Musik komponieren – Rhythmus & Perkussion

1. Deine Reise zum Rhythmus meistern: willkommen zu diesen Kernen und herzlichen Glückwunsch für die Wahl, Rhythmus, Percussion und Schlagzeug in der Musik zu meistern . Nach diesem Kurs werden Sie in der Lage sein, Ihre Musik zu führen und zu fahren, spezielle Beiträge zu verbessern und zu spotlight, die Energie und Aktion zu steuern, Intensität und Kraft zu erzeugen und Dieb Fundament von allen Musik, die Sie erstellen, schmieden, weil Sie werden Lester die cool off alle Musikrhythmus. In diesem Kurs lernen Sie die Grundlagen des Rhythmus, die Rolle des Rhythmus , diese Geräusche des Rhythmus, die Leistung des Rhythmus und er wird in der Lage sein, alles zusammen in rhythmische Muster zu binden und Leistung ist voller Emotion und Ausdruck. Sie erhalten echte Live-Demonstrationen von verschiedenen Arten von Rhythmus-Sounds und Performances, wie Sie hier auf dem Bildschirm sehen können. Moment ist mein Name Mike und ich komponiere Musik seit 1998 in allen Arten von Stilen , von E g M und Beats bis hin zu Metal und Orchestral Feel Musik und ich werde euch von all dem Wissen und der Erfahrung beibringen , die ich während dieser Jahre, einschließlich meiner besten Tipps, Tricks und praktischen Methoden für Rhythmus in der Musik. Also fragen Sie sich jetzt. Willst du ein Meister aus Drums werden, ein Meister aus Perkussion, ein Meister der rhythmischen Fahrt auf. Am Ende, mit der Praxis all der Dinge, die Sie von diesem Kurs lernen, ein Master off Rhythmus in der Musik, Ich sage immer, dass Aktion ist der einzige Weg, um vorwärts auf Ihrer Reise in der Musik zu bewegen. Mein Name ist Mike, und ich heiße Sie herzlich willkommen, um sich jetzt anzumelden und Ihre Reise zu beginnen, um den Rhythmus der Musik zu meistern. 2. Was ist Rhythm?: Was ist Rhythmus? Nun, meine ehrliche Meinung ist, dass Rhythmus das absolute Fundament der Musik ist. Warum, Seien wir ehrlich, Sie können keine Musik ohne Rhythmus schreiben, weil alle Noten eine Länge haben müssen und ein Timing-Rhythmus tatsächlich überall in der Musik vorhanden ist, in den Trommeln und Perkussion in den Höfen, Harmonien und Comping-Instrumente, und sogar die führenden Melodien, Haken und Motive. Dieser Kurs konzentriert sich jedoch jedoch auf die Sounds in der Musik, die dem Hinzufügen von rhythmischem Antrieb und Energie zu Ihrer Musik gewidmet sind . Zum Beispiel, Ihre Drum und Perkussion Ports, Ihre rhythmischen Dr Instruments wie Strumming Gitarre weg, vielleicht ein Ostinato Saitenmuster. Meine persönliche Definition aus dem Rhythmus ist das. Rhythmus ist ein Muster in der Zeit, aus Klang und Stille, und ich bezeichne Rhythmus als Kern der Musik. Um Rhythmus zu meistern. Sie müssen die Konzepte und Elemente, auf denen es basiert, wirklich verstehen , z. B. die Rasternotenlängen, BPM und Tempel sowie Zeitsignaturen, und Sie werden all diese Konzepte lernen und mawr in diesem Kurs. Also lassen Sie uns Ihre Lernreise jetzt fortsetzen, um Rhythmus in der Musik zu meistern 3. Die Grundlagen des Rhythm Das Rhythmus: die Gier. Ich nenne das Abschreiben von Musik, alle Lords und Sounds und Musik, oder geschrieben in dein DW in das, was man das Gitter nennt. Dies ist im Grunde die Divisionen aus der Zeit in Ihrem Sequenzer. Es ist das moderne Äquivalent von Noten. Er entscheidet den Startpunkt auf dem Endpunkt aus allen Noten und als Folge, die Länge von allen Noten. Allerdings funktioniert eine kleine Nebennoten-Perkussion ein bisschen anders, weil ein perkussiver Hit auf Lee einen Ausgangspunkt hat , wo Sie entscheiden, wohin der Hit gehen wird und nicht eine Notenlänge. Die Gier Ihrer DW und alle Lastwerte oder geteilt in Notenlängen. Die längste Notenlänge ist eine volle Note, die genau eine Bohrung hat. Die nächste ist 1/2 Note, die halb von einer Bohrung liegt, und dann teilt sich die Notenlängenwerte grundsätzlich für jeden Schritt in zwei Hälften. Jetzt sollten Sie wissen, dass es extrem ungewöhnlich ist, Noten zu haben, die kürzer sind als eine 64 Note. Diese extrem kurzen Noten sind so ungewöhnlich, dass viele D. W nicht einmal einen Wert unter 1 64 zeigen, wie Sie hier auf dem Fang- oder den Quant Bindungsoptionen sehen können . In der Tat verwenden die meisten Musik nicht einmal Noten, die kürzer als 1/16 Note sind. Lassen Sie uns ein paar Beispiele von Notenlängen in der Gier hören, damit Sie sich mit ihren Werten vertraut machen . Als nächstes hören wir uns eine Mischung aus Notenwerten sowie einigen hinzugefügten Posen an, um ein rhythmisches Muster zu erstellen . Und denken Sie daran, dass Kräfte auch Länge haben müssen, die von den Werten, die Sie gerade gelernt haben, beliebig sein kann. jetzt Maßnahmen und üben Sie das Abschreiben von Musik, das Gitter und die Notenwerte. Und denken Sie immer daran, Rhythmus ist einfach ein Muster in Time-off Sound und Stille. Also nehmen Sie sich Zeit, um in der Gier zu üben und ich werde Sie im nächsten Video sehen. 4. Die Grundlagen des Rhythm und Tempo: BPM und Tempel. Der Strom ist aus der Musik. Um einen Rhythmus zu schaffen, müssen Sie einen Tempel setzen, und Sie können über das Tempo als die Powells Ihrer Musik nachdenken. Fast so, als wäre der Strom aus deiner Herzfrequenz. Wenn Sie cool und entspannt sind, haben Sie einen niedrigeren Puls, und wenn Sie trainieren oder tanzen, haben Sie einen höheren Puls. Es ist das gleiche mit Rhythmus. In der Musik fühlt sich ein hoher Tempel energischer an und ein langsamer Tempel fühlt sich entspannend an. Der Tempel in der Musik wird in etwas gemessen, das B P M genannt wird, was für Beats pro Minute steht. Und vergleichen Sie dies wieder mit Ihrer Herzfrequenz, die auch in Schlägen pro Minute gemessen wird. Hier haben wir also wahrsten Sinne des Wortes eine Verbindung zwischen unserem Herzen und der Musik. Vielleicht sagen die Leute deshalb oft, dass wir Rhythmus im Blut haben. Na gut, wie sagst du den Tempel deines Liedes? Nun, das hängt völlig davon ab, welche Art von Song du machen willst, und von der Energieniveau, die du magst . Aber um Ihnen einen Ausgangspunkt zu geben. Die meisten Musik haben ein Tempo aus irgendwo zwischen 60 bpm und 180 bpm 60 bpm könnte eine wirklich langsame Ballade sein , und 180 bpm könnte ein treibender E g M Song oder schnelles Punk-Rock-Song sein. Also 60 bis 180 oder so. Ist dir hier etwas aufgefallen? Nun, dieser Bereich ist eigentlich fast der gleiche wie der Bereich von der menschlichen Herzfrequenz. Die durchschnittliche Herzfrequenz bei völliger Ruhe beträgt etwa 60 BPM, und die P-Court Rate für die meisten Menschen beträgt etwa 180 bpm oder so. Also, wieder scheint Musik eine Erweiterung unseres Daseins zu sein. Ich persönlich finde dieses super faszinierend, Nehmen Sie nicht jetzt Maßnahmen und üben Sie, indem Sie verschiedene BPM-Werte hören, so dass Sie ein tiefes Gefühl für verschiedene Tempel in der Musikpraxis entwickeln? Routine? Eins. Ein Metronom. Eine großartige Übungsroutine ist es, eine Metrodome-App auf Ihrem Smartphone zu verwenden, während Sie auf Ihrem Midi-Keyboard, Piano abschrecken oder sogar Brummen und Beat Bücher musikalische Ideen. Sie werden feststellen, dass, sobald Sie den Metrodome einschalten und ein Tempo Schuhe haben, Ihr Körper und Geist sofort auf diesen Puls reagieren werden. In der Tat kann es ziemlich schwer sein, zu widerstehen, den Fuß zu klopfen oder den Kopf zu nicken, während Sie den Takt hören . Üben Sie Routine, um in Ihrem D. A. W. zu schlagen A. . Eine weitere großartige Übungsroutine besteht darin, einen Beat in Ihrem DW zu erstellen und anschließend zwischen verschiedenen BPM-Werten anzupassen . In Ihrem Beweis können Sie nicht beispielhaft einen Drum und Percussion Part in einem Strumming-Muster auf einer Software-Gitarre programmieren . Oder vielleicht komponiere ich, dass ich Austin Autumn Strings fahre. Der Hauptpunkt ist, dass Sie, nachdem Sie diesen Rhythmus haben, Ihr Projekt BPM auf verschiedene Werte ändern und genau hören, wie sich die Powells der Musik für Sie fühlt, wenn Sie die BPM ändern. Üben Sie Routine. Drei. Tippen Sie auf Temple Da es Ihr Ziel ist, den Rhythmus als Musikkomponist zu beherrschen, müssen Sie einen Instinkt für verschiedene Tempel entwickeln. Wenn Sie sich bereit fühlen, können Sie auch anfangen, Schläfen in Ihre Metronom-App zu tippen, um auf ein bestimmtes BPM zu zielen . Viele sind mehr Film. Ewige Karten verfügen über eine Tap-Tempel-Funktion, was bedeutet, dass Sie den Beat mit dem Finger auf den Metro-Raum tippen dann den BPM für Sie berechnen. Wenn Sie anfangen, sollten Sie diese abscheulichen Beobachtungen auf dem BPM-Schalter auf Europa zur gleichen Zeit machen. Aber wenn Sie sich verbessern, empfehle ich Ihnen wirklich, blind auf den Tempel zu klopfen und zu versuchen, mit einem groben BPM zu enden . zum Beispiel Entscheiden Sie sichzum Beispielzuerst für ein Tempo von etwa 100 BPM, und tippen Sie dann auf den Tempel, während Sie nicht auf die App nach unten schauen und versuchen, diesen bestimmten BPM zu treffen. Es ist nicht so einfach, wie es klingt, aber es ist wirklich eine großartige Übungsroutine, um deinen Instinkt aus Temple und Pauls in der Musik zu entwickeln . Also ergreifen Sie jetzt Maßnahmen und üben Sie die Kumpels aus Musik, BPM und Tempel haben Spaß und ich werde Sie im nächsten Video sehen. 