Live-Musikfotografie 101: Fotografieren und Bearbeiten von Gig-Fotos

1. Einführung: Willkommen bei Live-Musikfotografie 101. Dieser Kurs vermittelt die Grundlagen der Live-Musikfotografie, egal ob Sie ein Fotograf sind, der professionell werden möchte, oder ob Sie ein Gelegenheitsgigant sind, der ein bisschen besser darin Live-Musikfotografie, egal ob Sie ein Fotograf sind der professionell werden möchte, oder ob Sie ein Gelegenheitsgigant werden möchte, bei Live-Auftritten zu fotografieren. Wir werden uns all die Dinge ansehen , die ich mir zu Beginn meiner Karriere gewünscht hätte , von Aufnahmen bei schlechten Lichtverhältnissen bis hin zur Erklärung interessanter Aufnahmen. Meine besten Tipps für die Vorproduktion und natürlich , was Sie in Ihre Fototasche packen sollten. Mein Name ist Sophia Carey und ich bin eine Fotografin, die sich auf Live-Musikfotografie spezialisiert hat. Ich begann meine Karriere mit dem Fotografieren kleiner Veranstaltungsorte und Auftritte in meiner Region, hauptsächlich in den Genres Grime und Hip Hop. Bevor wir uns der Live-Musikszene in Großbritannien sowie einigen der größten britischen Festivals widmeten. Ich habe an verschiedenen Orten gearbeitet, von kleinen Clubs bis hin zu großen Festivalorten im Freien. Ich werde die besten Tipps durchgehen, die ich in fast einem Jahrzehnt Arbeit in dieser Branche gelernt habe . Dieser Kurs wird in drei Abschnitte unterteilt: die Vorproduktion, den Drehprozess selbst und Postproduktion, sodass wir in der Lage sind alles von vor der Veranstaltung, während der Veranstaltung und nach der Veranstaltung bis hin zum Auswählen, Bearbeiten und Abliefern abzudecken während der Veranstaltung und nach der Veranstaltung hin zum Auswählen, Bearbeiten . Am Ende dieses Kurses sollten Sie sich wohl fühlen, um an einer beliebigen Live-Musik-Veranstaltung teilzunehmen und die Momente festzuhalten, die sich vor Ihnen abspielen. Ich werde nicht viel mehr sagen. Lassen Sie uns direkt von der nächsten Lektion träumen , in der wir die Klassenprojekte besprechen werden . 2. Kursprojekt: Vielen Dank, dass Sie sich für diesen Kurs entschieden haben, in es um Live-Musikfotografie geht. Während des gesamten Kurses werden wir uns mit jedem Element des Fotografierungsprozesses von Live-Musik befassen, von der Vorproduktion bis hin zur Postproduktion. Für die Klassenprojekte möchte ich, dass du zu einem Auftritt gehst, sei es in deiner Nähe oder etwas Größeres, und drei Fotos machst; eines, und drei Fotos machst; das sich auf das Publikum konzentriert, eines, das sich auf die Produktion konzentriert, und eines, das sich auf den Künstler konzentriert. Wenn es um die Produktion geht, kann das alles sein, vom Bühnenbild bis zur Beleuchtung aber darauf werden wir später in der Klasse näher eingehen. Sie können diese drei Fotos der neuesten spiegellosen Kamera oder mit einem iPhone oder einem ähnlichen Telefon aufnehmen. Was Sie für die eigentlichen Fotos verwenden, spielt keine Rolle. Während dieses Prozesses werden wir untersuchen, wie Sie eine Vielzahl verschiedener Geräte verwenden können eine Vielzahl verschiedener Geräte um Live-Musikfotos aufzunehmen. Dieser Kurs sollte Ihnen eine gute Idee geben, wie Sie diese drei Treffer erzielen können. Lassen Sie uns direkt loslegen und mit der Vorproduktion beginnen. 3. Einführung in die Vorproduktion: Vorproduktion ist der erste natürliche Schritt in jedem fotografischen Prozess. Es bezieht sich auf die gesamte Arbeit, die Sie vor der Veranstaltung oder dem Dreh selbst erledigen vor der Veranstaltung oder dem Dreh , um diesen Prozess so reibungslos wie möglich zu gestalten. Die Vorbereitung ist wie bei jedem Fotoshooting sehr wichtig, da die Fotografie unvorhersehbar ist, insbesondere wenn es um Ereignisse geht. Wenn du dich so gut wie möglich auf die Dinge vorbereiten kannst , die du kontrollieren kannst, wird es ein bisschen einfacher sein, mit den Dingen umzugehen, die du nicht kontrollieren kannst . In diesem Abschnitt des Kurses werden wir uns ansehen, wie Sie Ihren Presseausweis, Ihren Fotoausweis, sichern können , mit dem Sie den Veranstaltungsort betreten können. Wir werden auch über den Zugang zum Veranstaltungsort sprechen, was das bedeutet und warum Sie möglicherweise am Veranstaltungsort sein dürfen. Dann werden wir Ihre Auswahlliste und Ihren Zeitplan verstehen . Ich denke, dass der Vorproduktionsprozess letztendlich der wichtigste Aspekt jedes Fotoprozesses ist . Wenn du die Vorproduktion richtig hinkriegst, wird alles andere sie verlangsamen. In der nächsten Sitzung werden wir mit dem Vorproduktionsprozess beginnen und herausfinden, wie Sie Ihren Fotopass erhalten und Zugang zu den Dreharbeiten am Veranstaltungsort erhalten. 4. Ihren Fotopass erhalten: Bevor wir uns mit allen Details des Vorproduktionsprozesses befassen, ist es wichtig zu verstehen, wann Sie eine professionelle Kamera an einen Veranstaltungsort mitbringen können und wann nicht. Für diejenigen unter Ihnen , die auf Ihrem Handy oder in einer kleinen Hosentasche fotografieren, ist dies oft kein Problem. Einige Veranstaltungsorte, insbesondere größere Veranstaltungsorte, erlauben es Ihnen jedoch nicht, DSLRs, spiegellose Kameras oder professionell aussehende Kameras mitzubringen spiegellose Kameras oder . Normalerweise gilt die Regel, dass Sie es nicht mitbringen können, wenn es ein abnehmbares oder austauschbares Objektiv hat , wenn es ein abnehmbares oder austauschbares Objektiv . Davon abgesehen haben einige kleine Veranstaltungsorte diese Regel nicht und Sie können Ihre Kamera mitbringen, aber es ist wichtig, dass Sie sich vorher erkundigen. Normalerweise haben Orte es auf ihrer Website. Sie haben alles detailliert darüber , ob Sie eine Kamera in einen Veranstaltungsort mitbringen können oder nicht . Wenn Sie Zweifel haben, können Sie sich jederzeit an sie wenden und sie fragen. Um mit Ihrer Kamera Zugang zu diesen größeren Veranstaltungsorten zu erhalten, benötigen Sie einen sogenannten Fotoausweis oder Presseausweis. Dies ist im Wesentlichen eine Akkreditierung, die die Sicherheit und das Personal dort darüber Fotoausweis oder Presseausweis. Dies ist im Wesentlichen eine Akkreditierung, informiert , dass Sie eine Kamera mitbringen dürfen. Wenn es darum geht, Ihren Fotopass zu erhalten, gibt es normalerweise drei Möglichkeiten, wie Fotografen Zugang erhalten. Entweder indem du für eine Publikation fotografierst, egal ob es sich um ein Magazin oder einen Online-Blog handelt, du direkt für die Künstler drehst. Sie könnten von den Künstlern selbst, ihrem Management oder ihrem Label engagiert werden. Oder drittens, für den Veranstalter oder den Veranstaltungsort selbst zu drehen . Oft ist es am einfachsten, sich über Publikationen Zugang zu verschaffen, sodass die meisten Fotografen ihre Presseausweise erhalten würden. Aber natürlich können Sie versuchen, alle drei zu erreichen , egal ob es sich um Publikationen, Künstler oder Veranstaltungsorte handelt. Stellen Sie einfach sicher, dass Sie Ihr Portfolio oder Ihren Link zu Ihrem Online-Portfolio in Ihre E-Mail aufnehmen . Sobald Sie sich Ihren Fotopass gesichert haben , der Ihnen durch eine schriftliche Mitteilung bestätigt werden sollte , ist es Zeit, auf den Tag der Veranstaltung zu warten. nicht gebeten wurden , zu einer bestimmten Wenn Sie die gesamte Show drehen, kann es eine gute Idee sein, ungefähr zur gleichen Zeit anzukommen, zu der sich die Türen öffnen, sofern Sie Zeit anzukommen . Wenn du einen bestimmten Künstler fotografierst, dann vielleicht 20 Minuten, eine halbe Stunde, bevor dieser Künstler auf die Bühne geht. Wenn Sie am Veranstaltungsort ankommen, müssen Sie die Akkreditierung beantragen. Normalerweise ist die Sicherheit sehr hilfreich, wenn es darum geht, Sie zu der Tür oder dem Eingang zu leiten zu der Tür oder , zu dem Sie möglicherweise gehen müssen. Sobald Sie am Eingang sind, überprüft der Sicherheitsdienst im Grunde einfach Ihren Namen anhand einer Liste und prüft , ob Ihr Name dort steht. Sie geben Ihnen den richtigen Ausweis, mit dem Sie überall hingehen können, wo Sie als Fotograf sein dürfen. Wenn Sie Ihren Pass haben und sich nicht sicher sind, Wenn Sie Ihren Pass haben und sich nicht sicher sind wohin Sie gehen dürfen, fragen Sie einfach den Sicherheitsdienst wohin Sie gehen dürfen, fragen Sie einfach den Sicherheitsdienst. Sie können Ihnen die richtige Richtung weisen und Ihnen mitteilen , wo Sie darauf zugreifen können und wo nicht. Nachdem Sie Ihren Pass gesichert haben, ist es an der Zeit, den Veranstaltungsort zu betreten und zur Bühne zu gehen , auf der Sie drehen werden. Nehmen Sie an der nächsten Lektion teil, in der wir über alles sprechen werden, was mit dem Veranstaltungsort zu tun hat. 5. Den Veranstaltungsort erkunden: In dieser Lektion werden wir über all die Dinge sprechen, die Sie über einen Veranstaltungsort wissen müssen, angefangen beim Zugang zum Veranstaltungsort. Wie in der letzten Lektion erwähnt, ist es sehr wichtig zu verstehen, welchen Zugang Sie innerhalb des Veranstaltungsortes haben werden. Es ist wichtig, dass Sie wissen, wo Sie sein werden, wo Sie sein dürfen, und dass Sie Ihre Aufnahmen entsprechend planen können. Dies wird Ihnen bei vielen Ihrer Entscheidungen im Vorproduktionsprozess helfen , z. B. bei der Auswahl Ihrer Objektive oder der Ausrüstung, die Sie mitbringen werden. Du solltest die Person, die dich engagiert hat, fragen können wo du an diesem Tag Zugang haben wirst. Wie in der letzten Lektion erwähnt, Sie am Tag der Veranstaltung jederzeit den Sicherheitsdienst fragen, wenn der, der Sie eingestellt hat, es nicht weiß können Sie am Tag der Veranstaltung jederzeit den Sicherheitsdienst fragen, wenn der, der Sie eingestellt hat, es nicht weiß. Normalerweise haben Sie einen besseren Zugang, wenn Sie für den Veranstaltungsort oder einen Künstler drehen, als wenn Sie für eine Veröffentlichung drehen würden. Die verschiedenen Zugangsarten, die Sie beachten sollten , sind der Bühnenzugang, bei dem Sie mit dem Künstler auf der Bühne sein können, und der Zugang zu den Boxen, bei denen Sie sich in einem Bereich befinden, der normalerweise direkt zwischen Publikum und Bühne liegt. Vorderseite des Hauses, die sich normalerweise auf der Rückseite des Veranstaltungsortes befindet und Ihnen einen Blick auf das Publikum und die Bühne bietet. Je nach Veranstaltungsort gibt es möglicherweise andere, weniger häufig genutzte Bereiche und Aussichtspunkte, zu denen Sie Zugang haben. Diese