Performe wie ein Profi mit Backing Tracks in Ableton Live

1. Einführung: Willkommen bei Performing wie ein Profi mit Backing Tracks in Ableton Live. Tracks sollten etwas sein , das dich aufhält, nicht etwas, hinter dem du dich versteckst. Ich möchte Ihnen zeigen, wie Sie die Stärken von Tracks, Dinge wie voraufgezeichnetes Material, Automatisierung, Patch-Änderungen und die Stärken Ihrer Leistung, die Flexibilität, die Freiheit, die Ausdruckskraft nutzen können nur du darfst mitbringen. Ich bin Solo Ray. Ich habe meine erste Platte produziert, als ich 15 war, und seitdem habe ich nicht aufgehört, Musik zu machen. Ich bin durch das Land gereist und Musik gespielt. Ich musikiere jedes Wochenende direkt in meiner Kirche und möchte dir helfen, deine Musik so gut wie möglich live zu spielen . In dieser Klasse werden wir behandeln, wie man Tracks transponiert, wie man eine Anordnung anpasst, bestimmte Abschnitte schleift, wie vergangene Änderungen einer Tastatur oder Gitarre oder eines Gesangs oder einer Basis automatisiert werden. alles, was du spielst. Ich werde auch einige Hardwareempfehlungen für Audio-Interfaces und Midi-Controller geben . Wir lernen, wie Sie die Funktionen, auf die Sie zugreifen möchten, direkt an Ihren Fingerspitzen abbilden können und vieles mehr. Für diesen Kurs werden wir als Übung ein Live-Set für einen Künstler bauen, werden wir als Übung ein Live-Set für einen Künstler bauen den ich produziert habe, namens Deitzy. Wenn du noch nichts von ihm gehört hast, schau ihn dir an. Sein Zeug ist so cool. Wir werden ein sehr kurzes Live-Set von nur zwei Songs aufbauen , seinen Song „Figure“ und sein Lied „Magic Touch“. Wenn Sie Ableton Live noch nie zuvor oder irgendeine Art von Backing-Tracks benutzt haben, ist dieser Kurs perfekt für Sie. Ich werde alles durchgehen, was Sie wissen müssen, um Ihre Musik mit Ableton Live abspielen zu können. Jetzt, da du weißt, worauf du dich einlässt, kann ich es kaum erwarten, dir zu zeigen, wie du deine Musik auf das nächste Level bringen kannst. Lasst uns loslegen. 2. Übersicht: [MUSIK] Hier verschaffen wir uns nur einen kurzen Überblick über das Projekt, das wir erstellen werden. Es ist ein Live-Set für Dietze, wie ich sagte, zwei Lieder seiner Figur und Magic Touch. Hier gibt es zwei Ordner, Pitched und Rhythmus. Der Grund, warum ich diese getrennt habe ist die Transponierung von Dingen. Öffnen Sie diesen aufgestimmten Ordner und schauen Sie sich diese einzelnen Stiele an, die wir gerade haben. Dann hat unsere Rhythmusgruppe Perkussion und Schlagzeug. Wenn wir also mit einem Live-Schlagzeuger spielen, kann ich immer noch all diese lustigen Sachen wie die Klatschen und das Tamburin und die großen Riser und Dinge benutzen , weil ich sie in ihrem eigenen Perkussion-Stamm habe, ich kann mich drehen von der Haupt-Trommel trifft ganz. Mehr Vorbauten ermöglichen im Allgemeinen mehr Flexibilität. Ein perfektes Beispiel dafür wäre, wenn ich mit Dietze spiele, mein Instrument der Wahl sind Schlüssel. Also würde ich diesen Schlüsselvorbau ausschalten und diese Parts live spielen. Wir haben diesen Live-Keys Track hier drüben. Wenn ich das öffne, können wir kurz sehen, was los ist, es gibt ein paar verschiedene Patches, ein paar verschiedene Sounds und je nachdem, wo wir uns im Song befinden, spielt die Tastatur etwas anderes. [MUSIK] Die Art und Weise, wie es zwischen diesen Sounds wechselt, ist Automatisierung dieses Midi-Clips hier. Auch wenn du dich verloren fühlst, wenn ich viel zu schnell fahre, mach dir keine Sorgen, wir werden all diese Dinge langsam einzeln durchgehen . Ich wollte nur einen kurzen Überblick darüber geben wie alles zusammenarbeitet. dann einen Track nach links sichern, haben wir einen Cues-Track mit der Art und Weise, wie wir in diesem Fall Hinweise verwenden , darin besteht, im Intro zusammenzukommen, was so klingt. [MUSIK] Großartig. Jetzt können wir alle zusammenkommen und trotzdem ein Ambient Intro haben , es klingt schön und eng und professionell. Eine andere Sache, die wir vielleicht tun möchten, ist Flexibilität zu haben , wann genau wir in den Vers eingehen. Also haben wir dieses Intro-Szenen-Setup, das statt den Song zu starten und direkt in den Vers zu gehen , die Pads, das Schlagzeug, all das andere Zeug wird einfach diese ersten paar Takte durchlaufen , bis wir es sind bereit, in den Vers zu gehen und dann können wir in den Vers schlagen. Sie können auch durch ein Set schnell vorwärts gehen , indem Sie einfach den Spielkopf hier nach oben ziehen. [MUSIK] Also spricht er mit der Menge, er ist in der Lage, Leute zu hypen, was auch immer er tun möchte. Wie wir in den Vers kommen, wird er mir entweder einen Blick darauf werfen oder ich kann seine Körpersprache lesen, oder wenn ich einen Vortrag habe, kann ich einfach sagen, okay, lass uns jetzt in den Vers gehen. Die Art und Weise, wie ich das in Ableton tatsächlich tun würde ist, uns in diese nächste Szene zu schicken, diese Vers eine Szene. Dies ist also der Beginn des ersten Verses. Ich könnte ihn darin einzählen, oder sagen wir, er wäre hier ganz oben auf diesem Fortschritt zu eins, zwei, lass uns gehen. [MUSIK] Magic Touch macht etwas Ähnliches, aber am Back-End statt am Anfang. Das ist also ein großes Bild von allem, was im Set vor sich geht. Jetzt werden wir das Ding von Grund auf neu zusammenstellen, und ich werde darüber sprechen warum ich die Entscheidungen treffe , die ich treffe, und hoffentlich wird es dich inspirieren und dir geben Ideen, wie Sie diese Tools verwenden möchten um sie in Ihre eigene Musik zu integrieren. Ich möchte nicht, dass dies ein Regelbuch ist, in dem Sie Tracks sichern sollten , oder dies ist der beste Weg , Tracks zu sichern, das funktioniert für mich, wenn ich live auftrete. Nimm, was du willst, nimm was dich sinnvoll ist und benutze es. Die Dinge, die nicht funktionieren oder du denkst, weißt du was, ich möchte meine Musik einfach nicht so angehen. Hey, das musst du nicht, du kannst dein eigenes Ding machen, und ich denke, du solltest dein eigenes Ding machen. Aber hoffentlich ist das inspirierend und du kannst davon wegkommen, um mehr Musik spielen zu wollen, das ist immer das Beste. So fett aus dem Weg. Lasst uns eintauchen und fangen wir an, dieses Ding zusammenzustellen. 3. Hardware: [MUSIK] Bevor wir weiter gehen, möchte ich kurz einige häufig gestellte Hardwarefragen ansprechen , die mir oft gestellt werden, Audio-Interfaces, was sind sie? Brauche ich einen? Technisch gesehen, nein, Sie brauchen keinen, aber ich würde einen wärmstens empfehlen, denn ja, obwohl Sie einfach eine Kopfhörerbuchse von Ihrem Computer an einen DI anschließen eine Kopfhörerbuchse von Ihrem Computer und an Front of House senden können und nenne es einen Tag, aber wenn du ein Audio-Interface hast, insbesondere eines mit mehreren Ausgängen, kannst du Dinge tun, die dir so viel mehr Flexibilität bieten. So wie ich es gerne mache, ist mindestens acht oder so Ausgänge in einem Audio-Interface zu haben . Auf diese Weise kann ich die meisten Tracks durch eins und zwei schicken . Vielleicht sende ich meine Tastatursounds über drei und vier, und vielleicht trenne ich das aus, vielleicht trenne ich einige Gesangseffekte. Je mehr Dinge Sie trennen können, desto mehr Kontrolle haben Sie in Ihrem Monitoring-Mix dessen, was Sie tatsächlich hören, und desto mehr Kontrolle wird Ihr Front of House-Ingenieur haben. Er oder sie wird in der Lage sein , das Zeug auf eine Weise zu vermischen , das Zeug auf eine Weise , die musikalischer Sinn ergibt. Je mehr Ausgänge Sie haben, desto mehr Freiheit und Flexibilität haben Sie, aber wenn Sie nur die Kopfhörerbuchse haben , hey, können Sie das zum Laufen bringen. Es hängt alles vom Gig ab und wie viel Einrichtungszeit Sie haben und alles dergleichen, das bestimmt, was in diesem Moment die beste Wahl für Sie ist . [MUSIK] Zuletzt MIDI-Controller. Brauchst du einen? Welchen solltest du kriegen? Nein, du brauchst keinen. Vielleicht willst du doch einen. Sie können Ihre integrierte Laptop-Tastatur verwenden und