Klavierkenntnisse erweitern: Musikkomposition und Improvisation

1. Einführung: Wenn ich Klavier spiele, habe ich das Gefühl, mit meinem besten Freund zu sprechen, und ich kann verschiedene Gefühle vermitteln, die ich mit der englischen Sprache nicht ausdrücken konnte. Hallo, ich bin Alicia Fox, PNS-Produzentin und Songwriterin. Und ich spiele seit 18 Jahren Klavier Während dieser Zeit konnte ich international touren und mit einigen meiner Lieblingskünstler aufnehmen , wie MS. Sago, DJ to Chicago Kid in Tom Mish. Ich liebe es, Klavier zu spielen wegen der unendlichen Klangmöglichkeiten. Wenn Sie gespannt sind zu lernen, wie man Originalmusik komponiert und über Ihre Lieblingslieder improvisiert. Dieser Kurs vermittelt Ihnen die grundlegenden Fähigkeiten Sie benötigen, um diese Reise fortzusetzen. In diesem Kurs werden wir uns mit den Grundlagen der Komposition und Improvisation befassen und lernen wie man eine effektive Akkordfolge erzeugt. Und auch, wie man daraus ein Begleitmuster , das wir zum Improvisieren oder Komponieren verwenden könnten. Und lernen Sie, wie Sie eine gute Übungsgewohnheit entwickeln können , um ein besserer Komponist und Improvisator zu werden. Nach diesem Kurs werden Sie die Grundlagen der Komposition und Improvisation verstehen . Und in der Lage sein, Originalkompositionen zu schreiben über bestehende Akkordstrukturen zu improvisieren. Lass uns loslegen. 2. Erste Schritte: Willkommen im Kompositions - und Improvisationskurs. Als ich mit dem Klavier anfing, nahm ich anfangs klassischen Unterricht, aber ich war etwas entmutigt darüber, wie streng der Unterricht war und dass es nicht so viel kreative Freiheit gab Musik. Es schien, als könnte ich die Musik einfach richtig oder falsch spielen . Und ich habe gerade die Songs von jemand anderem gespielt , aber nicht wirklich verstanden, was ich gespielt habe. Als ich 11 war, wechselte ich zu einem neuen Lehrer, Tyson Rogers, der einen neuen Ansatz einführte , der bei mir großen Anklang fand. In diesem Ansatz führte er mich Improvisation und Solospiel ein, bei dem ich meine eigenen Noten auswählen konnte, um eine Melodie zu erstellen. Und ich verband mich schnell mit der Freiheit, die mir dieser Ansatz ermöglichte. Dieser Ansatz führte mich in die Improvisation oder spontane Komposition ein, bei der Sie Ihre eigenen Noten auswählen und vor Ort ein Solo erstellen können. Improvisation und Musik sind vergleichbar mit dem Sprechen einer Sprache, in der wir uns durch ein anderes Vokabular und mit Aussagen ausdrücken können uns durch ein anderes Vokabular , die wir aus der Transkription anderer gelernt haben aus der Transkription anderer gelernt mit dem Sprechen einer Sprache, in der wir uns durch ein anderes Vokabular und mit Aussagen ausdrücken können, die wir aus der Transkription anderer gelernt haben uns unsere eigenen Sätze einfallen lassen. Ich hoffe, dieser Kurs bietet einen Einblick in einige der Systeme, die beim Erlernen von Komposition und Improvisation hilfreich sein können . Improvisation ist eine ständige Reise und ich hoffe, einige der Grundlagen vermitteln zu können, an denen Sie während Ihrer gesamten Reise weiterarbeiten können , während Sie dies üben. Es ist wichtig, geduldig mit sich selbst zu sein und nutzen Sie die Möglichkeiten, da es keine richtige oder falsche Spielweise gibt. Ich freue mich darauf zu sehen, was Sie anklickt und dazu inspiriert Ihre eigenen Improvisationen und Kompositionen zu kreieren. Lass uns loslegen. 3. Erstellen von Progressionen: In dieser Lektion werden wir uns verschiedene Fähigkeiten ansehen, um eine effektive Akkordfolge zu erstellen , die dem Publikum die richtigen Emotionen vermitteln kann . Wenn wir Courts für eine Akkordfolge auswählen, möchten wir Akkorde basierend darauf auswählen, was mit der richtigen emotionalen Frequenz des Songs oder der Komposition in Resonanz steht. Wir haben bereits darüber gesprochen, wie man angesichts der CTL-Skala gute Möglichkeiten für Akkorde findet. In dieser Lektion werde ich einige dieser Konzepte erläutern, um Ihnen zu helfen , einen grundlegenden Fortschritt zu erzielen und ihn durch Substitutionen und mit Änderungen zu erweitern. Lassen Sie uns die Fähigkeiten, die wir haben haben einige neue Wege gelernt, um Substitutionen oder Änderungen vorzunehmen, um unsere Akkordfolgen zu verbessern. zunächst zur Auffrischung Lassen Sie uns zunächst zur Auffrischung die CTL-Skala erneut betrachten, aber diesmal machen wir es in einer anderen Tonart. In diesem Beispiel möchte ich mir die Tonart G-Dur ansehen, die eine scharfe, F-scharfe Tonart hat. Um mit der Suche nach der CTL-Skala zu beginnen, erstellen wir zunächst die siebten Akkorde, beginnend mit G-Dur-Siebter, die G-, B-, D- und F-scharf ist. Wenn wir uns entlang der Tonleiter nach oben bewegen, werden wir die neuen Akkorde finden, die Optionen in dieser Tonart sind. Als nächstes hätten wir also eine kleine Siebte, gefolgt von b-Moll-Siebter, gefolgt von C-Dur Sieben, gefolgt von D-dominantem Siebter, gefolgt von e-Moll Sieben. Schließlich, F-Sharf-Moll Sieben, Flat Five, und dann zurück zu G-Dur Sieben. Alle diese Akkorde sind in der Tonart G-Dur. Aber manchmal kann es gut sein, Schnüre von anderen Schlüsseln zu ziehen, verwandten Schlüsseln, die fast wie ein Blick in eine andere Welt für eine Sekunde sind . Bevor wir nach Hause zurückkehren, werde ich mir eine kurze Progression einfallen lassen , die drei Akkorde in G-Dur hat und einen Akkord aus g-Moll zieht. Ich beginne mit G-Dur Siebter, dem von diesem Schlüssel. Dann wechsle ich zu einer Minor Sieben. Vor dem Wechsel zu B-Moll sieben. Diese sind alle in der Tonart G-Dur. Und dann gehe ich zu c-Moll Siebter, das aus g-Moll stammt. Wie wir sehen können, symbolisiert dieser Akkord eine Art andere Welt, die sich fast oder etwas öffnet, bevor wir nach G-Dur zurückkehren. Diese Progression war also wieder G-Dur Sieben, a-Moll , h-Moll und dann c-Moll. Bevor wir nach G-Major zurückkehren. Wenn man sich eine Akkordfolge ansieht, sieht man oft , dass es mehrere Akkorde gibt , die auf die gleiche Weise funktionieren. Es ist wichtig, sich an das Konzept eines Wurzelakkords zu erinnern, das immer in einer bestimmten Tonart enthalten ist. In diesem Fall wäre unsere Route G-Dur. Eine typische Weiterentwicklung im großen amerikanischen Liederbuch, in vielen populären Liedern amerikanischen Geschichte, umfasst das, was als 251 bezeichnet wird. Das bedeutet, dass Sie mit dem zweiten Skalengrad dieses Schlüssels beginnen , bevor Sie zum fünften übergehen, und dann schließlich zu dem einen übergehen. In G-Dur wäre 251 eine Moll Sieben, D dominante