drei sind jedoch oft die typischsten. An vielen Orten kannst du nur für die ersten drei Songs drehen, vor allem, wenn du für unsere Publikation drehst und im Pit bist. Das bedeutet, dass du all deine Aufnahmen innerhalb der ersten drei Songs eines Künstler-Setups machen musst , bevor du dich entweder in die Menge zerstreust, nach Hause gehst all deine Aufnahmen innerhalb der ersten drei Songs eines Künstler-Setups machen der ersten drei Songs musst , bevor du dich entweder in die Menge zerstreust, oder hinter die Bühne gehst, um mit den Änderungen vor dem nächsten Art zu beginnen. Welche dieser Dinge Sie tun, hängt von Ihrem Tickettyp ab und davon, welchen Zugang Sie am Veranstaltungsort haben. Wenn ich zum Beispiel für den Veranstaltungsort gedreht habe, könnte ich meine Änderungen vielleicht vor der nächsten App im Stil wiederholen. Wenn ich jedoch für die Presse drehen würde und nur Zugang zu diesem einen Künstler hätte, würde ich wahrscheinlich nach den ersten drei Aufnahmen nach Hause gehen. sondern auch nur nützlich, den tatsächlichen Zugang zum Veranstaltungsort zu verstehen, Ich finde es nicht nur nützlich, den tatsächlichen Zugang zum Veranstaltungsort zu verstehen, sondern auch zu versuchen, zu verstehen der Veranstaltungsort tatsächlich aussieht, bevor Sie dort ankommen. Wenn du noch nie an einem Veranstaltungsort warst, eine schnelle Suche auf Instagram sollte dir eine schnelle Suche auf Instagram oder Google eine gute Vorstellung von a, Größe und Art der Räume, die der Veranstaltungsort hat, und b, welche Art von Aufnahmen du erwarten kannst, zu machen. In der nächsten Lektion werden wir uns mit Zeitplänen und Aufnahmelisten befassen Zeitplänen und Aufnahmelisten befassen , um herauszufinden, was Sie tatsächlich aufnehmen werden. 6. Zeitpläne und Aufnahmeliste: In dieser Lektion werden wir über Zeitpläne und Auswahllisten sprechen . Abgesehen davon, dass Sie einen Veranstaltungsort gut verstehen, ist es auch wichtig zu verstehen, was Sie an diesem Tag tun werden. Ich arbeite viel in der Tanzmusik, wo man an einem Abend viele Acts hat. Du könntest in einem bestimmten Zeitraum, für den du da bist, zwischen fünf und zehn , vielleicht mehr Acts haben. Eine gute Vorstellung davon zu haben, wer wo und zu welcher Zeit sein wird, ist also wirklich wichtig, um sicherzustellen, dass die Dinge in der Nacht für Sie reibungslos ablaufen und dass Sie keine wichtigen Momente verpassen. Normalerweise stelle ich all diese Informationen in einem Format zusammen, das für mich leicht zugänglich ist. Ich könnte zum Beispiel einen Bildschirmschoner oder einen Screenshot meines Terminplans erstellen einen Bildschirmschoner oder einen Screenshot meines Terminplans und das als Hintergrundbild meines Telefons , sodass ich schnell mein Handy herausnehmen, den Bildschirmschoner überprüfen und wissen kann , wo ich für welchen Künstler sein muss. Neben dem aktuellen Zeitplan für die Künstler ist es auch sehr nützlich, wenn Sie versuchen können, Zugriff auf einen Zeitplan für die Produktionsmomente zu erhalten . Das können große Spezialeffekte wie Konfetti oder Pyro oder große Lichteffekte , die die Crew für Sie geplant hat. Der Zugriff auf diese Art von Informationen kann manchmal etwas schwieriger sein als Zugriff auf einen Künstlerkalender. Aber wenn du für einen Veranstalter oder einen Veranstaltungsort arbeitest, könntest du immer zum Lichtteam, zum Soundteam oder zum Produktionsleiter gehen und sie fragen , ob sie einen Zeitplan haben , den sie bereit sind, dir mitzuteilen. All diese Informationen können verwendet werden um sicherzustellen, dass der Prozess für Sie so reibungslos wie möglich verläuft und Sie sich nicht Gedanken darüber machen, wo Sie zu welcher Zeit sein müssen. Wenn Sie nicht professionell fotografieren und nur mit Ihrem Handy oder einer Kompaktkamera zu einem Auftritt gehen , müssen Sie sich nicht auf die gleiche Weise um all diese Zeitpläne kümmern . Es kann jedoch sehr nützlich sein, dies zu Zeiten zu finden, an denen sich normalerweise rund um den Veranstaltungsort auf Postern oder vielleicht in sozialen Medien befinden normalerweise rund um den Veranstaltungsort auf . In der nächsten Lektion werden wir uns mit den Kameraeinstellungen befassen und herausfinden, wie Sie das Beste aus Ihrer Kamera herausholen können. 7. Kameraeinstellungen: Wenn du gerade erst mit Live-Musikfotografie anfängst, kann es sehr wichtig sein, die Grundlagen von Aufnahmen bei schlechten Lichtverhältnissen zu verstehen . Das Wichtigste, was Sie richtig machen müssen , ist Ihre Kameraeinstellung. Vergewissere dich, dass du weißt, wie du deinen ISO-Wert, deine Blende und deine Belichtungszeit an unterschiedliche Lichtverhältnisse anpassen , deine Blende und deine Belichtungszeit kannst. ISO, Belichtungszeit und Blende bilden das, was wir als Belichtungsdreieck bezeichnen. Drei Elemente, aus denen jedes Foto besteht sodass Sie die Menge des einfallenden Lichts ausgleichen können. ISO bezieht sich auf die Empfindlichkeit Ihres Sensors oder Ihres Filmmaterials. Je höher die Zahl, desto empfindlicher reagiert Ihr Sensor oder Filmmaterial auf Licht. Das bedeutet, dass ein helleres Bild möglich ist, das Bild jedoch körniger ist als ein ISO-Wert mit einem niedrigeren Wert. Verschlusszeit gibt an, wie schnell oder wie langsam der Verschluss geöffnet und geschlossen wird. Die Verschlusszeit Wir verwenden Einheiten von Sekunden oder Sekundenbruchteilen, zum Beispiel ist eins eine Sekunde, wohingegen 1/250 eine 250stel Sekunde ist, was bedeutet, dass der Verschluss bei eins länger geöffnet ist als bei 1/250. Je länger der Verschluss geöffnet ist, desto mehr Licht fällt auf den Sensor, Ihr Bild aufgehellt wird. Im Gegenzug wird jedoch mehr Bewegung aufgenommen. Alternativ können kürzere Belichtungszeiten , sodass weniger Licht in die Bilder gelangt , die Bewegung aber eingefroren werden kann. Die Blende bestimmt die Schärfentiefe Ihrer Fotos, oder einfach ausgedrückt, wie verschwommen oder wie scharf Ihr Hintergrund ist. Blende bezieht sich auf das Loch in Ihrer Linse, durch das Licht einfällt. Wir messen dies in ganzen Zahlen und Dezimalzahlen wie 16 oder 2,8. Es fühlt sich widersprüchlich an, aber je kleiner die Zahl ist, desto größer ist das Loch in Ihrem Objektiv, was bedeutet, dass mehr Licht in Ihre Bilder eindringt und die Schärfentiefe geringer ist. Das bedeutet, dass Ihr Hintergrund verschwommener wird. Je höher die Zahl, desto weniger Licht, aber desto größer die Schärfentiefe, was bedeutet, dass Ihr Hintergrund schärfer wird. Wenn wir bei schlechten Lichtverhältnissen fotografieren, ist es oft am besten, mit einer großen Blendenöffnung wie 2,8 zu fotografieren , aber die Belichtungszeit auf einem Bruchteil von 1/200 oder 1/250 zu halten , damit wir nicht zu viel Bewegungsunschärfe aufnehmen was schwierig sein kann, da Darsteller gerne viel bewegen. In Bezug auf den ISO-Wert können Innenräume oft recht schwach beleuchtet sein, weshalb wir uns für einen höheren ISO-Wert entscheiden möchten. Für viele gute Fotos neige ich dazu, einen Bereich zwischen 1600 und 2500 zu verwenden. Aber wie weit Sie Ihren ISO-Wert erhöhen können, hängt wirklich vom verwendeten Kameratyp ab und davon , wie gut sie mit hohen ISO-Werten umgeht. Wenn Sie an Orten fotografieren, an denen mehr Licht zur Verfügung steht, können Sie es sich in der Regel leisten, Ihren ISO-Wert auf einen niedrigeren , wodurch die Körnung reduziert wird, einzustellen, wodurch die Körnung reduziert wird, sowie Ihre Belichtungszeit auf eine noch schnellere Einheit wie Wert einzustellen, wodurch die Körnung reduziert wird, sowie Ihre Belichtungszeit auf eine noch schnellere Einheit wie beispielsweise 1/800 wodurch die Wahrscheinlichkeit von Bewegungsunschärfe weiter verringert wird. Die Sache, die Sie bei Ihren Kameraeinstellungen beachten sollten ist, dass diese drei Dinge , Ihre Blende, Ihr ISO-Wert und Ihre Verschlusszeit, zusammenwirken, um die perfekte Balance, die perfekte Belichtung, zu schaffen. Es ist wirklich wichtig, vollständig zu verstehen, wie alle drei Elemente nicht nur einzeln funktionieren, sondern auch, wie sie zusammenwirken. Der beste Weg, um zu verstehen , wie diese Elemente funktionieren, besteht darin, mit allen drei verschiedenen Einstellungen zu schießen und zu üben. Sie können dies mit einer Kamera tun oder Ihr Telefon mit einer App wie ProCamera verwenden , die verschiedenen Elemente ändern und in Echtzeit sehen, wie sich das auf das Bild auswirkt. In der nächsten Lektion werden wir uns Kameraausrüstung befassen und darauf, was ich bei der Auswahl Ihrer Kameragehäuse und Objektive empfehlen würde . 8. Kamera-Ausrüstung: Jetzt haben wir ein gutes Verständnis für die Einstellungen , die wir beim Aufnehmen von Live-Musik ausbalancieren werden . Es ist an der Zeit, uns mit dem zu beschäftigen, womit wir diese Bilder tatsächlich aufnehmen werden. Wenn es um Live-Musikfotografie geht, ist es immer besser, zu gut vorbereitet zu sein. Eine Sache, die ich immer empfehle, ist Ersatzausrüstung, also nehme ich immer zwei Kameragehäuse und mehrere Objektive sowie Ersatz-SD-Karten und Ersatzbatterien mit. Welche anderen Überlegungen müssen Sie berücksichtigen, wenn es um Ihre Kameraausrüstung geht? Lassen Sie uns zunächst über Ihr Kameragehäuse sprechen. Wenn es um das Kameragehäuse geht, eine der Hauptüberlegungen wird eine der Hauptüberlegungen sein, wie es bei schlechten Lichtverhältnissen funktioniert. Ich persönlich entscheide mich für ein spiegelloses System , das bei schlechten Lichtverhältnissen bekanntermaßen gut funktioniert. Das bedeutet, dass ich meine Kamera auf viel höhere ISO-Werte einstellen kann als ich könnte, andernfalls verwende ich sowohl die Sony A7 IV als auch die Sony A7 III. Andere Kameramarken, wie insbesondere die spiegellosen Kameramarken von Nikon und Canon, eignen sich ebenfalls hervorragend für schlechte Lichtverhältnisse sind daher großartige Optionen. Eine andere Sache, die ich gerne überlege ist, ob meine Kamera mehr als einen Steckplatz für eine SD-Karte hat oder nicht . Ich finde, dass es sehr nützlich ist, eine Kamera zu haben, die zwei Steckplätze hat, sichern können sodass Sie auf eine Ihrer Karten , weil Sie nicht wissen, was passieren wird. Wenn eine Karte defekt ist und Sie alle Ihre Fotos verlieren würden , dann haben Sie zumindest alles auf Ihrer zweiten SD-Karte gesichert. Ich persönlich mag es, zur Sicherheit zwei Kameragehäuse bei mir zu haben , und vor allem, weil ich, wenn