Klavierkenntnisse erweitern: Erstelle deine eigenen musikalischen Arrangements

1. Einführung: Ich liebe es, Klavier zu spielen wegen der unendlichen Ausdrucksmöglichkeiten und andere dazu zu inspirieren, ihre Lieblingslieder zu spielen und zu komponieren, ist etwas, das mir sehr am Herzen liegt. Hallo, ich bin Alicia Fox, Pianistin, Produzentin und Songwriterin. Ich spiele seit 18 Jahren Klavier und bin international aufgetreten und habe mit Künstlern wie Tape McCrae, Schoolboy Q in Music, Sole Child produziert Künstlern wie Tape McCrae, . Wenn Sie begeistert sind, verschiedene Ansätze zum Spielen Ihrer Lieblingslieder beim Erstellen von Arrangements zu lernen . Dieser Kurs ist für dich. Wir werden nach Möglichkeiten suchen , erweiterte Begleitmuster zu erstellen , die für vorab geschriebene Songs oder beim Schreiben von Originalmusik funktionieren . Wir werden uns auch mit der Aufnahme und Veröffentlichung Originalmusik und verschiedenen Ansätzen für diese Sie benötigen entweder ein Klavier oder ein Keyboard und idealerweise ein anhaltendes Pedal. Am Ende dieses Kurses werden Sie in der Lage sein, eine einfache Akkordfolge zu machen und daraus ein fortgeschrittenes Arrangement mit zahlreichen Techniken zu machen. Lernen Sie mit mir einige Grundlagen zum Erstellen von Arrangements kennen. 2. Erste Schritte: Viele der gefragtesten PNS und Keyboarder sind diejenigen, die in der Lage sind, aus einer einfachen Akkordfolge ein effektives Arrangement zu erstellen . Wenn ich mit Live-Künstlern spiele, viele von ihnen von mir gebeten die aufgenommene Version ihres Songs in ein Klavierarrangement oder etwas zu übertragen , das gut mit einer Live-Band funktioniert. Mini-Songs haben ähnliche Akkordfolgen da sie in der Lage sind, sie in Hinzufügen Ihrer eigenen Stimme umzuwandeln . Dies ist eine großartige Möglichkeit, sich als Pianist abzuheben , indem Sie Konzepte über mehrere Songs hinweg üben , da sie in der Lage sind, sie in Hinzufügen Ihrer eigenen Stimme umzuwandeln. Dies ist eine großartige Möglichkeit, sich als Pianist abzuheben, indem Sie Konzepte über mehrere Songs hinweg üben. Fähigkeit, sich neuem Material zu nähern, was für Songwriting, Studioarbeit und Live-Auftritte hilfreich ist . In diesem Kurs werden wir fortgeschrittenere Begleitmuster untersuchen , verschiedene Stimmungen für erweiterte Akkorde, wie z. B. die neunte und elfte Stimme. Wie man veränderte Akkorde verwendet, um Spannung zu erzeugen, und wie man rhythmische Verschiebungen einsetzt , um beim Erstellen eines Arrangements Aufregung zu erzeugen. Wir werden auch die Veröffentlichung von Originalmusik in verschiedenen Strategien besprechen , um Ihre Musik einem größeren Publikum zugänglich zu machen. Tauchen Sie mit mir in einige fortgeschrittene Arrangement-Konzepte ein. 3. Übungstechniken: In dieser Lektion werden wir uns mit Übungstechniken auf verschiedene Arten befassen , mit denen Sie die Konzepte anwenden können, um ein vielseitigerer Pianist und Komponist zu werden . Da ein Großteil dieser Klasse auf Konzepten basiert, ist es wichtig, diese auf so viele Arten wie möglich anzuwenden , damit wir ein vielseitigerer Spieler werden und mehr Optionen haben, wenn uns neuen nähern Um eine effektive Übungsroutine zu etablieren, ist es wichtig herauszufinden, zu welcher Zeit Sie sich am meisten inspiriert fühlen und welche Zeit für Ihre Kreativität am besten ist. Persönlich fühle ich mich morgens am meisten inspiriert. Deshalb habe ich eine Morgenroutine entwickelt, in der ich aufwache, eine Tasse Kaffee trinke und Zeitung lese, bevor ich eine Stunde lang Klavier spiele , ohne auf mein Telefon zu schauen oder zusätzliche Ablenkungen einzuführen. Ich betrachte es fast als eine Meditations- oder Journaling-Sitzung, in der ich Ideen fließen lasse und mich mit dem Instrument vertraut Heute Morgen ist Routine die Grundlage meines Tages und es ist wichtig für mich , dass ich so anfange. Sie werden vielleicht feststellen, dass Sie sich nachts am meisten inspiriert fühlen , und das ist auch in Ordnung. Es ist wichtig, verschiedene Übungsmethoden auszuprobieren , um herauszufinden, was für Sie am besten funktioniert. Da viele Klaviere verschiedene Formen und Akkorde visualisieren, möchte ich eine Übungstechnik vorstellen, um Akkorde danach zu gruppieren, wie sie erscheinen. Lassen Sie uns dazu in siebte Akkorde eintauchen. Wir beginnen mit einem Blick auf die großen siebten Akkorde. C-Dur Sieben. F-Dur-Siebte sind insofern ähnlich, als beide alle weißen Tasten verwenden. Auf diese Weise können wir diese Akkorde klassifizieren oder gruppieren. D-Dur-Siebte, E-Dur-Siebte in einer Dur-Siebte sind ähnlich und sie beginnen alle mit einer weißen Taste, gefolgt von einer schwarzen Taste, gefolgt von einer weißen Taste, gefolgt von einer weiteren schwarzen Taste. In meinem Kopf visualisiere ich diese Akkorde auf die gleiche Weise, weil ihr Layout auf dem Klavier gleich aussieht. In derselben Methode verwenden d-Moll Sieben, e-Moll Sieben und eine kleine Siebte e-Moll Sieben und eine kleine Siebte alle weißen Tasten. Während f-Moll sieben, g-Moll Sieben und c-Moll Siebter mit einer weißen Taste beginnen, gefolgt von einer schwarzen Taste, gefolgt von einer weißen Taste, gefolgt von einer weiteren schwarzen Taste. Es ist hilfreich, diese Akkorde zu gruppieren , damit wir uns daran gewöhnen können sie zu visualisieren und sie schneller zur Hand zu haben. Es gibt einige Akkorde, die in ihrer Komposition einzigartig sind , wie die B-dominante Siebte , eine weiße Taste, gefolgt von zwei schwarzen Tasten, gefolgt von einer weißen Taste. Daher ist es wichtig, sich an diese Ausreißer zu erinnern und sich daran zu gewöhnen, sie zu erkennen, damit die Kabel immer zur Hand sind. Und sobald wir ein Akkordsymbol sehen, ist es fast so, als würden wir eine Farbe sehen , in der wir nicht denken müssen: Oh, das ist grün oder rot, aber wir wissen sofort, dass das dieser Akkord ist. Sie möchten also bis zu einem Punkt üben, an dem es zur zweiten Natur wird. So können Sie die Kerncharts leicht durchlesen, indem einen Akkord sehen und Ihre Hand sofort weiß, was Sie spielen müssen. Ein weiterer wichtiger Teil bei der Entwicklung Ihres eigenen Klangs auf dem Klavier ist immer dann, wenn Sie sich etwas einfallen lassen, das Ihnen gefällt Es ist sehr wichtig, es auf alle 12 Tasten zu transponieren , damit . Es ist sehr wichtig, es auf alle 12 Tasten zu transponieren, damit Sie es als