Mehr als nur das Logo: Storytelling mit einem animierten Logo und einem Markenvideo

1. Einführung: [MUSIK] Als ich ein Kind war, erinnere ich mich, dass ich alles, was ich las, in eine Geschichte verwandelt sei es eine Enzyklopädie, ein Rezept aus den Kochbüchern meiner Mutter oder ein zufälliger Artikel aus einer Zeitschrift. Ich war immer beeindruckt von der Macht des Geschichtenerzählens und wie es alles verändert und es um einiges interessanter klingen lässt . Hallo, ich bin Khadija, aber jeder nennt mich Dija. Ich bin ein Top-Lehrer hier bei Skillshare und ein freiberuflicher Grafikdesigner mit Sitz in Kairo, Ägypten. Ich habe drei Jahre bei einer führenden Markenagentur gearbeitet und bin jetzt seit zwei Jahren hauptberuflich freiberuflich tätig und habe jetzt seit zwei Jahren hauptberuflich freiberuflich tätig Branding, Verpackungsdesign und ein bisschen Animation spezialisiert . In diesem Kurs möchte ich über das Logo hinausgehen und auf den Storytelling-Aspekt einer Marke konzentrieren. Für mich ist die Fertigstellung eines Logos und einer Markenidentität nur die halbe Miete. Wie erzählt man diese Geschichte? Wie macht man es emotional, relevant und glaubwürdig? Hier kommen Markenvideos ins Spiel. Markenvideos helfen dabei, Ihrer Marke Leben einzuhauchen und eine emotionale Verbindung zu Ihrem Publikum aufzubauen . In diesem Kurs werde ich dir beibringen, wie du dein eigenes kreierst. Wir werden anhand einiger hilfreicher Beispiele erläutern, warum Markenvideos in erster Linie wichtig sind . Dann tauchen wir in die Übersicht einer realen Marke ein, die ich bereits für einen Kunden erstellt habe. Ich führe Sie Schritt für Schritt durch , wie ich eine Geschichte dafür erstelle. Wenn wir dann eine solide Geschichte haben, beginnen wir, sie durch Storyboards der alten Schule zu visualisieren , diese Storyboards dann in Illustrator zu digitalisieren und zu lernen, wie man sie korrekt in After Effects überlagert. Wir durchsuchen einige Websites nach Musik tauchen dann in die Welt von After Effects ein, um das Logo und die Markenidentität zu animieren und die Story-Botschaft in einem ganzheitlichen Video zusammenzuführen . Die Werkzeuge, die Sie für diesen Kurs benötigen sind Papier und Bleistift, Adobe Illustrator und Adobe After Effects. Sie müssen sich Illustrator und After Effects auskennen, um am Ende dieses Kurses erfolgreich ein Markenvideo erstellen zu können . Dieser Kurs ist perfekt für zwei Arten von Menschen. A, erfahrene Designer, die Markenidentitäten ausgefeilt haben und sie zum Leben erwecken wollen; und B, absolute Anfänger, die neu im Branding sind und den Horizont für Markenvideos erweitern möchten erstellt. In diesem Kurs erhalten Sie einen detaillierten Überblick wie der Prozess von Grund auf neu erstellt wird. Dann geben wir Ihnen auch ein reales Verständnis der Angelegenheit. Am Ende dieses Kurses werden Sie in der Lage sein, ein Geschichtenerzähler zu sein , Storyboard zu lernen oder einfach nur eine ganze Menge neuer Tools auf After ein Geschichtenerzähler zu sein , Storyboard zu lernen zu lernen Effekte für Ihre zukünftigen Animationen. In dieser Klasse ist definitiv für jeden etwas dabei. Kehren wir also in eine Zeit zurück, als wir noch Kinder waren , und fangen wir wieder an, Geschichten zu erzählen. Ich bin so froh, dass du hier bist und ich kann es kaum erwarten, loszulegen. 2. Das Was & Der Warum: , bevor wir uns damit befassen Was ist ein Markenvideo, bevor wir uns damit befassen? Ein Markenvideo ist eine hörbare, visuelle und emotionale Geschichte einer Marke. Es kann viele Ziele haben, sei es, das Bewusstsein zu stärken, zu erziehen, zu unterhalten oder sogar Menschen zu einer bestimmten Aktion zu inspirieren. Es kann verwendet werden, um einem Publikum eine völlig neue Marke als Launch-Video oder als neue Kampagne für eine bereits bestehende etablierte Marke vorzustellen einem Publikum eine völlig neue Marke als Launch-Video oder als neue Kampagne , oder als Erklärvideo zu einem neuen Produkt oder einer neuen Dienstleistung. Im Gegensatz zu herkömmlichen Anzeigen konzentrieren sich Markenvideos weniger auf Hardcore-Verkäufe, sondern humanisieren eine Marke durch emotionsgetriebene Inhalte und Storytelling. Das ist alles gut und gut. Aber warum sind sie wichtig? In der heutigen Welt des Brandings bewegt sich Grafikdesign schnell vom statischen Design zum bewegten Design. Aus diesem Grund werden Sie wahrscheinlich viele Unternehmen und Agenturen sehen , die ihre Logos animieren, Illustrationen animieren und so weiter. Selbst in den sozialen Medien bewegen sich die Dinge mehr von Bildern zu Videos. Videos bieten ein ansprechenderes Erlebnis und werden sicherlich einen bleibenden Eindruck hinterlassen. Deshalb glaube ich persönlich, dass es heutzutage nicht ausreicht, nur ein großartiger Grafikdesigner zu sein, aber es ist auch wichtig, ein großartiger Geschichtenerzähler zu sein. Auch wenn Sie noch nicht animieren können, bedeutet es, dass Sie bereits auf halbem Weg sind, wenn Sie nur die Tools , um eine Geschichte für Ihre Marke zu erstellen und dass Sie bereits auf halbem Weg sind, wenn Sie nur die Tools haben, um eine Geschichte für Ihre Marke zu erstellen und zu erstellen. Sie können jederzeit mit Animatoren zusammenarbeiten, um Ihre Vision zu verwirklichen, wenn Sie nicht über die Tools dafür verfügen. Aber diese emotionale Verbindung herzustellen und sie über das Markenvideo zu vermitteln , ist der Punkt, an dem Sie ins Spiel kommen. Im Wesentlichen geht es darum, worum es beim Branding wirklich geht. Sie können Ihre Markenvideos auch verwenden, um Ihr Konzept an einen Kunden zu verkaufen. Anstatt sie durch Hunderte von Folien zu führen, können Sie sie durch ein Markenvideo mit einer beeinflussbaren Wirkung versehen. Ebenso können Kunden dann Ihr Markenvideo verwenden, um auf ihrer Plattform mehr mit ihren Verbrauchern in Kontakt zu treten. Insbesondere in diesem Kurs werde ich Sie durch die Erstellung eines Launch-Markenvideos führen, was bedeutet, dass dies eine neue Marke ist bald auf den Markt kommt, und dann ist es das erste Mal, dass Leute wird es sehen und die Persönlichkeit der Marke kennenlernen. Ich werde hauptsächlich Motion Graphics und Animationen verwenden , da dies am besten zu der Marke passt an der ich heute arbeite. Sie werden später herausfinden, warum. In der nächsten Lektion führe ich Sie durch meine persönliche Methode, wie ich Markenvideos konstruiere, und ich zeige Ihnen auch einige Beispiele für andere Markenvideos, um Einblicke zu gewinnen und zu sehen, wie diese bestimmte Tipps werden angewendet. 3. Die 360-Grad-Methode: Normalerweise hat jede Geschichte einen Anfang, eine Mitte und ein Ende. Wenn Sie versuchen, sich eine Geschichte für ein Markenvideo auszudenken , ist das vielleicht nicht immer der beste Weg. Immer wenn ich eine Geschichte für eine Marke erstelle, verwende ich immer gerne diese spezielle Methode, die ich gerne die 360-Grad-Methode nenne. Die 360-Grad-Methode besteht im Grunde darin , Ihre Geschichte mit einem bestimmten Element zu beginnen, Ihre Zuschauer durch eine Reise zu führen und diese Geschichte dann mit demselben Element zu beenden , das in einen Kreis schließt. Wenn Sie beispielsweise Ihr Markenvideo mit einer Frage beginnen, sollten Sie auch mit einer rhetorischen Frage enden und Ihrem Publikum denselben Eintrag hinterlassen, mit dem Sie begonnen haben. Dies ist natürlich von Marke zu Marke unterschiedlich und ist nicht in Stein gemeißelt. Wenn Sie beispielsweise ein Markenvideo für unsere mobile App erstellen, können Sie immer mit einem Problem beginnen , das die Marke im Wesentlichen löst. Führen Sie das Publikum durch die User Journey zur Verwendung der App und beenden Sie das Video dann mit einer Lösung, die Ihre App bietet. Dies wird auch als Vollkreis-Moment angesehen , da das Publikum dann die Lösung, die Sie ihm am Ende hinterlassen haben, mit dem Problem verknüpfen kann die Lösung, die Sie ihm am Ende hinterlassen haben, mit dem Problem , mit dem wir am Anfang begonnen haben. Der Punkt ist, dass der erste Eindruck eines Markenvideos nur so stark ist wie der letzte. Sie möchten sich immer überlegen wie Sie den Anfang Ihres Markenvideos auf eine Weise mit dem Ende verknüpfen Ihres Markenvideos auf eine Weise mit dem Ende können, die für Ihre Marke sinnvoll ist. Jetzt möchte ich Ihnen [unverständlich] meine Lieblingsmarkenvideos zeigen , die diese Methode auf unterschiedliche Weise anwenden , damit Sie verstehen, was ich meine, und sehen können , wie dieser Tipp auf viele verschiedene übertragbar ist Marken. Das erste Markenvideo, das ich dir zeigen möchte, ist Airbnb. Dies ist eines der ersten Markenvideos, die sie zuerst herausgebracht haben , um die Geschichte ihres Symbols, ihrer Ikone und des Gefühls der Zugehörigkeit zu erklären . [MUSIK] Ein paar Dinge , die mir bei diesem Markenvideo auffiel , sind, dass sie natürlich sicherstellen wollten, dass Airbnb als sicheres und vertrauenswürdiges Unternehmen Anklang findet. Ich finde es toll, wie sie in diesem Markenvideo den menschlichen Weg eingeschlagen haben, um das wirklich zu zeigen, und sie haben mit einem der angeborensten Gefühle der menschlichen Natur gespielt der angeborensten Gefühle der , und das ist das Gefühl der Zugehörigkeit, und es ist sogar der Titel des Videos. Die 360-Grad-Methode kommt hier ins Spiel, wo sie dem Wort gehören spielen, und dies ist die Einführung des gesamten Markenkonzepts. So haben sie das Symbol für ihre Marke konstruiert. Wenn wir den ganzen Weg bis zum Ende überspringen, werden Sie feststellen, dass sie auch das Markenvideo mit derselben Phrase beenden . Wo auch immer du es siehst, du wirst wissen, dass du dazugehörst, also gefällt mir sehr, wie sie alles miteinander verbunden haben, auch wenn du es nicht merkst. Aber jetzt, wo Sie es tun und einen großen Unterschied machen, alles miteinander zu verbinden, und die Geschichte kommt zu einem Vollkreis-Moment zusammen. Dann melden sie sich am Ende einfach als Marke für ihr Logo ab . Sie werden sehen, dass viele Marken und Markenvideos das tatsächlich tun. Das nächste Video, das ich dir zeigen möchte, ist Pivot. Pivot verwendet keine Illustrationen oder Fotografien oder etwas Ausgefallenes. Sie verwenden nur gute alte Typografie und ein Voice-Over. Ich wollte dir nur ein Spektrum verschiedener Markenvideos zeigen ein Spektrum verschiedener Markenvideos damit du dich nicht unter Druck gesetzt fühlst , etwas Superfortgeschrittenes mit Illustrationen oder etwas Superschickes machen zu müssen . So einfach kann es sein. Unternehmen können sich dem Wandel nicht entziehen, aber sie können ihn gestalten. Wenn Ihr Vorteil ausgehöhlt ist, stoßen Ihre Pläne auf Widerstand. Deine Launch-Kameraden sind anders. Ihr werdet Leute unengagiert sein. Es ist ein Zeichen, etwas muss sich ändern. Der beste Ort um Pivot zu starten. Wir helfen Unternehmen, die vor einem Wendepunkt stehen , den Ankerpunkt zu finden und ihn zu nutzen, um strategisch und kreativ einen Vorteil zu schaffen . Pivot erleichtert es dir, dich umzudrehen und eine neue Richtung einzuschlagen während du treu bleibst, wer du bist. Wie? Indem wir Sie verstehen und Ihre einzigartige Geschichte nutzen, arbeiten wir mit Ihnen zusammen, um Lösungen zum Leben zu erwecken. Wir helfen Ihnen bei der Ausführung, wenn Sie wissen, was funktioniert, oder beim Experimentieren, wenn Auf diese Weise bringen wir Sie effizient und vertrauensvoll dorthin, wo Sie hin müssen . Wenn Sie das nächste Mal vor einem Wendepunkt stehen, wechseln Sie zu Pivot Ich finde es absolut toll, wie einfach, aber brillant dieses Markenvideo ist, indem jedes der geschriebenen Wörter und Botschaften entsprechend ihrer Bedeutung animiert wird. Das ist visuell sehr anregend und spiegelt auch die Persönlichkeit der Marke wider. Es ist effizient, praktisch, intelligent, intelligent, es bewegt sich schnell, es weiß, wohin es gehen muss, es weiß, wie es Ihnen helfen kann. Es hat das Know-how. Sogar die Wahl der Animation und die Art und Weise, wie sie dabei vorgegangen sind spiegeln die Marke wider, es ist nicht alles zufällig. Nochmals, mit dem 360-Konzept, wenn wir zu diesem Teil des Videos kommen , in dem Wendepunkt steht, der in die Bedeutung der Marke Pivot führt. Es endet mit derselben genauen Idee, Wendepunkt und endet dann mit dem Markennamen und dem Logo. Ich mag es wirklich, dass sie das tief verwurzelt haben. Du siehst es zweimal und du wirst dich immer daran erinnern, wenn du es wieder siehst. Der nächste ist Native Brand. Ich wollte auch ein Markenvideo hinzufügen, das nur mit Fotografie und Bildern funktioniert , falls Ihre Marke keine Illustrationen hat. Sie haben nicht die Mittel, um ein Voice-Over zu machen, und es ist genauso einfach wie möglich, aber es gibt etwas wirklich Interessantes hier, das ich an diesem Markenvideo liebe und wir werden es später angehen von dem ich wollte, dass du von jetzt an eine Notiz hast. [MUSIK] Ich weiß nicht, ob du dasselbe bemerkt hast, was mir aufgefallen ist. Aber diese Marke hat etwas Supereinfaches und Einfaches angenommen, das in jeder anderen Marke zu sehen ist. Es ist nur durchschnittliches Fotomaterial, nette Small Caps, aber es ist ziemlich einfach. Nichts, was wirklich auffällt. Aber was an diesem Markenvideo nummeriert ist, ist, wie sie alle Übergänge und Frames exquisit mit der Musik kombiniert haben. Darüber werde ich später definitiv sprechen, aber Musik ist eine weitere Dimension von Markenvideos. Es ist nicht nur etwas Visuelles. Die hörbare Dimension bringt auch eine große Wahrnehmung und einen riesigen Faktor ins Spiel. Ich finde es toll, wie sie etwas so Einfaches aufgenommen haben, es aber komplett verbessert haben, indem sie es mit dieser Musik gepaart haben. Es macht es super modern und superschnell und sehr frech und entschlossen und sehr witzig nur durch diese Musik. Sie können bereits ein Gefühl für die Persönlichkeit der Marke bekommen, indem Sie sich Persönlichkeit der Marke bekommen, indem Sie das ansehen und nur durch ihre Auswahl hier. Der letzte Markenwert, den ich Ihnen zeigen möchte, ist Zippy. [MUSIK] Ich liebe dieses Markenvideo besonders , weil ich es super einfach finde. Die Verwendung von Grundformen wie Quadraten, Rechtecken und Kreisen. Das war's. Grundlegende Botschaften und Typografie, grundlegende Fotografie. Dies könnte wie jede Marke aussehen, an der Sie arbeiten können, aber sie haben es erhöht, indem dieses fröhliche Familiengefühl mit der Musik und dem sehr freudigen, einfachen und einladenden Animationsstil dieses fröhliche Familiengefühl wieder hinzugefügt haben. Ich wollte dir nur eine andere Vorstellung davon zeigen, wie das aussieht . Es ist super einfach. Es muss nichts Kompliziertes sein, aber es geht darum, Ihr Ziel und den Weg , den Sie damit gehen möchten, sowie den Ton und die Stimme und das, was Sie suchen möchten, zu definieren Ihr Ziel und den Weg , den Sie damit gehen möchten, sowie den Ton und die Stimme und das, was Sie suchen . all diese Antworten auf diese Fragen zu liefern diese Antworten auf diese Fragen zu bestimmt, welche Musik Sie machen werden. Wenn Sie eine Animation oder Fotografie machen oder etwas mit [unhörbar] oder etwas mit Filmmaterial. Die 360 Grad kommen hierher, indem auch die Essenz hervorheben sie auch die Essenz hervorheben, Eltern und Kindern das Leben zu erleichtern und es für Familien sinnvoller zu machen. Dann beenden wir das Video, indem wir uns von einem alltäglichen Familienleben inspirieren lassen und alle zusammenbringen, was ihr Slogan ist, wir gehen zusammen. Sie melden sich am Ende mit dem Logo ab. Jedes dieser Markenvideos verwendet dieses Konzept in dieser Methode unterschiedlich, abhängig von Ihrer Marke. Ich wollte nur , dass Sie sich ein breites Spektrum verschiedener Beispiele ansehen , und ich werde wahrscheinlich noch viel mehr meiner Favoriten in den Ressourcen verlinken meiner Favoriten in , damit Sie sie in Ihrem eigenen Tempo ansehen können. Ich kann dir das auf jeden Fall empfehlen. Weil Sie einfach ein gutes Verständnis und ein gutes Erscheinungsbild erhalten ein gutes Verständnis und ein gutes Erscheinungsbild wenn Sie sich sehr unterschiedliche Beispiele ansehen, und es wird Ihnen helfen, Sie zu begeistern und darauf vorzubereiten, Ihre eigenen zu erstellen. Nachdem das gesagt ist, lasst uns mit der nächsten Lektion beginnen. 4. Markenübersicht: [MUSIK] Nachdem wir nun das grundlegende Verständnis und den Fluss von Markenvideos behandelt haben , möchte ich Sie jetzt durch die Marke führen, die ich für einen echten Kunden erstellt habe , und genau das werde ich ein Markenvideo machen für heute. Ich möchte, dass du Skip in Scoop triffst. Ähnlich wie der Name schon sagt, ist Skip and Scoop eine Eiscreme-Marke, aber mit einem gewissen Etwas. Es ist eher ein magisches Erlebnis, das Ihre nostalgische Kindheit anspricht. Es ist eine verwöhnende Erfahrung für Erwachsene, sich an ihre Kindheit zu erinnern , und für Kinder, um ihrer Fantasie freien Lauf zu lassen, was zu einem magischen Erlebnis , das einen bleibenden Wert hat. Ich habe diese Marke in Zusammenarbeit mit der Boutique-Branding-Agentur Ants and Elephants gegründet , ebenfalls in Kairo ansässig ist. Dort kümmerten sie sich um die Strategie, die Kundenworkshops und das kreative Briefing und ich arbeitete mit ihnen zusammen, um den visuellen Aspekt der Marke zu kreieren , vom Logo bis zu den Illustrationen der Markenidentität. Ich möchte Sie durch einige der kreativen Entscheidungen führen, die wir bei der Gründung dieser Marke getroffen haben , damit Sie ein umfassendes Verständnis davon haben , bevor ich mich mit allem anderen beschäftige. Ich beginne mit einer Markengeschichte. Eine Markengeschichte ist im Grunde eine zusammenhängende Erzählung, die die Fakten und Gefühle zusammenfasst , die von Ihrer Marke erzeugt werden. Im Gegensatz zum Verkauf oder der Werbung für ein Produkt muss eine Markengeschichte eine emotionale Reaktion hervorrufen. Sie werden also sehen, dass es so geschrieben ist , dass es Emotionen anregt und wie bestimmte Keywords visuell in der gesamten Markenidentität angewendet werden . Die Markengeschichte ist wie folgt: Wir glauben an Vorstellungskraft, Selbstdarstellung und Kreativität. Bei Skip and Scoop sind interaktiven Erlebnissen keine Grenzen gesetzt und Sie werden gebeten, Ihrer kindlichen Fantasie freien Lauf zu lassen, während Sie an Ihren geschmackvollen Leckereien und Eiscreme festhalten. Wir sind hier, um Sie und Ihre Lieben auf ein Verkostungsabenteuer mit einzigartigen Aromen für Ihre Augen und Ihren Gaumen mitzunehmen. Willkommen an einem Ziel für Ihren Geist und Appetit. Wenn wir dann zu den Markenfarben übergehen, sind die primären Markenfarben Zuckerstangenrot und Milchcreme. Ich nenne immer gerne die Markenfarben, die ich ausgewählt habe, weil sie dadurch für die Marke umso einzigartiger werden und jeder Name eine bestimmte Bedeutung hinter der Farbwahl widerspiegelt. Zuckerstangenrot ist also eine ikonische Markenfarbe , die Licht, Leidenschaft und Liebe hervorruft. Es ist das Gefühl, das man fühlen soll, wenn man sich etwas gönnt und Eis isst. Es ist auch eine sehr anregende Farbe die Appetit, Aufregung und einen Ansturm von Emotionen Dies ist also die Hauptfarbe, mit der die Menschen die Marke erkennen sollen. Auf der anderen Seite ist Milchcreme von der Molkerei aus der Eiscreme inspiriert und soll das Rot ausgleichen und als neutrale Farbe wirken , die für die Marke relevant ist. Dann haben wir auch Sekundärfarben. Die Sekundärfarben haben auch Vornamen, die Himmelblau, Happy Yellow und Bubblegum Pink sind. Diese spiegeln die Schlüsselwörter und Werte der Marke wider und wirken mit dem Zuckerstangenrot und der Milchcreme auch als leuchtender Farbtupfer . Jetzt haben die Sekundärfarben auch eine andere Dimension, nämlich diese monochromatischen Schattierungen für jede Farbe, wenn die Dinge etwas realistischer sein müssen, oder 3D, im Gegensatz zu flachen Farben wie hier. Wir wollten nur Flexibilität bei der Verwendung der Farben in der gesamten Markenidentität haben , wie Sie überall sehen werden. Dann tauchen wir in das Logo ein. Das Logo ist diese maßgeschneiderte Wortmarke, die eine Zeit vor unserer Kindheit widerspiegeln soll , als wir noch jung und sorglos waren. Was würde uns immer aufregen und unsere Augen erleuchten lassen? Nun, Eiscreme natürlich. Die Wortmarke wurde so gestaltet , dass sie dem Gefühl des Überspringens ähnelt und das kindliche und aufgeregte Gefühl hervorruft , das wir hatten, als wir Eis essen wollten, indem wir die Buchstaben einzeln hatten . Tilde in verschiedene Richtungen, als würden sie tatsächlich überspringen. Wir haben uns auch durchweg für Kleinbuchstaben entschieden , da Kleinbuchstaben und Wortmarken im Allgemeinen Kleinbuchstaben und Wortmarken ein jüngeres und freundlicheres Gefühl widerspiegeln. Die Linien, die unter einigen Buchstaben hinzugefügt werden , sollen auch eine Art Bewegung hervorrufen und den spielerischen Aspekt der Marke verstärken. Dann haben wir auch eine Logo-Untermarke erstellt , bei der wir die Wortmarke in SMS reduzieren. Auch ein Spiel mit der Illustration des Namens Skip and Scoop und anstelle des und haben wir ein kaufmännisches Und-Zeichen hinzugefügt, damit es optisch ausgewogener ist. Dann ist dies die Wortmarke auf dem Hintergrund der Milchcreme. Dann gehen wir zur Identität und Verpackung über. Wir haben der Markenidentität auch einen Namen gegeben und sie spiegelt das dahinter stehende Konzept wider. Da der Markenname Skip and Scoop ist, wollten wir uns ein Konzept für die Identität ausdenken, das sich darauf bezieht, uns aber Raum gibt, damit wild zu werden. Wo würdest du normalerweise überspringen? Wir dachten, auf einem Spielplatz. Wir nannten es den magischen Spielplatz der Träume. Jetzt bietet dieser magische Spielplatz viele verschiedene Spiele und Fahrgeschäfte, aber mit einer Wendung. Jede Fahrt oder jedes Element auf diesem Spielplatz wird als Eis oder eine bestimmte Wüste neu interpretiert , die Skip and Scoop anbietet. Wir versetzen uns in die Lage eines Kindes und dachten, wie würde sich ein Kind einen magischen Spielplatz vorstellen? Wir haben diese magische Eiscremesandwichfahrt und dann ein Waffel-Keks-Trampolin mit Eisportionieren als springende Kugeln und dann eine Rutsche aus Churros und einer Zuckerstangenleiter und dann eine magische Rutsche für die Milchshakes mit einem Zuckerstangen-Strohhalm und einem fliegenden Fahrrad aus Kaffeebehälterrädern und einer magischen Schaukel aus Waffelkeksen und einer Zuckerstangenstruktur. Auch eine Wippe aus einem Waffelkeks, der durch einen riesigen Eisportionierer und zwei weiche Eisportionen an beiden Enden ausgeglichen einen riesigen Eisportionierer und zwei wird. Wir wollten auch, dass die Typografie und die Botschaften in der Marke geneigt sind und den gleichen Überspringeffekt haben und dass sie mit Elementen interagieren. Dies ist ein Beispiel, in dem wir geschrieben haben, mach eine Drehung in den Himmel und lass zwei Hula-Hoops darum drehen. Die Wahl der Typografie hier ist mutig, lieblich und kindlich, um die Werte der Marke widerzuspiegeln. Dies ist der allgemeine Überblick über die Marke mit allem kombiniert. Sie können hier sehen, dass die Hauptmarkenfarben durchweg dominieren, aber die Sekundärfarben wirken als Akzentuierung und bringen wirklich alles so gut zusammen und fügen ein wenig hinzu Geschmack der Marke. Wir wollten dann, dass die Marke ikonische rote Zapfen hat, um die Markenfarbe weiter hervorzuheben und das Logo darin eingravieren zu lassen. Wir haben auch überlegt, die Abbildungen auf der Verpackung hier auf den Eistüten anzubringen die Abbildungen auf der Verpackung . gleiche gilt für Eisbecher , aber mit einer anderen Abbildung. Dann ging das Kaffeebehälter-Fahrrad auf die Kaffeetassen zum Mitnehmen und die magischen Milchshake-Dia-Illustrationen gingen auf die Milchshake-Tassen. Bei den Takeaway-Taschen möchten wir, dass sie ein Wortspiel drauf haben, indem erneut Swing by uns schreiben und die Illustration der Schaukel als spielerischen Eindruck einfügen den Sie beim Kunden hinterlassen können als sie den Laden verlassen. Wir haben auch Aufkleber, Uniformen und Schürzen hergestellt und dies ist eine meiner Lieblingsideen zur Aktivierung. Da dies ein imaginärer Spielplatz mit Süßigkeiten und Eiscreme ist , gingen wir sofort an Willy Wonka. Wir wollten diese Idee eines goldenen Tickets immer dann entwickeln , wenn ein neuer Kunde Eis im Geschäft kaufte, er dieses Ticket erhält und nach 10 Eiscreme-Käufen Eis im Geschäft kaufte, er dieses Ticket erhält und nach 10 Eiscreme-Käufen würde einen kostenlosen bekommen. Wie das, was man normalerweise in Coffeeshops sehen würde , aber wir wollten , dass es ein bisschen aufregender und relevanter für die Marken wird, also dachten wir , dass dies zu der verspielten, lustigen und magischen Natur der Marke passt . . Dann ist dies eine Visualisierung der Menüleiste im Geschäft. Da das gesamte Markenkonzept auf dieser imaginären Welt aufbaut, wollten wir Ideen präsentieren , wie wir die Geschichte zu einem Erlebnis machen können , in dem Sie sich verlieren und umarme dein inneres Kind. Deshalb wollten wir Ideen von 3D-Installationen, Wolken an der Decke und dem Boden, schmelzenden Eiscremebündeln und Glühbirnen für Eistüten einbeziehen Wolken an der Decke und dem Boden, . Das ist so ziemlich alles. Dies ist eine meiner Lieblingsmarken , an denen ich je in Bezug auf Prozess, Zusammenarbeit und visuelles Ergebnis gearbeitet habe. Jetzt fehlt etwas , das die Geschichte durch das Markenvideo erzählt. Für diese spezielle Marke habe ich, wie ich bereits sagte, das Gefühl, dass ein reines Bewegungsgrafik- und Animationsvideo mit Animationen der Illustrationen und Schreiben der Geschichte auf dem Bildschirm perfekt dafür ist Marke und es wird ausreichen, um diese magische Wirkung zu erzielen , die ich zu erzielen versuche. Wenn ich nun Filmmaterial und typische Eiscreme-Aufnahmen hinzufüge, habe ich das Gefühl, dass es die Magie ein wenig beeinträchtigt und die Dinge auf unseren realistischen Boden bringt , was ich für diesen ersten Start vermeiden möchte Video. also ohne weiteres Lassen Sie uns also ohne weiteres mit dem Briefing beginnen. [MUSIK] 5. Das Briefing: [MUSIK] Wie bei jeder Aufgabe im Branding müssen Sie immer ein kreatives Briefing über sich haben. Ein kreatives Briefing hilft nur dabei, die Dinge in Ordnung zu bringen und die Dinge für Sie oder andere Personen, mit denen Sie zusammenarbeiten werden, glasklar für Sie oder andere Personen, mit denen Sie zusammenarbeiten werden, glasklar zu machen, wenn Sie dieses Dokument an einen Mitarbeiter senden . Dies wird eine herunterladbare Keynote-Vorlage für Sie sein. Wenn Sie es später für sich selbst verwenden möchten, verlinke ich es unten unter den Ressourcen. Ich habe den Brief in fünf Abschnitte unterteilt. Zielsetzung, Zielgruppe, Inhalt, Markengeschichte und Tonalität. In jedem Abschnitt werden Fragen gestellt , bei denen die Antworten Ihnen helfen, das Briefing für sich selbst zu erstellen. Dies ist eine großartige Übung für Sie, um sich auf richtigen Weg zu bringen und genau zu wissen, was Sie mit diesem Video aufnehmen werden. Alternativ ist es ein gutes Dokument , an jemanden senden können, mit dem Sie möglicherweise zusammenarbeiten werden und der bestimmte wichtige Punkte kennen muss . Beginnend mit dem Ziel, welche Art von Markenvideo wird das sein? In meinem Fall ist es ein Startvideo für eine neue Marke. Ich stelle mir vor, dass das Überspringen von Skulpturen und Starts noch gemacht wurde, und ich werde das erste Video machen, das auf den Markt kommt und die Marke prägt. Dies ist eine wichtige Information, da sie bestimmt , welche Art von Inhalten Sie im Video benötigen. Was ist als Nächstes das Ziel? Das Ziel ist in meinem Fall so einfach wie diese magische Geschichte der Marke zu erzählen diese magische Geschichte der Marke und daraus Markenwert aufzubauen. Ich möchte das Konzept hinter dem Logo und der Identität der Marke präsentieren hinter dem Logo und der Identität der Marke , weil es immer noch das Erste ist, was die Leute sehen werden. Ich möchte sie auf diese Reise mitnehmen und dass sie die Geschichte dahinter verstehen , bevor sie andere Kampagnen für diese Marke starten . Ich möchte zuerst das Rückgrat der Marke präsentieren das Markenimage für den Verbraucher einbetten. Als nächstes kommt das Publikum. Wer ist die Zielgruppe dieses Videos? Ich habe zwei Arten von Menschen, auf die ich es abgesehen habe. Jugendliche, junge Erwachsene und Einzelpersonen, die gerne Eis genießen und keine Angst haben, ihrer Fantasie des inneren Kindes freien Lauf zu lassen, aber auch die Eltern dieser Kinder, die zuschauen das Video und möchten diese Marke mit ihren Kindern erleben und mit ihren Augen sehen. Welche Wahrnehmung möchte ich dann den Verbrauchern mit diesem Video hinterlassen? Ich möchte, dass sich die Verbraucher aufgeregt, fasziniert und neugierig fühlen. Das heißt, ich möchte ihnen nicht das Gesamtbild der Marke hinterlassen . Ich möchte sie auf eine Reise mitnehmen gerade genug ist, um ein bisschen Fantasie und ein bisschen Raum zu lassen , um mehr zu erfahren, damit sie hier bleiben und abwarten, was die Marke sonst noch bietet. Ich möchte durch diese imaginäre Welt, die ich erschaffe, eine Grundlage der Aufregung und Freude schaffen. Dann kommt Content. Welche Art von Inhalten wird dieses Markenvideo haben? Da es sich um ein Launch-Video handelt und ich nur die Geschichte hinter der Marke und dieser magischen Welt vorstellen möchte , möchte ich nur, dass es sich um reine Emotionsgrafiken, animierte Videos des Logos, die Botschaften, die Illustrationen, und haben vorerst Hintergrundmusik. Ich möchte es so magisch wie möglich halten, ohne Aufnahmen von Leuten zu haben, die Eis oder Modelle essen , weil ich denke, dass es dann realistischer wäre, und speziell für dieses Video Ich möchte sie in diesem imaginären Bereich behalten und es so magisch und kindlich wie möglich halten. Als nächstes folgt die Markengeschichte. Was ist die Geschichte, die ich letztendlich überbringe? Da ich die Markengeschichte bereits aus der Branding-Phase hatte , behalte ich sie so, wie sie jetzt ist, und ich werde die Geschichte später mit bestimmten Worten in der nächsten Lektion finden . Aber wenn Sie noch keine Markengeschichte geschrieben haben, fordere ich Sie dringend auf, sich diesen Moment zu nehmen und eine kleine Erzählung aufzuschreiben , die die Bedeutung Ihrer Marke widerspiegelt, die Lösung, die sie gegebenenfalls löst und die emotionale Wirkung, die es auf sein Publikum haben soll. Dies wird Ihnen helfen, die Geschichte für Ihr Video zu konstruieren. guter Letzt ist die Tonalität. Was ist der Ton und die Stimme hinter Ihrer Marke? Das wird fast alles diktieren. Die Musik, die Sie im Hintergrund auswählen, das Tempo des Videos, die Nachrichten, die Sie schreiben werden, und so ziemlich alles. Der Ton und die Stimme nehmen die Form von prägnanten Schlüsselwörtern an. In meinem Fall sind sie verspielt, imaginär, kindlich, erhebend und magisch. Das hilft mir bei meiner Musikauswahl, der Art der Animation, für die ich mich entscheiden werde, und so weiter und so fort. Das ist so ziemlich das Ende unseres Briefings. Sie können dieses Dokument als Vorlage für sich selbst verwenden und einfach die Antworten schreiben, die Marke passen, an der Sie am besten gearbeitet haben, und Sie werden bereits in dieser Phase das Gefühl haben, dass Sie eine Art Roadmap haben. In der nächsten Lektion beginnen wir mit der Konstruktion einer klaren Geschichte und setzen sie auf eine Zeitleiste für unser Markenvideo. 