Markenillustration: Erstelle unvergessliche, stilisierte Markensymbolik

1. Einführung: Ich glaube, dass wir uns als Künstler nicht austoben müssen und uns entscheiden müssen, das eine oder andere zu sein. Hallo, mein Name ist Roman Muradov. Ich bin eine preisgekrönte Autorin und Illustratorin und Professor am California College of the Arts. Im Laufe meiner Karriere arbeitete ich für traditionelle Kunden wie Penguin Random House, Wired, New York und New York Times sowie Tech-Unternehmen wie Google, Notion, Patron und so weiter. Obwohl ich nie danach strebte, Markenbilder als Teil meiner Arbeit zu machen, ist es zu einem bedeutenden Teil meines Portfolios geworden. Ich glaube, ich hatte es auf eine sehr persönliche und manchmal unkonventionelle Weise entwickelt, und ich möchte diesen Ansatz gerne mit Ihnen teilen. In dieser Klasse erstellen wir eine Illustration und visuelle Identität für eine imaginäre Marke. Es kann alles sein. Hier habe ich das Wort Marke so weit wie möglich verwendet. Es kann ein winziges Café oder eine gemeinnützige, oder sogar der Planet sein. Am Ende haben wir einen Namen, ein Logo, einen Slogan und drei Illustrationen, die uns geholfen haben, die Geschichte der Marke zu erzählen, die Sie entwickelt haben. Diese Klasse wird wertvoll für jeden sein, der an der Mechanik der visuellen Kommunikation interessiert ist. Man muss kein erfahrener Künstler sein, und die ursprüngliche Herangehensweise ist hier viel wichtiger als technische Fähigkeiten. Bitte vergessen Sie nicht, Ihre Projekte zu teilen, und ich kann es kaum erwarten, zu sehen, was Sie sich vorstellen. 2. Alles sieht gleich aus: Das Problem mit der Markenillustration ist also, dass das meiste davon gleich aussieht. Warum passiert das? Ich denke vor allem, weil es oft zu viele Hände gibt , die dasselbe tun und die Leute werden dazu neigen, es sicher zu spielen. Dadurch wird ein Feld erstellt, in dem nichts Neues passiert , weil jeder kopiert, was bereits funktioniert. Zur gleichen Zeit wurde alles mehr oder weniger getan, und die Geschichte, wie es eine ganze Weile dauert, so ist es unglaublich schwer, etwas Neues zu finden. Wie wird es dann gemacht? Nun, der Schlüssel meiner Meinung nach ist, von unseren Zeitgenossen wegzusehen. In einem ihrer Essays empfiehlt uns Lydia Davis, Ihr Original über Ihre Zeitgenossen tiefer zu halten , denn wie sie sagt: „Du gehörst schon zu deiner Zeit.“ Ich denke, das gilt für so ziemlich jede Kunstform und auch für die kommerzielle Kunst. Mit anderen Worten, wenn Sie etwas Neues in der zeitgenössischen Umgebung finden wollen , ist es am besten, nicht auf eine solche Umgebung zu schauen und zurückzublicken. Wenn Sie kopieren, was gerade relevant ist, dann beschränken Sie Ihren Umfang stark. Stattdessen sollten Sie es so weit wie möglich erweitern und nicht nur in die Zeit zurückkehren, sondern auch andere Medien und Dinge betrachten, die nicht mit dem verbunden sind, was Sie tatsächlich tun. Es könnte also hilfreich sein, sich von dem abzuwenden was andere Unternehmen und andere Künstler tun, und stattdessen Dinge zu erforschen, die scheinbar unabhängig zu sein scheinen. Graffiti und bildende Kunst, Literatur, Poesie, so ziemlich alles, was es geht. Es mag zunächst irrelevant erscheinen, aber natürlich ist der Stil die Summe von allem, was wir konsumieren und verarbeiten. Je weiter der Abstand zwischen dem, was wir tun und dem, was wir konsumieren, desto origineller wird das Ergebnis sein. Es hilft wirklich, sich mit Dingen zu umgeben, die Sie lieben, ob es eine Irrelevanz für Ihre Arbeit hat oder nicht, denn alles, was in Ihre Ästhetik und Inspiration einfährt , wird einen Weg in Ihrer Arbeit finden auch wenn Sie haben keine Ahnung, wie das tatsächlich passiert. In meinem Fall werden viele Leute ein wenig überrascht, wenn sie lernen, worin ich bin weil ich Dinge mag, die fast nichts mit kommerziellen Illustrationen wie abstrakte Kunst und Konzeptkunst zu tun haben kommerziellen Illustrationen wie abstrakte Kunst , die modernistische Literatur als sowie der Manga und Post-Punk, und Dinge, die überhaupt keine Kunst sind, wie Komödie und einfach Dinge hier drüben auf der Straße. Viele meiner künstlerischen Einflüsse unterscheiden sich sehr von dem, was ich tatsächlich zeichne. Lange Zeit gab es mir eine Menge Verwirrung. Ich würde denken: „Nun, warum zeichne ich so elegant, während ich Dinge mag, die nichts mit dem zu haben scheinen?“ Aber dann wurde mir natürlich klar, dass es mich als Künstler nur origineller macht , weil es viel weniger interessant gewesen wäre , wenn ich Dinge tun würde, die viel näher mit dem verbunden waren, was mir gefällt. Ich denke, diese Vielfalt an Einflüssen zu haben und Sie irgendwo hinbringen zu lassen , wo Sie nicht erwarten, zu gehen, ist ein Teil der Entwicklung eines starken, einzigartigen Stils. Ebenso wichtig ist es, weiterhin Ihre persönliche Arbeit zu machen, ohne hinterfragen, ob sie eine Relevanz für das hat, was Sie professionell tun wollen. Wenn Sie also gerne auf Papierstücke kritzeln, Poesie schreiben, wird all dies auf eine oder andere Weise kommen und all dies ist immer wichtig. Es ist nicht nur eine Frage der persönlichen, ästhetischen und stilistischen Entwicklung, Kunden sind viel wahrscheinlicher, jemanden zu engagieren, der leidenschaftlich über das, was sie tun, anstatt jemanden, der nur in bestehende Standards passen will. In meiner eigenen Karriere gab es einige Beispiele, in denen ich etwas völlig irrelevant und oft albern und idiotisch tun würde , und dann würde mich jemand bitten, dies für Geld zu tun , das ich nie erwarten würde, wenn ich es anfangen würde. Natürlich ist das wichtige Takeaway hier, dass ich es sowieso nicht tun würde, weil ich es will, und es bringt mir Freude. All das Zeug, das ich getan habe, sehr wenig hat mir tatsächlich irgendeinen kommerziellen Wert gegeben, aber man weiß nie, man probiert einfach alles und etwas klebt. Also zum Beispiel, irgendwann war ich wirklich müde, saubere