Option haben für jedes Lied oder jede Tonart. Aber lassen Sie mich zunächst noch einmal erklären, was Umsetzung ist. Wenn Sie sich erinnern, haben wir uns den Fünftkreis angesehen , der zeigt, dass es 12 eindeutige Schlüssel gibt. In all diesen Tonarten können Sie jede Phrase oder Melodie spielen. Und es ist wichtig , sich daran zu gewöhnen, etwas zu transponieren, falls Sie mit einem Sänger auftreten, der es gewohnt ist, ein Lied in einer anderen Tonart zu singen. In diesem Beispiel sehe ich mir eine kurze Phrase an und transponiere sie dann über alle 12 Tasten. Ich werde eine kleine elfte Stimme spielen, beginnend mit d-Moll, indem beginnend mit d-Moll eine innere Stimme mit Dritteln bewege. Nehmen wir an, ich habe gespielt und das entdeckt und oh, ich mag es, wie das klingt. Anstatt das nur als Option in d-Moll zu haben, verschiebe ich es über alle Tasten. Also gehe ich jeden Knoten einen halben Schritt nach oben auf e-Moll. Jetzt spiele ich dieselbe Beziehung, aber es ist in einem neuen Schlüssel. Ich schiebe es weiter am Klavier hoch. Jetzt habe ich es in e-Moll, gehe auf f-Moll. Dann verschiebe ich es auf F-Sharp, gefolgt von g-Moll, a-Moll. Wenn das viel ist, hab einfach Geduld mit mir. a-Moll, b-Moll, h-Moll, c-Moll, cis-Moll. Und schließlich zurück zu d-Moll, wo wir angefangen haben. Jetzt visualisiere ich das, weil ich mit der chromatischen Skala, die aus allen Halbtönen besteht, sehr vertraut bin. Jedes Mal, wenn ich den Akkord nach oben bewege, bewege ich einen Halbton in eine Richtung. Auf diese Weise, wenn ich jetzt dieses Konzept habe, das ist eine dritte Rolle auf einem Moll-Neun-Akkord. Also habe ich in d-Moll angefangen, aber wenn es ein Lied und f-Moll gibt, kann ich das jetzt auf jedes Lied anwenden , weil ich es in jeder Tonart gelernt habe. Nehmen wir an, ich näherte mich einem Lied, das f-Moll bis c-Moll war . Wenn Sie möchten, können Sie darüber improvisieren indem Sie die c-Moll-Tonleiter oder die Sea Blues-Skala , die C, Es-Dur, F scharf, G, B flach und C ist . Jetzt werde ich versuchen zu demonstrieren diese Technik über diese Akkorde, die f-Moll bis c-Moll ist. Jetzt nehme ich ein einfaches Konzept und verwandle es eher in einen vollständigen Song oder Arrangement, indem ich dieses eine Konzept durch die Tasten verschiebe einen vollständigen Song oder Arrangement . Wenn ich im Rahmen meiner Morgenroutine Klavier spiele, verschiebe ich oft Rahmen meiner Morgenroutine Klavier spiele, ein Konzept als Übung in verschiedene Tonarten. Aber dann wird es mir gelegentlich gefallen und möchte es zu einer vollständigen Komposition entwickeln. Abschließend haben wir untersucht , wie wichtig es ist, eine Routine für das Üben festzulegen. Und ich möchte noch einmal betonen, dass ein tägliches Üben, selbst für zehn oder 15 Minuten, bessere Ergebnisse bringt, als einmal 4 Stunden lang zu üben und es dann in Ruhe zu lassen, wenn man am Klavier anfängt es kann überwältigend sein , weil es eine ganze Welt von Konzepten einführt. Auf diese Weise kann das Klavierlernen dem Erlernen des Radfahrens ähneln, bei dem es eine etwas steile Lernkurve ist. Aber wenn Sie einmal loslegen, erinnern Sie sich ein Leben lang an diese Fähigkeiten. Zusammenfassend ist es wichtig, diese Konzepte auf so viele Arten wie möglich anzuwenden . Sie können sich jederzeit etwas einfallen lassen, das bei Ihnen Anklang findet, um es auf alle 12 Tasten zu transponieren , sodass Sie es effektiv als Werkzeug zur Verfügung haben können . In der nächsten Lektion werden wir uns mit einigen fortgeschritteneren Begleitmustern befassen , die dazu beitragen können , Ihre Fähigkeiten zu stärken, wenn Sie sich einer neuen Akkordfolge oder Songstruktur nähern . 4. Begleitmuster: wir nun die Übungsgewohnheiten besprochen haben, wollen wir uns einigen Begleitmustern zuwenden, die dazu beitragen können, eine einfache Akkordfolge zum Leben zu erwecken. Das Erstellen eines Musters bringt viel Freiheit und Kreativität mit sich. Wenn Sie sich ein Pattern einfallen lassen, das Ihnen gefällt, ist es wichtig, es auf so viele Songs oder Akkordfolgen wie möglich anzuwenden . So können Sie dieses Muster verinnerlichen und es zur Verfügung haben, wenn Sie sich neuer Musik nähern. Zu Beginn möchte ich mit einem Zwischenmuster über der Akkordfolge, C-Dur, e-Moll, a-Moll und F-Dur beginnen. Für dieses Muster verwenden wir nur Triaden. Spielen wir also zuerst die Akkorde mit unserer rechten Hand. Wir haben C-Dur, e-Moll, a-Moll und F-Dur. Für dieses Muster spiele ich zunächst die beiden obersten Noten, die dritte und die fünfte der Triade, und gehe dann zur ersten Note hinunter. Sobald Sie damit vertraut sind, können wir in unserer linken Hand die Root-Nodes hinzufügen. Dies ist also ein Beispiel für ein Grundmuster, das dann auf jede Akkordfolge angewendet werden kann . Wenn uns jemand die Akkordfolge d-Moll bis G-Dur geben würde, könnten wir dasselbe Muster nehmen könnten wir dasselbe Muster nehmen und es dort anwenden. Sie können sich Ihre eigenen Muster ausdenken oder Muster in finden populäre Lieder oder klassische Musik. Eine weitere großartige Technik , um Begleitmuster oder Kompositionswerkzeuge zu entwickeln , ist die Verwendung eines gemeinsamen Tons, auch als Pedalton bekannt ist. In diesem Fall entwickeln wir eine Akkordfolge, die drei oder vier Akkorde haben kann, alle einen gemeinsamen Knoten teilen , auf den wir treten. In diesem Beispiel verwende ich den Pedalton F, der bei all diesen Akkorden die oberste Note bleibt, obwohl sie sich durch verschiedene Tonarten bewegen Ich beginne mit einem Akkord, g-Moll. Dann gehe ich runter zu G-Dur Sieben, das in einer anderen Tonart steht, aber es wird immer noch f verwendet, gefolgt von f-Moll und dann gefolgt von Es-Moll, das auch f verwendet. Jetzt ein Pedal dieser Ton, der die Schnüre zusammenbindet. Obwohl die Akkorde in dieser Progression von mehreren Tasten stammten, der F- oder Pedalton half der F- oder Pedalton als Klebstoff, sie miteinander zu verbinden, was dem Hörer etwas gab, an dem er sich festhalten konnte. Jetzt werde ich eine neue Entwicklung machen und nach Möglichkeiten suchen , wie ich Inversionen nutzen kann, um sie zum Leben zu erwecken. Diese neue Progression wird die Akkorde umfassen, eine flache Dur-Siebe, eine D-Dur Sieben , eine c-Moll-Siebte. In einem dominanten Siebtel, flach fünf. Ich werde diese Progression jetzt spielen und mit verschiedenen Begleitmustern experimentieren , indem Umkehrungen oder Umlagerungen derselben Notengruppierung verwende. Möglicherweise stellen Sie fest , dass ich gelegentlich , wenn ich ein Pattern spiele, eine Note wiederhole, wie ich es bei der Leittonübung getan habe . In diesem Fall spielte ich in einem flachen Dur-Siebenakkord und wiederholte die Note G, weil das als Pedalton zwischen allen Gerichten fungiert. Schau noch einmal zu, wie ich während der gesamten Progression G in die Pedale Wir können Pedalton- oder Common-Ton-Übungen verwenden , wenn wir uns einer neuen Progression nähern , um eine Note hinzuzufügen , die die Gerichte miteinander verbinden und sie für den Zuhörer verbinden kann . Nachdem wir uns nun einige fortgeschrittenere Begleitmuster angesehen haben , möchte ich zu unserem ersten Fortschritt zurückkehren und Sie einladen, dies zu üben. Wieder einmal war diese Progression C-Dur, e-Moll, a-Moll und F. Und wir begannen damit den dritten und fünften Teil der Stimme zu spielen dann zur Wurzel hinunterzugehen. So wie das. Wenn Sie ein anderes Begleitmuster wünschen, können wir dieselbe Akkordfolge verwenden, aber Arpeggio vom oberen Ende des Akkords bis nach unten anwenden . Für beide Beispiele habe ich vor Gericht dieselbe Triade verwendet, aber zwei verschiedene Begleitmuster oder verschiedene Variationen des Akkordspiels gefunden . Dies kann einige Übung erfordern, und es ist wichtig, daran zu denken, dass dies eine fortlaufende Reise ist. In der nächsten Lektion schauen wir uns einige Stimmen der neunten und elften Erweiterung der oberen Erweiterung an, die wir auf die bereits vorhandenen siebten Dur- und Moll-Akkorde anwenden können vorhandenen siebten Dur- und Moll-Akkorde anwenden wir bereits gelernt haben. Wir sehen uns dort. 5. 9. und 11. Akkord: In dieser Lektion werden wir uns ansehen, wie Sie die neunte und elfte obere Erweiterung verwenden können , um unseren bereits vorhandenen Moll - und Dur-Siebenakkorden Farbe zu verleihen . Lassen Sie uns mit dem Beispiel eines siebten d-Moll-Akkords beginnen , der die Noten DFA enthält, und sehen wir, wenn wir uns erinnern, die siebte Note dieses Akkords als Siebter bezeichnet wurde , weil es siebter Ton der entsprechenden Skala. Genauso, wenn wir unsere neunte hinzufügen, die e. Es wird die neunte genannt, weil sie neun Noten von der ursprünglichen Wurzel entfernt ist , 123-45-6789. Ein neunter Akkord in d-Moll würde also die Noten D, F, a, C und E enthalten die Noten D, F, a, C . Wenn Sie darüber nachdenken, enthält diese Kordel tatsächlich zwei Akkorde, die wir uns bereits angesehen haben. Es hat eine F-Dur Sieben sowie eine d-Moll Sieben. Sie können sich also einen neunten d-Moll-Neunten als einen Cousin von F-Dur Sieben vorstellen . Machen wir uns nun mit ein paar anderen neunten Moll-Akkorden vertraut. Zu Beginn schauen wir uns also die g-Moll-Siebte an, die die Noten G, B-Dur, D und F enthalten würde . Wenn wir die 9. addieren, können wir uns das als den zweiten Knoten der entsprechenden Skala vorstellen der entsprechenden Skala was in diesem Fall eine ganze Stufe höher wäre als g oder zwei Halbtöne höher als die Wurzel g. Für G-Moll Neunte hätten wir also G, B-flat, D, F und a. Dieses Gericht schließt auch eine B-Dur ein großer Siebter, sowie g-Moll. Wir können sagen, dass die kleine Neunte einen etwas charakteristischeren Klang hat. Es ist nicht nur glücklich oder traurig, es hat auch eine etwas größere Dimension. Üben wir nun das Umschalten zwischen D-Moll neunter. In g-Moll Neunter. Eine kleine melodische Variation hinzufügen. Exzellent. Nachdem wir uns mit diesen beiden Akkorden vertraut gemacht und vertraut gemacht haben, schauen wir uns ein weiteres Beispiel an, c-Moll neun. Dazu beginnen wir mit c-Moll-Siebter , von der wir wissen, dass sie die Noten C, E flach, G und B enthält . Und dann fügen wir D hinzu, da dies die zweite oder neunte Note der entsprechenden Skala ist. Für diese neunten Akkorde würde ich empfehlen, beide Hände zu benutzen. Ihre linke Hand kann die Triade spielen und Ihre rechte Hand kann die oberen Erweiterungen spielen. Wenn du willst. Es ist wichtig , den neunten Akkord der Grundposition durchzugehen, indem Sie jede Note der chromatischen Tonleiter Das werde ich jetzt kurz demonstrieren. Wenn wir mit d-Moll Neunter beginnen würden, würden wir einen halben Schritt auf e-Moll Neunte aufsteigen, gefolgt von e-Moll Neunter, gefolgt von f-Moll Neunter, gefolgt von f-Moll Neun, gefolgt von g-Moll neun, gefolgt von einer flachen Moll-Neunte, gefolgt von einer kleinen Neunten, dann B-Dur, dann B und C, dann C-Sharp. Und dann kommen wir zurück zu D. Sobald Sie sich mit dem Konzept der kleinen Neunten vertraut gemacht haben, fügen wir den kleinen 11. hinzu. Gehen wir zurück zu D-Moll Neunte, D F-A-C-E. und schauen wir uns das Hinzufügen am 11. an, was in diesem Fall G wäre . Ein d-Moll-11-Akkord hat fünf Noten, D, F, a, C, E, G. Und Sie können sehen, dass es eine C-Dur-Triade und eine Moll-Triade in F-Dur-Triade und eine d-Moll-Triade. Es ist also ein sehr dichter Akkord mit einem sehr offenen Klang, weil er viele Dur- und Moll-Akkorde hat viele Dur- und Moll-Akkorde ihm einen komplexen Charakter verleihen. Schauen wir uns nun G-Moll 11 an, das wäre G, B flat, D, F, a, C. In der Praxis bewegen wir uns jetzt zwischen diesen beiden Akkorden. Wir haben also D bis G. Wenn Sie möchten, können Sie die Arpeggien dieser Akkorde ausprobieren, was eine weitere Möglichkeit wäre, sich mit ihnen vertraut zu machen. Lassen Sie uns nun über die großen neunten Akkorde sprechen. Schauen wir uns C-Dur Siebter an. Um eine Neunte hinzuzufügen, würden wir zur zweiten oder neunten Note der Dur-Tonleiter gehen . Da es sieben Noten gibt, sind diese am Ende dieselbe Note, was d. Eine C-Dur-Neun würde also die Noten C, E, G, B und D enthalten E, G, B und D Schauen wir uns nun F-Dur neun an, was schließen F-A-C-E ein. und dann die neunte Note, die g wäre. Man merkt, dass wir für diese Akkorde immer eine weiße Taste weglassen, wir für diese Akkorde immer eine weiße Taste weglassen wenn wir die nächste Note spielen. In Dritteln gestiegen. Auf die gleiche Weise würden wir, um einen Elf-Dur-Akkord zu erzeugen, eine weitere Note hinzufügen. Für ein F wäre dies b. Also wird dies als scharfer 11. Akkord in F-Dur Seven Sharp 11 angesehen , der auch viele Triaden umfasst. e-Moll, C-Dur, a-Moll. Und diese Akkorde haben eine sehr bittersüße Qualität und können sehr nützlich sein , wenn Sie effektive Akkordfolgen erstellen. Zusammenfassend haben wir uns angesehen, wie wir eine kleine Neunte und eine kleine 11. erstellen können , indem diese oberen Erweiterungen aus der entsprechenden Skala hinzufügen. Und auch, wie wir eine große Neunte oder große Elfte schaffen können. Diese neunten Moll-Akkorde werden sehr nützlich sein, wenn wir zu unserer nächsten Lektion übergehen und veränderte Akkorde einführen, die verwendet werden können , um sich auf die Moll-Neunten aufzulösen und vor der Veröffentlichung Spannung zu erzeugen. In der nächsten Lektion hoffe ich, dass Sie sich mir anschließen, wenn wir über veränderte Gerichte sprechen. 