Der Stil-Kurs: Erarbeite dir deinen Illustrationsstil in einem täglichen Projekt | Tom Froese | Skillshare
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Der Stil-Kurs: Erarbeite dir deinen Illustrationsstil in einem täglichen Projekt

teacher avatar Tom Froese, Illustrator and Designer

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Einheiten dieses Kurses

    • 1.

      Trailer

      2:33

    • 2.

      ÜBER DIESEN KURS

      4:14

    • 3.

      Über Stil

      5:09

    • 4.

      Schmerzpunkte beim Stil

      8:24

    • 5.

      5 Beobachtungen zum Stil

      9:09

    • 6.

      Die Kraft des täglichen Projekts

      2:58

    • 7.

      Die 2 Arten von Illustratoren

      5:42

    • 8.

      Probleme mit Stil lösen

      16:54

    • 9.

      Folge deiner Inspiration

      11:16

    • 10.

      Lettering: Die geheime Zutat

      5:46

    • 11.

      Ziele setzen und Spaß großschreiben

      9:16

    • 12.

      Übung 1: Inspirations-Fallstudie

      8:52

    • 13.

      Übung 2: Kreative Selbsterkundung

      5:29

    • 14.

      Projekt | Tag 1: Startschuss und Setup

      3:23

    • 15.

      Projekt | Tag 1: Einen Projektplan erstellen

      12:22

    • 16.

      Projekt | Tage 2 bis 4: Pilotset (Vorläufige Studien)

      20:39

    • 17.

      Projekt | Tage 2 bis 4: Pilotset (Ideen skizzieren)

      34:08

    • 18.

      Projekt | Tage 2–4: Pilotset (fertiges Kunstwerk)

      88:18

    • 19.

      Projekt | Tage 5 bis 26: Das Set vervollständigen

      2:54

    • 20.

      Abschließende Bemerkungen!

      2:51

    • 21.

      Gehe tiefer mit einer 1:1-Session

      2:01

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

13.894

Teilnehmer:innen

362

Projekte

Über diesen Kurs

Wie findest du deinen eigenen Stil im Illustrieren? Wenn du Illustrator:in bist, hast du dir diese Frage wahrscheinlich schon gestellt. Vielleicht fragst du dich, ob du dich auf einen einzigen Stil konzentrieren solltest oder ob es in Ordnung ist, viele verschiedene anzuwenden. Möglicherweise fällt es dir schwer, dich in den Stilen, in denen du jetzt arbeitest, sicher zu fühlen oder vielleicht suchst du nach einem originelleren Stil, der sich von dem der anderen abhebt. Wenn dir irgendetwas davon bekannt vorkommt, dann ist dieser Kurs genau der Richtige für dich!

Tom Froese ist ein preisgekrönter Illustrator und Top-Lehrer hier auf Skillshare, wo er zahlreichen kreativen Menschen wie dir geholfen hat, sich in die Welt der kommerziellen Illustration zu begeben. Im Laufe der Jahre ist Tom immer wieder Zweifeln und Schwierigkeiten begegnet, als es darauf ankam, einen konsistenten, zuverlässigen und authentischen Illustrationsstil zu entwickeln. In diesem Kurs gibt Tom wichtige Erkenntnisse weiter, die er auf seinem persönlichen Weg gemacht hat und vermittelt praktische und umsetzbare Schritte, die dir auf deinem Weg sicherlich nützlich sein werden.

In diesem Kurs entdeckst du:

  • Wie der Illustrationsstil funktioniert und er für dich persönlich funktionieren könnte
  • Wie du deinen Stil findest und gleichzeitig Ängste und Zweifel überwindest
  • Wie du Stil als Problemlösungswerkzeug verwendest
  • Wie du Inspirationen als Sprungbrett nutzt, ohne dir Sorgen zu machen, sie nachzuahmen
  • Ein vollständig angeleitetes, tägliches Illustrationsprojekt mit dem Hauptaugenmerk auf der Entwicklung deines Stils
  • Einen tiefen Einblick in Toms Denkweise über Stil während des Illustrationsprozesses

In diesem Kurs erfährst du mehr über die tiefgreifenderen Schwierigkeiten in Bezug auf Stil und was das mit dir und deiner Identität zu tun hat. Außerdem lernst du, wie du deinen Stil nutzen kannst, um visuelle Probleme in deiner kommerziellen Illustration zuverlässig und ausdrucksstark zu lösen. Es geht nicht um die einzelnen Komponenten des Stils oder wie bestimmte Tools und Techniken angewandt werden. Es geht darum, dich darin zu bestärken, mutig zu sein und dein eigenes Potenzial als Illustrator:in zu erforschen.

Am Ende dieses Kurses hast du eine Reihe von Illustrationen zu einem Thema, die du im Laufe mehrerer Wochen erarbeiten wirst. Das Kursprojekt hilft dir dabei, dich auf eine Illustrationstechnik zu konzentrieren und diese zur Lösung einer Vielzahl von Illustrationsproblemen einzusetzen. Dabei wirst du dir Klarheit darüber verschaffen, was du gerne magst und worin du gut bist – und was dir vielleicht nicht gefällt und nicht so gut liegt – und dadurch bekommst du wichtige Hinweise darauf, was dich kreativ antreibt, auf die Zutaten zu deinem eigenen und einzigartigen Illustrationsstil.

Ganz gleich, wo du dich auf deinem Weg befindest, dieser Kurs soll deine Denkweise über dich selbst und deinen Illustrationsstil radikal verändern. Letzten Endes ist Stil nichts, das dir gegeben oder beigebracht werden kann. Es ist das Ergebnis eines Erkundungsprozesses darüber, wer du bist, was dich begeistert und was du unbedingt beherrschen möchtest. Tom lädt dich ein, diesen Weg in Der Stil-Kurs mit ihm einzuschlagen oder fortzusetzen.

VIDEOPRODUKTION VON CASSIAR FILM CO

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Teacher Profile Image

Tom Froese

Illustrator and Designer

Top Teacher

Tom Froese is an award winning illustrator, teacher, and speaker. He loves making images that make people happy. In his work, you will experience a flurry of joyful colours, spontaneous textures, and quirky shapes. Freelancing since 2013, Tom has worked for brands and businesses all over the world. Esteemed clients include Yahoo!, Airbnb, GQ France, and Abrams Publishing. His creative and diverse body of work includes maps, murals, picture books, packaging, editorial, and advertising. Tom graduated from the Nova Scotia College of Art & Design with a B.Des (honours) in 2009.

As a teacher, Tom loves to inspire fellow creatives to become better at what they do. He is dedicated to the Skillshare community, where he has taught tens of thousands of students his unique approache... Vollständiges Profil ansehen