5. Die Grundlagen der Rhythm: -Zeitsignatur. Das Zählsystem im Musikrhythmus in der Musik ist abhängig von etwas namens Time Signature. Die Zeit Senator ist nur ein Indikator, um zu beschreiben, wie man die Beats in jedem Maß aus dem Musikstück zählt , das Sie machen und eine Maßnahme auch genannt Bore, ist einfach die Segmente Musik ist unterteilt in. Es gibt viele verschiedene Zeitsignaturen, auf denen ein Lied basieren kann, und in einigen Fällen, insbesondere bei Orchestermusik, kann sich die Zeitsignatur innerhalb des Songs selbst ändern. Es gibt eine Zeitsignatur, die in der überwiegenden Mehrheit aller Musik jemals erstellt verwendet wird, und es heißt 44 Es bedeutet einfach, dass die zugrunde liegende Anzahl für Ihre Musik vier Beats pro Maß ist . Ein Beat in der Musik ist die Länge von 1/4 Note. Viertel bedeutet 1/4, also 4/4 Noten entsprechen einer vollen Note. Es ist, als würde man einen Kuchen in vier gleich große Scheiben teilen. In der Praxis bedeutet das, dass Sie einfach bis vier zählen auf eine geradlinige Weise wie diese. 12341234 und so eins. Eine weitere ziemlich häufige Zeitsignatur ist 34, die so klingt 123123123 und so weiter. Erstaunlich. Jetzt haben Sie etwas über Zeitsignaturen in der Musik gelernt und wie sie sich auf das Zählen jedes Maßes in Ihrer Komposition beziehen . Um ein besseres Gefühl dafür zu bekommen, möchte ich, dass Sie wieder den Metrodome nutzen und verschiedene Zeitsignaturen und Tempel hören und üben, so dass jeder sie im Takt bleibt. Ich empfehle Ihnen dringend, eine Metronom-App für Ihr Smartphone zu installieren. Wenn Sie dies noch nicht getan haben und dann ist es Zeit für Sie, Zeit Signaturen zu üben. Beginnen Sie, indem Sie das Metal Home auf volle vier setzen und hören Sie verschiedene sein PM's mit dieser Zeitsignatur , dann wechseln Sie über 234, um ein Gefühl für diese Art von Zeitsignatur zu erhalten. Vielleicht möchten Sie auch 6/8 ausprobieren, da das ziemlich häufig ist. Probieren Sie andere Zeitzentren aus, aber denken Sie daran, dass 44 und 34 oder vier die am häufigsten verwendeten Zeitsignaturen in der Musik. Denk darüber nach, bevor er versuchte, super verrückt mit deinen Rhythmen und Beats in deiner Musik zu werden. Aber wenn du wild werden willst, hält dich niemand auf. Also ergreifen Sie jetzt Maßnahmen, um Zeit zu üben. Seed tritt in Musik ein und ich werde Sie im nächsten Video sehen 6. Percussive vs Pitched: Rhythmus ist in jeder Note in der Musik präsent, jedem Ton und ebenso wichtig, in jedem Ton und ebenso wichtig, jeder stille Anschluss zwischen den Noten. Es ist dieser, der Remix von Klang und Stille, der die Essenz des Rhythmus ist. Es gibt jedoch jedoch drei verschiedene Arten von rhythmischen Elementen und Musik. Pure perkussive Klänge wie Schlagzeug, zum Beispiel getunte rhythmische Klänge, was bedeutet, dass Sie verschiedene Noten auf diesem Instrument spielen können. Aber sie alle perkussiv in dem Sinne, dass er die Länge nicht ändern und jede Note aufrechterhalten kann. Zum Beispiel eine Marimba und mit Mick Instruments, die grundsätzlich jedes Instrument sein kann, das rhythmisch gespielt wird, wie eine Rhythmusgitarre. So purer perkussive Klänge. So haben alle perkussiven Klänge einen Frequenzfokal, Tiefe und Reichweite auf. Sie haben auch einen deutlichen Angriff und Verfall. Dies ist, was schafft den Klangcharakter, aber reine perkussive Klänge oder bekannt Tonhöhe, was bedeutet, dass sie nicht über eine klare tonale Mitte. Das bedeutet, dass Sie keine Noten mit ihnen abspielen können. Grundsätzlich ähneln die Klänge reiner perkussiver Klänge kontrolliertes weißes Rauschen. In der Tat, weißes Rauschen wird viel verwendet, um Perkussion mit Synthese zu imitieren oder um Klänge durch Sound-Design mit weißem Rauschen als Ausgangspunkt abgestimmt perkussive Sounds Melodie, perkussive Klänge oder Instrumente und Sounds zu verbessern Sound-Design mit weißem Rauschen als Ausgangspunkt abgestimmt perkussive Sounds Melodie, , die eine Grundtonhöhe plus Obertöne, was bedeutet, dass er Noten mit ihnen spielen kann. Ein gemeinsames Beispiel für zwei Trommeln oder Tomes. Und es gibt in der Tat alle Arten von rhythmisch getuntem Perkussion, die oft als Schicht verwendet werden, um andere Instrumente und rhythmische Muster wie Brooke und Spiel zu verbessern . Röhrenglocken gewannen Vibraphon-Instrumente. Dies kann im Grunde jedes Instrument sein, das Sie rhythmisch spielen, aber das gibt Ihnen auch die Kontrolle über die Länge von jeder Note, was bedeutet, das Sustain. Ein Klavier ist in der Tat perkussiv in dem Sinne, dass ein Saum die Saiten trifft, wenn man eine Taste drückt . Aber wenn Sie einen Schlüssel gedrückt halten, erhalten Sie eine anhaltende Note. Es gibt eine unglaubliche Anzahl von Instrumenten, die sich hervorragend für rhythmische Anwendungen eignen, wie elektrische, akustische oder Orchester. Strings, vielleicht ein Policy ing Synthesizer. Die meisten Freiheit finden Sie in dieser Kategorie von rhythmischen Zellen. Großartig, Sie haben nun über die drei wichtigsten Klänge des Rhythmus, reine perkussive Klänge abgestimmt perkussive Klänge und rhythmische Instrumente gelernt . Dies ist die Grundlage Ihrer rhythmischen Kit als Komponist, also lassen Sie uns im nächsten Video fortfahren 7. Monophonic vs. Polyphonisch: Die nächste Unterscheidung von rhythmischen Klängen ist zwischen modellphonic und schlecht phonic. Ganz klar bedeutet Mona Fornek einen Ton, der gleichzeitig gespielt wird, wie beispielsweise auf einer Trommel, beispielsweise auf einer Trommel, und polyphon bedeutet mehrere Sounds, die gleichzeitig gespielt werden. Wie wenn du Akkorde auf deinem Klavier spielst oder an deiner Gitarre strummst. Nun, technisch gesehen werden die starken Saiten nicht genau zur gleichen Zeit gespielt, aber die Klänge sind so nah, dass sie als ein einziger Klang erscheinen, wenn Sie einen Akkord alle reinen perkussiven Sounds oder Mullah Fornek von Natur aus spielen . Ja, du kannst Trommeln und Perkussion legen, aber jedes einzelne Perkussiv-Instrument kann nur eine einzelne Note spielen. Gestimmte Perkussion wie Marimbas zum Beispiel kann zum Beispielzwei Noten gleichzeitig spielen. Da Sie zwei Sticks haben, können Sie die Noten mit schlagen. Und dann gibt es die gesamte Palette von Instrumenten, die rhythmisch gespielt werden können, entweder mono fornek, wie ein ostinato Muster oder pid Sie oder Bewältigung Rhythmus mit der kalten Progression auf, Nehmen wir an, ein Klavier. Polyphone Klänge haben die Fähigkeit, Harmonie zu den Rhythmen hinzuzufügen, die natürlich als eine ganz neue Dimension zu Ihrem rhythmischen Sound-Kit. jedoch bewusst sein, Sie sollten sichjedoch bewusst sein,dass, sobald er polyphonische Klänge in Ihre Komposition eingeführt hat, die Harmonien und Obertöne viel Platz in der Mischung einnehmen. Vile Mona Phonic Sounds haben, oder deutlichen Brennpunkt und können in mehr Zahlen verwendet werden, aufgrund ihrer minimalen Verwendung von der Leinwand off Ton, die Sie malen. Als Komponist haben Sie nun von zwei Spurenunterschieden von Klängen in Rhythmusmodellklängen im Vergleich zu schlecht phonischen Klängen gelernt . Lassen Sie uns also weiter lernen, mehr Grundlagen des Rhythmus im nächsten Video. 