Meeresmonster zeichnen: Erkunde das Design der Kreaturen | Ira Marcks | Skillshare
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Meeresmonster zeichnen: Erkunde das Design der Kreaturen

teacher avatar Ira Marcks, Graphic Novelist

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Einheiten dieses Kurses

    • 1.

      Einführung

      0:52

    • 2.

      Monster und Imagination

      5:40

    • 3.

      Mythologie und Geografie

      3:24

    • 4.

      Persönlichkeit und Fähigkeit

      2:37

    • 5.

      Referenzen und Ratio

      3:19

    • 6.

      Skizzen und Silhouetten

      5:43

    • 7.

      Pushen und Posieren

      2:08

    • 8.

      Einfärbung und Schraffur

      6:40

    • 9.

      Farbe und Theorie

      7:22

    • 10.

      Zusammenfassung

      1:01

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

2.166

Teilnehmer:innen

63

Projekte

Über diesen Kurs

Erkunde Kreaturendesign und Illustration in den äußersten Ecken der Karte. Das erste Erscheinen eines Seeungeheuers in den entlegensten Winkeln alter Karten war nicht nur ein seltsames kulturelles Artefakt, es war ein brillanter Moment kreativer Inspiration!

In diesem Kurs werden wir uns die Geschichte und Kultur ansehen, die das mittelalterliche Seeungeheuer zu illustrativem Leben erweckt haben, und diese Schritte nutzen, um eine ganz eigene Kreatur zu erschaffen! Dieser Kurs eignet sich hervorragend für alle, die ihre kreativen Illustrationsfähigkeiten erweitern, ihrer Fantasy-Kunst mehr Bedeutung verleihen und einige wertvolle Zeichenfähigkeiten entwickeln möchten. 

Diese Themen werde ich behandeln:

  • Geschichte des mittelalterlichen Seeunsters
  • Kreative Metaphern
  • Inspiration generieren
  • Referenzen nutzen
  • Charakterisierung
  • Planung einer Komposition
  • Gestaltung von Lineart
  • Farbtheorie

Alles, was du für diesen Kurs brauchst, ist ein Bleistift und Papier, aber ich arbeite in Clip Studio Paint, um die visuelle Klarheit zu verbessern.

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Teacher Profile Image

Ira Marcks

Graphic Novelist

Top Teacher

Ira Marcks is an award-winning and New York Times recommended cartoonist. His love of strange fiction and scientific research has led to an unlikely list of collaborators including the Hugo Award-winning magazine Weird Tales, European Research Council, and a White House Fellowship Scientist. His online courses have inspired 100,000 students. iramarcks.com