Level: Intermediate

Kursbewertung

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Transkripte

1. Trailer: Einfach direkt hineinrollen? - Ja. Ok. Wie finden Sie Ihren Illustrationsstil? Wenn Sie diese Frage jemals gestellt haben, ist diese Klasse genau das Richtige für Sie. Vielleicht haben Sie sich gefragt, ob Sie sich auf einen einzigen Stil beschränken sollten oder ob es okay ist, in vielen zu arbeiten. Vielleicht kämpfen Sie ständig damit, sich in den Stilen zuversichtlich zu fühlen, die Sie jetzt haben oder vielleicht suchen Sie nach einem originelleren Stil, der weniger wie Ihre Einflüsse aussieht. Wenn einer dieser klingen vertraut, willkommen in der Style-Klasse, Ich habe diese Klasse für Sie gemacht. Mein Name ist Tom Froese. Ich bin eine preisgekrönte Illustratorin und unterrichtete Lehrerin hier auf Skillshare, wo ich Zehntausenden von kreativen Leuten wie dir geholfen habe, die Welt der kommerziellen Illustration zu entfalten. Im Laufe der Jahre habe ich mit meinem eigenen Stil gekämpft und mich ständig gefragt, wie ich es zusammenhängender und konsistenter machen kann, während ich ständig an mir zweifle. Wenn ich zu viel von Stil besessen habe, vergesse ich die Freude, zu kreieren, die mich dazu inspiriert hat, überhaupt Illustrator zu werden. Obwohl Stil ein schwieriges Thema ist, über das man sprechen kann, denke ich, dass es wichtig ist, und ich denke, es gibt einige wirklich praktische Schritte, die wir unternehmen können, um sich besser über unseren Stil zu fühlen. Diese Klasse wurde entwickelt, um Ihnen zu helfen, durch die komplexe und verwirrende Welt des Illustrationsstils zu navigieren . Wir beginnen damit, ein Verständnis dafür aufzubauen, was Stil bedeutet und wie er für Sie in der Grundierung funktionieren kann. Als Nächstes werden wir in einige schnelle Übungen eintauchen, um zu entdecken, was uns am meisten inspiriert und wie man aus dieser Inspiration in unserer eigenen Arbeit springt. Danach beginnt die eigentliche Arbeit. Ein tiefer Eintauchen in ein mehrtägiges Illustrationsprojekt, dem wir unsere Stilfragen in einer Serie von 26 Illustrationen ausarbeiten können. Dies wird uns aus unseren Komfortzonen herausholen, aber ich denke, es ist der einzige Weg, unseren authentischen Illustrationsstil wirklich auszuarbeiten . In dieser Klasse geht es darum, die tieferen Fragen rund um den Stil zu verstehen, wie er sich auf Sie und Ihre Identität bezieht und wie man Stil verwendet, um visuelle Probleme zuverlässig und ausdrucksvoll in Ihrer kommerziellen Illustration zu lösen . Es geht nicht um die einzelnen Komponenten des Stils oder um die Verwendung bestimmter Werkzeuge und Techniken. Wirklich, Stil kann wie alles aussehen, deine Kunst kann wie alles aussehen, und ich will dem nicht in die Quere kommen. Meine Aufgabe ist es, Ihnen die Werkzeuge zu geben, um Ihren eigenen Illustrationsstil zu finden, so dass Sie bessere Arbeit machen und es mehr genießen können auf dem Weg. Wie finden Sie Ihren Illustrationsstil? Lassen Sie es uns gemeinsam in der Style-Klasse ausarbeiten. 2. ÜBER DIESEN KURS: Diese Klasse ist in drei Teile unterteilt: die Grundierung, die Übungen und natürlich das abschließende Projekt. Die Grundierung ist, wo wir einen tiefen Einblick in die Fragen der Suche nach Ihrem Illustrationsstil nehmen . einer Reihe von Mini-Vorträgen werde ich einige meiner wichtigsten Erkenntnisse und Prinzipien aufstellen, die Sie bei den Übungen und Projekten und natürlich bei Ihrer eigenen Reise unterstützen . Die Übungen sind, wo wir anfangen, all diese Theorie in die Tat umzusetzen. Hier schauen wir uns an, was uns am meisten inspiriert, und nutzen dieses als Sprungbrett, um Hinweise zu entdecken, was wir im Projekt und darüber hinaus erkunden und experimentieren wollen. Das Projekt war, wo er die Chance hatte, alles, was wir in der Grundierung und Übungen gelernt haben, auf die Probe zu stellen. Ein 26-Tage-Illustrationsprojekt, bei dem wir eine Reihe von Illustrationen zu einem Thema Ihrer Wahl erstellen und herausfinden, wie wir visuelle Probleme in einer Technik Ihrer Wahl lösen. Warum 26 Tage? Weil wir eine alphabetische Liste von Dingen und Ideen unter unserem gewählten Thema von A bis Z illustrieren werden . Es ist mein bisher ambitioniertestes Klassenprojekt, aber keine Sorge, ich werde Sie hineinführen und Sie mit allem, was Sie brauchen, um gehen. Natürlich werde ich teilen, wie ich über Stil denke, während ich meine eigenen Illustrationen in den Demos arbeite. In Bezug auf die Erfahrung ist diese Klasse für alle, die sich jemals gefragt haben, wie sie ihren Illustrationsstil finden, ob Sie keine Erfahrung haben oder seit Jahrzehnten illustrieren. Diese Klasse deckt alle Bereiche der Erfahrung und Fähigkeiten ab und gibt jedem die Chance, tief in seine eigenen Stilfragen einzutauchen. Davon abgesehen, je erfahrener das Befragen und Ausarbeiten Ihres eigenen Stils, mit dem Sie in diese Klasse kommen, desto mehr werden Sie aus ihm herauskommen. Hoffentlich werden Sie in der Lage sein, zu den Prinzipien in dieser Klasse zurückzukehren , während Sie sich auf Ihrem eigenen kreativen Weg entwickeln. In Bezug auf Fähigkeiten und Ausrüstung werden natürlich einige Erfahrungen in Kunstmedien einige Erfahrungen in Kunstmedien und digitalen Werkzeugen nützlich sein. Das könnte alles sein, von der Malerei in Aquarell bis hin zum Tupfen und Fortpflanzung. In den Klassenübungen erhalten Sie die Chance herauszufinden , erhalten Sie die Chance herauszufinden welche tatsächlichen Illustrationstechniken Sie verwenden oder erforschen möchten. Ich verwende Procreate für Skizzen und die Übungen und Photoshop für mein abschließendes Illustrationsprojekt. Weil ich weiß, was einige von euch fragen werden, benutze ich Astropad, um mein iPad Pro als Grafiktablett für meinen Mac zu verwenden. Ich führe Photoshop auf meinem Mac aus, und dann kann ich mein iPad mit Astropad verbinden und es als Bildschirmtablett verwenden. Die Übungen werden nicht lange dauern. Ich denke, du könntest das in ein oder zwei Stunden machen, aber du könntest so lange dauern, wie du brauchst. Was das Projekt betrifft, empfehle ich ungefähr 26 Tage insgesamt. Ich werde erklären, wie das im Projekt-Kickoff mehr zusammenbricht. Dies ist das längste, das ich je für ein Klassenprojekt in meinen Klassen vorgeschlagen habe, aber ich glaube wirklich, dass ein mehrtägiges kreatives Projekt der mächtigste Weg ist , Hinweise zu Ihrem Illustrationsstil zu entdecken. Sie werden natürlich ermutigt, jede Illustration zu teilen, während Sie entlang gehen. Regelmäßig etwas zu machen, ist nur ein Teil, um Ihren Stil zu finden, es mit einem Publikum zu teilen, und mit der Klasse ist auch super wichtig. Wenn Sie diese Klasse besuchen, erhalten Sie ein tieferes Verständnis dafür, warum Illustration ist, wie sie funktioniert und wie sie sich auf Ihre besondere Art und Weise der Kreativität und des Denkens bezieht. Du erfährst, wie Stil als Samen beginnen und im Laufe der Zeit wachsen kann . Darüber, wie es verwendet werden kann, um Probleme zu lösen, anstatt einfach Ihre eigene Identität auszudrücken, erhalten Sie auch eine tiefere Verbindung zu dem, was Sie inspiriert, und lernen, wie Sie all diese Energie in Ihre eigene Arbeit kanalisieren können. Schließlich wird das Projekt Ihnen eine verrückte Menge an Übung und Erfahrung geben, Ihren eigenen Stil von Fragen zu erarbeiten. Wenn Sie sich an Ihrem Projekt von A bis Z halten, gibt es keine Möglichkeit, dass Sie nicht auf der anderen Seite einen stärkeren Illustrator herauskommen können. Lasst uns mit der Show fortfahren. 3. Über Stil: Stil ist eines der am meisten diskutierten Themen für Illustratoren, vor allem beim Start. Wir sehen etablierte Künstler und bewundern sie für ihren Stil oder die Art, wie ihre Illustrationen aussehen, und machen uns das Gefühl. Während das Streben nach seinem Stil häufig als Ablenkung abgewiesen wird, gibt es keinen Weg um die Tatsache, dass die Leute immer noch besessen werden. Wenn die Leute so viel darüber nachdenken, verdient es sicherlich unsere Aufmerksamkeit. Für mich ist die Frage nicht, ob wir uns darum kümmern sollen oder nicht, sondern zu fragen, warum sich Sorgen machen oder vielleicht, wie sollten wir uns Sorgen machen? Wir können feststellen, dass es am Ende besser ist, sich auf andere Dinge zu konzentrieren, aber zuerst müssen wir tiefer schauen, was Illustrationsstil genau ist und wie es funktioniert. Warum ist es so eine große Sache, und warum sollte es vielleicht nicht sein? Was ist Stil? Einfach gesagt, Stil ist die Art, wie eine Illustration aussieht, abgesehen von dem Inhalt der Bilder; Welche Farben werden verwendet, welche Techniken wurden verwendet, um sie zu machen, wie ist die Ausdrucksqualität im Bild? Wenn man zwei Illustrationen desselben vergleicht, was macht eine überzeugender als die andere? Stil ist schwierig, weil es das ist, was wir in der Illustration am meisten bewusst sind, aber am wenigsten in der Lage zu beschreiben. Aber ich denke, wir verstehen auf der sehr intuitiven Ebene, die Bedeutung des Stils. Es ist, was uns in erster Linie zu der Arbeit anzieht. Das ist die Quelle unserer Besessenheit. Was auch immer das Konzept oder die Idee ist, es wird materiell, sichtbar vermittelt. Bevor es unseren Intellekt erreicht, geht es durch unsere Sinne, direkt in unser Herz. Als Künstler kann uns Stil treiben, oder wir können unseren Stil ableiten. Als kommerzielle Illustratoren ist es unsere Aufgabe, Stil als Werkzeug zu verstehen, damit wir ihn fahren können. Nutzen Sie es zu unserem Vorteil, sowohl in unserer Arbeit als auch in der Art und Weise, wie wir es als Erweiterung unserer Identität verwenden. Es gibt zwei Hauptwege, in denen Stil wichtig ist. Warum sollten wir in unserer Arbeit auf Stil achten. Die erste Sache ist, unsere Identität zu etablieren, unsere Marke als kreative Unternehmer. Da unsere Arbeit unser Produkt ist, muss es immer wieder zu uns verlinken. So wie Marken eine gleichbleibende Qualität in ihren Produkten anwenden, sollten unsere Illustrationen immer eine konsistente Qualität haben, die einzigartig unsere ist. Diese gleichbleibende Qualität der Arbeit wird zu einem Synonym für uns. Konsistenz macht uns nicht zu eindimensionalen Künstlern. Es ist einfach eine Anerkennung einer engen Reihe von Qualitäten, in denen wir gut sind, was wir immer wieder tun können, für die andere wachsen können, um sich von uns abhängig zu machen. Dies führt zu dem zweiten Weg, in dem Stil wichtig ist; er wird für uns als visuelle Problemlöser ein zuverlässiges Werkzeug. Unabhängig davon, wie unser Stil aussieht, unabhängig davon, wie viele Stile wir unter dem Dach unseres kreativen Geschäfts beherbergen, indem wir Stile, die sich aus spezifischen Techniken und Prozessen ergeben, etablieren, macht uns effizienter und zuverlässiger. Obwohl wir in einer beliebigen Anzahl von Stilen machbar illustrieren konnten, entscheiden wir uns nicht. Da wir einen engen Satz von Qualitäten unter unserer Marke in unserem Toolkit haben, können wir direkt an dem Problem arbeiten, anstatt zu versuchen, herauszufinden, in welchem Stil wir arbeiten. Wir verbringen auch weniger Zeit damit, auf die gleiche Seite wie unsere Kunden darüber zu gehen, in welchem Stil wir arbeiten. Je mehr Kunden Konsistenz in Ihrer Arbeit sehen, desto mehr vertrauen sie Ihnen, dies wieder zu tun, und deshalb vertrauen sie Ihnen mehr mit dem kreativen Teil des Jobs. Wir haben jetzt definiert, was Illustrationsstil ist und was ihn wichtig macht. In den restlichen Lektionen in dieser Grundierung und dann durch die Übungen und das Projekt werden wir uns ansehen, wie Stil für Illustratoren funktioniert, besonders wenn wir anfangen und wie er sich mit uns entwickelt, während wir gehen. Wir betrachten die wichtigsten Probleme mit Stil, mit denen Illustratoren konfrontiert sind, und Möglichkeiten, diese Herausforderungen zu meistern. Ich habe sogar einige Möglichkeiten entwickelt, um uns auf das Spektrum des Illustrationsstils in Bezug auf Temperament und Persönlichkeit zu setzen. Am wichtigsten ist, dass wir uns ansehen werden, was meiner Meinung nach die effektivsten Möglichkeiten sind , Ihren Stil als Illustrator zu entdecken; das tippen, was uns inspiriert, und unsere Stilfragen ausarbeiten, indem wir tatsächlich arbeiten. Letztendlich ist dein Stil nicht etwas, worüber du dich jetzt entscheiden kannst, ein für allemal. Aber Sie können und müssen sicherlich Entscheidungen auf dem Weg treffen. Ich denke, eines der schwierigsten Dinge, um einen Stil zu finden, ist einfach nicht zu wissen, was unsere Entscheidungen sind, um gute zu machen. Wir haben das Gefühl, wenn wir heute nur einen Stil wählen würden, würden wir uns so viel Potential verleugnen, um zu wachsen, indem wir andere Stile, andere Dinge ausprobieren. Suche nach einem Illustrationsstil geht es nicht darum, einen statischen Stil das Wachstum absichtlich zu stoppen, damit unser Stil konsistent bleiben kann , es geht darum , immer zu arbeiten, immer die Freude darin zu suchen und dann etwas Zeit zu nehmen die Art und Weise herauszufinden, welche Wege für uns am besten funktionieren und wie man das absichtlich besser macht. 4. Schmerzpunkte beim Stil: Wenn ich mich all die Fragen anschaue, die Schüler fragen, um ihren Stil zu finden , brechen fast alle auf einen oder mehrere dieser Schmerzpunkte Konsistenz, Vertrauen und Originalität. Schauen wir uns jeden dieser Schmerzpunkte ein wenig genauer an. Stil zu haben, bedeutet einen konsequenten Blick auf unsere Arbeit zu haben. Es ist also keine Überraschung, dass die meisten Illustratoren mit diesem Schmerzpunkt kämpfen. Warum ist es so schwer, in unserer Illustration Konsistenz zu erreichen? Was für eine Art von Illustration funktioniert, funktioniert möglicherweise nicht für eine andere. Ein anderes Szenario, könnte jemand sein, der sich nicht vorstellen kann, nur an einem Stil zu bleiben. Sie lieben es, jedes Mal anders zu arbeiten und fragen sich, ob sie sich überhaupt zu einem einzigen Stil verpflichten müssen , um ein legitimer, respektierter Illustrator zu sein. Eine der am häufigsten gestellten Fragen rund um den Stil ist, muss ich einen einzigartigen disziplinierten Stil haben, um als erfolgreicher Illustrator zu sein? Ein anderer ist, was ist, wenn ich in mehreren Stilen arbeiten möchte? Soweit ich das beurteilen kann, können Sie mit einem oder vielen Stilen erfolgreich sein. Es hängt wirklich von Ihrem Temperament ab und im Laufe der Zeit, was scheint am besten in Ihrer beruflichen Praxis zu funktionieren. Wenn Sie glücklich und erfolgreich in einer Vielzahl von Stilen arbeiten, dann ist das alles, was zählt. Wenn es Ihnen mehr wichtig ist, etwas Individuelles und Einmaliges zu haben, dann ist dies etwas, auf das Sie absichtlich hinarbeiten können. Am Ende werden Sie sich wahrscheinlich irgendwo zwischen mehreren Stilen und etwas Einzigartigeres finden. Das Wichtigste ist, dass Sie eine Gesamtkonsistenz in dem haben , was Sie als Ihr Produkt anbieten. Sie werden feststellen, dass Sie einige gemeinsame konsistente Drehpunkte haben , von denen Sie alle Ihre Arbeit nähern. Wir werden in ein bisschen mehr darüber reden. Der zweite Schmerzpunkt ist das Vertrauen. Wir Künstler sind hart zu uns selbst. Hälfte unserer Zeit wird damit verbracht, sich mit schwächenden Emotionen und negativen Gedanken über unseren Wert als Künstler zu beschäftigen. Wir neigen dazu, uns Wert mit unserem wahrgenommenen Wert als halböffentliche Persönlichkeiten oder als Künstler zu verbinden . Was wäre, wenn wir vergessen könnten, was andere denken und uns auf die Freude und Zufriedenheit konzentrieren könnten, die wir erleben, wenn wir erschaffen? Wir neigen dazu, unser Vertrauen zu verlieren, wenn wir unsere Arbeit ungerecht mit anderen vergleichen. Zwischenzeit haben wir vergessen, warum wir angefangen haben zu illustrieren. Das Vertrauen muss nicht dadurch entstehen, dass wir uns als Illustratoren vergleichsweise großartig fühlen, es kann darauf zurückzuführen sein, dass wir unsere Arbeit gut nach besten Kräften machen und unseren Kunden und Publikum durch unsere Kunst einen Mehrwert verleihen. Wie können wir Arbeit machen, auf die wir stolz sind, was uns Freude bereitet, von Anfang bis Ende zu machen? Wir müssen uns daran erinnern, unser Streben nach Stil nicht zu ernst zu nehmen. Es muss passieren, aber zu unseren Bedingungen. Mittlerweile müssen wir als Künstler überleben. Das bedeutet, uns den Raum zu geben, um zu erforschen und zu wachsen, Fehler zu machen, während wir in Richtung eines selbstbewussten, natürlichen, ausdrucksstarken Stils fummeln. Dies kommt mit Zeit und Übung. Es tut mir leid zu sagen, dass auf dem Weg unser Vertrauen und unser Selbstzweifel in Wellen kommen werden. Aber letztlich, wenn Sie sich daran halten, werden Sie angenehmer in Ihrer eigenen Haut. Meine Erfahrung ist, dass wir mit einer falschen Vision beginnen, wer wir sein sollen, aber im Laufe der Zeit gewinnen wir ein klares Bild davon, wer wir wirklich sind. Deshalb passiert uns Stil nicht nur schnell, vor allem, wenn der Stil, den Sie suchen, ist einer, der authentisch Ihren gehört, nicht nur basierend auf dem, was trendy oder cool ist. Der Schlüssel ist, sich daran zu erinnern, die Freude an der Illustration. Denken Sie daran, warum Sie in erster Linie inspiriert wurden, und einfach, um diesem Funken der Leidenschaft zu folgen. Wenn dir nichts in deiner Kunst Freude bereitet, nicht einmal ein kleiner Teil davon, dann solltest du vielleicht etwas anderes ausprobieren. Wieder kann es helfen, uns daran zu erinnern, dass wir tendenziell härter für uns sind als andere. Nun, wir setzen uns unter unsere Arbeit, andere sind wahrscheinlich ziemlich beeindruckt von unserer Arbeit. für Stil die Wahrheit ist, dass, wir kümmern uns viel mehr darüber, was unser Stil ist als andere getan haben. Der dritte Schmerzpunkt ist Originalität. Natürlich geht es bei so viel über einen eigenen Stil um Identität. Wir wollen, dass die Menschen uns durch unsere Arbeit erkennen. Weil wir so viel von uns selbst in unsere Kunst gießen, kümmern wir uns darum, wie sie uns repräsentiert. Wie der Stil selbst, denke ich, dass wir alle die Bedeutung der Originalität als Künstler verstehen. Es unterscheidet uns, es ist etwas, das wir nur als unser eigenes beanspruchen können. Unsere eigene Stimme als Künstler zu haben, ist wirklich in den ganzen Deal eingebrannt. Wie können wir in unserer eigenen Arbeit originell werden? Originell zu sein bedeutet, Dinge unabhängig und kreativ zu denken und zu machen. Es bedeutet nicht, dass wir uns so völlig von allem und allen anderen unterscheiden, es geht mehr darum, wie wir unsere gegebene Situation und Fähigkeiten auf unsere eigene Weise nutzen. Ideen müssen nicht esoterisch sein, um originell oder spannend zu sein. Row, US-amerikanischer Designer Paul Rand. Ich möchte nur hinzufügen, dass, wenn Sie originell sein wollen, das einzige, was Sie wirklich tun können, ist, aus Ihrer Perspektive zu sprechen und nicht zu versuchen, von einem anderen zu sprechen. Das Schwierige daran, aus Ihrer Perspektive zu sprechen, ist , dass es oft viel Graben braucht, um es zu finden. Es ist viel einfacher, sich an anderen zu leihen, die Arbeit ist bereits erledigt. Wenn wir nicht viel Übung haben, nach unserer eigenen Perspektive zu graben, neigen wir dazu, uns selbst zu zweifeln und zu früh aufzugeben. Was stattdessen passiert, ist, nicht zuversichtlich über unsere eigene Stimme fühlen, wir uns nicht zuversichtlich über unsere eigene Stimme fühlen, andere Perspektiven, andere Künstler, andere Stile betrachten und diese in irgendeiner Weise in unserer eigenen Arbeit nachahmen. Vielleicht liegt es daran, dass wir nicht an unsere eigene Art glauben, Kunst zu machen. Es scheint irgendwie nicht genug, irgendwie ungewohnt. Wir wissen, was andere getan haben, wie gut es von anderen aufgenommen wurde. Wir sehen Trends und gehen davon aus, dass wir ihnen folgen müssen , um aktuell und gut aufgenommen zu werden. Ich denke nicht, dass es falsch ist, auf Trends zu achten, aber es ist zu einfach, in ein totales Buy-In zu fallen, wo man sich zu stark auf das Vertraute lehnt und es verpasst etwas wirklich Einzigartiges auf den Tisch zu bringen. Was ich sage, ist, dass es Mut braucht, um originell zu sein. Es ist einfacher, hinter einem Trend zu stehen oder den Stil eines anderen zu leihen, weil es sofort erfreulich ist. Aber es lenkt uns vom wahren Uns ab. Die Herausforderung ist, dass unsere eigene wahre Stimme wackelig beginnt, vielleicht sogar peinlich. Es ist verwundbar. Ist es schlimm, nachahmend zu sein? Wenn unser eigener Stil noch nicht zur Reife gewachsen ist und wir in der Zwischenzeit Arbeit zu erledigen haben, wie sollen wir dann irgendetwas erledigen? Die Wahrheit ist, dass wir alle imitativ anfangen. In fast allen meinen Klassen spreche ich über die drei Is: Inspiration, Imitation und Innovation. Wir beginnen, indem wir uns von der Arbeit anderer inspirieren lassen, sie zu imitieren. Aber mit der Zeit, wenn wir daran arbeiten, mehr von unserer eigenen Stimme in unsere Arbeit zu bringen, wird unsere Arbeit mehr zu unserer eigenen. Wir bewegen uns davon ab, andere zu imitieren und mehr auf uns selbst zu verweisen. Wir werden zu einer Mischung aus all unserer Inspiration, und durch die Praxis werden wir gut darin, dies auf einzigartige Weise zu kanalisieren. Die Entwicklung eines originellen Stils ist eine Balance. Es ist eine Balance zwischen einerseits, ein gewisses Maß an Nachahmung zu akzeptieren, unsere Einflüsse absichtlich in unsere Arbeit zu spielen, und andererseits, uns selbst herauszufordern, mutiger zu sein, zu akzeptieren, was unsere Arbeit endet aussehen wie trotz uns selbst. Auf dem Weg, unseren eigenen Stil zu finden, erleben wir alle das Gefühl, dass unsere Arbeit irgendwie nicht misst, dass sie zu überall und inkonsistent ist, dass sie irgendwie nicht originell genug ist, oder wenn es ist, fühlen wir uns nicht gut darüber. Das sind alle gültige Anliegen, und wir sollten definitiv auf einen Stil abzielen , der ihn auf all diese Weise aus dem Park trifft. Aber auf dem Weg werden wir Gnade mit uns selbst haben müssen. Das Wichtigste ist, dass wir von dem Ort der Freude und Leidenschaft aus arbeiten wollten, der uns in erster Linie in die Illustration gebracht hat. Wann immer wir uns schlecht über unsere Arbeit fühlen, können wir uns an unseren ersten Funken erinnern und alles tun, um an diesen Ort zurückzukehren. 5. 5 Beobachtungen zum Stil: Sicherlich gibt es keinen einzigen Weg, um seinen Illustrationsstil zu finden. Wir alle kommen in Illustration und reisen auf sehr unterschiedliche Weise durch sie. Wenn Sie jedoch die Karrierewege einiger der erfolgreichsten Illustratoren von heute beobachten , werden Sie einige interessante Muster sehen, Dinge, die für fast alle wahr zu sein scheinen. Ich habe vor allem fünf Bemerkungen, die meiner Meinung nach sowohl als Ermutigung als auch als Inspiration dienen sollten. Ermutigung, dass selbst unsere Helden bescheidene Ausgangspunkte haben, und Inspiration darin, dass die ersten Schritte, die sie unternommen haben, die sie zum ersten Erfolg gebracht haben, diejenigen sind, die Sie und ich heute leicht machen könnten. Die erste Beobachtung ist, dass alle Künstler mit einem handinformierten Stil beginnen, der besser definierte Überstunden wird. Nehmen Sie heute jeden Illustrator mit einem definierten, einzigartigen Stil und verfolgen Sie ihre Arbeit bis zu den Anfängen zurück, und Sie werden sehr wahrscheinlich feststellen, dass sie nicht so begonnen haben. In der Tat werden Sie sehr wahrscheinlich etwas sehen, das wackeliger, weniger selbstbewusst, irgendwie handinformierter aussieht . In der Tat wird das, was Sie betrachten, wahrscheinlich ähnlicher ihrem natürlichen Zeichnungsstil zu der Zeit, als die Arbeit, die sie heute tun. Dies gilt insbesondere für Künstler, deren Stil heute stark von mechanischen oder digitalen Prozessen beeinflusst wird. Sie mussten mit ihren Händen beginnen, denn das wussten sie damals. Im Laufe der Zeit erarbeiteten sie einen transzendenteren Stil, der ihre Ideen zum Ausdruck bringt, ohne die handgemachten Ursprünge ihrer Skizzen zu verleugnen. Ich spreche ausführlich darüber in meiner Klasse, Zeichnen in Richtung Illustration. Vielleicht haben Sie den Wunsch, einen transzendenteren Stil wie diesen zu haben. Aber wenn Sie näher an Ihrem Anfang sind, haben Sie wahrscheinlich nur eine Ahnung davon. Sie werden jetzt mehr Zeit damit verbringen, verschiedene Techniken zu experimentieren und zu erforschen, und Ihre Arbeit wird von Ihrem aktuellen Satz von Fähigkeiten kommen, vor allem Techniken, die näher an Ihrem zugänglichsten Werkzeug sind, Ihre Hände, lehnen sich in sie. Wie sieht es aus, sich in eure derzeitigen Fähigkeiten zu stützen? Es bedeutet, mehr als alles andere, in Kontakt zu treten, wie Sie alles zeichnen, Objekte, Menschen, Ideen. Es bedeutet, jeden Tag zu zeichnen, die Person, die überall ein Skizzenbuch trägt, und dann mit Techniken experimentieren, die diese Zeichnungen in etwas mehr verwandeln. Dies ist ähnlich dem Illustrationsprozess, bei dem wir mit Skizzen beginnen und dann Farb-, Linien-, Textur-, Form- usw. in den Medien unserer Wahl hinzufügen Linien-, Textur-, Form- usw. . Warum illustrieren, indem Sie zeichnen, wann Sie direkt an den Computer gehen könnten? Denn wenn Sie sich auf diese Weise frei erstellen lassen, werden Sie später in der Lage sein, Muster in Ihrer Arbeit zu finden, die einzigartig für Sie sind, Hinweise auf Ihren eigenen Stil. Sie werden feststellen, dass Sie Formen in einer bestimmten Weise zeichnen oder dass Sie ein bestimmtes Motiv immer und immer wieder wiederholen. Wenn Sie zu früh versuchen, einen disziplinierteren transzendenten Stil zu haben, können Sie sich am Ende zu stark auf Ihre Einflüsse und ihre Techniken gleichzeitig die wichtigen Hinweise Ihrer eigenen natürlichen Stimme ignorieren. Die zweite Beobachtung ist, dass die einzigartige Identität des Illustrators im Laufe der Zeit stärker wird. Alle Illustratoren beginnen mit einem Samen, einer nebligen Vorstellung davon, was sie auf der Straße sein könnten, und alle Illustratoren beginnen damit, sich von ihren Helden inspirieren zu lassen und sie wahrscheinlich in höherem Maße zu kopieren, als sie später enden werden. Wenn wir kleine Kinder sind, kommt unsere Identität mehr von unserer Familie, von unseren Eltern, als von uns selbst. Wir Illustratoren beginnen als Kinder, die unseren Einflüssen, unseren Mentoren und unseren Helden stark ähneln . Aber wenn wir volljährig werden, wachsen wir, um uns selbst mehr zu kennen, und wir können nicht direkt vom Kind zu einem wohlgeformten, völlig unabhängigen Erwachsenen gehen. Wir alle müssen die Ungeschicklichkeit dieser Tweens und Teenager durchmachen. Bleiben Sie dabei und Sie werden durch alles kommen, und Sie werden reifen. Einige von uns altern mit Gnade, andere weniger, und für jeden von uns, das fügt einfach unsere Geschichte und die Einzigartigkeit unserer Stimme hinzu. Die dritte Beobachtung ist, dass der Illustrator von einem allgemeineren Ansatz zu etwas spezifischeren bewegt. Während sich die meisten Illustratoren auf eine kleine Ecke des Illustrationsuniversums spezialisiert haben, beginnen wir typischerweise als Generalisten. Zu Beginn unserer Reisen beginnen wir mit unendlichen Möglichkeiten. Aber wenn wir vorwärts gehen, erfahren wir, wer wir sind, was wir tun können, was wir nicht tun können, worauf wir hingezogen sind und was wir vermeiden, und all diese Dinge helfen jedem von uns, sich in eine spezifischere Definition als Künstler. Wenn wir anfangen, noch nicht unsere eigene Identität geschmiedet zu haben, sind wir offener für die verschiedenen Einflüsse anderer, und wir sind bereit, vielfältigere Arbeit zu akzeptieren. Wir wissen noch nicht, was unsere Spezialität ist, noch sollten wir. Dies ist ein Grund, warum Designer, die später Illustratoren werden , meines Erachtens die später Illustratoren werden Vorteil sind. Designer sind Generalisten durch Schulungen, und sie haben viel Erfahrung mit verschiedenen Arten von visuellen Problemen zu arbeiten, und als solche lernen sie, was sie gut sind und mögen, selbst wenn sie als Illustratoren beginnen. Wenn wir als Illustratoren wachsen, genießen wir bestimmte Arten von Illustrationen, sowohl stilistisch als auch im Thema, was uns zu einer immer schärferen Fokussierung unserer Arbeit und unseres Stils führt. Wenn ich über diesen Fortschritt von allgemein zu spezifisch nachdenke, stelle ich mir immer einen seitlichen Kegel oder zwei konvergierende Linien vor. Alles links von dieser Eröffnung ist, na ja, alles. Wenn wir diesen ersten Schritt in unsere Reise machen, ist das der Anfang dieser seitlichen Kegel-Sache. Plötzlich sind unsere Entscheidungen begrenzt, und wenn wir vorwärts gehen, experimentieren , Feedback bekommen, finden, was funktioniert und was nicht, wird unser Fokus schärfer und schärfer. Wir lassen die Möglichkeit von allem, und gehen mehr auf den einzelnen Punkt, ich gerne die Singularität nenne. Im idealsten Sinne finden wir hier unseren einen zusammenhängenden Stil oder unsere künstlerische Stimme. In Wirklichkeit ist dieser Punkt ein bewegliches Ziel, immer vor uns. Denn je mehr wir lernen, desto mehr erkennen wir, wie viel mehr es zu lernen gibt. Auch wenn wir spezifischer werden, stagnieren wir nie. Die vierte Beobachtung ist, dass Illustratoren beginnen zu teilen, bevor sie bereit sind. Ich liebe diese, weil es die umsetzbarste Beobachtung in diesem Set ist. Viele Illustratoren beginnen ihre Karriere, bevor sie von der Öffentlichkeit als Illustratoren akzeptiert werden, bevor sie einen etablierten Stil haben, bevor jemand ihnen jemals eine Pause geben wird. Diese motivierten Individuen machen ihre eigenen Möglichkeiten indem sie ein tägliches kreatives Projekt starten und pflegen. Dies gibt ihnen die Möglichkeit, ihren Stil spürbar auszuarbeiten und gleichzeitig ein Publikum aufzubauen. kommerziellen Illustration geht es um die Kommunikation mit einem Publikum. Illustratoren brauchen alles, was sie bekommen können, sowohl bei der Ausarbeitung ihres Stils als auch beim Lernen, mit einem Publikum zu interagieren. Praxis, regelmäßig etwas zu schaffen, um sie zu teilen , gewöhnt sich Illustratoren daran, über ein Publikum nachzudenken und auch innerhalb eines Zeitplans zu arbeiten. Als ich anfing, waren für mich der primäre Veranstaltungsort für ein tägliches Publikum angetriebenes kreatives Üben Blogs. Aber diejenigen, an die ich besonders erinnere, die mich letztendlich am meisten beeinflussten, konzentrierten sich auf ein bestimmtes Thema und erarbeiteten eine bestimmte Technik oder ein Medium. Ein paar Beispiele aus meinen frühen Tagen sind Kate Bingaman-Burt obsessive Konsum und Lauren Nassefs Drawing a Day. Ich war fasziniert von ihrer Arbeit und inspiriert, etwas Ähnliches zu tun. Ich spiegelte diese Gewohnheit selbst und baute letztlich einen frühen Zeichnungsstil, für den ich bekannt wurde und aus dem meine ersten Illustrationsjobs kamen. Die fünfte Beobachtung ist, dass Illustratoren ab und zu ihre Haare im Stich lassen. Für diejenigen, die viel mit Schmerz Punkt Nummer eins kämpfen, Engagement, nehmen Sie bitte zur Kenntnis. Egal, wie streng ein Illustrator in seinem kommerziellen Hauptstil ist, sie nehmen wahrscheinlich Umwege und arbeiten hin und wieder außerhalb ihrer Komfortzone. Nur weil sie eine sehr zusammenhängende Arbeit auf Instagram oder auf ihrer Portfolio-Website präsentieren , bedeutet das nicht, dass sie ihre Haare nie im Stich lassen. Künstler haben alle ihre eigene Art, ihre Nebenprojekte zu teilen. Wenn etwas wirklich halb gebacken ist, werde ich es für mich auf meine Geschichten posten oder vielleicht darüber twittern. Oft freue ich mich, meine meisten On-Brand-Experimente als Instagram-Posts zu teilen, während ich mein Website-Portfolio konsistenter und statischer halte. Natürlich muss nicht alles, was gemacht wird, geteilt werden. Denken Sie an alles, was in Ihrem Skizzenbuch oder Tagebuch passiert, was niemand je sieht, und bedenken Sie, dass die meisten Künstler dies ständig tun. 6. Die Kraft des täglichen Projekts: Im vorherigen Video habe ich beobachtet, wie Illustratoren beginnen zu teilen bevor sie bereit sind, und das tägliche kreative Projekt beschrieben. Meiner Meinung nach gibt es keinen besseren Weg, um Ihre Suche nach Ihrem Illustrationsstil zu starten, als regelmäßig Arbeit zu machen und sie mit einem Publikum zu teilen. Für diese Klasse glaube ich wirklich, dass es keinen anderen Weg gibt , dich durch die Reise zu führen, um deinen Stil zu entdecken, als dich durch ein mehrtägiges Illustrationsprojekt zu führen. Das ist, was wir nach all den Vorträgen und Übungen machen werden. Als ich versuchte, einen Weg zu finden, Stil zu lehren, blickte ich auf meine eigene Reise zurück und erkannte, dass meine frühesten Bemühungen um Illustration wirklich begonnen haben, als ich fast täglich Zeichnungen auf meinem Blog zu erstellen und zu teilen begann. Ich war sehr direkt von einer Handvoll Illustratoren inspiriert, die dies zu dieser Zeit tun, aber am sichtbarsten Lauren Nassef, der von introspektiven Konturzeichnungsstil überzeugt ist, mit dem ich wirklich verwandt bin. Peinlich nannte ich meinen Blog sogar ähnlich wie ihren. Ihr war eine Zeichnung pro Tag, meins war etwas jeden Tag zu zeichnen. Zumindest war ich ehrlich über meine Absichten und Inspiration. Ich wollte wirklich jeden Tag etwas zeichnen, genau wie meine Inspiration. Was mit der Zeit als Nachahmung begann, wuchs zu meinem eigenen Ding machte schließlich Platz für andere kreative Experimente. Auf dem Weg war ich wirklich meine eigene Art zu zeichnen, zu entdecken, was ich gerne zeichne, forderte mich heraus, Dinge zu zeichnen, die ich nicht gerne Zopfhandschuhe oder Jacken, die an Haken drapiert sind, und experimentierte mit dem Hinzufügen von Farbe in Collage-Elemente digital. Dieses tägliche Projekt begann in meiner Mitte des Untergrads und setzte sich gut fort, nachdem ich mein Studium absolviert und eine Beschäftigung als Designer gefunden hatte. Es war immer eine Möglichkeit, meinen Arbeitgebern und Klienten meine Leidenschaft für Kreativität zu demonstrieren . Seit ich Vollzeit-Illustratorin wurde, hatte ich das Glück, die meisten meiner Arbeit aus meinem Stil mit echter Kundenarbeit machen zu können . Hier ist die Kraft des täglichen Projekts. Du brauchst keine echten Kunden oder echten Jobs zu haben, um deinen Stil und deine Stimme auszuarbeiten. Alles, was Sie brauchen, ist, Arbeit zu machen, die Ihnen wichtig ist, auf eine fokussierte und konsistente Art und Weise zu arbeiten und es zu teilen. Eines der schwierigsten Dinge an einem täglichen Projekt ist natürlich zu wissen, was in erster Linie zu tun ist. Ich denke, das könnte eine Menge Leute davon abhalten, nur in sie zu springen. Im Projektabschnitt führe ich Sie durch den Prozess der Einrichtung des Projekts, einschließlich der Auswahl von etwas zum Trainieren und eines Themas, an dem Sie es testen können. Wenn Sie in der Zwischenzeit einige inspirierende tägliche Projekte aus der Vergangenheit und Gegenwart einiger meiner Lieblings-Illustratoren sehen möchten, sollten Sie einige Links in der Klasse Projekte und Ressourcen Seite finden. 