und polierte Sachen fürdie Arbeit zu zeichnen saubere und polierte Sachen für , und ich wollte etwas tun, das ein völliges Gegenteil wäre. Etwas viel rauer, entspannter und einfacher, inspiriert von den Zeichnungen von Paul Klee und viel Outsider-Kunst. Also fing ich an, diese auf Instagram zu posten und bald genug fragte mich jemand von WeTransfer, ob ich etwas in dieser Richtung mit dem Branding für ihre neue App namens Collect tun kann . Das war ziemlich unerwartet, aber auch wirklich befreiend, denn plötzlich konnte ich tun, was ich für Geld tun wollte, was ziemlich selten ist. So erlaubte es mir auch, meinen Ansatz zu ändern; anstatt Skizzen zu machen, sie zu verfeinern und dann saubere Grafiken bereitzustellen, habe ich stattdessen 5 oder 10 Versionen derselben Zeichnung gemacht und sie nur sehr schnell gemacht, und dann nahm Bits von einem, Bits von einem anderen, und kombinierte sie zusammen. Am Ende sah das ganz anders aus als alles andere, was damals in technischen Bildern gemacht wurde, und es schwang wirklich mit den Menschen in Resonanz, weil es eine so einfache und handgezeichnete Qualität hatte . für Ihr eigenes Projekt versuchen, Lassen Sie unsfür Ihr eigenes Projekt versuchen,von dem, was in diesem Bereich getan wurde, wegzusehen und nach draußen zu schauen. Also, wenn Sie ein Café machen, lassen Sie uns alle anderen Cafés ignorieren und Dinge betrachten, die nichts mit Kaffee zu tun haben. Es könnte gut sein, eine Liste all dieser Dinge zu erstellen, die Sie nachts wach halten, Sie inspirieren, oder Sie zu missbrauchen und zu sehen, ob das eine Relevanz für das hat, was Sie tun wollen. Wenn nicht, können Sie vielleicht einen Weg finden, Relevanz darin zu finden. 3. Entwicklung eines Namens und Konzepts: Dies ist keine Schreib- oder Zeichnungsklasse speziell, aber natürlich beinhaltet es beide Dinge. So können Sie mit Wörtern beginnen oder Sie können mit Bildern beginnen. Es spielt keine Rolle, was Sie führt. Was wichtig ist, ist die Kette von Assoziationen und Ideen, die Sie zu Ihrem Projekt führen. Also fangen wir an, an Ihrem eigenen Projekt zu arbeiten. Einige von euch haben vielleicht schon eine Vorstellung davon, was ihr tun wollt, und andere haben vielleicht gar nichts, und das ist auch in Ordnung. Vielleicht möchten Sie einfach nur kritzeln und kritzeln und sehen, was kommt. Manche Leute fangen gerne mit Bildern an, andere Leute sind komfortabler, Konzepte zu synchronisieren und dann einen Weg zu finden, das in Bilder zu übersetzen. finden, wie das für Sie persönlich funktioniert, ist ein großer Teil, um Ihren Stil und Ihre Arbeitsweise herauszufinden. Wenn Sie also einen Namen und ein Logo finden, stellen Sie sicher, dass sie zusammen sinnvoll sind und sich gegenseitig ergänzen , anstatt nur das Gleiche zweimal zu tun. Wenn Sie kein Logo zeichnen möchten, können Sie sich einfach ein Kopfzeilenbild oder etwas vorstellen , das den Namen Ihres Projekts umgeben würde. Denken Sie daran, dass Klarheit und Kommunikation hier wohl das Wichtigste ist. Aber zur gleichen Zeit denke ich, es ist wirklich wichtig, nicht alles zu buchstabieren. Sie wollen eine Geschichte erzählen, um ein Gefühl von Intrigen zu behalten und Sie wollen den Leser dazu inspirieren, weiter zu schauen und dann mehr zu enthüllen, wenn sie nach unten scrollen. Obwohl Redundanz nicht unbedingt eine schlechte Sache ist und manchmal Klarheit das einzige ist, was wir wirklich brauchen, ist es gut zu überlegen, wie Worte und Bilder zusammenarbeiten. Oft ist es eine gute Idee, ihnen sogar zu widersprechen oder einen Weg zu finden, sie dort zu interagieren, wo etwas Neues im Raum zwischen Bild und Wort passiert. So können Sie zum Beispiel einen Namen und das Logo finden, die nicht wirklich Sinn machen, aber sobald Sie sie zusammengesetzt haben, erstellen sie eine visuelle Pfanne oder einen Hinweis und öffnen und erweitern sich zu etwas Neues. Es gibt wirklich keine Richtlinie, wie man es erfolgreich macht, und solange es für Ihr Projekt und Ihre Ästhetik sinnvoll ist, ist alles gut. Also für mein Demo-Projekt, ich denke, ich werde versuchen, etwas kleines Dummes zu finden. Vielleicht eine App, mit der Sie mit Wolken formen können. Ich bin mir nicht ganz sicher, wie das technisch funktionieren würde, könnte sich aber auch etwas vorstellen, das nicht existiert und im Moment keine Art der Existenz hat. So können wir es so etwas wie cloudscribbler oder cloudscraper oder cloudsculptor nennen , können Sie immer loswerden die Es und Os, so wird es mehr [unhörbar]. Ich finde, Schaber klingt nett. Also werden wir damit rollen. Dann können wir uns das Logo vorstellen. Nun, wir können Wolken haben. Natürlich ist Wolken eines der am meisten überverwendeten Bilder in der Tech-Welt. Aber natürlich gibt es immer noch Möglichkeiten, eine Wolke zu zeichnen, die noch nicht gemacht wurde Wir können versuchen herauszufinden, wie das gemacht werden kann. Natürlich ist der einfachste Weg, sich einem Logo zu nähern, nur die Buchstaben zu verwenden. Also wäre es C und S kann so etwas wie vielleicht in einem Unendlichkeitszeichen zusammengefügt sein. Das S kann ein bisschen mehr wie das handgezeichnete S sein und vielleicht können sie so etwas zusammenpassen, oder vielleicht können sie in einer kleinen Wolke sein. Dies wird für unsere Notizen tun und dann kann ich es auf einem polierten Weg auf meinem iPad tun. Ich denke wirklich, dass der beste Weg zum Brainstorming ist , nur ein Stück Druckerpapier auszuwählen und es aufzufüllen. Keine Sorge um Qualität, verwenden Sie keine ausgefallenen Skizzenbücher und Papier oder so etwas. Je einfacher die Werkzeuge, desto einfacher ist es, Fehler zu machen und Dinge aus Ihrem System zu bekommen und nicht um Klischees zu kümmern und einfach alles herauszuholen und dann auszuwählen. Stellen wir uns vor, was dieses Ding ist. Wir können mit einem Slogan beginnen oder wir können mit dem Konzept beginnen und dann Wörter dafür finden. Etwas, das mir in den Sinn kommt, ist