Realistische Farben: Ein Leitfaden für Anfänger

1. Einführung: Hallo, mein Name ist Kendall Villegas und ich bin Vollzeitkünstler und Illustrator. Meine Arbeit wird in Zeitschriften und Videospielen verwendet, auf Verpackungen und Werbung, parallel. Ich liebe es auch, meine Erfahrungen in der Kreativbranche zu teilen. Mit euch allen auf YouTube und natürlich hier auf Skill Share. Eine der häufigsten Fragen, die ich von beginnenden oder aufstrebenden Künstlern auf YouTube oder sozialen Medien bekomme , ist, wie kann ich überzeugende, realistische Farben in meiner Arbeit erstellen ? In dieser Klasse werden wir diese Frage auspacken und Farben für traditionelle Künstler systematisch und umfassend angehen . Lernen Sie fünf wichtige Dinge, erstens, um grundlegende Farbmerkmale wie Wert, Farbton und Sättigung zu identifizieren. Zweitens, um Farbharmonie zu erstellen und Farbbeziehungen zu verstehen, indem Sie das Farbrad verwenden. Drittens, um eine Palette zu bauen. Also, wie man tatsächlich wählen Sie die Farben, die Sie in Ihrem Gaumen verwenden, wie man diese zusammen, wir decken, dass sowohl mit einem reinen Pigmentfarben und mit Farben, die Mischungen oder Mischungen sind. Nummer vier, wie Sie genau identifizieren und sehen die Farben, die in Ihrer Referenz sind, und zuletzt, wie Sie das alles zusammen bringen, wie Sie die Farben mischen, die Sie in Ihren Referenzen sehen, und passen Sie sie an Ihre -Referenz in der Malerei oder Zeichnung, die Sie erstellen. Wir werden eine Reihe von Sit-Down-Lektionen haben, in denen ich alle Theorie und Konzepte hinter jedem dieser fünf Punkte auspacken werde und dann eine detaillierte Echtzeit-Demo haben, in der ich von Anfang bis Ende ein Gemälde erstelle und jedes einzelne Farbwahl, die ich auf dem Weg mache und wie es sich auf die Konzepte bezieht, die wir in der Klasse abgedeckt haben. Sie erhalten sowohl die Sit-Down-Theorie als auch die Echtzeit-Ausführung. Diese Klasse eignet sich am besten für traditionelle Medienkünstler. Ich würde sagen, wenn Sie ein digitaler Medienkünstler sind, werden Sie immer noch einige Dinge haben, die Sie mitnehmen können, die wertvoll sein werden, aber das ist definitiv auf traditionelle Medienkünstler ausgerichtet. Leute, die in Farbe oder Pastell- oder Bleistift arbeiten, alle physischen Medien, wahrscheinlich auch am besten geeignet für diejenigen, die bereits ein wenig Vertrautheit mit dem Zeichnen haben und die wirklich nur wollen, um ihre Fähigkeiten auf die nächste Ebene zu bringen, indem lernen, wie man Farbe effektiv zu verwenden. Nachdem Sie diesen Kurs abgeschlossen haben, haben Sie ein gutes Verständnis der grundlegenden Farbtheorie und Sie werden in der Lage sein, diese theoretischen Konzepte auf wirklich praktische Weise auf Ihre eigene Arbeit anzuwenden , um Sinn für schöne, realistische Farbe. Ich hoffe, du kommst mit mir in die Klasse. Ich bin super aufgeregt, loszulegen und mit euch allen in eines meiner Lieblingskonzepte einzutauchen. 2. Farbterminologie: Für die erste Lektion werden wir in einige der grundlegenden Eigenschaften der Farbe eintauchen. Wir gehen über vier Eigenschaften zu gehen. Dazu gehören Farbton, Wert, Sättigung und Temperatur, wir werden jedes von ihnen definieren und auspacken, wie sie sich auf Kunst und Kunst beziehen und warum sie gute Dinge sind, auf die man sich bewusst sein muss. Der erste Begriff, den wir anpacken werden, ist Wert. Wert bedeutet nur, dass Dunkelheit oder Helligkeit einer Farbe, dunklere Farben näher an Schwarz auf der Grauskala, hellere Farben sind näher an Weiß auf der Grauskala. Wert ist wirklich ein entscheidender Begriff für alle Künstler, um eine Kunst zu verstehen und zu identifizieren, da sie oft die Form des Subjekts bezeichnet. Wert ist, wie wir ein Gefühl haben, wo die hohen Bereiche eines Subjekts sind, weil diese in der Regel leichter, vielleicht sogar heller sind , und die dunkleren Bereiche eines Subjekts neigen dazu, die Teile zu sein, die nach unten sinken oder zurückkehren. Mit einem guten Sinn und der Fähigkeit, Wert in Ihrer Arbeit zu identifizieren, wird es Sie leichter in der Lage ein Gefühl von Form und Dreidimensionalität zu schaffen, es ist wirklich der Eckpfeiler für eine realistische Arbeit, und deshalb ist der erste Schritt, wenn Sie das erste Zeichnen lernen, oft monochromatische Bleistiftskizzen zu machen. Ich weiß, manchmal kann es sich so anfühlen, das ist so langweilig, was ich wirklich tun möchte, ist zu lernen, wie man in voller Farbe malt, und Sie werden absolut dorthin kommen, das werden Sie lernen. Aber es ist wirklich wichtig, ein gutes Gefühl für Wert und Form zu haben , bevor Sie in Farbe tauchen, da es das Skelett ist, auf dem alles andere ruht, und wenn das nicht vorhanden ist oder es nicht stabil oder stabil ist, gehen Sie um eine wirklich harte Arbeit zu machen, die realistisch aussieht und vor allem Arbeit, die Farbe hat, das ist realistische Farbe. Also, wie Wert Worksite auf diese ein wenig bereits berührt, aber dunklere Farben neigen dazu, zurück zu sinken und hellere Farben neigen dazu, nach vorne zu steigen, wenn Sie nur einen Blick in den Raum, in dem Sie sind, alles um Sie herum, werden Sie feststellen, dass die höhere Punkte eines Objekts sind heller und die unteren Punkte eines Objekts sind dunkler. also lernen, wie man Wert sieht wird dies eine lebenslange Praxis und eine lebenslange Übung sein , wenn Sie realistische Kunst schaffen wollen, aber es gibt einen super hilfreichen Trick, der etwas, das ich gelernt habe, als ich in Kunstschule und ich benutze es noch heute die ganze Zeit, und es fühlt sich wirklich einfach an, aber der Trick ist im Grunde nur, um Ihre Augen zu schielen. Also schielen ich wie fast dahin, wo sie komplett geschlossen sind, wo man nur das kleinste Stück Licht reinlässt und es Ihnen schwer fällt, Details zu sehen, man will keine Details sehen. Du versuchst nur, deine Augen so nah wie möglich zu haben , während du immer noch nur diesen winzigen kleinen Lichtblitz hereinlässt, und während du das tust, kannst du dich drehen und dir das Thema ansehen, das du zu zeichnen versuchst. Nun, was Sie bemerken werden, ist, dass Sie keine Details sehen können, die alle durch das Schielen etwas verdunkelt werden. Es wird Ihnen wirklich helfen zu identifizieren, wo die größten Bereiche der Dunkelheit und die größten Bereiche des Lichts sind, und das ist der entscheidende erste Schritt, um Wert zu sehen , ist zu verstehen, wie Dunkel und Licht getrennt sind wo sie wirklich dunkelste dunkel sind und wo sie wirklich leichteste Lichter sind, und sobald Sie diese dunkelsten dunklen und hellsten Lichter identifiziert haben, dann können Sie versuchen, ein wenig zu vergleichen und sehen, wo die Mitteltöne sind, und das wird geben Sie einen guten Sinn für das Wertespektrum Ihrer Probanden. Daher werden wir später viel mehr über den Wert sprechen und wie man ihn anwendet und wie man ihn identifiziert und ihn in Ihrer Arbeit sieht. Aber im Moment gehen wir einfach weiter mit unseren anderen Begriffen und Eigenschaften der Farbe, und der nächste ist der Farbton. Farbton ist im Grunde nur ein Merkmal einer Farbe, die es entweder rot, grün, blau, gelb, was auch immer erscheinen lässt . In gewisser Weise können Sie denken, Farbton ist nur ein anderes Wort für Farbe. Der nächste Begriff ist Sättigung, und Sättigung kann als die Intensität oder Reinheit einer Farbe betrachtet werden. Je reiner, das Pigment in der Farbe, desto gesättigter wird, und je stumpfer, desto weniger gesättigt. Jetzt Sättigung lernen, Sättigung sehen zu lernen, kann zunächst schwierig sein. Es ist besonders schwierig, wenn Sie versuchen, realistische Arbeit zu schaffen. Wir werden also später über einige Tricks sprechen, um zu erkennen und zu lernen, wie gesättigte Farben sind. Aber für jetzt, einige Dinge im Auge zu behalten, über die Art und Weise Sättigung funktioniert in einem Gemälde entsättigt Farben sind Farben, die weniger gesättigt sind, neigen dazu, wieder auf die gleiche Weise zu sinken, wie dunkle Farben tun, und wir werden weniger Aufmerksamkeit auf sich ziehen. Sie scheinen in der Regel nicht so laut oder offensichtlich wie gesättigte Farben, und mehr gesättigte Farben sind das Gegenteil, natürlich neigen sie dazu, mehr an der Oberfläche zu entstehen, sie sind lauter oder visuell, sie lenken mehr Aufmerksamkeit auf sich selbst. Jetzt, wie man die Sättigung sieht. Wir haben bereits darüber gesprochen, wie man den Trick mit dem Schielen der Augen sieht. Aber insgesamt ist der beste Weg, um zu lernen, Sättigung zu sehen, im Vergleich Sie werden sich eine Farbe ansehen, Sie konzentrieren sich auf einen bestimmten Bereich in Ihrer Referenz und bekommen ein Gefühl versuchen Sie einfach, einen anfänglichen Darm-Instinkt zu haben, welche Farbe Sie denken, Also, was ist der Farbton? Ist es ein Rot? Ja, es ist ein Rot. Was ist der Wert? Wie dunkel oder hell ist es? Was ist die Sättigung und der beste Weg, um die Sättigung zu verstehen, ist, indem Sie die Farbe, auf die Sie sich konzentrieren, mit den anderen Farben vergleichen und visuell nur Ihren Weg durch das Bild machen und sagen, okay, ich habe das Roter Bereich hier, ist das mehr rot? Ist das ein heller wahrer, intensiverer Rot als dieses andere Rot hier drüben, oder ist es weniger hell? Weniger intensiv? Es ist also ein Hin und Her Vergleich, nun, zuerst zu suchen, dann zu vergleichen zuerst zu suchen, dann zu vergleichen und dann zu bewerten, um zu sehen, wie genau es ist, und wieder werden wir darüber viel mehr sprechen und Sie werden Demos von mir sehen, die es tun, aber das ist der breite Spielraum, um die Sättigung zu sehen und zu bewerten, und mit der Praxis wird das Sehen der Sättigung auf diese Weise tatsächlich wirklich natürlich werden. Einige Leute mögen es natürlich schon tun, aber für die meisten von uns ist es eine gelernte Fähigkeit, und deshalb werden Sie daran denken, dass für viele Künstler, die beginnen, die Tendenz zu übersättigen, und es gibt eine Reihe verschiedener Gründe dafür, über die wir in einer weiteren Lektion mehr sprechen werden. Aber nur daran zu denken, dass die Tendenz für meisten Künstler besteht darin, Farben zu verwenden, die zu gesättigt sind, dh wenn Sie versuchen, realistische Farben zu schaffen, ist die Sättigung etwas, das mit etwas Diskretion und nur in kleinen Mengen verwendet. Bevor wir zur Temperatur übergehen, die unsere vierte und letzte Amtszeit