7. Die 2 Arten von Illustratoren: Illustratoren gibt es in allen Formen und Größen, aber es gibt zwei übergeordnete Typen, jeweils mehr oder weniger auf zwei verschiedene Persönlichkeitstypen zeigen. Wenn wir verstehen, welche Art von Illustrator wir am ähnlichsten sind oder zu sein scheinen, hilft es uns, uns besser zu verstehen, wie wir arbeiten, was uns antreibt, und vor allem zu informieren, wie strenger, flexibel wir mit unserem Stil oder Stil sind. Es ist der Unterschied zwischen Extrovertierten und Introvertierten. Diejenigen von uns, die lieber mehr Zeit allein verbringen, werden plötzlich bestätigt, indem wir wissen, dass es eine normale Gruppe von Leuten gibt, die wir introvertierte nennen. Wir können erkennen, dass wir die normalen sind und nicht diese verrückten Extrovertierten. Aber ernsthaft, wenn wir die beiden Illustratoren erkennen, können wir besser verstehen, warum unsere Stiltendenzen vielleicht in eine bestimmte Richtung zu gehen scheinen. Die erste Art von Illustrator ist Illustrator als Künstler. Ein anderer Name könnte Rockstar oder der Stil vorwärts Illustrator sein. Während wir alle Künstler sind, ist der Künstler besessen von Selbstidentität in ihrer Arbeit. Zumindest in ihrer Persona sind sie extrovertierte Menschen, die sich mutig auf eine ganz bestimmte Art und Weise ausdrücken. Ihr Illustrationsstil scheint eher auf Mustern und sich wiederholenden Elementen zu basieren, stark stilisiert und immer nur mit einem bestimmten Satz von Farben. Sie wenden ihren Stil auf alle Illustrationsprobleme auf die gleiche Weise an, wie eine Marke die gleichen Farben und Stile auf ihre Produkte in der Kommunikation anwendet. Künstler-Typ-Illustratoren sind für ihre starke, singuläre Stimme über Disziplinen hinweg bekannt . Ihre Identität ist unverkennbar, stark eingeschränkt, entscheidend und begrenzt. Wir können sie ruhig dafür betrügen und sie beschuldigen, eindimensionale Ponys zu sein. Aber schauen Sie näher, sie haben ein besonderes Talent, mit einer starken Vision zu führen und sie sind in der Lage, alle Probleme, die ihren Weg durch ihre eigene einzigartige Vision kommen, zu biegen . Ich habe Künstler-Typ-Illustratoren immer für das Vertrauen und die Stärke der Identität beneidet , die sie ausstrahlen. Wenn Sie das Gefühl haben, dass Sie eine starke Persönlichkeit und künstlerische Vision haben, können Sie sich im Laufe der Zeit mehr auf den Künstler Typ Illustrator stützen. Auf der anderen Seite können Sie das Gefühl haben, dass eine solche Identität für Design bedeutet Sie nicht in der Lage sind, alle Ihre künstlerischen Fähigkeiten in dem Maße zu nutzen , das Ihnen Zufriedenheit geben wird. Sie könnten das erstickend finden. Sie können auch einfach eher ein introvertierter oder ein Problemlöser in Ihrer Arbeitsethik sein. Geben Sie die zweite Art von Illustrator ein. Der zweite Illustrator ist der Designer. Ein anderer Name könnte der Problemlöser oder der Ideenvorwärts-Illustrator sein. Wir neigen dazu, die Namen und mutigen Lux Künstler Art von Illustratoren erinnern, aber die Designer Typ Illustratoren tun genauso beeindruckende Arbeit, oft nehmen auf jedes Projekt mit einer bestimmten Marke von Klugheit statt bestimmten stilistischen Elementen wie Farben und solche Sachen. Diese sind eher Introvertierte, so dass die Arbeit und Ideen stärker durchkommen können als jeder persönliche Ausdruck. Das heißt nicht, dass ihre Arbeit für sie als Künstler nicht identifizierbar ist, sondern vielschichtiger und facettierter ist. Sie bekommen ihre Hände in mehr Töpfe. Der Problemlöser Typ Illustrator erfreut sich der Herausforderung jedes visuelle Problem auf eine einzigartigere Weise zu lösen. Auch sie haben einen Fokus, einen Bereich, in dem sie arbeiten können, aber es ist einfach weniger offen und nimmt mehr Formen an. Künstler-Typ-Illustratoren könnten Designer Typen beschuldigen, die sie beschuldigen, Chamäleons zu sein, an einer klaren Persönlichkeit fehlt, unentschlossen zu sein. Aber schauen Sie näher, sie wissen genau, wer sie sind und verwenden das, um einige ziemlich große Kunden in ein hochkreatives, überraschend abwechslungsreiches Kunstwerk zu führen . Sie sind genauso entscheidend wie der Künstlertyp, aber sie sind in der Lage, ihre Fähigkeiten individuell an jedes Problem anzupassen. Ich habe schon immer Designer-Typ-Illustratoren für ihre kreativen Fähigkeiten und Einfallsreichtum bewundert. Wenn Sie das Gefühl haben, dass jedes visuelle Problem Sie auf unterschiedliche Weise bewegt, dass es schwierig ist, einfach jeden Nagel mit dem gleichen Stil Hammer zu schlagen, könnte das bedeuten, dass Sie ein Problem lösen oder Designer Typ Illustrator. Wie Sie in den Beispielen auf den Folien sehen können, gibt es so viel Persönlichkeit und Einzigartigkeit in jedem Beispiel und sie scheinen kein Problem zu haben , große Kunden anziehen und endlose neue und einzigartige Arbeit zu machen. Diese beiden Arten sind natürlich Extreme. Sie mögen die meisten Menschen, finden sich irgendwo dazwischen, und fühlen sich mehr wie eine als die andere zu verschiedenen Zeiten. Vielleicht werden Sie im Laufe der Zeit jedoch in Ihrer eigenen Arbeit eine allgemeine Tendenz zu einem über dem anderen bemerken. Während wir irgendwann mehr wie eine dieser Typen sein werden als die andere. Zu Beginn werden Sie wahrscheinlich eher dem Designertyp als dem Künstlentyp ähneln. Das ist einfach, weil Sie noch nicht genug über sich selbst wissen , um diesen Anruf auf die eine oder andere Weise zu machen. Dies ist vielleicht ein bisschen eine Vorsicht für Menschen, die früh in ihrer Karriere fühlen, die sich eher wie der Künstler fühlen , sich nicht zu früh der stilistischen Erkundung zu verschließen. Bleiben Sie offen für so viele Möglichkeiten wie möglich in Ihren frühen Tagen. Ja zu sagen, gibt Ihnen nicht nur wertvolle Erfahrung und natürlich ein Einkommen, es ermöglicht Ihnen, Ihre starke Vision in einer Vielzahl von Anwendungen zu testen. Etwas, für das viele von beiden Arten von Illustratoren respektiert werden. 8. Probleme mit Stil lösen: wo wir die Chance bekommen, eine Reihe von repräsentativen und konzeptionellen Illustrationen in einem konsistenten Stil, aber in einer intensiveren Weise zu erstellen repräsentativen und konzeptionellen Illustrationen in einem konsistenten Stil, . Stil ist genauso viel darüber, wie Sie Probleme lösen, wie es darum geht, wie Sie sich ausdrücken. Wir neigen dazu, dass Stil in erster Linie ein Mittel zur Selbstdarstellung eines Künstlers und zur Erhöhung der Identität ist. Aber Stil ist ein Werkzeug, das wir entweder an die visuellen Probleme anpassen können, die unseren Weg kommen, oder an das wir diese Probleme biegen können. Denken an Stil als Werkzeug zur Problemlösung nimmt für mich den Druck von jedem meiner Stile oder Illustrationen ab , um die Gesamtheit dessen auszudrücken, wer ich als Künstler oder Mensch bin. Ich bin nicht mein Stil. Mein Stil muss nicht der totale Ausdruck dessen sein, wer ich bin. Wenn es darum geht, für Kunden zu arbeiten, sollte Ihr Illustrationsstil ausdrucksstark sein, aber es geht nicht darum, sich selbst auszudrücken. Es geht um das Du, das sie benutzen wollen, um sich auszudrücken. In diesem Video sehen wir uns an, wie Stil und Problemlösung spezifisch zusammenhängen. Ich habe diese Ideen enorm hilfreich gefunden, um zu verstehen, wie ich arbeite und warum sich mein Stil je nach dem Job, an dem ich arbeite, zu ändern scheint. Ich konnte diese Ideen nutzen, um meine stilistischen Entscheidungen besser zu verstehen und im Laufe der Zeit eine immer einheitlichere Art zu finden , und im Laufe der Zeit eine immer einheitlichere Art zu finden über Kunden und Projekttypen hinweg zu arbeiten. Die Kraft des eigenen Illustrationsstils ist, dass er für alle anderen magisch erscheint. Wir fragen uns, wie auf der Erde die Künstler es ausgedacht haben. Es ist eine gute Frage: Woher kommt Stil? Wie trainiert ein Illustrator? Wie illustriere ich etwas besonders auf den ersten, wenn die Optionen unendlich scheinen? Woher wissen sie, in welchem Stil sie arbeiten sollen, in welcher Technik oder welche App oder welches Gerät sie verwenden sollen? Diese Fragen werden am schärfsten, wenn sie mit der ultimativen Unendlichkeit, der leeren Seite konfrontiert werden. Wir neigen dazu, grenzenlose Optionen mit kreativer Freiheit gleichzusetzen, aber Optionen sind einer der größten Feinde der Kreativität. Wenn wir auf einen Stil hinarbeiten, der unsere eigenen, einige entscheidende Eigenschaften und Zwänge ist , müssen wir Optionen abschneiden, anstatt mehr von ihnen zu suchen. Wenn es um die Arbeit für Kunden geht, ist eines der ersten Probleme, die wir lösen, der Stil, die verschiedenen visuellen Elemente, die als Idee in einem Bild zusammenkommen. Für Künstler Typ Illustratoren, dieses Problem kommt meist vorgelöst. Es gibt weniger eine Unterhaltung darüber, in welchem Stil Sie arbeiten sollen und mehr eine davon, wo der Stil angewendet werden sollte. Für Designer-Typ-Illustratoren ist eine der ersten Jobs, auf die gleiche Seite wie unser Kunde stilistisch zu kommen. Welche Techniken sollten verwendet werden? Sollte die Illustration wörtlich und realistisch oder konzeptionell und stilisiert sein? Wir neigen dazu, von Stil als kommt völlig aus der Phantasie, aus dem Inneren des Künstlers oder auf der anderen Seite, wir denken, dass es völlig auf einer externen Technik basiert, wie zum Beispiel Druckgrafik oder Vektorkunst. Vielmehr wird ein stilistischer Ansatz durch drei übergreifende Faktoren bestimmt, sowohl intern als auch extern. Das nenne ich die drei Faktoren des Stils. Eins, Ihr natürlicher Zeichnungsstil, zwei, Ihre gewählte Technik, und drei, das Motiv, das Sie in einem Bild darstellen sollen. Während der Künstlertyp Illustrator von Anfang an eine klare stilistische Vision haben wird , dann müssen Designer-Typen beide ein starkes Gefühl dafür haben, wie diese drei Faktoren zusammenarbeiten, wie sie sich gegenseitig beeinflussen, und vor allem, was ihre Grenzwerte sind. Der erste Stilfaktor ist der natürliche Zeichnungsstil. Dies ist Ihre natürliche Art zu zeichnen, ohne sich Ihres Stils zu bewusst zu sein. Sie können eine unterschiedliche Art und Weise haben, aus Beobachtungen oder Referenzen zu zeichnen, und dann feststellen, dass Sie eine andere Art haben, von der Phantasie zu ziehen. Vielleicht ist man realistischer und naturalistischer und der andere symbolischer oder vielleicht sogar Cartoonie. Warzen und alles, das ist, wie Sie zeichnen. Dies ist natürlich eine gelernte Fähigkeit, die Sie verbessern können, aber es gibt auch eine einzigartige Hand oder Unterschrift zu Ihren Zeichnungen, genau wie Ihre wörtliche Handschrift in der Handschrift, die fast unausweichlich ist. Sie werden hoffentlich Ihre einzigartige Zeichenqualität schätzen und können ihre Nützlichkeit und sogar Kraft beim Aufbau Ihrer Stimme als Illustrator erkennen . Der zweite Stilfaktor ist das Thema. Mit Thema meine ich die Formen, die in Ihrer Illustration dargestellt werden. Es bedeutet natürlich auch das abstraktere Thema, wie Elektroautos oder psychische Gesundheit, aber alle Konzepte in abstrakten Ideen kommen darauf an in visueller Form der einen oder anderen Art dargestellt zu werden, und das ist das Thema. Einige Themen sind leichter darzustellen als andere, und ebenso eignen sich bestimmte Techniken und Zeichenstile eher dazu, bestimmte Themen auf bestimmte Weise darzustellen. Illustratoren müssen geschickt werden, um die Natur des Themas zu verstehen und wie sie etwas aus ihrem eigenen stilistischen Toolkit verwenden können, um es zu vermitteln. Ich werde Ihnen in wenigen Augenblicken einige kurze Beispiele dafür geben. Der dritte Stilfaktor ist die gewählte Technik. Das Schlüsselwort hier wird gewählt, weil dies in gewisser Weise der freiwilligste Faktor der drei ist. Ihr natürlicher Zeichnungsstil kann verbessert werden, aber es verleugnet immer Ihre Hand. Während Sie als kreativ können oft wählen Sie eine bestimmte Form, die Sie in Ihrer Arbeit vertreten, gibt es definitiv Grenzen durch das Thema, das dargestellt werden muss, auferlegt. Aber Technik ist ganz Ihre Wahl. Natürlich, durch die Zeit und Arbeit kommt zu Ihnen, dass diese Entscheidung bereits getroffen wurde, basierend auf der Arbeit, für die Sie bekannt geworden sind, Ihre gehen Sie zu Medien wie Procreate auf dem iPad oder Aquarell auf Arches Papier zum Beispiel. Natürlich ist die Auswahl Ihrer Go to Set von Techniken ein großer Teil dieser Klasse und ein großer Teil Ihrer frühen Entwicklung als Illustrator. Je mehr Sie Ihren Weg um eine bestimmte Technik kennen, desto mehr können Sie darin zusammenfassen, um visuelle Probleme zu lösen, und desto mehr sind Sie in der Lage zu wissen, welche Arten von Problemen jede Technik am besten zu lösen ist. Das sind die einzelnen Faktoren, und ich habe bereits angefangen, darauf hinzuweisen, wie sie sich gegenseitig beeinflussen. Aber wo es wirklich interessant wird, ist, wie sie zusammenarbeiten und wie man jede einzelne auf eine sehr bewusste Art und Weise wählen kann jede einzelne auf eine sehr bewusste Art und , um das stilistische Ergebnis zu erreichen, für das Sie gehen. In einem Venn-Diagramm dieser drei Faktoren, Ihre ultimative Stil ist, wo sie alle in der Mitte überlappen. Sofort können Sie sehen, dass Ihr Stil so viel wie alles andere vom Thema abhängt. Wie Sie ein bestimmtes Thema illustrieren, ist eine Kombination aus der Art , wie Sie natürlich zeichnen und Ihrer Illustrationstechnik, oder Sie wählen eine bestimmte Art des Zeichnens in einer bestimmten Technik, die Sie am besten für das Thema halten. Eines meiner Lieblingsbeispiele ist das Zeichnen von Autos. Ich finde es viel einfacher, bestimmte Modelle von Autos zu zeichnen, so etwas wie die 1980er Jahre Saab zum Beispiel die neueren Autos, denen eine unverwechselbare Form fehlt. Dann finde ich es einfacher, Autos von der Seite zu ziehen als aus einer Dreiviertelansicht. Wenn Sie Ihren Stil sehr streng ansprechen, vermeiden Sie Situationen, in denen das Motiv die anderen Stilfaktoren zu stark bestimmt. In meiner eigenen Kundenarbeit muss ich den gegebenen Brief oder das Thema oft anpassen oder neu interpretieren damit ich ihn aus meinem einzigartigen Stil und Perspektive betreten kann. Mein Held Paul Rand äußerte genau diese Situation in seinem Essay, The Designer's Problem, und ich zitiere „Da das Material eingerichtet ist, ist der Designer oft unzureichend, vage, uninteressant oder anderweitig ungeeignet für visuelle Interpretation, die Aufgabe des Designers ist es, das Problem zu wiederholen.“ Hier bekräftigt Rand meine eigene Überzeugung, dass wir als Illustratoren nicht Opfer eines sogenannten schlechten Briefes oder sogar Opfer unserer eigenen Grenzen als Künstler sein müssen . Wir müssen einfach geschickt sein, visuelle Probleme so weit wie möglich um unsere Fähigkeiten zu biegen . Ob Künstler- oder Designer-Illustratoren, wir alle müssen visuelle Probleme lösen, um Ideen visuell zu kommunizieren. Es ist nur, dass die Künstlertypen natürlich gekommen sind, um die vorläufige Frage des Stils zu lösen. Es ist bereits in ihr Produkt eingebaut. Aber Problemlösung ist immer Teil der Arbeit, egal welche Art von Illustrator Sie sind. Wir haben gesehen, wie Stil selbst ein Werkzeug zur Problemlösung sein kann, aber welche Arten von Problemen gibt es für Stil zu lösen? Es gibt zwei übergreifende Arten von Problemen, repräsentativ und konzeptionell. Wenn eine Illustration repräsentativ ist, werden Objekte, Personen, Szenen und Szenarien dargestellt. Es ist direkt, wo die Idee eines Apfels einen Apfel darstellt, und eine Menge in einer U-Bahn stellt eine Menge in einer U-Bahn dar. Wenn ein Illustrator aufgefordert wird, ein wörtliches Objekt darzustellen, ist ein Großteil der Arbeit des Illustrators bereits erledigt. Es gibt weniger Sorgen darüber, was zu repräsentieren ist. Das Problem wird dann wirklich zu einem der Stilisierung. So stellen Sie das Objekt, Szene oder das Szenario in einem bestimmten Stil dar. Wenn eine Illustration jedoch konzeptionell ist, zeigt sie Ideen, sie ist abstrakter und figurativer. Die Idee steht an erster Stelle und kann auf unterschiedliche Weise dargestellt werden. Die Idee der Bildung kann beispielsweise durch einen Apfel, aber auch eine Mörtelbrettkappe oder einen Bleistift dargestellt werden. Der Illustrator hat mehr Arbeit im Voraus zu tun, weil sie nicht nur in genannt werden, stellt etwas in einem bestimmten Stil, es wird auch erwartet, um herauszufinden, welche Objekte oder Symbole werden am besten die Idee in Frage stellen. Warum ist es hilfreich, diese Unterscheidung zu haben und wie können wir als Illustratoren unseren eigenen Sinn für Stil stärken? Für mich hilft diese Unterscheidung mir zu erkennen, warum einige Illustrationsprobleme schwieriger für mich zu knacken sind als andere, warum bestimmte Objekte und Ideen für mich schwieriger zu repräsentieren sind als andere. Am wichtigsten ist, dass es mir hilft zu verstehen, warum ich verschiedene Stile oder Ansätze zu verschiedenen Zeiten während meiner Karriere verwenden musste . In meinen frühen Tagen als Illustrator war mein Stil früher eine Menge digitaler Collage, grobe ausgeschnittene Formen, ausdrucksstarke Farblinien, gesampelte Texturen. Es war etwas abstrakt. Dies war jedoch großartig für konzeptionelle Illustrationen oder für die Darstellung von Objekten auf sehr einfache, stilisierte Weise. Immer war es gut, die Idee von etwas mehr als die Besonderheiten oder die Realität der Sache vorzuschlagen . Sobald ich eine Szene oder ein Szenario darstellen musste , in dem bestimmte Details wichtig waren, wie die Gesichter der Menschen oder vielleicht ein Aspekt der Beleuchtung, brach der Stil auseinander. Ich erinnere mich, als ich anfing, mehr redaktionelle Aufgaben zu bekommen, wurde ich zunehmend aufgefordert, Szenen und Szenarien darzustellen. Mit diesen, ich meine, es gibt eine Einstellung wie einen Raum, wie ein Interieur oder eine Außenlandschaft, und oft Charaktere tun etwas darin. Mein abstrakter Stil hat diese nicht sehr gut gehandhabt. Ich fand, dass mein Stil, der auf diese Darstellungsprobleme angewendet wurde, unbeabsichtigt naiv aussah. Obwohl es mir gelang, einige darstellende Illustrationen mit meinem konzeptionellen Stil und digitalen Collagen-Techniken zu erzwingen einige darstellende Illustrationen mit meinem konzeptionellen Stil und digitalen Collagen-Techniken . Ich war nie zufrieden, und ich denke, das liegt daran, dass meine Vision für meine künstlerische Herangehensweise immer konzeptionell war. Ich wollte nie Szenen-Illustrator sein, und wenn ich ehrlich bin, war es wahrscheinlich, weil ich nicht dachte, dass ich es könnte. Es war einfach einfacher für mich, abstrakt zu arbeiten, anstatt die Fähigkeiten zu entwickeln, die erforderlich sind, um repräsentativer zu arbeiten. Heute kann ich zurückblicken und sehen, dass ich den Unterschied zwischen repräsentativer und konzeptioneller Illustration einfach nicht verstanden habe und noch keinen Stil für Probleme mit darstellenden Typen entwickelt hatte . Im Laufe der Jahre beobachte ich in meinem eigenen Stil eine Drift zu Techniken , die in der Lage sind, Repräsentation zu handhaben, waren konsequent und robuster , und es gibt Hinweise auf meinen älteren, abstrakteren Stil, Hinweise auf meine Wurzeln und meinen Geschmack im Design, aber irgendwie habe ich eine Reihe von stilistischen Elementen und Manierismen herausgefunden, die sowohl konzeptionelle als auch repräsentative Probleme konsistenter behandeln können. Es gibt jedoch ein Opfer hier, ich habe einige der mehr Peer-Design oder den konzeptionellen Ansatz kompromittiert , mit dem ich angefangen habe zu illustrieren, und den ich immer noch liebe. Wenn ich ehrlich bin, bin ich nostalgisch wenn die Illustration für mich mehr über konzeptionelle Probleme war, vage und abstrakte künstlerische Herangehensweise, die mich an die Arbeit erinnert, die mich inspiriert hat, wie die von Paul Rand und Saul Bass. Aber ich fand immer wieder, dass der Markt um etwas anderes bat als ich, und ich war in der Lage, auf diese Nachfrage auf meine Weise zu reagieren. Der resultierende Stil fühlt sich irgendwie weniger ernst und weniger anspruchsvoll oder kunstvoll an. Es ist albern und naiver, also habe ich dem Markt erlaubt, meinen Stil bis zu einem gewissen Grad zu beeinflussen. Als ich in den Spiegel des Marktes schaute, reflektierte es mir ein anderes Bild von mir selbst, als ich erwartet hatte. Aber darin habe ich einen Ausdruck gefunden, der einzigartig mein eigener ist. Ich habe gelernt, das Feedback, das mir andere zu meiner Arbeit gegeben haben, anzunehmen, was am Ende immer etwas darüber ist, wie meine Arbeit sie lächeln oder sich gut fühlen lässt. Ich dachte immer, meine Arbeit sollte Leute dazu bringen, als klug zu denken oder zu kommen. Ich habe stattdessen gelernt, mich in das zu lehnen, was mir Freude bringt, als ich meine Arbeit mache, ein Gefühl der Freiheit und mich weniger ernst zu nehmen, was sich herausstellt, dass andere Menschen geliebt und an sich selbst in meiner Arbeit erinnert werden wollten. Zum Beispiel hätte ich nie gedacht, dass ich jemals Charaktere so sehr illustrieren würde wie jetzt, aber sie sind fast alles, was ich tue. Früher repräsentierte ich Charaktere bildlich, abstrakt, weil sie immer meinen Konzepten dienen. Ich hatte nie vor, ihnen Gesichter und individuelle Persönlichkeiten zu geben. Ich dachte, das wäre albern, aber im Laufe der Zeit merkte ich, dass eine meiner Vermutungen nur den Leuten lustige Gesichter zu geben und albern zu sein. Viele meiner Illustrationen aus den letzten fünf Jahren sind total albern. Anstatt es zu vermeiden, kann ich mich direkt daran beteiligen, und jetzt ist es eine meiner Lieblings-Illustrationen und ich vermute etwas, das mein Publikum genießt. Welche praktischen Ratschläge kann ich Ihnen zu den beiden Illustrationsproblemen geben? Wirklich, das praktischste, was Sie tun können, ist die Arbeit an beiden Illustrationsproblemen zu üben. Beobachten Sie zunächst, wie Sie mit Problemen der direkten Darstellung umgehen. Wie sieht es aus, Objekte unterschiedlicher Komplexität darzustellen? Wie illustrieren Sie eine Bierdose, einen Bär oder eine Person? Als nächstes beobachten Sie, wie Sie mit mehr konzeptionellen Problemen umgehen. Wie sieht es aus, abstrakte Konzepte wie verloren in den Wäldern oder eine überraschende Anzahl von YouTubern aus Kalifornien oder das Rennen um unseren COVID-19-Impfstoff zu repräsentieren eine überraschende Anzahl von YouTubern aus Kalifornien oder ? Beachten Sie schließlich die Unterschiede und Ähnlichkeiten zwischen diesen Illustrationsproblemen. Finden Sie, dass Sie entweder Ihre Technik oder Ihren Stil etwas ändern mussten? Dann fragen Sie, wenn anders, welchen Ansatz gefällt Ihnen am besten? Wenn Sie beide Probleme lösen, haben Sie die Möglichkeit, Ihre Stärken und Schwächen als Künstler zu verstehen, aber auch die Stärken und Schwächen Ihrer Technik. Wir haben dies in den drei Faktoren des Stils angesprochen, dass Sie jetzt Ihr Thema anpassen können, um mehr mit Ihrer Technik und Ihrem Zeichenstil zu arbeiten, oder um selektiver in den Arten von Themen und Jobs zu sein, die Sie in erster Linie übernehmen. Ich mache das die ganze Zeit. Wenn Projekte zu mir kommen, die sich außerhalb der Art und Weise fühlen, wie ich mit Problemen der Repräsentation und Konzeptualisierung umgehen, versuche ich zu sehen, ob es eine Möglichkeit gibt, den Brief auf eine Weise zu wiederholen , die mehr für meine Arbeit funktioniert. Wenn es nicht möglich scheint, wenn es wie eine Kraft passt oder nicht ein passen alle scheint, gebe ich es weiter. In meiner Sweetspot-Klasse habe ich ein Projekt erstellt, das den Schülern die Möglichkeit gab, beide Arten von Problemen zu praktizieren , vier Stellen von Illustrationen einfacher Objekte und dann vier weitere abstrakte Ideen oder Erfahrungen, und fast jedes -Instanz fanden es Studenten leicht, den ersten Satz zu veranschaulichen, aber viel schwieriger, die zweite zu machen. In der Mehrzahl der zweiten Sätze wandten sich die Schüler daran, Charaktere, Figuren oder Hände zu verwenden , um die Ideen zu handeln oder sich Gedanken zu machen. Es ist das Gegenteil von dem Problem, das ich früh hatte. Während ich Ideen konzeptionell darstellen konnte, hatte ich es schwieriger, Charaktere und Szenen darzustellen. Das Projekt für diese Klasse ist ähnlich, 9. Folge deiner Inspiration: Wir beginnen alle unsere Illustrationsreisen, indem wir uns von der Arbeit eines anderen inspirieren lassen. Die Frage ist, was machen wir mit dieser Inspiration? Wie können wir es in unserer eigenen Kreativität kanalisieren? Ich glaube nicht, dass viele von uns eine Lektion brauchen, um sich inspirieren zu lassen. Es gibt so viel Kreativität da draußen, egal ob auf Instagram, Dribbble, Behance oder sogar in den Regalen Ihrer lokalen Bibliothek oder Buchhandlung. Aber was kommt als Nächstes? Wie machst du etwas, ohne nur das zu kopieren, was du liebst? Imittieren Sie den Stil? Vielleicht tut es nie weh, das nachzuahmen, was Sie inspiriert, es ist, wie wir lernen und es ist unvermeidlich. Also ja, finde heraus, wer die Arbeit macht, die du liebst, lerne mehr über ihre Techniken und lerne mehr über die Künstler. Sie werden mindestens ein oder zwei finden, die den größten Einfluss auf Sie haben, deren Arbeit am meisten zu Ihnen spricht. Diese werden zu deinen Helden, studieren sie, imitieren ihre Techniken und erfahren mehr über ihre Gewohnheiten. Aber praktisch gesagt, wie können Sie Ihre Inspiration in Ihren eigenen Stil verwandeln, etwas, das nicht völlig nachahmt? Obwohl es nicht gerade einfach oder schnell ist, die Startpunkte zu erarbeiten, sind die ersten Schritte, um Sie in Gang zu bringen, sehr einfach. Du kennst diesen Schritt gut. Identifizieren Sie die Illustrationen, die Sie am meisten inspirieren, sammeln Sie sie einfach, sehen Sie, was Ihr Herz singen lässt. Beginnen Sie an einem bestimmten Punkt, Fragen darüber zu stellen, vielleicht kategorisieren und klassifizieren Sie die gemeinsamen Qualitäten, die Sie beobachten. Wie sehen sie aus? Was haben sie gemeinsam? Sind alle Ihre Inspirationsquellen aus einer bestimmten Epoche oder beeinflusst von derselben künstlerischen Disziplin oder Bewegung? Gibt es eine ähnliche Art, Farbe oder Textur zu verwenden? Als Nächstes finden Sie Ihre Helden. Wer sind die Künstler hinter den Illustrationen, die Sie am meisten lieben? Sie werden zweifellos eine sehr starke Anziehungskraft zu einer Illustration und vielleicht einem Künstler im Besonderen haben. Finden Sie heraus, wer sie sind, und schauen Sie sie nach. Finden Sie mehr von ihrer Arbeit. Sehen Sie, was der gemeinsame Faden ist. Was ist das stilistische oder persönliche Element, das in ihrer Arbeit auftaucht? In welchen Kunden oder Projekten scheinen sie am meisten zu arbeiten? Sind sie strikt in der Veröffentlichung, Herstellung von Bilderbüchern oder scheinen sie sich zum Beispiel auf Wandbilder zu spezialisieren? Möchten Sie Ihre Illustrationen in ähnlichen Kontexten sehen? Bestimmen Sie als Nächstes den Kontext. Kontext ist alles. Illustration wird nie in einem Vakuum gemacht, es ist immer aus irgendeinem Grund gemacht, für einige Anwendungen in einer bestimmten Nische und Markt. Der