6. Veränderte Akkorde: Nachdem wir herausgefunden haben, wie man neunte und elfte Nebenakkorde findet , möchte ich ein neues Thema in der Einführung veränderter Gerichte diskutieren . Veränderte Akkorde eignen sich hervorragend, um Spannung zu erzeugen bevor ein kleines Ulkus des neunten Akkordgeschwürs ausgelöst wird. Courts können auch verwendet werden, um eine grundlegende Akkordfolge zu erweitern und ihr mehr Tiefe in der Handlung zu verleihen. Schauen wir uns zunächst an, was ein veränderter Akkord ist. Wir beginnen mit einem dominanten siebten Akkord. In diesem Fall beginne ich mit einer dominanten Siebtel, die die Noten a, C-Sharp, E und G enthält . Im veränderten Akkord befindet sich ein dominantes Siebtel mit einem erhöhten 5. und einem erhöhten Neunten. Also würden wir den fünften Skalengrad erhöhen und das e auf F stellen. Und wir würden auch ein scharfes Messer hinzufügen, das auch als kleines Drittel bekannt ist und siehe oben hinzufügt. Für einen veränderten Akkord hätten wir also einen C-Sharp, E, F, G und C. Nun ist dies ein sehr dissonanter offener Klang und kann verwendet werden, um Spannung zu erzeugen, bevor wir zur kleinen Neunte zurückkehren. Stellen wir uns vor, wir haben eine grundlegende Progression von d-Moll Neunte zu einer kleinen Neunten. Wir können uns diese als R-To-Heimatbasen vorstellen. Es sind beide konstante Sounds, die hübsch sind. Also für die neunte d-Moll haben wir D, F, a, C, E und die kleine Neunte, wir haben einen CBGB. Wir können uns das als eine Roadmap vorstellen, und dies sind unsere beiden Ziele. Jetzt werden wir diesen Fortschritt erweitern, indem wir vor jedem der kleinen Neuntel einen veränderten Akkord platzieren , um ihn zu verbessern und uns einen Ort zu geben, an dem wir zwei lösen können. Jedes Mal, wenn Sie einen neunten Moll-Akkord haben, können Sie einen veränderten Akkord davor platzieren und den veränderten Akkord basierend auf dem fünften finden , der sich in die entsprechende Moll-Neun auflösen würde. Wir beginnen also mit d-Moll Neun. Und wir wissen, dass wir in eine kleine Neunte gehen werden. Finde irgendwie den veränderten Akkord , der davor stehen würde. Ich würde mir den fünften einer kleinen Neunten ansehen, das ist e. Also lasst uns jetzt e verändert finden. Wir beginnen damit, den E-dominanten siebten Akkord zu finden, nämlich E, G-scharf, B und D. Und dann erhöhen wir den fünften und bewegen uns nach oben, um eine Anzeige auf einem G oben zu sehen, was uns E, G-Sharp, C, D und Das kann geändert werden. Jetzt versuche ich, d-Moll zu spielen. Und anstatt direkt in a-Moll zu gehen, spiele ich das zuvor veränderte E, was die Spannung erhöht und dadurch die Auflösung noch süßer macht. Jetzt haben wir D-Moll. Dann änderte er einen Minderjährigen. Also wir immer noch, es hilft uns, die Landung einzurichten , damit wir zu einem Minderjährigen gelangen. Bevor wir nun zu d-Moll zurückkehren, da es sich um eine Looping-Progression handelt, müssen wir den veränderten Akkord aus den fünf von D finden, was in diesem Fall a. wäre. Und wir haben bereits einen veränderten Akkord gelernt. Aber wir würden wieder mit einem dominanten siebten Akkord beginnen . Dann würden wir den fünften auf F-Sharp aufsteigen, den neunten, der C ist, was uns einen C-Sharp, E, F, G und C ergibt. Jetzt haben wir eine Zwei-Akkord-Progression in im Wesentlichen eine Vier-Akkord-Progression verwandelt eine Zwei-Akkord-Progression . Wir landen immer noch auf unserer Heimatbasis von d-Moll Neunter und Minor Neunte. Aber wir platzieren ihnen einen veränderten Akkord , um die Spannung vor der Auflösung zu erhöhen. Ich spiele nur die neunten Moll-Akkorde und füge dann die veränderten Akkorde damit Sie sehen können, wie es klingt und wie dies im Grunde eine Verbesserung der bereits vorhandenen Progression ist . Wir beginnen mit nur d-Moll bis a. Richtig. Ich mache nur vor Gericht. Jetzt fügen wir in den alternativen Gerichten eine veränderte DNA hinzu. Es fügt also ein bisschen mehr Story-Plot hinzu. D, e verändert, ein verändertes, führt zurück zu D. Dann auch er dann a. Schauen wir uns ein weiteres Beispiel an und wie wir alle drei Akkorde anwenden können. Nehmen wir für dieses Beispiel an, wir haben eine Progression in c-Moll, die mit einer c-Moll-Neun beginnt , dann zu einer B-Dur und einer f-Moll untergeht. Unsere ursprüngliche Progression ist also wieder C, B flach, flach, dann f-Moll. Wir wissen also, wenn wir zurück in c-Moll führen, können wir einen veränderten Akkord platzieren der von der fünften dieser Tonart kommt. Von c-Moll wäre G. Also lasst uns einen G-veränderten Akkord finden. Wir beginnen also mit einem G-dominanten Siebten. Dann heben wir den fünften, den halben Schritt und fügen die scharfen Neun oder das kleine Drittel dieser Taste hinzu, was uns GB Sharp, F, B-flat ergibt. Jetzt werde ich versuchen, diesen veränderten Akkord vor c-Moll zu platzieren , um der Progression eine gewisse Dimension zu verleihen. G. Alternativ können Sie mit der Sea Blues-Skala darüber improvisieren. Sie hat sich verändert, fertig mit einem Arpeggio. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass veränderte Akkorde ein effektives Werkzeug sind, um Spannung zu erhöhen und die Kontur einer Progression zu erhöhen. Jedes Mal, wenn Sie einen neunten Moll-Akkord haben, können Sie einen veränderten Akkord platzieren, bevor er aus dem fünften der kleinen Neunten kommt , in die er führt. In der nächsten Lektion werden wir uns ansehen , wie wir rhythmische Verschiebung nutzen können , um die Aufregung beim Erstellen eines Arrangements zu steigern . 