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Level: All Levels

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Transkripte

1. Einführung: Kunst als Funke, der unsere Kultur erleuchtet. Also hilf mir, einen der seltsamsten kreativen Funken der Menschheitsgeschichte zu feiern , das mittelalterliche In diesem Kurs beginnen wir mit einer Nahaufnahme der Kultur in der Geschichte, die das mysteriöse Monster umgibt Mit dieser Inspiration können wir uns mithilfe eines konzeptionellen Brainstormings ein eigenes Seeungeheuer vorstellen ein eigenes Seeungeheuer mithilfe eines konzeptionellen Brainstormings Als Nächstes nehmen wir all unsere neuen Ideen aufs Zeichenbrett und skizzieren, tuschen und färben. Ungeheuerlich mythische Illustration. Okay, du bist bereit, die Welt des gefährlichen Seeungeheuers zu erkunden . Gut, lass uns gleich loslegen. Witz über nautische Seeungeheuer. Wir sehen uns im Unterricht 2. Monster und Imagination: Stellen Sie sich vor, Sie sind ein italienischer Kartograph in den frühen 1400er Jahren, Sie sitzen für lange Stunden an Ihrem Zeichentisch mit Ihrem Schiebelineal, gebeugt über Ihrem massiven Holz-Zeichentisch erstellen Barebones-Charts für geizige Matrosen. Du machst das schon seit Jahren und du bist fast blind geworden indem du über die unendlichen Winkel zerrissener Küstenlinien schielst. Natürlich gibt es diese kleinen Blüten. Manchmal bekommt man eine Kompassrose zu zeichnen, aber niemand will Sie bezahlen, um eine Karte zu dekorieren. Es ist ein Werkzeug, das sie sagen, was ist der Sinn? Als du die Kunst des Kartenherstellens studiert hast, hast du dir immer vorgestellt, dass es etwas mehr gäbe als das. Eines Tages geht ein wohlhabender Kaufmann in Ihr Atelier. Er sagt Ihnen, er will, dass Sie ihm eine Karte machen, aber nicht nur eine andere Seemannskarte, er will etwas Schönes und Auffallendes in der großen Halle seines Schlosses hängen und seine Gäste beeindrucken. Deine Augen dehnen sich bei der Gelegenheit aus. Endlich eine Chance, Ihre künstlerischen Fähigkeiten zu nutzen. Du erzählst ihm, wie du die kühnen Formen der Städte,die bis zur Küste fahren, und die Majestät deratemberaubenden Berge mitten im Land illustrieren wirst die bis zur Küste fahren, und die Majestät der . Dazu gehören die Forstwirtschaft, Flüsse, Straßen und alles, was dazwischen kommt. Sie füllen die Wälder mit lebenden Tieren und Ozeanen mit Segelschiffen. Dein Herz rennt mit der Möglichkeit, endlich deine Kreativität zum Ausdruck zu bringen. Der gut gekleidete Kaufmann gähnt vor Langeweile. Er ist von Ihrem Vorschlag nicht beeindruckt. In der Tat dreht er sich um zu gehen nimmt seine schwere Geldbörse mit. Du flehst ihn an, dir noch eine Chance zu geben. Er nickt mit dem Kopf und stellt eine Herausforderung dich dar: „Während du hinter deinem Zeichentisch sklaviert hast, bin ich ein paar Mal durch die bekannte Welt gereist. Ich habe alles gesehen, was es zu sehen gibt. Wenn du mich beeindrucken willst, musst du mir etwas zeigen, das ich noch nie gesehen habe. Sie haben bis morgen früh.“ Und damit geht der gut gekleidete Kaufmann aus Ihrem Atelier. Zurück an Ihrem Zeichentisch skizzieren Sie wie verrückt, Ihren Tisch voller Kritzeleien und Notizen darüber, wie Sie den Händler beeindrucken können. Die Sonne beginnt zu untergehen und bald finden Sie sich die ganze Nacht aufbleiben und skizzieren Ideen, die den gut gereisten Mann beeindrucken könnten. Bald merkst du, dass du alles falsch machst. Die übliche Karte von Piktogrammen wird diesen Mann nicht gewinnen. Sie müssen über das Übliche hinausschauen. Wie jeder gute Italiener aus dem 14. Jahrhundert, schauen Sie Homers epische Geschichte vom Seemann Odysseus nach Inspiration, sprechen Sie über einen Mann, der die Welt bereist ist. Während eines seiner Abenteuer durchquerten Odysseus und seine tapfere Crew die Straße von Messina zwischen Sizilien und Süditalien, als plötzlich ihr Schiff von dem schrecklichen Monster Skyla angegriffen wurde. Homer beschreibt Skyla als ein Monster der Tiefe mit einer krabbenartigen Schale, sechs langen Hälsen, dreifachen Zähnen auf jedem Kopf und 12 Meter, die von ihrem monströsen Körper baumeln. Ihre Stimme, wie Homer schreibt: „Klingt wie das Jelping von Hunden.“ Bevor Odysseus seine Männer durch den Kanal führen kann, hat die Skyla sechs seiner Männer abgeholt, einen in jedem ihrer tödlichen Münder. Sogar als kleines Kind, das diese Geschichte hört, weißt du, dass Skyla kein richtiges Wesen war , aber das machte es in deiner Fantasie nicht weniger real. Und das hat dir eine Idee gegeben. Wenn die Sonne aufgeht, sitzen Sie erschöpft und setzen den letzten Schliff auf Ihrer Karte. Nur dann geht der Händler in Ihren Laden. Nun, er sagt, Sie lehnen sich zurück und präsentieren eine kompetente Darstellung der Straße von Messina. Er lehnt sich eng an, um Ihr Design zu studieren. Er sieht die sizilianische und italienische Küste einander gegenüberstehen. Starke Linien, die die mächtigen Gezeitenströme darstellen fließen durch die Mitte und bilden sich zu einem kräftigen Whirlpool. In der Mitte des dunklen Pools, liegt das Monster Scalia. Der Kaufmann starrt auf die Kreatur und du siehst seine Augen mit dem gleichen Wunder gefüllt sind, das du als Kind kanntest. „ So etwas habe ich noch nie gesehen“, sagt er. Mitte des 15. Jahrhunderts waren Seeungeheuer die Wut unter den Kartensammlern der mittelalterlichen Welt. Während die frühen Kreaturentwürfe