Creación de storyboard para cine o animación

1. Lernen Sie Storyboard für Film oder Animation: Hallöchen. Willkommen zu dieser vollständigen Anleitung zum Erlernen des Storyboardings. Mein Name ist Siobhan, ich unterrichte Animation und Storyboarding und ich bin ein Top-Lehrer hier auf Skillshare. Ich habe über 15 Jahre Erfahrung in der Animationsbranche. [MUSIK] Dieser Kurs ist mein ultimativer Storyboard-Kurs. [MUSIK] Ich habe in diesem Kurs alles, was ich weiß und was ich durch die Arbeit in der Branche gelernt habe , zusammengefasst. Ich habe es speziell so konzipiert , dass Sie genau die Fähigkeiten erlernen können , die ein professioneller Storyboard-Künstler jeden Tag einsetzt. Sie müssen keine Vorkenntnisse über Storyboarding haben . Du musst auch nicht besonders gut zeichnen können, ich werde dir beibringen, wie man für Storyboards zeichnet. Sie benötigen nicht einmal ausgefallene Software oder Zeichentabletts. Sie können mit einem Bleistift und einem Blatt Papier beginnen. Alles, was Sie für diesen Kurs wirklich benötigen , ist Interesse an Film und Animation und der Wunsch, Ihre Geschichte visuell zu erzählen. Folgendes wirst du heute mit mir lernen. Zu Beginn lernst du, wie man für Storyboards zeichnet, von Strichmännchen bis hin zu Originalfiguren. Ich werde dir die Tipps und Techniken beibringen , um gut zeichnen zu können. Du wirst lernen, dynamische Posen zu zeichnen und perspektivisch zu zeichnen. Als Nächstes lernst du die Grundbausteine des Films kennen. Dies sind die Kamerawinkel und die Aufnahmen, die jeder Regisseur verwendet, um Filme oder Animationen zu drehen. Dann lernst du genau, wie du das Drehbuch aufschlüsselst, wie du es als Miniaturansicht auswählst und wie du ein professionelles und fertiges Storyboard erstellst. Sie werden an einem einseitigen Skript arbeiten , das ich speziell für Sie geschrieben habe , damit Sie diese Schritte selbst üben können. Das Storyboard können Sie in Ihr eigenes Portfolio aufnehmen , wenn Sie es einem Studio oder einem Kunden zeigen und einen Storyboard-Job bekommen möchten es einem Studio oder einem Kunden zeigen und einen . Schließlich werde ich im letzten Abschnitt dieses Kurses auf alles eingehen, was ich Ihnen beigebracht habe, und Ihnen die richtigen Grundlagen der visuellen Sprache vermitteln. In diesem Abschnitt werden Kompositionsprinzipien wie die Drittelregel oder die Symmetrie behandelt. Ich werde erklären, was diese Regeln sind, warum sie funktionieren und wann sie gebrochen werden müssen. Außerdem erfährst du mehr über spezielle Storytelling-Aufnahmen zur 180-Grad-Regel und du lernst, wie du Kamerawinkel bewegst und wie du sie auf ein Storyboard zeichnest. Während des gesamten Kurses stehe ich Ihnen mit Rat und Tat zur Seite und gebe Ihnen Feedback zu Ihrer Arbeit. Sie werden sich Tausenden anderer Animatoren, Filmemacher und bildender Künstler anschließen , die diesen Kurs bereits besucht haben. Viele von ihnen haben später professionell als Storyboard-Künstler gearbeitet. Ich denke, Sie werden von ihren Klassenprojekten und den Inhalten, die Sie heute hier lernen werden, wirklich inspiriert ihren Klassenprojekten und sein. Ich kann es kaum erwarten, dass du anfängst und mit dem Storyboarden anfängst. Treffen Sie mich in der nächsten Lektion und ich erkläre, wie der Unterricht strukturiert ist , und ich werde Ihr Klassenprojekt erläutern . [MUSIK] 2. Einführung in Storyboarding: in dieser ersten Lektion einen Blick darauf werfen, Lassen Sie uns in dieser ersten Lektion einen Blick darauf werfen, wie dieser Kurs strukturiert ist , damit Sie wissen, was Sie daraus herausholen können. Ich erkläre auch dein Klassenprojekt. Ich habe die Lektionen in dieser Klasse in vier Hauptabschnitte gegliedert . Im ersten Abschnitt wirst du alles darüber lernen, wirst du alles darüber lernen wie man für Storyboards zeichnet. Das wird wirklich Spaß machen, denn du wirst grundlegende männliche und weibliche Charaktere zeichnen, lernen, dynamische Posen für deine Charaktere zu erstellen, und du wirst auch lernen, wie man perspektivisch zeichnet. Im zweiten Abschnitt des Kurses erfahren Sie alles über die technischen Aspekte des Storyboardings. Dinge wie Kamerawinkel und Aufnahmen, ich werde Ihnen zeigen, wie sie funktionieren, warum sie funktionieren und wann Sie sie verwenden sollten. Im nächsten Abschnitt werden Sie dann an einem tatsächlichen Drehbuch arbeiten, Ihre Miniaturansichten sind von Anfang bis Ende mit einem Storyboard versehen . Wenn Sie auf Ihrem Desktop zur Registerkarte Projekte und Ressourcen wechseln, können Sie das Skript herunterladen, das ich dort für Sie hinterlassen habe, sowie die Vorlagen, mit denen Sie arbeiten werden. Im letzten Abschnitt werde ich Ihnen alles über die visuelle Sprache des Films beibringen und wie sich dies auf die Geschichten auswirkt, die Sie erzählen. Ich habe dieses Material in einen eigenen Abschnitt gestellt , weil ich denke, dass es wirklich wichtig ist , dass Sie die Erfahrung haben mit einem Storyboard zu arbeiten und es zuerst zu erstellen, damit diese fortgeschritteneren Konzepte damit diese fortgeschritteneren Konzepte viel sinnvoller sind, wenn Sie sie einmal verstanden haben. Sie werden dir in Zukunft eine solide Grundlage für das Filmemachen geben. Das ist die vollständige Gliederung für den Inhalt dieser Klasse. Nur damit Sie wissen, wie wir das alles durchstehen werden. Sie können dies als Checkliste für Ihren Fortschritt verwenden , wenn Sie möchten. Wenn Sie irgendwelche Fragen haben, schreiben Sie sie in diesen Diskussions-Tab. Ich bin da, um alle Ihre Fragen zu beantworten. Um Ihre Arbeit einzureichen, kehren Sie erneut zum Tab Projekte und Ressourcen zurück, und dort können Sie Ihre Bilder hochladen. Sie werden auch Ihre Kommilitonen bei der Arbeit beobachten können, sehen, wie sie dieselbe Reihenfolge angegangen sind, und ich denke, Sie werden dies als wirklich inspirierenden Ort empfinden. Schau dir das auf jeden Fall an und hinterlasse einen Kommentar zu ihren Projekten. Bevor wir in die Lektionen eintauchen, werde ich nur eine kurze Beschreibung oder Definition eines Storyboards geben , damit wir für die Zukunft eine funktionierende Definition haben. Ein Storyboard ist, wie Sie wahrscheinlich wissen, eine Abfolge von Bildern , die die Aktion eines Skripts visualisieren. Möglicherweise stellen Sie auch fest , dass es ausschließlich dazu dient, sich auf die Produktion vorzubereiten. Damit der Regisseur oder Produzent den Ablauf der Aufnahmen verfolgen und wichtige Regieentscheidungen treffen kann Aufnahmen verfolgen und wichtige Regieentscheidungen treffen bevor Geld ausgegeben wird, abgesehen von Ihrem Lohn. Die andere wichtige, sehr wichtige Sache die Sie vielleicht nicht über ein Storyboard wissen, ist, dass es , sobald es festgelegt und entschieden ist, zur Blaupause für die gesamte Produktion wird. Das bedeutet , dass jeder in der Crew, der an diesem Projekt arbeitet, Ihr Storyboard als Basisdokument bezeichnen kann . Sie können sehen, was in jeder Szene passieren wird , indem sie sich einfach Ihr Storyboard ansehen. Das Letzte, was Sie über Storyboards wissen sollten, von dem Sie vielleicht nicht wissen , ist, dass nicht alle Storyboards auf die gleiche Weise erstellt werden. Ein Live-Action-Storyboard unterscheidet sich beispielsweise stark von einem Animationsboard. In Live-Action-Storyboards wird viel mehr Wert darauf gelegt, viel mehr Wert darauf gelegt Aufnahmen, die verwendet werden, auszublenden, oder Kamerabewegungen oder große Actionsequenzen auszublenden. In einem Animations-Storyboard hingegen wird der Schwerpunkt sehr auf das Schauspiel in jeder Szene gelegt . In diesem Sinne wird alles mit einem Storyboard versehen. In diesem Kurs erhalten Sie einen umfassenden Überblick über Storyboarding, der sowohl für Live-Action als auch für Animationen geeignet ist. Ich werde mich ein bisschen mehr der Animationsseite zuwenden, da dies der , da dies umfassendste Ansatz für das Storyboarding ist und daher auf Live-Action-Projekte anwendbar sein wird , an denen Sie vielleicht arbeiten möchten. Als Nächstes, im nächsten Video, werde ich erklären, was Sie für den Einstieg in das Storyboarding benötigen Einstieg in das Storyboarding und was Sie speziell für diesen Kurs benötigen. Wenn du bereit bist, triff mich in der nächsten Lektion. 3. Was du für Storyboarding: [MUSIK] In dieser Lektion werde ich behandeln, was Sie für das Storyboarding benötigen und was Sie benötigen, um heute mit mir loszulegen. Wie ich bereits sagte, benötigen Sie keine ausgefallene Software oder Zeichentabletts, Sie können einen Bleistift und ein Blatt Papier verwenden. Das ist alles, was Sie brauchen, um Ihre Ideen oder Ihre Vorschaubilder aufzuschreiben . Aber ich wollte jetzt nur darauf hinweisen, dass, wenn Bleistift und Papier alles sind, was Sie heute zur Verfügung haben, das in diesem Kurs völlig in Ordnung ist. Die nächste Stufe wäre, diese Zeichnungen in einen Computer zu scannen , sodass Sie sie in einer digitalen Datei haben , die Sie im PDF-Format per E-Mail an einen Kunden oder ein Studio senden können . Sie können Ihre handgezeichneten Bilder auch einscannen und in in einer digitalen Zeichensoftware wie Photoshop bearbeiten. Wenn Sie jedoch Zugriff auf digitale Zeichenwerkzeuge haben, können Sie einfach mit dem Zeichnen in Photoshop beginnen. Photoshop ist nicht die einzige Zeichensoftware , die es gibt. Du könntest Procreate auf dem iPad verwenden, du könntest Krita verwenden, und es gibt auch eine Zeichen-App namens Sketchbook Pro, die ich sehr mag. Es gibt sogar ein Softwarepaket namens Storyboard Pro. Dies ist speziell auf professionelles Storyboarding ausgerichtet und bietet alles , was Sie benötigen, in einem Programm. Sie können die Nummerierung Ihrer Panels und die Reihenfolge leicht verfolgen . Das ist alles völlig automatisiert. Es ist eine wirklich gute Art zu arbeiten, aber für einen Anfänger könnte es etwas komplex sein. Wenn du mir in so etwas wie Photoshop folgen willst , dann ist das völlig in Ordnung. Wenn Sie nun digital arbeiten, benötigen Sie nur noch ein Zeichentablet. Ich persönlich benutze ein Wacom Intuos Pro. Mein Setup ist also wirklich einfach. Es ist überhaupt kein großes Tablet. Es ist nicht so antik oder so. Es ist einfach ein sehr nettes Intuos Pro Medium mit einem Stift. Nun, wenn du dich nicht für Wacom entscheiden möchtest, gibt es günstigere Optionen, die du in Betracht ziehen könntest, aber ich empfehle auf jeden Fall , dass du, wenn du gerne für Storyboards oder digitale Kunst zeichnen möchtest, auf jeden Fall in ein Zeichentablet investieren. Ich werde alle meine Demos in Photoshop machen , weil es für mich am einfachsten ist , Panel für Panel zu zeichnen, und was ich normalerweise verwende, ist eine Storyboard-Vorlage. Ich habe Ihnen ein paar Vorlagen zur Verfügung gestellt, darunter eine Miniaturvorlage sowie eine endgültige Storyboard-Vorlage. Wenn du zum Tab Projekte und Ressourcen gehst , findest du sie dort. Das ist alles, was Sie wirklich brauchen, um loszulegen. Hoffentlich sind Sie eingerichtet und können loslegen. Treffen Sie mich also in der nächsten Lektion und ich werde Ihnen meine sieben wichtigsten Tipps zum Zeichnen für Storyboards mitteilen . 4. 3: Bevor wir tief in die Welt des Storyboardens eintauchen, finden Sie hier meine sieben wichtigsten Tipps zum Zeichnen, wenn es um Animationen im Allgemeinen und Storyboarding im Besonderen geht . Diese Tipps helfen Ihnen dabei, Ihre Zeichnungen zu vereinfachen und sehr schnell Kurzskizzen für Charaktere und Szenen zu erstellen. Mein erster Tipp ist immer, sich aufzuwärmen. Wenn Sie sich hinsetzen , um mit dem Zeichnen zu beginnen. Nur ein paar Minuten Aufwärmzeit helfen Ihnen sich zu entspannen und sehr schnell selbstbewusstes Zeichnen zu entwickeln. Mit der Zeit werden diese Ziehbohrer Ihre Linienqualität wirklich verbessern. Beim Storyboarding besteht die ganze Idee darin, dass Sie Lage sein müssen, Ihre Ideen sehr schnell zu zeichnen. Nimm dir einfach ein paar Minuten Zeit, um einige lockere Kreise oder einige gerade Linien zu zeichnen , aber mach weiter und versuche, eine ganze Seite mit Kreisen oder eine ganze Seite mit Linien zu füllen . Mein zweiter Tipp ist , ein Rohbild zu zeichnen. Nun, dies ist ein weiterer Punkt , an den Sie vielleicht nicht sofort denken, wenn es darum geht , Ihre Zeichnung zu verbessern. Aber ich ermutige die Leute immer, zu versuchen, Ihre ersten Zeichnungen oder Miniaturansichten so grob wie möglich zu halten . Das wird dir natürlich helfen, sehr locker und schnell zu zeichnen, aber es wird sicherstellen, dass du dich nicht in Details verzettelst und dich verirrst. Grobe Zeichnungen haben eine dynamische Energie, und das ist es, was Sie von Ihrem Storyboard erwarten. Ich mag diesen Tipp auch, weil so viele Leute denken , dass sie nicht zeichnen können. Tatsächlich sind Ihre groben Zeichnungen ein guter Ausgangspunkt und eine großartige Möglichkeit, Ihre Ideen zu Papier zu bringen und Ihnen zu beweisen, dass Sie zeichnen können, was Sie sich vorstellen. Mein dritter Tipp ist, wenn Sie Ihre Storyboards zeichnen oder einige Miniaturansichten erstellen, ein einfaches Raster in Ihren Panels verwenden. Jetzt werde ich es später im Unterricht perspektivisch viel ausführlicher erklären . Beachten Sie jedoch , dass Sie Ihren Zeichnungen sofort eine Rasterzusammensetzung und einen Kontext verleihen können, indem Sie einfach eine Horizontlinie und ein paar Rasterlinien hinzufügen , indem Sie einfach eine Horizontlinie und ein paar Rasterlinien Ihren Zeichnungen sofort eine Rasterzusammensetzung und einen Kontext verleihen können . Es hat den zusätzlichen Vorteil, dass es Ihnen hilft perspektivische Zeichnen zu üben. Es ist sehr gut, sich daran zu gewöhnen, mit einem Raster zu zeichnen. Mein vierter Tipp ist, dein Gesicht einfach zu halten. Selbst wenn Sie mit detaillierten Modellblättern für Charaktere arbeiten , Sie bei der Erstellung Ihrer Storyboards und Miniaturansichten können Sie bei der Erstellung Ihrer Storyboards und Miniaturansichten Köpfe einfach mit einer einfachen Kreis - oder Ovalform zeichnen . Sie können die Richtung des Kopfes angeben indem Sie diese Querlinie in der Mitte verwenden. Eine horizontale Linie für die Augenlinie und eine vertikale Linie für die Nase. Wenn Sie den Pinsel in die Mitte Ihres Ovals oder Kreises legen , wird sofort angezeigt, in welche Richtung sich der Kopf dreht. Es ist wirklich effektiv und hilft dir, deinen Charakter schnell zu blockieren ohne auf die Details der Gesichtszüge eingehen zu müssen. Mein fünfter Tipp betrifft die Augen. Augen sind das ausdrucksstärkste Merkmal eines Charakters. Vor allem, wenn du versuchst, dynamische Emotionen in deine Charaktere zu bringen, dann konzentriere dich wirklich auf die Augen. Für diesen Tipp möchte ich Sie ermutigen, so viel wie möglich das Zeichnen von Augen zu üben. Jetzt müssen Sie sich nicht mehr mit detaillierten, realistisch aussehenden Augen auseinandersetzen. Aber ich wollte dir nur zeigen normaler Realismus aussieht , wenn man einfach Augen zeichnet. Aber bei stilisierten Figuren oder Zeichentrickfiguren solltest du in der Lage sein, den Pinsel auf die Spitze zu treiben. Nehmen wir an, Sie zeichnen überraschte Augen. Sie würden die Idee des ovalen oder runden Kreises für die Augen wirklich vorantreiben . Was ich tun würde, ist vielleicht die Pupillen der Augen sehr klein und in der Mitte zu halten