So setzt du Akkorde und Harmonien in deiner Musik ein | Mikael Baggström | Skillshare
Drawer
Suchen

Playback-Geschwindigkeit


  • 0.5x
  • 1x (normal)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

So setzt du Akkorde und Harmonien in deiner Musik ein

teacher avatar Mikael Baggström, Music Composer | Sound Designer | Video Producer

Schau dir diesen Kurs und Tausende anderer Kurse an

Erhalte unbegrenzten Zugang zu allen Kursen
Lerne von Branchenführern, Ikonen und erfahrenen Experten
Wähle aus einer Vielzahl von Themen, wie Illustration, Design, Fotografie, Animation und mehr

Schau dir diesen Kurs und Tausende anderer Kurse an

Erhalte unbegrenzten Zugang zu allen Kursen
Lerne von Branchenführern, Ikonen und erfahrenen Experten
Wähle aus einer Vielzahl von Themen, wie Illustration, Design, Fotografie, Animation und mehr

Einheiten dieses Kurses

    • 1.

      Willkommen und Congratulations

      1:57

    • 2.

      Einführung der Geschichte der Musik

      3:10

    • 3.

      Intervalle und Harmonien lernen

      4:01

    • 4.

      Lerne, wie es alles vernetzt ist.

      8:39

    • 5.

      Lerne 204 Chords in 15 Minuten

      15:22

    • 6.

      Introduction die in Aktion steht

      1:40

    • 7.

      Style 1 Smooth Block Chords spielen

      6:39

    • 8.

      Spielende Style 2 Rhythmic die den Chords

      6:34

    • 9.

      Stil 3 Arpeggios spielen

      7:18

    • 10.

      Stil 4, die Rhythmus mitspielen

      5:10

    • 11.

      Chord

      6:20

    • 12.

      Die Chord

      6:11

    • 13.

      Chord

      4:59

    • 14.

      Chord

      2:25

    • 15.

      Diatonische Chords

      7:45

    • 16.

      Die 3 starken Chords

      4:23

    • 17.

      Harmonie ist wie Beziehungen

      4:49

    • 18.

      Leitlinie 1 Chord vs Chord

      4:49

    • 19.

      Leitlinie 2 Mood vs Action

      5:31

    • 20.

      Leitlinie 3 Stabilität und den Faktor des Stability

      5:06

    • 21.

      Leitlinie 4 gegen unten Factor

      4:00

    • 22.

      Leitfaden für die Übergänge

      5:35

    • 23.

      Leitlinie 6-Ausdruck für deine Bewegung

      5:23

    • 24.

      Richtlinien 7-Einfachheit ist mächtig

      5:48

    • 25.

      Richtlinien 8 Geschlossenen vs offenen Chords

      5:29

    • 26.

      Richtlinien 9 von/auswärts von. Energie reduzieren

      3:41

    • 27.

      Leitlinie 10 Spannung vs. Auflösung

      7:21

    • 28.

      Glückwunsch, du bist erstaunlich

      2:05

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

563

Teilnehmer:innen

--

Projekte

Über diesen Kurs

Ein CONGRATULATIONSAfter
Nach diesem Kurs kannst du die wahren Kräfte der of in deiner Musik nutzen. Du kannst den emotionalen Kern deiner Musik kontrollieren und dein Hauptthema und deine theme unterstützen. Das Akkorde, ist das, was die Musik mit der Tiefe und den Stimmung verleiht. Akkorde machen Musik voll, tiefer und mächtiger.

DU BIST DU LEIN Lass dich LERNEN

  • Die Grundlagen der Akkorde- und Harmonie der Musik

  • Praktische Verwendung von Akkorde, die du in deiner Musik mitarbeiter musst.

  • 10 mächtige Richtlinien zur Verwendung von Akkorde, in deiner Musik

NACHFOLGE Du Im
Ende der Anregung der Konzepte, der Richtlinien und der Zuordnung von den Anregungen und den Zugehörigkeiten der Musik und die Entwicklung von chords in deiner Musik meistern kann.

BESTES ICH
Dir diesen Kurs jetzt und lernst die wahren Kraft der Akkorde, die chords und das Nachspiel deiner Musik mit Emotionen und Tiefe zu deiner Musik und deinen chord soll. Die Geheimnisse der Mitglieder und verwende sie in deinen Musikkompositionen

.Ein freundliches Gruß,
Mikael "Mike“
BaggströmMusic Composer | Sound Designer

Triff deine:n Kursleiter:in

Teacher Profile Image

Mikael Baggström

Music Composer | Sound Designer | Video Producer

Kursleiter:in

Hey Friends and Creative People!

My name is Mike, and I am a Music Composer, Sound Designer and Artist. I Share my Story, Journey, Experience and Knowledge, to Inspire and Empower Creative People like you. =)

MY PASSION

I believe that learning should be fun. I love to bring my personality into my teaching style. I also try to make my courses dynamic, to be more interesting to you. =)

Friendly regards,
Mike from Sweden
Compose | Artist | Educator

Vollständiges Profil ansehen

Level: Beginner

Kursbewertung

Erwartungen erfüllt?
    Voll und ganz!
  • 0%
  • Ja
  • 0%
  • Teils teils
  • 0%
  • Eher nicht
  • 0%

Warum lohnt sich eine Mitgliedschaft bei Skillshare?

Nimm an prämierten Skillshare Original-Kursen teil

Jeder Kurs setzt sich aus kurzen Einheiten und praktischen Übungsprojekten zusammen

Mit deiner Mitgliedschaft unterstützt du die Kursleiter:innen auf Skillshare

Lerne von überall aus

Ob auf dem Weg zur Arbeit, zur Uni oder im Flieger - streame oder lade Kurse herunter mit der Skillshare-App und lerne, wo auch immer du möchtest.