6. Strukturierung der Geschichte: [MUSIK]. In dieser Lektion lernen wir, wie man eine Animationsidee für unser Logo entwickelt, sie aber auch mit einem größeren Bild der Geschichte verknüpft. Im Wesentlichen erstellen wir nicht nur eine Logoanimation, wir erstellen ein Markenvideo. Wir müssen also alles mit einem 360-Grad-Ausblick erstellen. Ich führe Sie durch die Strukturvorlage , die ich vorbereitet habe, und sie hilft mir einfach alles zu platzieren und alle Elemente miteinander zu verknüpfen, Logo mit einer größeren Geschichte. Ich werde diese Vorlage mit Ihnen und den Ressourcen teilen , falls Sie sie benötigen, Sie können sie verwenden. Die Story-Strukturvorlage ist in zwei Teile unterteilt, Logoanimation und die Geschichte. Wir werden dann die beiden miteinander verknüpfen und sie auf einen vorläufigen Zeitplan setzen , damit alle Sinn ergeben, wenn sie zusammenkommen, und das wird es Ihnen später einfacher machen Storyboard. Das Wichtigste zuerst: Ich möchte, dass Sie einen Überblick über Ihre Marke erstellen , wie ich es hier getan habe. Um eine Geschichte für das Video zu konstruieren, müssen Sie wissen, womit Sie arbeiten werden. Jetzt möchte ich, dass Sie Ihre Marke als separate Elemente betrachten . Die Elemente, die ich hier habe, sind die magischen Eiscreme-Illustrationen, die Überspringungskonzepte im Logo und die Idee eines Verkostungsabenteuers. Dies kann sich von Ihrer Marke unterscheiden. Ihre Elemente könnten beispielsweise Grundformen, grafische Linien, dynamische Layoutstrukturen, Fotografie anstelle von Illustrationen sein. Arbeite damit. Analysieren Sie die Elemente und identifizieren Sie, was sie sind. Anhand dieser Elemente möchten Sie beginnen, Schlüsselkonzepte zu identifizieren. Meine Schlüsselkonzepte aus dem, was ich Ihnen zuvor in der Markenübersicht gezeigt habe , sind der magische Spielplatz der Träume, das Skipping-Konzept und das Verkostungsabenteuer. Die Tatsache, dass diese Marke so viel mehr als nur Eiscreme bietet , möchte ich das Publikum auf eine Reise mitnehmen. Dies sind die drei Hauptkonzepte, die ich im Video vorstellen möchte. Als Nächstes muss ich herausfinden welche Kernbotschaften ich in das Video schreiben werde . Ich habe diese aus der Markengeschichte gezogen und irgendwie auf dem Weg geschrieben , um sie fit zu machen und die Geschichte zu repräsentieren, die ich zu liefern versuche. Die Kernbotschaften sind: Stellen Sie sich eine Welt ohne Grenzen und Ziel für Ihren Geist und Ihren Appetit vor. Ein Verkostungsabenteuer für Ihre Augen und Geschmacksknospen, und unsere Küche liegt in den Wolken. Sie können unterwegs jederzeit weitere wichtige Botschaften hinzufügen oder entfernen. Dies ist jedoch ein wichtiger Schritt, um die Bühne zu identifizieren, damit Sie eine grundlegende Sequenz für das Video erstellen können. Je mehr Boten Sie haben, desto mehr Frames müssen Sie sich vorstellen und je weniger, desto weniger müssen Sie schneiden. Ab diesem Punkt kann ich zu meiner Logoanimation übergehen. Jetzt weiß ich mit Sicherheit, dass die Animation das Konzept hinter dem Logo widerspiegeln soll. Weil mein Logo so gestaltet ist, dass es an das Konzept des Überspringens und das Glücksgefühl erinnert das Konzept des Überspringens und das Glücksgefühl , das man bekommt, wenn man Eis isst. Ich denke, ich kann die Buchstaben vom oberen Bildschirmrand fallen verstreut und uneben vom oberen Bildschirmrand fallen lassen, und sie würden abprallen und wieder an ihren Platz springen. Das Logo ist einfach, daher möchte ich, dass die Animation genauso einfach ist und das widerspiegelt. Aber wie verbinde ich es dann mit dem magischen Spielplatz der Träume und überführe alles reibungslos mit den Illustrationen? Wir kehren zu den Schlüsselkonzepten zurück und prüfen, ob es etwas gibt, das uns helfen kann. Aus den Schlüsselkonzepten kann ich das Wort magischer Spielplatz und Verkostungsabenteuer hervorheben . Wenn Sie nun zum Logo zurückkehren, kann ich mit dem Punkt des i arbeiten. Der Punkt des i ist die einzige Grundform in der gesamten Wortmarke und es ist die einzige dunkle Form auf einem der Buchstaben. Es hebt sich von den anderen ab. Dieser Punkt könnte tatsächlich einen Ball auf einem Spielplatz darstellen. Es könnte hochskaliert werden und auf dem Boden hüpfen und dann durch das gesamte Video gleiten und hüpfen, mit Illustrationen interagieren und um die Nachrichten herumgleiten und dann nach unten gehen die Rutschen und um die Schaukeln herum bis sie das Ende erreicht haben, vereinigt sich wieder mit dem Logo und springt dann als Punkt an seinen Platz zurück. Jetzt habe ich hier ein paar Referenzen für dieses Konzept veröffentlicht . Ich bin gerade auf Pinterest gegangen und habe Bouncing-Animationen eingegeben und ein paar Referenzen herausgezogen, die die Idee widerspiegeln, die ich zu animieren versuche. Die Referenz auf der linken Seite zeigt, wie ich mir vorstelle, dass der Ball abprallen soll. Sie sehen, wie sich seine Form verändert, wenn es auf das Trampolin trifft und wenn es wieder nach oben geht. Dies wird interessant sein, da sich der Punkt auch in eine Kugel verwandelt und dann wieder in einen Punkt springt. Dann ist die Referenz auf der rechten Seite, wie der Ball durch das Video wandern und zwischen den Illustrationen hüpfen und gleiten soll , um die Dinge so spielerisch und dynamisch wie möglich zu halten. Jetzt können Sie genau dieselbe Methode für das Logo verwenden , an dem Sie gerade arbeiten. Sie müssen nur das Konzept hinter Ihrem Logo identifizieren und dann über eine automatisierte Methode nachdenken , um dieses Konzept zu präsentieren, und dann Ihre Markenidentität betrachten und ein gemeinsames Element zwischen beides , das man miteinander verbinden kann. Ich habe mir meine Referenzen mit bestimmten Keywords wie bounce und skip angesehen, und es hat mir definitiv geholfen, mir vorzustellen, wie ich diese Animation sehen kann. Sie können dasselbe in Ihrem Fall tun, indem bestimmte Schlüsselwörter anhand Ihres Konzepts identifizieren. Jetzt, da wir die Animationsidee für das Logo etabliert haben und wie es mit der Markenidentität verbunden wird, ist es an der Zeit, einen Überblick über die gesamte Geschichte zu haben. Denken Sie daran, als ich über die 360-Grad-Methode sprach, kommt sie hier ins Spiel. Denken Sie daran, dass es kein perfekter Kreis sein muss. Dies ist keine Geometrieklasse. können Sie auf jeden Fall nachsichtig sein. Ich möchte nur, dass Sie verstehen mächtig es ist, Anfang und Ende zu verbinden, und Sie müssen dies nicht tun wenn Sie nicht wollen oder wenn es nicht zu Ihrer Marke passt, das ist nur ein zusätzlicher Tipp oder so das könnte Ihnen helfen, eine Struktur für sich selbst zu bilden. Meine 360 Grad sehen so aus. Ich stelle mir die Geschichte vor. Wir beginnen mit einer fesselnden Eröffnungszeile, etwas aus den Kernbotschaften wie Stellen Sie sich eine Welt ohne Grenzen vor“. Dann kann eine animierte Illustration folgen, vorzugsweise etwas, das diese Linie widerspiegelt , um sie relevanter zu machen, und dann werde ich das Logo mit der Animationsidee vorstellen. Dann locke ich das Publikum, indem ich es auf ein Verkostungsabenteuer mitnehme Dieses Verkostungsabenteuer geht dann durch all die verschiedenen animierten Illustrationen, und dann beende ich das Markenvideo mit einer Schlusszeile, die sich auf das bezieht, womit ich angefangen habe. Als ich damit begann, mir eine Welt ohne Grenzen vorzustellen, möchte ich meine Geschichte mit Willkommen an einem Reiseziel beenden. Nachdem ich das Video mit imagine this world vorgestellt habe, heiße ich Sie jetzt willkommen. Es ist fast so, als ob du angekommen bist. Technisch gesehen werde ich nicht mit genau dem enden , womit ich angefangen habe. Deshalb ist es kein perfekt geschlossener Kreis, aber ich beende ihn am Ende mit derselben Sequenz , die alles miteinander verbindet. Ich denke immer, dass das Beenden Ihres Videos mit dem Logo das stärkste Outro ist, sodass sich die Leute immer an den Markennamen erinnern können, und es ist fast wie ein Zeichen, im Grunde eine Marke, eine Unterschrift. Behalte das immer im Hinterkopf. Sie müssen nicht immer sofort mit dem Logo beginnen, aber ich empfehle Ihnen, damit zu enden. Vergessen Sie nicht, dass der springende Ball auch am Ende einen vollen Kreis schließt, wo er Anfang vom Logo abprallt und dann seine Reise ganz am Ende beendet. Jetzt, da wir eine Logoanimation und eine Geschichte zu erzählen haben, können wir jetzt alles auf eine visuelle Zeitleiste setzen, sodass wir genau wissen, was wohin führt. Ich habe dir schon ein bisschen Zeit gespart, indem ich meine Elemente hier auf der Timeline platziert meine Elemente hier auf der Timeline , um die Dinge ein wenig zu bewegen. Das muss nicht in Stein gemeißelt werden. Ich kann an dieser Stelle jederzeit zurückgehen, bearbeiten , neu anordnen, alles neu anordnen. sind vorerst nur wichtige Punkte entlang der Zeitleiste, nur damit ich eine grobe Reihenfolge für das Video kennen kann. Jeder schwarze Punkt hier soll ein Rahmen sein. Ich beginne mit einer Eröffnungsnachricht wie Sie sie zuvor gesehen haben, und wechsle dann mit einer animierten Illustration zwischen den einzelnen Nachrichten, nur um die Dinge visuell interessant zu halten. Ich möchte, dass das Publikum liest, als zu sehen, wie etwas animiert wird und umgekehrt. An diesem Punkt können Sie wirklich damit herumspielen, Sie haben, so viele weitere Frames hinzufügen, wie Sie möchten Ihrer Geschichte und der Anzahl der Elemente, die Sie haben, so viele weitere Frames hinzufügen, wie Sie möchten. Oder Sie können sie kürzen und so weniger Frames haben, wie Sie möchten. Ab diesem Zeitpunkt ist es super einfach, mit dem Storyboarding zu beginnen. Ich kann mir ziemlich genau vorstellen , was ich in jedem Bild machen möchte. Ich werde in der nächsten Lektion mit dem Skizzieren des Storyboards beginnen und sehen, wie wir es weiterentwickeln und für die Animation vorbereiten können. 7. Storyboard: In dieser Lektion beginnen wir mit dem Skizzieren unseres Storyboards. Storyboards sind sehr wichtig , da sie als Roadmap für das gesamte Video dienen. Sie können das gesamte Video als einen Prozess vor sich sehen . Sie helfen Ihnen auch dabei, festzustellen , ob das Konzept Ihres Videos funktioniert oder nicht und wie der Fluss Ihres Videos aussehen wird. Wenn Sie Anpassungen vornehmen oder etwas reparieren müssen, bestellen wir, wir bearbeiten alles. Dies ist der perfekte Zeitpunkt dafür. Normalerweise benötigen Sie dafür ein Papier und einen Stift aber wenn Sie ein iPad haben und es lieber verwenden möchten, können Sie dies auf jeden Fall tun. Ich persönlich benutze einfach gerne ein gutes altes Papier und einen Bleistift. Der Vorgang ist super einfach und unkompliziert. Wir zeichnen nur winzige Miniaturansichten von jedem Bild als Storyboard und zeichnen, was in jedem Bild zu sehen sein wird. Jetzt können Sie Ihr Lineal verwenden, wenn Sie möchten aber ich zeichne auch gerne freihändig, sodass Sie keinerlei Druck darauf ausüben, was Sie tun möchten. Aber um dieses Videos willen denke ich, werde ich das Lineal vorerst wegwerfen und einfach freihändig zeichnen weil es super einfach und leicht ist und Sie nicht zu viel Zeit damit verschwenden möchten sicher, dass jeder Rahmen perfekt quadratisch oder rechteckig ist; das ist momentan nicht wichtig. Wir können damit beginnen, ich benutze gerne einen HB-Bleistift, um mit leicht und einfach zu beginnen mit leicht und einfach , und wir müssen uns jetzt für irgendwelche Zeilen verpflichten. Was ich tun werde, ist, dass ich hier einfach meinen ersten Frame zeichnen werde . Ich werde das oben benennen , melde dich einfach an, das ist Frame 1. Dann werde ich auf meinen Zeitplan zurückblicken, den ich in der vorherigen Lektion hatte , und überprüfe, was im ersten Bild erscheinen wird. Im ersten Bild werde ich so etwas wie eine Linie haben , die mit der Vorstellung einer Welt ohne Grenzen einhergeht . Ich denke auch daran, Wolken am Himmel zu haben, abgerundet. Cool. Das wird in meinem ersten Bild sein. Wenn ich jetzt zur zweiten übergehe, werde ich eine Leiter haben und ich denke, ich kann die Wolken, die wir hier sehen, verbinden die Wolken, die wir hier sehen, verbinden und sie in diese umwandeln, damit es Sinn macht. Wenn Sie Storyboards zeichnen, können Sie Anmerkungen für sich selbst schreiben , damit Sie sich daran erinnern können. Ich werde hier nur Link Clouds schreiben, nur damit ich verstehe, wie ich von hier nach hier übergehen werde. Dann haben wir im dritten Frame eine weitere Zeile. Der nächste Rahmen zeigt die Art und Weise, wie der Keks und die Eisportionierer darauf fallen. Ich möchte eigentlich veranschaulichen, wie diese Animation zustande kommen wird. Für das erste Bild möchte ich, dass der Eisportionierer vom Bildschirm herunterfällt. Ich werde das einfach für mich selbst zeichnen und genau hier, von oben fallen. Ich gehe hier runter und ziehe meine fünfte Saite. Der Eisportionierer ist bereits vom oberen Rand des Bildschirms gefallen vom oberen Rand des Bildschirms gefallen und jetzt fällt der Waffelkeks darauf und balanciert genau dort. Das ist alles sehr grobe Zeichnung. Du musst kein Künstler sein , um das zu tun. Dies ist nur für Sie selbst , um es später zu verwenden. Nur du solltest verstehen können, was du zeichnest. Auf diesem Rahmen werde ich die Eisportionierer zeichnen , die auf die Wippe fallen. Normalerweise sind diese drei Frames eine Illustrator-Datei, und darauf kommen wir später aber ich zeichne sie nur in drei separaten Frames nur damit ich weiß, wie der Übergang ist. wird mit jedem Element passieren. Das erste Element wird die Eisportionierer sein , die von oben fällt, dann der Waffelkeks, dann die Eisportionierer. Wenn ich das alles in einem Bild zeichnen würde, wäre es nicht sehr klar , weshalb ich es in drei verschiedene Frames aufteilen musste . Dann gehe ich zum siebten Bild über und schreibe hier einen magischen Spielplatz voller Träume. Ich denke, dass in all diesen Frames der Hintergrund konsistent sein wird , also vielleicht der cremefarbene Hintergrund, aber wenn ich dann zu hier wechsle, möchte ich, dass er auf den roten Hintergrund umgestellt wird. Ich werde einfach genau den gleichen Rahmen zeichnen und für mich selbst anmerken, dass ich hier die Hintergrundfarbe ändere , denn wenn wir das nächste Mal zum Logo gehen, möchte ich, dass das Logo zuerst auf dem Rot erscheint Hintergrund, also muss dieser Übergang genau dort stattfinden. Bei der Logoanimation werden wir nun jeden einzelnen Buchstaben vom oberen Bildschirmrand verstreut haben . Dann wollte ich mich nur noch auf das ursprüngliche Logo einlassen. Ich schreibe nur hier und schließe mich an. Fahren Sie dann mit dem nächsten Bild fort. Erinnerst du dich, als wir sagten, wir benutzen den Punkt des I als springenden Ball? Also denke ich, wenn es eingerastet ist, fallen alle Buchstaben einfach ab. Was dann übrig bleibt, ist der Punkt des I, der sich dann in diesen springenden Ball verwandelt. die Buchstaben fallen, würde es auch auf dem Boden abprallen wie die Referenz, die wir zuvor veröffentlicht haben. Bitte, ich habe es gerade für mich selbst geschrieben, alle Buchstaben fallen und Punkt wird gerade zu einem Ball. Dann geht der Punkt in den Ball und ich zeichne das nur für mich selbst, um mir zu sagen , dass sich das in allen anderen Frames fortsetzen wird. Der Ball wird mir einfach folgen. Ich habe 12 Bilder hier drüben, ich lege sie einfach beiseite und mache auf einem separaten Papier weiter. Als nächstes habe ich Frame 13. Danach, lass mich dich auf ein Verkostungsabenteuer mitnehmen, ich habe die Swing-Illustration, also werde ich sie einfach zeichnen. Ich habe hier zwei Elemente, also der Ball kommt rein und interagiert mit dem Schwung, und dann habe ich hier die Animation des Schwungs selbst. Dann geht es weiter. Als nächstes habe ich das Eistrampolin, das bereits diese springenden Schaufeln hat, also wäre es wirklich cool , wenn der Ball kommt und auf dem Trampolin hüpft und dann abprallt. Wir haben die Linie für Ihre Augen und Geschmacksknospen. Als nächstes haben wir die Rutsche. Das ist auch wirklich toll , denn dann könnte der Ball buchstäblich nach unten rutschen und dann hier abrutschen. Dann haben wir die Leitung oder eine Küche ist im Gericht. Dann haben wir hier auch ein paar Wolken. Vielleicht eine Art Hula-Hoop also schreibe ich einfach Clouds Hula Hoop, nur damit ich weiß, ob ich hier weitere interessante Elemente platzieren möchte . Das wird das Kaffeebohnenfahrrad sein. Ich bin gerade hier und notiziere für mich selbst , dass ich möchte, dass die Fahrradräder zusammen mit dem durchlaufenden Ball animiert werden, und dann haben wir den Markenslogan, mit dem die Kugel der Träume serviert wird Fantasie, und dann haben wir noch eine Folie, die Churro-Rutsche. Dies ist ein wichtiger Teil , in dem ich entscheiden werde, wie das Outro aussehen soll. Meine letzte Folie wird an einem Ziel für Ihren Geist und Appetit begrüßt . Ich möchte, dass der Ball zum letzten Mal auf einem leeren Hintergrund und Grenzen hierher kommt letzten Mal auf einem leeren Hintergrund und Grenzen und dann wäre entweder das Logo hier, fertig ohne die Punkte. Dann kommt es und springt buchstäblich einfach wieder an seinen Platz hier und dann wäre das am Ende mein letzter Frame, oder ich könnte es tatsächlich genauso beenden, wie ich das Logo eingeführt habe also müsste ich es immer noch überspringen und Schaufelbuchstaben fallen zusammen mit dem Ball vom Bildschirm sodass der Ball wieder oben auf dem Bildschirm springt und die Buchstaben hier hineinfallen und dann alles einfach wieder einrastet nach dem Überspringen und Abprallen des Balls. Ich werde einfach an seinen Platz hier gehen, anstatt das Logo hier schon statisch zu haben. Aber ich lasse diese Option einfach für mich offen, weil ich sie zuerst an After Effects ausprobieren und sehen möchte , welche am Ende das bessere Ergebnis haben werden, also ist das einfach etwas, das ich mir später ansehen sollte . Ich werde dieses bisschen hier für mich selbst kommentieren , damit ich mich erinnern kann. Das ist so ziemlich alles, also sieht ein Storyboard so aus. Es ist ziemlich grob und einfach und leicht zu machen. Es sollte keine Zeit in Anspruch nehmen, es ist nur an Ihnen, sich vorzustellen, wie die Reihenfolge der gesamten Geschichte aussehen wird. Denken Sie daran, dass dies Ihren Prozess später erheblich vereinfachen wird , wenn Sie sie auf Illustrator übertragen, und selbst wenn Sie animieren, können Sie sie sich immer nur ansehen und sieh dir deine Anmerkungen an. Schau dir einfach an, was du gezeichnet hast und du kannst immer wieder neu bearbeiten, neu anordnen alles, was du willst, super einfach und einfach, sollte nicht viel Zeit in Anspruch nehmen, verbringe nicht zu viel Zeit damit. Es sollte ein schneller und einfacher Prozess und Ihnen später die Arbeit erleichtern. Sobald Sie mit dem Fluss der Dinge zufrieden sind und das Gefühl haben, bereit zu sein, weiterzumachen, besteht der nächste Schritt darin jedes Bild zu digitalisieren, sodass Sie alles nehmen , was Sie für Ihr Bild erstellt haben und beginnen Sie, es hier in jedem Bild auf Illustrator zu platzieren . In der nächsten Lektion werden wir lernen wie Sie diese Elemente in Ihre Illustrator-Dateien schichten , um sie für die Animation vorzubereiten. 8. Layering auf Illustrator: Wenn Sie eine Datei in Illustrator für die Animation vorbereiten, möchten Sie im Wesentlichen, dass sich jede Ebene in Ihrer Datei auf einer separaten Ebene befindet, da Sie dadurch später leichter animieren können. Genau das werden wir in dieser Lektion machen und uns nur unser Storyboard in digitaler Form ansehen. Was ich persönlich gerne mache, ist, jeden Frame als separate Illustrator-Datei zu haben , wie Sie hier sehen. Dann importiere ich sie einzeln in After Effects, wo sie dann gruppiert und Kompositionen kompiliert werden können. Darauf kommen wir später zurück. Aber das mache ich persönlich gerne. Wenn Sie eine andere Methode haben, mit der Sie auf jeden Fall vertraut sind , fahren Sie fort. Was ich hier vor mir habe, ist eine 1.920 mal 1.080 Pixel große Zeichenfläche. Dies wird durchweg meine Hauptgröße der Zeichenfläche sein. Dies sind im Allgemeinen die Standardabmessungen für HD-Unterhaltung, insbesondere für Laptop-Bildschirme. Ich verwende dies in Präsentationen und Videos und fast allem als Landschaftsorientierung. Ich habe diese Datei Frame 1 genannt, und dies wird laut meinem Storyboard nicht das erste Bild sein. Dann gehe ich einfach chronologisch so vor. Das ist Frame 2 und das ist Frame 3, das ist Frame 4. Aber zum Beispiel habe ich im Storyboard diesen Teil in drei verschiedene Frames zusammengefasst, nur damit ich weiß, wie die Animation aussehen wird, aber das muss ich hier nicht tun. Ich kann das alles auf einer Zeichenfläche haben, weil ich all diese Elemente auf verschiedenen Ebenen trennen werde. Ich brauche nicht für jede Animation ein einziges Bild , wenn der Eisportionierer vom Bildschirm fällt. Ich brauche das nicht als separaten Bildschirm. Ich kann einfach alles hier haben und ich werde es animieren können. In einigen Frames hätte ich sie im Grunde in eine Zeichenfläche und andere Rahmen gruppiert , sie werden getrennt sein wie hier. Ich habe insgesamt 18 Bilder im Gegensatz zum Storyboard auf Papier, was in Ordnung ist. Das ist einfach etwas , das wir unterwegs machen, und wenn ich später in After Effects etwas hinzufügen muss, könnte ich das tun. Zurück zu Frame 1. Alles, was hier Texte hat, wird nur ein Platzhalter sein. Ich werde diesen Text in After Effects neu schreiben. Denn wenn ich das in After Effects importiere, liest After die Texte als Formebene, für die wir den Text nicht animieren können . Ich werde das mit diesem auf After Effects neu schreiben müssen , aber ich lege es vorerst gerne hier , nur damit ich die Größe weiß, wie es mit allem anderen aussieht, es aussieht wie allgemein. Ich habe gerne einen Platzhalter und dann lösche ich diesen sobald wir ihn in After Effects importiert haben. Was wir jetzt in dieser Lektion tun werden , ist, dass wir alles auf eine eigene Ebene schichten müssen . Wenn Sie hier in Ihrem Ebenenbedienfeld sehen, können Sie zu Fenster gehen und auf „Ebenen“ klicken, falls Sie es noch nicht haben. In meinem Ebenen-Panel hier befindet sich alles in einer Ebene. Nun, dies ist ein No-Go in After Effects, es erkennt nicht jedes einzelne Element und Sie müssen es trennen. Das ist auch sehr gut wenn Sie mit einem Animator arbeiten und ein Illustrator sind und ihnen die Dateien senden möchten. Sie werden es Ihnen danken, dass Sie die Dateien mit Namen und Ebenen gesendet haben richtig. Dies wird ihre Arbeit viel, viel einfacher machen. Wenn du in meinem Fall derjenige bist, der animiert, dein Leben einfacher machen willst, glaub mir. Das erste, was ich tun werde, ist super einfach und es dauert kaum Zeit. Was Sie tun möchten, ist jedes einzelne Element von Ihrer Zeichenfläche auszuschneiden und es auf eine neue Ebene einzufügen. Ich mache einfach Command X und schneide den Hintergrund aus. Dann gehe ich hier runter und klicke auf „Neue Ebene erstellen“. Ich werde Layer 2 hier drüben haben. Dann mache ich Shift Command V. Das wird im Grunde nur eingefügt, und ich habe es zu einer neuen Ebene hinzugefügt. Ich könnte das einfach hierher ziehen, sodass der Hintergrund meine erste Ebene ist und hinter allem steckt. Ich benenne diesen BG einfach um. Ich nenne meine Schichten immer gerne, auch wenn es wie eine Haarsträhne ist, Nummer 37. Ich nenne meine Ebenen immer gerne weil sie später beim Animieren viel einfacher zu finden sind. Ich möchte nicht eine Milliarde Schichten durchgehen und versuchen herauszufinden, wo der Stern ist oder wo der Schnürsenkel ist. Ich würde es benennen lassen. Das ist eine Sache. Dann