Orchestration Masterclass, Teil 4: Schreiben für Strings

1. Einführung: Hallo zusammen, willkommen zum Orchestrierungsteil. In dieser Klasse werden wir also tief eintauchen und uns auf die Saiten konzentrieren. Das ist wahrscheinlich die Sache, nach der mich die Leute am häufigsten gefragt haben. Denn wenn Sie einer sind, denken viele Leute über Orchester nach. Sie denken hier über Strings nach. Wenn sie darüber nachdenken, diese großen, üppigen Filmmusiken zu machen , denken sie über Streicher nach. In diesem Kurs werden wir uns also wirklich darauf konzentrieren, was diese große, üppige Filmmusik klingt, oder einfach nur diesen wirklich schönen Orchestersound. Es geht nicht nur darum, gute Proben zu haben. Das ist ein großer Teil davon. Und das werden wir sehr bald behandeln. Aber in diesem Kurs werden wir darüber sprechen, was nötig ist um für die Saiten zu schreiben, damit es gut klingt. Okay? Wir müssen also Dinge, die die Saiten leisten können, voll ausnutzen. Das ist im Grunde der Kern davon. Wir werden also über traditionelle Dinge wie Vordergrund, Mittelgrund, Hintergrundschreiben, Stimmen von Akkorden und Harmonien und Melodien sprechen. mit Textur arbeiten, werden wir in einige Beethoven eintauchen , um zu sehen, wie er es gemacht hat. Schauen Sie sich ganz am Ende einige meiner Musik und nehmen Sie sie ein wenig auseinander. Und rede über einige Dinge, die ich gerne in den Strings mache, was sehr daran liegt ich sehr gerne für Strings geschrieben habe. Eine Sache, die mir beim Filmen dieses Kurses aufgefallen ist , ist , dass wir uns zwar auf die Saiten konzentrieren, und ich werde dies in nur wenigen Videos noch einmal sagen. Aber die meisten Dinge über die wir sprechen, gelten für alle Instrumente hier, es sind nur sie, die sich auf die Saiten konzentrieren, aber vieles von diesem Zeug kann auf alle Instrumente angewendet werden . Selbst wenn Sie sich nicht so sehr für die Saiten interessieren, ist die Klasse wirklich wichtig. Okay, davon abgesehen, lass uns eintauchen. 2. Das Format dieser Klasse: In Ordnung. Lass uns eintauchen. Ich hab eine neue Kamera. Was denkst du? Ist es besser? Behebt ein Teil des Lichts aus meinem Fenster, das ich auch ein bisschen auflösen konnte. Wie dem auch sei, meine Kamera ist dir egal. Du willst über das Schreiben für Strings sprechen. Format dieser Klasse wird also dem der letzten Klasse ähnlich sein. Wir werden keinen Bach-Choral verwenden, ich dachte nur, um die Dinge sozusagen aufzupeppen , Wortspiel beabsichtigt. Wir würden genau wie einen Jazz-Standard verwenden. Ich weiß noch nicht welches. Das werden wir im nächsten Segment herausfinden. Aber wir nehmen eine Melodie und zeigen 100 verschiedene Dinge, die wir damit machen können, um sie zu orchestrieren. Um einfach Strings zu verwenden es auf eine ganze Reihe verschiedener Arten auszufüllen. Wir können es üppig und romantisch klingen lassen. Wir können es groovend und treibend klingen lassen. Wir können es dissonant und hart klingen lassen. Unzählige verschiedene Dinge können wir tun, indem wir einfach die String-Techniken verwenden , die wir bereits kennen. Wir werden uns nur wirklich auf die Teilnehmer in dieser Klasse konzentrieren. Ein weiterer Grund, warum ich mich nur auf Streicher konzentrieren wollte , da dies die Sache zu sein scheint, an die die meisten Leute denken, wenn sie an das Orchester denken. Ich denke an Streicher und erhalte großen , üppigen Sound , den wir in Filmen hören. Sie hören in einigen Spielen, die Sie hier sind, und sogar nur in Popsongs mit einer großen Orchestrierung. Das ist großartig. Das werden wir auf jeden Fall tun. Ich werde nicht viel Zeit damit verbringen, wirklich dissonante, nervige Sachen zu machen, aber ich mag das Zeug. Also möchte ich diesen Abschnitt der Klasse nur auf die Saiten konzentrieren und wirklich nur diesen wirklich guten Saitensound bekommen. Du denkst vielleicht, dass es wirklich einfach ist, diesen Saitenklang zu bekommen, oder? Ich muss nur eine gute String-Bibliothek besorgen. Das gehört dazu. Aber du musst auch wissen, wie man für die Strings schreibt. Sie müssen sich der Voicings Ihrer Akkorde bewusst sein, wie all das funktioniert, damit sie klingen, gut klingen, wie gute Saiten klingen. Du musst also wissen, wie man für sie schreibt. Sie benötigen auch gute Samples, wenn Sie wirklich wollen, dass sie groß und reichhaltig klingen, aber Sie müssen auch wissen, was gut klingen wird. Wenn Sie nur ein paar Noten zusammenstapeln, wird es nicht gut klingen, egal wie gut Ihre Samples sind. Okay, lassen Sie uns einen sehr kurzen Rückblick auf worüber wir in den anderen drei Abschnitten gesprochen haben. Falls es eine Weile her ist. Dann werde ich über die Tools sprechen , die wir verwenden werden , und dann werden wir gleich mit unserem ersten Projekt beginnen. Hallo zusammen. Oh, noch eine Sache, ein kleines Update. Also springe ich zurück, jetzt bin ich mit den Dreharbeiten für die ganze Klasse fertig. Jetzt wollte ich nur noch zurückspringen und eine Sache hinzufügen. Du denkst vielleicht, ich glaube dir nicht, dass du den Kurs beendet hast und springst zurück, weil du genau das gleiche Shirt trägst. Es zeigt nur, dass ich einen sehr begrenzten Kleiderschrank habe. Geht weiter. Ich wollte darauf hinweisen, dass mir nach Abschluss dieses Kurses klar wurde, dass wir uns auf Saiten und diese ganze Klasse konzentrieren. Aber der größte Teil dessen worüber wir in dieser Klasse sprechen , kann auf alle Instrumente angewendet werden , die sich auf Saiten konzentrierten. Denn auch hier denke ich, ich , dass viele Leute das studieren wollen. Denken Sie jedoch daran, dass vieles was wir mit dieser Klasse machen werden, mit jeder Instrumentenfamilie oder sogar mit allen Instrumentenfamilien durchgeführt werden kann mit jeder Instrumentenfamilie oder sogar mit allen Instrumentenfamilien durchgeführt oder sogar mit allen Instrumentenfamilien . meiste davon ist also nicht nur für die Saiten. wollte ich nur hinweisen, bevor wir weitermachen. 3. Früher Zu Orchestrierung: Zuvor bei Orchestrierung. unseren ersten beiden Orchestrierungskursen ging es also nur um Instrumentierung, wie funktionieren die Instrumente, oder? Im ersten Fall sind wir wirklich in die Saiten eingetaucht. Also nur um dich an ein paar Dinge über die Saiten zu erinnern . Wir haben mit Boeing über Boeing und verschiedene Dinge gesprochen , über die wir nachdenken müssen. ob wir Boeing schreiben oder nicht Boeing schreiben, bevorzuge ich es, nicht in Boeings zu schreiben. Sie können, falls es sich um neue Informationen handelt, diese überprüfen. Wir haben auch über Nicht-Boeing-Techniken wie Pizzicato gesprochen , mehrere Stopps, Doppelstopps, Dreifachstopps in seltenen Fällen, aber meistens Doppelstopps gemacht Dreifachstopps in seltenen Fällen, wurden. Das bedeutet nur Gewalt oder eines der Saiteninstrumente zwei Töne gleichzeitig spielt. Wir haben über die Reichweite und den Klang der verschiedenen Streichinstrumente gesprochen . Und nur um unsere fünf Saiteninstrumente zu überprüfen, haben wir fünf davon. Aber wirklich nur für, im traditionellen Standardorchester gibt es Geige eine Geige, Viola, Cello und Doppelbasis. Das sind unsere fünf. Jetzt habe ich es nur noch vier gesagt, weil Viola, Geige eins und Geige zwei offensichtlich beide Gewalt sind. Aber wir schreiben für sie, als wären es zwei verschiedene Instrumente. Sie sind in gewisser Weise wie ein fünfstimmiger Chor. Aber technisch gesehen handelt es sich um dieselben Instrumente, nur um verschiedene Abschnitte. Mehr dazu, wenn wir uns darauf einlassen. Harmonics, Mutes, col legno, das bedeutet, mit dem Rücken, dem Holz des Bogens, zu spielen. Es ist eine gute Möglichkeit, sich mit Geigenspielern Feinde zu machen. Sandy Vibrato punktet Ciara. Das heißt, es ist eine ausgefallene Art zu sagen, die Geige neu zu stimmen. Eine weitere gute Möglichkeit, sich mit Geigenspielern Feinde zu machen. Okay, das war alles irgendwie in der ersten Klasse. zweite Klasse war Instrumentierung, Blechbläser und Schlagzeug, Stimme und Dinge sind drittklassig Wir haben hauptsächlich über Linien und Verdoppelungen gesprochen. Das ist die, die du wahrscheinlich gerade genommen hast. Vielleicht sind das alles gute Informationen für die Zukunft. werden wir in dieser Klasse aufbauen, obwohl wir uns nur auf die Strings konzentrieren werden, auf die Idee, einer Linie zu folgen und eine Linie zu erstellen und Linie zu verdoppeln, um die Dichte zu unterstützen. Es wird auch in diesem Kurs eine große Rolle spielen. Das bringt uns auf den neuesten Stand. Lassen Sie uns ganz kurz über die Tools sprechen, die ich verwende. Sie sind die gleichen wie im letzten Video. Also wenn du willst, kannst du den nächsten überspringen. Aber für jeden, der gerade zu uns kommt, möchte ich sicherstellen, dass Sie verstehen, was ich hier verwende. Gehen wir also in ein neues Video darüber. 4. Tools: Okay, also die wichtigsten Tools, die wir verwenden, eigentlich denke ich, dass die einzigen Werkzeuge, die wir in diesem Programm verwenden werden , mein Notationsprogramm sind. Ich benutze Dory co. Das ist das neueste auf dem Markt für Notationssoftware. Du kannst wirklich benutzen, was du willst. Musescore kann funktionieren. Okay, ich habe mich für diese beiden Klassen entschieden, auf ein professionelleres Tool umzusteigen, nämlich Dora CO. Es gibt auch Finale oder Sibelius. Das sind alles drei dieser professionellen Tools. Also die professionellen Notationsprogramme auf dem Markt gerade. Unser Dory-Co-Finale und Sibelius MuseScore bringt Sie in Bezug auf ein professionelles Tool nicht ganz dorthin, aber es ist verdammt gut. Ich habe also einige wirklich tolle Sachen gesehen , die mit MuseScore gemacht wurden. Es ist also nichts Falsches daran , MuseScore zu verwenden. Der Hauptgrund, warum ich für diese Klassen auf Doric Row aktualisiert habe , ist, dass ich in der Lage sein möchte, die Samples zu importieren , worüber ich in nur einer Sekunde sprechen werde. Und ich weiß nicht, ob man solche Samples in MuseScore importieren kann . Vielleicht kannst du das, aber dafür wollte ich nur ein solideres Programm verwenden. Die Sample-Bibliothek, die ich hier verwende , wird das BBC Symphony Orchestra sein. Glauben Sie, das wird als Kernzusatz bezeichnet. Lass mich mal sehen. Profi. Dies ist die Pro-Edition des BBC Symphony Orchestra Pro. Sie haben auch eine kostenlose Kernergänzung. Und sie haben diese Discover-Version. Vielleicht ist diese Coverversion die, die kostenlos ist. Einer von ihnen ist kostenlos und großartig. Ich benutze die Pro-Version, die meiner Meinung nach nicht kostenlos ist, aber für nur Strings wirst du mit jeder der Versionen ziemlich nahe sein . Also beim BBC Symphony Orchestra ist das ziemlich gut. In einer zukünftigen Klasse werden wir uns einige andere Sample-Bibliotheken ansehen , die uns dem professionellen Klang noch näher bringen werden . Aber in diesem werden wir einfach das BBC Symphony Orchestra benutzen . Wenn Sie Informationen darüber benötigen, wie Sie diese herunterladen, wie Sie sie finden und wie Sie sie in Ihrer Software installieren können. Kehren Sie zur vorherigen Klasse zurück. Ich habe ein ganzes Video nur über die Installation und Einrichtung gemacht. Und das war's. Doric Row und BBC Symphony Orchestra, das sind die Tools, die wir verwenden werden. Und wir werden einfach schreiben. Cool Okay, also lasst uns eine Melodie auswählen , die wir arrangieren und neu anordnen und noch mehr anordnen können. Und hoffentlich eine, die ihn nicht verrückt macht. Und von dort aus gehen wir weiter. 5. Eine Tune auswählen: Okay, fangen wir damit an, beim letzten Mal eine Melodie auszusuchen. In der letzten Klasse verwenden wir Bachchoräle. Die sind großartig. Ich meine, ich schätze, wir haben gerade einen benutzt und es stehen noch Hunderte weitere zur Auswahl. Aber ich dachte, lass uns etwas mit einer etwas klareren Melodie machen. Dieses Mal. Ich wollte einen Jazz-Standard verwenden und holte mein richtiges Buch heraus , durchforstete es und verbrachte Stunden damit, es durchzuforsten. Aber eine Sache, die mir klar wurde, nachdem ich ein paar Songs ausgewählt und dann ein wenig darüber recherchiert hatte , ist, dass praktisch keine Jazz-Standards gemeinfrei sind. Und ich möchte wirklich ein Public-Domain-Tune verwenden , damit dies nicht wird und ich mich nicht mit allen damit verbundenen Urheberrechtsfragen befassen muss. Also werden wir uns vom Jazz fernhalten. Stattdessen entschied ich mich für eine wirklich alte mittelalterliche Melodie , die den meisten von uns ziemlich vertraut ist. Und das ist Greensleeves. Wenn Sie Greensleeves also nicht kennen, ist es eine, es ist eine Moll-Melodie in N6 oder in drei. Du könntest es in beide Richtungen aufschreiben. Habe es finanziert, eine führende Sache, die uns ein bisschen komische Dinge zum Kauen geben wird . Und es gab im Laufe der Jahrhunderte unterschiedliche Texte. Manchmal sagen wir „Get at Christmas“ und wir benutzen den Buchstaben x. Welches Kind ist das? Aber es ist nur eine gute alte mittelalterliche Melodie. Es klingt so. Okay, und dann wiederholt es sich im Grunde, wiederholt den ersten Teil noch einmal, und dann ist das das Ende. Es sieht so aus, als hätte ich hier ein paar Noten gefunden und wir werden, ich gebe dir diese Noten weil es nur eine JPEG-Datei ist. Jemand hat das in der Tonart e-Moll geschrieben. Normalerweise bin ich es gewohnt, das in einem Moll zu sehen, aber das könnte nur daran liegen, dass ich Gitarrist bin und wir es einfach so spielen würden. Es fällt uns in die Hände und A-Minor sehr leicht. E-Moll ist auch cool, also lasst uns ein e-Moll ausarbeiten. Das ist in Ordnung. Also der Text hier, es heißt, leider, meine Liebe, du tust mich falsch, um mich höflich abzuweisen , denn ich habe dich lange geliebt und mich an deiner Gesellschaft erfreut. Greensleeves war meine ganze Freude. Greensleeves war meine Freude. Greensleeves, mein Herz aus Gold. Und wer hat meine Lady Greensleeves gekauft? Ich habe keine Ahnung, was Greensleeves in diesem Zusammenhang ist. Vielleicht kann jemand in den Kommentaren hier Unterricht über seine Greensleeves, den Namen der Frau, den Namen des Mannes geben. Ist es buchstäblich so, als hätte er grüne Ärmel getragen. Und so weiß ich sowieso nicht, es spielt keine Rolle. Für unsere Zwecke. Wir werden hier sowieso nicht wirklich mit Liedtexten arbeiten. Wir werden das einfach arrangieren. Also lass uns zu einem neuen Video gehen. Ich möchte nicht darüber sprechen, warum ich mich für dieses Produkt entschieden habe, was ich speziell gesucht habe , weil es einige Dinge gibt in die es sich zu vertiefen lohnt. Gehen wir also darauf ein. 6. Was wir über diese Melodie erzählen können: Okay, es gibt also ein paar Dinge, nach denen ich suche, wenn ich entscheide, was ich hier tun soll. Und das wird für Sie anders sein , denn die meiste Zeit gehe ich davon aus, dass viele von Ihnen hauptsächlich Ihre eigene Musik orchestrieren werden. Ähm, aber darauf sollte hingewiesen werden, damit du verstehst, was ich bin, was ich hier denke. Zunächst möchte ich ein harmonisch interessantes Stück. Ich möchte etwas mit einer Akkordfolge , die eine sich regelmäßig bewegende Schnur hat. Auf diese Weise kann ich die Überschneidungen dieser Akkorde untersuchen und untersuchen, wie ich Noten zusammenbinden und daraus eine schöne Textur machen kann . Das ist also, das ist ein sehr diatonisches Stück. Es ist alles sehr wichtig. Es hat genau hier diese führende Tonnote. Aber wenn wir sagen, dass es in harmonischem oder melodischem Moll ist, ist das völlig innerhalb des Stücks, also macht das alles einfach Spaß. Aber es hat einen anderen Akkord. Jede Bar, so ziemlich. Es gibt B7, was wir einem harmonischen Moll erwarten würden, um uns zurück zum e-Moll zu bringen. Es wechselt hier irgendwie zu G, wir könnten argumentieren, dass dies eine Verschiebung zu einem relativen Dur ist. Los geht's, G, D, D-Moll, e-Moll, C, B7. Wir werden nicht wirklich wie eine D7, also ist es keine wirkliche Modulation, aber es fühlt sich für eine Minute wie eine an. Nichts davon ist wirklich wichtig. Was ich bin. Die Sache, die zählt, ist, dass wir ein ziemlich reichhaltiges harmonisches Stück haben . Es muss nicht immer ein reichhaltiges harmonisches Stück sein , um orchestrieren zu können. Es ist genau das, wonach ich suche, weil ich mich wirklich darauf konzentrieren möchte , wie wir diese Harmonie aufbauen können. Eine andere Sache, nach der ich suche, ist ein Stück, mit dem wir wirklich viel herumspielen können. Denn was ich tun möchte, ist mit dieser Melodie zu arbeiten da ich im Grunde , da ich im Grunde die Melodie und all die verschiedenen Saiten einsetzen möchte. Ich möchte die Begleitung und all die verschiedenen Saiten setzen . Ich wollte mit verschiedenen Arten der Begleitung experimentieren . Ich möchte versuchen, dass es wirklich aggressiv klingt, dass es wirklich ruhig klingt und alles dazwischen. Also werden wir einige seltsame Versionen von Greensleeves machen. Aber diese Notation, wir in den Noten haben, sagt irgendwie alles. Wir haben nur die Melodie und die Akkorde. Das ist alles was ich will, oder? Ich möchte nicht die Begleitung , die der Klavierspieler gespielt hat und die wir gerade gesehen haben, weil ich meine eigene Begleitung machen wollte. Vielleicht machen wir etwas Ähnliches wie das, was sie mit den Saiten gemacht haben. Aber ich denke, wir werden eine Menge verschiedener Arten von Begleitung machen. Also. Abgesehen davon möchte ich Ihnen in diesem Teil des Kurses eines unserer großen Konzepte vorstellen . Und das sind Vordergrund, Mittelweg und Hintergrund. Gehen wir also zum neuen Video und sprechen darüber und darüber, wie wir im Zusammenhang mit Greensleeves damit arbeiten werden. 