Illustration und Geschäft: Eine Fibel über Portfolios und die Preisgestaltung bei deiner Kunst

1. Einführung: - Hallo. Mein Name ist Kendyll Hillegas und ich bin Vollzeit-freiberufliche Illustratorin. Als kommerzieller Künstler arbeite ich mit großen und kleinen Kunden an allem, von Kleidung über Editorial bis hin zu Verpackungen. Es hat Jahre gedauert, aber ich habe mein Geschäft aufgebaut, damit ich nicht nur als Künstler überlebe, sondern gedeihen kann. Regelmäßige Zusammenarbeit mit Kunden wie dem Wall Street Journal und Real Simple sowie großen nationalen und internationalen Lebensmittelmarken. Obwohl es großartig klingen mag und von außen rosig aussieht, war es ein langer, anspruchsvoller Weg, hierher zu kommen. Ich bin überhaupt kein Naturtalent mit den Kunst- und Business-Sachen. Als ich den Schulabschluss absolvierte, hatte ich absolut keine Ahnung, wie ich eigentlich eine Karriere als Künstler machen sollte. Ich hatte einige grundlegende Kunstfertigkeiten und ich konnte zeichnen, und ich war kreativ, aber ich hatte nicht wirklich viel Richtung oder Klarheit darüber hinaus. Es dauerte Jahre des schmerzhaften Kampfes und die Dinge selbst herauszufinden, um meine Leidenschaft in eine erfüllende Karriere zu verwandeln. Wenn Sie also in demselben Boot sind, wenn Sie kreative und künstlerische Fähigkeiten haben und daran interessiert sind, Kunst als Berufung zu verfolgen, in der Sie tatsächlich Geld verdienen, aber Sie sind nicht wirklich sicher, was Sie als Nächstes tun sollen oder wie Sie es in ein Geschäft verwandeln können, Diese Klasse ist für Sie. Dies wird ein Umfragekurs sein, was bedeutet, dass wir einen breiten Überblick über die 10 wichtigsten praktischen Business-Dinge haben , die oft nicht in der Kunstschule gelehrt werden. Also werden wir alles angehen, von den täglichen Fähigkeiten, die benötigt werden, um ein Kunstgeschäft zu führen , bis hin zu den grundlegenden, die benötigt werden, um es aufzubauen, wie Portfolios, Kundenservice und die Suche nach Ihrer Nische. So viele Künstler knurren, wenn sie das Wort Business hören, und wenn sie über Rechnungen oder professionelle Industriestandards oder Marketing denken professionelle Industriestandards oder Marketing , wollen sie laufen und ihren Kopf unter einem Kissen verstecken. Aber ich bin hier, um Ihnen zu sagen, dass es wirklich nicht so schlimm ist und dass der Aufbau einer erfolgreichen kreativen Karriere durchaus möglich ist. In diesem Kurs werde ich mein Bestes tun, um auch die tabuesten Kunstunternehmer-Themen zu entmystifizieren , damit Sie anschließend einen fundierten Überblick über einige der wichtigsten Aspekte eines erfolgreichen Kunstunternehmens haben . Bitte bedenken Sie, dass wir in dieser Klasse viel übernehmen. Ich werde das behandeln, was ich als die wichtigsten und wichtigsten Dinge zu wissen halte, um Ihr Kunstgeschäft zu etablieren. Aber es wird noch mehr zu lernen geben. Da ich selbst kommerzieller Künstler und Illustrator bin, richtet sich dieser Kurs speziell an andere Künstler und Illustratoren. Es ist auch am besten für Menschen geeignet, die ein solides Verständnis für ihre tatsächlichen künstlerischen Fähigkeiten und Stil haben. Wenn Sie also immer noch lernen, zu zeichnen, zu malen oder zu kämpfen, um Ihren Stil zu finden, würde ich empfehlen, dass Sie zu einer meiner anderen Klassen wechseln und sich zuerst auf Ihre technischen künstlerischen Fähigkeiten konzentrieren, bevor Sie zu viel Energie in das Geschäft investieren Seite. Dafür wird es später noch viel Zeit geben. Aber wenn Sie auf einer eher fortgeschrittenen Ebene sind und einen ziemlich konsistenten Entwicklungsstil haben und sich bereit fühlen , mit dem Übergang zur beruflichen Arbeit zu beginnen, dann lasst uns eintauchen. 2. Woran man erkennt, dass das eigene Portfolio auf professionellem Niveau ist: Lektion 1, wie kann ich feststellen, wann mein Portfolio auf professionellem Niveau ist. Egal, ob Sie ein neuer Grad oder Autodidakt sind, es kann schwierig sein zu wissen, wann Sie bereit sind, den Sprung auf das professionelle Niveau zu machen. Als kreative Typen neigen wir dazu, unsere Fähigkeiten in Frage zu stellen und mit Selbstzweifeln zu kämpfen. Eine Frage, mit der ich persönlich die ganze Zeit ringen und höre, ist wie kann ich wissen, ob meine Arbeit auf professionellem Niveau ist? Unabhängig von Stil und kommerzieller Illustration, professionelle Arbeit teilt drei gemeinsame Merkmale. Nummer eins, Qualität; es zeigt klare Fähigkeiten und Handwerk unabhängig von der Art. Nummer zwei, Quantität; die Fähigkeit und der Stil zeigen Konsistenz im gesamten Portfolio. Nummer drei, Strategie; der Schöpfer hat wirklich darüber nachgedacht, wie und wo ihre Arbeit in den Markt passen könnte. Lassen Sie uns nun darüber sprechen, wie sich diese drei Eigenschaften tatsächlich im wirklichen Leben abspielen , indem wir über drei Phasen einer künstlerischen Karriere sprechen. Das Sprossenstadium, das Wachstumsphase und das Blütenstadium. Ich höre per E-Mail und DMs von vielen beginnenden Künstlern, die eine kreative Karriere verfolgen wollen und frustriert sind , dass sie keine Attraktion finden. Sie machen persönliche Projekte, sie teilen sie online, sie tun die Dinge, die ihnen gesagt wurde, und doch werden sie nicht eingestellt oder in Auftrag gegeben und das ist verständlicherweise sehr frustrierend. Immer wenn ich von diesen Leuten höre und ich einen Blick auf ihre Arbeit werfe, sobald ich nach unten bohren, finde ich, dass mindestens eines dieser drei Merkmale, die ich erwähnt habe, fehlt. Entweder ist ihre Arbeit nicht bis zu einer professionellen Qualität, ihre Arbeit ist nicht in einer professionellen Menge, oder ihre Arbeit ist nicht fokussiert und auf einen bestimmten Markt ausgerichtet. Wenn Szenario Nummer eins wahr ist und ihre Arbeit noch nicht bis zu einer professionellen Qualität ist, werden wir diese kreative Person in der Sprossenphase betrachten. Ein Sprout-Künstler kann anständige grundlegende Fähigkeiten haben und wissen, wie man Werkzeuge und Zubehör verwendet. Sie sind nicht wirklich ein Anfänger, aber sie verbringen wahrscheinlich immer noch viel Zeit mit dem Experimentieren, Ausprobieren verschiedener Ansätze, und sie haben wahrscheinlich keinen klaren Fokus in ihrer Arbeit. Abhängig von ihrer Persönlichkeit, ein Sprout Künstler fühlen sich ein bisschen verloren und frustriert mit nicht in der Lage, zu produzieren, was sie wollen, oder sie können einfach nur wirklich Spaß und genießen den Prozess des Experimentierens. Wenn die Menge oder Portfoliogröße das Problem ist, können wir diese Person in der Wachstumsphase betrachten. Ein Wachstums-Bühnen-Künstler fängt wahrscheinlich an, auf einen Stil einzugehen, wirklich zu schärfen. Vielleicht konzentrieren sie sich sogar auf bestimmte Themen oder eine bestimmte Art von Medien, und sie investieren fast definitiv regelmäßig ernsthafte Zeit und fallen wirklich in einige tiefe Wurzeln in ihre kreative Praxis. Es wird aufstrebende konsistente Themen und ein zusammenhängendes Aussehen und Gefühl für ihre Arbeit geben. Zu diesem Zeitpunkt haben sie wahrscheinlich ein größeres Kunstwerk, und sie können sogar einen zahlenden Kunden hier oder da landen. Schließlich sieht unsere Blüte Bühne kreative Person ähnlich wie die Wachstumsphase Person, aber zusätzlich zu, dass, größere, qualifizierte und konsistente Portfolio, sie beginnen, ihren Fokus in bestimmten Bereichen