Sie können MIDI-Karten alles zuordnen, was Sie möchten. Alles, was Sie einem MIDI-Controller zuordnen würden, können Sie auf Ihrem Laptop-Tastatur tun. Ich will einfach nicht meinen Laptop spielen. Ich möchte ein Instrument spielen, es sei denn, es ist ein DJ-Set oder ähnliches, es könnte akzeptabler sein, dann sicher, warum nicht. Aber ich habe gerne eine Art Hardware-Controller wie einen Korg NanoKontrol ist großartig, weil sie super billig und super winzig sind. Sie können sie überall hinstellen und Zugriff auf den gesamten Controller erhalten, den Sie benötigen. Sie können sogar Ihr Telefon oder ein iPad benutzen. Es gibt eine Reihe von MIDI-Controller-Apps. Mein Favorit ist TouchOSC. Ich benutze es wirklich gerne, weil du deine eigenen Schnittstellen erstellen oder einfach eine ihrer voreingestellten Schnittstellen greifen und alles steuern kannst. Es ist vollständig anpassbar. Es wird drahtlos mit Ihrem Computer synchronisiert . Ich benutze das jedes Wochenende meine Keyboard-Sounds zu kontrollieren, die ich spiele. Ich werfe es einfach auf den Knoten und kann die verschiedenen Sounds direkt von meinem Telefon aus steuern. Ich habe mein Handy immer bei mir. Es ist immer da. Es ist sehr einfach einzurichten. Der einzige Nachteil ist, dass ich auf mein Telefon schauen muss , um zu sehen, welchen Parameter ich anpasse. Mit einem Hardwaregerät muss ich es mir nicht einmal ansehen. Ich kann rüber greifen und fühlen und den Knopf drehen und weiß, dass ich den Knopf drehe, während du mit meinem Handy es dir ansehen musst, was dich vielleicht aus dem Moment herausbringen könnte. Sie können auch so ziemlich jedes MIDI-Controller-Keyboard verwenden . Sie sind im Grunde alle gleich. Sie machen das Gleiche. Es sind nur Möglichkeiten , das Gleiche zu tun. Es ist wirklich was auch immer Sie das beste Angebot finden können, was auch immer mit den besten Sachen gebündelt ist , ja, geh mit dem. Ich liebe das Arturia-Zeug, das ich finde, dass es großartig ist. Die wichtigsten Schritte sind genial für genau wie eine Tastatur, bei der Sie einfach nur Sachen spielen und so solide wie möglich bauen lassen möchten, um so billig wie möglich zu sein . Ja Mann, man kann den entscheidenden Schritt nicht übertreffen und ihre wichtigsten Laborsachen sind auch gut für ein bisschen mehr Kontrolle. Es ist nicht so gut seltsam gebaut, aber es ist immer noch eine gute Option. Also was auch immer du herumliegen hast, mach weiter und benutze das, das ist großartig oder gar nichts und du kannst es einfach auf einem Laptop abfahren , der auch völlig in Ordnung ist. 4. Einstellungen: [MUSIK] Bevor wir anfangen Dateien tatsächlich in unsere Projekte zu ziehen und zu erstellen, ein paar Einstellungen sollten wir uns zuerst um ein paar Einstellungen kümmern. Lasst uns Live-Präferenzen öffnen. Hier drin können wir eine ganze Reihe verschiedener Dinge einstellen. Ich werde nicht jede einzelne Sache in diesem Einstellungsmenü durchgehen , sondern nur das Zeug, das uns betrifft. Wenn Sie ein Audio-Interface mit mehreren Ausgängen haben und diese verwenden möchten, müssen Sie Ableton anweisen, das zu nutzen. können Sie hier in dieser Ausgabekonfigurationsschaltfläche tun. Wenn Sie darauf klicken, können Sie alle Ausgaben hervorheben , die Sie verwenden möchten oder nicht verwenden möchten. Wenn Sie die bereitgestellten Stiele verwenden, haben diese eine Abtastrate von 48K. Sie können Ihre Abtastrate Ihres Projekts hier einstellen. Wenn Sie wissen, was Abtastrate bedeutet, dann großartig. Wenn Sie nicht wissen, was die Abtastrate bedeutet, verwenden Sie einfach 48K und es wird Ihnen gut gehen. Alle Ihre Dateien passen so ziemlich überall hin, wo sie es brauchen würden. Ihre Puffergröße ist, wie viel Zeit Sie Ihrem Computer zur Verfügung stellen, um die Aufgabe abzuschließen, um die Sie bitten. Je niedriger Ihre Puffergröße ist, desto weniger Latenz haben Sie und desto schwieriger wird es Ihren Computer antreiben. Ich stelle meine Puffergröße gerne ziemlich groß ein, nur um sie so stabil wie möglich zu machen, aber es liegt alles an dir. Wenn Sie das Gefühl wirklich priorisieren, dass es sich enger anfühlt , können Sie diese Puffergröße senken und viel weniger Latenz erhalten. Das ist der Audio-Tab. Gehen wir zu diesem Rekord-Warp - und Start-Tab hier drüben. Diese Einstellungen sind wichtig. Wenn ich ein langes Sample importiere, also wenn ich einen Stiel hineinziehe, wird Ableton standardmäßig automatisch versuchen, das Tempo herauszufinden und es aufzuschneiden und es mir wirklich einfach zu machen, es zu probieren. Manchmal ist das großartig, wenn ich etwas produziere, kann es wirklich nützlich sein aber um Live-Tracks auszuführen, bei denen ich die Audiodatei genau so wiedergeben möchte , wie sie ist, möchte ich nicht, dass Ableton das macht. Aus dieser automatischen Warp Long-Samples Option hier. Sie dann im Standard-Warp-Modus sicher, dass dies komplex ist. Der Warp-Modus ist der Algorithmus, den Ableton zum Transponieren von Dingen verwendet. Sie alle haben ihre eigenen Stärken und Schwächen. Im Allgemeinen komplexe Sounds, die besten und transparentesten. Es ist ein bisschen anstrengender für Ihren Computer aber wir sprechen von unterschiedlichen Haaren und ich denke , dass es viel besser klingt , also würde ich weitermachen und das einfach als Standardeinstellung einwerfen. Wenn Sie einen anderen Algorithmus verwenden möchten, tauschen Sie [MUSIC] ihn aus , aber ich benutze die meiste Zeit komplex. Jetzt, da wir unsere Einstellung eingerichtet haben, öffnen wir ein leeres Projekt und fangen an, dieses Ding zusammenzustellen [MUSIK] 5. Dateien importieren: [MUSIK] Dies ist der Standardstatus , wenn Sie ein neues Projekt in Ableton erstellen. Es ist nichts los. Wie verwandeln wir das in ein Live-Set? Nun, wenn Sie Ihre eigenen Stiele haben mit denen Sie arbeiten, ist das großartig, Sie können diese verwenden oder den DC-Vorbau herunterladen. Benutze diese, um mitzuverfolgen. Das werde ich benutzen. Hier sind wir. Dies ist der Beispielordner , den Sie herunterladen können. Für unsere Figurspuren haben wir diese bösen Jungs für einen magischen Touch bekommen. Wir haben diese bösen Jungs. Wir werden sie einfach hier reinschlagen, links nach rechts und gehen einfach die Linie runter. Ich werde beim ersten Bass fallen lassen, BGVs auf der zweiten, Yada Yada. Während ich dies tue, können Sie sehen, dass der Spurname durch den Dateinamen bestimmt wird, während ich ihn dort ablege. Ich könnte das tun und diese Dateien nacheinander ziehen und auf diese Weise durchgehen, aber für mich ist Organisation wirklich wichtig , ist Organisation wirklich wichtig um verloren zu gehen oder sich nicht zu verlieren. Was ich als hilfreich empfand, und obwohl es im Voraus etwas länger dauern könnte , denke ich, dass es auf lange Sicht Zeit spart, es ist nur Dinge im Voraus zu beschriften. Anstatt all diese hineinzuziehen und sie so zu lassen, erstelle ich die Anzahl der Tracks, die ich brauche, beschrifte, wo ich möchte, dass alles sein soll , und lasse es dann dort hinein. Ich kann mir ansehen, mit wie vielen Stielen ich arbeiten muss. Okay, ich habe 1, 2 , 3, 4 , 5, 6, 7, 8, 9. Ich habe neun verschiedene Stiele am Laufen. Was ich mache, ist, dass ich eine Audiospur erstelle, indem ich Create dann Audiospur einfügen mache, oder ich könnte Command T verwenden. Ich habe zwei hier, also 2, 3 , 4, 5, 6, 7, 8, 9. Dann beschrifte ich diese, was auch immer diese Stiele sind. Okay. Jetzt, da ich alles beschriftet habe, werde ich diese spezifischen Dateien einfach in ihren spezifischen Tracknamen legen . Wenn Sie sich fragen, was diese ASD-Dateien sind, können diese Dateien automatisch generiert werden , wenn Sie eine Datei in Ableton importieren. Es ist wie die Wellenformdaten, damit Sie zeigen, wie laut bestimmte Abschnitte sind. Alles klar. Wir werden hier den Bass fallen lassen und die BGVs gehen an dieser Stelle. Ich werde das schnell vorantreiben. Dies wird wiedergegeben. Wenn ich diese Szene starte, die all diese Dinge hier hat. Wenn ich diese Szene gestartet habe, wird alles in dieser Reihe im Einklang wiedergegeben, was unser Lied sein wird. [MUSIK] Wieder kann ich schnell vorwärts fahren, indem ich mich hier hochziehe. [MUSIK] Alles klar. Cool. Dieser Song ist importiert und ist gut zu gehen. 