe ich selten, um Ähnlichkeit in den Menschen zu erfassen, die ich zeichne. Nur weil ich kein realistischer Illustrator bin, und wenn du meinen seltsamen Körper Kurs genommen hast, hast du ein Gefühl, wie ich Leute zeichne. Jedenfalls gibt es einen Typen, der wie ich aussieht, es gibt so viel, was ich daran ändern möchte, besonders weil ich es bin. Aber nur einige Tipps, wenn Sie Menschen in diesem Konturstil aus der Beobachtung zeichnen , ob aus einem Referenzbild oder aus dem Leben, es hilft nur, wenn Sie Features auf dieser Person haben, die Sie als Referenzpunkte verwenden können. Genau wie in der Zeichnung meines Arbeitsbereichs habe ich den Schreibtisch und die Regalhalterungen und bestimmte Objekte in dieser Szene benutzt , um das zu bestimmen, was als nächstes war. Das gleiche daran, weil es einen Kontrast zwischen der Kleidung und meinem tatsächlichen Körper wie meine Haut gibt. Ich kann diese Bereiche mit starkem Kontrast als meine Bezugspunkte verwenden und diesen integrierten visuellen Cue nutzen, den es mir gibt. Nun, ich könnte einfach eine weitere Abbildung von der Beobachtung versuchen , nur um die Gewässer ein wenig zu testen, und hier habe ich eine andere Version von mir. Diesmal aus vorne, und wieder, hier habe ich meine Beine und ein verkürzter Schuh oder Fuß kann sehr hart auf dem linken Gehirnsein sehr hart auf dem linken Gehirn weil es kein Symbol dafür gibt und es beginnt wirklich durcheinander zu schauen. Also, was Sie verwenden müssen, ist zu zeichnen, was Sie sehen, so gut wie möglich und vielleicht kommen Sie zurück und korrigieren Sie es später. Hier habe ich ein paar gekreuzte Finger, die jikes, hier muss ich wirklich das richtige Gehirn übernehmen lassen, nur auf das Bild schauen, ich sehe meine Leinwand nicht an meiner Zeichnung. Hier, ich trage ein Hemd. Ich wollte einen machen, wo er nur ein T-Shirt trägt und einen, wo er ein geknöpftes Hemd trägt , weil ich dachte, die Knöpfe würden ein schönes Feature zum Zeichnen schaffen. Der Kragen, einige der Knautschel des Hemdes, die Falten. Nein, ich könnte das alles ausfüllen und mit dem Schwarz im Vergleich zu den helleren Tönen meiner Haut arbeiten, nur um diese Form im Allgemeinen zu beschreiben. Mit dem Schuh ist das einfach verrückt. Ich werde es verlassen. Eine Sache, über die Sie sicher sein können, wenn Sie Dinge zeichnen, wenn sie schwer für Sie zu zeichnen sind, das ist nur eine Realität, das ist nur etwas, das Sie umarmen und akzeptieren müssen, und dann fragen Sie sich, was Sie wollen dagegen tun? Wollen Sie besser in der Zeichnung der Dinge, die hart sind, oder werden Sie einfach um sie herum arbeiten? Ich denke, jeder Ansatz ist gültig. Du könntest einfach vermeiden, Dinge in Winkeln zu zeichnen, oder du könntest es vermeiden, ganze Themen zu zeichnen, die schwer für dich sind oder die dich nicht interessieren. Du bist nicht daran interessiert, besser zu werden, du bist mehr an Ideen im Vergleich zu exakten Darstellungen von Dingen interessiert und das ist okay. Ich mache das in meiner Arbeit und ich habe ein wenig darüber gesprochen, und ein Primär, wenn ich über Kuration sprach, wo ich Dinge in oder bearbeiten Dinge basierend auf dem, was ich interessiert, basierend auf dem, was ich zeichnen kann. Tut mir leid, Leute, ich bin gerade hier und kann nicht gleichzeitig reden und zeichnen. Ich habe gerade einen kleinen Streit mit meinem linken Gehirn. Bei kurvigen Oberflächen wie Gesichtern ist es manchmal die einzige Möglichkeit, ein wenig Schattierung zu verwenden , um zu beschreiben, was Sie sehen, und natürlich müssen Sie versuchen, das mit Ihrem endgültigen Illustrationsstil in Einklang zu bringen. Etwas ist hier seltsam, aber natürlich bin ich sehr kritisch, weil es ein Bild von mir und meinem Ego ist, das nicht wie ich aussieht, aber es gibt etwas Interessantes daran. Aber da geht ihr Jungs, vielleicht geht nur um einen Stuhl zu beenden, nur um ein Gefühl für die Sache zu bekommen , auf der die Figur sitzt. Ok. Das bin ich aus der Beobachtung. Ich gehe jetzt in Teil 2, Zeichnung aus dem Ideenmodus. Nur sehr schnell, ich habe diese beiden Versionen von mir und diese sind beide aus der Beobachtung gezogen. Sie können sehen, dass sie in gewisser Weise sehr unterschiedlich sind, wie ich die Augen gezeichnet habe. Es gibt einen Unterschied ist, selbst stilistisch würde ich sagen, und das ist ein großer Schmerz beim Zeichnen für Illustratoren ist, wenn Sie aus Referenzen zeichnen, manchmal werden Sie es ein bestimmte Weise und manchmal wirst du es anders zeichnen und wir wollen mehr Kontrolle über den Stil, in dem wir zeichnen, und der einzige Weg, wie wir das tun können, ist, indem wir Beobachtungszeichnung für das, was es ist. Wir nehmen Informationen über das, was wir zeichnen, wie ich immer wieder sage, aber dann brauchen wir einen Weg, einen Stil, eine Kurzschrift, eine Art, Dinge konsequenter in einer Weise zu zeichnen , die unserem Illustrationsstil näher kommt. Das ist also, was ich hoffentlich sehen werde entstehen, wenn ich in Teil 2 dieser Übung gehe. Ok. Jetzt werde ich anfangen, meine menschliche Figur aus dem Gedächtnis zu zeichnen und einfach mit den Informationen zu arbeiten, die ich im ersten Teil gelernt und heruntergeladen habe. Nun, weil ich zwei verschiedene Versionen aus zwei verschiedenen Fotos gezeichnet habe, fällt es mir schwer, mich zu erinnern, ich mische sie beide in meinem Kopf und ich denke, das ist eigentlich ein Nachteil. Ich wünschte, ich hätte es nicht getan, aber ich werde mein Bestes tun, um den ersten zu tun. Das hier, wo ich nur mein T-Shirt anhatte und ich erinnere mich, dass meine Hand ein bisschen auf meinem Oberschenkel gespleißt wurde. Ich trug meine Uhr. Ich glaube, mein Ellenbogen war mehr draußen. Ich werde einfach rückgängig machen und zurück gehen. Ich glaube, meine Schulter hat das getan. Ok, so etwas. Mein Hemd kam hier runter und ich habe ein Zimmer und ziehe nur ein bisschen von dem Stuhl da rein, als Referenz. Nun, natürlich, werde ich Dinge einfach sehr stilisiert zeichnen, wie ich es mit Menschen tue. Ich glaube, das Bein kam so hoch. Ich fange nur wirklich die Essenz meiner Schuhe ein, ohne zu versuchen, jedes Detail realistisch zu bekommen. Bleib einfach das N da drauf, was besagt, dass ich eine bestimmte Marke trage. Ich trage New Balance Schuhe, was spezifisch ist. Manchmal, wenn Sie eine gewisse Spezifität zeigen, können Sie die Geschichte in irgendeiner Weise hinzufügen. Ich kann mich nicht erinnern, was ich mit meiner Hand dort gemacht habe. Ich weiß, dass ich dort eine Uhr hatte. Ich trug alle dunklen Klamotten und dann schaute ich natürlich direkt auf die Kamera. Wenn Sie nun eine Person zeichnen, zeichnen Sie diese Person möglicherweise, um eine Figur darzustellen, oder Sie zeichnen eine Person, die nur eine Figur darstellt. Ein Charakter ist eine bestimmte Person, die mehr Persönlichkeit hat. Sie werden einige Details über das Gesicht und den Ausdruck injizieren wollen. Während eine Figur eine Abstraktion einer Person ist. Es ist eine Darstellung einer Person. Es könnte ein Mann sein, eine Frau sein, könnte lange Haare haben, kurze Haare. Es könnte diese spezifischen Dinge haben, aber es geht nicht um eine bestimmte Person oder Charakter. ich also meine Ideenmoduszeichnung meiner menschlichen Figur zeichne, Wennich also meine Ideenmoduszeichnung meiner menschlichen Figur zeichne,stellt sich die Frage, ob ich diesen jemand gut kennen muss, oder ist es nur eine menschliche Figur? Ist es ein Charakter oder eine Figur? Vielleicht spielt diese Frage noch keine Rolle, aber ich kann wenigstens sagen, sieht sie wie ich aus? Soll ich es sein? Für die Zwecke dieser Übung spielt es keine Rolle. Ich denke, das Wichtigste ist nur, dass Sie in der Lage sind, eine Figur zu repräsentieren, denn im letzten Projekt, wieder , Spoiler-Alarm, werden wir die Zahlen aus unserem Gedächtnis in eine Szene integrieren. Es geht also wirklich nur darum, eine Figur in einer Szene zu haben und dann wird es an Ihnen liegen, ob diese Person sehr spezifisch ist, ob sie tatsächlich Sie sind oder ob sie nur mehr eine Abstraktion oder eine Vorstellung von einer Person mehr in einem Figur Sinn als im Charaktersinn, wenn das sinnvoll ist. Ich liebe Dinge wie Falten, wo sie nur Ausdruck und Geste zeigen. Ich trage dieses Hemd und dann erinnere ich wie meine Beine neben mir auf die Wand zeigen, aber dann schaue ich direkt auf die Kamera und während ich meinen Oberkörper verdrehe, gibt es einige Falten auf meinem Hemd. Um die hier in dieser Zeichnung auszudrücken, fängt wirklich dieses Gefühl ein, dass ich meine obere Körperhälfte so verdrehe. Ich habe nach Möglichkeiten wie diese gesucht, vor allem, wenn ich Menschen in Kleidung zeichnen, wo sie gerade wie ein wenig Wellengang oder Falten haben , die helfen können, mehr über diese Geste zu beschreiben, dass der Charakter es machen kann. Dies ist eine stilisierte Person, es wird durch ideales Zeichnen gemacht und ich konnte dies nur wegen der Beobachtungszeichnung, die ich vorher gemacht habe, tun. Sonst hätte ich diese Pose nicht wirklich in meinem Kopf in meinem Repertoire zur Verfügung stehen können. Aber warum sehe ich nicht noch einmal, was passiert, wenn ich versuche, die andere Figur zu zeichnen, die, der ich das Button-Down-Hemd trage. Ich erinnere mich daran, dass ich denke, dass ich auch in die Kamera geschaut habe. In diesem hier fange ich aus irgendeinem Grund mit dem Kopf an. Ich werde nur den Kopf eines Kerls zeichnen, nur um anzufangen, egal, dass es nicht so aussieht wie ich. Ich erinnere mich, ich hatte ein Hemd mit Knöpfen und ich hatte hier ein verkürztes Bein, mit dem