Male mit mir: Botanische Illustration retro-inspiriert mit Mixed Media

1. Einführung: Hallo, mein Name ist [unhörbar]. Ich bin Künstlerin und Illustratorin, der sich auf realistische Mixed-Media-Illustration konzentriert. Meine Arbeit wurde auf Kleidung verwendet, in Videospielen, erweiterten Magazinen wie Real Simple und Milk Street und natürlich auf Verpackungen, sowohl in den USA als auch im Ausland. Ich habe auch einen YouTube-Kanal, wo ich über einige meiner täglichen Erfahrungen als Künstler und Einblicke in Fähigkeiten und Branchen-Know-how spreche. Natürlich habe ich hier auf Skillshare nur für die letzten paar Monate unterrichtet, wo ich in der Lage bin, einige dieser Themen näher einzugehen und einen wirklich strengen Überblick in meinem Prozesszu geben einen wirklich strengen Überblick in meinem Prozess und einige davon zu teilen, was ich als arbeitende Künstlerin. Nachdem ich meine letzte Klasse veröffentlicht hatte, löste ich einen Anruf in den sozialen Medien und fragte Sie alle, welches Thema Sie wollten, dass ich in meiner nächsten Klasse abdecken, und bei weitem war das am häufigsten angeforderte Thema Blumen. Blumen sind an einer meiner Lieblingsdinge zu malen, also bin ich super aufgeregt, diese Klasse anbieten zu können. In diesem Kurs kommen Sie mit mir zusammen, während ich eine detaillierte, im Vintage-Stil inspirierte botanische Illustration kreiere . Ich beginne das Stück mit Blick auf Inspirations- und Referenzbilder, und du wirst sehen, wie ich das Stück Schicht für Schicht entwickle, in dem ich den Prozess erkläre. Sie werden sehen, wie ich Aquarell verwenden, um diese Anfangsschichten, Farbstift, um Details zu entwickeln, und Gouache, um das Stück zu optimieren und Fehler zu beheben, die ich mache. Am Ende jeder Lektion werde ich verbalen und auf dem Bildschirm zusammenfassen, um sicherzustellen , dass Sie einen guten Sinn für die wichtigen Takeaways erhalten. Wir werden den Großteil des Kurses für meinen eigentlichen Lackierprozess ausgeben. Diese Klasse eignet sich wahrscheinlich am besten für diejenigen, die bereits Erfahrung beim Zeichnen haben und sich wohl fühlen, aus einem Referenzbild selbst zu zeichnen, und die grundlegende Konzepte wie Komposition, Wert und Sättigung verstehen. Nachdem Sie diesen Kurs abgeschlossen haben, haben Sie eine detaillierte Perspektive auf die Techniken, die ich zum Erstellen dieses Stücks verwende, und im Klassenprojekt haben Sie die Möglichkeit, diese Techniken in Ihre eigene Stil, um Ihre eigenen Vintage-inspirierten botanischen Illustrationen zu kreieren. Lasst uns loslegen. 2. Inspiration und Skizze: Um zu beginnen, bin ich in meinem Pinterest-Konto auf einem Pinterest-Board, das ich erstellt habe , das einige Inspiration für Vintage Botanical Illustration hat. Ich habe diese hier zusammengetragen, hauptsächlich diejenigen, die mir gefallen haben. Ich hatte nicht wirklich etwas Besonderes im Sinn. Ich habe hier nur Dinge festgeheftet, die meine Phantasie gefangen haben und die ich schätzte. Also möchte ich jetzt durchschauen und sehen, was ich diese gemeinsamen Elemente in einigen dieser Bilder herausziehen kann , die für mich attraktiv sind, und es wird mir helfen, ein Stück zu schaffen, das wirklich an diesen Stil erinnert. Das erste, was ich als gemeinsames Element bemerkt habe, und das ist keine große Überraschung, denn es ist etwas, das ich in all meiner Arbeit mag, ist der hohe Detailgrad. Das wird definitiv etwas sein, das ich einschließen möchte. Ich weiß auch zu schätzen, wie sie ein bisschen stilisiert sind. Einige dieser Bilder, vor allem solche, sind realistisch, aber sie ähneln eher der Interpretation des Realismus des Künstlers. Ich mag auch, wie sie Blätter enthalten haben, aber es ist ziemlich minimal. Wenn Sie zum Beispiel auf ein Foto einer Dahlia suchen , würden die Blätter nur übernehmen. Es würde Tonnen von Blättern geben, aber der Künstler hat beschlossen, ein paar Auswahlen, ein paar Bilder davon, wie die Blätter aussehen, aber die Blätter nicht übernehmen lassen. Ich mag auch wirklich, wie es Knospen gibt, wir schauen alle auf Blumen hier. Es gibt also Knospen und verschiedene Winkel, im Grunde die Blume in verschiedenen Stadien des Wachstums zeigen, und das ist etwas, das ich als wiederholtes Thema durch viele dieser Bilder sehe und das ist nur ein Gesamtthema in eine Menge wissenschaftlicher Illustration im Allgemeinen. Einige von ihnen gehen sogar viel weiter, wie dieses Klee hier hat nicht nur die verschiedenen Stadien in der Pflanze und den Blüten und den Blättern, sondern es hat auch die Samen und die verschiedenen anatomischen Teile der Blume, und das ist etwas Ich finde auch wirklich interessant. Ich bin mir nicht sicher, ob ich es auf diesem Stück tun werde, aber ich mag dieses Element der verschiedenen Wachstumsphasen, wobei all das in einem Stück enthalten ist. Dann vielleicht nur, weil es der Fall ist, wenn ich diese Klasse mache, aber ich merke auch, dass ich wirklich von denen angezogen bin, die eine wärmere Farbpalette haben , also denke ich, dass ich versuchen kann, etwas in diesem Bereich zu tun. Das ist es, was mich in Bezug auf die Inspiration anzieht. Deshalb bin ich jetzt bereit, mit der nächsten Phase fortzufahren, bei der meine Skizze basierend auf der Inspiration, die ich in meinem Pinterest-Board gefunden habe, erstellt wurde. Wenn ich also daran denke, dass die gesamte Ästhetik der Vintage botanischen Illustration, beginne ich mit einer wirklich rauen Freihandskizze. Ich bin nur mit Apple Bleistift, und iPad, und das Programm procreate, aber Sie können all dies mit einem normalen Stück Papier und einem Bleistift tun. Ich füge nur die verschiedenen Elemente hinzu, von denen ich weiß, dass ich möchte, dass die Zusammensetzung die Stiele, die Blätter, die Blüten in den verschiedenen Wachstumsphasenenthält die Blätter, die Blüten in den verschiedenen Wachstumsphasen sie bewegt, undsie bewegt,und die Winkel zwicken, nur um sicher, dass ich diese Art von Vintage-botanischen Look bekommen kann, dass ich werde für. Hier ist also die wirklich grobe kompositorische Skizze. Dies wird als Richtschnur für mich dienen, wenn ich meine Referenzfotos auswähle und entscheide, welche Bilder ich verwenden möchte, um die Illustration zu stützen. Also, jetzt öffne ich meine Foto-Bibliothek und ich werde nur durch einige der Fotos blättern , die ich in den letzten paar Wochen aufgenommen habe, die meiner Meinung nach gut als Referenzbilder für dieses Stück funktionieren werden . Insgesamt werden diese alle in der gleichen Beleuchtung genommen, sie werden von der gleichen Pflanze oder einer Reihe von Pflanzen genommen. Ich weiß also, dass sie gut zusammenarbeiten werden. Dann zurück in die Fortpflanzung hier und meine grobe kompositorische Skizze, und ich lasse nur verschiedene Fotos in und lösche den Hintergrund, um nur das Element des Fotos zu isolieren, das ich will. Ich arbeite meinen Weg durch die Suche nach der nach vorne gerichteten Blüte, die nach hinten gerichtete Blüte, all die verschiedenen Elemente, die ich weiß, dass ich will, und ich weiß, dass ich verwenden werde, und ich drehe sie herum, oder spiegele sie wann immer ich sicherstellen muss, dass sie in meiner Komposition funktionieren. Also arbeite ich nur meinen Weg durch das Stück finde all die verschiedenen Elemente, die das Referenzbild bilden werden. Wenn du das nur mit Bleistift und Papier machst, mache ich das auch die ganze Zeit, und es ist völlig in Ordnung. Eigentlich erstelle ich die meiste Zeit nicht diese Referenz, wo alles in einem ist, ich habe nur alle meine Referenzbilder an einem Ort, an dem ich sie wie auf meinem Desktop oder in meiner Fotobibliothek leicht erreichen kann , und Ich werde einfach zwischen den verschiedenen Bildern hin und her springen. Aber ich wollte euch eine Version dieses Prozesses zeigen , nur für den Fall, dass es für euch nützlich wäre. du das auf Wenndu das aufdie altmodische Art machst und nur ein Stück Papier für deine kompositorische Skizze machst, ist das völlig in Ordnung und du kannst diese Arbeit trotzdem wirklich gut auf diese Weise machen. Also hier ist meine fertige Skizze. Es wurde in Fortpflanzung erstellt und ich verwies auf die grobe kompositorische Skizze für die Gesamtplatzierung der verschiedenen Komponenten und die Form und den Sweep der Stiele, und dann bezeichnete ich die Bilder als meine Referenzen für die Blüten und die Blätter in den detaillierteren Elementen der Zusammensetzung. Sobald ich fertig bin, da ich meine digital erstellt habe, habe ich es auf zwei Blätter von achteinhalb mal 11 Papier gedruckt und dann zusammen getippt, weil mein Aquarellpapier eigentlich 11 mal 15 ist, und dann bin ich mit meinem Dbmeir Lichtpad, um die Skizze auf mein Aquarellpapier zu übertragen. Also nehmen wir aus dieser Lektion, mein Hauptziel war es, eine Skizze für die Illustration zu erstellen, erinnert an die Vintage botanische wissenschaftliche Illustration Ästhetik. Also begann ich, indem ich Inspiration betrachtete und notierte, was ich in der Inspiration und den spezifischen Elementen mochte , die ich in meinem eigenen Stück hervorrufen wollte, und dann kam ich mit einem wirklich groben kompositorische Skizze nur aus meinem Kopf, nicht auf eine bestimmte Referenzbild suchen. Dann, um diese Skizze auf der nächsten Ebene zu machen, benutzte ich tatsächliche Referenzbilder von echten Blumen, um mir das Gefühl von Realismus zusammen mit der Stilisierung zu geben. 