zu lenken, um eine klare Marktanforderung zu passen. Sie wachsen immer sogar in dieser Blütephase, aber ihre Arbeit hat jetzt nicht nur ein deutliches Aussehen und Gefühl, sondern auch ein wirklich klares Ziel. An diesem Punkt, wenn sie es noch nicht getan haben, sollten sie wirklich beginnen, aktiv ihre Arbeit zu fördern. Für mich, als ich in der Kunstschule war, lernte ich viel und meine künstlerischen Fähigkeiten verbesserten sich, aber als ich mein Studium absolvierte, produzierte ich immer noch kein professionelles Niveau von Kunstwerken und das ist überhaupt nicht ungewöhnlich. Meine Arbeit war überall. Ich wusste nicht, wie ich mich effektiv motivieren sollte, und ich hatte wirklich Mühe, große Teile Zeit in meine Arbeit zu investieren. Ich war ständig frustriert und enttäuscht von mir und meiner Kunst. Im Wesentlichen, ohne es zu wissen, war ich in der Sprossenphase. Das ist sicherlich nicht für jedermann der Fall, aber viele Kunstschulnoten und Autodidakt sind im selben Boot. Wenn Sie regelmäßig nicht sicher sind, was Sie zeichnen sollen, oder Sie Angst vor dem Zeichnen fühlen, oder Sie haben es schwer, sich selbst zu motivieren, Arbeit zu machen , oder Sie denken oft „Ich muss nur einen Kunden bekommen, und dann werde ich motiviert sein zeichnen“, können Sie auch in der Sprossenstufe sein. Empfehlungen für das Sprossenstadium. Wenn Sie sich in dieser Phase Ihrer kreativen Reise befinden, sollte Ihr Hauptziel sein, das Ding zu finden, sei es der Stil, das Thema, die Medien, die Geschichte, die Idee, dass das Ding zu finden, von dem Sie so begeistert sind und Sie fühlen sich so verbunden, dass Sie leicht Stunden und Stunden verbringen können, die Stunden, Stunden und Stunden, die es braucht, um Ihre Fähigkeiten und Qualität der Arbeit auf ein professionelles Niveau zu bringen. Grundsätzlich müssen Sie zuerst daran arbeiten, Ihren Stil zu finden, was ich als würde Ihr Root-System wachsen. Sie können absolut immer noch an dieser Klasse teilnehmen, aber wenn Sie in der Sprossenphase sind, wäre meine ehrliche Empfehlung, diesen Kurs zu pausieren und meine andere Klasse zu nehmen, die wissenschaftliche Methode für Künstler statt. Es geht darum, Ihren Stil zu finden, indem Sie das Ding finden, das Sie motivieren und inspirieren wird , die Zeit zu investieren, die es braucht, um einen persönlichen Stil zu entwickeln. Nun, wenn Sie sich bereits motiviert und motiviert fühlen, Arbeit zu schaffen , und können sich hinsetzen und gerne stundenlang verbringen, aber Ihre Arbeit ist noch nicht konsistent oder Sie haben nicht eine große Menge davon, können Sie von der Sprossenphase zum Wachstum wechseln Bühne. Einige Empfehlungen für die Wachstumsphase. Wenn Sie sich in dieser Phase befinden, ist Ihr Hauptziel, Ihre kreativen Wurzeln wirklich zu vertiefen indem Sie eine große, konsistente Arbeitsgruppe erstellen. Sprout Stadium zielt auf Qualität oder Gesundheit, um eine einfache Metapher zu verwenden. Wachstumsphase zielt auf Qualität und Quantität ab. An dieser Stelle geht es um Gesundheit und Größe. Nun, Sie fragen vielleicht, wie groß ist? Wie viele Stücke? Woher weiß ich, ob mein Portfolio konsistent genug ist? Auch hier gibt es einiges Subjektivität, aber lassen Sie uns das mit einer Geschichte anpacken. Mein erster kommerzieller Auftrag für Verpackungen kam nachdem ich jeden Tag fast ein Jahr lang gezeichnet hatte. Es war für eine Brezelpackung und als der Kunde mich kontaktierte, hatte ich bereits 10 verschiedene Brot- und Cracker-Artikel einschließlich einer Brezel gezogen. Das zählt nicht zu den Dutzenden anderer Arten von Lebensmitteln und anderen Kategorien wie Tieren oder pflanzlichen Stoffen, an denen ich damals gearbeitet habe. Wenn Sie denken: „Hey, ich mache ein paar Mal einen Eiskegel, warum stellt mich keiner ein, um Eis zu ziehen“, oder „Ich habe Essen wie 10 Mal gezeichnet, warum stellt mich niemand ein, um Essen zu ziehen?“ Sie müssen wahrscheinlich spezifischere Kategorien und Themen innerhalb von Lebensmitteln oder pflanzlichen Stoffen, Landschaften, Innenräumen oder was auch immer Ihre Kategorie ist, und diese Dinge viele, viele Male zeichnen. Wenn Sie in dieser Phase sind, empfehle ich, dass Sie nicht eine Tonne Zeit auf Postkarten, kaltes E-Mail, Einrichtung von Kooperationen, immer super strategisch mit Social Media verbringen kaltes E-Mail, Einrichtung von Kooperationen, . Sie können Ihre Arbeit auf jeden Fall teilen und ich ermutige Sie, Ihren Prozess zu teilen und sich mit grundlegenden Geschäftspraktiken vertraut zu machen. Diese Klasse ist ein toller Start. Aber bis dahin, bis Sie tatsächlich diesen großen, konsistenten Körper polierter Arbeit haben, kann es schwierig sein, kommerzielle Kunden zu gewinnen und Wachstum als Künstler sollte immer noch Ihr Hauptziel sein. Schließlich, Stufe 3, die Blütephase. Nun, wenn Sie eine große konsistente Menge Arbeit haben und Sie sich mit allem verbinden, was ich über die Wachstumsphase erwähnt habe, aber Sie haben immer noch nicht ganz Ihren Schritt mit tatsächlich Landungskunden getroffen. Vielleicht haben Sie ein paar hier und da gehabt, aber es ist nichts konsequentes, Sie werden vielleicht von der Wachstumsphase in die Blütephase übergehen. Empfehlungen für die Blütephase. Bloom Bühnenkünstler oder Bloomer sollten sich weiterhin auf alles konzentrieren, was sie in der Wachstumsphase getan haben, in Bezug auf regelmäßige Qualitätsarbeit und Hinzufügen zu ihrem wachsenden Portfolio. Sie sollten auch versuchen, ihre Arbeit aktiv zu fördern , indem sie einen kleinen Prozentsatz ihrer Kunstzeit abziehen, vielleicht 25 Prozent, um damit zu beginnen, ihre Marktnische zu erforschen und sich darin zu positionieren die Schaffung von noch mehr Arbeit und die Präsentation ihrer bestehenden Arbeit. Um nicht wie eine kaputte Platte zu klingen, aber diese Klasse ist wirklich am besten geeignet für späte Züchter und Bloomer, da die meisten der Themen, die wir angehen werden, Dinge sind, auf die sie sich konzentrieren müssen. Auch wenn Sie viel Freiheit haben, Zeit mit der Arbeit an Ihrer Kunstkarriere zu verbringen, haben wir alle begrenzte Stunden am Tag. Daher ist es wichtig, Ihre Zeit strategisch und angemessen für die Bühne zu verbringen , auf der Sie sich gerade befinden. Die Aufgabe für diese Lektion besteht darin, herauszufinden, in welcher Phase Sie sich befinden. Sie haben wahrscheinlich schon ein gutes Gefühl dafür, wo Sie sich auf meine Beschreibungen stützen. Aber wenn Sie ein wenig mehr Hilfe benötigen oder wenn Sie wie ich sind und Sie einfach Spaß beim Quiz machen, können Sie im Abschnitt Klassenprojekt nach der Aufgabe Lektion 1 suchen und das Quiz machen. Dann ermutige ich Sie, sich vorstellen, indem Sie ein Klassenprojekt erstellen, Sie können ein Stück Ihrer Arbeit oder ein Bild von sich selbst hochladen und uns wissen lassen, in welcher Phase Sie sich befinden. 