der Schuh mehr nach vorne und weniger gleichmäßig zeigte. Dann war sie völlig verkürzt auf dem Boden und zeigte direkt auf mich, soweit ich mich erinnere. Dann glaube ich, dass meine Hände gekreuzt waren. Ich kann das nur sehr locker ausdrücken, ohne dass es wirklich kompliziert aussieht. Ich werde es einfach lassen. Das ist wieder das, was ich eine stilistische Kurzschrift nannte. Ich könnte versuchen, die Art und Weise zu zeichnen, wie Finger wie ein gewebter Korb überlappen, wie ich es tat. Aber dafür würde ich definitiv ein Referenzbild brauchen. Ich sage nur vorerst in der Skizze, es ist okay, das locker und gestisch zu lassen. Ich habe meine Ärmel hochgerollt, die Kleidung, die ich trage, ist sehr dunkel bis auf meine Schuhe. Natürlich sitze ich auf einem Stuhl. Ich mache mir keine Sorgen darüber, wie super unrealistisch das aussieht. Ich zeichne nur die Art und Weise, die ich zeichne, basierend auf, woran ich mich erinnere. Es gibt etwas wirklich cooles darüber, was passiert, wenn Sie das tun, besonders wenn Sie sich mehr mit dem Zeichnen vertraut machen, welche Art von Linien Sie machen, was Ihre Lieblingswerkzeuge sind? Nun wird die Herausforderung sein, wie nehme ich die Informationen, die ich in dieser Übung gewonnen habe , und mache es besser für meinen abgeflachten Illustrationsstil. Ich werde zuerst wählen, lassen Sie uns einen Blick auf und vergleichen Ideationen auf Beobachtungszeichnungen. Da ist dieser Typ hier und dieser Kerl. Das ist, was ich in dieser Zeichnung nicht aufgehört habe, wo mein Arm dort auf meinem Oberschenkel ruhte und natürlich habe ich wirklich übertrieben, wie mein anderer Arm ausstrahlte, aber ansonsten ist das die Pose. Wieder sieht man, dass ich diese Verkürzung wirklich falsch verstanden habe. Aber, Ich mag das wirklich so viel mehr, als ich das mag.Diese Zeichnung von der Beobachtung war wirklich nur ich mit den Informationen vor mir zu arbeiten. Nun, es gibt gewisse Dinge, die ich an diesem Bild wirklich mag , es ist das Gesicht, das es für mich ruiniert , und das liegt daran, je näher man versucht, eine Ähnlichkeit zu erreichen, wenn man das nicht tun kann, wird es sich zeigen. Eine Möglichkeit besteht darin, wie ich bereits sagte, Gesichter zu machen, damit Sie jedes Mal zuverlässiger das Gleichnis erfassen können, was natürlich das Ideal ist. Aber Sie können auch einfach umgehen und keine Ähnlichkeiten zeichnen. Sie könnten einfach stilisierter und abstrahierter zeichnen. Lasst uns eins davon nehmen und es nur einen Schritt weiter bringen , wie ich in meinem Stil veranschaulichen könnte. Ich werde einfach meinen Beobachtungsmann hier ausschalten und meinen Ideationskerl heraufbringen , und ich werde es einfach verfolgen. Ich werde iterieren, ich werde es verfeinern und es näher an meinen abgeflachten Illustrationsstil bringen , mit dem ich weiß, dass ich arbeiten kann. Hier weiß ich, dass ich Form mehr als Linie in meinem letzten Illustrationsstil verwende. Ich suche nach Möglichkeiten, um sicherzustellen, dass ich saubere Formen verfolgen muss , wenn ich dies in Photoshop bringe. Ich werde Linien verwenden, um subtile Details und Kanten in einzelne Finger zu beschreiben , Dinge wie diese. Aber meistens beschreibe ich meine Figur hier in Formen. Nun, es gibt einige Dinge, die ich an diesen Schuhen ändern könnte, wenn ich das ins Finale genommen habe. Aber im Moment ist die Idee da, es ist genug, es ist nicht vorbei schnell, es ist genug für eine Skizze. Natürlich ist hier das Gesicht. Ich muss mich fragen, wie soll ich diesen Kerl in meiner letzten Illustration zeichnen? So etwas könnte funktionieren. Hier gibt es etwas, das ich nicht mag. Ich erinnere mich, dass mein Arm etwas mehr auf meinem Oberschenkel ausgestreckt war, da ist etwas Seltsames los. Ich schaue mir keine Referenzen an, ich arbeite nur ein bisschen treuer an dem, was ich glaube, als ich das letzte Mal sah, als ich mir die ursprüngliche Zeichnung, die Beobachtungszeichnung, ansah. Nur eine Anmerkung, weil wir davon sprechen, diese Skizzen zu nehmen und sie nahtloser in unseren Illustrationsstil zu integrieren, würde ich das sehr veranschaulichen. Natürlich gibt es einen Sinn, wo die Software Funktionen wie das Haar und der Bart. Ich muss ein wenig Aufmerksamkeit auf das in der letzten Phase verbringen, um zu versuchen und zu lösen, dass die Haare aussehen wie Haare, wenn ich nur illustrieren dies als eine feste Form, ist, dass gehen, um stärkehaltig und statisch aussehen und steif? Wie soll ich das schön und locker aussehen lassen wie Haare und solche Sachen? Das ist Zeug, das ich im Finale ausarbeiten kann und ich glaube nicht wirklich, dass ich das in diesem Stadium klären muss, aber ich habe ein vernünftiges Maß an Vertrauen, das ich ausziehen kann. Deshalb hätte ich kein Problem, einem Kunden eine Skizze wie diese zu zeigen. Das ist meine menschliche Figur, Jungs, wir sind die Übungen gemacht. Wir haben einen Stuhl, eine Pflanze, unseren Arbeitsbereich und jetzt menschliche Figur gemacht, und das haben wir sowohl im Beobachtungs- als auch im Idealmodus gemacht. Nun, es ist Zeit, alles in das endgültige Projekt zusammenzufassen, wir werden eine Szene schaffen, die all diese Dinge einbezieht. Wir sehen uns im nächsten Teil und wir machen das zusammen. 15. Abschlussprojekt: Start: Jetzt, da wir die Übungen gemacht haben, ist es an der Zeit, alles in der endgültigen Komposition zusammenzufassen. Für das abschließende Projekt besteht Ihre Aufgabe darin, eine illustrierte Szene eines Arbeitsbereichs oder Raums zu erstellen , die die drei Themen enthält, die wir in den Übungen gezeichnet haben den Stuhl, die Pflanze und die Figur. Die einzige Regel hier ist, dass Sie sich Ihre Referenzen nicht ansehen können. Sie müssen versuchen, das Ganze aus dem Herzen zu ziehen. abschließende Abbildung wird im Hoch- oder Querformat acht mal 10 Zoll groß sein. Das endgültige Projekt ist in drei Phasen unterteilt: grobe Skizzen, raffinierte Skizzen und abschließende Illustration. Ich werde Sie durch meinen eigenen Prozess des Aufbaus von grob zu raffiniert bis endgültig führen, aber ich werde den Fokus auf den Skizzieren und Komponieren dieses Prozesses behalten. Wenn es um den letzten Illustrationsteil geht, dem ich meine Skizze in eine vollendete Illustration in meinem Stil verwandelte, zeige ich Ihnen einen Überblick über diesen Prozess, aber konzentriere mich auf die Beziehung zwischen meinen früheren Zeichnungen im Finale, anstatt Ihnen ein Play-by-Play meiner tatsächlichen Illustrationstechniken in Photoshop zu geben. Meine Hoffnung ist, dass Sie in der Lage sind, die Prinzipien des Zeichnens aus den beiden Zeichenmodi zu verwenden , um zuerst Ihr eigenes Verständnis für Ihr Thema aus Referenzaufzubauen , um zuerst Ihr eigenes Verständnis für Ihr Thema aus Referenz und dann Ihre Szene intuitiv aus dem Herzen zu zeichnen. Vor allem, wenn Sie Ihre Komposition skizzieren und verfeinern, sollten Sie Formen, Formen und Linien erstellen, die sich nahtlos in Ihren endgültigen Stil übersetzen. Fragen Sie sich, wird das mit meinen Techniken funktionieren? Habe ich ein Werkzeug, das Haare wie das abziehen kann? Ist es möglich, diese Perspektive oder Tiefe mit meinem Stil zu zeigen? Und andere Fragen wie diese. 16. Abschlussprojekt: Grobe Skizzen: Wenn ich in meiner Kundenarbeit meine ersten Recherchen gemacht und Referenzbilder gefunden und durch Beobachtungszeichnung studiert habe , kann ich dann grobe Skizzen beginnen. Grobe Skizzen ist, wenn ich beginne, Komposition, Inhalt und Konzept auszuarbeiten. Für eine illustrierte Szene ist das Konzept unkompliziert, es ist eine Szene eines Arbeitsbereichs. Jetzt muss ich nur herausfinden, welche Elemente ich in diese Szene einschließe und wie. Das einschüchterndste Ding wird gerade erst anfangen. Hier werde ich Sie ermutigen, einfach anfangen, das Dominantste in Ihrem Kopf zu zeichnen und von dort zu gehen. Dies ist nicht anders, als wir den Arbeitsbereich aus dem Speicher in Übung 3 gezeichnet haben. In meinem eigenen Beispiel beginne ich mit meinem Thunderbolt Display, das den Mittelpunkt meines Arbeitsbereichs bildet. Von dort aus, bauen andere Elemente, verwenden Sie Ihren Sinn der Kuration, um bestimmte Objekte einzuschließen oder auszuschließen, fragen Sie sich, ob sie zu dem Konzept oder der Geschichte beitragen , die Sie in Ihrem Bild zu erzählen versuchen, und natürlich, ob es etwas ist, das Sie in Ihrem Stil veranschaulichen können und wollen. Dieser Kurationsprozess bezieht sich nicht nur auf das, was Sie einbeziehen, sondern auch auf die Art und Weise, wie Sie ihn welchem Winkel wird es dargestellt? Gerade auf oder irgendwie abgewinkelt und in welcher Größe? Sie können die visuellen Informationen, die Sie im Beobachtungsmodus gelernt haben, in den Übungen mitnehmen und damit spielen, wie Sie in dieser Komposition wollen. Arbeiten Sie in groben Skizzen mit mutigen, selbstbewussten Strichen, aber denken Sie daran, dass diese rauere Version ein bisschen messiver sein wird als in Ihren raffinierteren Skizzen. Sparen Sie Perfektion für später. Konzentrieren Sie sich auf die Komposition in diesem. Sie können zunächst losgelassen und rau und schrittweise in Richtung Verfeinerung iteriert werden. Normalerweise mache ich in meinem Prozess das, was ich als freies Skizzieren bezeichne. Dort sammle ich Bilder aus dem Internet und dann zeichne ich diese frei. In dieser Klasse haben wir diese Beobachtungszeichnung genannt. Die gute Nachricht ist, dass wir bereits alle Beobachtungszeichnungen oder freie Skizzen gemacht haben , die wir für dieses endgültige Projekt tun müssen , und jetzt werden wir nach rechts