Live-Encore: Von Drucktechniken inspirierte Illustrationen in Photoshop | Tom Froese | Skillshare
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Live-Encore: Von Drucktechniken inspirierte Illustrationen in Photoshop

teacher avatar Tom Froese, Illustrator and Designer

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Einheiten dieses Kurses

    • 1.

      Einführung

      2:19

    • 2.

      Von Durcktechniken lernen

      4:45

    • 3.

      Kursmaterialien

      11:43

    • 4.

      Photoshop einrichten

      5:50

    • 5.

      Große Formen erstellen

      15:39

    • 6.

      Farben schichten

      7:03

    • 7.

      Hintergrunddetails hinzufügen

      4:51

    • 8.

      Bäume zeichnen

      10:20

    • 9.

      Vordergrunddetails hinzufügen

      9:07

    • 10.

      Lettering hinzufügen

      7:20

    • 11.

      Letzte Gedanken

      3:29

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

2.314

Teilnehmer:innen

34

Projekte

Über diesen Kurs

Lerne, digitale Illustrationen im Stil von traditionellen Drucktechniken zu erstellen.

Tom Froese ist bekannt für seine Illustrationen, bei denen er das Beste aus analogen Drucktechniken in seine digitale Arbeit integriert. In diesem Kurs (aufgezeichnet mit Zoom und mit Teilnahme der Skillshare-Community) teilt er Schritt für Schritt seinen genauen Arbeitsprozess, mit dem er seine typischen flachen Illustrationen mit Textur erstellt.

Im Kurs bekommst Du die Möglichkeit, ihm dabei zuzusehen, wie er ein Projekt von der Skizze bis zur fertigen Illustration erstellt. Bei Deinem Projekt erhältst Du einen tiefen Einblick in Photoshop als leistungsstarkes Illustrations-Tool. Du lernst, digitale Pinsel zu verwenden, um Textur und Details zu erzeugen, digitale Stifte zu verwenden, um dickstrichige und kurvige Formen zu kreieren, und Schichten und Clipping-Masken zu nutzen, und vieles mehr.

Dieser Kurs ist ideal geeignet für Anfänger:innen und fortgeschrittene Illustrator:innen. Du erhältst Einblick in die Arbeitsweise eines professionellen Illustratoren und erlernst neue Techniken in Photoshop, die Du in Deiner eigenen Kunst anwenden kannst.

_________________________

Auch wenn wir während der Sitzung nicht auf jede Frage antworten konnten, würden wir uns freuen, von Dir zu hören – bitte verwende das Kurs-Diskussionsforum, um Deine Fragen und Dein Feedback zu teilen.

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Teacher Profile Image

Tom Froese

Illustrator and Designer

Top Teacher

Tom Froese is an award winning illustrator, teacher, and speaker. He loves making images that make people happy. In his work, you will experience a flurry of joyful colours, spontaneous textures, and quirky shapes. Freelancing since 2013, Tom has worked for brands and businesses all over the world. Esteemed clients include Yahoo!, Airbnb, GQ France, and Abrams Publishing. His creative and diverse body of work includes maps, murals, picture books, packaging, editorial, and advertising. Tom graduated from the Nova Scotia College of Art & Design with a B.Des (honours) in 2009.

As a teacher, Tom loves to inspire fellow creatives to become better at what they do. He is dedicated to the Skillshare community, where he has taught tens of thousands of students his unique approache... Vollständiges Profil ansehen