der Himmel Ihre Leinwand, denn warum nicht? Klingt wie ein Slogan und so ist es auch. Auch das Wort Canvas hat Buchstaben C und S, wie der Name, also das ist schön. Wir können uns vorstellen, dass Sie Ihr Telefon auswählen und auf den Himmel zeigen, dann gibt es eine Wolke, und dann bewegen Sie Ihren Finger herum und Sie können diese Wolken in verschiedene Formen anordnen. Machen Sie ein Foto und senden Sie es an jemanden und teilen Sie es. Vielleicht können mehrere Leute zusammenarbeiten und es in der gleichen Cloud tun, und vielleicht können sie über diese Wolken lesen und von ihren akkumulierten oder einigen anderen Wörtern lernen, die sie nicht kennen. Damit wir unsere Geschichte in drei Teile teilen können. Eines ist, dass es wie eine AR App sein wird, so dass Sie die Natur nehmen und Ihr eigenes Ding tun können. Dann kann Teil 2 Kollaboration sein und Teil 3 kann gemeinsam genutzt werden. Dies erzählt eine Geschichte von einer Person zu vielen. Vielleicht möchten Sie Ihr Projekt weiter entwickeln und darüber nachdenken wie es tatsächlich existiert oder nicht existiert. In meinem Fall kümmert ich mich nicht wirklich um ein Todesspiel, es ist nur eine kleine Fantasie. Also werde ich mich mehr um die Art und Weise kümmern, wie es präsentiert wird und die abstraktere Art, es zu zeigen. Also denke ich, dass die Emotion mindestens genauso wichtig ist wie das Konzept. Das Gefühl, etwas zu betrachten, sei es ein experimenteller Roman oder einfach nur eine Marketing-Website, ist immer noch das gleiche, es ist immer noch ein wichtiger Aspekt. Weil wir nicht nur ohne Gehirn sinken, wurden auch alles mit unserem Körper erlebt und es gibt ein sehr echtes taktiles Gefühl, etwas zu betrachten. Denken wir jetzt über den Stil nach, oder denken wir weiter über diese Geschichte nach? Nun, Sie können es so oder so nähern, oder Sie können beide zusammen machen. Stile sollten Erzählung und Erzählung informieren sollte den Stil zu informieren. Also in meinem Fall denke ich, ich werde mit einer Geschichte beginnen und dann herausfinden, was der beste Weg wäre, sie zu zeichnen. Fangen wir mit dem Anfang an. Wir können uns vorstellen, wie es auf der Website zeigt und es wäre wahrscheinlich eine horizontale Scrollkugel-Umgebung. Dann können wir über die meisten Websites nachdenken, die wir sehen. Die meisten von ihnen haben den weißen Hintergrund? Wolken sind also breit, was können wir tun? Vielleicht können wir negativen Raum nutzen. Auf diese Weise wird es wie ein Papierausschnitt aussehen und dann wird der Text hier sein. Wenn Sie dann scrollen, können wir vielleicht einige Parallaxen-Bewegungen haben und wir können eine Wolke innerhalb der Wolke haben , die sich mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten bewegen wird, und dies wird Ihnen ein Gefühl geben , auf Wolken zu schauen, die vorbeikommen. Also für unsere Geschichte wird die erste über nur offene Möglichkeiten, dass Sie alles mit den Wolken tun können. Also lasst uns unsere ausgeschnittene Form haben und lasst uns hier ein kleines Platzhalterzeichen haben, vielleicht mit dem Pinsel, und dann können wir uns vorstellen, was dieser Charakter später ist. Wir können auch jemanden haben, der nur etwas kritzelnd zeichnet, kann die ganze Leinwand kritzeln oder Sie können überhaupt keinen Charakter haben. Sie können einfach diesen offenen Himmel und mehrere Formen überlappen sich so. Das wird also unser erster sein. Für eine zweite ist das Kollaboration. Vielleicht kann unsere eine Ausschnittsform zwei sein, so etwas. Aber natürlich ist das ein bisschen schwierig, denn wie Marcel Duchamp sagte, glaube ich: „Wenn man eine hat, dann ist es eins, wenn man zwei hat, ist es ein Paar, und wenn man drei hat, ist es eine andere Nummer.“ Was ich denke, ist eine wichtige Lektion, dass, wenn Sie die Möglichkeit der Zusammenarbeit zeigen wollen , Sie nicht nur zwei haben wollen, weil es sich fast zu intim anfühlt und wenn Sie vier haben, dann sind es zwei Paare und wenn Es ist fünf, dann ist es zu viel. Aber wenn Sie drei verschiedene Dinge haben, bedeutet das ziemlich viel eine beliebige Anzahl von Teilnehmern. Dann können wir auch daran denken, eine einzige Form zu haben und nur innerhalb dieser Form gibt es eine Reihe von Charakteren, die zusammen etwas tun. Nun, ich denke, es ist wirklich wichtig, an dieser Stelle für Quantität statt Qualität zu gehen. Stellen Sie also sicher, dass Sie sich mindestens drei verschiedene Ideen für jeden einzelnen einfallen lassen. Dann können wir sie verfeinern und die wegwerfen, die wir nicht mögen, es spielt keine Rolle. Für die letzte, die Freigabe. So teilen, weil immer ein bisschen ein schwieriges Konzept, weil es so viele Klischees Bilder von Menschen, die sich gegenseitig Sachen schütteln Hände und all das. Aber es bedeutet nicht, dass wir nicht etwas Neues einfallen können und bedeutet auch nicht, dass wir etwas nehmen können, das ganz Standard ist und ihm einen interessanten Spin geben können. So können wir zum Beispiel wieder mit der Idee der Parallaxe spielen und an den Anfang zurückkehren und viele, viele Ebenen haben, die unendlich und vielleicht ihre Charaktere und all diese Ebenen zu vermuten scheinen . Vielleicht gibt es viele kleine Wolken wie diese und sie sind alle miteinander verbunden. Vielleicht kann es eine Kombination dieser beiden Ideen geben. Also diese Landschaft, die hier vorgeht und dann kleinere in den Hintergrund treten. Wir können auch über die Ideen der Zusammenarbeit dieser kleinen Charaktere nachdenken, etwas zusammen bauen, eine kleine Skulptur bilden. So füllen Sie eine oder zwei Seiten oder wie viele Sie wollen mit Ideen. Halten Sie es an dieser Stelle locker, versuchen Sie nicht, schöne Zeichnungen zu machen, nur so viele Ideen wie möglich herauszuholen. Sie können sofort anfangen, über Stil nachzudenken, oder Sie können darüber im nächsten Schritt in unserer nächsten Lektion nachdenken. 