Transkripte

1. Willkommen und Congratulations: Willkommen und herzlichen Glückwunsch für die Wahl, um Ihre Fähigkeiten als Musikkomponist zu fördern. Nach diesen Kernen können Sie die wahre Kraft der Akkorde und Akkordprogressionen in Ihrer Musik nutzen. Sie werden in der Lage sein, den emotionalen Kern Ihrer Musik zu kontrollieren und Ihre Hauptsache und Melodien zu unterstützen . Da Schnüre das ist, was Ed taucht und zur Musik bewegt, machen Schnüre Musik voller tiefer und kraftvoller. Sie werden die Grundlagen von Gerichten und kalten Fortschritten lernen. Professioneller Einsatz von Akkorden in der Musikkomposition, leistungsstarke Richtlinien für die Verwendung von Akkorden in Ihrer Musik. Und am Ende, indem Sie viele Konzepte, Richtlinien und Tricks umsetzen, werden Sie in der Lage sein, die wahre Kraft oder Musikkomposition zu entfesseln, indem Sie die Verwendung von Akkorden und Akkordprogressionen in Ihrer Musik beherrschen . Mein Name ist Mike, und ich komponiere und produziere seit 1998 Musik in vielen Arten von Stilen, und ich bin wirklich leidenschaftlich daran, das Wissen und die Erfahrung, die ich mit Ihnen gesammelt habe, zu teilen , damit Sie als Muc-Komponist viel vorankommen können schneller. Ich begrüße Sie, diese Kerne jetzt zu starten und die wahre Kraft der Akkorde und Akkordprogressionen zu lernen , um Emotion, Stimmung und Tod zu Ihrer Musik hinzuzufügen , um Ihre Lead, Melodien, Haken und Motive zu unterstützen Melodien, . Entsperren Sie die Geheimnisse, natürlich, und verwendet sie in Ihren Musikkompositionen. 2. Einführung der Geschichte der Musik: Lassen Sie uns nun die Essenz von Akkorden und Akkordprogressionen lernen. In der Musik geht es bei der Musik um Bewegung. Variation der Bewegung. Ich sage immer, dass Musik wie eine Geschichte ist, und jede Geschichte braucht irgendeine Art von Fortschritt ohne Fortschritt. Es ist keine Geschichte, sondern ein statischer Zoll. Denk darüber nach. Eine einzelne Note ist keine Melodie. Eine Reihe von Noten ist, was eine Melodie erzeugt. Eine einzelne Schnur ist natürlich nicht ernst, natürlich nicht ernst, schafft gleichberechtigte Progression. Und jetzt ist das super wichtig. Deine coolen Progressionen , was das Gericht angibt und in welcher Reihenfolge in Kombination mit dem Spielen dieser Kerne die emotionale, coole und Storyline deiner Musikkomposition schafft . Ja, die Gerichte oder, in der Tat die wahre Wurzel Ihrer Musikgeschichte. Aber das Tolle ist, dass Sie nicht brauchen, um Stimmen von fortgeschrittenen Schnüren zu verwenden, um erstaunliche Musik zu erstellen , denn wie bei allen Dingen Musik, wie Sie die Knoten spielen, hat mehr Wirkung. Aber welche Noten spielen Sie dann? Deshalb können Sie nur drei Akkorde verwenden, warf Ihre gesamte Komposition und immer noch in der Lage, sie in fast unendlichen Kombinationen zu spielen , weil er mächtig zu halten, wie kühlende Versionen und Stimme führen verschiedene rhythmische Spielstile, ausdrucksstarke Techniken und vieles mehr, um eine einzigartige Performance von Onley diese drei Akkorde zu schaffen . In der Tat konzentriert sich dieses Gericht hauptsächlich darauf, wie Sie Ihren Kurs spielen und Fortschritte in Ihren Musikkompositionen aufrufen , um das Fundament Ihrer Musik zu formen, um die Emotionen, die Spannung, dieEnergie zu kontrollieren die Spannung, die , die Aktion, die Intensität und, im Grunde, wie Sie Ihre Geschichte mit Weil als Komponist Sie wie ein Filmregisseur zu erzählen. Du bist wie Steven Spielberg. Aber anstatt bewegte Bilder, erstellen Sie Ihre Geschichte mit Klängen und in dieser Analogie, Quarz und coole Fortschritte, oder wie die Lage und Hintergrund jeder Filmszene. Die Einstellungen in einem Film sind, was Kontext schafft, eine Atmosphäre bewegt, und als Ergebnis, es diktiert die Emotionen von jeder Szene ohne sitzt. Es wäre wie ein Film, in dem alle Schauspieler in einem völlig weißen, leeren Raum sind. Kein sehr interessanter Film, oder? Dies ist der Grund, warum Kabel oder die wahre Grundlage von Musik, Also lasst uns lernen, wie man die Power Off Akkorde in Ihrer Musik verwenden. Ich werde Sie im nächsten Video sehen 3. Intervalle und Harmonien lernen: Jetzt ist es Zeit für dich, alle Intervalle und Harmonien in der Musik zu meistern. Jetzt haben Sie bereits gelernt, dass auf Interval in, Musik ist der Abstand zwischen zwei Noten, dass er eine Melodie erstellen, indem er Intervalle in einem ernsten spielt , dass Harmonien oder Intervalle zusammen spielen, und dass Schnüre oder aus Stax aus Harmonien gemacht, Intervalle und Harmonien. Oder tatsächlich, die Bausteine der Musik. Sie verwenden sie, um Melodien zu erstellen, um Harmonielinien zu bilden, um Schnüre zu bauen, im Grunde Intervalle und Harmonien, oder die Bausteine jeder Musikgeschichte. Deshalb müssen Sie wirklich alle Intervalle und Harmonien in der Musik beherrschen und wirklich einen Instinkt dafür entwickeln , wie sie jeder klingen, weil sie alle, was Sie verwenden, um jedes einzelne Milady-Motiv zu schaffen , Haken, Riff, Zähler, Melodie, Schaden in der Linie und, natürlich, jeder einzelne Akkord in Ihrer Musik. Jetzt werden Sie schnell alle Hauptintervalle und Harmonien in der Musik lernen. Die Bausteine aus jeder Musikkomposition, die Sie erstellen, also ist ein Intervall der Abstand von einer Note zur anderen, und eHarmony ist ein Intervall, in dem Sie beide Noten zusammen spielen. Hier sind alle Hauptintervalle und Harmonisten. Sie alle haben Phantasie Musiktheorie Namen wie Minor Sickened auf einem perfekten fünften auf, sollten Sie alle diese Intervalle lernen, wie viele halbe Schritte sie gemacht werden und sie haben. Schritt ist im Grunde zwei Noten direkt nebeneinander. Dies ist also ein kleines zweites Intervall auf, wenn Sie beide zusammen spielen. Es ist eine kleine zweite Harmonie. Also hier ist Ihre erste Haupt-Übungsaktivität und es ist wirklich wichtig, dass Sie diese lernen Nun, ich empfehle, dass Sie zuerst schreiben, wer unten ist, weil es Ihnen hilft, es besser zu erinnern. Verwenden Sie dann Ihre Klavier- oder Media-Tastatur und spielen Sie jedes Intervall zuerst ab Ich gehe hoch wie dieses Ding, das unten geht, dann in Harmonie weiter. Dann wiederholen Sie dies bis zum nächsten Intervall auf Sie gehen durch jedes Intervall wie dieses. Ich würde sogar empfehlen, dass Sie dies Ihrer täglichen Musik-Übungsroutine hinzufügen, damit Sie rechtzeitig wissen können, wie jedes Intervall und jede Harmonie klingen. Ich verspreche Ihnen, dass Ohrtraining und Muskelgedächtnisübungen wie diese für Sie als Musikkomponist enorm vorteilhaft sein werden . Viel Glück und viel Spaß beim Üben und Beherrschen aller Intervalle und Hormon ist eine Musik. Und ich werde Sie im nächsten Video sehen 4. Lerne, wie es alles vernetzt ist.: Hallo, schon wieder. Schön zu sehen, dass Sie immer noch auf diesem Lernabenteuer sind, um die praktische Verwendung zu meistern, natürlich, und Akkordprogressionen, wenn Sie Ihre Musik komponieren. Lassen Sie uns nun darüber sprechen, wie alle Elemente der Musik oder miteinander verbunden ist dies eine wirklich wichtige Perspektive und grundlegende Konzept, dass Sie einen Kerninstinkt für als Komponist entwickeln sollten . Hier geht es, Melodien oder Intervalle in einer ernsthaften Harmonie ist ein Intervall zusammen gespielt, Coors oder Stapel von Harmonien und coole Progressionen oder Akkorde in einem Siri gespielt. Lassen Sie mich das also schnell demonstrieren. Das absolute Fundament der Musik natürlich die 12 Noten, die sich alle über mehrere Oktaven wiederholten. Dann, wenn Sie einen Abstand zwischen zwei Noten haben, wie zum Beispiel, gehen von Tun this, das wird ein Intervall genannt. Ausgehend von einer Note, Teoh, da steigt ein Intervall im selben Intervall. Das Hinuntergehen nennt man die perfekte Fünfte, die nach oben geht, und das nennt man die perfekte 50. Der Nächste ist Harmony. Harmonie ist einfach ein Intervall, das zusammen gespielt wird, also sagen wir dieses. Jetzt ist es ein Intervall. Wenn ich sie zusammen spiele, ist das Harmonie. Dann gibt es oder Schnüre und kühlt oder einfach Stapel von Harmonien. Wenn ich also ein kleines Drittel staple, was diese Harmonie hier ist, das Intervall als kleines Third Play bezeichnet. Zusammen. Es ist eine kleine dritte Harmony, und dann nehmen wir diese Notiz und stapeln ein großes Drittel. Oben drauf, Augen nur ein großes drittes Intervall zusammen. Major Third Harm eine kleine dritte Harmonie mit einer großen dritten Harmonie auf einem Moll. Und wenn wir das Gegenteil tun, um ein großes Drittel mit Moll zu stapeln, ist das ein Major. Probieren Sie es aus, und so funktioniert Musik im Grunde. Melodien oder Intervalle in ernster Harmonie ist Intervalle spielen zusammen Cordes oder Stapel von Harmonien. Konzerne sind Akkorde, die in seinen Siri gespielt werden, wie ich Ihnen gerade gezeigt habe, aber der Punkt ist, dass Sie kein Element in der Musik als getrennt sehen sollten, weil sie alle als eine ganze Einheit verbunden sind . Sie bildeten den kompletten Film zusammen. Ja, in der Tat, das ist eine gute Analogie. Deine Musikkomposition ist wie ein Film. Die Basis in deiner Komposition ist wie der Faden, der die komplette Geschichte aus dem Film von Anfang bis Ende zusammenwebt . Das Hauptthema Hakenmotiv und Melodien in Ihrer Komposition, oder wie die Hauptdarsteller einer Szene, die Schauspieler, die den Fokus und das Hauptlicht hat, die Hintergrund- und Sitzlaug-Szene. Es ist wie die coolen Fortschritte, die du in deiner Musik verwendest. Jede Szene ist wie jeder Abschnitt Ihres Songs. Eine lange Szene könnte 16 Bohrungen haben, während eine kurze Szene im Film einem kurzen Abschnitt von vier oder acht Takten in Ihrer Musikkomposition ähnelt . Die unterstützenden Schauspieler jeder Szene wären wie die Noten von jedem Platz in Ihren Kernfortschritten und die Harmonielinien für Ihre führenden Melodien, und wie sie handeln, wäre ähnlich dem Spielstil jedes Hofes und Harmonie. Ich könnte weitermachen, aber du bekommst das Foto. Jedes Element in Ihrer Musikkomposition ist einfach ein Port aus. Das größere Bild, dein kompletter Film oder, wie ich es nenne, deine Geschichte in Ton. Eine weitere wichtige Lektion hier ist, dass Sie nicht jedes Element wie eine feste Einheit betrachten sollten . Was soll ich damit meine? Nun, zum Beispiel hat jedes Element in der Musik ein rhythmisches Muster, weil alles einen Ausgangspunkt, eine Dauer und ein Ende hat . Das bedeutet, dass Ihre Melodien Rhythmus haben. Deine Schnüre haben Rhythmus. Sie schädigen Linien haben Rhythmus und, natürlich, Ihre Schlagzeug und Perkussion oder alles über Rhythmus. Aber lassen Sie uns das noch einen Schritt weiter machen. Wenn du einen Akkordprogression aufschlüsselst, spielt es keine Rolle, ob du 34 oder mehr Noten für die Schnüre in deinem Kernverlauf verwendest . Denk darüber nach. Was bekommst du, wenn du in deinem Kernprogression alle Noten aus den Spielfeldern als separate Sequenzen ansiehst ? Nun, man bekommt im Grunde Melodie-Linien, Intervalle in einer Sequenz, Courts oder im Wesentlichen drei oder mehr Melodie-Linien übereinander gestapelt. jedoch Wenn Siejedocheinsame Buchschnüre für jeweils eine Bohrung spielen, werden Sie nicht so viel von den internen Melodien hören, wenn Sie allein den Kurs hören. Aber je mehr Sie die Kerne wechseln, was bedeutet, je mehr Akkorde Sie in Ihre Kernprogression passen, desto mehr werden Ihre Ohren tatsächlich diese melodischen Linien innerhalb der Akkordprogression aufnehmen . Lassen Sie uns 1/3 hören hier lernen, da Sie viele neue Dinge lernen, die eine schnelle Rate jetzt aufrechterhalten, und das Hören ist, wenn Sie einen Akkord spielen, die Note, auf die sich Ihr Ohr am meisten konzentrieren wird, ist die höchste Note von jedem Akkord, und Sie können diese als Musikkomponist nutzen, indem Sie kreativ verschiedene Court Inversionen wählen , um grundsätzlich eine Hirse e mit nur Ihrer Akkordprogression zu bilden. Sie werden später in diesem Kurs mehr über das Umwerben von Versionen erfahren. Aber zuerst, lassen Sie mich diese großartige Technik für Sie demonstrieren. Nehmen wir an, Sie möchten diese Melodie gut haben, dann wählen Sie umwerfende Versionen, so dass die höchste Note die gleiche wie die Melodie ist . Erstaunlich. Sie haben nun gelernt, was ich für eine der wichtigsten Lehren der Musikkomposition halte , nämlich dass jedes Element zu einer kompletten Einheit verbunden ist. Deine Trommeln und Perkussion, deine Schnüre, deine Horman-Linien, deine Melodien, Motive, deine Riffs. Alles ist einfach ein Teil deiner ganzen Musikgeschichte. Erinnere dich an diese. Schreib es auf. Vergiss es nie. Programmieren Sie dies in Ihren Instinkt, wenn Sie können, denn diese Perspektive wird Ihnen unglaubliche Kraft geben. Als Musikkomponist habe ich 1998 angefangen, Musik zu komponieren und dieses grundlegende Konzept dauerte Jahre zu realisieren Deshalb möchte ich, dass Sie diese hier und jetzt lernen. Lassen Sie uns das alles so zusammenfassen. Sie sehen, Komposition ist es, musikalische Elemente auf kreative, aber strategische Weise zu schreiben und zu verbinden, um mit einer vollständigen, kohärenten, fokussierten und fesselnden Musikgeschichte zu enden zu verbinden, um mit einer vollständigen, kohärenten, kohärenten, . In Ordnung, ich glaube, du hast das jetzt, also lass uns im nächsten Video weitermachen. 5. Lerne 204 Chords in 15 Minuten: in diesem Video, werden Sie die gekühlten Muster für im Grunde alle Schnüre lernen, die ich persönlich die am meisten in der Musikkomposition verwendet halte. Wenn Sie all diese Kerne lernen und, noch wichtiger ist, wie sie klingen, haben Sie natürlich ein erstaunliches Toolkit, natürlich ein erstaunliches Toolkit, Sie als Musikkomponist verwenden können. Aber zuerst müssen Sie lernen, wie Sie die Gerichtsmuster anwenden, die Sie in diesem Video erhalten. Ich habe jeden Akkord so genannt, wie er in Routenposition gespielt wird, was bedeutet, dass die übliche Art, das Gericht zu spielen, ohne irgendwelche Inversionen zu verwenden. Jedes Gerichtsmuster beginnt mit dem Buchstaben oder was Route bedeutet, da dies der Name des Schlüssels ist, der den Gerichtsnamen definiert. zum Beispiel Nehmen wirzum Beispieldie einfache siehe Major. Probieren Sie es aus. Es hat die Wurzelnote. Sehen Sie, weshalb der Name des Kabels mit dem Buchstaben C beginnt. Danach erhalten Sie eine ernsthafte Off-Zahlen, die die Intervalle definiert, die Sie stapeln, um das Kabel zu erstellen . Jedes Intervall ist die Zahl aus Halbschritten, was im Grunde die Anzahl der Off-Tasten von einem Akkord bedeutet. Hinweis auf die nächste Notiz im Gericht, Zum Beispiel, wenn wir die c Hauptrechnung nehmen. Wieder hat es eine coole Formel wie diese, oder plus vier plus drei, was bedeutet, dass Sie mit der Wurzelnote von der Schnur beginnen. Sehen Sie, in diesem Fall, dann zählen Sie 4/2 Schritte nach oben, was bedeutet, dass vier Tasten wie diese. 