3. Wie identifiziert man seinen Markt und seine Nische: Lektion zwei. Wie Sie Ihren Markt und Nische zu identifizieren. Jetzt, da wir einen guten Sinn für die Reife des Portfolios haben und wenn sich ein Portfolio auf einem Pro-Level befindet, ist es an der Zeit, über ein weiteres Schlüsselelement des Puzzles zu sprechen, um Ihre Kunst in eine Karriere zu verwandeln : Identifizieren und Positionieren Ihrer Arbeit in einem Markt die die Hauptherausforderung für Bloomer ist. Wenn Sie aus Ihrer Kreativität einen Lebensunterhalt machen wollen, müssen Sie irgendwann überlegen, wie Ihre Kreativität und Fähigkeiten monetarisiert werden können. Identifizierung Ihres Marktes hilft Ihnen, zu entscheiden, wie strategisch mit Ihrer Kunst Geld verdienen können. Nun, wir können hier innerhalb dieses Themas nicht vorwärts gehen, ohne zu erkennen, dass dieses Thema oder wirklich jede Diskussion von Geld und Kunst zusammen ein echtes Tabu in der Kunstwelt sein kann. Es gibt viele Künstler, die wirklich hassen, selbst wenn man bedenkt, wie ihre Kunst verwendet werden könnte, um Geld zu verdienen. Sie wollen es aus reiner Authentizität schaffen ohne die Geldfrage zu berücksichtigen, bevor sie die Arbeit machen. Diesen Künstlern würde ich Folgendes sagen: Wenn Sie einen zuverlässigen Lebensunterhalt von Ihrer kreativen Arbeit machen wollen , die nicht nur hoffen ein Milliardär Kunstsammler sich entscheidet, Ihr Patron zu sein, müssen Sie andere Werte berücksichtigen, andere Dinge, die Ihnen wichtig sind, außer nur reine Authentizität. Ich denke gerne über den Prozess nach, Ihre Marktnische zu finden und mir vorzustellen, wie Ihre Kunst darin verwendet werden könnte oder welche Notwendigkeit es als die Entwicklung von Empathie füllen könnte . Ja, natürlich können und sollten Sie von Ihrer authentischen Stimme und Stil als Schöpfer sprechen , aber um dies zu einer echten Karriere zu machen, müssen Sie gleichzeitig auch Ihre Einfühlungsvermögen gegenüber den Menschen wachsen , die wird Sie für Ihre Arbeit bezahlen. Nun, ich denke, einige kreative Leute haben tatsächlich eine andere Antwort auf die Geldfrage, und sie sind bestrebt, ihre Leidenschaft in einen Gewinn vom ersten Tag zu verwandeln. Nun, das ist auf einer Ebene großartig, aber für diese Künstler würde ich folgendes sagen: Zu früh auf den Profitteil zu konzentrieren, kann genauso problematisch sein wie die Weigerung, ihn überhaupt anzuerkennen. Es ist wie die Entscheidung, dass Sie eine Limonade Stand laufen wollen, bevor herausfinden, ob Sie tatsächlich genießen den Prozess der Herstellung von Limonade. Zum Beispiel, vielleicht trinken Sie gerne Limonade oder ich mache es gelegentlich in kleinen Mengen für Ihre Familie und Freunde, aber was Sie wirklich lieben zu tun, was am Ende wirklich beleuchtet Sie innen und bekommen Sie aus dem Bett Tag in und Tag aus ist tatsächlich machen die Kekse, die Sie verkaufen aus der Limonade stehen, nicht die Limonade selbst. Es gibt keine Möglichkeit, die Antwort auf diese Frage zu kennen , bis Sie sie wirklich gründlich ausprobieren. Wenn Sie eine erfüllende kreative Karriere haben wollen, würde ich Ihnen raten, zu vermeiden, viel Zeit mit Marktforschung am Anfang zu verbringen , bis Sie gut durch die Sprossenphase sind und eine wirklich klare Vorstellung davon haben , was Sie sind leidenschaftlich und motiviert von, und welchen Prozess Sie tatsächlich genießen zu engagieren. Wenn Sie in der Sprossenphase sind, versuchen Sie, sich darauf zu konzentrieren, Ihre Leidenschaft zuerst zu folgen bis Ihre Fähigkeiten geschliffen und wirklich gut entwickelt sind. Aber wenn Sie ein Züchter oder ein Bloomer sind und bereit sind, Ihren Markt zu identifizieren, hier sind einige wichtige erste Fragen. Nummer 1, wo passt Ihre Kunst? Dies ist eine ziemlich einfache, unkomplizierte Frage. Schauen Sie sich um und finden Sie die Kunst und Künstler, deren Arbeit Ihnen ähnlich ist, ob es sich um Stil, Thema, Inhalt. Wo arbeiten sie? Wer kauft eigentlich ihre Arbeit? Dies sollte Ihnen eine grobe Vorstellung davon geben, wo Sie in den größeren Markt passen könnten. Frage Nummer 2. Sind Sie ein Business-to-Business-Künstler oder ein Business-to-Customer Künstler? Im Grunde bedeutet dies, dass Sie Ihre Arbeit direkt an den Kunden verkaufen, die Person, die Ihre Kunst selbst verwenden wird, oder verkaufen Sie Ihre Arbeit an ein Unternehmen, das diese Illustration, dieses Kunstwerk, zu fördern, verkaufen, aufzubauen ihr eigenes Geschäft? Ein paar weitere Fragen, die Ihnen helfen zu erkennen, ob Sie ein Business-to-Business-Künstler oder Business-to-Customer Künstler sind. Wollen Sie die totale Kontrolle über Ihre Arbeit haben? Möchten Sie Ihre eigenen Produkte wie Graphic Romane, Sticker, Kunstdrucke, Tassen entwickeln und diese direkt an Ihre Fangemeinde, an Ihre Kunden verkaufen? Scheint eine Menge Leute wirklich auf Ihre Arbeit zu beziehen oder sie teilbar zu finden, oder würden Sie sich vielleicht eher für einen schönen Künstler halten, d.h. Sie nehmen Aufträge an oder verkaufen in Galerien? Wenn Sie eine dieser Fragen mit Ja beantwortet haben, können Sie ein Business-to-Customer Künstler oder ein B2C-Künstler sein, was bedeutet, dass Sie Ihre Arbeit direkt für Ihre Kunden erstellen. Ihre Kunden sind Ihre Zielgruppe. Auf der anderen Seite, für Business-to-Business-Künstler, wollen Sie Ihre Arbeit an Produkten, die von jemand anderem entworfen wurden, oder in Büchern oder Zeitschriften haben ? Möchten Sie mit Kunden und Unternehmen und Marken zusammenarbeiten? Sind Sie gut im Feedback und offen für das Hören der Input anderer, wenn es um Ihre Arbeit geht? Sind Sie bereit, Ihre künstlerischen Fähigkeiten zu nutzen, um die Idee eines anderen zu verwirklichen? Wenn Sie mit Ja beantwortet haben, können Sie eher ein Business-to-Business-Künstler sein, was bedeutet, dass Sie Arbeit für Unternehmen schaffen, die sie verwenden und helfen, zu verkaufen, was sie verkaufen, oder um ihre Produkte gut aussehen zu lassen, oder um eine bessere Geschichte zu erzählen, et cetera. In diesem Fall sind die Unternehmer und die Art Directors, die mit ihnen arbeiten und die Sie einstellen, Ihr Publikum. Nun, dies ist keine feste Kategorie, die auf keinen Fall geteilt wird. Viele Künstler beginnen als Business-to-Customer Künstler und gehen dann B2B, oder umgekehrt. Viele Künstler sind beide gleichzeitig, aber es ist eine gute Idee, sich zunächst mehr auf einen zu konzentrieren , da sie unterschiedliche Prozesse haben. Als nächstes, nachdem Sie überlegt haben, ob Sie ein B2B-Künstler oder ein B2C-Künstler sind, versuchen Sie, noch weiter zu bohren und herauszufinden, in welche Branche Ihre Arbeit passt. Nun wird einiges davon natürlich davon entschieden, ob Sie ein B2B oder B2C sind , da sie verschiedene Branchen haben, aber im Großen und Ganzen könnte man sich an Industrie wie das Land denken, in dem Ihre Arbeit lebt. Es könnte Fine Art, Illustration, Animation, Oberflächendesign Produkte, et cetera sein. welchem Markt verbindet sich Ihre Arbeit als nächstes nach der Industrie? Der Markt ist wie der Staat innerhalb des Landes. Zum Beispiel wären einige Märkte innerhalb der Illustrationsbranche Kinderbuch, Editorial, Verpackung. Schließlich, was für eine Nische? Die Nische ist wie die Stadt und dringt noch weiter in diese Detailgenauigkeit ein. Einige Nischenbeispiele wären Essen, Modeporträts, Tiere. Niche kann auch den Stil oder Medien, die Sie verwenden, so Realismus, flach, phantasievoll, Spaß, et cetera. Diese Fragen sind übrigens alle auf der Klasse Projekte Abschnitt so dass keine Notwendigkeit, sich hier wütend Notizen zu machen. Wenn Sie die Fragen des Branchenmarktes durchlaufen, ist es natürlich, wirklich breit anzufangen, oder es schwierig zu finden, sich einzugrenzen, vor allem, wenn Sie früher in Ihrer Karriere sind. Zum Beispiel, als jemand, der viele Lebensmittel für Zeitschriften und Verpackungen und Werbung illustriert, werde ich oft gefragt, wie man in Lebensmittelillustration