Performance inszenieren - So redest du mit Schauspielern

1. Einführung: Hallo, mein Name ist Sebastimttiaz Weisbach und willkommen bei Regieperformance, How to talk to Sebastimttiaz Weisbach und willkommen bei Regieperformance, How to talk to Actors. Ich bin Schauspieler und Regisseur aus Bowl in Deutschland. Und in diesem Kurs werde ich dein Lehrer sein, während wir lernen, wie man Performances inszeniert, AKA, wie man mit Schauspielern spricht. Ich habe vor Kurzem meinen ersten Indie-Spielfilm, Stutter, fertiggestellt ersten Indie-Spielfilm, Stutter, und unterrichte Kameraschauspiel am Catalyst Institute for Creative Arts and Technology Ich habe also nicht nur Erfahrung Arbeit mit erfahrenen Schauspielern, sondern auch mit jungen Studenten, die noch nicht die Gelegenheit hatten , so viel Erfahrung zu sammeln Regie zu führen ist einer der kniffligsten Aspekte des Filmemachers, weil es nicht so einfach ist, Anpassungen an Herangehensweise eines Schauspielers vorzunehmen und aussagekräftiges Feedback zu geben der Herangehensweise eines Schauspielers vorzunehmen und aussagekräftiges Feedback zu geben, wie die Farbtemperatur an einer LED-Leuchte anzupassen Nicht nur Neulinge, sondern auch erfahrene Filmemacher bekommen oft das entscheidende Element, direkt oder falsch zu sein, was zu unterdurchschnittlichen Leistungen führt. Und hier ist die Sache: Ein paar Techniker in den YouTube-Kommentaren können Ihnen vielleicht sagen, Ein paar Techniker in den YouTube-Kommentaren dass Sie bei einer Station unterbelichtet sind, und damit Rauschen in Ihr Filmmaterial bringen, aber jeder kann sofort aber jeder kann sofort die gestelzte Leistung erkennen. Also, wie macht man es richtig? Wie kommuniziert man effektiv mit Schauspielern? Und wie stellen Sie sicher, dass Sie Ihren Film gemeinsam drehen , um die besten Ergebnisse zu erzielen? In diesem Kurs werde ich Ihnen dieselben Techniken beibringen , die Schauspieler in Kursen, Studien und Workshops anwenden . Wir arbeiten mit Techniken einiger der größten Schauspielkünstler wie Constantine Stanislavski, wie Constantine Stanislavski, Stella Adler Und weil es sich um einen Online-Kurs und nicht um eine Sekte handelt, wir uns nicht strikt an Wir mischen einfach und schauen, was funktioniert. Durch diese Techniken erhalten wir ein besseres Verständnis für die Reise des Schauspielers und können bessere Rückmeldungen und dynamische Ergebnisse liefern . Sie werden lernen, dieselbe Sprache zu sprechen wie Schauspieler, denn bei der Regie dreht sich alles um Kommunikation Wie in jedem anderen Beruf verwenden Schauspieler eine ganz bestimmte Sprache Und nach diesem Kurs wird die Arbeit mit ausgebildeten Schauspielern ein Kinderspiel sein , da Sie als Filmemacher dieselbe Sprache sprechen werden Sie werden fließend sprechen, ein Schauspieler sozusagen. Und wenn du mit Schauspielern arbeitest, die weniger Erfahrung haben, dann kannst du ihnen helfen, sich im Laufe der Lektionen in diesem Kurs weiterzuentwickeln Und obwohl es großartige Ressourcen von Hollywood-Regisseuren zum Thema Regie gibt , finde ich, dass die meisten dieser Kurse nur dann wirklich geeignet sind , wenn Sie bei einem Hollywood-Budgetfilm Regie führen Die Techniken, die Sie in diesem Kurs erlernen, können auf jedem Niveau angewendet werden , sei es bei Dreharbeiten, bei Filmkulissen, Bühnenproduktionen , Coachings, Schauspielkursen oder auch, wenn Sie Ihre eigene Präsentation von Keynotes verbessern möchten . Schauspieler zu inszenieren ist nicht nur einer der unterhaltsamsten und lohnendsten Teile der Arbeit eines Filmemachers Außerdem gibt es kostenloses Produktionsdesign, Lichtinstallationen und sogar bestes Catering All diese Dinge kosten viel Geld. Aber wenn Sie die Zeit, die Sie mit den Schauspielern verbringen, entweder bei den Proben oder am Set, wirklich nutzen die Zeit, die Sie mit den Schauspielern verbringen, entweder bei den können, können Sie mehr schaffen. Mit weniger. Am Ende dieses Kurses haben Sie die Aufgabe, eines von zwei Skripten zu erstellen Eine für eine Person und eine Dialogszene für zwei Wenn Sie diese Szenen jetzt so lesen, wie sie auf der Seite stehen, neigen Sie vielleicht dazu zu sagen, naja, da ist wirklich nicht viel drin. Es ist ein bisschen kahl und genau das ist der Punkt, an dem diese Nulltextszenen in beide Richtungen schwanken könnten. Sie sind als Spielplatz für Ihre Kreativität und für die Kreativität des Schauspielers konzipiert . Öffne es, öffne es. Das ist offen. Sie sollen die große Stella Adler paraphrasieren , das Es ist die Aufgabe des Schauspielers und des Regisseurs , diese Knochen mit Muskeln zu belasten Für dieses Projekt können Sie die Einrichtung ziemlich einfach halten. Je weniger du über die Technik nachdenkst, desto besser ist es, die Szene in einer langen Szene zu drehen. Nehmen Sie eine tolle, einfache Einrichtung auf einem Stativ. Perfekt. In diesem Kurs geht es noch nicht darum, die technischen und visuellen Aspekte des Filmemachens oder der Arbeit mit dem Schauspieler Es konzentriert sich wirklich darauf, mit Schauspielern zu kommunizieren, bessere Anweisungen zu geben und klarere Anleitungen zu geben Natürlich ist dieser Online-Kurs nicht nur für Regisseure wertvoll, sondern auch für Workshop-Dozenten, Tutoren und Coaches für Schauspieler . Wenn Sie Schauspieler sind, filmen Sie das Projekt einfach so, wie Sie es beim Filmen tun würden, selbst auf und wenden Sie die Techniken aus diesem Kurs an, um zu lernen, sich besser zu inszenieren und Ihre Arbeit nehmen Sie es selbst auf und wenden Sie die Techniken aus diesem Kurs an, um zu lernen, sich besser zu inszenieren und Ihre Arbeit zu verbessern, sobald Sie das Drehbuch in die Hand nehmen. Lassen Sie uns Ihnen also den Einstieg in Ihre Karriere als Kommunikations-Meister und vielseitiger Regisseur erleichtern Aktion. Ich weiß es nicht. Also sollte ich wirklich etwas genauer sagen, bevor ich Aktion Aktion sage, keine Aktion. 2. The Objective - Charaktermotivation für Schauspieler: Kapitel zwei, das Ziel. Es ist eines der größten Klischees in der Schauspielerei und geht auf die Anfänge dessen zurück , was wir heute als moderne Schauspieltheorie bezeichnen würden als moderne Schauspieltheorie bezeichnen Ein Schauspieler, der fragt, was meine Motivation ist? Oder anders ausgedrückt, warum mache ich das was ich tue, im weitesten Sinne Und um es mit den Worten von Konstantin Amizlavski zu sagen, das nennen wir das Ziel Jeder Charakter hat in jeder Szene ein Ziel und ein Superziel für das gesamte Manchmal werden diese auch als Szenenziel und Gesamtziel bezeichnet , aber die dahinterstehende Bedeutung bleibt konsistent Hier ist ein Beispiel aus der Popkultur. In Empire Strikes Back will Luke die Überreste des galaktischen Imperiums besiegen Das ist das Superziel des Charakters. Und dieses Superziel wiederum beeinflusst alle anderen Ziele. Weil Luke weiß, dass er Jedi-Training braucht. Sobald er auf Dagoba abgestürzt ist, ist es sein Ziel, Yoda, den Jedi-Meister, zu finden Aber was genau bedeutet objektiv? Was will ich als mein Charakter? Alle Aktionen innerhalb einer Szene werden von dieser Motivation bestimmt. Und allein die Änderung dieses Ziels kann massive Auswirkungen wie ein Schauspieler an die Szene herangeht und eine organische Leistung vorantreibt Organisch bedeutet in diesem Zusammenhang eine Aufführung, die innerhalb der Grenzen des Drehbuchs und des Genres natürlich und logisch ist innerhalb der Grenzen des Drehbuchs und des Genres natürlich und logisch der Grenzen des Drehbuchs und des Genres natürlich und Es ist ein