die Pupillen der Augen sehr klein und in , damit es wirklich so aussieht die Figur große Augen. Für so etwas wie verängstigte Augen könntest du die Augenlider so nach oben neigen lassen und auch die Augenbrauen. Bei wütenden Augen würde ich die Augenbrauen nach unten neigen und die Augenform so verschieben , dass es aussieht, als ob hinter diesen Augen viel Wut steckt. Eine andere Abkürzung für so etwas wie ein fröhliches Gesicht oder lächelnde Augen ist die Wangen, die sich so nach oben bewegen. Sie können wirklich kreativ werden. Dies ist eine großartige Übung, um zu sehen wie viele verschiedene Emotionen Sie zeichnen können , indem Sie einfach Augen zeichnen. In ähnlicher Weise ist ein weiterer Tipp, sich auf das Üben der Mundformen zu konzentrieren. In der Animation, insbesondere für Dialoge, gibt es nun eine Reihe von Konventionen, die verwendet werden, kurz Hand für Mundformen für verschiedene Buchstaben. Wenn Sie Mundformen oder Mundtabellen googeln, können Sie leicht verschiedene Formen für Münder finden, und ich würde auch üben, diese zu zeichnen. Dann ist mein letzter Tipp, das Händezeichnen zu üben. Für Charaktere, insbesondere beim Storyboarding, werden Hände ein weiterer wichtiger Ausdruck von Emotionen sein. Viele Leute überspringen das Händezeichnen. Sie sind ein bisschen kompliziert und knifflig, aber man kann sie wirklich vereinfachen, und das macht es viel einfacher. Verbringen Sie einfach Zeit damit, diese zu üben. Machen Sie das Zeichnen von Händen zu einem Teil Ihrer Zeichenübungen. Ein guter professioneller Insidertipp ist , darauf zu achten , dass nicht alle Finger exakt gleich aussehen. Versuchen Sie, die Position der Finger ein wenig zu variieren , wenn Sie Hände üben. Es verleiht den Händen einfach viel Leben und viel Charakter. Das sind meine Top-Tipps zum Üben des Zeichnens, für Animationen und für Storyboarding. Ich möchte Sie ermutigen, sich jetzt etwas Zeit zu nehmen und einige der von mir durchgemachten Zeichnungen zu üben . Ich würde mich freuen, Ihre Zeichnungen zu sehen. Wenn du sie mit mir teilen möchtest, poste sie im Projektbereich oder hinterlasse einen Kommentar im Diskussions-Tab. 5. Wie man Figuren für Storyboards: [MUSIK] In dieser Lektion werde ich Ihnen einige Hinweise zum Zeichnen grundlegender männlicher und weiblicher Charaktere geben und Ihnen zeigen, wie man stilisierte Figuren zeichnet. In den meisten Fällen wird beim Storyboarding von Ihnen wirklich nur erwartet, dass Sie das zeichnen, was ich als Entwurf einer Figur bezeichnen würde, nicht unbedingt eine reale Person als solche. Aus diesem Grund können Sie sich auf einige wirklich nützliche Anleitungen und Vorlagen verlassen einige wirklich nützliche Anleitungen und , um Figuren zu zeichnen. Die gebräuchlichste Konvention oder Vorlage zum Zeichnen von Charakteren besteht darin, das Verhältnis in acht Kopflängen aufzuteilen. Sie verwenden den Kopf als Grundeinheit für die Länge. Was das heißt, wenn man diese jeweils herauskopiert, dann hat man quasi Proportionen für die gesamte Körpergröße einer stehenden Figur. Es ist wirklich nützlich, damit zu arbeiten. Es ermöglicht Ihnen jetzt, die stehende Figur wie folgt aufzuteilen. Sie haben natürlich eine Kopfhöhe für den Kopf, Sie können zwei Kopflängen für den Oberkörper, eine Länge für das Becken, zwei für den Oberschenkel und zwei für den Unterschenkel haben eine Länge für das Becken, zwei für den Oberschenkel . Jetzt, wo Sie es in diese Abschnitte unterteilt haben, ist es viel einfacher, eine Figur zu zeichnen , und Sie können mit dem Zeichnen der einzelnen Abschnitte beginnen . Nun, das ist keineswegs eine feste Regel, tatsächlich ist es nicht einmal so hilfreich, wenn Sie eine Figur in einer anderen Pose zeichnen müssen . Aber als Ausgangspunkt ist es eine wirklich gute Möglichkeit, auf diese Weise die Proportionen und die Struktur einer generischen menschlichen Figur zu lernen . Wenn du das übst, wirst du irgendwann in der Lage sein , intuitiv proportional zu zeichnen. Wie Sie sehen, habe ich jetzt so etwas wie ein Skelett skizziert . Ich habe den Oberkörper als einfache Form gezeichnet , um einen Brustkorb anzuzeigen , und ich habe das Becken in einer sehr vereinfachten Blockform gezeichnet . Ich bin mir sehr sicher, dass die Ellbogen in der Mitte des Oberkörpers positioniert sind . Im Allgemeinen entspricht die Länge des Arms etwa dem oberen Drittel der Oberschenkel. Ohne näher darauf einzugehen, kannst du tatsächlich mit diesem sehr vereinfachten Mannequin arbeiten diesem sehr vereinfachten Mannequin und darauf einen Charakter bauen. Du könntest dieser Figur Muskeln und Formen hinzufügen , aber ich denke, ich werde direkt weitermachen und einfach eine Figur und Kleidung zeichnen. Mach es in Rot auf der darüber liegenden Ebene. Wie Sie sehen können, folge ich einfach den Formen, die ich skizziert habe, ganz einfach. Zu diesem Zeitpunkt besteht kein Grund, es zu komplizieren. Ich versuche nicht, eine hyperrealistische Figur zu zeichnen. [LACHEN] Das ist stilisiert, es ist sehr vereinfacht, und genau das wollen wir. Ich werde nur sehr wahrscheinlich einige Gesichtszüge angeben. Wenn ich jetzt mein Skelett oder meine Puppe, die sich darunter befindet, ausschalte , kann man sehen, dass es eine wirklich gelungene Skizze oder Design für eine grundlegende männliche Figur ist. Nun könntest du hier definitiv mehr Details hinzufügen, aber die Idee ist nur, dir eine Methode oder eine Vorlage zu zeigen , um einen Grundcharakter zu erstellen. Wenn du noch stilisiertere, dynamischere und Zeichentrickfiguren zeichnen möchtest , dann würde ich das tun, die Dinge noch mehr zusammenfüge, ich die Dinge noch mehr zusammenfüge, sie einfacher und stilisierter gestalten würde. Stellen Sie sich den gesamten Oberkörper als einen Block vor. Folgen Sie der äußeren Kante dieses Blocks für die Beine mit einer einfachen Form für die Füße nach unten und ziehen Sie für den Arm eine Linie wie diese nach unten. Da das jetzt zu stark vereinfacht ist, kannst du die Posen wirklich pushen. Du kannst diesen Charakter übertreiben. Experimentiere damit, diesen Charakter in verschiedene Formen zu bringen , und finde heraus, ob du Posen erfinden kannst, die du dir vielleicht nicht hätten vorstellen können, wenn du einen realistischeren oder ausführlicheren Charakter wie den ersten gezeichnet einen realistischeren oder ausführlicheren hättest. Es ist viel einfacher, Charaktere in Posen zu bringen , da Sie mit diesen einfachen Formen arbeiten. Wirklich, es ist nur ein Block und ein paar Linien für die Beine und Arme. Schauen wir uns nun den gleichen Vorgang mit derselben Methode zum Zeichnen einer weiblichen Figur an. Sie können genau der gleichen Vorlage wie zuvor folgen, mit Proportionen von acht Köpfen für die gesamte Körperlänge. Die einzelnen Abteilungen sind exakt die gleichen. Sie müssen lediglich sicherstellen, dass die Hüfte und die Brust breiter und die Taille dünner sind. Der Rest ist derselbe. Die Arme und Beine haben die gleichen Proportionen wie zuvor. Wie zuvor werde ich eine Zeichnung auf diesem einfachen Mannequin anfertigen . ich dieser Struktur folge, fällt es mir sehr leicht, Kleidung zu zeichnen, da sie die Formen der Muskeln wirklich verdeckt. Das macht alles ein bisschen einfacher. Das sieht gut aus, das sieht toll aus. Lassen Sie uns von hier aus noch einmal extrapolieren und einige hyperstilisierte weibliche Charaktere zeichnen. So wie ich das mache, anstatt eine blockige Form für den Körper zu verwenden, können Sie mit der Idee eines dreieckigeren Oberkörpers arbeiten , um der weiblichen Figur diese Sanduhrform zu geben . Sobald Sie sich mit diesen vereinfachten Formen vertraut gemacht haben, können Sie sie wieder in einige schöne, starke Posen bringen. In der nächsten Lektion werde ich dir zeigen, wie du deine Posen richtig pushen kannst, und dir einige sehr gute Hinweise geben , wie dynamische Charakteraktionen erstellen kannst. Aber nehmen Sie sich vorerst einen Moment Zeit, um zu üben, ein oder zwei Seiten mit Zeichen in diesen einfachen Blockformen zu zeichnen ein oder zwei Seiten . Dann, wenn du bereit bist, triff mich in der nächsten Lektion. [MUSIK] 6. Wie man die Handlungslinie: [MUSIK] Bisher habe ich in diesem Kurs Wert darauf gelegt , grob zu zeichnen, und ein Teil dieses Grundes ist, dass Sie Ihre Zeichnungen und Ideen so schnell wie möglich festhalten sollten. Der andere Grund ist, dass Ihr Zeichenstil umso ausdrucksvoller ist, je gestischer er ist. Einfach ausgedrückt, kann grobes und lockeres Zeichnen zu sehr kraftvollen dynamischen Gestenzeichnungen führen . Ausdrucksstarkes Zeichnen ist wirklich Ihr ultimatives Ziel , wenn Sie Charaktere speziell für Animationen zeichnen. In deinen Storyboards solltest du in der Lage sein deine Charaktere als ausdrucksstarke dynamische Posen zu demonstrieren , sodass das Schauspiel in jedem Bereich deines Boards zur Geltung kommt. Ich werde dir in dieser Lektion genau zeigen wie du auf eine wirklich einfache, aber wirklich effektive Weise starke dynamische Posen aus deinen Charakteren herausholen kannst aus deinen Charakteren . Diese sehr einfache Methode besteht darin, Posen anhand einer Aktionslinie zu zeichnen. Eine Aktionslinie ist im Grunde eine Linie, die vom Kopf des Charakters bis zu den Zehen oder umgekehrt von den Zehen bis zum Kopf verläuft des Charakters bis zu den Zehen . Es ist eine Linie, die die Richtung der Pose beschreibt. Es ist nicht unbedingt eine Linie, die Sie in der endgültigen Zeichnung sehen werden , aber sie ist der grundlegende Ausgangspunkt oder die Grundlage jeder Pose. Es sagt dir sofort, ob sich der Charakter auf die eine oder andere Weise neigt. Es zeigt dir die Geste der Pose, die er einnimmt, und es beschreibt im Grunde die gesamte Pose in nur einer Zeile. Die beste Übung ist also, eine Linie zu zeichnen , genau wie ich es mache, und danach mit dem Aufbau der Pose zu beginnen, indem du den Kopf und die Gliedmaßen hinzufügst. In der Animation ist die Standardkonvention , dass eine Aktionslinie durch die menschliche Figur entweder eine S-Kurve oder eine C-Kurve ist. Diese beiden Posen hier sind also S-Kurvenlinien. Du kannst deinen Charakter aber auch mit einer C-Kurve darstellen, um zu zeigen, wie sich dein Charakter biegt. Die Idee ist, dass die Aktionslinie direkt durch die Körpermitte verläuft. Sehr oft musst du die Arme oder sogar die Beine hinzufügen , die in völlig unterschiedliche Richtungen gehen , aber das ist okay, solange du durch die Pose selbst die Haupt- oder Hauptaktionslinie identifizieren kannst selbst die Haupt- oder Hauptaktionslinie . Wie alles, was ich bisher gesagt habe, je mehr du das übst, desto besser wirst du. Das hilft dir wirklich, lustige und interessante Posen zu finden. Ich wollte zeigen, wie du diese Idee nutzen kannst , um eine Pose , die du bereits gezeichnet hast, zu pushen. Wenn du deinen Charakter gezeichnet hast und er sich einfach nicht stark genug anfühlt, ist das ein sicherer Weg, ihn zu verbessern. Nehmen wir an, du hast einen oder zwei Charaktere und einer schlägt den anderen und du hast deine Handlung in die Länge gezogen und es sieht so aus und es fühlt sich einfach wirklich flach und langweilig an. Nun, das liegt daran, dass diese beiden Charaktere eine wirklich statische Handlungslinie haben . In jedem Fall verläuft die Aktionslinie gerade rauf und runter. Es bewegt sich nicht. Was Sie tun können, ist eine wirklich dynamische Linie wie diese zu ziehen , um die Pose zu übertreiben oder sie auf die Spitze zu treiben. Jetzt hast du eine viel stärkere Aktion und du kannst die Kraft dieses Schlags in dieser einfachen Zeichnung wirklich spüren . Scheuen Sie sich nicht, die Handlungslinie zu überschreiten, auch wenn Sie der Meinung sind, dass sie zu extrem oder zu weit ist, da die Wahrscheinlichkeit groß ist, dass Sie mit Ihrer Charakterpose wirklich ins Schwarze getroffen haben . Wenn du deine Posen so stark wie möglich übertreibst wirst du am Ende wirklich starke dynamische Posen zeichnen. 7. So zeichnest du perspektivisch: [MUSIK] In dieser Lektion werde ich Ihnen zeigen, wie Sie sicherstellen können , dass Ihre Zeichnungen immer die richtige Perspektive haben. Sobald Sie wissen, wie man mit einem Perspektivraster arbeitet, werden Sie nie wieder eine falsche Perspektive zeichnen. Es ist wirklich nützlich , um Ihnen zu helfen, interessante und detaillierte Aufnahmen zu erstellen. Das Grundkonzept der Perspektive ist, dass die Horizontlinie, die Sie in Ihre Komposition immer ziehen , tatsächlich die Augenlinie der Kamera ist. Damit meine ich, sagen wir zum Beispiel, Sie stellen hier eine Kamera und nehmen eine Szene mit zwei Bäumen auf, dann würden Sie diese Szene in der perspektivischen Ansicht so sehen . Ein Baum steht weiter vorne. Es ist größer, weil es sich in der Nähe der Kamera befindet und das andere in der Ferne etwas weiter entfernt ist. In diesem Beispiel ist das so ziemlich die Horizontlinie oder die Augenlinie der Kamera, die sich in der Mitte des Bildes befindet. Sie können die Kamera aber auch auf verschiedenen Höhen haben. Wenn ich diese Szene einfach kopiere und nach unten ziehe, zeige ich dir genau, was ich meine. Nehmen wir an, wir haben die Kamera, die hier oben ist , nach unten geneigt und sie schaut von oben auf diese Szene, fast wie aus der Vogelperspektive. In dieser Aufnahme schaust du auf die Bäume hinunter und deine perspektivische Zeichnung würde ein bisschen so aussehen. Dieser Baum, die Blätter und das Laub wären viel größer und der Baumstamm würde sich zum Boden hin verjüngen. Wenn wir das gleiche Setup haben, aber mit einem sehr niedrigen Winkel, passiert hier natürlich das gleiche Setup haben, aber mit einem sehr niedrigen Winkel, , dass die Kamera tief unten ist. Nennen wir es eine Wurmperspektive. Es schaut zur Szene hinauf und die Aufnahme würde dann ungefähr so aussehen. Eine hohe Horizontlinie bedeutet, dass sich die Kamera in einem hohen Winkel auf die Szene befindet. Eine niedrige Horizontlinie bedeutet, dass die Kamera tief nach unten auf die Szene schaut. Diese Zeichnungen sind sehr vereinfacht, aber sie dienen nur zur Veranschaulichung oder um Ihnen eine Vorstellung davon zu geben, wie Sie die Horizontlinie in einer bestimmten Zeichnung oder einem Panel ändern können die Horizontlinie in einer bestimmten Zeichnung , indem Sie einfach den Kamerawinkel ändern. Das ist später sehr nützlich , wenn du versuchst, Kamerawinkel und Aufnahmen zu verwenden , um die Erzählung zu unterstreichen, aber darüber werde ich ein bisschen mehr sprechen , wenn ich mich mit Komposition und Storytelling beschäftige. Das ist das allgemeine Konzept, wie Sie Ihre Kamera perspektivisch platzieren. Aber schauen wir uns jetzt genau an, wie man Dinge und Objekte perspektivisch zeichnet. Der beste Weg, dein perspektivisches Zeichnen zu verbessern besteht darin, das Zeichnen von Würfeln und Kästchen zu üben. Ich muss dich im Voraus warnen, das mag ein bisschen langweilig oder mühsam sein , aber es ist wirklich der schnellste Weg, um dich zu verbessern. wie immer Wenn du diese Zeichenübung übst, wird sie dir irgendwann, , zur Gewohnheit werden, und du wirst in der Lage sein, Dinge in deiner Szene einfach intuitiv und instinktiv in perfekter Perspektive zu zeichnen. Schauen wir uns zunächst die Ein-Punkte-Perspektive an. Ich beginne mit einem sehr einfachen Raster, um zu demonstrieren, wie man das Zeichnen dieser Boxen und Würfel übt . Ich zeichne eine gerade