in Mythologie und warnenden Metaphern der tatsächlichen Tiefsee-Gefahren verwurzelt waren , änderten sich die Entwürfe im Laufe der Zeit zu seltsamen Illusionen seltsamer als alles, was man sich je vorgestellt hatte. Vogelartige Seedrachen mit Fledermaus-ähnlichen Flügeln, bärtige Walrosse mit kaktus-ähnlichen Körpern, Schlangen mit den Köpfen von Hunden, bärtige Walrosse mit kaktus-ähnlichen Körpern, Schlangen mit den Köpfen von Hunden, stacheligen Elefanten und gigantischen Chinchilla-Dingen. Die Geschichte des Meeresgeschöpfes ist die Geschichte unserer kulturellen Fantasie. Kunsthistoriker sagen, dass diese seltsamen und exotischen Kreaturen entworfen wurden, um den Betrachter der Karte auf einer höheren Ebene zu engagieren die Phantasie mit ihrem übernatürlichen Aussehen hervorzurufen. Bis heute, mit Zugang zu allen möglichen kreativen Medien, suchen wir immer noch nach diesem Engagement in diesen Momenten des Staunens und der Phantasie. 3. Mythologie und Geografie: Für mich beginnt jeder gute kreative Prozess, egal wie fantastisch, egal wie fantastisch,mit einem echten Bezugspunkt. Sogar imaginäre Kreaturen haben Wurzeln in der Realität. Das Seeungeheuer für all seine Fremdheit, ist eigentlich ein Kommentar zu Kultur und Erkundung. In der Antike sprach das Aussehen eines Seeungeheuers mit den Herausforderungen der Erkundung unbekannter Gewässer. Mittelalterliche Seeungeheuer auf europäischen Karten beziehen sich oft auf die exotischen Tiere der Region, in der sie auftauchten, und zeigten, wie die Welt größer und gefährlicher war, als man sich je vorgestellt hatte. In der Mitte des 20. Jahrhunderts stieg das Seeungeheuer wieder auf, diesmal in den Gewässern vor der Küste Japans. Diese Version eines Seemonsters ist viel komplizierter, da es Japans Bedenken bezüglich der Erforschung der Atomkraft in den 1950er Jahren darstellt . In beiden Beispielen macht das Verständnis der geografischen Lage des Seemonsters viel , um zu helfen, die kulturellen Belange, die das Monster zu wecken versucht, zu entpacken. Alles, was gesagt, unser erster Schritt bei der Gestaltung eines mythischen Monsters ist, ein Zuhause dafür auf der Karte zu finden. Was ist das Schriftsteller-Workshop-Zitat: „Schreiben Sie, was Sie wissen“? Nun, ich werde zeichnen, was ich weiß. Ein Ort, den ich ziemlich gut kenne, ist ein kleiner Ort an der Ostküste von Florida namens Daytona Beach. Ich war etwa sechs Jahre alt, als meine Familie dort lebte und wir hatten einen kleinen Anhänger in einem Park, etwa 10 Minuten vom Meer entfernt, in Süßwasserflüssen und Sumpfland. In meinem Gedächtnis ging ich fast jeden Tag schwimmen. Nähe von Salzwasser und Süßwasser führte mich zu einer Menge seltsamer und gefährlicher Kreaturen. Ich erinnere mich, dass meine Mutter von Quallen gestochen wurde und aus dem Wasser bleiben musste , weil es eine Haifischwarnung und eine Barrakuda gibt, die an meinem Bein schwimmt. Dann, im Süßwasser, erinnere ich mich, als ich Seeküle sah, die so sanft waren, aber ein Riese, und ein Alligator, der am Strand entlang krabbelte. All diese Kreaturen würden große Bezugspunkte für meinen Seemonstermythos machen , aber ich werde ein wenig weniger konventionell mit meinem Bezugspunkt gehen . Für mich war die seltsamste, schwer fassbarste Kreatur der Florida-Küste der Flamingo. In den 1800er Jahren waren in den unbesiedelten Feuchtgebieten Floridas Tausende von Flamingos beheimatet , die in den warmen Wintermonaten dorthin wanderten. Aber im Laufe der Zeit zogen europäische Siedler in die Gegend um und begannen, die Vögel nach ihren kühlen Federn und ihren großen Eiern zu jagen, und das trieb die Vögel weg. Trotzdem blieb der Flamingo Teil der Florida-Kultur. Sein ikonischer Look repräsentierte die tropische und urlaubsfertige Atmosphäre des Staates. Aufgewachsen in Florida in den 1980er Jahren, war der Mythos des Flamingo sehr real. Im nächsten Kapitel werde ich diesen Mythos nehmen und auf ihn erweitern und eine einzigartige Kreatur entwerfen , die der lange verlorene Nachkomme des Flamingo ist, der durch das offensichtliche Schicksal in Dunkelheit getrieben wird, in Amerikas Traum von einem komfortable Ruhestand und ein Rasen mit klebrigen Vögeln gefüllt. 4. Persönlichkeit und Fähigkeit: Die berühmtesten und erkennbarsten Meeresbewohner haben unvergessliche Beschreibungen und manchmal sogar unterschiedliche Persönlichkeiten. Also, für mich ist es wichtig, mein Seemonster etwas Geschmack zu haben, damit es sich von den anderen Kreaturen des Meeres abhebt. Ich werde hier ein paar Notizen machen. Bei der Konzeptualisierung einer Kreatur denke ich, dass es wichtig ist, sich die richtigen Fragen zu stellen , denn diese werden Sie durch Ihren Zeichnungsprozess führen. Ich werde mit dieser Frage anfangen. Was ist die Persönlichkeit des Monsters? Nach dem Exodus seiner Flamingo-Vorfahren hat die Kreatur den Kontakt zu anderen Lebewesen verloren. Es ist einsam, weil es einzigartig ist. So wie die Geschichte des Loch Ness Monsters. Es ist kein böses Monster, das auf Rache gebeugt ist, aber es ist defensiv, besonders wenn es sich bedroht fühlt. Was sind die Fähigkeiten des Monsters? Die Kreatur mag von einem Flamingo inspiriert sein, aber sie muss im Wasser bleiben, weil es ein Seeungeheuer ist. Um so lange überlebt zu haben, ist es wahrscheinlich in der Lage, schnell zu schwimmen, um sich den Menschen zu entziehen. Geschwindigkeit impliziert in der Regel den