3. Aquarell -- erste Ebenen: Um hier anzufangen, werde ich nur meinen Tisch aufstellen, ich bin bereit zu gehen. Ich habe etwas Wasser auf meiner rechten Seite und meine Paletten und ich habe das Aquarell hier. Das ist, was ich für die ersten paar Schichten des Gemäldes verwenden werde, es ist eine Marke namens Dr. Ph. Martin. Es ist ihre wasserfreie Linie. Ich werde ein warmes Rot wie ein Cadmiumrot verwenden, ein kühles Rot ähnlich wie Alizarin, ein Quinacridon, Magenta, ein warmes Gelb ähnlich einem Cadmiumgelb und ein kühles Gelb und dann schließlich Viridiangrün. Dann werde ich auch meine flüssige Brunnen-Palette verwenden und dann für Pinsel, ich werde zwei Pinsel verwenden, ich werde diese Größe vier Rundpinsel von Princeton verwenden, es ist die Neptun-Linie, es ist ein synthetischer Aquarell-Pinsel, und einem Size Zero Rundpinsel von Isabey, hat diese Bürste eine wirklich, wirklich feine Spitze, so dass sie ideal für kleine Details ist. Ich werde anfangen, indem ich ein neutrales Lila vermischt, ich möchte etwas, das als ein wirklich subtiler Schatten lesen wird, und es ist mir nur helfen, die ursprüngliche Form und Form des Stückes zu markieren. Ich gehe Stück für Stück füge einige Tropfen des Aquarells zu meinen Palettenbrunnen hinzu. Einige der Farbe, die bereits auf der Palette getrocknet ist, bin ich in der Lage, zu reaktivieren und wiederverwenden. Einer der Gründe, warum ich diese Aquarelle so sehr liebe , ist, dass sie, sobald sie auf dem Papier trocken sind , nicht reaktivieren, aber wenn sie auf der Palette sind, tun sie dies mit Wasser reaktivieren, also ist es das Beste aus beiden Welten. Ich füge nur mehr Pipettenfälle hinzu, wo ich es brauche, und ich versuche, sie in den gleichen Brunnen zu halten , die ich bereits diese Farben verwendet habe , bevor die Dinge nicht schlammig werden. Ich füge nur ein kleines bisschen von diesem warmen Gelb hinzu, das du gerade dort gesehen hast , zu meiner violetten Farbe hinzu, um es zu straffen und sicherzustellen, dass es nicht zu intensiv ist. Ich werde hier ein wenig näher kommen, um es zu beschleunigen , so dass Sie sehen können, was ich mache, genauer und die ganze Zeit werde ich nur die gleiche Farbe lila verwenden, um das gleiche zu tun, versuchen zu markieren aus den anfänglichen Schatten und die allgemeine Form und den Wert des Stückes, also wird sich nichts wirklich ändern, ich benutze nur das Referenzfoto als meine Anleitung, versuche, mitzuverfolgen und die Schatten aufzubauen, wo ich sie sehe. Wenn Sie neu in Aquarellen sind und Sie sich darüber wundern, ist das Lila wirklich leicht, weil ich es viel bewässert habe, es ist wahrscheinlich meist Wasser und sehr wenig Farbe. Es gibt kein Weiß, das hinzugefügt wurde. Das Lila ist eine Mischung aus der Alizarin-Farbe und ein winziges bisschen von der Viridian-Grün, und dann ein wenig von der wärmeren Gelb, um es nach unten zu straffen. Ich gehe auf die zweite Blume und wieder verwende ich die gleiche gedämpfte lila, diese Blume Ich werde ein wenig schwerer mit ihm, weil die Blume, wie Sie in der Referenz sehen können, hat mehr Farbe. Es ist eine dunklere lila Grundfarbe und dann hat es nur einen leichten Akzent, also werde ich die meisten von diesem mit dieser gedämpften lila Farbe abdecken. Dann ist das letzte kleine Ding, auf dem ich diese Farbe verwenden muss, die Außenseite der Knospe, der kleine Pinsel, der sich noch nicht geöffnet hat, hat nur einen Hauch von dieser violetten Farbe, also werde ich das einfach mit meinem Pinsel und einigen der Aquarell hier. Im Allgemeinen nähere ich mich dem, besonders in einer früheren Phase eines Gemäldes. Welche Farbe auch immer ich verwende, ich versuche, es im ganzen Stück zu verwenden. Dies hilft nur vermeiden, es trocken zu sein oder meinen Pinsel auswaschen und Remix Dinge und es schien einfach der einfachste Weg, es mir zu tun, aber wenn Sie es vorziehen, in einem kompletten Bereich zu arbeiten und dann zu einem anderen Bereich zu bewegen, das funktioniert gut zu. Die Leute machen beide Ansätze, ich neige nur dazu, den Gesamtansatz zuerst zu bevorzugen. An diesem Punkt schalte ich Pinsel und schalte Farben. Ich habe verwechselt, was im Grunde nur eine wirklich, wirklich bewässerte Version von meist dem kühlen Gelb mit ein winziges bisschen warmem Gelb darin gemischt ist und dann wieder, fast alles Wasser, gibt es sehr wenig Pigment. Ich schalte auf meine Größe vier Rundbürste um. Dieser Pinsel, es ist offensichtlich größer, so dass er viel mehr Wasser hält und es hat auch nicht so feine Spitze, so bin ich glücklich, es um zu wischen und verwenden Sie es, um Dinge zu mischen, weil ich keine Sorgen über kauen die schöne feine Spitze am Ende. Ja, ich füge nur das Gelb zur Mitte der Blume hinzu, weil ich ziemlich viel davon in der Referenz und dann zu einigen der äußeren Blütenblätter sehe . Ich hüpfe rüber zur anderen Blume und wasche sie über die ganze Blume. Es wird wirklich straffen das Lila eine Menge, weil Gelb ist das Kompliment von Lila. Aber das ist okay, weil diese Blume wird viel dunkler später und viele der hellen Bereiche dieser Blume, für mich, zumindest in der Referenz aussehen, als hätten sie eine gute Menge an Gelb in ihnen, also möchte ich nur die Wäsche über die gesamte Blüte. Jetzt tausche ich wieder die Farben um. Ich habe ein wirklich, wirklich leicht bewässert, cooles Pink verwechselt . Verwenden Sie das Alizarin karmesinrot. Ich denke, ich habe auch ein kleines kleines bisschen von einigen der ausgetrockneten Cadmiumrot, die ich auf meiner Palette hatte, nur um es leicht aufzuwärmen, aber immer noch ist es insgesamt ein ziemlich cooles Rosa, wirklich Wasser nach unten und ich gehe einfach über alle Blütenblätter in der Mitte von einer Blume. Nun, an diesem Punkt werde ich zu einem viel wärmeren Rosa wechseln und ein bisschen dunkler, ein bisschen weniger Wasser unten. Dies ist so ziemlich nur ein geradliniges Cadmiumrot und ich möchte diesen äußeren Pedalen etwas Wärme verleihen. Im Referenzbild für mich sieht es so aus, als gäbe es viel mehr Wärme in diesen, also wird das Cadmiumrot perfekt dazu passen, da es ein wirklich warmes Rot ist und ich auf meine Größe Null zurückgewechselt habe Bürste, die feinere Bürste. Da dies ein wenig mehr Detail ist, dann möchte ich sicherstellen, dass Sie nur an diesem Bereich bleiben und ich fange an die ersten paar tatsächlichen kleinen farbigen Details hinzuzufügen. Es gibt Tonnen mehr zu gehen, aber normalerweise ist es gut, einen detaillierteren Pinsel für sie zu verwenden , damit ich nicht an Orten mit Pigment landen kann, wo ich es nicht will. Schneller kleiner Rückblick aus einem Aquarell Teil eins. Das Ziel war es, eine grobe Farb- und Temperaturkarte zu erstellen, wie eine Farbskizze der Hauptthemen, die in dieser Abbildung die beiden größeren Blüten sind. Ich sprach über meine Materialien in meinem Setup und ich ging über ein wenig sehr grundlegende Farbmischung und während der Lektion habe ich anfängliche Lichtschichten von Farbe und Waschungen zu beiden Blüten hinzugefügt , dass es wirklich Licht in der Arbeit allmählich. Insgesamt habe ich versucht, die Farbpalette minimal zu halten und immer wieder die gleichen Farben zu verwenden , wo sie im ganzen Stück aufgetreten sind. 4. Aquarell -- Detail: Wechseln Sie die Farben wieder, aber immer noch mit dem gleichen detaillierteren Pinsel. Eigentlich werde ich zwischen dem Detailpinsel und dem Pinsel Nummer vier hin und her springen , um etwas zu mischen. Aber ich benutze das gleiche gedämpfte Lila, mit dem wir am Anfang begonnen haben, aber weniger verwässert Version davon. Ich fange an, einige dimensionale Schatten hinzuzufügen, so dass einige Schatten unter den Blütenblättern. Das wird nur wirklich helfen, die Form und die Form der Blüte zu veranschaulichen und sie dreidimensionaler aussehen zu lassen. Ich werde hier reinkommen mit einer gedämpften Goldfarbe. Dies ist meist das wärmere Gelb, der Cadmium-Typ gelb, aber es wurde ein wenig abgeschwächt mit ein wenig von dem gedämpften Lila. Ich wollte, dass es wie eine eher sanfte goldene Stangenfarbe liest. Ich benutze dies in der Mitte, einige der inneren Blütenblätter wieder, um zu versuchen, die Form zu veranschaulichen und das Gefühl der Dimensionalität zu geben. Ich werde einfach hin und her zwischen dem gedämpften Gelb und dem mehr gedämpften Lila springen . Ich werde es hier ein wenig beschleunigen, da ich nur meinen Weg durch die Blume arbeite und versuche, die Form und die Werte zu veranschaulichen. Sie können sehen, dass ich normalerweise den Pinsel behalte, den ich nicht benutze, in meiner nicht-dominanten Hand, was mir hilft, zwischen den beiden wirklich leicht hin und her zu wechseln. Ich neige dazu, Pigment auf den Hauptpinsel zu legen, den ich benutze, was in diesem Fall die Größe