7. Rhythmische Verschiebung: In dieser Lektion werden wir untersuchen, wie wir rhythmische Verschiebung nutzen können , um die Aufregung zu steigern und unseren Arrangements Abwechslung zu verleihen. In den meisten populären Musikstücken ist die übliche Taktart 44, was bedeutet, dass es in jedem Takt vier Beats gibt. In diesem nächsten Beispiel werden wir nach Möglichkeiten suchen, verschiedene Zeitunterteilungen zu addieren verschiedene Zeitunterteilungen zu addieren um unterschiedliche Taktarten zu implizieren , während wir weiterhin für das erste Beispiel bleiben für das erste Beispiel Ich möchte zwei einfache Akkorde nehmen und mir vorstellen, dass wir acht Beats haben. Ich bewege mich zwischen einer d-Moll-Neun und einem G7-Akkord. Ich beginne damit, vier Beats von jedem Akkord zu spielen. Ich habe 1234, 1234, 1234, 1234. Eine grundlegende Methode, um Variationen hinzuzufügen wären zwei ungerade Zahlen, die immer noch acht ergeben, uns aber die Illusion anderer Taktarten vermitteln. In diesem Beispiel verwende ich fünf Beats und dann drei Beats. Wir sind also immer noch in 44 Mal, aber wir werden etwas später zum zweiten Akkord wechseln . Jetzt werde ich 123-451-2345 demonstrieren. Anstatt also jeweils vier Beats zu spielen, haben wir jetzt einige Variationen hinzugefügt, indem wir den ersten Akkord für fünf Beats und den zweiten für drei Beats spielen . Machen wir einen weiteren Schritt. Wir haben uns schon angesehen, C-Dur, e-Moll bis a-Moll zu F. Und ich werde fünf Beats des C spielen, drei Beats e-Moll, fünf Beats von a in fünf Beats von f1234512, 12345123. Sie können jeder Progression ein wenig Variation hinzufügen, indem Sie statt vier für das Hinzufügen von 5.3 tun. Jetzt wäre eine weitere Unterteilung von 44 16. Noten, vier mal vier ist 16. Für die nächste Übung werden wir also weiter fortgeschritten sein und uns eine 16-Noten-Phrase ansehen. In diesem Beispiel verwende ich zwei Akkorde, die wir in einer früheren Lektion verwendet haben, eine Moll Neun bis d-Moll Neun. Ich beginne damit, vier Vierergruppen für jeden Akkord zu spielen , was 16 ergibt. Für diese Übung verwenden wir Arpeggien. Eins-zwei-drei-vier, eins-zwei-drei-vier, eins-zwei-drei-vier, eins-zwei-drei-vier, eins-zwei Das Ziel dieser nächsten Übung ist es, Unterteilungen von 16 zu verwenden, aber ungerade Zahlen zu verwenden, die 16 ergeben, aber den Eindruck anderer Taktarten vermitteln. Sie können darüber nachdenken, welche Zahlen 16 ergeben würden. Und es ist toll, Zahlen wie 57,9 zu verwenden. Wir könnten 556 verwenden, was 16 ergeben würde, uns in 44 Zeiten hält, aber eine Fünf impliziert. Für diese Progressionen verwende ich ein Fünf-Noten-Arpeggio, 12345. Also mache ich ein Muster von 51, Muster von fünf und dann ein Muster von sechs. Wir bleiben also in 44 Mal, aber wenn wir eine andere Zeit implizieren, fühlt es sich an 123-45-1234, 512-34-5612, 1234 5123 4512, 3456, 1234, 5123, 4512 , 3456, 1234, 5123, 4512, 3456. Schauen wir uns ein anderes Beispiel an. Ich denke an Zahlen , die sich auf 16 summieren. Und ich weiß, dass fünf Siebtel und Neun ungerade Zahlen sind, also schaffen sie ein gutes Gefühl für das Zeitfeld. In diesem Beispiel mache ich 754, was ebenfalls 16 ergibt. Diese rhythmische Verdrängungsübung ist eine großartige Möglichkeit, Aufregung und Variationen mit unseren Phrasen zu erzeugen , indem ungerade Zahlen werden, während sie noch für die übliche Zeit durchgesetzt werden. Für dieses nächste Beispiel verwende ich ein Muster von neun und dann ein Muster von sieben, was 16 ergibt. Ich verwende dieselben zwei Akkorde, eine kleine Neunte bis D-Moll Neun. Ein Muster von neun kann auch als drei Muster von drei betrachtet werden. Also werde ich das hier benutzen. Eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei , eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei-drei, eins-zwei- Dieses Konzept ähnelt dem Programmieren von Hi-Hats beim Produzieren, bei dem Sie verschiedene Variationen verwenden können, um andere Zeitfelder zu implizieren , während Sie immer noch in 44 bleiben. Es ist wichtig, daran zu denken, dass das Klavier ein perkussives Streichinstrument ist. Und wir können viele Konzepte aus dem Schlagzeug nehmen und sie auf das Klavier anwenden. Abschließend haben wir in dieser Übung untersucht, wie Sie verschiedene Unterteilungen erstellen können , die immer noch 16 oder acht ergeben. Wir bleiben also in gemeinsamer Zeit, implizieren aber unterschiedliche Zeitfelder. In der nächsten Lektion werden wir uns ansehen, wie Sie Arpeggien oder Läufe mit wiederholten Noten verwenden können , um Variationen zu erzeugen , wenn Sie sich einem Originalsong oder einem Arrangement eines vorhandenen Songs nähern oder einem Arrangement eines . Lied. Wir sehen uns dort. 8. Arpeggios mit wiederholten Noten: In dieser Lektion werden wir uns ansehen, wie Sie Arpeggien oder Läufe mit wiederholten Noten verwenden können , um eine schöne Textur für ein Arrangement oder als Vehikel für eine Originalkomposition zu erstellen ein Arrangement oder als . Arpeggien oder Läufen mit wiederholten Noten werden einige wiederholte Noten verwendet , um eine Textur zu erzeugen , die sich über das Klavier bewegt. Immer wenn Sie sich ein Arpeggio mit wiederholter Note einfallen lassen , das Sie mögen, möchte ich Sie ermutigen, es auszuprobieren. Es sind alle 12 Schlüssel, damit Sie es zur Verfügung haben. Wir beginnen mit einer Phrase für die sechste Note über dem Akkord d-Moll Sieben. Da d-Moll von der C-Dur-CTL-Tonleiter stammt, verwende ich die C-Dur-Tonleiter, wenn ich darüber nachdenke, welche Noten ich für mein Arpeggio verwenden soll. Für diesen werde ich mir eine Phrase für die sechste Note einfallen lassen, oder zwei wiederholte Sätze mit drei Noten. Ich fange mit der Note E an und gehe E, F, C, G, a G. Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass wir den Satz in der Nähe unseres Beginns in Oktave höher beenden wollen , damit wir ihn wiederholen können über die Oktave. Also dafür mache ich EFC GAG, was mich auf E, E fc sichert. Also versuche ich es jetzt zu spielen. Ich könnte auch wieder runter gehen angefangen mit dem GAG und dann mit dem CFE. Obwohl sich nur sechs Noten wiederholen, klingt es wie eine viel längere Phrase weil wir uns über die Oktave bewegen . Wenn mir dieser Satz gefällt, probiere ich ihn in jeder Tonart aus, damit ich das Beste daraus machen kann. Jetzt verschiebe ich dieselbe Phrase auf f-Moll. Also dafür würde ich mit G beginnen und es in dieser Tonart versuchen. Jetzt versuchen wir, von d-Moll bis f-Moll zu spielen , um daraus eine Grundkomposition zu machen. Zurück zu D. The down. Wenn ich morgens Klavier übe, gehe ich oft verschiedene Sätze durch, versuche ich, ich oft verschiedene Sätze durch, versuche ich sie auf so viele Arten wie möglich anzuwenden, sehen, über welche Akkorde sie als Komposition arbeiten Werkzeug. Lassen Sie uns nun eine Achtnoten-Phrase über einem anderen Akkord ausdenken. In diesem Beispiel werde ich mir eine Phrase über dem Akkord einfallen lassen : G-Moll, Neunte, G, B-Dur, D. Und da dies ein Akkord ist, der aus der F-Dur-Tonleiter kommt, werde ich diese Tonleiter verwenden, wenn ich komme Mit Optionen für meine Melodie beginne ich mit der Note C und überlege mir eine Achtnotenphrase, die in der Nähe des C endet, eine Oktave höher, damit sie sich wiederholen kann. Also habe ich mir gerade a, B-Flat, C, D, F, B-flat ausgedacht a, B-Flat, C, D, F, , was mich in Oktave höher in die Nähe des Meeres bringt, damit ich es über die Oktaven spielen kann. Los geht's so. Also wiederholen wir es, indem wir uns über das Klavier bewegen. Ich versuche es noch einmal und fange langsam tiefer an. Beim Üben dieser Sätze ist es wichtig langsam zu beginnen und dann das Tempo schrittweise zu erhöhen, indem man ein Metronom online oder ein physisches Metronom verwendet. Ich fange an, es etwas schneller zu üben und zu sehen, ob ich es durchstehen kann. Wenn mir das gefällt, versuche ich es auf einen anderen Schlüssel zu verschieben. Lass uns B-Moll machen. Also habe ich im Grunde ein Konzept genommen und damit es in meinem Spiel zum Vorschein kommt, habe ich es in verschiedene Tonarten verschoben. Wenn ich also mit Freunden spiele und jemand eine Komposition hat , die eine Endung in b-Moll benötigt, kann ich dieselbe Phrase verwenden, die ich mir in g-Moll ausgedacht habe , und habe mehrere Optionen. Ich werde auf diese Weise weiter üben, sodass ich jedes Mal einen Akkord sehe und mir eine wiederholte Phrase einfallen lassen möchte . Ich habe Dutzende von Variationen durchgesehen, sodass ich viele Dinge habe , zu denen ich gehen kann , und ich bin nicht an eine Option gebunden. Diese wiederholten Notensätze eignen sich hervorragend zum Beenden von Songs, können aber auch im Solo oder Improvisieren und als Kompositionswerkzeug verwendet werden . Jetzt möchte ich, dass Sie versuchen, Ihre eigene Sechs-Noten-Phrase über der Schnur zu erstellen , e-Moll neunte. Dazu können Sie die Tonart D-Dur verwenden, da e-Moll eine Schnur ist , die aus der CTL-Skala für D-Dur stammt . In unserer nächsten Lektion werden wir uns ansehen, wie Sie Drop-Two-Voicings verwenden können , um eine bereits existierende Melodie aufzunehmen und sie wirklich zum Singen zu bringen. 9. Fortgeschrittene Voicings: In dieser Lektion werden wir uns ansehen, wie wir Drop-Two-Voicings verwenden können , um eine bereits existierende Melodie in ein Akkordmuster umzuwandeln. Drop-Two-Voicings beziehen sich auf ein Konzept, bei dem Sie zwei Akkorde verwenden, einen C-Dur-Akkord und einen verminderten B-Akkord. Und wir wechseln zwischen den Umkehrungen dieser Akkorde und erzeugen eine CTL-Skala. Dies ist eine großartige Methode, um Korallenmelodien zu entwickeln, da wir jede Melodie nehmen und Drop-Two-Voicings darauf anwenden können, wodurch sie zum Leben erweckt wird, indem wir eine weitere Dimension hinzufügen. Dies ist ein ähnliches Konzept wie Chorleiter oder Arrangeure eine Melodie nehmen und sie für vier Stimmen arrangieren würden . In diesem Beispiel verwenden wir die Tonart C-Dur, und ich werde erklären, wie Sie Drop-Two-Voicings in dieser Tonart finden können Drop-Two-Voicings in dieser Tonart finden Wir beginnen mit einem sechsten C-Dur-Akkord , der Folgendes beinhaltet die Noten C, E, G und a. A ist die sechste Note dieser Tonleiter. Wir beginnen damit, alle Umkehrungen dieses Akkords durchzugehen . Wir haben also CGA. Dann bewegen wir dieses C um eine Oktave nach oben und geben uns e GAAC. Bewegen Sie das e um eine Oktave nach oben, geben Sie uns g ACE , und gehen Sie dann wieder nach oben , was uns ACG gibt, was einem kleinen Siebtel ähnelt, bevor Sie schließlich eine Oktave höher auf demselben Platz landen . Für diese Übung wird immer in der Umkehrung von C-Dur Sechs oder ein B verminderter Siebter gespielt . Jetzt schauen wir uns das an. Verkleinert werden als Siebter, der die Noten B, D, F und eine flache Note einschließt . Lassen Sie uns die Umkehrungen dieses Akkords durchgehen. Also bewegen wir das B nach oben geben uns D, F, eine flache Note und B. Bewegen Sie die untere Note wieder nach oben geben uns F, eine flache Note, B und D. Und dann gehen wir wieder nach oben geben uns eine flache Note, B, D und F bevor wir zum selben Akkord zurückkehren, eine Oktave höher, F und ein Flat, beginnen wir mit C, E, G, einem Akkord. Dann gehen wir zur nächsten Version von B diminished über, das ist D, F, ein flaches B. Bevor wir zur nächsten Version des C6-Akkords übergehen, erneut E GAAC, bevor wir zur nächsten Version von B verkleinert übergehen , F, ein flaches BD. Bevor Sie zur nächsten Version wechseln, ist C6, GAAC. Weiter zur nächsten Version von B vermindert, a-flat, B, D, F. Die nächste Version ist C6, a, C, E, G. Und dann die nächste, die endgültige Version von B, verringerte B, D, F, A-Dur. Also noch einmal, das sieht mit genau der rechten Hand so aus. Welche Note wir auch immer oben haben, wir können diese Stimme anwenden, egal ob es sich um eine C-Dur Sechs oder ein B handelt, und den Akkord darunter ausfüllen, ich nehme eine Grundmelodie in C-Dur und zeigen Sie, wie Sie es mit diesen Plätzen spielen können. Es ist wichtig, daran zu denken, dass der B-verminderte Akkord immer wieder auf die C-Dur-Sechs zurückgeht. Diese Technik erzeugt also eine intrinsische Spannung und Auflösung und verbessert dadurch den Klang dieser Progression. Ich nehme eine einfache Melodie wie Mary Had a Little Lamb. Und versuchen Sie es mit diesen Drop-Two-Voicings. Immer wenn es eine Note gibt, C, E, G oder A, verwende ich eine Version des sechsten C-Dur-Akkords. Immer wenn die Melodie-Note D, F, a flat oder B ist , verwende ich eine Umkehrung des B-verminderten Akkords. Da wir mit e angefangen haben, habe ich darunter E, C, a G ausgefüllt . Für die nächste Note, D, wurde mir klar, dass dies das B war, das verringert wurde, also füllte ich dB, ein flaches F, gefolgt von C, a, G. So konnte ich eine Melodie aufnehmen und sie zum Leben erwecken. Nehmen wir ein anderes Beispiel für eine Melodie, z. B. dieses G, F, E, C, D, mit