ist, möchte ich eine kurze kleine Diskussion über die Beziehung zwischen Wert und Sättigung führen. Die Beziehung zwischen der Dunkelheit oder der Leichtigkeit einer Farbe und der Beziehung zwischen der Intensität oder Reinheit dieser Farbe. Wert und Sättigung sind sehr oft miteinander verknüpft, aber sie müssen nicht unbedingt sein. Zum Beispiel ist dieses tiefe reine Rot ein dunklerer Wert als dieses leuchtend reine Gelb. Dies sind beide reine Pigmentfarben, was bedeutet, dass sie beide gesättigt sind, aber einer von ihnen hat einen von Natur aus dunkleren Wert als der andere. So können Sie mit reinen, vollständig gesättigten Farben sehen, einige Farben werden natürlich dunkler, einige Farben werden natürlich heller sein, und ein weiteres Beispiel sind diese beiden sehr hellen Farben. Also beide sind wirklich leicht in Bezug auf den Wert, sie beide haben viel Weiß in ihnen, aber einer ist ziemlich gesättigt Sie können sehen, dass dieser hier ziemlich gesättigt ist, und der andere ist wirklich überhaupt nicht gesättigt, aber sie sind beide die gleiche Leichtigkeit. Also nur ein Verständnis zu haben, dass, nur weil etwas dunkler ist, nicht bedeutet, dass es gesättigter ist und umgekehrt. Diese Begriffe werden immer klarer werden, wenn Sie sie in Aktion und in weiteren Lektionen und in der Demo sehen, also hängen Sie bei mir für einen weiteren Begriff, eine weitere Definition eines Begriffs, und das ist Temperatur. Temperatur einer Farbe ist die inhärente Wärme oder Kühle dieser Farbe. Eine sehr einfache Möglichkeit, darüber nachzudenken, wäre, dass es warme Farben wie Rot, Orange, Gelb und kühle Farben wie Blau, Grün und Lila gibt. Aber die komplexere und wahrscheinlich realistischere Art, darüber nachzudenken , ist, dass es warm und kühl von so ziemlich jedem Farbton gibt, den Sie sich vorstellen können. So gibt es warme Rottöne und kühle Rottöne warme Gelbe und kühle Gelbe ein warmes Blau und kühles Blau. Verschiedene Pigmente und verschiedene Mischungen haben diese unterschiedlichen Temperatureigenschaften, unterschiedliche Wärme oder unterschiedliche Kühle und in Bezug auf, wie sie sich in einem Gemälde verhalten, kühlere Farben, wie dunklere Farben und wie weniger gesättigt Farben neigen dazu, zurück zu sinken und sind ein wenig leiser, und wir werden mehr wie ein Schatten lesen, und wärmere Farben neigen dazu, an die Oberfläche wie gesättigte Farben, wie helle Farben zu steigen. Wärmere Farben neigen dazu, an die Oberfläche zu steigen und mehr Aufmerksamkeit auf sich zu lenken. Es ist wichtig zu beachten, dass Temperatur, Wärme oder Kühle einer Farbe, wahrscheinlich einer der subjektiveren Aspekte der Farbe ist. Alle Farben, wie alle bildenden Kunst, sind etwas subjektiv, aber die Temperatur neigt dazu, ziemlich subjektiv zu sein, und was ich damit vor allem meine, ist, dass die Menschen sie auf unterschiedliche Weise erleben werden. Ein gutes Beispiel ist also der Unterschied zwischen Ultramarinblau und Cerulean Blau. Mir scheint es also ziemlich offensichtlich, dass Ultramarin die kühlere Farbe ist und dass Cerulean das wärmere Blau ist. Aber es gibt viele Menschen, die es tatsächlich auf die entgegengesetzte Weise sehen, wie sie Cerulean so kühl und ultramarin wie warm sehen. Das ist völlig in Ordnung und es sollte Sie nicht alarmieren oder machen Sie nervös über die Verwendung von Farbe. Das Wichtigste ist, dass du in deinem eigenen Universum der Malerei konsistent bist, wenn du wie ich bist und du siehst, dass Ultramarin das kühlere Blau ist, nur ein Bewusstsein dafür hat und ultramarin konsequent als kühleres Blau benutzt, und cerulean oder [unhörbar] oder was auch immer anderes Blau Sie als das wärmere Blau verwenden werden, und das wird Ihnen immer noch erlauben, wirklich interessante und einheitliche Farbbeziehungen zu schaffen . Das ist es für unser Intro der Farbterminologie. Herzlichen Glückwunsch, du hast es durchgemacht. Als nächstes werden wir ein wichtiges Werkzeug für die Verwendung und das Verständnis von Farbe diskutieren, das ist das Farbrad und speziell komplementäre Farben. 3. Beziehungen zwischen Farben: Wenn Sie jemals eine Kunstklasse genommen haben, vielleicht sogar eine Grundschule Kunstklasse, stehen die Chancen, dass Sie wahrscheinlich eine davon gesehen haben. Aber falls Sie es nicht getan haben oder falls Sie nicht im Klaren sind, wie ein Farbrad verwendet werden kann, gehen wir kurz darüber in dieser Lektion. Dies ist ein Farbrad. Ein Farbrad kann sehr einfach oder sehr komplex sein. Die meisten Farbräder haben mindestens drei Primärfarben, die Farben, die nicht aus anderen Farben und den drei sekundären Farben gebildet werden können. Einige Farbräder haben auch tertiäre Farben, d. h. die Farben, die durch Vermischen von Primärfarbe und einer Sekundärfarbe hergestellt werden. Der Hauptgrund, warum wir über das Farbrad sprechen, ist, weil es der beste Weg ist , dass ich weiß, wie man Farbbeziehungen versteht. Ich werde nicht Ihre reproduzieren ein Farbrad oder machen Sie Ihre eigenen Farbrad obwohl, fühlen Sie sich frei, wenn Sie es wollen, kann Spaß und therapeutische Sache zu tun. Der wichtigste Weg, den ich immer noch mein Verständnis und Wissen über das Farbrad verwende , besteht darin, Farbharmonie und Farbbeziehungen zu verstehen. Ein Begriff, den Sie wahrscheinlich schon gehört haben, wenn Sie eine Kunstklasse genommen haben , sind ergänzende Farben. Komplementäre Farben sind Farben, die direkt gegeneinander auf dem Farbrad liegen . Die Verwendung komplementärer Farben in Ihren Bildern kann ein wirklich leistungsfähiges Werkzeug sein, da diese beiden Farben wirklich hohen Kontrast sind und hohe Kontrastfarben nebeneinander setzen , um die größte Kontraststufe zu haben, kann dieses Gefühl Vibration und Lebendigkeit in beiden dieser Farben und kann wirklich helfen, springen aus dem Substrat. Andere Arten von gemeinsamen Farbbeziehungen sind triadische und verwandte Farben. Triadische Farben werden aus Gruppierungen drei äquidistanten Farben auf dem Farbrad gemacht. Dadurch entsteht ein hoher Kontrast, der die Farblebendigkeit verstärken kann und diese Farben in Ihrem Gemälde synchron machen kann. Verwandte Farben sind eine Gruppierung von einem Mann Farbe plus zwei anderen Farben, die in der Nähe auf dem Farbrad sind. Wenn es Ihr Ziel ist, realistisch zu malen, worüber wir in dieser Klasse sprechen, werden Sie die meisten Ihrer Farbhinweise direkt aus Ihrer Quelle ziehen , direkt aus der Realität. Sie können und sollten jedoch immer noch Kenntnisse der Farbtheorie nutzen , wenn Sie Ihr Gemälde planen und ausführen. Deshalb ist es so hilfreich, ein Verständnis für das Farbrad zu haben und wie Sie es verwenden können, um Farbbeziehungen zu bestimmen. Wie gesagt, ich habe normalerweise kein Farbrad mehr in meinem Studio, aber es ist etwas, das ich verinnerlicht habe. Wenn ich darüber nachdenke, strategische Entscheidungen über Farbe zu treffen. Wenn ich beschließe, dass ich eine ergänzende Farbe in einem bestimmten Bereich verwenden möchte , um wirklich die Lebendigkeit zu erhöhen, werde ich es nur geistig nennen. Wenn Sie diese Dinge wirklich gut verstehen, wenn Sie kostenlose Farben verstehen und Sie ein gutes visuelles Bild des Farbrades haben , werden Sie in der Lage sein, Farbe mit mehr Absicht zu verwenden und wirklich interessante und mächtige Effekte in Ihrer Arbeit. Wir werden mehr über die Anwendung von kostenlosen Farben in einer anstehenden Lektion sprechen , die der Name des Spiels hier und diese grundlegenden Lektionen ist. Wir führen einige Konzepte ein und dann werden wir darauf eingehen, wie sie sich in späteren Lektionen bewerben. Als nächstes werden wir in einige der tatsächlichen praktischen Dinge eintauchen, die ist, wie Sie Farben in Ihren Referenzfotos bestimmen. Es wird eine zweiteilige Lektion sein und wir werden in den ersten Teil der Lektion eintauchen , der als nächstes erscheint. 4. So lernst du, Farbwerte zu sehen: In dieser Lektion und in der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, wie Sie tatsächlich die Farben sehen und identifizieren können, die in Ihrer Referenz enthalten sind, Ihre Quelle, das Bild, von dem Sie direkt malen, um dieses realistische Werk zu erstellen. Im ersten Teil werden wir über den Wert sprechen und wie man Wert sieht. Der Grund, warum wir zuerst Wert angehen, ist genau das, was wir in dieser einleitenden Lektion über Wert gesagt haben , ist, dass das Verständnis und Sehen von Wert die Grundlage ist, ist der Schlüssel für die Schaffung realistischer Farben in Ihrer Arbeit. All das andere Zeug, über das wir reden werden, hängt wirklich davon ab. Das ist also super wichtig, kann sich ein wenig langweilig fühlen, denn wenn das, was Sie hier sind, über Farbe zu lernen, werden wir beginnen, indem wir über Schwarz und Weiß sprechen, aber glauben Sie mir, es lohnt sich, die Zeit zu investieren und zu versuchen, zu verstehen so gut, da es Ihr Leben so viel einfacher machen wird, wenn es um die tatsächliche Anwendung der realistischen Farbe in der nächsten Lektion geht . Vor allem, wenn Sie ein Anfänger sind, wann immer Sie an einem Gemälde arbeiten, wenn Sie versuchen, ein fertiges vollständiges Stück zu erstellen, nicht nur eine Skizze, sondern ein tatsächliches Stück, in das Sie etwas Zeit investieren werden, kann es sein besonders hilfreich, um ein paar Minuten zu verbringen, überall von 5-20 Minuten Erstellung von Wertstudien Ihres Themas. Eine Wertestudie ist nur eine wirklich, wirklich einfache Skizze, die neben der Linie oder der Form des Subjekts die Proportionen des Subjekts ist die neben der Linie oder der Form des Subjekts , Sie versuchen einfach, wirklich schnell nur mit einem Bleistift oder manchmal Menschen verwenden Holzkohle dafür, versuchen, zu blockieren, wo die dunklen Bereiche sind und lassen Sie aus, wo die hellen Bereiche sind. Aber Sie versuchen nur, im Grunde eine Roadmap für sich selbst zu erstellen, die dunklen Bereiche, die Mitteltöne und die hellen Bereiche. dieses Ding schnell machen, bevor Sie viel Zeit damit verbringen, tatsächlich in Ihr Gemälde zu investieren , können Sie einfach ein gutes Gefühl dafür haben wohin Sie in Bezug auf den Wert gehen und es ist, wie ich bereits erwähnt, besonders hilfreich für Anfänger, aber das ist immer noch eine Praxis, die ich heute habe, besonders wenn ich ein größeres Stück oder eine komplexere Illustration erstelle und sicherstellen möchte , dass ich diese Wertbeziehungen wirklich genagelt habe. Ich werde immer noch 10 Minuten damit verbringen, ein paar verschiedene Wertestudien zu erstellen, nur um ein Gefühl dafür zu haben. Um tatsächlich eine Wertestudie zu erstellen, werden wir einfach auf den Trick zurückkreisen, den wir in der zweiten Lektion gelernt haben, nämlich die Augen zu schielen. Sie wollen Ihr Motiv betrachten und Ihre Augen so nah wie möglich schielen , während sie immer noch den kleinsten kleinen Lichtstreifen einlassen, wollen Sie nur in der Lage sein, das Thema kaum zu sehen. Sobald Sie das getan haben, können Sie entweder nur ein Stück Papierschrott oder Ihr Skizzenbuch bearbeiten , oder es spielt wirklich keine Rolle, was die Oberfläche dafür ist, denn dies ist nur eine kurze kleine Studie. Aber sobald Sie sehen, dass Sie jedes Stück Altpapier und Ihren normalen Graphitstift oder Kohlestift verwenden können, was auch immer Sie verwenden möchten, um einfach schnell zu markieren wo Sie die dunkelsten dunklen Bereiche im Stück sehen. Wieder, beim Schielen, versuchst du wirklich, sich überhaupt nicht auf die Details zu konzentrieren. Mach dir nicht einmal zu viel Sorgen um den Anteil. Du versuchst nur, die dunkelsten dunklen Bereiche runter zu bringen und das auf dein Papier zu legen. Sobald Sie Ihre beste Vermutung haben und Sie es niedergelegt haben, werden Sie Ihre Augen öffnen und Sie werden wieder auf Ihr Thema schauen und auf das, was Sie gerade gelegt haben, und Sie wollen die beiden vergleichen und sehen, wie nah an der Realität ist das, was ich gerade auf meinem Papier gelegt habe. Wenn Sie die dunkelsten Dunkelheiten gelegt haben, wollen Sie dann vielleicht schielen, schauen Sie sich beide wieder an, sowohl Ihre Skizze als auch das Thema und vergleichen Sie die dunklen Bereiche und fragen Sie sich: „Ist das Dunkel, das ich hinlegte dunkler oder heller als der dunkle Bereich in meiner Referenz?“ Dann gehen Sie voran und passen Sie sich nach Bedarf an. Im Grunde, was wir tun, ist, dass wir in diesem Zyklus von Blick arbeiten, unsere beste Vermutung nehmen, es niederlegen, dann vergleichen wir es zurück mit der Referenz und passen sich nach Bedarf an. Das ist das gleiche Muster, das wir verwenden werden, wenn es darum geht, die anderen Aspekte der Farbe zu identifizieren. Das ist also der grundlegende Zyklus, um realistische Farben in Ihrer Arbeit zu identifizieren und zu erstellen, wirklich zu verinnerlichen, dass dieser Look wirklich verinnerlicht, um Ihre beste Vermutung wirklich verinnerlicht zu finden und realistische Farben zu schaffen. Wie Sie sehen können, meine kleine Wertestudie hier immer noch sehr grob. Es sieht überhaupt nicht so aus wie das Thema. Alles, was mir sagt, ist, wo die dunkelsten Dunkelheiten sind und wo die leichtesten Lichter sind. Aber immer noch dieser Akt, es zu schaffen, dieser Akt des Betrachtens und Kommens meiner besten Vermutung, das Festlegen, was ich denke, ich habe gesehen und dann mit dem Referenzbild verglichen und bei Bedarf angepasst, das ist immer noch war wirklich wertvoll, weil es mir ein Gefühl gegeben hat, wo diese dunklen und hellen Bereiche im Thema sind und es gibt mir auch einen kleinen Hinweis darauf, wo ich möglicherweise einige Fehler machen werde, wenn ich das letzte Stück erschaffe, weil es mir ein Gefühl dafür gegeben hat, wo ich Dinge gesehen habe, die dunkler sind als sie tatsächlich sind oder leichter als in einem wirklichen Leben. Aber so oder so, es gibt mir einen kleinen Hinweis dafür, wie mein Gehirn dieses Thema sehen will. So wie Sie sehen können, dieser Zyklus von Blick, legen, ist dieser Zyklus von Blick, legen, vergleichen und anpassen wirklich die wichtigste Zutat hier zu lernen, realistische Farbe zu sehen und auszuführen. Weil das so wichtig ist, weil das so grundlegend ist, möchte ich hier eine Pause machen und den ersten Teil des Klassenprojekts vorstellen, bei dem Sie ein Fach auswählen und eine Reihe von Wertstudien erstellen. Verbringen Sie nicht mehr als ein paar Minuten für jeden. Lassen Sie sich nicht allzu in die Details verfangen. Alles, was Sie versuchen zu tun, ist, die dunklen und die hellen Bereiche zu sehen und einige davon zu verstehen, wo die Mitteltöne sind. Dann, wenn Sie sich wohl fühlen, diese in den Klassenprojekten zu teilen, natürlich, tun Sie bitte. Ich liebe es zu sehen, was ihr dort postet und teilt. 5. So lernst du, Farbton, Sättigung und Temperatur zu sehen: Jetzt, da wir ein gewisses Verständnis über die Werte in unserem Thema haben und wie wir diese Werte identifizieren und sie auf das Papier legen, werden wir die Komplexität der Konzepte hier erhöhen und darüber sprechen, wie man sehen kann die anderen Aspekte der Farbe als auch. Wenn Sie sich aus Lektion zwei erinnern sind diese anderen Aspekte Farbton, Sättigung und Temperatur. Wir werden einen ähnlichen Gesamtansatz verfolgen, den wir gerade hatten, um Wert zu sehen, und das versucht, sich zunächst nicht zu sehr in die winzigen Details, dieNuancen, die kleinen Farbverschiebungen und die kleinen Flächen einzufangen Nuancen, die kleinen Farbverschiebungen . Ihres Subjekts. Wir folgen dem gleichen Muster des Aussehens, legen uns hin, vergleichen, anpassen. nochmals, wie wir es mit dem Wertebereich getan haben, Versuchen Sienochmals, wie wir es mit dem Wertebereich getan haben,über Ihr Thema als vereinfachtes dreidimensionales Objekt nachzudenken. Wenn Sie wie ich an so etwas wie einem Apfel arbeiten, versuchen Sie, über die vereinfachte Form eines Apfels nachzudenken, die eine Kugel ist. Wieder möchten Sie vielleicht versuchen, Ihre Augen zu schielen und sich Ihr Thema anzusehen. Identifizieren Sie die dunklen und hellen Bereiche und die grundlegenden Gesamtebenen Ihres Themas, um Ihnen wirklich zu helfen, es als ein dreidimensionales Objekt im Raum zu denken. Sobald Sie einen guten Sinn für diese großen Flächen, die großen Ebenen, die großen dunklen Bereiche und weißen Bereiche haben, werden Sie sich Ihr Thema erneut ansehen, um zu versuchen, die Farben dieser großen Flächen zu sehen und die Eigenschaften der Farbe zu bewerten über die wir gesprochen haben. Sie haben bereits ein Gefühl für die Dunkelheit oder Leichtigkeit Ihres Subjekts, die verschiedenen Wertebereiche Ihres Subjekts, die seine Form bezeichnen, dann werden Sie auch versuchen, den Farbton zu identifizieren. Wählen Sie zuerst einen dieser großen Flächen aus und versuchen Sie, den Farbton dieses Bereichs zu identifizieren. Ist es rot? Ist es blau. Ist es violett? Ist es grün? Sobald Sie einen Sinn dafür haben, für den Wert und den Farbton, möchten Sie versuchen, ein Gefühl für die Sättigung zu bekommen. Wie wir in einer vorherigen Lektion gesprochen haben, ist der beste Weg, dies zu tun, zu vergleichen. Wenn Sie sich ein Gebiet ansehen und denken, dasist ein mittleres Rot, lassen Sie ist ein mittleres Rot, mich es mit diesem anderen Bereich hier vergleichen, der auch ein mittleres Rot ist , ist dieser Bereich gesättigter oder weniger gesättigter oder dieselbe Sättigung? Sobald Sie das Gefühl haben, ein gutes Gefühl dafür zu haben, wie gesättigt es im Vergleich zu den anderen Farben im Subjekt ist, ist das Letzte, was Sie versuchen möchten, zu bewerten, die Temperatur. Wie warm oder wie cool ist dieser Bereich? Das kann etwas sein, wofür du nur einen Sinn hast. Dass es sich warm anfühlt oder es sich kühl anfühlt. Aber für mich persönlich neige ich dazu, den Vergleichsansatz zu bevorzugen. Wieder einmal, wenn ich dieses Medium Rot hier wieder anschaue, ist mein Instinkt, dass es sich warm anfühlt, weil es rot ist, aber wenn ich dann schaue und ich mit diesen anderen Bereichen vergleiche, kann ich sehen, tatsächlich, das ist ein bisschen kühler, als das ist wahrscheinlich ein kühleres Rot, das ich mir anschaue. Sobald Sie das Aussehen beendet haben, wenn Sie Ihre beste Vermutung geistig haben, legen Sie etwas Farbe auf ein Farbfeld und vergleichen Sie es dann neben Ihrer Farbe, neben Ihrer Referenz. Dies ist der Hauptgrund, warum ich empfohlen habe, vom Leben oder von einem Foto zu arbeiten , im Gegensatz zu einem Foto auf einem Bildschirm. Weil ein Foto auf einem Bildschirm Licht ausstrahlen wird, und ich werde mit euch allen transparent sein, und sagen, dass ich in meiner professionellen Arbeit so ziemlich immer von Fotos auf einem Bildschirm arbeite. Ich arbeite von einem iPad aus. Aber ich hatte viele Jahre Praxis und ich weiß, wie geistig kompensieren kann, dass ich ein Hintergrundbild sehe. Aber wenn Sie gerade erst anfangen, wird es so viel einfacher sein, realistische Farben zu erstellen, wenn Sie aus dem Leben oder aus einem gedruckten Bild arbeiten. Wir werden von einem gedruckten Bild in der Demo arbeiten, und Sie können sehen, wie es wirklich gut funktioniert, um die Farbe auf das Farbfeld zu legen und sie mit der Referenz zu vergleichen. Wenn es ein gedrucktes Foto ist, können Sie es einfach direkt neben die Referenz setzen und Sie werden in der Lage sein, ziemlich offensichtlich zu sehen, das ist dunkler als es sein sollte. Oder das ist gesättigter, als es sein sollte. Oder das ist kühler, als es sein sollte. Sie haben sofort einen guten Sinn, nur wenn Sie die Farbe, die Sie gemischt haben, die Farbe, die Sie mit Ihrem Motiv abgeglichen haben, mit Ihrem Referenzbild vergleichen . Während, wenn Sie tun, dass auf einem hintergrundbeleuchteten Bildschirm wie Ihr Telefon oder ein iPad, wird es viel schwieriger, diesen Vergleich zu tun. Wir haben nachgeschaut. Wir haben uns hingelegt. Wir haben die Farbe, die wir glauben, auf dem Farbfeld zu haben, mit der Farbe verglichen , die tatsächlich in unserem Referenzbild ist. Wir haben es auch mit den Farben um sie herum verglichen, unter Berücksichtigung des Wertes. Ob dunkler oder heller. Der Hue. Welche Farbe es ist, ist es grüner? Ist es blauer? Ist es röter. Ist es Purpler? Die Sättigung. Ist es intensiver oder weniger intensiver? Die Temperatur. Ist es wärmer oder kühler? Sobald wir all diesen Vergleich gemacht haben, passen wir uns an. Wieder einmal ist der Vergleich der Hauptbestandteil hier, genau wie es war, wenn wir Wert identifizieren. Als solcher ist dieser Prozess sehr viel ein Hin und Her. Du wirst diesen ganzen Zyklus durchlaufen. Das Aussehen, Legen Sie sich, vergleichen, anpassen Sie mehrmals im Laufe eines Gemäldes. Du wirst dir einfallen lassen, was du denkst, die Farbe ist. Sie werden es geistig vergleichen. Dann legen Sie es auf