6. Gruppierung: [MUSIK] In diesem Video dreht sich alles um Output-Routing und -gruppierung, was wirklich wichtig ist, um Ihr Projekt organisieren und Ihren Workflow schön und schnell zu halten. Die Art und Weise, wie ich Stiele gerne zusammenfassen möchte, besteht darin, alle aufgespeicherten Stämme miteinander zu gruppieren , die Informationen und alle Rhythmusstiele haben , die keine Pitch-Informationen zusammen haben. Ich werde weitermachen und alle Dinge auswählen, die Pitch haben, die diese Typen hier sind, und ich habe das in diesen Stielen beschriftet, indem ich dort einen Schlüssel hineinlege. Es hat den Namen des Liedes, das BPM, den Schlüssel und dann was es ist, und diese Typen habe ich dort keinen Schlüssel hineingelegt weil es keinen Schlüssel gibt, es ist atonal. Ich wähle all diese Typen aus und gruppiere sie zusammen. Wir können hier oben mit der rechten Maustaste auf den Track klicken, und dann kann ich die Tracks gruppieren, diesen Typ genau hier, oder du kannst Befehl G drücken. Jetzt habe ich das für unsere gespeicherten Informationen gemacht, ich klicke einfach auf die Gruppe Command R um es umzubenennen, pitched. Jetzt füge ich eine weitere Gruppe für all die Dinge hinzu , die stimmlich verwandt sind. Es gibt drei verschiedene Stämme , die damit zu tun haben. Es gibt den Hintergrundgesang, Lead-Gesangseffekte und dann einen echten Lead-Gesang. Der Lead-Gesang, den wir nicht wirklich verwenden, wenn wir live spielen, aber es ist ein Stamm, um Dinge zu verweisen, oder wenn ich ihn beim Einrichten des Tracks anhören möchte , kann es dafür hilfreich sein. Ich gruppiere diesen Gesang zusammen, indem ich sie zuerst zusammenfüge und dann alle auswähle und Befehl G um sie zu gruppieren. Jetzt habe ich diese Gesangsgruppe und ich kann das zusammenbrechen oder erweitern und das hier auf den Rand stellen. Diese Gesanggruppe ist immer noch innerhalb dieser Tonhöhengruppe verschachtelt, aber ich kann sie weiter erweitern und Zugang zu diesen einzelnen Stielen erhalten . Wenn ich wirklich cool sein möchte, kann ich alle gleich färben, mit der rechten Maustaste klicken, um sie alle zu machen, nicht so gelb. Dieses gelbe, cool und schön und hübsch, und dann all diese Dinge kann ich all diese Farbe machen, wenn ich will, mach sie all so schön blau, es ist ein schönes Blau. Jetzt habe ich in meinem Pitch-Ordner diese kleinen individuellen Dinge, ich habe meinen Gesang ganz. Deshalb ist es wichtig, dieses Zeug zusammen zu gruppieren. Abgesehen von der Ästhetik, sie zu organisieren und ein bisschen einfacher zu navigieren, können wir damit auch einige funktionale Dinge tun . Wenn wir uns unten diesen Teil der Schnittstelle ansehen, können wir einige Routing-Optionen sehen. Audio 2-Gesang, das bedeutet, dass dieses Audio von Spur dieses BGV Audio in diese Gruppe einspeist , Gesang , der dann Audio an diese Pitching-Gruppe gibt, die dann Audio an den Master ausgibt, was dann Audio aus unseren Lautsprechern 1 und 2 ausspeist. Wenn ich ein Audio-Interface mit mehreren Ausgängen haben wollte und diese stimmlichen Dinge über einen bestimmten Kanal senden wollte, könnte ich das von wechseln, anstatt zu diesem Pitched zu gehen Gruppe, ich könnte es an einen externen Ausgang senden, und dann kann ich auswählen, auf welchen Kanal ich gehen soll. Im Moment würde dies einfach den Master-Kanal umgehen und direkt zu den Lautsprechern gehen, oder ich könnte ihn aus drei und vier senden. Jetzt geht diese Gesangsgruppe aus den Ausgängen 3 und 4 aus, aber der Nachteil bedeutet, dass ich das jetzt nicht [LACHEN] hören kann wenn ich diesen Track solo mache und schnell dorthin vorbringe, wo dies spielen würde. Ich kann das nicht hören, weil es von drei und vier geht, nicht 1 und 2 meine Lautsprecher sind, und wenn ich das auf meinem Laptop außerhalb der Bühne bearbeite, kann ich keine sieben Lautsprecher haben mir, um all das Zeug zu hören. Wie können wir diese Dinge hören während sie noch auf diese Weise geroutet werden? Die Lösung besteht in der Verwendung von sense [NOISE]. 7. Liefern und Rückgaben: Wir werden einen Bus einrichten um uns die Änderungen anzuhören , die wir vornehmen werden. Ich brauche nur einen Bus, also lösche ich diesen Standard-Delay-Bus diesen Standard-Delay-Bus , der automatisch für uns hergestellt werden kann. Ich nehme diesen Reverb-Bus und werde dieses Reverb-Plug-In los und nenne das einfach Offline. Es ist nur, wenn wir das Projekt auf einem Gerät bearbeiten , das keine Reihe verschiedener Ausgaben hat. Aber wir wollen nicht all die Routings, die wir machen werden, aufheben . Dieser Offline-Bearbeitungsbus, Audio geht an den Master. Alles, was eine solche Ausgabe hat, drei und vier, die wir nicht hören können, drehen wir das Senden so auf, dass er es an unseren Bus sendet, wodurch wir es hören können. Jetzt habe der Hintergrund immer noch soloiert. Wenn ich dahin gehe, wo sie spielen würden, sollten wir sie hören können. Wunderbar. Großartig. Lasst uns nun die Dinge durchgehen und die Dinge nach Bedarf weiterleiten. Unser Rhythmuskram, ja, das würde ich wahrscheinlich in seine eigene Ausgabe stecken. Setzen wir das in fünf und sechs ein. Lassen Sie uns die Basis auch für sich selbst stellen. Lasst uns die Basis in sieben und acht legen und dieses Zeug kann alles zusammen sein. Das ist okay. Lasst uns das jetzt machen. Wir wollen das hören und wir werden diese Dinge bereits hören. wollen wir auf jeden Fall hören. Wenn wir das Projekt jetzt wiedergeben, können wir alle Vorbauten durch die Ausgänge 1 und 2 hören , obwohl wir sie an Ausgänge weitergeleitet haben , auf die wir derzeit möglicherweise keinen Zugriff haben. Großartig. Das einzige, was Sie beachten sollten, ist, dass Sie das Signal zweimal ausgeben, wenn Sie auf die Bühne gehen oder Ihre Schnittstelle anschließen und dann Zugriff auf all diese Ausgänge haben, das Signal zweimal ausgeben schalte diesen Bus nicht stumm, also müssen wir das ausschalten , wenn wir diese anderen Ausgänge verwenden und dann werden wir das nicht hören, weil es diese anderen Ausgänge durchläuft. Wir hören nur das Zeug , das eins und zwei durchläuft, was im Grunde genau das ist. Wenn Sie alles andere hören möchten, können wir unseren Bus wieder einbringen, diese Signale wieder in die Kanäle 1 und 2 dupliziert . Das ist mein Ansatz für das Routing zu verschiedenen Outputs. Im nächsten Video werden wir über Hinweise sprechen und einen Cues-Track einrichten. 8. Einführung in Szenen und Klicks: Um sicherzustellen, dass wir einen Klick mit uns haben, gebe ich unbedingt genügend Informationen ein, damit Ableton weiß, was der BPM ist und alles so. Ich beschrifte diese Szene einfach hier drüben. Wenn ich auf die Szene und Command R klicke, um umzubenennen, nenne ich das das Zahnrad. Dann lege ich einfach den vollständigen Song und ein paar Klammern ein. Eine andere Sache, die ich gerne mache , um organisiert zu bleiben, ist ein paar Leerzeichen am Ende zu werfen, wenn ich die Szene so beschrifte, dass sie den Text nach links rechtfertigt den Text nach links , anstatt dass er in der Mitte ist also bekomme ich keine SMS, die die Szene runtergehen. Es ist wie entweder alles links und wenn ich es einrücken möchte, kann ich diese Leerzeichen einfach wegnehmen und es wird eingerückt, zeig dir was ich meine. Wenn ich hier etwas breiter mache, ist es [NOISE] großartig. Ich habe das Gefühl, dass das ein bisschen schöner aussieht. Alles klar. BPM für das Lied ist 111 und es ist in 44. Jetzt klingt 44 so. [MUSIK] Dieser Klick könnte großartig für dich sein. Für mich ist es etwas langsam und ich würde nur ein bisschen mehr Divisionen haben wollen. Ich könnte das auf ein paar verschiedene Arten machen. Ich könnte den BPM auf 222 statt 111 verdoppeln , aber das könnte wie Arpeggiator