7. Vorder-, Mittel- und Hintergrund: Okay, also wenn wir über Orchestrierung nachdenken und das nicht nur eine Streichersache ist, gilt das für das gesamte Orchester, aber ich möchte hier auf den Saiten wirklich darauf eingehen , weil es am einfachsten ist um in dieser kleineren Kategorie nur die Saiten zu behandeln. Eines der großen Dinge, auf die wir uns konzentrieren, sind diese drei Ebenen Vordergrund, Mitte, Boden und Hintergrund. Die Idee hier ist, dass Vordergrund im Grunde deine Melodie, deine Melodie oder dein melodisches Zeug ist . Deine Hauptsache, deine Hauptsache, die Sache, die du willst, Leute, die weggehen, pfeifen, die Sache, auf die sie sich wirklich konzentrieren sollen, oder? Es ist der Schwerpunkt des Stücks. Der Mittelweg ist jede Art von Gegenmelodie oder irgendein Material , das die Melodie wirklich unterstützt. Es könnte also begleitendes mentales Material sein, aber es sind hauptsächlich Dinge , die die Hauptmelodie unterstützen, wie eine Gegenmelodie, Harmonie. Alles, was wie ein Kontrapunkt zur Melodie ist, wird Mittelweg sein. Im Grunde Dinge, die wichtig sind , um die Melodie voranzubringen, aber nicht die Dinge, an denen sich die Leute wirklich festhalten sollen. Wenn es eine Gegenmelodie gibt, willst du nicht, dass die Leute weggehen die Gegenmelodie singen, oder? Du willst, dass sie die Melodie singen. Und dann ist das Hintergrundmaterial die Begleitung. Also alles, was wie Arpeggien oder rhythmische Dinge ist, oder einfach nur Schnüre, nur Harmonien. Baselines sind oft im Hintergrund, obwohl sie sich in den anderen beiden befinden können, je nachdem, welche Art von Baseline Sie erstellen, und wir werden uns das später ansehen. Aber alles, was nur als Begleitung betrachtet werden kann. Jetzt sind alle drei Ebenen wichtig. Es ist nicht so, dass einer wichtiger ist als der andere. Und sie sind auch weit verbreitetes Missverständnis, stimmen nicht mit dem Register überein. Es stimmt nicht, dass sich Ihre Melodie immer in den Geigen und Geigen oder im Vordergrund befindet. Und dein Cello ist es, und Basen sind immer der Hintergrund. Und deine Bratschen und Violinzweien sind der Mittelweg. Das stimmt nicht. Eine Sache, die ich in deinen Kopf bekommen möchte, wahrscheinlich das Wichtigste an diesem gesamten Abschnitt ist, dass jeder dieser fünf Teile des String-Abschnitts der Vordergrund sein kann, Mitte Boden oder Hintergrund. Es stimmt nicht, dass die Gewalt immer die Melodie bekommt. Angesichts der Melodie für das Cello. Manchmal ist es unglaublich. Geben Sie manchmal die Melodie der Basis und lassen Sie die Violinen die Begleitung sein. kannst du machen. Und wir werden uns überlegen, wie wir das tun können. Um diese Idee im Vordergrund, in der Mitte und im Hintergrund zu sehen , möchten wir immer darüber nachdenken , wenn wir mit der Orchestrierung in Bezug auf diese Ebenen arbeiten . Also behalte das im Hinterkopf. Also zuerst unser erstes großes Thema, denn ich möchte mich auf den Vordergrund konzentrieren. Wie können wir etwas wirklich in den Vordergrund stellen? Das sind also unsere nächsten großen Chunk-Sachen. Also lass uns eintauchen. 8. Vorläufige Orchestrierung: Wir beginnen mit dem Vordergrund, der offensichtliche Ausgangspunkt ist. Es ist nicht der Ort, an dem man immer anfangen muss. Tatsächlich besteht mein Prozess, wenn ich Musik schreibe, nur Originalmusik, darin, mich auf den Hintergrund zu konzentrieren. Zuerst möchte ich die Textur wirklich verbessern und das richtig einwählen. Und dann lass die Melodie du selbst findest. Ich habe in meinen Kompositionskursen eine ganze Reihe darüber gesprochen . Aber hier treffen wir eher ein Arrangement. Wir haben Tune schon. Was wir also tun müssen und wir beginnen mit der Arbeit mit dem Vordergrund, ist eigentlich ziemlich einfach. Es ist offensichtlich die einfachste aller drei Ebenen. Wir haben bereits eine Melodie geschrieben. Das ist unser Vordergrund, oder? Wir müssen ein paar Dinge in Betracht ziehen. Wir müssen darüber nachdenken. Die Reichweite und die Art der Tessitura des Instruments, in das wir es einsetzen wollen. Also, wenn wir es zum Beispiel ins Cello stecken wollen, müssen wir darüber nachdenken, wir es am unteren Ende des Cellos haben wollen , wo es diesen echten Raum hat. Und wie passt das in die Melodie? Oder wollen wir es im oberen Bereich des Cellos haben, wo es wirklich die Fähigkeit zum Singen hat, singbare Single-Mobilität. Ich denke, das ist das Wort, nach dem ich in diesem oberen Bereich suche . Wenn ich es in die Geigen lege , hat dieser obere Bereich nicht viel Kraft, aber er ist sehr, kann sehr süß sein. Also müssen wir darüber nachdenken. Und aus diesem Grund möchte ich diese Melodie für Greensleeves durchgehen und sehen, ob wir sie in all die verschiedenen Instrumente einsetzen und die verschiedenen Stellen untersuchen können in all die verschiedenen Instrumente einsetzen und die verschiedenen , an denen sie fällt. Und wie ich darüber nachdenken würde, wenn ich vollständig orchestrieren würde. Wir werden uns also in den nächsten fünf Videos darauf konzentrieren , das Vordergrundmaterial auf fünf verschiedene Arten zusammenzustellen. Einmal in der ersten Geige, zweiten Geige, Viola, Cello und Bass. Ich sage auch einfach: Nun, wir sind hier. Wenn ich das arrangierte und wollte, dass es in meinem eigenen Stil ist und meine eigene Art von Arbeit wäre. Meine erste Bauchreaktion wäre nicht, die Melodie in die Geigen zu bringen. Das würde ich nicht tun wollen. Der Grund, warum ich das nicht tun möchte, ist nur , dass das am meisten erwartet wird. Es klingt vielleicht großartig und die Gewalt. Aber ich bin immer auf der Suche nach einer Möglichkeit eine wirklich tolle Melodie in die Bratschen oder Untiefen zu bringen . Ich würde wahrscheinlich zuerst versuchen, das zu tun. Wenn ich herausfinde, dass ich es einfach nicht schaffen könnte, würde ich zur Gewalt gehen, aber meine Bauchreaktion besteht normalerweise darin, die Melodie nicht in die Gewalt zu stecken, nur weil die meisten Melodien normalerweise in der Gewalt sind. Es ist nichts Falsches daran, Melodie und Gewalt zu spielen. Tu es. Es ist großartig. Aber Alex Stuarts Sachen laufen. Okay, also lasst uns eintauchen und über die Verwendung der Melodie bei der ersten Gewalt sprechen . 9. Violine als Melodie: Okay, also habe ich unsere Melodie in Doric o hier geschrieben. Lass es uns einfach einmal durchhören, damit wir alle wissen was wir dir hier zuhören. Los geht's. Okay? Was müssen wir also beachten, wenn wir hier über den Vordergrund nachdenken? Der Vordergrund ist also wirklich nur die Melodie. Wir haben keinen Kontrapunkt, keine Begleitung, sonst noch was? Wir haben also den Himmel ist die Grenze dessen, was wir tun können. Wir können alles machen. Aber ich möchte auf ein paar Dinge hinweisen. Es gibt Dinge, über die man nachdenken muss. Hier sind ein paar Überlegungen, die wir haben. Und deshalb wollte ich das mit jedem Instrument durchgehen , damit du wirklich verstehst wie ich darüber denken würde. Es mag offensichtlich erscheinen, aber keine Sorge, wir werden darauf aufbauen während wir ein Arrangement für dieses Lied erstellen. Das Erste, woran ich denken werde, ist, wir uns hier Geigen ansehen, Geige eins. Und das Erste, was ich mir wirklich ansehen werde , ist der Umfang dieser Melodie. Und das ist eine Art seltsame Melodie und ihr Tonumfang ist größer als eine Oktave. Die meisten singbaren traditionellen Melodien liegen innerhalb einer Oktave. Das heißt nicht , dass diejenigen größer als eine Oktave oder schlecht oder so etwas sind . Wenn du an einer eigenen Melodie arbeitest und diese größer als eine Oktave ist. Mach dir keine Sorgen, das ist toll, das ist cool. Ich sage nur, wie die meiste Zeit, ist es innerhalb einer Oktave. Das bedeutet, dass die niedrigste Note der Melodie und die höchste Note der Melodie, oder eine Oktave oder weniger. Dieser ist eigentlich ein Zehntel. Wenn wir uns unsere tiefste Note ansehen, die natürlich ist, ein paar Mal passiert, sehen Sie, dass es ein Cis gibt, Es gibt wieder ein B. Und Cis sind wir okay, also ja, das ist unsere tiefste Note. Okay, das haben wir bestätigt. Suchen wir jetzt nach unserer höchsten Note. Geht hier durch. Es gibt eine Oktave höher, aber hier ist ein C höher als das. Wenn wir dann hier in den Abschnitt B gehen, bekommen wir das. D ist unser höchster Punkt, unsere höchste Note. Und es passiert tatsächlich wieder. B nach D, richtig? Das ist also ein Tipp, der mehr als eine Oktave ist. Das sagt mir, dass ich im Bereich möglicherweise etwas eingeschränkt bin, weil es sich um einen großen Bereich handelt. Also kann ich das Ganze nicht eine Oktave hoch oder runter bewegen. Vielleicht. Okay, lass uns das ein bisschen genauer untersuchen. Kann ich es eine Oktave nach unten bewegen? Ich kann nicht. Ich werde den Bereich der Geige verlassen. Wenn ich es eine Oktave nach unten bewege, hat das nichts mit dem Bereich der zu tun, dem 10. der Melodie, der nur mit der Geige zu tun hat . Wir werden unter unsere tiefste Note kommen, die ein G auf dem Veilchen ist. Wenn wir untergehen. Wenn wir jetzt mit allem eine Oktave höher gehen, versuchen wir es. Jetzt. Wir haben etwas Seltsames gemacht, denn was jetzt passiert, ist, dass wir uns zwei verschiedene Tessitura erstrecken zwei verschiedene Bereiche schreiben. Dieser Bereich auf dem Notensystem, direkt über dem Notensystem, ist ein guter Bereich für die Geige. Es hat ein paar, es hat ein paar Emotionen. Ich schätze, es hat eine gewisse Macht. Aber wenn wir dazu kommen, D, wir ziemlich high sein, genau da oben. Nun, wenn ich arrangiere war nur eine Oktave wird hier unten sein als B genau hier. Also ein bisschen schmackhafter. Aber weil wir eine so große Bandbreite haben, liebe ich diese Oktave nicht. Ich liebe es nicht, hier oben zu sein weil wir einige Notizen haben, weit unten im komfortablen Personal sind, und einige, die deutlich höher sind. Das wird einen seltsamen Dynamikbereich erzeugen. Es wird ein bisschen seltsam werden. Also würde ich es lieber eine Oktave reduzieren, wo wir waren. Also lass uns wieder da runter gehen. Da sind wir ja. Ich denke also, das ist der beste Ort dafür. Was ich wirklich gerne tun würde, ist den Tonart dieser ganzen Sache zu ändern und dieses B auf ein G zu reduzieren, oder? Denn das würde das machen, diese tiefe Note traf auf unsere offene Saite. Und ich denke, es würde wirklich gut für diese Art von Resonanz sein, ihm einen schönen dunklen Ton zu geben, was ich in dieser Art von kleiner mittelalterlicher klingender Melodie will . Aber ich werde das nicht tun, weil ich den Schlüssel jetzt nicht ändern möchte, aber wenn ich die Möglichkeit hätte, den Schlüssel zu ändern, würde ich es tun. In welches Q würde uns das bringen, wenn dies ein G wäre, im Grunde gehen wir eine große Terz runter , wenn wir jetzt die Tonart e-Moll Wenn wir also ein E nehmen und ein großes Drittel, a, b und c, absteigen , bewegen wir uns zum Tonart c-Moll. Es wäre also etwas schwieriger, aber das ist okay. Also, okay, also lass uns weitermachen und ansehen, wie wir die Melodie in die zweite Geige legen. Und wenn es irgendwelche Unterschiede gibt , die auftauchen, dann. 10. Verwendung von zweiter Violine: Reden wir auch über Geige. Also wenn du dich fragst, hey, hast du dich erkältet? Und zwischen den letzten beiden Videos? Ja, habe ich. Die Freuden des Zusammenlebens mit einem Kleinkind. Oh, hey, Geige, zwei Jahre lang denke ich, dass es dasselbe sein sollte, weil es dasselbe Instrument ist. Es hat gerade seine eigenen Mitarbeiter. Und du hast recht. Es gibt hier nichts Ungeheuer anderes, aber ich möchte die Gelegenheit nutzen, um darüber zu sprechen, Raum für den Mittelweg und den Hintergrund zu lassen . Also mit dieser Melodie, die in Bezug auf die Reichweite so groß ist, wenn sie hier ist und die Geige zwei. wir nicht, wir wollen ein bisschen darüber nachdenken , was wir mit unserem Mittelweg und unserem Hintergrund machen werden, oder? Denn nehmen wir an, dass Geige eins auch Material sein wird , das höher als gewalttätig ist. Das muss es nicht sein. Aber um das einfach zu durchdenken , nehmen wir an, dass es so ist. In dem Fall müssen wir also darüber nachdenken, was Gewalttätige tun sollen , das höher sein wird. Und geh der zweiten Geige aus dem Weg. Aber lass die Geige trotzdem als Melodie glänzen. Das ist eigentlich eine wirklich knifflige Sache. Wenn wir wollen, dass Geige Zwei als Hauptsache gehört wird , die Vordergrundsache. Und wir wollen , dass etwas darüber steht. In Bezug auf Notizen. Das ist schwierig, zumal das den ganzen Weg von B abwärts geht, bis hin zu diesem d, oder? Wenn wir uns also davon fernhalten wollen, müssen wir wahrscheinlich mindestens ein Drittel höher sein. Also F sind die Mitarbeiter für unsere erste Datei wird unsere niedrigste Note sein , wenn wir darüber sein wollen. Also müssen wir wahrscheinlich etwas rhythmisch ganz anderes machen , wenn wir wollen, dass das funktioniert, und trotzdem Gewalt als Vordergrund gehört werden muss. Der einfachste Weg, etwas wie den Vordergrund klingen zu lassen , besteht darin, es mit der höchsten Stimme zu versehen, oder? Geh einfach in einen Chor. Wenn du möchtest, dass etwas wie die Melodie klingt, gib es den Sopranos, was auch immer oben drauf ist. Normalerweise hören wir es. Jetzt. Das heißt nicht, dass es so sein muss. Das ist einfach der einfachste Weg, das zu tun. Aber wir gehen nicht auf den einfachsten Weg. Wir gehen auf die musikalisch interessanteste Art und Weise. Jetzt lass uns die gleiche Zeit wie all das machen. Wir wollen die Wurzel verlassen, darunter Platz für unseren Mittelweg und unser Hintergrundmaterial lassen, oder? Wir haben also viel Platz darunter. Aber das werden Dinge sein, über die wir nachdenken , wenn wir uns nach unten bewegen, was wir in den nächsten Videos tun werden. Bis hinunter zu den Stützpunkten. Und darüber nachdenken, wie wir die Begleitung machen , wenn die Melodie im Bass ist. Also ein F dazu. Lass uns weitermachen und über die Bratsche sprechen. 