Level: All Levels

Kursbewertung

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Transkripte

1. Einführung: Solange ich mich erinnern kann, bin ich immer von alten gedruckten Dingen inspiriert worden. Die Art und Weise, wie die Farben überlappen, die Art und Weise sind die Farben so einfach und oft wirklich hell. Die Textur des Papiers ist warm und menschlich und sieht nicht rein digital aus. In Bezug auf die Arbeit heute in Photoshop, es sieht auch nicht total retro aus. Es ist etwas Frisches und jetzt dran, aber auch zeitlos daran. Das liebe ich an der Druckerei als Inspiration für die Arbeit, die ich mache. Hi, mein Name ist Tom Froese. Ich bin ein Illustrator und ein Top-Feature hier auf Skillshare, wo ich Zehntausenden von Studenten geholfen habe, die Welt der kommerziellen Illustration zu entfalten. Ich habe für eine ganze Reihe von erstaunlichen Kunden gearbeitet, einschließlich Airbnb, Yahoo! , The Wall Street Journal, nur um ein paar zu nennen. Mein Stil ist sehr lebendig und lebhaft. Ich benutze helle Farben und halte es auf der Hackerseite. Diese Klasse wird PrintMaking-inspirierte Illustrationen in Photoshop genannt. Ich möchte nur mit euch teilen, wie ich meine Illustrationen von Skizze bis zum fertigen Stück erstelle und nur zeigen, was ich tue. Zeigen Sie, was ich mit Druckgrafik meine und wie das meine Arbeit beeinflusst hat und wie ich das in Photoshop so mache, dass es vorübergehend aussieht. Ich habe diese Klasse für jeden gemacht, der nur einen wärmeren, analogeren Look in ihren digitalen Illustrationsprozess bringen will . Ich denke, es ist auch großartig für alle, die mehr über die Macht von Photoshop als Illustrationswerkzeug erfahren möchten. Sie werden lernen, wie Sie digitale Pinsel verwenden und Textur und Details zu einer Illustration hinzufügen . Sie werden lernen, wie Sie mit dem Stiftwerkzeug mutige Formen mit gestochen scharfen Kanten und verschiedene technische Pro-Tipps und Tricks erstellen , während wir unterwegs sind. Am Ende dieser Sitzung sollten Sie in der Lage sein, die bereitgestellte Skizze mit meinen genauen Werkzeugen und Techniken zu vervollständigen. Aber nur damit du es weißt, dass diese Klasse live aufgenommen wurde, also wirst du feststellen, dass ich mit dem Publikum interagieren werde. In Ordnung, gehen wir los. 2. Von Durcktechniken lernen: Mein Name ist Tiffany Chow. Ich arbeite im Community-Team von Skillshare. Ich kann Gastgeber für die heutige Live-Klasse mit Tom Froze spielen. Tom, offensichtlich sind wir sehr aufgeregt, dich heute hier zu haben. Warum erzählst du uns nicht ein bisschen darüber, was wir in der heutigen Live-Klasse machen werden? Heute, im Grunde, werde ich Ihnen zeigen, wie ich arbeite. Ich werde Ihnen zeigen, wie die Wurst hergestellt wird. Insbesondere beinhaltet das die Verwendung von Photoshop und die Verwendung von Tools wie dem Stift-Tool, und ich denke sehr wichtig, ist die Verwendung digitaler Pinsel als eine Möglichkeit Textur und Wärme zu erreichen, so dass wir die Kontrolle über digitale, aber die Wärme, die Sie aus analogen Texturen oder Techniken bekommen, und es ist das Beste aus beiden Welten. Ich denke, wenn du aus dieser Klasse kommst, wirst du definitiv wissen, wie meine Illustrationen gemacht werden. Meine Hoffnung ist, dass Sie in der Lage sein, auf diesen aufzubauen, dies ist nur eine von vielen Techniken, die da draußen sind. Natürlich will ich keine Klone machen oder so etwas, und niemand will ein Klon von mir sein. Ich denke, ihr wollt lernen, wie man Dinge macht, wo man tut, und meine Überzeugung ist, dass man durch das Lernen einer Technik und wie es gemacht wird und wirklich ein Gefühl dafür bekommt, neue Ideen haben wird, wie man das in die eigene Praxis einbinden kann. Das ist wirklich, was ich hoffe, dass die Leute von dieser Klasse bekommen werden. Wenn Sie über diesen Print-Making-inspirierten oder analogen Stil sprechen, was würden Sie sagen, sind einige der Hauptmerkmale dieses Stils in Ihrem Kopf? Ich meine, das ist etwas, das ich vor langer Zeit getan habe. Wenn ihr das seht, ist das eigentlich die Grundlage meiner ersten Skillshare Klasse. Es ist eine bedruckte Karte mit Buchdruck. Buchdruck ist, wenn ich an die Druckherstellung denke, das ist wie die Technik, die ich darüber nachdenke, wo Sie Formen mit einfarbigen Farben gemacht haben und Sie haben nur die Textur des Papiers durchscheint. Nun ist die Sache mit der Druckherstellung , dass Sie wirklich mit begrenzten Farben arbeiten, denn im Grunde nimmt traditionelle Druckerei ein Bild, das irgendwie angehoben wird, denken Sie an einen Stempel, setzen Tinte darauf und drücken Sie das auf Papier. Das ist es, was die Druckerei wirklich traditionell ist. Sie hatten nicht die Fähigkeit, Farbverläufe und weiche federnde Übergänge und solche Sachenzu machen weiche federnde Übergänge und solche Sachen , und Sie haben auch eine sehr begrenzte Anzahl von Farben. All diese Dinge in Kombination schaffen eine ganz spezifische Ästhetik oder Aussehen und begrenzt die Formen und Formen, die Sie in Ihrer Kunst verwenden können, um Ihre Bilder zu erstellen. Das ist es, was mich in Drucktechniken inspiriert. Jetzt verwenden wir natürlich Photoshop. In Photoshop können Sie alles tun, was Sie wollen. Das Schlüsselwort in dieser Technik, die wir heute tun werden, ist, dass sie inspiriert ist. Wir nehmen uns ein paar Freiheiten, die uns digital bietet, und so dehnen wir das aus. Wir emulieren nicht die Druckgrafik, wir werden nur davon beeinflusst. Ich liebe das. Wie würdest du sagen, dass du als Teil deines Signaturstils darauf gelandet bist? Es ist schwer, zurück zu verfolgen, aber ich denke, ich war immer inspiriert und habe Retro-Illustration geliebt, sogar Dinge wie Matchbook Covers und seltsame Ephemera, zufällige Sachen. Ich habe es immer geliebt, in Secondhandgeschäfte zu gehen und nur alte Dinge anzusehen. Ich denke, das ist wahrscheinlich, wo es herkommt. Dann denke ich, sobald ich angefangen habe , darüber nachzudenken, Designer und dann Illustrator werden zu wollen, stieß ich früh auf einige Einflüsse wie Paul Rand und Saul Bass und einige andere. Nur indem ich die Techniken lernte, die sie verwendeten, entdeckte ich die Druckgrafik als eine Sache. Ich würde wahrscheinlich auch wirklich nicht weh tun , dass meine Ausbildung war an einer Kunstschule darüber, wie man riesige Druckgrafik Programm, und so gab es eine Menge Exposition und Einfluss dort auch. 3. Kursmaterialien: Um zu beginnen, führe ich Sie durch das Setup und die Materialien, die wir benötigen, um das Projekt abzuschließen. Wenn Sie den Zoom-Anruf beobachten, ist er vermutlich auf einem Computer. Also haben Sie das. Das ist wie ein Computer, entweder auf einem Laptop, Mac-Buch oder einem Desktop, iMac, diese Art von Sache mit Photoshop drauf, offensichtlich brauchen wir das. Dann ist eine Art Tablette wirklich wichtig, weil Sie die Kontrolle brauchen, Ihre Hand für den Pinsel zu verwenden. Egal, ob es sich um ein funktionierendes Tablet oder um Ihr iPad als Grafiktablett zu verwenden, das ist wichtig. Ich benutze Astropad und ich habe ein PDF, das in den Klassenressourcen enthalten ist, die das beschreiben. Grundsätzlich ist es eine App, die auf Ihrem Computer und auf Ihrem iPad installiert wird. Sobald die laufen, finden sie sich gegenseitig. Wenn Sie eine Verbindung wie USB-Verbindung oder Wi-Fi-Verbindung haben und so funktioniert es wie Magie, und nur versuchen zu denken, wenn ich etwas über Astropad verpasst. Es ist etwas, das Sie kaufen müssen. Ich benutze Astropad Studio und das ist ein Abonnement. Jetzt ist die gute Nachricht, dass Studio für eine 30-Tage-Testversion verfügbar ist und ich denke, es ist, wie warum nicht? Probieren Sie es aus. Auch hier habe ich ein Blatt Details zu diesem Setup enthalten. Ich wünschte, wir hätten Zeit, durch die Einstellung zu gehen und heute alles gemeinsam zu öffnen. wir wahrscheinlich nicht, aber ich habe ein Dokument beigelegt, das Ihnen nach dem Unterricht helfen sollte oder wenn Sie während des Unterrichts wirklich schnell sind. Als Alternative zu Astropad können Sie Sidecar verwenden, was Apples integrierte Antwort auf Astropad wirklich ist. Auch hier mehr Informationen dazu in der PDF. Für diese Klasse verwenden wir sowohl Pinsel von adobe.com als auch RetroSupply Company. Im Abschnitt „Klassenressourcen“ habe ich eine PDF-Datei, ein Dokument, das Sie von dort herunterladen können, und ich zeige Ihnen, wie Sie diese Pinsel auf Ihren Computer bringen können. Eine Ressource, die ich noch nicht erwähnt habe, die enthalten ist, ist natürlich die Skizzendatei. Die Datei, mit der wir arbeiten, heißt alpine.psd. Das ist die Skizze, die wir illustrieren werden. Warum fange ich nicht einfach an, indem ich dir jeden Pinsel zeige, einfach jeden Pinsel degraviere. Ich werde die Skizze verstecken, nur damit wir die Pinsel reiner betrachten können. Die erste Bürste ist Kyles Paintbox Gouache G Blair. Dies ist der Hauptpinsel, den ich verwenden sollte, um meine Textur zu erstellen. Lass mich das groß machen, damit ihr das sehen könnt. Was ich daran mag, ist, dass es sehr vielseitig ist. Sie