Null Pinsel ist und dann, wenn ich muss, werde ich die Größe vier Pinsel verwenden, um die Kanten weich zu machen und sie auszublenden. Sie können sehen, dass dies nur eine wirklich allmähliche Entwicklung ist. Ich gehe Schicht für Schicht, Stück für Stück, um zu versuchen, auf den richtigen Wert und die richtige Farbe zu arbeiten. Neben der Aufmerksamkeit auf die Werte, die Dunkelheit und die Lichter, versuche ich, wirklich genau auf die Temperatur zu achten. Ich möchte die rechte Seite der Blume haben, die Schattenseite lesen viel kühler, und die linke Seite der Blume, die die hellere Seite ist, lesen Sie viel wärmer. Neben einem dunklen und einem Licht, mit dem Wert deutlich differenziert, wobei die Temperatur mit dem kühlen und dem Schatten und der Wärme und das Licht differenziert wird, wird es helfen, dass wirklich leuchtend, glühendes Gefühl, dass eine Blume in der Sonne tut. Jetzt gehe ich mit einer etwas dunkleren Farbe rein. Ich habe einige der Cadmium-Typen Rot zu der violetten Farbe hinzugefügt, um sie zu vertiefen und aufzuwärmen. Ich möchte, dass es als Schatten liest, aber ich will nicht zu dunkel werden, also versuche ich, die Sättigung ein wenig zu erhöhen und zu helfen, dass von innen Blick leuchtet. Ich füge weiterhin hinzu, dass in der gesamten Blume, die linke Seite der Blume, die hellere Seite. Ich benutze die gleiche Farbe, die rötliche Farbe, die ich im dunklen Bereich verwendet habe, aber ich habe es deutlich bewässert, so ist es einfach nicht annähernd so intensiv und es liest wie eine viel hellere Farbe. Jetzt werde ich ein bisschen kühner mit den Schatten. Dies ist das gleiche gedämpfte Lila von Anfang an, aber mit noch weniger Wasser in ihm jetzt. Ich benutze es, um zu versuchen, die wirklich dunkelsten Bereiche der Blüte zu illustrieren die wirklich dunkelsten Bereiche und zu versuchen, sie als dreidimensionaler zu lesen. Ich habe definitiv weiter auf die Hauptblüte hier zu gehen , aber ich werde tatsächlich an dieser Stelle auf die rückwärts gerichtete zweite Blütewechseln die rückwärts gerichtete zweite Blüte und versuchen, etwas von dem dunklen Wert auf das zu bekommen. Das wird mir wirklich helfen zu sehen, wie dunkel und wie hell ich die Hauptblüte behalten möchte , da Werte alle relativ sind, basierend auf dem, was um sie herum ist. Ich möchte diese Blume zu einem genaueren Abschluss bringen, bevor ich weiter auf die zweite bewege, nur um mir zu helfen , zu dunkel oder zu hell in irgendeinem Bereich zu werden. Dieses Purple hier ist ein bisschen anders als das anfängliche Lila. Ich habe es mehr oder weniger auf die gleiche Weise gemacht. Es ist das Alizarin mit ein wenig viridiangrün und ein winziges bisschen gelb, aber es ist nicht so viel gelb, also hat es ziemlich viel mehr Sättigung und ich habe es nicht fast so viel bewässert, weil ich will, dass es viel dunkler wird. Ich werde versuchen, dieser Struktur des Blattes zu folgen. Jeder der Bereiche, die wie eine Vene aussehen, die Sie in ihrer Referenz sehen können, dass leichtere Aderbereich Ich vermeide diese vollständig und versuche, nur an den Bereichen zu bleiben, die tatsächlich lila für mich aussehen. An dieser Stelle kann ich sagen, dass ich, obwohl ich dem Lila nicht so viel Gelb hinzugefügt habe, es immer noch ein bisschen zu gedämpft ist und tatsächlich ein bisschen mehr von einem gesättigten lebendigen Gefühl haben muss. Ich werde mit Substrat reingehen, Chinacridon, Magenta. Ich habe das nicht mit etwas anderem geschnitten. Es ist ein bisschen breiter unten natürlich, aber es ist nicht mit irgendeinem Gelb entsättigt worden, so ist es wirklich hell und lebendig und es ist wirklich geholfen, diese lesen mehr wie die Farbe im Referenzbild. Ich arbeite mich nur über die Blütenblätter hier. Hin- und Hergehen zwischen diesen, desto gedämpfter, dunklerer Purpur und das Quinacridon. An dieser Stelle werde ich anfangen, ein wenig von einer verwässerten Version dieses Chinacridon-Magenta zu den Spitzen der äußeren Blütenblätter auf der Hauptblüte hinzuzufügen . Dies wird im Referenzbild nicht wirklich dargestellt. Ich kann einige Beweise dafür in der Farbe sehen, aber ich verstärke definitiv und gehe über das hinaus, was im Referenzbild ist. Ich habe beschlossen, das zu tun, denn gerade jetzt ist die Hauptblüte wie sehr weich, sehr zart und diese unterstützende Blüte, die kleinere ging nach rechts, wird viel dunkler und viel lebendiger. Obwohl der Größenunterschied hilft, sie auszugleichen, da die weiche viel größer ist und es mehr Details darin hat, möchte ich nicht, dass sie sich in Bezug auf die Farbe unausgewogen fühlen. Ich möchte ein wenig von dieser Dunkelheit in dieser Sättigung in diese äußeren Blütenblätter bringen . Nun, zurück zu der kleineren Blüte mit den gleichen zwei Farben , dem dunklen gedämpften Lila und dem Quinacridon, und ich gehe immer wieder hin und wieder, bis ich das Gefühl habe, dass ich den Wert und die Farbe meistens richtig habe. Kurze Überprüfung dessen, was ich in dieser Phase übergegangen bin. Mein Hauptziel war es, den Wert und die Farbe in beiden Blüten zu entwickeln. Ich fügte allmählich dunklere und dunklere Werte und mehr und mehr Sättigung und Komplexität zu beiden Blüten hinzu, was es mir ermöglichte, ein Gefühl von Form und Dimensionalität zu schaffen, fügte einige anfängliche anatomische Details zum Blumen wie Venen, und insgesamt habe ich einen kleinen Pinsel verwendet, als ich die neue Farbe und eine größere weichere Bürste hinzugefügt , um die Kanten, wo nötig, auszufedern. Dies gilt vor allem, wenn ich eine wirklich dunkle oder eine wirklich gesättigte Farbe zu einem Bereich hinzufüge , der es vorher nicht hatte, ein Bereich, der ursprünglich wirklich hell war. 5. Aquarell -- Grünpflanzen: Endlich ist es an der Zeit, auf etwas Grün zu wechseln. Um loszulegen, mache ich eine wirklich einfache, sehr hellgelbe, grüne Farbe. Dies wird durch Mischen meist der kühlere gelb gemacht, das Chanukkah gelb ist, was es in dieser Marke genannt wird, und nur ein winziges bisschen der viridian grün, nicht einmal ein voller Tropfer Wert, aber ich habe den Tropfer in seinem eigenen kleines Fach in der Palette und nehmen Sie einfach in meinem Pinsel und bekam ein wenig winzigen tupfen der grünen und dann mischen Satin mit einem gelben. Das Viridian-Grün ist eine wirklich, wirklich starke Farbe, so dass es leicht etwas übernehmen kann, das nicht so dominant ist, wie das Chanukka-Gelb. Ich habe das vermischt und eine verwässerte Version gemacht. Du kennst den Bohrer an dieser Stelle, die ersten Schichten sind immer bewässert, also verwechselt eine verwässerte Version und ich gehe einfach über das ganze Grün damit. Das Grün wird tatsächlich einen kühleren Ton am Ende haben, aber ein Teil des Untertons, was in den größeren Bereichen durchscheint, sieht wärmer für mich aus, also mache ich ein wirklich gelbes Grün. Ich werde den Blättern noch mehr Details und mehr Wertentwicklung hinzufügen. Ich habe ein kühleres Grün verwechselt, dieses Grün hat immer noch eine gewisse Wärme darin, aber es ist definitiv kühler als wir mit angefangen haben. Dies ist die gleiche coole gelbe Basis mit ein wenig Viridian, offensichtlich mehr als ich anfangs angefangen habe. Vielleicht über eine Pipette ist es wert, vier Tropfer im Wert der gelben, also eine grün für gelb. Dann habe ich auch in ein wenig der wärmeren gelb hinzugefügt, die mehr Cadmium-Typ gelb, und dies hilft nur, einige der Sättigung herunterzuschlagen und geben Sie ihm ein wenig mehr von einem olivgrünen Gefühl. Ich wollte wirklich realistisch aussehen, und für mich ist das Grün, das im Referenzbild ist, definitiv ein kühleres Grün, also sollte das gut funktionieren. An dieser Stelle folge ich hauptsächlich nur entlang der Struktur des Blattes, der einzige Bereich, den ich versuchen werde, zu vermeiden, dass irgendein Pigment auf ist die Hauptader, die die Mitte des Blattes hinaufläuft. Alle Blätter haben viele Adern, und ich könnte super, super Details über die Blätter bekommen , wenn ich wollte, aber ich möchte, dass die meisten der Fokus auf die Blüten und die Gesamtform und Zusammensetzung des Stückes. Ich werde später noch ein paar Schaufeln mit Buntstift hinzufügen, aber jetzt möchte ich nur sicherstellen, dass diese Mittelvene deutlich ausgeblendet ist, und der einfachste Weg, dies zu tun, ist, zu vermeiden, dass ein dunkleres Grün darauf. Ich arbeite nur durch die Vermeidung dieser Mittelvenen und füge das Grün über die gesamte Oberfläche des Blattes hinzu. Ich achte auch auf die Gesamtwerte des Blattes, also die Bereiche, in denen es ein bisschen dunkler ist, setze ich konzentrierte, weniger bewässert Version des Grüns und die Bereiche, in denen es leichter ist, Ich wässere es nach unten mehr, aber es ist alles das gleiche grün. Ich werde es hier oben beschleunigen, während ich vorbeikomme. Das ist alles die gleiche Farbe grün, ich variiere nur, wie verwässert es ist, die Intensität der Farbe basierend auf dem, was ich in den Werten im Referenzbild sehe. Jetzt, wenn ich zu der kleinen Knospe gehe, benutze ich dasselbe Grün und mache dasselbe. Ich versuche, die Venen in der Mitte