Linie genau in der Mitte meines Rahmens wie folgt. Das ist die Horizontlinie. In der Mitte platziere ich hier einfach Punkte, um anzuzeigen, wo der Fluchtpunkt sein wird. Von hier aus werde ich strahlende Linien zeichnen, diagonale Linien, die von diesem Punkt ausgehen. Um in Photoshop eine gerade Linie zu zeichnen, sollten Sie sicherstellen, dass Sie den richtigen Pinsel verwenden, wenn sie diagonal ist. Ich klicke einfach mit der rechten Maustaste auf meine Leinwand, um das Pinselpanel aufzurufen. Ich möchte den harten Rundpinsel wählen, denn wenn ich den konischen Pinsel verwenden würde, würde sich die Linie nicht als einzelne Linie lesen, sie würde sich verjüngen. Was ich dir zeigen möchte, ist , wie man eine sehr gerade Linie zeichnet. Achte darauf, dass du den Pinsel hart rund auswählst und ihn ziemlich klein machst, vielleicht fünf oder acht Pixel oder so. Um dann eine gerade Linie zu ziehen, tippst du auf einen Punkt, hältst die Umschalttaste auf deiner Tastatur gedrückt und tippst auf den Endpunkt. Das ergibt eine schöne gerade diagonale Linie wie diese. Ich habe alle meine Strahlungslinien eingezeichnet, jetzt werde ich Linien zeichnen, die parallel zur Horizontlinie verlaufen. Dazu musst du nur die Umschalttaste gedrückt halten und einfach geradeaus zeichnen. Das ist mein Raster, also verringere ich die Opazität dieses Rasters, erstelle eine neue Ebene darüber und wähle dann eine andere Farbe. Ich folge jetzt den Linien des Rasters und fange an, Würfel und Kästchen zu zeichnen. Wenn ich dem Raster so gut wie möglich folge, befinden sich die Boxen in einer Ein-Punkt-Perspektive. Die Idee ist, dies so oft zu üben, wie Sie so viele Kästchen und Würfel zeichnen können. Mach dir nicht zu viele Sorgen. Sie müssen nicht völlig starr sein, wenn es darum geht, dem Raster zu folgen. Solange Sie sich daran gewöhnen und sich daran gewöhnen einer allgemeinen perspektivischen Linie in Ihrer Zeichnung zu folgen , geht es bei dieser Übung darum. Ich versuche, eine ganze Seite mit Boxen und Würfeln zu füllen. Jetzt können Sie eine Ein-Punkt-Perspektive haben , die sich auf [LACHEN] einer anderen Höhe befindet, wie ich es im vorherigen Beispiel erklärt habe . Das ist ziemlich einfach. Sie können einfach eine Horizontlinie zeichnen. Sagen wir hinauf zum Gipfel. Lassen Sie uns unseren Fluchtpunkt zur Seite legen , sodass er etwas außerhalb der Mitte liegt. Führen Sie dann das gleiche Verfahren erneut durch , um das Raster mit diagonalen Linien zu erstellen, die von einem Punkt ausgehen. Denken Sie daran, dass dies eine Ein-Punkte-Perspektive ist. Wenn ich dann die Opazität verringere, kann ich darüber Würfel zeichnen. Sie werden feststellen, dass Sie leicht unterschiedlich geformte Boxen erhalten , aber das ist immer noch eine Ein-Punkt-Perspektive. dann für einen niedrigen Winkel Lassen Sie uns dann für einen niedrigen Winkel eine Horizontlinie sehr tief nach unten ziehen, wobei unser Fluchtpunkt diesmal nach links zeigt. Treten Sie unserem Grid bei. Verringern Sie die Opazität des Rasters und arbeiten Sie einige Felder nach oben. Manchmal halte ich mich nicht genau an die Linien, und ich denke, das ist auch eine wirklich gute Methode , sodass Sie sich wohl fühlen wenn Sie mit Azure Grid zeichnen müssen. Sie können dieses Raster jedoch jederzeit in Ihre Zeichnungen einfügen und es dann löschen, nachdem Sie Ihre Komposition überarbeitet haben. jedoch auf jeden Fall sicher , dass dies Teil Ihrer regelmäßigen Zeichenübungen ist. Das Letzte, was ich Ihnen in dieser Lektion zeigen möchte , ist die Zwei-Punkte-Perspektive. Ich werde mit einer weiteren leeren Leinwand beginnen. Was ich an der Zwei-Punkt-Perspektive hervorheben möchte , ist, dass es wie der Name schon sagt, offensichtlich zwei Fluchtpunkte auf einer Horizontlinie gibt. Beachten Sie jedoch, dass Sie Ihre Fluchtpunkte fast immer außerhalb Ihres Bilderrahmens haben müssen Fluchtpunkte fast immer außerhalb Ihres Bilderrahmens haben . Der Grund dafür ist, dass, wenn Sie beide Fluchtpunkte innerhalb Ihres Bilderrahmens haben , Ihre Zeichnung stark komprimiert wird und ein wenig verzerrt aussieht. Wenn du eine Szene aufstellst oder wenn du einen Hintergrund oder etwas ähnliches zeichnen möchtest, würde ich die Leinwand einfach breiter zuschneiden und deine Fluchtpunkte einfach etwas außerhalb deines Rahmens platzieren . Von einem Fluchtpunkt werde ich noch einmal strahlende Linien machen. Dann mache ich von der anderen aus die gleichen Linien, aber in einer anderen Farbe, damit du sehen kannst, was passiert. Sobald ich das alles abgeschlossen habe, ist das das Raster, weil sie sich überschneiden, sie bilden das Raster. müssen Sie keine Linien parallel zur Horizontlinie zeichnen In der Zwei-Punkt-Perspektive müssen Sie keine Linien parallel zur Horizontlinie zeichnen. Lassen Sie mich jetzt einen Würfel zeichnen, nur um Ihnen zu zeigen, wie er funktioniert. Auch hier folge ich nur den Rasterlinien und ordne meine Vertikalen an die Diagonalen an da sie von jeder Seite kommen. Sie werden jedoch feststellen, dass sich alle Diagonalen auf der linken Seite auf diesen linken Fluchtpunkt zubewegen. Die Diagonalen auf der rechten Seite des Würfels bewegen sich nach unten zur rechten Seite des Fluchtpunkts. Wenn ich nur diese linke Seite der Box einfärbe, geht das auf die linke Seite und die rosa Seite der Box geht auf die rechte Seite. Verwenden Sie dies erneut als Aufwärm- oder Ziehübung. Zeichne so viele Boxen wie möglich. Ich verspreche Ihnen, wenn Sie dies auch nur für ein paar Wochen als regelmäßige Zeichenpraxis tun , werden Sie insgesamt enorme Verbesserungen in Ihrem Zeichnen feststellen. Gut gemacht. [LACHEN] Wir haben wahrscheinlich einen der technischsten und schwierigsten Teile des Zeichnenlernens hinter uns, und das ist die Perspektive. Ich habe Ihnen nur einen einfachen Überblick oder einen grundlegenden Überblick gegeben , aber das ist wirklich alles, was Sie brauchen. Ich werde von vielen Leuten gefragt, ob ich dynamische Dreipunktperspektiven oder extrem nach unten gerichtete Diagramme zeichnen möchte. Was ich Ihnen sagen würde, ist, versuchen Sie, eine einfache Ein-Punkt-Perspektive oder Zwei-Punkt-Zeichnung zu beherrschen eine einfache Ein-Punkt-Perspektive oder Zwei-Punkt-Zeichnung bevor Sie Dinge wie eine extreme Downshot-Perspektive oder eine komplexe Drei- oder Vierpunktperspektive in Angriff nehmen . Sie müssen sich wirklich sehr wohl und sicher fühlen, Sie müssen sich wirklich sehr wohl und sicher zuerst in einer Ein- oder Zwei-Punkt-Perspektive zu zeichnen. Wenn du dieses Stadium erreichen kannst, musst du eigentlich nicht lernen, wie man einen Dreipunkt macht, weil es einfach instinktiv und natürlich ist. Dies legt wirklich die Grundlage und den Grundstein dafür , komplexe Perspektiven zeichnen zu können. Ich ermutige Sie, dies so oft wie möglich zu einem Teil Ihrer Praxis zu machen . 8. Panels, Shots, Szenen: [MUSIK] In dieser Lektion werde ich etwas näher auf die Terminologie von Aufnahmen, Szenen, Sequenzen und Panels eingehen, da das etwas verwirrend werden kann. Ich möchte diese Begriffe im Zusammenhang mit den Hauptunterschieden zwischen Live-Action-Storyboards und Animations-Storyboards erläutern den Hauptunterschieden zwischen . Mir ist bewusst, dass dies möglicherweise zu früh etwas zu technisch wird. In diesem Kurs möchte ich mich wirklich darauf konzentrieren und den Schwerpunkt darauf legen, dass Sie sich mit dem Zeichnen vertraut machen , bevor Sie sich mit technischen Aspekten beschäftigen. Aber es ist gut, am Anfang über diese Dinge zu sprechen , damit es keine Verwirrung gibt und Sie sich zumindest der Hauptunterschiede bewusst sind. Wenn es darum geht, über Szenen und Aufnahmen auf Storyboard-Vorlagen zu sprechen , müssen Sie wissen, dass es einen großen Unterschied zwischen Live-Action-Boards und Animationsboards gibt. Wenn du in Live-Action arbeitest und damit meine ich einen Spielfilm oder einen Kurzfilm mit Schauspielern, keine Animationsproduktion, dann hast du es mit Szenen und Einstellungen zu tun. einer Szene findet die Aktion während einer bestimmten Zeit und an einem bestimmten Ort statt. Wenn du an einen anderen Ort gehst, ist das eine neue Szene. In dieser Szene werden Sie all Ihre verschiedenen Aufnahmen haben , die die Aktion beschreiben , die in dieser Szene stattfindet. Wenn wir uns diese Szene ansehen, ist dies alles eine Szene, aber jedes dieser Panels steht für eine andere Aufnahme oder einen anderen Kamerawinkel. In Live-Action-Filmen würden diese als Aufnahmen innerhalb der Szene bezeichnet. Schauen wir uns nun kurz ein Animations-Storyboard an. Dies ist eine, die ich für diesen Kurs verwenden werde, und Sie werden sehen , wie ich etwas später daran arbeite . Aber in der Animation gibt es im Wesentlichen eine Sequenz , die aus Szenen besteht. In der Animation werden die Begriffe etwas anders verwendet. Anstatt einer Szene , die aus Aufnahmen besteht, haben Sie eine Sequenz , die aus Szenen besteht. Als Animatoren verwenden wir das Wort Szene einfach gerne, um einen Kamerawinkel, eine Aufnahme oder ein Setup zu bezeichnen. Aber zum Beispiel dieser einen Sequenz hier, hier klettert der Charakter aus dem Loch im Boden , das er gegraben hat. Er klettert raus, er ist richtig wütend. Nun, das besteht aus zwei getrennten Szenen. Diese Szene besteht aus zwei Tafeln, auf denen er neben dem Loch im Boden steht und sich am Kopf kratzt und richtig wütend wird. Dann gehst du zu einer anderen Szene, was im Wesentlichen ein anderer Kamerawinkel ist. Es ist eine Nahaufnahme und das ist eine neue Szene, weil es ein völlig anderer oder neuer Blickwinkel ist. Um es zusammenzufassen, ein Panel enthält Ihre Zeichnung, das ist Ihr Storyboard-Panel. In der Animation bezieht sich eine Szene auf den Kamerawinkel oder die Art der Aufnahme, und eine Sequenz bezieht sich auf die Dauer oder den Ort, an dem die Aktion stattfindet. Im Live-Actionfilm bezieht sich eine Aufnahme auf den Kamerawinkel und die Szene auf den Ort oder die Dauer der Zeit. 9. 9: Aufnahmen und Kamerawinkel sind die Sprache des Films und als Storyboard-Künstler sind sie deine Bausteine. Sie können genau entscheiden wie der Film erlebt wird. Jedes Panel, das Sie zeichnen beschreibt im Wesentlichen einen Kamerawinkel. In dieser Lektion werde ich Sie mit allen wichtigen Kamerawinkeln vertraut machen , auf die Sie stoßen werden. Sie werden die meisten von ihnen wahrscheinlich schon kennen , wenn Sie sich überhaupt für Film interessieren , also wird es etwas sein , das Ihnen in die Wiege gelegt werden sollte. Kamerawinkel werden oft als Augenhöhe, hoher Winkel, niedriger Winkel oder ein sogenannter niederländischer Winkel beschrieben hoher Winkel, niedriger Winkel , was im Grunde bedeutet, dass die Kamera geneigt ist. Eine Kameraaufnahme bezieht sich auf die Größe der Kameraansicht. Die sechs häufigsten Aufnahmen sind die Anfangsaufnahme, die Weitwinkelaufnahme, die Weitaufnahme, die mittlere Aufnahme, die Nahaufnahme und die extreme Nahaufnahme. Es gibt nicht viele weitere Aufnahmen als diese und alle anderen, auf die Sie stoßen, sind normalerweise nur eine Variation von einer dieser Aufnahmen. Einige andere Begriffe, auf die Sie vielleicht stoßen, sind eine Aufnahme mit zwei oder eine Aufnahme über die Schulter aber diese beschreiben, wo sich die Charaktere befinden, sie beziehen sich nicht unbedingt auf die Größe der Kamera selbst. Diese sechs Einstellungen stellen die wichtigsten Einstellungen zum Geschichtenerzählen in der gesamten Filmsprache dar. Ich werde mir jeden ansehen. Die Eröffnungsaufnahme ist das, was sie sagt, sie bestimmt die Szene. Es ist ein sehr breiter Winkel. Es zeigt dem Publikum normalerweise, wo die Handlung stattfindet, und es wird sehr oft als Einführung in die Geschichte verwendet. Es ist also eine Einstellung , die Sie vielleicht zu Beginn eines Films oder sogar zu Beginn einer neuen Sequenz sehen Beginn eines Films oder sogar zu Beginn , wenn die Handlung plötzlich an einem neuen Ort stattfindet. Nach der Grundaufnahme können Sie die Weitwinkelaufnahme verwenden. ist nicht so weitläufig oder bodenständig wie die Anfangsaufnahme, aber sie ist trotzdem sehr breit, um uns einen guten Eindruck vom Ort zu geben . Diese Aufnahme können Sie reduzieren und verwenden, wenn Sie eine Reihe von Nahaufnahmen oder mittleren Aufnahmen gemacht haben und den Betrachter erneut orientieren möchten, um ihn daran zu erinnern , wo die Handlung stattfindet. Ohne eine wirklich weite, große Aufnahmeaufnahme machen zu müssen , können Sie einfach auf eine Weitwinkelaufnahme umschalten. Nun die nächsten vier Aufnahmen, ihr könnt euch vorstellen, dass sie wirklich stärker auf den Charakter ausgerichtet sind als die vorherige Etablierung oder Weitwinkelaufnahme. Diese beiden könntest du dir so vorstellen, sie auf die Landschaft oder die Umgebung anwendbar sind und die nächsten vier als auf einen Charakter anwendbar. Das ist keine feste Regel, Sie können zum Beispiel eine extreme Nahaufnahme eines Objekts machen, aber es ist eine gute Möglichkeit sich die Reihenfolge dieser Aufnahmen zu merken. Nach dem Weitschuss hast du den Weitschuss. Es heißt Long Shot, denn wenn ein Charakter darin ist, wirst du den Kopf und die Füße dieser Figur sehen. Sie werden also die volle Länge des Charakters sehen. Dies wird immer dann verwendet, wenn Sie Charaktere zeigen möchten , die sich bewegen. Es ist dafür sehr nützlich, weil es ein bisschen Kontext gibt, aber es zeigt uns den Charakter trotzdem sehr deutlich. Nach der Weitaufnahme folgt die mittlere Einstellung, und hier kommst du der Figur ein bisschen näher . Es ist von der Taille bis zum Kopf. Diese Aufnahme wird im Allgemeinen verwendet, wenn Sie den Charakter mit seinen Händen zeigen möchten . Es ist also eine gute Aufnahme weil sie immer noch nah genug ist, sodass wir jede Emotion oder Handlung im Gesicht des Charakters sehen können , aber sie ist weiter hinten genug, damit der Charakter seine Hände benutzen und Dinge aufheben kann , falls nötig, oder solche Dinge. Nach der mittleren Aufnahme hast du die Nahaufnahme. Die Nahaufnahme ist wahrscheinlich eine der wichtigsten Einstellungen im gesamten Film, weil es die einzige Einstellung ist , die Sie verwenden können, um sich wirklich auf die Figur zu konzentrieren , und sie hilft bei der Identifizierung des Publikums, worüber ich später in diesem Kurs sprechen werde . Aber jetzt stell dir die Nahaufnahme einfach als Kopf und Schultern eines Charakters vor und du wählst einfach als Kopf und Schultern eines Charakters vor und die Einstellung, die du wählst, wenn die Figur spricht oder ob du Emotionen im Gesicht der Figur zeigen möchtest . Nach der Nahaufnahme folgt die extreme Nahaufnahme, die, wie das schon sagt, normalerweise nur auf einen Bereich, wie die Augen oder die Gesichtszüge, fokussiert wird. Aber wie ich bereits sagte, Sie könnten eine extreme Nahaufnahme der Hand oder eines Objekts machen, etwas, mit dem Sie Ihrem Publikum die Sache wirklich verdeutlichen möchten . Die extreme Nahaufnahme, denk nur daran, sie kann ein bisschen klaustrophobisch und ein bisschen intensiv sein. Es wird normalerweise verwendet, um die Aufmerksamkeit und das Drama einer Szene wirklich zu steigern. Später in diesem Kurs werde ich etwas ausführlicher über Dinge wie die Identifizierung von Zielgruppen sprechen . Außerdem erfährst du alles über andere Kombinationen von Aufnahmen, wie die Aufnahme über die Schulter oder die Aufnahme aus der Vogelperspektive. Aber erst einmal, lerne diese sechs Hauptaufnahmen und natürlich die Hauptkamerawinkel kennen und du wirst sie in Filmen und Filmen, die du dir ansiehst, schnell erkennen und erkennen. Du wirst anfangen, sie auszusuchen. Sie können sehen, wie sie in einer bestimmten Szene verwendet werden. Es ist wirklich interessant , diese Art von Aufnahmen zu identifizieren diese Art von Aufnahmen wenn Sie sich einen Film oder eine Sendung ansehen. 