können es ausfüllen und Sie erhalten diese schöne, pfeffrige oder salzige Textur. Obwohl es sich um einen Gouache-Pinsel handelt, soll er das Malmedium emulieren. Es fühlt sich für mich ein bisschen printy an, wenn das Sinn ergibt. Das ist es, was ich an diesem Pinsel liebe. In Bezug auf die Vielseitigkeit, wenn Sie leichter drücken, können Sie es auch verwenden, um schöne wispy Foren zu machen, die wir definitiv in dieser Demo tun werden. Der nächste Schritt ist Kyles Paint Box-Gouache Detail. Auch hier ist das schön für bestimmte Details, aber ich mag es auch Schriftzug darin zu machen. Also, wenn ich so Schriftzug machen wollte, schafft es schöne Formen. Ich bin super eilig hier, aber wenn ich mir Zeit nehmen würde, würde ich in der Lage sein, ein paar schöne Formen für meinen Schriftzug daraus zu bekommen. Nun, was die anderen betrifft, gibt es Kyle's Pencil Box - Animated Pencil. Dies emuliert nur wirklich Bleistift , den ich viel für ein paar Details in meinen Illustrationen verwende. Wir haben die erste der RetroSupply Bürsten. Diese sind groß, sehr körnig, dieser wird Pate des Korns genannt. Je nachdem, wie leicht Sie drücken, können Sie eine schöne kontrollierte Menge an Sprenkeln bekommen. Dann mit der Kitchen Sink, ist es im Grunde wie die vorherige Bürste, aber ein bisschen intensiver, fast wie Sie mit einem Schwamm malen. Dies ist wirklich großartig für Sie, wenn Sie diese druckbasierte Textur auf eine kontrolliertere, rolled Art und Weise hinzufügen möchten. Es unterscheidet sich von der Gouache-Bürste, die ich vorhin gezeigt habe. Dann ist dies ein Aquarell-Binsel, den ich mag. Was ich hier mache, ist, dass ich nur zeichne, aber nicht Heben meinen Stift und wenn ich Licht gehe, es aufgehellt und wenn ich hart schiebe, interagiert es mit meinem Druck fast so, als wäre es echte Medien, sollte ich sagen. Es ist in diesem Sinne interessant, aber wirklich, wofür ich das benutze, ist, dass ich manchmal eine Blume oder eine Art Schnörkel machen muss , und es ist nur etwas anderes, um zu dem hinzuzufügen , was die anderen Texturen tun und eine wenig Abwechslung, bricht die Monotonie ein wenig. Dann habe ich noch einen Bleistift. Es ist nur ein schönes feines Detail, das ich gerne benutze, dieses ist eigentlich wirklich gut für das Hinzufügen von Linienarbeiten Details wie Trennungen zwischen den Finger oder sogar Augen und Dinge wie das oder einem Mund. Zu guter Letzt heißt das da Doo Ron Ron. Ich habe das Gefühl, als hätte Kyle viel Spaß, seine Pinsel zu benennen. Aber ich fühle mich immer ein bisschen albern, sie zu benennen. Das emuliert mir wie eine Tintenfeder oder so etwas. Wieder, das ist nur eine nette Sache, die Sie für Details und Linienarbeit und so etwas verwenden können . Das sind also die Bürsten, die verwendet werden. Das sind die grundlegenden Eigenschaften. Jetzt lösche ich diesen Layer einfach in der Kunstdatei. Im Ebenenbedienfeld ist ein Ordner, den ich habe, unsichtbar, für jetzt unsichtbar gemacht, aber es heißt Ressourcen. Du wirst all die Bürsten sehen, die ich hier durchgemacht habe , mit all ihren Eigenschaften und ihren Namen. Dann habe ich natürlich die originale Kunst, die wir zusammen machen werden. Dies ist wie, wenn Sie zusammen ein Puzzle das Bild, das Sie bauen werden, als Rätsel auf der Vorderseite der Box. Das ist die Vorderseite der Box. Heute werden wir das zusammen machen. unten ist etwas Lustiges passiert. können wir vorerst ignorieren. Aber wie auch immer, das ist das Bild, das wir schaffen werden. Nun, natürlich, was ich Ihnen zeigen wollte, war nur von der Skizze nach vorne. Wenn ich eine Illustration beginne, beginne ich natürlich immer mit einer Skizze. Ich denke, es ist gut zu zeigen, wie diese Skizze aussieht und welche Entscheidungen ich über diese Skizze treffe, um sie nach Hause zu bringen. Meine Skizzen halte ich für ziemlich nahe an meinen endgültigen Illustrationen. Als wären sie nicht super abstrakt. Ich glaube, was du auf dem letzten Bild gesehen hast, habe ich dir gerade gezeigt. Was Sie hier sehen, ist genau die gleiche Komposition. Ich zeige dir einfach wieder die Originalkunst und bringe die Deckkraft herunter. Sie können sehen, dass ich sehr eng an meiner Skizze geklebt habe. Genau so skizziere ich. Dies ist der Punkt, von dem ich beginne zu illustrieren. Ohne weitere Umschweife, lassen Sie uns anfangen zu illustrieren. Ich habe ein paar Fragen vom Publikum. Eine, die von ein paar Leuten kam, war, dass sie neugierig waren, wenn Sie ein wenig über Ihre Präferenz für Photoshop im Vergleich zu vielleicht etwas wie Illustrator oder Procreate erklären könnten über Ihre Präferenz für Photoshop . Vielleicht könntest du ein bisschen darüber reden. Ja, absolut. Ich arbeite in Photoshop seit 2008, ich weiß nicht, für die Illustration, es ist eine lange Zeit her. Ich denke mehr als alles andere, es kommt darauf an, dass ich es nur gewöhnt bin. Aber ich bin mit Illustrator vertraut, ich kenne Procreate, sie sind beide wirklich großartig in dem, was sie tun. Illustrator ist erstaunlich, wenn Sie wirklich gestochen scharfe, saubere Vektorgrafiken ohne Texturen machen möchten. Procreate ist wirklich großartig, wenn Sie keine gestochen scharfen Kanten benötigen , wie das Stift-Werkzeug Ihnen geben kann. Photoshop ist die beste zwischen den Welten, in denen Sie das Stiftwerkzeug erhalten. Sie haben also einen Vektorkomponenten. Photoshop, hat nur das Beste aus beiden Welten. Illustrator ist schrecklich im Umgang mit echten Raster-basierten Texturen. Es wird einfach wirklich klobig. Ich habe es ausprobiert und ich mag es nicht. Photoshop, Ich finde es anmutig behandelt die Art und Weise, wie ich illustriere sehr gut und es ist sehr mächtig. Bevor Sie einsteigen, wissen Sie zufällig, ob die Pinsel in Photoshop CC 2018 importiert werden können ? Ich habe es 2019 ausprobiert und ich sehe nicht, warum sie es nicht tun, wenn Photoshop sich geändert hat. Ich weiß, dass es eine Veränderung in der Art und Weise gab, wie die Bürsten geladen wurden und wie Kyles Pinsel entworfen wurden. Früher wurden sie als Werkzeugvoreinstellungen entworfen und jetzt sind sie echte Pinseldateien. Das ist mein begrenztes Verständnis dafür. Es gab eine Zeit in den letzten paar Iterationen von Photoshop, wo sie etwas geändert haben. Auch ehrlich, ich arbeite immer noch in Photoshop 2019, weil es eine Veränderung im Jahr 2020 gab, denke ich, wo einige der Pinsel, die ich benutze, sie sehen in meinem Panel gleich aus und sie sind gleich benannt, aber sie sehen nicht gleich aus, wenn ich sie benutze. Etwas ist Veränderung und ich weiß es nicht. Sogar einige der Pinsel, die ich Ihnen jetzt zeige, wie ich im Jahr 2021 arbeite, und sie tun nicht genau das, was ich mache, wenn ich 2019 benutze. Das ist eine gute Frage. 4. Photoshop einrichten: Als Nächstes zeige ich, wie Sie alles in Photoshop einrichten. Ich habe darüber in allen meinen Klassen gesprochen, wann immer ich eine fertige Illustration erstelle, aber ich hätte nie diesen Ressourcenlayer, das ist nur etwas, was ich für diese Klasse gemacht habe. Aber ich habe immer einen Skizzen-Layer oder diese mehrschichtige Gruppe und eine Kunst-Layer-Gruppe. In der Skizzen-Layer-Gruppe habe ich offensichtlich meine Skizze, und dann in der Kunst, hier werden wir die Kunst zusammen erstellen. Ich erstelle nicht immer zusammen mit Ihnen in Photoshop jeden Tag Kunst, aber hier erschaffe ich die Kunst. Eine Sache, die nur zu beobachten ist, dass die Kunst-Layer-Gruppe Multiplikator darauf gesetzt hat. Das ist nur wichtig, so dass alles, was ich innerhalb dieser Ebene über der Skizze mache, die Skizze immer noch durchscheint und deshalb habe ich die Kunst-Layer-Gruppe multipliziert und wir werden sehen, wie das funktioniert, während wir gehen. Wenn einer von euch meine neue Klasse, die Style-Klasse, genommen hat, erkennen Sie dieses Bild als eines aus meinem eigenen Projekt für die Klasse, die ich als Demo verwende. In meinem Projekt sind meine Bilder das Acht mal 10 Seitenverhältnis, wo ich die Kunst in einem perfekten quadratischen Teil oben habe, und dann unten habe ich etwas Schriftzug. Das erste, was ich nur tun möchte, ist sicherzustellen, dass all meine Kunst auf dem obersten Platz stattfinden wird. Ich habe dort schon einen Führer. Wenn Sie Ihre Guides in Mac aktivieren möchten, ist es Befehl, Ich denke,, Semikolon und Sie könnten gehen Ansicht und Anzeigen, Guides zeigen und verstecken Sie Ihre Guides. Ich möchte, dass alle meine Kunst in einem Quadrat enthalten ist. Also das erste, was ich tun werde, ist eine neue Ebenengruppe zu erstellen. Ich bin jetzt in meinem Ebenen-Panel hier. Ich werde eine neue Ebenengruppe erstellen. Meine ist gerade als Gruppe 18 aufgetaucht. Ich werde das nur in Illustration umbenennen. Das wird die eigentliche Illustration enthalten, nicht den Schriftzug, und ich bekomme ein Rechteck-Werkzeug. Hier, Rechteck-Werkzeug, oder Sie können „U“ drücken. Ich werde nur ein Rechteck erstellen. spielt keine Rolle, dass es über die Kanten an der Oberseite und an den Seiten hinausgeht, aber unten, richten Sie es einfach mit der unteren Führung aus. Das sollte