der Blätter zu halten, frei von einem der dunkleren grünen Pigmente, nur um sie schön und hell zu halten. Dann die dunkleren Bereiche der Knospe gehe ich in mit wirklich dunklen ungeschnittenen Version dieses grünen, überhaupt nicht verwässert. Dann die helleren Bereiche, ich bewässere es ziemlich viel, nur um zu helfen, den Wert zu differenzieren und mir zu helfen, ein Gefühl von Forum und Dimensionalität zu schaffen. Nun ist dieses Blatt im Referenzbild tatsächlich rückwärts gerichtet, so dass es für mich leichter aussieht als die anderen Blätter. Ich werde versuchen, diesen Sinn auch in der Illustration zu schaffen, also habe ich das Grün ziemlich viel mehr verwässert und das bedeutet, dass mehr von dem Gelb durchscheint. Ich werde wahrscheinlich härter arbeiten müssen, wenn ich später Buntstifte benutze , um es auszubalancieren und es so cool zu lesen. Aber für jetzt möchte ich immer noch nur vermeiden, zu dunkel damit zu werden, also habe ich das Grün ziemlich bewässert. Jetzt werde ich etwas von dem Grün an der Spitze des Stiels hinzufügen, die Basis der Blume, ich weiß nicht, wie dieser Bereich der Blume genannt wird, aber der grüne Teil der Blume, ich werde anfangen, einige mehr von grün dort und versuchen, die Form einiger dieser kleinen Blütenblätter zu beschreiben. Ich konzentriere mich auf das Grün in Richtung Mitte und verblasse es dann in einem Gefälle nach außen, denn so sieht es mir in der Referenz aus. Jetzt gehe ich zum Hauptstamm über, da der Stiel von der Blume herabkommt, sieht es wie das gleiche Grün für mich aus, also habe ich meistens das Grün gleich gehalten und es teilweise den Stiel runter gebracht. Jetzt habe ich ein bisschen mehr von einer gedämpften Version davon verwechselt, also habe ich mehr vom Cadmium-Typ gelb und dann ein kleines bisschen vom Cadmium-Typ rot hinzugefügt , und das hat dazu beigetragen, ein wirklich gedämpftes grünliches Braun zu schaffen. Ich versuche, das in den grüneren Teil des Stiels zu verblassen, ich möchte einen wirklich glatten Farbverlauf erstellen, da es so für mich im Referenzbild aussieht. Dies wird mir auch helfen , diesen wirklich grafischen stilisierten Look zu schaffen , den ich für mich gehe, ich möchte, dass es realistisch ist, aber ich möchte auch, dass es dieses Vintage-stilisierte Gefühl hat. Wenn ich näher an die Basis des Stiels komme, werde ich dunkler und dunkler mit diesem Braun, was nur bedeutet, dass ich immer weniger Wasser hinzufüge. Wenn ich den Stiel in Richtung des grünen Teils weiter hinauf bekomme, ist es mehr bewässert, so dass es transparenter ist und mir hilft, diesen Farbverlauf zu schaffen, und dann, wenn ich näher an die Basis komme, werde ich dunkler und dunkler, also immer weniger Wasser. Jetzt gehe ich zurück in die Knospe mit ein bisschen mehr von dem Quinacridon, das versucht , diesen rosa Bereich der Blüte, die Knospe, zu illustrieren. Dann verwende ich auch etwas mehr von der grünen, die gleiche grüne Farbe, nur eine dunklere Version davon, wieder, versuche, die Werte richtig zu bekommen, alles, wie es sein sollte, bevor Sie mit dem Farbstift fortfahren. Das letzte, was ich mit Wasserfarbe hier tun möchte, ist nur dieses Blatt abkühlen, das ist das nach hinten gerichtete Blatt, da ich es wirklich leicht gemacht habe, was es nach der Referenz sein sollte, es zeigte viel mehr die gelben Untertöne. Abgesehen davon, dass ich wirklich leicht zu sein, sieht es wirklich cool aus, also habe ich nur ein wenig wirklich, wirklich bewässert Viridian hinzugefügt . Viridian allein ist ein sehr blau-grün, also sieht es wirklich cool für mich aus. Ich habe es gerade so viel wie möglich bewässert und ich mache nur eine dünne Wäsche über die Oberseite des Blattes. Damit bin ich fertig mit dem Aquarell Teil dieses Gemäldes, also um zu überprüfen, was ich in dieser Phase in der Malerei getan habe, immer noch mit Aquarell, mein Hauptziel war es, den Wert, die Farbe und die Form im Grün zu entwickeln , Also begann ich damit, über meinen Ansatz zu sprechen, Farben für Grün zu mischen. Dann arbeitete ich in Schichten mit einem warmen Grün darunter und einem kühleren dunkleren Grün an der Spitze. Im Allgemeinen habe ich die wirklich kleinen Details wie die Adern mit dem dunkleren Grün vermieden, die es mir erlauben, jene Bereiche hell zu halten, die mehr Kontrast haben und es einfach einfacher machen, das Detail in der farbigen Bleistift-Schicht aufzubauen. 6. Farbstifte -- große Blüte: Ich mache mich gerade bereit, zu Buntstiften zu gehen. Ich werde Prismacolors Softcore Buntstifte verwenden. Ich habe eine große Kiste von ihnen. Ich mag es, einfach durch zu gehen und wählen Sie die Farben , die ich denke, ich werde im Laufe des Stückes verwenden. Ich weiß nicht sicher, welche ich verwenden werde, aber ich werde einfach anfangen, basierend auf dem Referenzbild zu wählen, diejenigen, die sie denken, dass sie für mich am wahrscheinlichsten nützlich sind. Hier kann man sehen, dass ich mit blassrosa und ein paar tieferen Rosa angefangen habe. Ich habe einige pfirsichige und einige mehr rosige so dass das Spektrum zwischen wärmeren Farben und kühleren Farben überspannt. Dann mache ich das Gleiche mit den Gelben. Einige hellere Gelb, sehr hellgelb wie eine cremefarbene Farbe, und dann mehr mittlere Gelbfärbung. Wieder habe ich einige, die mehr in Richtung der kühlen Ende und einige, die mehr in Richtung der warmen Ende. Auch fügen Sie ein paar lila und einige graue neutrale lila und dann einige olivgrüne Farben hinzu. Eigentlich denke ich, es ist kein echtes Olivgrün, eher wie eine rohe Sienna-Farbe, sondern eine wirklich braune Farbe mit einem leichten grünlichen Unterton. Dann habe ich dunklere Farben, dunklere Purples und Magenta. Diese werden alle nur sehr sparsam in der großen Blume und dann großzügiger in der kleinen Blume verwendet werden. Dann habe ich auch eine echte leuchtend orange bekommen. Ich glaube, in Prismacolor ist es nur orange. Ich denke, ich werde das ein bisschen in der hellen Blüte benutzen. Es ist nicht wirklich in der Referenz vorhanden, aber ich denke, es wird schön als Akzentfarbe aussehen. Ich habe gerade auf ein paar andere orangey gelbliche danach hinzugefügt. Ich bin mir nicht sicher, welcher am besten funktioniert. Ich gebe mir ein Paar zur Auswahl. Dann habe ich für die Grüns meist mehr gedämpfte Grüns. Ich habe Marinegrün und Seetanggrün. Dann für den helleren Teil, Ich habe einen saftgrün oder eigentlich nein, ich denke, es ist Frühlingsgrün, aber es ist nur ein leuchtend gelbliches Grün. Ich möchte meistens die Grüns zum kühleren Ende neigen , aber es gibt einige warme Bereiche, deshalb wähle ich mich für das Frühlingsgrün. Dann füge ich hier auf der linken Seite einige der helleren Töne hinzu. Diese werden verwendet, um ein Gefühl der Reflexion und Wachsbildung auf dem Blatt zu geben. Ich habe Jadegrün und Seladon-Grün, beide sind sehr cool und lehnen sich mehr an das blaue Ende des Spektrums. Sie sind auch ziemlich gedämpft, überhaupt nicht sehr gesättigt. Dann abschließend hier mit einem super hellgrün und etwas weiß und dann warf ich auch in einem dunkelbraun sehr dünn dort am Ende auf der rechten Seite. Dies denke ich, ich könnte für einige wirklich winzige Details verwenden. Ich bin mir aber noch nicht sicher. Dann habe ich hier auch einen schwarzen Bleistift. Ich benutze kaum schwarz, aber da ich für diesen mehr Vintage-Look gehe, haben diese Stücke oft ziemlich viel Schwarz in ihnen. Ich denke, ich könnte etwas Schwarz in den Schattenbereichen des Stiels verwenden. Ich habe es gerade herausgezogen, falls ich es brauche. Aber wir werden sehen, wie sehr ich es tatsächlich benutze. ich hier angefangen habe, werde ich zuerst mit der größeren Hauptblüte beginnen, genau wie ich es getan habe, als ich mit dem Aquarell durchmachte. Ich beginne hauptsächlich mit einem wirklich hellrosa und etwas weiß, um zu versuchen, einige Definition im Detail an den Rand der Blüten zu geben. Dann verwende ich auch eine sehr gedämpfte fast Toke-Farbe, aber es hat ziemlich viel Lila darin. Ich glaube in Prismacolor. Ich glaube, es nennt sich Tonrose. Es liest sich als violett, aber es ist sehr gedämpft, wie ich schon sagte, fast topper grau. Das benutze ich in den Schattenbereichen. Ich pralle zwischen diesen hin und her und versuche, mehr von der Form und dem Wert in jedem der einzelnen Blütenblätter zu beschreiben. Insgesamt denke ich, dass der dunklere Bereich der Blume viel mehr Entwicklung benötigen wird. Da konzentriere ich mich den größten Teil meiner Bemühungen. Der hellere Bereich der Blume, Ich fühle mich, als werde ich vorsichtig sein, um nicht zu überarbeiten. Ich muss vorsichtig sein, um nichts davon zu überarbeiten. Aber es ist einfacher, den helleren Bereich zu überarbeiten, wenn Sie mit diesen Medien arbeiten, da es nie wirklich so einfach ist, das Licht wieder hinzuzufügen, wie es ist, mehr dunkel oben hinzuzufügen, obwohl ich wahrscheinlich einige undurchsichtige Medien später verwenden werde. Es ist einfach besser, es so leicht wie möglich zu lassen , wenn Sie wollen, dass es am Ende leicht ist. Spart nur Zeit und es hat einen frischeren, leuchtenden