Drop-Two-Voicings, die so klingen würde. Sie können also sehen, dass wir eine einfache Melodie nehmen und dann diese Stimmen anwenden, egal ob es sich um eine Umkehrung der C-Dur-Sechs oder des B Diminished handelt. Dies kann eine großartige Technik sein Melodien zum Leben zu erwecken, wenn wir mit der linken Hand spielen. Und auch zum Erstellen von Substitutionen für bereits vorhandene Akkordfolgen. Ich spiele diese Melodie noch einmal mit einem Schrittmuster mit meiner linken Hand. Wir können jetzt unsere linke Hand reinbringen. Und diese werden Drop-Two-Voicings genannt , weil Sie die zweite Note von oben nehmen und die rechte Hand spielt , und sie in der Oktave fallen lassen können. Für unsere linke Hand. Um dies zu demonstrieren, beginnen wir mit diesem Akkord, E GAAC. Wir können die zweite Note von oben nehmen, die a ist, und sie mit der linken Hand nach unten bewegen, wodurch wir jetzt ein Muster erhalten. Dies sind Formen , die Chorleiter häufig verwenden werden, wenn sie eine Stimme arrangieren, da zwischen den Knoten eine natürliche Bewegung stattfindet. In noch einmal erkläre ich das Drop-Two-Voicing-Konzept in C-Dur, aber Sie können es in jeder Tonart verwenden, indem Sie den einen Wurzel-Dur und den sieben verminderten Akkord verwenden . Jetzt werde ich einen einfachen Fortschritt machen und zeigen wie er mithilfe von Drop-Two-Voicings erweitert werden kann. Für dieses Beispiel verwende ich eine Progression, die wir uns zuvor angesehen haben, eine Moll Sieben, d-Moll Sieben. Da ein Moll die relative Tonart von C-Dur ist, verwende ich die C-Dur-Drop-Zweien, die wir gerade gelernt haben, um eine Substitution zu schaffen , indem wir von einem Moll nach d-Moll gelangen. Wir wissen, dass wir von A nach D gehen also werde ich zwischendurch einen Tropfen zu Melody hinzufügen, was für mehr Spannung und mehr Bewegung sorgt, was für mehr Spannung und mehr Bewegung sorgt bevor wir zu unserer Heimatbasis kommen. Also anstatt heute einfach zu gehen, gehe ich jetzt. Ich mache ein anderes Beispiel. Wir landen immer noch auf D, aber wir haben eine ganze Welt geschaffen, in der wir dorthin gelangen, indem wir uns durch die Drop-Two-Voicings bewegt haben. Lass uns ein anderes Beispiel machen. Sie können feststellen, dass es oft einfacher ist, dies zu visualisieren, wenn ich vor dem d-Moll in einem veränderten Akkord gespielt habe , wenn ich vor dem d-Moll in einem veränderten Akkord , indem alle Noten der beiden Akkorde, die Sie verwenden, aufschreiben . Sie können das also als Referenz verwenden, wenn Sie eine Akkordmelodie erstellen. Jedes Mal, wenn Sie eine Melodie haben, können Sie diese Drop-Two-Voicings verwenden, um zwischen der einen Dur-Sechs und der Verminderten Sieben zu wechseln und die Melodie mit einem vollständigen CTL-Arrangement zum Leben zu erwecken . Als Auftrag möchte ich, dass Sie eine Melodie in C-Dur in orchestriert aufnehmen , angesichts der Drop Twos, die wir gerade durchgegangen sind, können Sie sie in die Projektgalerie hochladen. Und ich freue mich darauf zu sehen, was du kreierst. 10. Voicing-Übungen: Willkommen zurück. In dieser Lektion werden wir uns ansehen, wie Sie innere Stimmen nutzen können , um mehr Bewegung innerhalb Ihrer Gerichte zu schaffen . Inner Voicings bezieht sich auf ein Konzept, bei dem Sie Noten innerhalb der Kordel bewegen , während die äußeren Stimmen gleich bleiben. In dieser Lektion werde ich mehrere Konzepte demonstrieren, die Sie für innere Stimmen über einem siebten d-Moll-Akkord anwenden können . Wenn Sie innere Stimmen erzeugen, ist es großartig, Intervalle wie Drittel oder Sechs zu verwenden, bei denen es sich um Konsonantenintervalle handelt gut für Harmonien klingen. Schauen wir uns ein Beispiel für einen neunten Akkord in d-Moll an. In diesem Fall haben wir D, F, a, C mit der linken Hand und AGC mit meiner rechten Hand. Die C-Note wird oben bleiben, aber ich werde diese Drittel dazwischen verschieben, um von E und G nach F und a zurück zu E und G zu schwenken . Wie wir sehen können, bleibt die Schnur gleich, aber es gibt eine innere Stimmbewegung, die sich von E nach G bewegt, hoch zur FNA und zurück nach unten. Oder wenn ich eine innere Stimme finde, die ich mag, bewege ich sie und transponiere sie auf verschiedene Tonarten. Ich transponiere das herum und verschiebe es auf f-Moll. Schauen wir uns nun ein anderes Beispiel für eine innere Stimme an, und wir könnten einen siebten F-Dur-Akkord verwenden. Für diesen Akkord beginnen wir mit dieser Stimme, C, G, und dann spielt die rechte Hand a und E. Intervall zwischen der Kopfnote auf beiden Händen ist ein Sechstel, was bedeutet, dass wir dies verschieben können herum und es wird nach einer großartigen Harmonie klingen. Also gehe ich hoch und spiele. Meine rechte Hand spielt EDC, während meine linke Hand G, F, E spielt. Also wieder einmal, es ist so, dass sich diese innere Stimme bewegt, während die äußeren Stimmen gleich bleiben. Ich werde das demonstrieren, indem es auf ein paar Schlüssel verschiebe. Immer wenn ich mir eine innere Stimme einfallen lasse , die sagt, dass sie bei mir ankommt, versuchte ich, sie auf so viele Arten wie möglich anzuwenden. Dann habe ich es als ein anderes Konzept, zu dem ich gehen kann. Schauen wir uns noch ein Beispiel für eine innere Stimme an. Diesmal über einen neunten Akkord c-Moll. Dafür spiele ich C, E flat und G, Die Triade mit meiner linken Hand und B-Dur, D und F mit meiner rechten Hand. Ich schwenke zwischen B-flat und D und C und E flach. Also lass uns das jetzt versuchen. Ich wechsle zwischen B-flat und D und C und E flat und gehe dann zurück zu b flat und d. Das F oben bleibt also gleich, aber die Stimme bewegt sich innerhalb des Akkords. Ein Lied, das ich geschrieben habe, Grand Canyon verwendet dieses Konzept. Es geht so. Sie können sehen, dass die äußeren Noten gleich bleiben , während sich die Bewegung innerhalb des Akkords befindet, wodurch eine sehr schöne Textur entsteht. Hör nochmal zu. Zum Abschluss. Innere Stimmen sind ein großartiges Konzept, um Bewegung innerhalb der Akkorde zu erzeugen Bewegung innerhalb der Akkorde und gleichzeitig die äußere Struktur beizubehalten. Immer wenn Sie sich ein inneres Stimmmuster einfallen lassen, das Ihnen gefällt, empfehle ich Ihnen, es auf alle 12 Tasten zu transponieren , damit Sie es immer zur Hand haben , wenn Sie sich neuem Material nähern. In der nächsten Lektion werden wir uns ansehen, wie wir einige der Konzepte, die wir am Klavier gelernt haben, auf die Produktion mit einer digitalen Audio-Workstation anwenden können wir am Klavier gelernt haben, auf die Produktion mit einer digitalen Audio-Workstation anwenden . Ich hoffe du kommst zu mir. Es wird eine Menge Spaß machen. 