Sieben. Bevor wir uns endlich zu G-Dur Sieben entschließen. Eine Lösung oder Lösung kann als Rückkehr zu dem Ort angesehen werden , an dem wir angefangen haben. Und es ist wichtig, dass es viele verschiedene Auflösungen gibt , die sich unterschiedlich anfühlen. Deshalb ist es beim Komponieren oder Improvisieren wichtig, Akkorde basierend auf dem Gefühl auszuwählen , das Sie vermitteln möchten. Beginnend mit einem kleinen Siebten kann ich zu D7 gehen, was etwas dissonant ist, aber dann wieder zu G-Dur Sieben auflöst. Ich könnte auch eine Moll Sieben, C-Moll Sieben machen. Und dann haben wir erneut G-Dur in c-Moll aufgelöst und uns von der g-Moll-Tonleiter entschieden. Das heißt, es bedeutet für eine Sekunde fast eine andere Welt , bevor wir nach Hause zurückkehren. In diesem Fall ist die c-Moll-Siebte und die D-dominante Siebte. Obwohl es sich um unterschiedliche Akkorde handelt, erfüllen sie dieselbe Funktion wie das Zurücklösen in unsere Homebase. Wir begannen mit einem Dummy, gingen zu sehen, bevor wir uns wieder auf den Weg machten, wo wir angefangen hatten. Oft kann man etwas sehr Schönes und Musik schaffen , indem einen sehr dissonanten Klang , der sich dann in etwas Schönes auflöst. Es ist fast so, als würde man nach einem langen Lauf durch den Regen mehr duschen . Und wenn wir etwas haben , das sehr dissonant ist, wenn es endlich gelöst ist, ist es ein süßeres Gefühl. Wir können also mit diesem Kontrast spielen , wenn wir Akkordfolgen entwickeln und Akkorde für unsere Songs entwickeln. Jedes Mal, wenn Sie eine Akkordfolge finden, die Sie mögen, ist es sehr wichtig, sie auf alle 12 Tonarten zu verschieben , damit Sie verstehen, wie sie in verschiedenen Kontexten funktioniert , und sie als Option zur Verfügung haben du komponierst in verschiedenen Tonarten. Ein guter Ausgangspunkt ist eine 251-Progression. Der kleine Siebte von den beiden, der dominante Siebte der fünf, und dann der Beschluss zu dem einen großen Sieben. Wir können diese Progression in jeder Tonart üben , um auf dem Klavier flüssiger zu werden. Lassen Sie uns mit einem erneuten Blick auf die C-Dur-Tonleiter beginnen, in der C die Eine ist. D wäre also zwei. Wir würden also mit d-Moll Sieben beginnen, gefolgt von G-dominantem Siebter, und dann zu C-Dur Sieben auflösen. Wenn wir dies in eine andere Tonart verschieben würden, würde die Beziehung zwischen den Akkorden gleich bleiben, aber die Namen der Noten würden sich zusammen mit der entsprechenden Tonart ändern. Nehmen wir ein Beispiel und finden eine 251 in einem anderen Schlüssel. Schauen wir uns dieses Mal die Tonart eines Durs an, die drei Sharps enthält, C-Sharp, F-Sharp, G-Sharp. Wenn wir uns also eine 251 und diese Tonart ansehen, müssen wir zuerst die Skala spielen. Und wir werden feststellen, dass der zweite Skalenabschluss b-Moll sein würde. Wir beginnen also mit einem B-Moll-Siebten. Danach würden wir zum fünften Skalengrad gehen, der E wäre , also würden wir zu einem E-dominanten siebten Grad gehen. Und dann folgen Sie dem, indem Sie zu einem großen Siebten zurückkehren. Man merkt, dass die Akkordfolge den gleichen Klang hat, auch wenn sie in einer anderen Tonart ist. Wir haben also b-Moll. Wir sind im ersten Beispiel, wir hatten d-Moll, G und C-Dur sieben. Du kannst diese 251-Progression in jeden Schlüssel übernehmen. Und ich denke, Sie werden feststellen, dass es in vielen Ihrer Lieblingslieder erscheinen wird . Experimentieren Sie mit diesen Akkordfolgen , indem Sie versuchen, eine Akkordfolge zu entwickeln , die die CTL-Skala einer neuen Tonart verwendet die die CTL-Skala einer , mit der Sie vielleicht weniger vertraut sind. Und dann leiht sich vielleicht auch ein paar verschiedene Akkorde von einer anderen Tonart aus. Sie können also damit experimentieren, wie das klingt. Es ist wichtig, mit Spannungs- und Auflösungstechniken zu spielen . So können Sie mit Ihrer Akkordfolge eine effektive Handlung erstellen . In der nächsten Lektion werden wir uns einige fortgeschrittenere Begleitmuster und Umkehrungen ansehen einige fortgeschrittenere Begleitmuster und , um eine einfache Akkordfolge zu erzielen und sie wirklich auf die nächste Stufe zu bringen, Zeit zum Level. oben. 4. Muster und Inversionen: Willkommen zurück. In dieser Lektion werden wir uns ansehen, wie Sie Inversionen verwenden können , um fortgeschrittenere Begleitmuster zu erstellen . Dies ist eine Technik, die unglaublich viel Spaß macht und eine großartige Möglichkeit ist , eine einfache Entwicklung herauszufordern und sie wirklich zu den nächsten Schritten zu bringen. In diesem Beispiel möchte ich direkt hineinspringen, beginnend mit den Umkehrungen eines F-Dur-Siebenakkords, der das Notengesicht F-A-C-E enthält. Wir beginnen also damit, den F-Dur-Siebenakkord der ursprünglichen Grundposition mit unserer rechten Hand zu spielen den F-Dur-Siebenakkord der ursprünglichen Grundposition . F-a-c-e. und weiter zur nächsten Umkehrung davon, die ACEF sein würde. Dann gehen wir das A hoch, eine Oktave höher zur nächsten Umkehrung. Siehe EFA. Und dann die letzte Umkehrung, EF, AAC. Machen Sie sich mit all diesen Umkehrungen über das Klavier als verschiedene Versionen desselben Akkords vertraut . Denn oft möchten Sie zur nächsten Einstellung eines Akkords wechseln und nicht nur zum nächsten Einstellung eines Akkord in der Grundposition. Bewegen wir also diese F-Dur-Seven langsam über das Klavier. Und wir fangen an, die Geräusche von allem zu hören. Ich bewege mich über die Tastatur. In diesem Beispiel werde ich den Übergang von einer F-Dur Sieben zu einer C-Dur Sieben demonstrieren , von denen die Noten C, E, G und B sind. Lassen Sie uns nun die gleichen Umkehrungen für die C-Dur-Siebte durchgehen . Wir beginnen also mit CBGB, steigen zu E, G, B und C auf. Dann gehen wir einen Schritt weiter zu G BCE. Und dann endlich BCG. Bevor wir wieder da sind , wo wir mit CBGB eine Oktave höher angefangen haben. Wir bewegen uns also von unserer grundlegenden Progression, die F-Dur Sieben ist, hinunter zu C-Dur Sieben. Es ist nur eine grundlegende Zwei-Akkord-Progression. Aber wir werden es erweitern, indem eine Akkordmelodie mit den Umkehrungen dieser beiden Akkorde erzeugen. Manchmal kann es hilfreich sein, die Notizen auf Papier aufzuschreiben , damit Sie alle Optionen sehen können. Aber für dieses Beispiel behalten wir es einfach bei den Akkorden auf dem Klavier. Was wir also im Wesentlichen tun werden , ist eine Melodie zu entwickeln die Noten dieser beiden Akkorde verwendet und sie dann mit ihren Umkehrungen zu spielen. Für die F-Dur-Seven können wir jede der Noten im Akkord auswählen, um sie als Melodie zu verwenden , bevor wir uns auf die C-Dur-Seven auflösen, wo wir jede der Noten dieses Akkords auswählen können , um sie als Melodie zu verwenden. Zu Beginn haben wir also eine der Optionen von Face, und dann gehen wir zu einer der Optionen von CBGB über. Also fange ich vielleicht mit einer Melodie wie dieser an. Also habe ich BCG gesehen. Also habe ich meine grundlegende Melodie. Was ich jetzt tun möchte, ist es mit der Verwendung der Melodie als Kopfnote der Umkehrung zu füllen . Da ich also mit E, C, a, C angefangen habe, werde ich das mit diesen Akkorden füllen, was wäre, und jetzt gehen wir zum nächsten Teil über, der BCG war. Also fülle ich mit diesen Akkorden. Insgesamt hätten wir es also getan, Sie können weitermachen. So weiter. Wir mischen also im Grunde nur die gleichen vier Noten, aber wir können eine längere Phrase erstellen , die eine melodische und CTO-Komponente hat. Lassen Sie uns ein weiteres Beispiel demonstrieren, um dies zu unterstützen. Ich werde mir mit diesen Noten eine weitere Melodie einfallen lassen. Also dieses Mal mache ich e, f, c, a, b, g, e. Siehe, der nächste Schritt ist also, ich werde die Umkehrungen finden , die diese Noten oben haben. Und es ist manchmal hilfreich, dies schriftlich zu sehen. Aber was das wäre, wenn Sie diese Umkehrungen weiter üben, kommen Sie an einen Punkt, an dem Sie mit ihnen improvisieren können. So können Sie sofort eine Melodie hören. Und wenn Sie mit anderen Instrumenten spielen, können Sie helfen, das, was sie spielen, zu unterstützen , indem Sie eine Akkordmelodie dahinter spielen. Also werde ich jetzt demonstrieren , wie ich zwischen ein paar verschiedenen Akkorden von F-Dur nach C-Dur und gelegentlich auch f-Moll wechsle. f-Moll. Bevor Sie nach Hause zurückkehren, um es zu sehen, macht es vielleicht ein Arpeggio. Um das Lied zu beenden. Zur Zusammenfassung. In dieser Übung haben wir uns angesehen, wie man einen Vier-Noten-Akkord nimmt und mithilfe aller Umkehrungen eine Akkordmelodie erzeugt, die sie dann in ein effektives Begleitmuster verwandeln kann . Nun möchte ich, dass Sie dieselben zwei Akkorde nehmen , F-Dur sieben und C-Dur sieben, und versuchen, zuerst Ihre eigene Melodie zu entwickeln, indem Sie die Noten dieser Akkorde verwenden. Und versuchen Sie dann, die Noten aus den entsprechenden Umkehrungen auszufüllen . In der nächsten Lektion werden wir Improvisation der pentatonischen Tonleiter vorstellen. Das wird uns viele verschiedene Ressourcen geben solo zu spielen und Melodien für unsere Kompositionen oder Improvisationen zu entwickeln . Ich freue mich, dass du zu mir kommst. Wir sehen uns dort. 5. Pentatonische Improvisationen: In dieser Lektion werden wir uns die pentatonische Tonleiter ansehen und wie sie für die Improvisation und die Schaffung einer effektiven Melodie verwendet werden kann Improvisation und die Schaffung einer effektiven Melodie , die über eine Akkordfolge oder ein Begleitmuster hinweg funktionieren kann . Die pentatonische Tonleiter leitet sich von der Dur-Tonleiter ab , mit der Sie bereits vertraut sein sollten. In diesem Fall schauen wir uns zunächst die pentatonische C-Tonleiter an, bei der sich um eine Fünf-Noten-Skala handelt. Die pentatonische Tonleiter C umfasst die Noten C, D, E, G und a. Oder mit anderen Worten, den ersten, zweiten, dritten, fünften und sechsten Grad der C-Dur-Tonleiter. Es kann auch als C-Dur-Tonleiter abzüglich F und B oder als vierten und siebten Grades betrachtet C-Dur-Tonleiter abzüglich F und B werden. Die pentatonische Tonleiter eignet sich hervorragend zum Improvisieren oder für die Auswahl von Noten für eine großartige Melodie. Lassen Sie uns zunächst die pentatonische Tonleiter üben, mit unserer rechten Hand nach oben bewegt, mit den Fingersätzen von eins-zwei-Drei beginnt , als unter 212 zu kreuzen und erneut unterzugehen, um zu sehen eins-zwei-drei als wieder unter G zu Also wir haben C, D, E, G, a, C, T. Und wenn wir wieder runter kommen, fangen wir mit C an. Dieser Fingersatz ist ein bisschen knifflig, also werde ich es noch einmal durchgehen. Wir beginnen mit eins-zwei-drei als 12, dann 12312123 und dann zurück zu 1 213-212-1321. Jede der Noten der pentatonischen Tonleiter klingt also über eine Akkordfolge in der entsprechenden Tonart hervorragend. Wenn wir uns also eine Akkordfolge in C-Dur einfallen lassen , z. B. F-Dur, e-Moll, d-Moll. Dies sind alles Akkorde, die aus der C-Dur-Tonleiter kommen. Wir können diese pentatonische Tonleiter verwenden, um darüber zu improvisieren. Ich zeige ein kurzes Beispiel. Ich kann weiter und weiter machen. Aber nehmen wir jetzt ein Muster mit dieser Skala. Wir können also damit beginnen, die pentatonische Tonleiter in Gruppierungen von 34,5 zu üben . Für die Gruppierungen von drei beginnen wir mit unserem Daumen auf C, und wir gehen C, D, E, D E G, E G, ein GAAC, A, C, D und so weiter. Also lass uns das versuchen. Und wieder runter. Das Üben in diesen Mustern kann uns beim Improvisieren helfen, denn dann haben wir zusätzliche Bewegungsmöglichkeiten. Und wir bewegen uns nicht nur in der Skala und es ist weniger wahrscheinlich, dass wir stecken bleiben oder uns die Ideen ausgehen. Diese Patterns können auch als hervorragendes Vehikel für Solospiele oder beim Komponieren oder als Füllung zum Spielen zwischen Akkorden verwendet werden. Sehen wir uns nun die Gruppierung von vier Knoten an. Also fangen wir bei C an und steigen auf. Wir spielen C, D, E, G, D, a, E G, TAC, TAC. Also lass uns das nochmal versuchen. Und wir können auch wieder runter gehen. Jetzt, wo wir diese Muster von 3.4 haben, werde ich versuchen, einige in die Akkordfolge einzufügen, die ich gespielt habe, um diese improvisatorischen Füllungen zu verwenden. wo wir diese Muster von 3.4 haben, werde ich versuchen, einige in die Akkordfolge einzufügen, die ich gespielt habe, um diese improvisatorischen Füllungen zu verwenden. Jetzt wir diese Muster von 3.4 haben, werde ich versuchen, einige in die Akkordfolge einzufügen, die ich Ein Muster aus drei. Jetzt ein Muster von vier. Wieder drei, vier. Wir können diese Muster also verwenden, wenn wir solo spielen, oder als kleine Füllungen, um die Lücken zwischen den wiedergegebenen Schnüren zu schließen. Jetzt habe ich diese viel geübt und sie durch die Verwendung eines Metronoms in ein schnelleres Tempo gebracht Verwendung eines Metronoms , in dem ich sie flüssig spielen kann. Es ist wichtig, langsam anzufangen und sich nicht selbst zu verprügeln , wenn Sie zunächst Probleme haben, diese zu spielen. Jetzt werde ich dieselben Sätze demonstrieren, aber etwas langsamer. Alle diese Sätze stammen alle aus dieser pentatonischen