gehen, um Skizze für unsere Illustration zu skizzieren. Wie ich schon sagte, wir wollen, dass es in Bezug auf seine Seitenverhältnisse acht mal 10 ist. Ich glaube, ich werde meins in dieser Form machen. Nur um zu beginnen, diese kleine grobe Sache, die ich gerade gezeichnet habe, ist gut genug, aber vielleicht möchte ich etwas genauer mit meiner Breite sein. Also könnte ich eigentlich gerne ein Acht mal 10 Dokument erstellen und es genau darin einrichten. Aber wenn ich skizziere, habe ich gerne ein bisschen Platz, um auszubrechen oder so. Wenn ich in Procreate arbeite, möchte ich nicht, dass dies die Kante meines Rahmens ist. Was ich also mache, wenn ich skizziere, insbesondere meine erste Skizze, ist, dass ich verknüpfte Hilfslinien verwende und diese großen klobigen Hilfslinien hier verwenden kann, um das Gesamt-Seitenverhältnis meiner Komposition oder meines Rahmens einzurichten , die Seitengröße. Also zwei, drei, vier, fünf, sechs, sieben, acht, neun, zehn. Eins, zwei, drei, vier, fünf, sechs, sieben, acht, und da haben wir ein Bild von acht mal 10, in dem wir arbeiten können. Also brauche ich diese Zeichenführer nicht mehr. Das ist alles, was ich brauche. Ich werde das nur in der Deckkraft senken, damit ich es sehen kann, aber nicht zu viel. Dieses Netz wird nun mein Rahmen sein, in dem ich arbeiten kann. Jetzt werde ich nur anfangen, meine Szene auszuarbeiten. Also immer, wenn du skizzierst, heißt es „Wo fange ich an, was benutze ich?“ Weil wir hier wirklich in einem kreativen Modus und der Brief selbst ziemlich offen ist, ist es nur, um unseren Arbeitsbereich zu veranschaulichen. Also würde ich sagen, überall anfangen und sehen, was passiert. Ich beginne mit dem Monitor, dem Bildschirm in meinem Arbeitsbereich. Im Moment bin ich nur hart. Es wird ein paar Fehler machen, und es ist okay. Aber der Schlüssel hier ist nur zu kartieren, was ich will und was ich hinzufügen muss. Es gibt gewisse Dinge, die ich einlassen möchte, und bestimmte Dinge, die ich auslassen möchte. Ich möchte einen Teil des Teppichs, den ich in meinem Studio habe, aufnehmen, weil ich denke, dass es einen schönen visuellen Kontrapunkt zu allem anderen schaffen wird, was passiert. Es ist wie diese schöne breite Fläche von Form und Farbe, die ich in diese aufnehmen kann, um Interesse zu schaffen. Ich habe einen Verdacht, der funktionieren wird. Wir werden sehen. Das ist vielleicht die Oberfläche meines Schreibtisches hier. Ich hatte mein Licht, ich glaube, dieser Stiel kommt tatsächlich auf dieser Seite ab. Wirklich nur grob mappen Dinge in. Obwohl es rau ist, bin ich nicht zu zaghaft, nur langsam Dinge zu arbeiten, ich platziere wahrscheinlich nur Dinge und sehe, ob es funktionieren wird. Weil ich digital arbeite, habe ich keine Angst, ich weiß, dass ich immer mit viel Leichtigkeit rückgängig machen oder löschen kann. Ich denke, jetzt ist ein guter Zeitpunkt, um in den Stuhl zu werfen, warf in meinen Laptop und mein iPad. Auch hier schaue ich mir keine Referenzen an, aber ich erinnere mich leicht an viele Details, die in meiner Übung waren. Die Frage, die ich gerade habe, ist : „Ist das nur ein Bild meines Arbeitsbereichs, oder ist das ein Bild von mir in meinem Arbeitsbereich während der Aufzeichnung einer Skillshare Klasse?“ In diesem Fall könnte ich einige der Beleuchtungsgeräte, die ich hier eingerichtet habe, enthalten, was es definitiv eine bestimmte Geschichte ist. Es war nicht das, was ich zuerst dachte. Ich dachte, dass ich diese vielleicht bearbeiten würde, wie ich das letzte Projekt gemacht habe. Aber jetzt, da sie da sind, mag ich an dem, was dieses Licht gerade tut, ist, dass es mir ein Vordergrundelement und ein Rahmenelement gibt, wo ich alles andere in meinen Arbeitsbereich hier hineinwerfen kann. Also mein Bildschirm, ich denke, es wird ein bisschen größer sein. Ich hatte die Tennisbälle auf dem Stuhl. Da dies eine Illustration ist, jetzt ist dies keine reine Realität, ich versuche nicht, treu für die ganze Geschichte aufzuzeichnen, was auf meinem Schreibtisch zu dieser Zeit in der Geschichte war , es geht wirklich um nur einige Jungs Arbeitsbereich, die zufällig aufgenommen werden. Also werde ich hier wirklich einige Stilisierungstechniken verwenden und Dinge bearbeiten und sie ändern und wirklich nur vorschlagen, was sie auf höherer Ebene sind. Also habe ich Bücher, Bücher, Rahmen, mehr Bücher. Ich werde nur so tun, als gäbe es dort eine Pflanze. Ich habe ein paar Trophäen da oben und dieser Schreibtisch ist an der Wand auf dieser Seite befestigt, aber die Art, wie diese Illustration funktioniert, zeigt das nicht unbedingt. Es wird schwierig sein, hier eine Wand zu zeichnen, es sei denn, ich wollte das Fenster hier zeichnen, aber ich möchte keine Fortsetzung des Fensters dort zeichnen, ich will das, obwohl es ganzseitig ist und es an den Rändern geht, ich möchte, dass es ein Gefühl der Selbsteindämmung im Bild. Was ich tun könnte, ist hier mehr flache Aktenschubladen, die ich auf dieser Seite habe, aber sie sind einfach nicht in dieser genauen Ausrichtung, aber das sitzt wirklich gut dort. Ich glaube, das gefällt mir. Ich habe eine Mülltonne unter dem Schreibtisch, was mir nichts ausmacht, eine Mülltonne in der Abbildung darzustellen, aber die Mülltonne unter meinem Schreibtisch ist derzeit schwer zu lesen. Es wäre schwer für mich, das darzustellen, damit die Leute bekommen, was es ist. Ein mehr ein Klischee suchen Müll kann hier nur den Trick tun , wenn ich dort eine Dose haben möchte. Natürlich drehen sich einige Akkorde und Kabel und drehen sich unter dem Schreibtisch durch. Es fügt etwas Charakter hinzu, glauben Sie es oder nicht, um einige davon einzubeziehen, und ich denke, das ist okay. Verlorene unseren Drucker auf dieser Seite, er war hinter dem Licht. Ich kann da drin etwas blockieren. Ich vermisse ein paar Dinge, die ich in diese Szene einbeziehen muss, eins ist die Pflanze. Vielleicht könnte eine Pflanze ein schönes Rahmengerät hier in dieser Ecke machen und ich erinnere mich an die Pflanze, die nur Bananen auf einem Stock hat und es gibt ein Gittermuster auf dem Pflanzgefäß. Vielleicht wollte ich nur etwas von dieser Pflanze kommen über den Schreibtisch, also ist es nicht unter dieser Linie vor, ich werde nur wieder ein bisschen vorher und ich habe nur gestoppt [unhörbar]. Die Pflanze geht verloren, man sieht sie nicht wirklich und dann ist da oben auf dem Schreibtisch. Nur indem Sie es über die Oberfläche des Schreibtisches knallen, jetzt gibt es der Pflanze ein wenig mehr Prominenz. Die Anlage fügt eine interessante, Ich meinte das nicht, aber es fügt eine interessante als Parallele zur Studiobeleuchtung hier hinzu, dass es eines der wenigen vertikalen Dinge in diesem Bild ist. Ich denke, es fügt etwas Schönes hinzu, um nur den vertikalen Linien der Lichter entgegenzuwirken. Es gibt jetzt auch eine vertikale Pflanze und ich mag, wie sie das widerspiegelt, aber auf eine andere Art und Weise. Ich habe den Stuhl, ich habe die Pflanze. Ich vermisse nur die menschliche Figur, also zeichne ich hier nur eine menschliche Figur, die auf dem basiert, was ich so gut wie möglich gezeichnet habe. Nun, ich weiß, dass ich in meiner Zeichnung, die ich in der Übung gemacht habe, mehr so mit gekreuzten Beinen saß und vielleicht kann ich das hineinbringen und mein Kopf ist offensichtlich vorhanden, also werde ich ihn einschließen. Ich bringe das jetzt wirklich rein. Ich denke nicht wirklich darüber nach, wie man alles einschließt, weil es alles selbstverständlich ist, weil dies ein Arbeitsbereich ist, ich weiß, dass ein Charakter in diesem Arbeitsbereich arbeiten sollte. sitzt an einem Stuhl vor dem Schreibtisch und ist in diese Szene eingebaut. Es funktioniert, um es in die Mitte zu stellen und ich musste nicht wirklich zu viel darüber nachdenken. In ähnlicher Weise ist das Herzstück meines Arbeitsbereichs mein Bildschirm, mein großer [unhörbarer] Monitor, wo die ganze Arbeit geschieht. Das Auge zieht natürlich dort an und natürlich zog sich mein Verstand dort sofort an, als ich anfing, die Szene zu zeichnen, da fing ich an. Dann alles andere, weil ich das auf der Realität aufbaue, ist es einfach, all das hier reinzubringen. Was ist, wenn wir von einer fiktiven Szene sprechen, die es nicht gab? Es ist derselbe Prozess. Sie gehen und finden Referenzbilder eines Arbeitsbereichs in diesem Fall und wenn es Zeit ist, es in ein paar Konzeptskizzen zu gießen, dann haben Sie diese Bilder in Ihrem Kopf geladen und Sie können sich trennen. Es könnte ein paar Versuche dauern, aber Sie sind weit weiter voraus, nachdem Sie all diese Beobachtungszeichnung zuerst gemacht haben, als Sie es sonst wären. Lassen Sie uns einfach ein bisschen mehr darüber reden, was in dieser Komposition passiert und welche Entscheidungen ich treffe. Eines der Dinge, die ich beschlossen habe, als ich dies zeichnete, ist, dass ich möchte, dass es einen dünnen Rand um die Arbeit gibt. Ich könnte wählen, ob ich die Arbeit direkt an den Rand bringen oder mit anderen Worten, beschneiden wollte , und dann ist alles richtig bluten, aber ich habe das Gefühl, dass diese Szene ganz schön in sich geschlossen sein kann. Ich werde versuchen, einen negativen Raum zu haben , der den Arbeitsbereich so weit wie möglich umgibt. Das ist eine stilistische Entscheidung, die ich getroffen habe. Eine Option wäre natürlich, bestimmte Elemente an den Rand zu bringen und gleichzeitig ein insgesamt negatives Raumgefühl beizubehalten. Ich könnte den Teppich auf dem Boden hinter den Rändern ziehen und dann vielleicht ein paar andere Dinge wählen, um auf die Website abzubrechen. Vielleicht geht in diesem Fall der Schreibtisch selbst