Look, als wenn Sie Tonnen von Weiß auf der Oberseite hinzufügen. Ich werde das hier oben etwas beschleunigen, damit nicht alle einschlafen. Dass ich im Grunde nur das tue, worüber ich gesprochen habe, versuche, den Wert zu vertiefen, wenn er dunkler sein muss, den Wert anzuheben, wenn er heller sein muss und dann versuche, mehr Sättigung und mehr Details hinzuzufügen , wo er hingehört, im Laufe der Blüte und nur mit der gleichen Palette, die ich am Anfang ausgesucht. Du wirst mich sehen, zwischen den beiden hin und her rüllen. Mehrere verschiedene Farben hier. Jetzt, da ich an einem heißen Pressepapier arbeite, ist das Papier sehr glatt und ich muss nicht wirklich eine Mischung machen, um ein glattes Aussehen zu erhalten. Wenn ich an einem strukturierten Papier arbeiten würde oder wenn ich ein ultra glattes Aussehen mehr wollte als das, was ich hier habe, dann könnte ich etwas mischen mit dem farblosen Mixer oder mit Gamsol. Aber jetzt denke ich, da es ein glattes Papier ist, fühle ich mich ziemlich glücklich darüber, wie es nur mit den Bleistiften kommt. Genau hier gehe ich mit dem braunen sehr dünn rein. Wenn Sie nicht mit ihnen vertraut sind, sehr dünn sie sind immer noch von Prismacolor hergestellt. Aber sie sind ein viel härterer Kern als die weichen Kerne. Sie können eine wirklich scharfe Spitze auf sie bekommen und die Spitze bleibt viel länger scharf als bei normalen Prismacolors. Ich benutze das im Grunde nur, um mir zu helfen, einige der Kanten dieser Blütenblätter zu definieren. Ich werde es wieder beschleunigen. ganze Zeit, als ich das Detail entwickle und die Farbe optimieren und den Wert auf die eine oder andere Weise schiebe, ob es dunkler oder heller ist, treffe ich so ziemlich alle diese Entscheidungen basierend auf dem Referenzbild. Ich schaue mir die Referenz an, die Sie hier sehen, und ich entscheide mich. Ist dieser Bereich muss rosa sein, oder muss er mehr gelb sein oder muss er dunkler sein, muss er heller sein. Jedes Mal, wenn ich eine solche Wahl treffen muss, schaue ich nur auf die Referenz zurück und versuche zu bekommen, was ich auf der Seite erstelle, so ähnlich wie die Referenz wie möglich aussieht. Das sind 90 Prozent von dem, was ich tue. Dann bin ich 10 Prozent, wenn ich das entscheide, ich sehe, wie es in der Referenz aussieht, aber ich möchte, dass es etwas anders aussieht. Vielleicht ist das nicht die genaue Spaltung. Vielleicht sind es 80 Prozent von dem, was ich tue, ist die Aufmerksamkeit auf die Referenz zu zahlen und dann 20 Prozent meine eigenen Entscheidungen treffen. Aber mit dem Punkt, den ich versuche, dorthin zu kommen , ist, dass das Referenzbild super wichtig ist. Wenn du guckst und dich fragst, wie macht sie das, warum trifft sie diese Entscheidung? So ziemlich die meisten Entscheidungen werden basierend auf dem, was ich im Referenzbild sehe, getroffen. Das wird definitiv eine wichtige Lektion sein , die Sie in Bezug auf die Erstellung Ihrer eigenen Arbeit nehmen müssen. Wenn Sie Dinge erstellen möchten, die mehr oder weniger realistisch sind. Wirklich genau auf die Referenz zu achten und die Gewohnheit zu entwickeln die Referenz jedes Mal zu betrachten, bevor Sie eine Farbe wählen, jedes Mal, bevor Sie sie auflegen. Konsultieren Sie dieses Referenzbild, um sicherzustellen, dass Sie nah an der Realität sind oder wenn Sie sich von der Realität entfernen, dass Sie es mit Absicht und mit einem Plan tun. anderen 10-20 Prozent, die ich erfinde, während ich mitgehe, es ist immer noch von der Realität informiert, weil es durch das, was ich in anderen Blumen gesehen habe oder was ich im wirklichen Leben gesehen habe, informiert ist. Aber zum Beispiel, eine Sache, die ich beschlossen habe, zu verstärken, dass ich nicht so viel in ihrer Referenz sehe, ist dieses dunklere, orangeigere Rosa in den äußeren Blüten. Ich will das tun, weil ich versuche, mit der Temperatur in der Blume herumzulaufen. Nicht durcheinander, aber seien Sie absichtlich mit der Temperatur. Ich möchte, dass die hellere Seite wärmer und die dunklere Seite kühler ist. Aber darin habe ich einige kühle Bereiche in den hellen Teilen und einige warme Bereiche in den dunklen Teilen. Der Grund, warum ich das hin und her mache, ist, dass es wirklich dieses schöne Gefühl der Vibration in der Farbe erzeugt. Es lässt es einfach so viel lebendiger und glühender und dynamischer aussehen, wie es eine echte Blume tut. In dieser Lektion war es mein Ziel, den Farbstift zu verwenden, um die Werte, die Farbe und das Detail der Hauptblüte weiter zu entwickeln . Sie können wahrscheinlich bekommen, dass das ein Thema in diesem Gesamtprozess ist nur eine allmähliche Entwicklung dieser drei Dinge. Der Wert, die Farbe und das Detail im gesamten Thema. zunächst auf die große Blüte konzentrierte, wählte ich meine Farben basierend auf dem Referenzbild aus. Eigentlich begann ich, indem ich alle meine Farben für das gesamte Stück auswählte, aber ich begann zuerst nur an der großen Blüte zu arbeiten. Ich fügte der großen Blüte nach und nach Definition und Detail hinzu, und ich zwickte Farbe und Sättigung, während ich mitging, all dies half, die Form der größeren Blüte zu beschreiben. Als ich mich entschied, vom Referenzbild in meiner Farbauswahl abzuweichen, habe ich es strategisch getan, wobei ich die ästhetischen Gesamtziele des Stückes im Auge habe und dafür sorgte, dass die Farbgeschichte diesen Zielen dienen würde. 7. Farbstifte -- kleine Blüte und Blattgrün: In Ordnung. An dieser Stelle mache ich ein wenig Arbeit an der zweiten Blume, der violetten Blume, der dunkleren Blume. Ich beginne damit, einige dieser Adern neu zu definieren. Ich benutze eine wirklich weiche Farbe, eine weiche gelbliche cremige Farbe. Ich will nicht mit reinem Weiß reingehen, weil das zu hart wäre. Aber ich fühle mich wie, wenn ich den Referenzbereich betrachte, die Basis der Blume, die immer noch das Grün hat. Die Ränder scheinen mir in den leichteren Teil der Pedale zu verschmelzen. Ich versuche, einige dieser helleren gelblichen Venenabschnitte mit dem grünlichen Abschnitt an der Basis der Blume zu verbinden , und versuche auch, es ein wenig mit einigen gelben Bereichen aufzuwärmen. Dann fange ich nach und nach an, den Spitzen der Blumen noch mehr Rosa hinzuzufügen. Dann beginnen, in etwas dunkler zu arbeiten, eine Granatapfelfarbe, eine magentafarbene Farbe, und dann ein wirklich dunkelviolett, um die tieferen dunkleren Bereiche der Blätter zu definieren. Ich mache eine, entschuldige mich, nicht die Blätter, die Blütenblätter. Ich mache dasselbe, was ich mit dem Aquarell gemacht habe, wo ich ziemlich genau auf die Anatomie der Blume achte und versuche, diese kleinen Grate, kleine Adern zu bewahren. Das ist ein Teil dessen, was an Adelia wirklich unverwechselbar ist. Wenn Sie ein Fan von diesem Genre der Arbeit sind, desto mehr wissenschaftliche, Vintage-inspirierte botanische Illustrationen. Sie werden feststellen, dass dies wirklich ein Schlüsselmerkmal in dieser Art der Arbeit ist. Ein Künstler kann etwas wirklich stilisieren und es sieht vielleicht nicht perfekt realistisch aus wie ein Foto. Aber sie sind sehr vorsichtig, um diese archetypischen Merkmale, so die Gesamtform des Blattes, die Gesamtform der Blütenblätter und alle Besonderheiten der Blütenblätter enthalten so die Gesamtform des Blattes, die Gesamtform der Blütenblätter . Diese Dinge sind alle wirklich wichtig, wenn Sie diese wissenschaftliche Illustrationsvibe schaffen wollen . Sie können ein bisschen ausdrucksvoller und stilisierter sein, aber Sie müssen immer noch zu jenen Ankern zurückkehren, die den Betrachter wirklich wissen lassen , was sie sehen, da das gibt ihm das Gefühl des Seins, eher eine wissenschaftliche Illustration oder etwas entweder botanisches Lehrbuch. In Ordnung. Ich werde das hier nochmal beschleunigen. Ich hüpfe einfach hin und her zwischen den dunkleren Purples, dass Mittelton-Rosa, und dann diese helleren mehr gedämpften Gelb für die Unterseite, die Adern in den Unterseiten und bewegen sich über die Blume versuchen, die Form zu entwickeln und die -Werte und die Farbe. In Ordnung. Jetzt werde ich an dieser Stelle anfangen, einige der Stiele und das Grün zu entwickeln. Die Stiele, Ich möchte, dass sie ziemlich einfach sein, weil die Blumen so kunstvoll sind und ich möchte, dass die Blumen im Mittelpunkt des Stückes stehen, aber ich muss immer noch einige Details an den Rändern hinzufügen, damit sie als dreidimensional gelesen werden aber ich muss immer noch einige Details an den Rändern hinzufügen . Hier fange ich an, das rechtsextreme Blatt zu entwickeln. Dies ist diejenige, die im Referenzbild nach hinten gerichtet ist. Es hat eine sehr kühle und gleichzeitig leichter, Aussehen als die anderen Blätter tun. Also gehe ich hin und her zwischen Celadon und Jadegrün und kleinen Bissen Gelb hier und da. Sogar ein paar kleine Bits von Weiß, um Dimension und Highlights hinzuzufügen. Ich versuche nur, es wirklich zart zu halten, wirklich weich , wirklich cool, aber zur gleichen Zeit, machen Sie es als dreidimensional lesen. In Ordnung. Jetzt füge ich einige der gleichen Umrisse hinzu, die gleiche