11. Viola als Melodie verwenden: Okay, lass uns zur Bratsche übergehen. Wenn wir es also einfach direkt in die Bratsche kleben, landen wir hier. Das wird also dieselbe Oktave sein. Und das könnte ziemlich nett sein. Es ist die Bratsche, also wird es insgesamt ein bisschen dunkler. Es ist, es wird dieser Bereich sein und die Bratsche ist, sie ist ziemlich weit oben auf der Bratsche. Es ist nicht mein Lieblingsbereich, besonders für eine Moll-Melodie, bei der wir uns einen dunkleren Klang ansehen wollten , was das ist. Also werde ich mir ansehen, wie wir das um eine Oktave verringern und sehen, ob wir das schaffen. Also lass es uns einfach versuchen. Also lass uns die ganze Sache nehmen. Da sind wir ja. Schauen wir uns jetzt unser Sortiment an. Okay, das sind fast unsere niedrigsten Töne. Was? Dieses B liegt außerhalb des Bereichs. Dies ist eine Note zu unserer niedrigsten Note ist ein C. Es ist ein halber Schritt zu tief. Es sei denn, wir sind bereit, unsere Geige oder Bratsche um eine Neustimmung zu bitten oder so. Das wird nicht funktionieren. Es ist nur diese eine tiefste Note. Wir hatten wieder dieselbe Notiz hier. Für einen halben Schritt. Ich denke, diese Melodie wäre in diesem Bereich wunderschön. Wirklich tief, die Bratsche, sie wird einen richtig dunklen, gruseligen Sound machen. Ich weiß nicht, ob diese Proben dem gerecht werden , aber versuchen wir es. Lass es uns hier bis zur höchsten Note weitergehen. Ja, das ist meiner Meinung nach bisher meine Lieblingsoption. Ich finde es großartig, genau in dieser Melodie. Denken Sie jetzt daran, dass ich hier diese Art von dunklerer Melodie anstrebe. Also wenn du diesen dunklen Ton nicht willst, ist das nicht perfekt für dich. Aber für diese Melodie gefällt sie mir hier sehr gut . Was kann ich also dagegen tun? EIN? Knifflig, tut mir leid, dass dieses A B ist, es mit Notenschlüsseln zu mischen. Ich könnte so etwas machen. Ich könnte das ins Cello tun oder so , wo wir das machen können. Weil das so ist, dafür gibt es ein paar verschiedene Begriffe. Wir werden später darüber sprechen, wie wir das tun können, über die Art des Umschaltens. Wir könnten diese Art von Pointillismus Ding nennen , obwohl es keine ist. Wir könnten es dieses Ding nennen, diesen seltsamen Begriff namens Clang Farben Collodion, was ein wirklich lustiges Wort ist. Aber das ist es auch nicht wirklich. Das ist eher eine Art , die Note abzudecken, die zu niedrig ist. Ich schummele. Nennen wir es Schummeln. Wir könnten so etwas machen. Lass es uns von hier aus hören. Wie mache ich das? Da haben wir's. Es funktioniert also irgendwie, aber es macht es für Ihr Ohr auch ein bisschen schwierig, dieser Note zu folgen, besonders wenn sie live gespielt wurde, würden Sie sie hören. Instrumente können nicht gewechselt werden. Und je nachdem, was unsere Begleiter tun, könnten wir die Melodie dort wirklich verlieren. Wir müssten sehr vorsichtig unserem Mittelweg und unserem Hintergrund sein, wenn wir versuchen wollten, dies zu erreichen. Aber das können wir schaffen. Wir können mit diesen Dingen sehr vorsichtig sein und das durchziehen. Es könnte also bisher meine Lieblingsoption sein , weil es mir hier unten sehr gut gefallen hat. Und es ist Cash Man, es ist nur dieser halbe Schritt. Wenn wir die Tonart ändern könnten, heben Sie den Schlüssel erneut einen halben Schritt hoch, in diesem Fall in b-Moll. Es wäre zehnmal besser als das, aber wir können dafür sorgen, dass es funktioniert. In diesem Bereich gefällt es mir aber sehr gut. Also könnten wir darauf zurückkommen und mit dieser Idee herumspielen, wenn wir es wirklich wollten. Aber in der Zwischenzeit wollen wir weitermachen und darüber sprechen , was passiert, wenn wir es ins Cello geben. 12. Cello als Melodie verwenden: Okay, lass uns über das Cello sprechen. Jetzt. Wenn wir es einfach von der ursprünglichen Tonhöhe aus bewegen , lege ich es in die Geigen. Wir kriegen es ganz hoch, oder? Und das Wackelpudding. Und du weißt, dass ich den oberen Bereich des Cellos liebe. Ich habe ein paar Mal darüber gesprochen. Das ist technisch gesehen nicht außerhalb des Bereichs, aber es schreit ziemlich so. Nero wird schwer sein noch schwieriger zu werden , um sich abzustimmen. Nehmen wir es also um eine Oktave runter. Und dann werden wir sehen , ob wir es noch eine Oktave herunterfahren können . Okay? Schauen wir uns das mal an. Das bringt uns wirklich in die Mitte des Cellos, zumindest auf dieser Seite. Wenn wir hier rüber gehen, kommen wir zu dieser netten Art von lyrischem Klingeln des Cellos, das ich wirklich mag. Wir verlassen es ziemlich schnell. Das wird es viel schwerer klingen lassen. Okay, das wird also wie ein schwererer Sound sein, nicht übertrieben, schwer. Es kann immer noch relativ lyrisch sein. Das ist nett. Ich denke das funktioniert gut. Es ist nicht ganz so dunkel wie ein Holz wie ich in der Bratsche mag, obwohl die Bratsche, die Bratsche in diesem Bereich, nur ein bisschen dunkleres Tambora hat , das ich ein bisschen mehr mag als dieses. Aber es ist nicht schlecht. Lass es uns versuchen. Mal sehen, ob wir noch eine Oktave runtergehen können. Okay, sind wir immer noch in Reichweite? Nee. Das gleiche Problem mit der Bratsche. Den verlieren wir. Beachten Sie, dass b nur einen halben Schritt unter unserem Tief liegt. Diese Melodie zu sehen ist wirklich ziemlich nervig für die Saiten eigentlich. Also werden wir hier das gleiche Problem haben. Und ehrlich gesagt ist das okay. Ich weiß, dass mir die Melodie hier unten nicht gefallen wird , weil es ziemlich fett sein wird , das Cello unten in diesem Bereich zu umgeben. Es wird groß und sperrig sein. So sperrig es auch ist, wir werden die Basis finden, aber sie wird zu sperrig sein für was ich in dieser speziellen Melodie haben will. Ja, selbst das ist so, als würde man zu dem hochgehen. Dieses D ist wirklich einfach ereignislos. Und dieses Register ist einfach so, aber es ist nicht wirklich mächtig oder singbar oder lyrisch. Es ist einfach irgendwie da. Das ist kein echtes emotionales Register für das Cello. Ich hoffe du merkst, dass alles, was ich hier sage , super eigensinnig ist. Da kannst du mir gerne nicht zustimmen. Was ich jetzt mache, ist einfach mit dieser Melodie herumzuspielen und zu sehen, wo ich sie so anpassen kann, wie ich sie mag. Sie auch daran , dass aufgrund des Registers oder des Bereichs dieser Melodie, die größer als eine Oktave ist, einige einzigartige Probleme verursacht. Okay, also denkst du vielleicht, könnte ich den gleichen Trick hier machen? Und die Notiz in die Basis legen? Ich könnte aber, ups, das möchte ich nicht behalten. Ich könnte das machen. Timperley, die Basis ist jedoch ein bisschen anders als beim Cello. Die Basis ist so groß und dick , dass ich denke, das wird wirklich auffallen. Es ist, als hätte die Basis einfach so viel Präsenz, während das Cello viel weniger hat. Es fühlt sich also einfach so an, als wäre ein Knoten plötzlich ein Bruder, und es fühlt sich nicht nur komisch an, das zu tun. Der andere Fall, in dem wir das Cello verwenden, um die Bratsche zu decken, funktionierte also viel besser. Dieser Fall. Ich glaube einfach nicht, dass du den Sound wirklich glatt machen wirst . Es wird einfach nicht sehr gut funktionieren. Was ich hier also tun würde, ist wahrscheinlich auch, dass ich diese Melodie in diesem Bereich nicht für das Cello verwenden würde. Meine bisherige Lieblingsoption ist immer noch das untere Register oder die Bratsche, mit der Abdeckung dieser OneNote im Cello. Bring es wieder hoch. In Oktave. Wir gehen. Okay, schauen wir uns die Basis an. 13. Den Bass als Melodie: Die Basis gibt uns also ein paar einzigartige Probleme. Wenn wir die Melodie in den Bass bringen wollen. Denken Sie daran, ich denke auf jeden Fall, dass Sie das tun sollten. Bringen Sie die Melodie von Zeit zu Zeit in den Bass geben Sie den Bassisten etwas Lustiges zum Kauen. Sie werden ihnen also nicht einfach eine schöne, schöne Melodie geben . Ich werde für immer einen Freund finden. Es gibt jedoch einen guten Grund warum wir nicht viele Melodien und die Basis haben. Es gibt tatsächlich ein paar von ihnen. Fangen wir also mit unseren Registern an die wir bereits gesprochen haben. Also hier sind wir. Cello-Register. Wir schreien schon hoch. Wir sind hier wirklich außer Reichweite. Wissen Sie, wir können diese Notizen nicht wirklich kriegen. Nehmen wir es also um eine Oktave runter. Okay? Jetzt haben wir also eine vernünftige Oktave für die Basis. Ich bin, nichts ist außerhalb der Reichweite. Es ist ziemlich gut. Cool. Hören wir uns einen Teil davon an. Okay? Es ist also ziemlich langweilig hier. Kontrabass, nicht wirklich lyrisch hier. Wenn du willst, dass das wirklich singt, ist es ein großartiger Ort für Kontrabass. Stell dir den Kontrabass vor wie einen Riesen. Schreib den Riesen aus Jack and the Beanstalk oder so ähnlich. Wenn sich der Riese bewegt, ist er nicht anmutig, er macht kein Ballett. Es braucht Energie, um sich zu bewegen. Wenn der, ist der effektivste Einsatz des Riesen, ihn in diese großen Fußstapfen treten zu lassen. Problem. Bumm, richtig? Mache kein Ballett. Irgendwie so. Ich war eine komische Analogie, aber vielleicht verstehst du sie. Eine Melodie, die gut für die Kontrabässe funktioniert , ist vielleicht nicht so lyrisch, aber eine, die solche großen Bewegungen enthält. Vielleicht stoßen wir auf einen und ich kann darauf hinweisen, aber das funktioniert einfach nicht so gut. Es ist zu dick, zu groß und es ist nicht wirklich dunkel. Es ist dunkel, aber es ist fast so, als wäre es so dunkel wie ein Holz , dass es nicht mehr dunkel ist. Ich weiß es nicht. Es ist schwer zu erklären. Kann ich es noch eine Oktave herunterfahren? bezweifle es irgendwie. Unsere tiefste Note auf der Basis des E. Es gibt nein, wir haben nicht den Raum, um eine weitere Oktave nach unten zu gehen. Ein weiteres Problem, das wir hier hätten, ist Was werden wir zur Begleitung tun? Es gibt tatsächlich eine Menge, die wir für die Begleitung tun können. Wenn die Melodie im Bass ist, könnten wir rhythmische Sachen machen, wie sich Pizzicato-Hühneraugen in den anderen Saiten vorstellen . Das würde super funktionieren. Es würde die Basis getrennt halten, weil es das einzige ist, was Arco ist. Während alles andere Pizzicato ist, mach es eigentlich ganz gut. Aber würde es großartig klingen? Ich kenne meinen Geschmack nicht wirklich, aber du kannst ihn gerne probieren. Es gibt also viele interessante Dinge, die wir mit der Begleitung machen können , wenn die Melodie im Bass ist. Und wir werden uns einige davon ansehen, wenn wir über Mittelweg und Hintergrund sprechen . Aber es gibt einige besondere Dinge, Sie nachdenken müssen, um der Basis aus dem Weg zu gehen. Okay. Ich glaube, das ist alles was ich zu sagen habe. Im Grunde möchte ich , dass du in deinen Kopf gehst, kannst du der Basis die Melodie geben? Ja. Solltest du? Ja, du solltest es versuchen. Funktioniert es immer? Nein. Es funktioniert nicht immer. Aber es ist echt cool was es macht. 14. Hintergrund betrachten: Okay, also ein paar Dinge über das Schreiben im Vordergrund. Wir brauchen wirklich unsere Melodie oder was auch immer unser Vordergrund ist. Ich werde vorerst Melodie sagen, aber denken Sie daran, dass die Melodie nicht das einzige ist , was im Vordergrund stehen kann. Es könnte eine Textur sein, die Sie vortragen möchten. Es könnte nur eine Art Geste sein. Aber die meiste Zeit sprechen wir hier von einer Melodie. Wie können wir also diese Melodie zur fortschrittlichsten Sache machen? Um nun einige Techniken zu erklären , mit denen wir es am besten machen können, müssen wir über den Hintergrund sprechen. Denn die größte Sache, die den Vordergrund in den Vordergrund stellen wird , ist, den Hintergrund davon fernzuhalten , oder? Lassen Sie uns also ein wenig über den Hintergrund sprechen, der sich darauf bezieht, den Vordergrund so präsent zu machen , wie er sein kann. Also habe ich hier geschrieben, der langweiligste Hintergrund der Welt, okay, ich habe gerade die Akkorde in K gesetzt, also sehr einfache Triadenharmonie gegen die Melodie. Also lasst uns einfach hören was ich gemacht habe und ich habe nur diese ersten fünf Takte gemacht. Wir werden in Kürze viel detaillierter auf Hintergrundtexturen eingehen . Im Moment ist dies nur ein Beweis dafür. Lass es uns einfach hören. Einfach so viel richtig? Jetzt. Es gibt verschiedene Möglichkeiten, wie ich diese Melodie stärker hervorheben kann, als sie bereits ist. Im Moment fällt es eigentlich nicht sehr auf, oder? Es ist wirklich irgendwie da drin vergraben. Das Offensichtliche wäre die Dynamik, oder? Ich kann die Melodie lauter machen, lauter als alles andere. Ja, das ist eine Möglichkeit. Aber es gibt bessere Möglichkeiten. Das erste Problem, das wir hier haben, ist, dass die Melodie , der Bereich, der Bereich der Melodie genau mit der Harmonie übereinstimmen. Das sollte ich nicht als Problem bezeichnen , weil das nicht immer schlecht ist. Es gibt Zeiten, in denen das passieren soll und es kann ein cooler Sound sein. Aber wenn Sie wirklich versuchen, Vordergrund und Hintergrund zu trennen , sprechen wir über den Mittelweg. Ich habe unseren Freund nicht vergessen, den Mittelweg später, aber das ist irgendwie ein anderes Tier. Wenn Sie wirklich wollen , dass diese getrennt sind. Die Reihe ist eine großartige Möglichkeit, dies zu tun. Okay? Und dies ist ein Beispiel dafür , dass es nicht sehr gut geht. Sie sehen also die erste Note aus, während die zweite Note, unsere zweite Geige und die Harmonie, dieselbe Note haben. Und dann haben wir recht, wir sind gleich da drin. Ein Drittel weg, ein Drittel weg. Wieder dieselbe Notiz. Wenn wir also etwas tun könnten, um unsere, den Bereich unserer Melodie von unserem Hintergrund zu trennen . Es wird sich viel besser anhören. Also lass es uns tun. Lass uns gehen. Nehmen wir die Geige eins in Oktave hoch. Einfach genug. Los geht's. Lass es uns jetzt hören. Es sticht definitiv viel mehr hervor, oder? In ähnlicher Weise könnten wir jedoch annehmen, wir könnten sagen, dass uns die Melodie in diesem Bereich sehr gut gefallen hat. Wie können wir uns davon fernhalten? Wir könnten unsere Harmonie hier neu ordnen , um ihr aus dem Weg zu gehen. Lass mich das ganz schnell machen. Lass uns einfach die Geige loswerden. Zwei, stehen sich immer noch sehr nahe. Mal sehen, ob ich die Viola einfach auf eine andere Note in den Harmonien bringen kann . Also hier haben wir ein e-Moll. Also gehen wir runter zu, bringen Sie runter zu hier wir sind auf einem G-Akkord, G-Dur-Akkord. Also lasst uns zu B gehen. Jetzt weiß ich, dass ich einige Oktaven kreiere und nicht die beste Stimme führe, aber halte eine Sekunde Geduld mit mir. Wir gehen hier in D-Dur. Gehen wir also hier zu a und d-Moll. Gehen wir also runter zu B, schätze ich, und einem e-Moll. Also gehen wir runter zu, okay, also jetzt was wir getan haben, und ich sehe, dass wir die Cello-Linie verdoppelt haben. Also eine ganze Reihe paralleler Oktaven, aber parallele Oktaven interessieren uns momentan nicht wirklich . Hören wir es einfach in Bezug auf, haben wir uns der Melodie in Bezug auf die Reichweite aus dem Weg gehalten ? Lass uns zuhören. Ja, ein bisschen besser. Es ist nicht perfekt. Und die Harmonie ist langweilig , weil sie die gleichen sind. Aber wir haben diese Melodie ein bisschen mehr hervorgebracht, ein bisschen mehr, indem wir einfach etwas Platz zwischen der ersten Geige oder was auch immer das Vordergrundding ist und allem anderen geschaffen haben. Es geht nicht darum, die Melodie schön hoch zu bekommen. Das ist nicht der Punkt. Es geht darum, Raum zwischen Melodie und Begleitung oder Vorder- und Hintergrund zu schaffen. Du könntest die Umkehrung dieser beiden machen, oder? In der Tat, lass uns das tun. Gehen wir zu einem neuen Video und legen die Melodie wieder in die Basis und legen das oder sogar das Cello. Legen wir es ins Cello und legen die Begleitung darüber. 