einbrechen kann. Dies ist keine einfache Antwort, weil Lebensmittelillustration nicht spezifisch genug ist. Food-Illustration könnte als Business-to-Business-Künstler oder Business-to-Customer Künstler gemacht werden, es könnte private Aufträge sein, es könnte Rezept Illustration sein, es könnte redaktionelle Illustration sein, oder Verpackung, oder Oberflächenmuster, oder Kochbücher, oder eine parallele, oder Werbung. Es könnte eine Million verschiedene Stile haben, so müssen Sie so spezifisch wie möglich zu erhalten, wenn Sie Ihre Branche Marktnische identifizieren. Dies wird es einfacher, in einzubrechen, und es wird Ihnen klarer machen, wenn Sie einen Sieg oder Erfolg hatten oder wenn Sie bereit sind, weiterzumachen. Wenn Ihre Arbeit in mehrere verschiedene Nischen passen könnte, konzentrieren Sie sich darauf, eine nach dem anderen zu entwickeln. Das wird hier eine Sache nach dem anderen ein Thema sein. Sie können das erste auswählen, basierend auf vielen verschiedenen Kriterien. Sie könnten natürlichzuerst die tief hängende Frucht auswählen, zuerst die tief hängende Frucht auswählen, welche Nische am einfachsten erscheint, Sie könnten die aufregendste zuerst wählen, die, die Sie am meisten leidenschaftlich fühlen und tief ausgerichtet mit, oder Sie könnten diejenige auswählen, die den nächsten leichter macht. Manchmal kann das Einbrechen in eine Nische die danach einfacher machen. Nun, wenn Sie feststellen, dass Sie sich gehämmert fühlen, indem Sie entscheiden müssen, nehmen Sie den Druck ab und erinnern Sie sich daran, dass dies alles ein großes Experiment ist, und Sie werden wahrscheinlich Ihre Meinung und Ihren Fokus in den nächsten paar Male ändern Monate und Dutzende Male während Ihrer Karriere. Geben Sie sich die Erlaubnis, die falsche Nische zu wählen. Es wird alles in Ordnung sein, auch wenn du es tust. Ihre Aufgabe. Verwenden Sie die Reflexionsfragen, die wir übergegangen sind, um eine Branchenmarktnische zu identifizieren und ob Sie ein Business-to-Business-Künstler oder ein Business-to-Customer Künstler sind. Denken Sie noch einmal daran, dass Sie nicht Ihr ultimatives Schicksal für immer wählen, Sie wählen etwas, worauf Sie sich für eine Zeit konzentrieren können. Denken Sie zunächst ein 1-6-Monats-Fenster. Dann teilen Sie bitte, was Sie aus den Fragen in Ihrem Klassenprojekt herausfinden, sowie alle anderen Gedanken, die Sie zu diesem Prozess haben. 4. Wie legt man den Preis für seine Illustration fest: Lektion 3, Wie Preis Arbeit? Bewegen Sie sich auf das Lieblingsthema aller, Preisgestaltung. Bevor wir in einem kurzen Haftungsausschluss tauchen; Preisgestaltung in Illustration und Kunst ist notorisch komplex und es variiert je nach allem, von der Fähigkeit und dem Stil, und der Erfahrung des Künstlers, bis hin zu der Größe und dem Einfluss von der Kunde, auf die bestimmte Industrie-Markt Nische. Ich werde mein Bestes tun, um die Dinge so einfach wie möglich zu brechen, aber bedenken Sie, dass ich zu dieser Diskussion mit der Linse eines kommerziellen Künstlers kommen werde , der sich auf Werbung spezialisiert hat, Verpackung in einer Tutorial-Illustration. Meine Erfahrung in anderen Nischen wie Lizenzierung, Oberflächenmuster, Medizin oder sogar Kinderbuch ist wirklich begrenzt. Wenn Sie sich in etwas Superspezialisiertes wie Animation oder medizinische Illustration begeben, nehmen Sie all dies als Ausgangspunkt und machen Sie ein wenig mehr Forschung, die auf Ihre Branche zugeschnitten ist. Da ich in den USA lebe, wird alles, worüber ich reden werde, in USD liegen. Gehen wir weiter und kommen zu ihm. Für Freiberufler gibt es zwei grundlegende Ansätze Tages- und Stundensätze und wertorientierte oder pauschale Tarife. Stundensatz Preisgestaltung verwendet eine Formel, die die Stunden berücksichtigt, die Sie in einem Jahr arbeiten, die unbezahlte oder Admin-Arbeit, die darin enthalten ist, Ausgaben, Lebenshaltungskosten, alle Gemeinkosten, die Sie für Ihr Unternehmen haben, Gewinnspanne usw. Ich werde eine Grundformel für die Bestimmung Ihres Stundensatzes im Abschnitt Klassenprojekte setzen. ob Sie es regelmäßig als Teil Ihres Preisschemas verwenden oder nicht, es ist eine gute Idee, einen Eindruck von Ihrem Stundensatz zu haben. Es gibt einige Felder in der Kunst, in denen ein Stundensatz sehr häufig verwendet wird oder es ist sogar Standard. Ein Beispiel, das ich kenne, ist Animation und viele Künstler werden es auch hilfreich finden , wenn es um Preisprovisionen oder fertige Gemälde geht, nur um ein gutes Gefühl dafür zu haben, was ihre Stundenrate ist. Kommerzielle Illustratoren wie ich, die nicht oft einen Stundensatz verwenden, müssen noch einen in ihrem Vertrag offenlegen , sollten unvorhergesehene Änderungen im Projekt auftreten. Zum Beispiel zusätzliche Bearbeitungen, die nicht in den Basispreisen enthalten waren , und wir werden alles darüber im Vertragsabschnitt sprechen. Im Allgemeinen, es sei denn, sie befinden sich in einem Feld, in dem stündliche Preise Standard sind, empfehle ich nicht, dass die meisten Künstler es als ihre einzige Preisstruktur verwenden. Value-based oder Flatrate Pricing ist meine bevorzugte Methode und es ist definitiv mehr Standard für kommerzielle Illustration. Diese Preisgestaltung berücksichtigt die Grundgebühr, die Sie machen müssen, um die Schaffung des Friedens lohnenswert zu machen, die natürlich die benötigte Zeit, die Seiten des Stückes, die Detailgenauigkeit, das verwendete Medium, Ihre Erfahrung usw., und erweitert diese Zahl, indem der Wert berücksichtigt wird, den die Arbeit dem Kunden bringt. Im Wesentlichen zahlt der Kunde Sie, um die Arbeit zu machen, Ihre Grundgebühr, plus das Recht, die Arbeit in einer bestimmten Weise zu verwenden. Dies alles wird in eine Pauschale gerollt, die für den Kunden leicht zu verstehen und zu budgetieren ist . Pauschalpreise sind Standard in vielen Marktnischen, einschließlich Redaktion, Kinderbuch, Verpackung, Werbung, Wissenschaft und Medizin, im Grunde die meisten Nischen in Kunst und Illustration. Lassen Sie uns ein wenig pauschal Preisbeispiel entpacken. Nehmen wir an, ich mache eine realistische 5 mal 7 Illustration eines Apfels. Wenn es für ein Magazin verwendet wird, wird es vielleicht als Spot-Illustration verwendet. Eine Spot-Illustration ist eine Illustration, die im Kontext des Textes in einem Seitenlayout verwendet wird . Wenn es sich um eine Grußkarte oder ein Oberflächenmuster handelt, wird es wahrscheinlich breiter verwendet werden, wahrscheinlich als prominentes Merkmal des Produkts. Wenn es für ein Logo oder für Verpackungen ist, wird es stark, prominent und häufig verwendet , um zu helfen, ein Produkt zu verkaufen, so dass der Kunde mehr Wert daraus bekommt als eines der beiden anderen Beispiele und sollte anschließend zahlen mehr. Ein weiterer Faktor ist die Größe des Clients. Eine kleine Zeitschrift wird nicht von so vielen Menschen gesehen werden, während ein großes internationales oder ein nationales Magazin ein riesiges Publikum haben wird. In ähnlicher Weise ist eine Punktillustration weniger sichtbar und wichtig als eine Coverillustration. Ich weiß, dass Sie alle wissen wollen, was die tatsächlichen harten Zahlen sind, also hier sind einige kommerzielle Preisbeispiele. Gehen wir zurück zu dieser kleinen 5 mal 7 Illustration eines Apfels. Wenn es eine Spot-Illustration für ein lokales oder regionales Magazin ist, könnte es irgendwo in der $200 bis $300 Bereich für einen einfachen, etwas realistischen Stil sein. Dieselbe Illustration für eine nationale Grußkartenfirma wäre wahrscheinlich näher an der $600 Bereich. Auch hier wäre die gleiche Abbildung für das Paket eines kleinen Unternehmens 800-1.000, und für das Paket eines großen Unternehmens oder für eine nationale Werbekampagne könnte irgendwo zwischen 1.500-3.000 liegen. Grundsätzlich, wenn die Abbildung sichtbarer und stärker genutzt ist, hat sie mehr Wert für den Kunden und sollte daher einen höheren Preis haben. Auf der anderen Seite ist die private nicht-kommerzielle Preisgestaltung ein bisschen anders. Wenn Sie ein feiner Künstler sind und Arbeit hauptsächlich für Menschen schaffen in ihren Häusern hängen oder wenn Sie Provisionen erstellen, sollten Sie Ihre Preise berücksichtigen, dass die Grundgebühr, über die wir gesprochen haben, sowie die Einbeziehung des Marktzins oder wofür Ihre Konkurrenz ihre Arbeit verkauft. Wenn Sie eine Galeriedarstellung haben, müssen Sie auch alle Gebühren berücksichtigen, die in der Galerie erhoben werden. Kommission, Arbeit, die Sie für jemand anderen erstellen, die angegeben ist, das Thema wird von jemand anderem angegeben, private Provisionen sollten immer mehr kosten. Zum Beispiel, wenn Sie ein vorhandenes 8 x 10 Landschaftsbild verkaufen , das Sie gerade selbst gemacht haben und es bereits da ist, ist es bereits vorhanden. Wenn Sie das in Ihrem Shop für $400 verkaufen, sollte eine Provision mindestens 25-50 Prozent mehr kosten, da es mehr Arbeit für Sie ist mit dem Kunden zusammenzuarbeiten und Arbeit nach ihren Spezifikationen zu erstellen , als es für Sie ist, nur zu verkaufen ein vorhandenes Gemälde. Jetzt wäre jede Diskussion über die Preisgestaltung nicht vollständig, ohne schnell auf die Arbeit kostenlos, für Werbung oder für Produkte zu berühren. Mein Rat zu diesem Thema in drei Worten lautet: Tun Sie es nicht. Natürlich kann ich sagen, dass es schlecht für die Industrie oder schlecht für die Preisgestaltung insgesamt und diese Dinge können wahr sein, aber der ehrliche Grund, warum ich es entmutigen, ist, weil es ärgerlich ist, es deflationiert sich selbst Wertschätzung, und es ist einfach nicht notwendig, Ihre Karriere voranzutreiben. Wenn Sie versucht sind, freie Arbeit zu übernehmen, weil Sie die Praxis wollen, üben, indem Sie stattdessen an Ihren eigenen selbstinitiierten Projekten arbeiten, haben Sie die totale Kontrolle in diesem Fall und den ganzen Nutzen. Sie können es immer noch wie eine Aufgabe machen. Wählen Sie Ihre Lieblings-Parfüm und machen Sie das Parfüm eine illustrierte Werbekampagne oder Sie könnten einige der Flecken für einen Artikel, die Sie wirklich genossen oder Sie können einen Stoff auf Geschenke für Ihre Familie verwenden zu reduzieren . Wenn Sie versucht sind, kostenlos zu arbeiten, weil Sie Berufserfahrung wollen, bin ich traurig zu sagen, dass es unwahrscheinlich ist, dass Sie es mit einem Kunden finden, der Sie bittet, kostenlos zu arbeiten, weil diese Kunden nicht professionell sind sich selbst. Sie werden oft nicht in die Projekte eingekauft, so dass sie Fristen oder Grenzen nicht ernst nehmen, dh sie handeln nicht professionell und es ist auch unwahrscheinlich, dass es zu einer zukünftigen bezahlten Arbeit mit dem Kunden führen wird, auch wenn sie dies sagen. Die ehrliche Wahrheit ist, dass, wenn Sie kostenlos arbeiten, sie wählen Sie Sie, weil Sie die freie Option sind, nicht die Option, die sie am meisten mögen. Alles, was gesagt wird, weiß ich, dass einige von Ihnen irgendwann immer noch umsonst arbeiten werden. Wenn Sie wirklich kostenlos oder für ein Produkt arbeiten möchten, stellen Sie sicher, dass Sie das Urheberrecht behalten und dass sowohl Sie als auch der Kunde einen Vertrag unterzeichnen , in dem deutlich angegeben wird, dass Sie das Werk besitzen und dass Sie ihnen das Recht geben , es nur in eine begrenzte Kapazität, und achten Sie darauf, zu beschreiben, was diese Kapazität ist. Ich sehe viele junge und beginnende Künstler, die für Exposition oder für Produkt arbeiten und letztendlich auch ihre Rechte verschenken. Eine andere Sache, die Sie tun möchten, ist sicherzustellen, dass Sie die totale kreative Kontrolle haben. Eine Situation, in der ich umsonst gearbeitet habe und gelegentlich immer noch tue, ist mit Familie und Freunden. Ich werde ihnen die Wahl der Familie und Freunde Rabatt geben, was im Grunde ist, dass ich ihre kurze oder ihr Projekt nehmen und damit laufen. Sie können nicht nach Bearbeitungen fragen und ich kann es genau so machen, wie ich will, oder sie können einfach einen Standardmarktsatz zahlen, wenn sie das nicht wollen. So wie ich es sehe, wenn du umsonst arbeitest, solltest du zumindest maximale kreative Kontrolle und Entscheidungsfreiheit über deine Arbeit haben. Nun, wenn das alles ein bisschen überwältigend anfühlt, denken Sie daran, dass Sie sich wohler fühlen werden, werden Sie mit der Preisgestaltung je mehr Erfahrung, die Sie unter Ihrem Gürtel haben, wohler, aber es wird nie ganz klar geschnitten sein. Es gibt so viele Faktoren, wie wir diskutiert haben, so dass eine Reihe von einer Größe passt alle Preise einfach nicht möglich für die meisten Schöpfer und Künstler. Sie müssen wahrscheinlich jedes Stück, jedes Produkt, jedes kommerzielle Projekt auf einer individuellen Basis mit Ihrer eigenen Erfahrung und unter Berücksichtigung der Dinge, über die wir gesprochen haben, Preis Preis jedes kommerzielle Projekt auf einer individuellen Basis mit , vor allem die Sichtbarkeit gleich Wertegleichung. Ergänzen Sie dies mit externen Ressourcen kann Ihnen wirklich helfen, sich selbstbewusster zu fühlen und war sicherlich eine große Hilfe für mich. Aus diesem Grund empfehle ich kommerzielle Künstler, vor allem in den USA und möglicherweise auch in Europa, erhalten ein Exemplar des Graphic Artist Guild Handbook for Pricing and Ethical Guidelines. Wenn ihr das Gildenhandbuch nicht erhalten könnt, haben viele öffentliche Bibliotheken in den USA ein Exemplar dieses Buches. Sie können auch eine gebrauchte bekommen. Es neigt dazu, für etwa $30 zu laufen, es ist eine dieser Ressourcen, die ich ein paar Jahre in meiner Karriere gekauft habe und wenn ich zurückgehen und mir am Tag 1 sagen könnte, in etwas zu investieren, wäre es das. Wenn ihr jedoch nicht in der Lage seid, das Gilden-Handbuch zu erhalten, gibt es immer noch viele kostenlose Ressourcen wie Box.net hat echte Einsendungen von tatsächlichen Illustratoren. Jessica Hische ist Handschriftkünstlerin und Skillshare Lehrerin, und sie hat viele kostenlose Preisressourcen auf ihrer Website, ihr PDF, „The Dark Art of Pricing“, sollte meiner Meinung nach gelesen werden. Sie hat auch gerade veröffentlicht, ich denke, es ist $10 oder $15 Pricing Seminar, das geht wirklich in die kommerzielle Preisgestaltung. Sowohl kostenlose als auch kostenpflichtige Ressourcen von Jessica Hische. Twitter Hashtags können auch eine weitere wirklich großartige Informationsquelle sein, dh Publishingpaidme, das ist eine große. Sie können viele gute Informationen über diese Hashtags haben. Dann Peer Pricing Research, dies ist besonders hilfreich für Unternehmen, um Kunden Künstler. Dies beinhaltet herauszufinden, was andere Leute aufladen. Sie können dies tun, indem Sie sich ihre Produkte und Geschäfte auf Etsy oder Patreon ansehen, und die Preise anderer Künstler auf Instagram oder in den Galerien, die sie repräsentieren. guter