Entwicklung zum Hauptstamm. Obwohl ich mit dem Aquarell einen Farbverlauf erstellen konnte, braucht es definitiv noch etwas Raffinesse. Ich gehe zurück mit den verschiedenen Grüns, die ich benutze, und einige von ihnen sind gesättigter, cooler, leichterer und dann einige mehr gedämpfte Art von Brownie Greens. In Ordnung. An dieser Stelle werde ich etwas mehr Details und das meiste Detail der kleinen Knospe, der Dahlienknospe, hinzufügen. Dieser hat viel Gelb in ihm für mich von allen grünen Elementen. Dieser ist der gelbe, also versuche ich, wirklich ein Gefühl für diesen violetten Bereich zu bekommen, der etwas dunkler aussieht als der Rest der Knospe. Aber ich möchte auch, dass es wirklich üppig und grün aussieht. Ich verstärke definitiv diese violette Farbe ein bisschen mehr als ich im Referenzbild sehe. Vor allem, weil ich möchte, dass es sich im Einklang mit den anderen beiden floralen Elementen anfühlt, und es ist weit hier unten, im unteren Teil der Komposition. Dieser Bereich ist auch grün. Ich wollte etwas von diesem Lila und etwas von dieser kleinen Farbe von der Spitze der Komposition nach unten bringen . Das ist, dass 10 bis 20 Prozent, wo ich es während ich gehe und Entscheidungen darüber, wie ich es aussehen möchte, die Unterstützung, den Stil und das Gesamtstück, anstatt nur die genaue Realität des Referenzbildes zu reflektieren. Ich gehe hier rein mit dunkelgrün, das ist der Prismakolor, das ist ihr Name für die Farbe dunkelgrün, die eigentlich nicht dunkler ist als das andere Grün, das ich benutzte, das in meiner linken Hand ist. Aber es ist viel gesättigter. Es ist wirklich dunkel und auch ziemlich gesättigt. Es hat eine schöne wachsartige üppige Gefühl, Grün. Es hilft dabei, das zu entwickeln. Ich gehe damit in einige der dunkleren Teile der Knospe und markiere sie dann mit etwas Weiß, etwas reinem Weiß. Moment entwickle ich das Detail in den anderen Blättern, die Blätter auf der linken Seite des Stückes unter der größeren Blüte. Diese, ich habe tatsächlich das Gefühl, ich habe den Wert so ziemlich, wo ich will, dass es mit einem Aquarell sein. Was wirklich schön ist, weil ich in der Lage, einige der helleren Grüns auf der Oberseite hinzufügen , um das Gefühl von Glanz und Wachs zu schaffen. Dann muss ich nur die dunkleren Grüns in ein paar Bereichen machen. Wie ich sagte, als ich an dem Aquarell arbeitete, hatte ich beabsichtigt, diese Mittelvene unberührt zu lassen , weil das ziemlich prominent ist und das ist eine dieser archetypischen Merkmale, von denen ich sprach. Ich möchte das wirklich präsentieren. Ich weiß nicht, ob Sie hier sehen können, aber wenn Sie wirklich genau in das Blatt schauen, den Abschnitt des Blattes, der mit dem Stiel verbunden ist, genau in der Mitte der Vene, gibt es eine kleine runde Fläche. Sie können das im Referenzbild sehen, und für mich ist das auch eines dieser charakteristischen Elemente. Diese beiden Bereiche, die Mittelvene und das kleine, verbindende runde Kreis-Ding. Ich versuche, beide leichter zu halten. Dann abgesehen davon, ich gehe einfach über die Oberfläche des Blattes mit den mehr gedämpften, helleren, kühlen Grüns und versuche dann, ein Gefühl von einigen der Venen mit den dunkleren Grüns zu geben. Es gibt so viele verschiedene Möglichkeiten, ein Blatt zu malen und zu zeichnen. Sie können wirklich genau sein und alle Venen wie jedes einzelne kleine Detail einschließen , oder Sie können überhaupt nichts tun oder Sie können die Venen dunkel machen oder Sie können die Venen hell machen, und wirklich gibt es Tonnen von Ansätzen je nachdem, wie realistisch oder stilisiert Sie wollen, dass es aussehen. Ich werde für ziemlich realistisch, aber auch ziemlich stilisiert. Ich möchte nicht alle Adern zeigen, aber ich möchte immer noch, dass die Blätter dimensional aussehen. Also, wo immer ich eine Vene in der Referenz sehe, das kann ein wenig von einer Falte oder eine Form und Dimension auf das Blatt hinweisen. Ich benutze, anstatt eine genaue Linie zu zeichnen, verwende ich die dunklere Farbe, um die unteren Bereiche des Forums und die helleren Farben nach unten zu drücken , um die Bereiche des Forums aufzurufen. Ich mache das im Laufe jedes Blattes, da jedes Blatt seine eigene Form und seine eigene Dimensionalität hat . In Ordnung. Ich werde es hier beschleunigen und ich mache diesen Prozess des Schiebens der dunkleren Teile und des Aufziehens der leichteren Teile, nach der allgemeinen Anatomie des Blattes, aber nicht wirklich Hinzufügen spezifischer super detaillierter Adern. In Ordnung. Hier bin ich weiterhin die Stängel zu entwickeln und versuche, diesen Stamm auf die gleiche Weise zu behandeln, wie ich den Stamm aus der Hauptblume behandelt habe . Ich versuche, diesen Gradienten zu verbinden und zu mildern. Jetzt arbeite ich am letzten Blatt und mache dasselbe, was ich mit den anderen Blättern gemacht habe. Weiter entlang bekomme ich mit diesen, ich lasse mich ein bisschen mehr im Detail raus. Einige der sichtbareren Venen, während immer noch versuchen, vor allem auf die Beschreibung der Form und der Form verlassen . In Ordnung. Jetzt möchte ich dem Stamm wirklich ein grafischeres, stilisiertes Gefühl geben. Ich werde etwas Schwarz hinzufügen, nur zu den Schattenbereichen, an der Unterseite, nur um zu versuchen, ihm zu helfen, dass mehr Vintage-Lithographie Gefühl. Während ich das Schwarz benutze, versuche ich wirklich vorsichtig zu sein, um es nicht zu übertreiben und immer noch nur ihre wirklich dunklen Grüns verwenden, die grün-braunen Farben, wo immer ich kann. Ich werde es hier beschleunigen, während ich weiter über andere Teile des Stiels gehe, zwischen den Grüns und Brauntönen hin und her springen und einfach nur versuchen, all diese Werte und Farben zu bekommen, richtig. In Ordnung. An dieser Stelle ist alles mehr oder weniger, wo ich es mit den Buntstiften will, aber ich ziehe ein wenig zurück und gebe euch Jungs mehr von der Vogelperspektive, wie ich über das gesamte Stück gehen, nur versuchen, eine von die letzten kleinen Details, die ich mit Buntstift hinzufügen wollte. Tweak einige Farbe in ein paar Bereichen, und nur stellen Sie sicher, dass ich mehr von diesem Sinn für Detail und Dimensionalität, wie ich wickeln Sie mit den Buntstiften. In Ordnung. An dieser Stelle bin ich mit den Buntstiften fertig. Ich werde als nächstes etwas Gouache hinzufügen, und wir werden darüber reden, was Gouache in dieser Lektion ist und warum ich es benutze. Aber ja, ich bin vorerst fertig mit Buntstiften und ich werde wahrscheinlich am Ende nach der Gouache noch etwas mehr tun. Ich bin mir nicht ganz sicher, an dem Punkt, an dem ich das erstelle. Aber vorerst ist das mit Buntstiften. In Ordnung. Wieder Zeit für einen kurzen Rückblick. In dieser Phase des Gemäldes war mein Hauptziel, der kleineren Blüte und dem Grün Form, Definition und Detail hinzuzufügen . So sind die gleichen Ziele die letzte Lektion, die ich gerade auf einen anderen Bereich des Gemäldes konzentriert. Ich habe weiterhin meist kühle Grüns in den Blättern verwendet, so wie ich es in diesen oberen Schichten von Aquarellen getan habe, also möchte ich wirklich weiter in diese Richtung gehen, und ich habe die kleinere Blüte mit einem größeren eine, indem es dunkler und viel gesättigter macht. Ich bin weiterhin gewissenhaft darüber diese archetypischen und unverwechselbaren Details des Themas einzubeziehen, also die Formen der Blätter, die Adern, die Formen der Blütenblätter, all die Dinge, die es wirklich machen Sieht aus wie Adelia. 8. Gouache: Willkommen zurück. An dieser Stelle habe ich die Illustration auf ein ziemlich hohes Maß an Detail gebracht. Oft mache ich in meinem Prozess meist nur Aquarell in Buntstift, und mache nicht einmal wirklich den Gouache-Schritt oder wenn ich es tue, ist es nur in wirklich winzigen Details. Aber für diese Illustration und für diese Skill-Share-Klasse im Allgemeinen halte ich diese super authentisch und ich nehme nur euch Jungs mit mir in diesem Prozess und lasse es natürlich entfalten. Ich hatte nicht unbedingt vor, Gouache mit Sicherheit aufzunehmen, aber an diesem Punkt denke ich, dass die Illustration es braucht, um mir zu helfen, einen genaueren Wert von Lichtern und Dunkelheiten in der Illustration zu entwickeln. Dann denke ich auch, dass es einige Bereiche gibt, die ich vielleicht ein wenig neutral in den Farben bekommen habe , und ich muss es mehr in Richtung gesättigt zurückschieben. Ich denke, die meiste Arbeit wird in der Hauptblüte getan werden und ich werde ein paar verschiedene Marken hauptsächlich Holbein Acryl Gouache verwenden, aber ich habe auch Winsor Newton. Ich denke, Gouache, die ich benutze, die Holbein-Gouache ist auf Acrylbasis, was bedeutet, dass sie nicht reaktiviert, wenn es nass ist. Einige Gouache, auch wenn es trocken ist, können Sie wieder Wasser hinzufügen und es reaktivieren, wie Sie es mit bestimmten Arten von Aquarell können, aber mit Acryl-Basis Gouache, sobald es trocken ist, ist es trocken. Der Grund, warum ich Acryl-Basis Gouache verwende, ist weil ich über die Oberseite des Buntstiftes gehe. Es gibt immer noch viel Oberfläche, die nicht mit Buntstift berührt