4. Entwicklung deines Charakters: Lassen Sie uns nun zur Statik und zum Stil übergehen. Wie sieht das Projekt aus und wie kommuniziert es das Konzept? Denken Sie daran, dass Stil Substanz ist. Sie können eine Geschichte haben, die viel Sinn macht, aber dann erzählen Sie es auf eine wirklich fade Weise, dass es der Geschichte nicht gerecht wird und das Ganze auseinander fällt. Auf der anderen Seite können Sie etwas ganz Einfaches haben, das immer noch betroffen sein wird, wenn Sie wirklich über den Stil nachdenken. Es kann also ein wenig überwältigend sein, an all die verschiedenen Dinge zu denken , die Sie tun könnten, und an alle Stile und Medien, die Sie verwenden könnten, und es könnte eine gute Idee sein, Einschränkungen zu verwenden. Ich werde immer Einschränkungen in meiner eigenen Kunstpraxis anwenden, egal ob es sich um persönliche oder berufliche Arbeit handelt. Die Gründe, warum ich es tue, sind sehr einfach; weil es dich befreit von der Angst und Tyrannei der Inspiration, des Wartens auf Inspiration, Denkens, wohin es kommen wird, und einfach nur mit diesem leeren Blatt Papier oder ein iPad und versuchen herauszufinden, wie man etwas aus dem Nichts macht. Die Art und Weise, wie Sie Einschränkungen verwenden, liegt ganz bei Ihnen, es kann sein, Ihr Farbschema oder Ihre Linienarbeit zu begrenzen. Zum Beispiel geben Sie sich vielleicht nicht die Möglichkeit, verschiedene Linienwellen zu verwenden oder bestimmte Muster zu verwenden oder gefundenes Material zu verwenden. Die Einschränkungen können auch gebrochen werden und sollten möglicherweise gebrochen werden. Betrachten Sie sie als eine Möglichkeit, Ihre Ideen zu starten. Nehmen wir an, Sie geben sich eine Einschränkung, nur 10 Zeilen pro Zeichen zu verwenden. Dies ermöglicht es Ihnen, die Dinge zu vereinfachen und sie nicht zu übertreiben. Nun, sobald Sie etwas entwickelt haben, das Sie ganz mögen und Sie haben das Gefühl es davon profitieren wird, ein paar Zeilen zu haben, dann gehen Sie es. Also für mein Projekt werde ich ein iPad aus mehreren Gründen verwenden; weil es mir erlaubt, viele verschiedene Dinge zu simulieren , ohne mir zu weit aus dem Weg zu gehen, aber Sie sind willkommen, jedes Medium zu verwenden, das Sie mögen und fühlen sich wohl mit oder unwohl, was tatsächlich besser sein kann. Auch hier ist es gut, mit einfachen Kritzeleien zu beginnen. Nun, wie ziehen wir die Wolken? Ich mag es, mich selbst zu kritzeln. Es ist etwas, was ich fast zwangsweise mache und es ist ein großer Teil meiner Arbeit. Selbst wenn ich mehr polnische Zeichnungen mache, versuche ich immer, eine gestische handschriftliche Qualität für alles beizubehalten. Also kann ich mir Wolken vorstellen, wie dieses kleine Schaf wie Kritzeleien oder dann kann ich irgendwo anders hingehen und eine Vorstellung von mehr ovalen Formen mit Texturen haben, können Sie Muster haben. Sie könnten eine Wolke wie diese haben, die sich mit der Cloud so überlappen würde und eine dritte erstellen würde. Das Gleiche kann natürlich mit Farbe gemacht werden. Ich kann auch über gefundenes Material nachdenken und eine Vorstellung von vielleicht zerrissenen Papierstücken haben , die Schatten werfen. Sie können kleine Mockups machen oder einfach nur Ihr iPhone herausnehmen und ein paar Bilder machen. Wir können uns vorstellen, wo Sie überhaupt Menschen benutzen werden. Also, wenn wir das tun, wie sollen wir sie zeichnen? Vielleicht kann es nur ein Protagonist sein, der eine wolkenartige Haarbüschel hat. Das wird unser Sprecher sein, vielleicht so etwas. Vielleicht können sie eine Brille tragen, weil Sie Kreise hier haben, die Kreise hier ergänzen. Ich denke, wenn Sie Charaktere entwerfen, ist es oft gut, konkrete Dinge als abstrakte Formen zu betrachten. So in Ihrem Kopf, reduzieren Sie Ihre Charaktere und Umgebung auf nur Formen. Also in unserem Fall ist es so etwas. Sie sind rund und einfach und es ist eine Kombination aus geraden Linien und Kreisen. Ich denke jedoch, für dieses Projekt wäre es sinnvoll, etwas abstrakteres zu tun , weil es um etwas geht, das in der Natur existiert. Wir können vielleicht daran denken, Wolkenkreaturen zu machen, die der Protagonist in unserer Geschichte sind, damit sie so aussehen können. Im Zweifelsfall können Sie immer eine Nabe setzen und es macht alles süßer. Dann können wir ein wenig tiefer tauchen und darüber nachdenken, wie die Gesichter aussehen können. Es kann ein bisschen realistischer sein, oder es kann so noch realistischer sein, oder völlig abstrakt, vielleicht nur die Augen. Sie werden feststellen, dass je mehr Details wir hinzufügen, desto schwieriger kann es sein, sich auf den Charakter zu beziehen. So manchmal geht der Prozess der Vereinfachung ein wenig zu weit und dann zu sehen, was man wegnehmen kann. Betrachten wir also unsere Wolke als Form. Zuallererst haben wir Domain-Form. Nun, wie können wir das tun? Es kann zerrissenes Papier sein, oder es kann eine abstrakte Form digital gemacht werden, es kann nur Linienarbeit sein, oder es kann eine Kombination dieser Dinge sein, vielleicht ein Muster. Ich denke, es wäre sinnvoll, die Form digital zu zeichnen und dann vielleicht eine Textur darauf zu setzen. Dann wollen wir nicht, dass es zu sehr wie eine Nase aussieht, also vermeiden wir irgendwelche Assoziationen. Jetzt wird die Form immer durch Linien ergänzt. Nicht immer, aber es kann sein. So können wir Beine und Hände haben. Brauchen wir jetzt die Beine? Vielleicht nicht. Wir können so etwas herumspielen, also sieht es aus wie eine Mütze. Lassen Sie uns unser Büro haben, weil ein Charakter so wenig Detail hat, dass alles hilft. Wir werden nur eine Hand haben und auf diese Weise sieht es weniger aus wie ein vollständig geblasener Charakter und eher wie eine Abstraktion, die einen Hauch von einem Charakter erhalten hat. Jetzt hat der Charakter einen Pinsel. Nun, das Problem hier ist, dass wir zwei gerade Linien nebeneinander haben und sie ziemlich ähnlich aussehen. Also, was können wir dagegen tun? Nun, vielleicht kann die Hand so etwas sein, was sie ein bisschen wie ein Geist aussehen lässt, aber ich denke, es kann funktionieren. Als Alternative kann die Bürste etwas dicker sein und etwas mehr Form haben. Also wieder, wir reduzieren unsere Zeichnungen auf die Ebene der Abstraktion. Ich mag es, Nasen zu zeichnen, weil ich denke, sie geben viel Charakter, und ich denke, in der Tat, sehr oft kann man auf einen Mund verzichten und nur die Nase haben. Ich glaube, Steinberg hat gesagt, dass die Nase der einzige Teil unserer Anatomie ist, der nicht lügt, und ich neige dazu, dem zustimmen. Wir können ihre Gesichter ziemlich albern machen oder vielleicht Zeichentrickfilm. Wieder, einige Leute lieben es, etwas vollständig in diesem Stadium zu entwickeln, und einige Leute ziehen es vor, zu arbeiten und zu sehen, wo es sie hinführt. Ich denke, Sie sollten einfach mit dem, was sich intuitiv anfühlt, gehen und sehen, wohin es Sie führt. 