einen neuen Pfad schaffen. Sie möchten nur sicherstellen, dass Sie in Ihrem Pfadbedienfeld Arbeitspfad dort sehen. Mit dem Direktauswahl-Werkzeug, dieses hier, Pfade Select Tool. Vielleicht habe ich das zu schnell durchgemacht. Du kannst „A“ drücken, es ist einfach hier unten. Ich werde das mit Befehl X ausschneiden. Dann stellen Sie sicher, dass die Illustration in meinem Ebenenfenster ausgewählt ist, werde ich das einfügen. Dies schafft nur eine Maske, in der meine gesamte Kunst, die Bergszene hier, enthalten sein wird und die den Raum darunter nur als weißes Rechteck hält , wohin der Schriftzug gehen wird. Das ist das allererste. Jetzt beginnen wir mit dem Hinzufügen von Farbe. Jetzt, im Ressourcenordner, habe ich euch eine Ebene namens Farbe gegeben. Weil ich weiß, dass ihr meine spezifischen Farben nicht in eure Farbfelder geladen habt, wollte ich sie einfach da lassen und wir können das Pipettenwerkzeug benutzen , um diese Farben zu laden, während wir gehen. Wenn Sie hier das Farbwähler-Tool verwenden, zeige ich Ihnen schnell die Farben, die ich verwenden werde. Ich habe dieses dunklere Marineblau. Ich habe dieses Rosa, dieses Rot, dieses Grün und dieses Gelb. Wie Sie sehen können, habe ich sie jeweils auf separaten Ebenen und stellen Sie den Mischmodus für jede Ebene ist auf Multiplikation. Der Grund, warum ich Ihnen das zeige, ist, dass, obwohl ich begrenzte Farben verwende, ich sie gerne mit diesem Multiplikations-Mischmodus schichten , weil Sie diese zusätzlichen Farben daraus bekommen. Sie alle harmonieren miteinander, weil sie basieren, wie zum Beispiel diese braune Farbe zwischen diesem Rot und diesem Grün, es basiert auf diesen beiden Farben, so dass dieses Braun automatisch mit ihnen harmoniert. So erreiche ich mehr Farben aus ein paar. Alle Ihre sekundären Farben basieren sozusagen auf Ihren Primärfarben. Das sind die Farben, die wir benutzen werden. Jetzt werde ich uns wieder in die Illustration hier bringen. 5. Große Formen erstellen: Zunächst werde ich Ihnen zeigen, wie Sie mithilfe des Stiftwerkzeugs und der Ebenenmasken kräftige Formen mit gestochen scharfen Kanten erstellen. Als ich mit der Illustration begann, würde ich einfach etwas versuchen, das mir offensichtlich ist, etwas, das sich anfühlt, als wäre das ein guter Ausgangspunkt. Also für mich ist das offensichtlichste, was ich sehe, dieser Berg hier. Ich benutze mein Stiftwerkzeug, es ist genau hier im Werkzeugmenü und Sie können auch einfach P für Stiftwerkzeug drücken. Das Stiftwerkzeug ist einer der wichtigsten Teile meines Illustrationsprozesses und wahrscheinlich eines der Dinge, wenn Sie es nicht gewohnt sind, das wird die größte Lernkurve nehmen. Ich weiß nicht, ob Sie diese Linien sehen können, aber mit dem Stiftwerkzeug schätze ich, klicken Sie und ziehen Sie, um diese Kurven zu erstellen. Ich werde das nur noch ein Mal machen, nur um es euch zu zeigen. Ich schiebe und ziehe, ohne meinen Stift anzuheben, zu drücken und zu ziehen. Ich ziehe mehr oder weniger horizontal und nur in den Maxima und Minima dieser Welle, wenn T eine Art mathematischer Begriffe ist. Ich werde es noch einmal tun. Indem wir das tun, bekommen wir nur eine schöne, gleichmäßige Sinuslinie, die mein Berg dort folgen soll. Nun, ich schließe nur die Form. Es spielt keine Rolle, was jenseits der Grenze dieses Bildes ist. Ich bin sehr kurz darüber, was ich an den Seiten mache. Das Wichtigste ist, was in der tatsächlichen Balance des Bildes ist. Ich bin sogar unter meine Linie unten gegangen, ich werde Ihnen zeigen, warum das in einer Sekunde okay ist. Ich schneide das einfach ab. Ich kann sehen, dass in meinem Weg, das ist offen, mein neuer Arbeitspfad. Ich werde das mit dem Befehl x ausschneiden. Dann erstelle ich hier in der Illustrations-Layer-Gruppe einen neuen Layer, der sich innerhalb der Illustrations-Layer-Gruppe befindet. Ich werde nur diesen Pfad einfügen, den ich gerade gemacht habe, und es erstellt eine Ebenenmaske. Eines der Dinge, von denen ich viel in meiner Kunst verwende, und wir werden diesen Schritt immer und immer wieder auf unterschiedliche Weise machen ist die Idee dieser Ebenenmasken oder dieser Clipping-Masken. Ich zeige dir, sobald ich das getan habe, was ich als Nächstes tue. Ich möchte diesen Hintergrund Berg machen, diese dunkle Marineblau Farbe, also gehe ich einfach und benutze meine Pipette und wähle diese Farbe aus. Ich werde den ersten Texturpinsel verwenden, den ich dir gezeigt habe. Da es eine Ebenenmaske hat, können Sie sehen, dass es in dieser Form wirklich schön bleibt. Es hat einen schönen, knackigen Rand. Es wird eine lange Zeit dauern, um das einzufärben, also kann ich einfach „Control“ drücken und irgendwo in der Leinwand klicken. Das gibt mir einige Optionen für die Bürste. Ich werde das einfach größer machen. Seien Sie 500 Pix. möchte es nicht zu groß machen, weil es viel nachlassen wird, besonders wenn Sie einen älteren Computer mit weniger Speicher haben. Aber hier färbe ich nur mit meinem Stift in dieser Form. Sie können sehen, dass es fast solide gefüllt ist, aber dann kommt ein bisschen von dieser schönen Textur durch. Ich werde das einfach löschen und ich zeige dir etwas. Während ich das anmale, halte ich meinen Pinsel, meinen Stift in einem 45-Grad-Winkel. Wenn ich es direkt vertikal halte, wie senkrecht zu meinem Bildschirm, geht es wirklich dick und es gibt fast keine Textur, also hat es fast keinen Sinn, einen Pinsel wie diesen zu verwenden. Ich will das nicht tun. Ich will es in diesem Winkel halten. Das ist, wo ich diesen schönen, abwechslungsreichen Sinn für Textur bekam und das ist, was wir tun. Diese besondere Bürste ist großartig, denn egal, welche Größe Sie es machen, Sie erhalten immer genau das gleiche Muster der Textur auf der Unterseite. Das bedeutet im Grunde, ob es 500 Pixel oder 89 Pixel oder was auch immer ist, es passt immer zusammen, es ist fast so, als gäbe es echtes Papier dahinter und das Muster des Papiers, das dahinter geht, ist immer das gleiche. Dies ist nur eine kurze kleine Notiz über diesen speziellen Pinsel. Nicht alle Bürsten tun das. Einige skalieren die Textur, auf der sie basieren, während Sie sie verwenden. Ich werde definitiv die Chance haben, Ihnen in einer Sekunde zu zeigen, was ich damit meine. Hier ist mein erster Berg, meine erste Form. Ich werde gehen und das weiter mit mehr der sich überlappenden Formen tun. Ich bin immer noch in meiner Illustrations-Layer-Gruppe hier. Ich füge eine neue Ebene hinzu und ich werde dasselbe tun. Ich werde mein Stiftwerkzeug verwenden und reinkommen und diese neue Form erstellen. Auch hier ist der einzige Teil dieser Form, den ich wirklich über die Kontrolle besorgt bin , der Teil, der in der Leinwand ist. Alles andere, worüber ich nachlässig sein kann. Der Grund, warum ich draußen beginne, jenseits der Leinwand ist, ist es mir eine schönere Kurve gegenüber wenn ich aus irgendeinem Grund einfach in hier anfangen würde. Es hängt von der Form ab, aber ich finde, dass es hilfreich ist, ein Gefühl zu schaffen, dass diese Linie in die Leinwand fließt. Lassen Sie uns diese Form machen und wir sollten das in Pfaden sehen, im Arbeitspfad. Ich werde wieder „Befehl X“, schneiden Sie das aus und stellen Sie sicher, dass meine nächste Ebene, die ich gerade erstellt habe, im Ebenenbedienfeld ausgewählt ist, und ich werde diese einfügen. Die Farbe, die ich dafür verwenden möchte, wird grün sein. Dies ist eine Alpenwiese und ich werde Farbe, gerade angefangen, das gleiche zu tun, in dieser Textur zu malen. Ich mache die Textur wieder auf eine größere Pixelgröße mit einem Winkel mit meinem Apple Pencil, so dass ich etwas mehr von dieser Textur bekomme. Sie können sehen, dass, obwohl ich das Dunkelblau überfärbe, die Textur aufsteht. Die Textur dieser grünen Füllung steht mit der Textur der blauen Füllung dahinter. Manchmal mag ich eigentlich nicht, wie das aussieht. Ich möchte, dass ein bisschen von diesem Blau ein bisschen mehr mit dem Grün interagiert. Eine Sache, die ich tun könnte, ist, dass ich es irgendwie verschieben könnte oder ich könnte die Eigenschaften des Pinsels leicht ändern , so dass die Textur nicht ausgerichtet ist. Was Sie tun können, ist zu den Pinseleinstellungen zu gehen, es ist ein weiteres Fenster, das Sie über Fenster finden können, und es gibt eine Einstellung namens Textur. Sie können einen Prozentsatz dieser Textur ein wenig ändern. Plötzlich wird es nicht aufgestellt, also ist das eine Möglichkeit, die Textur davon zu verändern. Ich möchte diese Textur nicht zu sehr variieren, weil ich möchte, dass es eine Einheitlichkeit in der Größe dieser Textur gibt. Wenn ich es also zu klein mache, verliere ich vielleicht etwas von dieser Uniformität. Ich werde einfach weitermachen, wo irgendwo die Formen, vielleicht der Mittelweg hier drin. Ich werde Ihnen nur mit diesem einen zusätzlichen Schritt zeigen, den ich oft benutze, nur um ein bisschen mehr Kontrolle über meine Ebenen zu haben. Ich kann immer noch genau das gleiche tun, was ich bereits getan habe, machen Sie diese Form mit dem Stift-Werkzeug, das genau hier. Was hier passiert, ist ein Beispiel dafür, warum