Letzt habe ich für kostenlose Preis-Ressourcen viele auf meinen YouTube-Videos. Ich habe natürlich einen YouTube-Kanal, wo ich tonnenweise kostenlose Ressourcen für Illustratoren und Künstler geteilt habe , einschließlich viel zu Preisen. Ein letzter Hinweis auf die Preisgestaltung ist, dass sie natürlich abhängig vom Standort des Künstlers und dem Standort des Käufers oder Unternehmens sein kann. Wenn Sie beispielsweise in einem Land leben, in dem die Lebenshaltungskosten niedriger sind als in den USA, aber Ihr Kunde ist in den USA, können Sie sicherstellen, dass immer noch Preise auf der Grundlage des US-Marktes berechnet werden, umgekehrt ist auch der Fall. Wenn Sie in den USA leben, wo die Lebenshaltungskosten hoch sind, Ihr Kunde aber irgendwo mit viel niedrigeren Lebenshaltungskosten ist, müssen Sie möglicherweise einen niedrigeren Tarif berechnen, als Sie es für einen US-Kunden tun würden. All das wird gesagt, das Fürstentum der Sichtbarkeit gleich Wert sollte immer noch auf allen Märkten konsistent sein. Eine Werbeillustration sollte in der Regel teurer sein als eine Spot-Illustration, unabhängig davon, ob der Kunde in den USA, Kanada oder Taiwan oder Südafrika ist. Ihre Aufgabe für diese Lektion besteht darin, eines der Preisszenarien aus dem Abschnitt „Klassenprojekt“ auszuwählen und Ihren eigenen Preis zu erstellen. Achten Sie darauf, Ihre Grundgebühr zu berücksichtigen, die all die Dinge, über die wir gesprochen haben, die benötigte Zeit, die Größe des Stückes, die Detailgenauigkeit, das verwendete Medium , Ihre Erfahrung usw. und den Wert, den die Arbeit bringen, um den Kunden. Geben Sie Ihr Preisschema in Ihrem Klassenprojekt frei. 5. Wie erstellt man eine Portfolio-Website: Lektion 4, wie man eine Portfolio-Website erstellt. Genauso wie in Erwägung Ihrer Marktnische irgendwann, wenn Sie Ihren Lebensunterhalt von Ihrer Kunst verdienen wollen, benötigen Sie eine Website. Natürlich gibt es seltene Beispiele von Künstlern, die ohne einen Erfolg haben, aber sie sind die ungewöhnliche Ausnahme und sollten nicht die Regel sein. Wir werden über Optionen für die Erstellung und Hosting Ihrer Website sprechen und wie Sie sie professionell und maßgeschneidert für den Markt, den Sie anstreben, aussehen lassen können. Zunächst einige gemeinsame Plattformen für Websites. Es gibt natürlich, WordPress, ich benutzte dies am Anfang. Es ist kostenlos, aber Sie werden wahrscheinlich einige kostenpflichtige Add-Ons benötigen es sei denn, Sie sind wirklich mit Code vertraut. Da ist Squarespace. Dies ist, was ich derzeit verwende und seit mehreren Jahren verwendet. Es ist sehr benutzerfreundlich und großartig, wenn Sie etwas wollen, das schön aussieht und bereit ist, dass Sie einfach in Ihre Inhalte fallen. Squarespace ist bezahlt, hat aber mehrere Preisstufen. Es gibt auch Wix. Dies ist eine weitere beliebte Plattform, die auch bezahlt wird. Ich habe es nicht persönlich benutzt, aber ich weiß, dass einige Leute es bevorzugen, weil es ein bisschen flexibler ist als Squarespace. Andere kostenlose Optionen wären eine kostenlose Blogging-Plattform wie Tumblr, der Sie immer noch eine benutzerdefinierte Domain verbinden können. Es gibt viele andere Optionen als auch. Dies ist bei weitem nicht eine umfassende Liste. Ich erwähne nur ein paar hier, um das Gespräch zu beginnen. Wenn Sie eine Plattform haben, die Sie verwenden und mögen, können Sie sich frei fühlen, sie zu den Website-Plattformen für Künstler Thread im Diskussionsabschnitt hinzuzufügen , wir werden versuchen, ein paar Threads in Gang zu bringen. Lassen Sie uns ein wenig über URLs oder Domain-Namen chatten. Nun, Sie sind vielleicht schon sehr vertraut damit. Ich werde nur ein wenig darüber erklären, wie benutzerdefinierte und dedizierte URLs aussehen. Wenn Sie damit bereits sehr vertraut sind, können Sie diesen Abschnitt einfach überspringen. Aber für diejenigen, die es nicht wissen, ist eine dedizierte URL im Grunde nur die www.your name. was auch immer das Suffix ist. Während eine kostenlose URL mehr wie www.your name.tumblr.com oder.ntc.com usw. aussieht, wird jede dedizierte URL immer bezahlt. Wenn du etwas hast, das dein name.com ist, wird das etwas sein, für das du bezahlen musst. Ich empfehle, dass Sie Ihren Website-Service auswählen basierend darauf, wo Sie sich in Ihrer Karriere befinden. Wenn Sie weiter entlang in der Wachstumsphase oder der Blütephase, verbringen Sie mehr Aufwand und mehr Geld, wenn Sie früher auf, sagen Sie in der Sprossenphase, verbringen weniger. Zu Beginn können Sie sich für eine kostenlose Plattform mit einer kostenlosen URL entscheiden und später zu einer kostenpflichtigen Website wechseln. Sie müssen sich nicht selbstbewusst fühlen, wenn Sie Ihre kostenlose Website haben, die Qualität der Arbeit und die Präsentation der Arbeit ist viel wichtiger. Ich habe viele bezahlte Künstler-Websites gesehen, die sehr unprofessionell aussehen. Eine kostenpflichtige Website zu haben, ist keine Garantie, dass Sie ernst genommen werden. Im nächsten Schritt möchten Sie Ihre URL mit Bedacht auswählen, besonders wenn es sich um eine bezahlte handelt. Sum entscheiden sich, ihren Namen wie ich zu verwenden, einige entscheiden sich für einen Firmennamen, einige entscheiden sich dafür, Kunst oder Illustration oder Studio in die URL aufzunehmen. Wenn Sie sich dafür entscheiden, empfehle ich Ihnen, ein Wort zu verwenden, das Ihr Publikum tatsächlich verwenden würde, um Sie zu finden. Zum Beispiel, wenn Sie ein Kinderbuch Illustrator mit Ihrer URL als Sarah Smith Studio sind, kann cool aussehen, aber es fügt nicht viel Wert, weil meisten Leute nicht nach einem Kinderbuch Illustrator suchen, indem sie Studio suchen. Ebenso, wenn Sie sich entscheiden, einen angenommenen Namen oder einen Firmennamen anstatt Ihren eigenen zu verwenden, Sie daran und stellen Sie sicher, dass es etwas ist, von dem Sie wirklich denken, dass es funktionieren wird und dass Sie langfristig bleiben. Ich wünschte manchmal, ich hätte einen anderen Nachnamen verwendet oder sogar nur meine verkürzen Hille, weil Hillegas so ein Bissen ist. Aber jetzt, da ich etabliert bin, ist es schwer, es zu ändern. Sie können auch mehrere URLs auswählen, um Ihre SEO zu verbessern. Zum Beispiel habe ich sowohl Kendyll Hillegas als auch realistische Lebensmittel-Illustration. Bevor wir einschließen, möchte ich über 10 allgemeine Layout- und Designprinzipien gehen , um für Kunst-Websites im Auge zu behalten. Nummer 1, Sie möchten das Format einfach und fokussiert auf die Bilder zu halten. Es gibt einen Grund, warum so viele Künstler Websites wirklich ähnlich aussehen, vor allem, wenn Sie nur betteln, versuchen Sie nicht zu viel Mühe zu setzen, um das Format Ihrer Website abheben. Du willst, dass deine Arbeit auffällt. Konzentrieren Sie sich darauf, dass Ihr Kunstwerk zum größeren Aufmerksamkeitsgetter wird. Entscheiden Sie sich für einen sauberen Hintergrund ohne Muster. Weiß funktioniert oft am besten, aber es ist nicht unbedingt immer wahr. Zum Beispiel, meine Freundin Fabiola Website ist super bunt, aber es funktioniert großartig mit ihrem Stil und das Bild ist immer noch wirklich Pop und sind der Star der Show. Sie möchten es auch für Art Directors oder Käufer oder Galerien leicht machen , die eigentliche Arbeit zu sehen, so haben Sie es prominent auf der Homepage. Das scheint ein Kinderspiel zu sein, aber so viele Leute begraben ihre Arbeit hinter Menüs und Schaltflächen, die