15. Hintergrund oben im Vordergrund: Durch das Gegenteil. Also hier ist die Melodie im Cello, und ich habe die Harmonie darüber geschrieben. Denken Sie daran, dass der Name des Spiels hier nicht hoch und niedrig ist. Der Name des Spiels ist Entfernung. Schaffen Sie Platz für unser Ohr, um sich an vier, diese Melodie, festzuhalten. Also habe ich das Cello geschrieben, die Melodie und das Cello und ich habe es schön leise geschrieben. Wirklich ganz unten im Cello. Wenn wir mit der Melodie weitermachen, werden Sie sehen, dass wir außer Reichweite geraten , weil sie einfach zu niedrig ist. Aber für diese erste Zeile ist es okay. Lassen wir es also zum Experimentieren da. Also eine Neufassung am unteren Rand des Cellos. Und ich habe die, die Harmonie, nett und hoch, richtig? Es schreit nicht hoch in den Geigen, ähm, aber es ist, es ist hoch. Und lass es uns hören. Ziemlich nett. Und dann fällt Melody wirklich auf. Es steht außer Frage, was die Melodie hier ist, oder? Du hörst diese Kopfnote nicht als Melodie, oder? Das liegt daran, dass wir Platz haben. Wir haben Raum zwischen dem , was passiert. Das ist das Wichtigste. Unser Ohr wird sich natürlich an das Höchste klammern wollen . Wenn Sie also möchten, dass die Melodie niedriger ist, müssen Sie sie wirklich unverwechselbar machen. Und eine der guten Möglichkeiten, dies zu tun, um einen gewissen Abstand zwischen Melodie und Harmonie zu schaffen. Jetzt merkst du, dass ich den Kontrabass nicht benutzt habe. Den Kontrabass zu benutzen wäre hier echt schwer. Ich kann den Kontrabass nicht hoch genug bringen, um das Gefühl zu haben, Teil dieser Harmonie zu sein . Und ich schaffe es nicht tief genug , um genug Platz zu schaffen , damit es dem Cello aus dem Weg geht. Also habe ich beschlossen, dass das Beste hier ist, die Basis hier nicht zu benutzen. Ich könnte möglicherweise einen Vordergrund machen, ein Mittelgrundding, vielleicht ein Pizzicato, um einige der Noten hervorzuheben. Das könnte hier eine Option sein. Oder sogar ein Pizzicato, etwas oder Harmonisches könnte wahrscheinlich reichen. Eine Harmonische kann dazu führen, dass sie Teil der Harmonie wird. Aber jetzt, wo ich darüber nachdenke, wird es nicht viel durchkommen. werden wir später mehr sprechen. Aber die naheliegende Sache hier war den Kontrabass einfach wegzulassen, weil es, es wird dieser Cello-Melodie im Weg stehen. Es sei denn, ich habe die Melodie nicht verdoppelt, was ich hier nicht wirklich für nötig hielt. Großartig. Okay, lassen Sie uns zu ein paar weiteren Dingen zu demselben Thema übergehen . 16. Farbe als Abdichtung: Okay, wir haben also darüber gesprochen dass der Bereich etwas ist, das Hintergrund und Vordergrund wirklich dazu bringen kann das Hintergrund und Vordergrund sich von anderen Dingen fernzuhalten, die ich erwähnen möchte , außer Reichweite, die erreicht werden kann der gleiche Effekt. Die erste ist erst vor wenigen Minuten, als wir uns mit dem Einsetzen der Melodie und der verschiedenen Instrumente befassten, über den unterschiedlichen Charakter der Tessitura gesprochen. Jedes Instrument, das ist ein Schluck voll. Lassen Sie mich das noch einmal auf eine weniger seltsame Weise sagen. Wir wissen, dass der obere Tonumfang der Geige einen bestimmten Klang hat. In der Mitte hat die Geige einen bestimmten Klang, und die Unterseite der Geige hat einen bestimmten Klang, oder? Sie können diese verwenden, um eine Trennung zu schaffen , die diese Melodie oder den Hintergrund zurückbringt. Nehmen wir zum Beispiel an, der obere Bereich des Cellos ist, wenn ich immer darüber spreche. Und ich habe wahrscheinlich schon zu viel über diesen lyrischen, großartigen Sound gesprochen , den ich super liebe, oder? Also dieser Bereich und der untere Bereich der Geigen, okay? Die sind ungefähr gleich. Das sind dieselben Notizen. Das Obermaterial, wie stellen wir uns ein E vor. Gehen wir wie diese Notiz. Richtig? Nun, habe es überschritten. Okay. Diese Notiz und diese Notiz sind dieselbe Note, oder? Aber sehr unterschiedlich in Bezug auf Farbe, in Bezug auf Tessitura, oder? Das wird eine sehr lyrische Note sein, und das ist tatsächlich, dass sie tief in der Geige ist, es ist ein bisschen leise, es ist ein bisschen dunkel. Verwendung kann uns also helfen , diese beiden Teile voneinander zu trennen. Wenn ich die Melodie im Cello schreiben würde, um hier oben zu sein, und ich hätte die Begleitung hier unten zu sein und die Geige zu sein. Sie sind nicht nach Bereich getrennt, aber sie sind farblich getrennt, oder? Und wenn das für Sie verwirrend ist, denken Sie eine Minute lang wortwörtlich darüber nach. Nehmen wir an, Sie malen ein Bild und hatten etwas , das ganz in Blau gemalt wurde, und dann haben Sie eine kleine orangefarbene Linie darin gemacht, oder? Selbst wenn diese orange Linie mit all dem blauen Zeug gemischt wurde , wird sie auffallen, weil sie eine andere Farbe hat. Sie können also diese Art von Farbideen verwenden um eine Trennung zwischen Vordergrund und Hintergrund herzustellen . 17. Textur als Trennung: Dann ist das Letzte, was mir in dieser Hinsicht sowieso in den Sinn kommt , die Textur als Weg zur Trennung. Und das passiert hier ein bisschen. Wenn ich diese Melodie und das Cello habe und es in dem Rhythmus spielt, in dem es spielt. Und dann mache ich diese Geigen nur gepunktete halbe Noten. Ich halte nur die Harmonie aufrecht. Es hat eine andere Textur. Es ist keine radikal andere Textur, aber es wäre besser, wenn so etwas wie die Geigen spielen. Arpeggios werden mit den Daten, mit der digitalen, digitalen Identität anfangen . Digitale Identität. Während das Cello geht, bom, bom, bom, bom, bom, bom, bom. Das wird eine ganz andere Textur erzeugen. Das wird helfen, die beiden voneinander zu trennen. Der Vordergrund und Hintergrund. Wenn sie ganz andere Dinge tun, ist das Textur. Und das ist eine Möglichkeit, sie getrennt zu halten. Und es ist wahrscheinlich eine der häufigsten. Es klingt irgendwie abstrakt, aber wir werden in ein paar Stücken sehen, wie die Textur verwendet wird, um den Vordergrund vom Hintergrund überall zu trennen . Also lasst uns das jetzt tatsächlich machen, schauen wir uns etwas Musik an. 18. Beethoven Teil 1: Okay, Beethovens Symphonie Nummer eins gleich am Anfang, oder vielleicht nur ein paar Minuten bis zu diesem Stück. Und es gibt diesen großartigen Moment , der so ziemlich das tut , worüber wir gerade gesprochen haben. Jetzt verwende ich hier aus urheberrechtlichen Gründen einen YouTube-Clip. Schauen wir uns also an, was genau hier vor sich geht. Lass es uns zuerst hören, aber das ist das Segment, an das du dich klammern sollst und jeder nur ein Haar hat, um uns darauf einzulassen. Eine schöne, große Trittfrequenz direkt davor. Wir haben also die Melodie im Bass. Ich kann nicht einmal sagen, ob das eine Basis oder die Untiefe ist. Mal sehen. Oh, es hat sich verdoppelt. Es sind also Basis und Cello in diesem unteren Teil. Also auf 30. Okay, wir haben also die Basis und das Cello mit der Melodie. Und dann haben wir diese sehr relativ einfache Harmonie darüber. Was ist die Sache, die sie trennt, damit unser Ohr den Raum hat, sich an diese Melodie zu klammern. Ist es Reichweite? Ein bisschen? Reichweite ist hier ein Faktor, denn denken Sie daran, dass die Basis eine Oktave niedriger klingen wird , als sie hier geschrieben ist. Da passiert also eine Menge Bässe hier. Wenn es flach und flach ist, hören wir Boom, Bum. Der Rest der Saiten ist ziemlich niedrig. Eigentlich. Ich meine, es gibt nicht annähernd so tief, obwohl es Platz gibt. Es gibt eine ziemlich große Reichweite zwischen den beiden. Aber ich sage auch Textur. Denn sieh dir den Rhythmus , den alle anderen Saiten machen. Nur diese sehr kurzen Viertelnoten, die sich an sich schon ein bisschen von der relativ schnellen Melodie unterscheiden der relativ schnellen Melodie , die der Bass spielt, aber sie ist auch kurz. Im Vergleich zu Doo, Doo, Doo, Doo, Doo, Doo Doo auch, richtig? Die Textur ist also wirklich sehr unterschiedlich. Lass es uns nochmal hören. Ich lasse es noch ein bisschen länger spielen. Wir haben auch einige der Siege und Dinge, die uns helfen werden. Aber das eigentliche Hauptaugenmerk hier, zumindest gleich am Anfang, sind diese ersten Takte die Saiten mit der Melodie in der Basis. Ich denke, es gibt auch einen dynamischen Kontrast, und das, was wir kurz erwähnt haben, hilft dabei, diese zu trennen, den Vordergrund vom Hintergrund. Obwohl es alles mit Pianissimo gekennzeichnet ist, sind alle Saiten mit Pianissimo gekennzeichnet. Das geringe Zeug, die Kältemaschinen und die Basen kommen deutlich mehr nach vorne , nur in Bezug auf das Volumen. Aber ich denke, das größte Ding hier ist eigentlich die Textur. 19. Beethoven Teil 2: Hier ist ein weiteres gutes Beispiel, das sowohl Textur als auch Register ist . Immer noch in Beethovens Symphonie Nummer eins, oder etwa 13 Minuten. Und zu diesem Zeitpunkt weiß ich nicht, ob wir dabei sind, wir sind wahrscheinlich schon im zweiten Satz. Auf diesen YouTube-Videos ist das schwer zu sagen. Aber wenn du hier nachschaust, haben wir das. Dies ist ein gutes Beispiel dafür, dass der Vordergrund nicht unbedingt eine Melodie ist. Das würde ich Textur nennen. Es ist nicht unbedingt eine Melodie, aber es ist wie eine Melodie, und es ist definitiv der Vordergrund in diesem Moment. Dann haben wir Begleitung, oder? Hier gibt es definitiv einen strukturellen Unterschied. Wir haben sehr kurze schnelle Noten im Triplett. Und hier haben wir auch Shorts, aber viel Platz dazwischen, nicht so kurz. Sie sind alle als Pianissimo-Klavier gekennzeichnet. Aber die Reichweite ist wahrscheinlich die größte Sache. Nun, die Textur ist wahrscheinlich die größte Sache, aber die Reichweite ist auch ein großes Problem. Ein großer Abstand dazwischen, selbst wenn es tief abfällt, überquert es darunter, aber nur vorübergehend ist der Großteil davon in Bezug auf die Reichweite ziemlich weit voneinander getrennt. Lass uns das hören. Lassen Sie mich nur ein bisschen zurückgehen, um darauf einzugehen. Okay, los geht's. Richtig? Also auf jeden Fall viel Reichweite, Textur. Nicht unbedingt eine Melodie genau da, oder? Es ist eine sehr glitzernde Sache. Vielleicht nennst du das eine Melodie, vielleicht auch nicht. würde ich wahrscheinlich nicht. Aber das ist cool. Es muss nicht immer eine Melodie sein. Aber normalerweise gibt es etwas im Vordergrund. Es muss nicht immer etwas im Vordergrund geben . Aber normalerweise gibt es das. 20. In Betracht gezogen: Okay, lass uns ein bisschen über den Mittelweg reden . Vieles, worüber wir sprechen, wenn wir den Mittelweg betrachten, nennen wir normalerweise Kontrapunkt - oder Gegenmelodie oder Begleitmelodie oder ähnliches. Um das zu demonstrieren, habe ich unsere kleine Melodie hier etwas vollständiger arrangiert. Also hier ist unsere Melodie, oder? Greensleeves ist also da drin. Aber ich habe hier eine vollständigere Textur hinzugefügt , nur um uns die Vorstellung davon zu vermitteln. Lass es uns hören und dann werden wir es ein bisschen durchsprechen. Los geht's. Okay, ich habe gerade diesen ersten Teil nochmal gemacht. Das erste, was wir tun wollen, ist dies anhand einiger Themen zu untersuchen , über die wir gerade gesprochen haben. Fällt die Melodie ausreichend auf? Ich denke schon. Zunächst einmal wäre es wert, hier darauf hinzuweisen , dass ich mit dieser Art von Arrangement wahrscheinlich kein Stück beginnen würde . Was ich am Anfang des Stücks tun würde , ist wahrscheinlich, diese Melodie in viel einfacheren Worten zu geben , damit wir sie wirklich geben, wir geben dem Publikum direkt die Melodie ohne dass viel los ist. um es herum. Wir wollen es ihnen auf eine schöne, saubere Art und Weise in den Kopf bekommen, damit wir wirklich sicher sind, dass sie die Melodie dann bekommen, wenn sie sie später im Stück hören, oder auch nur zum zweiten Mal. Und es geht um all diese anderen Sachen , wie es hier der Fall ist. Die Melodie wird ihnen immer noch auffallen , weil sie vertraut ist, während die Begleitung nicht vertraut ist. Ich schätze, das könnte man sogar sagen, diese vertraute Vertrautheit, Vertrautheit. Ja, das ist das Wort, nach dem ich suche, ein weiteres Element, das den Hintergrund vom Vordergrund trennen kann . Mittelweg. Ich bin eigentlich nicht auf dem Mittelweg. Wir werden in nur einer Sekunde über Milligramm sprechen. Zunächst sprechen wir darüber, ob wir die Melodie ausreichend getrennt haben , damit die Melodie bereits bekannt ist. Schauen wir uns nun die Reichweite an. Wir haben hier also viel los. Die Reichweite ist ziemlich gut. Wir sind ziemlich nah dran. Aber wegziehen. Konträre Bewegung, ähnliche Bewegung. Und wir denken über Bewegung nach, über die wir normalerweise nachdenken. Ein bisschen Kontrapunkt. Also bleiben wir gut. Füllen Sie mich bis zu einem Drittel auf. Die Reichweite ist also okay. Aber noch wichtiger ist, dass wir hier einen völlig anderen Rhythmus haben. Dies ist eine konsistente Viertelnote. Das wird es also wirklich von der Melodie abheben, die keine konsistente Viertelnote ist. Dann ist das andere Zeug, das ich Hintergrund nennen werde , dieses bisschen, einige Lücken darin. Das wird also definitiv auffallen. Es ist auch viel niedriger. 21. Middleground: Okay, lass uns hier über den eigentlichen Mittelweg sprechen. Was wir uns ansehen, ist diese Gegenmelodie hier in der zweiten Geige. Also lass uns zuerst das einfach spielen. Ich werde alles stummschalten außer Violine 12, okay, also hören wir einfach das Zusammenspiel zwischen Vordergrund und Mittelgrund. Okay. Los geht's. Okay, großartig. Es gibt also ein paar Dinge , von denen ich denke, dass sie daran arbeiten , um es zu einem guten Mittelweg zu machen. Erstens ist es einfach und auf viele verschiedene Arten einfach. Es hat einen einfachen Rhythmus. Es hat ein einfaches Register. Und das ist wichtig, denn Sie werden feststellen, dass das Register nicht die Art des oberen Registers oder die Geige ist, die sehr lyrisch ist, oder das tiefe Register oder die Geige, die etwas dicker und warm ist. Aber es ist genau in diesem mittleren Register. Das ist nicht, fällt aus keinem bestimmten Grund auf. Es ist relativ nah an der ersten Geige, der Hauptmelodie, dem Hauptmaterial im Vordergrund in Bezug auf die Tonhöhe, oder? Wir sind nirgends ein Drittel entfernt, weiter weg, sondern zwischen 6 Dritteln entfernt. Wir sind also ziemlich nah dran. Und das ist wirklich normal für das Schreiben von Saiten, okay, diese Art der Verwicklung der beiden Zeilen zu haben , die die Melodie und die Gegenmelodie sind. Das gefällt mir sehr gut. Ich habe mich wirklich an diesen Sound geklammert, also mache ich es immer gerne. Damit es funktioniert. Wir mussten in der Nähe bleiben. Wir müssen da drin ein bisschen Dissonanz haben. Also ein paar Nicht-Akkord-Töne. Aber wir wollen nicht zu nah dran sein und oder zwei Dissonanten, oder? Sonst klingt es wie MC. Was ich hier mit der Gegenmelodie mache , ist eigentlich nur eine Art, die Akkorde zu umreißen. Dies ist ein e-moll-Akkord, E, D, C. Also ist dieses E offensichtlich im Akkord. Wir könnten argumentieren, dass D vielleicht in der Schnur ist , wenn wir es wie einen kleinen siebten Akkord behandeln wollen . Das C ist ein Nicht-Akkordton. Hier unten. Dickerer Akkord ist G, G-Dur. Also haben wir b, d, sind beide in der Schnur. Und dann wiederum ist das C der Nicht-Akkordton. Dagegen macht es einen schönen knusprigen Sound. Sei ein netter Siebter dort. Sie können also sehen, dass ich eigentlich nur Akkorde mit ein paar verbindenden Knoten umreiße , nur um sie auszufüllen und sie glatt , rhythmisch, rhythmisch, glatt zu machen . Und mache dieses sanfte rhythmische Gefühl. Das ist also sehr idiomatisch für die Saiten, diese Art von Kontrapunkt. Lass uns aus Neugier zuhören. Hören wir uns gemeinsam Hintergrund und Mittelweg an. Ich denke das könnte interessant sein. Also werde ich den Vordergrund stummschalten. Okay, wir werden hier also nicht die erste Geige hören. Hören Sie sich also an , wie die gewalttätigen Zwei und die Viola und das Cello