Tonleiter , einer Fünf-Noten-Skala. Für die nächste Übung übe ich es gerne in den Mustern von fünf. Also fangen wir mit C an und gehen mit allen fünf Finger nach oben, C, D E G a D E G a C, E G, a, C, D und so weiter. Jetzt werde ich einige Muster von fünf in derselben Progression demonstrieren . Wenn Sie die pentatonische Tonleiter für das Solospiel verwenden, stellen Sie vielleicht fest , dass Sie vorhersagen können, wie sie klingen wird , bevor Sie spielen. Und dies ist einer der wesentlichen Bestandteile der Improvisation beim Improvisieren. Sie möchten an einen Ort gelangen, an dem Sie fast vorhersagen können , wie es beim Spielen klingen wird , und sehen können, wie Ihre Hand sein kann. als Erweiterung deines Geistes oder als Melodie , die du singen würdest. Jetzt spiele ich die gleiche Akkordfolge und möchte, dass Sie versuchen , mit den Noten der pentatonischen Tonleiter C, D, E, G und A zu improvisieren . Sie können auch versuchen, einige dieser Muster zu verwenden 34.5 um mit deiner Improvisation eine spontane Melodie zu erzeugen. Denk dran, es gibt keine richtige oder falsche Melodie. Und solange Sie die Noten der pentatonischen Tonleiter spielen , haben Sie einen guten Start hingelegt. Los geht's. Exzellente Arbeit. Eine weitere großartige Möglichkeit, das Improvisieren zu üben, besteht darin sich selbst mit den Begleitmustern oder Akkordfolgen aufzunehmen und dann darüber zu spielen, indem Sie mit der pentatonischen Tonleiter solo spielen. Jedes Mal, wenn du ein neues Lied lernst, kannst du herausfinden, in welcher Tonart das Lied ist. Nehmen Sie die Dur-Tonleiter und finden Sie dann die pentatonische Tonleiter, indem Sie den ersten, zweiten, dritten, fünften und sechsten Tonleiter spielen . Sie können es sich auch bequem machen, indem Sie diese Patterns von 34,5 spielen , die ich in zusätzlichen Tonarten demonstriert habe , um mit der pentatonischen Tonleiter in jeder Tonart flüssiger zu werden. Jedes Mal, wenn Sie ein neues Lied haben, können Sie herausfinden, in welcher Tonart es sich befindet, und die Dur-Tonleiter dieser Tonart finden. Und dann spielen Sie den ersten, zweiten, dritten, fünften und sechsten Grad, um die pentatonische Tonleiter zu finden. Sie können sich auch durch die Muster von 34,5 in der pentatonischen Tonleiter in den entsprechenden Tonarten bewegen 34,5 in der pentatonischen Tonleiter in , um sich mit ihnen auf dem Klavier vertraut zu machen . Zusammenfassend haben wir uns in dieser Lektion die pentatonische Tonleiter angesehen, die den ersten, zweiten, dritten, fünften und sechsten Grad der Dur-Tonleiter darstellt. Und wie man das als Gefäß nutzen kann, um improvisieren oder eigene Melodien zu entwickeln. Wenn Sie sich Melodien einfallen lassen, kann ein guter Ausgangspunkt oft darin bestehen, frei zu stylen oder zu improvisieren, eine Melodie zu finden, die Sie mögen, und sie zu verfeinern, um sie schließlich sicher zu machen. In der nächsten Lektion werden wir uns mit einer Technik befassen, werden wir uns mit einer Technik befassen mit der wiederholte Notensätze oder Läufe entwickelt werden können, die hervorragende Mittel für Improvisation oder Komponieren sein können. 6. Wiederholte Noten: In dieser Lektion werden wir uns ansehen, wie Sie wiederholte Notenphrasen oder Läufe verwenden können , um Texturen für die Komposition oder Improvisation zu erstellen. Eine wiederholte Notenphrase ist eine Phrase mit sechs oder acht Noten , die in der Nähe der Stelle, an der sie in Oktave höher begann, zu einer fließenden Phrase über dem Klavier wird. Das eignet sich hervorragend zum Improvisieren als Kompositionswerkzeug oder als Abschluss. Um einzusteigen, möchte ich damit beginnen , eine sechste Notenphrase über einem beliebigen Akkord zu erstellen . als erstes Beispiel Nehmen wir als erstes Beispiel den Court of d-Moll 7, D, F, a und C. Wir werden eine wiederholte Notenphrase entwickeln, die über diesen Akkord funktionieren könnte und in der Nähe endet , wo er beginnt in Oktave höher. Es kann sich also über die Oktave hinweg wiederholen. Ich werde mir sechs Noten einfallen lassen und sie in Drillingen spielen, was bedeutet, dass ich drei Noten für jede Viertelnote spiele. Es ist also wichtig zu wissen, dass ich beim Verfassen Ihrer wiederholten Notenphrase, egal auf welchem Knoten ich beginne, in der Nähe einer Oktave höher enden möchte. Die Phrase kann immer wieder in sich selbst laufen. Wir haben also d-Moll. Ich beginne meinen Satz mit E, dem neunten Tonleiterton dieser Tonart. Also fange ich mit E, F, G an und gehe dann zu ACG über. All dies sind Noten in C-Dur, von denen d-Moll Teil der CTL-Skala ist. Also, bis jetzt habe ich E, F, G, a, C, G. Und das bringt mich dazu, neben dem E zu sein, wieder in Oktave höher. So kann ich dieselbe Phrase spielen, die sich über die Oktave wiederholt . Ich werde es demonstrieren. Jetzt spiele ich dieselbe Phrase, aber ich bewege sie über die Oktave. Es klingt also wie ein sich wiederholendes Muster. Ich fange wieder an. Da ich eine Sechs-Noten-Phrase habe, kann sie auch in zwei Dreiergruppen unterteilt werden, die e, f, g und dann die ACG. Wenn wir eine Phrase spielen, möchte ich immer die meisten Kilometer aus dem Satz herausholen. Ich denke also in verschiedenen Abschnitten darüber nach. In diesem Fall würden wir uns das als eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei vorstellen eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, , was der Finger ist, den ich mache. Wir könnten aber auch 132 spielen, was EGF machen würde. Das ist auch ein netter Sound. Wir könnten auch runtergehen. Also gehe ich zuerst drei zu eins runter, was GCA, GFP wäre. Wenn ich eine weitere Variante mit diesem Satz erstellen wollte, könnte ich 231 auf dem Weg nach unten machen, was CGA, PFGE wäre. Es klingt also wie eine viel längere Phrase, aber es ist im Wesentlichen dasselbe Sechs-Noten-Muster sich über die Oktave wiederholt. Immer wenn ich mir einen Satz einfallen lasse, den ich mag, habe ich versucht, ihn auf jeden Schlüssel anzuwenden. Wenn ich also ein Lied in dieser Tonart spiele, kann ich es als Ende verwenden. Nehmen wir an, ich spiele ein Lied in f-Moll und komme zu Ende. Ich habe gerade dieselbe Phrase gespielt, die ich in d-Moll geschrieben habe, aber ich habe sie in f-Moll transponiert. Schauen wir uns jetzt einen anderen Satz an. Dieses Mal machen wir eine 8-Noten-Phrase, was bedeutet, dass alle Noten 16. oder Achtelnoten sind. Für diese nächste 8-Noten-Phrase werde ich eine über der Tonart eines Molls erstellen. Und ich werde mich daran erinnern , dass ich in Oktave höher in der Nähe enden möchte , wo ich