Ihr Substrat und vergleichen Sie erneut der Referenz, nur um zu sehen, ob Sie es richtig gemacht haben. Passen Sie dann nach Bedarf an. Nun, als abgesehen, ist dies ein Grund, warum es so hilfreich sein kann, in Schichten zu arbeiten und anfänglich wirklich leicht zu beginnen, wenn Sie können, weil es Ihnen einfach mehr Platz und mehr Wackelraum gibt, um diesen Prozess der Vorbereitung und anpassen, um sicherzustellen, dass Sie die Farbe genau richtig genau so erhalten, wie sie sein sollte. Sie werden sehen, wie ich diesen ganzen Prozess angehen und Sie werden sehen, wie zyklisch es ist, wie oft ich es immer und immer wieder mache , und immer wieder in der Demo. Wenn ich das Demo-Malen mache. Mit der Übung werden Sie jeden dieser Schritte schneller und schließlich sogar unbewusst machen. Es fühlt sich an wie eine Menge, ich bin sicher, zunächst, wenn Sie versuchen, sich vorzustellen, jedes einzelne Mal, wenn ich eine Farbentscheidung, die ich betrachten muss, um zu vergleichen und anzupassen. Die traurige Realität, die harte Realität, ich will nicht negativ sein, aber die Realität ist, dass es wirklich keine Abkürzung, einfache Möglichkeit, es zu tun. Dies ist eine Version der Art, wie ich in der Schule unterrichtet wurde. So mache ich es heute noch. Es kann ein paar sehr glückliche Farbprodigies gibt es in der Welt, die eine Farbe sehen können und ohne durch einen dieser Reifen springen, die die meisten von uns haben. Sie können einfach sofort identifizieren, welche Farbe genau ist, wissen wissenschaftlich, wie sie passen und legen sie dann sofort genau so auf ihre Leinwand, wie es sein sollte. Diese Leute existieren, ich bin sicher, aber sie sind sehr wenige und weit dazwischen. Die meisten professionellen Künstler machen eine Version von genau dem, was ich spreche, das Schauen, das Vergleichen und Anpassen. Wenn Sie lernen möchten, realistische Farben zu schaffen, müssen Sie diesen Prozess wirklich umarmen und einfach verstehen, dass es einfacher und verinnerlichter wird und sich im Laufe der Zeit natürlicher anfühlen wird. Als nächstes werden wir in die Farbmischung eintauchen und über den Unterschied zwischen pigmentbasierten Farben im Vergleich zu gemischten Farben sprechen, wie man eine Palette einrichtet, all das lustige Zeug. 6. Einzelpigmente vs. vorgemischte Farben: Wir nähern uns der praxisnahen Demo, wo ich von Anfang bis Ende ein Gemälde erstellen werde, aber bevor wir in das eintauchen, müssen wir ein letztes Thema angehen und das ist das Mischen von Farben. Das erste, was wir ein wenig entpacken müssen, sind pigmentbasierte Medien im Vergleich zu gemischten und gemischten Medien. Je nach verwendetem Medientyp kann es sich bei den Farben, mit denen Sie arbeiten, um Single-Source-Pigmente handeln. Sie können ein einzelnes Pigment in ihnen haben, oder es können Mischungen sein, die aus mehreren Pigmenten hergestellt werden. Im Allgemeinen werden Röhrenfarben wie Aquarelle, Acryl, Öle einzelne Pigmentoptionen und Mischoptionen haben, während Medien wie Buntstift, Marker, bestimmte Marken von Gouache, bestimmte Arten von Pastelltönen, wirklich nur Optionen haben, die gemischt oder vorgemischt sind. wiederum sind Farben, die bereits aus mehreren verschiedenen Pigmenten bestehen. Zwei Farben, wie ich bereits erwähnt habe, haben viele Mischungen als gut, aber sie haben in der Regel eine wirklich große Auswahl an reinen Pigmentoptionen, vor allem, wenn Sie mit einer professionellen Marke oder einer höheren Marke arbeiten. Diese Frage der reinen Pigmente im Vergleich zu gemischten Pigmenten ist eigentlich ziemlich komplex, und je nachdem, in welcher Ecke des Internets Sie sich befinden, vielleicht sogar ein wenig umstrittenes Thema. Viele Künstler fühlen sich sehr stark, dass Sie nur reine Pigmentfarbe verwenden sollten, weil es Ihnen die meiste Kontrolle in gewisser Weise im Gegensatz zur Verwendung von gemischten Medien gibt, aber ich persönlich bin es in Ordnung, beides zu verwenden. Ich verwende reine Pigmentfarben und verwende vorgemischte Farben. Ich denke, sie können beide schön verwendet werden, um wirklich lebendige, realistische Farben zu schaffen, solange Sie die Unterschiede zwischen ihnen verstehen, und wann und wie sie zu verwenden sind. Ein großer Unterschied zwischen einzelnen Pigmentmedien und Mischmedien besteht darin, dass Sie, wenn Sie einzelne Pigmentmedien verwenden, mit einer relativ kleinen Palette beginnen können, und Sie werden alle Ihre eigenen Mischungen durchführen, um Farbübereinstimmungen zu erhalten Ihre Referenz. Jede Farbe, die Sie in Ihrer Referenz sehen, müssen Sie Hand mischen, um es genau richtig zu bekommen. Umgekehrt, wenn Sie vorgemischte Farben oder gemischte Farben verwenden, sagen Sie, wenn Sie Buntstifte verwenden, so wie ich es gerne mache, werden Sie versuchen, die Mischung zu minimieren. Sie werden versuchen, weniger verschiedene Farben übereinander zu verwenden, um Schlammigkeit zu vermeiden. Muddiness ist ein wenig subjektiver Begriff, aber im Grunde bedeutet es nur, dass die Farbe stumpf aussieht, als ob sie ein Gefühl des Lebens verloren hat, es gibt keine Lebendigkeit. Muddiness kann im Grunde passieren, wenn Sie zu viele verschiedene Pigmente haben , die alle miteinander mischen und übereinander schichten. Wenn Sie einzelne Pigmentmedien verwenden, kann es manchmal für einige Leute einfacher sein, Müdigkeit zu vermeiden, weil Sie nur weniger verschiedene Pigmente verwenden, und Sie wissen immer genau, was in der Farbmischung, die Sie gemacht haben. Wenn Sie Mischmedien wie Buntstifte oder Marker verwenden, wissen Sie nicht immer genau die Pigmente, die sich in dieser Mischung befinden. So kann es ein bisschen einfacher sein tatsächlich versehentlich in eine schlammige Farbe zu stolpern. Aus diesem Grund möchten Sie hier ein wenig vorsichtiger sein, wenn Sie vorgemischte Farben verwenden, um vorsichtiger sein, wenn Sie vorgemischte Farben verwenden die Zeit zu verbringen, um zu versuchen, die gemischte Farbe tatsächlich genau an Ihr Motiv anzupassen, im Gegensatz zu reinen Pigmentfarben haben nur eine Pigment in ihnen, so dass Sie ein wenig mehr Flexibilität haben. Wenn Sie sich fragen, ob die Farben, die Sie bereits haben, die Vorräte, die Sie bereits haben, Einzelpigment sind oder nicht. Wenn Sie mit zwei Farben arbeiten, sollten Sie in der Lage sein, sie umzudrehen und sehen eine Inhaltsstoffliste fast auf der Rückseite der Farbröhre, die Ihnen sagen wird, welche Pigmente verwendet wurden, um diese Farbe zu erzeugen. Sie können auch, wenn es aus irgendeinem Grund nicht auf der Röhre erscheint oder wenn es schwer zu sehen ist, können Sie diese Informationen normalerweise auf der Website des Herstellers finden, indem Sie sich die spezifische Farbe ansehen, und dann wird es Ihnen sagen, welche Pigmente verwendet, um diese Farbe zu machen. 7. Grundlagen des Aufbaus einer Palette und Farbabmischungen: Welche Farben benötigen Sie, wenn Sie eine Palette bauen? Für pigmentbasierte Farben benötigen Sie wirklich sechs essentielle Farben. Du brauchst ein warmes Rot, ein kühles Rot, ein warmes Blau, ein kühles Blau, ein warmes Gelb und ein kühles Gelb. Für die Demo werde ich ein Starter-Aquarell-Set von Daniel Smith verwenden , das jede dieser Farben enthält, und das ist wirklich alles, was ich für eine grundlegende Palette für Aquarell brauchen werde. Aber wenn Sie mit Acryl oder Öl arbeiten, sollten Sie auch sicher sein, Titanweiß zu der Mischung hinzuzufügen. Natürlich, wenn Sie möchten, können Sie Ihre Palette auch mit einigen anderen Optionen füllen. Wenn Sie etwas zusätzlich zu diesen sechs anfänglichen machen wollen, würde ich wahrscheinlich nach einem Violett oder einem Viridian-Grün greifen , das nur das Mischen bestimmter Farben einfacher macht. Sie können so ziemlich alles mischen, was Sie mit den sechs Anfangsfarben benötigen, aber es kann schön sein, es manchmal mit einem Violett oder Viridian auszufüllen. Meiner Meinung nach ist Schwarz wirklich immer optional. Sie können einige wirklich interessante Farben mischen, die sehr nah an Schwarz sind. Wir haben nur mehr ein Gefühl von Lebendigkeit als reines Schwarz direkt aus der Röhre tut. Welche Farben benötigen Sie, wenn Sie mit Premix-Farben oder gemischten Grundfarben arbeiten? Wenn Sie mit Vormischfarben arbeiten, unabhängig davon, ob es sich um eine Tubenfarbe, Bleistifte, Marker handelt, benötigen Sie wahrscheinlich einen größeren Farbbereich, um genau mit dem übereinzustimmen, was Sie in Ihrem Referenzbild sehen. Wenn Sie mit Buntstiften arbeiten, wie ich in der Demo sein werde, im Allgemeinen denke ich, das 72 Set ist ein anständiger Ort, um zu beginnen. Ich empfehle Prismacolors als preisgünstige Option. Wenn Sie nach einer protzigen Option suchen, empfehle ich Luminance von Caran d' Ache. Ich benutze beide Linien regelmäßig, und die spezifischen Farben werden weitgehend davon abhängen was Sie zeichnen und was Ihr Stil ist. Es wird wahrscheinlich Farben geben, die Sie wirklich schnell verwenden, und Sie gehen durch die ganze Zeit und Farben, die Sie nicht sehr schnell verwenden, und stellen fest, dass Sie sie kaum jemals ersetzen müssen. Aus diesem Grund finde ich es besonders wichtig, wenn Sie mit gemischten Farben arbeiten , dass Sie Marken wählen, die ihre Farben offen Lager haben. Offenes Lager bedeutet, dass Sie nur eine einzelne Farbe kaufen können, also nur einen Marker oder einen Bleistift nach Bedarf, anstatt das ganze Set neu zu kaufen, wenn Sie aus den 15 Farben, die Sie die ganze Zeit verwenden. Deshalb empfehle ich Prismacolors als Budgetoption. Meines Wissens sind sie die günstigsten Bleistifte, die verfügbar sind offene Lager. Hier erfahren Sie, wie Sie Ihre Palette einrichten und Farben mischen. Im Moment werde ich über die Einrichtung der pigmentbasierten Palette sprechen, und dann werde ich auspacken und über die Einrichtung einer gemischten Palette sprechen , wenn ich tatsächlich in der Demo bin. Ich mache es live in der Demo. Aber im Moment beginnen wir mit einem Pigment-Basis mit Daniel Smith Aquarellen, die ich verwende, und mit Aquarell können Sie wirklich auf jeder Palette arbeiten. Es kann ein alter Teller sein. Es könnte ein Stück Blechfolie sein. Es könnte eine Kunststoffpalette mit Wänden sein. Wirklich, woran du gerne arbeitest, ist in Ordnung. Ich habe dieses alte Emaille medizinische Tablett, das ich gerne für eine Palette verwenden, wenn ich mit Röhrenfarben