11. Produktion und Aufzeichnung: Willkommen zurück. In dieser Lektion lernen wir, wie wir einige der Konzepte, die wir am Klavier gelernt haben, nutzen und auf Produktionskontexte übertragen können wir am Klavier gelernt haben, nutzen und auf . In diesem Beispiel verwende ich Ableton Live , eine DAW oder Digital Audio Workstation. Es gibt viele andere Optionen von Dawes, die Sie verwenden können, wie GarageBand, Logic Pro oder Fruity Loops, die alle ähnliche Dinge tun. Für diese Lektion habe ich ein Midi-Keyboard, das an meinen Computer angeschlossen ist, was bedeutet, dass alle Sounds, die ich auf dem Keyboard spiele , die Sounds auf dem Computer steuern und aufnehmen können die Sounds auf dem Computer steuern und sie in das Projekt eingebunden. Wenn ich mit der Produktion beginne, mache ich mir gerne zuerst eine Akkordfolge füge dann eine Grundmelodie in zusätzlichen Elementen wie Schlagzeug und anderen Dingen hinzu. In diesem Beispiel beginne ich mit einer Akkordfolge in der Tonart C-Dur. Ich beginne damit, mein Tempo auf 83 Schläge pro Minute einzustellen und sicherzustellen, dass ich mein Metronom eingeschaltet habe , damit ich rechtzeitig spielen kann. Ich nehme jetzt die grundlegende Akkordfolge auf, nämlich F-Dur sieben, e-Moll sieben, d-Moll sieben Akkorde aus der C-Dur-CTL-Skala. Ich zähle mit und dann fangen wir an. Jetzt, wo wir die Akkordfolge haben, füge ich eine Grundlinie hinzu. Also wechsle ich zu einem Bassinstrument und verwende die Techniken, die wir über Grundlinien gelernt haben, das Spielen der Wurzelknoten und die Verwendung anderer Teile der C-Dur-Tonleiter zum Ausfüllen. Jetzt, wo ich die Grundlinie habe, werde ich einige zusätzliche Arpeggien auf einem Road Sound hinzufügen , der ein Instrument aus den Siebzigern ist. In diesem Fall verwende ich ein Modell von einem. Also los geht's. Jetzt, wo ich meine Ausgangswerte habe, füge ich einige Medikamente hinzu. Ich spiele Schlagzeug auf dem Keyboard. Das ist also manchmal eine schwierige Aufgabe, aber ich werde mein Bestes geben. Jetzt, wo ich eine grundlegende Gliederung habe, improvisiere ich mit einem Synth Lead und ich werde solo mit der pentatonischen C-Tonleiter spielen. Los geht's. Jetzt, wo ich die Grundelemente habe, begann ich mit einer Akkordfolge. Ich habe eine Grundlinie gefunden , die funktionierte, indem ich die Grundnoten spielte , um andere Noten dazwischen einzuführen, und fügte dann Arpeggien auf den Straßen hinzu. Ich habe es nicht in einem Schlagzeug-Part gespielt. Und dann fügte ich zum Abschluss eine pentatonische Improvisation oder eine Melodie mit der pentatonischen C-Tonleiter hinzu. Jetzt, da ich einige Grundelemente meines Songs habe, kann ich ihn von hier aus verfeinern. Ziel dieser Demonstration war es, Ihnen zu zeigen, dass viele der Möglichkeiten und Konzepte am Klavier auch in einem Produktions - oder Songwriting-Kontext angewendet werden können . Wenn Sie eine digitale Audio-Workstation haben, empfehle ich Ihnen, einige der Konzepte zu verwenden, die wir beim Schreiben und Produzieren Ihrer eigenen Originalmusik gelernt haben. Ich würde mich freuen, wenn du deine Originalmusik in die Projektgalerie hochlädst . Ich kann es kaum erwarten zu hören, was du kreierst. In der nächsten Lektion werden wir uns einige Methoden ansehen, um Originalmusik zu veröffentlichen , damit Sie sie von anderen auf der ganzen Welt hören können . 12. Musik veröffentlichen: Jetzt haben wir uns angesehen, wie wir einige der Konzepte auf Klavier anwenden können , um sie auf die Musikproduktion anzuwenden. Es ist Zeit, über die Veröffentlichung von Musik zu sprechen, damit andere Menschen auf der ganzen Welt unsere Kompositionen hören können. Eines der aufregenden Dinge der Zeit, in der wir leben, ist, dass es noch nie einfacher war , eigene Musik aufzunehmen und zu veröffentlichen , damit andere sie hören und auf der ganzen Welt teilen können . Es gibt viele großartige Plattformen wie TuneCore, Destroy Kid, Stem in vielen weiteren, denen Sie ein Finale als Song aufnehmen und es dann auf Spotify, Apple Music und auf anderen Streaming-Plattformen veröffentlichen können. Oft werden Musiker viel Arbeit investieren , um ihre Musik zu kreieren, aber wenn sie über eine Release-Strategie nachdenken , sind verschiedene Möglichkeiten, ihre Musik mit sozialen Medien zu vermarkten . wie Instagram, TikTok und Facebook. Es gibt viele Ressourcen, mit denen Sie ein aufgenommenes Lied aufnehmen und veröffentlichen können. Eines der Dinge, die für mich am Musizieren am aufregendsten sind, ist, wie endlos kollaborativ es ist. Wir können die Fähigkeiten, die wir am Klavier gelernt haben, nutzen , um einen Akzent, die Stimmen anderer Menschen und ihre Botschaften zu verstärken Stimmen anderer Menschen und ihre Botschaften Die Fähigkeiten des Klavierspiels können endlose Möglichkeiten eröffnen und dazu führen Kollaborationen mit Sängern, Instrumentalisten und Rappern. Es hat mich dazu gebracht, auf der ganzen Welt aufzutreten und im Studio mit vielen Künstlern wie Schoolboy, Q, BJ, The Chicago Kid und Tom Mish zu arbeiten . Diese Kurse sind lediglich eine Einführung oder das Öffnen der Tür zu einer ganzen Welt von Möglichkeiten mit dem Klavier in Zusammenarbeit in den Unterrichtsressourcen Ich habe einen Leitfaden mit einigen hilfreichen Tipps für die Veröffentlichung eigener Musik. 13. Schlussgedanken: Herzlichen Glückwunsch, wir haben es bis zum Ende des Unterrichts geschafft. Wenn Sie seit Beginn der Reise bei mir waren, wissen Sie, wir haben eine Menge Themen behandelt , die viele verschiedene Konzepte betreffen. Im Moment haben wir alle Elemente aus den vorherigen Klassen kombiniert , um endlich Originalmusik in der Welt veröffentlichen zu können . Ich hoffe, dass sich mit diesem Kurs neue Möglichkeiten eröffnen die Sie beim Spielen Ihrer Lieblingslieder oder beim Erstellen von Originalkompositionen oder beim Improvisieren nutzen können Ihrer Lieblingslieder oder beim Erstellen von Originalkompositionen oder . Es war mir eine Freude und Ehre, während dieses Prozesses Ihr Lehrer zu sein . Und ich freue mich sehr darauf , bis zum nächsten Mal zu sehen, was Sie zur Welt der Musik beitragen.