5. Erstellen eines Mockups: Es ist auch eine wirklich gute Idee, ein kleines Mockup zu machen, nicht nur sich selbst, sondern für die Kunden. Natürlich ist es sehr praktisch, Skizzen zu senden, die nur schwarz und weiß sind, Kritzeleien wie das, was ich gerade gemacht , aber gleichzeitig haben einige Kunden eine bessere Vorstellung davon, wie Ihre Arbeit im letzten Forum aussehen wird als andere, so ist es eine gute Praxis zu beginnen, Mockups der endgültigen Arbeit zusammen mit den Skizzen zu machen . Ein Mockup muss also nicht poliert werden, es muss natürlich nicht genau wie das Finale aussehen, aber es sollte dir eine Idee geben und dir vorstellen, wie das Finale aussehen wird. In unserem Fall kann es darum gehen, die richtigen Farben auszuwählen und zu sehen, wie sie sich fühlen. Du nimmst einen großen Pinsel und erstellst eine Form. Halten Sie die Dinge sehr einfach, und da. Jetzt können wir uns vorstellen, wie das auf unserer Website aussieht, und dann können wir uns vorstellen, wie es mit ein wenig Parallaxe aussehen wird. Vielleicht wird es so etwas sein, und dann können wir uns vorstellen, wie sich diese Ebenen gegeneinander bewegen können , während Sie durch die Seite blättern, und dann können wir hier ein wenig Hintergrund nehmen. Das ist eine abscheuliche Farbe. Lasst uns so etwas mehr machen. Das ist noch schlimmer. Sicher, warum nicht. Das war ein völliger Unfall, aber lassen Sie es uns erkunden, während wir dabei sind. Das fühlt sich wirklich an, als wäre es der falsche Ton für das Projekt, aber warum nicht? Also, jetzt können wir einen kleinen Wolkenkchen zeichnen, so etwas wie dieses. Das sieht ziemlich schön aus, viel dramatischer als es sein muss, also werde ich diesen sehr dunklen Himmel loswerden und etwas Helleres, vielleicht eine sandige Farbe auswählen . Nicht so Sandy. - Ja. Das könnte viel zu leicht sein. Das ist nur ein Mockup. Also für jetzt, was wir tun müssen, können wir den Hintergrund etwas leichter machen, vielleicht so etwas, und wir können unserer Wolke ein wenig Funktionen geben, also kann es ein anderer Pinsel sein, vielleicht ein wenig kritzeliger, So etwas. Jetzt können wir an Schatten und solche Dinge denken, also können wir zwischen diesen beiden Schichten zum Beispiel einen sehr weichen Pinsel bekommen und ihm ein wenig Schatten geben, nicht so viel. Das ist also sehr grob, aber es gibt uns eine Vorstellung davon, wie es aussehen könnte, und dann werden wir all diese Dinge durch echte Texturen und solche Dinge ersetzen , und wir können sogar unseren Stift nehmen, und stellen Sie sich vor, wo der Text sein wird vielleicht so etwas, und vielleicht kann der Text in weiß sein, was tatsächlich viel Sinn machen würde. Es kann eine Kombination sein. Jetzt kann hier irgendwo ein Logo sein. Ich denke, es zu verlieren ist eine sehr gute Idee an dieser Stelle, und immer noch viel Raum für Improvisation, wenn es um das Finale geht, weil Sie nicht alles auf den Punkt vorbereiten wollten wo das Finale ist einfach füllen Sie die Leerzeichen, Sie wollen sich immer noch genug Raum zu spielen und zu experimentieren, und versuchen Sie etwas Neues bis zum Ende. 6. Deinen persönlichen Stil verfeinern: Nun, wenn wir uns auf die Fertigstellung unserer Kunstwerke bewegen, ist die Sache, sich zuerst zu fragen, was wird der erste Eindruck sein? Ich denke daran genauso, wie wenn Sie sich einem Poster oder einem Buchcover nähern , denn bevor Sie verstehen, worum es geht und was los ist, haben Sie eine sehr sofortige emotionale Reaktion nur auf die Formen und Farben, und Sie müssen fragen selbst, was macht es und wie bezieht es sich auf das betreffende Produkt? Gleichzeitig ist es genauso wichtig, ein Maß an Komplexität beizubehalten. Du willst also nicht sofort alles sagen, du willst nicht alles ausspucken. Sie möchten Leute einladen, aber dann lassen Sie sie selbst die Bilder und die Worte erkunden und ihre eigenen Schlüsse ziehen. Genauso wichtig wie Stil ist es, Ihr Publikum zu kennen und zu verstehen, aber gleichzeitig nicht ganz nach ihrem Geschmack und Erwartungen zu spielen. In der Tat ist es oft gut, mit diesen Erwartungen zu spielen und sie zu untergraben. Eine andere Sache, die zu berücksichtigen ist, sind die Fragen der Vielfalt und der Repräsentation. Also, wenn Sie etwas ziemlich Abstraktes tun, wie My Clouds, ist es nicht wirklich ein Problem, aber wenn es eine echte Lebensursache ist, dann ist es natürlich enorm wichtig, respektvoll zu sein und gleichzeitig über das Niveau nachzudenken von Details, die Sie in die menschliche Repräsentation setzen. Zum Beispiel, wenn Sie etwas in einem realistischen Stil tun, ist es ein wenig schwieriger, sich auf diese Charaktere zu beziehen , weil sie spezifischer und realer werden, während etwas, das mehr Cartoon und minimalistisch ist , bedeutet, dass jede Person kann sich selbst auf dieses Bild projizieren. Hier gibt es kein Recht und Unrecht, und es ist keine gleitende Skala. Es ist eher eine Frage der Überlegung, was Sie tun, und die Tatsache, dass es auf Menschen haben kann, und ob es eine Chance auf Fehlinterpretation oder Beleidigung