arbeite. Das ist es, was ich benutzen werde, um es einzurichten. hier meine Palette einrichten, werden Sie sehen, dass ich [unhörbares] Blau aufstelle, was meiner Meinung nach das wärmere blaue, französische Ultramarin ist , das kühlere Blau, das neue Kambodscha, das wärmere gelbe Hansa-gelbe Licht ist, das ist der kühler gelb, Pyrrol Scarlet, das ist die warme oder rote und Quinacridone Rose, die die kühlere rot ist. Wenn ich mit Ölfarben arbeiten würde, würde ich einige Zeit damit verbringen, so viele Farben wie möglich vorzumischen , da Öl für immer zum Trocknen dauert, so dass Premix in Ihren Farben tatsächlich wirklich zeitsparend sein kann und eine gute Möglichkeit sein, der Lackierprozess einfacher. Aber mit Aquarellen und Acryl wirklich, Ich mag es, sie einfach zu mischen, während ich gehe, mischen Sie sie, wie ich sie brauche, anstatt vor der Zeit zu mischen. Ich muss sicher sein, viel Platz zwischen jeder der Farben auf der Palette zu lassen. Deshalb habe ich es so eingerichtet, mit viel Platz. Nun, da wir unser Gaumen-Setup haben, lassen Sie uns nur einige Best Practices zum Mischen von Farbe abdecken. Die erste ist eine, die wir bereits erwähnt haben, und das ist, sich viel Platz zwischen den Farben auf Ihrer Palette zu lassen. Die zweite besteht darin, ein sauberes Palettenmesser oder einen sauberen Pinsel zu verwenden , wenn Sie Farbe vom ursprünglichen Farbstapel greifen. Dies stellt sicher, dass die Quellfarben wirklich rein und lebendig bleiben und dass Sie sie später bei Bedarf problemlos mit anderen Farben mischen können. Der dritte Punkt ist, wenn Sie mit Acryl oder Öl arbeiten, sollten Sie wirklich ein Palettenmesser zum Mischen verwenden, nicht Ihren Pinsel. Ich gehe weiter und sei ehrlich zu euch, denn ihr werdet sehen, wie ich das wirklich mache, wenn ich in der Demo bin. Ich gestehe, dass ich in den letzten beiden Punkten nicht der Größte bin. Ich neige dazu, meinen Pinsel zum Mischen zu verwenden, und ich neige dazu, manchmal mit einem schmutzigen Pinsel zu den Quellpfählen zurückzukehren. Ich wünschte, ich hätte früher andere Gewohnheiten gebildet, aber jetzt muss ich nur einige dieser schlechten Gewohnheiten umgehen. Aber ich dachte, ich würde die Guten sowieso erwähnen, falls du gerade erst anfängst und du dich bemühen willst, gute Ereignisse zu haben. Lassen Sie uns über ein paar Blending-Zeiger sprechen. Erster Schritt, wie man eine Farbe sättigt oder entsättigt. Wirklich, die einzige Möglichkeit, das Sättigungsniveau in einer Farbe zu erhöhen , besteht darin, mehr von dem gesättigten Pigment hinzuzufügen. daran, dass Sättigung die Intensität der Farbe ist, nicht die Leichtigkeit. Um eine Farbe intensiver zu machen, haben Sie wirklich eine Option, und das ist, mehr von der reinen Pigmentfarbe hinzuzufügen, oder wenn Sie mit Mischungen arbeiten, um eine der vorgemischten Farben zu wählen, die gesättigter ist und arbeiten, dass in. Die Rückseite zur entsättigten Farbe, können Sie entweder schwarz hinzufügen, was einige Leute tun. Aber ich werde sagen, ich empfehle wirklich dringend, Schwarz hinzuzufügen, oder Sie können kleine Mengen einer ergänzenden Farbe hinzufügen. Der Grund, warum ich es bevorzuge, die Komplementärfarbe gegenüber Hinzufügen von Schwarz hinzuzufügen, ist, dass es Farben produziert , die mehr Vielfalt haben und die interessanter sind und weniger Müdigkeit haben, als einfach Schwarz hinzuzufügen. Wenn Sie sich vorstellen können, durch ein ganzes Gemälde zu arbeiten, und jedes Mal, wenn Sie eine Farbe verdunkeln möchten, fügen Sie Schwarz hinzu werden alle Farben in Ihrem Gemälde nur einen Stift in Bezug auf ihre Lebendigkeit niedergeschlagen werden Verunreinigungen. Während, wenn Sie entsättigt werden, indem Sie kleine Bits der verschiedenen Komplementärfarben hinzufügen, wird Grün entsättigt, indem Rot hinzugefügt wird, und Lila würde entsättigt werden, indem Gelb hinzugefügt wird, und Blau wird entsättigt, indem Orange hinzugefügt wurde. Die Farben werden nur viel mehr Abwechslung haben weil sie aus einigen zwei verschiedenen Farben im Gegensatz zu nur der Farbe gemacht werden, und dann jedes Mal, wenn Sie zu entsättigen Hinzufügen von Schwarz. Versuchen Sie, ein wenig Zeit damit zu verbringen, das zu lernen, wenn Sie können, es wird sich wirklich in Bezug auf die Lebendigkeit und Interessantheit Ihrer Farbe auszahlen. So verdunkelt oder erhellt man die Farbe. Dasselbe gilt für das Verdunkeln einer Farbe. Sie können schwarz verwenden. Wieder empfehle ich dagegen. Wenn Sie eine Farbe verdunkeln möchten, werden Sie erneut für die Ergänzung dieser Farbe brechen. Die Farbe, die direkt gegenüber von ihm auf dem Farbrad ist, und verwenden Sie es in unterschiedlichen Mengen. Wenn Sie nur ein wenig davon hinzufügen, wird es nur entsättigt und leicht verdunkelt. Aber wenn Sie eine Menge davon hinzufügen, wird es diese Farbe wirklich verdunkeln, irgendwann. Möglicherweise sogar zu einem fast schwarzen Farbton. Wenn Sie die Farbe aufhellen möchten, fügen Sie Weiß hinzu, wenn Sie mit einem undurchsichtigen Medium wie Öl, Acryl oder Pinsel arbeiten. Wenn Sie Aquarell aufhellen möchten, fügen Sie mehr Wasser hinzu und stellen Sie sicher, dass Sie eine dünnere Schicht ablegen. Letzter Punkt zu hören, bevor wir zur Demo laufen, wie man warme und coole Mischungen kreiert. Um eine warme Mischung zu erzeugen. Wenn Sie eine Farbe mischen, mischen Sie Ihre eigene Farbe, und Sie möchten, dass diese eine warme Farbe ist, verwenden Sie zwei verschiedene warme Farben. Sagen Sie, wenn Sie versuchen, eine Orange zu mischen, haben Sie die Wahl zwischen dem kühlen Rot, dem warmen Rot, dem kühlen Gelb und dem warmen Gelb. Wenn Sie etwas warmes Orange mischen möchten, achten Sie darauf, das warme Rot und das warme Gelb zu wählen. Wenn Sie eine kühlere Orange mischen möchten, können Sie das kühle Rot und das kühle Gelb wählen. Wenn Sie etwas neutrales Orange machen wollen, können Sie eines der wärmeren Rot und das kühlere Gelb oder das kühle Rot und das wärmere Gelb machen. Als nächstes werden wir endlich in die Demo eintauchen, wo ich von Anfang bis Ende ein Gemälde erstellen werde, und ich werde wirklich auspacken, wie und wann ich all diese verschiedenen Techniken verwende. Sie werden sehen, wie ich Echtzeit-Farbabgleich mache und den gesamten Prozess im Prozess erklären werde, während es passiert. 8. Demo Teil 1: Also werden wir in nur einer Sekunde in die Aquarell-Demo eintauchen . Bevor wir mit der Aktion beginnen, wollte ich nur erwähnen, dass dieses Stück eine Stunde und 45 Minuten dauerte , um im wirklichen Leben zu erschaffen. Um diese Klasse bite-size entsprechenden Link zu halten, habe ich einige getrimmt. meiste, was getrimmt wurde, sind die Pausen, in denen ich entscheide , was zu tun und zu bewerten und dann natürlich ein Teil der Ausführung der Farbe. Ich zeige jede einzelne Farbe, die abgesetzt wird, aber sagen wir, ich habe fünf Minuten oder 10 Minuten damit verbracht, mit einer bestimmten Farbe im wirklichen Leben zu arbeiten, vielleicht habe ich das getrimmt, um nur 10 oder 20 Sekunden oder so der Aktion zu zeigen. Sie werden jede einzelne Farbwahl sehen, die ich gemacht habe, aber einige der Zeit, die wirklich für die Ausführung benötigt wurde, wurde ausgeschnitten. Ich wollte nur eine vollständige Offenlegung darüber machen, euch Jungs genau sagen, wie lange dieses Stück gedauert hat und dann denke ich , dass die Demo insgesamt ungefähr 25 Minuten dauern wird. Lass uns voran gehen und direkt eintauchen. Erste Schritte mit der Aktion hier habe ich meine Skizze, ich habe mein Referenzbild, ich habe meine Palette, mein Schreibpapier, und ich habe die Farben auf die Palette gelegt und ich beginne mit dem Mischen. Sie können sehen, dass die Farbe, die ich versuche zu mischen, mit dem türkisfarbenen Kreis oben hervorgehoben wird . Es ist im Grunde das wirklich helle Highlight auf der Oberseite des Apfels. Ich mache diesen Abschnitt zuerst, weil er das Leichteste im ganzen Apfel ist. Ich möchte sicherstellen, dass da Aquarell muss man hell bis dunkel arbeiten. Gehen für ein wirklich schönes gedämpftes Lila. Ich habe mit Ultramarinblau angefangen und dann etwas von der Chinacridon-Rose. Um es ein wenig zu entsättigen, habe ich nur ein kleines bisschen von der neuen Gamboge hinzugefügt, die das wärmere Gelb ist. Ich teste es nur auf meinem Farbfeld hier, um zu sehen, ob ich die richtige Farbe habe. Also werde ich weitermachen und es auf meine Skizze legen. Ich fange wirklich Licht an. Ich muss das später dunkler machen, aber ich möchte es zunächst leicht halten, da ich nicht wirklich zurückgehen und es heller machen kann, wenn ich es anfänglich zu dunkel mache. Ich arbeite daran, diesen neuen hervorgehobenen Bereich hier anzupassen. Es ist wieder im türkisfarbenen Kreis oben im Referenzbild. Ich möchte ein zartes Pink bekommen. Also beginne ich nur mit einem wirklich verwässerten Pyrrol Scharlach. Erkennend, dass das ein bisschen zu leicht ist, was ich anfangs habe, so füge ich auf einige mehr und überprüfen wieder, und das ist viel zu sättigen und ein bisschen zu warm. Also werde ich versuchen, es mit einem winzigen bisschen Ultramarin abzukühlen, und ich habe auch hinzugefügt, genau wie das kleinste Stück des Hansa-gelben Lichtes. Jetzt sieht die Farbe ziemlich gut aus für mich. Also werde ich weitermachen und es auf meine Skizze legen. Wieder, ich arbeite ziemlich leicht. Ich werde das wahrscheinlich später verdunkeln müssen, aber ich will einfach nicht zu weit in der Dunkelheit gehen, da ich nicht einmal einen der Mitteltöne niedergelegt habe. Ich blockiere nur überall dort, wo ich diese Farbe sehe. Jetzt werde ich daran arbeiten, diesen grünen Abschnitt zu mischen, den ich hier oben hervorgehoben habe. Also beginne ich mit dem hansa gelben Licht und habe in ein kleines bisschen Phthalo Blau hinzugefügt. An dieser Stelle ist es ein wenig zu gesättigt, also füge ich ein kleines bisschen Pyrrol scharlachrot hinzu. Rot ist das Kompliment von Grün, also wird mir helfen, die Sättigung niederzuschlagen. Es sieht besser aus, aber es sieht mir eigentlich ein bisschen zu warm aus. Also werde ich voran gehen und ein neues Grün mischen, das heißt, beginnt mit zwei verschiedenen coolen Farben. Ich werde das Hansa gelbe Licht machen, das kühl ist, und das Ultramarinblau, das cool ist. Ich werde überprüfen und sehen, wie das aussieht. Da gehen wir. Ich glaube, das ist der Gewinner. Ich