besserer Begriff als naturalistisches oder realistisches Spinnenman-Shooting , da Netzschleudern oder ich und Sebastian, die in Lala Land zu einem Song platzen keine realistischen Aktionen Sie machen Sinn im Kontext der Filme und Welten , die gedreht wurden Wie verändert ein Ziel eine Aufführung? Stellen Sie sich eine Szene vor, in der sich eine Figur an ein Klavier setzt , um einem anderen Charakter ein Lied vorzuspielen. Nun, das ist eine ziemlich klare Handlung und einfach genug, aber warum genau betritt unser Charakter die Szene und fängt an, Klavier zu spielen? Nehmen wir an, unser Pianist möchte die andere Figur verführen , sodass sie ihr Lied spielt und sanft in die Tasten fallen kann, sie dabei vielleicht spielerisch Blickkontakt hält Oder sagen wir, sie wollen die andere Figur beeindrucken, weil sie Klavierunterricht genommen und heimlich gespielt haben Klavierunterricht genommen und und jetzt damit angeben wollen. Wenn du dir beide Szenen hintereinander vorstellst, kannst du dir vorstellen , wie sehr die Körpersprache der Charaktere unterscheiden würde, selbst wenn du nichts anderes als das Ziel ändern würdest nichts anderes als das Ziel ändern Oder stell dir das vor. Unser Pianist weiß , dass sein Ehepartner in einem Jazzclub ermordet wurde , während ein bestimmtes Lied gespielt wurde Und jetzt wollen sie den Mörder belasten, indem sie ihnen das Lied vorspielen Perfekte Mausefalle. Hier sind ein paar nette Tipps , wenn es um Ziele geht. Die erste Person wird ermutigt. Wenn Schauspieler über ihre Ziele sprechen, sollten sie in der ersten Person sprechen. Ich will das, ich will das, wobei der Charakter als Sprachbarriere benutzt wird. Mein Charakter will einen Keks haben, schafft nur unnötige Distanz Ich als mein Charakter will ein gutes Ziel und einen Keks Spezifische Inputs führen zu spezifischen Ergebnissen. Ein gutes Ziel sollte klar und präzise sein. Versuche spezifisch zu sein. Wenn du mit deinen Schauspielern über Ziele sprichst, will ich dir zeigen, wie sehr du mich verletzt hast. Das ist ein klares Ziel. Ich möchte dir sagen, dass etwas ein vages Ziel ist , das zu fast jedem Charakter in jeder Szene passen würde Machen Sie es, wo möglich, viszeral. Schauspielerei ist nicht nur ein intellektueller Prozess. Es ist emotional. Es geht um Instinkte und Bauchreaktionen Wenn Sie sich viszerale Ziele setzen, ist es wahrscheinlicher, dass Sie bei Ihren Schauspielern emotionale Reaktionen und spontane Impulse auslösen emotionale Reaktionen und spontane Impulse Inwieweit sich ein Schauspieler innerhalb der Grenzen eines Charakters und einer Szene an das Ziel hält, hängt von hält, hängt Aber denken Sie mal darüber nach, welches Ziel klingt interessanter? Ich möchte so schnell wie möglich den Raum verlassen, oder ich möchte fliehen. Ich will gemein zu dir sein, oder ich will dich vernichten. Selbst wenn ich zerstören will, kannst du ganz anders aussehen , je nachdem, ob Zerstörung von JK geliefert wird Simmons und Schleudertrauma, oder in Form einer kranken Verbrennung von Alicia Silverstone Da das Ziel einer der grundlegenden Aspekte der szenischen Analyse ist , wird es einer der Ausgangspunkte für eine Aufschlüsselung des Drehbuchs sein . Normalerweise ist es das Erste, was ein erfahrener Schauspieler plant, zugegeben, noch mehr Erfahrene Schauspieler werden ihre Ziele nicht zu Papier bringen, sondern sich einfach an die Szene anpassen, aber sie werden es trotzdem wissen, auch wenn sie eher instinktiv als intellektuell wissen Der Kern eines dramatischen Konflikts liegt normalerweise in der Unvereinbarkeit der Ziele zweier Charaktere Ein Cop will sich an das Gesetz halten, der andere Cop glaubt von Anfang an an Rachekonflikte Nur weil diese beiden Charaktere, die in eine Szene geworfen wurden , Ziele verfolgen, sie auf unterschiedliche, inkompatible Pfade das nicht so interessant Zusammenfassend lässt sich sagen, dass das Ziel die Strukturkarte ist , die die Szene ohne zu viele Einzelheiten skizziert die Szene ohne zu viele Einzelheiten Ohne diese anfängliche Planung des Kurses wird die Arbeit an den Details nicht allzu wichtig sein. Wenn ein Flugzeug nicht starten kann, müssen Sie sich nicht allzu viele Gedanken über das Bordmenü Sowohl Regisseure als auch Schauspieler sollten wissen, was die Ziele und Hauptziele der Charaktere sind Und dann können Sie beide herausfinden, welche für die Handlung am besten geeignet sind, und den dramatischsten und überzeugendsten Konflikt auslösen. 3. Actions - Actionable Verben, Beats und Taktiken: Detektor drei, Aktionen. Okay, jetzt wissen wir, was wir wollen, aber wie bekommen wir es? Um bessere Schauspieler zu werden, müssen Schauspieler bessere Verben lernen Denn jedes neue Verb ermöglicht es einem Schauspieler, Handlungen auf einzigartige und kreative Weise zu denken Und das Gleiche gilt für Sie als Regisseur. Schauen wir uns diese Idee für eine Minute an und was sie bedeutet Oft denken sowohl junge Filmemacher als auch junge Schauspieler in Adjektiven, machen die Szene noch einmal, aber wütend und jetzt glücklich und Perfektion, aber wir handeln als Prozess, agieren als unsere Schauspieler, als Emotionen Es geht nicht um Emotionen. Es geht um die Aktionen. Wenn es richtig gemacht wird, entstehen die Emotionen nur als Nebeneffekt der Aktionen und Interaktionen mit anderen Darstellern. Um eine wirklich organische Darbietung zu kreieren, müsstest du nach transitiven, umsetzbaren Verben suchen Aber das ist kein Grammatikkurs. Was genau bedeutet das? Nun, ein transitives Verb ist ein Verb, das von einer Person zur anderen Ich habe etwas für dich. Typische Beispiele sind: Ich unterrichte dich, ich bedrohe dich, ich verführe dich und so weiter und so fort Sie sind umsetzbar, weil sie in sinnvolle Aktionen umgewandelt werden können Sie schaffen eine klare Aktion, die ein Schauspieler ausführen muss und etwas, das er seinem Partner in der Szene antun kann seinem Partner in der Szene antun Die Emotionen und Reaktionen sind lediglich ein willkommener Nebeneffekt der Aktionen. Durch die Aktionen schaffen wir eine dynamische und interessante Szene. Diese Aktionen, insbesondere in einem Dialog, verleihen der Aufführung auch ein gewisses Maß an Unvorhersehbarkeit Nicht alles kann bis ins kleinste Detail geplant werden, und so wird die Aufführung wirklich zum Leben wobei das Ziel das ist, was Sie als Ihr Charakter erreichen möchten Die Aktionen oder Taktiken geben einen Weg vor, wie du es erreichen willst Der Prozess der Unterteilung eines Ziels in verschiedene Aktionen wird auch als Aktion bezeichnet du mit deinen Schauspielern und Aktionen sprichst, kannst du sie genauer durch die Reise ihres Charakters führen durch die Reise ihres Charakters und trotzdem ein gewisses Überraschungsmoment bewahren Aber was sind verwertbare Verben? So ziemlich jedes Verb kann umsetzbar sein. Es stehen einige großartige Ressourcen zur Verfügung, wie Aktionen oder der Thesaurus Acts Aber um Ihnen den Einstieg zu erleichtern, finden Sie hier einige Beispiele, die Sie herausfordern, hinterfragen, trösten, verleiten, gestehen, einschüchtern können, die Liste ließe sich Ich würde empfehlen, nicht davor zurückzuschrecken wirklich starke körperliche Aktionsverben wie Schild oder Angriff zu verwenden, wie Schild oder Angriff zu verwenden, da sie bei Ihrem Schauspieler eine erste Reaktion auslösen und einen interessanten körperlichen und psychophysischen Prozess auslösen können psychophysischen , wirklich starke körperliche Aktionsverben wie Schild oder Angriff zu verwenden, da sie bei Ihrem Schauspieler eine erste