mache ich einfach dasselbe für den Rest. Ich schneide einfach diese Wolke aus, Befehl X, erstelle eine neue Ebene, Shift Command V, füge sie ein. Ich nenne das Cloud 1. Da haben wir's. Alles ist in einer separaten Schicht angeordnet. Ich möchte nur Commend Save und das speichern und dann mit meinem nächsten Bild fortfahren. Genau das Gleiche wie zuvor, ich werde den Hintergrund auf eine neue Ebene schneiden, ihn umbenennen und die Cloud schneiden und sehr spezifisch sein. Ich nenne das die Center Cloud, zumindest damit ich weiß, welche Cloud das ist. Ich werde einfach all diese Schritte immer wieder wiederholen . Ich werde nur sehr gründlich darüber nachdenken was ich überlagern werde. Anstatt die gesamte Leiter aufzuschneiden, zerschneide ich buchstäblich jeden Schritt falls ich mich dafür entscheiden sollte, jeden Schritt für sich zu animieren. Ich werde das nur für die meisten Frames wiederholen und zwischen ein paar Dingen eine Pause einlegen um Ihnen ein paar Tipps und Tricks zu zeigen. Aber das ist im Grunde genau das, was wir tun. Wir möchten unsere Illustrationen oder unsere Rahmen in separate Illustrator-Dateien einfügen wie ich es hier getan habe, und Sie werden jedes Element in diesen Dateien auf einer eigenen Ebene überlagern. Das ist so ziemlich alles. Ich wollte Ihnen nur ein Beispiel für eine Datei zeigen , die viele Ebenen wie diese hat. Sie können hier rechts sehen, all diese Streuselagen von Sprinkle 1 bis Sprinkle 27 sind diese kleinen Streusel hier auf dem Eis. Jeder befindet sich in einer separaten Ebene. Natürlich musst du das nicht tun, aber ich zeige dir nur eine Idee wenn du sie animieren willst. Wenn ich möchte, dass dieser Eisportionierer vom oberen Bildschirmrand fällt und dann all diese Streusel heruntergestreut werden, müssten sie sich auf separaten Schichten befinden damit ich sie fallen lassen kann sie einzeln, wenn Sie so wollen, als würden Sie tatsächlich einzelne Streusel fallen lassen. Es ist ein bisschen mühsam, aber das Ausschneiden und Einfügen nimmt nicht viel Zeit in Anspruch. Aber es ist etwas für Sie zu wissen ob Sie jeden einzelnen animieren möchten. So sieht Ihr Ebenenbedienfeld normalerweise aus. Dann habe ich einfach alles andere getrennt, also der Waffelkeks und die Eisportionierer einzeln, jeder einzelne Stern, die Spin-Linien, der Schatten, sogar der Eiscreme-Topping ist getrennt. Nur weil das Animieren einfacher ist , wenn Sie alles in einer separaten Datei haben möchten, können Sie es auf diese Weise verschieben. Wir machen weiter. Dies ist der Rahmen für das Logo. Was ich tun werde, ist, dass das Logo als einzelne Buchstaben vom oberen Bildschirmrand herunterfällt . Ich muss die Gruppierung meines Logos aufheben, einschließlich des Punkts am Anfang. Ich mache nur genau die gleichen Schritte. Ich habe jetzt jeden Buchstaben des Logos auf einer separaten Ebene getrennt , Sie haben den Punkt hier und P, gekrümmte Linien, alle getrennt. Ich habe hier auch eine weitere Ebene des vollständigen Logos in Rot hinzugefügt , aber es wird jetzt nicht angezeigt, da wir die Buchstaben darüber haben. Aber das ist genau wie das vollständige Logo denn nachdem sie übersprungen sind, wollte ich mich wieder anmelden und werde das vollständige Logo hier verwenden. Dann habe ich auch eine cremefarbene Hintergrundversion hinzugefügt, aber auch eine Version mit rotem Hintergrund, denn nachdem die lokalen Logs wieder eingerichtet sind, möchte ich die Version auf dem roten Hintergrund zeigen. Ich habe diese hier einfach als Ebenen unter allem, und nachdem ich das alles gezeigt und alles animiert habe, wechsle ich am Ende zum roten Hintergrund. Es ist einfach wichtig, diese in Schichten zu haben, und ich lege sie vorerst ganz unten. Wir sind mit diesem Teil fertig. Weiter zum nächsten. Ich bin ziemlich fertig hier. Ich habe hier für jedes Bild jedes Element auf einer eigenen Ebene getrennt , und je mehr Ebenen Sie erstellen, desto komplizierter oder wahrscheinlich schwieriger oder detaillierter wäre Ihre Animation. Es liegt wirklich an Ihnen, was Sie sich für die Animation vorstellen , wie viele Ebenen Sie trennen möchten, da dies bestimmt, wie die Animation aussehen wird. Manche Frames haben nicht viele Ebenen. Ich werde einfach mischen und kombinieren zwischen sehr detaillierten und eher sehr einfachen Animationen, nur weil ich nicht möchte, dass sie zu übertrieben und zu anregend sind, das finde ich einfach Animationen sind auch genauso nett. Das ist so ziemlich alles für die Einrichtung Ihrer Dateien in Illustrator. Sobald Sie Ihre Frames und Ihre Sequenz aus Ihrem Storyboard haben , ist es einfach, sie auf Dateien zu platzieren und sie einfach zu überlagern, wie ich es Ihnen gezeigt habe. In der nächsten Lektion möchte ich nur eine kleine Verschnaufpause einlegen und Sie durch einige meiner Lieblingsseiten um die Musik auszuwählen. 9. Auswahl der Musik: [MUSIK] Neben meiner Tätigkeit als Grafikdesigner tanze ich auch nebenbei. Eines der wichtigsten Dinge beim Tanzen ist die Musikalität. Es ist die Harmonie der Bewegung mit der Musik. Es trifft diese Beats genau mit der Melodie. Ich denke gerne auf die gleiche Weise an Animationen. Ich bewege und animiere meine Elemente gerne entsprechend der Musik. Deshalb ist die Auswahl der Songs so wichtig, weil ich alle meine Bewegungen auf den Song ausrichten werde. Ich mag es nicht, es als Hintergrundmusik zu verwenden. Ich betrachte es tatsächlich als Hauptelement, weil ich das Gefühl habe dass ein Markenvideo genauso ein hörbares wie ein visuelles Erlebnis ist. Jetzt sollte alles absichtlich ausgewählt und aus einem bestimmten Grund gepaart werden. Ich muss Sie jedoch warnen, dies die zeitaufwändigste Aufgabe der gesamten Klasse ist. Manchmal kann es Stunden dauern und manchmal kann es Tage dauern. Aber ich fordere Sie dringend auf, sich hinzusetzen, sich ein Paar Ihrer Lieblingskopfhörer zu schnappen und an einem Tag einfach die Uhr hinzusetzen und Musik zu hören. Jeder macht das anders. Manche Leute animieren gerne zuerst und finden dann die Musik. Ich persönlich finde es, zuerst die Musik zu finden und dann entsprechend der Musik zu animieren, also behandle ich sie nicht nur als Hintergrundmusik. Anwärter Nummer 1 ist Bensound. Ich mag diese Website sehr, weil sie hier kostenlose Musik bietet , die Sie herunterladen können, aber Sie müssen den Künstler akkreditieren oder einfach bensound.com schreiben , wenn Sie die Musik für eines Ihrer Markenvideos verwenden . Aber auch hier, da das Urheberrecht für alles gilt, wenn Sie es für einen Kunden verwenden, müssen Sie ihnen höchstwahrscheinlich diese Lizenz erstellen, und sie wäre unter ihrem Namen, wenn Sie werde es für ein kommerzielles Projekt verwenden, was völlig normal ist. Sie können dies kostenlos herunterladen, ohne dass Wasserzeichen im Sound enthalten sind. Aber wenn ein Kunde diese Lizenz kaufen würde und es losgehen kann und sie genehmigt ist und sie kommerziell in einer Marke verwendet wird, müssten Sie ihm diese Lizenz senden. Aber wenn du nur ein Markenvideo als Übung für dich selbst oder als Leidenschaftsprojekt machst , mache ich das technisch gerne. Sie haben wirklich gute Musik hier. Sie müssen nur ein bisschen Zeit damit verbringen , das zu finden, was Ihnen gefällt. Was ich auch wirklich mag, ist, dass sie es in diese Schlüsselwörter und diese Vibes und Stimmungen einteilen. Dies ist perfekt , da Sie dann auf die Keywords aus der vorherigen Lektion verweisen und , welche Kategorie am besten zu Ihrer Marke passt. Zum Beispiel für Skip and Scoop höchstwahrscheinlich Musik und positive, würde ich für Skip and Scoop höchstwahrscheinlich Musik und positive, inspirierende, anregende und glückliche und weniger Hip Hop oder Elektronik oder Ruhe auschecken inspirierende, anregende und glückliche und weniger Hip Hop oder Elektronik oder Ruhe oder filmisch oder so ähnlich. Sie müssen nur die Atmosphäre auswählen , die am besten zu Ihrer Marke passt. Wie gesagt, es braucht einfach viel Zeit, also seien Sie geduldig damit, investieren Sie in es, setzen Sie Ihre Kopfhörer auf und tauchen Sie einfach in die Musik ein. Immer wenn ich ein bestimmtes Lied höre, versuche ich es mir mit meinem Storyboard vorzustellen, damit ich die Sequenz sehen kann , wie alles zusammenpasst. Wirklich bestimmt die Musik das Tempo dieses Videos und wo alles beginnen wird und wo alles enden wird. Das ist eine Sache. Dann haben Sie Purple Planet Music. Es hat das gleiche Konzept, bei dem alle diese Kategorien zur Auswahl stehen. Es kann auch kostenlos ohne Wasserzeichen heruntergeladen werden. Aber auch hier sollten Sie die Website akkreditieren, aber wenn Sie sie für einen Kunden benötigen, müssen Sie wahrscheinlich eine Lizenz kaufen. Wenn ich zum Beispiel hier auf einen Beat klicke, werde ich eine Menge Songs hier hochkommen lassen. Was ich auch mag ist, dass es dir die Beats pro Minute sagt, damit du weißt , dass dies ein schneller Song oder ein langsamer Song ist oder welche Art von Tempo du willst. Sie können es einfach hier herunterladen und es wird sofort heruntergeladen. Oder wenn Sie die Lizenz erwerben müssen, erfahren Sie, um welche Lizenz es sich handelt, ob sie kommerziell genutzt wird oder ob es sich um etwas anderes handelt, z. B. für Radio oder Fernsehen, es ist ein anderer Preis und dann würden Sie In den Warenkorb legen und Sie würden es an den Kunden lizenzieren, für den Sie arbeiten. Aber auch hier, wenn es nur für Sie ist und nur für den persönlichen Gebrauch bestimmt ist, können Sie es einfach hier herunterladen und die Website akkreditieren , wenn Sie es in sozialen Medien veröffentlichen oder etwas Ähnliches. Dann hast du die gute alte SoundCloud. SoundCloud hat auch einen Bereich für lizenzfreie Musik, und Sie können diese auch problemlos herunterladen, aber Sie sollten unter jedem Künstler in jedem Song nachsehen , wie seine Bedingungen lauten. Normalerweise haben Sie das hier in der Bildunterschrift wenn ich zum Beispiel darauf klicken würde. Der Künstler selbst würde diesen Track schreiben , der kostenlos in sozialen Medien verwendet werden kann. Wenn du mir eine Gutschrift gibst, füge es einfach die Beschreibung deines Inhalts ein und tagge meinen Kanal, damit er etwas Anerkennung benötigt. Einfach perfekt. Das kannst du absolut machen. Sie können es einfach hier herunterladen. Ich liebe SoundCloud, weil es weniger generische Musik enthält und etwas, das etwas besser auf Ihre Marke zugeschnitten klingt und etwas, das von einer lokalen Person gemacht wird und das ist es nicht etwas Generisches, das man normalerweise sehen würde. Ich würde auch gerne durch das scrollen und einfach mischen und zusammenpassen, sehen, was ich finde. Als nächstes kommt kostenlose Stockmusik. Auch dies kann absolut kostenlos heruntergeladen werden. Wenn es einen Song gibt, der eine bestimmte Lizenz hat, wird Ihnen mitgeteilt, dass es sich um lizenzierte Musik handelt und Sie sie kaufen müssten. Aber auch hier sind die Preise super vernünftig Wenn Sie das Gefühl haben, dass der Song absolut der Richtige ist , müssten Sie dafür kein Bein und einen Arm bezahlen. Abgesehen davon haben sie überall so ziemlich kostenlos herunterladbare Musik, und auch hier haben sie Kategorien, sodass Sie diese verschiedenen Kategorien durchgehen können. Sie können nach Stimmung suchen, Sie können nach Länge suchen, Sie können nach Tempo suchen und Sie können hier Ihre eigenen Keywords schreiben , wenn Sie im Abschnitt der Kategorie nichts finden , was Ihnen gefällt. Ich benutze auch gerne Free Stock Music. Dann haben Sie so etwas wie Envato Elements, für das Sie auf jeden Fall ein Abonnement benötigen würden. Aber sobald Sie ein Abonnement haben, können Sie definitiv mit all diesen herumspielen und sich zuerst ihre Lizenzen ansehen , aber sie sind ziemlich einfach herunterzuladen, sobald Sie eine haben abonnement. Ja. Das ist also auch eine andere Sache. Jetzt ist Musicbed eher eine professionelle Website für Songs und Musik, aber ich muss sie dir nur zeigen, weil sie die beste Musik haben , die du normalerweise in Filmen oder Werbung sehen würdest , oder etwas, das wirklich auf die Marke zugeschnitten ist. Sie haben auch alle diese Kategorien. Aber es sind wirklich, wirklich gute Songs und Musik, die sich absolut lohnen wenn Sie sich für ein Abonnement entscheiden sollten. Aber das würdest du normalerweise tun. Wenn Sie dies als Vollzeitjob oder Vollzeitjob tun oder Vollzeitjob lohnt sich die Investition auf jeden Fall. Aber wenn du gerade erst anfängst und gerade erst anfängst mit Markenvideos herumzuspielen und sie nur zum Spaß machst, dann würde ich im Bereich der kostenlosen Websites bleiben. Dann ist ein anderer Music Vine. Das Gleiche. Sie müssen sich nur die Lizenzen ansehen, aber sie haben eine Menge Musik hier, Ihnen nur alle Optionen zeigt, nur für den Fall, dass Sie noch nicht gefunden haben, was für Sie funktioniert. Dann hast du Pixabay. Ich liebe Pixabay im Allgemeinen für Fotos und Videos, Archivvideos mit Musik in meinem Markenvideo, und ich habe es zuvor in einem Markenvideo verwendet, das ich gemacht habe. Sie haben Unmengen von Fotos und Videos, die Sie kostenlos verwenden können. Super nett. Sie haben auch einen Musikbereich. Mit all den Kategorien, der Bewegung und den Themen können Sie sich all diese ansehen und sie sind kostenlos. Wenn ich zum Beispiel auf diesen klicke, würde der Künstler dir normalerweise sagen, dass du den Song für soziale Medien verwenden sollst, und alles, was du tun musst, ist ihnen nur Anerkennung zu geben und nicht weiterzuverkaufen und zu verteilen. nur normale Urheberrechtsregeln , wie Sie wahrscheinlich schon wissen würden. Normalerweise würde ich, wenn ich etwas mit Soundeffekten brauche, auch auf diesen Websites surfen oder ich würde zu dem guten alten YouTube gehen und einfach kostenlose Copyright-Soundeffekte schreiben kostenlose Copyright-Soundeffekte und einfach herunterladen irgendwas davon nicht stimmt. Ich wollte dir nur ein Spektrum verschiedener Seiten zeigen. Wenn Sie sich dafür entscheiden, die kostenlosen zu nutzen und dem Künstler eine Gutschrift zu geben, oder wenn Sie in eine dieser Websites investieren möchten , auf der Sie etwas Vernünftiges abonnieren , etwas, das Sie wissen, verwenden Sie es auf einem monatlich, wenn dies Ihr Job ist oder etwas, auf das Sie sich einlassen möchten, dann sind sie auf jeden Fall unglaublich. Ich wollte Ihnen nur einige der Seiten zeigen , die ich persönlich für Musik verwende. Wenn Sie noch anfangen, gehen Sie normalerweise zu den lizenzfreien Musikseiten, genau wie ich angefangen habe. Das war's. Von nun an ist der Prozess einfach sehr aufregend, man setzt sich einfach hin und hört den ganzen Tag Musik. Ein Top-Tipp, den Sie bei der Auswahl der Songs beachten sollten , ist, Ihr Storyboard als visuelle Hilfe irgendwo neben sich zu haben . Wenn Sie sich den Song anhören Ihre Frames vor sich haben, können Sie verlinken wo Sie sich den Übergang vorstellen wie der Song zu den Frames passt, die Sie haben. Es kann sogar einige Animationsideen für Sie auslösen. Wenn Sie bestimmte Melodien hören, können Sie die Verbindung zwischen der Melodie und der Animation herstellen. Wir werden später darauf eingehen, aber das ist ein Top-Tipp, den Sie beachten sollten. Habe dein Storyboard vor dir. Wenn dann etwas klickt, lade es einfach herunter und ich sehe dich in After Effects, wo wir in der nächsten Lektion mit dem Animieren beginnen werden. 10. Animation auf AE: Datei-Einrichtung: [MUSIK] In dieser Lektion lernen wir, wie Sie unsere Datei in After Effects einrichten , unsere Dateien aus Illustrator importieren und ich zeige Ihnen auch, wie ich meinen Song in After Effects eingerichtet habe , um fertig zu sein für Animationen. Sie möchten After Effects öffnen, und genau das wird sich für Sie ergeben. Dann möchten Sie zu Neues Projekt hier blau hervorgehoben gehen und auf „Neues Projekt“ klicken. Dann hast du dieses Fenster hier drüben. Wir wollen weitermachen und mit einem Klick auf „Neue Komposition“ beginnen, und ich nenne nur mein Kompositionsmarkenvideo, und ich werde die Voreinstellung so beibehalten, wie sie vorerst ist, und Sie möchten sicherstellen, dass Die Abmessungen entsprechen der Größe Ihrer Kunsttafel. Unsere Kunsttafelgröße betrug 1920 Pixel mal 1080. Ich werde einfach die Bildrate so lassen, wie sie ist, 29,97 , Auflösung voll, und was ich ändern werde , ist die Dauer. Meine Dauer hier beträgt zwei Minuten und neun Sekunden. Dies ist die Dauer des Songs, den ich ausgewählt habe. Jetzt wird das Markenvideo natürlich nicht mehr so lang sein. Wir werden es definitiv verkürzen und zerschneiden. Aber der Grund, warum ich jetzt die Songdauer festlege , ist, dass ich mir den Song vollständig anhören und anfangen muss den Song vollständig anhören und , zu analysieren, welche Teile für mein Intro, für die gesamte Geschichte, sein werden für die gesamte Geschichte, und welchen Teil ich für das Outro aufschneiden werde. Ich möchte das Ende des Songs verwenden und es mit dem Ende meines Videos koppeln, damit es nicht einfach abrupt endet. Ich möchte, dass es so endet, als ob der Song genau endet , damit er schön glatt ist und Sinn macht. Wir hören uns einfach den importierten Song an, hören ihn uns an und sehen, wo wir alle Frames, die wir gezeichnet haben, unterbringen können , was Sinn macht, und dann duplizieren wir den Song, schneiden ihn auf, und füge es zusammen, sodass es nur eine zusammenhängende, kürzere Version des gesamten Songs ist. Wenn das Sinn macht, wirst du sehen. Ich würde einfach die Dauer meines gesamten Songs hier angeben und sie später verkürzen , bevor ich meine Illustrator-Dateien importiere. Ich drücke einfach „Okay“ und Sie werden hier sehen, dass die Zeitleiste zwei Minuten und neun Sekunden beträgt. Ich werde das vorerst speichern, Markenvideo, und wir werden anfangen, unseren Song zu importieren. Ein schneller Weg, dies zu tun, besteht darin, einfach Command I zu drücken, und Sie werden den Song verwenden, den Sie ausgewählt haben. Ich habe das von Pixabay abgeholt und es ist ein erhebender Klavier-Mix, und gerade als ich ihn hörte, klickte er mit der Marke und wie ich das Stück haben möchte, beginnt in den ersten acht oder neun etwas langsam Sekunden, die schneller und ein magisches und kindliches Gefühl haben, also dachte ich, es würde am besten zur Marke passen. Ich klicke einfach auf „Öffnen“ und es wird hier in Ihre Projekte importiert. Es wird hier unten auf der Timeline sein, also ist der gesamte Song genau hier. Wir werden es uns gemeinsam anhören und ich zeige Ihnen, wann ich aufhöre und wann ich unsere Frames haben gemeinsam anhören und ich zeige Ihnen möchte, und das wird mir später helfen, wenn ich meine Dateien importiere weiß genau, wie lange jeder Frame dauern wird. Die Musik diktiert das. [MUSIK] In diesem ersten langsamen Teil kann ich mir die Sätze völlig vorstellen. Stellen Sie sich eine Welt ohne Grenzen vor, und letztere mit einer Wolke, und zumindest um Ihr inneres Kind zu umarmen. Dies sind die ersten drei Frames , in denen dies stattfinden wird. Das sind insgesamt 13 Sekunden. Ich muss nur sicherstellen, dass meine drei Rahmen hier reinpassen. Sie können gleich sein oder einer kann länger sein als der andere. Aber ich möchte sicherstellen, dass mein Intro, die ersten drei Frames, in diese Dauer passen. Dann, genau hier, nimmt der Song einfach das Tempo an, das Sie sehen werden. [MUSIK] Genau dort, wo der Song an Tempo gewinnt, möchte ich, dass meine Eisportionierer einfach vom oberen Bildschirmrand fällt , weil es ein schneller Tempowechsel ist und es wird aufregend, Beläge fallen, Eisportionierer fallen weg, vier Kekse balancieren übereinander. Das ist der Effekt , den ich haben wollte. [MUSIK] Dann kann der Übergang zu einem magischen Spielplatz voller Träume beginnen. [MUSIK] See hat einen bestimmten Rhythmus wie [unhörbar] Diese bestimmten Rhythmen werden mir helfen zu wissen, wann ich meine Frames wechseln muss, also wird bei jedem Ton, der endet, ein neues Bild beginnen, wenn das Sinn. Ich bin kein Musikproduzent oder so, aber so finde ich es ästhetisch ansprechend und macht Sinn, wenn man das Bild bewegt, sodass sich nichts willkürlich bewegt. Es bewegt sich im Rhythmus des Songs. [MUSIK] Du siehst, wie es dort weitergeht. Ich stelle mir diesen Pickup [MUSIC] genau dort in der 28. Sekunde vor, ich stelle mir vor, dass hier der Ball vom Logo abprallt und mich durch dieses Testabenteuer weil die Dinge gerade erst abenteuerlicher dynamischer werden und hier denke ich, dass der Ball ins Spiel kommen wird, also in der 28. Sekunde. [MUSIK] Der Song geht einfach mit dem gleichen exakten Rhythmus weiter, was ich will, damit ich konsequent zwischen Illustration und Phrase wechseln kann , Illustration und Phrase, und hat den gleichen Ton und Rhythmus und nicht zu viel ändert sich rundum. Wenn ich einfach bis fast zum Ende nach oben scrolle, wie hier zum Beispiel, [MUSIK] siehst du, wie es jetzt plötzlich langsamer wird. Der Teil der Verlangsamung wird der Beginn meines Outros sein. Dies könnte zum Beispiel die letzte Abbildung sein, also diese Folie zum Beispiel. Dann willkommen an einem Ziel für meinen Geist und Appetit. [MUSIK] Dann könnte dies Punkt sein, an dem der Ball vom letzten Bild abprallt, [MUSIK] und sehen, wie der Song mit shoo-sh endet, dem letzten Atemzug. Hier soll der endgültige Rahmen meines Logos sein. Hier kehrt der Ball endlich als Punkt auf dem Auge zum Überspringen und Schöpfen zurück. Es ist wirklich wichtig, sich vorzustellen, wie Sie das Video beenden werden und was Sinn macht. [MUSIK] Ja, ich denke das ist perfekt. Was ich machen möchte, ist die Mitte des Songs, hier hat alles den gleichen Rhythmus [MUSIK] und es geht einfach weiter, geht weiter, geht bis zum Ende genauso weiter. Der Metallteil wird alles meine Illustrationen und meine Sätze sein , und es wird einfach weiter dazwischen wechseln. Aber ich werde nicht den ganzen Song benutzen müssen , das wäre zu viel. Ich verwende nur maximal zwei oder drei Sekunden für jede Illustration, zwei oder drei Sekunden für jede Phrase, nur damit sie bequem gelesen werden kann. Aber ich möchte nicht, dass es zu lange anhält. Da der Metal-Part ziemlich gleich ist, kann ich ihn irgendwann so ziemlich schneiden, wie zum Beispiel im letzten Rhythmus, und dann verknüpfen wir ihn mit dem Outro. Das Outro hat auch den gleichen Rhythmus und dann verlangsamt es sich am Ende. Bevor es langsamer wird, werde ich es mit einem der Mittelteile verknüpfen , damit wir eine kürzere Version des Songs haben können eine kürzere Version des , ohne dass er abrupt in der Mitte aufhört. Ich werde versuchen, einen nahtlosen Übergang zu schaffen, ohne dass es so klingt es jemand in der Mitte zerstückelt. Ich nehme einfach noch einen, höre mir den gesamten Song noch einmal an und halte wirklich bei jeder Sekunde inne, um zu diktieren, wie viel jedes Bild dauern wird. Dann hilft mir das zu entscheiden , wo ich den Song in der Mitte schneiden werde , damit ich mein Outro beginnen kann. Ich mache einfach weiter und mache das. Ich hatte mir den Song immer und immer wieder ziemlich gut angehört und ich hatte mein Storyboard neben mir, wo ich anfing zu kommentieren, wo jedes Bild beginnen wird, in welcher Sekunde und wann es hingehen wird Ende. Wenn ich animiere, weiß ich, wie lange jedes Bild dauern wird, also weiß ich, wo ich meine Keyframes platzieren muss und ich bin nicht verloren. Das alles wird von der Musik geleitet. Wenn ich animiere, spiele ich die Timeline immer wieder ab, nur um sicherzustellen, dass die Musik genau dort beginnt und stoppt, wo ich sie haben möchte. Aber für meinen Fall war der Song viel zu lang und er würde nicht in alle Frames passen, die ich habe. Ich musste es zerschneiden und so verkürzen, dass es zu meinem Storyboard passt. Was ich hier habe, sind drei Versionen des Songs, den Anfang und die Mitte, was hier der längere Teil ist. Die Outro-Musik, bei der es wahrscheinlich die letzten beiden Illustrationen gibt . Dann der letzte Frame, der das endgültige Logo trägt, wo es wieder zustande kommt und den Song hier beendet. Als ich zugehört habe, habe ich notiert, wie lang jedes Bild je nach Musik sein soll. Es geht bis zu den ersten Minuten hier, in denen meine letzte Illustration entstehen wird. Meine letzte Illustration ist ungefähr in der ersten Minute. Dann endet der letzte Satz des Willkommens an einem Ziel für Ihren Geist und des Willkommens an einem Ziel für Ihren Geist und Appetit in Minuten und vier Sekunden genau hier. Dann ist der letzte Teil, in dem die Masse ein letztes Mal abprallt und mit dem Logo etwa eine Minute und neun Sekunden endet . Dann ist der Rest der Sekunden genau dort, wo die Musik komplett abklingt und ich werde den Rahmen so lassen, wie er ist. Ja, ich habe mir gerade angehört, wo der endgültige Rhythmus hier ist , und ich habe versucht, ihn auseinanderzubrechen , damit er reibungslos übergeht, also wenn wir uns das anhören. [MUSIK] Wenn du gehört hast, habe ich gerade den letzten Rhythmus im ersten Teil des Songs hier verknüpft und ihn mit dem letzten Teil des Songs hier wenn er zu enden beginnt, also klingt es genauso. Dann habe ich dasselbe für den letzten Teil des Songs hier gemacht. Die letzte [MUSIK] und ich haben sie hier einfach miteinander verknüpft. Da haben wir's. bin ich kein Profi. Ich bin mir sicher, dass die Musikproduzenten da draußen wegen dem, was ich tue, weinen müssen. Aber ich versuche, den einfachsten Weg zu finden , der mich Sinn macht und sich gut in mein Markenvideo einfügt. Das ist genau das, was ich als Werke empfand. Ich mache das so ziemlich mit jedem Laufvideo, das ich mache. Ich versuche das Lied zu zerschneiden. und ich passe es in das Storyboard, das ich habe. Von nun an können wir mit dem Import unserer Dateien beginnen. Das Gleiche wie zuvor. Wir klicken einfach auf Command Import. Wir gehen hier zu unseren Animationsframes , wo wir chronologisch nach Zahlen auf Illustrator gespeichert haben . Wir wählen einfach auch Shift, gehen ganz nach unten und lassen sie alle. Dann gehen wir zum Import über, da Komposition die Ebenengrößen beibehält Sie möchten darauf klicken und auf „Öffnen“ klicken. Es importiert alle Ihre Dateien. Dann willst du hier unten zur Videokomposition der Marke gehen . Es hat bereits die Komposition oder die Pre-Comp-Musik, die wir haben. Wir wollen das nur in Musik umbenennen. Wenn Sie darauf doppelklicken, finden Sie die Musikkomposition, die ich gemacht habe. Stellen Sie sich das als gruppierten Ordner im Hauptthema der Komposition vor. Unser Hauptkompositionsschirm ist Markenvideo und darin finden Sie Musik. Wenn Sie auf Musik doppelklicken, finden Sie hier die eigentlichen Musikdateien. Dann wollen wir dasselbe für die Frames tun. Sie möchten auf alle Frames klicken und sie dann einfach auf Ihre Timeline ziehen. Dann ist jeder Frame eine eigene Gruppe. Wenn Sie auf Frame-1 doppelklicken, finden Sie alle Ebenen, die wir in Illustrator eingefügt haben , sodass sie einfach gruppiert sind. die eigentliche Animation durchgehen, werden wir sie noch mehr gruppieren, sodass wir keine Million Ebenen haben. Wir werden sie nach Intro, Illustrationen, Outro gruppieren , aber das ist für eine spätere Phase. Dann ist das Letzte, was wir tun wollen unsere Kompositionsdauer neu anzupassen, also gehe ich zu den Kompositionseinstellungen. Denken Sie daran, es waren zwei Minuten und neun Sekunden , in denen der Song ursprünglich in seiner vollsten Version war. Aber nachdem wir es zerschnitten haben, werde ich das einfach auf eine Minute und 13 Sekunden reduzieren . Sie können jederzeit zurückgehen und diese Dauer bearbeiten. Es ist überhaupt keine große Sache, aber ich mache das gerne, nur damit ich weiß, wo genau meine Zeitleiste beginnt und endet. Da haben wir's. Wenn Sie die Musik jetzt abspielen, wird [MUSIK] über dem gesamten Bild abgespielt. Wenn Sie also mit der Animation beginnen, hilft Ihnen die Musik dabei, die Anmerkungen, die ich gemacht habe, zu führen hilft Ihnen die Musik dabei, die Anmerkungen, die ich gemacht habe, zu führen, also sind Sie nicht verloren, wo jeder Frame beginnt und wo jeder Frame endet. Ich klicke einfach auf „Command S“ und wir können weitermachen und mit der Animation des Intros beginnen. 