Platz eines Charakters in der Nahrungskette. Also, ich stelle mir vor, dieses Monster hat einige andere Abwehrkräfte, wie vielleicht die Fähigkeit, sich selbst zu verhüllen. Kann ich diese Teile des Monsters beschreiben? Eine visuelle Beschreibung kann dazu beitragen, die Zeichnung zu starten. Mal sehen, ob ich mir ein wenig vorstellen kann, wie diese Kreatur aussehen wird, basierend auf den Ideen, die ich aufgeschrieben habe. Mein Monster muss schnell sein, aber Vögel sind keine schnellen Schwimmer, also werde ich Referenz in einem anderen Florida-Tier finden, sagen wir einen Alligator. Der starke Schwanz eines Alligators könnte mit meinem Charakterdesign wirklich nützlich sein. Seine Federn werden die Farbe auch ändern, um sich mit seiner Umgebung zu mischen, das ist seine Tarnfähigkeit. Das führt uns zu der Frage, wie groß ist das Seemonster? Ich werde sagen, es ist ein mittelgroßes Monster, etwas, das von der Küstenlinie aus gesehen werden kann, aber nicht zu überwältigend ist. Also, die Skala wäre die eines mittelgroßen Segelbootes. Alles klar, ich werde ehrlich sein. Manchmal beginne ich mit dem Zeichnen, bevor ich auf diese Art brainstormiere. Aber um der Organisation in dieser Klasse willen, setze ich das ganze Schreiben in konzeptionelle Phasen an erster Stelle, bevor ich zum Skizzieren und Zeichnen komme. Der kreative Prozess ist ein Ebbe und Flow, also erwarte ich, dass, was auch immer Sie zuerst tun möchten, Sie dorthin gehen. Aber haben Sie keine Angst, einige dieser anderen Schritte zu besuchen bevor Sie zum endgültigen Rendering Ihres Designs gelangen. 5. Referenzen und Ratio: Die Sache, die ein wirkungsvolles Sea Monster Design macht, ist die gleiche Sache, die jede visuelle Kunst wirkungsvoll macht, eine zusammenhängende Balance von starken, visuellen Elementen. Wenn Sie sich eine Vielzahl von Fabelwesen vorstellen, bemerken Sie, dass sie in unterschiedlichen Ebenen der Komplexität kommen. Also werde ich die Designkomplexität in drei verschiedene Typen aufteilen. Am einfachsten ist der Moby Dick Ansatz, bei dem Sie sich für eine Basisanatomie entscheiden und ein ikonisches physisches Detail hinzufügen. Moby Dick ist also ein Riesenwal, der aber mythisch gemacht wird, indem man die einzige charakteristische Eigenschaft der stark weißen Haut hinzufügt. Der zweite Typ ist der Meerjungfrauenansatz, bei dem Sie mit einer Basisanatomie beginnen und dann mit einer anderen Basisanatomie teilen. Dies ist kein sehr realistischer Ansatz, weil eine Meerjungfrau nur ein halber Mensch an der Taille abgeschnitten ist und ein Fisch im mittleren Teil des Fisches abgeschnitten ist und beide zusammenstecken. Es fühlt sich nicht an wie eine natürliche Evolution. Der dritte Stil ist die Verschmelzung. Nimm die schöne Kreatur aus Guillermo Del Toros Wasserform. In diesem Fall ist seine Basisanatomie ein Mensch, aber seine Bezugspunkte sind so abstrahiert, dass die Kreatur zu einer ganz anderen Sache wird. Im Kreaturen-Design sieht man vielleicht Einfluss von einem Aal, einem Fisch, einem Frosch, einem Salamander und einem athletischen Menschen. In unserer Klasse gehen wir hier das Gold und versuchen eine Verschmelzung. Du beginnst mit einer Basis. Das wird etwa 60 Prozent des Kreaturentwurfs sein. Die Basis sollte praktisch sein, um Ihre Kreatur etwas realistisch erscheinen zu lassen. Da meine Kreatur wissen muss, wie man schwimmen kann, werde ich den Florida Alligator als Basis benutzen. Wählen Sie einen sekundären Einfluss aus. Dies wird etwa 30 Prozent des Kreaturentwurfs sein aber ich halte es für den Hauptaspekt seines Charakters. Ich werde den Flamingo hier benutzen und der Flamingo hat einen tropischen Stoizismus und das wird mein Charakterdesign sehr beeinflussen. Sie bei der Auswahl dieses sekundären Einflusses BerücksichtigenSie bei der Auswahl dieses sekundären Einflussesdie Persönlichkeit Ihres Monsters. Ist es aggressiv? Versuchen Sie einen Hai-Einfluss. Ist es geheimnisvoll? Versuchen Sie ein nächtliches Tier wie eine Eule als Ihren Einfluss. Die dritte Wahl, die Sie treffen müssen, ist das Würzen des Designs. Dies stellt 10 Prozent des Kreaturendesigns dar. Dies ist die Wahl, die die Kreatur auf die Verschmelzungsstufe bringt. Dieser Aspekt des Designs ist nahezu unsichtbar und überbrückt im Wesentlichen die Basis und den sekundären Einfluss, indem er ein verbindendes Mittel ist. Es ist die chemische Reaktion des gesamten Designs. Ich werde etwas aussuchen, rein auf seine visuelle Sympathie. Ich gehe mit dem Clownfisch für meinen dritten Bezugspunkt. Also Alligator, Flamingo und Clownfisch. Als Nächstes muss ich einige gute Hinweise auf diese drei verschiedenen Tiere finden. Ich möchte einige Ganzkörperaufnahmen der ganzen Kreatur aus verschiedenen Blickwinkeln, und ich möchte auch einige Nahaufnahmen, damit ich die Texturen und einige der charakteristischen Details dieser Tiere verstehen kann . Ich werde nur durch diesen Prozess beschleunigen, weil wir alle wissen, wie man Bilder googelt. Sobald wir eine gute Sammlung von Referenzen haben, können wir weitergehen, um unser Design zu skizzieren. 