wurde, aber die Oberfläche, die mit Buntstift berührt wurde , hat eine gute Menge an Wachs darin. Ich würde nicht wirklich in der Lage sein, über die Spitze zu gehen, wäre etwas, das nur Wasser basiert wie Aquarell, es würde nur Pille auf der Oberfläche und nicht wirklich sinken in. Aber da die Acrylgouache einen Kunststoff- oder Polymerbinder dazu hat, kann ich sie über die Oberseite der Buntstifte legen. Ich arbeite nur meinen Weg über die Oberfläche mit diesem Weiß anfänglich versucht, die Werte dorthin zu bringen, wo ich sie will. Wieder, ich bin einfach wirklich ehrlich und transparent mit euch Jungs über meinen Prozess, was passiert ist in mir das Gefühl, die rechte Seite der Blüte ist, dass ich ein bisschen zu neutral und vielleicht ein bisschen zu dunkel wurde. Ich versuche, es wieder ein wenig aufzuhellen und ich denke, ich werde auch etwas mehr Sättigung hinzufügen. Teil des Grundes, warum ich mit euch wirklich transparent bin was meine Prozesse in dieser Phase mögen, ist, dass ich hoffe, dass eines der Dinge, die diese Klasse kommunizieren kann, ist, dass die Arbeit in gemischten Medien, EinTeil des Grundes, warum ich mit euch wirklich transparent bin, was meine Prozesse in dieser Phase mögen, ist, dass ich hoffe, dass eines der Dinge, die diese Klasse kommunizieren kann, ist, dass die Arbeit in gemischten Medien, eine wirklich gute Möglichkeit sein, mit einigen der Kurvenkugeln umzugehen, die kommen können, wenn Sie Kunst machen. Es kann Ihnen erlauben, Dinge zu optimieren und ein Medium auszuwählen , das das einzigartige Problem lösen wird, mit dem Sie es zu tun haben. In dieser Situation für mich war das Gouache und sie brauchten etwas, das an den Farbstiften kleben und ziemlich undurchsichtig sein würde . Während es vielleicht nicht Teil meiner ersten Spielplan gewesen, ist es, was am Ende passiert und das ist ziemlich genau, wie ich so ziemlich jedes Stück erstellen. Ich werde anfangen zu wissen, ja, sicher werde ich einige Aquarell- oder Aquarellstifte verwenden, und dann werde ich auf Buntstifte hinzufügen. Ich mache so ziemlich immer diese beiden Dinge, aber wenn es um die letzten Schichten geht, könnte ich einfach ein paar kleine Details mit einer Sharpie Farbpfanne machen, oder ich könnte etwas viel umfangreicheres tun, wie ich hier mit der Gouache mache. Ich könnte sogar etwas anderes machen, wie ein Wachspastell oder ein Ölriegel. Im Grunde habe ich mir das Stück sagen lassen, was es braucht, und für dieses Stück in dieser Situation sagte es mir, dass es Gouache brauchte, also tun wir, was wir tun. An diesem Punkt fange ich an, etwas Farbe zu mischen und ich versuche , etwas Wärme zurück in das Innere einiger dieser Pedalbereiche hinzuzufügen, und diese hatten Gelb in ihnen, aber ich fühlte mich einfach, als wäre es nicht ganz gesättigt genug. Umzug auf die Gouache, wie der Farbstift soll ermöglicht es mir, einige der neutralen, gedämpften Farben, die ich dort unten mit einem gesättigten Farben hatte zu vertuschen . Ich hätte einfach mit dem gesättigteren Farbstift über die Spitze gehen können, aber die Buntstifte haben einfach nicht das gleiche Maß an Kapazität wie die Gouache. Ich beschleunige es hier wieder einfach weiter diese Wärme hinzu, das goldgelb, die Farbe, die ich benutze, ist wieder ein Cadmium-Typ gelb. An diesem Punkt habe ich ein wenig Magenta auf meine Palette gelegt und das mit etwas Weiß gemischt, und ein kleines bisschen kühleres Gelb, um zu versuchen, einen kühleren rosa Ton zu schaffen , der auf der Außenseite einiger der Blütenblätter auf der rechten Seite der Blüte. Auch hier mache ich das gleiche wie das gleiche Ziel im Auge, das Niveau der Sättigung zu erhöhen, und ich versuche auch, sicherzustellen, dass ich die Blütenblätter, die auf der rechten Seite der Blüte sind, behalte . Halten Sie das Rosa in diesen Blütenblättern zumindest, eher eine kühlere Farbe, um es wirklich zu helfen, als Schatten zu lesen. Ich nutze auch diese Gelegenheit, um einige strukturelle Details des Blütenblattes hinzuzufügen. Im Referenzbild fühle ich mich, als würde ich einen streunenden Pianisten zu bestimmten Blütenblättern sehen. Ich erlaube mir, mit der Anwendung der Farbe hier ein bisschen mehr Grafik zu bekommen , um zu versuchen, diesen Effekt wirklich zu kommunizieren. Nun, an diesem Punkt werde ich mein Papier wieder drehen und ich werde nur ein wenig an der kleineren Blüte arbeiten. Nun, das braucht nicht viel, aber ich möchte noch ein paar Bereiche hinzufügen, die intensivere Farbe in den Spitzen der Blütenblätter. Die Bereiche, die wirklich auffangen das Highlight. Ich fühle mich, als ob ich etwas zu entsättigt wurde, also möchte ich etwas hinzufügen, das nicht sehr leicht, aber sehr gesättigt und gleichzeitig etwas leicht ist. Ich habe im Grunde nur das Magenta verwechselt und es ein wenig mit dem Weiß aufgehellt, so ist es sehr gesättigt. Wurde nicht wirklich niedergeschlagen überhaupt mit irgendeiner freien Farbe. Ich bin nur auf einige der Highlights in dieser Blüte und ich möchte wirklich das meiste reine Weiß für die große Blütereservieren meiste reine Weiß für die große Blüte , denn das ist so viel leichter als die kleine Blüte. Eine Farbe als Highlight hier in der kleineren Blüte zu haben , wird mir wirklich helfen, das zu tun. Ich bin gerade hier mit einer Gouache fertig, ich habe sie so ziemlich nur auf den beiden Blüten benutzt. Meistens, vor allem, wie Sie auf der größeren Blüte mit ein wenig auf der kleineren Blüte gesehen haben , aber nicht wirklich jede auf den Blättern oder dem Grün verwendet haben und das ist , weil das wirklich die einzigen Orte sind, die ich fühle, wie es war benötigt werden. Ich werde jetzt aufhören und es trocknen lassen und danach werde ich weitergehen, um den letzten Schliff zu machen und dieses Stück eingewickelt zu bekommen. Eine kurze Rezension. Mein Hauptziel in dieser Phase des Gemäldes war es, Gouache zu verwenden, um die Farbe und den Wert zu korrigieren, die in der großen Blüte ein wenig von Kilter bekommen hatten. Ich habe darüber gesprochen, wie die Verwendung von gemischten Medien dazu nützlich sein kann, um Fehler zu korrigieren, und dann habe ich eine weiße Gouache auf Acrylbasis verwendet , um einige der Bereiche aufzuhellen, die zu dunkel geworden waren, und dann benutzte ich farbige Acrylbasis Gouache , um Sättigung hinzuzufügen und die Temperatur zu optimieren. 9. Letzte Schliffe: Wir sind hier auf der Heimstrecke. Ich habe Schichten von Aquarell, Schichten von Buntstift gemacht , und dann haben wir gerade die Schichten von Gouache fertig , die ich verwendet habe, um die Werte in die Sättigungsstufe der Blüten zu zwicken und seit der Gouache hat etwas von einer anderen Textur als der Rest der Medien. Ich werde jetzt wieder in über die Gouache mit einigen Buntstiften nur in sehr kleinen Mengen gehen , um die Textur der farbigen Bleistift-Schicht und der Gouache-Schicht zu weben und sicherzustellen, dass nichts auffällt oder zu viel Aufmerksamkeit zu sich selbst. Ich beginne gerade mit magenta Buntstift und einem helleren rosa gefärbten Bleistift und weicher einige der Ränder, wo die weiße Gouache trifft die anderen Farben in den Blütenblättern der Blüte. arbeite mich einfach überall herum, wo ich wirklich harte Kanten sehe oder irgendetwas , das wirklich herausspringt und es nur ein wenig mit dem Farbstift weicher macht. Nun ist der Grund, warum das funktioniert, der Grund, warum ich in der Lage, Buntstift zu tun, dann Gouache mehr Buntstift auf der Oberseite ist, weil ich eine Acryl-Gouache verwende. Ich möchte diesen Punkt nochmals betonen. Ich weiß, dass ich in der letzten Lektion darüber gesprochen habe, aber wenn Sie eine nicht-Acryl-Basis-Gouache verwenden, wird die Gouache nicht die gleiche Haftkraft haben. Acryl eignen sich hervorragend zum Aufkleben auf allen verschiedenen Arten von Oberflächen und wirklich festhalten, solange es etwas für sie gibt, um sie zu greifen. Solange noch etwas Papiertextur durchscheint. Aber wenn man versucht, dies auf einer nicht-Acrylbasis Gouache zu tun, würde potenziell dazu führen, dass die Farbe abblättert , wenn man den Druck des Buntstiftes verwendet. Eine weitere tolle Sache über Gouache, das ist alles Gouache, nicht nur Gouache auf Acrylbasis, aber es hat eine sehr matte Textur. Insbesondere die Acryl-Basis-Gouache hat diese matte Textur. Sie können leicht Buntstifte oben darauf verwenden da sie etwas zu halten haben, im Gegensatz zu wie eine wirklich glänzende Acrylfarbe. Ich weiß, dass einige Leute Buntstifte auf Acrylfarbe verwenden, aber für mich hatte ich immer mehr Glück mit Gouache. An dieser Stelle schalte ich zu einem Sharpie Farbstift um. Also, was ich hier tun ist, ich bin nur das Hinzufügen ein wenig teeny-winzigen weißen Highlights überall wo ich sehe eine wirklich helle Highlight, dass ich es als wirklich weiß ohne Färbung lesen möchte. Ich gehe mit dem Sharpie Farbstift und das ist auch die feine Spitze Version. Sie haben ein Medium und eine schwere, ich kann mich nicht erinnern, ob sie es eine schwere oder mutige nennen, aber sie haben drei verschiedene Größen. Dies ist die kleinste Größe des