11. Animation auf AE: Rahmen 1: In den kommenden Lektionen werden wir wirklich die Ärmel hochkrempeln und uns an die Arbeit machen . Ich werde Ihnen Schritt für Schritt zeigen , wie ich das Markenvideo bis zum Ende von Grund auf animiere. Jetzt habe ich das Markenvideo in den kommenden Lektionen in Einzelbilder unterteilt . Jede Lektion dauert 15 bis 20 Minuten , in denen die Animation jedes Frames behandelt wird. Im Laufe der Lektionen werden wir eine ganze Reihe von After Effects-Werkzeugen erlernen. Ich finde, dass der beste Weg , diese Tools zu lernen darin besteht, sie direkt in der Praxis anzuwenden. Jetzt wird Ihr animiertes Markenvideo anders sein als meins, aber Sie können diese Tools verwenden , um Ihre Animationen zu verbessern und einige Ideen anzuregen. Also lasst den Spaß kurzerhand beginnen. Das erste, was ich tun werde , ist, meine Auflösung von voll auf halb oder drittens umzustellen . Denn bei voller Auflösung dauert das Rendern wie diese grüne Linie hier viel länger , und weil wir viele Frames und viele Illustrationen und viele Animationen haben Illustrationen und , die bald passieren werden, Ich möchte nicht, dass After Effects bei mir hinterherhinkt. Das hilft also, die Dinge reibungsloser und schneller zu halten. Ich werde das sogar ein Viertel machen nur damit es schneller läuft. Als Nächstes möchte ich mit Frame 1 beginnen. Ich mache einfach einen Doppelklick darauf. Als Erstes merke ich, dass meine Wolkenschichten hier abgeschnitten werden, wenn ich sie verschiebe. Ich möchte auch, dass sie die volle Deckkraft haben, und dann verringere ich die Deckkraft in After Effects. Eine Möglichkeit, das zu beheben, besteht darin, einfach auf die Ebene zu klicken, die repariert werden muss, oder welche Ebene auch immer, und Sie klicken auf Befehl E. Das ist nur die Abkürzung für Original bearbeiten und es wird geöffnet die Zeichenfläche, die sich in Illustrator befindet, wenn Sie das tun, sodass Sie alles bearbeiten können. Also ziehe ich diese Wolken einfach nach innen, damit sie sich in der Zeichenfläche befinden und nicht abgeschnitten werden, und ich werde ihre Deckkraft auf 100 ändern. werde ich mir einfach aufheben. Wenn ich dann zu After Effects zurückkehre, ist es fertig. Die Wolken sind jetzt also volle Wolken und sie haben perfekte volle Deckkraft, wie ich es wollte. Das ist also das Erste. Die zweite Sache ist, dass ich mich daran erinnere , als ich sagte, dass ich den Text als Platzhalter einfüge, aber ich werde den eigentlichen Text tatsächlich in After Effects schreiben den eigentlichen Text tatsächlich in , damit ich ihn animieren kann ansonsten ist es momentan nur eine Formebene. Also mache ich Layer, New, Text. Da hast du es. Es ist also mehr oder weniger. Ich werde das nur an der Mitte ausrichten . Jetzt können Sie die Illustrator-Ebene von Imagine a World Without Boundaries löschen , und schon bleibt diese Ebene übrig. Dies ist wichtig, denn wenn Sie Imagine Boundaries hier reduzieren, werden Sie feststellen, dass es eine Option zum Animieren gibt. Wenn Sie also auf diesen kleinen weißen Pfeil klicken, haben Sie hier unzählige Optionen , mit denen Sie ihn animieren können, und das ist wirklich cool, nur um Ihrer Animation etwas Geschmack zu verleihen , im Gegensatz zu haben Sie hier unzählige Optionen, mit denen Sie ihn animieren können, und das ist wirklich cool, nur um Ihrer Animation etwas Geschmack zu verleihen, im Gegensatz zu es war nur eine Formebene. Unsere Animation sollte also ungefähr in der vierten und halben Sekunde enden . Ich werde das später mit der Musik überarbeiten, aber ich denke, unser Annahmeschluss ist 4:23 Uhr hier, aber das können wir jederzeit überarbeiten. Also möchte ich nur ein wenig auf meine Timeline zoomen , nur damit dies mein Arbeitsbereich ist , damit ich nicht darüber hinausgehe und es einfach ist, hier damit zu arbeiten. Das erste , was ich tun möchte, ist, dass ich die Animation mit den überlagerten Wolken starten möchte, und ich möchte sie tatsächlich ein bisschen vergrößern, sodass der gesamte Hintergrund eigentlich weiß und dann zoomt es heraus und die Wolken teilen sich, sodass man lesen kann, was geschrieben steht. Ich wähle einen dramatischen Effekt. Also habe ich einfach auf meine beiden Ebenen geklickt und S für die Skalierung abgekürzt, und ich werde sie einfach wirklich skalieren. Ich klicke einfach auf meinen Keyframe, vielleicht können sie hier zurückskalieren und P für Position kürzen. Lassen Sie uns ihre Positionen hier fixieren, und wenn sie dann dort ankommen, können wir ihre Positionen wieder dahin verschieben, wo sie waren. Für den Text denke ich, dass ich ihm einen Schreibmaschineneffekt hinzufügen möchte. Also gehe ich hier einfach zu Effects & Presets und schreibe Typewriter, und das ist der Effekt , den wir erzielen wollen. Also doppelklicke ich einfach darauf. Dadurch wird es zur Textebene hinzugefügt. Dann möchten Sie zu Animator, Bereichsauswahl gehen und die Anfangs- und Endschlüsselbilder für den Schreibmaschineneffekt finden . Also in der Sekunde beginnt eineinhalb und schreibt dann weiter und endet bis zu den vier Sekunden. Sie steuern also einfach, wo Sie beginnen möchten und wo es enden soll. Was ich gerade gemacht habe, ist hier mit dem gelben Stern herumzuspielen. Was ich tun wollte, ist einfach auf und ab, auf und ab zu skalieren und für die paar Sekunden, in denen es erscheint, ein wenig zu drehen, und ich wollte, dass es so beginnt, wie das Wort geschrieben wird, damit es nicht im beginnt und es fängt einfach an als das Wort geschrieben wird. Also bin ich hier einfach zu Skalierung und Rotation gegangen und spiele mit ihrer Skala herum. Es geht runter und hoch, runter und hoch, runter und dreht sich jedes Mal um einen vollen Kreis. Einfach super einfach. Ich werde diesen Schritt nur für den Rest der Sterne wiederholen , während das Wort geschrieben wird. So sehen Sterne aus. Einfach super einfach und subtil. Als nächstes möchte ich die Vögel hier animieren. Also schnappe ich sie mir einfach alle, schnapp mir P, bring sie her. Dann klicke ich mit dem Puppenwerkzeug hier auf das Werkzeug, und es ist genau wie bei einem Puppenspieler, also musst du festlegen wo sich deine Puppe bewegen soll, wenn das Sinn macht. Also hefte ich das einfach an die Flügel auf beiden Seiten der Flügel hier an und füge den Boden des Vogels hinzu, sodass er überall gleichmäßig festgesteckt ist. Also lege ich einfach meine Pins hier und dann gehe ich hier runter zu Puppet, Mesh 1, Deform, und dann hast du Puppet 3, Pup 2 und Puppet 1. In Puppet 1 werden Sie also feststellen, dass dort bereits ein Schlüsselbild eingefügt ist , sobald wir darauf geklickt haben. Was ich hier machen möchte ist, dass ich nicht mit den Flügeln schlagen wollte. Also bewege ich einfach die Flügel in die Mitte und ich mache dasselbe mit Puppet 3. Dann verschiebe ich es zurück. Ich kopiere einfach das erste Bild, füge und bringe es möglicherweise ein wenig runter. Wenn du das spielst, sieht es so aus, als würde es hier mit den Flügeln schlagen. Also möchte ich das in eine Schleife setzen, also gehe ich zur Stoppuhr, wo meine Marionettennadel hier fallen gelassen wird. Ich werde es abdecken und auf meiner Tastatur drücke ich die Wahltaste und dann klicke ich. Hier setzen Sie also Ausdrücke ein, und darauf werden wir gleich eingehen. Aber der erste Ausdruck , den ich setzen möchte, ist super einfach und du tippst einfach Loop Out ein. Sie haben es bereits in Ihrem Dropdown-Menü, klicken darauf und verlassen es. Dies wird nur den Ausdruck beibehalten, den Sie angegeben haben. Welche Keyframes Sie auch haben, es wird in einer Schleife bleiben sodass ich nicht alle Keyframes immer wieder kopieren und einfügen muss . Da hast du es. Sie flattern jetzt alle umher. Also habe ich hier gerade einen Easy Ease-Frame von Animation Keyframe Assistant, Easy Ease, hinzugefügt . Dadurch sieht das Flattern nur etwas weicher und weniger steif aus, und das war's. Sie sind gerade auf dem Laufenden. Ich möchte sie eigentlich gruppieren. Wie Sie das machen, klicken Sie einfach mit der rechten Maustaste und komponieren Sie es Ich nenne das Birds. Es wird es einfach in einer anderen Ebene gruppieren. Jetzt hast du sie ziemlich isoliert. Also gehe ich hier zurück zum Bild und jetzt kannst du die Vögel als eine gruppierte Ebene bewegen. Ich denke, ich mag ihre Position über dem Satz hier, und dann bewegen sie sich leicht nach rechts. Weil ich denke, dass lange oder plötzliche Bewegungen die Vögel etwas unbeholfen aussehen lassen. Ich möchte, dass es sehr verträumt und langsam ist, um der Idee der Musik zu entsprechen. Apropos, jetzt wo ich es mir ansehe, denke ich, dass sich die Wolken viel zu schnell bewegen. Also denke ich, ich werde sie nicht so über den Rahmen bewegen lassen. Es ist einfach viel zu schnell für Wolken. Keine Wolken bewegen sich fast so schnell, es ist im Zeitraffer. Also denke ich, ich lasse es einfach hier anhalten und eine langsamere Bewegung haben und wo die Wolken wieder herauszoomen. Lassen Sie mich das einfach tun und sehen, wie das aussieht. Ich mag die langsame Bewegung der Wolken hier viel mehr und ich denke, jetzt müssen wir anpassen, wo die Schreibmaschine reinkommt. Jetzt, wo ich mit der allgemeinen Animation zufrieden bin, gehe ich immer zurück und verfeinere Teile, aber das ist nur das Skelett der Animation. Ich mag die Geschwindigkeit, ich mag die kleinen Elemente, wie alles beginnt und endet. Jetzt, genau vier Sekunden und 20, möchte ich beginnen und dann in den nächsten Frame übergehen. Also habe ich es nie gemocht, den nächsten Frame zu starten schneide ihn einfach und gehe hinein, es muss nahtlos sein. Wenn wir hier zum Markenvideo gehen, werden Sie sehen, dass der nächste Frame die Leiter mit der Cloud hat. Was ich also tun möchte, ist, dass das nächste Bild wirklich in den roten Zahlen gezoomt beginnt. Als es herauszoomt, bemerkten Sie, dass es sich um eine Leiter handelt. Dann kann ich wieder hineinzoomen und die Leiter hochklettern und in die Wolken steigen. Aber das ist der Übergang , an den ich denke. also zu Frame 1 zurückkehre, möchte ich anfangen, die Wolken und die Texte und die Vögel und alles nach unten und aus dem Bild zu bewegen und die Texte und die Vögel und . Was also übrig ist, ist der rote Hintergrund. Dann wird das ein fließender Übergang mit dem nächsten Frame sein. Also benutze ich gerne die regnenden Charaktere aus. Also gehst du einfach in deine Effekte und Presets und schreibst es aus. Dieser Ordner wird herauskommen, animiert und du wirst regnende Charaktere herausfinden. Also werden alle Buchstaben einfach herunterregnen, weil ich denke, das ist der Effekt während des gesamten Videos, bei dem Buchstaben vom Bildschirm zu regnen scheinen. Ich mache einfach weiter und benutze das, doppelklicke darauf. Dies ist der Effekt, dass es passieren wird, es mischt die Buchstaben und regnet bis zum unteren Bildschirmrand. Wir könnten jedoch ein bisschen damit herumspielen. Ich klicke einfach auf Animator 2, Bereichsauswahl 1. Sie können die Schlüsselbilder hier sehen , weil sie viel zu langsam in den dritten Frame gehen. Ich brauche es vielleicht, um hier aufzuhören. Wenn Sie noch weiter nach unten gehen, werden Effekte und Echos einhergehen. Ich möchte das Echo reduzieren, weil ich nicht möchte, dass diese Spuren der Buchstaben angezeigt werden, ich möchte nur, dass es schön sauber ist. Command S. Lass uns das mit der Musik ausprobieren , um zu sehen, wie alles aussieht. Ich denke, dieser Frame kann tatsächlich bis zur 6. Sekunde und 22 Millisekunden weitergehen , wenn man genau hinhört. Es gibt also einen netten kleinen Übergang hier, bevor es zum anderen Frame gehen kann und wir haben immer noch genug Zeit, ungefähr sieben Sekunden die beiden anderen Frames von da an übergehen können. Also werde ich hier einfach die Geschwindigkeit bis 6:22 anpassen und sehen, wie sich das auf das Lesen der Phrase auswirkt. Schauen wir uns das jetzt an. Das ist viel angenehmer als ich mich fühle. Dann noch eine letzte Sache , die ich hinzufügen möchte, und es ist eine Kameraebene, also wird sich dadurch alles wirklich filmisch anfühlen und sich in verschiedene Richtungen bewegen. Ich möchte also alle meine Ebenen hier auswählen und mit der rechten Maustaste klicken und dann auf 3D-Ebene klicken. Jetzt sind alle meine Ebenen 3D, indem ich diese 3D-Box um sie herum habe, und das wird es uns ermöglichen, eine Kamera hinzuzufügen. Also werde ich hier ganz oben weitermachen und eine Kameraebene hinzufügen. Ich verwende also gerne eine Ein-Knoten-Kamera , die für mich einfach zu bedienen ist. Normalerweise zoome ich einfach hinein oder zoome heraus oder bewege mich mit meinen Ebenen nach rechts oder links. Ich mache also nichts Verrücktes, aber das ist nur etwas, das ein kleines Extra [unhörbar] bietet . Eine Kameraebene ist also super einfach. Es hat auch eine Position, eine Ausrichtung, eine zusätzliche Drehung, Y-Rotation, eine Z-Rotation, es ist super einfach. Sie klicken auf das Schlüsselbild, um die Werte nach Ihren Wünschen zu ändern. Sie möchten nach rechts gehen, Sie möchten nach links gehen, Sie möchten hineinzoomen und Sie möchten herauszoomen, was von hier aus völlig machbar ist. Ich mache sie einfach und zeige dir, wie es aussieht. Also habe ich alle meine Keyframes hier in der Mitte bei allen Werten angeheftet , damit ich weiß, dass ich sie hier in vollem Umfang haben möchte. Ich habe die gleiche Vorstellung von den Wolken hier gespiegelt , nur um diesen Effekt wirklich hervorzuheben. Also bei Position hier habe ich auf diesen Wert herangezoomt. Also habe ich hier ein Keyframe eingefügt , wenn es super hereingezoomt ist. Es zoomt einfach mit den Wolken heraus und hat diesen wirklich schönen Schwenkeffekt, und dann hört es hier bei Vollbild auf. Wenn dann die Buchstaben abfallen, ziehe ich das Ganze nach unten. Während ich es nach unten ziehe, habe ich auch nur ein bisschen herangezoomt , um einen kleinen Effekt zu erzielen, sodass es nicht vollständig statisch ist. Wenn ich es herunterzoome, hilft mir das nur, in mein nächstes Bild überzugehen , wenn ich das Rot der Leiter heranzoome das Rot der Leiter damit es nicht zu statisch erscheint. Lassen Sie uns nun sehen , wie das in der vollständigen Komposition aussieht . Wenn der Rahmen herausfällt, würde er tatsächlich in einen roten Hintergrund fallen, nicht den Königin-Hintergrund hier drüben. Das wird uns nur den Effekt geben, dass wir mit dem Bildschirm herunterfallen, wenn das Sinn macht. Ich bin ziemlich zufrieden mit dem ersten Frame mit dem Tempo und allem. Solange ich hier alles gruppiert habe, kann ich einfach immer wieder in Frame 1 klicken und bei Bedarf alles ändern. 12. Animation auf AE: Rahmen 2-3: Das erste , was ich tun möchte Wie der vorherige Frame und ich möchte alle diese Frames auswählen und sie in 3D-Ebenen umwandeln. Fügen Sie dann eine Kameraebene hinzu, damit wir das Bild starten können, wenn vollständig vergrößert ist, und dann wieder herauszoomen der rote Buchstabe vollständig vergrößert ist, und dann wieder herauszoomen können. Mit den Positions-Keyframes hier zoomte ich irgendwie auf das rote hier der Leiter heran, zoomte ganz hinein und zoomte dann einfach weiter heraus, zoomte heraus, zoomte heraus, damit ich die Leiter sehen kann. Dann habe ich die Position verschoben, um nach oben zu gehen. Ich folge der Leiter ganz nach oben und sehe die Wolke, und dann bewegt sich der gesamte Hintergrund wieder nach unten, bereit für den Übergang in das nächste Bild, das ebenfalls auf einem cremefarbenen Hintergrund sein wird. Es wird nicht schwarz sein. Das wird einfach ein schöner, fließender Übergang zum nächsten Bild sein. Das einzige, was ich jetzt machen möchte, ist, dass ich Schritt für Schritt Shows für die Leitern machen möchte, also möchte ich nicht, dass sie alle auf einmal gezeigt werden. ich herauszoome, möchte ich, dass der blaue Schritt zuerst angezeigt wird, dann das Gelb, dann das Rosa, dann das Blau und dann die Wolke. Ich mache das einfach mit Sequenzebenen und zeige Ihnen, wie. ich herauszoome, sehe ich zuerst die blaue Stufe, und dann kommt hier die gelbe Stufe rein. Ich ziehe einfach die Ebene heraus. Du bewegst es einfach so herum. Sie finden hier zwei Pfeile und bewegen sie einfach an die Stelle, an der sich der Cursor befinden soll. Ich mache einfach weiter und mache das für den Rest der Schritte. Sobald die Wolke auftaucht, wollte ich einfach nur darin schweben damit ich nicht möchte, dass sie sich hektisch bewegt. Ich wollte nur so schweben, wie eine Wolke an ihrem Platz schwebt. Nur damit es nicht so statisch und auch nicht extrem dynamisch ist. Ich habe hier gerade einige Positions-Keyframes hinzugefügt, nichts zu ausgefallenes oder fortgeschrittenes. Ich wollte nur eine subtile Bewegung für die Cloud, während ich den Hintergrund nach unten verschiebe. Wenn du das einfach wiederspielst. Ja, ich denke das ist in Ordnung. Lassen Sie uns das nun mit der Musik und dem letzten Bild überarbeiten und sehen, wie beide gut zusammenpassen. Das hat gut funktioniert. Schauen wir es uns noch einmal an. Wie Sie sehen können, fällt es irgendwie in einen roten Hintergrund und geht in das nächste Bild über, und dann zoomt der rote Hintergrund von der Leiter heraus. Dann sehe ich die Stufen. Dann gehe ich in die Cloud und von hier aus würde das dritte Bild in einen komplett cremefarbenen Hintergrund übergehen , sodass wir keine scharfen Schnitte haben. Und wenn es dann komplett verblasst, können wir den Text in der Mitte zeigen lassen. Lass uns weitermachen und mit Frame-3 beginnen. Ich gehe hier einfach zu meiner allgemeinen Zeitleiste und sehe genau, wo das letzte Bild außerhalb des Bildschirms abfällt. Ich denke, es beginnt hier in der 9. Sekunde und dann geht es runter, runter, runter, runter bis zur 10. Sekunde und 10. Millisekunde. Ich benötige nur diese Information , um meinen Übergang mit dem nächsten Frame entsprechend zu terminieren. Ich denke, wenn sich die Wolke auf dieser Bühne befindet, also um die neunte Sekunde und 22. Millisekunde, kann ich die Wolken aus dem nächsten Bild um sie herum oder neben ihr bewegen lassen, nur damit der Übergang ist nahtlos und die Dinge bewegen sich immer, wenn Sie von Bild zu Bild wechseln. Es ist nicht wie ein statischer Übergang. Ich denke, dass ich auch dafür die Schreibmaschinenanimation verwenden werde , nur damit alles durchweg konsistent ist. Ich möchte nicht für jeden Text eine Million verschiedener Animationen einfügen. Ich möchte, dass sie durchweg konsistent und zusammenhängend sind. Ich denke, ich werde das einfach tun und auch die amtierenden Charaktere verwenden , um das zu animieren, nur damit es mit diesem ersten Bild übereinstimmt. Ich fange hier einfach bei der neunten und der 15. Millisekunde an, um meine rechte Wolke hier zu bewegen , denn dann befindet sich der vorherige Frame hier genau in der Mitte. Ich denke, es wäre schön, ab diesem Punkt mit dem Verschieben der Cloud zu beginnen . Ich denke, ich kann es einfach im Kreis bewegen und sehen, wie das aussieht. Wenn ich es von rechts nach links ändern muss, mache ich das vielleicht. Ich möchte nur eine sehr subtile Bewegung, die nicht zu viel ist, aber dennoch schön genug ist, um mir das Gefühl zu geben, dass ich am Himmel bin und sich Wolken bewegen. Etwas in dieser Richtung für beide Wolken. Ich habe gerade Positions-Keyframes platziert, damit sie sich hier in einer Halbkreisbewegung bewegen, aber wir werden sehen, wie es läuft, wenn es mit der Musik getestet wird. Im Moment werde ich einfach mit dem Rest meiner Elemente weitermachen . Ich mache dasselbe wie beim ersten Bild mit den Sternen. Skalieren Sie sie hoch und runter, hoch und runter und drehen Sie sie. Fügen Sie dem Text hier auch den Animationseffekt der Schreibmaschine hinzu. Schauen wir uns jetzt alles an. Wie gesagt, ich verwende dieselbe Regenanimationstechnik wie im ersten Bild, nur aus Effekten und Voreinstellungen, lese Charaktere vor und vergiss nicht, deine Textform-Ebene in eine tatsächliche Textebene , um dies zu tun. Was ich nun machen möchte, ist es einfach mit der Musik zu testen, den Übergang mit dem letzten Bild zu sehen und dann bei der Musik zu überprüfen, wo dieser Frame endet, weil der nächste ist wo der Eisportionierer im Takt des Songs fallen wird . Ich muss sicherstellen, dass das ein sehr scharfer und reibungsloser Übergang ist . Schauen wir es uns an. Cool. Ich denke, das hat am besten geklappt. Jetzt denke ich, das Einzige, was ich hier ändern kann, weil ich die Leiter aus dem vorherigen Frame tatsächlich etwas langsamer absteigen lassen kann . Nur weil ich das Gefühl habe, dass es mit dem Tempo der Musik etwas zu schnell ist. Wenn es etwas langsamer ist, hätte die Schreibmaschine immer noch genug Zeit, um aufzutauchen, und Sie könnten den Satz nicht lesen. Ich werde einfach weitermachen und dieses Detail ein wenig anpassen . Ich verschiebe den Keyframe nur etwas weiter auseinander , nur um ihn etwas langsamer zu machen und lass es uns ansehen. Perfekt. Dann muss ich jetzt überprüfen , in welcher Sekunde genau der nächste Beat of the Drop kommt? Genau da, hörst du es? Wo das nächste Instrument hineinfällt, möchte ich, dass meine Eisportionierer herunterfällt. Ich müsste meinen gesamten Frame wie die anderen nach unten bewegen meinen gesamten Frame wie die anderen nach unten , bevor dieser Beat fällt. mal sehen, ich denke 13. Sekunde und 27. Millisekunde. Gehen wir zurück zu Frame-3 und da es herunterfällt, möchte ich auch der gesamte Frame nach unten geht. Ich werde genau dasselbe wie die anderen Bilder machen und eine Kameraebene hinzufügen. Da es tatsächlich abfällt, also genau hier, werde ich meinen cremefarbenen Hintergrund schneiden , weil das nächste Bild auch einen cremefarbenen Hintergrund haben wird. Ich schneide es hier so , dass der nächste Frame ohne seltsame Schnitte glatt fällt oder übergeht. wir einen Blick darauf. Dies wäre ein leerer cremefarbener Hintergrund und genau wenn die ersten 10 Treffer treffen, fällt dieser Eisportionierer und rollt ein bisschen herum. Ich drücke einfach auf „Command Save“ und wir sind bereit, mit dem vierten Bild fortzufahren. [MUSIK] 13. Animation auf AE: Rahmen 4-5: Rahmen 4. Ich glaube, ich werde Frame 4 in der 13. Sekunde und 23. Millisekunde starten , genau dort, wo die Buchstaben herunterfallen und die Wolken herunterfallen. Hier wird der Eisportionierer aus der entgegengesetzten Richtung fallen. Ich möchte also nicht, dass es wartet, bis alle Briefe fallen gelassen wurden. Ich möchte es gleichzeitig machen, nur damit es sich wie eine Push-and-Pull-Situation anfühlt. Ich mache einfach einen Doppelklick darauf. Ich werde vorerst all die unnötigen Ebenen wegschieben all die unnötigen Ebenen , die ich im Moment nicht animieren werde. Mein Hauptanliegen ist momentan der Eisportionierer, und wir kommen später zum Waffelkeks und den Softserve-Kugeln. Also schiebe ich einfach all diese Schichten beiseite , die ich vorerst nicht verwenden werde, und dann komme ich später darauf zurück. Aber das hilft mir nur, mich zu konzentrieren und keine Million Schichten vor mir zu haben , die mich nur ablenken. Also das Wichtigste zuerst, das ist mein Eisportionierer hier. Am Cursor ist also genau der Zeitpunkt, an dem ich möchte, dass es abfällt. Also werde ich das etwas vor der 13. und 23. Sekunde haben , vielleicht genau dort. Ich ziehe es außerhalb des Bildschirms nach oben. Dann P für Position, ich lege das da hin. Dann werde ich vielleicht für eine Sekunde einen Tropfen trinken , bis hier unten. Cool. Dann Shortcut R für Rotation, ich wollte auch eine bestimmte Rotation haben. Also gehe ich einfach hierher und klicke auf meine Stoppuhr und habe die Rotation hier auf Null. Als es dann landet, wollte ich einen vollen Kreis haben. Also gehe ich einfach dahin, wo hier Null steht, null Mal und ich sage einmal. Das bedeutet also, dass es sich für einen ganzen Kreis dreht und nur sehen wird, wie das aussieht. Also platziere ich einfach meine Keyframes hier wo die Eisportionierer gerade anfangen sollen. Hier werden also die Briefe auf halbem Weg hier sein und herunterfallen, und hier wird der Eisportionierer reinkommen und hier landen. Ich habe einen Rotations-Keyframe hinzugefügt, von dem aus er beginnt und dann , wo er auf dem Boden landet. Ich denke, das könnte etwas zu langsam sein. Also könnte ich es etwas beschleunigen. Anstatt also 1x, einmal zu drehen, schreibe ich zwei, was bedeutet, dass es zweimal in einem vollen Kreis ausgegeben wird. Ich denke, viermal macht Spaß. Ich denke, vielleicht fällt es auch etwas zu langsam für mich, ich möchte, dass es eher schneller fällt. Vielleicht könnte ich diese beiden ein bisschen zusammenbringen. So etwas. Dann können wir vielleicht einen Bounce hinzufügen, damit es nicht so flach und statisch ist. Deshalb füge ich normalerweise gerne einen Bounce als Ausdruck hinzu. Ich habe das online gefunden, ich werde es hier verlinken, damit Sie es sehen können. Sie können viele Ausdrücke für After Effects online finden. Also schnappe ich mir einfach diesen und er hat bei mir funktioniert und er hat diesen Bounce-Effekt. Sie können das also verwenden, wenn Sie möchten. Also kopiere ich einfach, füge das ein und klicke auf Option. Dann kopiere ich auf meiner Stoppuhr den Ausdruck, und dann kannst du mit dem Ausdruck herumspielen , wenn du willst. Sie können also mit dem Zerfall und der Häufigkeit, wie stark er abprallt, herumspielen . Sie werden sehen, wie sich das auf die Animation auswirkt, während Sie damit herumspielen . Mal sehen , wie das aussieht. Siehst du hier im Bounce, es springt ein bisschen zu stark ab, als ich es gerne hätte. Ich möchte nur, dass es ein bisschen subtil ist, weil es momentan fast wie ein Trampolin aussieht. Ich wollte nur einen kleinen Schlag haben , fast so, als würde er auf den Boden fallen. Also werde ich einfach damit herumspielen, mit den Werten hier im Ausdruck herumspielen , bis etwas klickt. Also bin ich vorerst damit einverstanden. Ich habe nur ein bisschen mit den Werten hier herumgespielt und wollte nur , dass es nur einen sehr subtilen Sprung damit es nicht ganz statisch ist. Aber ich kann später zurückgehen und es verfeinern. Ich möchte nur das Rückgrat dieses Rahmens fertig haben. Das nächste, was ich hinzufügen möchte, ist der Schatten. Ich habe es einfach hier an der Seite weggeschoben , damit ich vorerst an der Schaufel arbeiten kann. Ich möchte, dass der Schatten auch ins Spiel kommt, aber hier nicht nur statisch ist. Ich möchte, dass es sich auch bewegt, also denke ich, wenn der Ball fällt, könnte er eine bestimmte Größe haben. Es wird breiter oder kleiner, wenn sich der Ball dem Boden nähert. Also werde ich einfach damit herumspielen und sehen, wie das aussieht. Also habe ich einfach mit den Skalenwerten hier des Schattens gespielt. Ich habe es breit gemacht, als der Eisportionierer zu fallen beginnt und dann wird er immer schmaler , bis er die Breite der Schaufel erreicht. Das nächste, was ich tun möchte, ist den Eisportionierer ein bisschen zu rollen. es also auf dem Boden landet, möchte ich nur, dass es einen kleinen Wurf hat , diese Ausgleichsrolle. Nichts allzu Extravagantes, nur ein kleines bisschen, damit es sich natürlicher und realistischer anfühlt . Mit Hilfe von