gehe weiter und lege es hin. Nun möchte ich an dieser orangefarbenen Farbe arbeiten, die ich hier wieder im türkisfarbenen Kreis hervorgehoben habe. Ich beginne mit dem Grün, das ich früher verwechselt habe, was ein bisschen zu warm war. Ich habe in ein winziges bisschen der neuen Spiel Boot und dann das kleinste bisschen der Pyrrol Scharlach hinzugefügt. Ich versuche, einfach wieder überall dort zu blockieren, wo ich diese Farbe sehe, und ich pralle zurück zu diesem kühleren Grün sich ein wenig um den Stiel des Apfels zu legen. Das sieht wirklich aus wie das kühle Grün für mich. Dann gibt es hier oben ein kleines bisschen oben auf dem Apfel. Jetzt werde ich zum Mischen des Hauptrots übergehen. Dieser Abschnitt hier, den ich hervorgehoben habe, ist das gesättigteste Bit. Ich teste nur das reine Pyrrol Scharlachrot. Sieht mir zu warm aus, also füge ich in irgendeiner Chinacridon-Rose hinzu. Ich überprüfe das nochmal. Sieh jetzt ein bisschen zu cool aus. Also mehr von der Pyrrol Scharlach. Der Versuch, hier ganz langsam zu gehen, und das sieht aus wie die richtige Farbe für mich. Ich werde es auf die Skizze legen. Dies wird alles später viel mehr Nuance brauchen, aber jetzt versuche ich nur, in den meisten, wo ich diese gesättigtere rote Farbe sehe, zu blockieren . Mir ist klar, dass ich mehr von der gleichen Farbe brauchen werde, also vermische ich nur mehr von der Pyrrol Scharlachrot und der Chinacridon-Rose und weiterhin meinen Weg durch das Stück und lege es überall hin, wo ich diese Farbe sehe. Nun, ich will ein bisschen mehr von dieser Art von orangefarbenen Farbe vermischen. Ich beginne mit meinem Pyrrol Scharlach und ein bisschen neues Gamboge, das einfach viel zu gesättigt ist. Also schlage ich es ein kleines bisschen mit nur einem Hauch von Phthalo Blau nieder. Ich werde es überprüfen, immer noch viel zu sättigen. Also werde ich noch etwas Phthalo Blau schnappen. Ich bin viel zu viel mit dem Phthalo gegangen und landete mit einer blauen grünen Farbe. Anstatt das zu kämpfen, werde ich einfach von vorne anfangen in einem neuen Stapel, bekommt ein paar neue Gamboge, einige mehr von der Pyrrol Scharlach, und dann mischen Sie ein wenig von der Farbe, die den zu viel Phthalo hatte blau darin. Ich gehe einfach hin und her mit dem Pyrrol und dem neuen Gamboge, bis ich die richtige Wärme erreicht habe. Ich denke, ich komme näher hier, also werde ich noch mal auf meinem Farbmuster nachsehen. Das sieht viel besser aus. Also werde ich voran gehen und anfangen, das niederzulegen. Hier möchte ich einige der Schatten und die grünlichen Gebiete entwickeln. Also schnappe ich ein bisschen mehr von der gleichen grünen Farbe, die ich früher entwickelt habe. Ich habe noch ein bisschen mehr davon verwechselt. Auch das ist das Hansa-gelbe Licht und das Ultramarin. Ich arbeite über den schattigeren, dunkleren, weniger gesättigten Bereich des grünen Teils des Apfels. Ich hüpfe hin und her mit dieser entsätteten Zwieback Farbe, die ich auch gemacht habe. Also hin und her zwischen dem Grün und dem Zwieback, versuchen, die Schattenteile des Apfels auf den richtigen Wert und die richtige Farbe zu bekommen und dann weiter an den dunkleren Portionen des Apfels mit dass entsättete Zwieback Farbe, die ich gemacht. An dieser Stelle habe ich das Gefühl, dass ich mehr von dem kühlen schattigen Grün brauche. Ich vermische noch etwas Hansa-gelbes Licht und etwas Ultramarin. Das sieht für mich richtig aus. Ich werde voran gehen und das hinlegen und nur die Kanten hier erweichen und etwas davon zum inneren linken Teil des Stiels hinzufügen , da das auch im Schatten ist. Nun, ich packe so ziemlich nur eine reine Pyrrol Scharlach, eine verwässerte Version eines reinen Pyrrol Scharlachrot, und machen eine Wäsche über alle rötlichen Bereiche wie Apple. Ich mache das aus ein paar Gründen. Erstens, weil es mir nicht ganz gesättigt genug anfühlt, denke ich, dass ich die Sättigung verstärken und den Wert ein wenig vertiefen muss. Zweitens, weil ich mehr ein Gefühl der Einheit machen möchte und gerade jetzt ist die Farbe wirklich lückenhaft. Also ein paar Wäschen einer einzigen Farbe über der Spitze wird mir wirklich helfen, mehr von diesem einheitlichen Sinn zu bekommen. Jetzt schnappe ich ein bisschen mehr von meiner entsättigten Zwieback Farbe und ich arbeite nur weiter an der Grenze zwischen den grünen und roten Bereichen. An diesem Punkt, wo ich jetzt all diese Mitteltöne nach unten bekommen habe, sehe ich, dass mein Highlight zu hell ist. Ich werde den Highlight Teil dort verdunkeln , nur damit es nicht so sehr vom Rest des Stückes abhebt. Ein bisschen mehr von meiner Zwieback Farbe hier vermischen. Ich werde nur weiter versuchen, die dunklen Bereiche dieses Apfels zu entwickeln. Ich bin wirklich nach und nach mit den Werten hier gegangen. Die dunklen Werte kommen also zuletzt, da das wirklich der beste Weg ist, den ich lieber mit Aquarell arbeite , um sicherzustellen, dass Sie die Werte richtig bekommen und sie im Laufe der Zeit allmählich aufbauen. An dieser Stelle wollte ich etwas kühler sein, also habe ich ziemlich viel von der Quinacridon-Rose auf meinen Pinsel gelegt , um diesem Schatten mehr ein kühles Gefühl zu geben. Wie wir in den Farbelektionen gesprochen haben, kann etwas, das eine kühlere Temperatur hat wirklich helfen, Ihre Schatten als Schatten zu lesen. An dieser Stelle möchte ich versuchen, eine gute Farbe für den Stiel zu bekommen. Diese Farbe, die ich früher verwechselt habe, als ich versuchte, die Orange zu machen, die zu viel Fleck darin hatte, ist eigentlich genau das Richtige für den Stiel. Nun, ich möchte dieses Stück hier entwickeln, wo das Highlight auf den Rest des Apfels trifft. Es sieht ein bisschen zu hart für mich aus, wie ich es jetzt habe, also mache ich es nur ein bisschen weich. Jetzt gehe ich weiter und arbeite an dem Schlagschatten. Ich will weitermachen und meinen Schatten schön und cool aussehen lassen. Ich werde mit Ultramarin arbeiten, ziemlich viel Ultramarin. Ich lege es nur an der gleichen Stelle, wo ich meinen Highlight-Mix hatte. Da ist also schon ein kleines Stück von der Chinacridon-Rose drin. Ich mischte ein bisschen mehr Chinacridon Rose und dann noch einmal, die Sättigung mit Hansa gelben Licht niederschlagen. Es ist etwas kühler als das, was im Referenzbild ist. Aber ich werde voran gehen und die Entscheidung treffen, das, was ich dort sein will , anstatt was eigentlich da ist, da ich meinen Schatten schön kühl halten will. Es gibt viele warme Farben in Apfel. Ich denke, mit einem blaueren Ton in den Schatten wird wirklich diese orange-rote Farbe im Apfel ganz schön ergänzen. Ich treffe hier nur eine Exekutiventscheidung, basierend auf dem, was ich über Farbtheorie weiß , um voran zu gehen und den Schatten in Richtung kühler blauer Ende zu schieben. Ich muss eine dunklere Version davon für den tiefsten dunkelsten Teil des Referenzbildes mischen . Also mache ich das Gleiche. Es ist wieder Chinacridon-Rose, Ultramarin, und da ich will, dass es noch dunkler wird, vermische ich mehr von der Hansa-gelben Licht, und ich werde das einfach in den dunkelsten Teil des Schlagschattens rechts legen unter dem Apfel. Ich fühle mich wie das Rot des Apfels, besonders in diesem weicheren Highlight auf der Seite hier, endete ein bisschen zu warm. Also vermische ich etwas Pyrrol Scharlach mit einer Chinacridon-Rose. Ich werde eine kühlere Wäsche über die Spitze tun, um zu versuchen, die Temperatur dort zu bekommen, wo ich denke, dass es sein muss. Ich kann schon sagen, dass ich hier ein bisschen schwer werde, also werde ich mein Papiertuch benutzen, kümmere mich einfach um ein bisschen davon. Die Farben fühlen sich für mich immer noch ein bisschen zu warm an, verglichen mit der Referenz. Aber das ist etwas, das ich später mit Buntstift erledigen kann. Ich gehe nur weiter und arbeite in etwas mehr von diesem Schatten, Ruhefarbe, um zu versuchen, die Werte direkt auf der Schattenseite des Apfels zu bekommen. Wieder die Kanten mit der kleineren Bürste erweichen. versuche nur wirklich sicherzustellen, dass ich alle Bereiche habe, die diese Zwieback Farbe genau so haben , wie sie sein sollten. Die richtige Farbe, der richtige Wert, arbeiten in einigen der dunkelgrünen. Das muss nicht perfekt sein, denn ich werde all diese viel mit Buntstift nuancieren. Aber je mehr ich jetzt erledige, desto einfacher wird es sein, wenn es Zeit ist, mit Buntstift zu arbeiten. Ich werde voran gehen und mein Stück hier föhnen, da ich an der Uhr arbeite und versuche, nett und schnell zu sein, und dann werden wir zum Farbstift übergehen. 9. Demo Teil 2: Also hier gehen wir auf den Farbstiftteil des Stückes, die Aquarellschicht ist völlig trocken, also werde ich voran gehen und wählen, was ich denke, dass ich für meine Farbstiftpalette brauche. Wie ich in der Farblektion darüber gesprochen habe, wenn Sie mit vorgemischten oder vorgemischten Farben arbeiten, möchten Sie versuchen, mit dem größeren Abschnitt zu beginnen , einer größeren Palette von Farben, mit der Sie hoffentlich eine genaue Übereinstimmung mit weniger Blending. Also habe ich erst mit den sechs Anfangsfarben für das Aquarell angefangen und man kann sehen, dass ich schon viel mehr als das für Buntstifte habe. Ich versuche, die Referenz zu betrachten und zu sehen, welche Farben in der Referenz enthalten sind und welche Farben ich denke, dass ich diese genau anpassen kann. Also habe ich hier ein paar verschiedene Hauptgruppen. Ich habe ein paar Cremes, und einige leichte Gelbe, einige tiefere Gelbe und hellere Gelbe, ein paar verschiedene Arten von Orangen, einige sind wärmere Rottöne, kühlere Rottöne , gesättigter, weniger gesättigt, dunkler, und ich habe ein paar verschiedene Grüns als auch. Ich habe im Grunde nur versucht, das Referenzbild zu betrachten und ein Gefühl zu bekommen, basierend auf meinem Bauchinstinkt, welche Farben ich denke, dass ich brauche. Also versuche ich nur, diese Farbe hier zu passen , die ich mit dem türkisfarbenen Kreis hervorgehoben habe, also gehe ich mit dem vorgesättigten Rot und dann dem weniger gesättigten Rot ein und ich werde beide ausprobieren. Ich werde voran gehen und ein paar Farben anfangs passen , nur damit ich weiß, welche ich verwenden werde. Also versuche ich, diese Farbe hier zu bekommen, diese Schattenrostfarbe. Also teste ich eine kühlere entsättigte Orange aus, und dann möchte ich die Farbe für diesen Übergang zwischen