zusammenarbeiten. Okay, los geht's. Es ist ein netter Einvernehmen , aus dem Weg zu gehen wie sie, sie treten sich nicht zu sehr auf die Zehen. Es gibt aber auch Zusammenarbeiten. Es ist fast so, als würde man mit einem dritten Bein laufen. Irgendwie fanden sie den Weg, zusammen mit dem dritten Bein zu gehen , als seltsame Analogie heraus. Lass uns noch einmal hören. Und wieder, was ich hier mit der Bratsche und dem Cello mache , ist, nur die Akkorde zu skizzieren , ohne dass in diesen Teilen wirklich keine Nicht-Akkord-Töne vorhanden sind. Und wenn Sie Viola und Cello nicht bemerkt haben, oder nur eine Oktaven voneinander. Diese Oktave wird sie wirklich dazu bringen , voranzukommen. Das wird ein ziemlich starkes Geräusch machen. Da sie jedoch deutlich niedriger ist, bleibt sie von der zweiten Geige und insbesondere von der ersten Geige getrennt . Und es ist auch eine andere Artikulation. Es ist ein anderer Rhythmus. Es bleibt also ziemlich aus dem Weg. Was ich hier in der Basis gemacht habe, ist, sie nur zu benutzen um zu betonen, was die Bratsche und das Cello tun. Es ist, es ist sicher immer noch Teil der Begleitung. Okay. Schauen wir uns also an, wie manches, wie ein Teil davon in einem größeren Stück aussieht. Und wir werden wahrscheinlich gleich zu Beethoven zurückkehren , weil es in den Beethoven-Symphonien einfach so viel zur Auswahl gibt. 22. Beethoven Beispiel: Mittelgrund: Okay, zurück zu Beethovens Symphonie Nummer eins. Wir sind in etwa 5,5 Minuten. Und es gibt diesen perfekten Moment, diese coole Sache macht und es ist einfach eine lustige Sache , über die ich tatsächlich nachgedacht habe, in dem Greensleeves-Arrangement, das ich gerade gemacht habe, sind diese paar Bars. . Aber ich habe beschlossen, es nicht zu tun. Aber hier macht Beethoven das. Es ist also eine großartige Möglichkeit, eine andere Technik für diese Mittelweg-Idee zu zeigen . Also was ich mir ansehe ist das genau hier. Okay, hören wir es uns zuerst an. Ich scrolle ein bisschen zurück. Los geht's. Und dann weise ich darauf hin, wenn wir da sind. Okay. Also lass mich uns dorthin zurückbringen, okay, also sieh es dir an. Also haben wir genau die, die Fäden laufen hier. Violine eins, Violine, Viola und Cello und Bass hier unten kombiniert. Okay, also Geige eins steht eindeutig im Vordergrund, oder? Das ist so, als ob die Idee der Melodie hier Geige eins ist, Datei in den Mittelweg. Es gibt eine Begleitsache zu Geige eins, und darauf kommen wir in nur einer Sekunde zurück. Bratsche und Cello, Bass. Begleitung, richtig? Hintergrund, bum, bum, bum, bum, bum, bum, bum, bum. Nur eine Interpunktion. Also lass uns wieder hier hochgehen. Was wir hier haben, sind Daten, Daten, Daten, die, richtig, das sind die ersten. Dieses Symbol bedeutet übrigens, wenn Sie es noch nie gesehen haben, wenn Sie es noch nie gesehen haben, im Grunde Achtelnoten. Es ist wie eine Kurzschrift-Sache. Also so bedeutet das 16. Noten. Das sind also Schulden, Schulden, Schulden, Schulden und dann mehr Achtelnoten, Punkt, Punkt, Punkt, Punktdatendaten, Daten, Daten, Daten, Daten, Daten, Daten, Daten, Daten, Daten, Datendaten. Das sind also alles Achtelnoten. Es gibt also eine ziemlich aktive kleine Melodie, die wir hören. Wir haben keine sehr aktive Melodie, die wir darunter hören, oder? Boom Papa, Papa-Daten. Richtig? Es ist sehr ähnlich. In der Tat ist es dasselbe, aber eine Oktave tiefer und eine späte. Es ist also eine Art kleine Kanone, oder? Es ist wie eine Kanone ist wie rudern, rudern, rudern, rudern, rudern. Und dann überschneiden sie sich. Es ist irgendwie so. C, B-Dur, Es-Dur, G, F, E-Flach , B-Flach. Wir springen eine Oktave, B-Dur, E-Dur, G, F, E flach. Es sind dieselben Töne, aber um einen Takt verzögert und eine Oktave tiefer. Das ist cool. Das macht es zu einem wirklich coolen kleinen Kontrapunkt. Ich liebe es. Das wird also nicht wirklich herausspringen, als würde man die Melodie übernehmen. Wir werden es nicht hören. Es übernimmt die Melodie. Es ist eine Oktave tiefer. Und obwohl es das gleiche Material ist aber eine Oktave tiefer, ist es ein Takt zu spät. Wenn wir es hören, spielt die Melodie also etwas Neues, oder? Es spielt das jetzt. Also wird unser Ohr an diesem oberen Teil festhalten. Es ist viel höher und es steht im Mittelpunkt. Es begann als zentrales Thema und es wird auch so bleiben. Wir riskieren also nicht wirklich, dem im Weg zu stehen. Ich würde sagen, das Wichtigste hier ist die Reichweite, weil wir so viel niedriger sind als sie. Aber es ist ein echt cooler Trick. Es ist wie eine Kanonen-Idee. Nimm es einfach, verzögere es um einen Takt und lass es eine Oktave runter fallen. Manchmal kann man sogar davonkommen , ohne es unter den richtigen Umständen um eine Oktave fallen zu lassen. Sie können das also immer versuchen, um einen wirklich schnellen Kontrapunkt zu erzielen. Mach einfach eine kleine Kanone. Und jetzt denke ich darüber nach. Mal sehen, ob es funktioniert hätte. Lass uns zurück gehen. Also hier ist was ich meine. Wenn ich unsere Melodie nehme und hier hingehe, da. Also habe ich einfach unsere Melodie eingefügt, aber eine Oktave später, oder sorry, einen Takt später. Okay, also fängt es hier an und kommt da rein. Dadurch entsteht eine nette kleine Gegenmelodie. Lass es uns hören. Ich habe mein erstes Violinsolo, es ist immer noch, los geht's. Lass es uns noch einmal versuchen. Okay, funktioniert nicht so gut, beeinträchtigt irgendwie unsere Harmonie. Wir könnten es um eine Oktave herunterfahren. Das könnte helfen. Versuchen wir es eine Oktave runter. Es wird immer noch unsere Harmonie durcheinander bringen, aber versuchen wir es. Es ist nicht schlecht. Wir könnten ein paar Notizen anpassen , damit es funktioniert. Es ist eine großartige Technik, um wirklich schnell einen wirklich soliden Mittelweg zu schaffen . 23. Textur und Rhythmus: Okay, lass uns weiter ein bisschen mehr über das Schreiben im Hintergrund sprechen . Die Sache mit dem Hintergrund ist, dass es wirklich darum geht, sich auf eine Textur zu konzentrieren, was ich eine Textur nennen würde. Also lass uns das ein bisschen definieren. Stellen Sie sich eine Textur wie eine Klangdecke vor. Aber es gibt eine Million verschiedene Möglichkeiten, dies zu tun. Du willst etwas, das die Begleitung ist, oder? Es ist etwas, das bedeckt wird wie eine Decke. Der Freiraum, nicht der gesamte Freiraum, aber ein Teil des Freiraums. Um die Szene zu erstellen, wenn Sie so wollen. Wenn wir mit dieser Idee fortfahren, denken wir darüber nach. Abspielen. Die Textur oder die Begleitung ist in diesem Fall wie die Versatzstücke auf der Bühne, oder? Es sind nicht die Schauspieler. Es ist das Set. Das ist die Textur. Das war eine einigermaßen gute Analogie. Weißt du, einige meiner Analogien sind ziemlich seltsam. Wissen Sie sowieso, was ich für ziemlich solide halte. Sie können also eine Million verschiedener Dinge tun , um eine Textur zu kreieren, die gut klingt, besonders mit den Saiten. Die Saiten sind sehr geschickt darin, diese Art von Texturen oder Hintergrund- oder Begleitideen herzustellen diese Art von Texturen oder Hintergrund- . Alle drei Wörter im Moment bedeuten irgendwie dasselbe. Also denke ich, ich wollte einige für unsere Begleitung zu unserer Melodie sind Greensleeves-Melodie schreiben . Aber dann dachte ich, es gibt einfach so viele Millionen verschiedener Dinge, die ich schreiben könnte. Lass uns das nicht tun. Und stattdessen bleiben wir bei Beethoven und schauen uns ein paar Stellen an , an denen er eine Begleitung schreibt. Das funktioniert echt gut. Also ist es irgendwie zufällig hier reingesprungen und ich bin bei neun Minuten und 42. Wir haben diesen schönen kleinen Moment. Wir haben diese Melodie und die ersten Violinen und einen Ollie, andere Saiten. Wir haben diese Daten, Daten, die eine kleine, nur rhythmische Sache sind. Es ist nicht riesig, es ist nicht dick. Aber es ist nur eine nette kleine rhythmische Bewegung, die die Textur auffüllt. Lass es uns hören. Lass mich nur ein bisschen zurückspringen , um uns darauf einzulassen. Das stimmt. Sehr, sehr subtil. Die Dinge müssen nicht dick sein, sie müssen nicht groß sein. Sie können so sehr subtil sein. Aber in diesem Fall denken Sie vielleicht bei sich selbst, naja , was ist der Mittelweg hier haben wir eine Melodie und dann alles Hintergrund. In diesem speziellen Fall genau hier. Ja, ich würde sagen, dass genau das passiert. Wir haben eine Vordergrundmelodie und wir haben einen Hintergrund. Hier gibt es keinen Mittelweg. Das ist okay. Es muss nicht immer alle drei geben. Und wenn es einen Fall gibt, in dem Sie keinen haben, ist der Mittelweg am häufigsten. Wenn Sie also über diese Hintergrundidee nachdenken, möchte ich, dass Sie immer Ihren Kopfrhythmus haben . Denke über Rhythmus nach. Viele Leute, wenn sie gerade erst mit dieser Idee anfangen, vor allem, wenn man sich auf das Komponieren konzentriert. Vieles von dem, was Sie tun könnten, ist, ganze Noten auf die Akkorde zu setzen , oder? Und konzentriere dich auf die Harmonie. Und das ist eine Option. Das ist sicherlich eine Option. Aber lass dein Denken hier nicht aufhören. Versuche darüber nachzudenken, einen Rhythmus hinzuzufügen, oder? Das ist der Punkt, an dem wir beginnen, diesen saitenartigen Klang wirklich zu bekommen, diesen Begleitklang, indem wir etwas rhythmisches tun und gleichzeitig zur Harmonie beitragen. Das wird dir sagen, welche Notizen du verwenden musst, egal welche Harmonie du dort hast. Denken Sie jedoch daran, dass Rhythmus eine wichtige Sache ist , um einen lebendigen Hintergrund zu schaffen. Schauen wir uns ein paar andere Beethoven-Beispiele an. 24. Rhythmische Variation: Okay, also hier ist, ich finde ein gutes Beispiel für die Sache, über die wir gerade gesprochen haben. Sie möchten, im Grunde werden Sie ganze Noten verwenden, aber Sie möchten dem nur einen Rhythmus hinzufügen. Hier sind wir also bei dem, was in dieser Aufnahme ungefähr 21 Minuten in ist. Und sieh dir an, was genau hier vor sich geht. Wir haben diese Melodie wieder in den ersten Violinen. Nur diese Viertelnote spielen und runter. Denken Sie daran, dass dies ein wirklich holländisches Tempo ist. Also das ist Punkt, Punkt, Punkt, Punkt, Punkt. Bei diesen Viertelnoten gehen wir ziemlich schnell vor. Jetzt haben wir nur noch die Akkorde, oder? Aber denken Sie daran, um Dinge auf den Knoten zu kennzeichnen, das heißt 16. Noten. Ich denke, sie können das , weil sie schnell sind. Aber alles was sie tun, ist den Knoten, die das Spielfeld halten, einen Rhythmus hinzuzufügen . Der Rhythmus, den Sie verwenden, kann buchstäblich alles sein. Es muss kein gerader Rhythmus wie dieser sein. Gerade bedeutet durchgehend konsistent. Gerade Sechzehntelnoten sind gerade Achtelnoten oder was auch immer. Das ist es, was das zufällig ist. Sie können es jedoch in Pausen mit unterschiedlichen rhythmischen Werten variieren . Dies ist nur ein wirklich gerader , der die Harmonie zeigt mit der ein komplizierterer Rhythmus gespielt wird. Also lasst uns ein bisschen zurückspringen. Und lass es uns hören, richtig. Ziemlich cool. Hören wir es uns noch einmal an, nur weil es schnell vorbeizieht. Also halten nur diese Schnüre effektiv nur die Akkorde für den gesamten Takt, in diesem Fall zwei Takte. Aber denken, denken, denken, um auf diese Notizen zu kommen, um ihr etwas mehr Leben zu geben, schaffen Sie eine bessere und bessere aber eine andere Art von Textur für den Hintergrund. 25. More: Okay, nur als Beispiel für ein etwas komplizierteres. Hier haben wir, wir sind zurück um neun Minuten, 9,5 Minuten. Ich springe zurück zum vorherigen. Wenn ich nicht gesagt hätte, dass es fast zum Ende war , ungefähr 23 Minuten. Hintergrund 9,5 Minuten. Schauen wir uns gleich hier an, was los ist. Wir haben also, wie ich sie nennen werde , Melodie, die ersten Geigen. Also Vordergrund, Hintergrund, sorry, Mittelweg und die zweiten Violinen. Also eine Harmonie. Also am Ende der gleiche Rhythmus durch Pfeffer. Also leichte Variation des Rhythmus, aber deutlich niedriger im Register auf der Geige, und auch eine Harmonie hinzufügen. Also nenne ich das Mittelweg und Hintergrund. Wir haben wirklich diese sehr subtile Sache hier vor sich. Wir könnten die Bratsche als Teil des Hintergrunds als Teil des Mittelgrunds bezeichnen . Weil es wirklich nur ein paar Noten in der Mitte ergänzt. Und dann das Cello im Hintergrund. Und Cello ist hier vermerkt, dass VCL, das Cello sagt, das impliziert, ich glaube in diesem Fall, dass die Basis draußen sitzt. Wir haben die Basis, die hier wieder rein kommt. Das ist also nur das Cello. Wir hören also viel Mittelweg. Und dann ist der Hintergrund ein sehr subtiler Cello-Moment. Okay, also lass es uns hören. Geh nur ein bisschen zurück. Los geht's. Okay, also haben wir genau hier aufgehört. Das Cello ist ziemlich leise, daher ist es schwer zu hören, aber Sie können sehen, dass es nur ein kleines bisschen ist. Es ist fast wie das erste, das ich für die Greensleeves geschrieben habe . Es ist nur für Notizen gedacht, die die Schnur umreißen. Es ist wirklich sehr einfach. Es gibt also eine Menge, die wir jetzt tun können. Ich möchte mehr mit Textur darauf eingehen mehr mit Textur darauf eingehen , indem ich mich auf drei Prinzipien konzentriere , mit denen wir viel arbeiten. Das wären homophone, polyphone und monophone Texturen. Also haben wir mit all diesen Beispielen darum getanzt , aber ich wollte sie irgendwie einfach so vorstellen. Und jetzt wollen wir näher darauf eingehen und über diese verschiedenen Arten von Texturen sprechen diese verschiedenen Arten von und darüber, wie wir mit ihnen arbeiten können. Mit den Fäden. Auf geht's. 26. Homophonic Schreiben: Okay, als nächstes werden wir über drei strukturelle Dinge sprechen . Also zuerst ist das homophone Schreiben und dann das polyphone Schreiben und das monophone Schreiben. Also homophones Schreiben, das ist ein Begriff, den wir verwenden, ich denke immer darüber nach, wenn wir uns wirklich auf die Vertikale konzentrieren, oder? Ich mache mir also keine Sorgen um diese Rhythmen und mache wirklich coole Begleitrhythmen. können wir machen. Aber worauf ich mich beim homophonen Schreiben wirklich konzentrieren möchte, ist die Art und Weise, wie der Akkord geäußert wird. Darüber möchte ich hier mehr als alles andere nachdenken . Der Begriff homophones Schreiben bedeutet also wirklich, dass es eine Stimme gibt und alles diese Stimme unterstützt. Normalerweise ist das also der Fall, wenn wir eine Melodie haben und dann nur noch Strings, die diese Melodie unterstützen, oder? Was wir hier auf dem Bildschirm haben , ist wirklich eine homophone Textur. Es gibt eine Melodie und dann unterstützt alles nur mit Harmonie. Was wir hier also tun wollen, ist über diese Akkorde nachzudenken , die wir hier dargelegt haben , und wie wir sie am interessantesten machen können, okay? Die Art und Weise, wie wir sie hier haben, ist in Ordnung, aber wir können sie verbessern. Okay? Lassen Sie uns also ein bisschen mehr über Notenabstand und Voicing sprechen . Und um das zu tun, werden wir zurückfahren und ganz kurz über die Obertonserie sprechen. 27. Anmerkung Abstand: Okay, denk daran, dass du tun kannst, was du willst, wenn du Noten abteilst . Was ich dir jetzt sagen werde, ist etwas, das charakteristischerweise wirklich gut klingt, besonders bei Streichern. Dies ist eine Technik , die Menschen seit 100 Jahren, Hunderten von Jahren, vielleicht zweihundert, dreihundert Jahren anwenden Hunderten von Jahren, vielleicht zweihundert, . 