gibt und wie man das vermeiden kann. Im Allgemeinen neigen die Menschen dazu, sich in Richtung Kunst zu bewegen, die nicht so aussieht, als würde sie ihnen etwas verkaufen wollen . Daher ist es wahrscheinlich am besten, wirklich harte, aggressive Marketing-Bilder zu vermeiden und zu versuchen, etwas Subtileres zu suchen. Im Allgemeinen genießen die Menschen auch nicht das Gefühl, dass sie bevormundet werden. Es ist also am besten, sich nicht zu einer bestimmten Bevölkerungsgruppe zu bewegen und zu versuchen , respektvoll in der Darstellung zu sein, die Sie tun möchten. Also wieder, es gibt keinen richtigen Weg, dies zu tun, das einzige, was ich vorschlagen kann, ist, viel zu erkunden, spielerisch und leicht zu sein und viele verschiedene Optionen, verschiedene Medien, verschiedene Stile und Darstellungen, und zu sehen, was Sinn macht. In meiner eigenen Arbeit beginne ich gerne mit kleinen Doodles in den Tag, obwohl ich es nicht jeden Tag tue, aber es passt alles in meine allgemeine Ästhetik und erlaubt es, sich langsam und allmählich zu entwickeln , anstatt sich hinzusetzen und hämmern Sie Ihren Kopf gegen die Wand, bis etwas Neues auftaucht. Ich denke, es ist wirklich gut, Beobachtung zu üben, um Menschen, Ihre Freunde und Fremde zu zeichnen , um es in so vielen verschiedenen Stilen wie möglich zu tun. Ich bin wirklich gegen diese Idee, dass wir als Künstler einen Weg finden sollten, Dinge zu tun und dabei zu bleiben. Ich denke, es ist mehr und mehr akzeptabel, so etwas wie ein Polymere zu sein und in verschiedenen Medien zu arbeiten. Obwohl ich vor allem für meine Tinte Arbeit bekannt bin, habe ich vor kurzem Blender in 3D gelernt und Dinge zu tun, die vollständig aus meiner Komfortzone sind. Ich denke, es ist auch sehr wichtig, viele Versionen derselben Sache zu machen, nicht einmal zu versuchen, so viel zu erkunden, sondern nur zu wiederholen, weil es absolut unmöglich ist, die gleiche Zeichnung zweimal zu machen und jedes Mal, wenn Sie versuchen, etwas zu wiederholen, Sie kommen unweigerlich mit etwas Neues. Dieser Prozess der Erkundung ist also, wie man etwas einfällt, das einheitlich und einfach ist und sich anfühlt, als ob es einfach aus dem Nichts gekommen ist. Es ist auch wirklich wichtig, Ihr Temperament zu betrachten und die Markierung als Prozess zu betrachten. Sehr oft fange ich an, komplette Kritzeleien zu machen, die absolut keinen Sinn oder Kontext haben , und das ist einfach eine Möglichkeit, meine Handschrift und meine Geste auszuüben. Je mehr du es tust, desto mehr wird es dein eigenes. Dann hat so etwas die gleiche Handschrift und die gleiche gestische Qualität wie etwas Aufwändigeres. Ziemlich oft ziehe ich zu viel und dann Karte weg, und das ist auch ein legitimer Prozess, um Ihr Material zu minimieren. So viele meiner Zeichnungen beginnen sie so viele Versionen, die ich zusammengestellt habe, löschen Sie hier einige Bits, einige Bits dort, probieren Sie verschiedene Dinge aus. Oft habe ich einen Stapel von Zeichnungen für nur einen einzigen endgültigen Druck, und dann wirst du am Ende so etwas haben. Das Mischen traditioneller und digitaler Medien ermöglicht es Ihnen, Spontaneität zu haben, aber gleichzeitig die Kontrolle zu haben. Apropos, ich habe einige andere Klassen auf Tinte und auf digitalen Medien , die Sie für eine gründlichere Erkundung der technischen Dinge betrachten können. Auch hier denke ich, dass es wichtig ist, Ihr Temperament zu verstehen und zu respektieren. Zum Beispiel bin ich ziemlich ungeduldig und es ist einfacher für mich, nur mehrere Versionen derselben Sache zu zeichnen , anstatt eine einzige zu polieren. Deshalb verwende ich für die meisten meiner Arbeit verschiedene einfache, billige Druckerpapier. ist auch sehr wichtig, diejenige zu finden, die sich richtig anfühlt, anstatt am besten aussieht , denn sehr oft ist es nicht derjenige, der am meisten poliert und schön ist, sondern derjenige, der das Gefühl besser vermittelt als alles andere. Es ist gut, mit Konventionen und Erwartungen zu spielen. Zum Beispiel ist in dieser Zeichnung die Zuordnung von Schwarz völlig unvernünftig. Es gibt große Stücke, die völlig ungefüllt sind und es bricht viele Regeln der grundlegenden Zeichnung und Bildgestaltung, aber natürlich kitzelt es mich, weil es meine persönliche Arbeit ist und ich tun kann, was ich mag. Wenn Sie also Ihr Projekt abschließen, denken Sie darüber nach, für wen es ist, wer es sich ansehen wird, was sie fühlen werden, und denken Sie über den Stil nach . Zur gleichen Zeit, besessen Sie nicht zu viel über diese Themen. Versuchen Sie, ein Gleichgewicht zwischen Freiheit und Prüfung zu finden. Es ist gut zu prüfen, aber gleichzeitig ist es gut, sich nicht zu hinreißen zu lassen und den Überblick zu verlieren, was Sie tatsächlich machen wollen. 7. Präsentiere dein Werk: Jetzt, während Sie Ihr Projekt abschließen, fragen Sie sich, warum ist es da? Warum ist es nicht nur ein Foto? Warum braucht es Zeichnungen? Manchmal können wir uns hinreißen lassen und einfach Dinge zwangsläufig machen , ohne ihren Zweck wirklich zu verstehen, und es ist wirklich wichtig, sich hin und wieder zu verhören und herauszufinden, was der Zweck der Illustration hier und Wie benutzt du es? Was ist also die Funktion einer Illustration? Nun, es kann viele Dinge geben, die eine Illustration tun kann. Es kann Aufmerksamkeit erregen, Ihnen helfen, sich von der Masse abzuheben, etwas zu inspirieren, dem Text widersprechen, ihn ergänzen, es kann den Leser verführen oder sie vielleicht abwenden, und es kann all diese Dinge zusammen in einem mehr komplexe und subtile Art und Weise. Wenn wir zu viel Zeit mit unserem Projekt verbracht haben, kann es leicht sein zu vergessen, wie es ist, es zum ersten Mal zu sehen. Also ist es gut, von ihm wegzugehen, vielleicht beiseite zu legen, schlafen zu gehen und es dann am Morgen wieder anzuschauen, es jemandem zu zeigen und zu sehen, was sie denken. Das gleiche Prinzip gilt auch für die abschließende