10. Der Storyboarding-Prozess: In dieser Lektion, der letzten Lektion, bevor wir eigentlichen Storyboarding beginnen, möchte ich kurz erklären, wo das Storyboard in den gesamten Produktionsprozess passt. Es ist wichtig, dass Sie das verstehen, denn ganz einfach gesagt, Ihre Arbeit wird von buchstäblich jedem im Produktionsteam verwendet , sobald Sie mit dem Storyboarding fertig sind. Sie müssen sicherstellen, dass Ihre Arbeit, wenn Sie fertig sind, von jemand anderem abgeholt und klar verstanden werden kann. Ich werde versuchen, die gesamte Pipeline zu erklären , indem ich sie mit einem Storyboard erstelle. [LACHEN] Der allererste Schritt ist , dass es immer ein Drehbuch gibt. Wenn es kein Drehbuch gibt, gibt es zumindest eine Idee oder ein Konzept. In jedem Fall beginnen Sie die gesamte Produktion mit einer Idee in schriftlicher Form. Deine Aufgabe als Storyboard-Künstler ist es, die Handlung des Drehbuchs oder des Konzepts zu zeichnen . Sie setzen sich hin, machen ein Miniaturbild zeichnen die Paneele unter der Leitung des Regisseurs oder des Produzenten. Aber letztendlich ist es Ihre Arbeit, die das Aussehen des Films bestimmen wird. An diesem Punkt müssen Sie möglicherweise einige Änderungen vornehmen, ein Hin und Her zwischen Ihnen und dem Produzenten oder dem Regisseur, um das Aussehen und alle Einstellungen zu klären. Aber sobald diese Arbeit erledigt ist, sobald das Storyboard gesperrt ist, wird es in einzelne Panels aufgeteilt und in die Bearbeitungssoftware übertragen, wo es mit einer Aufnahme des Dialogs des Films abgeglichen wird. Dies geschieht, um ein sogenanntes Animatic zu erzeugen. Ein Animatic ist nun eine Filmversion des Storyboards , das Sie gerade gezeichnet haben. Dabei wird jedes Panel zu einer beweglichen Sequenz bearbeitet. Wenn Sie mit professioneller Software wie Storyboard Pro arbeiten, können Sie Animatic sehr oft professioneller Software wie Storyboard Pro arbeiten, Animatic sehr direkt in der Anwendung ausführen. Oft wird von Ihnen erwartet, dass Sie einen Animationsfilm als auch das Storyboard produzieren. Es ist jedoch wirklich wichtig zu beachten, dass der Grund, warum es einen Animatic gibt , darin liegt, dass der Regisseur hier bei jeder Einstellung das Timeout überschreitet, insbesondere bei Animationen. Das ist wirklich nicht unbedingt dein Job. Der Regisseur ist derjenige, der Regieentscheidungen in dieser Phase trifft , während er oder sie sich den Animatic ansieht. Der Grund, warum das Timing so wichtig ist, liegt darin, dass in der Animation, sobald das Timeout erreicht ist, diese Szenen an die Animatoren gesendet werden. Die Animatoren machen sich an die Arbeit an ihnen. Du kannst nicht wirklich zurückgehen und Dinge ändern oder eine Szene länger machen, denn wenn du das tust, würde sich das Timing in allen anderen Szenen verschieben. In einer Animationsproduktion ist das Locked Animatic die endgültige, endgültige Version des Storyboards. Aber wie gesagt, sobald das erreicht ist, teilt das Produktionsteam die Animation in Szenen auf die Animation in Szenen und gibt sie an die Animatoren weiter. Die Animatoren nehmen die Szene, bei der es sich im Wesentlichen um Ihre Board-Panels handelt, und animieren die Charaktere für diese Szene, je nachdem, wie Sie die Handlung gezeichnet haben. Das Gleiche gilt für Requisitenbauer und Hintergrundkünstler. Jede Produktionsabteilung erhält ein geschnittenes Animatic, und jede Abteilung ist für die Erstellung des endgültigen Kunstwerks, der endgültigen Assets für jede Szene, verantwortlich die Erstellung des endgültigen Kunstwerks, der endgültigen . Wenn all das erledigt ist, wird die gesamte Arbeit dann wieder in die Bearbeitungs- oder Compositing-Software eingespeist . Der Regisseur und der Cutter setzen sich wieder zusammen, und sie werden die fertige Animation, die Hintergründe, die Requisiten wortwörtlich an die Originalanimation anpassen die fertige Animation, die Hintergründe, die und sicherstellen, dass nichts fehlt. So kommen sie zur endgültigen Version des Films. Wie du siehst, hat dein bescheidenes kleines Storyboard noch viel Leben, nachdem es dich verlassen hat. Es geht an jede einzelne Person in der Produktion und ist buchstäblich der Eckpfeiler und die Grundlage des gesamten Projekts. Lassen Sie uns in diesem Sinne in unser eigenes Projekt eintauchen. Als Nächstes, in der nächsten Lektion, werde ich erklären, wie Sie Ihr Drehbuch aufschlüsseln können, und dann beginnen wir mit der Miniaturansicht und dem Zeichnen der Panels. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 11. Wie man ein Script für Storyboarding: das Ausblenden oder Aufteilen eines Skripts in Sequenzen Durch das Ausblenden oder Aufteilen eines Skripts in Sequenzen und Szenen können Sie Ihre Arbeit in kleinen, überschaubaren Abschnitten angehen , sodass Sie das gesamte Skript einfach und effizient durcharbeiten können . Das möchte ich in dieser Lektion demonstrieren. In den nächsten Lektionen verwenden wir das Beispielskript, das ich geschrieben habe. Das ist nur ein Beispiel. Es sind ein paar Seiten eines komplett erfundenen Drehbuchs, das ich für dich geschrieben habe. Aber wir werden es verwenden, um den Prozess des Zeichnens eines Storyboards zu untersuchen , damit Sie aus erster Hand sehen können , wie einfach und überschaubar es ist. Der beste Weg, ein Skript zu unterteilen, besteht darin, zunächst diese Sequenzen zu identifizieren und dann die Beats innerhalb dieser Sequenzen zu identifizieren. Wenn du dein Drehbuch durchliest, solltest du anfangen, jeden Teil des Drehbuchs zu markieren, der sich wie ein Moment in der Geschichte anfühlt und der ein Takt ist. Schauen wir uns zum Beispiel das Drehbuch an. Es heißt, draußen am Tag brennt die Sonne auf die verbrannte Erde. Das ist ein Beat. Im nächsten Abschnitt des Drehbuchs heißt es, wir sehen eine Eidechse, die unter einem Felsen hervorspringt und unter einem Felsen dart. Das ist ein weiterer Beat. Dann schwenkt die Kamera, das ist ein dritter Schlag. Dann sehen wir, wie unser Charakter gräbt. Das ist ein vierter Beat. Jetzt können wir einige erste Ideen für Kamerawinkel und Aufnahmen markieren oder aufschreiben . Natürlich wollen wir mit einer großen Weitwinkelaufnahme beginnen , da es sich um einen Western handelt und wir diesen umfassenden Panoramablick auf die Landschaft zeigen müssen . Wir wollen dem Publikum zeigen , wo die Aktion stattfindet. Es ist draußen in der Wüste. Weißt du, die Sonne ist mittags, solche Dinge. Der nächste Beat im Drehbuch ist die Echse. Es wird offensichtlich eine Nahaufnahme einer Echse sein , die unter dem Felsen hervorspringt , weil Sie eine Eidechse weder in einer Fernaufnahme noch in einer Weitwinkelaufnahme sehen könnten . Beim nächsten Takt zeigt das Drehbuch an, dass die Kamera am Boden entlang schwenkt. Vielleicht ist das eine Aufnahme aus dem unteren Winkel , die von der Stelle aus beginnt, wo wir die Echse auf den Felsen steigen sahen und die Wüsten entlang schwenken. An dieser Stelle könnten Sie möglicherweise breiter schneiden. Plötzlich sehen wir, dass es unser Charakter Reinhold ist, der das Loch in den Boden gräbt. Das wird natürlich mindestens eine mittlere Einstellung sein , wenn nicht sogar eine Weitaufnahme, wir wollen den Charakter sehen, aber wir brauchen auch Platz, um zu sehen, wie er seine Arme bewegt und ihn beim Graben zeigt. Dann denke ich, was du tun könntest, ist auf einen weiten Schuss zu reduzieren , weil er aus dem Loch im Boden klettern und die Schaufel runterwerfen und seine Linie sagen muss aus dem Loch im Boden klettern und die . Dann könntest du zum Abschluss vielleicht die ganze Sequenz mit einer dramatischen Nahaufnahme seines wütenden Gesichts beenden , er seine Faust schüttelt. Was ich hier gemacht habe, ist im Grunde die Szene auszublenden sehen, welche Aufnahmen meiner Meinung nach funktionieren würden, um die Geschichte zu erzählen. Diese Aufnahmen sind keineswegs die einzigen Entscheidungen, die Sie in Bezug auf die Kamerawinkel treffen können . Es gibt unzählige Kombinationen , zu denen Sie gehen können. Diesem Kurs zuliebe würde ich aber sowieso beim ersten Durchgang so vorgehen . Ich würde vorschlagen, es einfach zu halten wenn Sie dies für sich selbst blockieren. Lass uns weitermachen. Die nächste Szene ist die Außenstadt während des Tages. Auch hier könntest du mit einer schönen Weitwinkelaufnahme beginnen um dem Publikum wieder zu zeigen, wo wir sind. Wir sind jetzt an einem neuen Standort. Wir sind in der Stadt oder auf der Hauptstraße. Hier treffen wir den Sheriff , der , sagen wir, er kommt aus dem Gefängnis. Das nennt man den Sheriff-Schock. Der Sheriff geht über die Straße und geht in den Saloon. Das könnte vielleicht ein weiterer Schwenkaufschuss auf der anderen Straßenseite sein. Dann werden wir natürlich ins Innere des Salons gehen , es ist also ein neuer Standort. Sie haben hier ein paar Optionen. Du könntest dem Sheriff von hinten folgen , wenn er durch die Türen geht, fast so, als ob du mit ihm hineingehst durch die Türen gehst. Ich würde sagen, wie eine mittlere oder lange Aufnahme, die ihn beim Betreten verfolgt, oder Sie könnten die Kamera bereits im Saloon aus der Sicht von Leuten in der Bar aufstellen bereits im Saloon aus der Sicht von und sehen, wie er reinkommt oder Sie könnten die Kamera bereits im Saloon aus der Sicht von Leuten in der Bar aufstellen und sehen, wie er reinkommt und auf die Kamera zugeht. Ich mag diese Idee, weil es fast so ist , als ob die Zuschauer, die sich bereits im Saloon befinden, das Geschehen von drinnen verfolgen würden. In diesem Sinne funktioniert es für mich. Dann können wir einfach eine Panoramaaufnahme machen oder so. Sehen Sie ihn einfach über den Boden zur Bar gehen. Die nächste Sequenz ist eine Dialogsequenz zwischen dem Sheriff und dem Barkeeper. In Film und Animation gibt es jetzt Standardeinstellungen und Standarddrehsequenzen , auf die Sie für den Dialog zurückgreifen können. Einer wird als Schuss, Rückwärtsschuss und ein anderer als Over-Shoulder-Schuss und Point-of-View-Shot bezeichnet und ein anderer als Over-Shoulder-Schuss . Im nächsten Abschnitt der Videos werde ich mich viel eingehender Storytelling-Aufnahmen wie der Over the Shoulder-Aufnahme befassen. Aber lassen Sie uns das einfach zuerst durchgehen. Ich würde wahrscheinlich mit einer sogenannten Two-Shot-Aufnahme beginnen , bei der beide Charaktere im Bild zu sehen sind. Sobald der Dialog beginnt, würde ich meiner Meinung nach jedem Charakter eine einzige Chance geben. Mit anderen Worten, die Kamera wäre nur auf eine Person gerichtet, während sie ihre Zeile sagt. Dann verwendest du eine umgekehrte Aufnahme , in der das zweite Zeichen seine Zeile sagt. Wir werden ein paar Aufnahmen machen, die über die Schulter gehen, weil es in einer Dialogsequenz immer sehr wichtig ist einer Dialogsequenz immer sehr wichtig , diese Verbindung zwischen den beiden Charakteren herzustellen. Du solltest immer mindestens eine Aufnahme über die Schulter haben , die zeigt, wie der Charakter seine Zeile spricht, wobei nur die Ecke des Kopfes und die Schultern des zweiten Charakters angezeigt werden. Ich erkläre es im Thumbnail-Bereich. Dann wird es viel klarer sein. Diese Aufnahmen sind übrigens alle Medium- oder Nahaufnahmen. Wir können die Details der Over the Shoulder-Aufnahmen herausfinden , wenn wir das Storyboard zeichnen. Aber diese letzte Zeile hier ist das Stichwort für das dritte Zeichen, das eingegeben werden muss. Ich würde auf eine mittlere Aufnahme dieser beiden Charaktere zurückgehen und sie außerhalb des Bildschirms aussehen lassen. Das kann der Hinweis dafür sein, dass die dritte Figur von Gretta in die Szene eintritt. Für ihren Auftritt würde ich auf jeden Fall weit herangehen. Ich denke, das sollte ein sehr dramatischer Auftritt sein. Wir sehen sie unten an der Treppe oder so. Sie wird erscheinen und zum Sheriff gehen und ihm diese Tasche mit Diamanten rüberwerfen. Das ist das Ende unseres Beispielskripts. Ich denke, wir haben so ziemlich alle Ideen für Aufnahmeideen und Kamerawinkel. In der nächsten Phase unseres Projekts werden wir damit beginnen, diese in sehr groben, fast wie Strichmännchen gezeichneten Zeichnungen auszuarbeiten . Dann bringen wir sie zum fertigen Storyboard. Wenn du bereit bist, triff mich in der nächsten Lektion. 12. So zeichnen Sie Thumbnails: Jetzt, wo wir das Drehbuch aufgeschlüsselt haben, ist es an der Zeit, mit dem Vorschaubild und der Ausarbeitung unserer Ideen zu beginnen . Normalerweise werden Ihre Miniaturansichten auf einem einfachen Satz von Panels wie diesem gezeichnet . Sie müssen keine Storyboard-Vorlage für Ihre Thumbnail-Ideen verwenden , da es hier nur darum geht, sehr experimentell zu sein . Sie können Ihre Ideen viel einfacher ändern, wenn Sie nur einen einfachen Satz von Panels wie diesen verwenden nur einen einfachen Satz von Panels wie diesen und sich nicht zu viele Gedanken über die Größe der Panels machen. Solange es sich um Rechtecke handelt, müssen Sie sich zu diesem Zeitpunkt keine Gedanken über die Abmessungen machen. Das ist, wie gesagt, nur zum Skizzieren. Die andere Sache, über die du dir jetzt keine Sorgen machen musst , ist dein Zeichnen. Halte es sehr, sehr einfach und so grob, wie du willst. Laut meiner Schussaufschlüsselung war der erste Schuss, den ich identifiziert habe, der Startschuss. Lass uns das machen. Wir brauchen schöne, große Weitwinkelaufnahmen nur um die Szene in Szene zu setzen, nur um dem Publikum genau zu zeigen, wo wir sind. Ich werde das hier wirklich wie die typische westliche Wüste aussehen lassen hier wirklich wie die typische westliche Wüste ich werde diese ikonischen Berge im Hintergrund haben. Vielleicht ein oder zwei Kakteen im Vordergrund und vielleicht sogar einige Knochen eines Tieres, nur um zu zeigen, dass es eine sehr raue Umgebung ist, so etwas. Sie können an dieser Stelle wirklich einfallsreich sein. Dann ist die nächste Aufnahme die Nahaufnahme der Echsen, die wir sehen wollen , wie sie von einem Felsen zum anderen flitzen. Was ich hier tun werde, ist diese Aktion in zwei separaten Panels zu zeigen . Im Grunde muss ich zuerst dieses Panel zeichnen, das zeigt wo die Eidechse herauskommt sie aus einem Felsen herausspringt. Sobald ich das gezeichnet habe, anstatt es im nächsten Panel erneut zu zeichnen, kopiere ich es einfach und füge es ein, und dann lösche ich die Pose der Echse aus und zeichne ihn in seiner zweiten Position. Nun, es zeigt deutlich die Action in dieser winzigen Szene, und es gibt zwei Positionen , an denen wir diese Echse sehen wollen, und das ist für die Animatoren wirklich klar. Dann werden sie wissen, wenn sie ihre Szene sehen, dass es zwei Hauptposen gibt sie von einem Felsen zum anderen wechseln. Als nächstes kommt die große Pfanne. Ich werde zwei Paneele für die Pfanne verwenden und einfach so direkt über sie zeichnen. In diesem zweiten Panel stoppt die Kamera und wir sehen die Figur von Reinhold, wie er im Boden gräbt. Wenn