es ein Problem mit einer von ihnen gab, ein Backup habe, das ich verwenden kann. Es kann aber auch sehr praktisch sein, verschiedene Objektive an verschiedenen Kameras zu haben , sodass Sie bei mittlerer Leistung nicht die Objektive wechseln müssen . Allerdings habe ich sehr lange mit nur einem Körper gedreht, also mach dir keine Sorgen, wenn du jetzt nicht rausspringen und dir zwei leisten kannst , einen zu haben ist ein guter Anfang. Lassen Sie uns als Nächstes über Objektive sprechen. In der nächsten Lektion werden wir genauer über Brennweiten sprechen , was das bedeutet und wie Sie auswählen, welche Brennweiten Sie verwenden werden. Aber im Moment sprechen wir über die Objektive selbst. Also ich, die Überlegungen beschränken sich wirklich auf zwei Faktoren. Erstens ein Objektiv mit großer Blendenöffnung , mit der ich viel Licht in das Bild lassen kann, und zweitens ein Objektiv mit Autofokus. Ich möchte mir keine Gedanken über manuellen Fokus machen, wenn es um Live-Musik geht. Es ist eine sehr schnelllebige Umgebung, und mir Gedanken darüber machen zu müssen, jede Aufnahme manuell zu fokussieren , würde für mich einfach nicht in meinen Arbeitsablauf passen. Wenn es um eine große Blendenöffnung geht, ist es natürlich großartig, ein Objektiv zu haben , das viel Licht hereinlässt. Wenn wir in Umgebungen mit schlechten Lichtverhältnissen arbeiten, ist das nicht wirklich ein Problem und wir können unsere Blende verringern, anstatt die Belichtungszeit zu beeinträchtigen oder ein wirklich körniges Bild zu machen. Abgesehen von diesen beiden Hauptfaktoren wäre eine weitere Überlegung, ob Sie ein Festbrennweitenobjektiv oder ein Zoomobjektiv verwenden oder nicht . Ein Festbrennweitenobjektiv ist im Wesentlichen ein Objektiv, das nicht zoomt, sondern eine feste Brennweite hat. Ich habe versucht, mit einem Festbrennweitenobjektiv an der einen Kamera und einem Zoomobjektiv an der anderen Kamera zu fotografieren . Dies liegt daran, dass Festbrennweitenobjektive oft bis zu einer größeren Blendenöffnung abblenden, sodass Sie mehr Licht hereinlassen können. Aber mit Zoomobjektiven haben Sie natürlich etwas mehr Flexibilität, Sie können mit unterschiedlichen Brennweiten fotografieren, und beide immer bei sich zu haben , ist eine großartige Möglichkeit, eine gute Balance zwischen dem Einlassen von viel Licht in Ihre Bilder und der Tatsache, dass Sie keine Kompromisse bei der Brennweite eingehen müssen, zu finden zwischen dem Einlassen von viel Licht in Ihre Bilder und der Tatsache, dass Sie keine . In der nächsten Lektion werden wir uns eingehender mit dem Thema Objektive alles über Brennweiten sprechen. 9. Auswahl Ihrer Brennweiten: Nun, da wir ein klares Verständnis der Kameraeinstellungen und der Kameraausrüstung haben Kameraeinstellungen und der Kameraausrüstung , lassen Sie uns über die Brennweite sprechen. Brennweite bestimmt den Blickwinkel , den ein Objektiv mit kürzeren Brennweiten aufnimmt mit kürzeren Brennweiten , was zu größeren Blickwinkeln führt, und längere Brennweiten führen zu engen Blickwinkeln. Es wirkt sich auch darauf aus, wie stark das Bild vergrößert wird wenn längere Brennweiten zu einer stärkeren Vergrößerung führen. Verschiedene Objektive haben unterschiedliche Brennweiten. Festbrennweitenobjektive sind, wie ich in der letzten Lektion erwähnt habe , auf eine Brennweite festgelegt. Beispielsweise ist eine 35-Millimeter-Primzahl auf eine 35-Millimeter-Brennweite festgelegt. Zoomobjektive bieten dagegen die Möglichkeit, zwischen verschiedenen Brennweiten zu wechseln . Beispielsweise haben 24 Millimeter bis 70 Millimeter einen Bereich von 24-70, was bedeutet, dass sie alle Brennweiten innerhalb dieses Bereichs haben können . Bei der Wahl Ihrer Brennweiten gibt es bestimmte Überlegungen. Erstens, Ihr Aussichtspunkt. Von wo aus wirst du schießen? Wirst du in der Grube ganz nah am Künstler sein, oder wirst du ganz hinten sein , vor dem Haus. Wenn Sie beispielsweise aus der Ferne fotografieren, benötigen Sie möglicherweise eine Brennweite Sie näher an das Geschehen heranzoomen können. Für kleinere Veranstaltungsorte ist so etwas wie ein 24-70 ein perfektes Objektiv für diese Szenarien. Dann für größere Veranstaltungsorte vielleicht so etwas wie 70-200 Millimeter. Eine weitere Überlegung ist, wie viele Personen auf der Bühne sind. Wenn in einer Band oder einem DJ-Kollektiv mehrere Personen arbeiten, solltest du dich vielleicht für eine größere Brennweite entscheiden um sicherzustellen, dass alle gleichzeitig im Bild sein können. Für eine kürzliche Tour, die ich mit vier DJs hintereinander gedreht habe, habe ich mich für ein 18-Millimeter-Objektiv entschieden. Dadurch konnte ich sicherstellen, dass alle DJs in die Aufnahmen passen, selbst wenn ich aus geringer Entfernung und in ziemlich engen Räumen fotografierte . Drittens, auf welche Art von Aufnahmen werden Sie sich konzentrieren? Wenn du dich auf Massenaufnahmen konzentrierst, dann hilft dir so etwas wie ein Weitwinkelobjektiv, eine große Brennweite, hier weiter. Persönlich mag ich alles von 18 Millimeter bis 35 Millimeter für Publikumsaufnahmen. Aber manche Leute gehen gerne noch weiter fotografieren vielleicht mit Fisheye-Objektiven für Publikumsaufnahmen. In der nächsten Lektion werden wir uns andere Ausrüstung ansehen, Dinge, die nicht Ihre Kameras sind, Dinge, die nicht Ihre Objektive sind und was Sie möglicherweise mitnehmen müssen, um einen Live-Gig aufzunehmen , der nicht kameraorientiert ist. 10. Was Sie einpacken und tragen sollten: In dieser Lektion gehen wir auf Ausrüstung ein, die Sie möglicherweise verwenden oder mitnehmen möchten , bei der es sich nicht um Kameraausrüstung handelt. Lassen Sie uns mit Dingen beginnen, die Sie tragen möchten und der üblichen Etikette, wenn es darum geht, Live-Musik zu drehen. Bei den meisten Veranstaltungen, insbesondere mit Musik, sollten Sie alles in Schwarz tragen. Wir nennen das Bühnenschwarz, was im Wesentlichen sicherstellt, dass Sie sich in die Menge einfügen, dass Sie sich in die Bühne einfügen und nicht auffallen, nicht nur, um das Publikum nicht von der Aufführung abzulenken, sondern auch, um nicht in anderen Fotografen und Videofilmern zu sein, von denen Sie als wirklich aufdringliche, helle Figur oder was auch immer fotografiert werden. Ich persönlich habe versucht, viele Kleidungsstücke oder Kleidungsstücke zu tragen , die Taschen für zusätzliche SD-Karten, Batterien und sogar Objektive haben Taschen für zusätzliche SD-Karten, , sofern ich sie hineinstecken kann. Es ist auch nützlich, um deine Outfits zu kombinieren. Einige Veranstaltungsorte sind sehr heiß und einige Veranstaltungsorte sind sehr kalt. Ebenen zu haben, die Sie einfach entfernen oder hinzufügen können ist auch eine wirklich gute Überlegung, Ebenen zu haben, die Sie einfach entfernen oder hinzufügen können. Das wahrscheinlich Wichtigste, wenn es darum geht, was Sie tragen sollten, sind Ihre Ohrstöpsel. Abgesehen von Ihrer Kameraausrüstung ist es wahrscheinlich das Wichtigste, Ohrstöpsel dabei zu haben , an das Sie für die Nacht denken müssen . Aber wenn Sie es vergessen, können Sie in der Regel an den meisten Orten Ersatz-Ohrstöpsel bekommen , wenn Sie nur den Barstar fragen. Der Schutz Ihrer Ohren in Veranstaltungsorten mit Live-Musik, insbesondere wenn Sie so viel Zeit verbringen, so nah an Lautsprechern, ist wirklich wichtig , damit Ihre langfristige Gesundheit, Ihr Gehör, nicht beeinträchtigt wird. Ich trage auch gerne eine kleine Tasche, die über meinen Körper geht, sodass ich sie wieder mit Ersatz-SD-Karten, Batterien, Taschentüchern, Linsentüchern, Objektivtüchern und allem, was ich möglicherweise schnell griffbereit habe, füllen Batterien, Taschentüchern, Linsentüchern, Objektivtüchern und allem, was kann. Manchmal findest du sogar eine Blitzpistole oder ein Prisma in dieser Tasche je nachdem, wie groß die Tasche ist, die ich trage . Später in diesem Kurs werde ich sowohl auf Blitzpistolen als auch auf Prismen eingehen. Je mehr Shows Sie aufnehmen, desto mehr gewöhnen Sie sich daran, was Sie benötigen was in Ihrem Arbeitsablauf gut funktioniert. Dies sind jedoch einige wichtige Überlegungen , mit denen Sie beginnen sollten. In der nächsten Lektion werden wir uns die typischen Aufnahmen ansehen, die Sie bei einem Live-Auftritt berücksichtigen müssen. 11. Typische Aufnahmen: Wenn es darum geht, welche Art von Fotos während einer Show aufgenommen werden sollen, teile ich diese gerne in vier Kategorien ein. Erstens Künstleraufnahmen, zweitens Produktionsaufnahmen, dann Publikumsaufnahmen und Heldenaufnahmen. In dieser Lektion werden wir über jede dieser Kategorien sprechen und darüber, wie sie aussehen. Fangen wir mit Künstleraufnahmen an, der wohl selbsterklärendsten der vier Kategorien. Künstleraufnahmen beziehen sich auf die Fotos, die Sie von einer Band, einem DJ oder Musiker erhalten . Das können Weitwinkelaufnahmen sein, die die ganze Band oder die ganze Gruppe von DJs umfassen , oder es könnten Nahaufnahmen sein, die sich nur auf ein Mitglied konzentrieren , oder wenn es nur einen Künstler gibt, dann ein bestimmtes Detail oder eine Zwischenaufnahme, etwas Nahaufnahme des Künstlers. Als nächstes haben wir Produktionsaufnahmen. Produktionsaufnahmen beziehen sich auf die Aufnahmen der visuellen Produktion. Das kann alles sein, vom Bühnenbild bis hin zu Spezialeffekten wie Konfetti oder Pyro. Diese Aufnahmen sind in der Regel am effektivsten, wenn Sie sie aus einem größeren Winkel aufnehmen, der die Unendlichkeit dieser Produktionsstücke abdeckt. Die dritte Kategorie sind Crowdshots. Auch hier ist es den Künstleraufnahmen sehr ähnlich , da es sich ziemlich von selbst erklärt. Publikumsaufnahmen handelt es sich um Fotos der Menschenmenge und es gibt sie in der Regel in zwei Formen einen handelt es sich um breitere Aufnahmen die die Weite und das Ausmaß des Ereignisses erfassen, Zum einen handelt es sich um breitere Aufnahmen, die die Weite und das Ausmaß des Ereignisses erfassen, und zum anderen um Aufnahmen, bei denen einzelne Personen oder Gruppen von Personen innerhalb der Menge im Mittelpunkt stehen. Endlich haben wir Hero Shots. Hero Shots sind die Aufnahmen, die ich gerne als die ultimative Aufnahme betrachte. Es umfasst einen kleinen Teil aller drei anderen Kategorien. Sie haben den Künstler auf der Bühne, Sie haben das Publikum und Sie haben Produktionsmomente. Dies sind oft Aufnahmen aus weiten Winkeln, vielleicht vor dem Haus, mit Blick auf die Menge auf die Bühne oder von einem höheren Aussichtspunkt aus. In der nächsten Lektion besprechen wir, worauf Sie bei jeder dieser Aufnahmen achten müssen und wie Sie Ihre Aufnahmen innerhalb dieser vier Kategorien ermitteln können. 