ich gerne über den Rand der Grenze hinaus gehe . Es hilft mir nur, diese Kurve auf eine natürlichere Weise zu fließen, als wenn ich sie hier stoppen würde. Also habe ich meinen Weg so gemacht, wie ich es bereits getan habe, aber ich möchte einen zusätzlichen Schritt machen, der mir mehr Kontrolle gibt. Also werde ich das ausschneiden, und jetzt, anstatt es einfach direkt auf diese Ebene wie folgt einzufügen, stattdessen werde ich dies in eine eigene Gruppe setzen und diese Ebenenmaske auf die Gruppe anstatt auf die Ebene selbst legen. Ich zeige Ihnen, warum das funktioniert. Welche Farbe soll ich das machen? Wahrscheinlich werde ich mir meine ursprüngliche Kunst hier ansehen, okay. Die Schicht, die ich gerade gemacht habe, ist noch nicht in dieser Gruppe, also werde ich sie einfach dort hineinlegen. Da gehen wir. Ich sagte, dass eine Möglichkeit, diese Textur zu erstellen, so dass sie nicht so aufgestellt ist, wie Sie gerade sehen, die kleinen Textur-Bits sind zu perfekt, was ich fühle, sieht ein wenig unnatürlich aus. Wenn ich das ein wenig ausfülle, aber dann diese Ebene, die ich gerade ausgefüllt habe, ein wenig verschiebe, erlaubt es dann, dass etwas von diesem Blau durchkommt. Das ist anders als das, was ich auf der obigen Ebene gemacht habe, diese hier. Dieser hier habe ich gerade die tatsächliche Textur, die prozentuale Größe in den Pinseleinstellungen hier oben geändert , aber mit diesem habe ich die gleiche Pinselgröße, Texturgröße wie alles andere beibehalten . Auch bei den Pinseleinstellungen sind es 138 Prozent. Also habe ich das beibehalten, aber anstatt dies in den Einstellungen zu ändern, vergleiche ich nur das ganze Stück Textur, das ich ausfülle. Das ist nur eine andere Möglichkeit, ein bisschen mehr von diesem blauen dahinter durchzukommen. Nun, ich will diese Form, die ich gerade gemacht habe, ich möchte, dass sie eine andere Farbe hat als die grüne Wiese vorne. Was ich tun werde, ist Multiplizieren. Das gibt mir automatisch eine zusätzliche Farbe, die ich noch nicht in meiner Palette hatte. Eine der Qualitäten von Letterpress in der Druckherstellung ist, dass Sie, wenn Sie eine Tintenfarbe über eine andere legen, diese dritte Farbe erhalten, und so passiert das hier in diesem speziellen Stück. Das nächste, was ich tun werde, ist nur den Hintergrundberg zu vervollständigen. Der Hintergrundberg hier oben wird sich auf einer Ebene befinden, die sich unter allen anderen Ebenen in meinem Ebenenbedienfeld befindet. Also gehe ich einfach hier, benutze mein Stift-Werkzeug, und obwohl ich nicht sehen kann, dass der Berg steigt, dieser benutze mein Stift-Werkzeug, und obwohl ich nicht sehen kann, dass der Berg steigt, Berg genau hier, ich mache es immer noch, weil er die nächste Kurve nach unten natürlicher anfühlt. Wieder werde ich das einfach hinter mir ausfüllen, ich werde diese Kurve ein bisschen reparieren, weil sie ein bisschen wackelig ist. Jetzt hier verwende ich nur diese Kontrollpunkte, um diese Anpassungen vorzunehmen, und wenn Sie Shift halten, werden wir sagen, Ebene, bei Null Grad hält diese Kontrollpunkte perfekt . Wenn ich die Umschalttaste nicht halte, kann ich das tun, aber wenn ich Shift halte, beschränkt es, was ich dort mache. Das hilft nur, ein wenig Gleichmäßigkeit zu dem Stück hinzuzufügen. Also mache ich das Gleiche, ich schneide und ich werde diese Layer-Gruppen-Sache machen, die ich vorher getan habe. Nur um Ihnen zu zeigen, werde ich hier eine Ebenengruppe erstellen und diesen Pfad dann als Ebenenmaske einfügen , und jetzt fülle ich das aus. Nun, diese Berge im Hintergrund, ich werde hier nur betrügen und sehen, was ich das letzte Mal gemacht habe. Ich glaube, die waren auch im Blauen. Einige von euch haben vielleicht schon erraten, wie ich das zu einer deutlichen Farbe von dem größeren Berg bekommen werde. 6. Farben schichten: Als Nächstes zeige ich Ihnen, wie Sie verschiedene Formen schichten, um einen Überdruck-Lux zu erstellen. Das multipliziert eine einfarbige Farbe über eine andere, um eine dritte Bonusfarbe zu erhalten. Diese Alpenszene soll bei Sonnenuntergang sein. So werden die Farben rötlicher, rosa, gelblicher Ton annehmen. Das ist der Himmel im Hintergrund. Ich werde nur anfangen, einige sonnenfeste Farben als Waschung im Hintergrund zu machen. Normalerweise würde ich gehen und diesen Pinsel hier benutzen. Es nennt sich Carls Paint Box Flash Detail. Kurbeln Sie es einfach heraus, um eine schöne saftige Größe zu mögen, wie 300 dpi. Nun hatte ich zu Beginn dieser Klasse erwähnt, dass sich diese Pinsel in verschiedenen Versionen von Photoshop anders verhalten, als ich es gewohnt bin. Eines der Dinge, die passiert, wenn das hier ist, ist, dass es ganz so ist. Du kannst es hier nur zu einem dunkleren Farbton machen, damit du sehen kannst, wovon ich rede. Es ist ganz wie digital aussehen, was ich nicht weiß, warum es das tut, aber einige dieser Pinsel haben nur unterschiedliche Eigenschaften in dieser späteren Version von Photoshop. Dies ist normalerweise die Bürste, die ich verwenden würde. Aber es gibt mir nicht wirklich die Textur, die ich will. Nur um der Zeit willen werde ich mit ihm gehen. Aber ich kann einige Änderungen daran machen, nur um es später ein bisschen mehr von einem analogen Gefühl zu geben. Aber das Wichtigste hier im Moment ist nur, dass ich diesen Pinsel benutze, um die Sonne setty Streifen der Farbe an der Spitze zu erstellen , die auf das Originalbild schauen. Ich habe rot überlappend gelb ein wenig, gehe zurück zu rot, gehe zurück zu gelb. Dadurch wird die Hintergrundfarbe erstellt. Sie können in Photoshop 2019 sehen, dass ich denselben Pinsel verwenden konnte, um diese schönen klobigen Bits von Textur zu erhalten , die nicht zu digital aussehen. Das hier ist wie, ja, ich weiß nicht, was los ist. Weiter, ich werde nur eine neue Ebene erstellen, die gelb ist. Sie können einfach Ihre Pipette verwenden und wählen Sie einfach das Gelb und erstellen Sie eine schöne neue Ebene des Himmels. Jetzt möchte ich natürlich, dass diese Farben ein bisschen mehr interagieren. Mit der Multiplikation, das ist, wo Sie diese schönen zusätzlichen Farben haben , um einen sonnenberuhigenden Look zu schaffen. Ja, ich mache nur noch eine Schicht Rot. Gleiche Weise und Sie können tatsächlich sehen, dass rot hinter all den Gewichtspunkten unten guckt. Es ist einfach schön, es fügt ein bisschen Farbharmonie zu dem Gesamtstück. Wieder, wir werden das über das Gelb multiplizieren. Wir können einstellen, wo sie eingestellt werden sollen. Wenn Sie ein wenig subtilerer Überlappungen wollen. Dann, in diesem Fall, nur die Fehlerbehebung im laufenden Betrieb. Wenn ich ein bisschen mehr von einer Drucktextur zu diesen Streifen des Himmels bekommen möchte. Was ich tun kann, ist, dass es dieses kleine Symbol am unteren Rand des Ebenenbedienfelds gibt. Dadurch wird eine Vektormaske oder eine Ebenenmaske erstellt. Was wir tun können, ist unseren ursprünglichen Pinsel, den wir verwenden, der die Textur hat, die wir mögen, und verwenden, um diesen Farbstreifen mit ein wenig Textur zu modifizieren. Noch einmal, ich werde es dir nur noch ein Mal zeigen. Auf der Ebene, die ich bewirken möchte. Ich habe gerade dieses kleine Symbol hier unten getroffen und eine Maske erschaffen. Dann bekomme ich diese weiße Box, um sicherzustellen, dass die weiße Box dort unten mit den kleinen Ecken hervorgehoben ist. Ich habe meine Pinseleinstellung hier, um dies zu erstellen. Ich beziehe mich im Grunde auf Textur. Nun, ich will nicht, dass es so ist. Ich will, dass es so rot ist. Was ich tun würde, ist, dass ich diese Maske tatsächlich umkehren würde. Ich kann „Command I“ drücken und das erzeugt dort eine schwarze Maske, die die gesamte Ebene verschwindet. Aber ich kann das wieder anmalen. Das erlaubt mir, etwas Textur dorthin zu kontrollieren und zurückzubringen. Nun, während ich das tue, fragen Sie vielleicht, warum nicht einfach diesen Pinsel verwenden, für den ich eine Ebenenmaske verwende, um ihn einzubringen. Ich denke, das ist eine gültige Sache zu tun. Ich denke nur an einen Weg. Wie kann ich die Kante unten am Boden bewahren, die ich hatte, die rau ist? Behalten Sie das einfach, aber entweder etwas mehr Textur dazu und bringen Sie einfach etwas Kontrolle. Dies ist nur eine Technik, die ich oft verwende, um Textur auf eine ansonsten feste Feeling-Schicht zu bringen. Ich mache das nur. Noch einmal wähle ich diese Ebene hier aus und lege eine Maske darauf. Ich invertiere es, indem ich Befehl I gehe. Einfach irgendwie das anmalte. Moment werde ich mich nicht zu sehr darum kümmern, den ganzen Weg nach unten zu füllen, vielleicht nur bis zu etwa hier. Jetzt bekommen wir so, schöne Sonne setty Blick. Nun, eines der Dinge, die wir tun wollen, ist natürlich, dass diese Hintergrundberge anders fühlen als die größeren Berge näher oben im Sichtfeld. Was wir dort tun können, ist einfach diese Berge hier auszuwählen und einfach zu vermehren. Dann erhalten Sie diese schöne und natürliche Farbharmonie indem Sie diese beiden Schichten einfach schichten und mischen. 