direkt zu den Rändern und den Regalen, oder zumindest auf einer Seite, und dann kann ich vielleicht den Bilderrahmen mitbringen, den ich hängen habe. Um dies noch mehr von einer ganzseitigen Szene zu machen, werde ich es so machen, ich werde einfach die Regale und den Schreibtisch bis zum linken Rand erweitern und dann ein gerahmtes Bild hier werfen. Was ich fühle, ist, dass auf allen Seiten etwas los ist, außer oben. Was du in meiner Zeichnung nicht gesehen hast, aber was ich in meinem Studio habe, ist eine Pendelleuchte. Plötzlich habe ich ein Element, das einen Teil der Spitze der Komposition auch von dieser Kante bluten lassen kann und das schafft ein wenig mehr Balance in der Gesamtzusammensetzung. Die Sache, die Sie hier wegnehmen müssen, aber Ihre Zeichnung und die Szene, die Sie illustrieren möchten , ist, dass Sie, wenn Sie über Komposition nachdenken, entscheiden können, welche Elemente wohin und was ihr Maßstab ist. Sie können sie übertreiben, Sie können sie verringern. Sie können sie größer oder kleiner machen, alle arbeiten an Ihrem Ziel die Geschichte zu erzählen, die Sie zu erzählen versuchen, und erstellen Sie eine Komposition, die Sie mögen. Sie müssen sich nicht an das halten, was Ihre Referenzen Ihnen in Wirklichkeit gesagt haben. Du nimmst diese Realität und dann zermalst du sie. Es ist Plastik, es ist formbar, es legt Ihre Hände und Sie können damit zu Ihrem eigenen Vorteil arbeiten. Das ist meine sehr grobe Skizze. Jetzt gibt es etwas, das ich fühle, fehlt, weil ich die Studiobeleuchtung habe. Ich denke, ich brauche etwas, das auf eine Kamera verweist, also könnte ich die Kamera wieder hier aufstellen, aber es ist ein bisschen subtil. Ich glaube nicht, dass es im Bild überhaupt lesen wird. Anstatt mein Laptop hier zu sein, habe ich hier ein kleines Stativ mit der Kamera gesteckt. Es gibt eine Möglichkeit für mehr Kabel und Akkorde. Was ich auch mit der Kamera auf diesem kleinen Stativ mag, ist, dass es die Stative der Studiobeleuchtung reflektiert , also einige interessante Dinge, die dort vor sich gehen, aber es gibt einige Dinge, die in diesem Bild zu klären sind. Lassen Sie uns dies jetzt in eine raffiniertere Skizze im nächsten Video bringen. 17. Abschlussprojekt: Verfeinerte Skizzen: Sobald ich meine Komposition in grober Form ausgearbeitet habe, ist es Zeit zu verfeinern. In dieser Phase weiß ich vor allem, was in meiner Illustration sein wird und wo sie platziert werden. Jetzt ist es an der Zeit, alles mehr zu klären. Hier habe ich meine grobe Skizze mit mehr Konfidenzstrichen so sauber und artikuliert wie möglich verfolgt . Das ist meine Chance, einige Dinge herauszufinden, die ich in den Rauhen nicht wirklich gelöst habe. Ich werde hier etwas mehr Zeit damit verbringen, spezifisch zu sein, zu fragen, was jede Marke sein soll, und dann diese Absicht klar machen. Am Ende dieser Phase sollten Sie eine Skizze haben, die Sie sicher sind, dass Sie Ihren Illustrationsstil abschließen können. In meiner Kundenarbeit sind es Skizzen aus dieser Phase, die ich ihnen zeigen werde, bevor ich in die endgültige Kunst übergehe. In der Tat, nachdem der Kunde ein Projekt gestartet hat, wird er bis zum Ende der raffinierten Skizzenphase nichts von mir sehen. Ich möchte sicherstellen, dass sie die Chance haben, so viel von meiner Vision so klar wie möglich artikuliert zu sehen . Es ist nur in einer raffinierten Skizze, dass ein Kunde richtig Feedback zu den drei C geben kann: Inhalt, Zusammensetzung und Konzept. Ich möchte Fragen vermeiden, wie, was oder wer ist das? Wenn die Skizze nicht selbstverständlich ist, wie sie die Geschichte oder Botschaft erzählt, gibt es noch mehr Arbeit zu erledigen. Also habe ich aus meinem Gedächtnis und mit einigen künstlerischen Entscheidungen eine Szene meines Arbeitsbereichs abgebildet , und ich habe beschlossen, mich mit meinem Studio-Setup in der Workspace-Aufnahme zu haben. Ich habe einige Änderungen an der Realität der Situation vorgenommen, um die Geschichte besser zu erzählen, und ich habe Änderungen an der tatsächlichen Größe und Größe der Dinge vorgenommen , um zu helfen, den Rahmen besser anzupassen und den Rahmen besser zu füllen. Also das nächste, was ich tun möchte, ist, das einfach zu verfeinern. Also werde ich nur diese Skizze nehmen, ich werde seine Deckkraft herunterwählen, damit ich sie sehen kann, aber nicht zu viel, aber nicht zu viel, und dann eine Ebene über oben hinzufügen und anfangen, dies mit selbstbewussten Linien zu verfeinern. Nun, natürlich, wenn Sie auf Papier zeichnen, können Sie einfach ein weiteres frisches Blatt Papier darauf legen und einen hellen Tisch verwenden, um Ihre raffinierte Skizze zu erstellen. Sie können Transparentpapier verwenden, das ist im Grunde, was ich tue, indem ich eine Ebene über eine transparentere Version meiner groben Skizze hinzufüge. Ich werde nur wieder mit den dominanten Formen beginnen. An einem bestimmten Punkt werde ich mich mutig genug fühlen, einige der schwierigeren Teile wie die menschliche Figur zu tun . Mein Illustrationsstil ist sehr flach und stilisiert, so dass alles, was ich jetzt in meiner raffinierten Version zeichne , auf diesen abgeflachten Stil ausgerichtet ist. Hier nutze ich die Gelegenheit, alles zu verfeinern, sicherzustellen, dass es besser aussieht als in meiner groben Skizze. Vielleicht ein wenig mehr Aufmerksamkeit auf einige dieser subtilen Details, wie zum Beispiel, was näher und weiter entfernt ist. Ich werde jetzt eine harte Zeit mit dieser Hand haben, denke ich, also was ich tun könnte, ist einfach so zu tun, als ob ich meine Hand zwischen meine Beine gesteckt habe, was nein, ich glaube nicht, dass das auch funktionieren wird. Wenn Sie auf etwas stecken, später darauf zurückkommen oder jetzt einen Fehler machen, und Sie können es in einer weiteren Iteration verfeinern, denke ich. Das Beste, was ich jetzt tun kann, ist, etwas zu tun , das irgendwie falsch aussieht und dann werde ich es später herausfinden. Ich trage oft einen Hut. Ich bin klein in diesem Stuhl, und deshalb denke ich, was ich tun werde, vielleicht, was hier nicht funktioniert, ist, dass meine Waage zu klein ist. Also denke ich, das klappt besser. Auch hier möchte ich nicht zu fest daran bleiben, ich werde wahrscheinlich später noch einmal darauf wiederholen müssen. Nun, während Sie iterieren, verlieren Sie die Frische einiger der darunter liegenden Skizze. Die grobe Skizze, obwohl sie nicht verfeinert genug ist, um eine endgültige Skizze zu sein , hat sie eine gewisse Lebendigkeit oder Lebendigkeit, die Sie vielleicht nie wieder wiederholen können. Das ist nur die Realität, wie die Dinge funktionieren, wenn man in Richtung Illustration skizziert, und ich bin gerade gewachsen, damit in Ordnung zu sein. Mein Ziel, wenn ich auf Illustration für Kunden skizziere, ist es immer, etwas klar zu haben, und dass ich weiß, dass ich es in meinem letzten Stil tun kann. Auf dem Weg gibt es einige Opfer. Ich iteriere über etwas verloren ist, etwas Mark oder Doodle, das ich für erstaunlich hielt und eine Menge Charakter hatte. Ich steckte es weg und schaue es nie wieder an, weil es tatsächlich wahr ist, dass es besser war, aber es spielt keine Rolle, dass es besser war, was zählt, ist, dass ich, wenn ich komme und meinem Klienten meine Skizze zeige, ich will nicht verwechseln sie mit all diesen Optionen wie „Wir sollten diesen guten Teil von diesem und diesem guten Teil aus dieser anderen Skizze nehmen , alles zusammen. Es ist zu verwirrend und Sie verlieren eine Menge Ihrer kreativen“ Führung in dieser Situation. Das Beste, was Sie tun können, ist nur die nächste Iteration als insgesamt besser als die letzte. Es ist knackiger, es ist klarer. Ja, bestimmte Feinheiten gehen verloren, aber die allgemeine Flugbahn ist, dass Sie das Bild besser machen. Während ich einige dieser Stäbe in der Abbildung hier zeichne, die Beine auf dem Tisch, stehen die Beine auf dem Tisch, die Beine auf der Pflanze, die Beine auf den Stativen der Studiobeleuchtung. Ich drücke sie jetzt mit einer Art von Linie aus, die viel näher an der Art von Linie ist, die ich in meiner Illustration verwenden werde. Also versuche ich, nur ein oder zwei Linienstärke zu verwenden und das schafft eine allgemeine visuelle Harmonie. Wenn Sie mehr über einige dieser stilistischen Entscheidungen wissen wollen, hat meine Klasse Sweet Spots jede Menge Ideen über Entscheidungen wie diese, was ich Ihre stilistischen Entscheidungen nennen würde, und dann spreche ich über Stilpalette, wo Sie tatsächlich voreinstellen, welche Art von Linienqualität und -stärke Sie arbeiten werden, bevor Sie überhaupt mit der Arbeit beginnen, und dann disziplinieren Sie sich selbst, um an diejenigen im ganzen Stück zu bleiben, und es schafft diese visuelle Harmonie, nur weil Es gibt nur eine Sache vor sich, statt viele verschiedene Dinge, die stilistisch ablaufen. Manchmal zeichne ich eine Referenzlinie, die mir ein Gefühl gibt, dass dies zum Beispiel eine Horizontlinie auf dem Boden ist, die ich auf dieser Seite zusammenpassen möchte. Es gibt hier mehr Abflachung als in der vorherigen Iteration. Ich sehe einige widersprüchliche Linien, die dort sehr beschäftigt sind, über die ich mir nicht wirklich sicher bin, aber ich werde weitermachen. Das kann ich in der nächsten Runde bearbeiten. Ich muss mich bewegen, wo mein iPad war, so kann es jetzt sehen, dass ich meine Figur vergrößert habe, und ich muss etwas in diesem Raum füllen möglicherweise. Ich kann wenigstens ein Mikrofon hier setzen. Ich werde mein MacBook hier setzen, nur um den Raum zu füllen. Ich erinnere mich auch, dass ich Regalhalterungen hatte. Nun, da dieses Licht