400? Ja. Zu diesem Zeitpunkt, ja, 400 vielleicht in fünf. Um wirklich einen großen, vollen Sound zu erzeugen. Das ist vielleicht nicht das, was du willst. Aber wenn es das ist, was du willst, so machst du es. Es gibt tatsächlich einen ziemlich einfachen kleinen Trick. Schauen wir uns die Obertonserie an. Wenn Sie sich an die Obertonreihe erinnern, wenn Sie meinen Theorieunterricht besucht haben, wissen Sie das vielleicht. Wenn du ein bisschen Sounddesign mitnimmst, weißt du das vielleicht. Im Grunde sagt uns die Obertonserie alle Klänge innerhalb des Klangs, die wir hören. Wenn wir also so etwas spielen, wie wenn wir eine Note spielen , besteht diese Notiz aus einer ganzen Reihe anderer Noten, die zusammenkommen, um die Note zu bilden, die wir zu machen versuchen. Und die Art und Weise, wie die Obertöne strukturiert sind , gibt uns tatsächlich Holz. Aber darüber machen wir uns momentan keine Sorgen. Worüber wir uns Sorgen machen, nun, wir machen uns um nichts Sorgen, aber worüber wir sprechen, ist, dass die Obertonserie ein definiertes Muster hat. Es funktioniert immer genauso. Du nimmst deine erste Notiz, dass du anfängst. In diesem Fall heißt es C. Okay? Und es, du legst das einfach hin , wo auch immer, egal welche Note du spielst. Nehmen wir an, du spielst das wirklich, sehr leise. Sehen Sie, die Noten, die sich in diesem Knoten befinden, aus dem es besteht, sind zuerst eine Oktave höher als C, und dann wird es ein Fünftel darüber sein, und dann eine weitere Oktave, und dann eine dritte, und dann noch ein Drittel. Und dann seltsamerweise eine flache Sieben und dann noch eine Oktave. Und dann fängt es an , nach der Skala zu gehen. Also C, D, E, F, das heißt, es ist F, das ist ein bisschen scharf. G, eine Wohnung. Wir fangen an, einige chromatische Noten zu bekommen und dann werden wir im Wesentlichen chromatisch. Okay? Das musst du dir jetzt nicht merken. Folgendes ist wichtig daran. Beachten Sie den Abstand zwischen den Knoten. Es beginnt mit großen Räumen, Oktaven, Oktaven. es steigt, werden diese Räume immer kleiner bis wir nur noch chromatisch wachsen. Also das ist einfach irgendwie, das ist nur Physik. So funktioniert der Sound. Jeder Sound, bei dem ein gepitchter Sound funktioniert, ist nur der Grund, wird große Zwischenräume haben. Und je höher du gehst, wird es kleinere Räume haben. Okay? Es ist so. Große Räume, man geht hoch und sie werden immer kleiner und kleiner. Wir können das mit der Art widerspiegeln, wie wir eine Schnur schreiben. Okay? Das wird sich gut anhören. Vielleicht wegen der Obertonserie, vielleicht weil es nur Tradition ist. Ich weiß nicht, aber es ist was wir machen und es klingt gut. Lassen Sie mich die ersten paar Akkorde damit umschreiben , und dann komme ich zurück und zeige Ihnen, wie es klingt. 28. BEISPIEL: Okay, hören wir uns an und dann sage ich dir, was ich getan habe. Also habe ich den ersten Teil so gelassen, wie er ist, man kann einfach die normale Stimme hören, die wir hatten. Und dann gibt es noch ein paar Takte der Leere. Und dann, wenn die Melodie das zweite Mal zurückkommt, hast du meine richtigere Stimme für diese Gerichte. Also lass es uns von oben hören. Okay, lass mich die erste Geige rausholen. Also hören wir nur unsere Akkorde. Ich möchte es auch verlangsamen, damit wir uns wirklich darauf setzen und einfach spüren können wirklich darauf setzen und , wie die Noten gestapelt sind. Lass uns wirklich kurz gehen. Okay? Okay, lass uns das versuchen. Also keine Geige und niedriger. Okay, ich habe hier ein paar Dinge getan , die es wert sind, darauf hinzuweisen. Das erste, worauf ich hinweisen möchte, ist, dass es etwas zu widersprechen scheint , über das wir bereits gesprochen haben. Das heißt, ich lasse die Harmonie ziemlich hoch steigen und tatsächlich deutlich über die Melodie hier oben hinaus. Der Grund, warum ich das getan habe, ist, dass ich denke, dass es eine Linie erzeugt , die sich auf eine Weise über die Melodie wölbt die sich auf eine Weise über die Melodie , die nicht zu sehr davon ablenkt. Wir haben genau die, wir haben, wir haben keinen komplizierten Rhythmus. Wir haben nur diese gehaltenen Notizen in meinem Ohr. Es lenkt nicht zu sehr von der Melodie ab. Du kannst immer noch ihr Ohr auf die Melodie behalten. Lassen Sie mich die Melodie tatsächlich wieder einsetzen. Und hören wir es uns noch einmal in diesem langsameren Tempo an. Und du kannst sehen, ob du mir zustimmst. Und es ist wirklich schwierig, sich in diesem langsamen Tempo an diese Melodie zu halten. Aber ich denke schon. Ich denke, besonders wenn man genau hier ist, wo es wirklich passiert, kann man fühlen, wie diese Notizen passieren, also fühle ich mich ziemlich gut dabei. Okay. Ich möchte auf ein paar andere Dinge hinweisen. Sie haben vielleicht bemerkt , dass das div hier ist, also denke ich, dass ich das schon früher erwähnt habe, aber es bedeutet DVC. Das heißt, ich werde diesen Abschnitt in diesem Fall in zwei Teile teilen . So gewalttätig zwei. Sie werden sich in zwei Hälften teilen. Und Bratschen werden sie in zwei Hälften teilen. Das bedeutet also, dass Sie zwei Knoten für sie schreiben können. Das ist kein doppelter Stopp. Das bedeutet, dass die Hälfte der Sektion die Kopfnote und die Hälfte dieses Abschnitts die untere Note spielt. Sie verwenden die Buchstaben DIV nur , um ihnen mitzuteilen, dass es sich um eine DVC handelt. Ich wollte nur dicker werden, ich wollte mehr Noten, also macht man das so. Okay, schauen wir uns jetzt an, wie die Noten gestapelt sind. Sie werden sehen, dass alle diese Akkorde einem sehr ähnlichen Muster folgen. Sie sind nicht alle exakt gleich. Weil ich einiges davon geändert habe , um eine gute Sprachführung zu ermöglichen, aber sie sind ziemlich nah dran. Im Kontrabass haben wir also wirklich nur die Wurzel. Nichts ausgefallenes. Große tiefe Note. Dass wir im Cello dasselbe haben und eine Oktave höher haben. Denken Sie also an die Obertonreihe, wo wir die Note haben und dann der nächste Knoten eine Oktave ist. Da gibt es eine große Lücke. Das versuche ich also durchzuhalten, das wird diesen wirklich dicken, warmen Klang erzeugen. Dann kommen die Noten ein bisschen näher. Genau hier siehst du, dass ich Quarten und Fünftel habe. Und meine Bratsche, wirklich nur Viertel und Fünftel, oder beide Akkordtöne. Also hier haben wir, das ist ein e-Moll-Akkord, also lasst uns ihn einfach durchdenken. Wir haben ein E, wir haben ein E, wir haben ein B und ein weiteres E. Also, genau wie in der Obertonserie, habe ich eine Oktave und eine Fünftel und dann eine weitere Oktave. So läuft die Obertonserie. Dann habe ich von dort aus ein G und ein B. Also nur die oberen beiden Töne des Akkords. Und die hier, ich habe Drittel, Drittel, Drittel, 66, Sechste, Fünfte, Dritte wieder, also ein bisschen enger damit, mit diesem Drittel und invertiere das sechste, aber im Grunde ein Drittel. wir also höher werden, lasse ich diese Harmonien zusammen ein bisschen enger werden. Und Sie werden dieses Muster durch einige davon sehen, das Muster ändert sich nur, weil ich wollte, dass es sich etwas höher wölbt. Also hier habe ich gelassen, ich habe die beiden Töne irgendwie umgekehrt um die höhere Note und dasselbe zu erhalten und die Bratsche, aber es ist im Grunde das gleiche Muster. Okay? Und all das brauche ich dort nicht. Und das alles macht uns zu einem wirklich schönen, satten, warmen Klang. Lass es uns noch einmal hören. Macht Sinn. Wenn Sie also darüber nachdenken einfach nur solche vertikalen Akkorde zu schreiben. Und das gilt unabhängig davon, ob Sie an einer homophonen Struktur oder Textur arbeiten , wie wir es jetzt tun. Oder wenn du generell nur Akkorde schreibst, kannst du immer so denken. Wenn Sie einen solchen großen, warmen Sound wollen, machen Sie das so. 29. Polyphones Schreiben: Okay, als nächstes tauchen wir in das polyphone String-Schreiben ein. Und hier macht es richtig Spaß, besonders in den Saiten. Genau wie viele andere Sachen, die gemacht werden können , und einige der anderen Instrumente, aber die Saiten sind einfach wirklich dafür gebaut. Du kannst mit dem in den Saiten einfach verrückt werden und es wird wirklich gut klingen. Nun, lass mich das anders formulieren. Es ist ziemlich einfach, das in den Saiten gut klingen zu lassen. Bei einigen der anderen Instrumente, den Winden in Nebraska, bedarf es ziemlich viel Nachdenken, um wirklich gut zu funktionieren. Aber in der Saite ist das einfach eine wirklich tolle Zeit. Was ist polyphones Schreiben? Wenn Sie, selbst wenn Sie meinen Theorieunterricht genommen haben, wissen Sie, polyphones Schreiben, ist das im Grunde genommen ein Kontrapunkt. Definieren wir also diese drei Wörter. Wir haben Homophon, Polyphon, und irgendwann danach werden wir monophon werden. Also hier ist was wir mit diesen drei Wörtern meinen. Homophon bedeutet, dass es eine einzige Melodie gibt und dann das andere Material diese Melodie unterstützt. Es gibt also eine Sache und wir unterstützen sie bei allem anderen. Polyphon bedeutet, dass es mehrere Dinge gibt. Es bedeutet wirklich, dass es mehrere melodische Ideen gibt. Jetzt könnte einer im Vordergrund stehen, oder? Und einer könnte der Mittelweg sein. Und wir werden vielleicht den Hintergrund sehen. Es könnte noch mehr als das drin sein. Es können fünf oder sechs verschiedene Linien sich darin bewegen. Wenn man sich Bach anschaut, war er dafür wirklich bekannt. Oder es gibt nur zwei Linien, die hin und her gehen. Aber normalerweise gibt es einen Vordergrund und dann einen Mittelgrund. Und dann könnten sie Teil des Hintergrunds sein. Fantastisch. Das ist also polyphones Schreiben. Dann bedeutet monophones Schreiben wirklich , dass es eine einzige Melodielinie gibt. Ich betrachte monophones Schreiben manchmal als einen einzigen Rhythmus. Es stimmt nicht ganz, aber es funktioniert sehr gut. Es bedeutet also, dass es eine Melodie gibt. Und dann bewegt sich alles andere, was wir tun , im gleichen Rhythmus der Melodie. Wir könnten andere Notizen haben. 30. Greensleeves Polyphonic: Okay, was ich hier gemacht habe ist, dass ich dem nächsten Abschnitt der Melodie Akkorde hinzugefügt habe, den gleichen Stil wie die, die wir zuvor für den homophonen Abschnitt gemacht haben, oder? Es wird also der Abstand der Akkorde mit den großen Intervallen unten und den kleineren Intervallen oben rechts beobachtet den großen Intervallen . Also lass mich das zuerst für dich spielen. Und dann fangen wir an, hier etwas Polyphonie zu schaffen. Folgendes haben wir, und es ist immer noch in diesem langsamen Tempo, aber ich denke, es wird nützlich sein, wenn wir Polyphonie hinzufügen. Also los geht's. Okay, und deshalb habe ich aufgehört. Jetzt, wo wir das haben, werden wir anfangen, Connect the Dots zu spielen. Damit meine ich, dass wir Orte finden werden, an denen es eine große Pause gibt, wie hier. Dieses D. Und wir werden ein paar Notizen dazwischen füllen , die Punkte verbinden. So werde ich hier Polyphonie schaffen. Du könntest einfach nicht in die Akkorde schreiben, sondern einfach anfangen, Polyphonie zu schreiben und einfach anfangen, alle möglichen zusätzlichen Zeilen zu lesen. Und vielleicht hast du am Ende etwas Interessantes. Aber ich möchte Sie ermutigen, das nicht zu tun. Es ist viel einfacher, zuerst in der Harmonie zu schreiben. Und dann fange an, Dinge miteinander zu verbinden und kleine Lücken zu finden, die du füllen kannst. So lässt man etwas richtig gut und wirklich natürlich klingen . String, wie schreibe, schreibe zuerst die Harmonie aus und spiele dann verbinde die Punkte. Also lass uns eintauchen und „Verbinde die Punkte“ spielen. 31. Die Punkte verbinden: Okay, fangen wir mit diesen Cello-Zeilen an. Wir haben ein G bis D. Ich könnte das mit Viertelnoten machen, aber ich brauche mehr Viertelnoten und ich habe, wenn ich die Tonleiter noch höher gehe, die ich habe. Also werde ich Achtelnoten verwenden. Ich muss hier ein bisschen schummeln. Ups. Fang hier an. Und wieder, der Grund, warum ich dieses Intervall oder diesen Punkt wähle, weil ich ein großes Intervall sehe , das ich die Lücken dazwischen schließen kann. Okay, also habe ich ein G. Also gehe ich einfach die Waage hoch. Was ich jetzt wirklich tun möchte, ist dieses G mit diesem D zu verbinden . Ich bin schon auf dem D und brauche noch eine Notiz. Also werde ich einfach schummeln und zu diesem E hochgehen und dann wieder runter zum d. Es gibt ein paar verschiedene Möglichkeiten, das zu tun. Ich könnte OneNote auch niedrig starten oder mit der Note beginnen und dann tief gehen und dann wieder hoch gehen. Aber das wird funktionieren. Was ich hier mache, ist, dass ich gerade auf die Skala komme und es sollte funktionieren. Es sollte ziemlich gut klingen. In den meisten Fällen klingt das perfekt. Sie halten sich einfach an die Tonleiter und erzeugen einige Nicht-Akkord-Töne. Du wirst eine gewisse Dissonanz erzeugen, aber mehr oder weniger wird es gut sein. diesem speziellen Fall, den ich gerade geschrieben habe, gibt es ein Problem, auf das Sie achten müssen. Weil ich in diesem Fall eigentlich nicht einfach in der Tonleiter schreiben kann , weil ich in einer Molltonart bin, oder? Wenn Sie in einer Dur-Tonart sind, müssen Sie sich darüber keine Sorgen machen, aber in einer Molltonart muss ich mir Sorgen um diesen aber in einer Molltonart führenden Ton machen, besonders wenn die Melodie ihn verwendet. Und es kommt einfach so vor , dass das, was ich gerade geschrieben habe, genau im Moment widerspricht. Nimm es in der Melodie raus. Das C wird genau dort zum Cis angehoben, genau am Ende von zwei. Und die Notizen, die ich gerade am Ende von zwei hinzugefügt habe, habe ich als c geschrieben. Also muss ich eines von zwei Dingen tun. Entweder muss ich meine kleine Verbindungslinie neu schreiben , um dort kein C zu treffen. Oder ich muss daraus ein C-Sharp machen . Ich denke, es zu einem C-Sharp zu machen, klingt gut. Ich denke das wird funktionieren. Lass es uns versuchen. Ich werde das Cello hier wirklich aufdrehen , damit es auffällt und wir das ziemlich gut hören. Also los geht's. Okay, ziemlich gut. Suchen wir uns einen anderen Ort. Hier bis hier wäre ein guter Ort. Aber ich denke, das wird etwas zu schwerfällig sein , um diese große Linie in Oktaven bewegen zu lassen. Ich glaube nicht, dass wir das wirklich wollen. Mal sehen, ob es noch eine offensichtliche gibt. Wäre einer. Es wird einen hier geben. Nicht so sehr, weil es nur ein Schritt ist. Definitiv nicht hier , weil es dasselbe ist. Obwohl man irgendwie auf und ab gehen und dann an derselben Stelle landen könnte . Hier. Mal sehen, ob wir bei der Gewalt etwas bewirken können. Wie wär's, lass uns mit diesem gehen. Also lass uns das ändern. Und mal sehen, ob ich F, G gehen kann. Ich schätze nur hier, weil diese auf denselben zwei Knoten sind, oder? Aber in ihnen steckt Bewegung , weil es eine Harmonie ist, oder? Es könnte eins zum anderen hochgehen lassen. Ich könnte sie beide ein bisschen bewegen lassen. Aber was ich denke, was ich tun möchte, ich liebe diese fünfte nicht, bewege mich einfach, also werde ich dieses Intervall auf ein Sechstel öffnen. Ich gehe da hin. Okay, du siehst also, dass dieser um Drittel steigt. Die obere Linie steigt um ein Drittel die unterste Linie steigt um Sekunden. Okay, was ich hier hinzugefügt habe, ist ein D, F, a, also eine Art d-Moll-Triade zu buchstabieren. Aber dann landet es, geht irgendwie rauf und dann runter und landet dann auf diesem G, was das Tonikum des nächsten Akkords ist. Und dann ging unsere tiefere Stimme einfach auf die Skala G a, B hoch und dann ein kleiner Sprung zu einem D. Okay, ich denke, die klingen gut. Jetzt dreh ich die Viola auf. Wir haben unser Cello ein bisschen runtergezogen. Und mal sehen, ob wir das hören können. Es ist ein bisschen komisch. Diese Notiz. Ich höre es wieder. Es ist ein bisschen anders, aber ich mag es. Eigentlich. Darin funktioniert alles. Es erzeugt nur Bewegung. Das ist alles, was wir hier wirklich tun. Also, ich meine, technisch gesehen erstellen wir eine ganze Reihe neuer Akkorde und das sind verschiedene Akkorde oder die Harmonie hat sich geändert, aber alles ist vorbei. Es kann also gut funktionieren. Okay, lass uns weitermachen und sehen, ob wir noch mehr finden können. 