8. Gerade gegen die Triplets: Jetzt haben Sie bereits von der Gier in der Musik gelernt und dass die Notenwerte von einer vollen Bohrung auf 1/2 bar gehen und dann durch die Hälfte teilen, bis zu einem 256. einer Bohrung. Dies sind die Standardwerte für geradlinige Noten. Aber es gibt auch eine Sache, die Drillinge genannt wird, die sehr häufig in vielen Musikstilen verwendet wird, von Orchesterkompositionen bis hin zur modernen Popmusik. In der Tat, viele moderne Stile der Beat-basierten Musik verlassen sich stark auf Drillinge, zum Beispiel in den High-Hut-Mustern. Also, was? Oder Drillinge? Diese einfache Erklärung ist dies. 33 gespielte Noten in einer Sequenz haben die gleiche Gesamtlänge wie bei geraden Noten vom gleichen Wert. So, zum Beispiel, zwei geraden Schmerz Noten oder die gleiche Länge wie drei Triplett acht Noten. Grundsätzlich bedeutet dies, dass ein Triplett 2/3 vom geraden Notenwert entfernt ist. Lassen Sie mich Ihnen ein praktischeres Beispiel geben. Wenn du einen vollen Ball aus geraden 16. Noten fühlst, erhältst du natürlich 16. Aber wenn Sie einen Fußball mit 16. Triplettnoten fühlen, erhalten Sie mehr Noten seit Drillingen oder 2/3 Rabatt auf diesen tollen Notenwert. Also, wenn Sie durch zwei dividieren, dann multiplizieren Sie mit drei, erhalten Sie die endgültige Menge an Noten. In diesem Fall hatten wir 16. Noten, also dividieren durch zwei ist acht, dann multiplizieren Sie mit drei und Sie erhalten 24. So können Sie in einer vollen Bohrung 24 Drillinge passen. 16 Achteltnoten sind wahrscheinlich die am häufigsten verwendeten, und für diesen Notenwert können Sie acht gerade Noten in eine volle Bohrung einfügen, was zu 12 Dreifachtttöne übersetzt. Großartig, Sie haben nun den Unterschied zwischen geraden Noten und Drillingen gelernt, wie sie klingen und wie man sie praktisch benutzt und sie in die Gier Ihrer D acht von euch reitet . Also gehen Sie jetzt vor und üben Drillinge, weil es eine gute Möglichkeit ist, Variation hinzuzufügen und würzen Sie Ihre Groove mit und ich werde Sie im nächsten Video sehen 9. Rhythm vs. Syncopation: , um faszinierende und ansprechende rhythmische Muster in deiner Musik zu komponieren, musst du das Ausschalten von Syncopation nutzen. Also, was ist Syncopation in der Musik? Nun, im Grunde ist der Hauptrhythmus, was Ihre Musik antreibt. Die Anker sprechen nicht und Syncopation, oder die Einführung von gegensätzlichen Mustern, die für den Hörer unerwartete fühlt und als eine Art von Unterbrechung des regulären Flusses fungieren . Der Hauptrhythmus trägt. Es ist im Grunde ein Gegenrhythmus zum Hauptrhythmus. Synkopation kann auch ein unerwarteter Akzent sein, wo sie normalerweise nicht im Hauptrhythmus auftritt. In einfachen und einfachen Worten ist Syncopation die unerwarteten rhythmischen Muster, die dem stetigen Fluss aus dem Hauptrhythmus entgegenstehen . Nun, wie verwenden Sie diese in der Praxis? Nun, ich persönlich erstelle zuerst den Hauptrhythmus und markiere die Akzente. Dann, wenn ich das Gefühl habe, dass der Hauptgroove fertig ist, füge ich diese zusätzlichen unerwarteten rhythmischen Synkopationen hinzu. Synkopation wird am häufigsten in den höheren Perkussions- und rhythmischen Instrumenten verwendet, während die unteren rhythmischen Instrumente und Klänge als Anker und Antrieb für den Hauptrhythmus dienen . Lassen Sie mich Ihnen eine kurze Demonstration geben, wie Sie Syncopation verwenden, um Ihre Rhythmen aufzupeppen. mit. Wie Sie aus den Mediennotizen hier sehen können, haben wir den Hauptfluss aus dem Rhythmus in den 1. 3 Bohrungen. Und dann haben wir hier in der vierten Bohrung Triplettnoten zu den Saiten-Ostinato-Klängen sowie den Clap Sounds, aber gerade acht weiß hier in der Basis und so weiter. Das ist es, was diese Synkopation im Rhythmus erschaffen. Schön. Sie haben nun den Unterschied zwischen dem Hauptrhythmus und der Synkopation gelernt. Synkopation erfordert oft einige Experimente, um ein ansprechendes, überstimmtes rhythmisches Muster zu erhalten , da Sie im Wesentlichen gegen den Hauptfluss handeln. Aber es ist eine gute Möglichkeit, Interesse hinzuzufügen und würzen Sie Ihre Groove mit. Tun Sie jetzt Maßnahmen und üben Sie einzelne Patienten, wenn Sie Ihre rhythmischen Muster in Ihrem d aaw auf erstellen , fahren Sie dann im nächsten Video fort. 10. Füllungen und Übergänge: rhythmische Elemente oder ideal zum Aufpeppen Ihrer Musik an bestimmten Stellen in Ihrem Track. Dies ist besonders wichtig bei den Übergängen zwischen zwei Abschnitten. Sie können dies tun, indem Sie eine Füllung hinzufügen oder das rhythmische Muster direkt vor dem Übergang abrupt ändern . Aber es ist auch wichtig, einige Variationen in Ihren rhythmischen Ports hinzuzufügen, indem Sie einige zusätzliche Füllungen hinzufügen, selbst während Ihrer Hauptabschnitte in Ihrer Musik, es muss nicht viel nur ein zusätzlicher Geschmack hier und da sein, um etwas Variation hinzuzufügen. Zum Beispiel, Hinzufügen ein wenig Füllung jede vierte Bohrung, was sehr häufig für Schlagzeuger ist, so zu tun, wie durch stoppen Sie Ihre rhythmischen Ports und Muster, indem Sie Füllungen und Übergänge, die Ihre kreative Freiheit als Komponist ist. Lassen Sie mich nun mit der schnellen Sounddemonstration abschließen, indem Sie Füllungen und Übergänge mit Rhythmus in Ihrer Musik verwenden. Dies ist also der erste Abschnitt, und das ist der zweite Abschnitt. Ich werde von hier aus spielen und den Übergangselementen genau zuhören, die hier im letzten Teil von Abschnitt eins in Abschnitt zwei gehen. Also, wenn wir in die Pianorolle gehen und sehen, was passiert, können Sie sehen, dass hier weniger Dinge los sind und längere Blockakkorde, Haare. Und dann im Übergangshafen haben wir noch viel mehr vor sich, was im Grunde die Phil sind, die über Abschnitt zwei in die höhere Energie übergehen. Sie können viele Dinge tun, wie fühlt und Übergänge in Ihrer Musik. Zum Beispiel, führen Sie einige zusätzliche Beats auf Ihre Drums und Percussion Ports, einige zusätzliche Noten auf Ihren anderen Instrumenten, Becken und längere perkussive Sounds oder ideal für beide Feels und vor allem Transition Ports. Und Sie können sogar einige Soundeffekte für Ihre Übergänge machen, wie Reverse-Sounds oder Reiser-Effekte. Ehrfürchtig. Jetzt haben Sie gelernt, wie wichtig der Rhythmus für Füllungen und Übergänge in der Musik ist, und wie Sie sie verwenden können, um Aufregung und Variation in den Übergängen zwischen Ihren Abschnitten hinzuzufügen . Lassen Sie uns nun im nächsten Video fortfahren. 11. Ein Beat zur Regel ihnen alle: im Rhythmus. Die verschiedenen Beats und Divisionen haben unterschiedliches Maß an Macht und Autorität. In der Tat gibt es einen Schlag, um sie alle zu beherrschen. Ich spreche natürlich natürlich über das Falsche aus jeder Bohrung, was den allerersten Schlag bedeutet. Hier ist, wo Sie normalerweise den größten Wert auf Ihre Rhythmen legen, wo die meisten von den schweren Hits landen. - Warum? Denn das ist der rhythmische Anker für den Hörer. Wie die Mitte eines Kreises , um den sich alles entwickelt. Ich habe einen Begriff geschaffen, den ich Musikkomposition unterrichte , den ich Powernoten nenne. Diese können super schwere Akzente auf Schlagzeug und Perkussion sein, aber auch eine einzelne Note mit einer langen, anhaltenden, auf jeder Art von Instrument. Zum Beispiel eine verzerrte E-Gitarre oder eine kraftvolle Sound-Designnote wie zum Beispiel die Bram. Diese Power-Noten sind grundsätzlich immer auf dem ersten Schlag über eine Bohrung, aber normalerweise nicht auf jeder Bar, vor allem nicht für das große anhaltende vielleicht jedes andere Board, jeden vierten Ball oder sogar jede achte Bohrung. Lassen Sie mich Ihnen jetzt eine kurze Demonstration geben, aus dem einen Beat, um sie alle Power off die ersten Beats in jeder Bar und auch, wie wir Power weiß für diese extra schweren Akzente verwenden können. Kraftvoll, in der Tat. Stellen Sie also sicher, dass er dieses Wissen als Musikkomponist zu Ihrem Vorteil genutzt hat. Der erste Schlag von jedem trug den einen Schlag, um sie alle zu beherrschen. Und denken Sie auch daran, Powernotizen zu verwenden, wenn Sie diese extra schweren Akzente in Ihrer Musikgeschichte hinzufügen möchten. Lassen Sie uns nun im nächsten Video fortfahren. 