angefangen habe. Der Satz kann sich also natürlich wiederholen. Für dieses Beispiel beginne ich mit der Notiz B. Also mache ich BCG und dann D, E, D. Ich habe. Und dann bin ich wieder hier bei B. Also sehe ich zu, wie es sich wiederholt. Noch einmal. Wir haben BCG a, D, EDA. Wenn wir wollten, könnten wir diese Gruppierung in zwei Vierergruppen aufteilen , in denen wir 12341234 haben. Und wir könnten versuchen, es in anderen Variationen zu spielen , vielleicht 3421, was wäre, und uns andere Sätze mit denselben Noten einfallen lassen. Um diese Lektion abzuschließen. Sie können eine wiederholte Notenphrase über jedem Akkord mit sechs oder acht Noten erstellen . Im Hauptschritt möchten Sie in der Nähe der Stelle enden, an der Sie in Oktave höher begonnen haben. Also den Satz, den wir über die Oktave hinweg wiederholen werden. Jedes Mal, wenn Sie sich einen Satz einfallen lassen, den Sie mögen, würde ich Sie ermutigen, ihn in so vielen Tonarten wie möglich auszuprobieren , damit Sie beim Spielen eines neuen Songs bereits Tonnen von Freezes an Ihren Finger haben Sie können mit dem Arrangement improvisieren oder im Arrangement verwenden. Jetzt möchte ich, dass Sie versuchen, Ihre eigene Sechs-Noten-Phrase über der Tonart c-Moll zu finden. Und ich freue mich zu sehen, was Sie sich einfallen lassen. Sie können diese Technik üben, indem Ihre eigenen Phrasen über verschiedene Akkorde hinweg entwickeln und sie als Kompositionswerkzeug oder in Ihren Improvisationen verwenden . In der nächsten Lektion werden wir uns ansehen, wie wir die Blues-Skala verwenden können , um einen gitarrenähnlichen Klang auf dem Klavier zu erzeugen . 7. Blues: Willkommen zurück. In dieser Lektion werden wir uns ansehen, wie wir die Blues-Skala und die blauen Noten verwenden können , um einen Gitarren-Lick-Sound auf dem Klavier zu erzeugen . Der Blues ist eine schwarze amerikanische Kunstform , die ihren Ursprung im amerikanischen Süden die Grundlage fast aller Musikrichtungen ist , die wir heute kennen, von Rock über Country, Jazz bis hin zu RMB. Wir können die Blues-Skala in vielen Genres verwenden. Und zu wissen, wie man es effektiv einsetzt, macht uns insgesamt zu einem besseren Pianisten und Musiker. Auf einer Gitarre können Sie eine Saite zwischen den Noten biegen , um eine wirklich coole, bluesige Textur zu erzeugen. Aber wenn wir am Klavier einmal eine Tonart spielen, haben wir keine Möglichkeit, den Klang zu ändern. Aufgrund der Einschränkungen des Klaviers haben die Menschen Wege gefunden, mithilfe der Blues-Skala und der blauen Knoten einen gitarrenähnlichen Klang zu erzeugen . Ich werde heute einige dieser Konzepte demonstrieren. Bevor ich in die Blues-Skala einsteige, möchte ich mir zunächst eine typische 12-Bale-Blues-Progression ansehen . In einer typischen 12-Takt-Blues-Progression beginnen Sie mit C7 für 4 Takte, gefolgt von F7 für 2 Takte, bevor Sie zurückkehren, um 2 Takte zu sehen. Und dann, wenn Sie mit dem Turnaround von g für 1 Takt, f für 1 Takt enden f für 1 Takt und dann nach weiteren 2 Takten suchen, gibt es viele Möglichkeiten, einen 12-Takt-Blues zu spielen, aber ich werde jetzt einen grundlegenden Fortschritt demonstrieren. Dieser Fortschritt zeigte eine 12-Takt-Form , die sich wiederholt. In diesem Fall können Sie als Minikurse oder Zeiten durch das Forum solo oder improvisieren , wie Sie möchten. Nachdem wir uns die grundlegende Entwicklung angesehen haben, schauen wir uns die Sea Blues-Skala an. Die Sea Blues-Skala ist eine Sechs-Noten-Skala, die die Noten C, E flach, F scharf, G, B flach und C enthält , E flach, F scharf . Das ist wiederum C, E-flach, F , F scharf, G, B flach und C. Der Fingersatz, den ich normalerweise für die Sea Blues-Skala mache, ist 123412. Und dann überquerst du erneut, wenn du eine weitere Oktave hochgehst , 123412. Versuchen wir das nun über zwei Oktaven hinweg, beginnend mit C, E-flat, F, F scharf, G, a, B-flat, C, D-Dur, F scharf, G, B-flat und zurück nach unten. Bevor wir uns mit der Blues-Scale-Improvisation befassen, erkläre ich jetzt gerne, was eine blaue Note ist. Zusätzlich zur Blues-Skala können wir sogenannte blaue Noten verwenden, um einen bluesigen oder gitarrenartigen Klang auf dem Klavier zu erzeugen . Eine blaue Note entsteht, wenn Sie von einer Taste zur nächsten gleiten. Lassen Sie uns das demonstrieren der F-Sharp auf G und dann auf F heruntergleitet Sie beginnen also mit demselben Finger, indem Sie F scharf spielen und auf G nach unten auf F rutschen . Das klingt fast wie eine Gitarre, die zwischen den Tasten gleitet, denn obwohl wir die genaue Biegung nicht hören, ist sie fast in der Musik impliziert. Wir können dies verwenden, um einen Gitarren-Lick-Sound auf dem Klavier zu erzeugen . Nehmen wir also einen einfachen Satz und ich möchte, dass Sie versuchen, ihn mit blauen Noten zu spielen. Also rutsche ich von F scharf auf G und dann runter auf F, bevor ich E-flat spiele. Und sieh mal, jetzt möchte ich, dass du das versuchst. Sie können sich eine blaue Note als eine Art Flexion vorstellen oder eine Möglichkeit, mehr Klang oder Charakter aus dem Klavier herauszuholen. Jetzt spiele ich eine Phrase ohne blaue Noten und dann wieder mit blauen Noten und sehe, ob Sie den Unterschied erkennen. Das ist ohne blaue Noten und breite blaue Noten. Man erkennt, was die blauen Noten sind. Es hat ein bisschen mehr Charakter oder es fühlt sich in der Art, wie es gespielt wird, etwas weniger gerade oder starr an. Immer wenn wir uns einen Satz mit der Blues-Skala einfallen lassen , den wir mögen, habe ich versucht, ihn als Option für das Improvisieren in meinem Kopf zu speichern . Damit Sie sich das nächste Mal, wenn Sie ein Lied in dieser Tonart spielen, an die Sätze oder das Vokabular erinnern können, die Sie sich ausgedacht haben, um beim Solospiel effektiv sprechen zu können. Wir können viel lernen andere Blues-Musiker transkribieren und Klänge anderer Instrumente nehmen und versuchen, sie auf das Klavier zu übertragen und zu sehen, wie sie übersetzt werden. Auf die gleiche Weise demonstrierten wir Muster von 34,5 mit der pentatonischen Skala. Wir können uns diese auch für die blaue Skala ansehen. Ich werde jetzt Muster von drei auf der blauen Skala durchgehen . C, E flach, E flach, F, F scharf, F scharf, G, F scharf, F scharf G, B flach, G, B flach, C und hinten nach unten. Wir können diese Muster üben und sie dann in unserem Solo verwenden. Ich möchte Sie jetzt einladen, mit der Sea Blues-Skala zu improvisieren , während ich die Begleitakkorde aus der 12-Takk-Blues-Form spiele . Denken Sie daran, es gibt keine richtigen oder falschen Sätze zum Spielen. Aber jede dieser