Präsentation. Versuchen Sie, einen Weg zu finden, es zu präsentieren, der ihm Gerechtigkeit verleiht und auch mit Ihrem Konzept spielt. So kann es eine Reihe von Bildern sein oder Sie können sogar eine Website erstellen oder es kann eine scrollbare Instagram-Sache sein, oder eine Postkarte oder irgendetwas, das Sinn für das, was Sie versuchen, zu tun. Also für mein Projekt werde ich es als eine Reihe von Bildern präsentieren , die einfach nacheinander gehen und die Geschichte erzählen. Es kann komplizierter sein, es kann noch einfacher sein, was auch immer für Ihr Projekt sinnvoll ist. Eine weitere enorm wichtige Fähigkeit zu haben, ist die Bereitschaft, Revisionen vorzunehmen. So viele Künstler sind nicht ganz bereit und wissen nicht , wie viel Revision dazu neigt, in professionelle Arbeit zu gehen, vor allem, wenn sie die Kunstschule beenden, und es gibt eine ganze Menge. Lage zu sein, Revisionen für Ihre eigene Arbeit zu machen, nur weil Sie es besser und nicht noch besser machen wollen, aber zu erkunden, welche anderen Möglichkeiten es gibt, ist wirklich wichtig und nützlich sowohl in Ihrem professionellen als auch in Ihrem persönlichen Praxis. Schließlich ist es gut zu überlegen, wie Sie sich im Internet präsentieren. Es ist gut zu überlegen, wie die Leute dich online sehen. Für mich selbst ist es mir nicht wirklich wichtig, aber für Menschen, die sich mehr mit ihrem beruflichen Image beschäftigen, wird das eher ein Thema sein. Also für mich bin ich sehr offen und ehrlich in meiner Präsentation und ich poste viele Dinge, die nicht unbedingt mit meiner beruflichen Arbeit zu tun haben. Aber es verbindet sich wieder mit meiner Ästhetik, die alle von Dummheit und Verspieltheit beruhen und inspirieren. Wenn Sie etwas Ernsteres suchen, macht dieser Ansatz möglicherweise keinen Sinn. Das einzige, was man vermeiden muss, ist Affektation. Es ist immer besser, sich ehrlich und unkompliziert zu präsentieren , als der Künstler zu sein, der Sie wirklich nicht sind. Also für meine endgültigen Versionen ging ich mit etwas ganz Einfaches. Es gibt ein einfaches Logo und eine einfache Schrift, und dann haben wir drei Bilder, die wie Panorama mit ein wenig Parallaxe gebaut sind impliziert. Die erste, wir haben eine kleine Wolke Kreatur, die bereit ist, auf die Leinwand zu stellen. Ich wollte die Offenheit annehmen und wollte nichts in den Hintergrund stellen, weil ich es so anfühlen wollte, dass du alles tun kannst, was du willst, und es ist nicht eine bestimmte Sache, die hier beworben wird. In der zweiten wollte ich mich auf das Zusammenspiel dieser drei Charaktere konzentrieren , die zusammenarbeiten, und vor allem wollte ich, dass es sich leicht und spielerisch anfühlt, und ich wollte ihm keinen Eindruck erwecken, dass sie etwas Schwieriges oder dass sie sich zu viel Mühe machen. Ich wollte, dass es sich wie etwas anfühlt, das jede Person aufnehmen und anfangen kann zu arbeiten. Im dritten Bild wollte ich mich auf die Tiefen und die Möglichkeit dieses Projekts konzentrieren. Dass es nicht nur das ist, was Sie vor Ihnen sehen, sondern es ist unendlich von Leinwänden und Sie können es teilen und sehen, was Menschen auf der ganzen Welt gemacht haben und so weiter. Also für das Finale entschied ich mich, eine sehr einfache Farbpalette zu verwenden und etwas Papiertextur einzulegen. Auf diese Weise ist es nicht gerade die Textur des Himmels, aber es ist eine Textur von etwas, das uns greifbar und vertraut ist und uns an Wolken erinnert. So nimmt es in gewisser Weise einen kleinen Schritt weg von der Realität, fühlt sich aber gleichzeitig in der Natur verwurzelt. Sobald Sie fertig sind, werfen Sie einen letzten Blick auf das gesamte Projekt und stellen Sie sich alle diese Fragen. Was stellt jedes Bild fest? Was ist der Fortschritt von einem zum nächsten? Wie ändert sich das? Ist einer von ihnen notwendig? Kann es weggenommen werden? Können sie ersetzt werden? Kann die Bestellung geändert werden? Ich denke, all diese Fragen zu stellen, kann Ihnen ein besseres Verständnis dessen geben, was Sie getan haben, und es ist nicht notwendigerweise dafür, etwas zu ändern. Es kann genauso einfach sein, wie einen besseren Überblick über Ihr eigenes Projekt zu erhalten und was Sie erreicht haben. Von der technischen Seite entschied ich mich, das Ganze zu machen und mit Software-Bürsten für die äußeren Schichten und den etwas härteren Bürsten für die Wolken selbst fortzufahren. Auf diese Weise gibt es ein wenig Kontrast und dann sind die Linien auf den Features etwas gezackt als mehr von Hand gezeichnet. Als letzten Schliff habe ich alles in Photoshop exportiert und einfache Texturen und Kurven angewendet. Sie können mehr über all die Dinge in meiner Klasse über digitale Druckherstellung lernen, die all dies und viele andere Techniken abdeckt. Für Ihre abschließende Präsentation kann es alles sein, was Sie wollen. Der einfachste Weg wäre, einfach eine Reihe von Bildern zu exportieren und sie nacheinander zu setzen. Aber wenn Sie möchten, können Sie mehr über Ihre Idee schreiben und mehr Texte und sogar Animationen verwenden , wenn das Ihren Bedürfnissen entspricht. Ich denke, es ist immer gut, dieses Zeug im Kontext zu zeigen. Also, anstatt separate Bilder, machen Sie Screenshots von diesem Werk, oder wenn es sich um eine Publikation handelt, dann können Sie genauso gut ein Foto machen. Wenn es ein Buchcover ist, dann machen Sie ein Foto davon in der Buchhandlung. Wenn man Dinge in den Kontext setzt, erhält man eine bessere Vorstellung davon, wo es hingehört und welche Funktion es dient. Eine letzte Frage, die Sie sich vielleicht stellen möchten, ist, dass Sie es genossen haben, das zu machen? Möchtest du es noch mal machen? Möchten Sie es für den Rest Ihres Lebens tun? Ich denke, es ist ziemlich einfach, etwas zu tun , das Sie nicht besonders wollen weil es aktuell relevant ist oder trendy ist, oder wenn Sie einfach gut darin sind und Sie ziemlich viel Zeit verbringen können, und ich spreche aus Erfahrung, tue etwas, das du nicht wirklich willst. Denk daran, du wirst sterben, würdest du das gerne weiter machen, bis das passiert? Dies ist eine Frage, die ich mir so ziemlich jeden Tag stelle und ich habe nicht wirklich eine Antwort dafür, aber ich denke, es ist eine Frage, die es wert ist, zu untersuchen. 