unten hängt, gibt es einige Dinge, die hier hinten verdeckt werden, also halte ich es vielleicht einfach da hinten. Während ich diese Rahmen in meine Skizze ziehe, bin ich unentschlossen, was in ihnen hineingehen wird. Weil es so eine geschäftige Komposition ist, vielleicht helfen nur Frames mit weißem Raum, die durchkommen , dem Bild ein wenig zu atmen, aber es könnte auch in Ordnung sein, nur sehr abstrakt zu sortieren, dass es sich um Plakate handelt, oder Bilder, oder so etwas. Ich weiß nicht, wie spezifisch ich werden möchte. Möchte ich eigentlich spezifisch sein und 4chan setzen , dann versuchen Sie, die Illustration zu imitieren, die auf dem Magazin ist, das ich eingerahmt habe? Es könnte zu spezifisch sein. Es hängt davon ab, ob ich will, dass das mehr dokumentarisch ist oder ein bisschen mehr von einer Idee über nur einen Kerl. Nun, weil das schon sehr spezifisch ist, haben wir Studiobeleuchtung, und es ist in gewisser Weise mehr Dokumentarfilm als mehr nur coole Kerl in einem coolen Studio, also muss ich darüber nachdenken. Selbst wenn ich mitmache, frage ich mich, möchte ich einige der Inhalte dessen ändern, was hier ist, nur um es zu vereinfachen oder es einem Außenseiter vertrauter oder erkennbarer aussehen zu lassen? Das sind Fragen, die ich stelle und beantworten könnte, indem ich verschiedene Dinge ausprobiere , denke ich, eines der Dinge, für die ich in diesem werde, ist Klarheit. Was auch immer ich hier einschließe, ich muss klar sein, was es ist, damit ich weiß, wie ich es in meinem letzten Stil veranschaulichen kann. Es sieht so aus, als würde ich in eine nächste Iteration davon gehen. Also werde ich nur die vorherige grobe Skizze verstecken und dann werde ich diese hier abstummen oder sie weniger sichtbar machen, es ist, als ob ich darüber ziehe. Also schaue ich mir meine Komposition an. Ich fühle mich ziemlich gut darin. Ich möchte nur ein paar Dinge klären. Ich hatte das Gefühl, dass es hier einige Konflikte mit der Pflanze und dem Studiolicht gibt. Was ich also tun könnte, ist, einen Weg zu finden, tatsächlich eines davon zu entfernen. Ich denke, was ich tun könnte, ist, die Pflanze zu behalten und sehen, was passiert, wenn ich das zweite Licht entferne. Ich glaube, ich könnte diese Blätter wiederholen. fühlten sich ein bisschen zu schwer durch die Mitte, ich mag, was ich vorher hatte, und dieser Kerl, ich mag es, wo er war. Ich schlich mir nur einen Blick auf mein Licht, nur um herauszufinden, wie dieses Stück da drauf passt. Also habe ich ein bisschen betrogen, aber es war im Geiste, die Dinge klarer zu machen. Ich habe nicht wirklich bestimmt, welche Farbe der Teppich sein wird. Wird es eine einfarbige Farbe sein? Wird es ein Muster sein? Das kann ich später herausfinden. Hände sind ein Ansteckpunkt, wenn es darum geht, Menschen zu illustrieren. Jetzt bin ich aus irgendeinem Grund von T-Shirt zu Button Down Shirt gegangen. Wenn man diesen Kerl vom Hinterkopf abbildet, braucht man sich automatisch keine Gedanken darüber machen, wer er ist, sein Gesicht aussieht, diese Art von Sachen. Dies ist eine letzte Entscheidung zu treffen, und es schafft tatsächlich mehr Mystik im Bild selbst. Weil ich seine Hand so gemacht habe, sieht es wirklich so aus, als würde er jetzt reden und etwas tun. Es gibt etwas Interessantes über die Art und Weise, wie seine Hand positioniert ist, gibt es etwas Action. Ich kann mich nicht wirklich erinnern, wie mein kleiner Mikrofonständer funktioniert hat, also werde ich es nur wirklich abstrahieren, in der Hoffnung, dass Sie die Idee eines Stands bekommen. Wenn Sie in Procreate zeichnen und nur sicherstellen möchten, dass die Dinge ausgerichtet sind, können Sie immer einfach auf Ihre Zeichenführung zurückwerfen, und Sie verwenden das nur, um sicherzustellen, dass, für mich, wie ich diese Kante von den Schreibtisch, um auf der Website als auch aufzustellen, so können Sie den Zeichenführer verwenden, um sicherzustellen, dass alles so ausgerichtet ist, aber ich versuche, nicht auf solche Dinge zu verlassen, wo alle Dinge beginnen, wirklich gridy aussehen. Irgendwo auf dem Weg verlor ich meine Mülltonne, schätze ich, wenn ich die Pflanze dort legte. Vermeiden Sie die Versuchung, alles zu füllen. Also ziehen Sie das Regal direkt über, dieses Regal bis hierher. Das ist der Boden. Ich werde später überlegen, was ich damit machen soll. Manchmal hilft es, die Unordnung der darunterliegenden Skizze auszuschalten. Sie können sehen, woran Sie jetzt arbeiten, ein wenig deutlicher. Ich werde nur auf eine Kommode hinweisen, ohne dass es den ganzen Weg ist, nur der Rand davon. Von der Iteration bis zur Iteration halte ich Dinge, einige Dinge gleich, ich zeichne sie einfach wieder neu, nichts dagegen. Hier ist nur eine stilisierte Pflanze, die es nicht gibt, aber ich wollte etwas, um diesen Raum zu füllen und ich hatte das in meiner Phantasie zur Verfügung, also habe ich es einfach dort gelegt. Wenn andere Menschen eine Szene wie diese betrachten, solange man Dinge hineinlegt, die ihnen vertraut erscheinen, werden sie nicht von ihnen abgelenkt. Sobald Sie etwas Obskures in den Mix setzen und es nicht klar ist, was es ist, werden die Leute sich den Kopf kratzen und sich fragen, was es ist. Es kann ablenken. Wenn Sie nur die Form einer Flasche, die Form einer Pflanze, die Form eines Bilderrahmens haben, sind diese Dinge ziemlich generisch. Es ist nicht zu sagen, dass Ihre Illustration generisch ist, aber Sie haben beschlossen, nur einige vertraute Dinge in der Szene zu behalten, die Menschen zumindest nicht abgelenkt oder idealerweise sogar identifiziert werden können . Es ist seltsam, dass es Blumen gibt und jetzt überdenken wir darin, aber es ist seltsam, dass es Blumen gibt und kleine Tassen, also lass mich einfach Blumen hinzufügen. Ich wähle hier, um die Dinge wirklich viel zu stilisieren und sie aus der Realität zu entfernen, aber es könnte tatsächlich eine interessante Illustration machen, um einige der Dinge, die tatsächlich in meinem Studio sind, in tatsächlich zu halten. Wie ich schon sagte, es könnte dokumentarisch sein, es könnte mehr über die Realität sein und das könnte auch interessant sein, aber was ich in dieser Klasse zeigen möchte, ist, wie man stilisiert, abstrakt, vereinfacht und in gewisser Weise zu verallgemeinern, um die Wirkung von eine Idee klar zu kommunizieren. Ich habe beschlossen, alle Arme dieser Klammern so zu bewegen, nur weil es besser funktioniert, Dinge zu passen und die Dinge gleichmäßig zu halten. Ich will hier eine andere Form. Ich werde so tun, als hätte ich einen Wimpel. Ich weiß nicht, was es sagt, aber es ist interessanter, eine andere Form dort zu haben, ein Dreieck und das Dreieck schön. Jetzt, wo ich es anschaue, hallt das Dreieck dort und hier, vielleicht werde ich meine Sonnenbrille zurückbringen, und vielleicht werde ich rau in einigen Mustern hier. Ich muss nicht spezifisch sein, ich kann nur implizieren, dass es ein Muster gibt, und wenn ich dies zuerst einem Kunden für die Abmeldung zeigen muss, müssen wir nicht in eine Unterhaltung darüber eingehen, was genau dieses Muster ist, bevor ich Ich bin bereit, diese Entscheidung zu treffen. Lassen Sie uns die zugrunde liegende Skizze ausschalten, und ich fühle mich wirklich gut darüber, wohin das geht. Ich denke, es braucht nur eine Kleinigkeit. Wir haben diesen großen, offenen Monitor hier mit nichts auf dem Bildschirm, und was wäre, wenn dieser Typ sich selbst in seinem Studio aufnimmt. Es ist seltsam, weil die Kamera hier drüben ist. Ich möchte, dass etwas auf dem Monitor ist, also lasst uns das herausfinden. Es könnte sein, dass ich dieses Bild zeichne. Ich könnte mit einem Stift in meiner Hand dieses Bild zeichnen und es ausarbeiten. Ich finde das nur heraus, während ich mitmache. Ich habe die Grundidee der Szene erledigt. Wenn ich wollte, könnte ich es ins Finale nehmen, aber ich wohne nur ein bisschen hier und sehe welche lustigen kleinen Überraschungsdetails ich hinzufügen könnte, um es interessanter zu machen. Da ist etwas daran, das ich mag. Die Zeichnung hier wird sehr vereinfacht, verglichen mit der Zeichnung, die ich hier mache, aber es ist ein nettes kleines Nugget, um in der Szene zu entdecken , wo dieser Typ ein Bild von einem Bild zeichnet, in dem er sich befindet, und es gibt ein Kamera-Setup. Hier geht nur eine Geschichte vor sich. Ich bin bereit, das in die letzte Illustration zu bringen. Ich bin sicher, dass es einige seltsame Dinge gibt, die ich vermisst habe, aber größtenteils bin ich damit zufrieden. wir vielleicht sicher, dass ich das dupliziere, nur um es zu speichern und dann eine dieser Kopien hier zu öffnen. Was ich tun möchte, ist nur das Original mit dem raffinierteren zu vergleichen. Lassen Sie uns die raffiniertere auf der rechten Seite und desto rauer auf der linken Seite. Wie Sie sehen können, legte ich sehr schnell alle meine Dinge aus dem Gedächtnis in der ersten groben Skizze. Als ich das tat, entfaltet sich eine Geschichte über das, was vor meinen Augen geschah. Ich kam nicht in der Planung, eine Geschichte über einen Mann auf seinem Computer zu machen mit einem selbstreferenzierenden Bildschirm des Bildes selbst und all das, alles, was ich wusste, war, dass ich eine Szene von mir und meinem Arbeitsplatz oder einem Mann in seinem Arbeitsbereich machen würde und ich hatte alle diese Teile bereits zu arbeiten. Als ich diese auslegte, konnte ich herausfinden, was meine Komposition war, welche Elemente darin blieben, welche Elemente herausgingen, welche neuen Dinge ich einführe, wie vereinfachte ich all diese Entscheidungen, die ich getroffen habe, um die Komposition stärker zu machen und die Geschichte besser zu erzählen, und um Dinge wie Konflikte zu beheben bei denen sich viele Dinge überschneiden, die ich dachte, ein bisschen aufgeräumt werden könnten. Dieser Prozess der Verbesserung und Verfeinerung wird sogar bis in die endgültige Kunst fortgesetzt, aber natürlich, wenn ich dies einem Kunden zeigen würde, würde ich sicherstellen, dass sie sich auf Inhalt, Komposition und Konzept abzeichnen, also will ich nicht zu verrückt in dem, was ich zwischen diesem in meiner letzten Kunst ändern. Der Kunde wird jetzt erwarten, etwas so sehr zu sehen, aber in meinem Stil und in Farbe mit einigen Texturen und in anderen magischen Bits wie diesem. Die Dinge werden mehr oder weniger gleich bleiben, aber ich habe vielleicht Einblicke darüber, was ich tun kann, was hier vor sich geht. Zum Beispiel im Finale, aber vielleicht wird alles perfekt ausgerichtet und ich werde keine Anpassungen an der Komposition vornehmen müssen, also werde ich das als nächstes tun, und ich werde dich in der nächsten Video. 