6. Skizzen und Silhouetten: Unser Ziel in diesem Abschnitt ist unsere Ideen, die in unserem Kopf herumschweben, auf Papier zu bekommen, egal ob sie gut oder schlecht sind. Dies wird als Thumbnail in der Phase des Skizzierens bezeichnet. Es sind visuelle Notizen, die nur für Sie geeignet sind. Niemand sonst muss in der Lage sein, diese zu lesen, so dass Sie sie nicht auf bestimmte Weise verfeinern müssen. Ich nenne diese Thumbnail Silhouette Thumbnails. Im Charakterdesign hat etwas, das einen unvergesslichen erkennbaren Charakter macht , eine starke Silhouette. Der Trick hier ist, so wenig Energie wie möglich auszuüben , so dass Sie keine Ihrer Entscheidungen bereuen, und Sie erraten nicht den Wunsch oder die Notwendigkeit, etwas zu zeichnen. Du willst einfach ein paar Sachen auf Papier bringen und es später durchsortieren. Also werde ich mit diesen drei visuellen Referenzen herumspielen und sie einfach auf verschiedene Arten remixen und sehen, wie sich die Zeichnungen für mich anfühlen. Denken Sie daran, einige der Konzeptideen wie : „Wenn dieser Charakter schnell ist, hätte er lange, schmale Beine wie ein Flamingo?“ Vermutlich nicht. Also, vielleicht sollte ich etwas näher mit dem Körper und Schwanz des Gators bleiben und ihm ein wenig stumpf Beine geben. Ich versuche, den Clownfisch hier auf wenig Weise zu passen , aber da es nur 10 Prozent meines Designs sind, denke ich nicht, dass ich das auf der Silhouette verschwenden sollte. Vielleicht kommt die Textur oder Haut des Clownfisches ins Spiel, wenn ich anfange, dem Körper Details hinzuzufügen. Sie können sehen, wie ich ein paar Federtechniken auf der Rückseite der Kreatur ausprobiere. Also, ich hatte gerade diese Idee in meinen Kopf eines Gatorkopfes gerahmt mit Flamingo-Federn, fast wie ein Löwe, dieser Rahmen durch seine Mähne. Also, ich werde das skizzieren. Ich bin irgendwie in das, es wird ein kleiner Kreis um ihn herum. Nun, ich will einen Körper finden, der seinen Kopftyp ergänzt. Ich werde versuchen, Gator Körper vielleicht mit einem dünnen, nein. Ich will etwas etwas Stur. Alles klar, das kommt etwas näher an das, was ich will. Ich werde mehr Flamingo-Federn betrachten vielleicht statt einer dünneren Beine, es bekommt einen Flügel, der cool sein könnte. Diese Kreatur trifft mich als schwere Kreatur, etwas, das sich nicht wirklich gut an Land bewegen kann und die meiste Zeit im Wasser bleiben muss , besonders wenn es von irgendeiner Art Raubtier gejagt wird. Also, ich werde die Leiche der Kreatur massen. Nun, es fängt an, mehr wie eine Art Seeküle Körpertyp mit einem langen Gatorkopf und einer Flamingo-Stil Rechnung am Ende davon zu sehen. Okay, das kommt viel näher. Ich mag das Gewicht der Kreatur und ich mag einige dieser Details. Ich bin mir nicht sicher, ob ich sie alle benutzen werde, aber für ein Thumbnail ist es ziemlich großartig. In Ordnung, ich denke, wir brauchen einen Namen für dieses Tier, damit ich anfangen kann, mich genauer darauf zu beziehen. Nun, es ist ein Gator und ein Flamingo, vermischt miteinander. Also, ich denke an „allimingo“. Ich werde an einer raffinierteren Skizze arbeiten. Finden Sie die rationalen Teile des Körpers heraus, die Formen, die seine Form bilden. Bevor ich das mache, werde ich mich an die Einflüsse seiner Pose erinnern. Ich weiß, dass diese Kreatur einsam ist. Es ist kein böses Monster, es ist absolut einzigartig. Es ist defensiv, wenn es sein muss. Es ist an das Wasser gebunden, verbringt nicht viel Zeit an Land. Es hat einen schnellen, starken Schwanz für schnelles Schwimmen, und es ist ungefähr die Größe eines mittleren Segelbootes. Ich werde mit diesen Grundformen beginnen. Der Charakter wird sich schwer fühlen, und gewichtig, und fast ein absurdes Gefühl von Proportion, aber immer noch realistisch genug fühlen. Ich gebe ihm einen massiven Kopf für die Form seines Körpers, und einen Riesenschwanz und winzige, knöpfige Beine. Der Kopf ist eine Kombination aus einem Gatorkopf und einem Flamingo-Schnabel. Da ist die Federmähne, über die ich vorhin gesprochen habe. Sieht fast so aus, als hätte er eine riesige Bowlingkugel geschluckt. In Ordnung, ich fing an, ein bisschen von diesem einsamen Gefühl festzuhalten , aber ich möchte es noch weiter vorantreiben. Eine gute Möglichkeit, dies mit einer Skizze zu tun, besteht darin, eine so genannte Aktionslinie festzulegen. Es ist irgendwie wie eine Verlängerung der Wirbelsäule. Wenn dieser Charakter Ihr Schauspieler wäre, würde seine Körpersprache einen langen Weg gehen, um seinen emotionalen Zustand auszudrücken. Ich gebe dem eine droopische Aktionslinie. Sie können es direkt auf der Rückseite sehen. Also, alles, was ich daraus aufbaue, wird eine Art Referenz zurück auf die Aktionslinie. Ich bekomme eine sehr Eeyore Art von Gefühl von dieser Kreatur. Es ist irgendwie schlaff, fast depressiv, überwältigt von der Schwerkraft. In Ordnung, nochmal, ich werde die Skizze nicht überarbeiten, aber ich brauche gerade genug Informationen, um mich in meine endgültige Zeichnung zu bringen. Lassen Sie uns ein paar Augenstile ausprobieren. Denken Sie daran, dass ich schon lange gezeichnet habe. Ich habe eine ganze Menge Ausdauer zum Skizzieren. Wenn Sie nicht so viel Energie haben, machen Sie einfach eine einfache Skizze oder wenn Sie wirklich in das endgültige Design übergehen müssen, was immer es braucht, um Sie durch alle Phasen dieses Prozesses zu bekommen. 