wir das später auf das richtige Storyboard zeichnen, werde ich Ihnen genau zeigen, wie Sie die Kamerabewegungen angeben , aber vorerst zeichne ich nur einen Pfeil, um mich daran zu erinnern, dass dies eine Bewegung einen Pfeil, um mich daran zu erinnern, dass dies von links nach rechts ist. Darauf werden unsere mittleren Aufnahmen folgen, weil wir an dieser Stelle dem Charakter wirklich näher kommen wollen . Wir haben ihn beim Graben etabliert, also wollen wir jetzt ein bisschen mehr darüber wissen, wer dieser Typ ist. Wir gehen etwas näher ran und versuchen, ein bisschen mehr von ihnen zu sehen, aber die mittleren Aufnahmen ermöglichen es uns, weit genug hinten zu sein, sodass wir seine Hände und seine Grabaktion sehen können . Der nächste Schuss ist Weitschütze, der aus dem Loch klettern wird , und was ich tun werde, ist gewissermaßen rückwärts zu arbeiten. Ich möchte diese Aktion von Brigade in zwei Panels aufteilen. Zeig ihm zuerst, wie er rauskommt. Aber was ich mache, ist zuerst das zweite Bild zu zeichnen , damit ich selbst weiß, wie die Weitaufnahme aussieht. Ich benötige die volle Länge des Charakters. Sobald ich das in diesem Panel festgelegt habe, kopiere ich es einfach, verschiebe es zurück hierher und jetzt kann ich viel einfacher die Proportionen des Charakters zeichnen , während er aus dem Boden kommt. Manchmal ist es für mich einfacher , die Länge des Charakters herauszufinden , um ihn zuerst stehen zu sehen und die richtige Aufnahme zu machen. Dann mach die Zeichnung, die etwas komplizierter ist. Das ist in Ordnung. Das sieht gut aus. Auch hier werde ich diese Zeichnung einfach in dieses Panel kopieren. Jetzt möchte ich zeichnen, wie er wütend wird. Die Handlung hier ist, dass er frustriert ist die Schaufel auf den Boden wirft , aber um das zu tun, musst du zwei separate Posen haben, damit es sich wirklich als dynamische Aktion liest. Er wird es zuerst so hochdrehen und dann in diesem Panel wird er es so zerschlagen. Übrigens, ich hoffe, Sie erkennen die Handlungslinien, die ich hier ansetze. Meine C-Kurven helfen mir, diese Posen wirklich, wirklich stark zu machen. Brillant. Diese Panels funktionieren. Das ist im Wesentlichen eine Szene , aber jetzt werden die Animatoren genau sehen welche Aktion für diese Szene erforderlich ist , sodass sie wissen wie man ihn animiert, da alle Hauptposen sehr deutlich gezeigt werden. Beim nächsten Schuss wird er wütend und ich werde aus einem hohen Winkel auf ihn herabschauen. Das wird seine Entfremdung und sein Alleinsein auf der Welt unterstreichen und diese Stimmung vermitteln, wenn er wütend wird. Aber dann schneiden wir die letzte Einstellung der Sequenz in eine extreme Nahaufnahme sein Gesicht zeigt, und dies ist das erste Mal, dass wir die Gesichtszüge wirklich sehen , also das wird sehr dramatisch sein. Ich denke, Zeit für eine kleine Pause. Machen Sie sich eine Tasse Tee oder Kaffee oder holen Sie sich etwas Wasser und wenn Sie zurückkommen, werden wir die zweite Hälfte unseres Skripts als Miniaturansicht betrachten. Wenn du bereit bist, sehe ich dich in der nächsten Lektion. 13. So zeichnen Sie Thumbnails: [MUSIK] Großartig, willkommen zurück. Die nächste Sequenz, die als Miniaturansicht angezeigt werden soll, ist die Balkensequenz. Wir beginnen die Sequenz mit einer weiteren Weitwinkelaufnahme der Stadt. Auch hier werde ich zwei dieser Panels aufnehmen , damit ich sie für diese Schwenkaufnahmen kombinieren kann. Es mag kompliziert erscheinen, die Szene zu zeichnen, aber im Moment blende ich die Dinge einfach aus. Ich weiß, dass ich möchte, dass der Sheriff von links nach rechts geht und die Straße überquert und auf die andere Seite geht, wo der Saloon sein wird. So einfach kann das sein und wir können die Details später eingeben . Ich werde nur einen zufälligen Cowboy angeben bei dem ein anderer Charakter in dieser Ecke herumlungert , nur um die Szene einzurahmen sie ein bisschen interessanter zu gestalten. Ich hatte auch die Idee, dass wir vielleicht, wenn die Kamera von links nach rechts schwenkt, ein zufälliges Pferd durch das Bild trabt. Auch das wird die Action unterbrechen , die Eröffnungsszene etwas interessanter machen und dieser Stadt einfach ein bisschen Leben einhauchen. Der Sheriff geht rüber und wir werden ihn die Stufen hinaufgehen und in den Saloon gehen sehen . Die nächste Aufnahme wird dann im Saloon stattfinden, also möchte ich das ganz grob blockieren. Das sind diese Schwingtüren , durch die er gehen wird. Aber ich glaube, ich will es ihm eher zeigen , wenn ich schon die Hälfte der Türen hinter mir habe. Es ist gut, die Action zu zeigen, die bereits passiert, wenn er hineingeht. Normalerweise ist die Konvention für Animationen ohnehin, dass, wenn Sie eine Aktion detailliert zeigen müssen, so wie wir es im letzten Abschnitt mit der Echse oder mit der Figur der Nashörner gemacht haben , diese Aktion in ein paar Panels zeichnen. Aber manchmal, wenn es so einfach ist, dass er einfach über das Bild geht , können Sie einen Pfeil verwenden, um die Richtung anzugeben. Nun, hier ist ein Beispiel dafür , wie Sie in Ihren Storyboards ein bisschen kreativ werden und ein wenig vom Drehbuch abweichen . Ich möchte den Sheriff zeigen, wie er über die Bar geht, aber ich möchte das aus der Sicht von oben machen , weil ich dachte, wenn ich das mache, ist das eine clevere Art, den Charakter von Greta einzuführen, auch wenn das nicht im Drehbuch steht. Hier kann eine durchdachte Verwendung von Aufnahmen wirklich mehr Geschichte erzählen als die tatsächlichen Worte des Drehbuchs. Wenn wir Greta hier in den Over-the-Shoulder-Aufnahmen so vorstellen , als würden wir sie nicht genau sehen, siehst du nur den Rücken von ihr. Das wird ihr sofort ein bisschen rätselhaft machen. Wir wollen wissen, wer diese Person ist, die auf den Sheriff herabschaut. Das ist eine Aufnahme aus der Perspektive, in Sichtweise eines Charakters gezeigt wird. Im nächsten Panel werde ich sie beim Verlassen des Rahmens zeichnen. Wie gesagt, diese beiden Panels machen zwei Dinge. Erstens zeigen sie den Sheriff, wie er durch diese leicht gefährliche Szene geht. Wir wissen nicht, was passieren wird. Es gibt definitiv Leute, die ihn ansehen. Er hat sich selbst im Auge. Zweitens sehen wir das Ganze aus der Sicht dieses anderen Charakters. Jetzt wollen wir wissen , wer diese Figur ist und wie sie in die Geschichte verwickelt ist. Die nächsten Panels sind dann relativ einfach. Dies ist die Dialogsequenz. Da es sich nur um einen Dialog zwischen zwei Charakteren handelt, ist es sehr einfach, ihn einfach zu blockieren. Sie können jedes Bedienfeld verwenden, um die Zeichendialogzeile so einfach anzuzeigen. Aber was ich sagen werde, ist immer zu versuchen, eine Verbindung zwischen zwei Charakteren herzustellen , wenn sie sprechen indem du eine solche Schulteraufnahme verwendest. Sie möchten manchmal beide im selben Bild zeigen können beide im selben Bild , um Verbindung für das Publikum herzustellen. Wenn Sie dann eine Zeichenlinie hervorheben möchten, können Sie diese Figur in einer einzigen Aufnahme zeichnen. Dann schauen sie sich beide um, wenn sie hier sind, Greta aus dem Off oder wenn sie Greta eintreten hören. Ich würde sagen, wir sollten sie auf jeden Fall auf lange Sicht sehen. Nehmen wir an, sie ist gerade die Treppe runtergekommen und sie ist am Ende der Treppe. Als Nächstes schneide ich auf eine Nahaufnahme, in diesem Panel sagt sie etwas wie, Ist das, wonach du suchst, und hält den Beutel oder die Tasche in ihrer Hand hoch. Dann können die letzten Schüsse sein, oder der letzte Schuss ist, dass sie die Diamanten über die Bar wirft. Das ist ein wirklich grober Teil unseres Drehbuchs. Wir haben alle wichtigen Vorschaubilder gemacht. In der nächsten Phase werde ich damit beginnen, unser Storyboard richtig zu zeichnen. Dann kannst du anfangen, die Dinge wirklich zu verfeinern, nicht nur bei der Zeichnung, sondern vielleicht auch bei der Auswahl der Aufnahmen. Vielleicht beschließen wir, gegen Ende noch ein paar Panels hinzuzufügen , nur um diese letzte Sequenz hier zu konkretisieren. Wenn du jetzt die Möglichkeit hast, pausiere die Videos und erstelle deine eigenen Thumbnails für die Geschichte. Mal sehen, ob Sie sich neue oder andere alternative Kamerawinkel oder Aufnahmesequenzen einfallen andere alternative Kamerawinkel lassen können. Wenn du bereit bist, triff mich in der nächsten Lektion und wir besprechen, wie du diese Vorschaubilder bereinigen und ein endgültiges Storyboard erstellen kannst. 14. Storyboarding der Desert: [MUSIK] Jetzt beginnen wir mit dem Zeichnen unseres endgültigen Storyboards. In der Animation wird dieser Vorgang als Aufräumphase bezeichnet , da wir im wahrsten Sinne des Wortes grobe Zeichnungen nehmen und sie neu zeichnen, um sie sauberer und präziser zu gestalten. Sie möchten eine saubere, präzise Linie anstreben, wohingegen Sie in der Miniaturbildphase mit einer viel raueren und lockereren Linie zeichnen. Ich habe meine Storyboard-Vorlage hier, ich gehe zu meiner Thumbnail-Seite. Auch hier gehe ich Schritt für Schritt vor. Ich wähle zunächst die ersten paar Frames aus, kopiere sie und füge sie dann in meiner Vorlage wieder in dieses Dokument ein. Ich muss sie so skalieren, dass sie so gut ich kann, aber das ist okay. Ich zeichne sie neu, also ist es nicht wirklich wichtig. Was ich tun werde, ist die Opazität dieser Ebene nach unten zu verringern und eine neue Ebene darüber hinzuzufügen. Hier werde ich den Prozess des Zeichnens viel vorsichtiger beginnen . Wie gesagt, ich möchte meine Zeichnungen so gut wie möglich definieren, und das bedeutet, dass ich die Linien, die in meiner groben Zeichnung enthalten sind, übergehe die Linien, die in , mich aber nicht genau an sie halten muss. Ich kann Dinge an verschiedenen Positionen zeichnen, wenn ich muss, oder Dinge verschieben. Das ist okay, aber im Allgemeinen folge ich einfach der Zeichnung auf der Ebene darunter und verwende sie als meine Anleitung. In diesem Stadium fragen Sie sich vielleicht, warum Sie die doppelte Arbeit machen sollten? Warum würdest du einfach etwas zeichnen und es dann neu zeichnen? Warum ziehst du es nicht einfach zuerst ab? [LACHEN] Das ist eine gute Frage, also werde ich diese Gelegenheit nutzen, um diesen Prozess etwas besser zu erklären. Der Grund, warum wir zuerst Miniaturansichten zeichnen und dann die Mühe machen, sie neu zu zeichnen , ist, dass es sich bei den Miniaturansichten erstens nicht wirklich richtige Zeichnungen handelt, sondern einfach um Ideen. Das sind die Konzepte , die Sie sich einfallen lassen, und Sie schreiben sie auf, wenn Sie möchten, in visueller Form. Du musst deine Idee immer zuerst skizzieren und prüfen ob sie funktioniert, bevor du eine endgültige Version zeichnest. Zweitens können die Vorschaubilder geändert werden, und das ist ein wichtiger Punkt, den Sie beachten sollten. Das letzte Board, wenn du daran arbeitest, ist wirklich das letzte Board. Die Entscheidungen wurden getroffen, die Aufnahmeentscheidungen, die Kamerawinkel wurden alle festgelegt. Wenn wir eines der Panels oder die Kamerawinkel ändern oder andere Entscheidungen treffen mussten , möchten wir das in einer Miniaturbildphase tun. Der Prozess, den ich hier durchgehend demonstriert habe , ist, wie ich die Dinge angehen würde, aber wenn ich in einem Studio arbeiten würde, müsste ich dem Regisseur meine Miniaturbilder tatsächlich zeigen. Ich würde gerne Überarbeitungen und Änderungen erhalten , vielleicht mehrmals, bevor die Rohzeichnungen unterzeichnet sind und bevor ich dann weitermachen und ein fertiges Storyboard zeichnen kann weitermachen und ein fertiges Storyboard zeichnen , wie ich es jetzt mache. Hier arbeite ich an meinen eigenen Rohdaten und habe mir keine Änderungen vorgenommen. Das ist das Schöne daran, sowohl Ihr eigener Storyboard-Künstler als auch Ihr eigener Regisseur zu sein . Ich scherze, aber natürlich ist es gut zu wissen, dass, wenn man in einem Studio oder für einen Kunden arbeiten möchte , man bereit und willens sein muss , Überarbeitungen und Änderungen vorzunehmen. Sie müssen in der Lage sein, Ihre Arbeit zu ändern und Anweisungen zu befolgen. Persönlich hatte ich großartige Vorgesetzte, mit denen ich zusammengearbeitet habe, und ich hatte auch Vorgesetzte, die mir viele Änderungen gegeben haben , von denen einige zu der Zeit keinen Sinn ergaben, aber man muss lernen, sich nicht an seine Arbeit oder seinen Prozess zu binden, und man muss lernen, Dinge zu ändern , wenn das erforderlich ist. Aber wie gesagt, in der Phase des Prozesses sollten die Dinge inzwischen wirklich vereinbart sein. An diesem Punkt konzentrieren Sie sich nur darauf, die Paneele sorgfältig zu zeichnen und alle Details hinzuzufügen , die Ihre Zeichnungen wirklich gut aussehen lassen . Zu diesem Zeitpunkt habe ich alle meine ersten drei Panels gemacht. Ich bin sehr zufrieden mit ihnen. Ich werde den Berg an Arbeit hinter mir lassen und mit dem nächsten Abschnitt weitermachen. Diese Pfanne wird genau so sein, wie ich sie im Vorschaubild dargestellt habe. Wie Sie sehen können, überzeichne ich gerade die beiden Paneele. Ich kombiniere sie zu einem langen Panel, um anzuzeigen, dass sich die Ansicht von links nach rechts bewegt. Wenn es darum geht, [unhörbar] in das Loch im Boden zu zeichnen , werde ich es an dieser Stelle sehr vage halten weil wir ihn zu diesem Zeitpunkt wirklich nicht in dieser Nahaufnahme sehen. Er ist immer noch dieser sehr seltsame, mysteriöse Charakter, daher möchte ich das noch nicht näher erläutern. Der Fokus in dieser Aufnahme liegt immer noch sehr stark auf der umgebenden Landschaft. Wir betonen immer noch die Tatsache, dass er allein in der Wüste ist. Für diese Aufnahme möchte ich die Kamera deshalb ein bisschen weit von ihm fernhalten die Kamera deshalb ein bisschen weit , bis wir näher ran müssen. Sobald ich mit dem Zeichnen dieses Musters fertig bin , nehme ich die rote Farbe und in Rot werde ich mein Rechteck um die beiden Paneele ziehen . Auf diese Weise würden Sie angeben, dass die beiden Panels nur ein großes Panel sind, und dann, um den Schwenk anzuzeigen, einfach eine Linie darunter zeichnen, die die Richtung angibt , damit jeder andere, der dies liest , weiß, dass die Kamera von links nach rechts schwenkt. Sie zeigen den Start und den Stopp, und dann können Sie auch Ihre Kamerabewegungen auf Ihr Storyboard schreiben , wenn Sie möchten. Dies ist das letzte Panel für diese Seite, es sind die mittleren Aufnahmen. Wir schneiden es etwas näher zusammen. Wir sehen immer noch nicht das volle Gesicht ihres mysteriösen Charakters, er ist immer noch gebeugt. Wir sehen ihn unter der heißen Zone in diesem Loch im Boden schuften. Das ist in Ordnung. Ich denke aber auch, dass ich hier ein paar weitere Details hinzufügen könnte, die der Aufnahme etwas mehr Interesse verleihen würden . Ich habe darüber nachgedacht, vielleicht einen Eimer und ein Bild oder eine Axt hinzuzufügen , vielleicht sogar eine Karte, um zu zeigen , dass er eine Karte benutzt um zu finden, wonach er gräbt. Kleine Details wie diese sind wirklich nett, um sie visuell zur Geschichte hinzuzufügen Wenn du also über sie nachdenkst, wenn sie dir in den Sinn kommen, dann füge sie auf jeden Fall in dein Storyboard ein. Die nächste Seite unseres Storyboards wird diese gesamte Sequenz vervollständigen, der Prozess ist also derselbe. Wir zeichnen die Paneele Stück für Stück mit mehr Details, nur ein bisschen sorgfältiger. Hier schneiden