aus dem Gleichgewicht geraten, wenn das etwas anderes oder was auch immer versenkt. Ich habe das Gefühl, dass Best Practice darin besteht , es einfach auf 48 statt auf 44 zu wechseln. Musikalisch ist es nicht genau das Gleiche, aber für alle Absichten und Zwecke ist es nur das Doppelte der Klickbereiche, die Sie so hören können. [MUSIK] Es ist nur ein bisschen einfacher zu spielen. Jetzt haben wir eine Figur da drin, lasst uns auch magische Berührung geben. Dasselbe Grundlegende: All diese Stiele sind auf die gleiche Weise eingerichtet, also werfe ich sie einfach alle auf die gleichen Spuren , die wir haben. Alles klar. Dieser eine Befehl R, magische Berührung. Dieser ist voll, Platz 167 BPM, und dieser, vierfach, wahrscheinlich in Ordnung, weil es so viel schneller ist. Lassen Sie uns das nochmal überprüfen. [MUSIK] Ausgezeichnet. Jetzt, da alles hier drin ist, ist es etwas schwierig, tatsächlich zu erkennen, was jeder Clip ist. Ich kann sehen, was das Label ist, aber wenn ich diese Informationen hier sehen möchte, kann ich alle Tracks auf einmal auswählen, indem ich die Umschalttaste anklicke, und wenn ich dann meine Maus auf die Seite lege, kann ich die Größe ändern Dinge. Aber weil ich sie alle ausgewählt habe, wird es tatsächlich die Größe ändern , was wirklich praktisch ist. Jetzt kann ich nur ein bisschen mehr Informationen darüber sehen , was jeder Clip tatsächlich enthält. Unsere Tracks, [MUSIC] unsere Stiele, alle Inhalte, die wir wiedergeben müssen sich jetzt erfolgreich in Ableton. Jetzt werden wir durchgehen, wie man das organisiert und gruppiert und im nächsten Video weiterleiten kann. 9. Cues: In diesem Video werden wir auch einen Cues-Track und ein Cues-Instrument einrichten . Die Art und Weise, wie das funktioniert, besteht darin, diese Cue-Samples zu verwenden , die ich hier aufgenommen habe. Auch wenn Sie diese Stiele nicht benutzen und ihnen folgen, empfehle ich dringend, diese Hinweise zu verwenden und sie als Instrument einzurichten, weil ich dieses Ding buchstäblich jedes Wochenende benutze. Ich benutze diese ständig, sie sind so unglaublich nützlich, und ich denke, du wirst sehen warum, sobald wir anfangen, damit rumzumachen. In diesem Cues-Ordner befinden sich alle Cues-Dateien und die.ASD Ableton-Dateien. Da ich nur alle WAVs gleichzeitig auswählen möchte, öffne ich einfach diesen Ordner und organisiere sie nach Art. Da sind wir los. Jetzt kann ich alle WAV-Dateien insgesamt auswählen. Ich werde all das in ein Drum-Rack werfen wollen. Also komme ich zurück nach Ableton und tauche hier in diesem Fenster auf, um all meine Sachen zu sehen. Ich gehe zu Instrumenten, schnapp mir einen Drum-Rack. Ich ziehe es einfach hier rüber in den leeren Bereich und es wird einen neuen Midi-Track für mich erstellen. Hier unten haben wir all diese leeren Zellen , in die wir Proben laden können, in unserem Fall wird es Hinweise sein. Ich ziehe einfach all diese WAV-Dateien und ich werde sie einfach alle beginnend mit C1 auflopfen. Wenn wir hier doppelklicken und einen Midi-Clip öffnen, können wir all diese verschiedenen Hinweise hier sehen und wir können sie vorsprechen, indem wir hier darauf klicken. Herbstband, es ist so niedrig. Chor nochmal, Doppelchor, Brücke. Die Art und Weise, wie wir diese in einem Song verwenden, besteht darin die Band in die Warteschlange zu stellen , um bestimmte Dinge zu tun. Um diese nutzen zu können, müssen Sie entweder mit Kopfhörern auftreten oder ein inneres System haben, um Dinge anzuhören , die nicht an das Publikum gesendet werden , um sie anzuhören . Um diese in das Lied einzufügen und die Dinge richtig auszuschalten, muss ich die Länge des Clips mit der Länge des Songs abgleichen . Wir werden in einem späteren Video näher auf das Warping eingehen, aber im Moment werde ich diesen einen Track nur verziehen. Ich mache es, um sicherzustellen, dass mein BPM 111 ist und dass dieser Clip 111 ist. Wenn ich jetzt auf Warp klicke, wird mir die Länge des Clips angezeigt, zufällig 111 Maßnahmen bei 44 beträgt. In diesem Clip setze ich die Zeitsignatur auf 44 und ich möchte nicht, dass es eine Schleife ist. Ich möchte, dass sie bei 111 endet. Egal wo ich in dem Song bin , diesem Clip folgen wir. [MUSIK] Ich kann gehen und einen Cue hinzufügen, also möchte ich eine Zählung hinzufügen. [MUSIK]. Ich misse fünf, dieser Vers hat angefangen. Ich werde ein Stichwort machen, das das Bandende zum Vers zählt, beginnend mit Measure 5. Wenn ich zeichnen möchte, kann ich B drücken, um mein Bleistiftwerkzeug auszugeben. Eins, zwei, drei, vier. Eins, zwei, drei. Lass uns vier auf den Boden gehen. Ich will nicht vier auf den Boden gehen, ich will eigentlich die Nummer vier. Vier. Los geht's, vier. Anstelle von einem möchte ich, dass es Vers sagt. Also lass mich hier Verse finden, hier ist Vers. Vers Ich lösche diesen hier. Eins. Wenn ich jetzt mit der Szene beginne, sollten wir eine Zählung haben, die auf Vers 2, 3, 4 geht und die Band würde reingehen. [MUSIK] Es liegt also an dir, wie detailliert du damit umgehen willst. Wenn Sie jeden einzelnen Abschnitt oder nur die Dinge, die wichtig sind , liegt es ganz bei Ihnen. Aber wenn dieses Instrument gespeichert wird, um zu einem späteren Zeitpunkt aufrufen zu können , um nur einige Hinweise auf etwas so Nützliches zu werfen , empfiehlt es sich dringend, einen Cues-Track einzurichten. Wir können das speichern, indem wir diese Hinweise umbenennen, und dann kann ich das einfach hier in meine Benutzerbibliothek ziehen. Ja, werfen wir es in unseren Instrumentenordner. Das klingt gut. [GERÄUSCH]. Großartig. Nun, wenn ich dieses Projekt löschen oder diese Spur löschen könnte , eher nicht das Projekt. Ich kann dieses Cues-Ding einbringen und es wird mein Cues-Instrument geladen und startklar sein. Ja, das sind die Grundlagen der Verwendung von Cues in Ableton. Im nächsten Video werden wir das Warping ein wenig erweitern und wie wir unsere Stiele in verschiedene Schlüssel umsetzen können. [GERÄUSCH]. 10. Warping: [MUSIK] In diesem Video werden wir über Warping sprechen, was Abletons Wahl ist, um Dinge zu verlangsamen, Dinge zu beschleunigen und Dinge neu zu schlagen. All das ist unter dem Warping-Regenschirm. Wenn Sie das Einstellungsvideo zu Beginn noch nicht angesehen haben, gehen Sie dies unbedingt durch. Es gibt ein paar Dinge , die diesen Prozess erheblich erleichtern werden. Einer der Gründe , warum wir Gruppen einrichten , ist, dass wir die Dinge viel schneller und einfacher verziehen können und nicht auf jedem einzelnen Stamm, mit dem wir arbeiten, auf Warp klicken müssen , aber wir können unsere Gruppen nutzen um Dinge als Gruppe zu arbeiten. Ich werde die Pitching-Gruppe zusammenklappen und habe hier alles in diesem Ordner. Doppelklicken Sie nun auf diese kleine Zelle und ich kann sie verziehen, indem ich auf Warp klicke. Was es jetzt tun wird, wenn ich auf „Warp“ klicke, ist, dass mein aktuelles Projekt BPM benötigt mein aktuelles Projekt BPM und das auf alles anwendet , was ich verzerre. In diesem Fall will ich das , weil ich mein BPM auf Zahl 111 festgelegt habe, was, wenn ich das wieder öffne und alles anschaue, alles 111 ist. Wenn ich auf „Warp“ klicke, wird das 111 BPM auf all diese einzelnen Clips angewendet , wobei Ableton im Grunde genommen gesagt wird, ja, das sind 111. Versuch es nicht herauszufinden. Versuch nicht, es abzubilden, ich sage dir, dass es 111 sind. Drücken Sie „Warp“. Plötzlich sehe ich diese Wellenform. Wenn ich hier reingehe, sind sie alle auf Warp eingestellt und ihr BPM ist auf 111 eingestellt. Wenn ich den Song abspiele, kann ich das Lied transponieren, nach unten werfen, aufheben und das Tempo bleibt gleich. Es bleibt mit den anderen Rhythmusspuren synchronisiert. [MUSIK] Großartig. Alles bleibt nett und konsequent. Wir sind in der Lage, die Tracks zu schlagen , ohne das Schlagzeug zu schlagen. Das ist großartig. Jetzt werden Sie feststellen, dass einige der Gesänge etwas knallig oder ein wenig dämonisch klingen etwas knallig oder , wenn wir sie aufschlagen. Wir können das ein