Kontext einer Illustration ist im Wesentlichen dort, wo sie in der Wildnis existiert. Was ist seine endgültige Form? Steht es auf einer Werbung oder einem Plakat in einem U-Bahn-Terminal? Ist es eine ganzseitige Verbreitung in einem Gesundheitsmagazin? Ist es ein Kunstdruck, der in einer Home-Decor-Boutique verkauft wird? Das Verständnis des Kontexts hilft uns, ein paar Dinge zu verstehen. Erstens hilft es uns, bestimmte Illustrationsstile mit bestimmten Märkten in Verbindung zu bringen. Zum Beispiel wird Verpackungen in Werbeillustration dazu neigen, flache, stark gestylt und oft abstrakte Illustration zu bevorzugen . Bestimmte Zeitschriften hingegen neigen dazu, eine hochrepräsentative und realistische Illustration gegenüber konzeptionellen und abstrakten zu bevorzugen . Ist die Arbeit, die Sie gerne eher repräsentativ oder konzeptionell? Ist es realistischer oder stilisierter? In welchen Märkten und Kontexten finden Sie am ehesten die Arbeit, die Sie mögen? Endlich, entdecken Sie die Techniken. Die Arbeit, die Sie mögen, wird wahrscheinlich in einem ähnlichen Stil sein. Ein großer Treiber des Stils sind die Werkzeuge und Techniken, die verwendet werden, um es zu machen, ist das Werk malerischer und naturalistischer oder flacher und stilisierter? Welche Werkzeuge könnten verwendet worden sein, um jedes Stück herzustellen? Es ist Teil der Reise jedes Illustrators, zu entdecken, welche Werkzeuge und Techniken existieren und welche Stile mit ihnen möglich sind. Natürlich ist das nicht immer einfach zu beantworten, aber nur die Frage zu stellen, wie wurde das gemacht? Ist ein wichtiger, und es kann Sie auf einen Weg der Entdeckung schicken. Während Technik nicht immer der Haupttreiber des Stils eines Künstlers ist, sie immer einen Einfluss auf die Art und Weise, wie eine Illustration aussieht. Wenn Sie Illustration nach Stil klassifizieren, wird sie normalerweise nach der verwendeten Technik kategorisiert. Wie Sie in dieser Tabelle sehen können, gibt es zwei allgemeine Kategorien von Medien traditionell oder analog und digital. Dann gibt es unter den traditionellen Medien alle üblichen Verdächtigen, Zeichnen, Malen, Mischtechnik und Druckgrafik. Ob Sie mit Bleistift zeichnen, mit Aquarellen malen oder Collagen zusammensetzen, bei traditionellen Medien sind die Techniken fast immer selbstverständlich. Dinge werden schwieriger mit digitalen Medien, da Digital sehr stil- und technikunabhängig ist. Mit anderen Worten, digitale Medien wurden entwickelt, um traditionelle Medien zu emulieren und Sie müssen nur herausfinden, welche App die beste Arbeit macht, welche traditionelle Technik zu emulieren. Die einzige Ausnahme ist wirklich Vektorillustration, die digital nativ ist und daher aussieht wie es ist; digitale Illustration. Dinge werden verschwommen, wenn Sie beginnen, traditionelle und digitale Techniken auf derselben Seite zu mischen . Dies könnte viel Illustration heute schwieriger machen, herauszufinden , wie es gemacht wurde, da heute meisten kommerziellen Stile digital gemacht werden und ihre Techniken können viel schwieriger zu verfolgen sein. In 99 Prozent der Fälle können Sie jedoch sicher sein, dass sie mit einem der drei großen Programme, Photoshop, Illustrator oder Procreate, erstellt wurden . Aufgrund der Erschwinglichkeit und Benutzerfreundlichkeit von Procreate es schnell zum beliebtesten Werkzeug für beginnende Illustratoren. Die Frage ist also wirklich, welches dieser Werkzeuge speziell für die Kunst verwendet wurde, die du liebst und auf welche Weise? Wenn Sie flache Grafik ohne Textur mögen, stehen die Chancen, dass es in Illustrator gemacht wurde. Wenn Formen und Linien perfekt gestochen sind, können Sie sich fast sicher sein, dass es Vector ist. Wenn Sie Bilder mit viel Tiefe und Textur und unterschiedlichen Details mögen, sie wahrscheinlich in Photoshop oder Procreate erstellt, aber einige Künstler können es schaffen, eine überraschende Menge an Details und Textur in Adobe Illustrator zu erhalten . Wie jeder Künstler den künstlerischen Stil auf der technischen Seite erreicht, gehört natürlich zu seiner geheimen Quelle und jeder Illustrator muss sich mit den verschiedenen digitalen Apps und Medien vertraut machen und herausfinden, welche diese fühlen sie sich am wohlsten, während sie die visuellen Effekte erreichen, die sie wollen. Wie Sie bestimmte technische Herausforderungen mit der Ihnen zur Verfügung stehenden Technologie meistern, ist eine der Möglichkeiten, wie Ihre Kreativität durchleuchtet und zu einem Teil Ihres Stils wird. Schauen wir uns ein paar Beispiele für Illustrationen und die Techniken an, die wahrscheinlich verwendet wurden, um sie zu machen. Dieses erste Bild stammt von der in Osaka lebenden Illustratorin Rebecca Green. Rebecca verwendet eine Vielzahl von meist analogen Werkzeugen, einschließlich verschiedener Farben und Bleistifte auf Wasserbasis. Dieses schöne Stück wurde mit Buntstift auf Papier hergestellt. Sie können sehen, dass die einzelnen Bleistiftstriche und die Textur des Bleistiftes über die Körnung des Papiers reiben. Obwohl es wahrscheinlich ist, dass das Bild bei der Digitalisierung etwas bereinigt wurde, ist die Integrität des Originalmediums intakt. Hier ist ein Stück von einem meiner All-Time-Lieblings-Illustratoren, tschechisch geborene Miroslav Sasek, der am meisten für seine Reise-themed Kinderbücher der 1950er und 60er Jahre bekannt ist. Sasek arbeitete hauptsächlich in wasserbasierten Medien wie Aquarell, Tinte Wash. Während sein Werk hochgradig grafisch und mit Printmedien übersichtlich gestaltet ist, zeigen verräterische Zeichen seiner malerischen Medien deutlich durch. Ich liebe es, wie er abrupt das Weiß der Seite in die waschigen Texturen schneidet interessante Effekte mit negativem Raum erzeugt. Hätte er nicht im vordigitalen Zeitalter gearbeitet, hätte ich gedacht, dass er ausgeschnittene Stücke von vorlackiertem Papier digital zusammengebaut hat, um diesen Effekt zu erzielen. Sacramento lebende Illustrator Christian Robinson kreiert grafisch markante und auffallend süße Illustrationen mit einer Mischung aus Malerei und Collage. Er versammelt seine Bilder spielerisch, hinterlässt offensichtliche Hinweise auf seine zugrunde liegende Technik erreicht einen fast dreidimensionalen und taktilen Effekt. Robinsons reiche Texturen und kräftige Farben werden von zurückhaltender Einfachheit in seinen Formen und Details, einem selbstbewussten und fröhlichen Minimalismus entgegengesetzt. französische Illustrator Blexbolex ist bekannt für seinen verspielten, abstrakten Stil in Drucktechniken. Blexbolex's Techniken sind in der Druckherstellung verwurzelt, vor allem im Siebdruck, obwohl viele seiner Kompositionen digital sind. Durch die Einbeziehung von gesampelten Papiertextur und Überdrucke oder waren zwei einfarbige Farben überlappen, um einen dunkleren Farbton zu erzeugen, wird ein Gefühl der analogen Techniken erreicht. Großbritannien ansässige Louise Lockhart oder The Printed Peanut kreiert wunderschöne Illustrationen aus der Mitte des Jahrhunderts für alle Dienstleistungen , kreiert wunderschöne Illustrationen aus der Mitte des Jahrhunderts für alle Dienstleistungen einschließlich Druck und Textilien mit hellen einfarbigen Farben, die mit körnigen Texturen gespickt sind, ist ihre Arbeit eindeutig in einer Druckerei verwurzelt Ästhetik. Ob digital oder in physischen Medien, das Endergebnis ist immer noch wie die anderen hier diskutierten Künstlerbeispiele, sehr taktil. Wie ihr Name schon sagt, ist der Printed Peanut Stil dazu gemacht, gedruckt zu werden. Ich wollte hier den Gang wechseln und ein Stück zeigen , das in Bezug auf die Technik schwieriger zu verstehen ist. Dies ist das Werk von Mathias Ball, dessen Arbeit Freihandstriche und Drucktexturen umfasst, aber auch helle, flache Formen, die wir vielleicht mehr mit digitalen Medien in Verbindung bringen. Hier ist ein Beispiel für das, was ich vorwiegend digitale Malerei nennen würde. Wenn ein Künstler eine Technik als digitaler Maler entdeckt und sie beherrscht, übersteigt seine Arbeit die Medien, die sich nicht offensichtlich digital oder analog fühlen, und sieht dabei völlig zeitgemäß aus. In meinem eigenen Stil habe ich mich immer von der Druckgrafik Ästhetik der Illustration der Mitte des Jahrhunderts mit begrenzten flachen Farben, printy Texturen und kontrastierenden schwarzen Linien angezogen Illustration der Mitte des Jahrhunderts mit begrenzten flachen Farben, . Ich wurde auch von den Collage-Lichtkompositionen von Illustratoren wie Paul Rand und Saul Bass und sogar Miroslav Sasek beeinflusst den Collage-Lichtkompositionen von Illustratoren wie Paul Rand und Saul Bass und , die, obwohl er in Gouache- und Aquarell-Technik gearbeitet hat, immer in der Collage und Druckgraphie mitbrachte Technik in seine Illustrationen, die zu ihrer grafischen stilisierten Attraktivität hinzugefügt. Zusammenfassend können wir so viel über verschiedene Illustrationstechniken in unseren Stilen lernen , indem wir unserer Inspiration folgen. Wir können uns die Kunst ansehen, die uns dazu bringt, „Ich will das tun“ zu sagen , und dann auf eine Reise zu gehen, um zu entdecken, wie sie entstanden ist. Wir können auch viel lernen, indem wir mehr über den Künstler hinter der Arbeit und die Märkte erfahren, in denen sie arbeiten. Eine der großen Fragen, die wir beginnen, ist, welche Werkzeuge zu verwenden und unsere Inspiration zu folgen gibt uns einige der besten Ansatzpunkte. 10. Lettering: Die geheime Zutat: Da es in dieser Klasse darum geht, Ihren Illustrationsstil zu finden, können Sie überrascht oder vielleicht sogar enttäuscht sein, dass ich nichts über die tatsächlichen Stilelemente wie Linie, Form, Farbe, Textur usw. abgedeckt habe. Obwohl es mein Traum wäre, eine Klasse zu haben, die Ihnen wirklich eine Art Kit von stilistischen Elementen und Anweisungen, wie man sie zusammensetzt, letztendlich würde dies den Zweck besiegen, Ihren Stil zu finden. Ich denke, deshalb werden viele Lehrer dieses Thema nicht berühren. In der vorherigen Lektion, wie Sie Ihrer Inspiration folgen, ist das so nah daran , auf Techniken zu zeigen, mit denen ich anfangen kann. Es ist wirklich ein Mikrokosmos meiner eigenen Entdeckungsreise. Ich begann mit meiner Inspiration und arbeitete daran, herauszufinden, wie ich daraus lernen kann, aber auch etwas Persönliches und Neues dazu bringen. Das ist es, was wir alle tun müssen, um unser Handwerk zu lernen und unsere Stimme zu finden. Trotzdem bedecke ich diese Bausteine in meinen anderen Klassen und lade dich ein, tiefer in diejenigen einzutauchen, wenn du eine Chance hast. In Sweet Spots skizziere ich die fünf Stilelemente, die sechs Prinzipien des Designs und die fünf Prinzipien der Stilisierung. Ich habe auch die Stilisierung in ODD KÖRPERS und Zeichnen in Richtung Illustration angesprochen. Schließlich, obwohl ich sicherlich planen, mehr über Komposition in zukünftigen Klassen zu unterrichten, habe ich das meiste, was ich darüber weiß, im Zeichnen zur Illustration gegeben, besonders in der Lektion „Drei Zeichen des Skizzierens“. In all meinen bisherigen Klassen scheint ich ein großes stilistisches Werkzeug weggelassen zu haben, das ich glaube, dass jeder Illustrator in seiner Toolbox haben sollte, Schriftzug. Während Schriftzug für sich selbst eine ganze Disziplin ist, es sehr oft in die Illustration einfließen. Wenn es gut gemacht wird, fügt es der Illustration eine Tonne Charakter hinzu und wird zu einem Markenzeichen des Stils des Künstlers. Die gute Nachricht ist, dass Sie in Ihrem Repertoire keine Menge unterschiedlicher Schriftarten benötigen . Ehrlich gesagt, eine einheitliche Art der Beschriftung ist alles, was Sie brauchen. Sieh dir an, wie Andy J. Pizza in seiner Arbeit konsequent Schriftzug einsetzt. Es ist nicht das Kopieren einer Schrift, es basiert auf seiner eigenen Handschrift, und man kann sehen, wie es von Anfang an immer ein Teil seiner Arbeit war. Schau dir die Arbeit von Kate Bingaman-Burt an. Sie hat einen Hauptstil des Schriftzugs, eine schrullige All-Caps Hand-Stil. Sie vermischt es gelegentlich, um ein bisschen Abwechslung hinzuzufügen. Ihre Art der Schrift wird immer mit dem gleichen Werkzeug gemacht, also ob sie ein Skript oder quadratische Blockbuchstaben verwendet, sie fühlen sich immer zusammenhängend. Schließlich werfen Sie einen Blick auf die Arbeit von Louise Lockhart. Ihr Schriftzug ist oft ausgesprochen einfach und naiv, passt aber perfekt zu ihrer Arbeit. Ihr Schriftzug muss nicht erstaunlich sein, er muss nur konsistent und nachdenklich sein. Für mich ist eines der enttäuschendsten Dinge, wenn ein Illustrator eine Schriftart in seiner Arbeit verwendet , anstatt seinen eigenen Handschriftstil zu verwenden. Ich weiß, dass manchmal, es ist nicht an ihnen oder manchmal, eine Schriftart ist eigentlich genau das, was der Arzt bestellt. In meiner früheren Arbeit hatte ich eigentlich zwei Schriftarten, die ich speziell als meine Hausschriftarten verwende. Ich habe Futura und Monotype Modern verwendet. Das war wirklich eine Nachahmung dessen, was ich in der Arbeit von Paul Rand inspiriert wurde. Es funktionierte die meiste Zeit, weil der Stil dieser Schriftarten mit der Ära der Inspiration übereinstimmt, aus der ich gearbeitet habe. Aber im Laufe der Zeit wurde ich komfortabler mit meinen eigenen Schriftarten wie Scripts, Serifs und handgezeichneten Serif und Sans Serif Art von Schriftzug beeinflusst. Heute beschäftige ich mich mit einer sehr spezifischen Sensibilität und Technik in meinem Handschriftzug und nutze jede Gelegenheit, um Schriftzug in meine Arbeit aufzunehmen. Ich denke, das liegt daran, dass ich typographische Ausbildung als Designer habe und ich immer ein enger Nerd gewesen bin. Aber wenn Sie genau hinsehen, müssen die meisten Illustratoren irgendwann Schriftzug verwenden, und jeder hat seine eigenen Tendenzen, wie sie dies tun. Sie müssen nicht wirklich viel haben, um unanständige Go-to-Hand-Schriftzug Stil für Ihre Illustrationen zu haben . Als Ausgangspunkt empfehle ich Ihnen, nur einen einfachen, aber konsistenten Handschriftstil zu haben nur einen einfachen, aber konsistenten Handschriftstil , den Sie mit einem Ihrer Werkzeuge oder Pinsel erstellen können. Ist alles eine Breite oder variiert es? Ist dein Schriftzug groß oder Trupp? Ist es alles Großbuchstaben, alles Kleinbuchstaben oder eine Mischung aus beidem? Folgen Sie einer konsistenten Topline und Grundlinie, oder sind Ihre Wortzeilen lockerer und wackeliger? Üben Sie Ihren grundlegenden Schriftzug Stil so viel wie möglich, nutzen Sie jede Gelegenheit, um ihn zu nutzen, sowohl in Ihrer Kunst als auch in Ihrem tatsächlichen Leben. Schreiben Sie Notizen an Ihre Mitbewohner darin, nehmen Sie Klassennotizen darin. Wenn Sie Journal, schreiben Sie Ihre Einträge damit. Es wird viel länger dauern, aber Sie werden schnell darauf, und Ihre Journaleinträge werden erstaunlich aussehen. Wenn Sie über eine grundlegende Hand Schriftzug Stil gehen wollen, empfehle ich Ihnen, einige der großen Schriftzug Künstler hier auf Skillshare, einschließlich Mary Kate McDevitt, Martina Flor und Jon Contino. Ich werde auch einige Schriftzug-Ressourcen in den Klassenprojekten und Ressourcen belassen , um Ihnen einen Vorsprung zu geben. Ob Sie mit Schriftzug aufwändiger sein wollen oder einfach nur halten es einfach und fokussiert auf die Illustrationsseite der Dinge, mit einem ausgeprägten Stil der Schrift, auf die Sie sich in all Ihrer Arbeit wenden können, wird Ihren Stil und Ihre Identität als Künstler und eine weniger Variable, über die man sich Sorgen machen muss, eine Entscheidung weniger, die man in neue Projekte machen muss. 11. Ziele setzen und Spaß großschreiben: Es gibt keine einfachen Antworten auf die Frage, Ihren einzigartigen Stil zu finden, aber es gibt definitiv Gewohnheiten, die Sie annehmen können, und Einstellungen, die Sie umarmen können, die die Reise angenehmer machen. Eines der schwierigsten Dinge, um einen Stil zu finden, über den Sie sich sicher fühlen , ist, dass es keine Karte gibt. Das nächste, was einem Weg finden Werkzeug sind die Ziele, die Sie für sich selbst gesetzt haben. Setze Ziele, auf die du wenigstens mit einem Sinn für Zweck zugehen kannst. Indem wir Ziele setzen, sie niederschreiben, sie ins Universum erklären, haben wir plötzlich ein Mittel, unseren Fortschritt zu messen. Dieses Gefühl des Fortschritts ist von entscheidender Bedeutung, um positiv und motiviert zu bleiben. Wie setzen Sie sich Ziele? Wenn wir daran denken, Ziele zu setzen, wissen wir vielleicht nicht einmal, wo wir anfangen sollen. Was sollen unsere Ziele sein? Vielleicht denken wir, dass unsere Ziele wie die Ziele anderer aussehen müssen. Ziele können nur helfen, wenn sie unsere eigenen sind. Sie können nur kontraproduktiv sein, wenn sie nicht realistisch darauf ausgerichtet sind, wer wir sind oder wo wir gerade sind. Ziele sind es, sich selbst eine Richtung zu geben, auf die Sie sich konzentrieren, damit Sie nicht ziellos über Flunder. Sie können nur ein Ziel haben, wenn es ein Ziel gibt. Sie keine Angst, Ziele zu machen, oder dass Sie Ihre Meinung später ändern müssen. Ziele ändern sich ständig, aber wir brauchen etwas vor uns, um in der Zwischenzeit darauf hinzuarbeiten. Es gibt zwei Arten von Zielen. Es gibt kurzfristige Ziele und langfristige Ziele. kurzfristigen Ziele sind umsetzbarer und aufgabenorientierter. Langfristige Ziele sind inspirierender oder ehrgeiziger. Das sind unsere Träume. Langfristige Ziele können vage und kurzfristige Ziele spezifischer sein. Zum Beispiel ist unser langfristiges Ziel vielleicht einfach, ein Illustrator für den Lebensunterhalt zu sein. Wenn du ganz am Anfang bist, könnte das alles sein, was du weißt, und das ist gut genug. Es gibt Ihnen ein Gefühl davon, was Ihre kurzfristigen Ziele sein sollten. Nehmen Illustration Klasse, besser im Zeichnen, lernen Farbtheorie. Setzen Sie kurzfristige Ziele, die Sie wissen, dass Sie erreichen können, wenn Sie es versuchen, die in Ihrer Reichweite sind. Setze keine Ziele, die zu hart sind oder außerhalb deiner derzeitigen Kontrollfähigkeit liegen. Ich benutze gerne Laufen als Beispiel. Wenn Sie aus der Form sind und noch nie zuvor gelaufen sind, dann machen Sie es nicht zum Ziel, in einem Monat für einen Marathon zu trainieren und zu laufen. Stattdessen machen Sie es zum Ziel, fünf Kilometer in drei Monaten zu laufen. Finde einen Trainingsplan, der die Workouts aufschlüsselt , die du jede Woche durchführst, und folge ihm einfach. Das sind erreichbare Ziele. Nur Sie bringen die Motivation und Mühe. Davon abgesehen, können Sie davon träumen, eines Tages einen Marathon laufen zu können, das ist ein langfristiges Ziel. Vielleicht ist es erhältlich, aber vielleicht nicht. Man weiß es nie, bis man mit dem Training für die 5K beginnt. Wahrscheinlich weißt du nicht einmal, wie ein Marathon wirklich aussieht. Ich weiß, ich hatte keine Ahnung, wie es war, 26,2 Meilen zu laufen. Als ich angefangen habe, kürzere Strecken zu laufen wurden diese Strecken länger und länger, bis ich einen Halbmarathon laufen konnte. Dann war ich sicher, dass ich einen Marathon laufen konnte, obwohl ich nicht mehr als einen Halbmarathon gefahren war und dann ein Jahr später ich einen Marathon lief. So beginnen langfristige Ziele als vage Ideen, werden aber zu erreichbaren kurzfristigen Zielen. Wir haben sie nie getan, aber wir haben den starken Verdacht, dass wir sie erreichen können, wenn wir weiterhin die gleiche Anstrengung unternehmen, die wir nutzen, um dorthin zu gelangen, wo wir jetzt sind. Ein gutes Ziel ist herausfordernd genug, um uns stärker zu werden, aber erreichbar genug, um nicht schwächend zu sein oder uns völlig entmutigt zu machen. Ihre Ziele werden anders aussehen als alle anderen. Dazu gehören Ihre Ziele für die Art von Arbeit, die Sie tun möchten, und auch Ihre stilistischen Ziele, wie Sie Ihre Arbeitsweise gestalten möchten. Eine gute Möglichkeit, Ziele zu setzen, besteht darin, sie einfach auf ein Blatt Papier aufzuschreiben. Beschränken Sie sich nicht darauf, wie viele Ziele Sie haben können. Schreib einfach aus, was du willst. Dann schauen Sie sich an, welche Ziele oder längerfristig sind und welche eher kurzfristig sind, aber Sie könnten jetzt arbeiten. Es hilft auch, ein paar Traumziele zu werfen. Illustrieren Sie das Cover von The New Yorker, kann ein langer Schuss sein, aber wenn Sie es wirklich wollen, müssen Sie es nennen. Legen Sie es nicht da, weil Sie denken, dass Sie sollten oder andere denken, es wäre cool. Setzen Sie es da, denn das wäre Ihr Traum wahr geworden. Papier in ein paar noch verträumten und vielleicht realistischeren Zielen als auch. Veranschaulichen Sie mehr Magazin-Covers im Allgemeinen. Arbeiten Sie an einer animierten Aufnahme. Arbeiten Sie mit größeren Marken. Bauen Sie Ihr Porträt-Illustrationsgeschäft auf. Dinge zu benennen, sie auf der Seite zu schreiben, ist oft der erste Schritt, um sie in der Realität passieren zu sehen. Legen Sie dieses Stück Papier auf Ihre Wand und schauen Sie es manchmal an. Lassen Sie es Sie verfolgen oder vergessen Sie alles zusammen. Dann früh im neuen Jahr, überprüfe es, verbringe einige Zeit damit, wie die Dinge gelaufen sind. Ich versuche, jedes Jahr eine Reflexion über das Jahr nach Januar zu schreiben. Ich denke darüber nach, welche Ziele ich erreicht und nicht erreicht habe, und setze dann neue Ziele oder verpflichte mich zu meinen alten. Ich schreibe diese auf ein Blatt Papier und ersetze das alte an meiner Wand. Während die meisten meiner Ziele nicht spezifisch für Stil sind, schreibe ich auch Stilziele auf. Style-Ziele können auch spezifisch oder vage sein. Ich hatte Ziele wie, meine Arbeit aussehen lassen, als hätte ich Spaß und Umarmung Spontaneität und Freiheit. Dies sind nicht etwas, was ich einfach tun kann, indem ich den Photoshop-Pinsel ändere, aber ich kann mehr Bewegung und Gefühl in meine Arbeit bringen oder mir erlauben , spontaner zu sein und weniger überdenken, um mir mehr zu vertrauen. Natürlich, wenn auch nicht so greifbar wie Farbe oder Textur, diese sind gleichermaßen ein Teil meines Stils. Ich möchte nur noch eine Sache sagen und dann beginnen wir den lustigen Teil, die Übungen und das Projekt. Als Kreative im Zeitalter der sozialen Medien und der hohen Angst ist es leicht, sich zu verlieren und sich über unsere Arbeit, über uns selbst als Kreative zu zweifeln , und ich habe Angst, über unseren Wert als Menschen zu sagen. Wir setzen so viel von unserer Identität in die Arbeit, die wir machen. Wir vergessen, einfach zu genießen, und wenn wir gerne mehr machen, würden wir uns auch mehr Spaß haben. Ich kann Ihnen sagen, dass ich im Laufe der Jahre meinen fairen Anteil an Selbstzweifeln und negativen Gefühlen in meiner Arbeit hatte . Ich werde ehrlich sein, dass es mir wirklich schwer fällt, die meisten meiner früheren Arbeit ohne Bedauern und Reue zu betrachten . Es ist ein Wunder, dass ich so lange gedauert habe, oder so scheint es. Die Sache, die mich am Laufen hält, ist zurück zu dem, was ich liebe Arbeit zu machen und für mich, das anderen Freude bereitet. Ob es darum geht, ein Problem für meine Kunden zu lösen oder mein Publikum mit einer dummen kleinen Illustration zum Lachen zu bringen. Mein Talent, wie sich herausstellt, besteht nicht darin, ernsthafte Kunst zu machen, sondern mich nicht zu ernst zu nehmen, und dabei werden andere daran erinnert, dass sie dasselbe tun können. Ich erinnere mich auch, dass ich einfach Farben, Formen, Linien, Schriftzug und all den Rest davon liebe . Ich liebe es. Selbst wenn ich ein schrecklicher Illustrator wäre, würde ich es immer noch lieben und ich würde immer noch damit kreieren. Ich habe einfach Glück, dass etwas, das ich so sehr liebe , sich mit etwas überschneidet, wofür andere mich bezahlen werden. Solange das weitergeht, mache ich meinen Job und es spielt keine Rolle, wie erstaunlich ich meine eigene Arbeit finde oder wie eng und einzigartig mein Stil ist. Ich habe es vorher gesagt und ich werde es nochmal sagen, niemand kümmert sich so sehr um meinen Stil wie mich. Niemand kümmert sich so sehr um Ihren Stil wie Sie. Jeder andere denkt, du bist ziemlich kreativ und das ist es, was sie an deiner Arbeit mögen. Wenn Ihre Arbeit auf eine oder andere Weise konsistent ist, wenn Sie aus Ihrem authentischen Selbst schöpfen, in die Dinge stützen, in denen Sie gut sind, kreativ um Ihre Grenzen arbeiten, dann ist Ihre Arbeit so gut wie möglich. Daraus wird deine Stimme, dein Stil entstehen. Wenn Sie gehen, um Ihre Arbeit zu teilen, wie wir Kreative tun, teilen Sie, weil Sie damit zufrieden sind, weil Sie es mit anderen teilen möchten, möchten Sie andere glücklich machen. Weil du etwas Wichtiges zu sagen hast. Weil du anderen versichern willst, dass sie nicht allein sind. Teilen Sie, weil Sie glauben, dass die Arbeit Wert hat. Nicht freigeben, weil Sie eine Validierung wünschen. Posten Sie Ihre Arbeit nicht und bestimmen Sie dann den Wert anhand von Likes und Kommentaren. Ich weiß, dass du das wirst, aber du musst es nicht versuchen. Post Arbeit nicht Likes zu bekommen, aber weil Sie es mögen. Jedes Mal, wenn jemand trifft wie ein Bonus ist, eine High-Five, die Sie nicht erhalten hätten, wenn Sie nie geteilt haben. Ich weiß, das ist Instagram-zentriert, aber es gilt für alles. Unsere Arbeit sollte ein Überlauf unserer Freude an Kreativität sein. Sobald unsere Arbeit aufhört, uns Freude zu bereiten, sobald sie uns negativ und ängstlich fühlt, müssen wir an diesen Ort der Freude zurückkehren. Diese erste Inspiration, die unser Herz zum Sprung gebracht hat. Das heißt, ich will das tun. 12. Übung 1: Inspirations-Fallstudie: Jetzt, da wir mit der Grundierung fertig sind, ist es Zeit, in die Übungen zu kommen. Die einfachen Übungen sind eine Mischung aus ein wenig Inspirationsjagd und ein wenig Schreiben. Sie sind wichtig, weil sie uns einige Ansatzpunkte für das Projekt geben werden, vor allem in welchen Techniken wir erforschen wollen. Die erste Übung ist, was ich eine Inspiration Fallstudie nenne. Es ist wirklich lustig und einfach. In dieser Übung tauchen wir in einige der Arbeiten ein, die uns am meisten inspiriert haben, und machen dann einige Beobachtungen. Zuerst werde ich mit Ihnen meine eigenen inspirierenden Fallstudien als Beispiele teilen, und dann gebe ich Ihnen konkrete Anweisungen, wie Sie Ihre machen können. Dies ist meine erste Inspirationsfallstudie. Es basiert auf meinem allzeit Lieblings-illustrierten Objekt auf Buch, Seasons von Blexbolex. Ich fand dieses Buch in einer kleinen Buchhandlung in Vancouver, und seitdem war es eine große Inspiration für mich. Das Buch selbst stellt für mich dar, was ein Traumprojekt sein würde, und ich denke, es ist, weil ich wirklich auf alle Arten von Dingen, die hier vor sich gehen, wie seine Verwendung von Drucktexturen, sein Peering von Wort und Bild ist sehr klug und einfach, und nur durch einfache Formen und ein paar einfache Farben, kann er so viel ausdrücken. Ich habe das Gefühl, ich wollte schon immer ein Projekt wie dieses in meiner eigenen Arbeit machen und es hat mich immer im Hintergrund getrieben, während ich arbeite. Wenn Sie sich meine Fallstudie ansehen, habe ich nur einige Bilder von Jahreszeiten, ein paar Seiten, die nur von Pinterest oder was auch immer genommen haben. Auf der rechten Seite natürlich habe ich gerade Dinge aufgelistet, die ich liebe, und ich habe diese bereits berührt. Ich liebe die einfachen Farbpaletten, ich liebe die Volltonfarben, die sich mit Überdrucken überlappen. Überdrucke sind buchstäblich eine Tinte, die über die andere gedruckt wird, um eine dritte Farbe zu erzeugen. Selbst die cleveren abstrakten Kompositionen, die er macht, wie wenn man sich das Beispiel des Pools anschaut, kann man sagen, dass es ein Pool ist, aber es ist nicht auf dem Wissen, es gibt etwas, das sehr geheimnisvoll ist. Er hat es auf überraschende Weise gemacht. Das inspiriert mich auch wirklich. Schließlich liebe ich seine Verwendung von unerwarteten Texturen, die er auf clevere und geniale Weise verwendet. Natürlich muss ich darauf hinweisen, dass seine Verwendung von Schriftzug, die Art und Weise, wie er Wort und Bild paart, es ist nur ein Teil seines Stils und das ist auch etwas, von dem ich inspiriert wurde. Auf der linken Seite habe ich natürlich den Namen Blexbolex aufgelistet, und dann für Technik habe ich Siebdruck aufgelistet. Jetzt weiß ich, dass Blexbolex ein Siebdruckkünstler ist und ein großer Teil seiner Arbeit, auch wenn es digital ist, von der Druckherstellung beeinflusst wird. Da ich das gemacht habe, war es ziemlich einfach, das aufzulisten. Ich kenne viele von Ihnen, wenn Sie gerade erst anfangen, Sie werden sich nicht um all die verschiedenen Arten von Illustrationstechniken oder die Kunsttechniken, die diese beeinflusst haben, auskennen . Es wird ein wenig mehr Graben auf Ihrer Seite brauchen, um das zu tun, aber das ist wirklich nur ein Teil davon, bewusster über Ihre Illustration zu sein. Du musst es rausfinden. Informieren Sie sich auf der Bio-Seite des Künstlers oder Illustrators, von dem Sie inspiriert sind, sehen Sie, ob Sie einige Hinweise zu ihren Techniken finden können. Dann schließlich Kontext. Dies ist nur ein bisschen Informationen, die mir helfen zu verstehen, welche Art von Illustration ich tun möchte? welchen Märkten finde ich das? weiß nur, wo ich die Illustrationen gefunden habe, von denen ich inspiriert bin, woher kommen sie? Wo leben sie am Ende in der Wildnis? Das ist es, was der Kontext ist. Natürlich ist dies ein sehr einfacher Kontext zu entziffern. Es ist ein Buch, es veröffentlicht. Wenn du ein zufälliges loses Bild auf Pinterest findest, musst du ein bisschen mehr graben, um herauszufinden, wie es verwendet wurde. Gehen Sie und finden Sie heraus, was der Kontext des Bildes ist, und dann, wie Sie vielleicht zwei oder drei inspirierende Fallstudien tun, finden Sie einige Hinweise auf die Kontexte oder Märkte, wo die Illustrationen, die Sie mögen, enden. Meine zweite inspirierende Fallstudie basiert auf diesem Buch, Sparkle and Spin, die meine Allzeit Lieblings-Kinderbuch ist. Wenn ich darüber nachdenke, dass ich ein Kinderbuch mache, ist dies für mich das Modell des Kinderbuchs. Was ich daran liebe, ist natürlich der Gebrauch von Minimalismus. Er ist wie modernistischer Designer, aber als er illustrierte, war es einfach so verspielt und minimal. Ich liebe es, wie er eine Zeitung nehmen, sie ausschneiden und einfach Worte aus der Zeitung benutzen würde. Eine andere Sache, die ich liebe, ist, Sie werden gerade diese Hand auf Teile gezogen haben, Details, die vielleicht hätten Sie gedacht, benötigt mehr Sorgfalt und spezielle Techniken zu verwenden. Er zeichnet sie einfach mit einem Stift auf und fügt sie dann zur Collage hinzu. Für mich ist das einfach so spontan und kreativ und hat wirklich eine ausdrucksstarke Wirkung. Wieder, für die inspirierende Fallstudie, ich habe einige der Bilder, die ich online gefunden , die sich auf dieses Buch beziehen, und dann natürlich, Ich habe gerade über oben einige Notizen über die Besonderheiten dieses Stückes geschrieben , die mir helfen, zu verstehen meine Inspiration ein wenig mehr. Hier haben wir auf der linken Seite Künstler, Technik und Kontext, und in diesem Fall ist die Technik Collage oder Mixed Media, wenn Sie allgemeiner sind. Der Kontext wird wieder veröffentlicht. Das ist eine große Ahnung für mich. Blexbolex war auch im Verlag. Diese ist im Verlagswesen, und so fühle ich mich, als wäre einer meiner inspirierendsten Kontexte oder Märkte für Illustration in derselben Welt im Verlagswesen zu finden. Dann natürlich, auf der rechten Seite, habe ich Dinge, die ich an diesem Stück mag. Ich habe Dinge wie einfache, mutige, Grundfarben, zuversichtlich, ausdrucksstarke Einfachheit, Verwendung von Collagen-Techniken, handgeschrieben/gezeichnete Elemente, all diese Dinge, über die ich gesprochen habe, ich habe sie einfach hier und dann diese Fallstudie erstellt einfach fast wie ein kleiner Mini-Guide oder Referenz, die ich betrachten kann, wenn ich jemals von dieser Inspiration ziehen möchte, besonders. Ich habe meine Übungen mit Procreate gemacht, aber Sie können diese in Ihrem Skizzenbuch oder anderen bevorzugten Medien tun. Ich habe mich entschieden, meine Inspirationsbilder zu sammeln und darüber zu schreiben, aber Sie können auch einfach Ihre Inspirationsbilder hochladen und Ihre Gedanken direkt in Ihre Klassenprojektseite eingeben . Um zu beginnen, denken Sie an eine Illustration oder Illustrationsbezogene Produkte wie ein Buch oder einen Druck, der einen wichtigen Eindruck auf Sie gemacht hat, eine, die vielleicht Ihre größte Quelle der Inspiration ist. Versuchen Sie, ein Bild davon online und dann 2-5 weitere Bilder des gleichen Künstlers zu finden. Sie können aus der gleichen Serie oder einem Buch oder aus verschiedenen Projekten zusammen sein, aber sie sollten alle stilistisch verwandt sein. Wenn Sie Procreate verwenden, kopieren Sie sie, wie in meinem Beispiel, und fügen Sie sie in eine neue Arbeitsfläche ein. Als nächstes schreiben Sie von Hand in das gleiche Dokument über die Bilder, was Sie an diesen Bildern lieben. Auch hier können Sie diese einfach in Ihre Projektseite eingeben, wenn Sie das verwenden. Was inspiriert dich? Warum? Nennen Sie die spezifischen Dinge, die Sie mögen. Je spezifischer, desto mehr beginnen Sie, über Details nachzudenken , die Sie in Ihre eigene Arbeit aufnehmen können. Schließlich nennen Sie den Künstler, die Technik oder das Genre der Illustration und den Kontext. Wer hat die Arbeit gemacht? Wie würdest du es klassifizieren? Wo gibt es die Arbeit? Wenn Sie die Antworten nicht kennen, schauen Sie nach. Sie werden eine Menge lernen, nur durch Google-Suche Begriffe wie Prozess, Technik oder sogar Interview mit dem Namen des Künstlers. Vergessen Sie nicht die über oder Bio-Seiten für Künstler, die Websites haben. Teilen Sie dies schließlich auf der Klassenprojektseite. Sie sollten mindestens ein paar dieser Übungen machen, aber Sie können so viele tun, wie Sie möchten. Nehmen Sie sich die Zeit, die Sie brauchen, um dieses Projekt zu durchlaufen. Möglicherweise benötigen Sie eine Stunde oder mehr, um mehr über den Künstler, die Technik und den Kontext zu erfahren , besonders wenn es für Sie neu ist. Gehen Sie durch das Kaninchenloch, gehen Sie verloren, genießen Sie das Lernen Ihrer Helden und Inspiration. 