Rotationskeyframes und Positions-Keyframes ließ ich die Eisportionierer ein wenig nach rechts rollen, dann ein wenig nach links rollen und dann zurück in die Mitte gehen, als ob es versucht sich selbst ins Gleichgewicht zu bringen. Ich möchte, dass das so lange weitergeht, bis der Rahmen endet und der Waffelkeks herunterkommt. Weil es normalerweise eine Wippe ist, also muss es immer beiden Enden ausgleichen und ich würde nicht an seinem Platz bleiben. Da spiele ich also damit. Jetzt, wo es rollt, möchte ich, dass der Eiscreme-Topping hier herunterrollt hier herunterrollt nach unten schmilzt. Das würde also passieren, sobald es zur Seite rollt, sobald es gelandet ist. Lass mich mal sehen. Genau da. Also gehe ich zum Eiscreme-Topping und klicke mit der rechten Maustaste auf Erstellen, Erstellen von Formen aus der Vektorebene. Dadurch wird nur eine Form aus meiner Ebene erstellt , sodass ich sie bearbeiten kann, wie ich möchte. Es wird hier bestimmte Tangentenpunkte haben, die ich herumziehen kann, und du wirst sehen, was ich damit machen werde. Wichtigste zuerst: Ich möchte nur die Positions- und Rotations-Keyframes als Eisportionierer spiegeln die Positions- und Rotations-Keyframes , damit sie mitrollt. Dann zeige ich dir, wie ich dieses Eis von Grund auf schmelze . Also platziere ich einfach die Positions- und Rotations-Keyframes und passte sie an die Stelle an , an der sich die Eisportionierer befindet, damit sie von einer Seite zur anderen herumrollt . Was jetzt noch übrig ist, ist, dass wir den Weg hier maskieren müssen , damit er langsam aber sicher schmilzt während der gesamten Rolle langsam aber sicher schmilzt. Also gehe ich hier in Gruppe eins zum Inhalt und dann zum Pfad. Ich werde hier einfach auf dem Keyframe stehen und sagen, dass ich möchte, dass das Eis den Schmelzprozess genau hier abschließt. Also werde ich mir diesen Teil einfach ansehen. Dann geh zum Anfang und fange an, mit path herumzuspielen. also auf dieses Auswahlwerkzeug klicken, werden Sie feststellen, dass es hier Pfade mit Tangentenwerkzeugen hat , als ob Sie in Illustrator wären. Also werde ich diese einfach ein bisschen nach oben bewegen und mit ihnen herumspielen. Es wird diese Phase am Anfang aufzeichnen und dann von selbst glätten , bis die ursprüngliche Schmelze am Ende aussieht. Wenn wir es jetzt ausprobieren , nur um es Ihnen zu zeigen, würde es so aussehen. Ziemlich cool, oder? Es zeichnet also nur den Pfad auf, den Sie am Anfang erstellt haben , und zeichnet den Pfad auf, den Sie am Ende erstellt haben, und es wird Ihnen die Arbeit machen, ihn zu animieren. Wenn es rauskommt, ist es vielleicht die allerletzte Station hier. Ich kann ein letztes Mal mit dem Pfad herumspielen, nur damit er etwas natürlicher aussieht, wenn er sich bewegt. Das ist es also. Lassen Sie uns nun herauszoomen und überprüfen, wie es von Anfang an aussieht. Ich bin also ziemlich zufrieden damit, wie sich das bisher anfühlt. Jetzt möchte ich nur diese Ebenen reduzieren. Eine schnelle Verknüpfung, um Ihre Ebenen auszublenden, ohne einzeln auszuwählen sie einzeln auszuwählen, besteht darin, einfach herauszuklicken, außerhalb Ihrer Ebenen vollständig und nur eine Verknüpfung auf Ihrer Tastatur U, und fertig. Alles ist einfach so ziemlich zusammengebrochen, nur damit ich alles klar sehen kann. Denken Sie nun in unserer Illustrator-Datei an die Datei, die so viele Ebenen hatte, dass dies zufällig der Fall ist. Wenn Sie sich erinnern, haben wir hier ungefähr 27 Streusel, die bereit sind, vom Himmel herunterzufallen. Das ist tatsächlich viel einfacher als Sie denken. Es ist nur eine mühsame Aufgabe, weil man alles mit jedem Streusel wiederholen muss, aber die eigentliche Animation ist super einfach, nichts zu schwer oder so. Was ich also tun möchte, ist, dass die eigentlichen Streusel mit der Eisportionierer vom Himmel herunterfallen, wir werden einen viel dramatischeren Effekt haben. Lassen Sie mich zunächst die Streusel-Ebenen jetzt viel näher an unsere Zeitleiste bringen . Also fange ich immer gerne rückwärts und arbeite mich dann bis zum Anfang vor. Wenn ich mich rückwärts arbeite, möchte ich den Keyframe auf den letzten Teil setzen , an dem die Streusel landen werden. Also denke ich, dass sie hier landen werden. Genau da. Dann möchte ich eigentlich die Streusel gruppieren. Ich gehe zum Befehl und füge dann ein. Ich möchte diese Streusel gruppieren, also ist das wie eine doppelte Version von ihnen. Dann werde ich sie vorkomponieren und zusammen Streusel schreiben . Nur damit ich es weiß. Was Streusel zusammen bewirken, ist dass ich diese Schichten schneide, nachdem jeder einzelne Streusel vom Himmel fällt . Wenn Sie Streusel zum Sammeln verwenden, die gruppierten, ist es viel einfacher, diese mit der Eisportioniermaschine zu rollen , da sie von einer Seite zur anderen rollt denn wenn ich mich entscheide, jeweils 27 Streusel zu rollen, das wird Stunden und Stunden dauern. Das ist also einfach etwas Einfacheres. Sobald es landet und für eine Sekunde dort bleibt, wird diese Schicht hereinkommen, die gruppierte, und mit der Eisportionierer herumrollen. Aber im Moment verstecke ich es einfach, indem ich auf das Auge links klicke. Ich werde meine Energie jetzt darauf konzentrieren, jeden einzelnen, der auf den Eisportionierer gestreut wird, fallen zu lassen. Also möchte ich das zufällig machen. Sie müssen nur sehr zufällig aussehen, als ob Sie es tun würden, wenn Sie einzelne Streusel fallen lassen. Also werde ich einfach hier oben auf meine Eisportionierer gehen und sehen, wo sich der erste Keyframe befindet. Der erste Keyframe ist also da, was bedeutet, dass alle meine Streusel auch von hier aus beginnen müssen. Dann möchten Sie alle Ihre Sprinkler-Ebenen auswählen und dann P verknüpfen. Dadurch werden alle Positions-Keyframes auf allen Streuseln geöffnet . Dann, wenn ich die Umschalttaste und den Aufwärtspfeil auf meiner Tastatur drücke, nehme ich all dies einfach aus meinem Bildschirm. Dann klicke ich hier auf eine Stoppuhr. Es spielt keine Rolle, welcher. Es wird auf alle Stoppuhren für Sie klicken alle Stoppuhren für Sie solange Sie alle Ebenen ausgewählt haben. Das heißt, ich möchte, dass die Streusel von hier aus beginnen. Wenn ich dann zu meinem Eisportionierer gehe, landet er hier. Das ist der Zeitpunkt, an dem alle meine Streusel genau an ihrem Platz dort sind. Also lasse ich den Cursor hier direkt auf diesem Teil und klicke dann raus. Dann nehme ich jede einzelne Streusel, also sagen wir Sprinkle 1. Ich nehme Shift und diesmal den Abwärtspfeil auf meiner Tastatur und fange an, ihn herunterzufahren. Das wird nur dazu führen, dass die Streusel mit dem Eisportionierer fällt. Dann drücke ich auf meine Ebene und verknüpfe R und das wechselt zur Rotation. Also möchte ich auch, dass sich die Streusel drehen. Ich möchte nicht nur, dass sie geradeaus fallen und das war's. Also klicke ich einfach auf meine Stoppuhr hier bei Null und dann genau dort, wo sie hier endet Ich klicke vielleicht auf 3x und sehe, wie das aussieht . Genau das hatte ich mir vorgestellt. Das ist es also. Ich wiederhole einfach den gleichen Vorgang für jede einzelne Streusel. Es ist einfach super einfach. Wir setzen einfach eine Position ein, bringen sie von oben nach unten, von oben nach unten und spielen hier mit der Rotation herum. Das ist so ziemlich alles. Das einzige, was ich tun werde, ist, dass ich nicht jeden Keyframe genau zur gleichen Zeit platzieren werde, sonst werden Sie feststellen, dass 27 Streusel genau in derselben Sekunde fallen und es wird einfach komisch aussehen. Was ich also tun werde , ist eigentlich nur ein bisschen mit meinem Cursor herumzuspielen. So fällt Sprinkle 2 beispielsweise etwas früher als Sprinkle 1. Sprinkle 7 fällt etwas früher oder später als die vorherigen Streusel, sodass wir im Grunde einen zufälligen Sturz haben können . Also mache ich einfach weiter und wir werden sehen , wie es zusammen aussieht. Schauen wir uns also an, wie die Streusel aussehen wenn ich alle Positions- und Rotations-Keyframes für jeden von ihnen erstellt habe. Jetzt habe ich die einzelnen Rahmen genau geschnitten, wenn sie landen, und ich nehme jetzt meinen Gruppenspieler und fange an, ihn zu bewegen und mit dem Eisportionierer zu rollen , genau wie beim Belag. Also habe ich hier einfach die Positions- und Rotations-Keyframes für die Gruppenstreusel platziert Rotations-Keyframes für die Gruppenstreusel , entsprechend der Bewegung auf dem Eisportionierer hier. Schauen wir es uns an. Brillant. Jetzt können wir uns das mit der Musik ansehen, um zu beurteilen, wie alles bisher aussieht, und um zu sehen, ob wir Änderungen vornehmen müssen. Perfekt. Mir gefällt, wie alles mit der Musik fließt. Alles hat ein gutes Tempo und Rhythmus. Mir gefällt, wie der Eisportionierer von einer Seite zur anderen rollt mit der kleinen Melodie von einer Seite zur anderen rollt, als ob sie hin und her schaukelt. gefällt mir hier also sehr gut. Großartig. Als nächstes kommt der Waffelkeks, der ebenfalls herunterfällt und auf dem Eisportionierer balanciert. Ich möchte also, dass der Waffelkeks nur eine Sekunde oder sogar eine halbe Sekunde, nachdem der Eisportionierer heruntergefallen ist, vom oberen Bildschirmrand Sekunde oder sogar eine halbe Sekunde fällt. Also vielleicht genau hier. Also werde ich einfach meinen Keyframe hier platzieren und ich würde ihn ab hier fallen lassen. Also ziehe ich das einfach in die Länge. Ja, perfekt. Denn sobald es herunterfällt, beginnt der Eisportionierer zu rollen, was Sinn machen würde. Von nun an muss es, sobald es auf den Eisportionierer trifft, sobald es auf den Eisportionierer trifft, auf der rechten Seite balancieren. Also kippte ich es einfach nach rechts als der Eisportionierer nach rechts rollt. Ich mache das Gleiche, wie der Eisportionierer wieder nach links rollt. Schauen wir es uns an. Das ist in Ordnung für mich. Das Letzte sind die beiden kleinen Softeis, die wir auf den Waffelkeks legen und ausbalancieren , und sie sollten auch fallen, sobald der Waffelkeks ist. trifft die Schaufel. Also habe ich gerade diese Softserve-Eisportionierer hinzugefügt. Sobald der Waffelkeks fällt, fallen sie direkt danach und balancieren und bewegen sich mit dem Waffelkeks. Dies sind alles nur Positions - und Rotations-Keyframes, wie Sie hier sehen können. Also habe ich nur meine Positionsrotations-Keyframes und ich drehe mich einfach , während der Waffelkeks nach rechts und links, rechts und links geht. Idealerweise sollte dieser Frame also bei 18 Sekunden und 20 Millisekunden enden , denn dann müssen wir in den nächsten Frame übergehen, der eine magische Spielwiese der Träume besagt , gerade genug, bevor wir loslegen in die Logoanimation. Also lasst uns die Musik noch einmal gut anhören, sicherstellen, dass alles in Ordnung ist, und wir machen mit dem nächsten Bild weiter. Perfekt. Nun, ich denke, die Art und Weise, wie dies zum nächsten Bild übergehen sollte , ist nicht vom Himmel fallen , weil es eine Bewegung nach links und rechts gibt. Ich denke also, der Übergang daraus sollte die Eisportionierer die entweder nach links oder rechts rollt und den Bildschirm verlässt. Das ist also das Letzte, was ich gerade tun werde, bevor ich zum nächsten Bild übergehe. Also habe ich einfach die Out-Animation angepasst, indem den Eisportionierer nach links gerollt und einfach alles andere angepasst habe, was dazu gehört, sodass der Waffelkeks auch nach links rollt. Der Belag, die Streusel, alles rollt aus und dann habe ich auch die Wolken zu beiden Seiten verlassen. Als letzten Schliff habe ich diese Sterne hier hinzugefügt, nur für ein kleines extra magisches Feld. Ich kopiere gerade den gleichen Skalierungseffekt aus Bild 3. Also nehme ich einfach diese Keyframes aus der vorherigen Quelle und kopiere sie einfach hier, damit ich sie nicht noch einmal einzeln machen muss. Ja, das ist so ziemlich alles. Werfen wir also noch einen letzten Blick auf die Musik und wie alles zusammenkommt, und dann können wir zu Frame 5 übergehen. Ich finde das gut, wir können anfangen, Frame 5 zu animieren. Jetzt wollen wir mit Frame Nummer 5 beginnen. Frame Nummer 5 sollte also hier beginnen, also in der 19. Sekunde und 14. Millisekunden. Ich mache einfach einen Doppelklick darauf. Wir wollen unseren Cursor auf die 19-Sekunde bringen. Das ist also auch ganz einfach. Auch hier machen wir die Schreibmaschinenanimation für den Text und bewegen die Wolken leicht und kopieren und fügen einfach dieselben Keyframes für die Sterne ein. Dann stellen wir dies auf den roten Hintergrund um , damit wir dann in das Logo übergehen können . Das war also ziemlich einfach. Also habe ich gerade damit begonnen, The Magical Playground of Dreams mithilfe der Schreibmaschinenanimation zu tippen The Magical Playground of Dreams mithilfe , und ich kopierte die Skala, die Keyframes und die Deckkraft-Keyframes für die Geschäfte aus dem vorherige Frames. Dann genau hier habe ich einfach einen roten Hintergrund darüber hinzugefügt und dann einfach den gleichen Text kopiert, aber in Creme gemacht. Das ist so ziemlich alles. Dann habe ich einfach den Textübergang mit den amtierenden Charakteren verlassen , damit wir mit den übrigen Animationen übereinstimmen. Das ist so ziemlich alles. Ab diesem Zeitpunkt, ab der 22. Sekunde, wird das Logo auf dem roten Hintergrund erscheinen . Während die Buchstaben herunterregnen, werden die Buchstaben des Logos von oben regnen. So stelle ich mir den Übergang vor. Also ja, schauen wir uns einfach alles noch einmal an , von Anfang an. Ich mache das immer gerne , denn je mehr man es wiederholt und je mehr man es sieht, desto mehr merkt man ein paar Pannen im Tempo oder in der Geschwindigkeit oder etwas fühlt sich nicht richtig an, sodass man immer gehen kann zurück und bearbeiten bevor Sie mit dem nächsten Bild fortfahren. Das war's. Jetzt sind wir bereit, mit unserer Logoanimation zu beginnen. 14. Animation auf AE: Logo: [MUSIK] In den vorherigen Lektionen haben wir an den Frames 1 bis 5 gearbeitet und jetzt können wir mit der Arbeit an der Logoanimation beginnen. Das Wichtigste zuerst, ich möchte hier zu meiner Timeline gehen und die ersten drei Frames gruppieren , indem ich mit der rechten Maustaste klicke und dann auf Vorkomponieren klicke und dann nenne ich sie Intro. Jetzt habe ich hier alles gruppiert und ich kann sie einfach anklicken und dann finde ich die Rahmen darin. Dadurch werden die Dinge einfacher und viel organisierter. Ich mache das einfach gerne, anstatt hier eine Million Frames zu haben. Wir machen dasselbe für das Logo und dann dasselbe für das Outro und gruppieren einfach alles, damit Sie hier weniger Frames haben. Ich möchte es mir nur das letzte Mal anhören , damit ich genau weiß , wo mein Logo ins Spiel kommen wird. [MUSIK] Da die Buchstaben vom magischen Spielplatz der Träume fallen, während sie buchstäblich herunterfallen, möchte ich, dass die Buchstaben des Logos einfach so aus der entgegengesetzten Richtung herunterfallen einfach so aus der entgegengesetzten Richtung dort findet ein nahtloser Übergang statt. Ich würde sagen, dass dies hier auf meiner Zeitleiste um die 22. und 10. Millisekunde beginnen wird . Ich gehe einfach hier zu Frame-6, doppelklicke darauf und ich habe meine Logo-Ebenen hier als beide Versionen, eine auf dem roten Hintergrund und eine auf dem grünen Hintergrund, die dann zu wechseln Übergang in den nächsten Frame. Ich möchte mit dem roten Hintergrund beginnen , da dies mit dem vorherigen Bild verknüpft ist. Wir fangen genau hier an, wo mein Cursor ist. Wie Sie bereits gesehen haben, habe ich hier alle Buchstaben der Wortmarke isoliert hier alle Buchstaben der Wortmarke damit sie einzeln vom oberen Bildschirmrand fallen können. Ich habe auch das vollständige Logo hinzugefügt, sodass es wieder perfekt einrastet und bereit ist, zum nächsten zu wechseln. Ich werde vorerst nur die vollständigen Logos verstecken. Ich werde vorerst das rote Logo und den cremefarbenen Hintergrund verstecken und sie später einsetzen. Ich will einfach alles , was ich jetzt benutzen werde , vor mir haben. Da haben wir's. Wenn wir hier nur das Auge austauschen werden Sie feststellen, dass alle Buchstaben vollständig getrennt sind. Ich möchte anfangen , alle meine Briefe hier zu holen und P für die Position zu drücken. Ich ziehe sie einfach aus meinem Bildschirm und drücke die Stoppuhr. Dann will ich in der 22. Sekunde hier hin. Wie wir es bei den Streuseln der Eisportionierer in den vorherigen Frames getan haben, werden wir einfach anfangen, jeden Buchstaben einzeln fallen zu lassen und mit seiner Richtung herumspielen und die Rotation so, dass es so aussieht sie überspringen, bis alle verstreut auf den Boden fallen würde sie überspringen, bis alle verstreut auf den Boden fallen und dann wieder in das Logo springen . Lassen Sie mich einen Buchstaben ausprobieren und sehen, wie das aussieht , und dann können wir den Rest fortsetzen. [MUSIK] So sieht das S aus. Ich habe es einfach auf den unteren Bildschirmrand gedrückt und mit seiner Drehung herumgespielt. [MUSIK] Ich mache einfach den Rest der Buchstaben für das Logo, aber ich werde sie nicht in genau den gleichen Sekunden fallen lassen. Das gleiche Konzept wie das Eiscreme-Topping Ich möchte, dass sie nur geringfügige Unterschiede aufweisen, damit sie nicht alle gleichzeitig fallen. Ich möchte, dass sie fast nacheinander fallen und zufällig und verstreut aussehen. Lassen Sie mich es einfach ausprobieren und sehen, wie das aussieht. [MUSIK] An dieser Stelle bin ich zufrieden damit, wie die Einführung der Animation bisher anfühlt. Die Buchstaben fallen einfach willkürlich so vom Bildschirm. benutze nur die Positions- und Rotations-Keyframes und ich habe sie einfach so übereinander stolpern lassen. Ich kombiniere es auch mit der Musik hier, also lass es uns mal anhören. [MUSIK] Diese Dose hier ist, wenn das Logo komplett herunterfällt. Ich möchte wirklich, dass es gut mit der Musik zusammenpasst. [MUSIK] Dann ist der nächste Schritt , dass ich möchte, dass die verstreuten Buchstaben wieder vom Bildschirm herunterfallen und wieder hochkommen , aber dieses Mal, wenn sie wieder hochkommen , werden sie zusammenpassen. Sie werden in die richtige Logo-Position fallen die richtige Logo-Position und auch den Zinnton als Leitfaden verwenden. Hören wir es uns hier an. [MUSIK] Diese zweite Dose hier, [MUSIK], dann wird sie fallen. [MUSIK] Diese letzten beiden Melodien, [MUSIK], dann werden wir sie mit dem Punkt auf dem Auge einrasten , damit der Punkt von hier aus beginnen und anfangen kann zu hüpfen. [MUSIK] Dieser große Auftritt hier. [MUSIK] Dann verwandeln sich die Punkte in einen Ball und fangen an zu hüpfen, und dann können wir zu den nächsten Frames übergehen. Ich scrolle einfach wieder hierher zurück. Ungefähr in der 24. Sekunde sollten zu diesem Zeitpunkt alle Buchstaben wieder hochgehen und mit der Formulierung beginnen. Lass uns einfach weitermachen und das tun. Ich möchte hier nur meine Briefe gruppieren , damit ich sie leicht verschieben kann. Ich schreibe eine Wortmarke. [MUSIK] Ich habe gerade alle meine Briefe hierher genommen und sie irgendwie den Bildschirm gezogen und sie ganz nach oben gebracht , wo ich möchte, dass sie wieder herunterfallen. Dieses Mal kopiere ich mein vollständiges Logo hier in Creme und füge es ein, sodass ich, wenn ich die Buchstaben einzeln nach unten ziehe, dies als Leitfaden verwende, um genau zu wissen , wo ich es nach unten ziehen werde , und wann es rastet ein, die Buchstaben sind nicht überall verstreut. Dieses Mal möchte ich, dass alle Briefe an ihren rechtmäßigen Platz fallen. [MUSIK] Ich bin ziemlich zufrieden damit, wie das am Ende ausgegangen ist. Scrollen wir hier für eine Sekunde zurück. Nachdem ich alle Buchstaben vom Bildschirm herunterfallen ließ , wie gesagt, gruppiere ich sie einfach alle hier und ziehe sie irgendwie ganz nach oben aus dem Bildschirm. Wenn sie oben ankommen Schauen wir uns hier die Ps an. Wenn sie oben ankommen, ziehe ich sie einfach einzeln an ihren Platz hier und ich verwende das Logo hier, das Logo Full Cream, als meinen Leitfaden, nur um genau zu wissen, wo sie fallen sollen , und dann treffe ich es am Ende. Dann, nachdem alle Briefe fallen gelassen wurden, hatte ich sie in letzter Sekunde fallen lassen. Wenn es herunterfällt, erzeugt es hier eine kleine Bewegung , nur um es ein bisschen dynamischer zu halten. Während es hier herunterfällt, drücke ich die Positions-Keyframes aller Buchstaben etwas außerhalb , sodass es sich bewegt, wenn das und fällt. dann von nun an Wenn Sie dann von nun an die Musik hören, wie wir schon sagten, gibt es eine Menge. Lass uns einfach mal zuhören. [MUSIK] In der ersten Dose kommen die geschwungenen Linien und das Markenzeichen TM ins Spiel. Dann fällt der Punkt in der zweiten Dose von oben hinein. Schauen wir uns das noch einmal an. [MUSIK] Siehst du das? Machen wir es noch einmal von hier aus. [MUSIK] Ich mag es wirklich bestimmte Bewegungen mit der Musik und den Melodien hier zu kombinieren , macht einfach einen großen Unterschied. Das ist so ziemlich alles. Genau hier wird sich der Punkt des I auf einem Spielplatz in einen Ball verwandeln und er wird groß skaliert und er wird anfangen, auf dem Boden zu hüpfen. [MUSIK] Genau von hier, und die Buchstaben werden einfach wieder herausfallen . Das war's. Das war eine ziemlich einfache Logoanimation, würde ich sagen, nur mit Positions- und Rotations-Keyframes auf kreative Weise und nur kleine Kleinigkeiten hier und da, aber nichts zu verrücktes. Es ist einfach, weil wir viele animierte Illustrationen haben , sodass ich nicht wollte, dass die Logoanimation zu verrückt oder zu übertrieben ist. Wenn du möchtest, können wir uns das gesamte Brown-Video von oben ansehen , um alles zusammenzufassen und zu sehen, ob alles in Ordnung ist. [MUSIK] Das sieht gut aus für mich. Ich denke, an diesem Punkt sind wir bereit weiterzumachen. [MUSIK] 15. Animation auf AE: Rahmen 7: [MUSIK] Jetzt wollen wir in Frame 7 das Logo in den Punkt überführen und uns in einen Ball verwandeln, der auf dem Boden springt und dann in den nächsten Frame übergeht. Lass mich dich auf ein Verkostungsabenteuer mitnehmen. Cool. Jetzt möchte ich nur noch einmal zuhören, um genau zu wissen , wann ich anfangen sollte, den Punkt zu skalieren und ihn in einen Ball zu verwandeln, und wann sollten dann die Buchstaben von hier fallen und genau wissen, an welchem Punkt das ist? Das ist in der 27., zweiten und 20. Millisekunde. Cool. Dies bedeutet, dass die Buchstaben kurz vor dem Auftreffen dieses Teils fallen und den Bildschirm verlassen müssen. Ich mache das einfach hier. Ich öffne meine Briefe wieder und klicke auf P für Position. Genau hier klicke ich einfach auf meinen Positions-Keyframe auf allen Buchstaben und lege dort einfach einen Positions-Keyframe ein. Dann scrolle ich hier nach rechts bis zur 27. und 28. Sekunde und fange an, sie nacheinander nach unten zu ziehen. Schauen wir uns an, wie das aussieht. Ja, das ist viel besser. Ja, wenn es mit der Melodie untergeht, fällt der Ball. Cool. Jetzt können wir tatsächlich pünktlich beginnen. Ich habe mir hier nur ein bisschen einen Vorsprung verschafft. Ich werde Sie durch das führen, was ich genau getan habe , und Ihnen den gesamten Prozess weiterhin zeigen. Das ist nur, um ein bisschen Zeit zu sparen , weil ich ein wenig mit den Dingen experimentieren und die Dinge ein bisschen richtig machen musste ein wenig mit den Dingen experimentieren , und dir dann zeigen, wie ich das am besten gemacht habe. Das Wichtigste zuerst: Ich habe den Punkt des Auges nicht benutzt. Schließlich denke ich, dass es viel einfacher sein wird , nur mit unregelmäßigen weißen Kreisen zu manipulieren . Genau das habe ich gemacht, gleich nachdem der Punkt über dem Logo erscheint und die Beats zu fallen beginnen, habe ich gerade einen weißen Kreis mit einer cremefarbenen Farbe direkt über dem Augenpunkt hinzugefügt . Dann verwandelt sich der Punkt hier zu einem Ball, indem er hier einfach den Skalierungs-Keyframe verwendet. Ich bin zu seiner Position etwas höher gerückt. Dann fällt der Ball hier einfach auf den Boden. Etwas zu beachten, also sieht es etwas realistischer aus. Genau hier ist der Ball ein perfekter Kreis. Aber wenn es herunterfällt, wenn man sieht, sieht es fast wie ein Oval aus. Ich habe hier nur mit der Waage herumgespielt. Ich habe die Proportionsbeschränkungen hier aufgehoben. Ich habe es ein bisschen unverhältnismäßig gemacht. Es sieht aus wie ein Oval , wenn es auf den Boden fällt und wenn es dann den Boden erreicht, wird es hier tatsächlich etwas flacher, also ist es auch ein Spiel mit den Einschränkungen hier. Es sieht einfach etwas natürlicher aus und steht im Gegensatz zu einem perfekten Kreis, dann sieht es hier nur ein bisschen flach aus. Dann ließ ich es je nach Melodie ein wenig zur Seite springen . Dann wieder in der Mitte. Dann noch einmal auf der linken Seite. Ich habe hier gerade einen Schatten hinzugefügt , den ich noch bewegen muss. Ich möchte, dass sich der Schatten mit dem Ball bewegt. Es gibt ihm nur ein bisschen Kontext anstatt nur einen weißen Kreis über den Bildschirm springen zu lassen und tatsächlich wie ein Ball oder ein Objekt auszusehen , das herumspringt. Ich will dir nur zeigen, wie das mit der Musik aussieht und wie der Flow bisher aussieht. Das ist im Grunde das, was ich hier gemacht habe und ich habe versucht, den Ball entsprechend der Melodie in der Musik abprallen zu lassen, wenn Sie genau hinhören. Es springt bei jeder [MUSIK] Ich werde versuchen, das während des gesamten Videos zu tun, nur damit es so scharf wie möglich bleibt. Aber ich gebe mein Bestes. [MUSIK] Jetzt möchte ich nur den Schatten hierher bewegen, den ich gemacht habe. Ich habe hier gerade eine normale Ellipse aus der Ebene der neuen Formebene gezeichnet . Dann haben Sie die Wahl zwischen einem Quadrat oder einer Ellipse oder einer dieser Formen. Sie können die gewünschte Farbe damit füllen. Ich möchte nur den Schatten mit dem Ball bewegen , damit er konsistent bleibt. Dann gibt es noch einen letzten Takt, die Drops. [MUSIK] Dieser hier aus der 29. Sekunde. [MUSIK] Dies ist der Beat , der in das nächste Bild übergeht , weil der nächste Frame genau dort beginnt. [MUSIK] Da haben wir's. [MUSIK] Ich stelle mir vor, dass der Ball beim nächsten Übergang über den Bildschirm fliegen wird . Lass uns weitermachen und das tun. Mal sehen, wie das mit dem Schatten aussieht. [MUSIK] Du siehst, wie sehr der Schatten hier einen Unterschied gemacht hat, gab ihm nur ein bisschen Kontext und dein Auge trainiert, um die Bewegung zu sehen , wenn du siehst, wie sich beide Elemente zusammen bewegen. Mir gefällt auch, wie der Schatten hier seine Größe ändert, da der Ball weiter vom Boden entfernt ist und dann etwas breiter wird , wenn der Ball den Boden mehr erreicht. Dies erfolgt im Ellipsenpfad in der Formebene Sie finden es unter jedem Formplayer, den Sie auswählen. Es ist viel einfacher zu manipulieren. Deshalb lasse ich den Punkt fallen. Es ist einfach einfacher zu manipulieren, wenn Sie eine Form in Nachwirkungen haben . Es ist super einfach, wenn du nur mit einem Kreis herumspielst. Ich bin gerade sehr zufrieden mit dem Schatten. Was noch zu tun ist, ist ab dieser Sekunde mit dem Abprallen des Balls zu beginnen und ihn in das nächste Bild zu überführen. Ich möchte dir nur etwas zeigen, wenn du mit Pfaden arbeitest. Dies ist nicht die einzige Möglichkeit, einen Pfad zu manipulieren. Sie können tatsächlich einen Pfad zeichnen und ein Objekt um ihn herum bewegen lassen. Aber ich zeige Ihnen später in einem anderen Element , wie das geht. Im Moment verwende ich nur gute alte Positionen. Aber ich möchte zum Beispiel nicht, dass der Ball in diesen sehr scharfen geraden Linien abprallt. Ich gehe hier zu meinem Stiftwerkzeug