7. Pushen und Posieren: Also werde ich durch eine weitere Skizzierstufe gehen und wirklich die Pose schieben und diese Figur kennenlernen, bevor ich anfange, sie zu Tinte. Wir fangen wieder mit der Aktionslinie an. Ich schiebe wirklich die Droopiness dieser Linie. Und jetzt werden sich die Formen, die ich setze, verbiegen und kurven. Anstelle eines Ovals für den Körper habe ich eine wirklich gebogene Bohnenform. Schwänze schön und schlaff. Einige Grundformen für die Beine. Ich füge dem Kopf mehr Droopiness hinzu und bekomme eine allgemeine Platzierung für die Federmähne. Sie möchten eine Schale in Formen machen. Formen, die sich einzigartig anfühlen und ein Gefühl von Ton vermitteln. Darüber hinaus möchte ich meiner Zeichnung eine Perspektive hinzufügen. Ich schaffe Tiefe zu dieser zweidimensionalen Form, die ich habe. Diese roten Linien sind also meine Führer für die Rundheit des Charakters. Beachten Sie, wie alles gekrümmt ist. Ich habe keine geraden oder starren Linien, alles ist gebogen. Darüber hinaus werde ich eine letzte letzte letzte Skizze machen und einige dieser Details ausarbeiten , beginnend mit den Augen, dem Schnabel und der Form des Kopfes. Die Funktion des Kopfes dieses Charakters ist, launisch und einsam zu sein, also werde ich ihm eine große schwere Stirn und eine große hängende Schnabelnase geben. Jetzt muss ich die Struktur der Federn herausfinden. Sie überlappen sich auf die gleiche Weise wie Skalen. Und ich will, dass sie vom Kopf abschießen. Ein letztes Mal über die Form des Körpers, wirklich die Kurven des Körpers und des Schwanzes kennen zu lernen. In Ordnung. Ich habe viel Vertrauen in diese Skizze. Ich habe das Gefühl, dass ich diesen Charakter wirklich gut kenne. Wenn ich also in die Tinte komme, wird es viel müheloser. Nervöse Tinte kann eine Zeichnung wirklich ruinieren. Es lohnt sich also, wirklich zuversichtlich im Design Ihres Charakters zu sein, bevor Sie mit der Tinte beginnen. 8. Einfärbung und Schraffur: Sie können auf der linken Seite des Bildschirms sehen, die ich in zwei Referenzen für meinen Farbprozess gebracht habe . Dies sind beide Illustrationen aus der Renaissance Ära, Meer Monster Kunst und ich habe einige der verschiedenen Farbtechniken hervorgehoben , die in diesen Zeichnungen gemacht werden. Sie können sehen, dass Schraffur, die im Grunde Linien unterschiedlicher Dicke und Dichte verwendet, um Licht darzustellen, Sie können sehen, wie die Schraffur kann die Form der Kreatur zeigen, verschiedene Texturen wie Fell darstellen, oder Feder, oder Haut oder sogar Wasser in diesem Fall. Es gibt Ihnen auch ein Gefühl, wo die Lichtquelle ist. Insgesamt wird die Schraffur dieser Zeichnung Tiefe und Form bringen. Ich möchte, dass dieser Kurs sowohl für digitale als auch für traditionelle Illustratoren arbeitet. Also, während ich aus Gründen der Klarheit auf einem Tablet zeichne, kann jedes der Dinge, die ich mache, mit Stift und Papier gemacht werden. Ich verwende einen sehr generischen Standardpinsel, der mit Photoshop, Clip Studio Paint oder Procreate geliefert wird. Es ist kein Mikron, das mehr eine gleichbleibende Dicke hat, es ist mehr äquivalent zu einem Pinselstift oder einem Kalligraphie-Stift mit einer Feder. Wenn Sie also härter nach unten drücken, erhalten Sie ein dickeres Liniengewicht und wenn Sie auflassen, erhalten Sie ein dünneres Liniengewicht, was Sie mit einem Mikron tun können, aber Sie erhalten viel mehr dynamisches Gefühl mit einer Feder oder einem Pinsel. Sie können meinen ersten Schritt hier sehen, ist es, nur die Hauptlinie Arbeit der Illustration, alle Umrisse zu bekommen . Ich gehe in ein paar meiner Fehler, so dass Sie sehen können, anstatt meinen Stift zu nehmen, während ich arbeite, versuche ich, die Linie mit einer Geste zu erstellen. Es gibt einen viel natürlicheren Fluss für das Design vor allem, entlang größerer Formen wie der Bogen des Rückens nach unten in den Schwanz. Wenn ich das alles mit einer Zeile erfassen kann, macht es das Bild viel stärker und deutlich klarer. Viel Stil wird durch Tinten enthüllt und als ich früher an Stift und Papier gearbeitet habe, gab es ein Maß an Nachlässigkeit, das ich mir mit meiner Arbeit erlauben würde. Ich mochte ein bisschen Tinte und kleine texturelle Dinge wie diese. Aber wenn ich digital arbeite, fühlt sich alles an, als müsste es ziemlich genau sein. Ansonsten sieht es wie ein Fehler aus und nicht die gute Art von Fehler. Also, meine digitalen Zeichnungen sind viel klarer und sauberer. Ich denke wirklich darüber nach, wo Linien interagieren, welche Arten von Spannung ich erstelle, wenn Linien aufeinander stoßen. Jetzt, da ich meinen Umriss fertig habe, werde ich ein anderes Bild als Referenz einbringen. Hier ist ein Foto von einem moossigen Alligator. So kann ich die Rundheit der Kreatur vorschlagen. Ich werde ein paar grundlegende Leitfäden erstellen, die von den Texturen eines Gators inspiriert sind. Sie haben fast ein Gitter wie Form auf ihren Körpern, aber natürlich können diese Linien nicht flach sein, weil sie auf einer gekrümmten Oberfläche sind, also muss ich sicherstellen, dass ich die Winkel bekomme, um die richtigen Körperteile darzustellen. Sie können sehen, wie ich diese Linien aufbaue, es beginnt, meinen Charakter runder erscheinen zu lassen und je näher ich die Linien zusammensetze, desto mehr können Sie eine Schraffurtechnik sehen. Bei der traditionellen Schraffur möchten Sie nicht, dass sich die Linien überlappen, es sei denn, Sie tun Kreuzschraffuren, was eine andere Sache ist. Die Linien müssen also parallel verlaufen und die Dichte erzeugt eine Dunkelheit. Sie können sehen, wenn die Dichte der Linien zunimmt, beginnt sich der Ton des Bildes zu ändern. Je mehr Details Sie hinzufügen, desto näher bringt es das Bild als Art der Realität. Ich weiß nicht, für mich beginnt ein