13. Übung 2: Kreative Selbsterkundung: Diese Übung ist ein guter Weg, um über Ihre Arbeit nachzudenken und mit dem in Kontakt zu treten, was Ihnen gefällt und vor allem, was sie einzigartig macht. Wenn Sie einige Erfahrung mit der Illustration haben, lade ich Sie ein, einige Ihrer Lieblingsarbeit zu sammeln und darüber nachzudenken, was Sie daran mögen. Wenn Sie nicht glauben, dass Sie genug Arbeit für diese Übung haben, ist das völlig in Ordnung, überspringen Sie einfach zum Projekt. Davon abgesehen, könnten Sie mehr vorbeigehen, als Sie denken. Öffnen Sie einfach Ihr SketchBook oder überall dort, wo Ihr Lieblings-Kunstwerk existiert, und suchen Sie nach drei bis fünf Lieblingsstücken, die einen gemeinsamen stilistischen Thread zu haben scheinen. Genau wie in den Inspirationsfallstudien werde ich dieses kreative Selbstinventar in Procreate machen, aber Sie können dies in Ihrem SketchBook oder anderen bevorzugten Medien tun, wie Sie in der Lage sind. Wieder, wenn Sie wollen, können Sie auch einfach Ihre Inspirationsbilder hochladen und Ihre Gedanken direkt in Ihre Klasse Projektseite eingeben . Also, um zu beginnen, sammeln Sie drei bis fünf Bilder Ihrer eigenen Illustrationen, die Sie als Ihre Lieblings- oder beste Arbeit betrachten. Es sollte Arbeit, die Sie in Bezug auf Stil mögen, nicht Arbeit, die Sie denken, gut verkauft oder bekam die meisten Likes oder zufrieden Ihre Kunden. Platzieren Sie diese auf Ihre Leinwand. die gleiche Weise wie die letzte Übung, beginnen Sie mit den Pfeilen zu schreiben, was Sie an jedem Stück mögen , um bestimmte Instanzen oder Details aufzurufen, wenn Sie möchten. Dies ist keine Zeit, um uns selbst niederzuschlagen und kritisch zu sein, sondern um wirklich zu feiern, was wir in unserer eigenen Arbeit lieben. Überlegen Sie, was sind einige der Ähnlichkeiten in den Stücken, die Sie als Ihre Favoriten gewählt haben? Was sagt es über deine einzigartige künstlerische Vision aus, oder was bringst du persönlich zu deiner Kunst, die niemand sonst tut? Was haben sie gemeinsam, von dem Sie mehr in Ihre Arbeit einbringen können oder wollen? Teilen Sie dies auf der Klassen-Projektseite. Wenn Sie viel Arbeit haben und sich unentschlossen fühlen, was Ihnen am meisten gefällt, können Sie versuchen, Ihre Arbeit in verschiedene Stilgruppen zu teilen und dann separate Inventare für jede Gruppe zu machen. Nehmen Sie sich wieder die Zeit, die Sie brauchen, um dieses Projekt zu durchlaufen. Das könnte ein paar Minuten oder ein paar Stunden dauern. Sammeln Sie alle Ihre Backup-Laufwerke, sortieren Sie alle Ihre Boxen mit Skizzenbüchern, lassen Sie sich in diesem Schritt für eine Weile verloren gehen. Zusätzlich zu diesen Übungen habe ich auch eine Liste mit stilbezogenen Fragen enthalten, die Sie sich selbst stellen können. Suchen Sie diese auf der Seite „Projekte und Ressourcen“ der Klasse. Das ist mein Selbstinventar. Ich habe gerade einige meiner Lieblingsbilder gesammelt, Dinge, auf die ich wirklich in meiner eigenen Arbeit stehe. Das sind Bilder, auf die ich stolz bin. Ich kann mich ansehen und mich wirklich gut fühlen. Ich kann das nicht über all meine Illustrationsarbeit sagen, aber diese sind wie, ja, wenn ich so mehr Arbeit machen kann, wäre ich wirklich glücklich. Einige Dinge, die ich darüber bemerkt habe, und hier habe ich gerade die Tatsache verwendet, dass ich über meine Arbeit ziehen und fortpflanzen kann. Ich habe mir gerade kleine Notizen über Dinge geschrieben, die ich mag, wie abstrahierte Szenen. Alles wird abgeflacht und abstrahiert und vereinfacht, während es immer noch repräsentativ ist. Also habe ich immer noch Dinge klar dargestellt wie eine Zimmerpflanze oder einen Stuhl oder eine Katze oder einen Kerl mit einer Axt, ist aber sehr abgeflacht und stilisiert. Eine andere Sache, die ich liebe, ist die helle und einfache Farbpalette. Ich habe viel Rosa und dieses rötlich-orange, zu dem ich mich immer hingezogen habe. Es taucht nur während meiner Arbeit auf und ich nutze jede Gelegenheit , um so viel wie möglich in meine Arbeit zu bringen. Eine andere Sache, die ich liebe, in meine Arbeit zu bringen , die ich hier sehe, ist eine Menge Handschriftzug. Es ist normalerweise eine ziemlich einfache, was ich eine mutige Groteske nenne, genau wie ein Großbuchstaben Blockbuchstaben Stil, wenn Sie so wollen. Ich mache das entweder mit dem tatsächlichen physischen Pinsel mit Tinte und ich scanne es hinein oder ich emuliere das mit einem Pinsel in Procreate. Dasselbe passiert auf meiner Karte. All diese kleinen Etiketten sind alle von Hand illustriert. Ich fühle mich wirklich so, dass meine Arbeit deutlich wird und sich als meine eigene herausstechen kann. Schließlich denke ich, ich würde in diesem Set darauf hinweisen, ich liebe, wie es Texturen gibt und es ein wenig Collage ist. Als würde ich eine Textur erstellen und dann werde ich sie in eine Form schließen. Sie können sehen, dass es offensichtlich nicht mit der Art und Weise fließt, wie ein Hemd ein Muster fließt, wenn Sie es tragen. Ich liebe diese Hinweise von Technik, die herauskommen können, wenn man sich die Illustration anschaut. Vielleicht als eine letzte Sache ist, dass ich Niedlichkeit liebe. Mehr Gesichter auf die Dinge zu bringen, das taucht jetzt in meiner Arbeit auf. Ich habe eine Menge Spaß damit. Das ist also nur meine schnelle kleine Zusammenfassung der Arbeit, die ich gerade liebe. Nennen Sie das ein Selbstinventar. Indem ich etwas Zeit nehme, um dies zu tun, ein Selbstinventar zu erstellen, bin ich ermutigt zu sehen, dass es tatsächliche Muster und Konsistenzen in meiner Arbeit sogar über Jahre, die ich mag und ich glaube, ich kann besitzen. Dies ist eine hilfreiche Praxis in allen Phasen unserer Karriere. Wir können immer etwas darüber erfahren, was unsere natürlichen durch Linien sind, indem wir unsere Arbeit überprüfen. 14. Projekt | Tag 1: Startschuss und Setup: In der Grundierung erforschen wir die Welt des Illustrationsstils, wie es funktioniert, wie wir es als eine Möglichkeit nutzen können, visuelle Probleme für unsere Kunden zu lösen. Wir haben darauf hingewiesen, wie Ihr natürlicher Zeichnungsstil, das gegebene Thema und Ihre gewählte Technik Ihren Illustrationsstil beeinflussen. In den Übungen haben wir etwas darüber nachgedacht, was uns am meisten inspiriert. In Übung 1, der Inspirationsfallstudie, haben wir mindestens eine Illustration oder eine Reihe von Illustrationen ausgewählt, die uns am meisten inspiriert und tiefer auf die Techniken eingegangen sind, eingegangen. All dies hat uns für das Projekt ins Leben gerufen, ein kurzfristiges tägliches kreatives Projekt, in dem wir eine Reihe von 26 Illustrationen erstellen, die auf einem gemeinsamen Thema basieren eine bestimmte Technik erarbeiten. Der Zweck eines täglichen Projekts besteht weitgehend darin, eine Technik zu entwickeln , indem sie auf tatsächliche Illustrationsprobleme angewendet wird. Natürlich ist es ein guter Weg, wenn Sie einmal Dampf auf Ihrem Projekt aufbauen, um die Dynamik am Laufen zu halten, Feedback zu erhalten und ein Gefühl zu bekommen, für ein Publikum zu kreieren, welche Illustration immer geht. In diesem Video gebe ich Ihnen einen Überblick über das Projekt, um den Gesamtprozess abzubilden. Dann werde ich in den folgenden Videos spezifischere Anweisungen für jede Phase geben. Das Projekt wird in drei Gesamtphasen aufgeteilt: den Plan, das Pilotset und dann durch den Rest des Sets. In der Planphase wählen wir die jeweilige Illustrationstechnik und das Thema aus, das wir in unserem täglichen Projekt erarbeiten möchten , und schreiben dann eine Liste von Wörtern von a bis z aus, die als Eingabeaufforderungen für jede Illustration dienen. Die Aufstellung eines starken spezifischen Plans wird entscheidend sein , um unsere Bemühungen im Laufe des Projekts aufrechtzuerhalten. Die Planphase sollte am 1. Tag stattfinden. Wenn Sie fertig sind, teilen Sie Ihren Plan mit der Klasse auf der Projektseite. in der Pilot-Set-Phase Wählen Sie in der Pilot-Set-Phase drei bis vier der Eingabeaufforderungen aus, die zuerst illustriert werden sollen. Der Zweck einer Pilotphase ist es, eine visuelle Sprache und Technik zu testen und zu entwickeln , die wir für den größeren Satz verwenden können. Ich finde, es ist immer viel mehr Arbeit, um die ersten paar Illustrationen in einem Set zu erarbeiten, aber das gibt Ihnen die Möglichkeit, herauszufinden, wie Sie Dinge wie Form, Farbe, Linie, Textur und so weiter verwenden , bevor Sie in den Rest des Sets gehen. Es gibt Ihnen auch die Möglichkeit, herauszufinden, wie Sie verschiedene Arten von Illustrationsproblemen behandeln: die Darstellung und das konzeptionelle. Die Pilotphase könnte bis zu drei Tage dauern. Wenn Sie fertig sind, geben Sie Ihr Pilotset für die Klasse auf der Projektseite frei. Die Push-Through-Phase ist, wo wir das gesamte Set fertigstellen. Natürlich werden wir uns jeden Tag mit einem Schritt beschäftigen. Sie sind herzlich eingeladen, jeden Tag mehrere zu tun, wenn Sie sich inspiriert fühlen oder eine pro Woche zu tun, wenn das Ihnen mehr passt. Das Wichtigste ist, sich daran zu halten, bis zum Ende durchzudrücken. Natürlich, jedes Mal, wenn Sie eine Illustration beenden, sollten Sie sie mit der Klasse teilen, und natürlich, wo immer Sie sie teilen möchten. In den folgenden Videos werde ich die Schritte für jede dieser Phasen weiter aufschlüsseln. 15. Projekt | Tag 1: Einen Projektplan erstellen: Die erste Phase besteht darin, Ihr Projekt zu planen. Die Aufstellung eines starken spezifischen Plans wird entscheidend sein , um unsere Bemühungen im Laufe des Projekts aufrechtzuerhalten. Diese Phase ist einfach im Konzept, obwohl die A-Z Liste der Wörter vielleicht schwieriger zu kommen, als Sie denken. Achten Sie darauf, diese Phase sorgfältig und nachdenklich zu durchlaufen. Wenn Sie ein paar Tage brauchen, um es zu klären, ist das in Ordnung. Überdenken Sie es natürlich auch nicht. Wenn Sie feststellen, dass Sie stecken bleiben, ist es besser, nur entscheidend zu sein, auch wenn Sie nicht 100 Prozent auf einige der Einzelheiten. Manchmal weiß man nicht genug, um vorbeizugehen, bis man einen groben Plan macht, bei den nächsten Schritten vorwärts geht und dann plötzlich die Dinge klarer werden. Das Wichtigste ist, in Bewegung zu bleiben. Zunächst wählen wir eine Technik aus, die auf Ihrer Inspirationsfallstudie basiert. Wenn Sie mehrere Studien durchgeführt haben, müssen Sie hier eines auswählen. Alternativ, wenn Sie bereits eine Technik haben, die Sie entwickeln möchten, gehen Sie mit dem. Versuchen Sie nicht, alles in einem Projekt zu tun. Sie können immer eine zweite Serie durchführen, um nach dieser eine andere Technik zu erarbeiten. In der Grundierung haben wir darüber gesprochen, wie die meisten digitalen Werkzeuge traditionelle oder analoge Medien emulieren. Wenn Sie also wissen, dass Sie ein digitales Werkzeug wie Procreate oder Photoshop verwenden, ist das wirklich nur das Werkzeug nur die Hälfte der Gleichung. Die andere Hälfte ist Technik. Bei digitalen Werkzeugen sollten Sie einen Eindruck davon haben, von welchen analogen Medien oder Prozessen Sie emulieren oder sich inspirieren lassen möchten. Meiner Meinung nach können fast alle digitalen Illustrationen unter drei analogen oder traditionellen Prozessen kategorisiert werden : Zeichnen und Malen, Druckgrafik und Collage. Wenn die Technik, die Sie verwenden möchten, eher so aussieht, als ob sie mit Freihandstrichen gemacht wurde, können Sie sie unter Zeichnen und Malen einschneiden. Wenn Ihre Technik mit einfachen Farbpaletten und subtilen Texturen flacher aussieht, betrachten Sie einen stärker beeinflussten Prozess der Druckherstellung. Wenn die Technik oder der Stil, für den Sie gehen, eine Mischung aus handgefertigten und digitalen Teilen zu sein scheint , oder wenn es ein Gefühl von verschiedenen Stilen auf der gleichen Seite zusammengebaut, wäre dies mehr Collage oder breiter gemischte Medien. Für mein Projekt habe ich mich entschlossen, mit der Druckerzeugung als Technik-Inspiration zu gehen. Insbesondere bin ich davon inspiriert, wie Blexbolex ein paar einfarbige Farben, einfache Formen verwendet und diese dann auf clevere Art und Weise schichten. Ich mag auch die Paarung von Wort und Bild. Ich habe diese kurzen Notizen zusammengestellt, um zu zeigen, wie die Technik meiner Inspiration, nennen wir es die Quelltechnik, bezieht sich auf die Technik, die ich denke, dass ich verwenden werde oder die Zieltechnik. Ich mache nur diese Begriffe, um zu beschreiben, wie ich die von meiner Inspiration verwendete Technik und die Techniken, die ich selbst verwenden kann, in Beziehung setze. Zuerst weiß ich, dass ich digital arbeite. verweise auf die Tabelle der traditionellen und digitalen Techniken aus der Grundierung, ich weiß, dass Illustrator und Photoshop beide gut mit der Nachahmung von Druck- und Collagen-Techniken sind . Als nächstes weiß ich, dass ich besonders Texturen verwenden möchte, und Photoshop ist viel besser im Umgang mit Texturen, also werde ich definitiv daran festhalten. Ich werde bestimmte Details herausfinden, wie man den Schriftzug macht und welche Farben später verwendet werden sollen. Um ehrlich zu sein, denke ich, dass ich in meinem Projekt das gleiche zugrunde liegende Konzept wie Blexbolex verwenden werde, insbesondere darin, Wort und Bild auf einfache poetische Weise zu paaren. Nun, ich habe nicht vor, Blexbolex's exakten Stil zu kopieren weil seine Verwendung von Wort und Bild ein konsistentes Thema in seinen Büchern ist, riskiere ich, nachahmend auszusehen. mache ich mir bei diesem Projekt keine Sorgen, denn das Arbeiten von deiner Inspiration ist einer meiner Hauptpunkte. Wir müssen dort anfangen und hoffentlich auf dem Weg, indem wir an unseren Illustrationen arbeiten, können wir mit etwas mehr von uns auftauchen. Ich werde sicher sein, meine Inspiration für dieses Projekt zu nennen, vor allem, wenn es seinen Arbeiten zu nahe kommt. Ich habe keine Schande zu sagen, dass dieses Projekt von meinem Helden inspiriert ist. Je nachdem, wie ähnlich es aussieht, würde ich auch sehr vorsichtig sein, etwas kommerzielles oder für Profit mit dem Kunstwerk zu tun . Ich würde es zunächst irgendwie ändern, vielleicht habe ich einen anderen Ansatz damit, wie ich Bild und Wörter paare, zum Beispiel, das ist weniger direkt inspiriert. Wenn Sie weitere Informationen über die möglichen Illustrationstechniken benötigen, lesen Sie die Tabelle der Illustrationstechniken, die ich in der Lektion erwähnt habe , „Folgen Sie Ihrer Inspiration“. Ich habe dies als Download in die Klassenprojekte auf der Ressourcenseite aufgenommen. Jetzt ist es Zeit, ein Thema zu wählen. Ihr Thema sollte so spezifisch wie möglich sein. Für mein Projekt werde ich mit Trailrunning gehen, was einer meiner Lieblings-vergangenen Zeiten ist. Während ich alle Arten von Laufen liebe, ist Trail Running spezifischer. Laufen im Allgemeinen würde Straßenrennen, Ultra-Marathons, Track und so weiter. Trailrunning enthält andere Gefühle und Visuals als die anderen Typen. Wenn Sie auf Reisen sind, möchten Sie vielleicht etwas spezifischeres wie Rucksackreisen in Europa oder Reisen im Jahr 2020 eingrenzen . Jede von ihnen ruft eine spezifische Erfahrung hervor, die nützlich sein wird , wenn Sie später versuchen, Konzepte für Ihre Illustrationen vorzustellen. Dieser Schritt ist optional, kann aber helfen, Ihre Projektideen besser zu gestalten. Alle Illustrationen landen irgendwo auf etwas. Das ist sein Kontext. Ein Kontext könnte in einem Kinderbuch sein, als eine Reihe von Plakaten oder vielleicht eine Reihe von Sammelkarten. Wo stellen Sie sich Ihre Illustrationen vor? Denn dies ist ein tägliches Projekt, das wir teilen werden, natürlich, einer der Kontexte wird Ihre Projektseite hier in der Klasse sein. Ein weiterer möglicher Ort, um es natürlich zu teilen, ist auf Instagram. In diesem Fall ist es leicht, sich vorzustellen, welches Format Ihre Illustrationen annehmen werden. Bilder, die für Instagram erstellt wurden, werden wahrscheinlich quadratisch sein. Illustrationen für ein Bilderbuch können vier mal fünf Seitenverhältnis haben. Auf diese Weise gibt Ihnen das Vorstellen eines Kontextes ein Gefühl von Format. Mein eigenes Projekt für die Klassendemo basiert auf meiner Inspiration, einem Bilderbuch von Blechbolex. Ich mag, wie die Bilder mit Wörtern gepaart sind und wie sie unter jeder Illustration für die Wörter angeordnet sind . Mein Kontext wird ein Bilderbuch sein und das Format für jedes Bild wird ein größeres Format um acht Zoll breit und 10 Zoll hoch sein. Schreiben Sie als Nächstes Ihre A-Z-Liste mit Dingen und Ideen, die Sie für Ihre Serie illustrieren können. Sie sollten am Ende mit einem Wort pro Buchstabe, aber zuerst, wenn Sie ein paar Wörter für einige Buchstaben haben, schreiben Sie sie einfach alle auf und entscheiden Sie im nächsten Schritt, mit welchen Sie gehen möchten. Wenn Sie Ihre Wortliste erstellen, halten Sie Ihre Wörter einfach. Nur ein Wort, um zu illustrieren, wenn möglich. Da ich Trailrunning mache, enthält meine Wortliste Wörter wie Bär, Treibstoff, verloren und Erholung. In meiner Liste wählte ich bewusst sowohl Substantive als auch Adjektive, Dinge, die buchstäblich dargestellt werden können, als auch Dinge, die nur bildlich dargestellt werden können, aufzunehmen Dinge, die buchstäblich dargestellt werden können, . Die Wahl einer Mischung aus Substantiven und Adjektiven gibt mir die Möglichkeit, herauszufinden, wie ich die beiden verschiedenen Arten von Illustrationsproblemen, über die wir in der Grundierung gesprochen haben , repräsentativ und konzeptionell. Bär und Brennstoff sind Substantive und werden leichter darzustellen sein, da sie fast eine wörtliche Lösung fordern. Ein Bär, um einen Träger zu vertreten und eine Art von Lebensmitteln, um Kraftstoff zu repräsentieren. Verlorene und Genesung hingegen sind abstrakter. Das sind sicherlich keine Objekte, die ich mir leicht in meinem Kopf vorstellen kann. Verloren allein mag schwer zu visualisieren sein, aber gepaart mit dieser speziellen Erfahrung des Trailrunning für mich, lässt es mich daran denken, meinen Weg im Wald zu verlieren und Karten auf meinem Handy zu betrachten, um zu sehen, wo ich bin. Recovery ist ein Massen-Substantiv, was bedeutet, dass es keine spezifische Form hat. Ähnlich wie verloren, wenn es mit dem Gesamtthema gepaart wird, ruft es eine bestimmte Bedeutung hervor. Für mich könnte es zum Beispiel Bier am Ende eines langen Laufs oder Rennens sein. Aber ich bin hier ein bisschen vor mir selbst. In der Pilotphase führe ich Sie durch einige Beispiele, wie ich von meiner Wortliste zu tatsächlichen Illustrationskonzepten übergehe . Aber es ist auch hilfreich, ein wenig über das illustrative Potenzial für jedes Wort im Moment nachzudenken . Sobald Sie Wörter für jeden Buchstaben des Alphabets gefunden haben, ist es an der Zeit, die Liste abzuschließen. Sie müssen dies tun, wenn Sie mehrere Wörter für einige Buchstaben haben. Betrachten Sie das illustrative Potenzial jedes Wortes. Beziehen Sie sich auf die drei Faktoren des Stils zurück, überlegen Sie, wie jedes Thema oder hier die Bedeutung jedes Wortes, mit Ihrer gewählten Technik oder natürlichen Zeichnungsstil behandelt werden könnte. Ist es etwas, das Sie aufgeregt haben, zu illustrieren? Haben Sie das Gefühl, dass es zu schwierig sein könnte, klar in Ihrem Stil darzustellen? Für mein Trailrunning Beispiel, sagen wir, ich hatte zwei r Worte, Rennen und Erholung. Hier könnte ich entscheiden, dass ich zu unsicher bin über die illustrative Möglichkeit der Rasse. Es könnte zu breit sein oder hat zu viele Details. Vielleicht möchte ich nicht eine ganze Szene wie eine Rennszene illustrieren, aber ich habe eine spezifische Vision für die Genesung. Es wäre einfacher, dieses Wort für diesen Brief zu veranschaulichen. Ich kann nur Rennen für jetzt ausschließen und mit Genesung gehen. Wer weiß es? Vielleicht, wenn ich auf das Projekt ging, Ich werde mehr inspiriert sein, mit der Idee eines Laufrennens oder ein anderes r Wort zu gehen. Ich kann es immer zurückbringen, wenn ich will. Wichtig ist, entscheidend zu sein und in Bewegung zu bleiben. Sobald Sie Ihre Liste fertig gestellt haben, haben Sie Ihren Projektplan. Wenn es hilft, schreiben Sie an einem ordentlichen Ort Folgendes auf: Ihre gewählte Technik, Ihr spezifisches Thema, Ihren imaginären Kontext, wenn Sie dies haben, und natürlich Ihre endgültige Liste von A-Z Wörtern, und Sie können dies auf einer separaten Seite tun, wenn Sie müssen. Hier habe ich meinen Projektplan und ich schreibe einfach alle Dinge auf, über die wir gerade gesprochen haben, so dass ich alles an einem Ort habe und ich mich während des gesamten Projekts darauf beziehen kann. Sie können dies in Ihrem Skizzenbuch tun oder wo immer Sie diese Notizen machen möchten. Ich habe gerade einen süßen kleinen Titel hier gemacht, meinen Projektplan, und natürlich haben wir Technik, Thema, Kontext und unsere A-Z Liste von Wörtern. Ich weiß, dass es für meine Technik Printmaking inspiriert sein wird und ich weiß, dass die beste App, um die Art von Techniken zu tun, die ich verwenden möchte, Photoshop sein wird. Als nächstes werde ich nur mein Thema aufschreiben, das ist natürlich Trail Running, und natürlich der Kontext, der ein Bilderbuch ist. Dies sind alles Dinge, die ich durchdacht habe und es ist nur etwas, das auf dieser Seite leicht zu referenzieren haben kann, wenn ich in dieses Projekt eintrete , besonders wenn es eine Woche zwischen meinem letzten Bild und dem, das ich jetzt mache, und von natürlich Ihre A-Z Liste von Wörtern. Jetzt könnte dies eine Weile dauern und wie ich bereits sagte, es kann überraschend schwer sein, mit und alphabetisch getrennt speziell zu Ihrem Thema zu kommen . Aber diese Arbeit jetzt zu tun, ist einfach wirklich großartig, um nur eingerichtet zu werden, und wenn Sie dann kommen, um jeden Tag jede neue Illustration zu illustrieren, müssen Sie dieses Denken nicht mehr tun. Sie können einfach in den eigentlichen Illustrationsprozess eintauchen. Hier sind die Liste der Wörter, und natürlich musste ich nur entscheidend sein und wählen Sie Wörter, wenn ich Multiples für die Buchstaben hatte. Das ist es, was ich am Ende hatte, und habe keine Angst, jetzt einfach zu begehen. Vielleicht möchten Sie es später ändern, es ist okay, aber wenigstens haben Sie etwas. Dann können wir mit dem nächsten Schritt fortfahren. 16. Projekt | Tage 2 bis 4: Pilotset (Vorläufige Studien): Ich liebe diese Wegweiser, diese Beobachtungsmodus-Skizzen machte, war wirklich wie, wie was ich fühlte, als würde es meine Aufmerksamkeit am meisten auf sich ziehen. Was sind die verschiedenen Formen?“ Gleiches mit verloren, Ich zog Leute laufen, natürlich, versuchen, Ich denke, dass dies tatsächlich ein Horror-Szenario ist, wenn Sie kann ich es zeichnen, ohne dass es eine bestimmte Marke oder sogar eine bestimmte Biersorte ist, O-Modus-Skizzen, die ich getan habe, um dir zu zeigen, was passiert. ich habe sogar gesehen, wie Wortlaut Sieht aus, als hätte sie eine Babytrage an. und eine Ihrer einzigen Möglichkeiten, Orientierungshilfe ist Ihr GPS-Gerät oder Ihre Karte. Dann gehen Sie zu den Brennstoffskizzen oder Beobachtungsmodus-Skizzen. Ich ging durch meine Referenzbilder und zeichnete nur, was ich sah, zog, gibt es Wegweiser und solche Dinge? Wenigstens habe ich die Vorstellung davon, Dies sind die Art von Dingen, die ich gerade hier hauptsächlich im Beobachtungsmodus gezeichnet habe. wie sehen diese Hinweise aus. Das knifflige Ding mit Bier, als ich gerade bin ich wirklich dazu gekommen, diese zu zeichnen, während ich mitging, und das lässt mich daran denken, im Wald herumzulaufen. Dann natürlich, wenn man darüber nachdenkt, verloren zu sein und ein medizinisches Kit zu brauchen, Nicht ganz sicher, ob ich auf dem richtigen Weg bin, also ist es eine gute Sache, nur im Auge zu behalten. Wenn Sie fertig sind, können Sie sofort mit dem nächsten Schritt fortfahren oder eine Pause machen. aussieht, wenn es zum Beispiel mit den Zeichenbildern gepaart ist. In diesem Fall könnte das nicht mein Standpunkt sein. Natürlich, jemand verloren, Blick auf eine Karte, Sie können sehen, ich habe einige Studien über Bären gemacht, Eine Hand, wie verhält sich der Arm mit dieser Karte? Ist es jemand, der auf sein Telefon schaut, zum Beispiel, wie sieht es aus? „Wie sieht ein Paket Energiegel aus, zum Beispiel? vielleicht nicht jeder mag diese Aromen von Bier oder was auch immer. Ich wollte auch nur einige der anderen Konzepte wie das Poop teilen, also zeige ich dir nur ein paar weitere oder tiefere Tauchgänge dieser Es ist wirklich, wie kann man spezifisch sein, ohne zu spezifisch zu sein? für mein Konzept, wenn ich ein Bild wie dieses verwenden wollte. So etwas wie das. zu denken, was sind die Objekte, die Sie assoziieren könnten verloren, und ich möchte ein paar der Skizzen teilen, die ich mir ausgedacht habe. Ich muss einen neuen Raum schaffen, in dem ich dies tun kann. Was wäre, wenn Ihre Batterie niedrig ist, meinen O-Modus-Skizzen, In meinem freien Skizzieren, Ich weiß, dass ich die Demo dort durchflossen habe, wie bestimmte GPS-Geräte oder Campus oder andere Wegfindungs-Tools wie Karten. könnte ich das als eine Art nutzen, um die Geschichte des Verlorens im Wald zu erzählen? Natürlich, wie kann ein Bier aussehen? ist es ein Lager oder ein Pilsner, Wir reden hier von Poop, Aber ich kann das einfach durch die Idee einer Trinkweste ersetzen oder so etwas sind wirklich ein starkes Bild in meinem Kopf. Es ist ziemlich unkompliziert. Ich versuche nur zu sagen: Zeichne ich jemanden, der von einem Baum gehockt ist? diese leuchtend farbigen orangefarbenen Zeichen, die an den Baumstamm genagelt werden, wie jemand, der eine Karte im Wald liest, aussieht. da wird ein paar Nasen aufgetaucht sein. im Wald sind und versuchen, Ihren Weg zu finden, Die nächste Stufe besteht darin, das Pilotset zu starten. Im Pilotset beginnen wir mit den Techniken und Ideen zu spielen , die wir in der Planungsphase erklärt haben. Immer wenn ich ein größeres Projekt habe, sei es persönlich oder für einen Kunden, mache ich immer einen Piloten, bei dem ich Fragen zu Stil und Technik in einem kleineren Set erörtere. Dies gibt mir ein Gefühl, wie der Rest des Projekts gehen wird, und wenn wir mit Kunden arbeiten, gibt es ihnen die Sicherheit, dass wir auf Kurs sind, und es gibt ihnen eine Chance, mit Feedback abzuwägen, bevor wir zu weit kommen. Für das Pilotprojekt durchlaufen wir den gleichen Prozess, den ich in meiner Clientarbeit verwende und denselben Prozess, den ich in meinen anderen Klassen verwendet habe. Wir beginnen mit Vorstudien, bei denen wir Bildreferenzen sammeln und daraus schöpfen, ohne dass es darum geht, visuelle Informationen herunterzuladen. Beim Zeichnen in Richtung Illustration nenne ich diese Beobachtungs- oder O-Modus-Skizzen. Später werden wir anfangen, unsere eigentlichen Ideen zu skizzieren. Aber für jetzt, konzentrieren wir uns einfach darauf, in die Welt unseres gewählten Themas zu beginnen. Für das Pilotprojekt werden wir in einer Reihe von drei oder vier Illustrationen arbeiten. Für den Rest des Projekts können Sie jedoch die folgenden Schritte für jede einzelne Illustration durchführen. Zuerst wählen wir 3-4 Bilder für unsere Pilotsets aus. Sie können die ersten vier von A bis D auf Ihrer Liste sein oder alle, die Sie denken, es wäre Spaß zu beginnen. Ich schlage vor, eine Mischung aus Worttypen auszuwählen, sagen wir zwei Substantive oder einfache Objekte, die Sie mehr durch direkte Darstellung und zwei Adjektive oder abstrakte Konzepte illustrieren können, die Sie mehr symbolisch oder bildlich illustrieren müssen. Ein starkes Pilotset zeigt, wie Sie Darstellungsproblemen und konzeptionellen Illustrationsproblemen in Ihrem Stil umgehen. nur meinen Projektplan betrachte, wo ich meine Technik, mein Thema, meinen Kontext und meine A bis Z Liste von Wörtern habe, werde ich Bären, Kraftstoff, verloren, poop wählen. Ich habe Poop niedergelegt als eines meiner Worte. Denn wenn Sie Trailrunning machen, besonders wenn Sie unterwegs sind auf den Trails entlang der Zeit, gibt es nicht immer ein Badezimmer zur Verfügung so dass es nur ein Teil der Erfahrung ist, ein Trailrunner zu sein. Ich musste das hinstellen und ich