und klicke im Grunde auf die Tangente oder die Ankerpunkte in der Mitte , die beide Richtungen verbinden. Ich klicke es einfach an. [FREMD] Sie können hier zu Ihrem Auswahlwerkzeug gehen und ein wenig an den Pfeilen ziehen , um den gewünschten Pfad anzupassen. Wenn ich möchte, dass es eher ein ausgeklügelter Halbkreis ist, drücke ich ihn einfach nach oben oder ich mache es einfach so einfach wie möglich und fertig. Also wollte ich dir nur diesen kleinen Teil hier zeigen , weil es das Leben einfacher macht und so habe ich all die anderen kleinen Sprünge um den Rahmen gemacht . [HINTERGRUND] [HINTERGRUND] Okay, also lasst uns das für eine Sekunde überprüfen. [MUSIK] Du siehst , wie diese Grenzen perfekt zur Melodie passen [MUSIK] und es hilft auch sehr wenn du die Form des Balls veränderst, sodass er die Form ändert und ihn einfach sehr abprallen lässt hier als ein perfekt statischer Kreis. Ich habe gerade den Schatten so angepasst, dass er sich mitbewegt [MUSIK] und wir sind bereit , ihn in das nächste Bild zu überführen. [MUSIK] Was ich tun werde ist, weil im nächsten Frame der Text genau hier hoch kommt , genau auf den anderen 10 hier, ich werde die Ballebene hier kopieren , also Command C Command V, Ball 2 und ich werden hier die Schicht des ersten Balls schneiden , also Option offene Klammer. Dadurch wird die rechte Seite deiner Schicht abgeschnitten. Ebenso möchte ich die linke Seite meiner Ebenen schneiden, also drücke ich einfach „Option Klammer schließen“. Da haben wir's. Ich lasse Ball 2 von hier aus starten, als ob er ursprünglich von der linken Seite kommt und von rechts landet. Ich klicke einfach auf einen Positions-Keyframe dafür und meine Skala und meine Rotation. Dann lasse ich es in einem der Hula-Hoops hier fliegen . Da ich gerade daran arbeite, denke ich eigentlich nur in Bezug auf das Timing und entsprechend der Musik, die ich vielleicht mitbringen sollte, lass mich dich zu Beginn dieses Teils auf ein Verkostungsabenteuer mitnehmen . Anstatt dass es auf einem leeren oder festen Bildschirm herumhüpft, würde ich die Schreibmaschine diese Zeile ausschreiben lassen , und wenn sie dann abprallt und vom Bildschirm wegfliegt, würde sie in die Rahmen danach, was die Abbildung ist. Ich denke, es macht mehr Sinn mit der Musik also würde ich sie einfach gerne ausprobieren, wenn sie sich komisch anfühlt, wenn sie sich nicht richtig anfühlt, können wir einfach immer zum ursprünglichen Plan zurückkehren und das ist es, was ich liebe am meisten über Animation. Du musst es einfach immer versuchen. Sie können viele Storyboards erstellen. Man kann etwas ganz Spezifisches haben, am Ende des Tages muss man nur das tun, was am besten zur Musik passt, was sich richtig anfühlt, was gut zum Flow passt und ja, man bearbeitet einfach danach. Lass mich das mal ausprobieren und wir werden sehen, wie es aussieht. Ich denke, mir gefällt dieses Setup viel, viel besser, das , in dem wir schreiben Lassen Sie mich Sie auf ein Verkostungsabenteuer mitnehmen während der Ball weiter hüpft, und dann geht er in die Swing-Illustration über. Ich habe gerade den Rahmen von Lass mich dich etwas früher auf ein Verkostungsabenteuer mitnehmen, während der Ball hüpft und dasselbe, was du zuvor gesehen hast, genau wie der Schreibmaschinen-Animator-Effekt aus dem Bereich Effekte und Voreinstellungen und das war's. Ich habe einfach nichts anderes gemacht. Das einzige, was ich getan habe, war die nächste Illustration vorzubereiten während der Ball in die nächste Abbildung übergeht. Dieses Mal, weil unser Ball ein Formspieler ist, habe ich Ball 2 nur so gefärbt, dass er rot ist, denn wenn er grün ist, würde er offensichtlich nicht im Hintergrund angezeigt werden. Das einzige, was ich tun möchte, ist, die Hula-Hoops und die Sterne tatsächlich zu animieren. Die Sterne werden einfach dieselbe Technik haben wie zuvor. Ich kopiere einfach und füge die Skalen-Keyframes auf die Sterne ein. Bei den Hula-Hoops möchte ich jedoch, dass sie sich um den Satz drehen, also lasst uns einfach weitermachen und das tun. Ich doppelklicke auf den Rahmen „Lass mich dich nehmen“ und lass uns mit Hula Hoop 2 beginnen. Ich starte hier einfach meinen Positions-Keyframe und bewege ihn dann einfach von einer Seite zur anderen. Dann füge ich auch einen Skaleneffekt hinzu, nur um ihm die Illusion , dass er wieder vor und zurück geht und nicht nur von einer Seite zur anderen. Ich werde einfach meine Waage hier platzieren und wenn es richtig geht, werde ich die Skala etwas verringern , und los geht's. Ich werde das einfach auf Schleife setzen, also Option auf die Stoppuhr klicken , Schleife ausschreiben. Klicken Sie darauf und machen Sie den gleichen Ausdruck für die Skala. [MUSIK] Jetzt wollen wir den Hula-Hoop maskieren , weil ich möchte , dass er sich um das Wort bewegt und nicht einfach darauf liegt. Was wir tun werden, ist , einfach den Befehl Einfügen zu befehlen und ein Duplikat aus deinem Hula-Hoop zu machen, deinem ersten, dem blauen. Dann ziehst du es ganz nach unten. Dann willst du hier zu Parent Pick Whip gehen, diesem wirbelnden kleinen Symbol hier und du willst den Hula Hoop 3 mit Hula Hoop 2 überlagern. Sie klicken einfach darauf und drücken weiter darauf und ziehen es dann einfach bis zu der Ebene , in die Sie sich paaren möchten, und lassen Sie sie einfach los. Parenting bedeutet einfach, dass alles, was Sie übergeordnet haben, dasselbe tut alle anderen Elemente, die Sie mit der übergeordneten Ebene wollen also ist dies im Grunde die untergeordnete Ebene und das ist die übergeordnete Ebene und sie wird einfach alles spiegeln , was Sie wollen, mit der ersten Ebene. Dies ist sehr vorteilhaft, wenn Sie Finger oder Hände oder einen Körper oder Augen animieren und alles mit derselben Bewegung mit einem Elternteil erziehen möchten , anstatt tatsächlich zurückzugehen und alle diese Keyframes einzeln von Grund auf neu erstellen. Nachdem wir das gemacht haben, klicken wir auf unseren Hula Hoop 2, und jetzt möchte ich mein Rechteckwerkzeug nehmen , also klicke einfach darauf und ich zeichne einfach ein Rechteck, genau dort, wo der Satz auftaucht. Dann kannst du mit dem Auswahlwerkzeug die Maske hier beiseite schieben und das war's schon. Jetzt wickelt sich der Hula-Hoop um einen Teil der Phrase und dann kommt er hier unten heraus . Schauen wir uns also an, wie das aussieht. Fantastisch. Jetzt möchte ich nur genau das Gleiche für den gelben Reifen tun. Ich dupliziere einfach die übergeordnete Ebene auf die ursprüngliche Ebene, entferne alle Schlüsselbilder und füge dann eine Maske hinzu und passe an, wo deine Maske beginnen und enden soll. Da hast du es. So maskiert man ein Objekt. Super, super einfach. Was ich jetzt tun möchte, ist herauszufinden , wie ich die Hula-Hoops tatsächlich in den Rahmen einführen werde , denn Moment taucht die Nachricht einfach als Schreibmaschine wenn der Ball und dann erscheinen einfach die Hula-Hoops. Jetzt muss ich herausfinden, wie ich sie in den Rahmen einführen werde , ob sie fallen , sich von oben drehen oder von der Seite kommen, oder ob sie von wirklich klein nach groß skalieren und sich drehen. um den Satz herum. Wir werden sehen. Es ist wie ich dachte. Der beste Weg, dies und den Übergang in den Hula-Hoops und allem zu überführen, besteht darin, sie vom Himmel fallen zu lassen und nicht die Schreibmaschine zu benutzen, also habe ich das einfach mit meinen Positions-Keyframes gemacht. Ich habe einfach den Text zusammen mit den Hula-Hoops vom oberen Bildschirmrand gezogen zusammen mit den Hula-Hoops vom oberen Bildschirmrand und dann, um ihn zu beenden, habe ich ihn einfach gleich gehalten. Die Texte gehen nach rechts und die Hula-Hoops fallen einfach nach unten und dann geht es in den nächsten Frame. Ich fand, dass der beste Weg, um alles und die Sterne zu überführen, nur die gleichen exakten Keyframes aus den vorherigen Frames verwendet habe . Ich habe sie einfach kopiert, von hier eingefügt und dort eingefügt und das war's so ziemlich. Mal sehen, wie das mit der gesamten Animation aussieht. Ich werde es einfach wieder dahin bringen, wo sich das Logo befindet, und sehen, wie der Flow insgesamt aussieht. [MUSIK] Dann betonen die Texte die Richtung, in die der Ball Sie zum nächsten Bild führt , das hier vor Ihnen liegt. Das Einzige, was ich tun möchte, ist vielleicht, vielleicht den Text etwas zu verlangsamen , wenn er fällt, weil er sich für mich einfach ein bisschen zu schnell anfühlt für mich einfach ein bisschen zu schnell [MUSIK] also schauen wir mal, was wir dagegen tun können. Ich habe den Textverlust hier etwas verlangsamt, also schauen wir uns mal an, wie das aussieht. [MUSIK] Das ist jetzt und jetzt so viel besser, es ist nur ein nahtloser Übergang, als würde jemand einen Vorhang herunterziehen, sodass das Logo einfach fällt und der Ball fällt und dann der Text folgt. Es gibt dort keine Pause, die ich mag und es ist weniger ein abrupter Fall, nimmt sich ein bisschen Zeit und trifft es immer noch mit der Musik. [MUSIK] Das war's. Jetzt können wir mit der Animation von Frame 8 beginnen [MUSIC] 16. Animation auf AE: Rahmen 8-9: Für Frame 8 wollen wir eigentlich anfangen, diesen Schwung hier zu animieren und den Ball auch ein wenig abprallen lassen, bis sich die Melodie für das nächste Bild ändert. Ich gehe hier einfach zu meiner Swing-Illustration und habe hier bereits den eigentlichen Schwung vorkomponiert. Wenn wir darauf doppelklicken, wirst du feststellen, dass ich das rechte Seil, das linke Seil und den Kekssitz gruppiere , nur damit wir den gesamten Keks als Gruppenspieler haben können. Ich habe meinen Swing hier schon vorkomponiert. Ich habe gerade das rechte Seil, das linke Seil und den Kekssitz gruppiert , also ist es ein voller Schwung, mit dem ich herumspielen kann. Wenn ich jetzt die Schaukel biegen oder bewegen möchte, habe ich sie als separate Schicht. Was wir hier tun wollen, ist hier tatsächlich einen CC Bend It-Effekt aus Effects & Presets hinzuzufügen . Dadurch wird der Schwung nur von rechts nach links gebogen. Wir werden es tatsächlich ein wenig verkleinern , wenn es richtig läuft. Es vermittelt die Illusion , dass es tatsächlich nach hinten und vorne geht . Wir machen es zusammen. Genau hier möchte ich einfach auf meine Option „CC Bend It“ doppelklicken. Dann möchte ich diesen Punkt genau hier nehmen, herum und oben und dieser Punkt hier bring ihn einfach runter und dann öffne ich meine Swing-Ebene und klappen dann die CC Bend It-Ebene zusammen. Hier möchten Sie mit Dingen am Biegeteil herumspielen . Dies ist der Wert, den Sie einfügen werden. Ich möchte, dass mein Schwung tatsächlich ein bisschen nach links biegt , und ich werde das einfach mit einem Keyframe versehen. Dann scrolle ich hier ein bisschen durch meine Timeline, vielleicht dort und biege sie dann nach rechts und bringe sie dann hierher zurück und kopiere den Rahmen und füge ihn ein. Dann füge ich eine Schleife hinzu, also halte die Option, klicke auf die „Stoppuhr“ und schreibe LoopOut und klicke dann auf „Out“. Dann möchte ich tatsächlich einen Easy Ease-Effekt hinzufügen , also Animation, Keyframe Assistant, Easy Ease, nur damit der eigentliche Schwung glatt ist. Mal sehen, wie das aussieht. Vielleicht können wir es ein kleines bisschen beschleunigen. Das ist gut. Sie sehen, wie glatt das mit Easy Ease ist. Jetzt möchte ich tatsächlich einen Skaleneffekt hinzufügen , damit wir diese Hin- und Her-Bewegung haben. Ich klicke hier einfach auf „Transformieren“ und ich möchte, dass die Skala vielleicht so bei 106 ist und sie mit einem Keyframe versehen, und wenn es dann zurückgeht, senken wir den Wert so. Dann kopiere einfach und füge den ersten Keyframe hier ein. Dann füge auch eine Stoppuhr, LoopOut und Easy Ease hinzu und dann lass uns sehen, wie das aussieht. Sie sehen, wie der Skalierungseffekt uns die Illusion vermittelte , dass er nach vorne und hinten geht. Damit bin ich ziemlich zufrieden. Das nächste , was ich tun möchte , ist diesen Teil des linken Seils zu maskieren weil es aus der Schaukelstruktur kommt und wir wollen, dass es dort aufhört. Es ist genau dieselbe Technik, die wir mit den Hula-Hoops gemacht haben , und das macht man ständig in Photoshop. Ich gehe einfach hierher, um zu schwingen und mir mein Rechteckwerkzeug zu schnappen und einfach ein Rechteck über diesen Teil zu zeichnen. Jetzt siehst du, dass es den oberen Teil des Seils maskiert den oberen Teil des Seils und nicht den eigentlichen Schwungteil, also gehe ich hier zu Masken unter meiner Ebene und klicke einfach auf das Kästchen neben Invertiert. Das war's. Wenn Sie nun die Maske sehen können die Schaukel nach rechts geht, geht die Maske nach links. Es ist fast so, als wäre es an den richtigen Ort geheftet. Wir wollen eigentlich, dass sich die Maske mit uns bewegt während die Schaukel von links nach rechts schwingt. Die Art und Weise, wie wir das tun, ist, dass wir dieses Menü aufklappen und die Ebene der Maske herunterklappen und das erste Schlüsselbild hinzufügen. Ich gehe nur zu Keyframe Mask Expansion und Mask Path. Kopiere diese und füge sie beim letzten Keyframe , denn dann sieht alles in Ordnung aus. Dann der mittlere Keyframe hier, wenn der Schwung nach rechts geht, dann werde ich damit herumspielen, damit du hier zur Maskenerweiterung gehen und den Wert der Maskenerweiterung reduzieren kannst. Jetzt wird ab hier nur noch der obere Teil verdeckt. Probieren wir es einfach aus und schauen, wie das aussieht. Das war's für den Swing, so einfach ist das. Jetzt wollen wir dasselbe für den Schatten der Schaukel tun , damit sie mit der Schaukel schwingt. Ich hole nur meinen Keyframe, habe meinen Cursor hier drüben. Dann öffne ich hier meinen Schatten und gehe auch zu CC Bend It. Ich möchte nur die Zeile hier des Schattens vervollständigen weil sie hier abgeschnitten wird also mache ich das einfach in Illustrator-Befehl E und repariere diese Zeile, damit sie bis zum Ende geht. der Struktur damit wir keine Cutoffs haben. Ich bin wieder bei meinem CC Bend It und werde hier mit den Werten spielen , bis sie der Bewegung des Schwungs entsprechen. Schauen wir uns das an. Perfekt. Jetzt schwingt auch der Schatten mit der Schaukel. Dann möchte ich auch die gleichen Skalierungs-Keyframes für die Sterne hier kopieren und einfügen die gleichen Skalierungs-Keyframes für , also auch nur aus dem vorherigen Bild. Da haben wir's. Die Sterne skalieren auch rein und raus. Jetzt wollen wir eigentlich zum Markenvideo zurückkehren zum Markenvideo und sehen, was wir mit dem Ball und dem Timing von allem tun werden. Lass uns das mal ausprobieren. Es wird hier um die 34. Sekunde enden. Wenn diese Kurve ist , wird der Ball dort endlich aus dem Bildschirm in das nächste Bild gehen. Die Mauer kommt in der 30. Sekunde hier. Wir haben ungefähr vier Sekunden, in denen der Ball abprallt, oder besser gesagt drei Sekunden, und der vierten wird er herausspringen. Das erste Mal, dass es abprallt, wird es hier sein , in der 31. Sekunde. Das heißt, wir haben ungefähr drei Bounces bevor es wieder abprallen muss. Lass uns einfach weitermachen und das tun. Ich habe gerade genau das gleiche wie den Rahmen zuvor verwendet , als ich den Ball bewegt habe. Ich habe hier einfach Keyframes für die Positionsrotation platziert und dann auf meinen Stift geklickt, um den Pfad gekrümmt und nicht gerade Linien zu machen . Ich habe hier einfach viel damit herumgespielt nur um zur Musik zu passen, weil ich denke, es wird viel schöner machen , es anzusehen und zu fühlen. Schauen wir uns das mit der Musik an. Hier war die Idee, den Ball bei jedem Schlag der Melodie zum Springen zu bringen bei jedem Schlag der Melodie zum damit Ihre Augen und Ihre Ohren die gleiche Bewegung in Ihrem Kopf haben. Die Schaukel schwingt gerade im Hintergrund. An diesem Punkt geht der Ball in den nächsten Frame und wir machen eine weitere Schicht für den Ball , damit der nächste Frame von links einfliegt , wie wir es beim letzten Mal getan haben. Jedes Mal, wenn der Ball auf dem Boden prallte, wirst du feststellen, dass ich ihn hier flacher gemacht habe , nur um den springenden Effekt mehr zu betonen. Als es in die Luft steigt, habe ich es etwas schmaler gemacht, nur um das Gefühl zu vermitteln, dass es federnder ist. Das einzige, was ich hier hinzufügen möchte, ist der Schatten auf dem Boden nur um ihm ein bisschen Kontext zu geben. Wie wir zuvor gesehen haben, sieht es dadurch etwas dimensionaler und weniger flach aus. Ich mache einfach weiter und wir werden bereit sein, in Frame 9 zu gehen. Das war's. Ich bewege einfach den Schatten mit der gleichen Bewegung des Balls. Ich habe seine Skalengröße genau danach verringert , wann der Ball höher war und wann er näher am Boden war. Schauen wir uns das an. Ich denke, wir sind bereit, mit Frame 9 fortzufahren. Jetzt wollen wir mit Frame 9 beginnen , das hier ist. Es ist nur ein einfacher Textrahmen, nichts dazu. Wir lassen den Ball einfach von links hereinkommen und weiter auf dem Boden hüpfen, wie wir es in allen anderen Bildern je nach Musik getan haben, und dann gehen links hereinkommen und weiter auf dem Boden hüpfen, wie wir es in allen anderen Bildern je nach Musik getan haben wir aus, wenn die Melodie für das nächste Mal trifft. Rahmen. Hören wir uns einfach an, um genau zu sehen wann wir das nächste Bild betreten. Wir werden gegen die 34. und 10. Sekunde eintreten. Der Ball beginnt in der 36. Sekunde zu hüpfen und geht aus, um zum nächsten Frame zu gelangen. Ich bringe einfach meinen Cursor hier hoch. Ich werde diesen Rahmen einzigartiger Aromen benennen und darauf doppelklicken. Ich denke, für diesen Rahmen mache ich einfach etwas Supereinfaches wie den Schreibmaschineneffekt und dann kann sich die Phrase zusammen mit dem Ball außerhalb des Bildschirms nach rechts bewegen . Ich mache diese Ebene einfach zu einer Textebene. Es wird einfach ungefähr so aussehen. Jetzt möchte ich einfach zu meiner Hauptzeitleiste zurückkehren und schreiben, während der Ball den Rahmen verlässt. Ich möchte dieser Ebene hier drüben eine Kameraebene hinzufügen , die Swing-Illustration. Ich gehe einfach zu meiner 3D-Box hier und klicke darauf. Dann füge ich eine Kameraebene darüber hinzu. sich der Ball dann dem Ende des Bildschirms nähert, möchte ich den gesamten Schwung außerhalb des Rahmens wegdrücken . Mal sehen, wie das aussieht. Jetzt werden sie einfach zusammen nach draußen geschoben. Dann, genau in dieser Sekunde, möchte ich, dass mein nächster Ball ins Spiel kommt. Ich kopiere einfach wieder meinen Ball. Etwas, das ich hier machen möchte, ist die Melodie in jedem einzelnen Bild immer noch dieselbe ist, ich kann tatsächlich die Keyframes vom letzten Ballpfad verwenden die Keyframes vom letzten Ballpfad was bedeutet, dass ich diese einfach kopieren kann Keyframes hier. Ich füge sie hier in meinen dritten Ball ein. Aber ich spiele einfach mit ihnen herum damit ich nicht noch einmal bei Null anfangen muss. Ich kann einfach genau dieselben Keyframes verwenden weil es dieselbe Melodie ist, also hat es fast die gleiche springende Bewegung mit dem Timing, aber ich werde es einfach optimieren , weil es dieselbe Melodie ist, also hat es fast die gleiche springende Bewegung mit dem Timing, aber ich werde es einfach optimieren ein bisschen, damit es zu diesem Teil des Songs passt. Ich füge einfach meine Keyframes hier ein. Ich werde sie entsprechend der Musik anpassen . Das war ziemlich einfach, nachdem ich die Keyframes vom vorherigen Ball kopiert und eingefügt hatte, und ich habe sie ein kleines bisschen angepasst , nur um zu dieser Melodie im Bild zu passen. Es war so viel einfacher. Ich musste das nicht von Grund auf neu machen und das ist alles der gleiche Rhythmus. Mir gefällt, dass es ein bisschen konsistent ist. Das Abprallen ist dasselbe. Hören wir uns das einfach an. So ziemlich alles. Ich habe hier nur mit der Position des Textes herumgespielt , nur um mich zur Vorbereitung leicht nach links zu bewegen . Dann bewegt es sich mit dem Ball nach rechts und verlässt den Bildschirm für das nächste Bild. Ich habe auch den Schatten aus dem letzten Bild kopiert und entsprechend angepasst um dem Ball auch eine gewisse Dimension zu verleihen. Schauen wir uns das noch einmal an. Cool. An diesem Punkt sind wir bereit , in Frame 10 zu gehen. 17. Animation auf AE: Rahmen 10-11: Frame 10 hier ist unser Trampolin. Es beginnt hier um die 36. und 25. Sekunde und endet in der 41. Sekunde, also genau bei den letzten 10 hier. Was ich zuerst machen möchte, ist hier tatsächlich ein Doppelklick auf meinen Trampolinrahmen, und was wir jetzt tun wollen bevor wir wieder in den Ball kommen , ist , dass wir dieses Eis tatsächlich machen wollen . Schaufeln hüpfen auf dem Trampolin. Ich habe hier bereits eine Tasche im Trampolin auf Illustrator gezeichnet , die ich genauso als Schwung verwenden werde , um zu zeigen, dass sie tatsächlich darauf springen. Ich fange hier zuerst mit diesem Eisportionierer an. Das ist Eisportionierer richtig. Los geht's. Es hat auch Beläge drauf , mit denen ich springen werde. Fangen wir damit an. Es fängt hier an. Ich habe hier gerade meine Positions-Keyframes hinzugefügt der Eisportionierer nach unten und dann wieder nach oben abprallt , und ich habe einen Loop-Out-Ausdruck eingefügt. Mal sehen, wie das aussieht. Das ist in Ordnung für mich. Als nächstes wollen wir es maskieren, wenn es herunterspringt, wenn es herunterspringt, damit es aussieht, als würde es tatsächlich auf dem inneren Teil des Trampolins springen und nicht so außerhalb des Trampolins . Wir werden einfach die gleiche Methode anwenden wie beim Maskieren unserer Schwingseile. Ich klicke einfach auf diese Ebene, aber anstatt das Rechteck zu verwenden, muss ich meine Maske tatsächlich mit meinem Stiftwerkzeug zeichnen . Gehen Sie dann zu „Masken“ und klicken Sie auf „Invertieren“. Jetzt sieht es tatsächlich so aus, als würde es im Inneren des Trampolins springen. Obwohl meine Maske diesen Teil des Eisportionierers so bedeckt , wie ich es möchte, das Problem mit der Maske darin, dass sie an Ort und Stelle bleibt , wenn ich sie auf den Kopf und den Teil der Schaufel abschneide . Was wir tun wollen, ist hier tatsächlich mit Maskenpfad und Maskenerweiterung herumzuspielen , und das wird mir helfen, meine Maske zu bewegen, wenn sie hochgeht und sie dann an ihren Platz zu bringen, wenn sie heruntergeht. Ich werde einfach hier meinen Maskenpfad mit einem Keyframe versehen, denn das ist die Form , in der er bleiben soll. Wenn es dann hochgeht, können Sie die Form der Maske so manipulieren , wie Sie es möchten. Es ist nur eine Formebene mit Ankerpunkten und Sie können sie einfach nach unten ziehen und ihre Form so bearbeiten, wie Sie möchten. So etwas. Sie sehen, wie sich die Form der Maske in die Art und Weise verwandelt, wie Sie sie manipulieren. Schauen wir uns an, wie das aussieht. Okay, cool. Das nächste, was ich tun möchte ist, diese Tasche zu bewegen , die das Hüpfen der Eisportionierer verstärkt . Ich habe es hier Bounce-Pocket genannt. Ich möchte daraus eine Formebene erstellen. „Erstellen“, „Formen aus Vektorebene erstellen“, und das wird mir nur helfen, die Bewegung besser zu manipulieren. Der erste Eisportionierer springt hier an zu hüpfen. Ich gehe hier zu meiner neuen Formebene. Ich werde es eigentlich nur ein bisschen ansprechen. Dann, wenn der Ball wieder hochspringt, , dass die Tasche wieder hineingeht, sobald er abhebt möchte ich, dass die Tasche wieder hineingeht, sobald er abhebt. Das war's. Das ist die Bewegung , die ich im Grunde will. Ich werde die Keyframes hier einfach weiter kopieren und einfügen , bis ich das Bouncing habe, das ich will. Lass uns herauszoomen und sehen, wie das aussieht. Ich möchte nur einige einfache Keyframes hinzufügen um die Dinge super flüssig zu halten. Da haben wir's. Mein kleiner springender Eisportionierer. Jetzt möchte ich nur noch diese geschwungenen weißen Linien zusammen mit der Bewegung der Eisportionierer bewegen , nur um die Bewegung zu betonen und sie aufwändiger erscheinen zu lassen. Ich bin gerade weitergegangen und habe auch den Eisportionierer auf der linken Seite animiert auch den Eisportionierer auf der linken Seite und die Drehung des Trampolins ein wenig verschoben , und so sieht es aus. Sie hüpfen beide gerade auf dem Trampolin. Dann habe ich als Übergang einfach das gesamte Trampolin so nach unten gezogen , nur mit Positions-Keyframes. Sie können sehen, dass ich auch die kleinen Streusel auf den Eisportionieren animiert habe. Runter gehen wir. Wenn wir es mit dem Markenvideo und der Musik sehen, würde es so aussehen. Bei den letzten 10 wird hier das Trampolin heruntergezogen. Was jetzt noch übrig ist, ist, den Ball hier zu animieren wieder von links reinzukommen. Dieses Mal werde ich versuchen, es vielleicht auf dem Trampolin abprallen zu lassen, oder wenn ich es zu viel finde, dann schiebe ich es vielleicht einfach auf den Boden und kopiere und füge dieselben Keyframes wie die anderen ein vorher. Ordnung, also nach vielen Experimenten fand ich heraus, dass der Ball, der auf dem Trampolin springt , die beste Lösung für diesen Rahmen ist, aber ich habe die Größe des Balls reduziert damit er nicht überschatten kann Die Eisportionierer sehen aus wie eine echte kleine Kugel auf dem Trampolin und dann wächst sie in ihre ursprüngliche Größe heran. Mal sehen, wie das aussieht. Wie Sie sehen können, landet der Ball mit den Eisportionieren auf dem Trampolin und springt nur ein bisschen auf dem Trampolin, dieselbe Technik wie immer und dann am letzten Melodie springt es vom Trampolin auf den Boden und ab in das nächste Bild. Ich habe gerade den roten Schatten hier wieder hinzugefügt , wenn der Ball in der Luft ist, und wieder hier und draußen, nur um ihm wieder ein bisschen Kontext zu geben. Schauen wir uns das noch einmal an. Am Ende des Videos gehe ich einfach zurück und verfeinere all diese kleinen, kitschigen Bewegungen, stelle sicher, dass alles sauber ist, nichts ruckartig oder komisch in der Bewegung ist, aber ich Ich denke, ich bin zufrieden damit, wie das ist und das für diesen Frame aussieht, und wir sind bereit, zu Frame 11 überzugehen. in Frame 11 gehen, ist es der nächste Textrahmen, für Ihre Augen und Geschmacksknospen steht. Ich möchte nur, dass dieser Rahmen super einfach ist. Ich gehe einfach hier hin. Ich habe die Formebene bereits von Illustrator in eine Textebene geändert die Formebene bereits von Illustrator in eine Textebene , sodass wir ihr dann einen Schreibmaschineneffekt hinzufügen können. Ich werde einfach weitermachen und das zuerst machen. Einfach so etwas. Dann möchte ich zurück zu meinem Markenvideo gehen und sehen, um wie viel Uhr es den Rahmen verlassen soll. Schauen wir einfach hier nach. Um die 43. Sekunde hier. Ich gehe einfach zurück und möchte dem Text einen Positions-Keyframe hinzufügen , ich werde ihn einfach vorbereiten und ihn dann einfach nach rechts schwingen, denn wenn wir den Ball kopieren , ist das beim Hüpfen springt der Ball wieder ganz nach rechts, also möchte ich, dass sich die Textebene der gleichen Richtung des Balls bewegt. Es sieht einfach so aus und dann geht es raus. Lass uns das nochmal mit der Musik überprüfen. Vielleicht ist es hier nur ein bisschen schneller. Das ist gut. Das nächste, was ich tun möchte , ist einfach die Keyframes für die Sterne aus dem vorherigen Bild zu kopieren und einzufügen , damit sie einfach weiter nach oben und unten skalieren und am Ende des Frames verschwinden. Ich gehe einfach zu jedem Bild ich habe und das die Sterne hat, und ich kopiere das einfach und füge es hier in meinen Rahmen ein. Da haben wir's. Die Sterne sind ebenfalls animiert und verschwinden, wenn sich der Text nach rechts bewegt. Was übrig bleibt, ist, den Ball zu kopieren , der aus einem anderen Bild springt, es ist genau der gleiche Rhythmus wie bei vielen anderen Frames, ich kopiere ihn einfach, füge ihn ein ich kopiere ihn einfach, füge ihn und lasse ihn auf dem Boden abprallen mit dem Schatten, und stellen Sie einfach sicher, dass der Ball hier rot ist, und das war's, wir sind bereit, mit dem nächsten Bild fortzufahren. Das war einfach super einfach, die Keyframes hier in dieses Bild zu kopieren die Keyframes hier in dieses Bild und es passt perfekt zum Rhythmus, also hören wir uns das einfach an. Ordnung, cool. Jetzt können wir zu Frame 12 übergehen. 