durchgeklickt werden müssen und Art-Directors haben keine Zeit dafür und meisten Käufer sind nicht geduldig genug, um sich herum zu graben. Auf meiner eigenen Website erfasst die Homepage rund 90 Prozent des Traffics, was bedeutet, dass 90 Prozent der Besucher, die meine Website besuchen, die Homepage nie verlassen. Behalten Sie das im Hinterkopf, wenn Sie Ihr Portfolio zusammenstellen. Wenn Sie ein großes Portfolio haben, können Sie es in Sammlungen organisieren und ein Bild haben , das jede Sammlung auf Ihrer Homepage darstellt. Meine Website ist ein Beispiel für diese Organisation und es ist keineswegs einzigartig, es ist eine sehr häufige Art, Ihre Website zu organisieren. Wenn Ihr Portfolio kleiner ist, auf der anderen Seite, weniger als fünf Bilder in der Sammlung oder vielleicht weniger als 30 Bilder insgesamt, achten Sie darauf, dass Sie alles auf der Homepage behalten. Lassen Sie den Benutzer nicht unnötigerweise herumklicken. Sie können Sammlungen nach Projekt organisieren. Arbeiten Sie an einer bestimmten Aufgabe, von Kunden, so arbeiten Sie für einen bestimmten Kunden, oder nach Themen, dh Obst, botanische, Porträts, Szenen, etc. Sie können auch beide tun, was ist, was ich auf meiner Website tun. Sie möchten auch nur die Arbeit einbeziehen, für die Sie eingestellt werden möchten. Fügen Sie keine zufälligen, nicht verwandten Bilder hinzu, nur um die Lücken zu füllen. Sie mögen versucht sein, dies zu tun, zumal ich darüber gesprochen habe, dass Quantität wichtig ist, aber denken Sie daran, Qualität ist immer das erste Anliegen. Fügen Sie in diesem Hinweis nur Ihre beste Arbeit ein. Es ist einfacher, dies zu tun, wenn Sie länger arbeiten und mehr zur Auswahl haben, aber bedenken Sie das von Anfang an. Außerdem möchten Sie sicherstellen, dass Ihre Bilder entsprechend formatiert sind. Stellen Sie sicher, dass sie 72 DPI sind. Sie wollen keine schönen saftigen Hi-Res-Bilder auf Ihrer Website für Leute zum Herunterladen und Steel und Drucken auf SoCs haben. Fügen Sie subtile Signaturen zu Ihrer Arbeit hinzu. Haben Sie kein großes hupendes Wasserzeichen über dem Bild. Ich weiß, dass wir alle nervös sind, wenn Menschen Dinge stehlen, wie ich gerade erwähnt habe. Aber die Lösung dafür ist leider die einzig wirkliche Lösung, dass Sie Ihre Arbeit einfach nicht online stellen , und das ist für die meisten von uns nicht realistisch. Versuchen Sie, Ihre Signatur subtil zu halten, da sie sichtbar ist und Menschen daran erinnert, die die Arbeit gemacht haben, aber machen Sie es nicht zu dem tatsächlichen Hindernis für einen Art Director, der Ihre Arbeit betrachtet. Stellen Sie sicher, dass Ihre E-Mail-Adresse prominent, sichtbar und leicht zu finden ist. Machen Sie nicht, dass ein Art Director arbeiten muss, um Ihnen eine E-Mail zu senden. Sie würden überrascht sein, wie viele Leute es schwer haben, damit ihre E-Mail-Adresse irgendwo auf ihrer Website vergraben oder nur E-Mail-Formular haben. Viele unserer Direktoren mögen E-Mail-Formulare wirklich nicht. Machen Sie Ihre E-Mail-Adresse super sichtbar. Als nächstes möchten Sie eine einfache Seite mit einem Bild von Ihnen machen. Leute sehen gerne das Gesicht der Person, mit der sie arbeiten, und sagen deutlich, dass Sie ein Künstler oder Illustrator sind. Dies ist ein weiterer großartiger Ort für Ihre E-Mail-Adresse, es kann an mehr als einem Ort auf Ihrer Website sein. Ihre Aufgabe für diese Lektion. Wenn Sie noch keine Website haben, recherchieren Sie etwas und schauen Sie sich an, welche Plattform für Sie am besten geeignet ist. Berücksichtigen Sie Ihren Domain-Namen, welche URL Sie verwenden würden, und führen Sie einige grundlegende Recherchen darüber aus, ob Ihre bevorzugte Domain überhaupt verfügbar ist. Es gibt viele Suchmaschinen, mit denen Sie dies tun können. Wenn Sie bereits eine Website haben, geben Sie ihr ein Audit, werfen Sie einen ehrlichen Blick auf Ihre Website und bewerten Sie anhand dieser 10 allgemeinen Kriterien für Kunst-Websites, wo können Sie verbessern? Fügen Sie Ihre Ergebnisse zu Ihrem Klassenprojekt hinzu. 6. Social-Media-Grundlagen: Lektion 5, wie man soziale Medien benutzt. Es ist Zeit, nur einen sehr kurzen Chat über soziale Medien zu haben. Wir könnten eine ganze Klasse zu diesem Thema haben. Es gibt bereits einige ausgezeichnete auf Skillshare, aber wenn wir es tun, wäre ich nicht der beste Mensch, um es zu lehren. Es gibt Künstler und Illustratoren mit massivem sozialem Publikum , die das Tool wirklich verstehen und auf anspruchsvolle Weise einsetzen. Zum Glück ist keines dieser Dinge notwendig, um eine erfolgreiche Kunstkarriere zu haben. Ein engagiertes Publikum, unabhängig von der Größe und konsequent nach einigen Schlüsselprinzipien für die Nutzung sozialer Medien, um Ihre Arbeit zu fördern und zu teilen, sind die beiden wichtigsten Faktoren. Die Schlüsselprinzipien sind nichts Neues oder Revolutionäres und Sie kennen sie wahrscheinlich bereits, wir gehen einfach schnell für sie. Sie sollen Ihre Arbeit gut präsentieren. Nehmen Sie gute Fotos auf oder scannen und bearbeiten Sie Ihre Arbeit, bevor Sie sie veröffentlichen. Nummer 2, möchten Sie den Prozess dessen teilen, was in die Arbeit geht, nicht nur die fertigen Stücke. Du wirst dir und deine Geschichte zeigen. Das ist etwas, was ich persönlich besser machen könnte. Ich neige dazu, nur eine Menge fertige Arbeit zu zeigen, aber das hinter den Kulissen zu teilen, kann auch sehr wichtig und hilfreich sein. Nummer 3, Sie möchten regelmäßig posten, also drei oder mehr Mal pro Woche. Nummer 4, schreiben Sie durchdachte Untertitel, und Nummer 5, engagieren Sie sich so weit wie möglich mit Ihrem Publikum. Dann antworten Sie auf ihre Kommentare, seien Sie freundlich, kommentieren Sie die Arbeit anderer Menschen und derer, die Ihnen folgen. Nummer 6, stellen Sie sicher, dass Ihre Kontaktinformationen in Ihrem Social-Media-Profil deutlich sichtbar sind, und geben Sie an, dass Sie ein freier Künstler oder ein bildender Künstler sind. Wenn Sie ein wenig Kundenerfahrung haben, können Sie ein paar Kunden nennen, für die Sie gearbeitet haben, aber im Grunde wollen Sie nur sehr offensichtlich sein und Ihren Namen und die Tatsache sagen, dass Sie ein freiberuflicher Illustrator sind, kommerzielle Illustrator, bildende Künstlerin, was auch immer es ist, Kinderbuch Illustrator. Dann möchten Sie natürlich auch Ihre Website in Ihre Bio aufnehmen, wenn Sie eine haben. Ein paar andere Dinge im Auge zu behalten, wenn es um soziale Medien geht. Sie möchten eine oder zwei Plattformen wählen, auf die Sie sich konzentrieren, vor allem anfangs gibt es so viele verfügbar, dass es wirklich überwältigend sein kann. Wenn Sie brandneu sind, versuchen Sie, sich vielleicht nur auf einen zu konzentrieren. Wenn Sie sich in der Sprossenphase befinden, teilen Sie mit allen Mitteln Ihre Arbeit und Ihren Lernprozess. Dies kann wirklich eine gute Zeit sein, um ein Folgewerk zu bauen , weil die Leute es lieben, das hinter den Kulissen zu sehen. Aber lassen Sie sich nicht allzu saugen, um ihrer selbst willen ein Mega-Publikum aufzubauen. Für die meisten Menschen gibt es keine Abkürzungen in den sozialen Medien, und ein massives soziales Publikum ist kein Allheilmittel. Wenn Sie eine blühende B2C-Kunstkarriere, Business-to-Customer Kunstkarriere aufbauen möchten, benötigen Sie unabhängig von der Größe ein engagiertes Publikum. Wenn Sie eine blühende B2B-Kunstkarriere aufbauen möchten, benötigen Sie in erster Linie dieses große, konsistente Körper hochwertiger Arbeit. Wenn Sie ein Züchter oder Bloomer sind und bereit sind, mehr Fokus auf Förderung und Publikumsbildung zu legen , werde ich einige Links in der Registerkarte „Klassenressourcen“ für gute Zwischenkurse in sozialen Medien setzen. Ich lade euch alle ein, das Gleiche auch im Diskussionsbereich zu tun. Wenn es einen Social-Media-Kurs auf Skillshare gibt, den Sie gemacht haben, oder vielleicht sogar ein kostenloses Video auf YouTube, das Sie als eine wirklich hilfreiche Ressource gefunden haben, fügen Sie dies bitte dem Thread im Diskussionsbereich hinzu. 