Reaktion auslösen und einen interessanten körperlichen und psychophysischen Prozess auslösen können. Die Arbeit mit Aktionen hat einen zusätzlichen Vorteil. Es erweckt eine Szene zum Leben, wohingegen eine Emotion statisch ist. Jemanden zu verführen ist ein aktiver Prozess. Eine Taktik, die einem Charakter helfen kann, sein Ziel zu erreichen. Und wenn es dann auf eine Bruchwand stößt, muss es gegen eine andere Taktik ausgetauscht werden, um es zu durchbrechen Hier erfahren Sie, wie Sie mit Ihrem Schauspieler über den Charakter sprechen und sicherstellen können, dass Sie auf derselben Wellenlänge sind Jeder Charakter hat ein übergeordnetes Ziel. Das ist es, was der Charakter während des gesamten Films oder Theaterstücks will . Für jede Szene hat ein Charakter ein Ziel. Es gibt ein paar Ausnahmen, vor allem Szenen rund um die Aktpause. Wann immer also etwas passiert, das für die Handlung entscheidend ist, besteht eine gute Chance, dass Ziel eines Charakters mitten in der Szene ändert. Aber normalerweise eine Szene, ein Ziel. Ein Ziel sagt uns , was ein Charakter will. Eine Aktion sagt uns , wie sie es bekommen wird. Hier ist deine Mini-Übung für das Klassenprojekt. Teilen Sie das Drehbuch für jeden Charakter auf und identifizieren Sie das Ziel und mindestens drei Aktionen, die der Charakter unternimmt das Ziel und mindestens drei Aktionen , um dieses Ziel zu erreichen. Fragen Sie Ihre Schauspieler nach ihren Zielen und Aktionen und schauen Sie, ob Sie aus Ihrer oder ihrer Idee eine Aufführung machen möchten , ob Sie aus Ihrer oder ihrer Idee eine Aufführung oder ob Sie dabei etwas völlig Neues finden möchten. Einige Praktiker, Coaches und Schauspieler teilen ihr Drehbuch in eine Aktion pro Dialog auf in eine Aktion pro Dialog Ich persönlich denke , das macht einen Charakter zu wandelbar und formbar, was zu einer fast vorhersehbaren schizophrenen Darbietung führt vorhersehbaren Mir wäre es viel lieber, wenn eine Handlung bis zu ihrem natürlichen Ende ausgeführt Aber das bin ich. Finden Sie heraus, was für Ihre Vision und Zusammenarbeit am besten funktioniert. Das nächste, worüber Sie Bescheid wissen sollten, sind Beats. Ein Takt steht für eine Veränderung Bei den Aktionsverben zeichnen Schauspieler oft buchstäblich eine vertikale Linie in der Mitte des Dialogs, um auf einen Takt hinzuweisen Je nachdem, wie das Drehbuch geschrieben wurde, kann es auch die Taktfrequenz angeben Da steht wortwörtlich Beat oder Caps. Da diese Beats so wichtige Charaktermomente sind, ist es wichtig, den perfekten Ort und das perfekte Tempo für sie zu finden Ort und das perfekte Tempo für sie Starke und plötzliche Beats eignen sich perfekt für rasante Komödien, wohingegen Beats und Dramen dazu neigen, etwas leiser und mäandrierender zu sein etwas Zusammenfassend lässt sich sagen, dass umsetzbare Verben oder Taktiken verwendet werden , damit ein Charakter sein Ziel erreicht. Eine gute Regel, mit der man arbeiten kann, um eine fesselnde Reise für eine Szene zu entwerfen, ist die Dreierregel Ein Ziel sollte in mindestens drei umsetzbare Verben oder Taktiken unterteilt werden , da dadurch ein Anfang, eine Mitte und ein Ende entstehen Mitte und ein Ende 4. No More Text - Übungen ohne Dialog: Viertes Kapitel, den Text wegwerfen. Wenn Sie aus diesem Kurs nichts anderes als den folgenden Teil mitnehmen , habe ich trotzdem meinen Job gemacht Wenn eine Szene ohne Dialog funktioniert, funktioniert sie. Wenn es ohne Dialog nicht funktioniert, werden dir die Worte nicht viel nützen. Nehmen Sie eine großartige Szene aus der gesamten Filmgeschichte und schauen Sie sie sich erneut an Den Ton wert, das verspreche ich dir. Was vor sich geht, wird auch ohne den Dialog klar sein. beim Proben oder Blockieren Wie stellst du beim Proben oder Blockieren sicher, dass du eine ähnliche Klarheit erreichst? eine ähnliche Klarheit erreichst In diesem Kapitel werde ich drei verschiedene Methoden vorschlagen, die deinen Schauspielern helfen, ihre Charaktere besser zu verstehen und einen Grund für alles zu finden ihre Charaktere besser zu verstehen und einen Grund für , was sie vor der Kamera oder auf der Bühne tun der Kamera oder auf der Bühne Diese Methoden werden dir als Regisseur auch dabei helfen , überzeugendere Geschichten zu kreieren Die erste Methode eignet sich besonders für Bühnenproduktionen, kann aber auch an einem Filmset funktionieren Dafür müssen Sie in der Produktion weiter fortgeschritten sein. Ihre Schauspieler müssen ihre Linien und ihr Handeln kennen. Vielleicht hast du sogar schon eine Show veranstaltet. Anstatt den Text zu verwenden, lassen sich die Schauspieler auf eine Erzählung ein. Sie werden sich gegenseitig von ihren Handlungen erzählen und so etwas erschaffen, das einer Romanversion des Stücks ähnelt Ich bin bezaubernd, könnte ein Charakter sagen, wenn er flirtend um seinen Szenenpartner herumtanzt Ich finde diese Art von Rendezvous nützlich, wenn es spät bei den Proben für ein Theaterstück oder bei ein paar Aufführungen kommt, wenn die Schauspieler das Gefühl haben, verloren zu haben Das kann den Schauspielern auch helfen, etwas Neues zu entdecken und sich überraschende neue Aktionen Die zweite Methode ist ein stiller Lauf. Der Dialog ist bei diesem Lauf komplett verbannt. Alle Aktionen werden im Hintergrund abgespielt. Schauspieler müssen andere Kommunikationsmittel finden. Sie können aussagekräftige Blicke, Körpersprache, Distanz und Nähe einsetzen. Alles, was nicht verbal ist, ist erlaubt. Dies wird den Schauspielern eine Menge abverlangen und sie müssen aufmerksam bleiben und auf die Aktionen ihres Szenenpartners reagieren . Wenn es richtig gemacht wird, kann dies zu einer wirklich einzigartigen Interaktion zwischen den Charakteren führen. Und zeige, dass der Großteil der Kommunikation nicht verbal ist und sich nicht auf Worte stützt. Diese Technik kann sogar im fertigen Film oder in diesem Klassenprojekt enden . Trau dich zu schweigen. Und fordere die Schauspieler heraus, auch zu schweigen. Der Dialog ist immer ein sicheres Ufer. Aber die wunderbar interessanten Dinge passieren wenn wir nicht sicher sind, was das Leben für uns bereithält Das gehört meiner Großmutter. Das bedeutet mir sehr viel und ich möchte, dass du es hast. Ich möchte eine Variante von The Silent Run machen. Nun, hier ist eine tolle Übung , die direkt aus Straßburg kommt. Und Method Acting, diese Übung eignet sich auch hervorragend, wenn Sie mit Kindern oder jüngeren Schauspielern arbeiten . Es wird Kauderwelsübung genannt. Ihre Schauspieler werden die Szene so spielen , wie sie es mit dem Text tun würden, aber anstatt die tatsächlichen Wörter auf der Seite zu verwenden, werden sie einfach an Ort und Stelle eine erfundene Sprache entwickeln, als ob das ganze Sprechen übernehmen, dann sind aber anstatt die tatsächlichen Wörter auf der Seite zu verwenden, werden sie einfach an Ort und Stelle eine erfundene Sprache entwickeln, als ob Ihre Schauspieler klar kommunizieren würden, wenn ihr Körper und ihre Stimme es die Worte Aber eine nette zusätzliche Kauderwelsch-Übung ist ein wirklich lustiges Aufwärmen und sorgt dafür, dass Ihre Schauspieler nicht nur wissen, was sie sagen, sondern auch wissen, was hinter all den Wörtern steckt und wie sie versuchen, ihren Szenenpartner zu erreichen. Versuch es einfach, lass uns die Szene noch einmal machen, aber dieses Mal ohne die Worte Hier ist die Herausforderung für das Kursprojekt. Lass deine gesamte Szene ohne Dialog laufen. Konzentrieren Sie sich auf Blockierung und Kommunikation. Du wirst sehen, dass wunderbare Dinge passieren können wenn wir