habe das Gefühl, wenn ich dieses Set für ein Publikum von Trail-Läufern machen würde, würden sie sich damit beschäftigen und das urkomisch finden. Ich denke, ich werde nur ein Fünftel wählen, nur für den Fall, ich werde Genesung wählen. Ich wählte diese spezifischen Wörter für meine Teilmenge, weil sie eine schöne Balance oder eine Mischung aus repräsentativen Dingen darstellen , die zu illustrieren sind, und auch einige Dinge, die eher konzeptionell sind. Bären ist einfach. Ich kann einfach einen Bären zeichnen und ich denke, dass man einfach schön sein wird, in einzugehen. Kraftstoff ist wieder ein bisschen mehr ein einfaches Objekt. Ich könnte Lebensmittel oder so etwas repräsentieren. Lost ist eines der schwierigeren Worte. Es wird wahrscheinlich eine komplexere Illustration erfordern. Aber deshalb möchte ich es einbeziehen. Ich möchte in der Lage sein, diese komplexeren konzeptuellen Illustrationen mit diesen einfacheren, direkt darstellenden Illustrationen zu verbinden. Dann, natürlich, Poop, das wird interessant sein. Ich möchte das wahrscheinlich indirekt machen, das stellt eine gute Illustrationsherausforderung dar. Dann Erholung, für mich, das macht mich sofort daran denken, ein Bier am Ende einer wirklich langen Laufzeit zu haben , und so diese Liste von fünf Wörtern, was auch immer ich beschließe zu illustrieren, wird ein netter Pilotsatz sein, um mit beginnen. Sammeln Sie als Nächstes einige Referenzbilder für jedes Wort oder jede Illustration. Sie müssen hier nicht sehr selektiv sein, suchen Sie einfach Ihre Wörter in einer Bildsuche nach und laden Sie die Bilder herunter, auf die Sie sich am meisten gezogen haben. Wenn ich Bildsuche durchführe, erstelle ich einen Ordner namens Referenzen. Hier habe ich nur einen Ordner namens Referenzen auf meinem Bildschirm und hier werde ich im Grunde eines meiner Referenzbilder ziehen. Für ein Multi-Illustrationsprojekt wie dieses habe ich auch Unterordner für jede Illustration oder Thema wie Bär, Treibstoff usw. Ich gehe einfach zu Google oder wo immer ich denke, dass die Bilder ich suche, sein könnten und beginnen meine Suche, indem ich meine ausgewählte Bilder in den jeweiligen Ordnern. Ich wurde gefragt, warum ich Google-Bilder anstelle von Pinterest verwende, wo Bilder tendenziell kuratiert und verfeinert werden, ich bevorzuge eigentlich, dass meine Quellbilder so ungefiltert wie möglich sind. Ich weiß, dass, wenn ich Google suche, gibt es mehr eine Chance, dass die Bilder einfach und zufällig sind. Leute, die ihre Pinterest posten, haben oft einen Sensibilitäts- oder Geschmacksfilter oder Bias und ich möchte dies von Anfang an vermeiden. Der Zweck ist es, Bilder zu finden, die Ihnen ein visuelles geben , wo Sie sonst nichts zu tun haben. Für das Wort Bär zum Beispiel möchte ich nur Bilder finden, die mir helfen, die wesentliche Form eines Bären zu verstehen. Für das Trailrunning-Thema würde ich entweder schwarzen oder Grizzlybären betrachten. Für Kraftstoff würde ich nach den spezifischen Energiequellen oder Lebensmitteln suchen, die von Trail-Läufern verwendet werden. Produkte wie Energiegele und Riegel, sowie natürliche Lebensmittel wie Bananen und Nüsse. Wenn Sie nach Ihren Bildern suchen, möchten Sie, abhängig von Ihrer Technik und Ihren Vorlieben, abhängig von Ihrer Technik und Ihren Vorlieben, möglicherweise, dass Ihre Referenzen einfach und geradlinig anstatt aus einem eher obskuren Blickwinkel. Wir illustrieren noch nicht, noch skizzieren Ideen. Aber wir wollen auch auf die visuellen Informationen achten , mit denen wir in diesen späteren Phasen arbeiten müssen. Verbringen Sie vielleicht 10-15 Minuten mit der Suche nach Bildern. Ich habe meine Bärenbilder, ich werde nur schnell gehen und einige Bilder für Kraftstoff machen, und natürlich, mit Treibstoff muss ich spezifisch sein, Energiegele zum Laufen, und hier schaue ich nur auf die verschiedenen Formen oder Formen. Wie sehen Energie oder Brennstoffe in diesem Fall aus? Diese unterschiedlich geformten Pakete, die Sie beim Laufen in den Mund drücken , sind ikonisch. Ich möchte nur wissen, dass ich nichts zu poliert will und das dann einfach in meiner Illustration zeichnen möchte. Wenn jemand einige flach seiner eigenen laufenden Produkte macht, ist es nicht so, als ob ich nur das Foto eines anderen illustrieren möchte, aber sie können nicht hilfreich sein, nur um einem Gefühl zu helfen was eine Sammlung dieser Lebensmittel oder Produkte sein würde? Jetzt verloren ist das schwierigere Wort, also muss ich genauer sein, wie im Wald verloren. Das könnte mir einige interessante Ideen geben, aus denen ich schöpfen kann. Nur in Bezug auf einen Wald. Plötzlich sehe ich das unheimliche Gefühl von, seine dunkelgrün. Ich bekomme ein Gefühl der Einsamkeit, wenn ich diese anschaue. Hier mache ich eine Google-Suche nach dem direkten Wort, das im Wald verloren geht, was bereits super hilfreich ist. Aber natürlich versuche ich nicht, hier wie ein Bild zu illustrieren oder einfach nur ein Foto neu zu interpretieren. Ich möchte hier wenigstens einen Sinn für Konzept haben. Vielleicht muss ich ein wenig konzeptioneller denken, während ich Google-Bildsuche bin. Verloren im Wald, wie was würde ich wollen, vielleicht ein Erste-Hilfe-Kasten und ich werde nur einen kurzen Screenengrab von diesen Dingen machen. Hier werde ich nicht super wählerisch über die Bilder sein. Ein Erste-Hilfe-Kasten ist in der Regel wie eine Tasche mit einem Griff auf einem Kreuz darauf und einige Vorräte, so dass könnte genug sein, nur um meine Phantasie gehen dorthin. Wenn du dich verirrt hast, denke ich an jemanden, der eine Karte liest. Ich werde noch ein paar Bilder suchen aus dem Rest meiner Worte zu tun, aber ich dachte nur, ich würde einige Zeit um eines der schwierigeren Worte, die ich denke, dass ich haben werde, ist der Poop ein. Nun, ich weiß, dass ich niemanden Kot illustrieren will, ich denke nur, dass das widerlich wäre, also müsste ich auch konzeptionell darüber nachdenken. Für diesen hier werde ich einfach Trail Running halb zum Kacken sagen und sehen, was das Internet mir gibt. Natürlich gibt es all die Dinge, die man erwarten würde, Leute kaufen Häuser, und einige Bilder sind etwas weniger direkt. Glücklicherweise sehe ich hier nichts zu grobes Auftauchen, aber ja, ich werde nach Wegen suchen, diese Idee so klar wie möglich darzustellen , ohne zu direkt zu sein. Sobald Sie einige Zeit damit verbracht haben, einige Bilder zu finden, ist es Zeit, mit dem Zeichnen zu beginnen. In meiner Zeichnung zur Illustrationsklasse nenne ich diese Beobachtungsskizzen, weil wir zeichnen, was wir in unseren Bildern sehen. Die sind nicht kreativ. Wir bringen hier keine Ideen zum Ausdruck, sondern verwenden lediglich Zeichnungen als eine Möglichkeit, visuelle Informationen zu sehen und zu absorbieren , die wir später aus unseren Vorstellungen verwenden können. Verbringen Sie so lange wie Sie möchten, zeichnen Sie aus Ihren Referenzbildern, vielleicht 5-10 Minuten pro Thema oder Wort. Sie können mit einem Bleistift und Papier oder in einem digitalen Äquivalent zeichnen. Mein Lieblings-Skizzierwerkzeug ist der 6B oder HB Bleistift in Procreate auf dem iPad. Wieder, diese Skizzen, Ich habe keine anderen Ziele als nur zu zeichnen, was ich sehe. Ich muss nicht jedes einzelne Referenzbild zeichnen, das ich heruntergeladen habe. Sobald ich das Gefühl habe, dass ich genug visuelle Informationen habe, um von später zu ziehen, ohne auf Referenzen zu schauen , kann ich zum nächsten gehen. Ich habe nur ein paar der Bilder, von denen ich denke, dass sie für mögliche Konzepte nützlich sein werden , also komme ich an dieser Stelle nicht mit Konzepten, aber ich versuche auch darüber nachzudenken was die verschiedenen Dinge sind, die gute Konzepte machen könnten. Ich habe Bärenspray, ich habe jemanden, der dieses Bärenspray benutzt. Eine andere Sache, die ich denke, wenn ich auf der Spur bin und ich denke an Bären, sind diese gelben Zeichen, die Sie vor einem Bären in der Gegend warnen und solche Dinge. Hier, ich versuche nur, ein Gefühl davon zu bekommen, wie diese Typen aussehen. Ich kann wirklich in diesem Prozess verloren gehen und manchmal, es wird viel länger dauern, nur weil ich Spaß habe oder ich nicht das Gefühl, dass ich die Informationen in meinen Kopf heruntergeladen habe , indem ich genug zeichnen noch. Ich würde sagen, nehmen Sie einfach so lange, wie Sie wollen, und wenn Sie es genießen, genießen Sie es. Hier denke ich darüber nach, was sind die Proportionen eines Bären? Wie verbinden sich ihre Gliedmaßen? Was sind die ikonischen Formen eines Bären? Nur wenn ich diese Bilder anschaue, sehe ich, dass ich nie gedacht hätte, dass Arm eines Bären so hin und wieder vorwärts springt, nur zum Beispiel. Eine andere Sache, die ich über einen Bären bemerkt, ist, dass, wenn man auf ihr Gesicht, ihre Augen und Schnauze oder Nasenbereich oder Schnauze nur weniger als die untere Hälfte einnehmen. Das ist interessant. Ihre Ohren sind weit hier oben, und sie haben diese großen, fetten Köpfe, ihr Gesicht ist wirklich nur ein winziger Teil davon, und ich denke nur darüber nach, wie ihre Gesichtszüge aussehen, wie sie sich verbinden, solche Sachen. Dann für Bär Spray, Ich bin auf der Suche nach, wie ich diese zeichnen, Herunterladen von Informationen, Ich möchte wirklich nur wissen, was sind die Teile, die für diese wichtig sind, wenn es darum geht, die Idee der Bärenspray an andere Menschen zu kommunizieren. Was sind die verräterischen Zeichen einer Bären-Sprühflasche im Vergleich zu, ich weiß nicht, vielleicht [unhörbar], die Sie für persönliche Sicherheit in einem städtischen Kontext verwenden würden , vielleicht ist das anders. Ich würde mir vorstellen, dass Bärenspray, sie haben immer dieses gelbe Etikett , Tonnen von Wörtern und Warnungen, was interessant ist , was für eine wirklich interessante Illustration machen könnte, wenn Sie mit all dem Typ und Zeug wie das. Einige ultra oder extra oder max Wortlaut und ein Teil des Branding, eine Art von Bär. Ich versuche hier nichts zu entwerfen, ich versuche nur, ein Gefühl davon zu bekommen, was die wesentliche Form davon ist. Was sind die Dinge, die ich über diese Dinge beobachten muss? Ein Zeichen und dann natürlich der Bär. Hier ist eine lustige Instanz, in der ich eine Zeichnung einer Zeichnung zeichne, es ist wie eine Silhouette eines Bären, die jemand illustriert hat. Die Frage für mich ist, wenn ich das als meine abschließenden Illustrationen verwenden würde, etwas über das Bärenzeichen, kopiere ich einfach jemand anderes Silhouette eines Bären oder mache ich in diesem auf irgendeine Weise innovativ, meine eigene Weise, um die Einzigartigkeit zu verbessern der Illustration? Ich glaube nicht, dass dieser Typ ein Trailläufer ist, er ist eher wie ein Jäger. Ich werde zum nächsten Bild übergehen. Lost ist ein kniffliges, es gibt kein Bild für den Verlust in der Art, wie es für Bär oder Bärenspray gibt. Hier zeichne ich nur diese Referenzen, die ich gesammelt habe, und vielleicht kann ich etwas mit ihnen für einen verlorenen später machen. Dies ist eine Kompass-Lineal Art von Sache. Nun, für diese Demo, renne ich durch diese Zeichnungen. Normalerweise nehme ich mir meine Zeit damit und sinke wirklich in sie, wenn ich diese für die meisten meiner Projekte mache. Es ist entspannend, es ist eine schöne Art zu zeichnen und mit dieser Seite in Kontakt bevor ich tatsächlich anfangen muss, an Ideen zu denken. Etwas, an das ich denke, in einem Wald verloren zu sein, ist die Idee des Weges zu finden, also vielleicht wie Schilder, wenn man auf der Spur ist. Wenn Sie freie Skizzen machen, wenn Sie wollen, können Sie sehr locker und schnell sein oder Sie können wirklich detailliert sein, was auch immer es braucht, um nur einige Ideen in den Kopf zu bekommen. Auch hier habe ich ein paar Bilder zu referenzieren und einfach von ihnen zu zeichnen, nicht zu viel darüber, wie sie in späteren Stadien spielen. Da läuft dieser Kerl im Wald, und du kannst so detailliert sein, wie du willst. Für mich, da ich diese schnell auskritzeln, hilft es mir wenigstens, ein Gefühl für einige der Möglichkeiten zu bekommen, sagen wir zum Beispiel, wie Beine aussehen, wenn jemand rennt. Was sind ihre Kleider? Was ist in diesem Bild los? Und natürlich, was passiert um die Person herum? Wie sieht eine Waldszene aus? Ich liebe das Muster der Bäume, die Stämme, und dann die Idee, dass diese Zweige mit Grün herabfallen, und dann natürlich den Weg. Dieses Bild hier von einem Kerl, der alleine läuft, wenn Sie es einfach beiseite legen können, dass für mich diese Szene, mir fremd ist. Die Idee, dass es mehr in einer Wüste ist, das ist nicht meine Erfahrung, aber ich mag, dass er seinen Trinkrucksack an hat und er nur alleine läuft, 17. Projekt | Tage 2 bis 4: Pilotset (Ideen skizzieren): Ich werde nicht in der Lage sein, Pinsel zu nehmen, sie wirklich zu formen und zu formen Ich werde meine Wohnung benutzen. Jetzt schaue ich mir meine groben Skizzen für verloren, Das ist immer das, was ich in meinen Skizzen anstrebe. Was ich suche, ist die Idee, die diese Idee, verloren zu sein Nachdem Sie diese ausgewählt haben, verfolgen Sie sie mit selbstbewussten Strichen. Ich mag, wie das mir etwas Gewicht Raum rund um den Bären gibt, Die andere, die wirklich ein Potenzial für mich zeigt, ist diese mit Was funktioniert wirklich gut damit, wie ich oft Brief. Dies ist ein digitaler Pinsel, den ich benutze, den ich gefunden habe, funktioniert sehr Vielleicht hat er den Tracker-Hut. vielleicht ist es leichter, davonzukommen, nicht zu spezifisch in Ihren Verfeinerungen zu sein. aber es ist immer noch erinnert ein Gefühl für ein Bier? Ich versuche immer noch mein Bestes, um nach Vorstellungskraft zu gehen. Es kommuniziert klar die beabsichtigte Idee oder Botschaft und es verspricht, für eine interessante Illustration zu machen ein bisschen mehr, wie ich sagte Atmosphäre oder Textur in das Bild kommen. alle Illustrationstechniken sein, die präziser oder mechanischer sind, Ich habe genug Informationen. nur die Karte zu zeigen und dann den Kerl dahinter. und wir können hier sehen, dass es schon viel klar ist. Vielleicht hat er sich ein bisschen mehr gebeugt und wir sehen nur einen Teil seines Kopfes und er schaut auf sein Handy. Man muss ein bisschen mutig sein und sich schlecht zeichnen lassen Mit diesem hier ist es die Idee, dass dieser Kerl im Wald verloren hat Das Bild sollte klar genug sein, dass alles, was Sie wirklich tun müssen, ist zu Ich werde das Gefühl der Textur und Rinde auf sie implizieren Es ist nicht super kreativ, Stellen Sie sich vor, ich zeige dies einem Kunden, um seine Zustimmung oder Buy-In auf das Bild zu bekommen, Ein starkes Konzept ist klar und überzeugend. Dies wird wichtiger für dessen verloren ist, und das reicht. ich denke nur über das Potenzial für genau wie eine schöne, mutige, das die Idee war, verloren zu gehen. und abstrakter darzustellen? Am Ende dieser Phase Oder ist das seltsam, dass es spritzt, ohne dass jemand das wirklich passiert? aber das ist ein Gedanke, den ich an dieser Stelle habe. Ich beginne gerade mit Bär. Das hier ist ein vielleicht für mich. nur um zu sehen, wie das geht. An einem bestimmten Punkt müssen Sie aufhören, Ich denke, derjenige, wo der Typ gerade die Karte hält, ist definitiv das nur einfügen, um es zu senken und nur die Deckkraft zu senken, stilisiert, abstrahiert, begrifflich werden. , dass ich denke, in diesem Fall funktionieren könnte. Sein anderer Arm berührt vielleicht auf der Karte, um Vielleicht genug, um ihn größer zu machen. Ich dachte, das wäre lustig. Es gibt ein bisschen mehr Geschichte zu diesem hier. Als Illustration wird das eigentlich ein bisschen komplexer für mich sein Einfach wirklich die tatsächlichen Formen aufbauen, die meine Illustration bilden , so dass ich nicht weiter herausfinden muss den ätherischen Wellen der Verliertheit, die Spaß machen könnte. alle kleinen Verbindungen der Illustration wo die Shorts zu seinen nackten Beinen werden Vielleicht ist es eine charakterorientierte Illustration. wie Vektorillustration oder in meinem Fall für die Druckherstellung inspirierte Techniken. Brauche ich die Hand? ich habe die Schilder auf den Baum genagelt, mit dem Kerl hier oben als mögliche Sekunde. Zuerst werde ich den Bär hier machen. und die Worte unten in diesem, Wenn man sich den Stil eines anderen Illustrators anschaut und sich fragt, ein schelmisches Gesicht auf dem Bären, diese Details der Zusammensetzung und des Formats mit mehr Aufmerksamkeit. ich glaube, ist dieser Typ hier, Nun, um diese groben Skizzen zu verfeinern, was sehr lange dauern kann und schwieriger zu ändern sind, Manchmal sehe ich ein hohes Potential in Ideen, von denen ich dachte, sie wären Wegwerfen, während ich sie machte. und all diese Art von Dingen weiß ich, wie all diese Kreuzungen und dieser Kerl, der im Wald stand und fragte sich, welche Spur, Dieses ist mehr nur Objekte, Ich weiß, dass diese Bäume in meiner letzten Kunst wirklich Ich werde nur damit beginnen, nur ein bisschen klarer in all meinen Formen zu sein. und Absätze darüber zu schreiben, was darin ist, und das wird nur sicherstellen, dass dies super klar ist, Wie sieht das aus? Was passiert, wenn ich wieder darüber ziehe einfach, dieses Wort in einem konkreteren Gefühl Schriftzug Stil zu schreiben. wie die Form seines Armes und so weiter. und einfach etwas zu tun, das ich zuversichtlich bin, Das liegt daran, dass die letzten Techniken weniger mechanisch und präzise sind, Aber was ist mit dem Kerl, der im Wald steht? Ich mag die Geschichte, die in dieser Geschichte passiert. Ideen zu finden und beginnen, sie zu verfeinern. haben Sie eine raffinierte Skizze für jede Ihrer ausgewählten Pilot-Illustrationen. Ich denke, dass man gut ist. aber es erinnert sicherlich an die Erfahrung, auf der Spur zu sein. Jemand an der Ziellinie eines Rennens zum Beispiel, , wie bestimmte Formen oder Details in den endgültigen Abbildungen zusammenkommen. Vielleicht nur ein Vorschlag von Boden, Einige interessante Macken können daraus entstehen und das was das Symbol des Bären klarer macht, Ich werde in der Lage sein, genau herauszufinden Könnte ich das Bärenspray nur spritzen lassen? Die Idee, dass ein Bär auf einen Baum klettert und jemand ist möglicherweise da oben. In einem neuen Dokument, Da ich in Photoshop arbeite, , um herauszufinden, wo er ist. Ich habe eine flache quadratische Bürste. aber einige unerwartete Dinge passieren darin. ich weiß, dass das Bild seine Arbeit nicht macht. ähnlich wie wenn ich einen flachen Pinsel mit Tinte auf Papier verwende. In freehand inspirierten Techniken wie Zeichnen, Also hier, weil das verfeinert ist, dass dieser mit den Energiegelen und den verschiedenen Verpackungen und Hier denke ich auch an meine Technik. einige dieser Zweige von den Bäumen einschließt. so dass Sie mehr improvisieren können. Aber es ist gut, sie wenigstens hier draußen zu kartieren. Zu der Zeit, die ich fertigstelle und erstelle alle Details der Fertigstellung im eigentlichen Kunstwerk, Aber ich fühle mich am stärksten in Bezug auf den Bären und den Baum. guten Ausgangspunkt zu bekommen, um dies in einen raffinierteren Ort zu bekommen. Es gibt mehr Platz, um Dinge ein bisschen zu verwirren. Es ist etwas, das ich denke, ich werde mich nur für diese Demo herausfordern, Ich kann die ursprüngliche grobe Skizze wirklich ausschalten wie kam es zu der Art, diesen Bären zu zeichnen? denke ich eigentlich genauer über die Proportionen nach, Dann genau wie möglich, Als Nächstes ist das, was auf dem Boden ist? schreiben, warum Sie das Bild gemacht haben, nicht das, was im Bild ist. Es gibt meine raffinierte Skizze für mein verlorenes Konzept und ich würde dies wahrscheinlich ehrlich in eine weitere Runde von Verfeinerungen nehmen mit dem Bären- und Bereichstyp. Das könnte cool sein. , bis ich mich gut darüber fühle. die die Illustration verfeinert und nur einige der gibt es immer eine andere Idee zu haben. manchmal fühle ich mich, als ob ich ein bisschen zögerlich bin, anzufangen Ich denke, das ist eine wirklich wichtige Sache, um zu klären. Sie schöpften nur aus der Phantasie und so denn es ist eine Skizze, sie kann immer noch ein bisschen locker sein. , was das Referenzbild oder die Realität angeht. Ich muss mich darüber im Klaren sein. in diesem Fall machen einige schöne mutige Schriftzug, die mich nur in Gang bringt. Ich werde mit dem gehen und dann zum nächsten Konzept übergehen, was eine schöne Abwechslung von diesem anderen Ansatz sein wird. alles so klar wie möglich aussehen werden Ich finde, es hilft, eine Pause zu machen, nachdem ich meine groben Skizzen ausgedacht habe, Malen und Collage, Oder vielleicht ist es die Idee, erfrischt zu werden. . Wenn Sie bereit sind, wählen Sie das stärkste Konzept für jeden Skizzenstapel aus. Ansonsten ist es nur ein Wald dieser braunen Stämme und nur es sollte zumindest klar genug sein, damit ein Kunde oder jemand anderes sagen Dies waren nur einige weitere Beispiele von Bären, die ich illustriert habe. zu kneifen und zu zoomen und so etwas. in der raueren Phase gemacht habe, und ich werde nur sehen Beide haben einen Charakter oder ein Tier auf ihnen. Ich denke, ich werde versuchen, mit diesem hier als mein Konzept zu gehen und zu sehen, wie es geht. habe ich einige ziemlich gute andere Konzepte. Aber ich möchte sicherstellen, dass ich mir das ganze Quadrat gebe, das ich möchte, dass Wie soll ich diese Formen erstellen? Dann der Hintergrund, muss ich einen ganzen Wald hinter dem Bären zeichnen? Wie viele Informationen benötigen Sie im Bild, um die Story zu erstellen, Ich habe den Hintergrundwald, , wo ich sie mit sichereren Linien verfolgen kann. was auf der Seite übrig ist. oder mindestens einen in diesen fünf oder sechs Skizzen, die ich gemacht habe, Jetzt gehe ich nur durch einige der Skizzen, die ich Vielleicht möchte ich das noch einmal in Raffinesse nehmen denn es fühlt sich an, wenn ich einmal losgehe, dann kann ich mich gut fühlen, wenn ich zur nächsten Stufe weitergehe, Es liegt in dieser Lücke zwischen dem, was Sie in Ihren Referenzen gesehen haben, und dem, was Sie sich von ihnen erinnern. Ich könnte Ideen wie diese für eine lange Zeit skizzieren, und die, die ich am besten fühlte, war dieser hier, . Oder reicht es, Bäume im Hintergrund symbolischer Dann muss ich mir keine Sorgen machen, was auf dem Boden ist und andere Dinge wie das. entstehen oft Dinge wie diese. , kann ich vielleicht einige der Dinge ausarbeiten, die mich belästigen, Es schickt mich nur diesen Weg von dem, was, wenn Wenn ich später Kaution haben muss, die kleinen Richtungspfeile und den Kerl, Zu anderen Zeiten erkenne ich, dass keine meiner Ideen das Problem noch ziemlich lösen, Es ist sehr wahrscheinlich, dass es ein Unfall war und es passierte, weil sie nicht pingelig waren und ein Rucksack, der auf dem Weg abgesetzt wurde. Für die Genesung habe ich nur offensichtlich mit der Bierdose begonnen und versucht herauszufinden Siehst du das Schild und du meinst, soll ich gehen? und weil ich es verfeinere, und Trail Running am deutlichsten repräsentieren wird. Natürlich ist dies kein perfekter Bär, der einen Baum aufsucht, und wie viel ist dann zu viel? Ich überdenke es vielleicht, Weil das tatsächlich so gut funktioniert, All das zu sagen, das Sicher, Aber werde ich in der Lage sein, diese Idee dieser Wellen woanders im Set zu nutzen kann nur ein Teil Ihres Stils werden. Funktioniert es nur, um es ohne die Hand zu haben? Das sollte mir helfen, einfach ein Gefühl oder einen Dieser Typ hält die Karte, Dieser hier, denke ich, wird ein bisschen mehr eine Herausforderung sein. ikonische Illustration in diesem wunderschön gedruckten Bilderbuch. Sachen wirklich Spaß machen kann und eine schöne Pause von den anderen beiden. ich tue, dass der Kunde sich bereits gut über das Bild fühlt und Er hat seinen kleinen Läuferpack drauf. „Ich weiß, was das ist“, und ich muss nicht zu viel erklären. welcher der beste Kandidat für die Verfeinerung und letztendlich in die endgültige Illustration bringen wird Ich glaube, da ist etwas dran. , aber nicht zu detailliert über irgendetwas anderes. , wie die funktionieren, wenn ich ins Finale komme. Gibt mir das genug Informationen für dieses Konzept? Vielleicht ist es wie ein wirklich cooles gelbes oder orangees Zeichen Wie sollen diese Formen aufgebaut werden? Ich denke, die zentrale Figur hier ist der verlorene Läufer. so dass ich sie nicht zu viel mehr im Finale ausarbeiten muss. werde ich sie einfach in ein neues Dokument kopieren verwende ich das Stiftwerkzeug, um viele meiner Formen aufzubauen und präzise Linien in meinen Formen zu erstellen. und nur einige dieser groben Pelzzweige, die nach unten kommen, und ich bin super sicher, dass Dann vielleicht nur der Bär Spray als ein anderes Objekt. Ich finde es wirklich hilfreich, in den raffinierten Skizzen so gelöst wie möglich zu sein Wie sieht das aus? Kann ich sogar eine Erfrischung illustrieren? und er hat sein Bier in der Hand und sie sind offensichtlich so glücklich, es zu haben. Aber sobald ich das Gefühl habe, dass ich fünf oder sechs gute Kandidaten habe, , um zu versuchen, gegen die Karte eins zu tun. ein Bild in diesem ganzen Quadrat hier existieren soll, stark und ich kann definitiv sehen, wie ich es in meinem Stil und mit meinen Techniken illustriere. Dann vielleicht wie ein Nebengebäude außerhalb der Bäume Zeig ich nur einen Bären, wie gerade aus der Nähe zugeschnitten? Etikettierung auf einer Bierdose aussehen wird, so dass es nicht zu spezifisch ist, und natürlich die Formulierung nach unten hier. Ich denke, es wird helfen, dieser Atmosphäre mehr zu geben, indem , um dies zu tun. Einige Bärenkonzepte. ? Es spielt keine Rolle. Wir werden den Baum haben und ich referenziere hier immer noch keine Referenzbilder. es ist viel weniger wahrscheinlich, dass ich , um Änderungen in dieser letzten Phase vornehmen zu müssen. Es gibt mir eine einheitliche Breite für meine Briefe. Salamander machen, oder was sonst noch auf dem Boden ist. Dies ist sehr spezifisch für die Art und Weise, wie ich arbeite, und Es gibt mir die Möglichkeit, grün oder was auch immer Farbe, die ich für Laub verwenden werde, enthalten etwas Schmutz und Gras. , die Ihre stilistischen Entscheidungen und Techniken. welche Gabelung in der Straße zu nehmen. und weil ich es verfeinere, werde ich es einfach ein wenig größer machen, so dass ich mit meinen Zeichnungen nur ein wenig höhere Auflösung haben kann Dieser Bär muss eine klare Form sein, die auf diese Weise herauskommt. Dies ist ein Pinsel, den ich viel für meinen Schriftzug in Procreate verwende. Vielleicht muss ich nicht den ganzen Weg bis zu seinen Schuhen zeigen. und mit meinen Techniken in meinem Stil arbeiten. weil ich mit einem frischen Geist zurückkommen kann und ich Oder wie kamen sie auf die Art und Weise, Menschen in einer bestimmten Weise zu zeichnen? Ich finde immer, dass, wenn ich versuche, eine Skizze für meinen Kunden zu erstellen Ich denke, es gibt etwas Cleveres ich denke, es ist so klar und es gibt eine Menge Spaß daran. Ich werde nur eine von denen wählen, die meiner Meinung nach am stärksten ist. das etwas ist, das ich nicht mehr als einmal im Set tun kann und ein bisschen wie ein Ausreißer wird. Wie ziehen Sie Dinge aus der Phantasie? Ich muss mir keine Sorgen um Steine und Kieselsteine und Stöcke und Wurzeln und um zu emulieren, dass ich eigentlich oft einfach diesen Pinsel stattdessen verwende. es schafft nur einen schönen befriedigenden Ausgangspunkt, wenn ich beginne, meine Skizzen zu verfeinern, und dass ich noch etwas zu tun habe in der rauen Phase. In Bezug auf die Kraftstoff-Illustration denke ich, . Vielleicht, was ich zuerst tun werde, genau wie ich es in der anderen getan habe, ist meine Konzepte objektiver sehen kann. und zu locker darüber zu sein. Also, hier reinzuschneiden ist redaktionelle Entscheidung, die ich treffe Sie können sich wohler fühlen, dass alles in der finalen Kunstphase mehr passieren zu lassen. , wenn ich die endgültige Kunst mache. Natürlich, wenn man ins Finale kommt, gibt es immer mehr Raffinesse zu tun. und ich kann mich auf Dinge wie Farbe und Textur und solche Dinge konzentrieren werde so geknöpft wie möglich und dann ist es einfach glattes Segeln, Ich nagle so viel wie möglich in der Skizze, ist, ist es wahrscheinlicher, dass Sie diese Dinge in der letzten Phase ausarbeiten müssen. In der Tat, wenn Ihre Technik nicht, würde ich sagen, in der Art, wie meine in den vielen Jahren, in denen ich das gemacht habe, kristallisiert In dieser Phase beginnen wir, unsere eigentlichen Ideen zu skizzieren. In meiner Zeichnung in Richtung Illustrationsklasse nenne ich diesen Ideationsmodus oder I-Modus-Zeichnung. Der Unterschied zwischen O-Modus und i-Modus ist, dass wir jetzt aus unserer Phantasie ziehen, nicht aus Referenzen und während in unserem O-Modus unser einziges Ziel darin bestand, einige visuelle Informationen in unsere Phantasie herunterzuladen, im i-Modus ist es unser Ziel, Ideen für unsere Illustrationen. Einige Worte werden einfacher sein, Ideen zu finden als andere. Wenn Sie Objekte darstellen, besteht die Aufgabe lediglich darin, das Objekt stilisiert darzustellen. Sie denken vor allem über die Form hier nach, nicht das, was Sie illustrieren werden, sondern wie Sie Ihr Thema veranschaulichen werden. Wenn Sie auf der anderen Seite abstrakte Ideen repräsentieren, müssen Sie noch etwas mehr Arbeit tun. Sie denken darüber nach, was Sie zusätzlich zu wie illustrieren werden. Beim Skizzieren unserer Ideen beginnen wir grob und klein in Thumbnails. Das Ziel ist zunächst Quantität, einfach halten Ideen auszuplotten, wie sie kommen, ohne sich um Details zu viel zu kümmern. Dann gehen wir später durch unsere Ideen, um zu sehen, welche von uns am meisten abheben. Dann wählen wir diejenigen aus, die wir am besten mögen und verfeinern, bevor wir sie in die endgültigen Illustrationen verschieben. Das erste, was ich tun werde, ist eine Thumbnail-Vorlage zu erstellen, weil wir jetzt über Ideen nachdenken, wir beginnen, über das tatsächliche Format unserer Illustrationen nachzudenken. Während die O-Modus-Skizzen in freier Form erstellt wurden, empfehle ich das Skizzieren mit Miniaturansichten für diese Stufe. Wenn ich also Thumbnails mit Procreate mache, verwende ich gerne Zeichenhilfen und indem du diese einschaltest, erhältst du im Grunde Diagrammpapier oder Rasterpapier und dann kannst du einfach mit den Quadraten messen, was dein Seitenverhältnis sein wird. Also meine ist acht mal 10, oder vier mal fünf, also zähle ich alle zwei Quadrate als einen Zoll. Also 1,2,3,4,5,6,7,8,9,10, von 8, 1,2,3,4,5,6,7,8. Jetzt können Sie so genau sein, wie Sie wollen, ich bin hier super präzise, nur damit ich genau weiß, was mein Format und Seitenverhältnis sein wird, wie ich Thumbnailing bin, und natürlich sind dies Thumbnails Ich möchte diese ein bisschen kleiner machen, also werde ich einfach skalieren Sie das proportional, und ich könnte wahrscheinlich sechs auf dieser Seite ganz leicht passen, ohne dass sie zu klein werden, also werde ich das einfach duplizieren. Jetzt können Sie dies natürlich tun und einfach Quadrate in Ihrem Skizzenbuch oder in einem anderen Programm Ihrer Wahl zeichnen . Dies ist nur eine von vielen Möglichkeiten, dies zu tun. Es ist eine ziemlich einfache Aufgabe. Letztendlich