wenig mit einem anderen Warping-Algorithmus bekämpfen . Wenn Sie sich die Einstellungen ansehen, sagte ich, ich solle immer komplex verwenden , weil das bei den meisten Dingen im Allgemeinen am besten klingt. Das trifft zu, mit Ausnahme der Gesang. Gesang, es gibt einen Modus namens Complex Pro, der viel besser bei der Handhabung der Formate funktioniert , sodass die Dinge nicht heruntergehen oder hoch werden. Es hilft, etwas von dieser Verrücktheit auszugleichen. Wir können uns das anhören, indem wir auf unsere stimmlichen Dinge klicken und zu Complex Pro wechseln. Da diese in einer Gruppe sind, kann ich all diese zusammen wechseln, indem ich auf diesen Kerl klicke , und es hat einen Stern, der mich wissen lässt , dass alle diese Optionen nicht gleich sind. jedoch hier eine Option auswählen, wenden wir diese Option auf alle an. Ich klicke auf „Complex Pro“ und es wird alle in Complex Pro umwandeln. Die Formate im Umschlag. Du kannst diese ein wenig optimieren wenn es nicht natürlich klingt, fummele sie einfach, bis es anfängt, realer zu klingen. Im Allgemeinen funktionieren die Standardoptionen die meiste Zeit für mich, wenn ich die Dinge nicht zu weit, halben Schritt, ganzen Schritt und innerhalb dieses Bereichs transponiere . Wenn es anfängt, ein bisschen mehr zu werden. Wenn du anfängst zu gehen, denke ich, dass das irgendwo wie vier und höher eine ziemlich schwierige Zelle ist. Du kannst es tun, aber es wird nicht mehr natürlich klingen. Mal sehen, wie schlimm es klingt. [MUSIK] Es ist wirklich niedrig. Ich glaube nicht, dass es ganz richtig funktioniert. Das ist etwas, wo wir etwas realistischeres tun würden, wie einen halben Schritt nach unten. [MUSIK] In Wirklichkeit würden wir diesen Lead-Vocal nicht live verwenden, also spielt es keine Rolle , welche Qualität dies hat. Aber den Hintergrundgesang würden wir tun. Hören wir uns also die Isolierten und die Auswirkungen auch an. Ich tausche zwischen den verschiedenen Algorithmen aus, du kannst hören, wie sie sich auf sie auswirken. [MUSIK] Ja, verschiedene Geschmacksrichtungen. Ich denke, der Complex Pro klingt etwas präsenter, etwas heller, ein bisschen nicht realistisch, aber nur ein bisschen weniger aufgeschlagen, wenn das sinnvoll ist. Während sich der normale Komplex eher so anfühlt , als würde er neu aufgeschlagen werden, hängt es davon ab, was Sie versuchen zu tun. Welches ist besser für dich und deine Situation. Wieder, wie gesagt, für Gesang mag ich Complex Pro und ich mag komplex im Sinne. 11. Midi Instruments: In diesem Video werden wir einen Key-Track erstellen, den wir spielen können. Sie könnten den gleichen Ansatz für eine Gitarre verwenden , wenn Sie live Gitarre spielen oder wenn Sie nur singen und Gesangseffekte durchsingen möchten, gelten all diese Techniken. Ich denke nur, dass Schlüssel am einfachsten zu demonstrieren sind. Um dies einzurichten, müssen wir einen Midi-Track erstellen und wir können mit der rechten Maustaste in einen leeren Bereich klicken und eine Midi-Spur einfügen. Wir können Shift Command T drücken, oder wir können einfach ein Plug-In oder eine Voreinstellung in den leeren Bereich ziehen und automatisch eine Midi-Spur für uns erstellen. Fangen wir mit einer in Ableton integrierten Voreinstellung an. Ich gehe hier in meinen Sounds Ordner und lass uns ein paar Synth-Keys holen. Wo ist der Typ, den ich mag? Analoge Emulationstasten. [MUSIK] Ja, das hier. Lasst uns das schnappen. Wirf das hier in den leeren Raum. Es hat diesen Midi-Track automatisch für uns gemacht und wir können sehen dass hier ein paar verschiedene Makrosteuerelemente laufen. Lass es uns ein Stück geben. [MUSIK] Cool, großartig. Nehmen wir an, das ist ein Geräusch, aber wenn ich einen anderen Sound will, möchte ich einen Rhodes-Sound. Schnappen wir uns das und ziehen es hier oben und sehen, was passiert. Ja, da ist es. Da bist du ja, FM Piano Bright. Ziehen wir es hier hin. Du siehst, dass ich meinen Sound auf meinen anderen Sound gezogen habe und es hat diesen Ton ersetzt. Mein erster Sound ist weg und ich habe diesen [MUSIC]. Beides cool. Aber was ist, wenn ich den anderen gleichzeitig will? So schichten Sie Sounds tatsächlich aus oder wechseln Sie zwischen Sounds. In ähnlicher Weise, wo wir unsere Stiele gruppiert haben, können wir Sounds individuell gruppieren. Ich klicke hier unten auf mein FM Piano Bright, Plugin und drücke den Befehl G um es in eine Gruppe zu bringen, obwohl es von alleine ist . Hier ist, was es tun wird. Es hat es gruppiert und wir haben diese zusätzlichen Gruppenkontrollen hier auf der linken Seite. Wenn ich auf diese „ Kettenliste anzeigen/ausblenden“ klicke , um die verschiedenen Dinge zu sehen. Es wird mir zeigen, dass es ein Instrument in dieser Gruppe gibt, und ich kann andere Instrumente hierher ziehen , um sie dieser Gruppe hinzuzufügen. Lassen Sie mich zurück zu meinem ersten Sound, den wir hatten, dieser analogen Emulation. Zieh es hier rein. Jetzt wird es beides auf einmal spielen. [MUSIK] Ich werde diese nur ein wenig abschalten, da wir nur abgeschnitten haben, um es zu hören. [MUSIK] Cool. Das sind die Grundlagen, um zwei Sounds miteinander zu schichten. Wenn ich beiden gleichzeitig einen Effekt hinzufügen möchte, würde ich diesen Effekt nach dieser Gruppe fallen lassen. Lassen Sie mich das hier demonstrieren. Wenn ich nur einen kleinen Reverb hinzufügen wollte. Nein, lasst uns etwas Verzögerung hinzufügen. Verzögerung macht mehr Spaß. Ich denke, Delay macht mehr Spaß als Reverb. Ich werde das einfach am Ende knallen lassen. Nun, [MUSIC] nimm das ab. [MUSIK] Lasst uns eine Tischtennis machen. [MUSIK] Das ist großartig. Nehmen wir an, ich wollte diese Verzögerung anstelle von beiden Sounds anwenden, wenn ich nur wollte, dass das Klavier, das FM Piano verzögert, aber ich wollte, dass der Synth keine Verzögerung hat. Ich könnte es in die Gruppe legen. Weil ich hier auf dem FM-Piano-Teil bin , geht diese Verzögerung nur an diesen Teil [MUSIK] oder umgekehrt. Sag mal, ich wollte es nur auf dem Synth , nimm es aus der Gruppe heraus, gehe zu meinem Synth und ziehe es dann in die Gruppe hierher. [MUSIK] Sie werden beim Synth feststellen, der Synth auch aus einer Gruppe besteht. Wenn ich die Liste im Synth öffne, um zu sehen, was los ist, sehe ich, dass ich ein eigenes Instrument mit einer Gruppe und Makros habe , und es hat eigene Plugins und alles. Es kann sehr schnell sehr kompliziert werden, wo Sie Gruppen innerhalb von Gruppen haben und all diese Instrumente ineinander verschachtelt sind, was diese wirklich coolen Sounds macht. Aber du kannst am Ende des Tages alles zusammenbrechen. Wenn Sie tatsächlich auf der Bühne sind oder etwas laufen oder einfach nur spielen möchten und sich keine Sorgen um alle Einzelheiten machen wollen, brechen Sie sich keine Sorgen um alle Einzelheiten machen wollen, alles zusammen und Sie können einfach spielen und müssen sich keine Sorgen machen darüber. Das sind die Grundlagen, wie man ein Instrument zum Spielen einrichtet. Als Nächstes werden wir durchgehen, wie Sie den Wechsel zwischen Sounds und zwischen Instrumenten von Abschnitt zu Abschnitt eines Songs automatisieren den Wechsel zwischen Sounds und zwischen können. 