1234 Dann zählst du von dieser Schnurnote wieder. Aber diesmal drei Schlüssel hoch. 3/2 Stufen. Also beginnend mit oder dann 4/2 Schritte an, dann von Bassnote, zählen Sie drei. Und das ist ein großer Triumph in diesem Fall, C-Dur. , Nun,da du gelernt hast, wie man diese Akkordmuster anwendet, lasst uns alle am häufigsten verwendeten Akkorde in der Musik lernen. Fangen wir an, das Akkordmuster für den großen Akkord zu lernen. Erstens ist es unser plus vier plus drei, zum Beispiel der C-Dur-Akkord , , der übrigens oft verkürzt wird, wie man einfach das Gerichtsmuster anwenden kann. Du lernst jetzt, und du erhältst die Wurzelnote. Sehen Sie, in diesem Fall, zählen Sie bis vier Tasten 1234 und Sie erhalten die Notiz. E. Zählen Sie noch drei Noten und Sie erhalten G. Herzlichen Glückwunsch. Sie haben gerade gelernt, wie man den C-Dur-Akkord, C, E und G spielt C, . Aber das Erstaunliche an gekühlten Mustern ist, dass man sie auf jeden Root-Key anwenden kann. zum Beispiel Wenden Siezum Beispieldas gleiche Gerichtsmuster mit der Wurzelnote D an, und er erhält den D-Dur-Akkord. Oder was nicht ist. Es ist Fälle Tag 1234 und du landest mit Offshore und dann 123 und du kommst zu einem D-Dur Rekord. Das bedeutet, dass Sie durch das Erlernen eines Gerichtsmusters automatisch 12 neue Schnüre für jedes Muster lernen, eines für jeden Schlüssel. Lassen Sie uns das Muster für den Moll Akkord als nächstes lernen , der Route plus drei plus vier ist. Also in der Wurzel aus, sehen Sie sehen, gehen drei Tasten hoch. 123, die e flach ist. Dann geh noch vier Küsse hoch. 1234 das ist G so C E flach G ist c-Moll. , Lassen Sie mich wiederholen,dass Sie, sobald Sie ein neues Akkordmuster gelernt haben, wie dieses für den Moll Akkord, es auf alle 12 Routen-Tasten anwenden können. Nehmen wir an, Sie spielen einen kleinen Akkord in Nehmen wir an, die Routen-Taste von G Nun, wenden Sie die Formel dieses Gerichtsmuster erneut an, aber beginnen Sie mit G als Stammnote. Also g 123, das B flach ist, und 1234, die D G-Moll ist. Lassen Sie uns nun das Gerichtsmuster für den verminderten Akkord lernen , der Route plus drei plus drei ist. Also mit der Wurzel aus, sehen Sie sehen 123 die e flett ist. 123 Zoll G flach ist ein C vermindert. Lassen Sie uns nun das Court-Muster für den erweiterten Akkord lernen, der Route plus vier plus vier ist . Also mit der Wurzel von sehen Sie sehen +1234 das ist e +1234 das ist G Shore sehen augmented. Und jetzt der abgehängte vierte Akkord, der Route plus fünf plus zwei ist. Also für die Wurzel von sehen Sie sehen +12345, die F ist und ein, zu dem G C f g ce suss Für jetzt, die suspendierte zweite Akkord, die Route plus zwei plus fünf ist. Also das Gegenteil von der suspendierten vierten Akkord in der Wurzel sehen Sie C +12, die D war +12345 das ist G C D G Siehe Sauce. Zu erstaunlich. Sie lernen Akkorde mit einer super schnellen Rate. In der Tat haben Sie jetzt alle drei wichtigsten Akkordtypen gelernt. Jetzt lassen Sie uns dieses Video pausieren, so dass Sie Notizen machen können alle diese Court Typen und Muster unten in einem Notizblock oder notieren, weil es eine bewährte Möglichkeit, Sie erinnern und lernen tiefer. Und das ist etwas, was Sie wirklich tun wollen, denn diese sechs Schnüre sind so wichtig, dass Sie in der Lage sein sollten, die Akkordmuster für jeden zu erzählen . Selbst wenn Sie in der Mitte der Nacht aufwachen und wenn Sie fertig sind, Ihre Notizen aufzuschreiben , lassen Sie uns weiter fortgeschrittener Kurs lernen. Lassen Sie uns jetzt Ihre erste fortgeschrittene Schnur lernen, die große sechste Kälte. Es hat die folgende Musterroute plus vier plus drei plus zwei genannt. So mit der Wurzel von Siehe erhalten Sie sehen 1234 das ist e 123 das ist G 12 das ist ein siehe e g A. Das ist C-Dur sechs. Und das führt uns zum Moll sechsten Akkord, der die fallende genannte Musterroute 342 So beginnend mit sehen Sie 123 e flach 1234 g 12 c-Moll sehen. Sechs. Jetzt lasst uns deinen 1. 7. Akkord lernen. Der dominante siebte Akkord. Dies ist ein sehr häufig verwendeter Akkord in der gesamten Musik, so dass das coole Muster wie folgt ist. Route Plus vier plus drei plus drei. Beginnend mit See erhalten Sie See 1234, das E 123 ist, das G 123, das B flach ist. Dies ist C sieben und jetzt der große siebte Akkord, der die folgende Akkordmusterroute plus vier plus drei plus voll hat. Also beginnend mit sehen Sie +1234, die e +123 ist, die G eins ist, 234, die C-Dur sieben ist. Und der kleine siebte Akkord, der das Akkordmuster wie folgt hat. Route 343 So sehen Sie sehen 123, die e flach ist. 1234, das ist G und 123, das ist Rindfleisch. Mal sehen, sagten Minderjährige. Und jetzt werden wir wirklich fortgeschritten. Der Moll Dur siebten Akkord, der die folgende Musterroute Plus drei plus vier plus voll hat. Also für sehen Sie sehen, laufen zu drei, die E flach ist. +1234 Hexen G 1234, die C-Moll, Dur sieben und die Orgel belüftet ist . Siebter Akkord hat die folgende Akkordmuster-Route plus vier plus vier plus zwei. So für sehen Sie erhalten Siehe +1234 das ist e +1234 das ist G kurz +12 die B flach ist, Siehe Augmented sieben. Dies kann auch C sieben mit einem kurzen und fünften genannt werden. Und hier ist die erweiterte große siebte Akkordwurzel plus vier plus vier plus drei. So für sehen Sie erhalten Siehe +1234 das ist e 1234 das ist G scharf, und 123 das ist B C augmented major siebten Akkord, die oft verkürzt uns Siehe Major sieben mit einem geschärften fünften und jetzt die verminderte siebte Akkord, die Route ist plus drei plus drei plus drei. So für sehen Sie sehen Sie +123, die eine flache +123 Mrs. G flache +123, die doppelt flach ist. Warum nenne ich diese Notiz? Seien Sie doppelt Fert statt eines Brunnens, um ehrlich zu sein, die Benennung von Kurs ist eher auf der technischen Seite der Musiktheorie. Aber die kurze Antwort ist, dass die Stiftung vor Gericht darauf basiert, Drittel übereinander zu stapeln , was bedeutet, eHarmony entweder von einem kleinen Drittel wie diesem oder einem großen Drittel wie diesem. Also im Fall über, sagen wir C-Dur, wenn Sie das in einen Moll Akkord verwandeln wollen, was diese Note ist, wird von der Herkunft aus dem dritten hier benannt, was die flache im Fall von c-Moll ist, und alle Schnüre werden aus ihrer Beziehung zum weißen Gehäuse benannt. Also in diesem Fall kommt die Benennung von diesen breiten Tasten Drittel und oder dann entweder abgeflacht oder geschärft, um diese Kernmuster aus dem verminderten siebten Akkord zu bilden In diesem Fall so flach und diese Wohnung in diesem und dies müssen Sie Doppel-Wohnung 12, um auf diese Note zu bekommen. Deshalb lasst uns jetzt den halb verminderten siebten Akkord lernen , der diese Viertelmusterroute plus drei plus drei plus vier hat. Also im Fall von See sehen Sie +123, die eine flache +123 ist, die G flach +123 vier ist, was B flach C-Moll ist. Sieben mit einer flachen und fünf, auch halb verminderte siebte Akkord genannt. Und nun lasst uns den dominanten neunten Akkord lernen, der das Hofmuster als Narren Route Plus vier plus drei plus drei plus vier hat. Also im Fall von See erhalten Sie C 1234, die e 123 ist, das ist G 123, die B flach 1234, die D. ist also der C dominante neunten Akkord oder auch als C neun erstaunlich! Sie lernen jetzt unglaublich schnell Hier ist eine Zusammenfassung. Eine schnelle, kurze, alle Akkordmuster, die Sie in diesem Video gelernt haben. Ich empfehle Ihnen, diese Leads selbst in einem Notizbuch oder einer Notizanwendung zu schreiben , da Sie Notizen wirklich helfen, tiefer zu lernen. Nun, was ist Ihr Ziel hier? Nun, im Grunde zu lernen, wie man so viele Akkorde wie möglich spielt und, was noch wichtiger ist, einen Instinkt dafür entwickeln, wie sie jeweils klingen. Dadurch werden Sie auf Ihrer Reise als Musikkomponist unglaublich viel vorankommen. Hier ist Ihre Übungsaktivität, um Ihnen bei diesem Ziel zu helfen. Verwenden Sie diese kurze Kurzform und machen Sie eine tägliche Übungsroutine, bei der Sie sich auf Deep Learning auf einen oder mehrere dieser Hoftypen gleichzeitig konzentrieren . Spielen Sie das coole Reden. Möchten Sie sich zum Beispiel auf den Hauptakkord in jeder Routen-Taste konzentrieren , der durch viele 12 Tasten hinaufgeht, dann nach unten geht dann zwischen verschiedenen Routen-Tasten herumspringt, wie Sie möchten, aber mit den gleichen coolen Typ. Lassen Sie uns nun einen Moment Zeit nehmen, um darüber nachzudenken, wie unglaublich viel Sie in dem einzelnen Video gelernt haben . Sie haben all diese Akkorde und das entsprechende Akkordmuster oder die Formel gelernt, wenn Sie so wollen. Das sind also 12 Schlüssel für jeden Gerichtstyp. Das bedeutet, dass Sie jetzt 17 von den häufigsten Akkorden in der Musik abspielen und verwenden können. In allen 12 Tasten. Das ist 17 mal 12 204 und das zählt nur die Wurzelposition jedes Akkord. Der nächste Schritt für Sie ist, wieder etwas über Akkord-Umkehrungen und offene gegen geschlossene Gerichte zu erfahren. Sie haben nun 204 verschiedene Akkorde gelernt, die Sie als Musikkomponist verwenden können. Herzlichen Glückwunsch. Lernen einer großen Anzahl von Gerichten und Musik hat Bean eine der nützlichsten Dinge für mich als Komponist, weil es eröffnet eine große Welt aus Klängen und Emotionen, die er anwenden kann, wenn Sie Ihre Musikgeschichten schreiben . Also haben Sie Spaß beim Üben, Lernen in der Zeit, Beherrschen der Akkorde in der Musik? Nein, lassen Sie uns mit dem nächsten Video fortfahren. 6. Introduction die in Aktion steht: Hallo wieder Kolleginnen und Komponisten. Jetzt tauchen wir direkt in das tiefe Ende des Pools ein, denn in diesem Modul werde ich Ihnen Live-Beispiele von Akkorden in Aktion zeigen. Ich werde verschiedene Akkordprogressionen verwenden, Akkordprogression Rhythmen, aber auch Spielstile genannt und sogar Ausdruckstechniken genannt . In der Tat, lassen Sie uns das wiederholen, weil diese Konzepte die Essenz bilden, wie Coupes und coole Fortschritte in der Musik funktionieren. Die Story Line Ihrer Musik basiert auf diesen Faktoren. Eins. Die coole Progression, die Sie wählen, was bedeutet, welche Kerne Sie verwenden und in welcher Reihenfolge zum coolen Progressionsrhythmus, was bedeutet, dass der interne Rhythmus Ihrer Kernprogressionen, wie lange Sie jeden Akkord spielen bevor ein neuer Akkord eingeführt wird. Drei. Der gekühlte Spielstil, was den Rhythmus und Spielstil von jeder Hofstimme in Ihrem Hofverlauf bedeutet und für den Schnurausdruck bedeutet ALS, die verschiedenen Möglichkeiten, dynamische Variation, Ausdruck und Emotion in Ihre Akkordprogressionen. Jetzt empfehle ich Ihnen, dieses Video zu ziehen, um diese Konzepte in Ihren Notizblock oder Notiz-App zu schreiben , denn Notizen machen ist eine gute Möglichkeit, tiefer zu lernen und sich daran zu erinnern, was Sie gelernt haben. Ordnung, spielen wir jetzt ein paar Höfe und Akkordprogressionen. 7. Style 1 Smooth Block Chords spielen: nun aufmerksam zu hören, wie ich diese glatte Block Akkorde spielen Stil auf Klavier und Streicher . - Also für diese Art von Spielstil , den ich glatte Buchakkorde Spielstil nenne, habe ich ein paar Tipps für Sie. Eins. Verwenden Sie Ihr Sustain-Pedal, um die Schnüre miteinander zu binden. Also, zum Beispiel, nehmen wir das F-Gericht hier wieder in dritter Umkehrung. Halten Sie einfach das Sustain-Pedal gedrückt. Kann ich jetzt weiter klingeln? Und dann heben Sie kurzzeitig und sehr kurz das Sustain-Pedal rechts, wie Sie das Kabel geändert und drücken Sie dann das Sustain-Pedal wieder nach unten, während Sie den neuen Platz so drücken und so gut Akkord-Inversionen verwenden, die Stimmensprung reduziert, um glatte zu schaffen Rekordübergänge und durch Sprachspringen, meine ich größere Intervalle in den Court Änderungen. Nehmen wir an, Sie wollen von F gehen, um gut zu sehen, dies wäre ein sprunghafter Übergang in der Routenposition, ganz allein hier oben. Geräte im Viertel gehen große Intervall nach oben. Stattdessen können Sie dies tun können bleiben, aber nur diese beiden Noten leicht nach unten zu bewegen mag wie diese wieder, viel glatter. Drei Verwenden Sie Stimme, führt mit vielen fortgesetzten Stimmen, um die Menge aus Note, die ändern zu reduzieren. Damit meine ich, einige der Noten zu erhalten, die in beiden Akkorden in der Gerichtsänderung vorhanden sind . Also, zum Beispiel, wenn wir das F-Gericht wieder nehmen und ich möchte zu einem Minderjährigen gehen, gut, gut, wie Sie sehen können, ist hier, Siehe ist auch in einem Moll, so dass Sie auf diesen Notizen bleiben und einfach nach unten das Geld und dann gehen Sie von der Basis. Notiz von F heute. Wenn ich mich darauf konzentrieren möchte, mit der Melodie ins Meer Jahr zu gehen, kann man diese Note einfach so auslüften. Vier. Verwenden Sie abgehängte Akkorde. Es hilft nicht nur bei Sprachführung und schafft glattere Übergänge, sondern fügt Ihrer Musik viel Emotion und Charakter hinzu. Also lassen Sie uns sagen, Sie haben, wenn in der dritten Inversion erscheinen. Nun, wenn ich einfach auf die Gino Träne gehen, das heißt, wenn suss in 30 Version wie diese, und dann kann ich einfach die Basis nach unten bewegen, um zu sehen, wann ich das nennen würde aufhören uns vier. Also, äh, und dann kann ich einfach 1/2 Schritt mit F zwei Jahre Onda runtergehen, zum C-Hauptgericht gehen. Die ganze Sequenz wird also so klingen. Wir sind es auch. Sehen Sie eine Form, und das war's. Fünf. Binden Sie die Akkordnoten in Ihrem D. W. W. Also hier bin ich in der Klavierrolle, und das ist eine Streicherpartie in einer meiner Kompositionen, und Sie können sehen, dass diese Note für eine lange Zeit gehalten wird. Und das liegt daran, dass die Note tatsächlich in all diesen Akkorden in der Sequenz vorhanden ist. Also in der Logik und den meisten UWs, haben Sie eine Leimfunktion? Wenn Sie zwei Notizen auswählen, können Sie das Leimwerkzeug verwenden und diese grundsätzlich zusammenkleben. So lassen Sie mich das löschen. Und das habe ich für dieses Gericht hier getan, und diese riefen und diese Schnur, um diese Notiz und diese Notiz zu erweitern. Ich hätte es auch damit machen können. Je mehr Noten Sie zusammengeklebt haben, desto glatter wird der grausame, kühle Übergang klingen. Also lassen Sie uns hören, dass jetzt die Saiten mit dem Klavierweg verantwortungsvoll und sechs überlappenden Schnurnoten spielen , so dass Sie sehen können, gibt es ein Gericht hier, und das ist eigentlich Gerichtsänderung in diesem auch. Und wenn du genau hinsiehst. Sie können sehen, dass sich dieser Hinweis tatsächlich in dieser Notiz überlappt und uns gut und auch hier hören . Sie haben also nicht diese Lücke zwischen ihnen, sondern überlappen sich leicht, und dies wird einen noch glatteren Übergang erzeugen. Erstaunlich. Jetzt hier ist eine Zusammenfassung von meinen Tipps auf diesem glatten Block Akkorde Spielstil. Stellen Sie sicher, dass Sie Maßnahmen ergreifen, um viel zu üben. Diese Konzepte selbst lernen, indem sie tun, weil es immer der beste Weg ist. Viel Spaß und ich werde im nächsten Video auf dich warten. 8. Spielende Style 2 Rhythmic die den Chords: Jetzt werde ich die rhythmischen Blöcke spielen Stil auf Staccato Streicher. Tipp eins. Entwerfen Sie einen rhythmischen Groove, also spielen Sie nicht nur einen einfachen, geraden Beat wie diesen. Zum Beispiel. 