7. Hintergrunddetails hinzufügen: Jetzt, da wir die Hintergrundelemente eingerichtet haben, ist es an der Zeit, einige Details hinzuzufügen und der Farbe etwas mehr Reichtum und Tiefe hinzuzufügen. Also fange ich mit der Wolke an. Ich benutze meinen gemeinen strukturierten Pinsel für die Wolken. Nur mit ein wenig variierenden Stiftdruck, um nur das Gefühl, ein wenig wie einige der Farbe im Hintergrund kommt durch. Sie können auf das Original zurückverweisen, wie Sie es brauchen. Du kannst es sehen. Was ich will, ist nur diesen schönen weichen Rand zu haben und sich nur weicher und nicht super knackig zu fühlen, weil es eine Wolke ist. Es sieht so aus, als hätte ich diese vorher in Pink gemacht. Vielleicht mache ich sie sortieren als ein Rosa. Wenn ich also schnell diese Farbe ändern möchte, mag ich die Art, wie diese Pinselstriche aussehen, aber ich möchte nur eine Farbe ändern. Eine Sache, die ich auf der Ebene tun kann, ist einfach auf die Ebene zu doppelklicken und das gibt mir dieses Menü. Ich kann einfach eine Farbüberlagerung einer meiner anderen Palettenfarben machen. Also gefällt mir, wie das aussieht. Lassen Sie uns etwas von dem Schnee auf den Kappen der Berge hinzufügen. Also bin ich wieder oben in den Mittelgebirgen. Ich möchte eigentlich, dass dies eine dieser Ebenengruppen anstelle einer Ebene ist und diese Maske auf die gesamte Gruppe angewendet wird. Also werde ich eine Gruppe aus dieser Ebene erstellen. Dann nehme ich diese Maske und ziehe sie einfach in die ganze Gruppe. Was da passiert ist, ist offensichtlich, dass meine Maltextur nicht wirklich in der Gruppe war, also werde ich das einfach einziehen. Da geht es. Was ich will, ist nur etwas Schnee hinzuzufügen. Also werde ich nur eine neue Ebene erstellen, etwas Schnee hinzufügen. Dann könnte ich das wahrscheinlich einfach per Drag & Drop ablegen und es einfach hier drüben kopieren. Also mache ich das. Ich habe nur meine verschneite Ebene dort und wenn ich V für das Auswahlwerkzeug drücke und dann die Option gedrückt halte, während ich ziehe, erlaubt es mir, das dann zu kopieren und einzufügen. Ich mache viel Kopieren und Einfügen. Du wirst sehen, dass, wenn wir die Bäume machen, das Letzte, was ich auf diesem Mittelberg tun will, ist, einen Hauch von Rosa hinzuzufügen. Es fühlt sich also an, als würde das Blau im Schnee ein bisschen von den sonnigen Farbtönen aufgreifen. Also werde ich eine neue Ebene erstellen und ich kann meine hellrosa verwenden. Hier werden wir einen der Retro-Bürsten verwenden. Ich denke, die Küchenspüle könnte schön und körnig dafür sein. Ja, ich denke, das wird nett. Ich werde diese Ebene einfach multiplizieren, nur um Ihnen zu zeigen, wie es versucht zu funktionieren. Ich werde mich zuerst auf den Grund des Berges konzentrieren. Es ist in Ordnung, dass diese Füllung nicht vollständig gefüllt ist und das ist, was Sie wollen. Sie möchten, dass sich ein wenig Texturen überlappen und interagieren. Jetzt, auf der Spitze der Berge, werde ich aufhellen. Ich halte meinen Pinsel sehr leicht, nur um dort ganz oben einen gefiederten Effekt zu erzielen. So dass Sie letztendlich nur mit einem weißen Gipfel an der Spitze enden, was ein bisschen Dimension gibt. Also verstecke ich meine Skizze hier und wir können einen Blick werfen. Was passiert, während ich arbeite, werde ich die Skizze oft verstecken und sichtbar machen, je nachdem, ob ich nur die Farben sehen möchte und wie sie sich überlappen, ohne die Skizze darunter ablenken zu müssen. Also füllen Sie es ein bisschen aus. Aber ich mag, wie oben auf dem Berg ein bisschen ein Gradient dieser Textur ist. Auch hier wurde diese Farbe multipliziert und so bekomme ich ein wenig eine reichere Farbtiefe und mehr Farbharmonie. Was ich hier unten sehe, ist offensichtlich, wie in dieser Mitte, was wir grün gemacht und dann über den blauen Berg vermehrt haben. Ich habe nichts von dieser rosafarbenen Textur hierher gebracht und du siehst, dass durchkommt. Also werde ich nur ein bisschen mehr diese Textur da unten hinzufügen, nur damit es ein bisschen mehr Einheitlichkeit in diesem Hintergrund gibt. 8. Bäume zeichnen: Als nächstes können wir die Bäume zeichnen, um unsere Landschaft auszufüllen. Ich werde diese Schicht hier finden. Das nennen wir die mittlere Alpenschicht. Dann werde ich eine neue Ebene direkt darüber erstellen und hier werde ich anfangen, ein paar Bäume zu zeichnen. Ich werde meine Bäume grün machen und ich werde wieder meine erste textuäre Gouache-Bürste verwenden , die wir eine Menge verwendet haben. Ich will es kleiner machen. Ich denke, wir versuchen vielleicht 60 Pixel. Irgendwo zwischen 60 und 80 Pixel wird dies wahrscheinlich tun. Ich fange einfach meinen ersten Baum an. Also dafür halte ich Shift und das erzeugt nur einen schönen geraden Schaft oder ich schätze, Stamm. Für die Äste, wie ich sie skizziert habe, sind sie sehr gerade. Aber ich denke, so wie ich sie illustrieren möchte, möchte ich, dass sie so unheimlicher sind. Wenn Sie nun ein wenig zusätzliche Kontrolle darüber hinzufügen möchten, wie Ihre Shapes verlaufen, gibt es eine Funktion namens Glätten in neueren Versionen von Photoshop. Also Glättung im Grunde, es ist wie Streamline und Procreate. Es ermöglicht Ihnen, viel anmutigerer Kurven zu haben. Wenn du deine Hand so schüttelst wie ich, manchmal ist das schön, deinen Pinselstrichen ein bisschen mehr Kontrolle zu geben. Also hier, was ich tue, ist, nur einige verrückte Zweige zu meinem Baum hinzuzufügen. Wir glätten. Ich mache mir nicht genau Sorgen um den Text zu sehr, denn was ich tun werde , ist, dass ich mein Eraser-Tool verwenden werde. Wenn Sie E drücken, erhalten Sie das Radiergummi-Werkzeug, und Sie können die Größe und Eigenschaften Ihres Radiergummi-Werkzeugs auf die gleiche Weise wie bei Pinseln anpassen , die mit der rechten Maustaste klicken. Ich denke, ich werde mit der Pinselgröße von sieben Pixeln gehen. Das ist für meinen Radiergummi. Ich denke, mein Radierpinsel ist nur eine grundlegende Bürste. Vielleicht wie eine harte Runde. Für diese Detailgenauigkeit spielt es keine Rolle. Was ich tun möchte, ist nur einige dieser Enden des Baumes zu bereinigen , so dass sie ein bisschen spitzer sind, und das ist etwas, worüber ich in meiner Style-Klasse ein wenig rede, ist, dass Sie nicht immer genau akzeptieren wollen was Ihnen der voreingestellte Pinsel gibt, den Sie verwenden. Denn wenn Sie darüber nachdenken, könnten Millionen von Menschen denselben Pinsel verwenden, weil er auf Adobe verfügbar ist. Also eine gute Möglichkeit, die Kontrolle über diese Pinsel zu bekommen und sie mehr zu machen , ist, kleine Dinge wie dieses zu tun, wo Sie entscheiden, wie dieses Ende aussehen wird, anstatt einfach zu akzeptieren das Ende aussieht aus der Box, also zu sprechen. Also ein Baum wie dieser, würde ich kein Problem beim Kopieren und Einfügen haben. Ich habe nur ein bisschen von diesem Zweigstamm bekommen. Ich hätte kein Problem, dies ein paar Mal zu schneiden und einzufügen , nur um ein Gefühl der Wiederholung zu bekommen, was meiner Meinung nach ein Gefühl des Spiels sowie etwas Harmonie in Ihrer Komposition hinzufügt. Ich würde einfach ein oder zwei zusätzliche einzigartige Bäume auf die gleiche Weise machen. So haben Sie Wiederholung, aber auch ein wenig Variation. Sie können dasselbe tun, wo Sie die Eigenschaften der Enden und Sachen ändern. Ich bringe das hier um der Zeit willen durch. Auf dem Boden will ich nicht wie ein knackiger Cutoff, als würde ich meinen Pinsel ein bisschen schütteln, nur um ihm eine etwas rauere Kante zu geben. Und wieder, ich kopiere nur ein paar der Bäume wie diese. Da ich nun kopiere und einfüge, bekomme ich hier im Ebenenbedienfeld viele Ebenen. Ich möchte sicherstellen, dass diese etwas organisierter sind. Also werde ich nur all diese Ebenen auswählen, die ich gerade einige Male dupliziert habe. sie alle auswähle, drücke ich „Control G“. Jetzt sind sie alle in der Ebenengruppe und können einfach nur zusammengehalten werden, ohne den Überblick zu verlieren, wo alles ist. Nun, was ich manchmal gerne mache, ist, dass sich ein paar diese über alles andere vermehren, und das gibt nur ein bisschen mehr Sinn für Tiefe. Einige von ihnen treten in den Hintergrund zurück, und hier können Sie viel Spaß haben, indem Sie Ihre eigene Sensibilität verwenden um ein bisschen mehr Textur zu schaffen, ohne viel zusätzliche Arbeit zu machen. Ich denke, eines der Dinge, die ich im Hintergrund hinzufügen möchte, ist in meiner Skizze. Lassen Sie mich das Kunstwerk für eine Sekunde finden. Ich würde diese wie wirklich Hintergrundbäume nennen. Das sind nur einfache Dreiecke. Ich werde die Kunstschicht dorthin zurückbringen. Ich werde hinter allem gehen. Ich finde eine Ebene, die sich zwischen dem größeren Berg und der grünen Hintergrundewiese hier unten befindet, und ich werde nur mit dem Stift-Werkzeug erstellen. Ich kann diese Skizze kaum im Hintergrund sehen. Also gehe ich einfach zu meiner Skizze, mache das ein bisschen undurchsichtiger. Das ist besser. Sie können diese Vorschriften jetzt sehen. Zurück auf meiner Schicht, die ich gemacht habe, im Grunde Zickzack. Ich schlage nur einmal oben, unten unten, um diesen scharfen Zick-Zack-Effekt zu