Farbmarkers auf Wasserbasis. Wie Sie sich vorstellen können, werden die meisten dieser Highlights auf der helleren Seite der helleren Blüte gehen. Dort konzentriere ich mich anfangs sehr viel von meiner Anstrengung. Dann werde ich meinen Weg nach unten arbeiten, indem ich einige dieser Highlights in den Stielen und an den Rändern der Blätter hinzufüge. Die Blätter, die ich gerne haben möchte, wie eine wirklich schöne fast saftige oder wachsartige Optik. Der Sharpie Farbstift wird großartig sein, um diese kleinen, undurchsichtigen weißen Highlights hinzuzufügen , die den Blättern wirklich ein frisches, saftiges Aussehen verleihen. Wenn ich jemals zu viel hinlegen, tupfe ich es einfach wirklich schnell mit meinem Finger und das nimmt etwas von dem Pigment ab und klopft etwas von der Intensität. Hilft es, als ein wenig weicheres Highlight zu lesen. Ich binde nur hier ein und ich glaube, das war's. Ich glaube, das Stück ist alles erledigt. Für den letzten Schliff war mein Hauptziel, die Gouache zu mischen, die Schichten von Gouache, die ich im letzten Abschnitt hinzugefügt hatte, um diese in den Farbstift zu mischen und ein paar letzte Highlights hinzuzufügen. Ich verwende einen zusätzlichen Farbstift, um diese Kanten der Gouache zu erweichen und zu helfen, das Stück zusammenhängend aussehen zu lassen, so dass es keine harten offensichtlichen Kanten gab. Dann habe ich ein bisschen mehr darüber gesprochen, warum es funktioniert, Acrylgouache auf Farbstift zu verwenden, und warum Sie Farbstift auf Acrylgouache verwenden können. Dann schließlich habe ich einen weißen Farbstift verwendet, um nur wirklich kleine kleine letzte Highlights hinzuzufügen. Hier ist das fertige Stück. Ich bin wirklich zufrieden, wie es sich herausstellte. Ich habe das Gefühl, dass es eine gute Balance zwischen Stilisierung und Realismus findet und einige Dinge hervorruft, die ich wirklich genossen habe an den Vintage botanischen Illustrationen, die wir am Anfang, in der Inspiration Abschnitt. Hier ist auch ein Scan der Illustration. In der letzten Lektion werden wir über das Klassenprojekt sprechen, wie das ausgeführt wird, und andere Dinge, um den Kurs abzuschließen. Ich werde Sie in dieser letzten Lektion sehen. 10. Fertigstellung: Willkommen zurück. Um diesen Kurs abzuschließen, werden wir das Klassenprojekt besprechen. Bevor wir das tun, möchte ich einen Haftungsausschluss wirklich schnell erwähnen, und das ist, dass die Erstellung dieses Stückes, das Sie gerade gesehen haben, das komplette in der Klasse tatsächlich über zehn Stunden dauerte. Obwohl dieser Prozess in weniger als ein paar Stunden Filmmaterial verdichtet wurde, und selbst das ist eine lange Klasse für Skill Share. Die Realität ist, dass diese Art der Arbeit zeitaufwendig ist und ein großes Engagement für die Zeit erfordert. Ich erwähnte, dass, weil Nummer 1, wenn Sie sich entscheiden, etwas in diesem Stil zu tun und es dauert eine lange Zeit, ich will nicht, dass Sie fühlen, dass Sie etwas falsch zu tun. Ich brauche auch eine lange Zeit. Es ist nur so, wie es geht, wenn Sie ein detaillierteres realistisches Aussehen erstellen möchten. Der andere Grund, warum ich es erwähnte, ist, dass du es nicht so machen musst. Wenn Sie entweder einen einfacheren Ansatz konzeptionell verfolgen möchten, wo Sie ein Thema machen, das vielleicht nur ein oder zwei Elemente anstelle mehrerer Elemente wie dieses hat, könnte das es schneller machen. Wenn Sie sich für einen anderen Blumenstil entscheiden, so etwas wie eine Tulpe, die nicht eine Tonne von all diesen kleinen Blütenblättern und so vielen Details hatte, würde das auch schneller machen. Vielleicht sind Ihre Stile einfach anders. Vielleicht ist es nicht so realistisch oder nicht so detailliert, und das ist alles völlig in Ordnung. Wir alle haben unsere verschiedenen Stile, unsere einzigartigen Stile und einzigartige Wege, Dinge zu nähern. Aber unabhängig davon, welche Perspektive Sie damit zu Ihnen kommen, ob Sie versuchen werden , es genau so zu tun, wie ich es getan habe, oder Wenn Sie versuchen, es zu optimieren und es für Ihren eigenen Prozess zu ändern, die Schritte zum Erstellen Ihrer Vintage-inspirierte botanische Illustrationen sind im Grunde das, was wir in der Klasse übergegangen sind. Ich werde ihnen hier eine kurze Rezension geben. Nummer 1, Sie möchten beginnen, indem Sie Ihre Inspiration sammeln. Du kannst Pinterest dafür verwenden, wie ich es getan habe und eine Pinnwand machen. Sie können es physisch tun, Sie können Bilder aus einem Magazin ausschneiden und sie auf eine Plakatwand kleben, oder Google-Bilder verwenden und sie auf Ihrer Festplatte speichern. Wie auch immer Sie sich inspirieren lassen, gehen Sie dafür. Sobald Sie alles gesammelt haben, verbringen Sie einige Zeit damit, sich Inspiration anzuschauen. Lehnen Sie sich zurück und werfen Sie einen Blick auf alles, was Sie zusammengezogen haben, und stellen Sie sich ein paar Fragen darüber, was Sie an diesen Stücken inspiriert? Warum magst du diese Stücke? Was sind die spezifischen Elemente, die Sie zu ihnen gezogen haben oder die Sie dazu gebracht haben, sie inspirierend zu finden und zu suchen, wo Sie gemeinsame Themen sehen und die Inspiration kommen immer und immer wieder. Ich mag die Form der Blätter oder ich mag die Farben in diesem. Ich mag es, wie dieser den Querschnitt beinhaltet, was auch immer es ist, jene Dinge , die dich immer wieder in die Stücke ziehen, die immer wieder auftauchen. Das sind die Qualitäten der Inspiration, die Sie in Ihrer eigenen Komposition hervorrufen möchten. Sobald Sie diese Liste haben, erstellen Sie Ihre grobe Komposition, zieht sich aus den Themen, die von der Inspiration, die Sie in diesen anderen Bildern gefunden haben. Vor allem, wenn Sie realistisch arbeiten wollen, ist der wichtige Schritt, einige Referenzbilder zu sammeln. Ich benutze meine eigenen Bilder, weil ich es bevorzuge zu kontrollieren. Aber Sie können auch online schauen, Bilder auf diese Weise finden. Wenn Sie keine eigenen Bilder von Fotos haben, können Sie auch versuchen, in einen Blumenladen oder ein Gartencenter zu gehen und Fotos auf diese Weise zu machen. Das Wichtigste an diesem Schritt ist, dass Sie Referenzen zusammenziehen, die tatsächlich innerhalb der Komposition funktionieren, und den Stil, den Sie erstellen möchten, dann eine Skizze erstellen, die auf der Kombination von Ihr kompositorisches Layout und Ihre Referenzbilder. Dann übertragen Sie diese Skizze auf Ihr Kunstpapier und verwenden Sie Aquarell oder Marker bewässert Acryl, was auch immer Ihr Mittel der Wahl für diese frühen Schichten ist, eine Untermalung zu erstellen. Dann können Sie mehr Details mit Buntstift hinzufügen, wie ich es getan habe oder mit einem anderen Medium, wenn Sie ein anderes Medium bevorzugen. Viele Leute machen nur 100 Prozent Aquarell. Für botanische Illustration, die wirklich gut funktionieren kann. Sie können auch Markierungen über Aquarell legen. Stellen Sie einfach sicher, dass, wenn Sie verschiedene Medien kombinieren , dass Sie einige Tests durchführen werden. Wattiert zuerst, um sicherzustellen, dass sie gut übereinander liegen. Schließlich, wenn Sie das Gefühl haben, dass Sie das Stück ziemlich nah an getan haben, machen Sie einen Schritt zurück von ihm für einen Tag, und dann kommen Sie zurück und schauen Sie es mit frischen Augen und passen Sie und machen Sie irgendwelche Anpassungen. Wenn Sie irgendwelche Fehler gesehen haben, nehmen Sie sich die Zeit, diese zu beheben, vor allem, wenn Sie viel Zeit in ein Stück investieren. Es lohnt sich, am Ende zu tun, nur um es das letzte kleine Stück von gut bis erstaunlich zu nehmen . Nun, wie Sie vielleicht bereits von allem anderen erraten haben , was ich in diesem Abschnitt gesagt hatte, sollten Sie sich völlig frei fühlen, diese Schritte zu modulieren , aber Sie möchten den Prozess optimieren, am besten Ihren Bedürfnissen entspricht. Wenn Sie einen bestimmten Schritt überspringen oder ein anderes Medium verwenden und einen anderen Ansatz verfolgen möchten, sollten Sie das gerne tun. Was auch immer Sie tun, ich hoffe, Sie nehmen sich die Zeit, um Ihre Arbeit in den Klassenprojekten zu teilen. Ich tue mein Bestes, um jedes einzelne Projekt zu betrachten, ich liebe es zu sehen, was ihr alle macht, und ich weiß, dass eure Klassenkameraden es auch tun. Wenn Sie Ihre Arbeit in sozialen Medien teilen möchten, zögern Sie nicht, mich zu markieren. Ich bin bei KendyllHillegas sowohl auf Instagram als auch auf Twitter. Ich liebe es, Schülerarbeit zu teilen, ich liebe es, sie zu retweeten und sie in meine insta Geschichten aufzunehmen. Schließlich, zögern Sie nicht, alle Fragen, die Sie in der Klassendiskussion Abschnitt haben, zu hinterlassen, und wenn Sie in der Lage sind und Sie die Zeit haben, würde ich eine Klassenbewertung zu schätzen wissen. Vielen Dank, dass Sie meine Klasse besucht haben. Ich hoffe wirklich, dass es wertvoll war. Ich hoffe, Sie haben es genossen, meinen Prozess zu sehen und einige neue Dinge und neue Konzepte zu lernen , die Sie daraus nehmen und auf Ihr eigenes Kunstwerk anwenden können. Ich bin so aufgeregt zu sehen, was du machst. (MUSIK)