123123123123 Ich meine, du könntest das tun, und es könnte bei manchen Gelegenheiten funktionieren, aber es ist ziemlich langweilig, oder? Es könnte also einfacher sein, wenn man sich das rhythmische Aufprallen von Höfen auf einer Akustikgitarre vorstellt , denn das ist im Grunde der Spielstil, über den wir hier sprechen. Sie möchten ein interessantes Muster erstellen, wenn Sie den rhythmischen A-Block Akkorde Spielstil wie folgt verwenden , zum Beispiel Tipp Spione mit den Kordelfarben hinzuzufügen. Und damit meine ich, dass Sie gelegentlich verschiedene gekühlte Kühler verwenden können, indem Änderungen wie, zum Beispiel, gehen von einem großen Teoh uns vier oder einem großen Release. uns, Auchuns,sagen wir, sagen wir, und auch Erweiterungen genannt, die von gehen, sagen wir einfach. Probieren Sie es aus und fügen Sie hinzu, Sagen wir, 1/7 oder in ad sechs einfach als kurze Variationen, um die Progression interessanter zu machen. Tipp. Drei. Schaffen Sie den Fokus mit Inversionen des Gerichtshofs. Die höchste Note in einem Akkord wird immer das Hauptaugenmerk sein, dass unsere Ohren am meisten hören . So können Sie dies zu Ihrem Vorteil als Komponist nutzen, indem Sie Akkord-Inversionen wählen, um den Fokus von jedem Spielfeld in Ihrem Fortschritt zu lenken. Nehmen wir zum Beispiel an,Sie wollen von C-Dur gehen. zum Beispiel an, Wenn Major bis G-Dur. Wenn er alle die Wurzelposition jedes Akkord verwendet hat, wird Ihr Ohr diese Noten aufnehmen. G hier vom Meeresgericht. Sehen Sie hier F Court, das D hier aus dem D-Akkord, denn Ihr Ohr wird die höchste Note jeder erzielten am meisten hören. Das ist der Fokus, so dass Sie dies zu Ihrem Vorteil nutzen können, indem Sie den Fokus mithilfe von Umwerfungen wählen. Also, anstatt C und Wurzelposition zu verwenden, wenn Sie C und diese Inversion von F verwenden können, so dass Sie jetzt hier sind, wird abholen, und Sie können diese Technik für Ihre gesamte Gerichtsprogression verwenden. TP vier. Wählen Sie die Akzente aus. Interessante Rhythmen sind auch sehr abhängig davon, wie Sie die Akzente im rhythmischen Muster wählen . So zum Beispiel kann ich zum Beispielohne Akzente spielen, was sehr langweilig ist, und stattdessen kann ich Akzente auf ausgewählten Beats wie,sagen wir, den einen hinzufügen sagen wir, oder die Akzente zu erstellen Sie ein interessanteres rhythmisches Muster. Ich kann auch die Wurzelnote mit meiner linken Hand auf Lee auf dem Akzent wie diese Spitze fünf Schicht mit gekühlter Stimme Variation spielen . Also, jetzt für diesen Tipp, bin ich im Klavier. Roll off, mein lieber w und diese, sie sagen String unlösbar Staccato Strings Muster, das klingt so auf so einem. Also jetzt ist dieser Tipp, diese rhythmischen Hofbücher auf verschiedenen Instrumenten zu arrangieren. Ich würde sagen, für die beste Wirkung. Wenn Sie Layer wollen, behalten Sie den Rhythmus, aber ändern Sie die Tonhöhe, indem Sie die Noten transponieren, was bedeutet, dass, wenn Sie zwei Instrumente haben, die rhythmische Blöcke spielen, anstatt einfach das gesamte Muster einzufügen, ändern die Umkehrungen durch eine Transponierung des Bereichs der Hofstimmen. Nehmen wir an, Sie möchten, dass eine Viola hier auf diese Noten schichten soll. Nun, man kann sie in eine Oktave transponieren, um sie in die Bratschiene zu kopieren oder zum Beispiel ein Cello zu schauen zum Beispiel . Willst du diese Stimmen verdoppeln? Nun, vielleicht möchten Sie diese auf eine Oktave oder sogar zwei Teoh-Layer transponieren, wobei diese auf String-Musterspitze sechs stecken . Fügen Sie Notizen zwischen den Büchern hinzu. Also, wie Sie hier sehen können, habe ich einzelne Noten dazwischen einige der rid me Gericht Looks hinzugefügt, was mehr Geschmack und Bewegung hinzufügt. Sie können sehen, ein einzelnes nicht hier und hier und hier und so weiter. Sie können sich dies als ähnlich einer Akustikgitarre vorstellen, die Akkorde schlägt, aber gelegentlich einzelne Saiten innerhalb des Musters zupft, um es aufzupeppen. Herzlichen Glückwunsch. Jetzt hier ist eine Zusammenfassung von meinen Tipps über die Ville Nick Block Akkorde spielen Stil. Schreiben Sie sie in Ihre Notizen, so dass Sie sie besser erinnern, als Spaß beim Üben dieses Spielstil zu lernen, indem Sie tun, und ich werde Sie im nächsten Video sehen. 9. Stil 3 Arpeggios spielen: In Ordnung. Lassen Sie uns nun etwas über den oder PDO Spielstil lernen. Vier Akkorde. Zuerst haben Sie ein Hören Sie sich dieses Beispiel, das ich aufgenommen. - Tipp eins. Wählen Sie die Richtung pro Note aus. Damit meine ich, dass Sie das Arpeggio nicht als einfache Sequenz von links nach rechts auf Ihrer Tastatur oder von rechts nach links spielen müssen. Sie haben kreative Freiheit, um in den Stimmen von der springen oder Sie bezahlt, um mehr Variation wie diese zu erstellen . Zum Beispiel, Tipp, um Vorbeigaben oder pidio zor ideal für die Weitergabe von alten zwischen den Hauptgerichtsnoten hinzuzufügen. Grundsätzlich können Sie sehen, dass diese Übergabe ALS tatsächlich einen neuen Akkord als Änderung oder Verlängerung Ihrer Hauptschnur macht. Lassen Sie mich demonstrieren. Nehmen wir an, Sie haben einen C-Dur-Akkord wie diese drei Eichen-Tischplatte, und Sie möchten einige Post hinzufügen, die es in diese Oper tun, um es interessanter zu machen. Nun, sagen wir, Sie wollen das hinzufügen, was eigentlich die SAS vier aus der Fortsetzung ist. Vielleicht möchten Sie diese Wunschzc sieben hinzufügen oder sogar dies eine Notiz, die bei sechs sehen ist. Lasst uns die ganze Sequenz spielen. In der Tat, Spitze drei sehr Notenlängen innerhalb der oder Paju, ein einfaches, gerades Muster aus spielen die Arpeggio wie Viertelnoten, zum Beispiel, kann oft großartig funktionieren. Aber Sie können auch wählen, um Variationen in Notenlängen in Ihrem oder Pedro Muster wie folgt hinzuzufügen , zum Beispiel, Ordnung, Tipp für Tempo, Variation für zusätzliche Emotionen. Ich persönlich denke, dass allmähliche Bewegung im Tempo aus dem Spielstil Ihres Arpeggio, was bedeutet, dass Verlangsamung und Beschleunigung bei ausgewählten Gelegenheiten im Arpeggio kann eine einfache oder Pajot klingen erstaunlich und schön. Also lassen Sie mich demonstrieren. Erstens, ein statischer Tempel, der Zone kann. Sagen wir, das klingt in Ordnung, aber ich möchte jetzt Dynamik im Tempel hinzufügen, also lassen Sie mich zeigen, wie Sie das tun können. Tipp. Fünf. Wählen Sie den Bereich aus der oder Paju. Sie können in Arpeggio als eine einfache versuchen, es zu spielen, wo Sie Doppel aus den Noten innerhalb der Arpeggio-Bereich über eine breite Palette auf Ihrer Tastatur hinzufügen können . Gehen aus dem mittleren Bereich, sagen wir, Hinzufügen einer Oktave erscheinen und sagen wir, diese zwei Noten hier oder eine wirklich große oder PDO, die oft von Hoffnungen gespielt wird, zum Beispiel, und ich persönlich liebe den Klang off breit oder pidio schuldet. Hier ist ein Beispiel für Klavier, was? Tipp. Sechs Ad Horman ist zu würzen die oder Paju. Ich mag es, den oder PDO Raum zu brechen, indem ich gelegentlich zwei Noten wie diese innerhalb des Arpeggio staple , eine Harmonie zu schaffen. Es ist technisch gesehen kein True oder Pidio, wenn Sie mehr als eine Note gleichzeitig spielen, aber das ist nicht der Punkt. Der Punkt ist, dass es eine gute Möglichkeit ist, Ihre oder Pidio mit Harmonien zu würzen. Waffen zeigen es dir. Nehmen wir an, wir werden in Arpeggio spielen, sagen wir, das B-Hauptgericht hier, richtig? Das ist also ein wahres Arpeggio, das zu dieser Zeit hier mit einer einzigen Note spielt. Nun lassen Sie uns einige Harmonien hinzufügen, um es aufzupeppen. Nehmen wir an, Sie wollen so gehen oder lassen Sie mich es noch weiter spielen, um Ihnen zu zeigen, was ich meine. Herzlichen Glückwunsch. Du machst es jetzt erstaunlich gut. Hier ist eine Zusammenfassung aller meine Tipps auf der oder Pidio Spielstil, und es gibt so viele weitere Möglichkeiten, wie Sie spielen oder Videos, dass Ihre Optionen fast unbegrenzt sind . Also geh voran und viel Spaß beim Üben dieses besondere Spielstil, natürlich, und ich werde dich im nächsten Video sehen 10. Stil 4, die Rhythmus mitspielen: Jetzt schauen wir uns den Spielstil an, den ich Comping-Rhythmus nenne. Nun lassen Sie mich Ihnen einige praktische Tipps geben, wie Sie den Comping-Rhythmus-Spielstil verwenden können. Tipp. Eins. Konzentrieren Sie sich auf die Nut. Beim Comping geht es hauptsächlich um Rhythmus und Groove, also konzentrieren Sie sich auf die rhythmischen Muster mehr als die spezifischen Noten, die Sie verwenden. Im Wesentlichen das Timing off der Noten, also zum Beispiel 12341234 sowie deren Länge. So zum Beispiel verwenden Sie zum Beispielkürzere und längere Noten in verschiedenen Notenlängen. Lassen Sie mich Ihnen ein Beispiel geben, und ich werde mit kurzen Notizen beginnen und dann längere Notizen innerhalb des Musters hinzufügen. Und so ein Tipp, um alle Stile zu mischen, wie Sie rhythmische Looks wünschen, lange Blockakkorde oder Pidio-Harmonien. Beim Comping können Sie sie alle zu einer einzigartigen Leistung mischen und mischen. Lassen Sie mich demonstrieren. - Tipp . Drei Akzente mit Bassnoten. Sie können Ihre linke Hand verwenden, um stärkere Akzente mit der Wurzelnote des Gerichts im Basisregister hinzuzufügen . Dies eignet sich besonders gut für Klavier- oder Orchesterensemble-Sektionen wie Streicher oder Brüste. Kurznoten auf rhythmische Art und Weise spielen. Ich werde dir das jetzt auf Klavier zeigen. Also sagen wir, Sie haben auf F-Gericht. Sie können Unfälle wie diese auf verwenden. Dann können Sie sogar Mawr mit Bassnoten akzentuieren. Also lassen Sie mich damit in einem echten Sequenz-Tipp für Ändern Sie die Schnüre beim Comping grundsätzlich alle rhythmischen Spielstile zeigen . Schnüre profitieren von einer gekühlten Färbung wie veränderte Schnüre oder verlängerte Akkorde. Es kann mehr Fluss, mehr Interesse und im Grunde Ziele oder dynamische Leistung hinzufügen . Lassen Sie mich demonstrieren. Nehmen wir zum Beispiel an,Sie haben einen großen Akkord wie diesen, indem Sie einen suspendierten Akkord in der rhythmischen Spielweise wie diesen hinzufügen. zum Beispiel an, Nehmen wir zum Beispiel an,Sie haben einen großen Akkord wie diesen, Auflösen es zurück, vielleicht werden Epochen mit Inversionen und Abd-Quarz, Hinzufügen einer Note wie diese oder große Möglichkeiten, Farben hinzuzufügen und den Kurs zu ändern, wenn Coming lassen Sie mich spielen, dass jede Sequenz. Ehrfürchtig. Jetzt haben wir meine Top-Tipps zur Verwendung des Comping-Rhythmus-Spielstils gelernt. Denken Sie daran, dass Sie alle diese Techniken verwenden können, indem Sie einfach in alle Notizen der Gerichte in Ihrem Sequenzer schreiben , mit Ihrer Computermaus und Tastatur in Ihrem DW. Gehen Sie voran und üben Sie den kompetitiven Rhythmus-Spielstil mit Schnüren jetzt und wenn Sie sich bereit fühlen , lassen Sie uns im nächsten Video fortfahren 11. Chord: Lassen Sie uns nun zuerst über abgekühlte Inversionen sprechen, was? Oder Akkord-Umkehrungen. Also hier ist meine kurze Definition. Umkehrungen außerhalb des Gerichtshofs. Court Inversionen sind verschiedene Stimmen aus dem gleichen Akkord durch Transponieren von Kernbezeichnungen in Oktaven. Nun, wenn Sie Ihr Klavier oder Midi-Keyboard überprüfen, wissen Sie, dass die 12 Noten von Musik oder wiederholt in Oktaven, zum Beispiel, Sie haben Mitte C hier auf. Wenn Sie eine perfekte Oktave aufsteigen, erhalten Sie ein weiteres C, dass C die gleiche Note ist, einfach eine Oktave höher oder, um genau zu sein, genau die doppelte Frequenz von der Präsidentschaft. Das ist der technische Aspekt von Notenoktaven. Sie sind Vielfache von der gleichen Grundfrequenz, weshalb sie so ähnlich klingen und warum sie alle die gleiche Note sind. Für jeden Akkord, den Sie spielen, können Sie wählen, jede einzelne Note von der Schnur grundsätzlich an einer beliebigen Stelle auf der Tastatur zuzuweisen . Nehmen wir also einen einfachen C-Dur-Akkord. Zum Beispiel besteht es aus drei Töne C, E und G. Wenn Sie die mittlere C spielen, gefolgt von der E direkt darüber, und dann das G, das heißt, die Schnur in Routenposition spielen, weil Sie spielen jede Notiz des Gerichts in einer linearen Art und Weise. Die Route die dritte und die fünfte in diesem Fall. Aber jetzt lasst uns diese Schnur in eine Umkehrung verwandeln. Wenn Sie die Wurzelnote nehmen, sie eine Oktave sehen und transponieren, spielen Sie jetzt die 3. 5. Route des Hofes, die als erste Inversion bezeichnet wird. Wenn Sie die neue niedrige Note, die in diesem Fall die dritte oder E ist,weiterhin eine Oktave nach oben verschieben die in diesem Fall die dritte oder E ist, , spielen Sie jetzt die Schnur als fünfte Wurzeldrittel, die als zweite Inversion bezeichnet wird. Grundsätzlich können Sie drei Notenakkord in drei Variationen spielen. Wurzelposition, erste Umkehrung und zweite Umkehrung. Wenn Sie eine Notiz auf das Gericht hinzufügen, so besteht es aus vier Noten, zum Beispiel 1/7 Akkord. Sie haben noch eine weitere Inversion zur Auswahl, genannt die Dritte Inversion, weil es eine weitere Note gibt, die Sie jetzt transponieren können. Bereiten Sie sich darauf vor, eine von den wahren Machtmethoden zu lernen, die Sie als Komponist beim Schreiben von Anruffortschritten verwenden können , denn Sie können kreativ wählen, welche Art von Inversion Sie für jeden Akkord in Ihrer Musikgeschichte spielen möchten . Also, selbst wenn Sie nur vier Akkorde in Ihrem Hofverlauf haben. Diese zusätzliche Dimension Off-Court Inversionen fügt unglaubliche Flexibilität hinzu und eröffnet Ihnen so viele Möglichkeiten. Lassen Sie mich dies demonstrieren, indem ich ein paar verschiedene Variationen aus der exakt gleichen Akkordprogression spiele . Das Einzige, was anders ist, sind die gekühlten Inversionen, die ich für jeden Akkord gewählt habe - Ja , toll. Und wie Sie bereits gelernt haben, ist die höchste Note von jedem Akkord das, was unsere Ohren am meisten aufnehmen und sich darauf konzentrieren. Das bedeutet, dass Sie jetzt gekühlte Inversionen verwenden können, um im Wesentlichen den Fokus von der Akkordprogression zu bestimmen . Im Wesentlichen bedeutet das, dass Sie tatsächlich eine eingebaute Milady innerhalb Ihrer Kernprogression gestalten können, indem Court Inversionen wählen, die dem entsprechen, Milady. Also, selbst wenn du noch keine Melodie in deinem Track hast, hast du die Macht, eine Milady zu erstellen in Court Inversionen auf kreative Weise in deinem Akkord Progression verwendet wird. Und wenn Sie diese mit Ihrem führenden Milady kombinieren, bedeutet dies, dass Ihr Hauptthema erstaunliche Fokus und Klarheit haben wird. Lassen Sie mich es Ihnen zeigen. Sagen wir mal, Sie haben eine Melodie, die so geht. Jetzt werde ich die Kraft der Akkord-Inversionen nutzen, um eine coole Progression zu schreiben, so dass jeder Akkord seine höchste Note hat wie diese Melodie-Linie. Hören Sie genau auf die Melodie in der Akkordprogression. Erstaunlich. Sie haben jetzt die unglaubliche Power Off-Court Inversionen gelernt, um den Fokus zu wählen, Ihr Hauptthema zu unterstützen, Variation hinzuzufügen und Ihre Musikgeschichte leistungsfähiger und interessanter zu machen. Lassen Sie uns Ihre Lernreise im nächsten Video fortsetzen. 