12. Änderungen des Patch automatisieren Teil 1: [MUSIK] Jetzt werden wir darüber sprechen, wie diese beiden verschiedenen Sounds automatisiert werden können, um ein- und auszuschalten, je nachdem, ob wir im Vers oder im Refrain sind oder was auch immer. Die Art und Weise, wie wir diese Automatisierung schreiben, ähnelt der Art, wie wir einen Midi-Clip für die Warteschlangen verwendet haben. Wir hatten einen leeren MIDI-Clip , der die Länge des Songs hatte, und dann konnten wir innerhalb dieses Clips herumnavigieren und Events dort platzieren, wo wir sie wollten. Ich werde tatsächlich denselben Midi-Clip aus unseren Warteschlangen auf dieses Instrument kopieren denselben Midi-Clip aus , da ich weiß, dass es die Länge des Songs ist. Ich öffne einfach den Clip. Befehl A, um alle Notizen hervorzuheben und einfach zu löschen. Jetzt haben wir einen leeren Midi-Clip mit nichts drin. Ich werde statt der Registerkarte „Notizen“ hier in der Mitte navigieren , ist für die Zeichnungsautomatisierung. Wenn wir hier Umschläge öffnen, können wir all die verschiedenen Dinge sehen, die wir automatisieren können. Dies sind alle Arten von Ordnern, und dann sind dies spezifische Parameter innerhalb dieser Auswahl. Ich gehe zum Instrumentengestell. Dann gehe ich zum Kettenselektor. Was die Kettenauswahl ist, wenn wir hier wieder zu dieser Ansicht zurückkehren, können Sie auch die Registerkarte wechseln, um zwischen der abgeschnittenen Ansicht und der Spuransicht zu wechseln. Die Kettenauswahl ist eine solche lange Zahlenliste hier mit diesem blauen Streifen, den Sie anklicken und bewegen können. Was es uns ermöglicht, ist auszuwählen, welche Elemente unseres Patches von unserer Tastatur ausgelöst werden. Zum Beispiel sind sie gerade beide auf der ersten Option, nämlich 0, diese winzigen kleinen blauen Dinge genau hier. Wenn ich den Patch spiele, werden beide Sounds abgespielt. [MUSIK] Großartig. Wenn ich möchte, dass es nur einen Sound abspielt, verschiebe ich diesen Synth statt auf 0, ich verschiebe ihn auf 1. Jetzt, da der Kettenwähler auf 0 ist und ich spiele, sollten wir einfach das FM-Klavier hören. [MUSIK] Wenn ich dann den Selektor auf 1 bewege, sollten wir einfach den Synth hören. [MUSIK] Cool, großartig. Zurück in unserem Midi-Clip werden wir den kleinen blauen Streifen automatisieren , den wir mit unserer Maus bewegen können. Das ist es, was wir hier automatisieren. Ich möchte, dass wir mit dem Klavier-Patch beginnen und dann mit dem Chor, meiner Meinung nach Maßnahme 21 ist. Lassen Sie mich hier einfach im Schlagzeug auftauchen, um es noch einmal zu überprüfen, denn Trommeln sind schön und leicht zu erkennen , wann Dinge passieren. Ja. Trommeln treten wirklich 21 ein, das ist der Chor. Das ist, wenn ich möchte, dass der Synth wirklich herauskommt. Wir lassen den Synth da sein. Dann wird unser Schlüssel-Patch auf 0 sein, was hier ist. muss ich mich etwas ändern Vor diesem Downbeat muss ich mich etwas ändern. Für den Fall, dass ich mich beeile. Ich löse immer noch den Synth-Sound aus, dass ich nicht auf meinem alten Straßen-Patch stecken werde. Jetzt testen wir das und stellen sicher, dass das funktioniert, damit ich auf Play klicke und dann schnell zu dieser Stelle vorwärts gehe. [MUSIK] Cool. Der Stapel wurde gewechselt. Großartig. Mir ist ein paar Dinge aufgefallen, die wir tun konnten, um dies ein bisschen stärker zu machen. Erstens, als der Synth hereinkam, war es im Vergleich zum Klavier nur ein wenig leise. Ich möchte die Lautstärke ein wenig erhöhen. Wenn wir jetzt dazwischen wechseln. [MUSIK] Nett, das ist ein bisschen näher. Dann auch diese Oktave , in der der Synth ist, möchte ich, dass das höher ist, aber ich möchte nicht auf meiner Tastatur die Oktave drücken müssen. Wenn das passiert, möchte ich einfach weiterspielen und dann den Synth um mich herum bewegen lassen. Ich verwende einen Midi-Effekt. Wir können diese Skala ergreifen, die viel mehr als skaliert. Sie können es tatsächlich zum Transponieren verwenden. Da ich möchte, dass dies nur den Synth und nicht auf das Klavier beeinflusst , ziehe ich das direkt auf den Synth und es wird es automatisch in diesen Teil des Patches einfügen. Wenn ich zu meinem Klavier gehe, ist dieses Scale-Midi-Plugin nicht da. Ich transponiere das um eine Oktave, 12 Halbtonne, und jetzt sollte [MUSIK] eine Oktave höher haben. [MUSIK] Schließlich wollte ich ein bisschen mehr Effekte auf das Klavier. Mir gefällt, wo sich der Synth befindet. Ich möchte dem Synth keinen Hall hinzufügen, sondern nur zum Klavier. Ähnlich wie wir diese Verzögerung im letzten Video zu diesem Synth gemacht haben, füge ich diesem Klavier nur einen Hall hinzu. Ich ziehe einfach einen Hall direkt auf das Klavier. Jetzt haben wir diesen Hall hier und ich wähle einfach sehr schnell einige Grundeinstellungen ein. Nettes langes, waschendes Ding. Nette Chorus-Sache, also bringen wir das runter. Ja, bringt ein bisschen dazu, wieder zu unserem Klavier zu wechseln . Mal sehen, wie das klingt. [MUSIK] Dann können wir zu unserem Synth gehen. [MUSIK] Jetzt gingen wir die Länge des Songs durch und wann immer wir möchten, dass sich unser Sound ändert, würden wir eine Notiz hineinlegen und die Automatisierung schreiben , um in diese Kette zu wechseln dass wir spielen wollen. 13. Änderungen des Patch automatisieren Teil 2: [MUSIK] Eine andere Sache, die wir tun können , um das Potenzial des Kettenselektors wirklich auszuschöpfen, ist, sagen wir, wir wollten beide Sounds gleichzeitig spielen, aber manchmal einzeln spielen. Es gibt eine Möglichkeit, dies mit dem Kettenselektor zu tun. Im Moment haben wir Chain 0, Chain 1. Ich möchte, dass Chain 2 auch etwas ist. Ich werde die Reichweite des Synths erweitern , damit er eins und zwei belegt, und dann werde ich auch die Reichweite dieses Klaviers erweitern , damit es Null und Eins belegt. Jetzt ist das Klavier von 0-1 und der Synth ist von 1-2. Wenn wir uns auf Chain Selector 1 befinden, sollten wir beide tatsächlich auslösen. [MUSIK] Ich weiß, dass es 73 misst, es gibt diesen großen Instrumentalbereich, der passiert. An diesem Punkt möchte ich, dass der Synth auch das Klavier hinzufügt. Ich verschiebe diesen Kettenselektor einfach auf zwei, was nur der Synth ist, und dann werde ich ihn bei 73 auf einen verschieben, was unser Synth und das Klavier ist. Stellen Sie sicher, dass das hier schön und eng ist. Cool, jetzt lass uns hören, wie das klingt. [MUSIK] Cool, so können Sie die Kettenauswahlzonen verwenden, um interessantere Änderungen und Übergänge zu erzeugen. [MUSIK] 14. Bühnen mit Szenen aufnehmen Teil 1: Jetzt werden wir darüber sprechen , wie unser Arrangement anpassen und wie man spontan zu verschiedenen Abschnitten des Songs gelangen kann. Ich denke, der einfachste Weg, dies zu erklären ist ein erweitertes Intro , das wir dann in den vollständigen Song schicken können , wann immer wir bereit sind. Die Art und Weise, wie wir das einrichten, besteht darin eine andere Szene zu erstellen. Diese horizontalen Zeilen werden Szenen genannt und wir werden diese verwenden , um uns zu verschiedenen Teilen des Liedes zu schicken. Lassen Sie uns zunächst diesen intakt lassen, die Szene, in der wir bisher gearbeitet haben. Ich drücke Befehl D, um diese Szene zu duplizieren. Das ist eine exakte Kopie von diesem Kerl. In dieser Szene werde ich das statt des vollständigen Songs beschriften, das wird unser Intro sein. Vielleicht, um dieses Intro von diesem Kerl zu unterscheiden, werde ich das vielleicht einfach hierher stellen und vielleicht lösche ich einige dieser Leerzeichen am Ende, damit ich das einrücken kann. Es ist ein bisschen anders und lassen Sie uns hier auch ein paar Leerzeichen hinzufügen. Lasst uns das aufräumen. Ich werde die Szene spielen, die wir gerade dupliziert haben, bis zu dem Punkt, an dem ich möchte, dass sie mit dem Looping beginnt, und dann pausiere ich sie, damit wir es tun können. [MUSIK] Vers zwei, drei vier. Genau da. Dort möchte ich, dass die Schleife beginnt, wenn alles drin ist. Jetzt, da ich den Abspielkopf hier um fünf angehalten habe, möchte ich sagen, dass er sich schleifen soll und ich möchte die Position der Schleife, ich kann diesen Set-Button verwenden und das wird ihn darauf einstellen, wo sich mein Spielkopf gerade befindet. Die Länge, ich möchte, dass es acht Takte oder was auch immer ist. Wenn ich nun hier herauszoome indem ich auf diese Leiste klicke und ziehe, kann ich sehen, dass dieser Clip immer noch gleich am Anfang der Datei beginnt, aber wenn er Balken fünf erreicht, wird er weiter in diesem kleinen blauen Abschnitt hier. Wirklich nützlich für wir können das Lied starten, ist normal, aber es wird nicht zum Rest gehen, bis ich es ihm sage. Dies ist immer noch ein Looping und jetzt werden wir dieselben Einstellungen auf den Rest der Clips in dieser Szene anwenden dieselben Einstellungen auf . Ich möchte auch, dass die Tasten