18. Animation auf AE: Rahmen 12-13: Hier haben wir aufgehört. Dies ist unser nächstes Bild , das animiert werden soll, die Milchshake-Rutsche. Für die Milchshake-Folie stelle ich mir eine etwas andere Animation vor als die anderen. Ich möchte, dass es für jede Illustration relevant ist und genau das wird das Markenvideo einzigartig machen. Für diese Animation denke ich darüber nach, eine Art Milchshake-Flüssigkeit einzubeziehen , die vom oberen Bildschirmrand einströmt . Dann gleiten Sie die Folie hier bis zum Ende hinunter und gehen Sie dann in die Cloud und verlassen Sie dann den Bildschirm, indem alles fallen lassen oder Ihre Kamera nach unten bewegen. Diesmal kam der Ball rein und hüpfte. Vielleicht rutschen Sie aber auch zusammen mit der Flüssigkeit die Rutsche hinunter. Wir werden sehen, wie sich das entwickelt. Aber im Moment möchte ich die Flüssigkeit ziehen und sehen, wie sie aussieht, und loslegen. Wie ich das vorhabe, ist das Erstellen einer neuen Formebene. Dann zeichne ich diesmal mit meinem Stiftwerkzeug und einem Strich nur eine gerade weiße Linie von oben. Ich nenne es Flüssigkeitsgießen. Nur damit ich weiß, um welches es sich handelt. Ich will es hier nur unter meinen Strohhalm ziehen. Wenn Sie dann auf das Dropdown-Menü und die Inhaltsform klicken und zu Strich gehen, finden Sie eine Option mit der Aufschrift Wave. Darauf willst du klicken. Es wird dir hier verschiedene Wellenwerte geben. Sie können den Betrag ändern, Sie können die Wellenlänge ändern, dh wie viele Wellen sich auf der Linie befinden , und die Phase. Das wird wirklich cool sein, um einen flüssigen Gießeffekt zu zeigen. Ich möchte einfach meinen Cursor genau hier und den Betragswert ändern. Sie sehen, was jetzt mit dem Schlaganfall passiert, es wurde gerade eine coole Flüssigkeitswellensituation. Dann kannst du hier auch mit der Wellenlänge herumspielen. Wenn ich diesen nur anspreche, wird die Anzahl der Wellen abnehmen. Wenn ich es runternehme, wird die Anzahl der Wellen zunehmen. Ich möchte nur, dass es so natürlich wie möglich ist, also werde ich es einfach so wenig Wellen wie möglich machen. Sie möchten diese beiden Werte hier nur mit einem Keyframe versehen. Dann möchten Sie den Cursor ein wenig nach unten in der Timeline bewegen. Vielleicht kann ich die Wellenlänge ein wenig erhöhen , wenn die Flüssigkeit mehr fließt. Dann kann ich es gegen Ende des Bildes vielleicht so herunterfahren. Mal sehen, wie das aussieht. Cool. Wann immer Sie mit der Wellensituation hier zufrieden sind, können Sie weitermachen und Trimmpfade für Ihren Schlag erstellen. Wir möchten, dass unser Schlag tatsächlich am oberen Bildschirmrand beginnt und beobachtet, wie die Flüssigkeit nach unten fließt. Sie gehen zu Hier hinzufügen und klicken auf die Schaltfläche „Abspielen“ und dann auf „Pfade trimmen“. Öffnen Sie dann Pfade trimmen. Am Anfang wollte ich bei Null anfangen. Ich werde das nur mit einem Keyframe versehen. Dann, etwas weiter unten in meiner Zeitleiste, kann ich 100 Prozent drücken. Das heißt, es wird einfach von oben nach unten gegossen. Dann wollen wir hier eigentlich die Kappe vom Strich ändern , weil sie sehr scharf ist. Ich möchte, dass es etwas flüssiger aussieht. Sie können erneut zu Stroke und dann zu Line Cap gehen, Dropdown-Menü nach unten klicken und Round Cap auswählen. Damit es hier tatsächlich wie ein Schlaganfall aussieht. Wenn Sie möchten, gibt es hier auch eine Verjüngungsoption, mit der Sie die Enden des Strichs verjüngen können. Es kann so spitz sein, wie Sie es möchten, oder so sprudelnd, wie Sie es möchten. Cool. Ich habe hier gerade einen weiteren Trimmpfad-Effekt hinzugefügt, da der Rahmen endet, um die Flüssigkeit wieder zurückzuziehen. Das nächste, was ich tun möchte, ist, dass ich die Flüssigkeit , die die Rutsche hinunterfließt, auch hier und hier ziehen möchte . Ich gehe hier hin und klicke auf Layer New, Shape Layer. Ich möchte meine Flüssigkeit entnehmen, sobald die gießende Flüssigkeit hier auf die Rutsche trifft. Dieses Mal verwende ich keinen Strich, eine Füllfarbe in Weiß. Ich nehme mein Stiftwerkzeug hierher und fange an, die eigentliche Flüssigkeit mit meinem Stiftwerkzeug zu zeichnen , das ich auf diesen Teil der Folie schieben möchte. So sieht es aus. Dann gehen wir hier zu Inhalt. Das Gleiche, was wir zuvor mit dem Eiscreme-Topping gemacht haben, ist, dass wir den Weg manipulieren werden und After Effects wird uns diese Manipulation animieren . Nehmen wir an, ich möchte, dass die Flüssigkeit von hier einströmt. Das heißt, gleich in der Sekunde beginnt die Flüssigkeit nach unten zu fließen. Wenn ich dann nur ein bisschen scrolle, sage ich ihm, dass die Flüssigkeit hier diesen Teil der Folie füllen soll. Ich werde hier nur einen Keyframe für meinen Pfad erstellen, damit ich die Form nicht verliere. Dann möchte ich genau dorthin zurückkehren, wo der flüssige Teil auf den ersten Eingang der Rutsche trifft. Ich werde hier anfangen, die Form meiner Flüssigkeit zu ändern und die Form hier oben zu manipulieren. Wenn sie also animiert wird, sieht es so aus, als würde sie tatsächlich die Rutsche hinunterfließen. Mal sehen, wie das aussieht. So sieht es aus, nachdem ich den Pfad hier manipuliert habe. Es sieht einfach so aus, als würde die Flüssigkeit einfach herunterrutschen. Sie können jederzeit zurückgehen und diese Formen manipulieren. Sie lassen sich super einfach um die Ankerpunkte ziehen , bis sie wie etwas aussehen, das Sie wollen. Beginnen Sie immer damit, die endgültige Form, in die Sie sich bewegen möchten, mit einem Keyframe zu versehen, damit Sie diese Form nicht verlieren. Fangen Sie dann rückwärts und arbeiten Sie sich dann wieder nach oben, bis die Form so klein wie möglich ist, damit After Effects weiß, dass Sie sie von dieser bis zur anderen animieren möchten. Cool. Jetzt wollen wir das Gleiche mit diesem Teil genau hier machen. Da die Flüssigkeit die Rutsche hinunterrutscht, wollte ich, dass sie hier ein letztes Mal erscheint. Lass uns einfach weitermachen und das schnell machen. Schauen wir uns das mal an. Ich habe genau die gleiche Technik wie die Flüssigkeit oben gemacht. Einfach zeichnen, formen, seinen Pfad manipulieren, Keyframes platzieren. Super einfach. Schauen wir uns mal an, wie das mit der Musik und allem aussieht . Das funktioniert. Die Geschwindigkeit macht Spaß. Jetzt können wir anfangen, den Strohhalm zu animieren und auch diese kleinen Wasserstücke und Milchshake-Spritzer zu bewegen . Ich möchte, dass sich die Oberseite des Strohhalms hier, dieser obere Teil, ein bisschen auf und ab bewegt, als würde er tatsächlich von der magischen Milchshake-Rutsche trinken. Ich werde nur meinen Cursor hier ein bisschen zurückbringen bis er hier unten tatsächlich fließt. Ich fange damit an, vielleicht meinen oberen Strohhalm ein wenig zu verschieben . Ich werde das mit einem Keyframe versehen. Ich möchte den Rest des Strohhalms hier nehmen und ihn ein wenig nach oben bewegen und das mit einem Keyframe versehen. Dann werde ich die Drehung hier wieder auf Null setzen und auch die Position des restlichen Strohhalms fixieren. Ich füge dem hier nur eine Schleife hinzu. Cool. So sieht der Strohhalm aus. Ich werde hier einfach einfache Keyframes hinzufügen. Versuch es noch einmal. Großartig. Befehl S das. Ich werde hier einfach meine Schichten zusammenbrechen. Jetzt, da die Flüssigkeit herunterfließt, möchte ich auch, dass der Strohhalm vom Bildschirm herunterfällt. Ich möchte hier einfach meine Strohteile gruppieren. Rechtsklick Pre-Compose, nenne es Stroh Dann möchte ich meine Position Keyframe hier und Keyframe dort einnehmen . Dann werde ich es am Anfang der Abbildung ganz nach oben bringen. Dann möchte ich einen Bounce-Ausdruck hinzufügen, genau den, den ich dir zuvor gezeigt habe. Kopieren und fügen Sie das hier in meine Ausdrücke ein. Vielleicht werde ich den Bounce einfach ein wenig verringern . Das ist besser. Schauen wir uns das mit der Musik an. Jetzt ist es an der Zeit, diese kleinen Kleinigkeiten und Tropfen Wasser und Milchshake-Tropfen und die Sterne und alles andere, was mit der Dia-Animation einhergeht, zu animieren Tropfen Wasser und Milchshake-Tropfen und die Sterne und alles andere, was mit der Dia-Animation einhergeht, . Das wird einfach ganz einfach, nichts zu verrücktes hier. Ich möchte zu meinem ersten Drop hier gehen. Was ich wollte , ist, sobald die Flüssigkeit auf die Rutsche trifft, ich wollte nur, dass sie hochspringt und hier nach links nach draußen springt und später verschwindet. Dies wird nur meine Positions-, Rotations- und Deckkraft-Keyframes verwenden . Nichts ist zu verrückt hier. Ich möchte es nur ein bisschen drehen. So soll es aussehen. Es ist nur ein Spritzer Wasser ohne Aufprall hier. Es verschwindet einfach in einer Opazität von 0 Prozent, und das ist so ziemlich alles. Ich werde diesen Schritt nur für all die kleinen Tropfen hier wiederholen , sobald die Flüssigkeit an ihnen vorbeigeht. Dann lasse ich sie wie auf beide Seiten springen , nur um der Folie einen kleinen federnden komischen Effekt zu verleihen . Ich werde auch die gleichen Keyframes für die Sterne hier kopieren die gleichen Keyframes für die Sterne und die Wolken nur ein wenig bewegen. Wir sind fertig mit der Dia-Animation. Es gibt ein paar Dinge hier, die ich dir zeigen möchte. Zuerst habe ich diese Wassertropfen und die rosa Tropfen hier animiert , einfach an beiden Enden nach draußen hüpfen, wenn Sie genau hinschauen. Es soll schnell sein, genau wie ein Spritzer Wasser, es verleiht der Bewegung hier nur ein bisschen Geschmack und betont sie. Ich habe hier auch den blauen Tropfen animiert, um mit der Bewegung des Milchshakes nach unten zu rutschen. Ich habe auch die Milchshake-Flüssigkeit verlassen. Zuerst ließen wir sie einfach reinkommen und dort bleiben. Aber um tatsächlich wie eine Rutsche auszusehen, muss der obere Teil nach unten und außen rutschen. Sobald es erlischt, erscheint das untere und rutscht dann wieder die Wolke hinunter. Hier wird wiederum nur der Pfad auf den Formebenen manipuliert . Ich denke, alles in allem lief das sehr gut. Wenn wir es uns jetzt mit der Musik ansehen. Was jetzt übrig bleibt , ist, den Ball hier in diesen Rahmen zu bringen und ihn herumzuhüpfen und die Rutsche hinunter zu rutschen. Um den Ball zu animieren, der in das nächste Bild kommt, muss ich nur noch einmal zuhören um genau zu wissen, wann ich den Ball abprallen lassen werde und wann ich ihn die Rutsche hinunterrutschen lasse. Ich denke, bei den letzten beiden Melodienoten dort wird der Ball hier die Folie hinunterrutschen. Hören wir uns das noch einmal an. Diese zwei kleinen Melodie-Noten, hier wird es gleiten. In der ersten Hälfte des Bildes werde ich den Ball ein bisschen springen lassen bevor er auf die Rutsche kommt. Ich kopiere hier einfach noch einmal meinen Ball aus dem vorherigen Bild. Genau dasselbe wie zuvor, aber dieses Mal werde ich den Weg irgendwo abschneiden , wenn er abprallt damit er auf der Rutsche abprallt. Dann rollen Sie einfach nach unten und verlassen Sie den Rahmen genau hier zusammen mit der herunterkommenden Rutsche. Ich will dir nur etwas zeigen, während ich arbeite. Da ich den Ball hier an die Spitze der Rutsche bringe, jetzt, weil die Rutsche gelesen ist und der Ball rot ist, wird der Ball nicht wirklich angezeigt, wenn er die Rutsche hinunterrutscht. Aber der Ball muss in der ersten Hälfte der Animation rot sein , da der Hintergrund cremefarben ist. Wenn Sie in After Effects mit Vektorformen arbeiten, gibt es eine Option in After Effects mit Vektorformen , die Sie tatsächlich animieren können wenn Sie die Farbe der Form ändern. Genau hier unter Füllen und Färben wählen Sie einfach die gewünschte Farbe aus. Wenn ich hier auf meiner Timeline heranzoome, habe ich ihre Farbe nach rechts verschoben als sie sich hier der Folie nähert. Dann, weil diese Rutsche auch ziemlich schmal ist, ist der Ball zu groß, um hineinzupassen. Ich habe hier auch nur einen Skalen-Keyframe platziert, damit er kleiner wird. Dann habe ich hier einfach einige Positions-Keyframes und hier eine S-Form eingefügt, damit es die Folie herunterrutscht. Da sich die Folienebene hier in meinem Kompositionsfenster unter dem Ball befindet, rutscht der Ball derzeit nur auf die Folie und nicht in sie hinein. Ich gehe hier einfach zu meinem Frame-Pre-Comp. Ich hatte den mittleren Objektträgerteil hier schon isoliert. Ich hatte bereits eine Kopie davon auf Illustrator erstellt. Ich kopiere das einfach und kehre zu meinem Hauptkompositionsfenster zurück. Oben auf den Ball hier füge ich das einfach ein. Das hat gerade das Problem gelöst. Ich habe gerade den mittleren Teil der Folie hier eingeklebt. Jetzt kann der Ball tatsächlich in die Rutsche gehen und am anderen Ende herauskommen. Ich habe gerade nur diesen Teil eingefügt. Nun, noch etwas zu beachten, wenn Sie hier bemerken, wenn der Ball springt, lassen Sie mich das einfach ein bisschen zurückbringen, ich kopiere es einfach erneut, die Keyframes von unseren vorherigen Bällen denn das ist dieselbe Melodie. Alles läuft jedoch reibungslos mit der Musik, denn der Kontext hier ist, dass wir am Himmel sind und es Wolken gibt. Es macht keinen Sinn, den Schatten unter den Ball zu legen und ihn so zu behandeln ein Boden, weil es überall Wolken gibt. Ich könnte den Ball so lassen, aber ich denke, der Ball könnte vielleicht auf Wolken springen, anstatt nur auf einem leeren, festen Hintergrund herumzuhüpfen . Nur um ein bisschen Kontext weiter zu geben. Was ich tun könnte, ist, dass ich hier auf After Effects Wolken zeichnen könnte , hier einfach meine Kreisformen verwende. Lassen Sie den Ball einfach auf ihnen springen anstatt auf einem cremefarbenen Hintergrund. Lass mich das einfach ausprobieren, und wenn es funktioniert, großartig. Wenn es zu viel ist und das zu viel Unordnung ist, dann kann ich einfach darauf verzichten. Ich habe diese Rutsche gerade heruntergezogen und auch diesen Strohhalm gezogen, ihn aber ein wenig drehen lassen, um herunterzufallen. Nur die guten alten Keyframes hier zu benutzen , nichts zu verrückt. Ich denke, für das nächste Bild werde ich sowohl das nächste Bild vom oberen Bildschirmrand als auch vom Ball eintreffen lassen , im Gegensatz zu allen vorherigen Frames , wenn es entweder von rechts oder links kam. weil dieser Rahmen von oben nach unten austritt. Es wäre sinnvoll das nächste Bild dieselbe Bewegung hat. Schauen wir uns das gemeinsam an und wir können mit Frame 13 fortfahren. Großartig. Jetzt können wir mit dem nächsten Bild fortfahren. Erinnerst du dich, als unser letztes Bild alles heruntergezogen wurde? Das hatte einen Grund, denn dann sind in Frame 13 die Wolken oben. Ich möchte, dass sie in den Rahmen eintreten, der heruntergezogen wird, so als würde ich durch den letzten Frame und diesen Rahmen gleiten den letzten Frame und diesen Rahmen , indem ich mich von oben nach unten bewege. Das ist das Erste , was ich tun werde. Ich werde den Text und die Wolken von oben nach unten bringen die Wolken von oben nach , nur als Übergang, um in den Rahmen zu gelangen. Ich habe gerade die Wolken von oben und den Text gepackt. Ich habe sie einfach gepackt und einen Bounce-Ausdruck hinzugefügt, wie die vorherigen. Das ist so ziemlich alles. Ich möchte es hier einfach halten. Jetzt möchte ich nur noch den Ball hinzufügen , der hier drüben springt , um mit dem Thema des Ballhüpfens fortzufahren . Aber anstatt es tatsächlich von links kommen zu lassen, werde ich von oben kommen lassen. Als ob es die Rutsche hinuntergerutscht wäre und hier von oben heruntergefallen wäre. Aber ich werde immer noch die gleiche Technik anwenden, indem ich einen der Keyframes hier von den vorherigen Bällen kopiere , die ich habe. Ich werde am Anfang einfach um den Keyframe wechseln , anstatt ihn von links kommen zu lassen, ändere ich den Positions-Keyframe so, dass er von oben kommt. Das war einfach. Ich habe gerade genau die gleichen Keyframes kopiert und eingefügt, aber ich habe nur den Keyframe geändert , anstatt von links zu kommen, ihn von oben kommen lassen. Das macht den Übergang von Frame zu Frame in diesem Sinne nur relevanter. Die letzte Berührung, die ich machen möchte, ist, dem Boden einen Schatten hinzuzufügen , wie wir es zuvor getan haben. Ich werde das einfach auch aus einem der anderen Schatten kopieren und einfügen . Das war genauso einfach, kopiere die Keyframes und wir haben einen Schatten. Cool. Jetzt möchte ich nur noch einen Ausgang für diesen Frame machen. Da der Ball wieder nach rechts geht, verlasse ich einfach den Text nach rechts und lasse die Hula-Reifen nach unten fallen und die Wolken können auch zu beiden Seiten gehen, sodass wir zum nächsten Bild übergehen können. So einfach ist das. Schauen wir es uns noch einmal an. Sie verlassen den Bildschirm. Jetzt sind wir bereit für Frame 14, das Kaffeebohnenfahrrad. 19. Animation auf AE: Rahmen 14-15: [MUSIK] Dies ist Frame 14, und es ist die Illustration des Kaffeebohnenfahrrads und sie kommt, nachdem unsere Küche in den Wolken steht. Ich mache einfach einen Doppelklick darauf. Meine Idee für diese Animation ist, dass ich die Kaffeebohnenfahrräder sowie das Pedal hier herumdrehen sowie das Pedal hier und das Fahrrad auch entlang eines Pfades bewegen und entlang des Weges über die andere Seite des Rahmens, aber wir kommen später zu diesem Teil. Im Moment möchte ich nur eins nach dem anderen damit beginnen, die Räder zu animieren und dann das Pedal hier zu animieren. Die Art und Weise, wie ich das Rad animieren werde, besteht nicht darin das gesamte weiße Rad hier zu drehen. Ich drehe einfach die pinke Kapsel hier in der Mitte um. Ich habe es hier rosa Linie 1 genannt und die linke ist rosa Linie 2. Großartig. Das Wichtigste zuerst: Wählen Sie diese Ebene und greifen Sie hier Ihren Stift hinter dem Ankerpunkt-Werkzeug. Dies identifiziert nur für After Effects, bei denen Sie Ihr Element für die Rotation oder irgendetwas wirklich zentrieren möchten. Wenn ich es zum Beispiel hier platzieren würde, dann würde sich die Rotation hier um diesen Punkt drehen und diesen Radius in der Mitte. Du willst es nur hierher ziehen und sicherstellen , dass es auf der rosa Linie zentriert ist. Sie dann einfach zu Ihrem Auswahlwerkzeug zurück. Dann möchten Sie „R“ für die Drehung drücken und es einfach mit einem Keyframe versehen, um vorerst Null hinzuzufügen. Dann möchten Sie ein wenig durch Ihre Timeline scrollen . Vielleicht hier. Ich lasse es nur einmal pro Runde rotieren. Ich drücke einfach eins hier neben x. Ich werde das in eine Schleife setzen. Okay, großartig diese Geschwindigkeit ist in Ordnung für mich. Jetzt siehst du, wie die rosa Linie, wenn sie hier in der Mitte kommt, hier ein wenig aus dem Kreis herausgeht. Wie wir das beheben können, ist, dass wir eine Maske hinzufügen, aber eine andere Art von Maske, nicht die, die Sie zuvor gesehen haben, und sie heißt Spurmatte. Ich zeige dir, wie wir das jetzt machen. Zunächst möchte ich eine Kopie der darunter liegenden Ebene erstellen, also das weiße Rad. Ich habe es hier als rechtes Rad benannt, ich möchte es nur unter meine Linie ziehen. Ich kopiere einfach Paste. Ich nehme hier nur eine Kopie und lege die Kopie darunter. Dann willst du über die rosa Linie gehen und eine neue Ebene erstellen. Ebene, Neu, Formebene. Dieses Mal ziehen wir tatsächlich unsere Maske. Ich werde hier meine Maske in Form des Ovals zeichnen, denn wenn es hierher kommt, möchte ich, dass die Maske die Linien verbirgt, die hier herauskommen. Mit meinem Bleistift hier werde ich hier einfach eine Maske um dieses Oval zeichnen , aber um die Dinge beim Zeichnen zu vereinfachen, werde ich die Deckkraft einfach auf 15 reduzieren , damit ich sehen kann, was ich bin genau zeichnen. Dann möchten Sie zurückgehen und mit der Anpassung der Maske beginnen , bis sie für Sie richtig aussieht und sich auch so anfühlt. Dann möchten Sie hier zur Symbolleiste gehen und einfach auf das zweite Symbol neben dem ersten rechts klicken. Es heißt, erweitern oder reduzieren Sie den Bereich „Transfersteuerungen“. Sie möchten nur darauf klicken und es wird Ihre Panels hier um weitere Optionen erweitern. Jetzt haben Sie die Option Track Matte hier auf der rechten Seite. Du gehst zur rosa Linie, also was du tatsächlich unter der Form maskieren willst , die du gezeichnet hast. Sie möchten hier zu Track Matte gehen und auf Alpha Matte klicken. So einfach ist das und habe nur die rosa Linie für mich maskiert. Ich mache einfach dasselbe für das Rad auf der linken Seite und dann fahren wir mit der nächsten Animation fort. Okay, cool. Jetzt rotieren sie beide genau zur gleichen Zeit und sind beide maskiert. Das nächste, was wir tun werden, ist das Pedal hier in der Mitte zu drehen und zu animieren. Wenn ich die Ansicht vergrößere, werden Sie sehen, dass das Schwenkankerwerkzeug bereits in der Mitte platziert ist. Das ist in Ordnung. Ich will hier nur ans rechte Rad gehen. Ich möchte die Rotations-Keyframes kopieren , die wir für das Rad gemacht haben. Ich kopiere das einfach. Kehren Sie zu meiner Rahmenkomposition zurück und gehen Sie dann hier in die Pedale. Dann klicke ich auf R und füge das einfach ein. Wenn wir jetzt auf die Vorschau klicken, werden Sie feststellen, dass sich beide gleichzeitig bewegen. Deshalb wollte ich genau denselben Keyframe kopieren und einfügen damit sie sich alle gleichzeitig bewegen können. Okay, großartig. Als nächstes möchte ich anfangen, das Fahrrad auf einem Pfad zu animieren. Als Erstes möchte ich einfach alle Fahrradelemente zusammenfassen; die gebrauchten und die unbenutzten, damit wir hier eine volle Fahrradschicht haben können . Klicken Sie einfach mit der rechten Maustaste auf Pre-Compose und ich nenne es ein Fahrrad. Wenn ich es jetzt einblende, habe ich jetzt das gesamte Fahrrad als eine Schicht und alles darin animiert. Was wir jetzt tun wollen, ist einen Weg zu zeichnen. Ich werde vorerst nur die Fahrradschicht verstecken. Ich klicke auf Ebene, Neue Formebene. Dann gehe ich mit meinem Stiftwerkzeug hierher und nehme einfach alle Füllungen oder Striche darin heraus. Nur mit deinem Bleistift willst du einen Pfad zeichnen. Dies kann ein beliebiger Weg sein, den Sie wählen. Es hängt davon ab, auf welchem Pfad Ihr Element bewegen soll. Es kann so wellig, so schnörkelig wie möglich sein. Ich glaube, ich winke hier einfach, fange einfach von unten an und gehe hoch und dann wieder runter. Ich werde das einfach auf meine Formebene zeichnen . Jetzt kannst du immer zurückgehen und es anpassen und das werde ich wahrscheinlich , aber im Moment werde ich es einfach so belassen. Ich könnte das ein bisschen runterbringen. Das ist gerade hier. Jetzt hast du einen Weg, ich nenne ihn hier nur Radweg. Jetzt möchten Sie einfach das Menü für Radweg und zu Form gehen und dann auf Pfad klicken. Wenn Sie auf Pfad klicken, werden Sie feststellen, dass alle Keyframes hier ausgewählt sind. Was Sie tun möchten, ist einfach Befehl C das, kopieren Sie das und schließen Sie das Menü hier. Gehen Sie dann zum Fahrrad, lassen Sie sich fallen, verwandeln und gehen Sie dann zu hier, um den Pfad vom Radweg zu positionieren und einzufügen. Stellen Sie das Fahrrad einfach auf den Weg, den Sie gezeichnet haben. Das nächste , was wir tun wollen, ist das Fahrrad entsprechend dem Pfad auszurichten. Im Moment ist es genau die gleiche Ausrichtung, sieht hier nur ein bisschen komisch aus. Was Sie tun möchten, ist mit der rechten Maustaste auf „Fahrrad“ zu klicken und dann zu Transformieren zu gehen und dann auf „Auto Orient“ zu klicken. Dann werden Sie feststellen, dass es auf Aus geklickt wurde. Sie möchten tatsächlich auf „Entlang des Pfades“ klicken und es wird nur die Arbeit für Sie erledigen und das Fahrrad entsprechend dem von Ihnen gezeichneten Pfad drehen und auf „Okay“ klicken. Wenn Sie jetzt durchfliegen, werden Sie feststellen, dass sich das Fahrrad tatsächlich dem von Ihnen erstellten Weg bewegt. Natürlich ist dieser Weg etwas zu aufwendig für das Fahrrad aber ich wollte Ihnen hier nur die Grundidee zeigen. Was ich tun werde, ist einfach zurückzugehen und den Pfad ein wenig zu bearbeiten und ihn viel subtiler zu gestalten , weil ich nicht möchte, dass das Fahrrad so herumwichst. Ich wollte fast nur eine sehr weiche Welle. Ich gehe einfach zurück und bearbeite den Pfad ein wenig und kopiere dann einfach die Keyframes erneut, bis ich mit dem Aussehen des Pfads zufrieden bin. Also habe ich den Pfad einfach so angepasst, wie ich ihn mag. Ich möchte nur, dass es so einfach wie möglich ist, mit nur einer sehr leichten Welle hier und kopiere die Keyframes erneut. Ich habe am Anfang und am Ende eine einfache Leichtigkeit hinzugefügt und so sieht es aus. Das war's. Wir können es an der Musik sehen. [MUSIK] Das ist so ziemlich alles. Was ich als nächstes tun möchte, ist das Gras ein wenig zu biegen, als ob es von rechts nach links schwankt oder als ob eine gewisse Brise an der Fantasie vorbeizieht. Ich werde nur ein bisschen Textur hinzufügen und es dort nicht nur statisch haben. Ich lasse mein Gras hier in kleine Abschnitte zerteilen. Gras 1, Gras 2, Gras 3, Gras 4 und so weiter. So habe ich es auf Illustrator geschichtet. Was wir tun werden, ist nur unseren Cursor auf die Zeitleiste zu bringen , in der die Animation beginnt. Dann nehmen wir Gras 1, welches genau hier ist. In Effekten schreiben wir diesmal CC Bender, nicht biegen, und Sie möchten darauf doppelklicken. Öffnen Sie es dann und dann möchten Sie im Bereich Betragswert mit dem Betrag herumspielen. Ich zoome nur für eine Sekunde auf das Gras heran, damit wir klar sehen können. Ich fange an, das Gras zu biegen. Du siehst, wie es sich biegt aber ich möchte es nicht zu sehr biegen , sonst sieht es einfach so verzerrt und ein bisschen beängstigend aus. Ich mache nur eine ganz leichte Kurve. Vielleicht bei etwa minus 13 hier und das einfach mit einem Keyframe versehen. Dann gehe ich wahrscheinlich ein bisschen hierher und mache einfach andersherum. Vielleicht um 11 Uhr, und dann kopiere ich einfach den ersten Keyframe und füge ihn ein. Lass uns das in die Schleife bringen. Ich glaube, ich werde es etwas langsamer haben. Lassen Sie mich die hier verstecken, damit wir sie klar sehen können. Ich möchte das einfach vereinfachen. Dann möchten Sie nur diese Keyframes hier kopieren. Ich wähle hier einfach alle meine anderen Grasschichten aus und doppelklicke einfach auf CC Bender. Jetzt werden sie alle die Wirkung haben. Ich öffne sie einfach nacheinander auf CC Bender und gehe zu Betrag und füge das einfach ein. Dann lass uns herauszoomen und sehen, wie das aussieht. Ich spiele nur mit ihnen herum, damit einige von ihnen auf die andere Seite schwingen, auf die andere Seite als auf die andere, nur damit es etwas weniger einheitlich aussieht. Mir gefällt die Bewegung hier mehr, als dass sie sich insgesamt auf einer Seite wiegen. Seite wird hier einfach zufällig verschiedene auswählen und dasselbe für sie tun. Mir gefällt, dass sich nicht alle in die gleiche Richtung bewegen. Fühlt sich einfach natürlicher an. Ich klicke einfach raus und reduziere meine Ebenen. Jetzt können wir die Geschäfte einfach so animieren, wie wir es immer zuvor getan haben , und die Wolken ein wenig von rechts nach links bewegen. Dann gehen wir zur Ballanimation über. Das ist erledigt. Da