12. Die Chord: Hey, Komponisten. Lassen Sie uns nun über gekühlte Stimme sprechen, weil Sie nur über Akkord-Inversionen lernen, die Ihnen gezeigt haben, dass kühle Progressionen selten oder einfache, gerade Blöcke in einer Sequenz. Stattdessen hat er oft viel Abwechslung vor sich. Eine solche Variante heißt Stimme Leading, und es ist sehr integriert in das Konzept der kalten Umkehrungen. Hier ist meine kurze Definition aus Stimme führende Stimme führt die Bewegung von den internen Stimmen, was bedeutet, dass alle Noten von jedem Akkord in der Progression ändert? Denn wenn wir noch einmal auf die Klaviertastatur schauen, wollen wir eine einfache, coole Progression wie C-Dur spielen . Wenn Major G-Dur und zurück Major Well zu sehen, wenn wir das Einkaufszentrum in Routenposition spielen, werden Sie hören, dass es irgendwie nervös klingt. Das liegt daran, dass die Intervalle, die Sie jede Note innerhalb des Court bewegen, wenn Sie Noten wechseln länger sind als es sein muss. Lassen Sie uns diese beiden mit Akkord-Inversionen vergleichen, um die kühle Progression glatter zu machen . Ich kann wählen, die Akkorde stattdessen so zu spielen, und wie Sie diese Geräusche so viel glatter gehört haben. Aber warum klingt es, Mutter, Mutter, Weil jeder Millo Niedergang, auch eine Stimme genannt klingt glatter, wenn Sie kürzere Intervalle spielen, was bedeutet, dass die Noten näher zusammen. Dieses Konzept gilt also eigentlich für Melodien für kalte Stimme Leading. Sie möchten oft Akkord-Inversionen so verwenden, dass Sie Ihre Handbewegungen minimieren, wenn Sie es auf Ihrem Klavier oder Keyboard spielen , um es einfacher zu spielen, aber vor allem, weil es viel glatter klingt. jedoch Dies istjedochkein Raum, und ehrlich gesagt, selbst wenn es waas, entscheide ich mich, es persönlich oft zu brechen, wenn ich Musik komponiere. Aber trotzdem ist es ein Konzept, das wichtig ist, darüber zu lernen, denn wenn man über Gerichte auf diese Weise nachdenkt , wie verschiedene Stimmen, die ineinander führen, beginnt man zu erkennen, dass Gerichte wirklich keine Blöcke sind Harmonien. Aber tatsächlich mehrere Millo Abgänge oder Stimmen spielten in einer Sequenz. Zur gleichen Zeit, Der beste Weg, um Stimme führen zu üben, meiner Meinung nach ist es, Ihre coolen Stimmen zu spielen, was bedeutet, die einzelnen Noten auf verschiedenen Instrumenten. Also habe ich eine Übungsaktivität für Sie jetzt zuerst erstellt coole Progression auf Ihrem Klavier oder Keyboard mit Onley Triad Akkorden, was bedeutet, drei Noten Akkorde plus eine zusätzliche Bassnote, indem Sie die Wurzel jedes Gerichts mit der linken Hand gespeichert spielen indem Sie diese Court-Progression mit Onley die Wurzelposition jedem Akkord so machen, dann üben Sie, diese kalte Progression zu arrangieren, indem Sie jede einzelne Stimme von jedem Akkord verwenden, gespielt auf einem anderen Instrument in Lassen Sie uns sagen, auf Orchester-Sektion, verwenden Sie die doppelte Basis spielen die Wurzel und die Chelios, Violen und Geigen spielen die Stimmen von der Triade Schnur. Also in Routenposition, würden Sie es so spielen. Die doppelte Basis spielen die hinzugefügt die Wurzel Note vor dem Platz, die Schüttelfrost spielen die Hauptroute. Beachten Sie die Bratschen spielen die dritte des Hofes und die Geigen spielen die fünfte. Nun, wenn man sich die Medien so anschaut, ist es noch deutlicher, dass Gerichte oder im Grunde verschiedene Stimmen in Harmonie miteinander spielen . Und jetzt die Fondsgeschäfte. Sie können Ihre kreative Freiheit als Komponist verwenden, um verschiedene Akkord-Inversionen zu wählen und entscheiden, welches der Saiteninstrumente oder ein anderes Instrument welche Stimme vor dem Platz spielen soll . Also mach voran und mache ein paar Inversionen und denke über die Stimme nach, die führend ist, wie du das tust. Sie werden nicht wirklich glatte Übergänge oder vielleicht wirklich sprunghafte Übergänge. Als nächstes können Sie einen Stick weiter gehen, wenn Sie möchten, und fügen Sie eine führende Note zu einigen Stimmen hinzu, kurz bevor das Kabel in das nächste Gericht in der Sequenz wechselt . Dies fügt mehr Fluss und Interesse zu Ihrer Kälteprogression wie diese. Nehmen wir an, Sie möchten von C nach F gehen. Das erste, was Sie tun können, ist eine Inversion zu verwenden, die den Abstand zwischen diesen Kernen minimiert . Also lassen Sie uns sagen, ich beginne mit Sian Root Position zu machen, wenn in der dritten Inversion zu gehen. Und am Ende des Meeres können Sie auch eine Vornotiz oder eine Passnote hinzufügen, damit sie noch besser ineinander fließen . So wie das hier. Herzlichen Glückwunsch. Ihr habt die Macht der Stimme gelernt , so dass verschiedene Stimmen von einem Akkord in den nächsten ineinander führen. Und Sie haben sogar gelernt, wie man sprachführende Töne zwischen den Kernänderungen hinzufügt, die Sie verwenden können, um den Übergang reibungsloser zu gestalten. Erstaunlich. Lassen Sie uns nun im nächsten Video fortfahren 13. Chord: Lassen Sie uns nun etwas über Akkord-Spielstile lernen, denn wie Sie jeden Akkord in Ihren Kernfortschritten spielen, ist Ihre kreative Wahl als Komponist, und es macht einen großen Unterschied. Also, was meine ich mit „Spielstil“? Nun, im Grunde, der interne Rhythmus und die Interaktion zwischen den Noten von der Schnur, die Stimmen in der Schnur, die einfachste und einfachste Art, einen Akkord zu spielen, heißt Blockakkorde. Es handelt sich im Grunde um ein großes Buch für jeden Akkord, in dem jede Note innerhalb des Hofes bis zum nächsten Akkord gehalten wird. In der Progression. Wenn Sie die Gerichtsblöcke Spielstil verwenden, verwenden Sie in der Regel eine Stimme, die mit einem führenden Ton vor dem Gericht ändern, um es aufzupeppen , keine und auch lange, niedrige Akkorde, die einen Ball verloren oder mehr brauchen einen anderen Weg zu machen es interessanter. Ausdruck und Bewegung. Deshalb wird dieser Buchkern Spielstil vor allem auf Streicher und Blechblasinstrumenten verwendet, weil sie so viel Kontrolle über den Ausdruck im anhaltenden Klang haben . Lassen Sie uns zum nächsten Spielstil oder Pidio übergehen. Es bedeutet gebrochener Akkord. Grundsätzlich bedeutet dies, dass die soliden Blocknoten aufgebrochen und in einer Sequenz abgespielt werden. Der Rhythmus der Pailletten und wie Sie zwischen den Noten im Court springen, liegt ganz Ihnen und eine super kraftvolle Möglichkeit, Interesse und einen rhythmischen Fluss in Ihren Akkordprogressionen hinzuzufügen . Nächste Spielweise, Ich nenne rhythmische Blöcke, weil es immer noch Buchplätze ist. Aber anstelle von langen Blöcken zwischen jedem Gericht wechseln, zerlegt man sie in kleinere Stücke und fügt geritten hinzu. Grundsätzlich ist das, was Sie gesagt haben, strumming ist, aber Sie können es auf jeder Art von Instrument tun, das Gerichte in einem kurzen, rhythmischen Stil spielen kann , zum Beispiel stecken Rindernoten auf Saiten, Brust- und Holzbläser. Dann haben wir den Spielstil, den ich Comping-Rhythmus nenne, im Grunde eine Mischung aus mehreren dieser anderen Stile zu einem einzigartigen rhythmischen Muster ist, meist auf Gitarre oder Klavier. Der konkurrierende Spielstil kann zum Beispiel zwischen einzelnen Noten, kurzen Blöcken, Juno's für Harmonie und Umschalten der Länge der Noten sein kurzen Blöcken, , alles um einen kompetitiven Rhythmus zu schaffen. Wie gesagt, das funktioniert besonders gut auf Klavier oder Gitarre, So haben Sie jetzt gelernt, dass der Spielstil bedeutet, Rhythmus und Interaktion zwischen den Noten oder Stimmen von jedem Akkord ist völlig frei von der Wahl, auch mit einem super einfachen Kernprogression, wie zum Beispiel, siehe Major F-Dur G-Dur und zurück, um Major zu sehen. Sie haben unbegrenzte Optionen aus, wie diese coole Progression klingen wird durch Crafting de Spielstil für jeden Akkord in der Progression. Probieren Sie nun diese verschiedenen Spielstile für Ihre Schnüre aus. Blockieren Sie Akkorde, die bis zum nächsten Gericht gehalten werden. Sehr ethnische Blöcke, was im Grunde das ist, was Gitarrenstrumming ist, oder Pidio, ist das, oder gebrochene Akkorde in einzelne Noten und kompensierenden Rhythmus , der eine Mischung aus diesen Dingen ist, inklusive Notenlängen, mit denen Sie Ihren Rhythmus erstellen können. Also viel Spaß beim Üben von Akkord-Spielstilen, und ich werde im nächsten Video auf dich warten. 14. Chord: Jetzt haben Sie bereits von Ihrer kreativen Abschaltung mit Spielstilen gelernt. Aber es gibt noch mehr Kraft in deinen Händen des Komponisten, weil du auch volle kreative Freiheit hast , wie lange jedes Gericht in der Sequenz gespielt wird. So können Sie für jedes Gericht in Ihrem Kernprogression wählen, ob es für ein Brett gespielt werden soll, um die Hälfte des Balls zu bohren oder sogar 1/4 Bowl die Länge jedes Akkord. Das Timing aus dem Gericht ändert sich. Diese Teile sind völlig frei für Sie in Ihren Musikkompositionen zu wählen. Der Punkt ist, dass es technisch gesehen die gleiche Akkordprogression ist, aber es klingt so sehr anders. Lassen Sie mich demonstrieren. Wenn wir die einfache C F G C Akkordprogression wieder nehmen, werde ich es erlauben, mit verschiedenen Längen jedes Akkords zu spielen. Natürlich wird dies auch bedeuten, dass die Dauer der kalten Progression länger oder kürzer sein kann, Aber das ist auch ein Teil des Punktes. Lasst uns jetzt zuhören. Hier ist eine sehr wichtige Lektion für Sie zu lernen. Ein häufiger Fehler, den viele neue Komponisten machen, ist, dass Onley Akkordwechsel jeden Ball hinzufügen. Warum sollten Sie sich so einschränken wollen? In der Tat würde ich Nein ermutigen. Ich fordere Sie auf, MAWR Akkordänderungen zu verwenden, weil es mehr Tiefe, mehr Variation undinfolgedessen eineninteressanteren und ansprechenderen Charakter in Ihrer Musik hinzufügen wird mehr Variation und infolgedessen einen . Herzlichen Glückwunsch. Du hast jetzt etwas über den coolen Progressionsrhythmus gelernt, was bedeutet, dass sich die Länge von jedem Akkord und das Timing deines Kerns in deinen Fortschritten ändert. Sie haben auch frei von den Ketten aus einer Bohrung Akkordwechsel gebrochen. Also geh weiter und übe, das interne Timing deiner Kernfortschritte zu ändern, und ich werde dich im nächsten Video sehen. 15. Diatonische Chords: Nun, natürlich, die Grundlage für Ihre kühlen Fortschritte basiert auf dem, was Sie wählen, um es in es zu legen . Und eine Sache, die Ihnen helfen kann, ist, über diatonische Akkorde, die Dia Torrey Courts oder alle Schnüre zu lernen , die Onley Noten aus der Skala verwendet, die Sie für Ihren Song gewählt haben . wir zum Beispiel an, wir verwenden die A-Neben-Skala, um Ihre Komposition in zu schreiben, na ja, diese Skala. Onley verwendet weiße Tasten auf Ihrer Tastatur. So werden die diatonischen Akkorde auch Onley Noten aus dem weißen Gehäuse verwenden. Jetzt hat eine Standard-Skala sieben Noten, plus das hinzugefügte Eichenband aus der Wurzelnote, um dieses Spiel mit zu beenden. Also, wenn ich alle weißen Tasten von A bis zu einer Oktave darüber so spiele, habe ich einfach die A-Moll-Skala gespielt, richtig? Nun, jede Taste, die ich gespielt habe, hat eine Zahl, die im Grunde ist es Platzierung innerhalb der Skala namens Skalengrad. Die Wurzelnote, die in diesem Fall eine ist, wird als die Next B aufgerufen wird, und so weiter bis zu sieben, was in diesem Fall G ist. Und dann endet die Skala mit der A eine Oktave über der Wurzelnote gut, um genau zu sein. In der Musiktheorie verwenden Sie römische Ziffern, um den Skalengrad jeder Note oder Akkord so anzugeben, diese alle sieben Grad außerhalb einer Standardskala in Musik. Und das bedeutet, dass Sie sieben diatonische Akkorde zur Auswahl haben. Wenn Sie all diese einfachen Triaden Akkorde verwenden, können Sie noch mehr erhalten, wenn Sie Ihre Kerne erweitern oder ihnen Farbe hinzufügen, indem Sie entweder Noten hinzufügen oder Noten innerhalb des Akkord ändern, indem Sie sie nach oben oder unten drücken. Also für die kleine Skala, die auf Lee White Fall verwendet wird, bekommst du diese diatonischen Triaden-Gerichte. Schauen wir uns diese Sequenz genau an, denn ich möchte, dass du dich gut daran erinnerst, warum? Nun, denn das Tolle an Skalenmustern und diatonischen Akkorden voller Skala ist, dass es für alle Tasten aus dem spezifischen Skalentyp gleich ist. Also für dieses Beispiel haben wir die natürliche Nebenskala in einem Also verwendet, wenn Sie Musik in dieser Skala komponieren, in einer anderen Taste, erhalten Sie die gleichen diatonischen Akkordpailletten, die gleiche Reihenfolge wie das Muster, das Sie hier sehen, was bedeutet, dass Sie einfach die Schlüssel aus dem gleichen Muster löschen und es stattdessen so machen können. Und dann nannten wir dieses Muster einfach natürliche, kleine diatonische Akkorde. Jetzt machen wir das Gleiche. Aber für alle großen Skalen, dann bekommen wir dieses diatonische Akkordmuster. Herzlichen Glückwunsch. Sie haben nun dieses Geheimnis ausgesehen, um Akkorde zu wählen, die für Ihre Komposition richtig klingen. Die diatonischen Akkorde. Natürlich die Reihenfolge der Gerichte eine große Rolle, und einige coole Änderungen werden immer natürlicher klingen als andere. Aber im Grunde können die diatonischen Akkorde ein großartiger Ausgangspunkt als Bank von Kurs zur Auswahl sein, wenn Ihre Akkordprogression erstellen, Ich möchte Ihnen einen letzten Bonus erweiterte Tipp als auch geben. Haben Sie bemerkt, dass sowohl der Typ der Nebenskala als auch der Hauptmaßstab einen verminderten Akkord im diatonischen Akkordmuster haben ? Nun, ich kann ehrlich sagen, dass verminderte Akkorde selten verwendet werden, vor allem weil sie das gefürchtete Try-Intervall innerhalb der Schnur haben, was sehr dissonant ist. Also, zu wissen, dass ich sagen würde, dass Sie sich hauptsächlich auf diese sechs anderen diatonischen Kerne konzentrieren können, als Ausgangspunkt in Ihren Akkordprogressionen. Und vergessen Sie nicht, Sie können auch Noten hinzufügen, um die Triaden Geschlechtsverkehr mit mehr als drei Noten zu erweitern oder ändern Noten innerhalb des Akkord, zum Beispiel, machen suspendiert. Cool. Lerne das wirklich. Ich habe noch eine Übungsaktivität für dich. Ich möchte, dass Sie diese diatonischen Gerichtsmuster sowohl für die Hauptskala als auch für die natürliche Nebenskala aufschreiben , denn das Aufschreiben von Dingen hilft dem Lernprozess. Aber nicht nur das. Ich wollte dann auf Ihre Notizen schauen, während er durch die Schnüre von jedem dieser Muster spielt . Nehmen wir an, Sie beginnen mit den diatonischen Akkorden im großen Maßstab. Nun, dann fangen Sie mit der Auswahl des Schlüssels an. Ich empfehle Ihnen, zuerst die C-Dur-Skala zu verwenden und dann jedes Dia abzuspielen. Tony kühlte sich von der Waage ab, ging hoch und ging dann runter. Dann wechseln Sie die Taste, verwenden aber den gleichen Maßstabstyp. Nehmen wir an, D-Dur, wählen Sie die diatonischen Akkorde von D-Dur mit der soeben erlernten diatonischen Akkordformel aus und spielen Sie sie in den Pailletten von 1 bis 7 und 7 zu 1 plus der Oktave, um die Skala zu lösen. Nachdem Sie dies für eine Weile praktiziert haben, fangen Sie an, Dinge zu mischen. Wechseln Sie zufällig oder kreativ zwischen den Grad außerhalb der Skala von 1 bis 62, vielleicht drei als fünf. Und so einer. Der Zweck dieser Übung ist es, dass Sie sich mit dem Klang und Charakter von den diatonischen Höfen der spezifischen Skala vertraut machen , aber auch einen Instinkt dafür entwickeln, wie verschiedene Akkordänderungen klingen, denn von 4 zu 1 hat eine völlig andere Emotion, als zum Beispiel von 3 zu 6 zu gehen. Das ist also der Klang aus dem Hauptskala Typ mit den diatonischen Akkorden. 