12. Worauf man in einer Aufnahme achten sollte: In dieser Lektion werden wir darüber sprechen, worauf Sie bei einer Aufnahme für jede der vier in der letzten Lektion beschriebenen Kategorien achten müssen. Lassen Sie uns zunächst über Künstleraufnahmen sprechen. Bei Künstleraufnahmen gibt es zwei Dinge, die Sie unbedingt berücksichtigen oder auf die Sie achten sollten. Teilnahme und Interaktion stehen an erster Stelle. Das bedeutet jede Aufnahme, in der der Künstler oder ein Musiker mit anderen Leuten auf der Bühne interagiert, egal ob das ein Freund oder ein Musikerkollege ist, oder alles, wo sie mit dem Publikum interagieren. Zweitens interessante Bewegung. Alles, wo sich der Künstler auf interessante oder starke und auffällige Weise bewegt , kann eine großartige Aufnahme sein. Für Produktionsaufnahmen ist es wichtig, vorhersagen zu können, wann die Produktionsmomente stattfinden werden. Natürlich kann man vorher mit den Leuten sprechen, einen Zeitplan bekommen, einen Zeitplan bekommen wann eine bestimmte Produktion stattfinden soll, aber man kann nicht immer genau vorhersagen, in welcher Sekunde diese stattfinden werden. Sie müssen ein Auge darauf werfen, wann Ihrer Meinung nach Produktionsmomente eintreten werden, und es gibt verschiedene Möglichkeiten , dies zu tun. Eine Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, sich mit der Musik oder der Setlist eines Künstlers vertraut zu machen. Das ist nicht immer möglich, aber wenn doch, kann es sehr nützlich sein, vorherzusagen, wann der größte Teil eines Songs oder einer Setlist sein wird. Diese größten Teile von Songs und Setlisten sind in der Regel die Momente , in denen die Produktion diese Spezialeffekte veröffentlicht. Du wirst die Konfetti-Shots auf dem größten Song auf der Setlist haben . Zweitens kannst du dir die Musik anhören und versuchen, den Takt der Musik herauszuarbeiten und auf den Beat zu hören , da dies Schlüsselmomente sind, in denen sie zum Beispiel Spezialeffekte auslösen oder den Schreibstil ändern könnten . Drittens, und dieser ist ein bisschen ein Cheat, besteht darin, dass Sie jeden im Auge behalten , der die Spezialeffekte macht. Oft kannst du erkennen, wann sie eine Taste drücken oder den Hebel ziehen werden eine Taste drücken oder den Hebel ziehen und du kannst diese Anleitung verwenden, indem du sie dir ab und zu ansiehst , um herauszufinden wann sie die Spezialeffekte auslösen werden. Solange du deine Aufnahme vorbereitet hast, alles bereit hast, du kannst sie weiter beobachten und sobald sie die Taste drücken oder einen Hebel ziehen, bist du bereit, diese Aufnahme zu machen. Bei den Crowdshots verfolge ich einen ähnlichen Ansatz wie bei Künstleraufnahmen. Auf der Suche nach Interaktionen mit anderen Mitgliedern des Publikums oder mit den Künstlern auf der Bühne selbst. Ich halte auch Ausschau nach Leuten, denen die Musik wirklich zu gefallen scheint die Musik wirklich zu da dies die Aufnahmen sind , die Ihr Kunde wirklich sehen möchte. Ich persönlich bevorzuge eine offenere Herangehensweise an die Crowdfotografie. bevorzuge Kurzfilme, bei denen das Publikum mich nicht ansieht und vielleicht nicht weiß , dass ich ein Foto mache. Aber das ist definitiv eine persönliche Präferenz. Manche Menschen bevorzugen eher Posenfotografie als Publikum, und es ist definitiv eine Zeit und ein Ort für beides. Der Held schießt. Sie möchten ein wenig aus allen drei Kategorien betrachten und es in eine zusammenfassen. In der nächsten Lektion werden wir über Output sprechen und darüber , warum es wichtig ist, dies zu berücksichtigen. 13. Berücksichtigung der Ausgabe: In dieser Lektion besprechen wir, Ihre Fotos aussehen, wo sie landen würden und wie sich das auf den Aufnahmeprozess auswirkt. Dies ist wohl einer der einfachsten, aber wichtigsten Aspekte eines Fotojobs. Aber wenn Sie für sich selbst fotografieren, welche Überlegungen müssen Sie beim Fotografieren tatsächlich berücksichtigen? Es kann sehr nützlich sein, zu verstehen, wo Sie diese Fotos platzieren werden. Sind sie für soziale Medien oder druckst du sie für deine Schlafzimmerwand aus? wissen, wo Ihre Bilder Wenn Sie wissen, wo Ihre Bilder landen werden, können Sie die Zusammensetzung Ihres Bildes benennen. Müssen Sie es im Hochformat oder im Querformat komponieren ? Wenn es darum geht, für einen Kunden zu arbeiten, wird dies oft in der Aufgabenstellung vorgegeben , aber wo dies nicht der Fall ist, ist es eine gute Idee, für alle Fälle eine Vielzahl verschiedener Kompositionen und unterschiedliche Kompositionen für unterschiedliche Seitenverhältnisse zu eine Vielzahl verschiedener Kompositionen und unterschiedliche Kompositionen für verwenden. Beispielsweise werden Fotos, die für das Internet oder für Werbetafeln benötigt werden, in der Regel im Querformat aufgenommen. Fotos für soziale Medien sind jedoch in der Regel kurz und haben eine kurze Portraitausrichtung. Um dies zu fördern, müssen Sie in Bezug auf soziale Medien oft zwei Seitenverhältnisse berücksichtigen 9*16 für Instagram-Stories oder echte Titelbilder und 4*5 für Instagram-Grid-Posts. Dies kann bei der Bildkomposition und bei der Überlegung , welche Auswirkungen der Zuschnitt haben wird, berücksichtigen. In der nächsten Lektion werden wir uns mit der Idee befassen, zielgerichtet zu fotografieren und darüber, wie Sie sicherstellen können, dass Sie alles, was Sie brauchen, abgedeckt werden. 14. Shooting mit Zweck: In dieser Lektion werden wir darüber sprechen, wie man zielgerichtet schießt. Zielgerichtete Aufnahmen sind wichtig , um sicherzustellen, dass Sie die Balance finden, alles, was Sie Aufnahme benötigen, aber nicht zu viel schießen. Erstens, sprühen und beten Sie nicht einfach. Dieser Begriff bezieht sich darauf, ziellos zu schießen und einfach hoffen, dass Sie aus dem, was Sie aufgenommen haben, etwas Gutes herausholen. Versuche stattdessen, das, was du fotografierst, etwas überlegter zu gestalten . Denken Sie darüber nach, was wir in den vorherigen Lektionen besprochen haben, z. B. darauf, worauf Sie in einem Kurzfilm oder in der Ausgabe achten sollten. Eine weitere gute Möglichkeit, um sicherzustellen, dass Ihre Arbeit berücksichtigt wird , besteht darin , über die Marke des Künstlers oder Ihres Kunden nachzudenken. Können Sie einen Weg finden, ihre persönliche Marke und ihre visuelle Identität in Ihre Arbeit zu integrieren ? Das ist ein großer Teil des Drehs von Live-Musik. Die Art und Weise, wie Sie Rapper erschießen, wird sich wahrscheinlich der Art unterscheiden, wie Sie einen Folksänger erschießen. Es kann etwas schwierig sein, sicherzustellen, dass Sie genügend Fotos aufnehmen kann etwas schwierig sein, sicherzustellen, dass Sie genügend Fotos . Ich versuche, dies zu tun, indem ich sicherstelle, dass ich für jeden Artikel auf meiner Aufnahmeliste mindestens drei solide Aufnahmen habe . Auf diese Weise weiß ich , dass ich definitiv genug habe, um dem Kunden zu liefern. Sobald ich die Aufnahmeliste habe, kann ich die verbleibende Zeit nutzen , um kreativ zu werden, Techniken auszuprobieren, die ich noch nie ausprobiert habe, oder Dinge, die nicht auf der Aufnahmeliste stehen ich aber trotzdem ausprobieren möchte. zu verstehen, wie man zielgerichtet fotografiert und überlegter Es ist wirklich wichtig um sicherzustellen, dass Sie alles bekommen, was Sie benötigen, aber dann nicht Tausende von Bildern haben , die es am Ende wahrscheinlich nicht schaffen. In der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, wie man bei einem Auftritt mit Lasern schießt und was Sie möglicherweise beachten müssen. 15. Laser schießen: Laser sind ein fester Favorit für große Shows, insbesondere wenn es um Genres wie Tanzmusik geht, aber sie effektiv und sicher einzufangen kann ziemlich schwierig sein. In dieser Lektion werde ich einige der Dinge skizzieren, die ich in den Jahren gelernt habe, in denen ich Serien gedreht habe , in denen Laser zum Einsatz kommen. Zunächst sollten Sie sich bewusst sein, dass Laser Ihre Kamerasensoren beschädigen können . Dies passiert, wenn der Laser direkt auf den Kamerasensor trifft , wenn der Laser direkt auf den Kamerasensor Sie sollten also versuchen, zu vermeiden , dass Laser direkt in Ihr Objektiv gelangen. Zum Glück sind die meisten Laser auf einer Bühne montiert , die über die Menge gerichtet ist. Wenn Sie also auf dem Niveau der Menschenmenge bleiben können, sind Sie meistens davor sicher. Sie sollten auch berücksichtigen , dass der Laser umso mehr Schaden anrichten wird, je länger er auf Ihren Sensor trifft . Wenn Sie mit sehr langen Verschlusszeiten fotografieren, ist der Schaden höher als bei Aufnahmen mit kürzerer Belichtungszeit. Das führt mich gut zu der Verschlusszeit und wie Sie Ihre Verschlusszeit anpassen können, wenn Sie mit Lasern fotografieren. Ich habe festgestellt, dass das Arbeiten mit längeren Verschlusszeiten viel effektiver ist als Fotografieren mit höheren Belichtungszeiten. Natürlich möchten Sie nicht, dass es zu langsam ist, um den Laserschaden zu minimieren, aber Sie sollten einen Punkt zwischen vielleicht 1/15 und 1/100 finden , da ich festgestellt habe, dass diese Art von Bereich normalerweise die besten Bilder für die Erfassung von Lasern erzeugt . Experimentieren Sie mit verschiedenen Verschlusszeiten während Sie versuchen, den optimalen Punkt zu finden, da verschiedene Laser mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten abgefeuert werden und es also keine Einheitslösung für die Verschlusszeit gibt Einheitslösung für , wenn es um Laser geht. Wenn Sie jedoch Laser mit einer zu hohen Verschlusszeit aufnehmen , werden Sie feststellen, dass das Laserdisplay möglicherweise schwach aussieht da die Kamera nicht alle Laser erfasst. Das bedeutet, dass Sie möglicherweise ein Foto von nur einem aufgenommenen Laser erhalten, anstatt einer Anordnung von 20 über das Bild. Wenn es um Laseraufnahmen geht, biete ich gerne eine Weitwinkelaufnahme an, normalerweise aus der Menge oder vor dem Haus auf riesige Menschenmengen konzentriere, um dank der langen Verschlusszeit jegliche Bewegungsunschärfe zu verlieren , anstatt mich direkt auf den Künstler zu konzentrieren , der sich viel bewegen wird. In der nächsten Lektion werden wir uns Blitzfotografie befassen und darüber, wann es angebracht ist, sie bei Live-Musik zu verwenden. 