haben wir's. Was übrig bleibt, ist , zur Hauptkomposition zurückzukehren und die Ballanimation von einer der vorherigen hinzuzufügen. Ich kopiere einfach eingefügte Keyframes von unserem vorherigen Ball-Bounce , der zu dieser Melodie passt [MUSIK] Wenn wir hineinzoomen, möchte ich die Grasebene aus unserem Bild kopieren und einfügen kleben Sie es hier über die Wand, damit das Gras tatsächlich Teile des Balls bedecken kann , anstatt den Ball so darauf sitzen zu lassen . Ich gehe einfach zu meiner Komposition und werde mein Gras hier vorkomponieren und es Gras nennen. Dann kopiere ich das einfach und füge es hier ein. Jetzt, wo das Gras tatsächlich die Wand bedeckt und es viel schöner aussieht , wenn es herumhüpft, [MUSIK] und das war's. Schauen wir uns alles aus dem vorherigen Bild an. [MUSIK] Das war's. Wir sind bereit, mit Frame 15 fortzufahren. Nachdem wir hier das letzte Mal mit dem Kaffeebohnenrahmen fertig waren, springen wir mit Fantasie in den Textrahmen einer Kugel von Träumen. Da der Ball den Bildschirm auf der rechten Seite verlassen hat, komme ich von links rein. Ich möchte, dass mein Text hier auch von links kommt. Ich werde hier nur meine Formebene in eine Textebene ändern . Ich möchte hier nur die Position für meinen Text mit einem Keyframe versehen, weil er dann eingegeben werden soll. Vielleicht ein bisschen bevor wir es aus dem Rahmen bewegen , damit ich mit dem Ball von links kommen kann. Wir können dem auch einen kleinen Ruck hinzufügen, damit es hier nicht einfach abrupt kommt und aufhört. Ich füge vielleicht einfach einen Positions-Keyframe hinzu, um ein bisschen an die Seite gebunden zu ruckeln und wieder direkt in seine Position zu kommen. Einfach so etwas. Nur damit es nicht so statisch ist. Ich möchte das nur mit der Musik überarbeiten und sehen, ob es zu schnell ist oder ob es genau richtig ist. [MUSIK] Es ist ein bisschen zu schnell für mich, also werde ich einfach langsamer machen wo der erste Keyframe beginnt. Das ist viel besser. Schauen wir uns das noch einmal an. [MUSIK] Es kommt genau in diesem Ton da rein. ich jetzt zu meinem Rahmen zurückkehre, denke ich, dass wir vielleicht entweder auf die Hula-Reifen oder auf die Eisportionierer verzichten können die Hula-Reifen oder auf die Eisportionierer verzichten , weil ich denke, beide, mit einem springenden Ball. herum, wird viel zu überladen für den Rahmen sein, und der Rahmen hält nur etwa drei Sekunden. Ich möchte die Leute nicht überwältigen , wenn sie es sich ansehen, oder es einfach so einfach wie möglich halten. Ich werde nur entscheiden , welches Element ich in diesem Fall behalten möchte . Ich denke, nur aus Gründen der Konsistenz und weniger visueller Unordnung denke ich, dass ich einfach die Eisportionierer verstecken und die Hula-Hoops behalten werde . Weil wir die Hula-Hoops schon gesehen haben. Ich möchte jetzt nicht gleich gegen Ende des Videos ein neues Element einführen . Ich werde es einfach so einfach halten. Während sich der Text von links nach rechts bewegt, lasse ich auch die Hula-Hoops vom oberen Bildschirmrand fallen und füge einen Bounce-Ausdruck hinzu, wie wir es zuvor getan haben. Lassen Sie mich einfach weitermachen und das tun. Das ist so ziemlich alles. Die Texte kommen von links und die Hula-Hoops kommen von oben rein, als ich hier den Bounds-Ausdruck hinzugefügt habe Bounds-Ausdruck hinzugefügt und hier einfach mit dem Zerfall herumgespielt habe, um herauszufinden, wie viel Bounce möchte ich behalten. Je höher die Zahl, desto weniger der Rest des Bounce und je niedriger die Zahl, desto mehr Rest wird es geben. Ich habe es hier einfach wie einen Mittelwert gehalten. Jetzt möchte ich nur noch die vorherigen Keyframes hinzufügen, die hier in die Sterne kopiert wurden, und auch die Wolken bis zum Ende dieses Frames verschieben . [MUSIK] Das ist erledigt. Sowohl die Wolken als auch die Sterne sind jetzt ebenfalls animiert. Wie üblich fügen wir jetzt einfach eine weitere Ballebene von einer davon hier kopiert wurde, in unseren Rahmen hier. Ich habe gerade den Ball aus einem der Frames kopiert und auch den Schatten hier eingefügt . Als der Ball den Rahmen verlässt, schnappte ich mir einfach meine Texte und packte sie zur Vorbereitung nach links. Dann geht es einfach schnell nach rechts mit dem Ball hier. Dann fallen die Hula-Hoops einfach so nach unten. Schauen wir uns das hier mit dem vorherigen Bild an und sehen wie alles sie miteinander verbindet. [MUSIK] Perfekt. Jetzt können wir zu Frame 16 gehen. 20. Animation auf der AE: Outro: hier aus dem letzten Bild kommen, gehen wir zu Frame 16 über , der Churros-Folie. Das ist genau das, was ich im Sinn habe, das wird eine sehr einfache Animation sein , ich lasse den Ball einfach herumhüpfen und dann in letzter Sekunde wird er hier hochspringen und gleiten Sie hier einfach wie ein Halbkreis die Rutsche und verlassen Sie dann einfach den Bildschirm genau dort. Vielleicht kann ich, wenn sie den Bildschirm verlässt, hier mit dieser Pfütze herumspielen, als ob sie spritzt als ob sie spritzt oder sie auf den Churros schmelzen kann. Wenn ich darauf doppelklicke, habe ich hier meinen rosa schmelzenden Teil, getrennt und isoliert, sowie die Pfützen hier, damit ich mit Formebenen damit herumspielen und sie manipulieren kann . Ich könnte die Vögel hier auch animieren, indem ich die Keyframes, die wir beim ersten Bild gemacht haben, kopiere und einfüge. Denken Sie an das Puppenwerkzeug , das wir für die Vögel gemacht haben. Ich kann diese Frames einfach kopieren und einfügen, ich muss das nicht noch einmal von Grund auf neu machen. Ich fange zuerst mit dem Ball an. Eigentlich bin ich nicht bei der eigentlichen Animation der Folie weil es nicht viel zu animieren gibt, außer ganz am Ende, wenn der Ball rutscht, also muss ich das Abprallen des Balls hier bekommen, genau richtig zuerst Musik bevor ich sie mit der Folie animieren kann. Ich werde einfach jeden Ball, den ich zuvor hatte, noch einmal kopieren und einfügen, aber ganz am Ende werde ich einfach den Positions-Keyframe Ball, den ich zuvor hatte, noch einmal kopieren und einfügen, aber ganz am Ende ändern also anstatt nach rechts voranzukommen, werde ich ihn hochspringen lassen, die Rutsche runter und raus. Ich habe gerade die Bouncing Ball Keyframes von den vorherigen kopiert und eingefügt , aber an dieser Stelle habe ich sie, anstatt sie hier nach links binden zu lassen, anstatt sie hier nach links binden zu lassen, einfach an den oberen Rand der Folie springen und abgenommen seine Größe hier, so dass es auf die Folie passt und nicht zu groß dafür ist und dann habe ich einfach ein Slide Out nur mit meinen Keyframes hier erstellt. es herausrutscht, wächst es auch wieder in seine ursprüngliche Größe , sodass es in der Originalgröße in den nächsten Rahmen fällt. Hören wir uns das einfach mit der Musik an. der Ball die Oberseite der Rutsche erreicht, möchte ich hier anfangen, meinen rosa Belag hier oben auf dem Waffenstillstand zu schmelzen . Ich werde hier einfach auf meinen Rahmen klicken und auf die Ebene klicken und ihr sagen Formen aus Vektorebene erstellen. Ich werde meinen Weg hier erweitern, genau hier, vielleicht werde ich ihn mit einem Keyframe versehen, und dann gehe ich zurück und hier möchte ich anfangen, die Form zu manipulieren. Ich wollte nur die Schmelze hier reduzieren, nicht vollständig, sondern sie ein wenig reduzieren, sodass sie, wenn ich durch die Zeitleiste scrolle, wenn ich durch die Zeitleiste scrolle, auf den Churros zu schmelzen beginnt. Ich habe es am Anfang einfach auf ein sehr dünnes Stück Topping reduziert am Anfang einfach auf ein sehr dünnes Stück Topping und wenn ich dann durch meine Zeitleiste schrubbe, wird es hier eher zu einem schmelzenden Belag. Lass uns das einfach überprüfen, wenn der Ball nach unten rutscht. Ich denke, es muss viel schneller gehen. Das ist in Ordnung für mich. Eigentlich, während der Ball herunterrollt, in diesem Teil hier, möchte ich in diesem Teil hier, dass diese Pfützen und Spritzer endlich so erscheinen als ob der Ball tatsächlich das Spritzen gebracht hätte, als er herunterrutscht. Ich gehe hier einfach zu meinen Ebenen und schneide sie an dieser Stelle aus, damit sie einfach erscheinen. Lass uns das einfach ausprobieren und sehen, wie es aussieht . Cool. Eine andere Sache, die ich tun möchte, ist zu fragen, dass der Ball die Rutsche hinunterrutscht. Das Gleiche, was zuvor bei der Milchshake-Rutsche passiert ist, ist, dass er sich oben auf der Rutsche befindet, weil die Schicht darunter befindet der Ball hier. Zum Glück hatte ich bereits den vorderen Teil der Rutsche isoliert, also dieser hier. Ich kopiere das einfach und gehe hier auf meine Schüssel und klebe und gehe hier auf meine Schüssel und klebe es auf die Schüssel, sodass es diesen Teil der Schüssel hier bedeckt und es aussieht, als wäre es drin. Dann kopiere ich auch meinen rosa schmelzenden Teil und füge ihn auch darauf ein, damit es angezeigt wird. Jetzt befindet sich der Ball in der Rutsche. Ich möchte dem Ball jetzt nur noch einen Schatten hinzufügen wenn er in den Rahmen eintritt und auf dem Boden abprallt, also kopiere ich wieder einen dieser Schatten und füge ihn ein. Ich habe hier den Schatten unter dem Ball hinzugefügt und die Keyframes an die Bounces und die Musik angepasst an die Bounces und die Musik also hören wir uns das einfach an. Großartig, jetzt kann ich hier zu meinem Bild zurückkehren und möchte meine Vögel animieren. Ich gehe einfach zurück zur Hauptkomposition und gehe zum allerersten Frame, glaube ich, Intro Frame 1. Ich kopiere einfach meine Vögel vor dem Comp und gehe dann zurück zu Frame 16 und füge die Vögel einfach hier und gehe dann zu ihren Keyframes und ziehe sie jetzt auf unser Timing. Da haben wir's. Sobald du damit zufrieden bist, kannst du deine Vogel-Layer hier löschen und ich werde sie entfernen. Gehen wir zurück zum Video und schauen uns das an. Okay, perfekt. Das Letzte, was ich tun möchte, ist, mich hier durch die Wolken zu bewegen , um den Bildschirm zu verlassen, während der Ball am Ende endlich abprallt. Werfen wir jetzt einen letzten Blick auf den Rahmen. Perfekt. Jetzt nähern wir uns dem Ende und sind bereit, Frame 17 zu animieren. Im vorherigen Bild habe ich einfach die Folie nach unten gezogen, habe ich einfach die Folie nach unten gezogen weil ich möchte, dass der nächste Frame in dem die Texte kommen, von oben heruntergezogen wird. Ich wollte diesen Übergang hier einfach so machen, wie wir es zuvor gesehen haben. Als Wesen heruntergezogen, also genau hier, vielleicht werde ich hier meinen Text herunterziehen. Ich gehe einfach hier zu Frame 17. Ich möchte nur die Formebene meines Textes in eine tatsächliche Textebene ändern . Dann möchte ich, dass es mit meinen Positions-Schlüsselbildern nach unten gezogen wird, und ich füge einen Bounce-Ausdruck hinzu, damit es abprallt, wenn es von oben gezogen wird. Das ist in Ordnung. Jetzt lass es uns mit der Musik überprüfen. Das ist perfekt. Dieser Rahmen wird bis hier bleiben. Dadurch hüpft der Ball nur davor herum, aber in einem viel langsameren Tempo, um der Melodie zu entsprechen. An dieser Stelle kopiere ich die Keyframes für die Ball-Animation für eine der Ebenen, auf denen der Ball von oben fällt sie ein, sodass er zu diesem Bild passt , und ich werde einfach einfügen es in einer neuen Ebene. [MUSIK] Jetzt habe ich den Schatten hinzugefügt und die Geschwindigkeit und die Größe angepasst. Schauen wir uns das mal an. Ich habe gerade die Animation für die Geschäfte hier hinzugefügt und eines der Geschäfte oben links zum Schluss aufwändig vergrößert. Hier musst du zuhören. Da haben wir's. Nur etwas, das die Melodie der Musik betont und dort eine kleine magische Note verleiht. Um den Rahmen zu verlassen, ziehe ich den Text einfach von links nach rechts in Richtung Ball wie zuvor und die Wolken verlassen einfach den Rahmen auf beiden Seiten wo sie hereinkamen. Das war's. Wir sind bereit, ihm die letzten beiden Frames zu treffen und wir werden mit unserem Markenvideo fertig sein. Wir haben es fast bis zur Ziellinie geschafft. Wir gehen in die letzten beiden Frames des Balls, hüpfen und schließen uns dann mit dem Logo an. Endlich möchte ich mir nur die Musik hier anhören , weil das bestimmt, wie viele Bounces die Der Ball wird auf einem leeren roten Bildschirm abprallen, bevor er als Punkt auf dem Logo wieder einspringt. dieser letzten Amtszeit hier stelle ich mir vor, dass der Ball in der Mitte des Bildschirms nach unten fallen wird . Dann würde es genau hier vom oberen Bildschirmrand fallen und als Punkt zurückkommen. In der Zwischenzeit wird es einfach gemäß der Melodie hier von einer der vorherigen Ballschichten abprallen . Lassen Sie mich einfach weitermachen und eine der Ballschichten kopieren , damit ich sie hier einfügen kann. Ich habe gerade eine der Ballanimationen der vorherigen kopiert , aber ich habe sie nur ein wenig optimiert, um sie diesmal an die Weichheit der Melodie anzupassen . Dann schwebt es ganz am Ende in der Luft und fällt plötzlich ab. Das wird uns zum letzten Rahmen des Logos führen. Schauen wir uns das mit der Musik und dem letzten Bild an. Das war's. Auf der letzten Dose fällt es runter. Für das letzte Bild kopiere ich einfach meinen letzten Ball, den ich hier gemacht habe, und füge ihn ein. Dann möchte ich hier den letzten Keyframe nehmen und den Rest einfach löschen. Dann bringe ich diesen Ball an genau derselben Stelle auf den Bildschirm wie unten, gerade nach oben geschoben. Hier möchte ich den Ball nach unten drücken, also wenn der Ball herunterkommt, möchte ich ihn hier auf die Form des Punktes verkleinern . Ich habe gerade die Deckkraft verringert, sodass ich weiß, wo sich der Punkt genau befindet , um ihn zu verkleinern. Dann möchte ich dem Ball nur einen sehr leichten Sprung hinzufügen , wenn er sich hier dem Logo nähert , und dann einen Slide-Bounce zum Logo sowie als letzten Schliff. Ich wollte jeden Brief nehmen und wie zuvor einen Tropfen machen, wie wir es im Intro gesehen haben. Aber ich habe das Gefühl, dass es ein bisschen zu viel sein wird , die Art und Weise, wie der Song endet, hat ein sehr ruhiges und langsames Ende, also denke ich, dass das Logo, das gerade mit einem Punkt erscheint , gerade genug ist, denke ich für das, ich möchte es an dieser Stelle nicht übertreiben, also genauso wie ein schönes, sauberes Schlussende für mich an dieser Stelle in Ordnung ist. Ich wollte nur einen winzigen kleinen Bounce mit einem Bounce-Ausdruck hinzufügen und wir werden sehen, wie das aussieht. Schauen wir uns an, wie das aussieht. So einfach ist das. Ich mag das einfache Ende davon. Sehen wir uns das noch einmal aus der Nähe an. Es ist nur ein winzig kleiner Bounce , den ich mit dem Ausdruck des Reittieres hinzugefügt habe. Das ist alles, was für die letzten Instrumente am Ende bedeutet . Das war's. Das ist ein Markenvideo mit einer ganzen Minute und acht Sekunden. Wir sind endlich fertig und was ich jetzt tun werde, ist einfach alle Frames von Anfang an noch einmal zu überprüfen . Ich werde sie einfach durchgehen und sicherstellen , dass alles in Ordnung ist. Alles passt gut zur Musik. Wenn es irgendwelche verschnörkelten Teile oder Geschwindigkeits- oder Bewegungsprobleme gibt , werde ich das glätten und glätten und sicherstellen , dass alles glatt ist und gut zur Musik passt. Ich werde nur einen kurzen Rückblick darauf haben. Dann können wir mit der nächsten Lektion fortfahren , in der wir unsere Datei exportieren und uns schließlich das Markenvideo ansehen. 21. Animation auf AE: Exportieren: [MUSIK] Nachdem ich hier und da einige Dinge optimiert und alles so verfeinert habe, wie ich es wollte, habe ich gerade eine winzige Kleinigkeit hinzugefügt, die ich dir zeigen wollte , und es ist die Bewegungsunschärfe. Wenn Sie hier unten neben meinen Ballebenen schauen, werden Sie feststellen, dass sich diese drei Kreise überlappen und dies ist die Bewegungsunschärfe aktiviert. Ich wollte nur eine Bewegungsunschärfe aktivieren , um den Ball zu bewegen, weil er nur die Bewegung betont und ihn realistischer und nerviger und federnder erscheinen lässt , und es ist genauso einfach wie das Überprüfen Die Kiste neben dem Ball hier. Sie können dies mit jeder Ebene tun, die Sie in Ihrer Datei haben , und es wird eine Bewegungsunschärfe aktiviert solange Sie dort Positions-Schlüsselbilder haben und sich das Objekt tatsächlich bewegt. Wenn Sie hier auf dem Bildschirm sehen können, gibt es eine leichte Bewegungsunschärfe, da der Ball immer wieder von Ort zu Ort springt. Es fügt nur eine Kleinigkeit hinzu, etwas dazu. Ohne weiteres denke ich, dass ich bereit bin, mit dem Export zu beginnen. Ich gehe einfach hier zu Datei und Export. Jetzt wähle ich Zu Adobe Media Encoder hinzufügen , da dies meinem Videoexport nach MP4 helfen wird, was wir wollen. Ich zeige Ihnen auch eine andere Möglichkeit exportieren, wenn Sie keinen Adobe Media Encoder haben , der Ihre Datei auch in MP4 konvertiert. Aber im Moment werde ich das machen und darauf klicken. Okay, also dein Video wird hier in diesem Fenster erscheinen und die Standardeinstellung ist H.264, was wir wollen, also lass es einfach so wie es ist. Sie möchten die Bitrate auch so lassen, wie sie ist. Sie können das Ende der MP4-Erweiterung hier sehen und der Status ist bereit. Wenn alles gut aussieht und es losgehen kann, müssen Sie nur „Enter“ drücken. Und jetzt beginnt es gerade mit dem Export und es wird Ihnen hier sagen, wie viel Zeit noch übrig ist. Meins wird also ungefähr zwei Minuten dauern. Okay, und es ist erledigt. Mein Video ist jetzt mit einer MP4-Erweiterung auf meinem Desktop gespeichert und es kann losgehen. Ich möchte dir nur einen anderen Weg zeigen, wie du das machen kannst. Wenn Sie also zu Ihrer After Effects-Datei zurückkehren und auf „Datei“ klicken , „Exportieren“, aber dieses Mal auf „ Zur Renderliste hinzufügen“ klicken. Und dann kommt dieses Fenster hier hoch und du willst auf „Lossless“ drücken. Dann möchten Sie anstelle von Animation hier auf „Apple ProRes 422" oder „Apple ProRes 422 HQ“ klicken . Ich finde einfach, dass es auf diese Weise in höchster Qualität exportiert wird. Klicken Sie erneut auf „Okay“ und „Okay“ und speichern Sie es einfach hier, wo immer Sie es speichern möchten, und klicken Sie dann hier auf „Rendern“ Es wird einfach gerendert und gespeichert, wo immer Sie es gespeichert haben. Aber After Effects speichert nur to.mov. MP4 wird nicht direkt exportiert . Sie müssten es über Adobe Media Encoder tun. Wenn Sie jedoch keinen Adobe Media Encoder haben, können Sie ein kostenloses Programm namens HandBrake herunterladen. Jetzt konvertiert HandBrake grundsätzlich jede Videodatei in MP4. Sie öffnen einfach das Fenster hier und ziehen Ihre Datei hierher, speichern sie dort, wo Sie sie in diesem Fenster speichern möchten, und klicken Sie dann auf „Start“ und fertig. Sie haben also beide Möglichkeiten, nur für den Fall, dass Sie es wissen möchten. Und das war's. Wir sind endlich fertig. Bleiben Sie also bei der nächsten Lektion , um sich die endgültige Enthüllung des Brand Videos anzusehen. 22. Brand: [MUSIK] Endlich, nach einem langen Prozess und Experimenten und dem Eintauchen in all diese wichtigen Details, ist die endgültige Enthüllung da. Trinken Sie einfach eine Tasse Kaffee, lehnen Sie sich zurück und genießen Sie das endgültige Markenvideo. [MUSIK] 23. Kursprojekt: [MUSIK] Ich möchte mir einen Moment Zeit nehmen, um Ihnen zu danken und Ihnen zu gratulieren, dass Sie an diesen Punkt der Klasse gekommen sind und dem gesamten Weg wirklich engagiert haben. Es ist wirklich wichtig, dass Sie verstehen, wie viel in dieses Handwerk steckt, und alle Überlegungen dahinter und die Technik , die darin enthalten ist, verstehen . Jetzt bist du dran. Aber keine Panik, es besteht absolut kein Druck, von Anfang an ein vollständig ausgefeiltes Markenvideo zu erstellen. Ich persönlich habe viel Übung gebraucht, um zu dieser Phase zu gelangen , und ich kann Sie nur ermutigen, dasselbe zu tun. Für Ihr Klassenprojekt müssen Sie bereits ein Logo und eine Markenidentität erstellt haben. Dies kann ein Leidenschaftsprojekt von Ihnen oder eine echte Marke sein, die Sie für einen Kunden geschaffen haben. Von dort aus haben Sie zwei Möglichkeiten. Sie können einfach die Markengeschichte und das Storyboard des Markenvideos veröffentlichen , an das Sie denken. Stellen Sie diese in ein JPEG-Format ein, damit sie einfach angezeigt werden können. Dies allein ist ein großartiges Dokument, das Sie einem Kunden präsentieren können, um die großartige Videoidee zu zeigen, bevor Sie sie erstellen, um eine Genehmigung dafür zu erhalten , oder Dokumente, die Sie später an einen Animator senden können die Sie später an einen Animator senden können arbeiten Sie mit zusammen, um das eigentliche Video auszuführen. Die zweite Option: Wenn Sie sich mutig, abenteuerlustig und aufgeregt fühlen , Sie auf jeden veröffentlichen Sie auf jeden Fall ein 30-sekündiges bis einminütiges Markenvideo für die Marke, die Sie erstellt haben. Wann immer du bereit bist, veröffentliche es auf Vimeo oder YouTube und füge den Link dann hier in den Klassenprojektbereich ein. Denken Sie daran, dass Ihr Markenvideo animiert sein kann wie ich es mit den Illustrationen und After Effects gemacht habe , aber es kann auch genauso einfach sein wie Herumspielen mit Fotografie, Schrift und Filmmaterial. wie die Beispiele, die ich dir zu Beginn des Unterrichts gezeigt habe . Was ich wirklich möchte, dass Sie aus diesem Kurs herausnehmen, ist das allgemeine Verständnis und nicht wirklich ein schrittweiser Prozess , der nur starr und in Stein gemeißelt ist. Ich möchte, dass Sie die Erkenntnisse, die Ihrer Meinung nach für Ihre Marke relevant sind , auf Ihre eigene Weise anwenden. Wenn Sie weitere Phasen des Prozesses haben , die Sie mir mitteilen möchten, um Feedback zu erhalten oder etwas zu fragen, dann zögern Sie bitte nicht, dies zu tun. Der Prozess ist für mich genauso wichtig wie das Ergebnis. Ich freue mich sehr zu sehen, welche Art von Geschichten und Videos du erstellen wirst. 24. ZUSAMMENFASSUNG: [MUSIK] Um diesen Kurs für Sie abzuschließen, habe ich alle wichtigen Erkenntnisse in 10 Tipps zusammengefasst, damit Sie einen klaren Vorsprung haben bevor Sie mit Ihrem Klassenprojekt beginnen. Tipp Nummer 1: Kennen Sie Ihr Publikum. wen zielt dieses Markenvideo ab? Welchen Ton und welche Stimme werden Sie implementieren? Wenn Sie Ihr Publikum kennen, wissen Sie, welche Auswirkungen Sie auf sie haben möchten. Tipp Nummer 2, definiere dein Ziel. Wofür wird das Markenvideo verwendet? Ist es ein Launch für eine neue Marke? Ist ein Erklärvideo zur Verwendung eines Dienstes oder einer App? Präsentieren Sie neue Produkte oder ein neues Rebranding? Indem Sie Ihr Ziel definieren, haben Sie bereits eine Idee für die Struktur Ihres Videos. Tipp Nummer 3: Plane deine Inhalte. Anhand der ersten beiden Tipps wissen Sie, welche Art von Inhalten diese Marke benötigt. Wird es ein reines Animationsvideo sein? Wird es Filmmaterial, Stop-Motion, Voiceover, Schauspieler und Animationen geben? planen, welche Art von Inhalten Sie benötigen, können Sie all diese Materialien sammeln und erwägen, mit anderen zusammenzuarbeiten. Tipp Nummer 4, schreibe deine Geschichte. Niemand kennt die Marke besser als Sie. Worum geht es bei dieser Marke? Welche Art von Emotion versuchst du zu vermitteln? Ein Gefühl der Zugehörigkeit, Aufregung, des Vertrauens, des Glücks? Schreiben Sie zunächst Schlüsselwörter der Emotionen, die Sie vermitteln möchten, und schreiben Sie von dort aus eine Geschichte , die zu Ihrer Marke passt. Tipp Nummer 5, sezieren Sie die Marke. Betrachten Sie die Marke so, als wäre es ein Puzzle aus vielen zusammengesetzten Teilen und bewerten Sie, welche Schlüsselteile für das Video verwendet werden können. Dies können das Logo oder Teile des Logos, Kernbotschaften, Illustrationen, Fotografien, grafische Elemente aus der Markenidentität sein. Tipp Nummer 6, strukturiere deine Zeitleiste. Mithilfe der 360-Grad-Methode und der analysierten Elemente Ihrer Marke können Sie jetzt damit beginnen, sie auf die allgemeine Zeitleiste zu legen. Womit soll dein Video beginnen? Welche Elemente werden in die Mitte passen? Wie soll dein Video enden? Verwenden Sie diese Zeitleiste als visuelle Hilfe, um Ihr Video zu strukturieren. Tipp Nummer 7, erstelle ein Storyboard. Mit einer klaren Struktur vor Ihnen können Sie beginnen, ein Storyboard zu skizzieren , das zeigt, was auf jedem Bild abgespielt wird. Dies dient später als Leitfaden, wenn Sie animieren oder dies mit einem Animator teilen. Es wird Ihnen auch helfen, den gesamten Videofluss zu sehen , bevor Sie beginnen. Wenn Sie Änderungen vornehmen oder etwas überarbeiten müssen , ist dies die richtige Phase dafür. Tipp Nummer 8, Ebene auf Illustrator. Nachdem das Storyboard fertiggestellt ist, legen Sie Ihre Dateien entsprechend der Reihenfolge des Storyboards auf Illustrator ab. Stellt sicher, dass alle Elemente, die Sie animieren möchten auf einzelnen Ebenen getrennt sind. Dies wird Ihnen später in der Nachwirkung das Leben erleichtern . Dies ist auch eine großartige Phase, um einem Animator Ihre Dateien zu schicken , und er kann sie von dort aus übernehmen. Tipp Nummer 9, investiere in die Musik. Der visuelle Aspekt des Markenvideos ist die halbe Wirkung. Der hörbare Aspekt ist genauso wichtig. Verbringen Sie Ihre Zeit damit, nach der richtigen Musik und den richtigen Sounds zu suchen , die den Ton Ihrer Marke widerspiegeln. Stellen Sie sicher, dass die Musik dem Tempo des Videos entspricht und mit der Absicht verlinkt wird. Tipp Nummer 10, animiere mit Relevanz. Ihre Auswahl an Animationen kann so einfach oder komplex sein, wie Sie es möchten. Kehren Sie immer zum Briefing und zur Markengeschichte zurück , um zu beurteilen, welche Art von Animationen am besten zu Ihrer Marke passt. Die Animationsstile müssen dieselbe Sprache wie Ihre Marke sprechen . Ein Bonus-Tipp, der eher ein Gedanke ist , den Sie im Kopf behalten sollten. Es ist so, dass Sie sowohl der Geschichtenerzähler als auch das Publikum sind. Sie sind derjenige, der die Informationen und die Geschichte auf eine Weise gestaltet , die überzeugend und faszinierend ist. Aber Sie sind auch das Publikum in dem Sinne, dass Sie es aufschlüsseln, einfach halten, humanisieren und so tun müssen einfach halten, humanisieren und , als würden Sie es zum ersten Mal sehen. Fragen Sie sich, was möchte ich fühlen? 25. Vielen Dank: [MUSIK] Vielen Dank, dass du an diesem Kurs teilnimmst und Geduld mit mir hast. Ich hoffe, du hast eine neue Liebe und Wertschätzung für Storytelling und Markenvideos entwickelt . Wenn Sie nur ein oder zwei Dinge wegnehmen, aber mit vollem Verständnis, dann werde ich sehr, sehr glücklich sein. Denken Sie daran, dass Übung bei jedem Handwerk den Meister macht. Deshalb ermutige ich Sie, die Werkzeuge aus diesem Kurs noch einmal zu überdenken, einige Tipps lesen und sie weiterhin mit Übung anzuwenden erneut zu lesen und sie weiterhin mit Übung anzuwenden, um Ihr Handwerk wirklich zu verbessern. Wenn Sie diesen Kurs hilfreich fanden, würde ich mich freuen, wenn Sie eine Bewertung hinterlassen würden, damit andere Schüler wissen, was sie von diesem Kurs erwarten können. Poste gerne deine Videos auf Instagram und tagge mich. Ich würde es gerne sehen und mich mit dir verbinden. Wenn Sie sich abenteuerlustiger fühlen, besuchen Sie meine anderen Skillshare-Kurse und nehmen Sie an meinem Wortmarkenkurs teil, wenn Sie lernen möchten, wie Sie Ihre eigene Wortmarke, PS, erstellen . Es gibt auch ein Markenvideo. Wenn Sie Verpackungen und Schokolade lieben wie ich, dann besuchen Sie auf jeden Fall meinen Verpackungsdesignkurs und es wird Sie nicht enttäuschen. Nochmals vielen Dank und wir sehen uns beim nächsten.