Rost und Grün finden . Anfangs sieht es auf der orangefarbenen Seite für mich aus, aber ich habe das Gefühl, dass es tatsächlich ziemlich gelb wird. Also denke ich, das sind die Hauptfarben, die ich brauche für die Rot- und Gelbfärbung. Ich habe meine Meinung zu meiner Herangehensweise geändert. Ich denke, anstatt zuerst mit den Roten reinzugehen, werde ich versuchen, einige dieser kleinen Punkte, die über die Oberfläche des Apfels sind, runter zu bekommen dieser kleinen Punkte, die über die Oberfläche des Apfels sind und ich will nicht weiß verwenden, weil Weiß ein bisschen zu hart, also gehe ich in mit einer weichen cremefarbenen Farbe. Es ist ein wirklich schöner scharfer Stift, den ich hier habe und ich werde nur einige dieser weißen Punkte markieren , nur um sicherzustellen, dass ich diese unten habe, es wird es viel einfacher machen, sie auf diese Weise einzubeziehen , als wenn ich sie oben hinzufügen müsste später. Ich gehe zu meiner nächsten hellsten Farbe, die das helle wahre Gelb ist, und ich werde über einige der Übergangspunkte zwischen demGrün und dem Rost arbeiten über einige der Übergangspunkte zwischen dem und versuchen, diesen gelben Ton nach unten zu bekommen. Jetzt werde ich anfangen, an einigen der rostigen Bereiche des Apfels zu arbeiten, der rostigen Farbe, ich benutze diesen kühleren, weniger gesättigten Orange und arbeite mich einfach überall hin, wo ich diese Farbe sehe. Jetzt werde ich zu einigen der grüneren Bereiche des Apfels wechseln versuchen, diesen Abschnitt auf der Seite des Apfels hier zu bekommen , der in der Schattenseite ist, aber es ist eigentlich ein bisschen leichter, scheint es eine Reflexion von der Oberfläche und dann arbeite ich in diesem wärmeren, gesättigteren Orange, das du gesehen hast, wie ich am Anfang auf der Unterseite des Apfels beginnen und ich arbeite nur in kleinen kreisförmigen Strichen mit meinem Bleistift. Ich versuche, etwas von der Seitenfarbe hier das Gefühl zu bekommen, dass es ein wenig dunkler und vielleicht sogar ein bisschen ein wärmeres Grün sein muss. Also habe ich nach Prismacolors Limettenschale gegriffen, die etwas dunkler ist als das Grün, das ich benutzte, und es ist ziemlich warm. Jetzt schalten die Gänge auf die rote, ich habe aufgegriffen, ich denke, das ist karminrot. Es ist ein sehr helles, sehr gesättigtes, kühles Rot und jetzt springt zurück zu einigen der Schattenabschnitte. Dann in diesen Teil hier oben, die Schattenseite neben dem Stiel, sieht es eher ein echtes Grün zu sein, und dann ist dies eine gedämpfte kühlere, pfirsichige Farbe. Zurück zu diesem Karminrot. Dann werde ich hier in den wohl dunkelsten Buntstift arbeiten, den ich bisher benutzt habe. Das ist toskanisches Rot. Ich möchte diesen Wert nur den dunklen Teil dieses Apfels näher an den Ort bringen, wo er sein muss, so toskanisches Rot wird die perfekte Farbe sein, um mir dabei zu helfen. Dies ist auch ein dunkelrot. Ich glaube, es ist karminroter See. Ich denke, das ist der Name der Farbe, aber es ist nicht ganz so dunkel wie das toskanische Rot, aber es wird großartig für eine Übergangsfarbe sein. An dieser Stelle denke ich, ich bin bereit, mit diesem Highlight ein bisschen leichter zu werden, also habe ich leichten Pfirsich aufgenommen, der in der Prismacolor-Palette viel Weiß enthält. Also werde ich nur wirklich subtil, wirklich weich über einige der helleren Bereiche dieses Highlight, ich bin nicht für die ganze Sache, ich versuche nur, die Portionen, die tatsächlich als heller und leichter lesen zu tun. Dann werde ich einige der gleichen Farbe nehmen und an den Rändern des oberen Highlight arbeiten , nur um sie ein wenig zu erweichen. Sie sind immer noch lesen als ein bisschen zu hart, obwohl ich versucht habe, sie mit dem Aquarell zu erweichen, so Farbstift ist eine gute Möglichkeit, einige der Farbe dort oben zu vereinheitlichen und sicherzustellen, dass es nicht so eine unnatürliche knackige Kante. Zurück mit einigen dieser helleren Roten hier mit einem Mohnrot hier, das nur ein wirklich helles, wirklich gesättigtes, warmes echtes Rot ist . Dann werde ich hier einige dieser leichteren Portionen neu beschreiben , die ich gemacht habe und sie tatsächlich ein wenig weicher machen, also möchte ich sie einfach anfangs hinlegen, sie waren nur wirklich knackig, scharfe Punkte. Sie haben sich ein wenig von den anderen Farben erweicht, über die Oberseite von ihnen gelegt, aber wenn Sie sich diese kleinen Flecken vorstellen können , die auf einem Apfel sind, haben sie normalerweise weiche Kanten, also versuche ich nur Feder einige dieser Kanten ein wenig mit der cremefarbenen Farbe. Jetzt komme ich zum ersten Mal mit reinem Weiß hierher. Das ist nur der Prismacolor weiß. Wieder sehen Sie, dass ich nicht das gesamte Highlight damit durchgehe. Wie wir darüber gesprochen haben, dass Lichter und Dunkel wirklich vernünftig sind und wirklich doppelt überprüft werden, ob das, was ein wahres reines Weiß zu sein scheint, tatsächlich ein echtes reines Weiß ist , weil einige dieser Nuancen in den leichtesten Portionen von Ihr Thema selbst, das wird sein, was es wirklich realistisch aussehen lässt, im Gegensatz zu wenn Sie nur einen großen Block von reinem Weiß jedes Mal, wenn Sie ein Highlight haben. Wieder ein bisschen mehr von der Mohnrot. Jetzt Übergang zu etwas mehr Entwicklung auf der Schattenseite des Apfels und speziell der Grünfläche. Wenn ich nur die Referenz im Vergleich zu dem, was ich schon auf meinem Stück habe, sehe ich, dass es sowohl dunkler als auch kühler sein muss. Also teste ich eine Farbe namens Celadon Green, die ein kühles neutrales Jadegrün ist. Es ist das gleiche, das ich früher benutzt habe, und es wird nur eine wirklich gute Übereinstimmung für den Farbton und die Temperatur und den Wert dieses Abschnitts des Apfels sein . Wieder zurück in diesen dunklen Bereich. Je dunkler und weiterentwickelter ich alles andere bekomme, ich habe immer noch das Gefühl, dass das nicht ganz dunkel genug ist. Also werde ich einen der Tricks verwenden, über die wir gesprochen haben, wieder, in den Sitzabschnitten der Lektion und das ist, die Farbe mit ihren Ergänzungen zu verdunkeln. Also werde ich ein dunkelgrün verwenden, das grün , wie wir uns erinnern, die Ergänzung von Rot ist. Jetzt muss ich diese Portion hier oben entwickeln, dieses kleine kleine grüne Biss, das über guckt. Dann zurück auf die dunklere grüne Seite des Apfels, nur um zu versuchen, den Schatten näher an den genauen Wert an dieser Stelle zu bekommen , um es zu helfen, als Schatten zu lesen. In Ordnung, ein bisschen mehr Entwicklung auf den Roten hier und zurück zum Gelb, zurück zu etwas Orange, nur um die richtige Temperatur zu bekommen, die richtige Sättigung in all den kleinen roten Bereichen. An diesem Punkt in dem Stück haben wir wirklich entwickelt und wirklich alle wichtigen Blöcke der Farbe ausgelegt, also was ich hier mache , wenn ich zwischen diesen Buntstiften hin und her schalte, ich schaue nur auf die winzigen kleinen Scheiben der Farbe. Ich mache den gleichen Prozess, den wir getan haben, das Aussehen, das Legen, Vergleichen, anpassen, aber die Abschnitte, die ich betrachte, sind kleiner und kleiner geworden. Also begann es mit Blick auf die großen Blöcke der Farbe und jetzt schaue ich und vergleiche diese kleinen winzigen Bereiche der Farbe, um zu versuchen, die Nuance dieser Farben genau so zu bekommen, wie sie sein sollten. Ich bin nur weiterhin hin und her zwischen den verschiedenen Roten und Orangen und Grüns, die versuchen, diese kleinen Bereiche von nuancierter Farbe genau so zu bekommen , wie sie sein sollten. Jetzt werde ich voran gehen und entwickeln den gegossenen Schatten ein wenig, den Schlagschatten, und wieder, ich werde einfach hin und her zwischen verschiedenen Farben hier in kleinen winzigen Bereichen hüpfen versuchen, die Nuance nach unten zu bekommen. Ich werde abholen, dass cremefarbigen Farbstift wieder und versuchen, einige dieser leichteren Bereiche zu bekommen, diese kleinen Streifen, die aus um den Stiel des Apfels kommen, versuchen, einige von denen nach unten zu bekommen. Auch hier bin ich in der Lage, mit dieser helleren Farbe auf den dunkleren Farben zu arbeiten weil eine Menge von dem, was hier unter ist, Aquarell ist. So etwas wie eine Creme wird wirklich schön und undurchsichtig auf der Oberseite der Aquarellschicht im Gegensatz zu, wenn ich dieses ganze Stück mit Buntstift gemacht hätte, würde ich nicht in der Lage sein, in ganz der gleichen Weise zu schichten. Mehr von diesen kleinen leichten Details. An diesem Punkt werde ich ein bisschen mehr auf dem Schatten arbeiten, und insgesamt fühle ich mich, als ob der Schatten eine gute Menge Rot darin hat, also werde ich das in dem Gemälde reflektieren, aber wenn es um den Rest des Schlagschattens geht, bin ich immer noch gehen zu tun, was ich ursprünglich geplant hatte, und versuchen, es ziemlich neutral, ziemlich cool zu halten. Also verwende ich eine Kombination aus einem wirklich, wirklich hellgrau ausgegrauten Lila, das eine ziemlich coole Farbe ist. Also an dieser Stelle werde ich nur ziemlich schnell hin und her zwischen verschiedenen sehr hellen Farben und sehr dunklen Farben hüpfen . Ich arbeite im Grunde daran, die hellsten Lichter und dunkelsten Dunkelheiten nach unten zu bekommen, mehr von den Rändern der kleinen Punkte über den Apfel zu erweichen, weiter den Schatten zu entwickeln , der eigentlich ein ziemlich Lichtwert ist, und fügen Sie dann ein wenig ein Highlight entlang der Kante des Stiels und mehr Schatten auf dem Innenbereich des Stiels hinzu. Ich verwende den gleichen Prozess, nur zu suchen und zu vergleichen und zu versuchen, die richtigen Werte zu erhalten, die richtigen Farbtöne in all diesen kleinen winzigen Bereichen. Hier ist nur ein paar letzten Schliff an der Kante zu setzen. Ich möchte sicherstellen, dass diese Kante wirklich als eine Oberfläche liest , die sich nach hinten gekrümmt hat, also muss ich sicherstellen , dass ein kleiner kleiner Schatten entlang der Kante läuft und dann den letzten Schliff mit dem reinen Weiß und der Creme und ich denke, ich werde es einen Tag nennen. Wie ich bereits erwähnt habe, wären viele meiner anderen Stücke mehr als fünf oder sechs Mal so lang wie dies, also ist es nicht völlig perfekt, aber ich hoffe, Sie können einen guten Sinn für diesen Prozess bekommen und dafür, wie ich Entscheidungen mit Farbe während des gesamten Verlaufs eines