16. Blitzfotografie: In dieser Lektion werden wir uns mit dem Thema Flash-Fotografie befassen. Wann ist es angemessen zu verwenden und wie verwenden Sie es, wenn Sie dazu in der Lage sind? Bei den meisten Live-Musikstücken ist es nicht wirklich üblich, Flash zu verwenden. Es kann jedoch einige Ausnahmen von dieser Regel geben, und dies hängt normalerweise vom Künstler und dem Veranstaltungsort sowie den dort geltenden Regeln ab. Meiner Erfahrung für einige kleinere Veranstaltungsorte und Künstler in Ordnung, war es für einige kleinere Veranstaltungsorte und Künstler in Ordnung, Flash zu verwenden. Wenn ich es benutzt habe, habe ich es für direktes Licht verwendet , was im Wesentlichen bedeutet, dass Sie den Blitz direkt auf Ihr Motiv richten und ziemlich grelles Licht erzeugen. Alternativ können Sie Ihren Blitz auch reflektieren Dabei wird der Blitz beispielsweise an eine Decke geschossen lassen. Dabei wird der Blitz beispielsweise an eine Decke geschossen und das Licht von der Decke auf Ihr Motiv reflektiert . Die Sache ist, dass das normalerweise besser funktioniert, wenn es eine weiße Decke gibt, von der aus Sie es abprallen lassen können. Die meisten Veranstaltungsorte haben dunkle oder sehr hohe Decken. Wenn Sie Blitz verwenden möchten, ist es wahrscheinlich am besten, eine direkte Form von Blitz zu verwenden, aber um es noch einmal zu wiederholen, es ist nicht wirklich üblich, dass Sie Flash in der Musikfotografie tatsächlich verwenden können. In den meisten Fällen wird von Ihnen erwartet , dass Sie verfügbare Licht verwenden, das verfügbare Licht verwenden, sei es natürliches Licht an verschiedenen Veranstaltungsorten im Freien oder die Strops, die sie speziell für diesen Veranstaltungsort haben. Blitz könnte auch dann angebracht sein , wenn Sie hinter den Kulissen hinter den Kulissen drehen und mit dem Künstler zufrieden sind und Sie sich nicht auf der Bühne befinden. In diesen Fällen wäre es angemessen, den Blitz zu reflektieren oder den direkten Blitz zu verwenden . Das hängt nur von Ihren persönlichen Vorlieben und dem Stil ab, den Sie wählen möchten. In der nächsten Lektion werden wir Fotografieren mit Prismen und Reflexionen besprechen und darüber, wie Sie dies möglicherweise tun sollten. 17. Prismen und Reflexionen: Die Verwendung von Prismen und Reflexionen in Ihren Fotos ist eine großartige Möglichkeit ein zusätzliches kreatives Element hinzuzufügen und es gibt verschiedene Möglichkeiten , dies zu tun. Vermutungen handelt es sich im Wesentlichen um Glasstücke, die in verschiedenen Formen und Größen erhältlich sind und die Sie verwenden oder an Ihrem Objektiv befestigen können, wenn Sie einen Vermutungsfilter verwenden. Sie wurden verwendet, um Ihr Bild zu verzerren oder interessante Reflexionen in Ihren Fotos zu erzeugen. Wenn Sie kein Prisma haben, verwende ich mein Telefon stattdessen gerne als reflektierende Oberfläche. Sie müssen im Wesentlichen nur die reflektierende Seite Ihres Telefons unter Ihr Objektiv legen Ihres Telefons unter , und schon wird ein Bild in Ihre Fotos reflektiert . Verschiedene Arten von Gefängnissen können unterschiedliche Auswirkungen haben. Es kann Spaß machen, mit den verschiedenen Formen und Größen zu experimentieren und diejenigen zu finden , die Sie am liebsten verwenden würden. Ein wichtiger Tipp für die Arbeit mit Reflexionen ist, sich wirklich Gedanken darüber zu machen, was im Bild reflektiert wird. Sie möchten zum Beispiel nicht, dass der Sounddesk oder Sie selbst im Bild reflektiert werden. Stattdessen sollten Sie sich darauf konzentrieren, Dinge wie Produktionsmomente Beleuchtung in Ihre Fotos einfließen zu lassen. In der nächsten Lektion werden wir uns mit dem Postproduktionsprozess befassen und darüber sprechen , wie Sie Ihre endgültigen Fotos für die Lieferung auswählen. 18. Auswahl Ihrer endgültigen Fotos: Das Erstellen deiner letzten Slacks oder Calling, wie es auch allgemein genannt wird, ist ein wichtiger Aspekt des Postproduktionsprozesses. In dieser Lektion werde ich über zwei meiner Lieblingsmethoden sprechen , um die Fotos auf meine endgültige Auswahl einzugrenzen . Die erste Aufrufmethode besteht darin, die Kamera anzurufen. Dies kann beim Dreh oder vielleicht auf dem Heimweg von einem Shooting geschehen , bevor Sie dem eigentlichen Bearbeitungsprozess beginnen. Ich bevorzuge es , meine Bilder mit einer Sterne-Bewertung vor der Kamera zu schreiben. Oft machst du während der Aufnahme ein Foto und du weißt, dass das Foto eines der Fotos ist , die ich am Ende abliefern werde . Es ist eines der besten Fotos , die ich heute Abend gemacht habe. Diese Sternebewertungen werden in den Metadaten der Fotos gespeichert Wenn Sie sie also in etwas wie Adobe Lightroom importieren , eine Katalogisierungs - und Bearbeitungssoftware , mit der wir uns in einer der nächsten Lektion befassen werden . Die Sternebewertungen bleiben erhalten, sodass Sie Ihre Lieblingsfotos des Abends sofort identifizieren können. Wenn es darum geht, auf Ihrem Telefon zu fotografieren, können Sie ähnliche Tools verwenden, um während des Aufnahmevorgangs fertig zu werden. Zum Beispiel haben iPhones diese Option, bei Sie ein Bild bevorzugen können, sobald Sie es aufgenommen haben dieses Bild einfach in einen anderen Ordner gesendet , auf den Sie zu einem späteren Zeitpunkt zugreifen können. Lassen Sie uns als Nächstes über das Anrufen in Adobe Lightroom sprechen. Es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, Lightroom aufzurufen, und die Entscheidung , welche Methode für Sie am besten geeignet ist, hängt normalerweise von Ihren persönlichen Vorlieben ab. Für mich sind die wichtigsten Methoden, die ich gerne nenne, das Sternensystem zu verwenden , in das Sie ein Bild von 1—5 schreiben können, oder die Optionen Flagging oder Quick Collection zu verwenden. Jede dieser drei Optionen ist praktisch ein und dasselbe. Im Wesentlichen helfen sie Ihnen jeweils dabei, Ihre Auswahl von den übrigen Fotos zu trennen , die Sie aufgenommen haben. Spielen Sie herum und finden Sie heraus, welches System für Sie am einfachsten ist und was in Ihrem Arbeitsablauf am besten ist. In der nächsten Lektion werden wir uns dem Bearbeitungsprozess befassen und mit dem Zuschneiden Ihrer Kompositionen beginnen. 19. Zuschneiden: Es ist zwar definitiv einfacher und effektiver, Ihre Kompositionen direkt mit der Kamera zu machen, das passiert nicht immer. Daher ist es eine wirklich gute Idee, das Zuschneiden als Werkzeug zum Korrigieren und Bearbeiten Ihrer Fotos zu verwenden . In dieser Lektion werden wir uns einige der wichtigsten Tipps ansehen , die Sie beim Zuschneiden Ihrer Fotos beachten sollten . Was die Ausrüstung angeht, können Sie beim Zuschneiden alles verwenden, von der Foto-App auf Ihrem Telefon bis hin zu einer Software wie Adobe Photoshop. Die Ausrüstung, die Sie dafür verwenden, spielt eigentlich keine Rolle, es ist nur das, was Sie mit der Ernte machen. Denken Sie zunächst noch einmal über die Ausgabe nach, ob diese Fotos beispielsweise auf ein bestimmtes Seitenverhältnis wie 1*1, 9*16, 4*5 zugeschnitten werden müssen auf ein bestimmtes Seitenverhältnis . Dadurch erfahren Sie, in welches Seitenverhältnis die Fotos zugeschnitten werden müssen. Und dann können Sie das Zuschneiden aus verschiedenen Gründen in Betracht ziehen, einschließlich des Zuschneidens , um einen Schwerpunkt zu schaffen. Das Zuschneiden ist ein mächtiges Werkzeug, und das Zuschneiden um einen Schwerpunkt zu schaffen, kann eine großartige Möglichkeit sein, es zu verwenden. Das bedeutet, dass Sie den Zuschnitt Ihres Fotos so gestalten , dass er die Aufmerksamkeit auf einen bestimmten Bereich oder Teil des Fotos lenkt. Eine sehr gebräuchliche Methode zum Zuschneiden, um einen Schwerpunkt zu erzeugen, besteht darin, den Brennpunkt in der Mitte Ihres Bildes zu positionieren . Eine weitere gute Möglichkeit , den Zuschnitt zu nutzen , besteht darin, Dinge aus dem Rahmen herauszuschneiden. So sehr es bei der Bilderzeugung darum geht, was Sie in den Rahmen aufnehmen, geht es auch darum, was Sie ausstrahlen. Zuschneiden von Ablenkungen oder Objekten, die deiner Komposition oder Erzählung nicht dienlich sind, kann eine nützliche Methode sein , um die Zuschneidewerkzeuge zu verwenden. wir uns nun mit den Grundlagen des Zuschneidens befasst haben, dem wohl wichtigsten und leistungsstärksten Tool Nachdem wir uns nun mit den Grundlagen des Zuschneidens befasst haben, dem wohl wichtigsten und leistungsstärksten Tool für die Bildbearbeitung, wollen wir uns mit einigen spezifischen Programmen befassen, die Sie in Ihrem Bearbeitungsprozess verwenden können, beginnend mit Adobe Lightroom. Begleiten Sie mich in der nächsten Lektion, während wir uns mit Adobe Lightroom und einigen der wichtigsten Funktionen der Bildbearbeitung vertraut machen. Nächste Lektion. 20. Bearbeitung in Lightroom: Adobe Lightroom ist meine persönliche Lieblingsbearbeitungssoftware, perfekt für die Farbkorrektur sowie Katalogisierung all Ihrer Fotos. Sie können mit einem Adobe-Abonnement auf Lightroom zugreifen , das Rabatte für Studenten bietet Wenn Sie jedoch kein Abonnement erwerben möchten , sind die Bearbeitungsoptionen, die Lightroom bietet, gängige Optionen für viele verschiedene Bearbeitungssoftware. Dieses Tutorial gibt Ihnen eine gute Vorstellung davon, was die einzelnen Optionen bewirken und wie sie sich auf ein Bild auswirken. Lightroom bietet auch eine kostenlose mobile App , auf die wir in einer anderen Lektion näher eingehen werden . Sie ist sowohl für Handys als auch für Tablets verfügbar , für die kein Abonnement oder eine Zahlung erforderlich , für die kein Abonnement oder eine Zahlung Sie bieten viele der gleichen Bearbeitungsfunktionen wie die Desktop-Leiste. In dieser Lektion verwende ich die klassische Version von Adobe Lightroom auf meinem Macbook. Ich denke, das ist ein 2015er, aber du kannst es auf Mac oder Windows verwenden . Lassen Sie uns in einige meiner Lieblingsoptionen eintauchen. Willkommen bei Adobe Lightroom, dies ist unser Arbeitsbereich für diese Lektion. Adobe Lightroom ist im Wesentlichen ein Fotobearbeitungs- und Katalogisierungstool, sodass Sie Ihre Fotos in Lightroom importieren, Ihre Fotos in Lightroom bearbeiten und sie dann aus Lightroom exportieren können. In dieser Lektion werden wir uns mit einigen meiner Lieblingstools oder einigen der leistungsstärksten Tools befassen , die Lightroom zu bieten hat , und wir werden mit der Temperatur beginnen. Die