18. Abschlussprojekt: Abgeschlossenes Kunstwerk: [ MUSIK] Sobald Sie Ihre Skizze verfeinert haben, ist es Zeit, Ihre Magie zu bearbeiten und sie zu einer vollendeten Illustration zu machen. Wie ich schon sagte, hier bringen Sie Ihre eigenen Werkzeuge und Techniken in das Projekt. Ich zeige Ihnen einen Überblick über meinen Prozess, aber die große Idee hier ist, wie sich mein Zeichnungsstil nahtloser mit meinem endgültigen Illustrationsstil verbindet. Jetzt sind Sie an der Reihe, die Prinzipien dieser Klasse auf die Probe zu stellen [MUSIK] in dieser Klasse, alles Zeichnen und Skizzieren führt zu einem Endziel, der abschließenden Illustration, dies zeichnet sich in Richtung Illustration und alles, was wir haben getan hat mit einer Richtung und einem Zweck gewesen. Als Illustratoren zeichnen wir nicht für einen Lebensunterhalt. Wir kreieren Bilder, die kraftvolle Geschichten erzählen und sinnvolle Ideen visuell überzeugend ausdrücken. Wenn Sie Ihre Illustration fertig sind, teilen Sie sie bitte auf der Seite „Klassenprojekte“. Aber vergessen Sie bitte nicht, uns den ganzen Prozess zu zeigen, der dazu führt. In der Tat ist dies das Wichtigste, was in dieser Klasse zu zeigen ist, um den Fortschritt von Modus 1 oder Beobachtungszeichnung zu Modus 2 oder ideelle Zeichnung zu zeigen. Es ist in diesem Übergang, wo Ihre Stimme im Vertrauen zu scheinen beginnt, ob Sie es mögen oder nicht. Meine Hoffnung ist natürlich, dass Sie beginnen, sich in das Zeichnen auf Ihre eigene Weise zu verlieben, dass Sie selbstbewusst und mutig werden, wie Sie in Richtung Illustration ziehen. Wenn Sie aufgeregt sind, etwas auf Instagram zu teilen, lassen Sie es mich bitte wissen, indem Sie mich @mrtomfroese taggen und die #drawingtowardillustration verwenden. Dies ist eine der besten Möglichkeiten, mir zu zeigen, was du und ich bin immer dankbar für den Hype, aber vor allem bin ich so dankbar für die Zeit, die du gewählt hast, mit mir zu verbringen. Alles klar, Leute, es ist Zeit, diese Illustration abzuschließen. Ich habe meine Skizze bereits von Procreate auf meinen Mac geschickt. Jetzt habe ich es in Photoshop geöffnet und natürlich ist Photoshop das, was ich benutze, um meine Illustrationen zu vervollständigen und ich ermutige euch eure Illustrationen mit den Tools und Techniken zu vervollständigen, die ihr gerne benutzt. Für viele von euch, die in Procreate bleiben und es genau dort fertigstellen werden, finde ich das großartig. Viele von Ihnen werden einen ähnlichen Workflow haben wie bei Photoshop. Vielleicht sind Sie eher auf Vektorillustration, wie auch immer Sie es tun. Um ehrlich zu sein, dass Sie alles gelernt haben , was Sie brauchen, um in dieser Klasse zu lernen. Wir haben jetzt gelernt, in Richtung Illustration zu ziehen, und alles , was noch zu tun ist, ist tatsächlich die Illustration in einem abschließenden Stil zu beenden. Wenn das aus dem Weg ist, lassen Sie uns dieses Ding alles illustrieren. Ich habe diese Skizze von Procreate geöffnet, aber natürlich muss ich eine tatsächliche finale Illustrationsdatei in Photoshop erstellen. Was ich tun werde, ist eine neue Datei zu erstellen und ich möchte, dass dies meine endgültige Druckgröße ist, die acht Zoll mal 10 Zoll ist. Natürlich möchte ich es 300 Pixel pro Zoll machen , damit es schön gedruckt wird, wenn das jemals das war, was ich tun wollte. Ich behalte meinen Farbraum in RGB und viele Leute denken vielleicht anders darüber nach, aber so habe ich angefangen. Ich empfehle, im RGB-Farbmodus zu arbeiten. Lassen Sie uns einfach diese neue Datei öffnen und das erste, was ich tun möchte, ist, nehmen Sie einfach diese raffinierteste Version der Skizze und kopieren Sie sie und fügen Sie sie einfach hier in mein Dokument ein und dehnen Sie sie einfach bis an die Ränder. Wie immer möchte ich meine Skizze auf etwa 30 Prozent Deckkraft reduzieren und dann erstelle ich darüber eine Ebenengruppe, die ich „Art“ nenne. Dies ist, wo ich die gesamte Kunst in die endgültige Abbildung setze, landet alles in dieser Ebenengruppe und ich setze nur die Transparenz dieser gesamten Ebenengruppe so ein, dass sie multipliziert und auf diese Weise alles, was ich innerhalb dieser Gruppe mache , wird die Skizze durchscheinen. Also fangen wir an. Um zu beginnen, beginne ich einfach eine Form zu machen, wo mein Auge hinführt, die sich in der Mitte der Komposition befindet und sofort arbeite ich Farbe aus. Jetzt habe ich eine Go-to-Farbpalette und ich benutze diese Palette mit fast jedem Projekt, es sei denn, ich werde von meinem Kunden verlangt, ich bleibe einfach daran, so dass meine Entscheidung, welche Farben zu verwenden ist sehr einfach. Hier blockiere ich nur in Formen der Farbe und natürlich erinnere ich mich an dieser Stelle, um mein Dokument zu speichern, sehr wichtig, wenn Sie an einer sehr detaillierten Illustration arbeiten. Hier werde ich die Form des Pflanzgefäßes von der Orange unten ausschneiden , so dass ich effektiv eine negative Form dort habe , die Seitenfarbe durchgeht, und jetzt gehe ich auf den Bildschirm. Hier arbeite ich heraus, wie man diese Ecken auf eine schöne, saubere Art und Weise abgerundet aussehen lässt. Manchmal muss ich von vorne anfangen, nur um sicherzustellen, dass alles so knackig und sauber wie möglich ist. Abgerundete Ecken sind wirklich schwierig, von Hand zu tun, wenn Sie keine automatische Funktion wie das, was Sie in Adobe Illustrator erhalten können. Photoshop ist ein bisschen anders. Jetzt mache ich die Muscheln. Dies ist ein einfaches Kopieren und Einfügen, aber natürlich, wenn Sie kopieren und einfügen erhalten Sie nicht nur ein Duplikat der Form, sondern ein Duplikat Ihrer Macken und Unfälle, so dass Sie diese Unfälle loswerden wollen. Ansonsten sehen Sie zwei desselben Unfalls, der sie verstärkt. Hier ist das erste Mal, dass ich Linienarbeit in die Gleichung einführe und jetzt das, was ich in der späten Zeit getan habe, auch auf die Beine der Stühle, immer mit einem sehr ähnlichen und konsistenten Löwenstil. Ich benutze hier einen Pinsel, um die Tennisbälle für die Füße hinzuzufügen. Hinzugefügt ein paar kleine Details, um sie mehr Tennisball-like zu machen und letztendlich habe ich hier beschlossen, diese Risse in den Tennisbällen mit einer sehr einfachen Form zu machen . Arbeiten Sie jetzt an den Pflanzbeinen und verwenden Sie genau den gleichen Pinselstrich wie die Beine auf dem Stuhl. Manchmal dauert es ein paar Versuche, diese Zeilen genau so zu bekommen, wie ich sie wollen. Hier frage ich mich, ob es die richtige Idee ist, den Schreibtisch direkt gegenüber zu haben. Vielleicht möchte ich stattdessen den Schreibtisch in der Mitte der Komposition haben, damit die ganze Seite nicht in zwei geteilt wird, mit der großen dunklen Linie des Schreibtisches in der Mitte. Ich finde immer, menschliche Figuren mit dem Stift-Werkzeug zu tun, wie ich einen der kniffligsten Teile einer Illustration, nur weil man all diese überlappenden Schichten und Teile des Arms über dem Körper und so etwas hat. Langsam aber sicher arbeite ich es heraus, etwas Hautton da drin zu bekommen und natürlich einige Haare. Ich arbeite immer noch die Farben aus, vielleicht wird das hellblau für meinen Bildschirm funktionieren, ich bin mir nicht sicher, noch und wieder, ich bin immer noch daran, ob ich will, dass der Schreibtisch direkt über den Bildschirm oder die Seite schneiden. Vielleicht, indem sie es ein helleres rosa statt dieses dunkelblau, das wird beseitigen, dass der Effekt des Schneiden der Seite in zwei Hälften. Hier füge ich Details zu dieser Schublade hinzu und was ich hier finden werde, ist, dass nur das Kopieren und Einfügen der Linie mit einem kleinen Ziehgriff dort eine schöne Wiederholung und ein harmonisches Aussehen erzeugt , nur durch Kopieren und das einfügen und sich einfach nicht zu sehr darum kümmern, gleichmäßige Abstände zu haben. Das fügt auch ein bisschen mehr menschliche Qualität hinzu. Jetzt die Formen der Beine ausarbeiten. Immer ein bisschen ein Prozess, um das zu klären. An dieser Stelle versuche ich mit den Schuhen herauszufinden, welche Farbe sie haben werden, damit sie sowohl mit meinen Beinen als auch mit den Hintergrundelementen kontrastieren. Ich stellte das Grau vor, was eigentlich nicht anders ist als die Farbe meiner tatsächlichen Schuhe im wirklichen Leben. Halten Sie diese Linienstriche mit allem anderen konsistent. Ich habe im Grunde zwei Zeilenstriche in Bezug auf die Breite. Ich habe die dünnere, wie Sie in den Details des Schuhs sehen und die dickeren, wie Sie in den Beinen des Stuhls sehen. Hinzufügen von einigen weißen Linien fügt einige schöne Details und Trennung zwischen