nicht zu viel über die Worte nachdenken Zusammenfassend lässt sich sagen, dass der Text nur ein Instrument für Akteure ist , um ihre Absicht zu kommunizieren Und es sollte nicht der Hauptfokus des Schauspielers sein. Das Entfernen der Wörter aus der Gleichung kann wirklich dazu beitragen, eine engagierte, nuancierte und überzeugende Aufführung zu kreieren und Möchten Sie das Unterrichtsprojekt ohne Worte durchführen? Zeigen Sie mir, was Sie unter bestimmten Umständen mit bloßen Aktionen in einem Monolog 5. Gegebene Umstände und die 9 Fragen: Fünftes Kapitel, Gegebene Umstände. Die Idee der gegebenen Umstände wurde von Constantine Stanizlovski geschaffen, und sie läuft im Grunde darauf hinaus, was um mich herum vor sich geht , wie ist die Stimmung hier ? Um vollständig zu verstehen, warum etwas, das so grundlegend erscheint , von so großer historischer Bedeutung ist, muss man verstehen, dass zu Stanizlovskys Zeiten eines der Probleme mit der Schauspielerei darin bestand, dass Schauspieler einfach auf die Bühne hüpften und erhabene Emotionen zur Schau stellten, ohne ein tieferes Verständnis für die logische Reise der Figur oder des Stücks zu haben. Es ist, als würden Menschen emotionale Linien aus Filmen auf Tektok nachahmen , er prägt etwas, er Eine der ersten Analysetechniken, die ein Schauspieler anwenden muss , um ein Gefühl für die Szene zu bekommen und die richtigen logischen Entscheidungen zu treffen Manchmal sind diese Umstände gegeben und manchmal müssen sie geschaffen werden. Hier kommen auch einige Arbeiten im Sherlock Holmes-Stil ins Spiel, bei denen Schauspieler oder Regisseure sie bitten, abzuleiten, was genau in der Szene passiert Schauspieler müssen das oft für Castings tun, weil sie nur wenige Seiten erhalten Regisseure müssen aber auch flexibel mit den gegebenen Umständen umgehen Denn aus latenter Produktion, einem fahrenden Autodreh, könnte eine Fahrradtour werden Ein Teil der gegebenen Umstände ist das, was um mich herum ist. Wie viel Uhr ist es? Woher komme ich, wenn ich die Szene betrete? Wo gehe ich danach hin? Was ist mein Kurs? Gustan az Laski gehörte zu Beginn des 20. Jahrhunderts der russischen Bourgeoisie Eine sehr genaue Methode, die gegebenen Umstände aufzuschlüsseln, wurde von der Schauspielerin und Praktikerin Utter Hagen mit den neun Fragen geschaffen Praktikerin Utter Wenn ein Schauspieler oder Sie als Regisseur diese neun Fragen beantworten können, dann sind Sie ziemlich startklar Nummer eins, wer bin ich? Das kann sehr einfach und oberflächlich sein, wie Name und Alter, oder weiter aufgeschlüsselt Körperliche Merkmale, Narben, Ethik, psychologische Geschichte usw. Überladen Sie Ihre Schauspieler nicht mit Hintergrundgeschichten . Halte es einfach Was für sie wichtig ist, in der Szene, im Theaterstück oder im Film. Nummer zwei, wie viel Uhr ist es? Diese beiden können aus dem Ausland kommen, der nicht allzu fernen Zukunft. Genauer gesagt ist es 21:15 Uhr, bis der Zug ankommt Die Zeit kann Schauspielern auch ein hervorragendes Rechercheinstrument an die Hand geben. Wie haben sich die Menschen in den 1950er Jahren verhalten? Nummer drei, wo bin ich? Dies kann ein Büro sein, ein gemütliches Kind zu Hause, eine Polizeistation usw. Das Land und die Region können dabei ebenfalls eine große Rolle spielen Nummer vier, was umgibt mich? Dies ist eine perfekte Übung für Schauspieler, die am Set herumirren, weil sie so die Schauplätze in sich aufnehmen und sehen können, ob es etwas gibt, das sie gebrauchen oder an das sie sich gewöhnen können Es wird auch deine Aufgabe sein, das unter bestimmten Bedingungen auszufüllen , wenn du den Bereich im Schnitt zusammenflickst, zum Beispiel den Bereich im Schnitt zusammenflickst, wo du jetzt die malerische grüne Leinwand siehst, wir werden die wunderschönen Landschaften Arizonas sehen Nummer fünf, wie sind meine Lebensumstände? Das bezieht sich auf Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Was ist unmittelbar vor der Szene passiert, was passiert in dieser Szene und was wird in der nächsten Szene passieren? Sowohl für Schauspieler als auch für Regisseure ist es wichtig, die Reise des Charakters zu planen und zu planen. Sechstens, was sind meine Beziehungen auf oberflächlicher Ebene, das bezieht sich auf die Beziehungen , die Charaktere zueinander haben . Aber jedes Mal, wenn ein Schauspieler einen Raum betritt oder eine Requisite berührt, entsteht eine neue Beziehung . Feinabstimmung dieser Beziehungen und Sicherstellung, dass jede Beziehung zu Objekten und Charakteren als bedeutungsvoll eine Aufführung mit Leben füllen kann Nummer sieben, was will ich? Dieser ist ziemlich einfach, wir haben darüber gesprochen. Das ist das Ziel. Die Art und Weise, wie Akteure das Ziel typischerweise formulieren , ist ein gutes Indiz dafür. Ich will etwas, etwas, Nummer acht, was steht mir im Weg? Ah, das Hindernis. Mit anderen Worten, wenn ein Charakter etwas will, warum bekommt er es dann nicht einfach? Hier kommt das Hindernis ins Spiel. Etwas, das im Weg ist und einen Charakter dazu zwingt , unterschiedliche Taktiken anzuwenden. Ein Hindernis kann äußerlich, etwas oder jemand anderes sein, oder innerlich, eine Angst, eine Phobie, ein Zögern usw. Ihre Schauspieler sollten über ihre Hindernisse Bescheid wissen, und wenn Sie das Gefühl haben, dass ihre Reise zu einfach ist, einen Strich durch Nein, eigentlich kannst du nicht einfach gestehen, denn wenn die andere Figur es herausfindet, wird sie es deiner Mutter sagen Anpassungen wie diese können in einer Szene Nummer neun leicht zu Kontrasten und Konflikten führen in einer Szene Nummer neun leicht zu Kontrasten und Konflikten Wie kriege ich, was ich will? Nun, diese Frage folgt einem klaren Verlauf. Was will ein Charakter? Warum können sie es nicht einfach bekommen? Nun, wie gehen sie dann vor? Hier dreht sich alles um die Maßnahmen, die ein Charakter bereit ist zu ergreifen, um sein Ziel zu erreichen. Um Ihnen ein Beispiel zu geben: In einer Verhörszene sitzen ein Polizist und ein Verdächtiger in einem schwach beleuchteten Raum Der Polizist will ein Verbrechen aufklären, aber der Verdächtige gesteht nicht einfach durch das Ziel und das Hindernis Wir haben sofort einen Konflikt ausgelöst. Lassen Sie uns loslegen oder nicht, sollen wir? Welche Maßnahmen könnte der Polizist ergreifen? Sie könnten den Verdächtigen bedrohen, einschüchtern, mit ihm verhandeln, ihn trösten, ihn verführen. Und plötzlich haben wir einen bedeutsamen Übergang von Aktionen und eine Szene Aber bis jetzt haben wir uns nur einen Charakter und einen Schauspieler angesehen , sagen wir in diesem imaginären Drehbuch Es ist ziemlich offensichtlich, dass der Verdächtige nicht sprechen wird. Vielleicht liegt das daran, dass sie ihre Schwester schützen wollen, von der sie wissen, dass sie das Verbrechen begangen hat. Jetzt ist das Hindernis ziemlich offensichtlich. Sie werden mit Konsequenzen rechnen müssen, wenn sie nicht sprechen. Sie können also nicht einfach ihre Schwester beschützen , indem sie sich abschirmen, dem Polizeibeamten ausweichen und sie dann zur Rede stellen Wir können einen weiteren sinnvollen Übergang von Aktionsverben und, was noch wichtiger ist, von Konflikten schaffen Aktionsverben und, was noch wichtiger ist Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die gegebenen Umstände aus einem Drehbuch einen Roman voller reichem Innenleben machen einem Drehbuch einen Roman voller reichem Innenleben Nur der Regisseur und die Schauspieler müssen es wirklich wissen. Das Publikum wird vielleicht nie sehen was sich unter dem Bett einer Figur versteckt, aber der Schauspieler muss es wissen. 