sollten Sie mit nur sechs Thumbnails enden, wenn Sie dieses Format verwenden, in meinem Fall, acht mal 10, kann ich eine Sechs passen. Wenn du ein quadratisches Format machst, dann wirst du natürlich in der Lage sein, hier mehr zu passen , wahrscheinlich drei oder vier Reihen, und dann werde ich das einfach wieder so skalieren , dass ich sie sehen kann. Ich brauche nicht, dass sie völlig dunkel sind, um die Thumbnails zu machen, ich muss nur da sein, damit ich weiß, was meine Grenzen sind. Ich kann die Zeichenführung ausschalten, damit sie etwas sauberer ist, und dann werde ich meine ideellen Skizzen beginnen. Skizzen beginnen immer rau und unsicher. Beginnen Sie einfach mit dem ersten Thumbnail mit allem, was Ihnen in den Sinn kommt. Sei nicht wertvoll. Du verschwendest keine Zeit und verschwendest kein Quadrat auf deinem Thumbnail Blatt. Jede grobe Idee, jede Marke, die Sie setzen, gibt Ihnen einen Hinweis auf eine spezifischere Idee oder einen neuen Gedanken. Wenn Sie Ihre Seite auffüllen, starten Sie eine neue. In der Fortpflanzung blende ich einfach die aktuelle Ebene aus und füge eine neue hinzu, wobei die Ebene der Miniaturansicht-Boxen immer sichtbar bleibt, aber in einer geringeren Deckkraft. Wenn Sie Thumbnails zu restriktiv finden, um Ideen zu finden, arbeiten Sie einfach an einem leeren Blatt und sorgen Sie sich später um Format und Proportionen. Das Wichtigste in diesem Stadium ist, gute Ideen zu haben. Sie können die Proportionen zu einem späteren Zeitpunkt jederzeit anpassen. Verbringen Sie so lange wie möglich oder wollen, Ihre groben Skizzen auszuarbeiten, aber mindestens 10 Minuten pro Wort oder Konzept hier. Sie können feststellen, dass es eine Menge von Rauhen braucht, um wirklich das Gefühl, Sie bekommen überall, aber dann finden Sie es vielleicht schwer zu stoppen. Wenn Sie langsam anfangen, drängen Sie weiter durch. Wenn Sie es schwer zu stoppen finden, halten Sie die Party so lange wie möglich am Laufen, aber natürlich denken Sie daran, dass je mehr Ideen Sie haben, desto schwieriger ist es, im nächsten Schritt zu wählen. Du kannst aufhören, wenn du das Gefühl hast, wenigstens eine vielversprechende Idee für jede Illustration gefunden zu haben. Also denke ich an diese Bärenbilder, von denen ich illustriert habe, und ich denke darüber nach, wie das in meine Erfahrung mit Trailrunning spielt. Eine der ersten Ideen, an die ich dachte, die vielleicht ein bisschen offensichtlich sein kann, aber ich werde feststellen, dass später die Zeichen „BEAR IN AREA“ sind und dann gibt es einen Bär hier, und nun, ja, ich möchte sicherstellen, dass meine gesamten Skizzen am Ende gut aussehen Irgendwann. Im Moment konzentriere ich mich nur auf Ideen und dann, wenn es an der Zeit ist, die raffinierten Skizzen wie die Auswahl der Ideen, mit denen ich gehen möchte, werde ich diese in eine raffiniertere Form nehmen. Weißt du, vielleicht möchte ich einen dieser „BÄR IN AREA“ einbinden , nur mit einem Stockbären, einem „BÄR IN AREA“ -Schild auf einem Baum oder vielleicht in einem Wald. Ich erinnere mich auch daran, dass das Format, von dem ich inspiriert bin die Bilder mit Wörtern paart. Also mein Wort hier, mit dem ich arbeite, ist natürlich Bär und nur durch das Schreiben dieses Wort hier, groß, wo mein großes Wort in meinem endgültigen Format enden wird, hilft es mir, das Bild, das ich zeichne oder das Konzept mit dem Wort zu spielen und zu sehen, wie die arbeiten zusammen. Also könnte ich das auch weiterhin für all diese Konzepte, Skizzen oder diese Thumbnails tun. Vielleicht ist es die Idee, dass ein Bär auf seinen Hinterbeinen steht, ich werde herausfinden, wie dieser Kopf später aussieht, ich versuche wirklich, gerade aus der Phantasie zu ziehen. Ich könnte mir später einige Referenzbilder ansehen , wenn ich verfeinere , nur um sicherzustellen, dass ich einige Details richtig habe, aber die Idee hier ist nur, um die Idee herauszubekommen. Also denke ich an einen Bär, der auf einen Baum schaut und vielleicht gibt es jemanden Schuh, der impliziert, dass es einen Läufer gibt, der gerade einen Baum hoch läuft , so etwas, vielleicht hat er Laufstangen und sie sind hier unten oder so etwas. Es gibt auch das Bären-Spray-Konzept, also Paarung Worte mit Bildern, könnte es sehr mächtig sein, nur ein Bild des Bären-Spray selbst zu haben, die Dose mit einem kleinen Trigger-Fingerloch Teil dort, und dann etwas mit dem Etikett zu tun hier etwas wie „BEAR MAX“ oder einen Namen, der nicht zu spezifisch ist, aber dieses Gefühl von Bärenspray hervorruft, und dann gibt es wie Warnungen vor Explosivität oder was auch immer hier. Gefahr. Muss ich eine Hand zeigen, die tatsächlich das Bärenspray betreibt? Wieder muss ich vielleicht auf meine Hand schauen, um ein Gefühl davon zu bekommen es aussieht, diesen Auslöser zu ziehen oder sogar ein Bild anzuschauen, ein Referenzbild, nur um das richtig zu machen. Aber im Moment frage ich nur, ist das eine gute Idee, die es wert ist, zu verfolgen und durch all die Mühe zu gehen, später zu verfeinern. Wieder, wie paart es sich mit meinen Worten? Ich werde wahrscheinlich die Gesamtproportionen jeder Illustration, den Illustrationsteil zu einem Quadrat machen den Illustrationsteil zu einem Quadrat und dann das Wort hier unten anpassen. Ist es ein Läufer, der einen Bären im Wald kontaktiert hat und ausflippt? Holen Sie sich einfach, was Ideen an diesem Punkt zu Ihrem Kopf kommen. Sie können sich selbst ins Detail gehen und versuchen, Ihre Form richtig zu bekommen und dann zurück zu kommen und wie das, was ich hier tue, schematischer zu sein oder Stick Figure Art Dinge zu tun, nur um die Idee zu erarbeiten. Beide sind in diesem Stadium in Ordnung. Wir machen ein bisschen von beidem. Hier habe ich einige Ideen, von denen ich denke, dass sie funktionieren werden. Was ich tun werde, ist, dass ich einfach zum nächsten Konzept übergehe. Ich werde für mein nächstes Beispiel einen Verlorenen machen. Es hilft nur, mich in dieses nächste Konzept zu bringen, indem Sie das Wort schreiben, auch wenn Sie nicht vorhaben, Wörter auf Ihre tatsächliche Illustration in Ihrem Projekt aufzunehmen. Das Wort irgendwo in der Nähe zu schreiben, wo Sie skizzieren, könnte nur eine Möglichkeit sein einige Markierungen auf der Seite zu bekommen und Sie einfach sofort fließen zu lassen. Für verloren wird das eine schwierigere sein. Ich denke an ein Bild, das klar ist und ein Gefühl des Verlorens hervorruft. Eine Idee ist ein Trail-Läufer hinter einer Karte, eine Trail-Karte, was auch immer das aussieht, vielleicht gibt es einen Wald hinter dieser Person. Wenn es dann eine Karte gibt, muss ich natürlich darüber nachdenken, ob es eine echte Karte auf dieser Karte haben wird , etwas, worüber man nachdenken kann. Aber ich mag dieses Bild, es ist klar und ikonisch. Jemand ist hinter der Karte und selbst die Tatsache, dass sie hinter der Karte sind , macht sie uns verloren, was das Konzept verstärkt. Ich denke jetzt an das Bild des Läufers, den wir von hinten gesehen haben, dass wir in unseren vorläufigen Skizzen im Beobachtungsmodus gezeichnet haben, und er hatte seinen Trinkrucksack und er lief auf irgendeiner Spur irgendwo hin. Ich werde seine Situation etwas ändern, als wäre er in einer Wüste gewesen. Ich bin mit den Wäldern des pazifischen Nordwestens besser vertraut, also sind das Bäume. Ich meine, was kann ich zu dieser Idee hinzufügen? Ich kopiere das einfach und füge es ein. Das könnte genauer sein, verloren zu sein , denn er ist gerade so, als würde er laufen. Er könnte es genießen, sich gut zu fühlen, oder er fühlt sich verloren. Vielleicht gibt es eine Möglichkeit, diesen Sinn mit etwas ätherischem Gefühl hervorzurufen. Etwas weniger über das, was realistisch passiert und vielleicht über das, was er fühlt. Vielleicht diese Nebelwellen oder etwas, das von ihm kommt. Das Wort, das in den Sinn kommt, ist wie ätherisch, und vielleicht könnte ich in diesen nebligen Bereichen verschiedene Richtungspfeile haben, um das Gefühl der Verwirrung zu zeigen, und vielleicht tauchen die Bäume hinein und heraus über sie. Es schafft dieses sehr dynamische Spiel auf dieser Idee verloren zu sein. Das könnte interessant sein. Ich konnte definitiv einige wirklich interessante Potenziale dafür sehen, wie meine Druckherstellungstechnik hier mit überlappenden Farben und Überdrucken und so etwas funktionieren würde . Das könnte wirklich cool sein. Versuchen wir es noch ein paar. Ich denke, für dieses Konzept hier werde ich es so nah wie möglich an meine eigene Erfahrung des Verlorens machen. Also, wenn ich auf Laufstrecken bin, vor allem Trails, die ich nicht kenne, gehe ich jedes Mal verloren. Es gibt keine Frage darüber. Ich befrage mich immer an Kreuzungen. Ich bin an einer Kreuzung und werde es sein, ist es so oder ist es so? Also, dass sehr spezifische Erfahrung, auf einer Spur zu sein , und es gibt eine Gabelung auf der Straße und ich frage, wähle ich einfach diesen Weg basierend auf Intuition oder ist es Zeit, mein Telefon auszubrechen und auf meine Karte zu schauen und zu sehen, wo ich wirklich bin. Mit diesem hier denke ich nur an mich und meinen Laufhut und schaue auf mein Handy verwirrt und welchen Weg ich gehen soll. Es gibt oft kleine Wegmarkierungen auf den Bäumen, und in diesem Fall, vielleicht in dieser Abbildung, haben wir eine, die eine Richtung zeigt und eine in die andere zeigt, nur um dieses Gefühl der Wahl zu geben. Manchmal, wenn du verloren bist, bist du in deiner Wahl verloren. Sie wissen nicht, welchen Weg Sie aus zwei verschiedenen Optionen gehen sollen. Was eine Metapher für das Leben ist. Wir haben, Ich liebe das Gefühl von nur all diesen Bäumen, diese vertikalen fast wie Bars und das Licht filtert durch, einige der Äste, die ins Bild kommen. Also hier denke ich über Ideen nach, ich denke über Komposition nach, ich denke darüber nach, welche davon den größten Einfluss haben wird. Ich fühle mich, als hätte ich nicht mein Blatt mit Thumbnails für verloren ausgefüllt, aber ich habe wirklich das Gefühl, ich habe definitiv einige starke Optionen, um mit hier zu gehen, und ich bin sicher, in diesem Satz, ich habe mindestens eine, um durch mit in der letzten Abbildung gehen. Hier sind einige andere Skizzen, die ich ausgearbeitet einige Ideen. Ich habe hier, ein paar Skizzen für Treibstoff. Also die Art von Essen, die Sie auf einer Spur essen. Ich habe nur eine Mischung aus verschiedenen Dingen wie flache Lagen von Ikoniken , die Energie Gel-Pakete suchen. Eine andere Sache, die ich dachte, war vielleicht genau wie ich Energiegel verwendet, wie ich Energie Kiefer mit oben abgerissen und der Kleber zuckerhaltige Sachen kommen wie eine gebrauchte Zahnpasta Rohr oder so etwas. Vielleicht ein Paket, um deutlich zu zeigen, was es ist und eines, das verwendet wurde, und natürlich vielleicht ein anderes Sortiment an natürlichen und produktbasierten Energiequellen für den Betrieb. Ein paar andere Dinge, die ich verloren hatte, für nur die Wegweiser auf einem Baumstamm. Diese könnten einfach sehr grafisch in sich selbst mit einem hellen Orange vielleicht sein, oder vielleicht nur ein Telefon mit Ihren Trail-Karten halten, gerade da. Vielleicht hält es jemand. Das ist ein einfaches Konzept, das gut funktionieren könnte. Ich hatte einige Skizzenoptionen für Poop, hier habe ich jemanden, der die Tat macht und jemand kommt den Weg runter und sie ist wie ausflippen, weil das schrecklich wäre. Hier ist etwas etwas etwas hinterhältigeres. Nur jemandes Kopf, was machen sie aus? Wir wissen es nicht, aber gepaart mit dem Wort Poop, könnte es ein Gefühl wecken, dass jemand das Geschäft macht. Natürlich, etwas etwas Genteel. Eine Schaufel, ein Handdesinfektionsmittel und eine Rolle Toilettenpapier zum Beispiel. Nur mehr spielen auf der Idee der Person am Baumstamm, was ich wirklich mochte. 18. Projekt | Tage 2–4: Pilotset (fertiges Kunstwerk): In dieser Phase kommt alles zusammen. Hier verwenden Sie die von Ihnen gewählte Technik, um fertige Illustrationen aus Ihren Skizzen zu erstellen. Wenn Sie eine Technik beherrschen, wenn Sie einen Stil haben, in dem Sie arbeiten gewohnt sind, wird diese Phase viel einfacher. Ich finde, dass ich mehr als ein halbes Projekt nur in der Entwicklung von Skizzen verbringen kann. Wenn es an der Zeit ist zu illustrieren, ist es reibungslos Segeln. Dies ist einer der großen Vorteile, wenn Sie einen Satz Stil oder eine Reihe von Stilen haben , in denen Sie arbeiten gewohnt sind. Die Chancen stehen natürlich, dass Sie eine Technik ausprobieren werden, die Sie noch nicht beherrscht haben, und es wird diese Phase sein, die Sie wahrscheinlich am schwierigsten finden werden. Hier erleben Sie die steilste Lernkurve und die größte Geschmackskluft wie andere, wie Lisa Congdon und Andy. J. Pizza hat darauf hingewiesen, wo das, was Sie sich vorstellen, anders sein wird als das, was Sie jetzt tun können. Sie sollten in diesem Stadium erwarten, vor allem bei den Piloten, einige technische Hürden zu stoßen. Sie werden sich fragen, wie Sie alle Dinge tun können, wie Sie einen bestimmten Effekt erzielen, welche Bürste zu verwenden, wie man eine bestimmte Textur erhält. All diese Hürden sind die Dinge, die eine Menge Leute aufgeben versuchen zu überwinden, weil es darin besteht, diese zu durcharbeiten, oder Problemumgehungen zu finden, die Sie Ihre eigene Technik beherrschen und auf der anderen Seite mit einem treueren zu Ihnen herauskommen Stil. Dies ist der Teil der Klasse, in dem ich wünschte, ich könnte Ihnen eine Schritt-für-Schritt-Anleitung Ihrer gewählten Technik geben und Ihnen zeigen, wie Sie Ihre spezifischen Hürden überwinden können. Natürlich arbeite ich nur auf meine eigene Weise und mein Ziel ist es nicht, alle in meinem Stil arbeiten zu lassen. Davon abgesehen werde ich Sie durch meine eigene Art und Weise führen, Dinge zu tun, weil ich Ihnen zumindest sagen kann, wie ich die in dieser Klasse gelehrten Prinzipien auf meine Art der Illustration anwende , und das ist wirklich das Wichtigste, was ich geben Sie Ihnen in dieser Klasse. Ich möchte, dass du siehst, wie Stil nicht nur etwas ist, was ich komplett durch Intuition mache, wie durch Magie. Es gibt eine Menge tatsächliches Denken über Dinge, Strategien und Rationalisierung. Die gute und schlechte Nachricht ist, dass alle Techniken, die Sie lernen möchten, da draußen sind. ob Sie Gouache, Seiden-Screening oder Procreate lernen möchten , jemand unterrichtet eine Klasse darüber. Meine Aufgabe in dieser Klasse ist es nicht, Ihnen spezifische Techniken zu geben, sondern Sie dabei zu leiten, Ihre eigenen Techniken zu entdecken und sie in tatsächlichen Illustrationen auszuarbeiten. Ehrlich gesagt, durch diesen Prozess zu gehen, Wände und Hürden zu treffen , wird Sie dazu bringen, mehr als alles andere zu wachsen. Sie werden feststellen, dass Sie entweder Wege lernen, über Ihre Hürden zu springen, oder Sie finden Wege zu arbeiten, wo Sie diese Hürden ganz erfolgreich meiden können. Am Ende der Etappe haben Sie ein Pilotset, vielleicht 3-4 Illustrationen, die den Stil und den Ansatz demonstrieren , den Sie für den Rest des Sets von E-Z verwenden werden, oder was auch immer Sie aus Ihrem Pilotset ausgelassen haben. Dies wird wahrscheinlich die schwierigste Phase sein, aber Sie werden dann in der Lage sein, alles, was Sie hier gelernt haben, zu nehmen und lassen Sie es Sie hoffentlich reibungsloser durch den Rest des Sets führen . Wenn Sie mit Ihrem Pilotset fertig sind, sollten Sie sie auf der Klassenprojektseite mit einigen Gedanken darüber teilen , wie der Prozess für Sie abgelaufen ist oder läuft. Es ist immer so ermutigend und inspirierend, Ihre Arbeit zu sehen, sowohl für mich als auch für andere Studenten. Eines der großen Dinge an diesem Projekt ist das Teilen. Teilen gibt uns Übung und verletzlich gegenüber unserer Arbeit zu und für ein Publikum zu illustrieren. Es gibt uns auch eine wertvolle Gelegenheit für das gegenseitige Feedback. Achten Sie darauf, andere Projekte zu betrachten, geben Sie ihnen etwas Liebe und sogar ein freundliches Feedback, wenn Sie können. Wenn Sie planen, auf Instagram zu teilen, verwenden Sie bitte das Tag, dieStyleClassLustration. Ich schaue hier auf meinen Bildschirm und was ich getan habe, ist, dass ich gerade alle meine ausgewählten Skizzen aufgestellt habe, und ich habe nur ganz, damit ich sie als Set sehen kann. Sie alle haben ein konsequentes Maß an Raffinesse für sie. Sie sind alle sehr klar, und auch sehr deutlich immer noch Skizzen. Was noch zu tun ist, ist, die Magie mit Farbe und Textur und Form und all den anderen guten Sachen geschehen zu lassen. Ich muss nur eins auswählen und anfangen, es in eine Illustration zu bringen. Ich fange mit dem Bären an. Hier habe ich meine raffinierte Bärenskizze aufgenommen und in ein neues Photoshop-Dokument kopiert und eingefügt. Also für mich werde ich es einfach schnell die Einstellungen meines Dokuments nennen. Sie sind 2400 Pixel breit und 3000 Pixel, oder in Zoll, das sind 8 mal 10 Zoll bei 300 Punkten pro Zoll oder Pixel pro Zoll. Das ist nur das Format, in dem ich mich für die Arbeit entschieden habe, und jetzt muss ich das genau in Photoshop einstellen, hier werden die Dinge real und wir müssen genauer sein. Also habe ich meine Skizze hier. Eines der ersten Dinge, die ich mache, wenn ich eine Skizze in meine endgültige Illustrationsdatei bringe, ist Deckkraft zurückziehen wollte, dass ich dieDeckkraft zurückziehen wollte, also lasse ich das einfach auf etwa 20, 30 Prozent oder sofallen 30 Prozent oder so und ließ das auf der unteren Ebene sitzen Gruppe, die ich skizze nenne. Das wohnt einfach dort. Ich kann es sichtbar machen oder ausblenden, wie ich es brauche, während ich arbeite, und über die Skizzen-Layer-Gruppe lege ich eine Ebenengruppe oben, die ich Kunst nenne, und hier passiert all mein Kunstwerk, all das fertige Zeug passiert innerhalb dieses Ordners. Sehr wichtig, ich mache diese Schicht Deckkraft dieser ganzen Gruppe zu multiplizieren. Alles, was ich in dieser Kunst-Layer-Gruppe mache, zeigt die Skizze all diese Dinge. Du wirst sehen, was ich meine, während ich mitmache. Natürlich, während ich Sie durch meine eigenen abschließenden Illustrationen führe, werde ich Photoshop verwenden. Dies ist nur die App, die ich verwende, die am besten für mich funktioniert. Wenn Sie Photoshop verwenden, dann großartig, dann alle diese gelten, aber immer noch, meisten dieser Dinge werden für jede App gelten, die Sie verwenden, ob es sich um Procreate, Illustrator oder anderweitig. Das ist nur ein bisschen eine Präambel, aber definitiv das Wichtigste, um hier rauszukommen, sind die Entscheidungen, die ich treffe. Wie wende ich die Techniken und stilistischen Dinge an, die ich tue, auf diese speziellen Illustrationsprobleme an? Bevor wir uns selbst zu weit voraus sind, lassen Sie uns das einfach retten. Ich nehme diese Illustration und benenne sie einfach, Bär. Ich gebe ihm immer gerne eine Versionsnummer, da dies mein erster Versuch ist, ich werde es Bear v1 nennen und dann natürlich die kleine Erweiterung dort, psd. Als nächstes möchte ich nur sicherstellen, dass ich meine Proportionen habe. Wie ich schon sagte, ich möchte, dass die Illustrationen ein perfektes Quadrat sind und dann wird der Rest dieses Raumes dort sein, wo ich das Wort setze. Eine schnelle Möglichkeit, nur sicherzustellen, dass es ein Quadrat gibt, ist, ich benutze das Festzelt Werkzeug, das quadratische Festzelt Werkzeug, und ich halte nur Shift, so dass es perfekt quadratisch ist und dann füllt es von Rand zu Rand der Leinwand hier. Dann nehme ich einfach einen Führer und lege ihn unten. Da ist mein perfekter Platz. Ich kann die Auswahl aufheben. Wie Sie schon sehen können, muss ich meine Proportionen in meiner Skizze etwas verfeinern. Ich kann sehen, dass, wo ich beabsichtige, meinen Schriftzug zu setzen, ein bisschen groß ist. Ich werde das einfach da unten legen und ich werde diesen Schriftzug oder Brauch später machen, also spielt es keine Rolle, wie groß das da unten ist. Dann, natürlich, hier oben, möchte ich nur sicherstellen, dass ich so viel von diesem oberen Platz ausfülle, wie ich kann. Ich werde es einfach nochmal speichern und wir sind auf dem Weg zu den Rennen. Für mich, das erste, was ich getan habe, ist nur, ich wähle etwas im Bild, um anfangen zu blinken. In diesem Fall wird es hier die Bärenform sein. Also werde ich einfach anfangen, meine Wege hier mit dem Stift-Werkzeug zu machen, das ich benutze, um diese genauen Formen zu erhalten. Ich habe diese lustigen kleinen Zehenteile hier für den Bären. Ich muss vorsichtig sein. Ich werde einfach schnell die Form hier durchgehen und dann kann ich sie etwas später verfeinern. Jetzt, mit Vektorpfaden, je weniger Kontrollpunkte Sie haben, desto einfacher ist es, die Gesamtform zu steuern, so dass ich immer darauf achte. Das ist eigentlich ein Trick, den ich bei der Herstellung von benutzerdefinierten Schriftstücken gelernt habe. Ich denke, es war in Jessica Hisches Buch über die Gestaltung von Schriftzug, was völlig anders ist als das, was ich tue, aber einige wirklich gute Prinzipien in Bezug auf die Konstruktion eleganter Vektorpfade. Es ist eher eine Illustrator-basierte Technik, aber ich finde, dass das gut funktioniert. Das Hauptprinzip, das ich hier gelernt habe, ist, dass je weniger Kontrollpunkte Sie haben, desto einfacher ist es, diese Form tatsächlich zu steuern. Sie werden weniger Macken damit verbunden , so dass das nur die Vordergrundform des Bären ist. In meiner eigenen Technik in Photoshop mache ich diese Pfade und wende sie dann auf ganze Ebenengruppen an, und dann wird alles, was ich innerhalb dieser Ebenengruppe tue , durch diese Pfadform maskiert und ich zeige Ihnen, was ich meine. Ich könnte das mit einer einfarbigen Farbe wie dieser ausfüllen, aber weil ich einige Texturen darin haben möchte, werde ich einen Pinsel verwenden, den ich gerne benutze. Ich kann mich nicht erinnern, was dieser Pinsel genau so genannt wird, es ist einer von Kyle T. Websters vielen Photoshop-Pinseln. Dies ist ein Guache-basierte Pinsel, ich glaube, es ist von seinem Mary Blair Set, das ich seitdem etwas spezifischer für etwas, das ich zu der Zeit tat, genannt habe , aber ich benutze es die ganze Zeit und ich werde Ihnen nur zeigen, wie das funktioniert. Ich habe diese Pfadform gemacht, ich habe sie maskiert und habe jetzt eine Ebene innerhalb dieser Ebenengruppe, und Sie können sehen, wie ich zeichne, sie füllt die Form aus. Ich werde nur eine andere Farbe wählen. Wenn Sie anfangen, haben Sie möglicherweise kein gutes Gefühl, mit welchen Farben Sie anfangen sollen. Ich habe eine Handvoll Farben, vielleicht sechs oder acht spezifische Farben, die ich fast immer so viel wie möglich verwende es sei denn, der Client bittet mich, dies anders zu tun oder ich habe einige andere Einschränkungen, mit denen ich arbeite, aber das macht meine Farbwahl einfach. Ich überlege nicht, wie man Farben in dieser Klasse wählt. Ich gehe mit Sweet Spots hinein und ich gab einige Aufforderungen in Bezug auf einige Farben Startpunkte, wenn Sie nicht wissen, mit welchen Farben Sie anfangen sollen. Bitte werfen Sie einen Blick auf das in der Klasse, in Projekten und Ressourcen in meiner Sweet Spots Klasse. Lassen Sie uns einfach anfangen, mir ein Gefühl zu geben, wie die Bärenform aussehen wird, und das gibt mir das Gefühl, als würde ich Fortschritte machen und ich finde es einfacher, einfach weiterzumachen. Sobald ich eine mittlere Form oder Form auf der Seite bekomme. Obwohl diese Bärenform alle wie eine Form ist, mache ich die Hintergliedmaßen oder wie die Füße, die hinter getrennt gehen, und das gibt mir eine gewisse Flexibilität, sie später zu beenden und Texturen hinzuzufügen und helfen, Vordergrund und Hintergrund auf dieser speziellen Bärenform später zu unterscheiden. Diese beiden Gliedmaßen, die sich im Rücken lösen, können eine Gruppe sein und ich werde das mit der exakt gleichen Farbe wie zuvor füllen. Ich werde wahrscheinlich eine Schattierung hinzufügen, um diese von den Formen des Bären zu unterscheiden , die näher im Vordergrund sind, oder ich werde Linien verwenden. Hier ist ein Detail, auf das ich achten werde. Ich habe meine kleine Pfotenform dort mit dem Stift-Werkzeug gemacht und es machte diese kleinen Schleifen, dieses kleine bisschen negativen Raum hier. Ich kann reingehen und wirklich pingelig über dieses Detail sein. Sogar die Größe jedes Fingers aus. Dieses kleine kleine kleine hier kann ein bisschen kleiner sein, aber es sind kleine Details wie das. Wie wenn ich auf meine Arbeit über die Jahre zurückblicke und sehe, wenn ich dachte, es wäre okay, diese zu verlassen, gibt es eine spontane Energie für sie, aber ich schaue zurück und sehe einen Fehler. Ich sehe etwas, das ein Detail sein könnte, vielleicht nenne ich es einen Rookie-Umzug und so würde ich jetzt gerne sicherstellen, dass all diese Details wirklich gebügelt sind. Das sieht für mich besser aus und ich kann weitermachen und natürlich können Sie sich entscheiden, einfach Ihre Gesamtformulare wirklich schnell zu erstellen und dann später wieder auf diese Details zu kommen. Das mache ich oft. Aber manchmal, wenn ich etwas finde, werde ich es sofort erledigen und weitermachen. Das ist etwas, das schnell tun kann. Aber füllen wir diesen Bär ein bisschen mehr. Ich finde, diese Textur ist immer noch etwas zu körnig. Ich wollte es einfach ein bisschen mehr füllen und mit diesem speziellen Pinsel finde ich, dass ein bisschen größer wird und dann mehr an der Spitze gearbeitet wird, diese Textur etwas fester ausfüllt. Auch wenn dies ein technisch nicht druckbasierter Pinsel ist, soll es mehr Guache sein. Es hat eine grünie Textur, die mich an grünie Tinte auf Papier erinnert, die viele Gemälde wie, wenn man sich die Arbeit der Provensen, sie arbeiteten in Guache, aber dann würde es auf Papier gedruckt werden, so gibt es diese Crossover zwischen diese Guache-Techniken über Drucktechniken. Sie fühlen sich alle gleich für mich, also werde ich einen anderen Pinsel für das Bärenauge verwenden. Hier habe ich eine benutzerdefinierte, ich nenne es wie ein Feder Pen Typ Photoshop Pinsel. Ich benutze diesen eine Menge für Details und Linienarbeit und solche Sachen. Hier ist das Gewicht des Auges, ich werde das mit natürlich der Pupille füllen , um dunkel zu sein. Meine Techniken, einschließlich der Farben, die ich verwenden möchte und wie viele Farben ich verwenden möchte, sind wirklich inspiriert von dem, was Blexbolex in seiner Arbeit getan hat. Wo er wie eine Handvoll Farben hatte und wenn Sie Farben wollten , die in seiner Palette nicht existierten oder einen dunkleren Ton, konnte er diese Farben mischen, indem er eine über die andere drucken. Ich kann diesen Photoshop mit dem Multiplikationskanal oder dem Multiplikations-Mischmodus emulieren. Dafür ist dieses Blau eigentlich der dunkelste Ton, den ich in den Farben bekommen kann, die ich verwenden möchte. Ich werde hier nur schnell aufstellen. Ich möchte das orange-rot verwenden. Ich benutze das in fast allen meinen Künsten, es ist nur eine meiner Lieblingsfarben, die ich verwenden werde. Ich möchte natürlich auch dieses dunkelblaue verwenden. Ich denke, Gelb wird eine tolle Farbe für das Trailrunning-Thema sein. Dann wäre Grün natürlich eine tolle Farbe, denn du bist im Wald, es gibt viel Grün um, also macht es Sinn, diese Farbe zu haben. Also diese vier Farben, ich tue so, als würde mein Stück mit einem begrenzten Satz von Tinten gedruckt werden, in diesem Fall diese vier. Die Frage ist also, wie kann ich wirklich mit diesen Farben arbeiten und sie so weit wie möglich dehnen, während ich innerhalb dieser Einschränkung bleibe. Für den Bären möchte ich, dass dies jetzt die Startfarbe ist, damit ich das Rot verwenden kann, um den Rest seines Körpers noch dunkler zu machen. Also werde ich nur meinen Mischmodus auf normal einstellen. Ich werde einen Pinsel hier wählen, der Godfather of Grain genannt wird, die von Retro Supply Company ist, ein schöner Druck, Druckerei Einfluss Pinsel. Ich fange an, eine Textur zu zeichnen, über die die Kanten ein wenig unvollendet dort zu lassen, und das wird Licht vorschlagen. Natürlich das Gesicht, ich möchte, dass es leichter ist, also werde ich den Gesichtsbereich vermeiden. Sie können sehen, dass ich einen Teil der Füllung im Unterarm dort verpasst habe, aber das kann ich später herausfinden. Aber lassen Sie uns jetzt den Mischmodus zurücksetzen, um zu multiplizieren. Sie können sehen, ich bekomme diesen schönen dunklen Ton, der aus dem Blau und dem Rot, dem tiefen Blau und dem Rot besteht, und es erzeugt einen schönen dunkleren Ton. Wenn ich das überall mache, wird es einige nette Effekte erzeugen. Es gibt einige Macken hier, wie einige von diesem Rot von unten, die hier durch. Also werde ich einfach das blaue dahinter ausfüllen. Das behebt das. Natürlich hol dir ein paar der hinteren Gliedmaßen, ich erstelle eine neue Schicht und bekomme meinen Godfather of Grain und fülle das einfach hier zurück. Ich werde das multiplizieren. Also finde ich das tiefere Blau nur ein bisschen zu dunkel. Ich denke, wenn ich es nur ein wenig aufgehellt, ging mit einem helleren, würde ich wahrscheinlich mehr von diesem Kontrast zwischen den dunkleren rot gefärbten Bereichen und dem Blau unten sehen . Also, was ich tun werde, ist, dass ich einfach entfernen, Ich habe genau wie ein leicht modifizierter hellerer Ton der gleichen Farbe ausgewählt, und schon sehe ich diese Arbeit viel besser. Sie sehen wirklich diesen subtilen, aber viel deutlicheren Übergang von den rot gefärbten Bereichen oder den rot getönten Bereichen zu diesem Blau. Ich denke, das wird viel schöner durchkommen. Genau wie eine technische beiseite, wenn Sie im Druck arbeiten, wenn Sie zum Beispiel ein Bilderbuch machen, und es wird auf bestimmte Arten von Papier sein, vor allem unbeschichtetes nicht glänzendes Papier, diese dunklere Farben beginnen wirklich miteinander zu bluten. Mit einer etwas helleren, dunkleren Farbe wird wirklich Ihre Chancen dass es nicht zu schlammig aussehen, wenn sie mit den anderen Farben verglichen werden, vor allem, wenn zwei dunklere Farben schlagen gegeneinander. Ich werde das auch für hier tun. Also gehe ich zurück zum Pate of Grain. Ich denke, ich werde nur einige dieser Bereiche ausfüllen, die ich fühle, sind jetzt ein bisschen zu leicht und kontrastiert. Wir wollen vor allem dunkel sein, bis auf das Gesicht. Also jetzt möchte ich an den Details des Bären wie die Nase, den Mund und einige der Linien vielleicht arbeiten . Ich werde hier einen Pinsel benutzen, es ist ein 4H Bleistift aus Kyles Zeichenbox. Ich denke, wenn ich weiß hier mache und einfach ein paar schnelle Striche benutze , sollte das reichen. Jetzt werde ich diese Striche setzen, über alle Bärenformen und es einfach verwenden, um einige dieser Details zu klären, die sonst verloren gehen würden. Ich denke, was ich tun werde, ist, dass ich anfangen werde zu glätten auf ein wenig und das wird nur helfen, meine Pinselstriche viel glatter zu sein, als ich natürlich mit meiner eigenen Hand machen kann. Dafür denke ich, dass es sicher helfen wird. Ich setze das auf etwa 70 und jetzt ist das viel besser. Eine Sache, auf die ich in Bezug auf Stil achte, ist zunächst leicht in diesen Schlaganfall zu kommen , fast wie ein Jet, der auf der Landebahn landet. Zuerst berührt es