erzielen, und das ist mein Hintergrundwald. Schneiden Sie Einfügen, ich werde einfach die Ebene zu multiplizieren, gehen Sie zurück zu meinem Pinsel. Ich werde das rötliche Orange hier verwenden, und das wird einen schönen Hintergrund schaffen, um hinter allem anderen zu gehen. Im Moment ist es mein Ziel, nur ein wenig zu erschaffen, wenn es ein Wald ist, Sie wollen, dass es sich dick und nicht zu spärlich anfühlt. Das Hinzufügen von nur etwas Textur hinter all den definierteren Bäumen, die wir im Vordergrund haben, gibt es das dickere Waldgefühl, und meine Stile variieren wie nicht-wörtlich. Offensichtlich sieht das nicht so aus, wie eine Kraft aussieht. Es deutet nur auf diese Idee hin. Ich sehe eine Sache, die mir nicht gefällt. Ich werde die Skizze ein wenig zurückbringen. Ich will nicht, dass das Rot über die dunklere Wiese geht. Also gehe ich auf die Wiese und da ist sie. Ich verwende das Direktauswahl-Tool. Ich drücke A und drücke das, und dann drücke ich Befehl C, um diesen Pfad zu kopieren. Dann gehe ich zu den roten stacheligen Dingen, die ich gerade gemacht habe. Grundsätzlich möchte ich nur so billig von unten ausschneiden, damit es dort nicht rot ist. Ich werde das tatsächlich in seine eigene Gruppe setzen, indem ich auf Befehl G klicke, und dann werde ich diese Form einfügen. Das Gegenteil von dem, was ich passieren will, ist gerade passiert. Als ich das eingefügt habe, erstellte es eine Form, die nur den unteren Teil zeigt, aber ich möchte den oberen Teil anzeigen. Was ich tun kann, ist hierher zu gehen und das ändert, was dies [unhörbar]. Ist beim Maskieren das Positive oder das Negative? Also das ist subtrahieren die Frontform, und dann plötzlich bekomme ich, dass das Rot wieder da hinten auftaucht, aber nicht die Farbe hier unten stören. Eine schnelle Abkürzung, um dies zu tun, ist, Plus und Minus zu drücken, während der Pfad ausgewählt ist, und das ändert sich von einer positiven Form zu einer negativen Form. Das ist also ein bisschen extra Trick da. Ich denke, einer der lustigen Teile davon wird natürlich das Hinzufügen der Blumen in der Front sein. Also lasst uns einfach darauf eingehen. 9. Vordergrunddetails hinzufügen: Jetzt können wir die Blumen und einige andere lustige Details hinzufügen, um die Illustration abzuschließen. Lassen Sie uns auf die oberste Ebene gehen, wo wir diese grüne Wiese haben und ich werde nur eine Ebene über oben erstellen, die nur eine neue Ebene und vielleicht beginnen alle füllen mit meinem mittleren Texturpinsel hier, ein bisschen Schnee. Der letzte durch Mittel des Schnees im Frühjahr oder Sommer oder Frühsommer. Du wärst überrascht, wie lange Schnee oben auf den Gipfeln der Berge bleibt, ich werde weniger pingelig sein. Lass uns sehen. Das sind die kleinen Details, die ich wahrscheinlich viel zu lange in einem Projekt verbringen werde. Ich bin so, das ist nicht ganz richtig. Ich werde es verlassen und zu einigen der kleinen grasbewachsenen Bits übergehen. Dies ist, wo wir beginnen, einige der verschiedenen Pinsel zu verwenden. Ich werde eine neue Ebene erstellen und ich werde verwenden, Ich werde sagen, der Animator Bleistift und verwenden gelb als meine Farbe für das Gras und einfach diese Formen von Gras so erstellen. Nun, ich denke, was ich tun möchte, ist, das Glätten ein wenig zu drehen, nur um diese Formen ein wenig kontrollierter zu haben. Um diese Enden weniger abrupt zu machen, komme ich wirklich nach und nach, als ob ich hart herein schiebe und dann nach und nach meine Hand heben, genau wie Sie es mit einem natürlichen Medium tun würden. Ich will hier nicht jedes Grashalm ziehen, Leute. Was ich oft mache, ist, dass ich kopiere und füge und natürlich werde ich etwas tun, um sicherzustellen, dass es nicht zu offensichtlich aussieht, dass ich das getan habe. Ich erstelle nur eine neue Ebene, genau wie wir es mit den Bäumen getan haben, ich erstelle vielleicht nur ein zusätzliches Bit, um das Muster zu erweitern. Was Sie nicht tun wollen, ist, zu sehr auf jedes kleine Detail in diesem Stil zu konzentrieren wo es sehr stilisiert ist und wenn Sie sich zu sehr auf die Schaffung jedes Grashalm konzentrieren, wird es ein wenig ablenkend. Alles muss auf einer fiktiven Ebene bleiben. Das nächste, was ich tun werde, ist, fügen Sie einfach ein paar Blumen hinzu. Ich habe eine weitere Ebene hinzugefügt und ich werde weiß verwenden und ich kann einfach weiter mit diesem Animator Bleistift nur um in der Idee der kleinen Cluster von verschiedenen Arten von Wildblumen pfeffern . Ich will nicht zu gleichsam sein, da ich diese kleinen Punkte Blumensträuße vertreibe. Was ich finde, ist, wenn es rote Blumen gibt, die in einem Klumpen wachsen und dann weiße Blumen auf einem Klumpen wachsen und dann gibt es eine allgemeinere Streuung anderer Farben und das ist, was ich darin reflektieren möchte. Weil es etwas zufällig ist, es in Ordnung, hier in dieser Abbildung ein bisschen zufällig zu sein, was ich meine ist, dass die Art, wie Blumen wachsen, ein bisschen zufällig ist, ich imitiere das ein bisschen hier. Ich werde einfach weiter hinzufügen mehr Farben, die hier sehr suggestiv sind, und wenn ich wollte, könnte ich einfach eine Ebene mit ein paar Punkten erstellen und sie einfach kopieren und einfügen. Ich denke, solange ich Dinge tue, um sicherzustellen, dass es nicht ganz offensichtlich ist, dass ich das getan habe, denke ich, dass ich damit durchkommen kann und hier werde ich meinen Pinsel ein wenig austauschen. Ich denke, ich werde etwas rosa machen und den erstaunlichen Aquarell-Pinsel verwenden. Mal sehen, wie das funktioniert, das ist ein bisschen groß. Ich werde diese Größe des Aquarellpinsels auf 80 drehen und ich sehe, dass einige der Blumen über das Gras kommen. Ich bin mir nicht sicher, wie ich das fühle oder ob ich will, dass das Gras eine Schicht über diese ist, kann ich das später herausfinden. Jetzt finde ich, dass ich zu gleichmäßig bin, wie ich diese verteile, ich möchte, dass diese Blumen ein bisschen mehr gruppiert sind, und ich würde das einfach weiter tun und mein Gefühl für Blumen aufbauen. In einigen Fällen könnte ich sogar ins Detail darüber gehen, wie, möchte ich sogar ein paar tatsächliche kleine Blumenformen haben, nur um ein bisschen Charakter hinzuzufügen? Dinge wie das. Nun, mein Thema für mein Projekt, von dem dieses Bild kam, war eigentlich versuchen, zu laufen. Ich denke, ich sollte wahrscheinlich eine Spur hier reinlegen und Sie können sehen, dass in der ursprünglichen Kunst, Ich habe eine Spur zurück hier, nur in der blauen und ich werde einfach wieder dorthin gehen und ich bin zurück über diese Schicht hier, die Mitte, der Hintergrund aus der Mitte ich sagen sollte. zurück zu dieser Marine gehe, benutze ich meine Gouache, meinen ersten Gouache-Pinsel und versuche nur, das in so subtilität wie möglich hinzuzufügen , wollte einen Weg vorschlagen, ohne zu unscharf auszusehen. Dann der vordere Vordergrund, Ich bin dunkel auf dieser Vordergrundwiese ausgewählt, Ich werde eine weitere Ebene erstellen und verwenden gelb und mit einem sehr niedrigen Winkel, halten meinen Bleistift Ich halte vielleicht einen 20 oder 30 Grad Winkel, Ich bekomme nur eine verrückte Textur. Ich will nicht, dass es dort zu stark ist, nur um vorzuschlagen, dass es dort vielleicht ein bisschen einen Weg gibt, der durch die Gräser geschnitten und ich einfach meinen Radiergummi benutzen kann, um ein bisschen von dem Gelb loszuwerden, das da drüben ist. Der andere Teil und vielleicht nur zu den wenigen Finishing-Details, werden wir ein bisschen Gras in der Rückseite hinzufügen hier mit meinem gelb, Ich werde meinen Animator Bleistift wieder verwenden und ein paar Büschel Gras erstellen. Das ist nur ein kleiner Gimmick, den ich in meinen Illustrationen sehr viel verwende. Es begann, als ich mehr illustrierte Karte, Ich musste zeigen, dass es wie ein Park, Ihr Gras und dann war ich einfach wie, Ich mag, wie es aussieht wie ein Element, wenn ich Hintergründe erstellen. Ich könnte noch ein paar von denen in der Front hinzufügen. Hier könnte es ein wenig offensichtlich über mein Kopieren werden, das geht vielleicht zu weit damit. Ich würde wahrscheinlich Maßnahmen ergreifen, um das weniger offensichtlich und abwechslungsreicher in einer endgültigen Version zu machen , und schließlich werde ich gehen, lassen Sie uns einfach an die Spitze aller Schichten sagen, wir werden einige Vögel hinzufügen. Ich habe eine Schicht gemacht, ich gehe zurück und benutze mein dunkelstes Blau dort. Ich werde den Dedoe Rundlaufpinsel verwenden und nur diese Vögel zeichnen und dann, wenn ich diese multipliziere, schafft eine schöne dunkle Silhouette dieser Vögel. Lassen Sie uns die Skizze für eine Sekunde abnehmen und nur das Meisterwerk schätzen. 