32. Ein wenig Nüsse: Okay. Also habe ich genommen, wo wir gemacht haben, und ich habe es einfach gemacht. Zwei Arten von extremen Levels wurden ein bisschen verrückt damit. Also denke ich, wir hatten diese beiden und jetzt habe ich diese hinzugefügt und dann nur Achtelnoten bis zum Ende, einfach runter, runter und rauf und dann irgendwie nirgendwohin und dann runter. Ein paar Dinge, um darauf hinzuweisen, dass ich hier getan habe. Sie werden feststellen, dass beide, wenn Sie DVC haben, wirklich unabhängig sein können. Sie müssen nicht zusammenziehen. Man kann grundsätzlich zwei verschiedene Stimmen schreiben. In all diesen Fällen. Ich habe diese so geschrieben, als würde ich das Gleiche rhythmisch tun, aber sie müssen nicht so sein. Ich hätte das a haben können, anstatt es jedes Mal halten oder wieder anhängen zu lassen , ich hätte es haben können, einfach diese Note halten und einen anderen Rhythmus machen. Das wäre okay. Aber ich wollte nur irgendwie, dass es wieder angebracht wird, um den Antrag hier ein wenig zu betonen. Sobald dieser hier ist, geht es einfach hin und her. Dieser. Ich habe hier sehr schnell auf Oktaven umgestellt, weil ich dieses Stepping Down nur wirklich betonen wollte . Und dann bewegte ich dieses G um eine Oktave nach unten traf die tiefe Note der Geige. Das ist ihre tiefste Note. Weil es am Ende dieser Linie ziemlich gut geklappt hat. Das ist also ein bisschen knallig. Es ist eine Menge Fremdbewegungen, aber, ähm, ich weiß nicht, es ist irgendwie nett. Also hier werde ich machen, lass es uns einfach so anhören wie es ist. Und dann schalte ich die Melodie stumm und wir können sie wieder hören. Los geht's. Jetzt ist hier, was irgendwie cool daran ist. Wenn ich die Melodie stummschalten würde. Wir haben irgendwie mit all diesen zusätzlichen Emotionen, all diesen zusätzlichen Bewegungen, die wir hinzugefügt haben. Wir haben das wirklich ziemlich weit weg von der eigentlichen Greensleeves-Melodie genommen . Stellen Sie sich also vor, Sie wissen nichts über die Greensleeves-Melodie. Und ich nehme die Melodie weg. Du wirst ganz natürlich eine Melodie finden. Sie werden wahrscheinlich etwas hören, das für Sie wie eine Melodie klingt . Und stell dir das als deinen neuesten Filmsoundtrack vor . Los geht's. Richtig? Es ist eigentlich ziemlich lyrisch. Das ist also eine Technik, die funktioniert. Ich habe das schon einmal benutzt, Melodien zu harmonisieren und zu orchestrieren. Ich glaube, werd die Melodie los. Und was Ihnen bleibt, ist etwas Einzigartiges. Hat immer noch die Essenz dieser Melodie, aber es ist keine Urheberrechtsverletzung. Du benutzt diese Melodie nicht. Obwohl wir es in diesem Fall verwenden könnten , weil es sich um eine Public-Domain-Melodie handelt. Aber das kannst du mit jeder Melodie machen, sogar wie bei einem orchestrierten Beatles-Song. Dann lösche die Melodie und du hast dein eigenes Ding. Okay, ich möchte dir eine weitere Technik für diese Art von Idee zeigen . 33. Die Linien verwischen: Ich möchte noch eine Sache machen und das nenne ich wie das Verwischen der Grenzen. Wenn Sie schon einmal andere Kompositionskurse mit mir besucht haben, haben Sie das gesehen. Aber es ist etwas, das vor allem in den Saiten einfach wunderschön klingen kann. Deshalb habe ich unsere Akkorde in der gleichen Art von reichem Voicing-Stil zum Rest der Melodie hinzugefügt . Jetzt hören wir uns das erst und dann beenden wir es. Okay, also die Linien zu verwischen bedeutet im Grunde, alle möglichen gemeinsamen Töne zu finden alle möglichen gemeinsamen Töne und einige etwas länger durchhalten zu lassen , als sie brauchen. Fangen wir also mit gemeinsamen Tönen an. Okay, das ist also dasselbe wie das hier. Und dieses G ist weit oben, weil wir es bewegt haben. Also lass uns das G nehmen und es einfach bewegen. Und jetzt werden wir die zusammenbinden. Wann immer es also möglich ist, eine Notiz zu binden, werden wir es tun. Hier. Wir können nichts binden. Okay, hier können wir alles binden. Weil wir maximale Unterstützung wollen. Hier können wir diesen Top-Knoten binden, oder? Aber nicht der unterste. kann ich binden. Beachten Sie das jetzt. Okay. Was ich jetzt tun werde, ist zu sehen, ob , lass mich das erst beenden. Ich kann das binden. F da. Da ist nichts. Da ist nichts. Aber das können sie tippen. Wir haben nichts da. Da ist nichts. Nichts da und das, nichts da. Das und nichts in unserer Basis bis zu den letzten beiden Akkorden. Okay? Was ich jetzt tun werde, besonders in diesem Teil, in dem nichts wirklich zusammenhängt ist, dass ich sowieso Dinge binden werde. Also hier ist was ich tun werde. Ich werde hier ein paar Notizen ändern, wie diese d, Lass uns das nicht da ankommen. Nun, das ist, uh, das ist kein gutes Beispiel und ich werde gleich erklären, warum. Das funktioniert besser als die oberen Stimmen. Das wäre genau hier. Okay, sieh es dir an. Diese Biene geht auf dieses A runter, richtig? Aber was wir tun werden, ist, dass das noch ein bisschen länger rumhängt. Das wird mit mehreren Stimmen ziemlich schwierig sein, aber lass uns f, a und lass uns das als halbe Noten machen. F. Okay, jetzt nehme ich dieses G, oder es gibt ein, schiebe es auf ein B. Wenn du dich also an einen Kontrapunkt erinnerst, ist das im Grunde unser Dies ist eine Suspendierung. Federung. Das Gegenteil wäre die Erwartung, dass wir die Note frühzeitig ändern. Aber eine Aussetzung auf diese Weise, Es bedeutet im Wesentlichen ein paar verschiedene Dinge. Aussetzung auf diese Weise bedeutet jedoch, dass wir die Note etwas länger unterbrechen und sie dann in den neuen Akkord fallen lassen. Mit dieser anderen Notiz könnte ich ihn genau dort landen lassen. Oder ich könnte den einen Stock dabei haben. Ich glaube, das lasse ich einfach tun, was es tut. Okay? Also wird F genau dort treffen , wo es treffen soll, aber dann wird es sich nach außen lösen. Mal sehen, ob wir das hören können. Betonen Sie wirklich die zweite Geige. Versuchen Sie, diese Aussetzung hier zu hören. Sie haben das Gefühl, dass Sie sich einfach hineinlehnen. Okay. Also werde ich es versuchen. Füllen Sie den Rest dieser fünf oder sechs Maßnahmen mit einer ganzen Reihe davon. Und ich bin gleich zurück. 34. Suspensionen: Okay. Ich habe also nicht viel mehr gute Stellen gefunden, um eine Federung zu verwenden. Wirklich nur einer. Suspensionen funktionieren hervorragend, wenn Sie einen ganzen Schritt Bewegung haben, das ist meine Lieblingszeit, um sie zu verwenden. Halber Schritt kann auch funktionieren, aber ein größeres Intervall funktioniert nicht so gut. Das Federungsgeräusch , das wir so sehr mögen , ist das Ergebnis einer halben oder ganzen Schrittdissonanz. Das ist das Geld, das ist die perfekte Sache. Also fand ich, dass einer genau hier gut war. Wir haben also dieses F. Wir lösen uns auf ein E herunter, Fis, das wir auf ein E herunterlösen , also war das ein guter Punkt. Ich könnte es auch hier machen, zurück gehen, aber es vorwärts und rückwärts Rücken an Rücken zu machen , funktioniert nicht so gut. Diese anderen sind nicht so toll. ob ich es hier gemacht habe, habe ich ein e und dann ein b. Also wenn ich dieses E einfach zu lange gedrückt habe, wird sich dieses E eher wie ein Akkordton für den nächsten Akkord anfühlen, dann wird es sich anfühlen wie eine Aussetzung. Auf diese Weise ist es irgendwie seltsam. Hören wir uns das an und schauen wir, ob wir unsere Aufmerksamkeit darauf lenken können. Ich werde die Bratsche ein bisschen verbessern , damit wir das wirklich hören können. Okay, los geht's. Also ja, es ist ein netter Sound. All diese kleinen subtilen Dinge können Sie jedoch die Linien verwischen. Es ist also nicht nur Akkord, Akkord, Akkord, sondern Sie haben Noten, die sich zu unterschiedlichen Zeiten ändern. So bekommt man wirklich diesen polyphonen Sound. Okay? Es fügt Nicht-Akkord-Töne hinzu. Es erzeugt diese Suspensionen. Lass uns das ganze letzte bisschen hören. Mit diesen beiden Aufhängungen drin. Hören wir uns das letzte Stück an, indem wir die Melodie stummschalten. Versuchen wir dasselbe wie beim letzten Mal. Könnte das als eigenes Ding funktionieren? Lass es uns herausfinden. Ja, ich denke es könnte, wenn man nach einem Bett aus Fäden sucht, klingt das irgendwie großartig. 35. Der komplette Monty: Eine letzte Sache, die es wert ist, darauf hinzuweisen, ist, dass wir es während der gesamten Dauer dieser kleinen Melodie getan haben. Wir haben es jetzt auf drei verschiedene Arten orchestriert. Wir haben die einfache Art der Dreiklänge. Wir haben die mehr voll. Versuchen Sie, mehr volle Akkordbegleitung zu verdienen. Hier. Wir haben hier polyphone Bewegungen und wir haben Suspensionen hier. Also vier verschiedene Möglichkeiten. Das zeigt uns eigentlich eine Entwicklung dieser Melodie, die ganz nett ist. Wann immer Sie eine Melodie haben, müssen Sie sie nicht auf die gleiche Weise orchestrieren . Manchmal kann die Entwicklung der Voicings, während sie die Melodie durchspielen, ihr einen schönen Bogen geben, oder? Ein nettes Gefühl von Körperbau. Deshalb möchte ich mir diese Formalität als Stück anhören. Ich hatte nicht vor, dass dies eine vollständig orchestrierte Melodie sein sollte. Ich habe es mir nur in Stücken angesehen, aber ich habe es mir nur angesehen und gedacht, Hey, wir haben das tatsächlich auf eine Weise gemacht , die wirklich gut funktioniert. Es fängt sehr dünn an. Es wird richtig dick. Es ist ein netter Bogen zur ganzen Melodie. Also lassen Sie uns einfach darauf eingehen. Denken Sie daran, dass es hier eine Änderung des Monstertempos gibt. Sollen wir das loswerden, oder sollten wir, wie wäre es damit? Ich werde die Temperaturänderung los. Ich werde am Anfang eine weniger dramatische Tempoänderung vornehmen. Also lass uns gehen, waren das 50 irgendwas? Lass uns gehen wie 8584. Okay, jetzt wird das Ganze das gleiche Tempo haben, wenn es meinen Tempo-Markierungen folgt, was nicht immer der Fall ist. Aber am Anfang wird es ein bisschen langsamer sein, für den Rest ein bisschen schneller. Los geht's. Gruppen und ich haben die Melodie immer noch stummgeschaltet. Okay, hier sind wir wirklich gut. Ich habe die beiden vergessen, diese paar Takte. Ben. 36. Monophone Schreiben: Okay, sprechen wir als Nächstes über monophones Schreiben. Und hier darf nicht darüber gesprochen werden, sondern im Interesse einer Vollendung, da wir über monophones Schreiben sprechen sollten. Wir können es sicherlich in unserer Orchestrierung schaffen und die Streicher sind genauso gut darin wie alles andere. Monophon bedeutet hier eins. Eine Musik, buchstäblich Mono, eine phonische Musik oder Sound, ein Sound. Eine Möglichkeit, eine monophone Textur zu verwenden, wäre also , die Melodie selbst so niedrig zu haben. Also habe ich die Melodie hier am Ende des Arrangements wieder hinzugefügt , wo wir aufgehört haben. Also fängt es hier gerade wieder von vorne an. Also das allein, klar, das ist monophon. Und es klingt albern, darauf hinzuweisen, aber es lohnt sich darüber nachzudenken. Wenn du an etwas arbeitest und versuchst , damit eine Arche zu bauen, wie wir es vor einer Sekunde besprochen haben. Überlegen Sie, es nur auf die Melodie zu reduzieren. Es ist eine wirklich mächtige Sache, die du tun kannst. Es gibt ein bisschen mehr, was wir mit Monophon machen können. Wir könnten Oktaven hinzufügen. Also lass uns sehen. Fügen wir hinzu, kann hier nicht wirklich eine Oktave runter gehen. Lassen wir das also da und nehmen dann unsere ersten Violinen und steigen eine Oktave hoch. Jetzt sind wir also immer noch monophon. Wir haben zwei Instrumente, aber sie spielen dieselbe Musik, einen Sound, oder? Damit wir das ganz unten machen können. Wir könnten überall Oktaven haben. Lass uns gehen. Es gibt eine Oktave. Es gibt eine Oktave und ein Oktett. Denken Sie daran, dass dieser bereits eine Oktave tiefer ist. Jetzt haben wir also fünf Oktaven der Melodie. Das könnte irgendwie cool sein, lass es uns hören. In diesem Fall sind wir also alle im Vordergrund, es gibt wirklich keinen Mittelweg oder Hintergrund, weil nur eine Sache passiert. Aber auf diese Weise verdoppeln, genau wie wir schon einmal darüber gesprochen haben. Wie schon zu Beginn dieser Orchestrierungsreihe von Klassen sprachen wir über eine Verdoppelung der Oktaven. Und dafür gibt es einen guten Grund, oder? Kann das, das ist ein wirklich mächtiger Weg , um die Aussage dieser Melodie wirklich herauszubringen. Wenn du sagen willst, ich möchte, dass du diese Melodie um jeden Preis hörst , dann ist das ein guter Weg. Stellen Sie sicher, dass Sie es wirklich schaffen. Monophones Schreiben ist also cool. Vergiss das nicht. Es konzentriert sich wirklich nur auf eine einzige Zeile. Wenn wir eine Harmonie hinzufügen, wenn wir eine davon nehmen und sie in eine Harmonie verwandeln, schreiben wir technisch gesehen keine homophone Musik mehr. Aber wir schreiben das , worüber ich als Nächstes sprechen möchte. Nehmen wir an, ich bin gerade umgezogen. Ich nehme meine zweiten Violinen und schiebe sie um ein Drittel nach oben. Okay, jetzt bewegen sich die zweiten Geigen , sind eine Harmonie. Lass uns das einfach hören. Okay, ich sehe es ist subtil, weil Sie wegen Instrumentenfamilien hier sind , die dasselbe tun. Eine kleine zweite Violinfamilie, aus Harmonie quietscht, aber das ist anders. Das ist nicht monophon. Das könnten wir mono-rhythmisch nennen. Und wenn Sie sich erinnern, wenn Sie meinen Filmunterricht hier besucht haben , erinnern Sie sich vielleicht daran, über diese monorhythmische Idee gesprochen zu haben, aber es kann eine wirklich coole Textur sein. Funktioniert super in den Saiten, funktioniert ziemlich gut und alles andere. Aber ich mache es gerne in den Saiten. Es kann ein netter Sound sein. Gehen wir also zu einem neuen Video und sprechen speziell darüber. 37. "Monorhythmic" schreiben: Okay, mono rhythmisch. Die Idee hier ist, dass wir einen Rhythmus haben. Wir haben vielleicht eine Menge verschiedener Knoten, aber nur einen Rhythmus. Das ist im Grunde eine ausgefallene Art zu sagen, dass ich diese Melodie nehme und jede Note harmonisieren werde , aber ich werde sie im gleichen exakten Rhythmus bewegen. Sie werden also im Grunde Blockakkorde für jede Note haben . Es wird also dicht und du musst etwas tun, damit die Hauptmelodie durchkommt. Aber es kann eine coole Textur sein. So wie ich es hier machen würde, ist es ziemlich mühsam sein kann, weil wir uns viele Harmonien überlegen müssen. Also springe ich einfach hier rein und mache es. Fügen wir eine doppelte Taktlinie , um zu trennen, was wir tun. Und wir gehen zu diesem G. Also normalerweise ist unser Akkord hier, siehst du wo wir in diesem Ding sind? Das wird mehr Sinn ergeben. Da haben wir's. Okay, das sind wir, okay, also normalerweise würden wir hier einen e-Moll-Akkord haben wollen. So haben wir es harmonisiert. Wenn wir zu diesem Thema kommen, möchten Sie vielleicht etwas anderes. Also lass es uns einfach sehr schnell machen. Der schnellste Weg, das zu tun. Eigentlich. Wir haben das geschnappt. Also verwende ich dasselbe Voicing, weil wir wissen, dass uns das gefällt. Okay, jetzt ist hier unser e-Moll-Akkord. Aber jetzt muss ich mir überlegen, was mache ich damit? A, a ist nicht im Akkord e-Moll. Und ich muss diesen Rhythmus ändern. Wenn ich wirklich möchte , dass das mano-rhythmisch ist, muss ich eine Viertelnote hinzufügen. Los geht's. Okay, also werde ich die Krawatte ausziehen , die es wollte. Oh, ich verstehe, was es macht. Da haben wir's. Okay, jetzt überlegen wir uns, welcher Akkord da hingehen könnte? Ich könnte wieder einen e-moll-Akkord machen, einfach denselben e-Moll-Akkord wieder anbringen, aber es ist so, er wird ein a oben haben als Nicht-Akkordton. Das könnte funktionieren. Aber die Art und Weise, wie ich das wirklich gerne mache ist eigentlich alles vollständig harmonisiert. Also meine Optionen hier in der Tonart e-Moll. Ich könnte ein Moll machen, könnte Fis vermindert machen, was nur wirklich funktionieren wird, wenn ich als nächstes zu einem G-Akkord gehe, was ich tatsächlich machen werde, wir haben diesen Takt mit einem G harmonisiert was nur wirklich funktionieren wird, wenn ich als nächstes zu einem G-Akkord gehe, was ich tatsächlich machen werde, wir haben diesen Takt mit einem G harmonisiert. . Das klingt irgendwie nach Arad. Okay, also gehen wir zu Fis. A, C ist was ich brauche. Also nehmen wir einfach diese zwei, zwei a und C. Und dann gehen wir runter zum Grund. Ein bisschen einfacher, das von unten nach oben zu buchstabieren . Hier gehen wir Fis, Fis , und dann bleiben wir bei diesem Muster. Wir machen hier noch ein Fis . F scharf. Und dann haben wir da oben ein ANC. Wir haben also alle unsere Notizen abgedeckt. Mal sehen, was hier am einfachsten sein wird. Wir haben A, B und E. Nehmen wir das. Ich brauche noch ein Fis. Wir könnten es schaffen. Nehmen wir, ja, machen wir das. Nehmen wir das e. Versuch das. Okay. Jetzt gehen wir zu unserem G-Akkord. Also gehe ich zurück und klaue es von hier drüben. Hier ist unser G-Akkord. Gut klingender G-Akkord. Okay, jetzt muss ich den Rhythmus ändern und diese beiden Knoten harmonisieren. Aber bevor wir das tun, hören wir uns an, was wir haben. Und stellen wir sicher, dass diese Linie Alpha K ist. Also dieses Fis, denken Sie daran, das ist unser Hauptton. Es muss wirklich auf G drücken, also geht das zu G und das funktioniert. Okay, wir haben hier einen großen Sprung. Einfach zu beheben. Lass uns das einfach da rauf nehmen. Und die funktionieren ganz nett. Okay. Also sieh dir diese Stimme an. Das ist eigentlich ganz nett. Lass es uns hören. Lass mich dir ein bisschen geben und lass uns ein bisschen zurückgehen. Und dann richtig, du kannst es hören. Lassen Sie mich noch ein bisschen mehr tun damit wir ein besseres Gefühl dafür bekommen. Ich mache die nächsten zwei oder drei Takte. Dann komme ich zurück und wir hören uns einen größeren Teil davon an. Im nächsten Video werden wir uns also ein bisschen mehr anhören. 