Noten funktioniert über diese Akkorde. Und wenn Sie etwas finden, das Ihnen gefällt, versuchen Sie es sich zu merken und speichern Sie es als Option für zukünftige Soli in Ihrem Kopf. Okay, lasst uns in 121234 springen. Exzellent. Obwohl dies vielleicht Ihr erstes Mal war, haben Sie vielleicht ein paar Mal erkannt, wann Sie eine Phrase gespielt haben , die Ihnen gefallen hat. Und es ist wirklich wichtig, sich daran zu erinnern, was Ihnen daran gefallen hat , um das als etwas zu speichern, das Sie dann über andere Songs spielen können. Wenn Sie also improvisieren, Sie sich nicht gerade alles von Grund auf neu einfallen lassen, aber Sie verwenden bereits vorhandenes Vokabular , um ein zusammenhängendes Statement zu strukturieren und zu bilden werden Sie sich nicht gerade alles von Grund auf neu einfallen lassen, aber Sie verwenden bereits vorhandenes Vokabular , um ein zusammenhängendes Statement zu strukturieren und zu bilden Es ist wichtig, daran zu denken, dass das Improvisieren mit der Blues-Skala eine kontinuierliche Reise ist Und es ist wichtig , geduldig mit sich selbst zu sein und beim Lernen klein anzufangen. kann einige Zeit dauern, sich mit der Skala vertraut zu machen, und es ist wichtig, sich an die Sätze zu erinnern, die Sie mögen. So können Sie als Improvisator Ihren Wortschatz weiter ausbauen. In unserer nächsten Lektion werden wir uns mit einigen zusätzlichen Improvisationskonzepten befassen einigen zusätzlichen Improvisationskonzepten , die dazu beitragen können, unser Improvisieren zum nächsten Schritt zu bringen. 8. Tonarten improvisieren: In dieser Lektion werden wir uns mit einigen zusätzlichen Improvisationskonzepten befassen und wie wir Improvisation effektiv üben können. Einige der Konzepte, auf die wir eingehen werden, umfassen Gehege, Arpeggien und die Einstellung einer begrenzten Reichweite am Klavier beim Improvisieren. Schauen wir uns zunächst die Gehäuse an. Enclosure ist eine Technik, die in den 1940er Jahren mit Bebop-Musik durch Pioniere wie Charlie Parker und Thelonious Monk entstand den 1940er Jahren mit Bebop-Musik durch Pioniere wie . Ein grundlegendes Beispiel für ein Gehege ist die chromatische Annäherung an eine Note von beiden Seiten. ZB wenn ich weiß, dass ich möchte, dass es auf b landet, würde ich mich ihm nähern, indem ich C und dann B flach spiele , bevor ich auf b lande, aber immer noch Be im Downbeat oder Strong Beat treffe. Wenn ich z.B. eine Phrase mit einem Gehege spielen würde, würde ich dann spielen. Ich schließe im Wesentlichen den Wunsch ein. Beachten Sie, dass ich gerne von beiden Seiten spiele. Schauen wir uns ein anderes Beispiel an. Wenn ich eine Dur-Triade spielen würde, C, E und G, und jede Note beifügen würde, würde ich spielen. Ich nähere mich dem c chromatisch mit C-Sharp und B, dann nähere ich mich dem E mit F und E flach, dann nähere ich mich dem g mit einem flachen und F scharf, um es zu bekommen. Wir können Gehäuse verwenden, um einen chromatischeren Klang zu erzeugen und gleichzeitig unsere Leittöne gleich zu halten. In diesem Beispiel erkläre ich, wie man Gehäuse über 251 in der Tonart C-Dur verwendet . Wie man sehen kann, ist es ein sehr chromatischer Klang. Und wir können uns daran gewöhnen, eine einfache Phrase zu nehmen und sie dann zu erweitern, indem wir die Leittöne von beiden Seiten einschließen . Sie können in der Praxis einen Chor über einen Blues oder einen anderen Song aufnehmen , einige Gehege einbauen und sehen, wo Sie sie haben möchten und wo sie nicht funktionieren. Viel Improvisation ist Versuch und Irrtum. Und in manchen Situationen haben Sie vielleicht Glück und entdecken etwas, haben Sie vielleicht Glück und entdecken von dem Sie nie wussten, dass Sie es spielen können. Als nächstes schauen wir uns an, wie Sie Arpeggien beim Solospielen verwenden können Arpeggien beim Solospielen verwenden Beginnend mit dem d-Moll-siebten Akkord wird ein Arpeggio oder die Noten des Akkords verwendet , um eine andere Textur für wann zu erstellen wir spielen solo. Ich fange mit einem D an und demonstriere es. In diesem Beispiel habe ich dieses Arpeggio verwendet, um eine lineare Phrase zu erstellen , die sich über das Klavier bewegt. Wir können auch Arpeggien als Fluchtwege verwenden und beim Improvisieren in einen anderen Bereich wechseln. Ich zeige ein Beispiel dafür. Beim Üben von Improvisation kann es eine gute Angewohnheit sein, Einschränkungen explizit auf ein Konzept nach dem anderen zu konzentrieren. Ein guter Ausgangspunkt kann darin sich auf einen bestimmten Bereich des Klaviers zu beschränken und zu sehen, wie viele Optionen Sie mit diesen Einschränkungen finden können . Oft wird die größte Kunst mit Einschränkungen gemacht. Und Sie können etwas wirklich Beeindruckendes entdecken , indem Sie sich selbst Grenzen setzen. Und wenn Sie diese Grenzen wieder öffnen, haben Sie neue Möglichkeiten, sich auszudrücken. Jetzt werde ich all diese Konzepte, Gehäuse, Arpeggien und die begrenzte Reichweite über eine Progression hinweg demonstrieren . Ich verwende die Akkordfolge, eine Moll Sieben, e-Moll Sieben, d-Moll Sieben. Und da es sich um ein a-Moll handelt, verwende ich die Blues-Skala. Jetzt benutze ich Gehäuse. Jetzt benutze ich Arpeggien. Jetzt verwende ich eine begrenzte Reichweite und nur eine Oktave. Und Tonic-Skala. Verwenden Sie normalerweise blaue Noten. Das war also ein Beispiel, um zu demonstrieren, wie ich mich nacheinander auf jedes Improvisationskonzept konzentrierte . Um dies zu stärken, ist es wichtig, diese Einschränkungen festzulegen, anstatt nur alles auf einmal zu üben nur alles auf einmal zu damit wir ein weit offenes Konzept praktizieren können offenes Konzept praktizieren . wie Improvisation, die zunächst überwältigend sein kann , weil es so viele Möglichkeiten gibt. In der nächsten Lektion werden wir uns ansehen, wie Sie ein einfaches Muster nehmen und es als Werkzeug für die Komposition verwenden können. Fangen wir an zu komponieren. 