Teil des Humors von der Zeichnung zu fallen, ein Teil der Leichtigkeit und ich habe sogar einige andere Arten von Texturen hier ausprobiert. Ich glaube nicht, dass das für meinen Stil funktioniert, also werde ich einige von diesem Zeug herausziehen und eine andere Herangehensweise an die Schlüpfung nehmen. Weniger Linien, was bedeutet, dass die Linien, die ich mache, mehr Auswirkungen haben. Schauen wir uns die Arten von Zeilen an, die ich hier verwende. Mit dem Haupt möchte ich, dass alle Federn in Richtung der Mitte des Gesichts zeigen. So können Sie sehen, wie sie alle auf einen imaginären Stift irgendwo zwischen den Augen und direkt hinter der Nase zeigen . Ich habe einige Abnutzungsmarkierungen auf der Nase hinzugefügt, um dem Charakter ein bisschen eine Geschichte zu geben. Vielleicht gräbt er seinen Schnabel in den felsigen Klippen der Küste herum. Ich habe nur kleine Stücke von Textur auf dem Körper hinzugefügt. Ich habe ein paar Streifen im Stil eines Clownfisches, so wie sein Körper irgendwie mit Farbe segmentiert ist. Die Textur bezieht sich auf den Alligator, ist aber nicht so dicht wie ein echter Alligator. In Ordnung. Für den nächsten Schritt mit meinem Schlüpfen werde ich die Schatten in den Federn aufbauen. Sie können sehen, dass ich meine Referenzen wieder hier oben habe. Wenn sich Federn überlappen, werfen die im Vordergrund einen Schatten auf die hinteren. Also werde ich mich in den Tiefen und den Rissen zwischen diesen Federn bewegen und die Schatten aufbauen, die die vorne ein bisschen herausspringen lassen. Auch hier sind die Linien kreuzschraffiert, sie bewegen sich alle entlang derselben Referenzlinien. Sie verschieben nicht die Richtung, was bedeutet, dass sie alle die gleiche Lichtquelle implizieren. Es gibt ein einheitliches Gefühl. Ich komme wieder um die Augen und füge wieder ein wenig mehr Schlüpfen hinzu, und lass den Schnabel einfach der Hauptpunkt der Betonung sein, was bedeutet, dass er die meisten Detailgenauigkeit im Gesicht hat. Ich werde eine andere Herangehensweise an die Textur auf der Rückseite versuchen, ich werde kleine Striche verwenden. Sie können sehen, ich drücke härter auf bestimmte Linien und erhellen andere, es schafft ein bisschen Abwechslung, ein natürlicheres Gefühl, einige Schatten hinter dem Haupt. Ich werde versuchen, den Unterleib der Kreatur zu füllen , aber ich denke, das ist zu viel Tiefe im Lichtwert, also werde ich das wieder herausziehen und nur ein wenig Akzent um die Beine halten. Kommen wir zurück und schlüpfen etwas von der Textur im Wasser. Also, diese Version des Seemonsters bleibt ziemlich treu zu den Techniken, die in den Renaissance-Illustrationen verwendet werden. Grundlegende Schlüpftechniken, nichts Extravagantes oder Experimentelles , nur die Grundform, ein bisschen eine Lichtquelle, und einige der exotischen Texturen der Kreatur. 9. Farbe und Theorie: Bevor wir anfangen, unser Meeresmonster zu färben, lassen Sie uns einen kleinen Crashkurs in der Farbtheorie nehmen, damit Sie Ihre Optionen kennen. Der Charakter einer einzelnen Farbe kann auf zwei Arten aufgeschlüsselt werden. Eins ist die Sättigungsintensität der Farbe. Dies ist ein Rotton bei einer Sättigung von 100 Prozent. Wenn wir die Sättigung senken, wird die Farbe entfernt, bis wir mit Weiß übrig sind. In der natürlichen Welt wird eine voll gesättigte Farbe gesehen, wenn sie das ganze Licht absorbiert. Die zweite Möglichkeit, Farbe zu kategorisieren, ist mit dem Wert oder der Helligkeit der Farbe. Wir beginnen mit dem vollen Wert von Rot und je mehr Schwarz wir hinzufügen, desto weniger Licht interagiert mit der Farbe und verbirgt sie im Schatten. Die Verhältnisse von Sättigung und Wert sind super mächtig, weil unsere Augen sehr empfindlich auf sie sind. Also wirklich, Sie können eine einzelne Farbe nehmen und wirklich interessante und eindrucksvolle Kompositionen erstellen. Sie könnten sogar ein ganzes Bild mit unterschiedlichen Sättigungs- und Wertestufen malen. Natürlich verlieren wir mit nur einer einzigen Farbe viele unserer Storytelling-Optionen. Schauen wir uns also Farbharmonien an, die die Theorie der Kombination von Farben ist. Betrachten wir drei verschiedene Ansätze zur Harmonisierung von Farben. Der erste ist der monochromatische Ansatz, von dem wir im Grunde gesprochen haben. Es verwendet eine einzelne Farbe mit unterschiedlichen Sättigungs- und Helligkeitsstufen. Monochromatische Färbung kann für ein einzelnes Motivbild wie ein Logo oder ein Stück Grafikkunst funktionieren . Aber wenn man sich in narrativen Künste einsetzt, wird es schwierig, mit nur einer Farbe zu arbeiten. Schauen wir uns die analoge Farbharmonie an, was bedeutet, mit Farben zu arbeiten, die am Farbrad oder nebeneinander liegen . Wenn ich also mit dieser rosa Basis anfange, kann man sehen, dass ich mich um mein Farbrad nach rechts und links nur ein wenig bewegt. Nie zu weit von dieser ursprünglichen Grundfarbe abgewichen. In diesem Zusammenhang kann ich meine angrenzenden Farben verwenden, um Schatten, Textur und Glanzlichter darzustellen. So beschränken Sie sich auf eine bestimmte Ecke des Farbrades, kann es tatsächlich ziemlich befreiend sein. Indem Sie viele Auswahlmöglichkeiten eliminieren, können Sie tatsächlich mehr Freiheit mit Ihrer Kreativität haben. Analoge Farbschemata können sich sehr wohl fühlen , weil sie keinen harten Kontrast in Ihrem Gesicht setzen. Die natürliche Welt ist voll von analogen Farbschemata