141 1541 16451 und so eins. Üben Sie also so viele Optionen, wie Sie möchten, und stellen Sie sicher, dass Sie in allen Tasten außerhalb der Hauptskala sowie der natürlichen Nebenskala üben . Nachdem Sie diese Partie geübt haben, werden Sie feststellen, dass Sie vorher wissen, wie eine bestimmte Gerichtsänderung in Ihrem Akkordprogression klingen wird . Und das beschleunigt Ihren Kompositionsprozess und gibt Ihnen viel mehr kreative Freiheit und Kraft. Viel Spaß beim Entwickeln Ihrer diatonischen Akkorde und Akkordwechsel Instinkte, und ich werde Sie im nächsten Video sehen 16. Die 3 starken Chords: In Ordnung. Sie haben also etwas über die diatonischen Akkorde gelernt, und obwohl Sie nicht an sie gebunden sind, sind sie in der Tat ein guter Ausgangspunkt, um Ihre Akkordprogressionen zu schreiben. jedoch über das Konzept lernen, In diesem Video werden Siejedoch über das Konzept lernen,das ich die drei starken Akkorde in der Musik nenne , weil s Sie gelernt haben, haben Sie sieben diatonische Akkorde in seiner Skala, eine für jeden Skala Grad von 1 bis 7. Und er erfuhr auch, dass man für die Major Skala und die Moll-Skala einen verminderten Akkord als einen von den diatonischen Akkorden hat. Nun, dass man selten verwendet wird, was reduziert Ihre Optionen 26 Akkorde. - Natürlich. Ihr könnt den verminderten Hof eures Lichtes benutzen, weil ihr die Kontrolle habt. Als Komponist versuche ich nur, dir dabei zu helfen, ein Gefühl für die verschiedenen diatonischen Akkorde zu entwickeln. Nun, die drei starken Schnüre, alle Gerichte, die Sie am meisten benutzen werden, weil sie eine mathematische Beziehung in den Frequenzen von ihren Notenbildern haben , die sie im Grunde zusammenbinden. Diese Schnüre oder die Wurzelschnur, die eine der vierte Akkord und die fünfte aufgerufen der Skala in der Benennung von den Skalengraden aller Skalen. Diese werden Tonic genannt, die perfekte vierte und die perfekte fünfte. Das Tonic ist die harmonische Heimat Ihrer Musikkomposition auf dem perfekten vierten und perfekten fünften oder sehr an Ihr Tonic gebunden. Also, im Grunde, wenn Sie,sagen wir, Pope-Musik hören sagen wir, , gibt es Millionen von Tracks, die Onley diese drei starken Schnüre als Grundlage vor dem Gericht Progression in der Song. Eine Richtlinie, die Sie verwenden können, ist, diesen drei diatonischen Akkorden ein bisschen mehr Gewicht zu geben, wenn Sie Ihre Akkordprogressionen entwickeln, was bedeutet, dass Sie verwendet und häufiger als die anderen diatonischen Akkorde in Ihrer Musikkomposition . Also hier sind die drei starken Schnüre für die natürliche Moll-Skala nach links und die Haupt-Skala nach rechts bemerkt, dass der Minor Skala Typ hat alle drei starken Gerichte als Moll Akkorde auf der gegenüberliegenden für die Haupt-Skala Typ, wo die drei starken Schnüre sind alle wichtigen. Das ist in der Tat, was schafft den traurigen emotionalen Charakter aus der Minor Skala basiert Songs und erhebend, optimistisch, Klang von großen Skala basierte Songs. Lassen Sie mich dies demonstrieren, indem ich eine Akkordprogression mit Onley spiele, die drei Festungen zuerst mit der Minor Skala und dann mit der großen Fertigkeit, lassen Sie mich mit der A-Moll-Skala beginnen, wo die 1451 Progression so klingen wird. Die drei starken Kerne und nun lasst uns die eine volle 51 Akkordprogression die drei starken Akkorde auf der C-Dur-Skala spielen . Im Wesentlichen bildeten sie den harmonischen CenterPoint Ihrer Musikgeschichte. Sie können sich die 145 als die coole Familie vorstellen, die Mutter, Vater und Kind auf den anderen diatonischen Akkorden als Ihre besten Freunde, die coole Familie wird natürlich die meiste Zeit miteinander verbringen. Probieren Sie das selbst aus. Übe nun, diatonische Akkorde aus einer großen Skala zu spielen und mache dann die gleiche Übung in einer kleinen Skala und beachte, wie natürlich es sich anfühlt, den 145 Kurs in der Skala zu spielen . Aber manchmal wollen Sie auch Ihre Freunde sehen, auch Ihre Freunde sehen, also fügen Sie ein paar der anderen diatonischen Akkorde in Ihre Akkordprogression. Viel Spaß, lernen wird und ich werde Sie im nächsten Video sehen 17. Harmonie ist wie Beziehungen: Akkorde und Harmonien ist, was Tiefe in der Musik hinzufügen. Welche Art von Tiefe und emotionaler Ton ist Ihre Wahl als Komponist? Für jede Milady gibt es Millionen von Möglichkeiten für die harmonische Handlung, um sie zu unterstützen, d. h. die Schnüre, die Sie wählen, die Länge jedes Werben, die Progression und den Rhythmus und Spielstil jedes Akkords. Jetzt ist hier eine wirklich wichtige Lektion, die ich persönlich als einer dieser ah ha Momente gelernt habe. Hier ist, was ich Jahre in meiner Kompositionsreise realisiert habe, kühlt und Harmonien werden automatisch aus Beziehungen gebildet . Grundsätzlich bedeutet das, wenn Sie zwei oder mehr Stimmen haben, also melodische Linien, die verschiedene Teile gleichzeitig spielen , werden Sie es tun. Für eine harmonische Beziehung zwischen ihnen bedeutet dies, dass Kurs und Harmonien. Musik muss nicht von einem einzigen Instrument gespielt werden, wie zum Beispiel ein hoch kompensierendes Klavier. In der Tat werden Akkorde und Harmonien automatisch aus der Beziehung zwischen allen Ports gebildet in Ihrem Track spielen. Nehmen wir an, Sie haben eine Komposition in Ihrem D W aus Onley Software-Instrumenten, so dass Sie alle Medien-Notizen aus jedem Abschnitt betrachten können. Gleichzeitig wählen Sie einfach alle Anschlüsse aus und öffnen die Piano-Reihe. Und die meisten D A W sollten in der Lage sein, Ihnen die Medien von all diesen Ports in einem einzigen Piano-Zeilen-Editor wie diesem zu zeigen . Nun natürlich sollten Sie alle Drum und Perkussion Media Tracks ausschließen, weil diese bekannt sind, aufgeschlagen und können daher nicht für viele Harmonie. Aber wählen Sie alle anderen Tracks aus und schauen Sie dann sorgfältig in den Klavierraum, Ihre führende Melodie, Gegenmelodien, Klavier-Comping und Streicher spielen Buchschnüre. Jede Note von jedem Instrument summiert sich hier. Wo auch immer Sie den Spielkopf im Sequenzer platzieren, wenn Sie sich im Klavier befinden und sich alle Noten wie diese ansehen, ist das im Grunde die Abschürung dieses bestimmten Moments in Ihrer Komposition. Lassen Sie mich noch klarer sein. Deine Melodie, deine Gegenmelodie, die Tracks spielen Buchschnüre oder Arpeggios. Alles schafft eine Gesamtsumme in jedem Punkt Ihrer Komposition, und dass einige die harmonische Struktur aus diesem Moment ist, was die Schnur bedeutet. So schaue ich heutzutage alle Musik an, und ich finde diesen Standpunkt sehr befreiend und ermächtigend, weil er jetzt alles als individuelle Stimmen sehen kann , die Harmonien mit ihren Beziehungen schaffen. Es ist, als wäre deine Komposition wie ein Team. Sagen wir, eine Fußballmannschaft. Wenn du einen neuen Spieler einführst, der eine neue Stimme in deiner Komposition bedeutet, wird das Team ein anderes Ergebnis sein. Ihre Beziehungen werden automatisch gebildet, weil das die Essenz eines Teams ist. Jeder spielt seine Rolle, aber das Endergebnis wird immer über dem gesamten Team liegen. Denken Sie also in diesen Begriffen, wenn Sie Ihre Musik, Melodien, Harmonien, Gericht und jede Spielweise aus, diese Elemente bilden automatisch ein Team aus den Beziehungen zwischen ihnen. Und diese Beziehungen ändern sich im Laufe der Zeit in deiner Komposition, genau wie die Platzierung auf dem Feld vor allen Teamspielern während eines Spiels. Nun, schließlich, Ich empfehle, dass Sie tief in dieser Perspektive und Sinn für Beziehungen in der Musik, indem Sie in verschiedene Kompositionen, die Sie erstellt haben, gehen und loben den Spielkopf im Sequenzer in verschiedenen Ports in Ihrem verfolgen, als zu analysieren, welche Notizen oder in diesem Moment vorhanden sind. Welche Schnur bilden diese Beziehungen an jedem der Stellen in Ihrer Komposition? Auch hier geht es bei allen Harmonien in der Musik um Beziehungen zwischen den Noten in jedem einzelnen Moment in deiner Musikgeschichte. Stellen Sie also sicher, dass Sie diese wirklich auswendig lernen, und ich werde Sie im nächsten Video sehen 18. Leitlinie 1 Chord vs Chord: Richtlinie 1 Courts gegen Milady Factor, da Sie bereits alle melodischen Stimmen aus all Ihren Instrumenten gelernt haben oder was den aktuellen Akkord an einem bestimmten Punkt Ihrer Musikkomposition erzeugt . Dies erfolgt automatisch durch die Beziehung aus allen Intervallen zwischen den Noten. Nun, wenn Sie eine Akkordprogression auf beispielsweise Klavier spielen beispielsweise , ändern Sie normalerweise die Akkorde zu langsam, damit die inneren Stimmen der Gerichte als Melodie aufgenommen werden . Wie Sie aus diesem Beispiel hören können, die übliche Art, den Kurs in der Musik zu betrachten, im Grunde wie eine harmonische Grundlage, ein Rahmen für Ihre Geschichte. jedoch Wenn Siejedochsehr oft Akkorde wechseln, wie fast jede Viertelnote, wird sich Ihre Court-Progression eher wie Kontrapunktharmonie anfühlen, was bedeutet, dass mehrere einzelne melodische Linien zusammen gespielt werden. In diesem Beispiel habe ich sehr oft Schnüre gewechselt, was in der Tat Melo Rückgänge innerhalb der Akkordprogression erzeugt. Lassen Sie uns zuerst zuhören, so dass die Kopfnote jedes Akkords immer im Fokus steht. Die Melodie, die du am meisten hörst, ist diese. Aber wenn man genau zuhört, hört man hier eine weitere melodische Linie und vielleicht auch diese. Uh, und in der Tat hier in der Kabine, äh, der Unterschied zwischen dieser harmonischen Grundmethode, Kurs in fast Kontrapunktharmonie zu verwenden , ist das, was ich die Schnüre versus Melodie-Faktor nenne. Und Sie können diesen Faktor zu Ihrem Vorteil nutzen, um Ihrer führenden Melodie noch mehr Unterstützung zu verleihen . Denn jedes Mal, wenn eine Notiz in Ihrem Court sogar eine einzige Stimme wechselt, ist sie wie ein Mikroakzent, und dieser Mikro-Akzent kann Ihre Milady unterstützen. Wenn Sie geistig ändert sich die Note zur exakt gleichen Zeit als auch. Wenn Sie die gesamte Schnur wechseln, ist das noch öfter Akzent. Jetzt fängst du an zu sehen, was du hier tun kannst? Sie können Ihre Akkordwechsel und Stimme in den Kordeln verwenden, um Ihre führenden Melodien, Haken, Motive und Riffs zu betonen und zu unterstützen Ihre führenden Melodien, Haken, Haken, , besonders wenn Sie Sprachführung verwenden, die eine Stimme in der Schnur zum gleichen nimmt Notiz als Melodie. Also, im Grunde, indem Sie Akkorde öfter ändern, bekommen Sie mehr in das Reich der Kontrapunktharmonie in Ihrer kalten Progression, und dies wird mehr Unterstützung für Ihre führende Melodie. Probieren Sie das jetzt selbst aus, rechts eine Melodie-Linie von vier Bohrungen, dann zuerst Werbekabel, die jede Bohrung verändern. Als nächstes versuchen Sie, Gerichtsänderungen dazwischen hinzuzufügen, und wenn Sie es verwalten können, gehen Sie noch weiter und versuchen Sie, Akkorde jedes Quartal zu ändern. Beachten Sie auch. Hier ist ein Tipp für Sie. Eine coole Abwechslung muss kein ganz anderer Akkord sein. Veränderte Schnüre und verlängerte Akkorde waren oft auch toll, wie gehen von einer Triade zu einem Add sechs Akkord oder suspendierte Akkord, vielleicht 1/7 Akkord. Und so einer. In der Tat werden Sie feststellen, dass diese Kordelfarben oft stärker sind als zusätzliche Unterstützung für Ihre führende Melodie als völlig neue Gerichte, weil Sie oft nur eine einzige Stimme von der Schnur wechseln müssen, und dass Stimme kann dann auf die Melodie Note gehen. Viel Glück und ich werde Sie im nächsten Video sehen. 19. Leitlinie 2 Mood vs Action: Richtschnur für die Stimmung im Vergleich zum Aktionsfaktor außer dem Tempo. Was die Energie und Wirkung Ihrer Musik, Rhythmus und Rhythmus entscheidet , muss nicht Trommeln und Percussion sein. In der Tat, wenn Sie darüber nachdenken, hat jedes einzelne Instrument und jeder Ton in Ihrer Musik automatisch einen Rhythmus eingebaut, denn Rhythmus ist einfach ein Muster in der Zeit und jede Note und jeder Ton als Anfang, Dauer und Ende. So gibt ein Basie Rhythmus mehr Action und Energie Vibe. Und ein sehr langsamer, einfacher Rhythmus wird Ihre Musik mehr auf Stimmung und Stimmung konzentrieren. Grundsätzlich können Sie sich das so vorstellen. Wenn du, sagen wir, vier Kugeln von deiner Musikkomposition nimmst und jede einzelne Note zählt , alle Instrumente ausgeschaltet und zu einer Gesamtzahl addiert. Je höher diese Zahl, desto mehr Aktion und Energie wird dieser Abschnitt haben und umgekehrt. Für coole Progressionen bedeutet das, dass mehr Akkorde in einen Abschnitt hinzugefügt werden, mehr umworbeneÄnderungen bedeutet umworbene , die dadurch , die dadurchIhrem Track mehr Antrieb und Energie geben, zumindest in den Gerichtshäfen. Hier ist ein Tipp, den Sie nicht brauchen, um das Kabel oder die Stimme zu wechseln, um Energie hinzuzufügen. Einfach in einen Rhythmus schneiden funktioniert genauso gut. Denken Sie an eine Gitarre, schlagen Sie einmal einen Akkord und lassen Sie ihn gegen eine Gitarre klingeln, einen Akkord in einem schnellen Muster. Warum nenne ich das also den Stimmungsfaktor gegen den Aktionsfaktor? Nun, weil es wie eine Skala von 0 bis 10 0 ist, die absolut minimal ist. Aktion und Energie, die im Grunde Onley Fokus auf Stimmung und 10 ist super rhythmische Action-Vibe, die viele Gericht Änderungen ist. Sehr rhythmisch Weg, um Ihre Schnüre zu spielen. Nehmen wir an, Sie möchten für ein minimales Gefühl, das sich auf die Stimmung konzentriert. Nun, verwenden Sie lange, anhaltende Kurs wie diesen, und wenn Sie ein bisschen mehr Fluss in sie hinzufügen wollen, können Sie eine glatte Stimme führen, nur ändern ein paar der Stimmen des Gerichts so. Und je mehr Stimme ändert und Rhythmus Sie in Ihre Gerichte in Ihrem Fortschritt hinzufügen, die mawr Aktion und Energie Im Vergleich zu Stimmung, lassen Sie mich Ihnen ein Beispiel für viel Action und Energie zeigen. Jetzt ist die Stimmung versus Action-Faktor nicht auf Tonhöhe angewiesen. Es stützt sich auf Rhythmus. Wie viele Notenänderungen Reihenfolge, auch wenn sich die Noten einfach wiederholen. - Natürlich. Sie müssen es auch mit Ihren Trommeln und Perkussion sichern. Wenn Sie wirklich wollen, um Looks off Energie und Action in Ihre Komposition jetzt hinzufügen, oft wollen Sie das nicht, sondern lieber ein glattes Bett aus Musik auf unter der Schule Musik, die hauptsächlich auf Stimmung konzentriert ist . Dann lassen Sie Ihre Schnüre länger halten. Konzentrieren Sie sich auf Court Inversionen, die glattere Stimme führende Bedeutung schaffen die Stimmen näher beieinander haben. Oft können Sie über einen Balkendatensatz hinausgehen. In diesem Fall, - Sie können Siees mit einem weichen Pad oder Drohne auf einer einzigen Note sichern, die in einem längeren Abschnitt Ihres Tracks gehalten wird , vielleicht fügen Sie einige atmosphärische Klänge und Texturen hinzu. Du bekommst den Punkt hier. Das nenne ich den Stimmungsfaktor gegen den Aktionsfaktor. Wie oft wechseln Sie die Schnüre oder ändern Sie einfach nur eine Stimme innerhalb des Platzes? Fügen Sie Bewegung hinzu und wie viel Rhythmus fügen Sie Ihrer Komposition hinzu? Üben Sie dies also, indem Sie zuerst eine Unterstrich-Typ-Kaltprogression erstellen, die vollständig auf die Stimmung ausgerichtet ist und dann aufschneiden. ADM. Oder kühle Veränderungen Rhythmus in der Maishafer interne Bewegung von den Stimmen innerhalb des Platzes und was auch immer Sie möchten, um Ihren Anruf Fortschritt mehr konzentriert auf Aktion und Energie. Viel Spaß beim Üben dieser, und ich werde Sie im nächsten Video sehen. 