12. Einführung der Rolle des Rhythmus: Rhythmus ist die coole off Musik. Auch wenn es keine Schlagzeug und Perkussion in deinem Track gibt, wirst du immer noch rhythmische Muster überall haben, außer dass du das Rückgrat deiner Musikkompositionen bist. Was alle spezifischen Regeln Rhythmus spielen Nun, Ich habe eine Liste von den wesentlichen praktischen Rollen Rhythmus hat in Musik Dinge, die Sie wirklich gut lernen sollten und immer bewusst sein, wenn Sie Ihre Musik komponieren. Und in diesem Modul werden wir sie eins nach dem anderen durchgehen. Also werde ich Sie im nächsten Video sehen. 13. Aktion & Energie: Rhythmus ist, was die Menge an Energie und Action Gefühl Ihrer Musik definiert. Ein sehr einfacher Rhythmus mit langen anhaltenden Noten wird weniger Energie und Action haben. Es kann immer noch mächtig sein, aber der Mangel an DR wird die allgemeine Stimmung weniger Action fokussiert und mehr Stimmung fokussiert. Auf der anderen Seite, wenn Sie deutlichere rhythmische Muster spielen und im Grunde mehr rhythmische Noten und Beats haben , wird es die Energie erhöhen und die Aktion verstärken. Eine der Hauptrollen des Rhythmus besteht also darin, kreativ zu wählen, wie viel Action und Energie Sie sich in jedem Abschnitt Ihrer Musik konzentrieren sollten, im Gegensatz dazu, wie sehr die Musik auf Stimmung und Stimmung ausgerichtet sein soll . Die Wahl und Macht liegt in Ihren Händen als Musikkomponist. Nun, lassen Sie mich Ihnen eine schnelle verkaufte Illustration geben, wie Rhythmus verwendet wird, um die Menge an Action und Energie in der Musik zu bestimmen . Dieses Beispiel zeigt deutlich den Ausschaltrhythmus, um die Menge an Action und Energie in Ihrer Musik zu steuern . Sie haben den großen Unterschied deutlich gehört, aber Sie können ihn auch sehen, indem Sie einfach betrachten, wie viel los ist. Also, wenn ich in die Pianorolle gehe für, Sagen wir, die Klavierspur hier auf den Plätzen spielen, kann man sehen, dass der erste Port einfach lange Schnurnoten auf dem zweiten Teil ist viel belebter mit einem rhythmischen Muster. Und wenn wir hier in den Drum Track gehen, können Sie sehen, dass es im zweiten Teil viel mehr Noten mit einem viel belebteren Rhythmus, aber auch die Energie aus. Dieser zweite Port ist höher aufgrund einer Erhöhung der Intensität als auch bedeutet härter schlagen Trommeln und so weiter. Und Sie können dies an der Farbe der Noten sehen, die die Geschwindigkeitswerte darstellen. Höhere Geschwindigkeitswerte bedeuten lauter und mehr Intensität in den Noten. Großartig. Jetzt haben Sie gelernt, dass Rhythmus eine wichtige Rolle bei der Gestaltung der Action und Energie in Ihrer Musik spielt , also lassen Sie uns im nächsten Video fortfahren. 14. Antrieb & Pulse: Eine weitere wichtige Rolle des Rhythmus ist es, als treibender Puls verwendet werden, der Ihre Musik vorwärts schiebt , zum Beispiel, auf der Grundlinie, alle vielleicht eine Rhythmusgitarre oder auf ostinato String Pattern s ein Musikkomponist . Sie können viele Möglichkeiten nutzen, um das Laufwerk Ihrer Musik alles hinzuzufügen, vom klassischen 44 Kick Drum Beat bis zu einer geraden Sequenz von acht Noten auf der Grundlinie. Sie können dem Laufwerk auch eine Nut hinzufügen, indem Sie die Notenlängen und -zeiten ändern. Sie können das Laufwerk flog wie ein oder Pidio. Oder Sie können wählen, um einen Blick auf die druckvolle Groove mit Blockakkorden auf Stammviehsaiten , zum Beispiel. Oder Sie können wählen, ein wiederholtes Riff zu haben, um Ihre Musik zu treiben. Dies sind alles erstellte Entscheidungen, die Sie als Komponist treffen werden. Wie viel Fokus sollte auf den Antrieb und Kumpels in deiner Musik sein, und du willst, dass ein wiederholter Pauls wie ein Anker ist oder sich mit dem Riff-Stil Antrieb und sehr Notenlängen und Timings mehr auf die Groove konzentrieren soll. Herzlichen Glückwunsch. Du hast jetzt gelernt, dass Rhythmus die Rolle spielt, den Antrieb und die Freunde in deiner Musik zu gestalten . Lassen Sie dieses Wissen eintauchen, und dann lassen Sie uns im nächsten Video fortfahren 15. Füllungen und Übergänge: rhythmische Elemente oder ideal zum Aufpeppen Ihrer Musik an bestimmten Stellen in Ihrem Track. Dies ist besonders wichtig bei den Übergängen zwischen zwei Abschnitten. Sie können dies tun, indem Sie eine Füllung hinzufügen oder das rhythmische Muster direkt vor dem Übergang abrupt ändern . Aber es ist auch wichtig, einige Variationen in Ihren rhythmischen Ports hinzuzufügen, indem Sie einige zusätzliche Füllungen hinzufügen, selbst während Ihrer Hauptabschnitte in Ihrer Musik, es muss nicht viel nur ein zusätzlicher Geschmack hier und da sein, um etwas Variation hinzuzufügen. Zum Beispiel, Hinzufügen ein wenig Füllung jede vierte Bohrung, was sehr häufig für Schlagzeuger ist, so zu tun, wie durch stoppen Sie Ihre rhythmischen Ports und Muster, indem Sie Füllungen und Übergänge, die Ihre kreative Freiheit als Komponist ist. Lassen Sie mich nun mit der schnellen Sounddemonstration abschließen, indem Sie Füllungen und Übergänge mit Rhythmus in Ihrer Musik verwenden. Dies ist also der erste Abschnitt, und das ist der zweite Abschnitt. Ich werde von hier aus spielen und den Übergangselementen genau zuhören, die hier im letzten Teil von Abschnitt eins in Abschnitt zwei gehen. Also, wenn wir in die Pianorolle gehen und sehen, was passiert, können Sie sehen, dass hier weniger Dinge los sind und längere Blockakkorde, Haare. Und dann im Übergangshafen haben wir noch viel mehr vor sich, was im Grunde die Phil sind, die über Abschnitt zwei in die höhere Energie übergehen. Sie können viele Dinge tun, wie fühlt und Übergänge in Ihrer Musik. Zum Beispiel, führen Sie einige zusätzliche Beats auf Ihre Drums und Percussion Ports, einige zusätzliche Noten auf Ihren anderen Instrumenten, Becken und längere perkussive Sounds oder ideal für beide Feels und vor allem Transition Ports. Und Sie können sogar einige Soundeffekte für Ihre Übergänge machen, wie Reverse-Sounds oder Reiser-Effekte. Ehrfürchtig. Jetzt haben Sie gelernt, wie wichtig der Rhythmus für Füllungen und Übergänge in der Musik ist, und wie Sie sie verwenden können, um Aufregung und Variation in den Übergängen zwischen Ihren Abschnitten hinzuzufügen . Lassen Sie uns nun im nächsten Video fortfahren. 16. Führung und Erweiterung: mit Rhythmus für Führung versus Augmentation. Dies ist eine sehr wichtige Lektion für Sie. Auf ihren eigenen Rhythmus. Kann entweder die Führungsrolle in Ihrer Musik übernehmen, was bedeutet, dass es den Track antreibt und das Zentrum außerhalb des Fokus steht. Dies bedeutet im Grunde, dass Rhythmus der Haupttreiber Ihrer Komposition ist. Darauf folgen die anderen Elemente der Führung Ihres wichtigsten rhythmischen Antriebs. Aber Rhythmus kann auch verwendet werden, um bestimmte Ports in Ihrer Komposition zu erweitern. Dies bedeutet im Grunde, dass es verwendet wird, um bestimmte Beats zu akzeptieren, um das zu verbessern, was der Rest Ihrer Musik tut. Dies gilt insbesondere für Trommeln und Perkussion, die oft verwendet werden, um bestimmte Teile Ihrer Riffs, Haken oder andere Melo Deports zu erweitern . Rhythmus kann während des Anziehens mehrmals von der Führungsrolle zur Augmenting-Rolle wechseln und wieder zurück . Auch, wie viel Rhythmus spielt die Führungsrolle in anziehen ist abhängig von der Show Aunger und Stil Ihrer Musik. Zum Beispiel, in Orchestermusik, klassische Musik und Jess wirklich häufiger die Augmenting-Rolle, während populäre Musikstile wie E g. M. Und Beats Rhythmus nimmt häufiger den Vordersitz führen und die Strecke vorwärts fahren . Doch unabhängig von Sean Ger und Stil empfehle ich Ihnen dringend, in jedem Musikstück, das Sie komponieren , Rhythmus in beiden Moden zu verwenden , denn diese verstärkenden Percussion-Hits können Ihren Track wirklich auf eine höhere Level und ein besseres Erlebnis für die Zuhörer. Lassen Sie mich nun mit einer kurzen Sound-Demonstration abschließen, ich den Rhythmus von einer Führungs- und Vordersitz-Rolle in eine Augmenting-Rolle umschalte und dannwieder zurück zur Führung, alles auf wieder zurück zur Führung, der gleichen Spur. Dies ist die Art von Variation im Rom des Rhythmus, die man als Komponist üben sollte, Ordnung, also habe ich drei verschiedene Abschnitte in diesem Beispiel. Wie Sie hier oben im ersten Abschnitt sehen können, platzierte der Rhythmus die Führungsrolle treibt die Tatsache im Grunde voran. Im zweiten Abschnitt nimmt der Rhythmus eine Augmentationsrolle ein. Grundsätzlich