Temperatur ist ein wirklich einfaches und sehr effektives Tool , mit dem Sie Ihr Bild wirklich verändern können. Um Ihnen ein Beispiel dafür zu zeigen, habe ich dieses Bild, das ich vor ein paar Monaten aufgenommen habe, und wir werden es einfach mit der Temperatur bearbeiten und sehen, was das mit dem Bild macht. Wie Sie hier auf der rechten Seite sehen können, können Sie die Temperatur - und die Farbtonregler sehen. Nur ein Vorwort, wir befinden uns auf der Registerkarte Entwickeln Wenn Sie sich also in Ihrem Bibliotheks-Tab befinden, müssen Sie zu Ihrem Entwicklungs-Tab wechseln um Ihre Bilder bearbeiten zu können. Aber zurück zu den Slidern. Dieser Abschnitt hier ist der sogenannte Weißabgleich , der die Temperatur und den Farbton der Farben in Ihrem Bild wesentlich verändert . Wie Sie sehen können, hat Lightroom es Ihnen wirklich leicht gemacht , herauszufinden, was diese Tools tatsächlich tun. Sie können also hier sehen, dass die Temperatur Ihr Bild entweder wärmer macht, wenn es zu einem Gelbton geht, oder kälter, wenn es zu mehr Blautönen und dann Andererseits kontrollieren Sie Ihr Magenta wie Ihre Rosa - und Lilatöne und Ihr Grün. Wir werden zunächst nur mit der Temperatur herumspielen mit der Temperatur und sehen, was das wirklich mit einem Bild macht. Auf den ersten Blick ist dieses Bild ein ziemlich kaltes Bild , das auf der Beleuchtung im Bild basiert. wir die Temperatur ändern können Sie sehen, dass sich nicht nur die Temperatur ändert, sondern auch, wie hell sich das Bild ändert. Sie können also sehen, wenn ich wärmer werde verliert es ein bisschen an Leuchtkraft, ein bisschen an Helligkeit. Aber je kälter ich werde, desto mehr Helligkeit wird in das Bild gebracht. Auch hier können wir dasselbe mit dem Farbton machen. Wenn du in Richtung Grün gehst , wird das Bild etwas dunkler, aber wenn wir in Richtung Rosa gehen, wird es heller. Die Idee hier ist, eine wirklich gute Balance zu finden, nicht nur in Bezug auf Farbe, sondern auch darauf, wie hell Ihr Bild sein soll. Für mich werde ich mich hier für etwas in den Mitteltönen entscheiden . Wenn Sie die blauen Farben nicht wirklich mögen, kommen andere Tools in Lightroom ins Spiel, also bleiben wir auf dieser rechten Seite und lassen mich mit diesen schließen. Wir werden hier auf diesen Abschnitt eingehen , der Ihr Abschnitt zur Farbkorrektur ist. Farbkorrektur können Sie im Wesentlichen Ihren Mitteltönen, Schatten und Glanzlichtern Farben hinzufügen , wodurch sich das Gleichgewicht der Farben ändert. Du hast diese kleinen Zifferblätter und das bestimmt , welche Farbe du welchem Teil deines Bildes hinzufügst . Wenn wir mit Glanzlichtern beginnen, siehst du, dass ich den Glanzlichtern des Bildes ein wirklich leuchtendes Grün hinzufügen kann . Wenn du zur Mitte gehst, wird das Grün nach unten verdoppelt, es wird immer noch da sein, aber es wird nicht gesättigt sein. Wenn es um die Farbkorrektur geht, verwende ich normalerweise gerne komplementäre oder kontrastierende Farben. Das bedeutet also, dass Sie Farben wählen Ihrem Farbrad gegenüberliegen. Da wir dieses grünliche Gelb in die Glanzlichter setzen , schauen wir uns Ihre Schatten an und schauen, was wir mit diesem groben Gegenteil machen können mit diesem groben Gegenteil und wie das das Bild verändert. Sie werden sehen, dass der größte Teil dieses Bildes tatsächlich aus Schatten besteht. ich herumgehe, wirkt sich das, was ich zu den Schatten hinzufüge was ich zu den Schatten hinzufüge, wirklich auf den größten Teil dieses Bildes aus. Ich werde hier im violetten Bereich ungefähr etwas hinzufügen . Es befindet sich gegenüber unserem Grün und Gelb, ist also komplementär Es funktioniert gut mit diesem Ton hier, aber es fügt nur ein bisschen mehr Kontrast zum Hauptblau des Bildes hinzu. Wenn wir wieder zu den Mitteltönen kommen, werde ich etwas Ähnliches wie die Highlights verwenden wollen , nur um ein bisschen mehr Kontrast zu erzeugen . Sie können hier in diesen Abschnitten auch die Helligkeit mithilfe dieser Schieberegler ändern . Wenn wir es uns ohne die Lichter, ohne die Schatten und ohne die Mitteltöne ansehen die Lichter, ohne die Schatten und ohne die , haben wir hier ein wenig Kontrast hinzugefügt, indem einige hellere Farben in die Lichter dunklere Farben in die Schatten hinzugefügt haben. Wenn wir uns dann nicht zu 100 Prozent sicher sind, können wir zu unseren Grundlagen zurückkehren und erneut mit unserer Temperatur herumspielen. Für mich bin ich ziemlich zufrieden mit diesem komplett blauen Bild, aber eine andere Möglichkeit, dies zu ändern , besteht darin , Ihren HSL-Bereich zu öffnen. HSL bezieht sich auf Farbton, Sättigung und Luminanz. Farbton ist die Farbe, stellen Sie sich Farbton als die Farbe Ihres Bildes vor. Sie haben hier Rot in einem Slider von einem kleinen Rot zu einem Orangerot. Das wird alle Rottöne in deinem Bild verändern, es gibt nicht viele Rottöne, die du dir zeigen kannst. Gehen wir weiter ins Blaue, weil wir in diesem Bild viel Blau haben. Wenn ich es lila machen wollte , würde ich es so ziehen. Wenn ich es grüner machen wollte, ziehst du es so hin. Ihre Sättigung gibt an, wie gesättigt diese Farbtöne sind, also können wir sehen, wenn ich das nach unten ziehe , wird die Sättigung des Blaus entfernt, wenn ich es nach oben ziehe, wird sie erhöht. Deine Luminanz ist deine Helligkeit oder deine Leichtigkeit, also das nach oben zu bringen wird meine Blautöne aufhellen, wenn du es senkst, wird es dunkler. Sie können mit den HSL-Schiebereglern herumspielen , um wirklich die gewünschte Farbe zu erhalten, aber lassen Sie uns zu einem anderen Bild springen um zu sehen, wie wir die ähnlichen Tools verwenden würden. Dieses Bild hier ist ziemlich dunkel, also beginnen wir damit, also beginnen wir damit dass Ihre Temperatur sich bewegt und sehen, wo wir sie haben wollen. Dieses Mal werde ich es etwas wärmer machen. Füge ein bisschen Rosa hinzu und dann werde ich auch die Belichtung erhöhen , nur um das Bild aufzuhellen. Diese Abschnitte hier, Ihre Schatten, Ihre Glanzlichter, helfen Ihnen auch Ihre Belichtung zu ändern und unterschiedliche Kontraste zu erzeugen. Lassen Sie uns noch einmal zu unserem Split Toning, unserer Farbkorrektur, übergehen. Wenn wir den Mitteltönen ein Grün hinzufügen und vielleicht etwas Ähnliches, wir ein Blau oder Grün in diesen Glanzlichtern und fügen dann in nehmen wir ein Blau oder Grün in diesen Glanzlichtern und fügen dann in den Schatten etwas das etwas entgegengesetzt ist, vielleicht ein Rosa oder ein Rot. Jetzt gehen wir. Wir können wieder in diese HSL-Schieberegler springen, wenn Sie die Farben noch weiter optimieren möchten. Eine andere Sache, die Sie tun können, ist, wenn Sie nicht wirklich wissen , welche Farbe Sie identifizieren möchten Sie können auf diese kleine Schaltfläche klicken, Sie klicken darauf und dann kommen Sie zu der gewünschten Farbe. Nehmen wir an, wir möchten diese Farbe hier haben, klicken Sie und ziehen Sie dann nach oben und unten und es wird die Farbe gezogen, die Lightroom erkennt. Nochmals, du könntest es hier unten im Blues machen. Sie sehen, dass sich das Blau und das Violett ändern , weil das die Farbtöne sind, die innerhalb der von uns ausgewählten Farbe erkannt werden. Dann öffnen wir eine größere Szene. Auch hier können Sie wirklich sehen, wie sich Ihre Temperatur, die Stimmung und die Stimmung eines Bildes ändern wird. Es geht darum, wirklich herumzuspielen und zu experimentieren und einen Weg zu finden, wie Sie Farben gerne verwenden. In Lightroom können Sie auch Masken erstellen. Masken wählen im Wesentlichen bestimmte Teile Ihres Bildes aus und wirken sich nur auf die Teile aus, die in der Maske für Ihre Änderungen ausgewählt wurden. Es gibt verschiedene Möglichkeiten, wie Sie dies tun können Sie können entweder Ihre Maske mit dem Pinselwerkzeug aufzeichnen oder diese sind meine Favoriten, Sie können entweder den linearen Verlauf oder den radialen Farbverlauf verwenden . Wenn ich zum Beispiel diesen Bildausschnitt aufhellen möchte , würde ich einen linearen Farbverlauf verwenden und einfach eine Maske erstellen, die das beeinflusst. Ihr seht, dass dieser rote Bereich die Maske ist, ich kann die Farbe des Overlays ändern, falls ich vielleicht etwas sagen will, ich weiß nicht wie ein richtig knallgelbes, damit ihr sehen könnt. Das ist die Maske. Sie können das Overlay auch ausschalten, damit Sie sehen können, wie das Bild tatsächlich aussieht. Dann wird hier dieser kleine Abschnitt erstellt, hier dieser kleine Abschnitt erstellt dem Sie Anpassungen nur an dieser Maske vornehmen können. Ich kann das Belichtungswerkzeug verwenden und Sie können sehen, dass es sich nicht auf das gesamte Bild auswirkt, sondern nur auf diesen Bereich innerhalb der Maske. Eine andere Sache, die wir in Lightroom tun können , ist das Kopieren und Einfügen von Änderungen. Nehmen wir an, das Beleuchtungs-Setup war zwischen diesem Foto und einem anderen Foto genau dasselbe und ich wollte die Änderungen, die ich an diesem Foto vorgenommen habe , auf ein anderes Foto übertragen, um schneller, einfacher oder konsistenter zu ein anderes Foto übertragen, um schneller, einfacher oder konsistenter sein. Sie können Ihre Änderungen kopieren und einfügen. Hier unten können Sie auf Kopieren oder Command C klicken, wenn Sie einen Mac verwenden , oder auf Control C, wenn Sie Windows verwenden. Sie können all die verschiedenen Dinge auswählen , die Sie kopieren möchten, also könnten Sie sogar Ihre Maske kopieren, Sie könnten Ihren Zuschnitt kopieren. Ich neige dazu, das nicht zu tun, weil die Kompositionen der verschiedenen Bilder unterschiedlich sind. Die Dinge, die ich normalerweise mitkopiere, sind Ihre Grundeinstellungen, Ihre Farben und der Pressetext, und dann können wir zu mitkopiere, sind Ihre Grundeinstellungen, Ihre Farben und der Pressetext, und einem anderen Bild übergehen. Dieses Bild ist eigentlich nicht das gleiche Beleuchtungs-Setup, aber tun wir so, als wäre es so und Sie können einfügen und Sie können sehen , dass dieses Bild jetzt bearbeitet wurde. Meiner Meinung nach sind dies einige der leistungsstärksten Tools in Lightroom. Sie haben Ihre HSL-Farbregler, Sie haben Ihren Bereich für die Farbkorrektur, dann Ihren Weißabgleich mit den Teilen im Basisbereich in Lightroom, die sich auf Ihre Belichtung auswirken, und dann haben Sie natürlich Ihre Maskierung. Dies sind alles wirklich großartige Tools, wirklich leistungsstarke Tools , die Ihnen bei der Bearbeitung Ihrer Fotos sehr helfen können . Lightroom ist ein großartiges Tool für die Bearbeitung und Organisation Ihrer Lebensmusikfotografie . Ich empfehle auf jeden Fall es zu verwenden, wenn Sie Ihre Musikfotografie professionell gestalten möchten . Für diejenigen unter Ihnen, die sich mehr für Gelegenheitsfotografie, lässige Kleidung und einfach nur für das Fotografieren bei Live-Musikveranstaltungen interessieren , nehmen Sie an der nächsten Lektion teil, in der wir auf meinem iPhone mit einer Mischung aus zwei verschiedenen kostenlosen Apps, die Sie verwenden können, bearbeiten . 