leicht und dann liegt das volle Gewicht des Dings auf dem Asphalt. Das lässt den Strich hier einfach richtig einfedern. Es schafft also kein abruptes Ende dieser Form, was meiner Meinung nach ein schöner Effekt für diesen besonderen Stil ist. Hier oben werde ich auch nur definieren, wo Hals und Brust des Bären sich mit dem Arm schneiden, der hinten ist. Wieder, nur kurz vor dem Arm zu stoppen. Ich brauche diese Linie nicht, um den ganzen Weg bis hierher zu schlagen, wenn ich das getan habe, werde ich das wirklich schnell machen, du wirst sehen, dass es zu viel Aufmerksamkeit auf diese Kreuzung genau hier lenkt. Ich denke nicht, dass das notwendig ist, um diese zwei verschiedenen Formen zu unterscheiden, die sich auf zwei verschiedenen Ebenen befinden. Gleiche mit dem, was hier vor sich geht. Nur eine kleine Linie, um die bloßen Finger ein wenig mehr zu trennen. Nun, Bären haben nicht wirklich Finger, aber das ist kein realistisch aussehender Bär und wir nehmen ein paar Freiheiten. Diese kleinen Details helfen nur, ihm ein wenig mehr Charakter zu geben. Ich kann sie später immer überarbeiten, wenn ich das Gefühl habe, dass sie der falsche Weg sind. Hier finde ich also, dass der Bogen meines Schlaganfalls eigentlich nicht mit dem Bogen der Pfadform übereinstimmt, die ich dort gemacht habe, und das ist etwas, das ich reparieren möchte. Ich könnte es jetzt oder später reparieren, aber es ist etwas, das man beachten muss und nur diesen Übergang ein bisschen glatter ist. Das Schöne an diesem Verblasseffekt, das Flugzeug, das zuerst sanft nach unten berührt, ist, dass es impliziert, dass die Linie weitergeht ohne dass Sie tatsächlich die Linie den ganzen Weg setzen müssen. Es ist nur eine elegantere Art, diese Linie zu platzieren. Für dieses Detail hier möchte ich nur sicherstellen, dass diese kleinen Linien, diese weißen Linien, die die kleinen Höcker, diese kleinen scharfen Ecken, verdecken oder verstecken . Wenn ich den Striche einfach da oben lasse, nimmt es diesen kleinen scharfen Moment der Spannung weg und mildert ihn ein bisschen. Das einzige, was auf dem Bären hier noch zu tun ist, ist natürlich der Mund. Ich versuche es einfach dort zu streicheln, lassen Sie es und sehen, wie es später bei mir sitzt. Dann, was die Nase betrifft, gehe ich zurück zu dieser roten Schicht diese hier, und benutze einfach meinen Farbpinsel auf derselben Schicht und verwende die gleiche Farbe von Rot. Es ist die gleiche Idee des Drucks, der Ton über den blauen Ton zu lesen, das ist diese printy Sache, die ich versuche, in diesem Stil zu gehen, und nur zeichnen, dass Nase da drin. Wenn ich manchmal finde, dass die Ränder von dem, was ich gemalt oder gezeichnet habe, nicht genau das sind, was ich will. Ich kann das Radiergummi-Werkzeug verwenden, das auf einen Pinsel eingestellt ist. Das ist eine andere, die ich genannt habe und längst vergessen habe, was der eigentliche Pinsel ist, aber ich kann das Radiergummiwerkzeug auf diesen Pinsel setzen und dann das ein wenig glätten. Reinigen Sie es einfach auf. Ich will nicht perfekt knackig sein. Ich möchte ein wenig ein grobes handgefertigtes Gefühl, aber es ist ein kleines Detail und ich denke, es sieht nur ein wenig glatter aus. und wieder ist es schön, deine Skizze zu verstecken und zu sehen, wie dein eigentliches Kunstwerk kommt. Ich fühle mich ziemlich gut mit diesem Bären, und er sieht nicht super beängstigend oder bedrohlich aus, aber er ist super süß. Ich glaube, ich werde einfach weitermachen. Das nächste, was ich tun werde, ist, dass ich diesen Baum machen werde. Ich denke, für diesen hier werde ich den Baum auf etwa die Höhe der Füße des Bären herabkommen lassen. Ich werde nur eine Richtlinie dort zeichnen, nur um zu zeigen, dass die Füße des Bären sind. Der Boden des Baumes und der Bär sitzen beide auf einem imaginären Boden, auf dem ich vielleicht gar nicht hineinziehen muss. Natürlich kann ich den Baum über die Oberseite der Leinwand hinaus verlängern , weil der Baum natürlich mehr geht als nur bis dorthin. Auch hier enthalte ich eine Ebenengruppe mit einer vergangenen Form und dann wird alles, was ich in dieser Ebenengruppe zeichne, enthalten, diese schöne scharfe Kante haben. Für den Baum werde ich verwenden, wenn Sie die Farben referenzieren, ich speck für dieses Projekt. Ich muss einen Weg finden, braun zu machen. Ich denke, meine beste Wette wird irgendwo darin sein, die roten und grünen Farben hier zu kombinieren, oder in meiner Phantasie, das sind Tinten. Ich werde hier zuerst eine rote Ebene zeichnen, wieder, mit meinem breiteren, texturbasierten Pinsel. Was ich an diesem Pinsel liebe, ist, dass ich ihn größer machen kann, aber die Textur, die daraus kommt, bleibt immer die gleiche Skala, egal was ich tue. Ich könnte weiter über diese und die Textur putzen, wo diese kleinen genauen weißen Stachel immer an Ort und Stelle bleiben, als ob das die eigentliche wörtliche Textur des Papiers ist, also das ist großartig. Es ist wahr, fühlt sich ein wenig schief an, also werde ich es gerade ausrichten, vielleicht ein bisschen mehr, weniger verjüngt. Das nächste, was zu tun ist, ist natürlich, den Baum ein wenig brauner zu machen. Wenn ich etwas Grün darüber ziehe, setze den Mischmodus erneut auf Multiplikation ein. Ich fühle mich wie das gibt mir eine schöne braune Farbe wirklich. Das nächste, was ich vielleicht tun möchte, ist, fügen Sie einige der tatsächlichen vielleicht Rindentexturen hinzu. Ich denke, was ich tun werde, ist, dass ich hier eine weitere Ebene hinzufügen und den blauen Farbton verwenden werde, mit dem ich gearbeitet habe. Ich werde mehr Bleistift-Textur verwenden und das einfach einzeichnen. Natürlich, wenn ich den Mischmodus auf Multiplikation setze, dunkelt er sich plötzlich ab und hat diesen schönen harmonischen Farbeffekt. Schließlich möchte ich es nur ein wenig Textur zu diesem Baum hinzufügen , nur um ihm ein bisschen Atmosphäre zu geben. Wieder, Pate von Grün ist großartig. Obwohl ich diesen körnigen Pinsel verwende, benutze ich den anderen, desto mehr Gouache-Pinsel, den ich für die breiten Texturen verwende. Dann benutze ich diesen Bleistiftpinsel für einige dieser Umrisse. Letztendlich werde ich an einem sehr engen, begrenzten Satz von Pinseln und Photoshop kleben , die ich auf verschiedene Arten verwende. Die Herausforderung besteht darin, wie diese alle verschiedene Dinge tun können. Aber der Vorteil, nur ein paar Pinselstile anstelle eines anderen Pinsels für jeden möglichen unterschiedlichen Effekt zu verwenden, ist, dass es stilistische Konsistenz schafft. Das ist eine große Sache, wenn Sie Konsistenz in Ihrer Arbeit wollen, verwenden Sie immer die gleichen Farben. Verwenden Sie immer den gleichen Satz von Bürsten. Verwenden Sie immer die gleiche konsistente Reihe von Schriftarten. All diese Dinge summieren sich im Laufe der Zeit. Wenn Sie über Ihre Körperarbeit schauen und wenn Sie immer konsistent auf diese Weise sind, entsteht ein konsistenter Stil. Ich werde nur diesen körnigen Pinsel verwenden, gleichen Blauton für Harmonie. Ich denke, wenn ich so eine Sache erschaffe, reicht das. Für diese Bäume werde ich hier meine Gouache-Bürste benutzen. Ich nehme die Größe auf vielleicht 60 und benutze natürlich Grün. Ich werde Glättung auf vielleicht 70 oder 80 Prozent einstellen. Was ich nicht will, ist etwas, das zu mechanisch aussieht. Ich will, dass es ein bisschen Eigenheit darin gibt. Ich werde die Zweige hier nur ein bisschen mehr machen, als ich sie in der Skizze gezeichnet habe. Gib ihm ein bisschen mehr Charakter. Ich könnte das kopieren und einfügen, vielleicht eins tiefer machen, und wenn ich finde, dass sich das einfach zu offensichtlich wiederholend ist, was ich tun könnte, ist, jeden einzeln zu modifizieren. Sie sind also Duplikate, aber ich kann sie unabhängig voneinander modifizieren, was jedem ein bisschen mehr ein einzigartiges Gefühl verleiht. Ich benutze das Radiergummi-Tool hier, um einige davon zu reduzieren und zu schärfen, sie ein wenig mehr aussehen zu lassen, wie ich es gemeint habe, und das ist eine große Sache, wenn Sie digitale Werkzeuge verwenden. Das Risiko, das Sie laufen, indem die Bürsten eines anderen, die kommerziell verfügbar sind, ist, dass andere Leute werden sie auch verwenden. Sie sind also nicht bereit zu gehen, wenn Sie einen Pinsel gefunden haben, den Sie lieben, sollten Sie immer eine Möglichkeit finden, ihn auf einzigartige Weise zu verwenden. Manchmal wird das sehr leicht kommen, nur in der Art, wie es landet durch die Art, wie Ihre Hand bewegt sich natürlich, aber auch in der Art, wie Sie die Markierungen ändern, die dieser bestimmte Pinsel macht. Es macht wirklich einen großen Unterschied, wenn Sie nur einige out of the box Preset oder Pinsel verwenden . Ich lasse einige Macken bleiben, während ich dies tue, und erlauben einige Unfälle zu bleiben und sich nicht zu viel darüber Sorgen zu machen, ist eine Strategie, die Sie verwenden können, um Ihre Arbeit spontan und nicht überarbeitet aussehen zu lassen. Für Gras werde ich einen Bleistift-Binsel verwenden, etwas, um es dort handgezeichnet aussehen zu lassen, und ich bin nur durch ein paar der Bleistiftpinsel, die ich zur Hand habe. Sehen Sie, was am besten funktioniert. Dieser funktioniert gut und achtet nur auf die Breiten, die herauskommen. Auch hier verwende ich Wiederholung, wenn du über Stilisierung und Designprinzipien nachdenkst. Wiederholung hier ist nur mit drei derselben Sache, aber jeder wird auch unabhängig gemacht, was jeden macht, sie erzeugt nur ein bisschen mehr Bewegung, so dass es gleich, aber anders ist. Für diese Stangen denke ich, was ich für diese Stangen tun werde, ist präziser. Ich werde mein Stiftwerkzeug benutzen, und ich denke, die werden gelb sein. Ich habe hier Gelb verwendet, weil ich etwas Farbvielfalt hinzufügen muss, und ist nur eine Gelegenheit, etwas davon hier zu bringen. Für die Griffe verwende ich einfach das dunklere Blau. Willst du, dass diese Griffe oben sind, und ich freihändige das als kleines Detail, und ich kann das eigentlich einfach duplizieren. Legen Sie das auf die andere Stange, und dann zeichne ich die kleinen Schleifen vielleicht mit der gleichen Linienqualität wie beim Bären. Ich könnte das sogar für weitere Wiederholungen duplizieren. Manchmal hätten die Böden dieser Stangen einen Teil aus Gummi. So etwas wie das. Es kann ein Gefühl für ein Design sein oder vielleicht sind es zusammenklappbare Pole, und das ist die Verbindung, wo Sie es verlängern können, so etwas. Nun, bevor wir in den Schriftzug kommen, werfen wir einfach einen Blick auf das Bild. An diesem Punkt stellt sich die Frage, ob es genug ist, dass dieser Bär hier ist und diese Stangen hier sind, aber Sie sehen den Läufer nicht wirklich? Ich mag das. Ich denke, wenn es eine Reihe von Trailrunning ist, und du weißt das schon, kommst du rein und siehst die Pole da unten. Es gibt genug Geschichte im Bild, und es gibt etwas Befriedigendes, wenn Sie ein Bild sehen , wo Sie bekommen, um zu machen, was passiert ist ein wenig, Sie erhalten, um zu beteiligen, um den Rest des Bildes. Ich werde das da lassen und mich jetzt auf die Herstellung des Schriftzugs konzentrieren. Oft mache ich meinen Schriftzug mit einem flachen Pinsel mit Tinte, und dann lege ich ihn auf Papier und scanne ihn hinein. Aber ich habe tatsächlich eine Möglichkeit, das digital zu emulieren. Ich werde dir nur zeigen, wie ich das in Procreate mache. Ich werde hier rüber zu Procreate springen und ich werde hier ein neues Dokument erstellen. Ich habe es Ihnen früher mit Hilfe von Zeichenhilfen gezeigt. Zeichenführungen eignen sich hervorragend für Beschriftungen. Was ich gerne tun möchte, ist, dass Zeichenführer näher zu sagen, ein Wert von 75. Dann misse ich meine Buchstaben einfach so aus, wie viele Gitterquadrate jeder Buchstabe ist. Dann weiß ich, wenn ich machen muss, wie für diese Serie, werde ich ein Wort für den Bären tun, und dann für verloren und dann so weiter für die ganze Serie, wird es gut sein zu wissen, wie viele Gitterquadrate ich verwendet habe und dann kann ich sein sehr konsistent über die Proportionen meines Schriftzugs. Für diesen benutze ich einen flachen oder quadratischen Markierungspinsel. Das wird ein bisschen klein sein, wenn ich es in einen Photoshop bringe, also werde ich das ein wenig größer machen. Nur in Bezug auf Pfadglättung oder Strichglättung, wie ich es in Photoshop getan habe. Sie können das auch in Procreate tun. Das Feature in Procreate wird als Stromlinieneingabe bezeichnet. Für diesen Pinsel und zum Schriftzug ist es gut um 50 Prozent zu haben. Es nimmt mir die rohe Wackeligkeit meiner Hand weg, lässt aber trotzdem einige Unfälle nur etwas weniger passieren. Also das erste Wort hier ist natürlich Bär. Nur messen, wie viele Gitterquadrate ich hier habe, 3, 4, 5, 6, 7. Sie werden bemerken, dass ich bestimmte Striche gemacht habe, bevor ich in meine horizontalen Striche ging. Ich finde nur, dass, wenn ich ein Wort mache und mich zuerst auf die vertikalen Striche und dann auf die horizontalen Striche konzentriere , es mehr Konsistenz im Rhythmus dieser Buchstaben schafft. Natürlich werde ich jetzt ein Radiergummi verwenden, um nur einige der Sachen, die roh aus meinen Händen kamen, zurückzuschneiden , verfeinern Sie es ein wenig. Ich denke, das ist eine große Sache, wenn Sie so viele Pinsel in digitalen Werkzeugen wie Procreate und Photoshop zur Verfügung haben. Es genügt nicht nur, den Pinsel und den Effekt zu haben, der aus der Box kommt. Es ist gut, eine Möglichkeit zu finden, diese Arbeit auf benutzerdefinierte Weise ein wenig mehr zu machen und zu zeigen, dass Sie mehr Kontrolle über Ihre Werkzeuge haben. Ich erlaube, dass einige der Bits, die ich zurücklösche, sichtbar bleiben, nur als ein kleiner Hinweis auf meinen Prozess, ohne dass es auf der anderen Seite völlig versteckt oder völlig offensichtlich ist. Bevor ich Illustratorin war, war ich Designerin. Ich wurde als Designer ausgebildet und dadurch haben wir eine Menge typografischer Ausbildung gemacht, lernen, wie Briefe in einem offiziellen Sets gebildet werden. Eine Menge von der Art, wie ich verstehe, wie Schriftzug funktioniert, kommt daraus und ich hatte auch einige Übung, mehr Handschrift aus Lehrbüchern wie Speed Ball, Hand Schriftzug Lehrbücher und andere solche Ressourcen zu tun. Nur wenn ich die Idee verstehe deine vertikalen Striche und deine horizontalen Striche zu machen, habe ich das nicht erfunden, das ist nur eine Technik, die ich gelernt habe, indem ich die Lektionen anderer Leute effektiv studiert habe. Ich habe mein erstes Wort hier. Nun, es wird wichtig für mich sein, als ich zurückkehrte, um mehr Worte zu tun, die ich immer weiß, welche Einstellungen ich verwende, so dass es für diese Serie konsistent ist. Zu wissen, wie viele Gitterquadrate dies groß ist, gehört dazu. Der andere Teil davon ist nur zu wissen, wenn ich meinen flachen Pinsel hier benutze, was ist die Größeneinstellung, die ich verwendet habe. Ich werde nur notieren, dass diese, glaube ich, 16 Prozent waren, und ich schreibe das hier im Dokument auf. Tabellenkalkulation betrug 16 Prozent. Jetzt werde ich das einfach kopieren und in Photoshop einfügen. Da dies ein iPad ist und ich an einem Mac arbeite, kann ich AirDrop dafür verwenden, also kopiere ich das einfach, und wenn es dann in Photoshop kommt, gehe ich bis zur obersten Ebene und Kunst, Stück, dass in, und das ist fast eine perfekte Größe, die gut funktioniert. Natürlich muss ich an diesem Wort einige Anpassungen vornehmen. Ich werde das R näher an das A bringen. Ich möchte es auch lesen lassen und ihm ein bisschen mehr von den Texturen geben, die anderswo offensichtlich sind. Ich denke, es ist subtil, aber es hat keine der gleichen Texturen und ich möchte, dass das auch durchkommt. Was ich tun werde, ist, die ganze Sache zu schneiden. Ich gehe zu Kanälen und zeige diese Technik in Tinte Illustrationen speziell, wo ich Kanäle verwende, um in Tinte Texturen zu sampeln. Es funktioniert auf die gleiche Weise mit jeder Art von Marke, die jede Art von Medien macht. Aber im Grunde erstelle ich einen Kanal dieser Markierungen, in diesem Fall Schriftzug, und dann klicke ich mit der rechten Maustaste auf den Alpha-Kanal und verwende dann die Maske, die geladen wird, um eine einfarbige Füllung innerhalb der Form dieser Briefe. Ich wollte das so rot machen, aber ich werde es in blauer Farbe belassen, und ich zeige Ihnen, warum. Ich werde das hier runterbringen. Das ist eigentlich die dunklere Farbe. Ich werde das hier runterbringen. Ich werde das eigentlich nur in ein Smart Object verwandeln , so dass, wenn ich es nach oben und unten skaliere, es keine Informationen verliert. Ich mach es ein bisschen nach unten, setze es hier. So bekomme ich die Textur, die ich vom Pinsel bekommen habe. Ich mache nur eine Ebene über die Oberseite und wähle dann den Texturpinsel aus, stelle sicher, dass er auf meine rote Farbe eingestellt ist, und ich werde einfach anfangen, das mit demselben Pinsel zu malen. Hier passiert die Magie. Wenn ich auf Befehl Option G klicke, erstellt das eine Maske aus den unten stehenden Markierungen und erlaubt mir, alles, was ich will, darüber zu malen, und es nimmt nur die Qualitäten der Texturen oder was auch immer auf dieser oberen Ebene hier passiert. Photoshop nennt diese Clipping-Maske offiziell. Sie könnten auch einfach mit der rechten Maustaste auf diese Ebene und gehen Sie erstellen Clipping-Maske und das wendet diese Textur und Farbe an, die ich darüber nach unten gemacht habe , und plötzlich haben Sie dieses harmonische Bild, alle die gleichen Texturen passiert, ein wenig Abwechslung, weil ich verschiedene Pinsel und bestimmte Farbharmonie verwendet habe, weil ich nur vier Farben verwendet und ich habe sie kombiniert, um zusätzliche Farben zu machen, und alles, was zusammen kommt wirklich schön im endgültigen Bild. Nachdem wir den Bären gemacht haben, werden wir wohl zur nächsten Illustration übergehen. Der nächste, den ich angehen möchte, ist verloren. Ich habe meine Skizze hier in die endgültige Bilddatei eingefügt, und jetzt kann ich sicherstellen, dass sie schön in diesem Raum sitzt. Ich werde vielleicht den Schriftzug vom eigentlichen Illustrationsteil trennen. Ich werde den Schriftzug näher bringen, wo er später landet. Dann werde ich es fit machen, ich will, dass diese Beine bis auf den Grund dieses Quadrats kommen. Der Unterschied zwischen diesem und der Bärenillustration, die ich gerade gemacht habe, ist, dass der Bär , wo die Füße des Bären im Boden des Baumes waren, ein wenig über dieser Grundlinie saß, dieser Führer, den ich habe dort. Dieser wird den ganzen Weg zu diesem Führer gehen und wir werden die Trail-Läufer hier ein bisschen abschneiden. Solange ich dieses Bild richtig komponiere, wird es gut aussehen. Ich hatte diese Skizze und ich zog zurück in weniger undurchsichtig und dann habe ich alles in der Kunstschicht. Nun, ich habe eine Aktion gemacht, die einfach alles automatisch macht, aber es tut genau das, was ich im letzten Bild gezeigt habe, wo ich die Skizze auf einer Ebene habe und auf etwa 20 Prozent zurückgezogen habe, und dann passiert die ganze Kunst in der Kunst -Layer-Gruppe. Wieder möchte ich mit der Sache beginnen, die mir am meisten im Bild auffällt, das ist immer mein Ausgangspunkt, und natürlich wird t, Hut wird in diesem Fall der Charakter sein. Ich glaube, ich habe einen kniffligen Teil von ihm ausgewählt, aber ich werde damit rollen. Es ist schwierig, weil es hier viele Schichten gibt. Da ist sein Trizeps oder der obere Teil seines Armes, und dann überlappt das seinen Unterarm. Und dann sind da das Telefon und die Finger drauf. Das ist ein bisschen viel, aber ich werde sowieso mutig darauf eingehen und das werde ich in ein bisschen herausfinden. Eigentlich werde ich seinen ganzen Oberkörper bis zu seinen Knien als ein Stück behandeln. Ich werde meine erste maskierte Ebenengruppe so erstellen. Ich denke, ich werde hier nur eine zusätzliche Farbe vorstellen, irgendwie wie ein wirklich blassrosa. Ich werde das als meine Grundfarbe verwenden. Während Sie in Ihrem Set mitmachen, können Sie feststellen, dass Sie Ihre Einschränkungen nur ein wenig ändern müssen. In diesem Fall war eine meiner Einschränkungen, diese vier Farben zu haben. Ich habe tatsächlich beschlossen, dass ich eine weitere Farbe, Grundfarbe, mit der ich arbeiten möchte. Jetzt habe ich das Orange-Rot bis Grün, das tiefere Blau und das Gelb und jetzt füge ich das Rosa hinzu, dieses sehr hellrosa. Daraus kann ich alle Arten von zusätzlichen Tönen erhalten, indem ich sie um andere Farben vergrößere. Das sind meine ersten Formulare. Jetzt trägt er natürlich keine Kleidung, die so eine Farbe hat. Ich denke, seine Shorts werden hier unten so tiefer blau sein, das werde ich einfach rauh. Dann denke ich, sein Hemd, werde ich mit einem gelben beginnen und sehen, wie das geht. Ich denke nur darüber nach, was die Baumfarben hinter ihm sein werden, also brauche ich Farben, die sich davon unterscheiden. Jetzt werde ich hier nur ein Stift-Werkzeug verwenden, um das Hemd ein bisschen präziser und ausgeschnittener zu machen. Ich verstecke meine Skizze für eine Sekunde, nur um zu sehen, wie das kommt. Noch nicht viel zu schätzen wissen, also werde ich einfach weiter einstecken. Beginnen Sie als Pack, die mir die Möglichkeit geben, eine andere Farbe zu tun, dass Orange-Rot wird großartig dafür sein. Ich mag es, diesen Texturpinsel zu verwenden, weil er die Farben darunter erlaubt, nicht nur als ob ich weiß gehe, Sie können sehen, wie das weiße Papier oder die Seitenfarbe durchkommen. Es lässt auch, welche Farben es über oben glänzen durch die kleinen pfeffrigen Punkte gibt, diese kleinen salzigen Punkte oder salzigen Spezifikationen. Für die Haare muss ich nicht wirklich super präzise sein, glaube ich nicht. Ich denke, ich werde den Rand dieses Pinselstrichs hierverlassen dieses Pinselstrichs hier um die Kante seiner Haare zu sein, weil Haare neigen dazu, eine weichere Eigenschaft zu sein. Ich glaube, ich kann hinzufügen, hier ist sein Finger hier, der an der Kartenschnittstelle hier herumstößt und ich kann das hier reinschleichen und sehen, dass sie das richtig aussehen können. Natürlich, füllen Sie es einfach mit der gleichen rosa Farbe. Vielleicht, was wir als nächstes tun, ist ein paar Details über oben hinzuzufügen. Also gehen wir zurück zu dem gleichen 4H-Bleistift, den ich für die Linienarbeit des Bären verwendet habe . Ich erinnere mich, dass ich den Glättungsprozentsatz auf etwa 70 eingestellt hatte und das erlaubt mir, ein bisschen mehr von einer kontrollierten Linienqualität zu haben. 19. Projekt | Tage 5 bis 26: Das Set vervollständigen: Dies ist der Teil, in dem Sie die ganze Reihe von Illustrationen vervollständigen. Ihr Ziel ist es natürlich, eine Reihe von 26 Illustrationen zu haben, die Sie darüber genauso viele Tage erstellt haben. Sie können sich mehr Zeit nehmen, wenn Sie müssen, oder Sie können versuchen, diese in weniger Tagen zu drücken, wenn Sie sich ehrgeizig fühlen. Die größte Stärke dieses Projekts besteht darin, wie es Sie herausfordert, an einem konzentrierten Ziel über einen längeren Zeitraum zu arbeiten . Sie werden nicht nur eine Menge über den Stil und die Technik lernen, in der Sie arbeiten möchten, sondern darüber, wie Sie sich im Laufe der Zeit verändern und wachsen. Kein Zweifel, Ihre letzte Illustration wird anders sein als Ihre erste, vor allem, wenn Sie einige neue Techniken lernen. Das Ziel für dieses Projekt zumindest auf den ersten Blick nicht, ist zumindest auf den ersten Blick nicht, ein perfekt zusammenhängendes Set von A bis Z zu haben. Der Punkt ist, dass Sie wachsen und besser werden. Was Sie vielleicht am Ende haben, ist ein Set, das sich im Laufe des Projekts entwickelt. Wenn Sie möchten, können Sie immer wieder zurück zum Set gehen und die Knicke später ausarbeiten. Wenn es darum geht, ein tägliches Projekt zu haben, das Sie mit anderen teilen, geht es nicht darum, dass jede Illustration perfekt herauskommt und sich nie in der Qualität von einem zum nächsten ändert, was interessanter ist, auf das ganze Set zurückzublicken und Sie der Künstler wächst, und sich weiterentwickeln, und immer besser. Ein tägliches Projekt ist keine Geschichte darüber, wie perfekt Ihr Stil zusammenhängend ist, sondern wie Sie es ausarbeiten und auf dem Weg neue Dinge lernen. Das ist die Geschichte, von der andere inspiriert werden, und das ist die Geschichte, die wir für uns selbst wünschen sollten. Nun, ich werde ehrlich hier sein, ich habe mein Palettenset gemacht, aber zum Zeitpunkt der Aufnahme dieser Klasse ist das so weit, wie ich weg bin. Während ich mein Alphabet von Trailrunning vervollständige, ehrlich gesagt, wollte ich mehr laufende thematische Illustration machen, und diese Klasse gab mir die Möglichkeit, es tatsächlich zu tun. Wer weiß, vielleicht werde ich so von deinen ganzen Sets inspiriert sein. Ihr werdet mir alle so hart in den Hintern treten, dass ich das Gefühl habe, dass ich keine andere Wahl habe. So oder so, nachdem ich die Palette gemacht habe, habe ich bereits eine Menge darüber gelernt, wie ich dieses Thema angehe, und ich habe jetzt etwas, das ich auswählen kann, wenn ich ein persönlicheres Projekt machen oder Inhalte für Instagram erstellen möchte . Ein mehrtägiges Projekt muss nicht jeden Tag passieren. Es kann so oft passieren, wie Sie können oder wollen. Das ist vielleicht meine Ermutigung für diejenigen, die das Gefühl haben, 26 sei noch zu viel Arbeit. Ich verstehe, wir sind beschäftigt und das Leben passiert. Selbst wenn Sie das Palettenprojekt abschließen, sind Sie so weit voraus, wenn Sie neue Techniken lernen und Ihre Stilfragen ausarbeiten. Ich ermutige Sie, die Palette zumindest zu vervollständigen, und dann fühlen Sie sich frei, es dabei zu lassen. Aber ich weiß, wenn du die vollen 26 machst, wird es dich nicht aufhalten. 20. Abschließende Bemerkungen!: Alles klar, Leute, wir haben es geschafft. Wir haben alle Ihre Stilprobleme gelöst und jetzt haben Sie einen völlig einzigartigen einzigartigen Stil und Sie müssen sich nie wieder um Ihren Illustrationsstil kümmern. Das ist großartig. Vielleicht haben Sie immer noch Fragen, aber ich hoffe, Ihre Fragen sind spezifischer und sogar, dass Sie mehr von ihnen haben , weil es keine Fragen gibt, die uns zurückhalten, aber nicht zu wissen, die richtigen Fragen zu stellen sind. Hoffentlich, wenn Sie durch die Vorträge, Übungen und das Projekt dieser Klasse gehen , werden Sie feststellen, dass Sie mehr der richtigen Fragen zu stellen, und dass Sie in der Lage sind , vorwärts zu treiben und nicht mehr so viel stecken zu bleiben. Auch hier ist mein ganzer Zweck für diese Klasse, Ihnen zu zeigen , dass Stil nicht etwas ist, das Sie ein für allemal herausfinden können, dass es etwas ist, das Sie im Laufe der Zeit entdecken während Sie sich entwickeln und wie es sich mit Ihnen entwickelt. Egal, ob Sie ein Künstler Illustrator mit einem sehr disziplinierten Einzelstil oder Designer-Illustrator mit einer Handvoll Stile zur Verfügung stehen, Stil ist ein Werkzeug, das Sie verwenden können, um Ihnen bei Ihrer Arbeit zu helfen. Style lenkt Sie und Ihre Kunden und nicht umgekehrt. Sie müssen sich nicht von einem Stil gefangen fühlen, in dem Sie sich überhaupt nie wohl gefühlt haben. Sie Ihren Stil finden, geht es darum zu wissen, was Sie inspiriert, wie Sie diese Inspiration übernehmen und ihn authentisch in Ihre eigene Arbeit kanalisieren können. Wenn Sie dies tun, ist es nicht eine Frage, welcher Stil für Sie der richtige ist, sondern darüber, welche Arbeitsweise für Sie am besten ist und was Ihnen Freude bereitet und Wachstum und Transformation auf dem Weg erlebt. Während Sie an Ihren Übungen und Projekten arbeiten, teilen Sie es bitte auf der Klassenprojektseite. Der beste Weg, um Feedback von mir und anderen zu erhalten , ist es, es hier mit dem Rest der Klasse zu teilen. Ich liebe es, deine Projekte so sehr zu sehen. Ich weiß, dass dies eines der größten und ehrgeizigsten Projekte , und ich danke Ihnen so sehr für Ihre Zeit und Ihr Engagement hier. Wie immer, wenn Sie auf Instagram teilen, bitte achten Sie darauf, den Hashtag #thestyleclassillustration zu verwenden. Ich liebe es, deine Arbeit in freier Wildbahn zu sehen, und das ist der beste Weg für mich, sie außerhalb von Skillshare zu entdecken. Leute, diese Klasse war ein Doozy zusammenzufassen, aber es war so eine Freude, zu lehren. Vielen Dank für die Teilnahme an der Klasse und für Ihre Unterstützung, wie ich sie zusammengefasst habe. Ich möchte nur sagen, dass es einen Moment gab, als ich diese Klasse schrieb , als ich bezweifelte, dass diese Klasse zusammenkommen würde, und so viele von euch schickten mir Worte der Ermutigung, und es war wegen eurer Unterstützung, dass ich weitermachen konnte, also danke Ihnen. Ich kann es kaum erwarten zu sehen, was du für die Klasse machst und wie es dir bei deiner eigenen Arbeit hilft. Nochmals vielen Dank. Wir sehen uns in der nächsten Klasse. 21. Gehe tiefer mit einer 1:1-Session: Hey, nur eine letzte Sache. Falls dir dieser Kurs gefallen hat und du auf deiner kreativen Reise das nächste Level erreichen möchtest . Ich freue mich, Ihnen mitteilen zu können , dass ich in Zusammenarbeit mit Skillshare Einzelcoachings anbiete in Zusammenarbeit mit Skillshare Einzelcoachings Dabei handelt es sich um einstündige direkte Videoanrufe mit mir, bei denen Sie maßgeschneiderte persönliche Unterstützung in den Bereichen erhalten, die Sie am dringendsten benötigen Dazu gehören Portfolioberichte und Illustrationskritiken, Branchen- und Karriereberatung, personalisierte Tutorials und natürlich direkte persönliche Unterstützung bei allen meinen Kursen, auch bei diesem. Die Sitzungen kosten 130 USD oder 105 USD, wenn Sie ein Die Sitzungen kosten 130 USD oder 105 USD, wenn Sie . Dazu gehören Portfolioberichte und Illustrationskritiken, Branchen- und Karriereberatung, personalisierte Tutorials und natürlich direkte persönliche Unterstützung bei allen meinen Kursen, auch bei diesem. Die Sitzungen kosten 130 USD oder 105 USD, wenn Sie ein Patrin sind Unterstützer und nur 80$, wenn Sie an einer qualifizierenden Hochschule oder Universität studieren Jetzt weiß ich, dass dies keine geringe Investition ist, deshalb möchte ich Ihnen ein Gefühl dafür geben, welchen Wert ich denen biete , die diesen Einzelsitzungen eine Chance geben diesen Einzelsitzungen eine Chance Das Wichtigste, was meine Kunden über ihre Sitzungen sagen , ist, dass ich vorbereitet bin, Ihnen meine volle Aufmerksamkeit schenke und dass meine Fragen und Erkenntnisse sehr individuell auf Ihre individuelle Situation zugeschnitten sind. In einer Rezension, schrieb Daniel S., habe Tom sehr gut auf unsere Sitzung vorbereitet. Er stellte sehr gute Fragen, er war sehr neugierig und ich fand, dass es eine sehr persönliche Sitzung war. Am Ende Ihrer Sitzung arbeite ich natürlich mit Ihnen zusammen, um konkrete, umsetzbare nächste Schritte auf Ihrem Weg zur Buchung Ihrer Sitzung zu entwickeln umsetzbare nächste Schritte auf Ihrem Weg zur Buchung Ihrer Sitzung zu Den Buchungslink findest du auf meiner Skillshare-Profilseite oder du kannst Tom Frost.com Slash-Coaching besuchen Ich biete nur acht Coaching-Plätze pro Monat an, also zögern Sie bitte nicht Ich freue mich darauf, Sie bald zu treffen.