38. Beispiel für Monorhythmic Schrift: Okay, also habe ich hier ein bisschen mehr hinzugefügt. Schauen wir uns an, was ich hier gemacht habe. Zoomen Sie hier ein bisschen rein. Okay? Also haben wir diese gesehen, also haben wir zwei G hier. Die Melodie ging hoch. Also fügte ich einen C-Akkord hinzu und dann zurück zu einem G. Also behandle ich das hier unten wirklich wie ein passierendes Ton-GCG. Oh, und ich habe meine Akkorde mit beschriftet , das war ein interessanter. Also geht es, die Melodie geht Fis. Wir haben diese ganze Maßnahme als d. harmonisiert und das kann ich hier weiterhin tun. Also habe ich ein D darauf gesetzt, auf den Downbeat, aber dann habe ich beim dritten Takt einfach das D neu formuliert, weil D in diesen beiden Akkorden enthalten ist, also passt es immer noch zur Textur. Um es so zu machen. Du formulierst es einfach neu und spielst es noch einmal. Das ist in Ordnung. Ich hätte es hier ein drittes Mal , weil es in diesem zweiten Kern ist. Aber ich habe es nicht getan, weil wir diesen Takt bisher als h-Moll harmonisiert haben . Ihnen also nicht leid, d, e, f. Also habe ich beschlossen, b-Moll im Downbeat zu verwenden , e-Moll hier, und dann Fis hier, ich gehe zurück zum h-Moll bei diesem Fis, da es im b ist Moll-Akkord auch. All dies hätte ich eine ganze Reihe verschiedener Arten harmonisieren können. Dieses Fis hätte ich harmonisieren können, da ein F-Sis wieder abgenommen hat, obwohl das schwierig wäre, weil ich wirklich möchte, dass, wenn Sie einen verminderten Akkord verwenden, wirklich wollen, dass es eine führende Rolle ist tonaler Akkord. Also müsste ich das als G-Akkord harmonisieren , was ich hätte tun können, weil dieses d in einem G-Akkord ist, es hätte funktioniert. Es wäre jedoch ein wenig erschütternd, da wir dies bisher als b-Moll harmonisiert haben. Und es würde es ein bisschen ändern, aber es klingt vielleicht cool. Harmonisieren Sie also die Dinge , wie Sie möchten. Das ist hier nicht der Punkt. Der Punkt hier ist diese monorhythmische Sache. Okay, hören wir uns an, was wir hier haben. Richtig? Es ist also, es ist groß, es ist ein großer, sperriger fast, fast eine Art Game of Thrones-Sound. Ich weiß nicht, warum ich aus irgendeinem Grund an Game of Thrones denke . Aber es ist ein großes sperriges Geräusch. Aber im richtigen Kontext kann es großartig sein. 39. Strings sind vielseitig: Wir sind dabei, zum Abschluss zu kommen. Diese Einheit ist Teil der großen Klasse, diese kleine Klasse innerhalb der großen Abbildung. Aber es gibt ein paar große Ideen , mit denen ich vorangehen möchte. Dinge, mit denen man sich irgendwie auseinandersetzen kann , wenn man für die Strings schreibt. Der erste ist zu bedenken, dass der Saitenabschnitt extrem vielseitig ist. Ich weiß, wenn Sie neu in der Orchestrierung sind, denken Sie vielleicht, okay, ich gebe den Streichern eine Melodie, wenn ich will, dass sie üppig und romantisch ist. Aber mit den Saiten kann man so viel anfangen. Sie können dunkel und gruselig, üppig und romantisch sein und alles dazwischen. Denken Sie also daran, dass die Saiten einfach unglaublich vielseitig sind. Ich möchte nicht das vielseitigste aller Instrumente sagen . Denn obwohl ich glaube, dass das wahr ist, werde ich von jemandem angeschrien werden, der das sieht und sagt: Nun, ich spiele Posaune und Drumlins, das meiste Instrument, Instrument ist das großartigste. Aber ich denke, als Abschnitt denke ich, die Saite oder die vielseitigste. Überlegen Sie sich also, was sie mit Dynamics machen können. Sie können alles von extrem schnell leise bis wirklich ziemlich laut machen. Wenn alle so hart wie möglich davonhupen. Doppelte Stärke, dreifache Stärke. Sie können eine echte Kraft sein. Vielfältig in Bezug auf den Stil. Sie können die Saiten haben, machen Sie nur eine einfache Melodie, um mehr vom Jazz inspirierten Sound zu sehen. Sie können Streicher in klassischer Musik, Popmusik, Hip Hop, Jazz, Bebop finden . Alles hat einen String-Satz, kann eine Sekunde enthalten. Denken Sie an die Vielseitigkeit in Bezug auf die Textur, was sie mit Textur machen können. Sie können einen sehr dünnen Sound haben, sehr dicken Sound und alles dazwischen. Sie können dicht sein. Sie können sanft sein. Sie können diese Art von Strukturbett sein. Das Bett, denn R ist eine interessante Idee. Das werden wir uns der nächsten Klasse der Serie noch ein bisschen genauer ansehen in der nächsten Klasse der Serie noch ein bisschen genauer ansehen. Aber was ich mit dem Bett meine , ist, dass Menschen, wenn sie für Orchester schreiben, oft daran denken, hauptsächlich Streicher zu schreiben und dann alle anderen Instrumente als Ergänzung zu verwenden was die Saiten machen. Das ist keine schreckliche Technik. Sie verpassen viele Dinge, die die anderen Instrumente können, aber es kann ein guter Anfang sein, denke ich. Aber wir betrachten die Saiten als die Art von Dingen, die alles zusammenhalten. Das Wichtigste im Orchester. Ich würde nicht so weit gehen zu sagen, dass das korrekt ist, aber das fühlt sich sicherlich oft so an. Deshalb schreibe ich für ein Ensemble, wie ein Bläserensemble. So schwer, zumindest für Leute wie mich. Es ist so schwer, weil ich keine Saiten habe und auf Saiten verlasse ich mich. Ich brauche die Getränke als Klebstoff. Wenn ich also für eine Blasorchester oder ein Bläserensemble schreiben muss, ist das erschreckend. Es gab also keine Schwankungen. Saiten. Ich habe Saxofone, was hilft, und ich bin Streicher. Denken Sie also nur an die extreme Vielseitigkeit Ihrer Saitensektion. Sie können alles machen. Die Saiten sind einfach richtig fantastisch. Deshalb haben wir wirklich so viele von ihnen im Orchester. Das Orchester hat sich jahrhundertelang zu diesem wirklich perfekten Ensemble entwickelt . Und der Grund für die Stärke ist Saiten einfach so verdammt gut darin sind , das zu tun, was sie tun. Okay? Ich bin zu einem anderen wichtigen Punkt gegangen, den ich ansprechen möchte. 40. Du musst nicht alle Strings die ganze Zeit verwenden: Ein Tipp zu den Saiten , die Sie beachten sollten. Wir haben während des Unterrichts irgendwie darüber gesprochen, aber ich möchte es wirklich explizit machen. Sie müssen nicht ständig alle Strings verwenden. Okay? Schreiben Sie das irgendwo auf und behalten Sie es als etwas, an das Sie immer denken, während Sie es verwenden. Also hier ist was ich damit meine. Erstens müssen Sie keine Zeichenketten verwenden. Sie können einen Abschnitt Ihres Stücks haben , in dem die Saiten ruhen. Das ist okay. Obwohl ich gerade gesagt habe, das zu tun, kann es irgendwie furchterregend sein und kann, aber furchterregend kann gut sein. Also, wenn du einen Abschnitt hast, wo ich mag, weiß ich nicht, was ich mit Strings machen soll. Hab keine Angst davor, die Saiten einfach ruhen zu lassen. Das ist okay. Texturell kann es durchaus willkommen sein. Sie können die Saiten auch teilen, wie wir in einigen verschiedenen Projekten hier gesehen haben. Denn hier kannst du deine erste Geige nehmen und sie in zwei Teile teilen. Sie haben also Ihre erste Geige ist jetzt geteilt, was bedeutet, dass sie zwei Töne spielen können, aber Sie haben die Hälfte der Kräfte auf jeder Note, oder? Es wird nur ein bisschen leiser. Wahrscheinlich. Das kann ich mit allen Sektionen machen. Wir teilen die Kontrabässe nicht oft, aber du kannst es, wenn du willst. Das teilt sie in zwei Teile. Sie können sie nicht in drei Teile teilen, wird nicht empfohlen, wie wir in der Klasse besprochen haben, aber Sie können sie in vier teilen. Ich würde es nicht mehr tun, aber das kann den Abschnitt ausdünnen. Wenn Sie einen leiseren, dünneren Klang wünschen, dann teilen Sie Ihre Sektion in zweieinhalb Teile, die Hälfte der Abschnitte Blechbläser, oder? Das wird deine Saiten um die Hälfte ausdünnen. Es kann eine gute Textur sein. Sie können auch jederzeit einen Solisten in den Saiten herausspringen lassen. Es kann ein wunderschön klingendes Ding sein. Vielleicht kommt in dem Stück eine Melodie auf, in der Sie nicht möchten, dass es so dicke Saiten sind, und Sie möchten, dass es nur dieses schöne kleine aufsteigende Ding ist, das herauskommt. Geben Sie das einem Lehrplan, schreiben Sie einfach solo darauf, und dann ruhen sich alle anderen aus. Und nur der erste Spieler wird spielen. Diese Zeile. Kann eine schöne Sache sein, jetzt wird es ein bisschen leiser. Also muss man darum herum orchestrieren. Man muss Platz dafür schaffen. Aber ein Solo herauszukommen kann großartig sein. diesem Sinne können Sie ein Solo-Quartett herausbringen lassen. Sie können einen Abschnitt haben, in dem nur die, Sie gehen auf eine einzelne Geige, eine einzelne Sekunde Myelin, eine einzelne Bratsche und ein einzelnes Cello. Im Grunde genommen kommt ein Streichquartett einfach als vier Solisten heraus. Das ist ziemlich häufig. Wir sehen das oft , wo ein Streichquartett irgendwie als Solokortex auftaucht. Sie können jede andere Variante machen, die Sie sich vorstellen können, oder? So können Sie die Saiten teilen, in Scheiben schneiden und würfeln, wie Sie möchten. Sie müssen nicht ständig alle verwenden. 41. Die Strings können sich erobern: Der dritte und letzte Ratschlag. Ich weiß nicht, große Dinge, über die man nachdenken muss, was die Saiten sind, etwas, über das man nie jemand anderen sprechen hören wird . Das war mein Ding , das ich an der Arbeit mit Strings liebe. Das, was ich bei ihnen gefunden habe , was ich mache und was ich schreibe. Und ich habe es bisher vermieden, wirklich über meine eigene Musik in dieser Klasse zu sprechen bisher vermieden, wirklich über meine eigene Musik in dieser Klasse , außer vielleicht habe ich es gleich am Anfang gemacht, aber ich möchte dich spielen. Einige meiner Musik haben Beispiele für diese nächste Sache, aber hier ist der Ratschlag. Vergiss nicht, dass die Saiten grooven können. Okay? Strings können grooven. Du denkst nicht darüber nach. Denkst du, es gibt etwa 50 Leute? Es sind ungefähr 50 Leute in der String-Sektion. Wie hätten sie nur einen Groove machen können? Das können sie. Es ist einfacher, auf ein solches Quartett oder eine dünnere Textur zurückzugehen . Aber das gesamte Streichquartett oder eine Streichersektion können das. Was ich mit einem Groove meine ist, dass man mit einem String-Abschnitt ziemlich komplex schreiben kann. Das sind wirklich gute Spieler. Wenn Sie also wie ineinandergreifende Rhythmen schreiben, Rhythmen, bei denen die Dinge wirklich eng zusammenfallen müssen . Und dieses Pattern fast wie ein Drum-Pattern zu machen , bei dem die ersten Geigen das machen, die Snare Drum und Heteroatome und die andere Gewalt ähnliche Symbole und die Hälfte der Male macht. Und das ist der Perkussion-Groove, oder? Nur als Beispiel, das ist irgendwie, äh, bevor du das schreiben könntest. Und mit ein bisschen, mit einem guten Dirigenten, wird es zusammenpassen, oder? Weil das wirklich gute Spieler sind, werden sie es herausfinden. Deshalb möchte ich Ihnen ein paar Beispiele zeigen , wo ich das gemacht habe, wo ich mich wirklich darauf verlassen habe, dass die Saiten grooven, zusammenkommen und einen Groove machen. Ich liebe es, das mit den Saiten zu machen. Jedes Mal, wenn ich mich hinsetze, um für Strings zu schreiben, denke ich: Wie kann ich sie zum Grooven bringen? Weil es einfach so ein cooler Sound und sie gut darin sind und die Leute nicht darüber nachdenken. Die Leute denken nicht an Saiten wie Grooven. Lassen Sie mich Ihnen zeigen, dass zwei Projekte mir gehören und wo ich das gemacht habe. Lass uns gehen. 42. String Groove Beispiele: Okay, das ist ein älteres Stück von mir, mein drittes Streichquartett. Und ich möchte mich speziell mit dem zweiten Satz befassen , der hier ist. Okay? Diese Bewegung beginnt also mit diesem wirklich dunklen, düsteren Ding. Das ist also nur ein Streichquartett, okay, also das würde funktionieren, diese Sache, die ich Ihnen zeigen werde, würde in einem vollen Orchester funktionieren. Dies ist jedoch ein Bereich für den Typ Justice Rehnquist. Also haben wir das, das ist ein Solospieler, der dieses Riff macht. Es ist also kein DVC oder so. Aber es fängt irgendwie in der dunklen und trüben Sache an. Und dann dieses kleine Bratschensolo, einfach nett. Und dann fangen wir an, diese Rhythmen zu bekommen, diese Rhythmen sind Typrhythmen. Und hier fängt es an, sich zu einem Groove zu formen. Und dann stellt es irgendwie seinen Groove in diesem Abschnitt von m bis o her, wo es wirklich in den Groove kommt. Also denke ich, was ich machen werde ist, uns ein neues Video anzusehen. Ich spiele einfach das Ganze, aber achte besonders auf dieses Groove-Zeug, das um O Buchstabenmarkierungen setzt. In Ordnung, los geht's. 43. Beispiel: Me: String Quartet No.3: Okay. Okay, los geht's. 44. Beispiel: Ich: History: Ja, das war also Streichquartett Nummer drei. Ich habe noch ein Beispiel dafür, mein eigenes, viel neueres. Dies ist ein weiteres Streichquartett namens The History of Ice. Und im ersten Satz gibt es eine Menge davon, es gibt viele verschiedene Arten von Hin- und Her-Gruppen. In der Tat sah es ziemlich viele Momente aus, um darüber nachzudenken. Aber lass mich den ersten Satz für dich spielen und du wirst sehen, was du denkst. 45. Was kommt als Nächste?: Okay, das bringt uns zum Ende von Teil vier. Kommt als Nächstes. Teilweise. Wir werden ein bisschen mehr über Ensembles machen. Wir werden über Ensembles ohne Orchester sprechen, wie Bands, Blasorchester, Jazz, Jazzensembles , möglicherweise Blechbläserensembles. Bei Bands. Das Streichorchester, das ist ein bisschen anders. Also ein Orchester, das nur aus Streichern besteht, kein zusätzliches Zeug. Wir werden uns einige dieser großen Ensembles ansehen und wie wir für sie schreiben oder für sie arrangieren oder orchestrieren. Danach werden wir uns vollständig mit der Synthase-Dauer befassen. Ich weiß, dass das, worauf Sie alle gewartet haben , um Sie daran zu erinnern, das eher technische Computerzeug ist das eher technische Computerzeug wie man Orchester-, Bläser- und Blechbläser-Samples dazu bringt, realistisch zu klingen. Also werden wir uns darauf einlassen, wenn wir dort ankommen. Bleiben Sie in der Zwischenzeit noch ein paar Dinge.