dies tun, ich aktiviere die Schleife, setze meine Position und stelle die Länge auf acht Balken ein. Nun, in diesem Fall kann ich hier sehen, dass diese Szene eigentlich noch nie gespielt wird. Um es also ein bisschen klar zu machen , wenn ich mir die Szene anschaue, was los ist, kann ich das einfach löschen. Wir brauchen es nicht. Dasselbe mit einer Spur. Blei kommt während dieser Schleife nicht rein, also brauche ich es nicht. Diese Szene, also aktiviere Schleife, setze meine Position, setze die Länge auf acht Balken. Gesang. Gesang ist zu diesem Zeitpunkt da drin, aber ich möchte, dass sie noch nicht da drin sind, weil ich möchte, dass dies ein Intro ist, bevor wir das Lied beginnen , und wenn sie weitersingen, das vielleicht nicht die richtige Stimmung. Ich werde nur diese und dasselbe löschen, wir brauchen nicht den Lead-Gesang hier oder die Lead-Gesangseffekte. Trommeln werde ich wollen, also werde ich diese schleifen, den Startpunkt und die Länge festlegen und schließlich dasselbe mit Perkussion. Percussion taucht vielleicht nicht auf, mal sehen. Ja, am Ende ein kleines bisschen. Ich werde das einfach loswerden, also ist es einfach die ganze Zeit. Machen wir das Gleiche auch mit unseren Hinweisen, damit Sie diese nicht wiederholen. Dann tun wir dasselbe mit unseren Patch-Änderungen, wir werden dasselbe tun, damit wir nicht plötzlich wechseln , wo wir nicht wollen. Lasst uns nun die Szene spielen und es wird den Song wie gewohnt beginnen, aber es wird jetzt einfach weiter das Intro durchlaufen und es wird nicht zum Rest des Songs gehen. [MUSIK] Vers zwei, drei, vier. [MUSIK]. Wir haben den Gesang herausgenommen, damit dies einfach die Menge, das Intro, was auch immer tippen kann. Es wird wieder an diesen Ort gehen. Cool. So richten Sie also einen grundlegenden Loop-Punkt ein. 15. Bühnen mit Szenen aufnehmen Teil 2: Jetzt werden wir eine neue Szene machen , in der es darum geht, uns in den Vers zu bringen. Ich gehe unsere erste Szene durch. Befehl D zum Duplizieren, ich ziehe das unten, nur diesen werde ich Vers nennen. Ich werde einige dieser Leerzeichen hier löschen , nur um es ein wenig einzurücken. Ich lasse diese Szene spielen, die genau dieselbe Szene ist wie diese Top-Szene. Aber wenn es am Anfang des Verses kommt , werde ich ihn pausieren, und ich werde alle Startpunkte des Clips auf diesen Vers setzen . Vers zwei, drei, vier. Jetzt, da wir ganz oben im Vers sind, klicke ich auf meinen ersten Clip und direkt neben der Stelle, an der Start steht, gibt es eine Schaltfläche mit der Aufschrift set, genauso wie der Satz für Loop-Punkte. Ich kann auf Set klicken, und es wird den Startpunkt so einstellen , dass ich gerade bin. Ich gehe all diese Clips durch und mache das Gleiche. Ich bewege mich nur mit meinen Pfeiltasten durch die Clips , damit ich sie alle treffen und sicherstellen kann, dass sie alle einen Startpunkt von fünf haben. Dasselbe gilt für unsere Hinweise, das Gleiche auf unserem Automatisierungsclip hier. Okay, jetzt können wir im Intro sein, das kann Looping sein, und wenn ich diesen Vers treffe, wird er automatisch ganz oben im Vers mit dem Gesang da drin und allem anderen gehen . Nehmen wir an, es würde hier ganz oben auf dieser Maßnahme stehen, eins, zwei, drei, lass uns zum Vers gehen. Jetzt, da wir in diesem Punkt sind, wird es den Rest des Liedes einfach wie gewohnt weiterführen. gesamte Automatisierung ist noch intakt, und wir konnten so lange in diesem Intro bleiben , wie wir wollten. Die wahre Kraft dieser Technik ist, dass Sie wissen was diese wirklich entscheidenden Stellen in Ihren Songs sind , was diese wirklich entscheidenden Stellen in Ihren Songs sind, die Sie vielleicht wieder treffen möchten , zurückgehen, um sie als Szene einzurichten und dann setze alle Startpunkte so ein, wo du noch Stiele verwenden kannst, aber du hast die Flexibilität , wieder zu einem Abschnitt zurückzukehren und ihn erneut zu treffen. Dann kannst du immer eins für ein Ende einrichten. Wenn Sie das Lied früh eingeben möchten, können Sie diese Technik verwenden, um dasselbe zu tun. 16. Looping Outro: [MUSIK] In diesem Video werden wir einen weiteren Loop-Punkt einrichten wie zuvor, aber dies wird am Ende des Songs statt am Anfang sein. Da wir noch nicht an diesem Song gearbeitet haben, keiner dieser Stämme auf das richtige Tempo verzogen. Ich mach das ganz schnell. Ich werde die Magic Touch-Szene starten, die dieses BPN von 167 auf unser Projekt anwenden wird. Wir können hier oben links sehen. [MUSIK] Großartig. Jetzt hat es sich geändert. Jetzt steht es mir frei, das ganze Zeug zusammen zu verziehen. Großartig. Ich mache das Gleiche mit den Trommeln. Ich schalte meinen Gesang auf Complex Pro um , wenn ich ihn später transponieren muss. Jetzt gehe ich zum Ende des Liedes , wo ich möchte, dass sich die Dinge wiederholen. [MUSIK] Genau dort findet die Wende statt. Ich habe meinen Spielkopf an diesem Punkt gestoppt. Ich schalte die Schleife ein, setze meine Position ein und stelle dann meine Länge ein. Was ich mehr will, ich mache 16 Takte statt acht oder vielleicht sogar länger, mal sehen wir hier. Ich könnte 32 machen. Ja, ich setze mich auf 32 ein. Loop-Set, Länge 32, Loop-Set, Länge 32. Loop-Set Länge 32, Loops eingestellt Länge 32. Eigentlich werde ich das nicht für diesen Gesang machen , weil ich nicht möchte dass der Gesang am Ende herumläuft. Zu diesem Zeitpunkt tun sie sowieso nichts, aber keine Notwendigkeit, die Stille zu schleifen. Ich lasse die einfach in Ruhe. Das Gleiche ist, dass die Trommeln, wie die Haupttrommeln, keine wirklich Informationen haben, also werde ich mir nicht einmal die Mühe machen, diese zu schleifen. Wir machen die Perkussion. Testen wir diese Schleife aus. [MUSIK] Es gibt eine Schleife. Großartig, also richtest du so ein Looping-Ende ein. 17. Ein Ende erstellen: [MUSIK] Jetzt fragen Sie sich vielleicht, dass das großartig ist, dass es ein Looping-Ende gibt, aber wir müssen den Song irgendwann beenden. Ich kann mich nicht verblassen wie sollen wir das Ding eigentlich beenden? Jetzt zeige ich, wie man eine Endszene einrichtet. Dies ist eine Szene, in die wir genau dann werfen können , wenn wir das Lied beenden wollen. Es wird also am Ende einfach ein großer Hit von etwas sein . Aber das Ding mit magischer Berührung ist, dass dieses Lied das nicht hat. Nehmen wir an, Ihre Stämme enden einfach und es gibt keine wirklich anmutige Möglichkeit, sie zu beenden. So können wir zumindest eine Möglichkeit einrichten, den Song auf eine Weise zu beenden , die sich etwas zielgerichteter anfühlt als alles, was gerade abschaltet. Also werde ich diese Szene duplizieren. Ich nenne das END. Bei all diesen schalte ich unsere Schleife für alle Clips aus, schalte ich unsere Schleife für alle Clips aus die ich ausschalten werde, und schalte dann die Schleife aus. Großartig. Hören wir uns jetzt einfach das Ende des Liedes an, damit Sie hören können was die Standardsache ist und dann können wir Anpassungen daran vornehmen [MUSIK]. Es ist wirklich nichts da. Es verblasst einfach, also könnte ich es an diesem Schwanz anfangen lassen, das ist eine Option. Mal sehen, wie das klingt, also wäre das gleich bei 297, denke ich, wäre der Downbeat davon. Ich spiele die ganze Szene [MUSIC]. Ich gehe zu 297 [MUSIC] schnell vorwärts. Genau da ist es so eingestellt. Jetzt ist das hier eingestellt, wir können in unserer Schleife sein und dann können wir einfach an diese Szene schicken und das wird einfach tun. [MUSIK] Wir sind in der Schleife wir jammen, sagen wir ich wollte das hier beenden, 2,3,4. Es funktioniert aber speziell für diesen Schlüsselsound, der Schwanz klingt nicht super der Schwanz klingt nicht super zielgerichtet, also sagen wir, um den Song zu beenden, wenn ich es wollte, anstatt direkt beim Downbeat zu beginnen , wo alles hört auf, ich verschiebe die Startposition der Anpassung an diese Keys Vorbau, um der Anfang des letzten Akkords zu sein. So kann ich auf der Wellenform sehen , wo die Akkorde passieren, und ich verschiebe einfach den Startpunkt