erweitern sich die rhythmischen Muster gegenseitig auf bestimmten spezifischen Beats im Muster. Und in Abschnitt drei geht der Rhythmus darauf zurück, wieder die Führungsrolle zu spielen und im Grunde die Strecke bis zum Ende hier zu fahren . Also lasst uns mal zuhören. - wir Wenn wireinen kurzen Blick hier in die Pianorolle werfen, wenn ich all diese Anschlüsse in Abschnitt eins auswähle. Erstens können Sie sehen, dass es keine deutlichen Akzente im Beat gibt, was bedeutet, dass hier der Rhythmus die Führungsrolle übernimmt, die der Antrieb ist und von der Strecke fließt. Und wenn wir weiter zu Abschnitt zwei gehen und die Pianorolle werden, können Sie deutlich sehen, dass diese hier im Takt sehr ausgeprägte Akzente sind, was bedeutet, dass sie sich gegenseitig streiten. Das ist, wenn Rhythmus die Augmentationsrolle in deiner Musik übernimmt, und dann geht es zurück zu einem Flow Dry für den Track. Ich bin Jill the End Super Jetzt haben Sie gelernt, wie wichtig es ist, Rhythmus sowohl in einer Führungsrolle als auch in einer Augmenting-Rolle zu verwenden , und auch, dass er während Ihrer Musikkomposition viele Male frei zwischen ihnen wechseln kann. Probieren Sie es aus und achten Sie darauf, diese Rollen jedes Mal zu üben, wenn Sie Musik machen. Nein, lassen Sie uns im nächsten Video fortfahren 17. Die Kraft der Ruhe: das mächtigste Element in der Musik ist die Stille. Ohne Stille gäbe es keine Musik. Es ist wie Licht und Dunkelheit. Beide brauchen einander, um zu existieren. Also möchte ich Sie herausfordern, anders über Ihren Rhythmus zu denken. manchmal, anstatt was Sie hinzufügen möchten, Überlegen Siemanchmal, anstatt was Sie hinzufügen möchten,wo Sie diese unbeaufsichtigten Ports haben möchten. Dies kann wirklich Geist öffnen, wenn Sie erkennen, dass Stille von gleicher Bedeutung ist. Die letzte und vielleicht wichtigste Rolle des Rhythmus besteht also darin, Stille in deine Musik einzuführen . Grundsätzlich, wenn man darüber nachdenkt, kann jedes rhythmische Muster, das man komponiert, aus zwei verschiedenen Perspektiven betrachtet werden. Entweder sehen Sie die Noten für das, was sie oder ihr Timing, ihre Länge und ihre Tonhöhe. Oder Sie können es von der anderen Seite der Münze betrachten. Sie haben ein umgekehrtes Muster zwischen all Ihren Noten in Ihrem Rhythmus, das sind die stille Teile, die die Ports waren. Deine Musik atmet, also trainierst du. Hier ist das nächste Mal, wenn Sie rhythmische Muster auf Trommeln und Perkussion programmieren oder rhythmische Instrumentenports fahren . Schauen Sie sich diese Stille zwischen den Noten an und Sie werden sehen, dass es in der Tat ein Muster an sich ist . Ich glaube wirklich, dass dies eines der wichtigsten Elemente ist, die Sie als Musikkomponist kennen müssen . jetzt Lassen Sie michjetztdie Abschaltung der Stille in der Musik demonstrieren. Ich habe hier einen kurzen kleinen Beispieltrack komponiert. Und wenn man hier am Ende genau hinschaut, gibt es viel Platz, was Stille bedeutet, bevor das letzte Ende des Songs endet. Also lasst uns den Track hören. Also hast du am Ende des Songs deutlich die Abschaltung der Stille gehört . Aber es ist auch sehr effektiv in Übergängen. Im Moment verwende ich einen Feldtyp-Übergang, was mehr Notizen bedeutet, wie Sie hören können, wenn Sie jetzt von hier hören, aber ich könnte stattdessen die Power Off Stille verwenden, um Vorfreude für den nächsten Teil von das Lied. Also, wenn ich das Auswahlwerkzeug hier und nehmen Sie diese Ports hier und dann stumm sie, lassen Sie uns hören, was diese Staub auf den Übergang, wie Sie ein völlig anderes Ergebnis gehört . Aber es funktioniert auch sehr effektiv, mit der Power Off Stille etwas Luft und Atemraum für die Musik zu schaffen, bis ein neuer Abschnitt Hits immer Stille als Option und kreative künstlerische Wahl betrachtet. In Ordnung jetzt lasst uns im nächsten Video fortfahren 18. Einführung der Geräusche des Rhythmus: Rhythmus ist das Rückgrat aus der Musik. Es fließt durch ein Lied wie eine große, mächtige Säule, die alles hält, um sie zu bekommen. Als Komponist musst du also sicherstellen, dass du die rhythmischen Teile deiner Musik in Bezug auf den Klang ausbalancierst , denn ich bin sicher, dass du deine Musik voll klingen und einen starken emotionalen Einfluss unter deinen Zuhörern haben willst . Deshalb habe ich eine Liste von meinen Top-Tipps von wichtigen Dingen gemacht, auf die Sie sich konzentrieren sollten wenn Sie Ihr rhythmisches Soundkit erstellen und die rhythmischen Sounds in Ihrer Musik ausgleichen. Das sind die Dinge des Rhythmus, auf die ich persönlich als Komponist fokussieren kann, unabhängig von Musikstil oder Songer. Also lasst uns sie eins nach dem anderen in diesem Modul durchgehen. 19. Die Balance: Das erste, was zu beachten ist, ist die Balance off Stil, Ton und Charakter aus den rhythmischen Klängen, die Sie in Ihrem rhythmischen Sound-Kit enthalten . Und natürlich wird dies hauptsächlich davon entschieden, was Shong, ger und Stil der Musik Sie komponieren möchten. Zum Beispiel, wenn Sie vorhaben, einen orchestralen filmischen Track, den rhythmischen Sound, zu komponieren , wird es sehr anders sein als ein zeitgenössischer Pop-Song, dieser Stil von Schlagzeug, Percussion und rhythmischen dr Instrumente, der Ton und Charakter aus jedem Ton. Alles muss mit dem großen Ganze übereinstimmen, das Sie erstellen möchten. jedoch keine Angst davor haben, Du solltestjedoch keine Angst davor haben,mit interessanten und ungewöhnlichen Kombinationen zu experimentieren, solange du dir bewusst bist, dass die komplette Palette an Sounds, die du am Ende für die rhythmischen Ports in deinem Track verwendest , sich anfühlen sollte, als ob sie sich vermischen zusammen in einer polizeilichen und kohärenten Weise. Der Hauptpunkt hier ist, dass Sie ein rhythmisches Sound-Kit entwerfen, das sich wie ein Kit anfühlen sollte , nicht einfach ein Bomben von rhythmischen Klängen gestapelt zusammen. Lassen Sie mich nun mit einer Sounddemonstration eines kompletten rhythmischen Sound-Kits abschließen, in Stil, Ton und Charakter für eine bestimmte Stimmung ausgewogen ist. Ich habe mich als Komponist entschieden. In diesem Beispiel habe ich tatsächlich die melodischen Teile des Tracks gewählt, um mehr Fokus auf die Rhythmen zu bringen, die ein Drum-Kit, ein Percussion betrunken, es orchestrale Percussion und hohe und niedrige Streichen-Ostinato-Muster. Also für alle Sounds, müssen sie klingen, dass sie zusammen in einem Soundkit gehören. Und obwohl ich ein Rook-Kit wie dieses benutze, ist das Drum-Kit tatsächlich in einem großen Hall getränkt, um zusammen mit dem Orchesterpercussion zu gehen , wie Sie jetzt hören können. Wenn ich es wie ein E g m oder Beat Stil betrunken verwenden würde, würde es sich nicht gut mit dem großen Orchesterpercussion mischen. Ihre Mission als Komponist ist es also sicherzustellen, dass alle rhythmischen Klänge wie auch die Melodieinstrumente zu einem kompletten Sound verschmelzen. Herzlichen Glückwunsch getreten. Sie haben jetzt gelernt, wie wichtig es ist, diesen Stil Ton und Charakter von Ihrem rhythmischen Sound-Kit auszugleichen , also lassen Sie uns im nächsten Video fortfahren 20. Die Abgrenzung der Strecke: Als Komponist bist du im Grunde wie ein Maler mit einer Leinwand. Aber anstatt die Leinwand mit Kohler zu fühlen, spürt man sie mit Klängen. Der Frame, in dem du beim Komponieren arbeitest, basiert auf dem Frequenzbereich der Musik von der untersten Basis, die etwa 20 Hertz bis zu den höchsten Problemen beträgt, was bis zu 20.000 Hertz reicht. Nun gibt es einen Grund, warum das traditionelle akustische Drum-Kit aufgebaut ist. Das Gewicht ist, und das ist wegen der Balance außerhalb des Bereichs bedeutet Frequenzbereiche. Jede Trommel und Percussion Element hat einen anderen Port von der Leinwand, um mit seiner Farbe zu fühlen . Um Musik voll und vollständig klingen zu lassen, müssen Sie die gesamte Leinwand spüren. Wenn Sie also Ihr rhythmisches Soundkit für Ihre Komposition erstellen, stellen Sie sicher, dass Sie die gesamte Leinwand von den niedrigsten Bassfrequenzen bis zu den höchsten Problemen spüren . Balance bedeutet auch, dass kein Teil aus diesem Bereich die anderen überholen sollte. Der Hauptpunkt hier ist, nicht zu viele Klänge in einem Bereich zu platzieren. Stattdessen soll das gesamte rhythmische Sound-Kit wie ein ausgeglichener Boden sein, um Ihre gesamte Komposition zu tragen , einschließlich der vollen Bandbreite an Frequenzen in der Musik. Lassen Sie mich mit einer schnellen Sound-Demonstration beenden, oder sie wirklich Sound-Kit, das die gesamte Leinwand der Musik mit einer ausgewogenen Nutzung aus dem gesamten Frequenzbereich füllt . Es ist sogar noch deutlicher, wenn wir hier im Klavier schauen. Rollen Sie sich auf. Ich habe alle Ports in der Spur ausgewählt. Wie Sie sehen können, geht es von der niedrigsten Basis zu den höchsten Höhen hier oben. Und das ist, was Ihrem rhythmischen Sound-Kit einen breiten und vollen Klang verleihen wird. Erstaunlich. Sie haben jetzt gelernt, dass es sich um einen Komponisten handelt. Sie sind im Grunde ein Maler aus Ton und dass Ihre Musik sollte den vollen Frequenzbereich ausgleichen , genau wie ein Maler fühlt seine gesamte Leinwand mit Farben. jetzt Lassen Sie unsjetztmit dem nächsten Video fortfahren. 