wir auf diese langen Aufnahmen aus, also zeigen wir den Charakter zuerst aus dem Loch kriecht, dann dreht er sich um und kratzt sich am Kopf. Es wird jetzt etwas klarer , da er nicht gefunden hat, wonach er gesucht hat. Jetzt wissen wir, dass dieser Typ vielleicht ein widerlicher Charakter ist oder dass er nichts Gutes vorhat. Er wurde bei seinem Versuch, das zu finden, wonach er sucht, vereitelt . Die nächsten Panels werden diesen widerlichen Charakter wirklich unterstreichen, denn dort werden wir sehen , wie er die Beherrschung verliert und schwört, sich an jemandem zu rächen. Wir sehen, wie er seine Schaufel auf den Boden wirft, wütend wird, seine Fäuste schüttelt, und das ist unser Weitwinkelschuss. Das wird wirklich gut funktionieren, denke ich, und dann ein sehr dramatischer Schnitt in der Nahaufnahme. Dies ist die Aufnahme, die den Charakter wirklich in allem zeigt, was er ist. Es zeigt ihn sehr wütend und rachsüchtig, und es ist die erste freie Aufnahme , die wir von diesem Typen bekommen. Das ist meiner Meinung nach eine großartige Möglichkeit , die gesamte Sequenz zu beenden. In der nächsten Lektion machen wir weiter, und wir werden die zweite Hälfte unseres Drehbuchs in Angriff nehmen und sie zu einem endgültigen, bereinigten Storyboard bringen. Wenn du bereit bist, nimm an der nächsten Lektion teil. 15. Storyboarding der Saloon Sequence: [MUSIK] In dieser Lektion gehe ich durch die Aufräumphase und komme zum nächsten Abschnitt des Storyboards. Hier habe ich die grobe Zeichnung kopiert und werde sie verfeinern und detaillierter machen. Jetzt liegt es ganz bei Ihnen, wie detailliert Sie Ihre Panels erstellen möchten. Wenn Sie weitere Ideen für Charaktere oder Szenen haben, können Sie auf jeden Fall Ihre eigene Arbeit für das Klassenprojekt machen . Du musst nicht einfach meinem Beispiel folgen. Aber ich wollte dir zeigen, wie sich die Dinge entwickeln, wie ich die Dinge für mich selbst erledige. Wie Sie insbesondere in der letzten Lektion sehen können, ist der Vorgang sehr einfach. Zu diesem Zeitpunkt gibt es nichts Kompliziertes. Wir kopieren buchstäblich unsere groben Zeichnungen und machen sie nur ein bisschen definierter. Es braucht ein bisschen Zeit und ein bisschen Geduld, weil es eine Menge Arbeit zu erledigen gibt. Aber es ist eine dieser Situationen denen Sie sich wirklich konzentrieren und sich einfach in Ihrem Zeichnen verlieren und den ganzen Prozess genießen können. Wenn du Schritt für Schritt vorgehst, wenn du dich von der ganzen Sache nicht zu sehr überfordern lässt, dann wirst du meiner Meinung nach wirklich feststellen, dass es sehr schnell vergeht. Wann immer Sie vor einem Berg von Arbeit stehen, nehmen Sie es einfach Stück für Stück. Ich denke, das ist die wichtigste Lektion, die man aus dem Erlernen des gesamten Storyboardprozesses kann: Man kann Dinge in überschaubare, mundgerechte Stücke zerlegen und sie in seinem eigenen Tempo bearbeiten . Ich habe diese große Pfanne in der Mitte der Straße in der Stadt gezeichnet Straße in der Stadt und ich denke, sie funktioniert wirklich gut. Mir gefällt die Vorstellung sehr gut, dass ein Pferd ohne Reiter durch die Stadt galoppiert. Ist ein bisschen skurril und es gibt ein bisschen Interesse und ein bisschen Action, nur um diese ansonsten ziemlich langweilige Aufnahme zu unterbrechen. Das ist ganz nett. Ich mag auch die Figur auf der linken Seite, die den Sheriff beobachtet, während er über die Straße geht. Das ist ein weiterer Hinweis darauf, dass dieser Sheriff anscheinend die ganze Zeit beobachtet wird . Er geht die Treppe hinauf und geht jetzt in den Saloon. Dieses Diagramm ist auch ein Plan. Auch hier nehme ich, genau wie zuvor in der vorherigen Sequenz, einen roten Pinsel und zeichne wie folgt ein Rechteck um diese beiden Panels. Dann ziehe ich meinen Pfeil von der Mitte des ersten Panels zur Mitte des zweiten Panels, der den Start und den Stopp anzeigt. Ich kann Pan drunter schreiben. Perfekt. Jetzt sehen wir ihn von innen durch die Türen gehen. Ich werde hier ein paar Details an den Fenstern hinzufügen und vielleicht einige Lichter oder Lampen an den Wänden hinzufügen. Dann skizziere ich ihn beim Durchgehen. Dann diese Typen hier in der Ecke, ich werde nicht zu detailliert werden. Ich werde ihre Gesichter nicht zeichnen oder so. Ich möchte nur den Eindruck erwecken, dass sie in der Ecke sind , ihren Whiskey trinken, rauchen und ihn beim Eintreten beobachten. Es vermittelt den Eindruck oder die Atmosphäre eines typischen Westerns dem vielleicht Musik in der Bar läuft oder so. Alle reden und dem Moment, in dem der Sheriff reinkommt, ist es totenstill und sie starren ihn alle nur an. Ich möchte es so aussehen lassen. Das ist großartig. Das ist das Panel fertig. Jetzt werde ich diese drei Tafeln auszeichnen, auf denen Greta zu sehen ist, wie der Sheriff den Boden überquert. Sie ist oben. Sie ist auf dem Balkon und schaut auf die Szene herab. Das wird der Sequenz auch eine sehr schöne erzählerische Wendung geben . Es ist diese Vorstellung, dass der Sheriff von vielen verschiedenen Leuten genau beobachtet wird , und das erhöht definitiv die Spannung. Wir wissen nicht, was passiert. Wir wissen, dass etwas mit dem Typen passiert ist, der ein Loch in den Boden gräbt, und jetzt sehen wir den Sheriff. Es gibt hier offensichtlich eine Geschichte, die irgendwie entwirrt werden muss , und mir hat gefallen, dass wir Greta zu diesem Zeitpunkt vorgestellt haben , weil das zeigt, dass sie eine ziemlich wichtige oder zentrale Figur in der ganzen Geschichte ist . Sie ist fast wie ein Bindeglied zwischen dem Sheriff und dem vorherigen Typen, den wir gesehen haben, Reynold, der in der Wüste gegraben hat. Wir beginnen uns zu fragen, worum geht es hier? Sie geht nach rechts aus dem Bildschirm. Sie geht dort raus und geht auf mysteriöse Weise in ein Zimmer und schließt die Tür. In der nächsten Lektion werde ich den letzten Abschnitt des Storyboards bereinigen den letzten Abschnitt des und das ist die Dialogsequenz und Gretas Auftritt. Dann haben wir ein vollständig fertiges, fertiggestelltes und bereinigtes Storyboard. Wenn du bereit bist, triff mich in der nächsten Lektion. 16. Storyboarding der Saloon Sequenz: [MUSIK] In dieser Lektion werde ich den letzten Abschnitt des Storyboards erstellen . Das wird die Dialogsequenz zwischen dem Sheriff und dem Barkeeper sein, und wir werden Gretas Eintritt in die Geschichte haben. wie vor habe ich alle groben Miniaturansichten in meine Storyboard-Vorlagen kopiert groben Miniaturansichten in meine Storyboard-Vorlagen und werde meine Charaktere neu zeichnen. Dies ist die Aufnahme, in der sich der Sheriff der Bar nähert. Jetzt will ich den Barkeeper mit dem Rücken zum Sheriff halten. Weil ich den Eindruck erwecken möchte, dass der Barkeeper eigentlich schon weiß, dass etwas vor sich geht, und er wird die Figur sein , die Greta vertuscht. Er ist definitiv irgendwie in die Geschichte verwickelt, aber er hält dem Sheriff den Rücken zu, fast so, als wüsste er, dass der Sheriff da ist. Sheriff Tucker nähert sich der Bar, und im Hintergrund behalten diese beiden Charaktere den Sheriff im Auge und beobachten, was passiert. Im zweiten Panel der Szene ist der Sheriff an der Bar, also kopiere ich einfach das gesamte Panel. Ich gehe jetzt einfach näher rein und was ich tun werde, ist, dass der Barkeeper leicht seine Augen öffnet. Er kann den Sheriff hinter sich hören. Jetzt ist der Sheriff an der Bar, beugt sich vor und verlangt, Greta zu sehen. Was hier wichtig ist, ist, dass dieses Setup die Dynamik zwischen diesen beiden Charakteren mehr oder weniger festlegt . Es legt auch ihre Positionen innerhalb des Rahmens fest. Was ich tun möchte, ist diese Bildschirmrichtung beizubehalten oder diese beiden Charaktere dort zu lassen, wo sie sind. Ich möchte, dass der Sheriff links und der Barkeeper rechts ist. Mit anderen Worten, wenn ich eine Aufnahme des Sheriffs über die Schulter mache und wir Abe sehen, den Barkeeper, der sich umdreht und seine Zeile sagt, achte ich darauf der Sheriff auf der linken Seite des Bildschirms bleibt. Auf diese Weise ist es einfach gut für das Publikum, den Ablauf der Aufnahmen zu beobachten. Sie werden nicht verwirrt sein, wo sich die Charaktere befinden, wenn Sie Bildschirmrichtung auf diese Weise beibehalten. Das ist nur die Standardkonvention in Bezug auf die Bildschirmrichtung. Selbst wenn du deinen Charakter in einer einzigen Einstellung hast , in der der andere Charakter nicht da ist, es nur der Sheriff. Du wirst ihn auf der linken Seite nicht bevorzugen können. Mit anderen Worten, hier ist er so ziemlich in der Mitte, aber seine Augenlinie schaut nach rechts, was bedeutet, dass auf dem Bildschirm rechts der Barkeeper Abe zu sehen sein wird, sodass alles schön und konsistent bleibt und wir genau verfolgen können, was passiert. Wir sind nicht verwirrt darüber, wo sich die einzelnen Charaktere befinden. Der Grund, warum ich das so wichtig mache , ist, dass es in einer Dialogsequenz so wichtig ist, wenn man es mit einer Einstellung und dann mit einer weiteren Einstellung zu tun hat. Man versucht so viel wie möglich, hat. Man versucht so viel wie möglich die beiden Charaktere zum Wohle des Publikums miteinander zu verbinden, damit sie den Ablauf der Einstellungen verstehen und verfolgen können. Abe vertröstet jetzt wirklich nur den Sheriff, sagt, ich weiß nicht, wo Greta ist. Wir sehen, wie dieser Satz gehalten wird, aus Sicht des Sheriffs ist es ein Schuss über die Schulter . Aber dann hören wir etwas aus dem Off und beide drehen den Kopf und schauen hin. Was wir tun wollen, ist in der nächsten Einstellung zu Greta zu kommen. Wenn diese beiden Charaktere in diesem Panel zuerst den Kopf drehen , motiviert das zu diesem Schnitt. Mit anderen Worten, in Bezug auf Storyboarding, weil sie sich jetzt beide umgesehen haben. Wir, das Publikum, wollen sehen, was sie sich ansehen, und das ist es, was als Motivierung des Cuts bekannt ist. Außerhalb des Bildschirms passiert etwas und das werden wir dem Publikum als Nächstes zeigen. Sicher genug, hier steht Greta am Ende der Treppe. Sie hat ihre Aufmerksamkeit und sie hat unsere Aufmerksamkeit, das Publikum. Sie steht da, hält diese Tasche oder diesen Beutel hoch und wirft ihn so über die Bar. Was wir hier tun können, ist einfach eine Nahaufnahme ihrer Hand zu machen, den Beutel mit Diamanten durch die Luft zu werfen und er rutscht an der Bar entlang. Dann können wir in einen anderen Winkel schneiden und zeigen die Hand des Sheriffs ins Bild kommt , um sie einzufangen, einfach so. Sie sagt ihre Zeile. Dann denke ich, das letzte Bild ist, dass er die Diamanten auf seine Hand leeren wird und das ist, wenn Sie so wollen, die große Enthüllung dieser gesamten Sequenz. Wir haben so ziemlich unser gesamtes Storyboard durchgearbeitet. Das sind alle Zeichnungen, und das ist eine Menge Arbeit, und wenn Sie mit mir so weit gekommen sind, herzlichen Glückwunsch. Sie haben eine Menge Arbeit hinter sich, das ist eine enorme Leistung. Als Nächstes möchte ich Ihnen die letzten Änderungen zeigen , die ich am Storyboard vornehmen würde. Der letzte Schliff und ich möchte Ihnen auch zeigen, wie Sie alle Texte und die Bildschirmrichtung zum Storyboard hinzufügen Bildschirmrichtung zum Storyboard sowie Ihre Panels nummerieren und sequenzieren. Wenn du bereit bist, triff mich in der nächsten Lektion. 17. So verfeinern Sie Ihr Storyboard: [MUSIK] Jetzt, wo wir ein vollständig fertiges Storyboard unseres Beispielskripts haben , ist dieses fast, fast bereit, um es dem Produzenten oder dem Kunden zur endgültigen Überprüfung vorzulegen . Jetzt gibt es ein paar letzte Aufräumarbeiten , die ich machen möchte. Ich möchte auch darauf hinweisen, wie Sie Ihr Board nummerieren und sequenzieren, bevor Sie es an Dritte weitergeben. Zunächst möchte ich nur darauf hinweisen, dass ich hier, meinem Ebenenstapel, jede Seite in Gruppen gruppiert habe. Das bedeutet nun, dass sich alle meine Seiten für diese Sequenz tatsächlich in diesem einen Dokument befinden. Das macht es mir einfach sehr einfach, alles organisiert und zugänglich zu halten . Und wenn es um den Export als PDF geht, wird dieser Vorgang etwas einfacher. Nun, das ist natürlich nur mein Arbeitsablauf und ich zeige ihn Ihnen als Beispiel. Wenn Sie in einer anderen Software arbeiten, können Sie Ihr Dokument anders einrichten. Natürlich können Sie jede Ihrer Seiten auch in einzelnen Dokumenten haben . Schauen wir uns die Nummerierung an. Ich habe jedes Panel nummeriert, dies ist zum Beispiel die erste Aufnahme, wie ich bereits erklärt habe. Ich nenne das , es ist nur eine Szene. Es ist Szene 1 Panel 1. Diese nächste Szene hat zwei Panels. Also habe ich es Scene 2 Panel 1 und Scene 2, Panel,2 usw. nummeriert . Du hast deine Pfanne. Dies ist im Wesentlichen ein Panel und die Szene hier ist nur ein Panel. Das ist alles einfach. Auf dieser Seite können wir jedoch sehen , dass die Szene einige Panels hat. Weil wir möchten, dass die Animatoren jede dieser Posen spielen, haben wir die Aktion in vier verschiedene Posen aufgeteilt, im Wesentlichen Panel 1, Panel 2, 3 und 4. Dann gehen wir zu einer neuen Szene und das ist auch eine neue Szene. Es geht weiter. Das ist sehr einfach. Neben der Nummerierung habe ich auch die entsprechenden Texte aus dem Drehbuch hinzugefügt. Ich habe einfach aus dem Skript kopiert und eingefügt, unter jedes Panel eingefügt. Jetzt müssen Sie nicht das gesamte Skript einbeziehen. Fügen Sie einfach die Zeile aus dem Skript ein, die für diese Zeichnung relevant ist. Bevor ich das endgültig absegne, möchte ich ein paar Änderungen vornehmen, kleine Anpassungen, die ich an diesem Board vornehmen möchte. Einer befindet sich ganz am Anfang und der andere ganz am Ende des Storyboards. Zu Beginn dieser ersten Aufnahmen habe ich wirklich das Gefühl, dass wir eine gewisse Kamerabewegung benötigen . Ich mag es im Moment nicht, dass es nur eine statische Aufnahme ist. Ich werde nur einen wirklich kleinen Zoom oder ein Tracking hinzufügen. Was ich tun werde, ist ein Rechteck um das Panel zu zeichnen , so wie es ist. Mach das in Rot. Dann ist dies der Beginn der Kamerabewegung. Dann zeichne ich ein zweites Rechteck , an dem die Kamera anhalten soll. Im Wesentlichen ist dies nur ein sehr kleiner Einblick in die Szene selbst. Ich werde die Pfeile zeichnen und dann von jeder Ecke nach innen gehen , um die Bewegung anzuzeigen. Ich möchte auch darauf hinweisen, dass Azure die Position A oder die erste Position der Kamera rechteckig darstellt. Das innere Rechteck ist die zweite Position. Jetzt ist die allerletzte Änderung, die ich vornehme auf der letzten Seite und in der letzten Sequenz. Ich habe das Gefühl, dass die Sequenz nicht so gut funktioniert. Es könnte viel enger oder viel druckvoller sein, zumal es wie der Höhepunkt oder die große Enthüllung ist. Ich dachte, ich würde das schneiden [unhörbar]. Diese beiden Panels sind im Wesentlichen eine Szene, aber es sieht so aus, als ob es zwei verschiedene Winkel gibt. Was wir tun werden, ist sie tatsächlich so zusammen zu Fall zu bringen . Kombiniere sie, sodass wir eine kleine Kamerabewegung oder einen kleinen Schwenk machen können . Dies ist ein gutes Beispiel für eine Situation, in der Sie möglicherweise von rechts nach links schwenken müssen. Weil dieses Panel hier rechts eigentlich der Ausgangspunkt der Pfanne ist. Wir werden uns wieder diesem Panel zuwenden. Um diesen Punkt wirklich zu verdeutlichen, werde ich