10. Lettering hinzufügen: Abschließend werde ich Ihnen eine kurze Demonstration geben, wie ich diesem Stück Schriftzug hinzufügen werde. Ich mache meinen Schriftzug oft, entweder mit Tinte auf Papier, und bringe ihn rein oder ich mache es in Procreate. Aber ich kann Ihnen zeigen, wie ich es auch in Photoshop mache, was so ziemlich den gleichen Effekt hat. Ganz oben in der Kunstschicht wollen wir, dass dies nicht in dieser Box ist. Wollen Sie, dass es unten ist. Stellen Sie sicher, dass es nicht in dieser Maske enthalten ist. Dort unten wurde eine neue Kunstschicht erstellt. Ich habe schon einmal darauf hingewiesen. Ein guter Pinsel für die Beschriftung in diesem speziellen Set wäre der Gouache-Detailpinsel. Du denkst vielleicht, ich werde nur nachvollziehen, ich kann die Buchstaben einfach mit diesem Pinsel verfolgen. Aber was ich gerne tun würde, ist eigentlich größer zu arbeiten und so viel wie möglich zu schrumpfen. Was ich tue, ist, dass ich das Gitter einschalten werde, indem ich auf Befehl klicke. Ich schätze, es ist ein POC-Apostroph-Befehl. Sie können tatsächlich einfach zu Ansicht gehen, Gitter anzeigen. Das Raster hilft mir nur, die Grundlinie und die obere Zeile meiner Buchstaben zu messen . Ich will, dass dieser Pinsel ein bisschen größer wird. Ich werde sogar so groß wie 80 Pixel dafür gehen. Dies ist wieder das Gouache-Detail, und ich werde Glättung auf vielleicht 80, vielleicht sogar 90. Jetzt Pro-Tipp für die Einstellung der Glättung ist, wenn Sie Option drücken, und eine Zahl, während das Pinselwerkzeug ausgewählt ist. Wenn Sie hier sehen, benutze ich nur meine Tastatur, um die Glättung einzustellen. Ich werde Befehl 8 für 80 Prozent Glättung treffen, und jetzt ist meine Glättung schön und kontrolliert. Ich werde mit dem A beginnen. Ich benutze einen Abschlag für die meisten meiner vertikalen und diagonalen Teile von Buchstaben. Ich versuche, eine gleichmäßige Strichbreite zu haben, indem ich den gleichen Druck die ganze Zeit nach unten schiebe, und dann für Dinge wie die Schale des Buchstabens p, die so kommt. Jetzt passiert da ein bisschen eine lustige Form. Also komm ich einfach zurück und korrigiere das. Sie können Beweise dafür sehen, dass ich das in fast all meinen Schriftzug mache , wo Sie sehen können, dass ich einen Schlaganfall hinzugefügt habe. Das ist wie ein Korken, in dem ich mich anzünde. Ich lasse die Ober- und Unterseite meiner Striche oberhalb und unterhalb meiner Grundlinie liegen. Das hier ist meine Grundlinie, und das hier ist meine Topline. Ich lasse die Tipps unten und höher gehen und ich werde Ihnen zeigen, warum. Ich denke, ich werde einfach das E hier hinzufügen, und ich denke, jetzt ist ein guter Zeitpunkt, um darauf hinzuweisen, dass ich meine horizontalen Striche in ihren eigenen separaten Pfaden mache . Ich mache sie zuletzt. Jetzt werde ich mein Radiergummiwerkzeug verwenden , um diese Buchstaben zurückzuschneiden. Jetzt versuche ich diesen Radiergummi zu scharf. Ich möchte, dass der Radiergummi etwas rauer und der Rand ist. Lass uns das machen, wie auch immer es heißt. Ich möchte das als Radiergummi verwenden. Ich kann Tilda treffen, was der Schlüssel ist, der so aussieht. Es ist gerade unter Flucht auf Ihrer Mac-Tastatur. Wenn ich Tilda treffe, geht es Radiergummi Modus für den aktuellen Pinsel, und das gibt nur einen weniger harten Schnitt unseres Pinselstrichs. Ich könnte diesen Pinsel sogar kleiner machen, und dann verwende ich Tilda im Radiergummi-Modus. Das ist, warum ich meine Striche verlängern, ist, weil es mir etwas gibt, das ich abschneiden kann, und am Ende mit einem schönen quadratischen Terminal dieser Linien oder Ende, so weiter und so weiter. Ich würde das natürlich für den Rest des Wortes weiter tun, aber ich zeige Ihnen, was ich als nächstes mache, nur mit den Briefen, die ich abgeschlossen habe. Ich werde die einfach entfernen. Für den Moment wird das Alpi sagen. Das nächste, was ich tun möchte, ist, dies in ein intelligentes Objekt zu verwandeln. Ich verwandle dies in ein intelligentes Objekt, indem ich mit der rechten Maustaste klicke und dann das im Menü finde, das herausfliegt. Ich kann meinen Rasterbefehl Apostroph ausschalten, und jetzt werde ich das einfach nach unten skalieren, um die Größe zu erhalten, die ich in meiner Skizze vorgesehen habe. Das ist die Grundlage meines Schriftzugs. Ich würde ein bisschen mehr Zeit damit verbringen, einige dieser Details zu klären und sie so etwas weniger klobig zu machen. Aber was ich tun möchte, ist, diesem Textur hinzuzufügen. Wie mache ich das? Ich erstelle eine Ebene darüber. Wenn Sie dann mit der rechten Maustaste klicken, gibt es ein Flyer Menü, und Sie können Ausschnittsmaske erstellen. Ich zeige dir, was das macht. Ich möchte, dass dieser Schriftzug gelesen wird, und ich wollte die gleichen Textbewertungen überall sonst verwenden. Also kann ich einfach anfangen zu färben, und ich bin super schlampig und überall färben. Aber es schneidet nur auf die Ebene darunter, und das ist im Grunde, wie ich Schriftzug mache. Wenn ich das nicht als Clipping-Maske habe, können Sie natürlich sehen, was ich tatsächlich gezeichnet habe, und dann, wenn Sie diese Clipping-Maske reaktivieren, und meine Tastenkombination dafür ist der Optionsbefehl G. über dem blauen Schriftzug, und ich möchte, dass der darunter liegende Schriftzug blau ist. So gibt es jetzt ein bisschen wie zwei Töne, die ich mag. Nun konnte ich, sagen wir einfach, ich wollte , dass der Hintergrundton über Schriftzug eine andere Farbe hat. Ich könnte hier reingehen und die Farbe ändern, indem ich das Farb-Overlay verwende. Sagen wir einfach, ich wollte, dass es gelb ist. Ich kann dieses intelligente Objekt speichern. Es bringt mich zurück zur Kunst und zur gemeinen Kunstdatei, und dann ist mein Hintergrund eine andere Farbe. Auch hier doppelklicke ich einfach in dieses Smart-Objekt und ändere die Dinge. Stellen Sie sicher, dass ich sie gespeichert habe, bevor ich zurückgehe und das gilt hier. So mache ich den Schriftzug. 11. Letzte Gedanken: Alles klar, Leute. Das ist alles für heute. Ich hoffe wirklich, ihr habt eine Menge davon rausgeholt. Ich hoffe, Sie sind in der Lage, diese Techniken in Ihrer eigenen Arbeit neue und inspirierende Weise voranzubringen. Meine Hoffnung ist, dass Sie in der Lage sein werden, diese Techniken zu nutzen und sie einfach in Ihren eigenen Prozess zu integrieren. Das ist ein Punkt der Ehrlichkeit, ich fühle mich verwundbar, wenn ich Dinge wie diese teile denn so arbeite ich buchstäblich und ich lasse euch wissen. Ich sage Ihnen, warum, obwohl ich mich ein bisschen verletzlich fühle, warum ich das tue. Zuallererst habe ich das Gefühl, dass jeder irgendwo anfangen muss, und wenn jemand ihnen nur eine Technik zeigt, ist die größte Leg-up, die man bekommen kann. Das ist es, was für mich als Illustrator passiert ist. Ich arbeitete als Praktikantin und jemand hat es mir gerade gezeigt. Ein professioneller Illustrator, der für Conde Nast und die New York Times arbeitete, zeigte mir, wie sie Sachen gemacht haben und ich benutze diese Dinge heute noch. Ich bin mehr als glücklich, es zu teilen und zu bezahlen. Aber ich denke genauso wichtig, ich glaube an mich selbst genug, um eine Technik zu teilen und nicht Gefühl zu haben, dass meine Karriere durch Leute, die kopieren, beendet werden. Wenn Leute kopieren, was ich tue, und ich sehe, was genau so aussieht, wie ich mache, ist das eine Herausforderung für mich, sich weiterzuentwickeln. Ich habe ein ganzes Spiel darüber in der Kraft des Teilens, was ein Vortrag ist, den ich in Skillshare HQ gemacht habe. Es ist als Video oder eine Klasse hier auf Skillshare erhältlich. Es klingt, als wäre ich selbstgratulierend, aber ich sage wirklich, dass wir alle das haben, wir alle haben eine einzigartige Perspektive und ich denke nicht, dass wir uns auf den Schutz unserer geheimen Quellen oder unserer Techniken fixiert sein sollten , weil wir mehr als das. Es ist unsere Kreativität und unsere Fähigkeit zu denken. Das ist unser wahrer Wert für unsere Kunst und Technik ist nur eine Möglichkeit, das effizient zu machen, aber wir sollten immer wachsen. Ich ermutige Sie nur, um zu spielen und zu erkunden und Spaß zu haben. Natürlich, Leute, vergiss nicht, deine Projekte auf der Projektseite hier in der Klasse zu teilen. Hier haben Sie die Chance für alle, einen Blick auf das, was Sie getan haben, zu werfen und natürlich Feedback zu bekommen. Wenn du etwas auf Instagram postest, kannst du mich @mrtomfroese taggen und ich liebe zu sehen, was ihr in der Wildnis macht und besonders hier auf Skillshare auf der Klassenseite. So tief wir heute in meinen Photoshop-Techniken gegangen sind, fühle ich mich, als hätte ich wirklich einige andere Dinge wie die Verwendung des Stiftwerkzeugs durchbrochen. Ich habe eine kleine Klasse namens Pen Tool Wizard, die mehr in die Tiefe geht, nur in Bezug darauf, wie ich Stiftwerkzeug verwende, um Ebenenmasken zu erstellen und mit verschiedenen Gruppen und verschachtelten Gruppen zu arbeiten und all diese Art von Sache, , die Sie ein wenig langsamer durch das führen wird, als wir in dieser Klasse durchgemacht haben. Vergessen Sie natürlich nicht, die Style-Klasse, meine letzte Klasse, zu überprüfen , wo wir uns mit dem Thema, Ihren Stil zu finden. Nochmals vielen Dank, Jungs, fürs Mitmachen. Vergiss nicht, meine anderen Klassen auf meiner Skillshare Profilseite zu überprüfen, es ist ein wachsender Katalog von Klassen und ich kann es kaum erwarten zu sehen, was ihr als Nächstes tut.