21. Die Balance: als Musikkomponist. Sie haben auch Ihre Leinwand Spanne im Stereo-Feld von den vier links nach vier rechts. Sie haben im Grunde eine Bühne, in der alle Ihre Sounds platziert werden können. Nutzen Sie dies zu Ihrem Vorteil, wenn Sie Ihr rhythmisches Sound-Kit erstellen. Als Faustregel funktionieren die tieferen Sounds und Instrumente am besten in dieser Mitte neben dem Stereo-Feld wie Ihre Kick-Trommeln. Große Perkussion, wenig pulsierend seit etcetera. Dies liegt vor allem daran, dass sie mehr Leistung und Schalldruck tragen und somit den Vorteil beider Lautsprecher benötigen . Aber sagen wir, Sie haben eine Rhythmusgitarre, die gleichzeitig mit einem Rhythmus-Piano spielt. Schwenkt sie in entgegengesetzte Richtungen, und Sie werden eine breitere und tiefere Stereo macht in Ihrer Musik erstellen. Andi. Erzielen Sie mehr Klarheit und Trennung im Prozess. Ihr Ziel ist es, Ihr rhythmisches Sound-Kit haben ein ausgewogenes Stereo-Feld mit viel Abstand und Tiefe von der Verwendung der Power Off Panning. Lassen Sie mich Ihnen eine kurze, solide Demonstration geben. In Ordnung, hier habe ich zwei Tracks, einen Rhythmus-Piano-Track , der so klingt, und einen akustischen Rhythmus-Gitarrentrack , der so klingt, ganz alleine. Sehr solide. Wirklich gut. Wir haben also zwei verschiedene rhythmische Muster. Was passiert also, wenn ich beide zusammen spiele, aber beide in der Mitte geschwenkt habe? Also keine Trennung im Stereo-Feld? Lasst uns zuhören. Klingt ziemlich gut, aber ich kann mehr Trennung im Stereo-Feld durch Schwenken hinzufügen. Sagen wir das Klavier ein wenig nach links und die Gitarre rechts so. Übertreiben wir es in der Tat, um es wirklich offensichtlich zu machen. Also hören wir jetzt zu, und Sie werden eine klare Trennung zwischen diesen beiden Rhythmen hören. Dies war ein Beispiel aus der zum Ausschalten von Stereo. Ihre Aufgabe als Komponist ist es, alle Ihre Instrumente zu balancieren, einschließlich Ihres rhythmischen Sound-Kits im Stereo-Feld, Ihre Schlagzeug, Ihre Perkussion-Ports, Ihre rhythmischen und mitreißenden Instrumente. Sie sollten alle in den breiten Stereo-Zuständen platziert und ausbalanciert werden, die Sie zur Verfügung haben, wenn Sie in der Leinwand ausmalen. Klingt nett. Bei der Erstellung Ihres rhythmischen Sound-Kits haben Sie nun das Ausschalten des Stereofeldes und die Trennung gelernt , denn Ihre Leinwand als Musikkomponist reicht von links bis zu den vier rechten. In Ordnung. Lassen Sie uns nun im nächsten Video fortfahren 22. Die Tiefe: jetzt ein sehr wichtiger Teil Ihres rhythmischen Sound-Kits ist die Balance off Tiefe. Dies ist eine zusätzliche Dimension, die Ihre Musik mawr dreidimensional klingen lassen kann, und es wird durch Ausgleich der Menge und Tiefe aus Hall erstellt. Für alle Sounds in Ihrem rhythmischen Sound-Kit, weniger Hall, desto näher und mehr wird der Sound sein, so dass Sie einige Sounds weiter zurück haben können, indem Sie Mawr und Big River hinzufügen. Nutzen Sie den Tiefenbereich, um die Raumtrennung Ihrer rhythmischen Klänge weiter zu trennen und zu erhöhen . Aber seien Sie sich bewusst, dass zu viel Unterschied in der Tiefe seltsam klingen kann. Zum Beispiel wird ein völlig trockener Drum Sound in einer Mischung, in der der Rest der Klänge in einem großen Orchesterloch verlegt klingen. Hier ist also ein rhythmisches Sound-Kit, das für einen orchestralen, filmischen Klang ausgewogen ist . Wir haben niedrige Drums, Bassdrums, alle in der Tiefe abgespielt, einen orchestralen ganzen Hall und manchmal einige zusätzliche Vermittler. Hallo, Tom's Snap Drums kommen Stick. Es sind etwa 10 Marines. Einige zusätzliche Shaker erscheinen, auch in einem riesigen Lochhall und dann einige Orchester-Symbole getränkt. So klingen sie zusammen wie ein komplettes und kohärentes Soundkit in einem Orchesterloch. Ja, du kannst es hören. Vergleichen Sie das mit diesem E G M Stil schlägt betrunken es, was sehr dicht und trocken ist, was bedeutet nicht viel Reverb überhaupt, so dass dies nicht gut zusammen mit diesem orchestralen Sound-Kit. Hier, lass mich von hier und von Anfang an mit der orchestralen Bassdrum spielen. Es passt nicht gut, weil es zu viel Unterschied in der Balance off Tiefe in diesem gesamten rhythmischen versenkt es. Ihre Aufgabe als Komponist ist es sicherzustellen, dass Ihr komplettes rhythmisches Soundkit mit all Ihren Sprüngen, Perkussion und rhythmischen Instrumenten im Tiefenfeld ausgeglichen wird. Dies geschieht hauptsächlich mit Reverb, der Menge an Reverb Nutzung für jede Strecke und auch, wie groß der Raum außerhalb des Flusses ist erstaunlich . Sie haben jetzt die Abschalttiefe und die Drei-D-Trennung gelernt, wenn Sie Ihren rhythmischen Sockel erstellen , weil Ihre Leinwand als Komponist tatsächlich eine Drei-D-Dimension hat. Alles klar, lassen Sie uns im nächsten Video fortfahren 23. Schichten zur Wirkung: rhythmische Klänge, treibende Rhythmen und Perkussion, oder alle unglaublich gut geeignet für Layering. Denn wenn Sie zwei oder mehr Sounds schichten, die gleichzeitig ausgelöst werden, fühlt sich das Endergebnis wie ein einzelner Sound für den Hörer an. Aber mit einer neuen Art von Farbe werden Schichtgeräusche sie reicher und leistungsfähiger machen, und es ist eine großartige Möglichkeit, mawr Wirkung zu erzielen. Es funktioniert besonders gut für Akzente in der Musik, zum Beispiel ist es sehr üblich, eine Snare Drum mit einem Klatsch zu schichten, um einen noch stärkeren Akzent zu erhalten oder mehrere Klänge zusammen zu schichten, um Ihre Kick Drum größer zu machen. Wir haben einen Big Tom Hit auf dem gleichen Beat wie eine orchestrale Bassdrum und vielleicht einen Becken Crash. Layering im Rhythmus ist in der Tat eine der grundlegendsten Möglichkeiten, Beats in deiner Musik zu akzeptieren und auch die besten Möglichkeiten, neue, interessante und einzigartige Klangfarben zu kreieren . Denn nicht nur die Schichten selbst sind wichtig, sondern auch, wie Sie sie mischen und mischen . beispielsweise Wenn Siebeispielsweiseeine Snare und einen Clap mischen, können Sie wählen, wie Sie die Ebenen sowie die E-Cues und Filter, die Kompression und jede spezielle Effekteinheit pro Schicht mischen . Ich persönlich finde Layering als einer der lustigsten und kreativsten Ports aus, Ihr rhythmisches Sound-Kit für Ihre Musik kreieren. Nun lassen Sie mich Ihnen eine schnelle Sounddemonstration der Verwendung der Power-Off Schichtung sowohl in der rhythmischen Sound Kid Schaffung auf die Anordnung der Noten im Sequenzer, um neue Farben, prominentere Akzente und einen einzigartigen Sound zu schaffen Farben, . Also habe ich dieses Beispiel hier mit niedrigem Perkussion auf Orchesterbass, Drums niedrig, Toms High, Tom's Shaker, Symbole und so weiter komponiert Drums niedrig, Toms High, Tom's Shaker, . Und wenn wir jedes alleine spielen, die orchestrale Bassdrum, die niedrigen Tom's und so weiter, können sie sich alleine ziemlich gut klingen. Aber es ist, wenn Sie sie zusammen schichten. Und wenn wir in die Pianorolle und Butch gehen, wenn ich all diese Teile auswähle, können Sie dies sehen Wenn ich mich jetzt verklage, dass die Akzente der Bassdrum hier auf die niedrige Note hier trifft , oder ex mit Schichtung auf Lose aus der andere Percussion-Ports, das ist, was schafft mehr Einfluss auf die spezifischen Beats. Also, wenn wir uns jetzt alles zusammen anhören, hört es sich so toll an. Sie haben nun die Power-Off Layering gelernt, um neue und einzigartige Farben zu schaffen und auch die Akzente in Ihrer Musik zu verbessern. Also lassen Sie uns im nächsten Video fortfahren. 