hierher zurück. Jetzt, wenn ich gleich zu diesem Zweck gehe. Sagen wir, ich mag die Idee , mit einem Akkord zu enden, aber ich will diesen Akkord nicht, den ich will einen der früheren. Nun, wir können umziehen und diesen Kerl finden. Wenn ich also möchte, dass dieser Akkord die richtige Lösung dafür ist, lass mich das solo machen [MUSIK]. Los geht's, aber dann wird es einfach weiterspielen, was ich nicht will, also werde ich den Endpunkt früher verschieben . Also habe ich Set gedrückt, um es dahin zu ziehen, wo mein Spielkopf war, und dann ziehe ich das einfach hier rüber. Hören wir uns jetzt an , wie das klingt [MUSIC]. Besser, aber es endet am Ende immer noch abrupt , also werde ich zwei Dinge tun. Erstens, ich automatisiere die Lautstärke also klicke ich über , anstatt auf unsere Warping - und Pitching-Funktionen, wir haben eine Automatisierungsseite, die dem MIDI-Zeug und der Clip-Gain entspricht, was ist die Lautstärke dieses speziellen Clips und ich werde hier nur ein wenig Volumen nach unten zeichnen. Ich werde auch einen Reverb-Send erstellen also füge die Return Track so ein, dass wir uns Sachen anhören müssen , aber das wird eher traditioneller Bus sein , da es einen tatsächlichen Effekt hat. Also lasse ich den Reverb mit unserem Reverb-Bus fallen. Machen Sie es zu 100 Prozent nass. Mach es wirklich lang, also werde ich das Sende-Level automatisieren. Anstatt die Clip-Verstärkung zu automatisieren, gehe ich zum Mixer und dann ist dies Hall, damit er bei diesem letzten Treffer, Boom, Hall, damit er bei diesem letzten Treffer, Boom, viel Hall senden kann , damit er nur ein bisschen länger hält und mach es etwas absichtlicher [MUSIK]. Jetzt werden wir im Kontext das Lied 1,2,3,4 beenden. Dann wäre das Letzte, was ich denke, dass es hilfreich wäre, wenn wir nur einen Kick am Ende anstelle der Tasten alleine hätten , wenn es einfach so wäre , was ich tun werde , diesen Startpunkt zu diesem Kick hier zu bewegen und dann spiele es, um meinen Abspielkopf zu setzen, und ich werde es ziemlich gleich danach stoppen, um meinen Stopppunkt zu setzen. Beenden Sie den Boom. Also, wenn wir diese Endszene starten [MUSIC]. Lasst uns das hören. Cool , also richtest du so eine Endszene ein, um Dinge abzuschließen. Wenn Sie ein Ende Jam haben , brauchen Sie eine Möglichkeit, sich zu verbeugen. 18. Bearbeitung mit Automatisierung: [MUSIK] Eine Sache, die ich jedes Mal höre , wenn wir am Ende der magischen Berührung zu diesem Looping-Bereich gehen , ist dieser kleine Klick. Es gibt einen Bearbeitungsfehler an einem der Trommeln. Wir können das mit Automatisierung beheben. Es klingt so, als käme es von dieser Perkussion, lass es uns einfach ausschalten und sehen, ob wir es hören können. [NOISE] Hören Sie diesen kleinen Klick dieses kleine [NOISE] Geräusch? Wenn ich die Wellenform sehr weit hineinzoome, sehe ich sie. Es gibt eine seltsame Spitze und dann den eigentlichen Transient der Trommel hier, wahrscheinlich von etwas Unstummschalten oder so. Wir können dies mit der Automatisierung loswerden, also gehe ich zu meiner Automatisierungsregisterkarte und Clip-Gewinn. Ich passe die Lautstärke dieses spezifischen Clips an und setze einen Knoten direkt auf den Downbeat. Dann zeichne eine Form um sie herum, bring den beleidigenden Bereich runter, und jetzt [MUSIK] nett. Dann habe ich auch einen zu Beginn des Liedes gehört . Du kannst es hören. Hier ist mit allem in [MUSIC]. Etwas ähnliches bearbeiten. Mal sehen, ob wir es finden können. Ich sehe dort einen kleinen Schlag von etwas, lasst uns das Schlagzeug ausschalten und hören uns das an. [NOISE] [MUSIK] Das ist eine kleine schnelle Sache wie vor dem Clip-Gain, und legen Sie zwei auf beiden Seiten, damit wir es einfach nach unten ziehen können. Hören wir uns das jetzt an. [NOISE] [MUSIK] Nett und sauber, cool. [MUSIK] Wirklich schneller [MUSIC] Tipp, aber das kann sehr nützlich sein, um kleine Dinge zu reparieren, die durch die Risse gerutscht sind. 19. Midi Mapping: [MUSIK] Als nächstes möchte ich einige Midi-Mapping-Funktionen durchgehen. Sie können Midi-Map mit jedem Midi-Controller verwenden, den Sie möchten. Mein Favorit ist ehrlich gesagt etwas , von dem ich garantiere, dass Sie in Ihrem Haus liegen und es ist Ihre Computertastatur. Der Grund, warum ich das mag, ist, dass es sehr dünn ist. Du kannst es so ziemlich überall auf die Bühne stellen. Es ist wirklich einfach zu verstecken und es ist buchstäblich dieselbe Fuktionalität wie viele Midi-Controller. Wenn Sie nur nach Tasten suchen, wenn Sie nur eine Reihe von Tasten möchten, die auf was auch immer zuordnen können, ist eine Tastatur großartig. Um mit der Tastatur Ihres Computers zu midimap zu können, müssen Sie lediglich auf diese Schaltfläche mit der Aufschrift „Key“ klicken. Alles wird orange. Alles, was orange ist, ist das, was Sie auf die Tastatur anwenden können , wo immer Sie möchten. Ich klicke hier auf unsere erste Szene, sich um den vollständigen Song von oben nach unten handelt. Ich drücke einfach „Eins“ in unserem Intro. Ich drücke „Zwei“. Ich gehe einfach die Linie runter. [NOISE] Jetzt habe ich die ersten fünf Zahlen die den ersten fünf Szenen in unserem Projekt entsprechen. Ich kann in den vollständigen Song einsteigen. [MUSIK] Ich kann in magische Berührung gehen, [MUSIK] und das Lied, [MUSIK] ins Intro für Figur gehen und uns dann in den Vers schicken. [MUSIK]. Vers 2, 3, 4. Intro läuft. Gehen wir hier in 1,2,3 zum Vers. Ich benutze dafür gerne Tastaturen, es ist großartig. Eine Sache, die Sie beachten sollten, ist die Art und Weise, wie Ableton das Szenen-Setup gestartet hat, standardmäßig wird es bis zum nächsten auftretenden Downbeat quantisiert. Wenn ich irgendwo zwischen diesem 1, 2, 3, 4, zähle, irgendwo drin, wird es beim nächsten verfügbaren Downbeat gestartet. Das kann ich ändern. Wenn ich möchte, dass es einfach keine Quantisierung hat und einfach, hey, egal wann ich diesen Knopf drücke, geh einfach sofort dorthin. Sie können das tun, indem Sie die Quantisierung oben links oben ändern , wo hier ein Balken steht, ich kann es auf keine umstellen. Dann wird es einfach sofort ausgelöst. Ich empfehle nicht, keine zu verwenden, es sei denn, Sie spielen aus einem bestimmten Grund ein Instrument oder so. Ich denke, die Quantisierungsfunktion ist wirklich, sehr hilfreich. Es könnte nur ein bisschen dauern, sich daran zu gewöhnen und versuchen Sie nicht, es direkt im Takt zu starten. Sie können es ziemlich viel führen und es wird es beim nächsten verfügbaren Downbeat tun. [MUSIK] Hoffentlich macht das Sinn, die Quantisierung ist wirklich, sehr nützlich. Es geht immer zum nächsten verfügbaren Downbeat. 20. Nächste Schritte: Gut gemacht. [MUSIK] Wenn du es so weit geschafft hast, hast du alles durchgegangen, du hast eine Session aufgebaut, du hast Dinge automatisiert und ich denke, du hast genug Wissen um dein eigenes Live-Set zu erstellen, um live zu spielen. Hoffentlich gibt Ihnen dies einen Überblick und ein Verständnis für meine Herangehensweise an Live-Musik und Live-Tracks und den Versuch, die Stärke davon zu nutzen , um Ihre Performance hervorzuheben. Anstatt etwas , hinter dem Sie sich verstecken können, ist es etwas, das Sie auffordert. Wenn du es genossen hast, diesen Kurs zu sehen , wenn du etwas gelernt hast, würdest du mir bitte auf Skillshare, Instagram, YouTube folgen , aber es ist so, dass du Musik machst, fühle ich mich als könnte ich dir wahrscheinlich helfen, es ein bisschen besser zu machen und es für dich einzigartiger zu machen. Ich verlinke all das Zeug in meinem Profil , wo du es dir ansehen kannst, wenn du willst. Wenn Sie eine Video - oder Audioaufnahme von Ihnen haben , die mit einem dieser Tipps oder Tools auftreten, würde ich es mir gerne ansehen. Du kannst mich auf Instagram oder hier auf Skillshare treffen , wann immer ich es gerne sehen würde. Vielen Dank für unsere gemeinsame Zeit, es war eine wahre Freude für mich, etwas davon mit Ihnen teilen zu können, und hoffentlich hat es Ihnen auch gefallen. Wir sehen uns das nächste Mal. [MUSIK]