9. Muster und Komponieren: Wenn ich ein Klavier übe, mache ich oft ein mache ich einfaches Muster oder eine Übung, um es auf verschiedene Arten zu bewegen und es auf verschiedene Tasten anzuwenden. Oft kann ein einfaches Muster oder eine Übung dann zu einer vollwertigen Komposition werden. Und es gibt einen Link, der die Komposition zusammenhält , weil die Leute erkennen können dass ein Muster oder etwas Ähnliches als Klebstoff fungiert , um sie miteinander zu verbinden. Um das zu demonstrieren, werde ich meine Songs Central Park West von meinem Album city in the sky verwenden , um zu zeigen, wie ich ein Konzept oder Muster verwende ein Konzept oder Muster und daraus eine vollständige Komposition mache. Als ich Central Park West schrieb, benutzte ich einen Akkord , einen Dur-Akkord, der von solchen Oktaven umgeben war. Sie können diesen Akkord auf der Skala nach oben bewegen. In diesem Fall war ich ein D-Dur , der zwei Sharps hat, F-Sharp und C-Sharp. Und ich habe geübt , diesen einen Akkord so über das Klavier zu bewegen . Und so weiter. Also nehme ich ein einfaches Konzept, das derselbe Akkord ist , und bewege es , um eine Melodie zu spielen. Ich demonstriere genau die richtige Hand. Ich bewege mich über die D-Dur-Tonleiter, nehme dieselbe Form an und benutze sie, um eine Melodie zu spielen. Also habe ich, und so weiter. Ich könnte diesen Akkord auch im Spiel mit Arpeggien erweitern, was so klingen würde. Der Sinn dabei ist oft, dass man ein einfaches Muster oder Motiv in eine Komposition verwandeln kann. Ich zeige ein weiteres Beispiel aus einer Originalkomposition, City in the sky, in der ich ein wiederholtes Muster mit vier Noten verwendet habe, um die Illusion eines Wolkenkratzers zu erzeugen , der sich in einer Stadt bewegt. In diesem Song habe ich mit zwei Vier-Noten-Phrasen gearbeitet. Wechsel zwischen c-Moll. In C-Dur. Ich begann mit einer c-Moll-Phrase , in der ich ein Vier-Noten-Muster verwende und es wiederhole. Und dann geht es weiter zum C-Dur-Teil. Also zusammen klingt es so. Obwohl sich die Akkorde in verschiedenen Tonarten befinden, gibt es einen Link, der sie miteinander verbindet, nämlich das Vier-Noten-Muster , das sich durchgehend bewegt. Oft kann ein Muster auch eine Einschränkung darstellen, da es Sie zwingt, auf unterschiedliche Weise zu denken. Aber es gibt immer einen Link, der hilft , die Komposition miteinander zu verbinden. Ich ermutige Sie, zu versuchen, ein Muster zu erkunden, mit einem Muster zu spielen und es dann vielleicht in Ihrer eigenen Komposition zu verwenden, die Sie mit MuseScore punkten können. Jedes Mal, wenn Sie sich ein Pattern einfallen lassen, das Ihnen gefällt, ist es wichtig, es auf so viele Tonarten in verschiedenen Songs wie möglich anzuwenden , damit Sie die maximale Laufleistung aus dem Pattern herausholen und anwenden können es für Songs anderer Leute oder Ihre eigenen Originalwerke. Für diese Klassenaufgabe möchte ich, dass du ein Muster oder eine p bezeichnende Phrase nimmst und sie als Vehikel für die Komposition verwendest, die du dann über die Projektgalerie einreichen kannst. In der nächsten Lektion werden wir uns ansehen, wie Sie Arrangieren und Dynamik nutzen können , um Ihre Komposition auf die nächste Stufe zu heben, indem Sie die gesamte Klangpalette des Klaviers nutzen. 10. Musikalische Arrangements: In dieser Lektion werden wir uns ansehen, wie wir Arrangieren und Dynamik nutzen können , um die gesamte Bandbreite des Klaviers hervorzuheben. Das Klavier ist ein außergewöhnliches Instrument, weil es im Grunde so ist, als hätten Sie ein ganzes Orchester zur Hand. Das Klavier hat eine größere Reichweite als jedes andere Instrument. Wir haben wahnsinnig tiefe Tiefen, die den Kontrabass des Orchesters imitieren. Und sehr hohe Höhen, die einem Piccolo oder einer Flöte ähneln. Wenn Sie über das Komponieren am Klavier nachdenken, ist es wichtig, über die Bandbreite des Arrangements nachzudenken , in dem wir spielen , um das gesamte Klangspektrum zu erhalten. Oft kann es großartig sein, Kontrast zu erzeugen , indem man sowohl niedrig als auch hoch spielt. Und denken Sie darüber nach, wie Sie Ihre Komposition strukturieren möchten , um die gesamte Technik aus dem Klavier herauszuholen. Beim Klavierspielen ist es wichtig, strategisch über die Reichweite nachzudenken und auch die Dynamik zu nutzen. Dynamik auf dem Klavier bezieht sich darauf, wie laut oder leise und all die unterschiedlichen Pegel dazwischen, die wir verwenden können. Dynamik kann man sich beim kreativen Schreiben wie Story-Plots vorstellen. Und anstatt etwas stagnierend oder auf dem gleichen Niveau zu halten , können wir Ebbe und Flut nutzen , um eine Reise für unseren Zuhörer zu schaffen. Um das zu demonstrieren, spiele ich eine Passage ohne Dynamik und experimentiere dann mit zwei verschiedenen dynamischen Optionen. Ich beginne damit, eine Phrase aus einem Originalsong, Grand Canyon, mit unterschiedlicher Dynamik zu spielen . Wenn Sie Dynamik üben, können Sie oft über Bögen nachdenken einer Story-Handlung ähneln, wenn Sie auf Ihrer Komposition zeichnen, wie Ihre Dynamik steigen soll, sodass es zu allmählichen Anstiegen und Abfällen kommt, fast wie bei einem winken. Statt plötzlicher gezackter Bewegungen , die den Zuhörer abschrecken könnten. Ich werde ein weiteres Beispiel für Dynamik über derselben Akkordfolge demonstrieren , aber wenn die Dynamik an verschiedenen Stellen steigt und fällt. Im zweiten Beispiel habe ich die zweiten beiden Akkorde leiser gehalten. Wir sind im ersten Beispiel, diese Akkorde waren lauter. Jetzt ist es Geschmackssache , welches Beispiel ich mehr mag. Aber es ist wichtig, Dynamik im Übungsschreiben in Dynamik zu Dynamik im Übungsschreiben in üben, damit wir den gesamten Klangbereich in der Lautstärke auf dem Klavier nutzen können . Eine gute Möglichkeit, Dynamik zu üben, besteht darin, eine einfache Phrase wie eine C-Dur-Tonleiter zu verwenden, deren Lautstärke zunimmt und deren Lautstärke abnimmt. Ein gutes Beispiel wäre dies. Ich fange beim niedrigsten C an. Also erhöhe ich allmählich Lautstärke und übe dann, wieder runter zu gehen. Sie können auch Übungen wie diese mit nur einem Knoten durchführen , um so viele Dynamiken wie möglich zu erzielen so viele Dynamiken wie , während Sie sich auf einem konsistenten Bogen bewegen. Kann sehen, wie leise Sie drücken können , während Sie noch einen Sound erzeugen. Dynamik ist ein sehr mächtiges Werkzeug und wir können sie beim Komponieren verwenden , um einen Bogen in einem Story-Plot zu unserer Komposition zu erstellen . Dynamik kann auch das Stimmungsgefühl des Stücks beeinflussen und ist sehr wichtig, um Publikum die richtige Emotion zu vermitteln. In der nächsten Lektion werden wir uns mit Kompositionstechniken und Abschnitten befassen . So können Sie helfen, Ihre Komposition effektiv zu strukturieren und auf die nächste Stufe zu heben. 