24. Einführung der Einführung der Aufwand des Rhythmus: Viele Komponisten konzentrieren sich sehr auf kreative, ausdrucksstarke Melodien, kraftvolle Motive und bunte Akkordprogressionen. Aber was ist mit Rhythmus? Die rhythmischen Auftritte in deiner Musik sind unglaublich wichtig, da es die sehr coole Musik ist. Und wie alles in der Musik braucht Rhythmus auch Variationen in Performance, Bewegungsbewegung und Dynamik. Um es für den Zuhörer interessant zu machen, habe ich eine Liste von meinen besten Dingen erstellt, auf die ich mich konzentrieren kann, um eine großartige Leistung mit deinem rhythmischen Sound-Kit zu erstellen . Gehen wir durch sie eins nach dem anderen in diesem Modell. 25. Variation der Intensität: einer der wichtigsten Aspekte von jedem rhythmischen Klang ist die Intensität aus jeder Note, wie hart die Trommel getroffen wird, wie intensiv die Saiten der Gitarre oder gestummt und so weiter. Die Variation in der Dynamik der höchsten Intensität markiert einen Akzent und die niedrigste Intensität oder oft als Grace-Noten verwendet, was bedeutet, dass sie kaum zu hören sind, aber immer noch etwas Gewürz in der Leistung in Ihrem D. W. oft als Grace-Noten verwendet, was bedeutet,dass sie kaum zu hören sind, aber immer noch etwas Gewürz in der Leistung in Ihrem D. W. Geschwindigkeitswerte von 0 bis 127 die weichsten von weich bis lautesten. Hier sind also zwei Klaviernoten. Die 1. 1 hat den Geschwindigkeitswert von eins, und die 2. 1 hat 127. Wie Sie sehen können, ist das die Mex, und dies ist die niedrigste, mit der Sie eine Note spielen können. Also, wenn ich das jetzt spiele, müssen Sie wirklich sehr genau zuhören, um tatsächlich sogar den Ton abhören. Diese erste Note hier und dann wird dies bei voller Lautstärke strahlen. Also mach dich sofort darauf bereit. Natürlich war dies ein extremes Beispiel. Also lass mich zurück in den Sequenzer gehen und dann hast du diesen Piano-Track und ich haben einen Drum Track sowie einen Basstrack vorbereitet . Und der Grund, dass dieser Sport mehr in Rot ist, ist, weil ich in den Pianorollen-Editor ging und die Geschwindigkeitswerte für diese Noten erhöht. Der Durchschnittswert hier in diesem Port ist viel höher als der durchschnittliche Geschwindigkeitswert hier, und Sie können diese von den Farben hier sehen, die hier grün und bläulich ist, hier und in diesem Teil mehr Gelb- und Rottönen, , die die Farben sind, verwendet zumindest die Logik, um die Geschwindigkeitswerte für jede Note anzugeben. Wenn wir uns das jetzt anhören, werden Sie hören, dass es in diesem zweiten Teil aus dem ersten Teil viel höhere Intensität ist. Lassen Sie uns also hören, und Variation in der Intensität ist nicht nur für einen individuellen Klang wichtig, sondern auch für den gesamten rhythmischen Bereich als Ganzes . Gewöhnlich hat der eigene Chor eine durchschnittlich höhere Intensität, vor allem für die rhythmischen Teile, da sie der Kern sind, der die Musik vorwärts treibt. Ihr Ziel ist es, den Bereich off Intensität als dynamische Leistung zu nutzen, um Ihre Rhythmen Mawr einnehmend und interessantzu machen Ihre Rhythmen Mawr einnehmend und interessant dadurch noch leistungsfähiger, da die Akzente stärker fühlen, wenn sie umgeben von weniger intensiven Zellen. Großartig. Jetzt haben Sie die Bedeutung der Variation in der Intensität gelernt und sich auf diese Dynamik- und Geschwindigkeitswerte von jeder Note in Ihrer Performance zu konzentrieren . Also lassen Sie uns im nächsten Video fortfahren. 26. Variation der Komplexität: kann man Looks in den Rhythmen haben, was viele Noten in jeder Bar auf vielen verschiedenen Instrumenten bedeutet, die Sie hier in diesem Abschnitt sehen können , der in den rhythmischen Mustern viel los ist. Oder Sie können einen sehr einfachen Beat haben , den Sie hier ein Beispiel sehen können. Aber du brauchst Variation in allen Bereichen deiner Musik und für alle einzelnen rhythmischen Elemente. Zum Beispiel der Interport einer Komposition in der Regel einen sehr einfachen Rhythmus, um den Hörer in den Groove vom Song zu führen . Und dann kann es in anderen Häfen komplexer werden von der Komposition, den komplexesten und BC rhythmischen Mustern, oder Dingen wie Phils Übergänge zwischen Sektionen und natürlich den klassischen Trommel- und Percussion-Seelen. Ihr Ziel ist es, dynamischere Interesse und Variation in der Action zu schaffen und Ihre Musik zu vertreiben , indem Sie die Bandbreite von Komplexität in Ihren rhythmischen Teilen von einfach und Sport zu komplex und dicht verwenden. Jetzt lassen Sie mich Ihnen eine schnelle Sounddemonstration geben, die Komplexität aufbauen, von einfach und Sport zu einem viel komplexeren und interessanteren Rhythmus gehen. Also habe ich zwei Tracks, die hier einen Rhythmus spielen, einen Drum Track und eine Basis, und ich habe den ersten Abschnitt dunkelblau und diesen einen rot markiert. Also diese System oder einfache rhythmische Muster und dann dieser Abschnitt ist viel Einstellung Komplexität , die Sie sehen können, wenn ich in den Pianorolle-Editor gehen. Es gibt noch viel mehr Notizen in dieser Partier. Beide Teile teilen die gleiche Tempel- und Akkordstruktur. Der einzige Unterschied ist hier die Komplexität der rhythmischen Muster. Also lasst uns mal zuhören. Erstaunlich. Jetzt haben wir gelernt, wie wichtig die Variation der Komplexität von deinen Rhythmen ist und sich sowohl auf die verschiedenen Bereiche deines Songs als auch auf die einzelnen Rhythmen für jedes Instrument konzentrieren . In Ordnung, lassen Sie uns mit dem nächsten Video fortfahren. 27. Variation in Mustern: Variation in Villa Mick Muster, da Rhythmus ist der Kern und Anker off Musik. Dies ist einer der schwierigeren Aspekte in einer Komposition, denn der Hörer braucht einen Rhythmus, um an etwas festzuhalten, das sich vertraut und vorhersehbar anfühlt . Aber gleichzeitig wünscht er Abwechslung . Als Komponist musst du diese Dinge Wiederholung und Variation in den sehr rhythmischen Mustern, die du in deiner Komposition kreierst, ausgleichen . Sie brauchen Wiederholung, um den Anker von der Route Big Foundation zu setzen. Aber er braucht auch etwas Variation, um ein interessanteres Musikstück zu schaffen. Der beste Weg, Variation einzuführen, ist natürlich in den verschiedenen Abschnitten Ihrer Musik und auch in den Übergängen zwischen ihnen. Aber Sie brauchen auch eine gewisse Variation in den Rhythmen innerhalb der einzelnen Abschnitte. Ein natürlicher Armen, um einige Spione in den Trommeln und Perkussion hinzuzufügen, ist zum Beispiel jeder vierte Ball mit ein wenig Füllung. Sie können auch Variation einführen, indem Sie eine weitere Ebene aus Ton oder sogar ein Symbol einen Klang in der Mitte des Rhythmus fallen zu lassen, denn in der Musik ist Stille genauso wichtig wie Klänge. Ihr Ziel als Musikkomponist ist es, eine gute Balance zwischen Wiederholung und Variation in Ihren rhythmischen Mustern in Ihrer Komposition zu schaffen . Viele aufstrebende Komponisten oder größere Melodien, Akkorde und Harmonien, aber manchmal vergessen, Zeit und Energie zu verbringen, um diese sehr wichtigen Details und Variationen in den rhythmischen Ports zu lüften . Lassen Sie mich Ihnen nun eine kurze Demonstration oder Variation der rhythmischen Muster geben. Also habe ich hier zwei Tracks, einen Drumtrack und einen Basstrack, und ich habe tatsächlich mit Kühlern die kleinen kleinen Füllungen markiert, die ich hinzugefügt habe, um Variation in den Gönnern aus den Rhythmen hinzuzufügen . So ist es üblich für jede vierte Bohrung 1234 hier, hier am Ende, bevor das nächste Board beginnt, ein wenig zu füllen, vor allem für die Trommeln und Perkussion. Aber ich habe auch hier einige Variationen in die Basislinie aufgenommen. Und am Ende der Strecke habe ich eine etwas längere Variation in den Mustern für die Basis und das Ende der vierten Bohrung hier und für diesen Abschnitt vor dem Ende der Strecke, und ich fügte sogar eine kleine Variation im Muster in der endgültigen Port von jeder zweiten Bohrung hier. Also hier hier, lasst uns mal zuhören, um diese Sounds zu