6. Improvisationsübung - Gegebene Umstände: Kapitel sechs, Unter bestimmten Umständen Eine Übung. Hier ist eine kleine Übung, die ich gerne mit meinen Schülern mache. Vielleicht findest du das auch nützlich, wenn du mit einer Gruppe von Schauspielern arbeitest , um es als Improvisationsprogramm zu nutzen, oder wenn du mit jüngeren Schauspielern oder Kindern arbeitest Es ist eine vom Improtheater abgeleitete Übung , die erneut zeigt, wie flexibel die Wörter in einem Text sein können Kombiniere zwei oder mehr Schauspieler und gib ihnen ihren Text. Sie dürfen nur diese drei Zeilen verwenden, aber sie können sie in beliebiger Reihenfolge sagen oder sie so oft wiederholen, wie sie wollen. Die Zeilen sind, es war genau da. Wo ist es? Es ist weg. Geben Sie ihnen jetzt bestimmte Umstände, um eine verspielte kleine Improvisationsszene zu kreieren eine verspielte kleine Improvisationsszene Hier sind einige meiner Favoriten. Jemand auf einer Dinnerparty im 19. Jahrhundert stellt fest, dass die Diamantkette weg ist Zwei Menschen, die eine Woche lang auf einem Rettungsboot mitten im Meer gestrandet sind, entdecken einen Hubschrauber, zwei Personen auf dem Weg zur Arbeit in der U-Bahn als sie eine hundegroße Ratte entdecken, jemanden, der bereit ist, einem Entführer in einem Park Lösegeld zu zahlen, aber sie haben Siehst du, wie sehr unterschiedlich eine Szene sein kann, die auf demselben Drehbuch basiert , und wie wunderbar fantasievoll wir sind wenn wir uns abschließend die gegebenen Umstände herausfordern und Haagens neun Fragen stellen, klingen vielleicht ein bisschen einfach, aber das liegt daran, dass sie wissen und verstehen. Diese Grundzüge einer Szene werden es den Schauspielern jedoch ermöglichen, eine nuanciertere, organischere Darbietung abzuliefern nuanciertere, organischere Und treffe Entscheidungen, die dem Charakter und der Umgebung entsprechen Die neun Fragen von Uterhagen sind besonders nützlich, weil sie Schauspielern eine Checkliste mit Punkten geben , die sie einfach nacheinander abhaken Manchmal erhalten Schauspieler eine unnötig lange Charakterbiografie direkt aus der Bibel einer Serie stammt Aber wie soll jemand realistischerweise all diese Informationen im Kopf behalten? Realistisch betrachtet, was spielt es für eine Rolle, ob deine Eltern dir das Pony gegeben haben, das du dir immer gewünscht hast, als du sechs warst Wenn du in der Szene nur Kaffee bestellst, die neun Fragen hervorragend dazu Informationen zu bündeln, die Schauspieler benötigen , um ihre Darbietung mit Klarheit und Hingabe zu gestalten Schauspieler benötigen , um ihre Darbietung mit Klarheit und Hingabe zu mit Klarheit Es geht darum, die Dinge auszuwählen, die wichtig sind, und diejenigen auszusortieren, die nicht Klarheit über die Umstände hilft Ihren Schauspielern, aber auch Ihnen als Regisseur. 7. The Magic If - Imagination für Schauspieler: Kapitel sieben, Emotionsgedächtnis und das magische Wenn. Wie können Sie Ihren Schauspielern helfen, Requisiten und Umstände zum Leben zu erwecken , ohne zu aufdringlich zu sein Schon zu Beginn der modernen Schauspieltheorie zu Beginn des 20. Jahrhunderts diese Frage stellten sich die Praktiker Und es gab zwei Denkrichtungen. Eine davon ist die Schule der persönlichen Erfahrung, die sich in methodisches Handeln verzweigte Es läuft darauf hinaus, sich daran zu erinnern, wie Sie sich wann gefühlt haben. Könnten Sie das jetzt bitte wieder fühlen? Das kann eine mächtige Technik sein, aber das Wiedererleben traumatischer Erlebnisse kann für Schauspieler offensichtlich schädlich sein Als Regisseur sollten Sie Schauspieler nicht bitten, persönliche Traumata zu wiederholen Möglicherweise haben Sie nicht einmal den geringsten Einblick in ihr Privatleben Also, woher würdest du das überhaupt wissen? Und dann ist da noch das Offensichtliche. Es funktioniert nicht immer. Es funktioniert nicht immer für die Szene. Und es funktioniert auf Anhieb nicht immer. Schauspiel-Workshops, die einen komfortablen, sicheren Raum schaffen und den Schauspielern Zeit geben, die Szene vorzubereiten und aufzubauen. Meiner Erfahrung nach kann die Arbeit mit effektivem Gedächtnis oder emotionalem Gedächtnis eine wahre Offenbarung und eine bewusstseinserweiternde Übung sein. Aber beginnen Sie mit den Lichtern rund um die Schauspieler. Die Werbeagentur, die an der Ladeliste herumfummelt, Make-up, letzte Blicke und eine Boomstange direkt über ihren Das kann auch ziemlich einschränkend sein, weil du dich auf die persönlichen Erfahrungen der Schauspieler verlassen würdest auf die persönlichen Erfahrungen der Schauspieler verlassen , mit denen du zusammenarbeitest Erinnerst du dich an den Moment in deinem Leben, als du von einem Haufen außerirdischer Roboter verfolgt wurdest Also hier ist die andere Denkrichtung, die die Fantasie bis zu einem gewissen Grad anregt, was für Schauspieler sowieso notwendig sein wird , einfach weil die Crew auf den Tribünen steht, es könnte eine grüne Leinwand Der andere Schauspieler ist an diesem Tag vielleicht nicht einmal am Set. Nichts allzu Ausgefallenes. Eine von Stanislavskys Techniken kann besonders nützlich sein besonders nützlich Es wird das magische Wenn genannt. Und das Schöne an dieser Technik ist, dass sie Schauspieler als denkende Wesen respektiert und nicht verlangt, dass sie sich selbst etwas vormachen , bis sie betäubt Das Magische daran, Schauspieler dazu zu bringen, kluge Fragen zu jeder Interaktion zu stellen und so einen einzigartigen Prozess in ihren Köpfen auszulösen einen einzigartigen Prozess in ihren Ich gebe dir ein Beispiel. Das ist ein Glas von dem, was ich in der Hand habe, aber was wäre, wenn es teurer Whiskey wäre Und was wäre, wenn ich ein begieriger Alkoholiker wäre? Und plötzlich, ohne allzu viel Hintergrundarbeit und ohne einen speziellen Vorbereitungsprozess, einfach weil ich jetzt anfangen kann, eine Liste von Fragen in meinem Kopf durchzugehen und meiner Fantasie freien Lauf zu lassen, haben wir die einfache Handlung, ein Glas mit Leben in der Hand, erfüllt ein Glas mit Leben in der Hand Und glauben Sie auch nicht, dass Sie gezwungen sind , einfach naturalistische Wenns zu verwenden Stellen Sie sich vor, dieses Glas würde Ihnen jeder Berührung einen statischen Schock versetzen Wenn dieses Glas der Heilige Gral wäre, du aber nicht möchtest, dass deine Freunde davon erfahren Halte es lustig und verspielt. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Vorstellungskraft ein mächtiges Werkzeug in der Schauspielerei und in der Regie Zu lernen, wie Sie die Vorstellungskraft Ihrer Schauspieler nutzen , sie anleiten inspirieren können, wird für Ihre Reise als Regisseur und als Geschichtenerzähler im Allgemeinen von unschätzbarem Wert sein Ihre Reise als Regisseur und als Geschichtenerzähler im Allgemeinen und als Geschichtenerzähler Die Magie, das ist eine fantastische Technik, denn sie ermöglicht es Ihnen als Regisseur, eine einfache Aufforderung zu geben und dann sehen, wohin Ihre Schauspieler mit ihrer Fantasie gehen 8. Text und Subtext - Was unter dem Text steht: Kapitel acht, Text und Subtext. Es geht nicht darum, was du gesagt hast, es geht darum, wie du es gesagt hast. Manchmal finde ich sowohl in meiner Erfahrung als Schauspieler als auch als Regisseur oder Lehrer, dass der Einsatz von Aktionen etwas vage sein kann Vor allem bei der Arbeit mit Text. Sie können sofort erkennen, wenn ein Schauspieler nicht weiß, was er denken soll, oder wenn er sich nicht sicher ist, welche Bedeutung hinter den Wörtern steckt. Bessere Schauspieler