20. Leitlinie 3 Stabilität und den Faktor des Stability: -Richtlinie. Drei. Stabilität vs Flow Factor Courts haben die Fähigkeit, Ihre Musik stabil, edel und voll von Autorität zu fühlen , oder gehen Sie in die andere Richtung und lassen Sie Ihre Komposition fließen wie ein Fluss. Eine der wichtigsten Möglichkeiten, diese Stabilität vs. Grippefaktor zu kontrollieren oder entweder durch die Verwendung von großen stabilen Büchern im Vergleich zu laufenden Schnurnotizen. Und indem ich Cornell's betreibe, beziehe ich mich auf Orp Agios, was kaputte Akkorde in und oder pidio den Maishafer oder zerbrochen und gespielt eins nach dem anderen in einer fließenden Sequenz. Das Abordnen der Noten und der Rhythmus dieser fließenden Sequenz liegt bei Ihnen als Komponist. Ich finde, dass die Verwendung von Arpeggios auch eine gute Möglichkeit sein kann, Ihre Akkorde mit posierenden Tönen und führenden Tönen zu würzen , was Zehen außerhalb Ihrer Schnur bedeutet, die kurz als eine Art Übergang gespielt werden oder hinzugefügt verachten. Lassen Sie mich Ihnen zeigen, was ich meine. Also für die oder Mitleid, dass ich nur für dich gespielt habe. Ich benutzte zuerst die C-Mind Record so, und dann ging ich Teoh e Flat Dur, wie diese Tante. Hier fange ich an, Voranschläge wie diese hinzuzufügen, diese, die nicht im Hauptgericht ist. Es macht es tatsächlich in den siebten und dann These Teil des Gerichts. Aber dann hatte ich diese beiden. Bevor ich wieder runtergehe und es zu einem B-Dur mache, weißt du, und ich werde es tun. Wenn Sie Akkorde spielen, die Grippe wie diese, empfehle ich, dass Sie Instrumente verwenden, die kurze Sounds in einem Staccato oder Placke Stil spielen können , zum Beispiel Klaviere oder dankbar oder Pedale. Aber wenn Sie schneller gehen wollen als,sagen wir, sagen wir, acht Noten Klaviere, Geschäfte zu kämpfen, weil die Noten sind nicht kurz genug und es beginnt, ein bisschen schlammige Orchestersaiten spielen eine kurze Note. Artikulation funktioniert großartig. Und natürlich natürlich auf Synthesizern. Sie haben die volle Kontrolle über die Länge des Klangs, so dass Sie kristallklare, plucky Sounds für schnelle oder Tauben erhalten können. Lassen Sie mich Ihnen zeigen, wie ich ein schnelles ORP-Radio auf Staccato-Streichern spiele. Hier ist ein Tipp für Sie. Sie müssen Ihre Schnüre nicht in alle einzelnen Noten aufteilen, wenn Sie ein Arpeggio spielen. Sie können auch einige Teile verwenden, die zwei Noten gleichzeitig abspielen, oder? Sie können auch Ihre lange anhaltende Blockakkorde mit Stimme führen mit kleinen Teaser aufpeppen , oft Arpeggio wie diese, Zum Beispiel, Uh, so im Grunde, die Stabilität vs Fluss Faktor hängt davon ab, wie viel Stabilität in lang anhaltenden Blöcken. Welches ist der niedrigere Bericht von der Skala A, der das mehr oder Peggy gesteuerte Gefühl und Fluss Ihrer Gerichte durch die Verwendung, wie, sagen wir, oder so etwas. Gehen Sie nun vor und üben Sie den Stabilitäts-vs-Fließfaktor. Machen Sie Ihre eigenen Arpeggios und probieren Sie sie auf verschiedenen Instrumenten wie Klavier, Staccato Streicher und so weiter aus , und ich werde Sie im nächsten Video sehen. 21. Leitlinie 4 gegen unten Factor: Richtlinie für Aufwärts- und Abwärtsfaktor. Sie können Gerichte verwenden, um Energie zu bauen, indem Sie umwerfende Versionen und Sprachführung verwenden, die in der Tonhöhe nach oben gehen . Oder Sie können das Gegenteil tun, um das Energieniveau zu senken, indem Sie einfach das Gegenteil tun. Es geht einfach darum, in Ihren Medien-Editor, auch Pierrot genannt, auch Pierrot genannt und die allgemeine Richtung in der Tonhöhe für Ihre Kernprogression zu steuern. Wenn diese Richtung nach oben geht, wird es Energie und Vorfreude bauen, was zum Beispielin Übergängen in die Coors oder einen anderen mächtigen Abschnitt Ihrer Strecke großartig funktioniert zum Beispiel . Also lassen Sie mich Ihnen ein Beispiel zeigen, gehen Sie nach oben in Richtung mit den Schnüren zum Höhepunkt und beenden Sie diese Komposition. Und wenn Sie die Richtung in Ihrem Kernprogression wählen, die sinkt, wird es das Energieniveau zu einem entspannteren Gefühl bringen. Fast wie dein Held. Nachdem er seinen großen geworfenen erreicht hat, ist er wieder auf dem Weg nach Hause. Natürlich gibt es so viele Möglichkeiten für die Richtungen Ihrer Schnüre. Sie können sie in einer geraden Linie gehen lassen, oder Sie können herumspringen und die Richtung wechseln, was Abstieg über Angst und Kenias eine Aktion hinzufügen kann, aber der Aufwärts-von-Down-Faktor ist einer meiner persönlichen Favoriten, speziell für Übergänge in neue Abschnitte deines Tracks. Energie in einem Chor oder einem Kraftteil aufzubauen oder deinen Helden am Ende deines Tracks nach Hause zu bringen, lass mich zeigen, wie groß der Effekt aus der Richtung deines Kernfortschritts ist. Lassen Sie mich Ihnen zunächst ein Beispiel zeigen, wo ich den Fluss und die Energie von der kühlen Progression nach unten bringe , indem ich die kühle Progression in einer Abwärtsrichtung nehme. Momentum. bringe deinen Helden so zurück nach Hause. Lasst uns nun den Helden wieder auf ein Abenteuer bringen, indem wir in eurem Kernprogression so nach oben gehen . Probieren Sie das jetzt selbst aus und erstellen Sie Akkordprogression. Nehmen wir an, acht Takte lang, wobei jedes Gericht eine halbe Stange lang ist , dann gehen Sie in die Pianorolle und verwenden Sie Transposing in Oktaven auf ausgewählten und Schnurnoten, um den gesamten kühlen Verlauf in der Tonhöhe nach oben geneigt zu machen . Spüren Sie die Power-Off-Richtung in Ihren Kabeln, die Energie, Spannung und Vorfreude. Dann mach das Gegenteil. Machen Sie die Richtung nach unten, experimentieren Sie so viel wie Sie möchten, und dann beginnen Sie mit dieser Richtung Technik in Ihren eigenen Musikkompositionen verwenden Sie die Energie aus der Aufwärts- und Abwärtsfaktor. Erstaunlich. Lassen Sie uns nun im nächsten Video fortfahren 22. Leitfaden für die Übergänge: Richtlinie. Fünf kühlt für Übergänge. Übergänge zwischen Abschnitten in deiner Musik sind eines der Dinge, mit denen alle Komponisten kämpfen, wenn sie ihr Handwerk lernen und verbessern. Verwendung von Füllungen Rose Syncopation auf andere Techniken auf Rhythmus und Perkussion ist eine der besten Möglichkeiten, um gute Übergänge zu erstellen. Aber Schnüre können auch mit großer Wirkung verwendet werden. Sie lernen nur, wie Sie die gekühlte Richtung für Übergänge verwenden. Nun, eine andere Möglichkeit besteht darin, Passnotizen oder führende Notizen in Ihren Schnüren zu verwenden. Dies sind Kredite in Ihren Kabeln, die am Ende von der spezifischen Schnur verwendet werden, bevor der Wechsel in das neue Gericht, oft durch einfaches Ändern oder Hinzufügen einer Stimme Ihres Kabels im letzten Quartal verwendet werden. Notieren oder sogar achte Noten vor der nächsten Gerichtsänderung. Lassen Sie mich Ihnen zeigen, was ich meine. Nehmen wir an, Sie haben eine einfache Akkordprogression wie diese D g e a. On. Dann werden Sie mit D in Oktave auflösen, höher für den neuen Abschnitt , , zum Beispiel Ihr Kurs sein könnte. Also, anstatt einfach direkt von der A gehen, versuchen Sie es heute können Sie eine Posing Notizen hinzufügen. Also hier haben wir das A in Routenposition ausprobiert. Schauen wir uns diese Notiz an, die im Grunde zu einer Sieben auf DA macht. Das funktioniert wirklich großartig, weil es auf Lee ist. Sie haben von dieser Note, die ist, in der d-Akkord erscheinen so, was macht es noch besser wegen der zusätzlichen Aufmerksamkeit von der halben Schritt gibt lösen. In der Sequenz kann es so klingen. Eine weitere gute Möglichkeit, Gerichte zu nutzen, um bei Übergängen zu helfen, ist die Verwendung des internen Rhythmus oder des Spielstils der Schnüre in der Musik. Wenn Sie in einen neuen Abschnitt Ihres Tracks übergehen, möchten Sie den Hörer darauf hinweisen, dass etwas Neues passieren wird. Es ist wie in einem Film, wenn sich die Musik ändert, vielleicht werden die Kamerawinkel anders, und so und Sie wissen, dass etwas kommt. Sie können das gleiche mit Ihren coolen Fortschritten und Spielstil in Ihrer Musik tun, um Ihre Übergänge klarer zu machen . Im Grunde, nur indem Sie den Fluss brechen, sagen Sie dem Zuhörer, dass es etwas ist, das Sie kommen werden. Also, wenn du cool bist, spielte die Progression auf rhythmische Art und Weise. Sie können zum Beispiel, dass der letzte Balken vor dem Übergangspunkt B eine lange anhaltende Akkord, oder umgekehrt. Also, wenn wir uns dieses Beispiel hier anhören, hören wir zuerst einen rhythmischen Fluss hier. Und dann fangen die Gerichte an, einen völlig anderen Fluss im Übergangshafen hier zu spielen , um den Hörer für den neuen Abschnitt vorzubereiten, Lasst uns ein Hören nehmen. Eine andere Möglichkeit besteht darin, Schnüre zu verwenden, um eine Trommelrolle zu imitieren, indem sie einen geraden Rhythmus mit den Schnüren spielen . Und Sie können dann dynamische Ausdrucks- und Geschwindigkeitswerte verwenden, um diese gekühlte Rolle Energie bis zum Übergangspunkt aufbauen zu lassen. Also lassen Sie mich Ihnen ein kurzes Beispiel für die Verwendung dieser Technik zeigen und natürlich. Einer der mächtigsten Aspekte der Musik ist immer auch eine Option. Stille. Also im Grunde einfach keine Schnur in dieser letzten Bohrung vor dem Übergang in sagen wir Ihr Chor wird Ihren Übergang stärker im Gegensatz zu machen. Lassen Sie mich Ihnen ein Beispiel für die Verwendung von Stille im Übergangshafen zu Aufmerksamkeit und Vorfreude zeigen. Wie Sie von all diesen gedämpften Ports hier sehen können, einschließlich der Akkordprogression hier, lassen Sie uns ein Hören, so wie Sie Schnüre oder super leistungsstark für Ihre Übergänge sehen können . Probieren Sie es jetzt selbst aus. Experimentieren Sie mit Änderungen in Ihren Gerichten und Spielstil in diesen letzten Momenten vor einem Übergang, Kopfhörer und ich werde Sie im nächsten Video sehen. 23. Leitlinie 6-Ausdruck für deine Bewegung: -Richtlinie. Sechs. Ausdruck für Emotion Einer der erstaunlichsten Aspekte der Musik ist die Emotion von Dynamik , Bewegung und Bewegung innerhalb der Noten und für Gerichte. Diese können einen großen Unterschied machen, besonders wenn Sie große Buchakkorde auf Saiten verwenden. Brass, etc., Waise mit langen, anhaltenden Sounds auf Software-Instrumenten, können Sie die Dynamik mit dem Mudville auf Ihrer Media-Tastatur steuern. Sie können Rundenausdruck zu einem Atemregler wie diesem. Ein Atemregler ist ein Gerät, in das Sie Luft blasen, und je mehr Luftdruck er einen höheren Wert erhält, sendet er an Ihr Software-Instrument Wie Sie sehen können, ist ein großer Vorteil davon, dass beide Hände immer noch frei sind zu spielen die Medien. Halten Sie ein Expression-Pedal, einen Schieberegler oder keinen Knochen, Ihr Midi-Keyboard oder was auch immer Sie bevorzugen. Aber wenn Sie es vorziehen, können Sie natürlich in die Automatisierungsdaten für Ihre Software-Instrumente gehen und manuell direkt im Ausdruck der Luftfahrt mit Ihrer Computermaus und Tastatur. In der Tat, selbst wenn Sie Automatisierung mit einem Media Key Border Controller aufzeichnen, ist es oft gut, die Automatisierungsdaten anzupassen. Stellen Sie sich das fast als Qantas Station vor und korrigieren Sie die Reifennotizen. Aber in diesem Fall ist es für die Ausdrucksdaten. Nun ist die gängigste Möglichkeit, Variation in der Dynamik hinzuzufügen, mit den fleischigen Geschwindigkeitswerten jeder Note. Nehmen wir an, Sie haben eine kurze kleine Akkordprogression wie diesen aufgezeichnet, und jetzt möchten Sie manuell Ausdrucksdaten dafür eintragen. Also müssen Sie zuerst in den Pianorolle-Editor gehen. Dann müssen Sie die Automatisierungsspur in der Logik öffnen. Sie klicken auf eine auf Ihrer Computer-Tastatur, und hier haben wir die Automatisierungsspur und hier können wir wählen, welche Parameter Sie in Automatisierungsdaten schreiben werden. Für In diesem Fall haben wir ein Saiteninstrument, das die Dynamik auf dem gemäßigten Willen steuert. Also, wenn wir hier klicken Ihre einfache wählen Modulation, die das Modulationsrad ist, und jetzt können Sie den Stift verwenden, um in die Automatisierungsdaten wie folgt zu schreiben. Also wollten Sie hier in der Dynamik fahren und dann so runter gehen und jetzt wird es so klingen, als wäre diese Variante der Schlüssel in der Musik. Es gilt für alles. Die Noten, die Sie verwendet haben, das Timing jeder Note, der Tempel , die Schnüre und natürlich Ausdruck und Dynamik. Ohne dynamische Variation klingt die Musik flach, statisch und langweilig. Lassen Sie mich Ihnen den Unterschied zwischen einer coolen Progression auf Klavier zeigen, mit echter Variation von mir, die den Port auf meinem digitalen Klavier hier wieder aufnehmen. Verglichen mit der gleichen Leistung, wenn ich allein die Noten mit der gleichen Geschwindigkeit sitze, ist der Unterschied wie Nacht und Tag. Also die beiden wichtigsten Möglichkeiten, Ausdruck für emotionale Wirkung in Ihre Schnüre hinzuzufügen oder dynamische Variation im Angriff von den Noten von Medien Geschwindigkeitswerte und dynamische Variation in der Sustain off. Die Noten aus dynamischen Ausdrucksdaten oft dem Modus real zugeordnet, können aber auch frei auf einen anderen Schieberegler, edlen oder sogar einen Atemregler zugeordnet frei auf einen anderen Schieberegler, werden. Gehen Sie jetzt vor und üben Sie dies und versuchen Sie, sich die Gewohnheit zu machen, dynamische Variation und Ausdruck in alle Teile Ihrer Musik hinzuzufügen . Und wenn du dich bereit fühlst, lass uns im nächsten Video fortfahren 24. Richtlinien 7-Einfachheit ist mächtig: Richtlinie. Sieben. Einfachheit ist mächtig. Ich habe es gesagt, ich habe meine Musikkompositionskurse wiederholt. Wie Sie die Noten spielen, hat mehr Auswirkungen als die Noten, die Sie spielen, und es ist das gleiche mit Ihren Akkorden. In der Tat können Sie nur drei oder vier Kurse in Ihrer gesamten Komposition verwenden und trotzdem den Klang jedes Abschnitts auf Ihrer gesamten Komposition anders machen . Einzigartig. Wie ist das möglich? Nun, denk darüber nach. Fast alle moderne populäre Musik kommt damit zurecht, und der Grund basiert auf genau dem, was ich gerade gesagt habe, wie man zuerst die Gerichte spielt. Die Sequenz, natürlich, dann die Länge und internen Rhythmus von der Court-Progression und, am wichtigsten ist, wie Sie spielen jede Stimme der Schnur, die in zwei verschiedenen Instrumenten angeordnet werden kann, haben einen anderen Rhythmus. Und so jetzt ist Einfachheit mächtig, und Sie haben bereits von ihren drei Festungen gelernt, die eine vor und die fünf in der Skala Ihres Liedes. Diese Skala Grad an den Schnüren, die ihnen entsprechen, haben eine mathematische Beziehung , die sie im Grunde zu einer Familie von der Skala und Schlüssel, die Sie gewählt haben, macht. Deshalb nenne ich sie die drei starken Schnüre. Wenn Sie analysieren, welche Schulen für alle Kompositionen verwendet werden. Jede schriftliche finden Sie, dass die 14 und fünf oder vier die am häufigsten verwendeten. Selbst wenn Sie also Orchester-, Kino- oder Experimental-Rock schreiben , oder was jeder Stil Sie wollen, sollten Sie sich immer bewusst sein, aus dem erstaunlichen Pool, das diese drei starken Schnüre für Ihre Zuhörer hat . Vermeiden Sie sie also nicht einfach, weil Sie hassen, dass moderne Popmusik verwendet. Grundsätzlich, Onley. Diese Schnüre umarmen sie und vor allem in Ihren Kernen oder großen, leistungsstarken Abschnitten Ihrer Musik. Sie haben so viele Möglichkeiten, den Strom aus den drei starken Kernen zu nutzen. Eins. Sie können diese starken Kerne von einfachen Triaden bis zum 7. 