21. Bearbeiten auf deinem Handy: In dieser Lektion werden wir uns zwei verschiedene Apps ansehen, die Sie auf Ihrem Telefon zum Bearbeiten von Fotos verwenden können. Lassen Sie uns zunächst mit VSCO oder VSCO beginnen. VSCO ist ein fester Favorit von mir. Diese App bietet Ihnen nicht nur mehrere Voreinstellungen zur Auswahl , sondern bietet Ihnen auch eine Reihe verschiedener Tools, mit denen Sie Ihre Fotos ändern können , von Ihre Fotos ändern Farbton, Sättigung und Luminanz Schiebereglern für Farbton, Sättigung und Luminanz bis hin zu Steuerelementen für geteilte Töne. Werfen wir einen Blick auf einige der gängigsten Tools in VSCO oder VSCO und deren Verwendung, beginnend mit Exposure. Lass uns zu VSCO springen. Öffnen wir dieses Foto, das ich vor ziemlich langer Zeit aufgenommen habe . Ich kann mich nicht erinnern, auf welchem Telefon das war, ich glaube, ein iPhone 7. Wir fangen einfach damit an, die Ernte anzupassen. Lassen Sie uns eins nach dem anderen machen, um die Dinge zu vereinfachen. Das erste, was wir tun werden, ist den Tab Exposure zu öffnen. Eine Belichtung macht ein Bild im Wesentlichen dunkler oder heller. Als Nächstes können Sie mit Ihrem Kontrast fortfahren. Diese Tools ähneln bereits denen, die Sie in Adobe Lightroom für den Desktop haben . Sie haben hier auch H und S unter Ihrem Tonbereich, was sich auf Ihre Glanzlichter in Ihrem Bild auswirkt. In diesem kann man nicht wirklich sehen, weil es nicht viele Lichter zum Bearbeiten gibt und die Schatten, die man etwas mehr sehen kann , sie entweder dunkler oder heller machen. Sie haben auch Ihre Tools zum Weißabgleich. Sie haben nicht nur das, Sie haben auch ein Tool namens Vignettierung , das es an den Rändern Ihres Bildes im Wesentlichen dunkler macht. Das hilft, einen Schwerpunkt im Bild zu schaffen. Lassen Sie uns als Nächstes zu Ihrem Split Toning übergehen , das im Wesentlichen Ihr Abschnitt zur Farbkorrektur aus Lightroom ist . Sie können den Schatten und Ihren Glanzlichtern verschiedene Farben hinzufügen . Neben dem Split Toning gibt es auch Ihre HSL-Schieberegler, ähnlich wie bei der Arbeit in Lightroom. VSCO hat auch eine Menge verschiedener Voreinstellungen, die Sie verwenden können , wenn Sie keine Lust haben, Dinge von Grund auf neu zu bearbeiten. Lassen Sie uns als Nächstes in die mobile App von Adobe Lightroom Mobile eintauchen . Die Tools in Lightroom Mobile ähneln VSCO und auch Light Room für den Desktop sehr ähnlich. Sie bieten erweiterte Funktionen als VSCO ähnlich wie die Desktop-Version von Adobe Lightroom, einschließlich Maskierung und Farbkorrektur. Schauen wir uns einige meiner Favoriten in der App an. Wie Sie hier unten sehen können, haben Sie viele der gleichen Tools wie VSCO und Adobe Lightroom für den Desktop. Sie haben dieses coole Tool namens Auto, das im Wesentlichen vorhersagt, wie das Bild bearbeitet werden soll. Sie können dies jedoch überschreiben. Wir gehen in den Bereich Licht , wir Belichtung , Kontrast , Glanzlichter usw. sehen können. Dank der automatischen Einstellung können Sie sehen, dass die Dinge bereits bearbeitet wurden. Aber wie gesagt, du kannst diese Einstellungen überschreiben. Ich bevorzuge es, etwas mehr Kontrast zu haben , also werde ich etwas von der Dunkelheit in diese Schatten zurückbringen. Sie haben auch ein sogenanntes Tonkurven-Tool, das Sie auch in Adobe Lightroom für den Desktop haben ist ein etwas fortgeschritteneres Tool Es ist ein etwas fortgeschritteneres Tool, aber im Wesentlichen ermöglicht es Ihnen, Punkte in eine Kurve zu legen und verschiedene Teile des Bildes zu beeinflussen. Beispielsweise wirkt sich diese obere rechte Ecke auf die Glanzlichter in Ihrem Bild aus, die untere rechte Ecke auf die Schatten. Sie können diesen Schatten auch verschiedene Farben hinzufügen, sodass Sie innerhalb der Rottonkurve entweder Rot zu den Lichtern oder Blau oder dasselbe zu den Schatten hinzufügen können , und dasselbe gilt für Grün und auch Blau. Dies ist ein etwas fortgeschritteneres Tool und es ist etwas gewöhnungsbedürftig, also spielen Sie damit herum. Als Nächstes haben wir Ihren Farbbereich und die Farbe beinhaltet Ihren Weißabgleich und auch Ihre Gradierung. Grading wird das sein, was wir in VSCO in Ihrem Split Toning gemacht haben und was wir in Adobe Lightroom Desktop mit Ihrer Farbkorrektur gemacht haben. So können Sie Ihren Schatten, Mitteltönen und Glanzlichtern eine Farbe hinzufügen . Wenn Sie mit dem Mixen beginnen, werden Ihre HSL-Schieberegler eingeführt, also genau wie in anderen Programmen, die wir verwendet haben. Natürlich können Sie in dieser App auch aus verschiedenen Seitenverhältnissen zuschneiden, glätten usw. und zoomen. In der nächsten Lektion werden wir uns mit einer wirklich gängigen Bearbeitungstechnik befassen , die in der Live-Musikfotografie verwendet wird , und wir werden uns mit Adobe Photoshop vertraut machen. 22. Doppelbelichtungen in Photoshop: In dieser Lektion werden wir uns mit Adobe Photoshop befassen. Wir werden über eine wirklich verbreitete Bearbeitungstechnik sprechen , die in der Live-Musikfotografie häufig verwendet wird , Doppelbelichtungen. Doppelbelichtungen stammen aus der Zeit, als Filmfotografie die Norm war. Es bestand wirklich aus zwei oder mehr Fotos, die auf demselben Bild belichtet wurden. Heutzutage wird diese Technik häufig in digitaler Form mithilfe von Software wie Adobe Photoshop repliziert , wobei Fotografen ein Bild oder mehrere Bilder übereinander legen können . Schauen wir uns an, wie dies erreicht werden kann , indem wir zwei Fotos übereinander legen, die ich bei Repercussion im Jahr 2022 im Warehouse-Projekt aufgenommen habe . Wenn es darum geht, eine Doppelbelichtung zu erstellen, sollten Sie nach kontrastreichen Bildern suchen. Also werden wir dieses Bild und dieses Bild überlagern . Zuerst kopiere ich einfach dieses Bild und erstelle eine neue Leinwand, auf der ich arbeiten kann. Also werden wir das Bild einfügen. Und dann möchte ich reinkommen und dieses Crowd-Image, das ein ziemlich kontrastreiches Bild ist, aufnehmen das ein ziemlich kontrastreiches Bild ist, und es auch hinzufügen. Als Nächstes stelle ich einfach sicher, dass beide Bilder die gleiche Größe haben. Also werden wir einfach die Größe dieses Bildes ändern. Um die Größe wirklich schnell zu ändern, drücke ich Command T. Sie könnten Strg-T verwenden, wenn Sie Windows verwenden, und dadurch wird dieses Feld zur Größenänderung geöffnet. Als Nächstes werde ich einfach die Opazität dieses Bildes verringern. Ich werde die untere Ebene sperren. Ich sperre diese Ebene, damit ich die unterste Ebene nicht verschiebe , wenn ich mit der Komposition experimentiere. Dann werde ich auf Ebene 1 diese Ebene ziehen können. Ich möchte nur sicherstellen , dass dieses Bild und dieses Bild richtig angeordnet sind und dass sie gut zusammen aussehen. Also werde ich es einfach noch einmal transformieren und herumspielen. Dann setze ich das wieder auf 100%, sperre diese Ebene, ziehe Ebene 1 über Ebene 2, entsperre sie und reduziere die Opazität, sodass ich diese Ebene als nächstes ausrichten ziehe Ebene 1 über Ebene 2, entsperre sie und reduziere kann . Jetzt habe ich meine beiden Bilder. Ich möchte mit Ebenenstilen experimentieren. Also werde ich beide Bilder freischalten, beide Ebenen. Klicken Sie auf die oberste Ebene, erhöhen Sie die Opazität und klicken Sie dann in den Bereich, in dem Normal steht. Das gibt mir eine Menge verschiedener Optionen, und ich scrolle einfach durch und sehe, welche besser aussieht. Ich denke also, ich möchte etwas wie Lighten wählen, aber ich möchte, dass diese Silhouette der Hauptfokus ist und nicht dieser Schwerpunkt. Aus diesem Grund wähle ich es wieder auf normal aus und ziehe es auf die unterste Ebene. Dann werde ich bei diesem dasselbe tun. Ich wähle das für Lighten oder Screen oder so etwas aus. Dann kann ich es so ziehen, dass die Schatten hinter der Silhouette befinden , sodass Sie sie immer noch sehen können. Alternativ könnte ich dies als meine oberste Schicht verwenden. Arbeite so, dass die Schatten der untersten Schicht meine Silhouette verwischen. Ich denke, was diese Zusammensetzung angeht, wird das besser funktionieren, wenn das Publikum näher an der Hauptsilhouette ist. Doppelbelichtungen zu erstellen bedeutet, einfach mit den verschiedenen Ebenenstilen herumzuspielen, zu sehen, was Ihnen gefällt, am besten aussieht, und mit der Komposition zu experimentieren. Aber es ist eine wirklich unterhaltsame und einfache Möglichkeit, interessante Kompositionen aus Bildern zu erstellen interessante Kompositionen aus , die Sie bereits aufgenommen haben. Sie können dann natürlich Ihre Helligkeit oder etwas Ähnliches einstellen und ein Foto weiter bearbeiten, um die Technik wirklich zu verbessern. Diese Tools werden einfach allem, mit dem wir in Lightroom und VSCO herumgespielt haben, wirklich ähnlich sein . Sie befinden sich im Wesentlichen nur an verschiedenen Orten. Wenn Sie mit Ihrem Foto zufrieden sind, können Sie es einfach speichern. Wenn du nach Fotos suchst, die du überlagern kannst, suche ich gerne nach Kontrasten. Sie haben also ein großes Bild Ihres Künstlers und dann ein Bild, auf dem die Menschenmenge klein ist, oder Sie haben einen Lichtkontrast zwischen der Dunkelheit und dem Licht, dem Licht in der Dunkelheit. Alles mit Kontrast hilft Ihnen dabei, eine wirklich interessante Doppelbelichtung zu erstellen. Du kannst sogar eine Doppelbelichtung perfektionieren, indem du Dinge wie die Funktionen Subtrahieren oder Löschen verwendest. Klicken Sie also auf Ihren Radier-Pinsel und dann können Sie alle Texturen oder Dinge herausnehmen , die dem Bild nicht wirklich dienen. Bringen Sie mich in die nächste Lektion , in der wir in Adobe Photoshop bleiben und uns ansehen werden, wie Sie ein Instagram-Karussell erstellen können , wenn es um die Lieferung Ihrer Fotos geht. 23. Erstellen von Instagram-Karussellen in Photoshop: Das Erstellen