können sich manchmal durch ein paar Dialogzeilen selbst bluffen , aber das ist keine nachhaltige Herangehensweise an eine Szene Hier kommt die Arbeit mit Subtext ins Spiel. Stanislavski unterscheidet gut zwischen Subtext und in einem Monolog, aber manchmal werden die Begriffe synonym verwendet zwischen Subtext und in einem Monolog, aber Es ist eigentlich egal, welche Terminologie Sie verwenden, denn was sie bedeuten, ist dasselbe denn Was denkt ein Charakter? Stanislavski verwendet Subtext, wenn es sich bei der Figur um Text handelt, und in einem Monolog, wenn die Figur nicht auftritt, typischerweise fällt eine Dialogzeile mit einer Untertextzeile Weil es wirklich schwierig ist, in einem anderen Tempo zu denken als man spricht . Subtext ist ein Tool, das ich fast als Abkürzung bezeichnen würde fast als Abkürzung bezeichnen Wenn Sie das Gefühl haben, dass die Zeilen eines Schauspielers falsch klingen, können Sie ihn jederzeit fragen, was Ihr Subtext ist Hier gebe ich dir ein Beispiel. Wir verwenden eine sehr einfache Zeile, vielleicht nur ein Wort. Vielleicht könnte der Untertext für vielleicht nein sein. Es könnte ja sein Oder es könnte sein, vielleicht könnte es sogar sein, ich hasse dich, der Himmel ist die Grenze. Wenn du wirklich willst, dass deine Schauspieler Subtext und Text aneinanderreihen, lass sie einfach zuerst den Subtext sagen Nein, ja, ich hasse dich absolut. Subtext kann fast als Hack verwendet werden, eine schnelle Möglichkeit für Schauspieler und Regisseure , sicherzustellen, dass sie auf derselben Wellenlänge sind , wenn es darum geht, was eine Figur sagt und denkt In der Praxis finde ich den Subtext oft etwas genauer als ein verwertbares Verb Die Handlung könnte sein, ich entschuldige mich bei dir, aber der Untertext könnte sein, ich weiß, dass ich dich verletzt habe und ich weiß , dass ich das niemals wiedergutmachen kann Viel spezifischer, nicht wahr? Und Sie werden feststellen, dass ein Schauspieler, wenn er seinen Subtext festlegt, auch seinen Textbonuspunkt erhält Subtext ist wirklich einfach zu kommentieren, weil Sie oder der Schauspieler einfach eine Zeile Subtext direkt neben dem Text im Drehbuch aufschreiben können einfach eine Zeile Subtext direkt neben dem Text im Drehbuch aufschreiben Subtext direkt neben dem Text im Es ist ein Segen, dass Drehbücher uns so viel leeren Raum zum Füllen geben So kann das funktionieren und üben. Fragen Sie Ihren Schauspieler nach dem Untertext oder der ersten Zeile. Du kannst sie direkt fragen: Was ist dein Untertext? Oder Sie können eine Frage beschönigen. Aber was versuchst du wirklich zu sagen? Charaktere mit einem reichen Innenleben werden auch einen reichen Subtext haben Oder wie Stanislavski es ausdrückt, ein Publikum geht nicht ins Theater, um den Text zu Sie können den Text zu Hause lesen. Sie gehen ins Theater, um den Subtext zu hören. Und hier ist deine Übung für das Projekt. Bitten Sie Ihre Schauspieler, für jede Textzeile eine Zeile Subtext zu schreiben für jede Textzeile eine Zeile Subtext zu Wenn Sie mit dem Monolog arbeiten, bitten Sie Ihre Schauspieler, die Szene aufzuführen, nachdem sie fertig sind, aber sie treten nicht mit Stattdessen geben sie uns nur den Untertext. Das mag unverblümt und viel offener klingen , als es jeder von uns im Sagen Sie ihnen also, sie sollen sich darauf einlassen und Spaß damit haben. Dies ist die Gelegenheit, alles rauszulassen , wenn Sie mit dem Dialog arbeiten. Bitten Sie Ihre Schauspieler, den Subtext als Partnerübung zu erstellen den Subtext als Partnerübung Sehr oft haben Schauspieler niemanden, mit dem sie arbeiten können , und müssen sich alleine zu Hause vorbereiten Und das ist nicht ideal. Sie haben zwar zwei Schauspieler im Raum, aber sie sollten den Subtext Zeile für Zeile für ihre jeweiligen Charaktere vorbereiten für Zeile für ihre jeweiligen Charaktere Denn im echten Leben sind wir Meister darin, Subtext aufzugreifen Wenn jemand in meinen Laden kommt und mit dem Subtext Hallo sagt, möchte ich eine Beschwerde über Sie einreichen Meine Reaktion wäre nicht Hallo mit dem Subtext. ist so schön zu sehen. Machen Sie es zu einer unterhaltsamen und interaktiven Vorbereitungsübung Und dann lass sie sich gegenseitig mit ihrem Subtext schlagen. Die Steuerung des Subtextes kann für Sie als Regisseur ein äußerst nützliches Werkzeug Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Text und Subtext nicht immer drastisch unterschiedlich sein müssen Aber behalte das im Hinterkopf. Der Subtext ermöglicht es Ihnen, eine Bedeutungsebene zu erzeugen, die nicht im Drehbuch enthalten ist, was dem Film einflößt Oder spiele mit einem Leben, das es vorher nicht gab. Ein gutes Beispiel dafür ist der Kultklassiker The Room. Als der Verkäufer Johnny sagt, dass du mein Lieblingskunde bist, klingt die Leitung völlig daneben du mein Lieblingskunde bist, , weil es keinen Untertext gibt Stellen Sie sich vor, sie würde ihm tatsächlich sagen, er solle abschreiben, oder das ist mein letzter Tag und ich arbeite mich gerade durch die Firmenpolitik Subtext ist ein wunderbares Tool, um die kollektive Vorstellungskraft aller Kreativen am Set zu nutzen und während der Dreharbeiten oder Proben einfache und schnelle Anpassungen vorzunehmen Dreharbeiten oder 9. Casting - Die erste Wahl eines Regisseurs: Kapitel neun, Casting, Regie von Schauspielern, beginnt, sobald Sie mit dem Casting von Schauspielern beginnen Und diese Wahl liegt möglicherweise nicht immer ganz bei Ihnen. Denken Sie darüber nach dem Vorbild der Suche nach Orten Ihr Verstand mag eine Sache sehen, aber die Produktionsrealität zwingt Sie, mit etwas anderem auszukommen Oder Sie gehen an einem überraschenden Ort zur Arbeit , der all Ihre Erwartungen übertrifft Das Gleiche gilt für Casting-Schauspieler. Für diese Lektion gehen wir davon aus, dass Sie für das Casting verantwortlich oder zumindest teilweise dafür verantwortlich sind Möglicherweise sind Sie derjenige, der den Casting-Aufruf durchführt und das Vorsingen organisiert Sie könnten sich Rollen und Selbstbänder ansehen. Oder Sie könnten sich an lokale Theater wenden oder in Ihrer Freundesgruppe nachfragen , ob jemand Interesse an einer Schauspielerei hat. Sie können Dame Judy Dench und Gary Oldman in Ihr Pitch Deck aufnehmen , aber Sie werden sie höchstwahrscheinlich nicht dazu bringen, Teil Ihres Films zu sein, wenn Sie den Casting-Anruf schreiben Seien Sie relativ spezifisch, aber nicht übermäßig. Sie benötigen sowieso etwas Flexibilität, damit Sie die perfekte Besetzung nicht mit einer übermäßig beschreibenden Sorgfalt, die direkt aus dem Drehbuch stammt, abschrecken müssen einer übermäßig beschreibenden Sorgfalt direkt aus dem Drehbuch stammt Ben, 25 Jahre alt, ist ein zwei Meter großer Mann mit grauen Haaren und einer Narbe auf Wir suchen einen großen Kerl in seinen Zwanzigern, das ist gut genug. Versuchen Sie auch, in Ihren Casting-Anrufen, wann immer Sie können, geschlechtsspezifisch zu sein in Ihren Casting-Anrufen, wann immer Sie Manchmal erfordert ein bestimmter Teil ein bestimmtes Geschlecht, aber nicht immer. Wenn Sie einen größeren Pool an Schauspielern zur Verfügung haben, erhöht das nur Ihre Chancen, einen besseren Film zu drehen. Und wenn Sie einen Schauspieler für eine Rolle vorsprechen , für die er vielleicht nicht gut geeignet ist, vielleicht passt er besser zu einer anderen Rolle, oder Sie arbeiten in Zukunft mit ihm zusammen Wenn du nach der perfekten Besetzung suchst, sei offen für Veränderungen, ändere den Charakter, nur das Drehbuch, wenn nötig, versuche nicht, einem Schauspieler etwas aufzuzwingen , das einfach nicht funktioniert Wenn Sie jemanden in den frühen Zwanzigern besetzen möchten, aber keinen geeigneten Schauspieler finden, versuchen Sie nicht, einen 40-jährigen Schauspieler ohne richtiges Haar und Make-up in eine andere Seien Sie offen dafür, Anpassungen an der Figur vorzunehmen, um das Aussehen, den Typ und die allgemeine Aura des Schauspielers, den Sie gecastet haben, widerzuspiegeln Typ und die allgemeine Aura des Schauspielers, den Sie gecastet haben, Da Film ein eher naturalistisches Medium ist, wird alles, was ein Schauspieler mitbringt , für das Publikum sichtbar sein Es wird nicht so getan, ein athletischer Schauspieler etwas anderes als ein athletischer Charakter sein wird , egal wie oft die anderen Charaktere ihn als Nerd bezeichnen Beim Casting Stutter waren die meisten Charaktere geschlechtsneutral, mit relativ wenigen Ausnahmen Die Rolle eines Therapeuten, so wie ich sie mir vorgestellt hatte, war ein distanzierter bürokratischer Mann, der sich in seinem Sessel zurücklehnte. Aber als wir unsere Schauspielerin Viviana für die Rolle gecastet haben, hat sie der Rolle nicht nur eine natürliche Wärme verliehen, die Szene nahm auch plötzlich einen Unterton von mütterlicher Fürsorge und sehr unangemessenem Verhalten an . Was für ein Narr wäre ich, das wegzuwerfen , anstatt damit zu arbeiten So probiere ich Schauspieler vor , wenn ich einen anderen Schauspieler besetzen will Wir treffen uns beim Kaffee. Zuerst möchte ich die Leute kennenlernen, mit denen ich zusammenarbeite. Weil ich nicht nur mit dem Schauspieler zusammenarbeite , sondern auch mit einer Person. Einen Film zu drehen ist eine persönliche Erfahrung und es geht darum eine gemeinsame Vision zu haben und über den Prozess des Filmemachens auf derselben Wellenlänge zu sein über den Prozess des Filmemachens auf derselben Wellenlänge Ich muss nicht mit jedem Schauspieler, mit dem ich zusammenarbeite, beste Freunde sein, aber ich habe einen bestimmten Stil Wenn ich arbeite, bin ich spontan und schlage oft wilde Inputs oder kaum verwandte Anweisungen , um die Fantasie des Schauspielers anzuregen. Erwarte nicht mit jedem Schauspieler, mit dem du je zusammengearbeitet hast, eine perfekte Zusammenarbeit . Aber ich denke, dies ist ein wichtiger Faktor des Casting- und Filmemachens , den Sie am Set nicht übersehen sollten Die Schauspieler müssen dir vertrauen und umgekehrt. Lernen Sie sie also kennen, da die Menschen zuerst einen zusätzlichen Nutzen haben. Es neigt dazu, die Nerven ein wenig aus dem Weg zu räumen. Das erste Lesen wird also viel reibungsloser verlaufen. Im nächsten Schritt lasse ich die Schauspieler die Szene so aufführen, wie sie es vorbereitet haben Idealerweise mit einem anderen Schauspieler, der in den Zeilen liest. Idealerweise der Schauspieler, der die Rolle bereits gespielt hat. Dies gibt mir im Allgemeinen einen guten Überblick über ihren Instinkt Wie bereitet sich ein Schauspieler vor? Verstehen sie die allgemeine Atmosphäre des Charakters? Und bringen sie etwas mit auf den Tisch , das ich bei dem Charakter noch nicht gesehen Und als letzten Schritt gebe ich ihnen einige Anweisungen, nicht unbedingt das, was ich an dem Tag sehen möchte. Vielleicht werfe ich ihnen einen Curveball zu. Meistens nehme ich einfach heraus, was mir der Schauspieler präsentiert hat, und arbeite damit Die Szene noch einmal aufzuführen ist mein Test um zu sehen, wie der Schauspieler mit Anweisungen umgeht, ob er vor Ort schnelle Anpassungen vornehmen kann, ob sie flexibel sind und Spaß macht, mit ihnen zu arbeiten Nun, das ist kein Patentrezept, aber bei mir hat es bisher funktioniert. Also vielleicht funktioniert es auch für dich. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass, um einen deutschen General aus dem 19. Jahrhundert zu zitieren, kein Plan den ersten Kontakt mit dem Feind überlebt Das Gleiche gilt für das Filmemachen. Es ist das Markenzeichen eines Amateurs, an Ideen festzuhalten , die man an einem Tag einfach nicht Flexibilität zu bewahren und offen für die Lösungen zu sein , die Ihre Mitarbeiter Ihnen anbieten, wird Ihrem Projekt nicht schaden Tatsächlich wird Ihr Projekt davon profitieren, es über seinen ursprünglichen Umfang hinauswächst Die perfekte Besetzung für einen Film, eine Szene oder ein Theaterstück zu finden , kann unter allen Umständen gewagt sein jedoch ohne oder mit einem niedrigen Budget arbeiten, wird es noch schwieriger, gute Leute zu finden, mit denen Sie zusammenarbeiten möchten, und ihre einzigartigen Persönlichkeiten zu Ihren Gunsten zu nutzen ihre einzigartigen Persönlichkeiten zu Ihren Gunsten Das ist eine Bereicherung. 10. Kreative Zusammenarbeit - Das Filmemachen: Kapitel Zehn Zusammenarbeit. Das Schöne am Filmemachungsprozess liegt darin wie kollaborativ der Prozess ist und sein kann Wenn Sie ein Illustrator sind, hängt Ihre gesamte Arbeit von Ihnen ab Sie sind für den gesamten Prozess verantwortlich, von dem Moment an, in dem Sie ein Bild in Ihrem Kopf entwerfen , bis zum letzten Pinselstrich Aber als Filmemacher oder Regisseur können Sie sich manchmal einfach zurücklehnen und entspannen Sie arbeiten mit einem erfahrenen Gaffer zusammen. Großartig. Ab sofort werden all Ihre Bilder professioneller und talentierter Toningenieur aussehen. Alles, was Sie filmen, wird so viel besser klingen. Und wenn Sie talentierte Schauspieler haben, dann bringen sie ihre eigenen Vorschläge und Anweisungen für den Charakter mit. Und dann geht es bei der gemeinsamen Gestaltung der Aufführung darum die besten Momente für den Charakter und die Geschichte auszuhandeln für den Charakter und die Geschichte Jeder erfahrene Schauspieler ist offen für Anweisungen, weil er weiß , dass er in den Händen eines guten Regisseurs viel besser aussehen wird Aber auch Sie als Regisseur sollten offen für Vorschläge sein. Sie sollten den Schauspielern zuhören und ihre Auftritte genau beobachten. Versuchen Sie nicht, dem gesamten Set Ihre Vision aufzuzwingen, weil Sie glauben, dass Sie dazu bestimmt sind, der nächste Tarantino Cubric zu sein Vielleicht bist du es, und wenn du gut zu dir bist. Regie von Aufführungen geht es aber auch darum herauszufinden, wie andere Menschen Ihre Vision bereichern können Denn, und das ist der entscheidende Grund, warum KI-Filmemachen niemals etwas hervorbringen wird, das es wert Du willst nicht wirklich , was du willst. Eine KI gibt dir genau das, was du willst. Aber was Sie eigentlich wollen, ist Ihr Film das Beste ist, was er sein kann. Und damit das funktioniert, müssen Sie Ihre einzigartige Vision als niedrigste Messlatte betrachten , die es zu überwinden gilt. Und diese Messlatte könnte ziemlich hoch sein. Aber wenn jemand einen besseren Vorschlag macht, wenn ein Schauspieler dir eine einzigartige Wendung in der Geschichte der Charaktere präsentiert, mit der du vorher nicht gerechnet hast, dann wärst du ziemlich dämlich, zu diesem Angebot nein zu sagen. Es ist wie kostenloser Produktionswert, denn das lässt deinen Film am Ende besser aussehen und wirkt sich positiv auf deine eigene Arbeit und dich als Regisseur aus. Dennoch fragen mich Filmemacher, besonders junge Filmemacher, die einfach wissen, dass sie auf Großes aus sind , besonders junge Filmemacher, die einfach wissen, dass sie auf Großes aus sind , wie sie Schauspieler dazu bringen können , genau das zu tun, was sie wollen, wie sie alle Fäden ziehen und die Schauspieler dazu bringen können und die Schauspieler dazu bringen Line liest, das ist, wenn ein Regisseur dem Schauspieler genau zeigt , wie Zeilen aufgeführt und gehorsam sein sollten Kleine