8. Letzte Gedanken: Herzlichen Glückwunsch zum Abschluss dieser Klasse. Vielen Dank für das Anschauen und vielen Dank für Ihre Arbeit. Bitte vergessen Sie nicht, Ihr Projekt in der Projektgalerie zu teilen. Denken Sie daran, dass es keine wirkliche Unterscheidung zwischen Kunst und Illustration, zwischen kommerzieller Illustration und persönlichem, es ist alles dasselbe. All diese Unterscheidungen sind die Annahme, dass wir uns selbst erschaffen. Wir müssen also nicht über diese Dinge nachdenken, und wir können uns einfach wieder mit der Freude verbinden, zu kreieren und verschiedene Quellen dafür und verschiedene Verkaufsstellen zu finden. Daran möchte ich, dass du dich erinnerst. 9. Fallstudie: Notion: Ein weiteres Beispiel für meine persönliche Arbeit und Ästhetik in meine kommerzielle Arbeit einfließen, wäre das Branding, das ich für Notion gemacht habe. Also war ich schon immer ein großer Fan von Druckgrafiken und Siebdrucken oder Risographen, und ich habe immer die Schönheit von handgezeichneten Bildern geliebt, und ich habe immer hauptsächlich mit Tinte und Bleistiften gearbeitet, anstatt digital. Also mit solchen Stücken würde ich ein oder zwei Farbdrucke machen, und dann würde ich auch eine Gewohnheit entwickeln, immer wieder etwas zu verbinden , bis das Gefühl genau richtig ist, was ich denke, ist wirklich wichtig, nicht für Perfektionismus der Qualität als solche, sondern für die Suche nach dem richtigen Gefühl. Zum Beispiel, wenn wir uns diese Katzen ansehen, sind sie alle im Grunde in Ordnung, aber einer von ihnen ist ein bisschen naiver und entspannter als die anderen, und das ist die, die ich für diesen endgültigen Druck verwenden wollte. Also habe ich diese Drucke und Tuschezeichnungen für mich selbst sehr lange ohne Sinn gemacht . Ich genieße es, das zu tun. Als mir Notion näherte, wurden sie von den Sachen angezogen, die ich für New York oder New York Times gemacht habe , die eine sehr strukturierte, handgezeichnete Qualität hatte , und sie wollten etwas davon für ihr Branding haben. Als Produkt und Marke basiert Notion auf Minimalismus und Einfachheit und Zugänglichkeit. Daher mußten die Illustrationen auch die Idee dahinter widerspiegeln. Zu der Zeit war der größte Teil des Tech-Startup-Branding sehr bunt und ziemlich einheitlich und sehr poliert und sauber. Also wollten wir etwas einfallen, das radikal anders wäre, dass es nur eine einzige Farbe hat, vielleicht gelegentlich eine sekundäre Farbe, meist schwarz und weiß, und das hätte eine sehr gestische, handgezeichnet, vielleicht etwas exzentrische Qualität, um es. Also, um den Begriff Stil zu entwickeln, ging ich sofort für etwas, das sehr einfach, sehr glatt und ziemlich poliert sein würde , aber gleichzeitig eine ziemlich ausgeprägte gestische Qualität haben würde. Um also einen Stil zu entwickeln, der sich sehr luftig und leicht anfühlte , und in Kontakt mit dem Produkt, das auch sehr minimalistisch ist, wollte ich mir diesen Look einfallen das auch sehr minimalistisch ist,wollte ich mir diesen Look einfallenlassen, der nur auf eine einzige Geste für jede einzelne -Form. Also würde ich nie auf der Linie aufbauen. Ich würde nur eine Geste verwenden, um die Form eines Gesichts, oder Haarhaare oder irgendetwas anderes zu definieren . Am Anfang habe ich nur mit Pinsel und Tinte gearbeitet. Also würde ich Zeichnungen wie diese machen, die ziemlich nett sind, aber auch viel Zeit brauchen, um zu machen, und im Startup-Klima, wo sich die Dinge sehr verändert haben und man das gleiche Element viele überarbeiten muss, viele Male, es war ziemlich unnachhaltig. Also würde ich einen leicht vereinfachten Look für eine Menge von unserem Branding entwickeln, was jetzt vor allem auf der Website ist. Während alle Notion Illustrationen ziemlich konsistent sind, gibt es immer noch ein unterschiedliches Maß an Finish. Einige von ihnen sind minimalistischer, andere sind realistischer, einige sind mit einem Pinsel und Tinte gezeichnet, andere sind vollständig digital gemacht, und das erlaubt ein wenig Variation, die immer noch nie kreuzt in ein Territorium, das sich nicht mit der Markenidentität, mit ihren Werten und dem, was das Produkt bedeutet, in Kontakt fühlt. Ich denke auch, dass es für mich sehr wichtig war, die Inspiration hinter Notion, den konkurrierenden Pionieren, die sie inspiriert haben, zu recherchieren und zu verstehen , und das erlaubte mir auch, einen Stil zu kreieren, der für das Produkt und den Transfer sinnvoll war, nicht nur das Konzept, sondern die Emotion dahinter. Also hatte ich nicht wirklich erwartet, dass der Notion-Stil populär wird, aber es tat, was großartig ist. Aber es hat auch viele Nachahmer inspiriert, und ich denke, was die Leute an der Qualität dieses Stils vermissen , ist die Konsistenz und die Geste dahinter, und auch die Idee, dass, um etwas zu erreichen, das so minimalistisch ist, Sie müssen wirklich weit gehen und viel recherchieren und etwas bauen, das weit über die Spitze ist, dann, um es nach unten zu schneiden und so etwas zu , das sehr klein und einfach ist. Aber wenn Sie so etwas nehmen und versuchen, es zu replizieren, funktioniert das nicht ganz. Mit anderen Worten, wenn man es mit minimalistischer Ästhetik zu tun hat, muss man sich immer daran erinnern, dass hinter allem Einfachen ein gigantischer Berg von Sachen steht, die man nie sehen kann, was wiederum ein weiterer Grund ist, warum man nicht Schauen Sie sich die Endprodukte Ihrer Zeitgenossen zu genau an und schauen Sie stattdessen zurück und versuchen Sie herauszufinden, was sie inspiriert hat und all das Zeug, das hinter den Kulissen ist, und finden Sie ähnliche Berge und schneiden Sie sie dann ab.