11. Komponiertechniken: In dieser Lektion werden wir uns Kompositionstechniken in Abschnitten befassen, mit denen beim Komponieren Struktur geschaffen werden kann . Die Art der Abschnitte, die wir uns ansehen werden, werden am häufigsten mit Pop-Songwriting in Verbindung gebracht und umfassen die Strophe, den Refrain oder Hook, die Brücke, das Intro und das Outro. Diese funktionieren, indem sie im gesamten Song Schwung erzeugen , damit vertraute Abschnitte zurückkommen Wir werden auch eine natürliche Progression schaffen, um diesem Song einen eigenen Bogen und eine eigene Lebensdauer zu verleihen. In der Regel beginnen wir bei Songs mit einem Intro, das instrumental sein kann oder die Tonart oder die Akkordfolge im Song festlegen kann. Sie bewegen sich dann normalerweise in die Abneigung, die eine Melodie hat und normalerweise spärlichere Instrumentierung als der Refrain hat. Normalerweise haben Songs 123 Vs, und die Melodie ist dieselbe, aber der Text kann unterschiedlich sein. Der Refrain oder der Hook soll den Hörer fesseln, indem er das Eingängige als Teil des Songs wiederholt Eingängige als Teil des , sodass es etwas gibt, das ansteckend ist und Sie mitsingen oder tanzen müssen bridge, das oft nach dem zweiten Refrain oder der zweiten Strophe steht, fungiert als etwas anderer Abschnitt, um eine andere Textur zu bieten, bevor er zum Refrain zurückkehrt. Oft werden Brücken in eine andere Tonart moduliert, manchmal eine fünfte entfernt. Der Originalschlüssel. Die Brücke ist unerlässlich , um den Refrain wieder aufzubauen und ihm zu helfen, sich als zusammenhängender Song zu fühlen. Nach dem letzten Refrain gibt es manchmal ein Outro, bei dem es sich um eine Instrumentalgruppe oder eine wiederholte Phrase handeln kann die der Sänger singt, um das Lied beim Ausblenden fortzusetzen. Wenn Sie mit Pop-Songwriting arbeiten, können Sie dieselbe Akkordfolge verwenden und sie erweitern, indem Sie Variationen verwenden, Arpeggien oder Inversionen verwenden, um einen neuen Abschnitt mit mehr Schwung für die Chorus, Bridge oder Outro, wobei immer noch die gleiche Kernakkordfolge beibehalten wird. Oft kann der Song eine Akkordfolge haben, aber seine Variationen können zu Refrain und Hook führen und durch die Techniken, die wir in dieser Klasse besprochen haben, zu natürlichen Entwicklungen führen, darunter Inversionen, Arpeggien, in verschiedenen Begleitmethoden, in traditionellen Liedstrukturen oder Liedern der 30er, 40er und 50er Jahre, wie Broadway-Klassiker oder auch bekannt als großes amerikanisches Liederbuch. Sie verwenden oft die Form A-A-B-A, in der das a als Refrain oder Strophe betrachtet werden kann, die zweimal wiederholt wird. Und dann ist da noch eine Brücke und dann folgt wieder dasselbe a, sodass das a im Kopf des Zuhörers hängen bleibt. Jetzt werde ich eine Originalkomposition demonstrieren dann das AABA-Formular mit dem Titel Wir haben die Nacht auf einem Stern verbracht. Als ich diesen Song schrieb, wollte ich ihn wie ein Lied aus den 1930er oder 1940er Jahren klingen lassen . Deshalb wollte ich die traditionelle Form aus dieser Zeit verwenden , damit sie authentisch klingt. Sie werden hören, dass der a-Abschnitt dreimal wiederholt wird , in dem es unterschiedliche Texte gibt, aber es ist dieselbe Melodie. Sie werden auch eine kurze Brücke sein. Sie hören also einen BA und hören sich die Wiederholung eines Abschnitts an. Sie haben unterschiedliche Texte, aber es ist dieselbe Melodie. Wir gehen zurück. Dieses weiche hellblaue Bargas. Sie wären Gott mein Herz und ich will nicht aufhören. Die Straßen waren da drin dicht. Die Pagen, die Gute Nacht sangen , kamen über bewölkten Himmel, als wir die Nacht auf einem Stein verbringen, wir finden heraus, wie man springt. Wisse einfach, dass sie so hoch sein werden. Und nachts wird die Steuer wie gesagt ausgezahlt, es sind funkelnde Lichter, aber wir haben die Nacht mit dem Song verbracht die Nacht . Man merkte, dass derselbe Abschnitt dreimal wiederholt wurde und der einzige andere Abschnitt die Brücke war. Das ist hilfreich, denn wenn wir Songs aus dem großen amerikanischen Liederbuch oder klassische amerikanische Lieder der 1940er Jahre lernen dem großen amerikanischen Liederbuch oder . Wenn wir den a-Abschnitt gelernt haben, haben wir im Wesentlichen bereits drei Viertel des Songs gelernt , was bedeutet, dass wir Songs schneller lernen können indem wir uns auf einen Abschnitt konzentrieren und darauf, wie er wiederholt wird. In dieser Lektion haben wir uns angesehen, wie wir verschiedene Abschnitte für Pop-Songwriting und auch verschiedene Foren verwenden können Pop-Songwriting und auch verschiedene Foren um unsere Komposition effektiv zu strukturieren. Es ist wichtig, sich beim Songwriting an diese Konzepte zu erinnern , um unseren Songs den richtigen Bogen zu geben und den effektivsten zu machen. 12. Schlussgedanken: Okay, wir haben es bis zum Ende des Kompositions- und Improvisationskurses geschafft. In dieser Klasse wurden viele Systeme eingeführt, die beim Komponieren von Originalmusik oder beim Improvisieren oder Schreiben von Melodien helfen können Originalmusik oder . Wir haben zunächst nach Möglichkeiten gesucht Akkordfolgen zu erzeugen, um Spannung und Auflösung zu erzeugen, und Akkorde aus anderen Tonarten zu ziehen. Wir haben uns auch mit der Improvisation pentatonischer Tonleiter befasst und wie wir diese Tonleiter verwenden können, um effektive Melodien zu erzeugen . Und beim Solospiel. Wir haben uns auch wiederholte Phrasen und Läufe angesehen und wie wir uns mit einer Phrase über das Klavier bewegen können einer Phrase über das Klavier bewegen , um effektive Arrangements zu schaffen. Zusätzlich haben wir uns die Blues-Skala angesehen und wie wir blaue Noten verwenden können, um einen Gitarren-Lick-Sound auf dem Klavier zu erzeugen beim Improvisieren oder Komponieren einen Gitarren-Lick-Sound auf dem Klavier zu erzeugen. Da vieles von dem, was wir behandelt haben, sehr konzeptionell ist es wichtig, diese Konzepte auf so viele Arten wie möglich anzuwenden diese Konzepte auf so viele Arten wie möglich , damit wir sie wirklich in unserem Spiel verwurzeln und nicht nur im Kopf haben können. . Improvisieren und Komponieren ist eine ständige Reise. Und dies ist lediglich eine Einführung, die Ihnen Möglichkeiten geben soll , Kreativität zu fördern. Wir haben uns angesehen, wie man ein Muster nehmen und daraus eine Komposition entwickeln kann. Und auch, wie wir die Songstruktur und Dynamik nutzen können , um einen effektiven Song zu erstellen. Alle diese Konzepte in Systemen können synonym verwendet werden. Und es ist wichtig, sie mit einer verfeinerten Vision zu üben , damit wir nicht überfordert werden. Als Klassenaufgabe können Sie ein Muster oder eine wiederholte Notenphrase in eine Komposition umwandeln, sodass sich Ihrer Arbeit ein Link bewegt . Ich hoffe, dass Sie diese Konzepte in Ihrer eigenen Improvisation und Komposition verwenden können . Und besuchen Sie mich in meiner nächsten Klasse wir uns mit dem Erstellen von Arrangements befassen