die Positionen sogar als A und B bezeichnen. Das ist jetzt viel besser, es ist viel klarer und viel prägnanter. Und weil dieses Panel leer ist, würden Sie auf Ihrem Storyboard, falls Sie jemals ein leeres Panel wie dieses haben, einfach ein X hineingeben damit sie wissen, dass es nicht verwendet wird. 18. Einführung in Visual Language: [MUSIK] Nun, da Sie genau wissen , wie man Storyboards zeichnet, welche Abkürzungen und Zeichentricks am besten geeignet sind. Jetzt, wo du weißt, wie man Miniaturbilder zeichnet, wie man fertige Storyboard-Panels zeichnet, möchte ich, dass du anfängst, ein bisschen mehr über die Filmtheorie und die Konzepte hinter deiner Arbeit als Storyboard-Künstler zu lernen die Filmtheorie und die Konzepte . Das liegt daran, dass die Kunst des Storyboardings wirklich sehr komplex ist. Es gibt technische Fähigkeiten, es gibt künstlerische Fähigkeiten und es gibt auch konzeptionelle Ideen, über die man nachdenken muss. Ich denke, es ist wichtig, dass Sie die Erfahrung gemacht haben, den Prozess des Storyboardings bei der Arbeit zu beobachten , sich mit dem Zeichnen vertraut zu machen, sich an die Arbeit mit einem Storyboard zu gewöhnen vertraut zu machen, sich an die Arbeit mit einem Storyboard und dann mit diesem Wissen mehr über die visuelle Sprache zu lernen. Deshalb habe ich uns bis zum Ende des Kurses bereit gehalten . So wie ich darüber nachdenke, sehe ich, dass Storyboarding, wie gesagt , aus drei Komponenten besteht . Die erste Komponente, die Sie benötigen, sind Zeichenfähigkeiten. Wie ich Ihnen gezeigt habe, müssen Sie wirklich keineswegs ein hochqualifizierter Zeichner sein . Strichmännchen sind völlig in Ordnung. Wenn Sie sogar Strichmännchen zeichnen könnten, bedeutet das, dass Sie Ihre Ideen visuell kommunizieren können. Die zweite Komponente, die Sie benötigen, ist technisches Wissen. Der Storyboard-Prozess wird als ein sehr technischer Aspekt oder als technischer Teil des gesamten Filmemachens angesehen. Wenn Sie es mit Aufnahmen, Kamerawinkeln, Nummerierung und Sequenzierung zu tun haben, ist das alles ziemlich technisch. Die dritte Komponente ist dann das Verstehen der Bildsprache. Für mich ist dies der Teil, der die ersten beiden Aspekte wirklich zusammenbringt und das macht das gesamte Skillset eines Board Artist zu einem runden und vollständigen Ganzen. Nun, die visuelle Sprache an sich ist ein ganzer Wissensbereich. Ich konnte in diesem Kurs wirklich nicht ins Detail gehen. Es ist Material, aus sich eine ganze Reihe von Kursen zusammensetzen könnte. Aber ich kann Ihnen einige der Konzepte vorstellen. Ich denke, diese Konzepte und Ideen werden Ihnen bei der Auswahl Ihrer Aufnahmen sehr helfen . In diesem Video möchte ich Ihnen zwei Konzepte vorstellen. Eine ist die Sequenzierung und die andere ist, wie Sie die Nahaufnahme für emotionale Intensität verwenden. visuelle Sprache, wie wir sie heute verstehen , begann bereits in den 1920er Jahren, also vor 100 Jahren, als eigenständiges Konzept formuliert zu werden in den 1920er Jahren, also vor 100 Jahren, als eigenständiges Konzept formuliert . Es ist ein ganzes Jahrhundert her, dass die Menschen diese Idee der visuellen Sprache entdeckt oder formuliert haben. Es war wirklich innovativ. In den Anfängen des Films stellten sie fest, dass bestimmte Sequenzierungstechniken wirklich funktionierten, um eine visuelle Geschichte zu erzählen , und dass das Publikum schnell Verbindungen zwischen Einstellungen und Sequenzen herstellen konnte zwischen Einstellungen und Sequenzen ohne weitere Erklärungen, Dialoge oder Voice-Over zu benötigen . Dies ist ein berühmtes Beispiel, das als Kuleshov-Effekt bezeichnet wird. Es basiert auf einem russischen Filmemacher, der diese Idee bereits in den 1920er Jahren hatte. Was er tat, war, dass er dem Publikum eine Aufnahme des Gesichts eines Mannes zeigte, gefolgt von der Aufnahme einer Schüssel Suppe. Als er diese beiden Aufnahmen und die Sequenz zusammen abspielte , ging das Publikum ohne weitere Informationen oder Dialoge davon aus, dass es sich bei dem, was sie sahen die Geschichte eines hungrigen Mannes handelte. Außerdem sahen oder lasen sie sogar , dass sein Gesicht Hunger signalisierte. Es ist an sich schon interessant, dass sie diese Verbindung herstellen würden. Interessanter ist jedoch, dass er dann eine weitere Sequenz zeigte , in der exakt dieselbe Gesichtsaufnahme des Mannes verwendet wurde. Diesmal folgte eine Aufnahme eines kleinen Sarges. In diesem Fall verspürte das Publikum eine so emotionale Reaktion auf das, was sie als tragische Geschichte betrachteten. Sie haben tatsächlich gesehen, dass der Mann unter Kummer leidet , obwohl der Schuss, der verwendet wurde , genau derselbe war, den sie zuvor benutzt hatten , und der Mann sein Gesicht überhaupt nicht bewegt hat. Der Kuleshov-Effekt wird auch als Gegenüberstellung oder Montage bezeichnet. Es ist, wenn Sie eine oder mehrere Aufnahmen verwenden, um eine Idee oder einen Geisteszustand hervorzurufen eine Idee oder einen Geisteszustand , wenn sie miteinander kombiniert werden. Sie erhalten einfach mehr Informationen aus einer Sequenz von Aufnahmen als aus nur einer Aufnahme allein und Sie können tatsächlich mehrere Bedeutungsebenen erhalten. Dieser Effekt oder dieses Konzept oder diese Idee bildet die Grundlage unserer gesamten visuellen Filmsprache. Durch die Verwendung dieser Idee der Sequenzierung zusammen mit der Bearbeitung erstellen wir überzeugende Geschichten. Wenn Sie dazu Kamerawinkel hinzufügen, können diese Geschichten mächtig werden. Einer der stärksten Kamerawinkel , den Sie verwenden können, ist die Nahaufnahme. Nehmen wir zum Beispiel an, Sie möchten in Ihrem Film die Vorstellung von Angst vermitteln , Sie könnten eine Figur in einer Position der Angst wie diese zeigen . Ein viel effektiverer Einsatz der Bildsprache wäre jedoch , beispielsweise die Augen des Charakters in extremer Nahaufnahme zu schneiden . Das ist so viel effektiver, weil Sie das Publikum dem Charakter ganz nah bringen. Wenn Sie die Aktion oder die Emotion nur aus der Ferne zeigen, fühlt sich das Publikum objektiv. Sie würden sich nicht wirklich verlobt fühlen. Aber wenn man näher kommt, das Publikum plötzlich das Gefühl , Teil des Geschehens zu sein. Einer der überzeugendsten Aspekte des Kinos oder Films im Allgemeinen ist, dass wir uns mit den Charakteren auf der Leinwand identifizieren können . Teil des Geschehens zu sein hilft wirklich dabei, das Publikum zu identifizieren. Außerdem kann eine wirklich extreme Nahaufnahme einen unangenehmen oder intensiven Effekt haben. Es kann daher die Intensität jeder Szene, die Sie filmen, erhöhen. Sie können sich nur diese ikonische Aufnahme von Aliens vorstellen , in der der Charakter von Ripley auf das Alien trifft . Das ist eine extreme Nahaufnahme und es funktioniert wirklich. Wenn du das zum ersten Mal siehst , ist es erschreckend. In den nächsten Videos werde ich diese Idee ein bisschen weiter verfolgen. Ich möchte über Komposition und die Drittelregel sprechen und darüber, wie diese in Ihren Storyboards verwendet wird. Dann werde ich auch über einige der Storytelling-Aufnahmen sprechen , die dir als Board-Artist zur Verfügung stehen und die du in deiner Arbeit verwenden solltest. Also, wenn du bereit bist, sehe ich dich in der nächsten Lektion. 19. Die Prinzipien der Zusammensetzung: [MUSIK] Komposition im Film ist so viel mehr als nur die Art und Weise, wie man ein starkes oder gut komponiertes Bild macht. Wir neigen wirklich dazu, bei einer guten Komposition nur die ansprechende Reihenfolge der Elemente innerhalb eines Rahmens zu betrachten. Aber als Storyboard-Künstler müssen Sie diese Idee der Komposition viel weiter verfolgen diese Idee der Komposition viel und sie verwenden, um die Geschichte auf überzeugendere Weise zu erzählen, anstatt nur die Worte des Dialogs zu illustrieren. Hier ist, wovon ich spreche. Wir werden uns die Drittelregel ansehen. Sie sind definitiv schon einmal auf diese Idee gestoßen. Die Leute sprechen immer von der Drittelregel, und das sieht man überall. Ihnen wird gesagt, stellen Sie niemals ein Motiv in die Mitte des Rahmens. Sie müssen immer die Drittelregel anwenden und Ihr Thema zur Seite legen. Aber die Sache ist, die Leute erklären selten , warum das so wichtig ist. Deshalb denke ich, dass es für uns als Storyboard-Künstler sowieso wichtig oder relevant ist. Die Struktur von Film und Filmerzählung, wie wir sie kennen, sicherlich im Kontext des Hollywood-Kinos, ist eine Art, Geschichten zu erzählen, die bereits in den alten Griechen entwickelt wurde . Damit will ich nur sagen, dass es in uns inzwischen ziemlich tief verwurzelt wie wir eine gute Geschichte lesen, verstehen und schätzen. Eines der wichtigsten Dinge , die diese Art des Geschichtenerzählens charakterisieren , ist, dass eine gute Geschichte Konflikte haben muss. Nun, wenn Sie darüber nachdenken, jeder Film, den Sie jemals in unserer westlichen Tradition gesehen sowieso jeder Film, den Sie jemals in unserer westlichen Tradition gesehen haben, hat sowieso jeder Film, den Sie jemals in unserer westlichen Tradition gesehen haben, entweder offene Konflikte zwischen den Charakteren oder einen inneren Konflikt innerhalb der Hauptfigur. Es ist einfach das, was die Geschichte oder die Erzählung antreibt. Es steht im Mittelpunkt jeder Geschichte, und es ist das, was die Geschichte zur Lösung bringt. Deshalb schauen wir Filme. Wir sind daran interessiert zu sehen, wie dieser Konflikt gelöst wird. Nun, diese Idee, die den Kern des Geschichtenerzählens bildet, bezieht sich meiner Meinung nach auf die Drittelregel , denn in einem Bild oder einer Aufnahme hat man die Möglichkeit, eine Geschichte zu erzählen, nennen wir es eine Messgeschichte. Wenn Sie eine Aufnahme haben, die vollständig ausgewogen und gleichmäßig ist, sagen wir im binären Sinne, sagen wir im binären Sinne, dann vermittelt das Stabilität, eine natürliche Weltordnung, es wird Normalität und sogar Konvention vermitteln. In einem Rahmen , der etwas dem Gleichgewicht gerät, vermittelt das Unbehagen, eine dynamische Qualität. Es könnte sogar Abenteuer vermitteln, und es wird insbesondere Konflikte vermitteln, und eine visuell aus dem Gleichgewicht geratene Rahmung oder Komposition ist in der Tat eine Drittelteilung. Daher ist es in diesem Fall viel interessanter, Ihren Frame in drei Teile zu unterteilen , als wenn Sie ihn einfach in zwei Teile teilen würden. Jetzt fallen Ihnen natürlich durchaus Beispiele ein, die dieser Vorstellung widersprechen. Es gibt viele Filme, die sich auf zentral gerahmte Kompositionen konzentrieren . Ich denke sofort an die Filme von Wes Anderson. Er wird seine Motive sehr stark in die Mitte des Bildes stellen . Er verwendet häufig binäre Setups. Aber meistens, nur um dieser Idee zu folgen, in fast allen Filmen, die man sich vorstellen kann, spielt in fast allen Filmen, die man sich vorstellen kann, die Drittelregel eine große Rolle, weil diese Regel visuell den Status Quo durchbricht und die Komposition viel interessanter macht und den Erzählbogen oder den Konflikt, der im Mittelpunkt jeder Erzählung steht, unterstreichen der im Mittelpunkt jeder Erzählung oder unterstreichen. Um nun mit dieser Idee in Ihren Storyboards zu arbeiten, finden Sie hier ein Beispiel dafür, wie Sie dies tun könnten. Du könntest zwei Charaktere haben, die miteinander sprechen, und du könntest die Dialogszene so präsentieren. Hier vermitteln Sie sowieso auf unterbewusster Ebene, dass diese beiden Charaktere in ihrer Dynamik völlig gleichwertig sind . [LACHEN] Es gibt eine gleichmäßige Machtverteilung. Aber wenn du genau dieselbe Szene wie diese präsentierst , zeigst du dem Publikum plötzlich , dass dieser Charakter hier dominanter und mächtiger ist und wahrscheinlich Macht über diesen anderen Charakter hat. Jetzt gibt es viele Möglichkeiten, damit zu spielen. Du könntest sogar eine solche Szene präsentieren, oder du könntest sie so zeigen. Aber im Wesentlichen wird die Art und Weise, wie Sie Ihre Aufnahmen rahmen, einer unterbewussten Vorstellung oder einer anderen Ebene erzählerischer Bedeutung verleihen einer unterbewussten Vorstellung oder . Jedes Mal, wenn du eine Aufnahme zeichnest, musst du dich wirklich fragen, was ist der Sinn der Geschichte in dieser Szene? Was ist die grundlegende Dynamik zwischen den beiden Charakteren , mit denen ich arbeite oder die ich zu zeichnen versuche? Wenn du das herausgefunden hast, verwende die Drittelregel, um entweder mit dieser Spannung zu spielen oder sie noch weiter zu treiben und den Punkt der Geschichte zu unterstreichen . Wenn Sie auf diese Weise arbeiten, werden Sie die Komposition als mächtiges Werkzeug zum Geschichtenerzählen verwenden . 20. Was sind Storytelling Aufnahmen: [MUSIK] Immer wenn du an einem Drehbuch arbeitest, gibt es einige Standardaufnahmen, die du verwendest, und einige davon haben wir in unserem Storyboard behandelt, als wir und einige davon haben wir in unserem Storyboard behandelt, als wir die Dialogsequenz im Saloon ausgearbeitet haben. In dieser Lektion werden wir etwas genauer untersuchen, warum diese Aufnahmen so nützlich sind. Es gibt das, was ich Storytelling nenne, oder du kannst sie dir als charakterorientierte Aufnahmen vorstellen. Wenn Sie sich erinnern, verwenden wir die Aufnahme aus der Perspektive zeigt uns die Kamera etwas, das ein Charakter betrachtet. Das kann entweder eine direkte Aufnahme des Objekts oder der Sache sein, die er betrachtet, oder es kann eine Aufnahme über die Schulter sein, bei oder es kann eine Aufnahme über die Schulter sein der die Figur immer noch im Bild bleibt, aber nur ein bisschen zur Seite entfernt ist, um zu betonen, dass die Figur etwas betrachtet. Nun, hier ist der Grund, warum der Schuss aus der Perspektive oder der Over the Shoulder so mächtig ist. In der letzten Lektion habe ich über die Drittelregel gesprochen und erwähnt, dass eines der Hauptkonstrukte des Hauptkonstrukte des Geschichtenerzählens die Idee des Konflikts ist. Ich habe meine Ideen dazu erklärt, wie die Drittelregel die Konfliktidee in jeder Geschichte unterstreichen kann. Alle unsere Geschichten müssen das Konfliktelement enthalten, das die Geschichte vorantreibt. Konflikte brauchen jetzt immer einen Helden und einen Bösewicht. Konflikten gibt es immer ein gutes gegen ein böses Element. Das ist die Natur von Konflikten. Die eine Seite glaubt, dass sie Recht haben, und deshalb gibt es in jeder Geschichte einen Helden , mit dem wir uns identifizieren. Dies wird als Heldenidentifikation bezeichnet, es ist normalerweise nur die Hauptfigur des Films. Damit eine Geschichte funktioniert oder für uns als Publikum in irgendeiner Weise überzeugend ist, müssen wir in der Lage sein, uns mit der Hauptfigur zu identifizieren oder uns mit ihr zu identifizieren, auch wenn diese Hauptfigur in irgendeiner Weise fehlerhaft ist. Oder es ist kein offener Held wie im Sinne von Supermann. Selbst mit einer fehlerhaften Hauptfigur haben wir immer noch eine identifizierbare Person, haben wir immer noch eine identifizierbare Person die eine nachvollziehbare Geschichte oder Situation durchmacht. Die beiden Einstellungen im Kino , die dafür sorgen , dass die Identifikation dem Publikum klar vor Augen geführt wird, oder die Nahaufnahme, über die ich zuvor gesprochen habe, und die Aufnahme aus der Perspektive. Die Sichtweise ermöglicht es uns , die Dinge fast aus der Perspektive oder mit den Augen des Charakters zu sehen . Das führt dazu, dass wir uns mit ihm oder ihr identifizieren oder zumindest die Dinge aus ihrer Sicht betrachten. Ich sage das jetzt als eine sehr offensichtliche Sache, aber in Wirklichkeit ist es viel subtiler und manchmal sogar unterbewusst, aber es ist eine der mächtigsten visuellen Erzähltechniken, also möchte ich wirklich, dass Sie sich dessen bewusst und sie in Ihren Storyboards verwenden. Diese ganze Dialogsequenz zwischen dem Sheriff und dem Barkeeper könnte anhand von Aufnahmen aus der Vogelperspektive zwischen den einzelnen Charakteren abgespielt werden anhand von Aufnahmen aus der Vogelperspektive zwischen den einzelnen Charakteren abgespielt . Wir könnten in fast jedem Panel eine Aufnahme über die Schulter gebrauchen . Wenn du die Aufnahme aus der Perspektive verwendest, um ein Objekt zu zeigen, auf das die Figur schaut, dann solltest du beim Aussteigen immer sicherstellen, dass du es zuerst aufstellst , du motivierst den Schnitt, und so, wie ich es im Storyboard gemacht habe, lass die beiden Charaktere einfach aus dem Bildschirm schauen, bevor du ausschneidest , um zu sehen, was die Handlung außerhalb des Bildschirms ist. 21. Wie man die 180-Grad-Regel: [MUSIK] Die 180-Grad-Regel ist eigentlich eine wichtige Konvention, die Sie als Storyboard-Künstler verstehen müssen . Ich werde seine Anwendung im gesamten Storyboard-Prozess erläutern . In dieser Lektion werde ich Ihnen genau zeigen , was diese Regel ist und wie Sie sie brechen können. Im Wesentlichen besagt die 180-Grad-Regel, dass eine Kamera während einer bestimmten Szene auf einer Seite des Geschehens bleiben muss. Schauen wir uns ein Beispiel an, was das eigentlich bedeutet. Wenn sich zwei Personen unterhalten und Sie gerade eine ungefähre Vorstellung davon haben gerade eine ungefähre Vorstellung davon , wie Sie diese Aufnahme einrichten würden, ziehen Sie zunächst eine imaginäre Grenze zwischen den beiden Charakteren. Um die Kontinuität zu wahren und sicherzustellen, dass all Ihre Schnitte reibungslos und kohärent durch die Szene fließen und für das Publikum Sinn machen, können Sie jede beliebige Kameraeinstellung oder jede Kombination von Aufnahmen verwenden , die Ihnen gefallen, solange Sie auf dieser Seite der Linie bleiben. Das gesamte Gebiet ist Ihre sichere Zone. Eine andere Art, dies oder einen Begriff, den Sie vielleicht oft hören, auszudrücken, ist, dass dadurch sichergestellt wird , dass Ihre Charaktere die Bildschirmseite behalten. Das rote Zeichen hier wird immer auf der rechten Seite des Bildschirms sein. Egal, um welche Aufnahme es sich handelt, ob du eine Nahaufnahme oder eine Aufnahme über die Schulter machst, dieser Charakter ist immer rechts und der blaue Charakter hier drüben wird immer links von jedem Schuss sein, den du innerhalb deiner Sicherheitszone wählst. Ähnlich verhält es sich mit dem Over the Shoulder Shot oder dem Two Shot, du wirst immer diesen blauen Charakter auf der linken Seite haben. Wenn Sie eine andere Einstellung in diese Dialogszene aus einem anderen Blickwinkel einfügen , sagen wir von hier drüben, dann werden plötzlich die Charaktere im Bild hin- und hergeschaltet und dieser Effekt wird für den Betrachter erschütternd sein. Das Publikum wird sich plötzlich fragen, was ist gerade passiert? Haben diese beiden Charaktere die Plätze getauscht? Oder ist es an einem anderen Ort? Nun, das ist ein sehr einfaches Beispiel, aber es wird noch wichtiger, wenn eine Actionsequenz stattfindet. Stellen Sie sich vor, Sie haben eine Verfolgungsjagd und das Auto bewegt sich mit hoher Geschwindigkeit. Nun, wenn Sie die Bildschirmrichtung ändern, das Auto, das sich von links nach rechts bewegte, plötzlich erscheint das Auto, das sich von links nach rechts bewegte, plötzlich so, dass es jetzt von rechts nach links fährt, was die entgegengesetzte Richtung ist. Manchmal ist das tatsächlich der gewünschte Effekt, besonders wenn Sie eine hochdramatische Actionsequenz am Laufen haben eine hochdramatische Actionsequenz und sie noch chaotischer aussehen lassen möchten, dann können Sie diese 180-Grad-Regel brechen und es wird funktionieren. Aber denken Sie daran, dass Sie für einen effektiven, kohärenten Schussfluss versuchen sollten, sich an diese 180-Grad-Regel zu halten. Gehen wir zurück zur Dialogsequenz. Denn bei so etwas möchtest du vielleicht die Kamera aus einem bestimmten Grund bewegen und die Charaktere aus einem anderen Blickwinkel sprechen lassen. Es gibt zwei wirklich einfache Dinge, die du tun kannst. Eine davon ist, dass Sie einfach eine Aufnahme hinzufügen , die das Auge des Betrachters durch einen fließenden Übergang führt. Sie schneiden zum Beispiel einfach auf eine Weitwinkelaufnahme zurück und zeigen einen der Charaktere, der dann über den Bildschirm zu einer neuen Position geht, und dann können Sie zu Ihren Nahaufnahmen zurückkehren. Das wird sich für das Publikum vollkommen gut lesen. Sie könnten es auch tun, indem Sie die Kamera schwenken und dem Publikum genau die Bildschirmrichtung zeigen , die Sie ändern, also schwenken Sie sie von einer Seite des Raums zur anderen. In Bezug auf die 180-Grad-Regel ist es immer eine gute Idee, ein grobes Diagramm zu skizzieren, damit Sie Ihre Aktion und Ihre Kamerabewegungen planen können, bevor Sie mit dem Storyboard beginnen. Dann können Sie mit dem Boarding Ihrer Schüsse beginnen und Sie werden sich nicht verirren oder verwirrt darüber sein, wo Ihre Linie ist. Es wird Ihnen wirklich helfen, grundlegende Fehler zu vermeiden , die in Ihrem Storyboard wirklich auffallen. Natürlich ist sie, wie jede Regel oder Konvention, dazu da, gebrochen oder ganz ignoriert zu werden , aber seien Sie sich immer darüber im Klaren , was Sie tun und warum, und denken Sie immer daran, was der Storypoint Ihrer Szene ist. 22. Wie man Kamera zieht: [MUSIK] Das Letzte , was ich dir in diesem Kurs zeigen möchte , sind Kamerabewegungen. Dies kann ein ziemlich kniffliger und ziemlich technischer Aspekt des Storyboard-Prozesses sein. Bisher haben wir uns nur darauf konzentriert , einfache Pans und Zooms zu verwenden, aber ich möchte Ihnen zeigen, wie Sie einige komplexere Bewegungen ausführen und wie sie im Kontext eines Storyboards aussehen würden. Lassen Sie uns zunächst die gängigsten Kamerabewegungen behandeln , die Sie beim Filmemachen haben , wie Kamerawinkel und Kameraaufnahmen. Jede dieser Kamerabewegungen sollte verwendet werden, um die jeweiligen Storypoints zu einem bestimmten Zeitpunkt zu unterstreichen. Fragen Sie sich noch einmal, was ist der Sinn der Geschichte in der Szene und wie kann ich sie visualisieren oder auf interessante Weise zeigen? Die erste Kamerabewegung, die am häufigsten vorkommt, ist der Schwenk, und wir verwenden ihn häufig in unserem Storyboard. Sie zeichnen es über zwei solche Panels und geben die Richtung an, in die die Kamera schwenkt. Beachten Sie jedoch, dass bei einem Schwenk die Kamera statisch ist und sie sich einfach auf dem Stativ von einer Seite zur anderen bewegt , um die Szene aufzunehmen. Sie könnten genau dieselbe Aufnahme aber bei der sich die Kamera selbst tatsächlich von einer Position zur anderen bewegt , und das wird als Tracking-Shot bezeichnet. Das könntest du zum Beispiel verwenden , wenn du neben einer Figur im Frame trackst. Beide sind praktisch dieselbe Aufnahme, was die Art angeht , wie du sie auf dein Storyboard zeichnen würdest, aber bei Live-Action gibt es einen kleinen Unterschied darin, wo sich die Kamera physisch befindet, wenn sie die Aufnahme aufnimmt. Ein weiterer gängiger Schwenk ist der diagonale Schwenk , bei dem Sie die Kamera schräg bewegen. Um das Storyboard zu erstellen oder es zu zeichnen, legen Sie Ihre Frames um den Bereich der Szene, in dem der Schwenk wieder starten und beenden soll , aber in diesem Fall platzieren Sie Ihre roten Linien nur an den äußeren Ecken. Das ist nur die Konvention , wie man ein diagonales Schwenken macht. Nach dem Schwenk hast du die Neigung und wieder ziehst du sie über zwei Paneele wie dieses, auch wenn du von oben nach unten gehen möchtest oder wenn du unten beginnen und nach oben gehen möchtest. Bei einer Neigung ist die Kamera statisch. Es bewegt sich auf und ab, um den Schuss zu bekommen, aber es bleibt in einem Punkt. Hier habe ich die Start- und Stopppositionen mit A und B angegeben Stopppositionen mit A und B Wenn Sie jedoch eine Kamerabewegung haben möchten bei der sich die Kamera tatsächlich physisch nach oben oder unten bewegt, wird das oft als Jib oder Boomshot bezeichnet. Auch hier ist es die gleiche Aufnahme , Art angeht, wie Sie sie zeichnen würden. Beachten Sie jedoch, dass es technisch gesehen einen anderen Namen hat, je nachdem ob sich die Kamera bewegt oder nicht. Schauen wir uns abschließend den Zoom an. Hier beginnen Sie in der Ferne und kommen näher an Ihr Motiv heran, oder alternativ beginnen Sie mit einer Nahaufnahme und bewegen sich heraus. Die Pfeile, die Sie zeichnen, geben die Richtung an, in die die Bewegung geht , und Sie können auch Ihr Start - und Endbild angeben. Ein Zoom liegt vor, wenn die Kamera nur mit dem Objektiv näher heranzoomt, und bei einem Tracking beginnt die Kamera tatsächlich in einer Position und bewegt sich physisch näher an das Motiv oder an das letzte Bild heran. Auch hier sehen beide Aufnahmen auf einem Storyboard genau gleich aus. Schauen wir uns kurz ein Beispiel für die Verwendung all dieser Züge in einer Sequenz an. Das erste, was ich tun möchte, ist das einfach in Miniaturform zu planen . Nehmen wir an, Sie haben ein Stadtbild wie dieses. Sie können eine Bewegung entlang der Straße von links nach rechts machen , gefolgt von einer Neigung oder einem Ausleger bis zu diesem Punkt, gefolgt von einem Zoom oder einer Nachführung. Das ist alles eine Aufnahme ohne Schnitte, aber ich habe drei Kamerabewegungen und vier Kamerapositionen verwendet : A bis B, bis C und dann den Zoom in D. Was tun Sie nun, und dann den Zoom in D. Was tun Sie nun wenn Sie das auf einer echten Storyboard-Vorlage zeichnen müssen ? Weil die Storyboard-Vorlage diese Art von Option für kreative Schnitte oder kreative Kamerabewegungen nicht zu bieten scheint . Nun, Sie können diese Panels einfach nach Bedarf verschieben . Was ich tun werde, ist einfach an diesen Zeilen zu löschen, dann wähle ich dieses Panel aus und nehme es, ziehe es nach unten und jetzt kann ich genau das Miniaturbild über diese drei Panels zeichnen und es funktioniert perfekt für das Setup und Sequenz, die ich gerade gemacht habe. Nur um Ihnen eine Vorstellung davon zu geben, wie das im Kontext aussehen könnte , damit Sie wissen, wovon ich spreche, nehmen wir an, dies war Teil eines größeren Drehbuchs. Es könnte etwas so Einfaches sein. Du hast eine Aufnahme von einer Figur, die die Straße entlang geht, vielleicht eine Nahaufnahme, in der er plötzlich anhält und feststellt , dass er nach oben zu seiner Wohnung gehen nach oben zu seiner Wohnung und dann könntest du zu deiner Pfanne zurückkehren muss und dann könntest du zu deiner Pfanne zurückkehren und sie mitgehen lassen. Wenn er in das Gebäude geht, könntest du vielleicht deine Kamera nach oben bewegen lassen, und wenn er dann in seine Wohnung kommt , könntest du dein Fenster vergrößern. Es ist ein sehr einfaches Beispiel, aber ich wollte Ihnen zeigen, wie Sie das im Kontext eines Storyboards verwenden würden . 23. Deine nächsten Schritte als Storyboard-Künstler: [MUSIK] Ich habe bereits erwähnt , dass die gesamten Fähigkeiten eines Storyboard-Künstlers in drei Hauptbereiche unterteilt werden können : zeichnerische Fähigkeiten, technische Fähigkeiten und visuelle Sprache. Wenn du dich nun auf diese drei Bereiche deiner Kunst konzentrierst und daran arbeitest, jeden einzelnen zu verbessern, dann wirst du sicher sein, dass du ein abgerundetes und vollständiges Skillset für das Storyboarden entwickelst . Ihre Fähigkeiten und Ihre Kompetenz als visueller Geschichtenerzähler werden nur wachsen und immer raffinierter werden. Ich denke, so entwickelt man Talente. Was sind die nächsten Schritte für Sie in der Zukunft? Ich möchte, dass Sie in den nächsten Monaten über Folgendes nachdenken : Machen Sie sich zum Ziel, ein Portfolio Ihrer Story-Ideen zu erstellen. Jetzt können Sie an Ihrer eigenen Story-Idee arbeiten, oder Sie können ein vorhandenes Skript verwenden, um es visuell zu entwickeln. Ihr Portfolio muss kein Storyboard in voller Länge enthalten. Ich würde versuchen, 3-5 Sequenzen zu haben die Ihre Fähigkeit, Aktionen, Charaktere, Dialoge und interessante Präsentationen von Aufnahmen und Kamerawinkeln zu zeichnen, wirklich unter Beweis stellen Charaktere, Dialoge und interessante Präsentationen von Aufnahmen und Kamerawinkeln zu zeichnen, . Ideenfindungsphase oder Ihre Brainstorming-Phase in Ihr Portfolio Nehmen Sie zusammen mit diesen Sequenzen auch Ihre Miniaturzeichnungen sowie Ihre auf. außerdem jede Woche Zeit, um Charaktere und Szenen als eigenständige Teile neben Ihren fertigen Brettsequenzen zu zeichnen als eigenständige Teile neben . Ich möchte Sie auch ermutigen, Zeit damit zu verbringen, sich Werke anderer Künstler anzusehen und so viel wie möglich von ihnen inspirieren zu lassen. Schauen Sie sich Websites wie ArtStation an, falls Sie diese noch nicht kennen. Es gibt viele Portfolio-Websites, aber diese ist wirklich gut, sie hat einen wirklich hohen professionellen Standard. Natürlich solltest du Künstlern auf Instagram folgen, das ist auch sehr wichtig. Abschließend möchte ich Sie ermutigen, so viel wie möglich Filme zu studieren, wenn Sie sehr daran interessiert sind, Storyboard-Künstler zu werden. Eine gute Übung ist es, sich einen Film anzusehen und die Aufnahmen zu zeichnen, während Sie ihn ansehen. Möglicherweise müssen Sie den Film unterbrechen und Ihre Aufnahmen skizzieren und ihn sich dann wieder ansehen. Aber so lernt man am besten, wie etablierte Regisseure ihre Szenen und Sequenzen gestalten. Es ist eine großartige Möglichkeit für Sie, gute Ideen für Ihre eigene Arbeit zu bekommen . Wenn Sie daran interessiert sind, für ein Studio zu arbeiten, rate ich Ihnen, nach den Studios zu suchen, für die Sie arbeiten möchten, ihnen auf all ihren sozialen Plattformen zu folgen. Bleiben Sie auf dem Laufenden, wann sie neue Mitarbeiter einstellen, auch wenn es sich nur um Praktika handelt. Bleiben Sie so weit wie möglich über sie auf dem Laufenden. Wenn du versuchen möchtest, als freiberuflicher Storyboard-Künstler für kleinere unabhängige Projekte zu arbeiten freiberuflicher Storyboard-Künstler , erwäge, ein Profil auf Websites wie Fiverr oder Upwork zu erstellen. Alles, was Sie wirklich brauchen, ist dieser erste Job, und wenn Sie ihn bekommen haben, wird alles andere von dort aus fließen. Mein wichtigster Ratschlag ist vor allem: Seien Sie geduldig, bleiben Sie bei Ihrer Arbeit und Ihrem Prozess und konzentrieren Sie sich darauf, so viel wie möglich zu zeichnen. Ich verspreche dir, der Rest wird sich ergeben. Jetzt muss ich nur noch sagen, vielen Dank, dass Sie sich diesen Kurs angesehen haben. Danke, dass du heute hier bei mir bist. Ich hoffe wirklich, dass Sie etwas gelernt haben und dass Sie inspiriert sind, dieses Wissen zu nutzen , um Ihre Karriere und Ihre kreativen Ziele voranzutreiben. Lassen Sie mich wissen, wenn Sie Fragen haben oder Feedback oder Ratschläge zu Ihrer Arbeit wünschen. Ich werde im Projektabschnitt und hoffentlich in der nächsten Klasse, die wir zusammen machen, auf dich und hoffentlich in der nächsten Klasse, aufpassen. [MUSIK]