Gemäldes. Wenn ich an einem 10-20 unser Gemälde arbeiten würde, würde ich nur mehr von dem gleichen Prozess tun. Also wäre es der gleiche Zyklus, es wäre das Aussehen, legen, vergleichen, anpassen. Es wäre einfach viele, viele Male vorbei und ich hätte wahrscheinlich mehr Schichten und möglicherweise sogar andere Medien wie Gouache oder Pastell. Also, das ist es für die Demo. 10. Häufige Fehler: Ok, willkommen zurück. Das war also die Demo. Hoffentlich war es wirklich hilfreich und Sie haben das Gefühl, Sie haben ein umfassenderes Verständnis diese verschiedenen Aspekte der Farbe und wie Sie Farbe in Ihrem Referenzbild in Ihrem Bild verwenden und sehen können. Bevor wir die Klasse abschließen, wollte ich einen kurzen Moment nehmen, um nur einige der üblichen Fallstricke für beginnendeKünstler zu übergehen üblichen Fallstricke für beginnende , wenn sie zum ersten Mal versuchen, realistische Farben zu schaffen. Die Realität ist, dass Anfänger möglicherweise anfälliger für einige dieser Fehler, aber es gibt wirklich Dinge, die wir alle müssen darauf achten, vorsichtig zu sein und zu vermeiden, um realistische Farbe zu schaffen. Wir haben darüber ein wenig in anderen Lektionen gesprochen. Ich will es nur noch etwas auspacken. Die erste Fallstricke ist die Tendenz, eine Farbe entweder zu dunkel oder zu hell zu machen , also nicht den richtigen Wert zu erhalten. Dies ist eine Herausforderung für Anfänger und wirklich für uns alle, denn Nuance im Wert zu sehen, genau wie Nuance und Farbe zu sehen, ist eine Fähigkeit, die Zeit braucht, um sich zu entwickeln. Viele von uns, wenn wir anfangen, werden die Tendenz haben, automatisch die Bereiche, die wirklich dunkel aussehen, und die Bereiche, die hell aussehen, fast weiß zu machen . Wir neigen also dazu, Wert zu extrem zu machen. In Wirklichkeit sind die meisten Farben, die wir in den meisten Motiven sehen, es sei denn, das Motiv wird von einem wirklich rauen, unnatürlichen, künstlichen Licht beleuchtet , Mitteltöne. Es gibt also diese wahren Lichter und diejenigen, die fast schwarz sind, aber die Realität ist, dass die meisten Farben irgendwo auf diesem mittleren Spektrum sind. Wenn Sie also nur ein Bewusstsein dafür haben, dass die Tendenz sein kann in beide Richtungen zu weit zu gehen und den Mittelweg zu ignorieren , kann Ihnen helfen, sich daran zu erinnern einen zweiten Blick zu werfen und hoffentlich diese Mitteltöne genau nach unten zu bringen. Eine Möglichkeit, dass Sie sich selbst dabei helfen können, ist zu versuchen die dunkelsten dunklen und hellsten Lichter bis zum Ende Ihres Gemäldes zu reservieren. Selbst wenn du denkst, ja, dieser Bereich hier ist fast schwarz. Versuchen Sie, oder warten Sie, bis Sie einige der anderen Mitteltöne nach unten haben , bevor Sie die dunkelsten Dunkelheit niederlegen. Wenn Sie das bis zum Ende speichern, kann es Sie dazu zwingen, mehr von den mittleren Tönen zu sehen und sicherzustellen, dass Sie diese genau herunterbekommen. Das nächste, was man sich bewusst sein sollte, ist eine gute Sache, aber es kommt mit Herausforderungen, und das ist, dass wir alle diese unglaublichen Gehirne haben, die sich an viele Informationen über die Welt um uns herum erinnern. Eines der Dinge, die unser Gehirn tun, um an all diesen Informationen festzuhalten, ist es, sie zu vereinfachen. Wir erinnern uns also, dass ein Baum grün ist, der Ozean blau ist, ein Apfel ist rot, eine Kuh ist schwarz und weiß, und wir haben diese mentalen Bilder, die wir an diese Dinge erinnern können. Wir laufen die ganze Zeit mit dem Gedächtnis und dem Wissen um die Farbe, die wir denken, dass diese Dinge sind. Wenn es also an der Zeit ist, dieses Ding tatsächlich zu malen, wenn es an der Zeit ist, den Baum oder das Blatt tatsächlich zu malen, können unsere erstaunlichen Erinnerungen gegen uns arbeiten, weil sie versuchen, sich an die vereinfachte Version zu erinnern und uns zu denken dass es das ist, was wir im wirklichen Leben sagen. Also haben wir ein Blatt gemalt und unser Gehirn wird denken: Ja, die Blätter sind grün. Also vor allem für Anfänger, das wird eine Tendenz sein, das Blatt zu grün zu machen, fast wie eine Ikone eines Blattes oder eine Karikatur eines Blattes, im Gegensatz zu der Realität eines wirklich komplexen grünen Blattes, das ja, hat grün und liest als grün, aber wahrscheinlich nicht so gesättigt, hat wahrscheinlich ziemlich viel Rot darin. Das verbindet sich ziemlich gut mit der nächsten Tendenz, der nächsten Fallstricke, die auch etwas ist, das wir berührt haben und das ist die Tendenz für Anfänger, Farben zu gesättigt zu machen. Dies ist teilweise wegen unserer Erinnerungen an Dinge, die sie vereinfachter werden und in die Ikonenform von ihnen verwandeln, im Gegensatz zu der realen Form von ihnen, aber es ist auch nur, weil gesättigte Farben wirklich schön sind und sie sind ansprechend und sie machen Spaß zu sehen. Es gibt also den Wunsch, viel gesättigte Farbe zu verwenden, wenn es vielleicht nicht wirklich im realen Thema der Referenz ist. Wieder werde ich dasselbe sagen, was ich zuvor gesagt habe, als ich dies erwähnt habe; es ist nichts falsch mit rein gesättigten Farben. Wenn das der Stil ist, für den Sie sich entscheiden möchten, großartig. Aber wenn Sie versuchen, realistische Arbeit zu schaffen, nur daran erinnern, dass echte reine Sättigung im wirklichen Leben sehr selten ist, besonders wenn Sie natürliche Objekte malen; also Obst, Tiere, Pflanzen, Menschen, es gibt einfach nicht sehr viel rein Sättigung in der Welt. Die meisten Dinge, die rein gesättigt sind, sind Dinge, die von Menschen gemacht werden. Sie also nur ein Bewusstsein dafür haben, wird Ihnen hoffentlich helfen, es ein wenig zurückzuwählen und diese Momente der reinen Sättigung zu speichern , wenn sie wirklich in Ihrer Referenz erscheinen. Das entgegengesetzte Ende des Spektrums kann auch eine Herausforderung für beginnende Künstler sein. Das ist etwas, das wir auch beim Mischen angesprochen haben, und das ist Schlammigkeit. Wenn wir also versuchen, eine nuancierte Farbe zu entwickeln, besonders für die Verwendung von vorgemischten oder vorgemischten Farben, die Tendenz vielleicht, es ein wenig zu machen, zu viele verschiedene Mischungen zu verwenden, zu viele verschiedene Mischungen zu verwenden, und das kann dazu führen, dass die Farbe ihre Lebendigkeit verliert und ein wenig schlammigen Sinn hat. Also die grundlegende Sache, die Sie sich hier erinnern müssen, ist, dass, wenn Sie am Ende zu viele verschiedene Pigmente verwenden, das ist die Situation, in der Sie Schlammigkeit erzeugen können. Wenn Sie also reine Pigmentfarben verwenden, ist es ein bisschen schwieriger, Schlammigkeit zu haben. Wenn Sie Premix-Farben verwenden, ist es ein bisschen einfacher. Wenn Sie also diese Premix-Farben verwenden, versuchen Sie Ihr Bestes, eine einzelne Farbe direkt zuzuordnen , anstatt viele Farben übereinander zu schichten. Wenn Sie die reinen Pigmente verwenden, müssen Sie sich nicht ganz so viel darum kümmern, aber halten Sie einfach den Überblick, wie viele verschiedene Pigmente, wie viele verschiedene Farben Sie in Ihrem Mix haben. Der einzige Bummer an diesem Punkt ist, dass, wenn Sie am Mischen einer Farbe arbeiten, besonders wenn Sie in einem Medium wie Aquarell oder Farbstift arbeiten und die Farbe zu schlammig wird, es schwierig sein kann, das zu speichern. Wenn Sie in Öl oder Acryl arbeiten, können Sie einfach warten, bis es trocknet oder kratzen Sie es von Ihrer Leinwand und von vorne beginnen, aber sobald die Farbe mit Aquarell schlammig wird, haben Sie begrenzte Optionen. Möglicherweise können Sie einige Farbstift auf der Oberseite hinzufügen, etwas undurchsichtigen Farbstift, die einige davon abdecken wird. Wie ich bereits erwähnt habe, als wir zum ersten Mal über Müdigkeit gesprochen haben, sitzen Sie nicht in der Angst, dass dies passieren wird. Irgendwann wird es das tun. Sie ruinieren ein Gemälde mit Farbe, die zu schlammig ist, und Sie werden daraus lernen. Sie also nur das grundlegende Bewusstsein haben, wenn Sie mit Mischungen arbeiten, versuchen Sie, weniger zu verwenden und wenn Sie mit Pigmenten arbeiten, müssen Sie sich nicht ganz so viel darum kümmern. In Ordnung. Als Nächstes werden wir die Klasse einschließen und über das Klassenprojekt sprechen. 11. Zusammenfassung und Kursprojekt: Willkommen zurück. Wir haben es endlich bis zur letzten Lektion geschafft. Jetzt ist es Zeit für dich, alles, was du gelernt hast, zu nehmen und all diese Teile zusammenzuziehen und es im Klassenprojekt umzusetzen. Wir haben bereits Teil 1 des Klassenprojekts behandelt, das eine Wertestudie ist. Wenn Sie das noch nicht getan haben, hoffe ich, Sie nehmen sich die Zeit, ein paar Wertestudien basierend auf Ihrer Referenz zu erstellen. Denken Sie an diese kleinen Wertstudien wie eine kurze Notiz für sich selbst. Sie müssen nicht perfekt sein. Sie müssen nicht detailliert sein, auch wenn Sie nur zehn Minuten damit verbringen, wird es sich lohnen. Der zweite Teil des Klassenprojekts besteht darin, ein fertiges Vollfarbgemälde mit den Medien Ihrer Wahl zu erstellen . Offensichtlich verwende ich Aquarell und Buntstifte, aber Sie können wirklich alles verwenden, wenn Sie Acryl oder Pastell oder Marker oder eine Mischung aus Marker und etwas anderes tun wollen , die Mischung aus anderen Medien. Wie auch immer Sie es tun möchten, erstellen Sie ein Farbbild von Anfang bis Ende mit der Technik, über die wir in allen anderen Lektionen gesprochen haben. Suchen, legen Sie die Farbe fest, vergleichen und anpassen Sie nach Bedarf. Wiederholen Sie diesen Prozess immer und immer wieder. Sobald Sie fertig sind, hoffe ich, Sie werden sich die Zeit nehmen, um Ihre abgeschlossene Arbeit im Klassenprojekt und vor allem alle Fotos in Arbeit zu teilen . Wenn Sie Notizen zu dem haben, was Sie lernen oder was Sie mitnehmen, wird dies besonders hilfreich sein. Ich liebe immer Senior-Class-Projekt in jeder Klasse, aber ich denke, wegen der subjektiven Natur der Farbe, ist es so hilfreich für uns zu sehen, wie andere Leute es verarbeiten und wie andere Menschen sich ihm nähern. Wenn Sie sich wohl fühlen, Ihr Klassenprojekt zu teilen, hoffe ich wirklich, dass Sie es werden. Vielen Dank nochmals, dass Sie diese Klasse absolviert haben. Ich hoffe, es war hilfreich. Ich hoffe, Sie fühlen sich sicherer in der Farbe und sind bereit, in die Erstellung Ihrer eigenen schönen realistischen bunten Gemälde zu tauchen.