von Instagram-Karussells kann eine wirklich interessante Möglichkeit Ihre Fotos in Ihrem Portfolio anzuzeigen. Es eignet sich hervorragend für Live-Musik, da Sie damit nicht nur mehr als 10 Fotos in das Karussell aufnehmen können , sondern auch eine Mischung aus Landschafts- und Portraitbildern. In dieser Lektion werden wir uns ansehen, wie wir mit Adobe Photoshop ein wirklich einfaches Instagram-Karussell erstellen können . Um ein Instagram-Karussell zu erstellen, öffnen wir zunächst eine neue Datei, eine neue Leinwand in Adobe Photoshop. Die Abmessungen für ein normales Porträtbild in Instagram betragen 1.080 Pixel mal 1.350 Pixel. Wir möchten jedoch 10 Bilder in unserem Karussell haben. Die Höhe wird nicht zunehmen, aber die Breite ist darauf zurückzuführen, dass wir 10 Fotos innerhalb des Karussells haben werden. Was Sie tun werden, ist, einfach eine zusätzliche Null an das Ende Ihrer Breite zu setzen und auf „Erstellen“ zu klicken. Dadurch haben wir jetzt eine wirklich lange Leinwand geschaffen, auf die 10 für Instagram geeignete Frames passen . Um Ihre Leinwand einzurichten, gehen Sie als Nächstes zu Ihrem View-Panel und klicken Sie auf „Neues Guide-Layout“. Dadurch werden im Wesentlichen Spalten in Ihrer Leinwand erstellt , die Ihnen helfen zu verstehen, wo jeder neue Frame beginnt und endet. Da wir 10 Frames haben, werden wir 10 in die Spalten einfügen. Wir lassen die Breite und die Rinne frei und lassen auch Zeilen unmarkiert. Dann klicken Sie auf „Okay“. Als Nächstes ist es an der Zeit, die tatsächlichen Bilder zur Leinwand hinzuzufügen . Ich mache das gerne, indem ich meinen Finder öffne und die Form finde, die ich verwenden möchte. Für dieses Beispiel verwende ich Fotos von der Arthi Hard Party. Dann mache ich diese Bilder normalerweise einfach ein bisschen größer, damit ich sie richtig sehen und eine Auswahl meiner Favoriten auswählen kann . Sie sich keine Sorgen, dass am Anfang genau 10 Bilder zur Auswahl stehen, das ist nicht wirklich wichtig und wir können das später eingrenzen. Sie können eine Mischung aus Landschaft und auch Portrait wählen , das spielt keine Rolle. Das ist das Geniale an der Verwendung von Karussells. Ich habe 11 Elemente ausgewählt, ich werde sie alle auf meine Leinwand ziehen. Sie ersetzen sie durch die Eingabetaste auf Ihrer Tastatur oder durch dieses kleine Häkchen hier. Sobald alle Bilder platziert sind, können Sie beginnen, sie zu verschieben und zu entscheiden, in welcher Reihenfolge sie angezeigt werden sollen. Für mich persönlich weiß ich, dass ich dieses Foto wirklich mag, es wird wahrscheinlich das sein , das ich am Anfang des Beitrags haben möchte. Das ist nur ein Herumspielen damit, wie die Bilder aussehen sollen. Für mich stelle ich meine Lieblingsbilder gerne an den Anfang. Du kannst auch Landschaftsbilder hinzufügen, also könnte ich das einfach über die beiden Bilder ziehen und Leute werden in der Lage sein, beide zu sehen. Dieses Bild ist wahrscheinlich nicht das beste dafür, also werde ich es als Portraitbild behalten und es als Portraitbild komponieren. Ich werde dieses Bild entfernen weil ich hier bereits ein Foto von ihm habe und ich nicht zu viele der gleichen Leute haben möchte . Dann werde ich das entfernen, das Bild neu zusammensetzen und dann zurück in meinen Finder springen, um neu zusammensetzen und dann zurück in meinen Finder springen, ein besseres Landschaftsbild zu finden , das ich für den letzten Beitrag verwenden möchte. Ich werde mich dafür entscheiden, dieses Publikumsfoto zu verwenden , und ich werde es so platzieren , dass es die beiden letzten Bilder abdeckt. Ich könnte das als zwei separate Rahmen haben, aber was ich stattdessen tun werde, ist ich andere Fotos in diese Bilder einfüge , damit ich noch mehr hineinpasse. Ich bin jetzt auf der Suche nach zwei weiteren und was ich hier suche , ist ein Kontrast in den Farben. Entweder etwas, das rosa ist, um das Blau zu kontrastieren , oder etwas, das vielleicht schwarz und weiß ist. Sobald ich meine letzten beiden Bilder habe, werde ich sicherstellen, dass diese die richtige Höhe haben. Ich klicke auf eine, während die Umschalttaste gedrückt gehalten wird , und klicke dann auf die zweite, um beide gleichzeitig auszuwählen, und dann den Befehl T zum Transformieren. Wenn Sie Windows verwenden, können Sie stattdessen auf „Strg T“ klicken. Dann werde ich die Größe so ändern, dass sie in die Mitte dieses Bildes passen, vielleicht ein bisschen dicker. Dann werde ich sie trennen. Damit ich sie genau in der Mitte erstellen kann , werde ich eine kleine Box erstellen, die die gleichen Abmessungen wie dieser Rahmen hat. Ich werde das hinter die Ebene verschieben, damit ich das Bild sehen kann. Wählen Sie diese Ebene und mein Foto und verwenden Sie dann die Ausrichtungswerkzeuge. Dann ziehe ich dieses Feld einfach auf das zweite Bild, ziehe es wieder nach unten und mache dann dasselbe. Dann kann ich das weiße Kästchen löschen. Ich möchte diese Bilder eigentlich umschalten nur weil sie in die falsche Richtung zeigen, ich möchte, dass sie nach innen zeigen. Das machen wir einfach nochmal. Wir bewegen sie hinüber und löschen dann diese eine Ebene. Jetzt habe ich mein Karussell, es ist Zeit, es zu exportieren. Als Nächstes klicke ich darauf, dass ich in Photoshop das Slice-Tool finde, sich normalerweise direkt hinter dem Crop-Werkzeug befindet. Wenn Sie das Zuschneidewerkzeug hier sehen und es ein kleines Dreieck gibt, drücken und halten Sie das Dreieck , um das Schnittwerkzeug zu öffnen. Dann möchten Sie auf „ Aus Guides ausschneiden“ klicken. Dadurch werden separate Frames erstellt, in denen sich Ihre Guides befinden. Als Nächstes klicke ich auf „Exportieren“, „Für Web speichern“ und dann bin ich bereit es als Arthi Hard-Karussell zu speichern, und das wird für mich mein Karussell exportieren. Sobald ich wieder in den Arthi Hard-Ordner komme, wird es ein neuer Ordner sein , in dem Bilder stehen. Wenn ich darauf klicke, kann ich alle meine Bilder sehen , ich wähle sie aus und schicke sie an mein Handy. Sie können dies tun, es ist jedoch für Sie am einfachsten, E-Mails, Drop-Boxing usw. Für mich füge ich Drop zu meinem Telefon hinzu. Jetzt, wo ich die Fotos auf meinem Handy habe, kann ich mein Instagram öffnen und dann die Fotos auswählen. In der nächsten Lektion werden wir Thema Lieferung bleiben, aber ein bisschen mehr darüber sprechen, aber ein bisschen mehr darüber sprechen wie Sie Ihre Fotos tatsächlich von sich selbst an Ihren Kunden oder an wen auch immer Sie die Fotos liefern, weitergeben. 24. Lieferung Ihrer Fotos: Sie haben Ihre Fotos also erfolgreich aufgenommen und bearbeitet. Wie würden Sie jetzt vorgehen, um diese Fotos an Ihren Kunden zu liefern? In dieser Lektion behandeln wir die besten Methoden zur Übertragung Ihrer Fotos an Ihren Kunden. Neben meinen Top-Tipps zum Beschriften und Benennen Ihrer Fotos. Beginnen wir mit der Benennung Ihrer Dateien für die Lieferung. Benennen Ihrer Dateien kann also innerhalb des Export- oder Speichervorgangs erfolgen , oder Sie können sie umbenennen, sobald Sie sie bereits exportiert haben. Aber es ist klar, dass das Benennen Ihrer Dateien aus zwei Gründen wirklich wichtig ist. Eine davon ist die Archivierung, um sicherzustellen, dass Sie und Ihr Kunde diese Fotos in Zukunft finden können diese Fotos in Zukunft finden indem Sie nach dem Namen des Künstlers oder dem Datum oder ähnlichem suchen . Stellen Sie aber auch sicher, dass Sie ordnungsgemäß akkreditiert sind. Ich empfehle, Ihre Dateien mit einer Struktur wie Künstlername, Unterstrich, Nummer der Reihenfolge der Fotos zu benennen . Sobald Sie Ihre Dateien entsprechend benannt haben, ist es an der Zeit, sie zur Auslieferung zu schicken. In der modernen Welt gibt es so viele verschiedene Möglichkeiten, Dateien an Ihre Kunden zu übertragen. Meine persönlichen Favoriten sind die Verwendung Cloud-Speicher- und Dateiübertragungssoftware wie Google Drive, Dropbox oder WeTransfer. Alle drei Dienste bieten kostenlose Versionen ihrer Plattformen an, was großartig ist, egal auf welchem Niveau Sie sich in Bezug auf das Fotografieren von Toren befinden . Ich finde alle drei auch sehr nützlich, wenn Sie keinen Zugriff auf so etwas wie Apples AirDrop haben , um die Fotos tatsächlich von Ihrem Laptop auf Ihr eigenes Telefon zu bringen , um sie auf Instagram oder wo auch immer zu posten. In der nächsten Lektion werden wir den heutigen Unterricht abschließen und ich werde Ihnen ein paar meiner letzten Tipps geben. 25. Schlussgedanken: Wir sind am Ende des Unterrichts angelangt. Zunächst möchte ich mich bei Ihnen dafür bedanken, dass Sie bei mir geblieben sind und bis zum Ende des Prozesses geblieben sind. Während dieses Kurses hast du die Vorproduktion, den Drehprozess und die Postproduktion eines Live-Gigs erfolgreich gemeistert Drehprozess und . Hier erfährst du, wie du deinen Fotopass sicherst, worauf du bei einer Aufnahme achten musst und wie du verschiedene Tools verwendest, und wie du verschiedene Tools verwendest um die Aufnahme in deinem Bearbeitungsprozess zu verbessern. Ich hoffe, dass du diesen Kurs nicht nur interessant fandest, sondern auch das Gefühl hast, dass er dich vorbereitet und dir das Selbstvertrauen gegeben hat rauszugehen und deinen ersten Auftritt zu drehen. Bevor ich mich abmelde, möchte ich Ihnen noch ein paar abschließende Punkte mitteilen. Vorbereitung ist wie bei allem immer entscheidend. In einem Genre, das so unberechenbar sein kann, konzentriere dich darauf, die Dinge zu kontrollieren, die du kontrollieren kannst , und alles andere sollte passen. Viel Spaß damit, Live-Musik zu fotografieren ist einer der besten Aspekte des Fotografendaseins. Es ist einer der unterhaltsamsten Jobs da draußen Stellen Sie also sicher, dass Sie den gesamten Prozess genießen. Sie können mich jederzeit kontaktieren, sei es über Skillshare oder andere soziale Medien. Wenn Sie Hilfe bei irgendetwas benötigen, irgendwelche Hinweise, wenn es um Live-Musikfotografie oder andere Fotografie geht . Ich habe hier auf Skillshare noch andere Kurse, die eine Reihe verschiedener Dinge behandeln, von der Farbtheorie bis hin zum Fotografieren von Porträts. Wenn Sie das interessiert, schauen Sie sich diese an. Ich kann es kaum erwarten zu sehen, was du aus dem heutigen Kurs machst. es gerne in der Projektgalerie teilen Sie können es gerne in der Projektgalerie teilen, damit ich es mir ansehen kann. Aber vielen Dank fürs Zuschauen und viel Glück beim Dreh deiner ersten Show.