den dunklen Elementen meiner Kleidung, und dann zu sehen, ob ich einige Falten hinzufügen kann um das Gefühl der Biegsamkeit meiner Beine zu verbessern. Wieder, einfach nur herumspielen, sehen, was funktioniert, ein wenig zu viel tun und es dann zurücknehmen. Was ist das richtige Gleichgewicht zwischen der Linie die die beiden Beine trennt und die Falten dort hat, und jetzt arbeite ich daran, sollte ich Nähte oder andere Facetten oder Merkmale in den Genen dort haben? Dann sage ich nein. Es war ein bisschen zu auffällig, also nahm ich es weg. Ich versuche, diese Finger genau die richtige Form zu bekommen. Jetzt ist es in Ordnung, die Skizze für eine Weile wegzunehmen , nur um zu sehen, wie das Kunstwerk von alleine steht. Jetzt werde ich ein paar Klammern für die Regale hinzufügen und wieder, es ist eine Kopier- und Einfügeoperation hier, weil diese Elemente sehr gering sind, so dass sie wiederholen können, erzeugt eine schöne Konsistenz auf eine sehr einfache, saubere Art und Weise. Jetzt füge ich die Formen für das Studiolicht hinzu und ich werde herausfinden, wie ich diese Klappen am Licht mache. Werde ich Striche verwenden oder werde ich Formen verwenden? Letztendlich entschied ich, dass Formen der richtige Weg sind. Dann fussing ich herum mit den Details, wie diese Klappen an das Licht selbst befestigt sind und natürlich, was die Details auf der Rückseite des Feuerzeugs. Ich brauche nur genug, um vielleicht ein wenig Tiefe vorzuschlagen , nur um das Licht von etwas Präsenz zu geben. Aber ich werde ziemlich viel darüber aufregen, welche Details ich auf der Rückseite enthalten soll, also ist es nicht ablenkend. Jetzt arbeite ich das Muster auf dem Pflanzgefäß aus. Was ich hier mache, ist nur dafür zu sorgen, dass es in gewisser Weise natürlich aussieht, wie der Pinsel, den ich benutze. Eigentlich sieht es nicht aus wie ein digitaler Pinsel. Einige meiner Bleistiftpinsel sehen hier zu digital aus, also arbeite ich heraus, welche am natürlichsten aussehen und arbeite dann an der tatsächlichen Qualität jeder Linie in diesem Muster. Letztendlich erstelle ich eine kleine Reihe von Linien, die ich noch einmal wiederhole, nur um diese Konsistenz und Einfachheit zu haben. Jetzt ist es Zeit, herauszufinden, wie ich auf der Erde die Blätter der Pflanze erstellen werde, die in meinem Stil, der viele Formen mit dem Stift-Werkzeug verwendet, schwierig ist. Also habe ich diesen Pinsel gefunden, er verjüngt sich zu einem Ende und ich arbeite es hier draußen, und benutze einen Radiergummi, um nur die Enden jedes dieser Blätter auf der Pflanze zu schärfen. Ich entscheide jetzt, dass der Desktop gelb sein wird, und dann schätze ich , ob der Teppich von den Rändern bluten wird, stattdessen, schneiden Sie es fast bis zum Rand fest und jetzt spiele ich herum mit welchem Muster ich hinzufügen werde teppich. Wiederholen Sie zuerst das Muster und fügen Sie dann ein wenig Variation hinzu, damit es nicht vollständig ausgeschnitten und eingefügt aussieht. Ich fügte auch die roten Streifen darin hinzu, und dann beschließe ich, nur einen Ausfransen an den Enden des Teppichs hinzuzufügen und dies fügt mehr visuelles Interesse hinzu und hilft , dass die Kante des Teppichs einfach nicht so abrupt zu sein. Jetzt überlege ich, welche Farbe mein Hemd haben sollte. Auf dem Bild, aus dem ich das gezogen habe, trug ich ganz schwarz, aber das Hinzufügen des Shirts einer anderen Farbe wird wieder mehr visuelles Interesse im Kontrast zu schaffen. Jetzt arbeite ich am Rahmen des iPad und den Konturen des Stuhls, nur eine sehr einfache Linie wird tun, und jetzt füge ich mein MacBook hinzu. Jetzt wollte ich, dass es schwarz ist, genau wie der Bildschirm, der Hauptbildschirm in der Mitte ist schwarz, aber es kontrastiert natürlich nicht gut mit dem Studiolicht davor, also mache ich es stattdessen hellblau. Dann, natürlich, herauszufinden, welche Farbe dieser Bildschirm auf dem MacBook sein wird. Ich denke, darauf komme ich später zurück. Wieder, das Stativ für die Kamera in der gleichen Linienqualität zu tun , die ich für die Beine auf dem Stuhl und die Stative an den Studiolichtern gemacht habe, nur einige einfache Details für die Kamera selbst, nicht das Gefühl loyal zu den Farben der Kamera im wirklichen Leben. Ich habe keine rosa und blaue Kamera, aber ich will da etwas rosa. Ich dachte, dass das Hinzufügen der gleichen Farbe von Orange zu diesem kleinen Klemmlicht, so dass die gleiche Farbe wie die Pendelleuchte über mir macht Sinn. Ich schaue wieder ohne die Skizze, um zu sehen, wie alles zusammenkommt. Nun, ich finde, dass die Tennisbälle nicht genug kontrastieren mit dem Gelb in diesem Teppich, also frage ich mich, ob vielleicht das Hinzufügen von Schatten den Tennisbällen mehr helfen wird, aber ich habe das Gefühl, dass der Schatten einfach nicht wirklich funktioniert hier, es sticht wirklich heraus. Also schattiere ich stattdessen den ganzen Teppich und mache ihn einfach zu einem dunkleren Farbton, was diesen Bällen hilft. Nun fügen Sie das Kabel aus der Leuchte hinzu und bekommen nur das Kabelverdrehen genau richtig. Während ich Kabel mache, warum nicht den Stecker auf der anderen Seite des Bildes? Wieder erarbeiten, wie man diese Steckdose wie eine Steckdose aussieht, ohne sie zu überarbeiten. Hier arbeite ich heraus, wie ich die beiden Schubladen machen werde, und ich finde, dass das Wiederholen der Schublade auf der linken Seite und es auf der rechten Seite funktioniert perfekt. Ein Rad auf die richtige Reihe von Schubladen zu bringen, obwohl ich im wirklichen Leben keine habe, funktioniert gut. Jetzt arbeite ich an dem Anhänger. Richten Sie hier mein Raster ein, damit ich etwas Schriftzug für den Anhänger machen kann. Zuerst dachte ich, ich würde „Skillshare“ auf den Anhänger setzen, aber es passte nicht richtig, also schrieb ich stattdessen „cool“. Ich mache meinen Schriftzug etwas größer, als ich ihn normalerweise in der platzierten Endposition benötige und schrumpfe ihn dann nach unten und das lässt den Schriftzug etwas knackiger aussehen. Jetzt füge ich etwas Holzmaserung Textur für den Desktop hinzu. Zuerst zeichne ich es über die ganze Sache und dann lege ich es später in die Form des Desktops selbst. Jetzt passe ich die Farbe auf Weiß an, weil sie etwas subtiler ist. Nun, an meiner Wand habe ich verschiedene Bilder und Schallplatten mit Grafiken, die ich wirklich mag. Das ist also, was diese hier sind und ich werde herausfinden , wie viel Detail ich in diese Aufzeichnungen einschließe. Gehe ich in die Stadt und füge wirklich jede Menge Details hinzu oder ziehe ich es zurück und schlage einfach vor, was auf dem Cover ist, ohne super wörtlich zu sein? Also hier am Mikrofon werde ich herausfinden, wie man dieses Netz macht und ich finde, dass nur eine dünnere Linie tatsächlich gut funktioniert, und es einfach in einem Hash wie eine Kreuzschraffur-Textur oder ein Muster zu wiederholen, funktioniert großartig. Das Hinzufügen von ein paar Details zum Hut hilft , diesen Hut vom Bildschirm zu trennen , der die gleiche Farbe hat. Jetzt arbeite ich an einigen der Rahmen im Regal und um das Regal, und genau wie die Aufzeichnungen werde ich herausfinden, wie detailliert ich machen werde, was in diesen Rahmen ist. Wird es einfach weiß durchscheinen, wie die Seite, die durchscheint, oder werde ich tatsächliche Details hinzufügen, was in diesen Frames ist? Das ist etwas, was ich später herausfinden werde. Wenn ich nicht weiß, welche Farben ich verwenden soll, verwende ich einfach eine beliebige Farbe zufällig und mache Änderungen, wenn ich später brauche. Auch nur der Versuch herauszufinden, den genauen Anteil dieser Bücher, die ich übereinander liegen habe, funktionierte nicht für mich, also habe ich wieder angefangen und dann erkannte ich, dass das Telefon diese rote Farbe hat, also nehme ich gelesen aus dem Bücher und verwenden Sie es für das Telefon, das oben sitzt. Stattdessen mache ich das mittlere Buch weiß. Jetzt verbringe ich viel Zeit damit, nur zu versuchen , das Schnörkel oder die Spirale des Telefonkabels genau richtig zu bekommen . Nichts scheint zu funktionieren, bis ich dort nur ein kleines Kleines mache und da habe ich es. Jetzt geht es zu diesen Flaschen. Diese Flaschen sind auf meinem Regal, weil ich die Etiketten entworfen habe. Sie sind jetzt leer, aber ich liebe die Etiketten, also habe ich sie auf meinem Regal. Nur eine kleine weiße Linie, um die beiden zu trennen. Hinzufügen eines weiteren Datensatzes, der zwischen den beiden Regalen ist, Verschieben dieser Klammern, so dass sie die verschiedenen Dinge auf dem Regal aufnehmen können, und jetzt ist es Zeit, einige der Zeitschriften und Bücher im Regal zu machen. Also finde ich, dass nur durch einen einfachen Strich, um die Wirbelsäule eines Magazins darzustellen und die Farben zu variieren, ich habe ein schönes abstraktes Muster erstellt. Es ist eine nette einfache Art, die Zeitschriften darzustellen, ohne zu detailliert zu werden. Natürlich stellen Sie sicher, dass die Variation zwischen verschiedenen Farben in gewisser Weise unerwartet ist. Es ist nicht alles nur zufällige aussehende Farben wie ich ein paar in blau und rosa und rot dort oben gruppiert habe, vor allem diejenigen in kleinen Boxen, die ich zeichne Löcher auf jetzt. Ich versuche immer noch herauszufinden, welche Farbe die Schubladen unter dem Schreibtisch haben werden. Ich fand, dass Rosa etwas weniger intensiv war als das Rot. Umkreisen wieder auf das MacBook und fügen nur einige einfache subtile Details hinzu. Diese Dinge offenbaren sich mir, wenn ich mitmache. Wenn es drauf bleibt, lasse ich es einfach, komme später zurück, und normalerweise