in Bezug auf Tier, Muster oder einfach nur die natürliche Umgebung um Sie herum. Ein dritter Ansatz zur Farbharmonie ist der komplementäre Ansatz, d. h. Farben, die sich auf gegenüberliegenden Seiten des Farbrades befinden. Ich bin sicher, dass Sie mit kostenlosen Farben vertraut sind. Es ist etwas, das in der elementaren Kunstpädagogik abgedeckt ist. Lassen Sie uns also eine Variation hinzufügen, teilen Sie Komplementäre. Das bedeutet, eine Ihrer beiden Ergänzungen auszuwählen und eine analoge Farbe zu wählen, um damit zu arbeiten. Also, wenn ich eine Basis von Rosa und eine Ergänzung von Grün habe, gibt es mir die Möglichkeit, ein Blau zu verwenden, um ein wenig mehr Abwechslung und eine Tonne mehr Kompositionspotenzial zu schaffen . Okay, da ist dein Crashkurs in der Farbtheorie. Kommen wir zurück zu unserem Kunstwerk. Ich werde meine vollgefärbte Illustration nehmen und mit einem gesplittenen kostenlosen Farbschema arbeiten , das von dem Flamingo inspiriert ist, das Orange und Grün des Alligators ist und meine angrenzende Farbe zu meinem Kompliment wird blau sein. Ich werde mit dem Grün als Basis arbeiten und einfach durchgehen und diese ganze Sache ausfüllen. Dann werde ich mit verschiedenen Kombinationen meiner Ergänzung und analogen Farbe spielen. Beim Färben müssen Sie entscheiden, wo Sie das Auge ziehen möchten. Also muss meine Grundfarbe dominant sein, sonst wird die Akzentfarbe nicht auffallen. Ich werde nur die Feder Mähne orange halten und verschiedene Werte von Grün entlang des Körpers verwenden. Auch hier ist dies eine kreative Klasse, also haben wir unsere Regeln und manchmal werden Regeln gebrochen. Ich werde mein Farbschema überarbeiten. Probieren wir das aus und ich werde dieses Gelb am Schnabel ausprobieren. Dieser dunklere Wert von Blau scheint eigentlich besser mit dem Alligatorkörper zu passen , so halten Sie das und dann orange in der Mähne, wie wäre es mit einigen Streifen. Ordnung, wieder, selbst mit dieser begrenzten Palette ist es sehr einfach, ein übermäßig beschäftigtes Design zu erstellen. Ich werde nur eine Sekunde hier anhalten und die Situation neu bewerten. Als ich mein Design schlüpfte, funktionierten die Aspekte des Charakters wirklich. Aber wenn ich jetzt Farbe hinzufüge, wird das Design einfach zu schlammig und nichts steht mir wirklich heraus. Also werde ich einen drastischen Ansatz nehmen und ich werde alle Schlüpfungen herausnehmen und einfach zu meinem Umriss des Designs zurückkehren. Mal sehen, ob ich eine befriedigende Farbpalette finden kann. Dieser kleine einsame Kerl hat eine Niedlichkeit zu ihm, also werde ich eine fröhlichere Farbpalette wählen. Ich werde mit einer blaugrünen Art von Grün für den Alligatorkörper beginnen und ich werde diese angrenzende Ergänzung von rosa verwenden , um die Flamingo-Federn zu sein. Dann werde ich zurück zum Grün springen, die Helligkeit senken und anfangen, ein Muster zu bauen. Der Trick hier ist, die Dinge nicht zu komplizieren. Während ich dieses Muster baue, muss ich entscheiden, ob es wirklich an das Gesamtbild des Designs funktioniert oder ob es zu viel vom Gesicht nimmt. Wie Sie sehen können, fange ich an, einige der Regeln der Farbtheorie zu biegen, die ich vor wenigen Minuten besprochen habe , aber so funktioniert der kreative Prozess. Wenn wir alle nach den gleichen Regeln gespielt haben, enden wir einfach immer und immer wieder mit den gleichen Dingen. Wir müssen also ein wenig formbar sein und zulassen, dass die Regeln der Situation entsprechen. Hier ist ein guter Fall. Ich werde hier einen dramatischen Wandel vornehmen. Ich fange an, die Intensität des Gesichts in diesem Muster zu verlieren , aber ich werde das Muster dieses Mal nicht ändern. Ich gehe rein und ändere das Aussehen des Gesichts. Lasst uns diese Augen nehmen und sie überarbeiten. Jetzt ziehe ich zurück ins Gesicht, wo ich mit dem guten Charakterdesign sein möchte. Ich werde hier ein wenig Gelb benutzen, um sie Pop zu machen oder ein paar weitere Details hinzuzufügen. Ich möchte ein paar dunklere Werte, um die Federn hervorzuheben und die Augen knallen zu lassen und nach einem kleinen Versuch und Irrtum habe ich ein Design, mit dem ich zufrieden bin. Hier ist es, meine Damen und Herren. Der schwer fassbare Alimingo, wandern durch die Gewässer von Daytona Beach, vor der Küste von Florida, USA. 10. Fertigstellung: In Ordnung, das ist die Klasse. Ich hoffe, du hattest eine gute Zeit und ich hoffe, es hat dich dazu inspiriert , ein Seemonster zu erschaffen. Selbst wenn Sie nicht alle Schritte durchlaufen, die ich unternommen habe, können Sie sie auf verschiedene Arten remixen und fühlen sich frei, jede Phase Ihres kreativen Prozesses im Bereich Studentenprojekte teilen . Das geht weit, um eine Community rund um die Klasse aufzubauen und anderen Schülern mitzuteilen, dass Leute aktiv hier sind und teilnehmen, und es inspiriert mich wirklich, neue Klassen für euch zu erstellen. Ich liebe den Klassenzimmeraspekt, also hoffe ich, dass du einen Teil davon spielst. Wenn Sie diese Klasse auf die Herstellung von Meeresmonstern genießen, können Sie auch meine anderen kreativen Illustrationskurse über Konzeptkunst und Welt-Building, und Illustration in Kinderbüchern, Zeichnen von Zeichentrickfiguren, und Comics zu machen. Sie können all das Zeug auf meiner Skillshare Seite finden und achten Sie darauf, mir zu folgen, um zu sehen, was als nächstes kommt. In Ordnung. Fang dich beim nächsten Mal.