haben und in der Tat, schauen wir es in den Pianorollen Editoren, so dass Sie alles für sich selbst viel deutlicher sehen können . In Ordnung, also haben wir auch die erste kleine Variation hier am Ende der Bohrung, auch die erste kleine Variation hier am Ende der Bohrung, wie Sie hier sehen können. Ah, das Ende der Takte vier, die hier in den nächsten Abschnitt geht, das Ende des zweiten Balkens von Abschnitt zwei. Man kann hier die kleine Füllung sehen, und natürlich hat das Ende des Tracks viel mehr Variation in den rhythmischen Mustern. Also, jetzt lassen Sie uns all das hören. Faszinierend, nicht wahr? Jetzt haben Sie die Bedeutung der Variation in Ihren Rhythmen gelernt, aber Sie müssen sich bewusst sein, das Gleichgewicht zwischen Wiederholung und Variation. Zu wenig Variation und die Rhythmen klingen statisch, langweilig, solarisch und überhaupt nicht inspirierend. Und zu viel Variation wird wie ein Schlagzeuger klingen, der eine verrückte Seele macht und sich weigert, aufzuhören. Es ist deine Aufgabe als Komponist, diese Balance für jedes Musikstück zu finden, das du erschaffst. In Ordnung jetzt, lassen Sie uns im nächsten Video fortfahren 28. Variation in der Timing: Musik ist mehr als nur Notizen auf Papier oder im Raster Ihres d aaw. Es ist eine menschliche Verbindung zu eurer künstlerischen Seele auf die Sache, die uns menschlich macht. Unsere Unvollkommenheiten sind auch das, was sich natürlicher und emotionaler in der Musik anfühlt. Dies bedeutet, dass ein Komponist, der Musik in einem DEA W produziert. Sie müssen sich darauf konzentrieren, Variation in der sehr Timing off alle Instrumente, Sounds und Tracks in Ihrem Projekt, sowohl das Gesamt-Timing als auch das Timing für einzelne Noten. Zum Beispiel, in musikalischer Hinsicht, wenn die Musik etwas vor dem Beat gespielt wird, heißt sie rauschend, weil sie eine energischere und gut russische Stimmung schafft. Und wenn die neuen Signale leicht nach dem Beat abgespielt werden, heißt es Dragging, was sich anfühlt, als wäre die Musik hinken und das macht Sie mit Vorfreude auf den Rand. Für jede neue Note können Sie verschiedene Abschnitte von Ihrer Musik haben. Entweder eilen oder ziehen Sie, um Variationen in der Gruppe von Ihrem Song einzuführen, und Sie werden überrascht sein, wie selbst sehr winzige Änderungen im Timing aus dem Groove einen großen Unterschied für die Stimmung auf Energie aus Ihrer Komposition machen können . Zum Beispiel, wenn Sie Ihre Musik ein wenig ziehen, bevor der Chor kann große Vorfreude und Spannung erzeugen, bevor der Chor trifft und das Bit im Abschnitt Russland hat, kann es sich energischer anfühlen . Zum Beispiel, im Chor, ein weiterer sehr wichtiger Aspekt des Timings in einem D. W. ist für die Monetarisierung. Wenn Sie Bindungen alles 100% an das Raster nennen, haben Sie im Grunde alle winzigen Unvollkommenheiten im Timing entfernt, die Musik lebendig und menschlich klingen lassen . Ich empfehle Ihnen, weniger Qantas Stärke zu verwenden und stattdessen manuell die meisten außerzeitlichen Noten in Ihren Aufführungen anzupassen . Und wenn es um Timing-Unterschiede geht, ist nicht nur der Ausgangspunkt jeder Note wichtig, Sie sollten auch eine Variation in der Timing von den Notenlängen haben. beispielsweise an, Nehmen wirbeispielsweise an,Sie haben eine Grundlinie mit achten Noten. Nun, um es musikalischer, menschlicher und lebendiger klingen zu lassen, sollten Sie nicht alle Modi genau acht Knoten in der Länge in der Note haben. Einige können etwas kürzer und einige etwas länger sein. Ihr Ziel als Komponist ist es, alle Timing-Elemente in der Musik wie Hetzen und Ziehen Timing off Startpunkte für jede Note zu verwenden , sowie Notenlängen, um Ihrem P gleich oder lebendig, organisch ausdrucksstark auf emotionale Ergebnisse zu geben . Lassen Sie mich Ihnen nun eine schnelle Klangdemonstration eines statischen Roboterrhythmus ohne Timing-Variation im Vergleich zu einer rhythmischen Performance mit all diesen essentiellen menschlichen und organischen Timing-Unvollkommenheiten geben, die Musik wirklich lebendig werden lässt. In Ordnung, also muss ich hier Ports machen. Der erste Greenport ist gerade Quoteit, ized, statisch und Solis. Und im zweiten Teil habe ich Variation im Timing sowohl bei Notenstarts als auch bei Notenlängen hinzugefügt. Wie Sie sehen können, wenn wir in die Klavierrolle für den ersten Teil gehen und hier einen Blick werfen, ist alles sehr gerade und kwon am engsten. Zum Beispiel, hier der PM Bericht gerade achte Noten ohne Variation in der Länge oder Startpunkt . Die Grundlinie als auch dort ist statisch, und wenn wir zum zweiten Teil gehen, lassen Sie uns das Klavier hier überprüfen. Hier sehen Sie viele Variationen in Notizen, Längen und Timings, und hier ist die Basis für den zweiten Teil. Wie Sie Variationen in Notenlänge und Timings sehen können, vor allem der erste Abschlag. Jedes Neugeborene ist länger, und ich habe auch den gesamten Basisport leicht nach links ausgerichtet, wie Sie aus den Noten sehen können, Startpunkte im Vergleich zum Raster. Lassen Sie uns also den Unterschied zwischen dem ersten statischeren und Roboterport hören. Im Vergleich zu der zweiten, lebendiger und menschlicher fühlen sich Groß. Sie haben nun die Bedeutung der Variation im Timing in allen Aspekten der Musikkomposition gelernt , also lassen Sie uns im nächsten Video fortfahren. 29. Variation in Tempo: Variation im Tempo. Dies ist ein Aspekt der Musik, der extrem kraftvoll für die emotionale Reaktion ist. Aber es ist auch etwas, dass viele Komponisten und Produzenten heute nicht voll ausschöpfen . Wenn Sie Film, Musik und Orchestermusik hören, werden Sie während der Komposition viel oder Variation im Tempel hören und verspüren . Grundsätzlich bedeutet dies, dass Sie anstelle eines statischen BPM für den gesamten Song Tempeländerungen während Ihrer Komposition automatisieren. Für Popmusik wie Brooke E G. M Beats etc. Sie können auch die Power Off Tempelvariante nutzen, um leistungsfähigere und ansprechendere Erfahrung zu erzielen . Zum Beispiel der Vers etwas niedriger bpm im Chor, etwas höher als ADM oder Energie oder mit dem Ende des Songs Gold Down in BPM, was sehr häufig für Live-Bands und Orchesterstücke ist. Eine weitere große Technik ist es, kurz vor dem Chor im Tempel hinunter zu gehen, weil es den Pre-Chor-Sport eine erhöhte Spannung und Vorfreude erweitern wird . Dies wird die Einführung des Chors das Gefühl geben, dass er noch härter trifft, und der Hörer wird im Himmel sein. Stellen Sie also sicher, dass Sie nicht in die Falle fallen, indem Sie einfach ein BPM für Ihren Song auswählen und es dann während der ganze Komposition. Denken Sie immer an die goldene Regel von Musik, Variation , Bewegung, Bewegung und Dynamik. sind alles die Essenz dessen, was Musik ausdrucksstark, emotional und einnehmend für den Hörer macht . Lassen Sie mich nun mit einer kurzen Sounddemonstration abschließen, wie wir Variationen im Tempel verwenden können um Ihrer Musik und Rhythmen und viel reichere und tiefere Dimension zu verleihen, um Ihre Musikgeschichte noch leistungsfähiger zu gestalten. Hier in diesem Beispiel können Sie sehen, dass ich Temple Automation zur Spur hinzugefügt habe. Ich beginne mit 100 BPM im ersten Teil und dann, bevor der Kurs trifft, hier ist , habe ich Tempoautomatisierung hinzugefügt, um in BPM zu gehen, was die Inhaftierung und Vorfreude für den Zuhörer erhöht. Und dann trifft die Kerne und ich gehe bis zu 103 bpm, was etwas höher ist als ich mit angefangen habe. Das entspricht also mehr Energie haben, und dann am Ende des Tracks, gehe ich drastisch in BPM nach unten, wie Sie hier sehen können, was viel Vorfreude für diesen letzten Hit aus dem Song schafft, also Lasst uns mal zuhören. Hier ist eine Fantasy-Stil Tatsache, dass ich für einen Trailer auf einem meiner YouTube-Kanäle komponiert. Und wie Sie sehen können, habe ich eine schwere Tempelautomatisierung hier am Ende aus dem Stück, um es zu einem entspannteren Ende zu bringen . - Erstaunlich . Sie haben jetzt gelernt, wie und warum Tempo Variationen in Ihrer Musik oder so unglaublich mächtig um Bewegung und Bewegung in Ihre Musikgeschichte zu bringen, so stellen Sie sicher, dass Sie die Vorteile der Power Off Tempel-Variation in Ihrer Musik jetzt nutzen. Lassen Sie uns im nächsten Video fortfahren.