habe ich mehr Klarheit, wenn ich es tue. Jetzt mache ich einige der größeren Bücher in meinem Bücherregal. Das sind Couchtisch-Bücher. Also versuchen Sie einige breitere Stacheln hier in verschiedenen Farben, und sehen, wie das funktioniert. Ich kämpfe hier, um zu sehen, was funktioniert, und denke, vielleicht brauche ich eine Art Trennelement zwischen jedem Buch. Aber ich finde, dass sieht im Kongress mit anderen Dingen, die ich in den Regalen vor allem los habe. Letztendlich schrotte ich diesen Ansatz und beschließe, nur für die Linien zu gehen , die denen ähnlich sind, was ich im Regal oben habe, weil es egal ist, was wirklich da ist. Moment möchte ich nur vorschlagen, dass Bücher im Regal sind und ein Maß an visueller Konsistenz und Harmonie in der gesamten Komposition haben . es einfach und abstrakt und wiederholt halte kann ich mich nicht darum kümmern, welche Details sich auf diesen Stacheln der Bücher befinden. Ich wurde eingeholt, was diese Bücher waren und welche Farben sie waren, also habe ich es einfach verschrottet und ging mit etwas Einfacheres. Es war ein kleines Element, also war es egal. Sobald etwas sagt, zu viel Aufmerksamkeit auf sich zieht und es nicht wirklich als Mittelpunkt der Illustration gedacht ist, versuche ich es zu vereinfachen und zu dummen. Jetzt werde ich herausfinden, wie man eine transparente wie eine Glasvase macht. In meinem sonst flachen und einfarbigen Farbschema hier. Also nur die Vase mit einem blauen Umriss zu skizzieren, deutet darauf hin, dass klar ist, wo das Wasser nicht den ganzen Weg nach oben gekommen ist. Die Blumen, die ich nicht darüber nachgedacht habe, welche Art von Blumen das sind, nur Blumen im Allgemeinen. Jedes Detail dort spielt also keine Rolle, solange sie eine blumenähnliche Erscheinung haben und gut aussieht, dann bin ich glücklich. Hier arbeite ich nur ein paar Details von dem Clip oder der Klemme, die mich belästigen. Ich fand, dass der Kontrast und die Schattierung auf dem Teppich zu dunkel war, also heller ich ihn auf. Dann möchte ich noch ein paar kleine Punkte zu diesen Billy Kugeln hinzufügen. Jetzt arbeite ich ein paar Details für die Blätter auf der Hauspflanze. Kann ich die Zimmerpflanze interessanter und irgendwie vollständiger aussehen lassen? Nichts, was ich tue, funktioniert gut. Vielleicht wird etwas Weißes tun. Versuchen Sie es einfach weiter. Da ist etwas. Jetzt überarbeite ich es. Ich beschloss, es zu verschrotten und vielleicht später wieder darauf zu kommen. Jetzt arbeite ich ein Muster für mein Hemd. Eines meiner Go-to-Muster in meiner Illustration für Hemden ist natürlich Plaid, das ich auch sehr anziehe. Es gibt also ein autobiografisches Element, und hier versuche ich nur, dieses karierte Muster so schön und einfach, aber effektiv wie möglich zu machen . Immer versuchen, die Dinge locker und skurrlich aussehen zu lassen, ohne schlampig auszusehen, und auf der anderen Seite wollen Sie nicht, dass es überarbeitet aussieht. Schalten Sie die Skizze wieder ein, damit ich mit einigen Details fortfahren kann. So viel Farbvielfalt wie ich kann. Ausgleichen an der Stelle, an der die Farben in der Abbildung angezeigt werden. Hier ist noch ein transparentes Gefäß. Das ist ein Glas oben auf meinem Schreibtisch mit Linealen und Klebeband. Also hier kämpfe ich, um diese Form gleichmäßig aussehen zu lassen und letztendlich gebe ich auf und betrüge und kopiere die Seite auf die andere, so dass sie symmetrisch ist, und beginne dann mit dem Zeichnen in den Elementen oder dem Inhalt dieses Glases. Auch hier werde ich herausfinden, wie ich die Objekte in diesem transparenten Gefäß mit einem ziemlich soliden und flachen Farbschema repräsentiere . Braucht mich ein bisschen Zeit hier, aber ich komme irgendwann dorthin. Eine Menge Dinge, an denen ich festlege, ich lasse es einfach für jetzt und gehe zum nächsten, hier ist eine Sonnenbrille auf meinem Schreibtisch und ich bringe sie über genau, wie man diese Brille macht. Dann gehe ich zu einigen der anderen unfertigen Elemente. In diesem Fall die Pflanze auf meinem Regal. Für die Pflanze selbst werde ich die gleiche Farbe und den gleichen Pinsel verwenden , den ich für die Blätter der Pflanze, die Hauptpflanze auf dem Boden, verwendet habe . Diese große graue Box hier ist mein Drucker. Nun für die Details innerhalb des Bildschirms hier, die ein Bild des Bildes hier ist, halte ich es wirklich einfach, ich benutze nur einen Strich der Linie in einer Farbe und schlage dieses Bild vor, anstatt zu gehen und zu wiederholen ganzes Bild im Detail hier. Es ist genug für etwas in dieser Größe. Ich werde mich Zeit nehmen und dafür sorgen, dass es in Betracht gezogen wird, damit es nicht schlampig aussieht. Aber abgesehen davon halte ich es einfach. Nur harmonisieren Dinge mehr durch die Schaffung einer ähnlichen Ecke Stil auf den Bildschirm hinter dem iPad gibt es. Dann natürlich, weil ich am Astra Pad arbeite mein iPad als Grafiktablett verwende, sieht es auch, was auf meinem Bildschirm ist, also füge ich dieses Detail hinzu. Fügen Sie hier nur einige letzten Schliff dimmen Sie die Bilder auf meinen Bildschirmen dort ab. Sie sind also nicht ganz so offensichtlich und dominierend. Irgendwann finde ich die Farbe, die funktioniert. Ich habe das Gefühl, dass ich ein Element auf diese Bücher und vor diesem rosa Quadrat setzen möchte. Ich lande auf diesem Bier-Growler , den ich tatsächlich in meinem Regal habe, und lasse es dabei stehen. Jetzt füge ich endlich die Details zu dieser dunkleren Platte neben mir an der Wand hinzu und füge ein bisschen Handschrift hinzu. Auch hier kann die Arbeit an meinem Schriftzug ein wenig größer und dann die Skalierung nach unten machen, dass er knackiger aussieht, als wenn ich ihn gerade gezeichnet hätte diesmal mehr Schriftzüge für die gelbe Platte machen würde. Diese gelbe Platte ist ein Cover, das von Alex Steinweiss entworfen wurde, einem der großartigen Album-Coverdesigner der Mitte des Jahrhunderts. Hier nicht zu viele Details zu bekommen, nur vorschlagen, was auf der Platte steht, und dafür zu sorgen, dass ich das hinter den Herrschern verstecke. Jetzt arbeite ich daran, vielleicht etwas Schattierung hinzuzufügen, nur eine Berührung und machen das Kabel weiß hier, ich denke, war ein guter Schritt, weil es ordentlich ist, wie es irgendwie verschwindet und das Weiß in der Nähe meiner Füße und führt Sie dann von der Seite auf der Unterseite. Also war ich wirklich glücklich damit, wie sich das herausstellte. Fussing mit einigen weiteren Details. Endlich zurück zu diesem Glas Lineale und Klebeband auf meinem Schreibtisch. Lösen Sie das, erarbeiten Sie eine letzte Art von abstraktem Detail auf diesem Cover. Ich möchte nicht zu spezifisch sein und sie ablenken, also erstelle ich einen Blob und verfeinere den Rand davon, damit er besser aussieht. Holen Sie den Ton genau richtig. Ich spiele auch mit einem Ton in diesem Growler herum. Nur etwas dunkler, um dunkles Glas vorzuschlagen. Schließlich entscheide ich, dass ja, ich werde etwas in diese Rahmen setzen. Nur ein Vorschlag, was in ihnen ist, ohne zu spezifisch zu sein. Also nochmal, etwas mehr Handschrift zu tun. Dieser Rahmen hat ein Magazin mit einem Cover, entworfen von einem meiner Lieblings-Illustratoren, Ben Shahn. Ich werde nicht versuchen, das in der Abbildung hier nachzuahmen. Ich ziehe nur einen allgemeinen Blob da rein und das reicht. Gleiches mit dem Clown-Gemälde. Nur etwas Einfaches. Vergessen Sie natürlich nicht diesen sehr wichtigen letzten Schliff. Ich glaube, ich bin fertig. 19. Schlussbemerkung!: Na gut, Leute, das war's. Wir sind fertig. Vielen Dank, dass Sie alle Vorträge und die Grundierung durchgearbeitet haben, alle Übungen durchlaufen haben und natürlich das ganze Haus im abschließenden Illustrationsprojekt erziehen. Ich hoffe, du hattest viel Spaß bei der Arbeit durch die Aufgaben. Ich hoffe, Sie haben eine Menge über Zeichnen in Richtung Illustration gelernt. Ich hoffe besonders, dass Sie in all dem wertvolle Hinweise zu Ihrer eigenen, einzigartigen Stimme gewinnen. Wenn Sie irgendwelche Fragen auf dem Weg haben, wie immer, bitte fragen Sie mich, obwohl ich Ihre Fragen beantworte. Für allgemeine Fragen zum Inhalt in dieser Klasse können Sie mir eine Notiz auf der Diskussionsseite dieser Klasse schreiben. Wenn Sie ein genaueres Feedback zu den Übungen oder dem abschließenden Projekt wünschen, stellen Sie bitte sicher, dass Sie Ihre Arbeit auf der Projekt- und Ressourcenseite dieser Klasse veröffentlichen. Posting dort ist der beste Weg für mich zu sehen, was Sie machen. Ich mache es zu meinem Ziel, jedes Projekt, das ihr postet, zu sehen. Indem Sie Ihr Projekt posten, inspirieren Sie andere, dasselbe zu tun. Natürlich ermutige ich euch alle, sich die Projekte des anderen anzuschauen und sich gegenseitig hilfreiches Feedback zu geben. Ihr seid immer so ein Stand-up-Haufen, immer freundlich und respektvoll. Es ist immer eine Freude zu sehen, wie sich unsere Gemeinschaft von Kreativen gegenseitig aufbaut. Ich empfehle dringend, die Skillshare Community der kreativen Lernenden zu nutzen , indem ich Feedback von Ihren Kommilitonen ansuche. Vielleicht bieten Sie einen Handel Ihrer Kritik an ihrem Projekt, für ihre, auf Ihr. Wenn Sie etwas teilen, das Sie in dieser Klasse gemacht haben oder direkt aus der Aufnahme auf Instagram, verwenden Sie bitte den Hashtag drawingtowardillustration. Auf diese Weise kann ich wirklich mithalten mit dem, was du machst, jenseits dieser Klasse. Du weißt, ich liebe es, deine Arbeit in freier Wildbahn zu sehen. Vielen Dank, dass Sie Drawing Tours Illustration mitgenommen haben. Wir sehen uns in der nächsten Klasse.