Marionetten. Nun, einfach Sie müssen ihnen nur einen fairen Preis zahlen. Und dann werden Sie feststellen , dass Schauspieler viel empfänglicher für Anweisungen sind als für Befehle, nicht für Vorschläge Generell würde ich davon abraten, Zeilenlesevorgänge so oder so zu verwenden, weil Sie eigentlich Ihre Möglichkeiten einschränken, weil Ihre Schauspieler Ihnen dann einfach wiederholen, was Sie gerade getan haben Und du verpasst die Chance, ein besseres Angebot von ihnen zu bekommen und zu sehen, wie sich ihre einzigartige Perspektive und Spontanität in deiner Arbeit widerspiegeln Zusammenfassend lässt sich sagen, dass eine gute Richtung ein Vorschlag ist. Es ist ein Pass. Jeder am Set ist im selben Team. Du spielst ihnen einen Pass. Sie spielen einen Pass, und dann schießt du irgendwann ein Tor. Es ist Teamwork. Wir sind alle zusammen dabei, nicht genau zu wissen, wohin die Reise führt und wie sie Schritt für Schritt geplant wird, ist Teil der Schönheit des Filmemachens 11. Kommunikation - Clarity on Set: Kapitel 11 Kommunikation. Anfangs wollte ich das nicht mit einbeziehen, aber ich war vor Kurzem an einem Filmset und es ist eine Weile her, dass mir das Folgende passiert ist. Aber es war nicht das erste Mal. Und ich möchte verhindern, dass du denselben Fehler begehst. Ich wurde für eine Rolle in einem Film gecastet und zu keinem Zeitpunkt wusste ich wirklich was in den Szenen vor sich ging Weil mir niemand gesagt hat, welcher Teil der Szene genau gedreht werden würde Und das gilt nicht nur für jüngere und unerfahrene Filmemacher Selbst versierte Crews vergessen oft, mit den Schauspielern zu sprechen, und verlieren sich in allen anderen Aspekten des Filmemachens, vom Licht über den Ton bis hin zum Produktionsdesign Nun, die Schauspieler stehen herum wie verherrlichte Requisiten. Ja, Schauspieler können Drehlisten lesen und sollten das auch tun. Aber eine Aufnahmeliste wird dir nur eine begrenzte Menge sagen, und eine Handlung, die im Drehbuch beschrieben wird die Produktionsrealität oft nicht überleben. Denken Sie an die epische Landschaft auf Seite fünf, oder das ist jetzt der Hinterhof von jemandem Opa, und anstatt ein paar Runden zu laufen, machen Sie ein paar Hampelmänner Sag deinen Schauspielern, was sie für jeden Schuss wissen müssen. Sag ihnen, wo die Szene beginnt und wo die Szene endet. Das ist die große Trennung oder diese fünfte Szene ist einfach nicht gut genug. Erkläre ihnen , was sie tun müssen. Je klarer Sie in diesem Teil des Kommunikationsprozesses sind , desto effizienter können Sie mit Schauspielern am Set oder auf der Bühne zusammenarbeiten . Du musst reinkommen, dich umschauen, das Glas aufheben, einen Schluck nehmen Und dann merkst du, dass deine Mutter im Sessel sitzt. Du konfrontierst sie mit deinen Augen, bis ich schreie, schneid. Nun, das ist auch der Teil, in dem Schauspieler Fragen stellen können Warum genau komme ich rein? Nun, du willst deinen Zauberstab zurück und du vermutest, dass dein Onkel Frederick ihn hat. Toll. Sag nicht mehr. Alle Informationen, die die Schauspieler nicht benötigen, wie z. B. die Wahl des Objektivs, die Kamerabewegungen oder das Farbschema usw., werden nicht Es ist toll, diese Dinge im Voraus zu kommunizieren und Ihren Film vorzustellen, aber kurz bevor ich die Aufnahme mache, muss ein Schauspieler nicht wissen, dass dies die einzige anamorphotische Einstellung im Film ist Richtige Proben sind toll, aber Klarheit am Set Wenn deine Schauspieler nicht wissen, was sie tun, schwimmen sie einfach Und das merkt man immer, und weil man es immer weiß, kann man eigentlich kein anderes Filmmaterial verwenden. Hier fängst du an, hier hörst du auf, das ist es, was dazwischen passiert. Das ist alles, was du wirklich brauchst. Die besten Schauspieltechniken und die besten Coaching-Fähigkeiten werden dich nicht weiterbringen. Wenn Sie nicht klar kommunizieren können, was in der Szene passiert und was in der Aufnahme passiert. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass es in der Kommunikation nichts Besseres gibt als Klarheit. Die Akteure werden Anleitung, Sperren und Markierungen benötigen , um die bestmögliche Leistung zu erbringen. Vorbereitung eines Drehs nimmt mehr als genug Zeit in Anspruch, um mit den Schauspielern zu sprechen und ihnen zu sagen, was als Nächstes kommt. Sie haben, können Sie sich mit ihnen zusammensetzen sie ihre Zeilen ablaufen lassen , etwas lockeres Feedback geben oder eingehend proben Je nachdem, wie viel Zeit Sie haben, können Sie sich mit ihnen zusammensetzen und ihnen dabei zusehen, wie Diese Klarheit und Kommunikation sind auch Teil des Vertrauensverhältnisses , das Sie zu Ihren Schauspielern haben müssen , um die beste Leistung aus ihnen herauszuholen 12. Fazit - Wie Regisseure lernen können, mit Schauspielern zu arbeiten: Kapitel 12. Zusammenfassend sind wir damit am Ende unseres Kurses angelangt. Ich plane, Folgekurse zu machen. Wenn dir dieser Kurs also gefällt, halte Ausschau nach weiteren Kursen, die sich mit verschiedenen Aspekten der Regie und der Arbeit mit Schauspielern befassen In den Folgekursen werde ich etwas mehr über die technischen Aspekte der Filmregie und die Körperlichkeit der Aufführung sprechen die technischen Aspekte der Filmregie und die Körperlichkeit der Aufführung und die Körperlichkeit der Aufführung Körperlichkeit Das Einzige, was Sie jetzt noch tun müssen, ist, den Kurs mit Ihrem Klassenprojekt abzuschließen Und lassen Sie mich noch einmal wiederholen, es geht wirklich nicht um das Produktionsniveau und das Aussehen Es geht darum, mit den Schauspielern zu arbeiten. Stellen Sie eine Kamera auf und filmen Sie sie, wie Sie es bei einem Casting tun würden. Halte es super einfach, wenn du musst oder willst. Wir haben in diesem Kurs einiges durchgemacht. Lassen Sie mich kurz zusammenfassen, dass Sie eine Auffrischung haben, damit Sie wissen, womit Sie arbeiten müssen Die objektiven Aktionen und Beats untermauern die Magie. Wenn Sie als Regisseur diese Techniken verwenden , um das Drehbuch vorzubereiten, was ist dann das Ziel der einzelnen Figuren und welche Maßnahmen können sie ergreifen, um ihr Ziel zu erreichen Nutze die Beats, um die Aktionen zu beschleunigen und interessante Entscheidungen zu treffen. Und erstellen Sie für jede Textzeile einen umfangreichen Untertext , wenn Sie einen Ausgangspunkt benötigen Ich habe einige zusätzliche Materialien zur Verfügung gestellt, in denen bestimmte Umstände und Ziele vorgeschlagen werden, mit denen man arbeiten sollte Bitten Sie Ihre Schauspieler, dasselbe zu tun, indem sie die Szene vorbereiten, die Szene drehen, die Szene blockieren und sich für ein Setup entscheiden, mit dem Sie sich wohl fühlen. Versuche wirklich, bei dieser Übung alles um die Arbeit mit den Schauspielern zu machen . Sobald Sie das geschafft haben, können Sie jederzeit alle anderen Aspekte des Filmemachens einführen oder alle anderen Aspekte des Filmemachens einführen wieder einführen und Ihrem Dreh die unterschiedlichen Ebenen der Komplexität hinzufügen der Komplexität Es hat wirklich Spaß gemacht, diesen Kurs zusammenzustellen , und ich freue mich darauf zu sehen, was Sie, Ihre Vorstellungskraft und die Fantasie Ihrer Schauspieler aus den langweiligsten Szenen der Welt machen Wenn Sie diesen beiden Szenen etwas Interessantes hinzufügen, können Sie sicherlich in jeder Szene, mit der Sie arbeiten werden, einzigartige Ebenen finden in jeder Szene, mit der Sie arbeiten werden, Oh, ich katze so. Sollte ich zuerst Schiefer und dann Katze sagen und sollte das eine Schwanztafel sein. Also danke fürs Zuschauen.