9. erweitern und so kann man sie zum Beispielin suspendierte Viertel oder hängende zweite Schnüre und drei ändern sie zum Beispielin zum Beispiel . Sie können natürlich immer coole Inversionen verwenden, um die Court-Progression der Handlung Ihrer Musikkomposition und voll zu gestalten . Natürlich spielen sie Stil jedes Akkord, der interne Rhythmus jeder Stimme, die Dynamik jeder Note. Dies ist die wahre Abschaltung von Musik, wie Sie die Noten abspielen. Nehmen wir an, Sie haben eine super einfache namens Progression, gehen 145 und dann zurück zu einem. Machen wir das zuerst in C-Dur, äh, also ist das der einfachste Weg, diese Kernprogression zu spielen. Lange anhaltende Blockgerichte jeweils in Routenposition, die, ehrlich gesagt, sehr langweilig ist. Aber Sie haben fast unbegrenzte Möglichkeiten, diese Akkorde und jede Stimme in ihnen zu spielen. Lassen Sie mich Ihnen kurz ein paar Beispiele zeigen. Fügen Sie etwas Rhythmus und führende Noten hinzu, wie diese, äh, Platte. Wie ein Arpeggio wie diese gleiche Kernprogression, aber eine völlig andere Art, es zu spielen. Sie können es in wahrscheinlicher comping rhythmischen Stil wie diese spielen, und die Entscheidungen gehen weiter, vor allem, wenn Sie kombinieren viele verschiedene Spielstile und mischen sie zusammen. Die Hauptlektion hier ist also, dass Einfachheit in der Musik mächtig ist und dass man so unglaublich viel mit nur den drei starken Schnüren als Grundlage machen kann. Erinnern Sie sich an diese drei Akkorde oder den coolen Off fast jede Komposition, die jemals Die eine, die Vier und die Fünf. Es ist wie eine Familie. Eins und Fünf haben die meiste Kraft in aller Musik. Sie sind wie die Eltern auf den vier ist wie ihr Kind. Manchmal laden sie Freunde in ihre Heimat ein, das sind die anderen diatonischen Akkorde. Manchmal gehen sie auf Reisen auf Aktivitäten, die wie verlängerte Tür veränderte Schnüre sind. Aber sie bleiben immer ihren kühlen Familienwerten treu, was wiederum die wesentliche Form ist, die Triade der 14 und Fünf. Jetzt können Sie die Power Off Einfachheit üben, indem Sie eine Komposition komplett mit den 14 und fünf Akkorden aus jeder Skala und Taste Ihrer Wahl erstellen. Sie werden bald selbst herausfinden, dass es immer noch eine unendliche Anzahl von Variationen gibt. Wenn Sie die, wie Sie spielen Faktor und die Farben aus diesen drei starken Schnüren, so viel Spaß, und ich werde Sie im nächsten Video sehen. 25. Richtlinien 8 Geschlossenen vs offenen Chords: -Richtlinie. Acht Geschlossene gegen offene Kerne. Sie haben bereits über die Abschaltakkord-Umkehrungen gelernt, aber es gibt eine andere Möglichkeit, Variation, Tiefe und Raum hinzuzufügen . Und das ist, indem man die Schnüre öffnet, was bedeutet, dass man die Noten buchstäblich ausräumt. Denn mit aufgerufenen Inversionen spielst du immer noch die Noten des Akkords ohne Lücke zwischen ihnen. Nun, natürlich haben Sie Notizen zwischen ihnen, aber nicht eine der Notizen vor dem Gericht selbst. Lassen Sie mich Ihnen also den Unterschied zwischen geschlossenen Gerichten und offenem Kurs zeigen. Nehmen wir eine einfache Schnur wie die C-Dur. Probieren Sie es aus. Siehst du, das sind die Notizen in diesem Gericht. Und wie Sie sehen können, gibt es keine C, e oder G zwischen diesen Noten auf Wenn ich eine Inversion davon wie wählen, sagen wir, ich nehme diese g eine Oktave unten, es gibt immer noch keine ce Orgie zwischen einem dieser Donuts . Ich könnte eine weitere Inversion verwenden, indem ich mit diesem e zu diesem s o. Dies sind alle möglichen Kombinationen von C E und G eingeschlossen Position der Wurzelposition Donnerstag Mission krankhafte Version. Aber Sie können ADM oder Farben, indem Sie die Notizen ausbreiten. Also lassen Sie uns sagen, diese Fortsetzung haben. Jetzt, anstatt einfach eine Umkehrung zu verwenden, können Sie die Schnur öffnen, damit Sie hier das Meer spielen können, aber nicht, um diese zu benutzen. Es wird das G hier auf der dritten oben das hier verwendet, das ist immer noch ein C-Dur Triade Akkorde. Aber in offener Position, Sie können es noch weiter öffnen,sagen wir, sagen wir, die Route die dritte hier auf, Nehmen wir an, Nehmen wir an, wenn ich erreichen kann ich verwendet, um Pedal für die fünfte hier oben aufrecht zu erhalten. Das ist auch ein C-Dur. Probieren Sie es aus, aber mit einem sehr offenen Klang. Diese zusätzliche Dimension wird als offene Akkorde bezeichnet. Vergleichen Sie es mit der Standardmethode, Akkorde zu spielen, die als geschlossene Position bezeichnet wird. Indem Sie die Notizen der Gerichte ausbreiten, sind Sie in der Tat, Hinzufügen mehr Trennung zwischen den Noten des Gerichts. Darauf kann auch Ihr Kern fühlen sich voller. Da mit breiteren Bereich in Frequenzen, Hier ist ein Bonus-Tipp, um Ihren Kurs noch größer und voller Doppel einige der Stimmen im Gericht zu machen , wie Sie sie ausbreiten, was bedeutet, die offenen Akkorde. Aber als allgemeine Richtlinie sollten Sie die meisten Macht auf die Wurzelnote gefolgt von der fünften und ein bisschen vorsichtiger sein , indem Sie die 3. 2 Monate verdoppeln. Jetzt. Lassen Sie uns einen riesigen Narren und mächtigen Akkord erschaffen, indem wir ihn zu einem offenen Akkord mit mehreren Doppelpunkten außerhalb der inneren Hofstimmen machen. Wie gesagt, empfehle ich, das eine und den Glauben mehr zu verdoppeln als die anderen Noten zu verwenden. Zum Beispiel empfehlen Third und ich auch, die niedrigste Bassnote als Wurzelnote von der Schnur zu haben. Nehmen wir an, Sie verwenden einen C-Dur-Akkord, als einen za niedrigsten verwenden. Ich werde jetzt die anhaltende Pittle gedrückt halten, damit ich eine Note nach dem anderen hinzufügen kann, während ich diese Schnur in einen massiven Akkordsound aufbaue . Lasst uns das mit diesem C-Dur machen. Probieren Sie es aus. Beginnen wir also mit dem Meer als untersten Schlüssel, machen wir einen anderen. Sehen Sie hier. Favoriten hier. Siehst du wieder. Lassen Sie uns die dritte hier spart auf. So kreierst du einen offenen Akkord mit den Doubles von den Court Stimmen, um einen super dicken und vollen Court Sound zu schaffen . Geschlossene Schnüre oder mehr fokussiert innerhalb eines Bereichs eine primäre Oktave, während offene Akkorde mehr Tiefe, Fülle und Trennung zwischen den Stimmen haben . Großartig. Jetzt haben Sie gelernt, dass offene Akkorde im Vergleich zu geschlossenen Schnüren ausgeschaltet werden. Sie sollten beide Optionen kreativ für das verwenden, was am besten für Ihre spezifische Komposition funktioniert. auch daran, Denken Sieauch daran,dass die Verdoppelung einiger Stimmen Ihrer Kerne noch mehr Fülle und Kraft hinzufügt. jedoch Wenn Siejedochein Hauptthema und führende Melodie spielen, stellen Sie sicher, dass Ihre Akkorde und Harmonien nicht zu groß sind und fallen, weil sie riskieren, den Fokus zu überholen und die Klarheit vom Hauptthema zu trüben. Und wenn das Hauptthema betet, sollte er immer ein großes Speichenlicht drauf haben. Gehen Sie voran und üben Sie jetzt offene Akkorde zu spielen und vergleichen Sie sie durch den Klang von geschlossenen Akkorden. Dann, wenn du runter bist, lass uns im nächsten Video fortfahren. 26. Richtlinien 9 von/auswärts von. Energie reduzieren: -Richtlinie. Neun Build vs. reduzierte Energie. Jetzt haben Sie nur gelernt, wie Sie die Power Off Dynamik und Ausdruck in Ihren Gerichten nutzen können. Das Hinzufügen von Bewegung, Bewegung und Variation ist die Essenz der Emotion in der Musik. Aber jetzt konzentrieren wir uns auf die primäre Richtung. Sie können einen Akkord in der Intensität bringen. Ich spreche von einer allmählichen, zunehmenden Intensität und Lautstärke, die in musikalischer Hinsicht Crescendo genannt wird, Vergleich zu einer allmählichen Abnahme der Dynamik, die als Diminuendo bezeichnet wird. Sie sollten wirklich versuchen, die verwendeten aus diesen beiden Richtungen aus dem dynamischen Ausdruck zu meistern weil sie die Grundlage für Energie und Intensität in der Musik sind. Zum Beispiel, wenn Sie Energie in Ihre Kerne aufbauen, ist ein Crescendo super mächtig. In der Tat werden Crescendos und dim Innuendos in praktisch allen Übergängen in der musikalischen Gebäudeenergie verwendet . Wenn Sie in eine hochenergetische Sektion von Ihrer Komposition gehen und umgekehrt, hier ist ein Bonus-Tipp. Wenn Sie die Power off Crescendos und Diminuendo verwenden, diejenigen, die Richtungen aus Dynamik in Kombination mit Richtung sind, off Pitch in Ihre Schnüre war sie bereits gelernt Dann werden Sie in der Lage, wirklich wirkungsvoll und emotionale Übergänge, so im Grunde können Sie die Macht oft nach oben Richtung mit Ihren Gerichten wie diese in Kombination mit einem Crescendo nutzen, entweder durch schrittweise Erhöhung der Geschwindigkeitswerte, zum Beispiel auf einem Klavier wie diese, oder durch Erhöhen des dynamischen Ausdrucks. Zum Beispiel auf Strings wie diesem. Natürlich werden Crescendos und dim Annuendos nicht nur für Übergänge verwendet, aber vielleicht sind sie dort oft am auffälligsten. Sie sollten Crescendos und Annuendoes als kühle, dynamische Ausdrucksrichtung verwenden , wenn Sie Ihrer Musik Bewegung und Bewegung hinzufügen. Sie eignet sich besonders gut für lange anhaltende Noten auf Streichern, Bläsern und Holzbläsern, zum Beispiel rhythmisch auf Klavier oder Gitarre. Jetzt ist es Zeit, dass Sie üben, die Intensität und Lautstärke mithilfe von Crescendos zu bauen und zu reduzieren . Und Diminuendo ist in deiner Musik. Ich empfehle, sich auf Orchestersaiten zu konzentrieren, da sie eine unglaubliche Bandbreite an Dynamik haben . Sie können ein Crescendo oder Diminuendo auf einer einzigen gehaltenen Schnur haben, was man zum Beispiel auf Klavier oder Gitarre nicht tun kann . Viel Glück und ich werde Sie im nächsten Video sehen 27. Leitlinie 10 Spannung vs. Auflösung: -Richtlinie. 10 Spannung versus aufgelöste Musik komponieren ist wie ein Film zu machen. Das ist mein wahrer persönlicher Standpunkt, denn Musik hat einen Fortschritt. Sektionen wie Szenen eines Films Musik hat Emotion, Energie und Bewegung und Variation in allen Aspekten. Wie die Action und Handlung über Filmmusik, Schultern und Stile können sich wie alles anfühlen, von einem fantastischen Abenteuerfilm bis hin zu einem dükeren spannenden Horrorfilm, der Ihre Wirbelsäule zittern lässt. Dies ist die wahre Kraft der Musik erzählt Ihre Geschichte in Emotionen Jetzt, da Sie keine Bilder oder Schauspieler haben, die die Spannung und Drama hinzufügen können, brauchen Sie etwas anderes, das Sie brauchen die Stromkabel und Harmonie, und alle Intervalle und Musik haben verschiedene Grade und Arten von Spannung in sie eingebaut. Und da Harmonie im Grunde ist, spielen Intervalle zusammen und Schnüre oder Harmonisten übereinander gestapelt, na ja, das bedeutet, dass Sie die Power Off Akkorde und Akkord Voicings verwenden können, um alles aus einem super glücklich und erfreulichen Klang zu einem finsteren Dork Dimension Art von Klang. Wenn Sie also eine fröhliche und erhebende Atmosphäre in Ihrer Strecke hinzufügen möchten, können Sie sich vor allem auf große Gerichte und vor allem große Triaden konzentrieren. wie zum Beispiel, gehen für Mathe-Dur zu G Major Baxter mit Major, und Sie können es auch in einem Spielstil spielen, der mehr gelesen wird, macht nervös, die auf den glücklichen Charakter wie diese hinzufügen können. Und wenn Sie Eddie Dork Entfernt und mawr Spannung in Ihre Komposition wollen, können Sie Gerichte verwenden, die ein anständiges Intervall wie, zum Beispiel, die kleinere Sekunde, die oder der Tri-Ton enthält zum Beispiel, die kleinere Sekunde, . Zum Beispiel, die verminderte Probieren Sie es hier. Eine der besten Möglichkeiten, die Spannung versus aufgelöste Technik in Ihren Musikkompositionen zu verwenden , besteht darin, ein anständiges Intervall hinzuzufügen, das es dann zu einem konstanten Intervall aufgelöst hat, was einen angenehmen Klang bedeutet. Nehmen wir an, Sie haben ein Intervall von einem Tri-Ton in dieser abnehmenden Partitur. Danke, dass Sie es lösen können, weil diese Spannung so hoch ist, wenn Sie diese auf die perfekte Art und Weise verkauft werden. Fünftens, Sie am Ende mit einem Minderjährigen und sehen, in diesem Fall, so gehen von Spannung gegen Ressource, fügen Sie Spannung vor allem durch die Verwendung von Gerichten und Voicings, die anständige und Intervalle umfassen. Je mehr Spannung Sie hinzufügen, desto mehr Pool und brauchen der Zuhörer fühlt sich für den Wunsch, wieder zu einem angenehmen Klang verkauft. Sie können kleine Gewürze der Spannung hinzufügen, die schnell aufgelöst wie, zum Beispiel, Leasing suspendiert Kurs, die wieder an der Hauptschnur aufgelöst. Nehmen wir an, Sie gehen von einem an, dann gehen Sie zu d suspendieren die vierte, also ist es kein Minor oder ein Major, aber dies bei der Auflösung dieser Note zurück zu einem Major hier, so dass die Sequenz so klingen wird auf. Manchmal können Sie sogar gehen von suspendiert 4. 2 aufgehängt Sekunde und dann lösen Sie es wie folgt , oder mit einem führenden oder posieren Kabel, die einen starken Pool oder Spannung hat, die Sie dann mit einem kühlen die Änderung wieder verkauft, oder sogar indem Sie zurück zum Tonikum gehen. Nehmen wir an, wir spielen eine Akkordprogression in C-Dur wie diese auf Jetzt wollen wir gehen, wenn, aber wer wird anstelle der Triade hinzufügen? Diese Note die siebte als posiert. Beachten Sie einige Spannungen, die aufgelöst werden wollen. Selbst mawr, zu dieser Note, wenn Sie zum G O gehen und das Tonic ist wie die Sicherheit und Komfort Ihres Hauses in Ihrer Musikkomposition, die cool, dass alle Akkorde in Ihrem Progression Pool in Richtung im Grunde alle Ihre Akkord Progressionen will schließlich wieder an die Heimschnur den ersten Akkord von Ihrer Skala verkauft . Die meiste Zeit werden Sie dissonante Kerne, Intervalle und Voicings sehr kurz wegen ihrer starken Pool zu lösen verwenden. Die Spannung ist einfach zu hoch für die meisten Arten von Musik, aber für fühlende Musik, dramatische Unterstriche oder jede Musik, die für Medien geschrieben wurde, gibt es mehr Raum zum Spielen für Spannung und Dissonanz, vor allem für Thriller, Horror, spannendes Drama und so ein. Ich empfehle, dass er üben die Schaffung von Spannung Absicht in Ihren coolen Fortschritten, indem Sie Gerichte und Stimmen hinzufügen, die ein anständiges Intervall enthalten. Und denken Sie daran, je mehr Noten sie genannt haben, enthält die Mawr-Intervalle, die Sie darin haben, weil ein Intervall einfach wie eine Verbindung aus zwei Noten ist. Nehmen wir an, Sie haben einen einfachen Akkord mit drei Noten. Nun, dann haben Sie ein Intervall zwischen Knoten 1 und Nr. Zwei. Nein zu einer Notiz drei, sondern auch von Note eins und drei. Und diese Intervalle Zehe klingen auch anders, je nach Court Voicing wählen Sie, welche Umkehrung von der Schnur. Viel Glück, und ich werde Sie im nächsten Video sehen 28. Glückwunsch, du bist erstaunlich: Glückwunsch, Sie oder erstaunlich, weil Sie den gesamten Kurs abgeschlossen haben, was bedeutet, dass Sie viele wichtige Grundlagen, Konzepte und Richtlinien gelernt haben , sowie meine eigenen professionellen Tricks und Geheimnisse, die Ihnen helfen, als Musikkomponist zu verbessern, um die Verwendung von Akkorden und Harmonie in der Musik zu lernen und zu meistern. Nun, was als nächstes für Sie Maßnahmen ergreifen und lernen, indem Sie tun. Handeln ist der einzige Weg, um auf jeder Reise voranzukommen, und Lernen durch Tun ist die ultimative Lernerfahrung. Deshalb empfehle ich aufrichtig, dass Sie jetzt handeln und alles anwenden, was Sie hier gelernt haben, oder die drei Möglichkeiten, die ich empfehle. Lernen Sie durch Wiederholen, gehen Sie durch die Notizen, die Sie während des Kurses geschrieben haben, und lesen Sie auch die Bonus-pdf-Zusammenfassung Weil Wiederholung ist die Mutter des Lernens zu lernen, indem Praxis jedes Konzept , jeder Leitfaden und jeden praktischen Tipp, den Sie in diesem Kurs auf Ihrer Media-Tastatur oder Klavier und auch in Ihrem DW auf drei gelernt haben. Lernen Sie, indem Sie beginnen mit allen Techniken und praktischen Tipps direkt in Ihren Musikkompositionen . Es ist der einzige Weg, um sicherzustellen, dass Sie wirklich etwas lernen. Nun, die einzige Möglichkeit, dass Sie ein Meister der Verwendung von Kurs in Musik werden. Abschließend wünsche ich Ihnen viel Glück und viel Erfolg auf Ihrer beruflichen Reise in der Musik. Gehen Sie und machen Sie erstaunliche Musik für die Welt zu hören. Gehen Sie und erstellen Sie Ihre Musikgeschichten. Mein Name ist Mike und ich werde dich in einem anderen Kurs sehen.