7. Kaltakquise und aktive Werbung: Lektion 6, wie man kalte Tonhöhe und Grundförderung. Jetzt, da wir Websites und soziale Medien behandelt haben, die passivere oder verbleibende Formen der Selbstwerbung sind, werden wir die Gänge wechseln und über aktivere Formen der Selbstwerbung sprechen, wie Beispiel per E-Mail an Art Directors und Versand von Mailern. Eine schnelle Einschränkung, bevor wir eintauchen. Einige neue und aufstrebende Künstler neigen dazu, ihre Arbeit zu früh zu präsentieren, bevor sie vollständig entwickelt ist. Sie wollen von einem Art Director oder einer Agentur „entdeckt“ werden , die sie aus der Dunkelheit herausreißen und sich um all ihre künstlerischen Probleme kümmern. Nun, während dies für ein sehr glückliches paar passieren kann, ist es nicht die Norm und Sie sollten sich nicht darauf verlassen. All die Pitching und aktive Promo in der Welt werden keine Arbeit ausgleichen , die an Qualität, Quantität oder Fokus fehlt. Wenn Sie in der Sprossenphase sind, können Sie absolut zuhören und aus diesem Abschnitt des Kurses lernen, aber ich würde Ihnen raten, nicht zu viel Zeit damit zu verbringen bis Sie spät in die Wachstumsphase oder die Blütephase sind. Stattdessen wissen Sie, was zu tun ist, verbringen Sie diese Zeit tatsächlich die Arbeit zu machen. Wenn Sie sich in der Blütephase oder in der späten Wachstumsphase befinden, was müssen Sie tun, um sicherzustellen, dass Art Directors Sie finden und Ihnen freiberufliche Aufgaben geben? Die grundlegenden Komponenten sind Dinge, die wir bereits behandelt haben. Nummer 1, Sie möchten dieses große, qualitativ hochwertige Werk herstellen und weiterhin mit strategischen, selbstinitiierten Projekten ergänzen, die in Ihre Marktnische passen. Nummer 2 ist, dass Sie diese Website mit einem sauberen, leicht zu finden Beispiele für Ihre beste Arbeit und Arbeit, die Sie in Ihren Kontaktinformationen angestellt werden möchten, zu pflegen leicht zu finden Beispiele für Ihre beste Arbeit und Arbeit möchten. Nummer 3, Sie möchten diese Arbeit regelmäßig auf sozialen Medien veröffentlichen. Sie werden diese drei Dinge nur immer wieder lesen und wiederholen und experimentieren, verfeinern jedes Malexperimentieren, verfeinern und iterieren. Wenn Sie einen Schritt weiter gehen und aktiv neue Kunden suchen möchten, können Sie ein paar verschiedene Taktiken ausprobieren , darunter Mailer und Cold Emails. Wir werden zuerst über kalte E-Mails sprechen. Eine kalte E-Mail ist, wenn Sie eine Kontaktinformation für einen Art Director oder Kunden finden , mit dem Sie arbeiten möchten, und Sie wenden sich an sie, um sich vorzustellen. Es gibt ein paar Orte, um ihre Kontaktinformationen zu finden. Sie können eine Liste von Kontaktinformationen kaufen. Zur Offenlegung habe ich das noch nie getan, aber ich weiß, dass die Leute das tun. Nummer 2 ist, dass Sie die Informationen von einem Freund oder einer Referenz bekommen können, jemand, der vielleicht schon mit diesem Client gearbeitet hat. Nummer 3, Sie können es auf der Website des Kunden finden, und Nummer 4, können Sie google, was ist, was ich in der Regel getan habe. Um zu googeln, um den Namen eines Art Directors und Kontaktinformationen eines Art Directors zu finden. Durch Googeln möchten Sie den Namen des Unternehmens und den Begriff Art Director oder vielleicht Creative Director suchen . Sobald Sie eine E-Mail-Adresse und einen Namen haben und bereit sind, diese erste kalte E-Mail zu entwerfen, denken Sie daran, die Nachricht persönlich zu halten Verwenden Sie also ihren tatsächlichen Namen, nicht an wen sie sich wenden könnte. Sie möchten auf etwas verweisen, das Ihnen gefällt, über die Publikation oder das Unternehmen oder die Arbeit des Art-Directors oder einen bestimmten Grund, warum Sie sich entschieden haben, tatsächlich den proaktiven Schritt der Kontaktaufnahme mit ihnen zu unternehmen. Nummer 2, pfiffig. Kurz und süß. Geh nicht weiter und weiter. Sie kümmern sich um die Arbeit, nicht um Ihre Qualifikationen, Ausbildung usw. Dies ist kein Lebenslauf. Nummer 3, praktisch Erwähnen Sie, dass Sie für freiberufliche Arbeit zur Verfügung stehen und fügen Sie Ihre Kontaktinformationen, eine Website und Nummer 4, hübsch. Wählen Sie Bilder aus, die scheinen, als würden sie tatsächlich für diesen Kunden arbeiten und zu ihrer Ästhetik passen. Wählen Sie nicht nur zufällige Dinge aus. Bringen Sie 3-10 Bilder an, und stellen Sie sicher, dass sie die richtige Größe haben. Sie möchten ihren Posteingang nicht überschwemmen und dass sie Ihren Namen auf dem Bildtitel haben. Eigentlich setzen Sie Ihren Namen auf den Titel des Bildes, wenn Sie die Datei Titel. Ich werde eine Beispiel-Kalt-E-Mail in den Klassenprojektabschnitt einfügen. Sobald Sie jemand kalt per E-Mail geschickt haben, wenn Sie wirklich mit ihm arbeiten möchten, können Sie sie zu Ihrer regulären E-Mail-Aktualisierungsliste hinzufügen und Updates mit Ihrer neuen Arbeit alle 3-6 Monate senden. Ein Geständnis, das ist etwas, das ich immer wirklich schrecklich gemacht habe , denn ehrlich gesagt, es braucht viel Zeit und ich habe immer gute Arbeit über die anderen Methoden bekommen , über die wir gesprochen haben. Persönliche Projekte, eine Website zu haben und regelmäßig auf sozialen Medien zu posten. Aber in letzter Zeit habe ich versucht, besser darüber zu bleiben dass ich mit bestehenden Kunden in Kontakt bleiben kann, mit denen ich wirklich genossen zu arbeiten und Wiederholungsgeschäfte zu fördern. Es ist immer super nett, mit jemandem zu arbeiten, mit dem Sie zuvor gearbeitet haben, vorausgesetzt, es war eine gute Arbeitserfahrung. Lassen Sie uns nun über das Senden dieser Follow-up-Updates sprechen und wie sie sich von kalten E-Mails unterscheiden oder ähnlich sind. Um ein Update zu senden, möchten Sie mehr oder weniger der gleichen Struktur folgen , die Sie für die kalte E-Mail verwenden. Sie möchten es persönlich mit ihrem Namen usw. halten, indem Sie auf das letzte Projekt verweisen, das Sie zusammen gemacht haben, vielleicht das letzte Mal, als sie von Ihnen gehört haben. Pithy, wieder, kurz und süß diesmal wahrscheinlich kürzer und süßer. Erwähnen Sie, dass Sie beschäftigt waren und dass Sie einige neue Arbeit haben, die Sie teilen möchten. Nummer 3, praktisch, erwähnen Sie, dass Sie immer noch mit ihnen arbeiten möchten und Sie immer noch verfügbar sind. Vier, hübsch. Wählen Sie diese relevanten Bilder aus und stellen Sie sicher, dass es sich um Dinge handelt, die Sie noch nicht an diesen Kunden gesendet haben. Eine einfache Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, zwei verschiedene Ordner voller Bilder zu haben. Ich habe einen Ordner mit Bildern, die ich benutze, wenn ich jemanden zum ersten Mal anspreche, und dann einen Ordner voller Bilder, die ich für wiederholte E-Mails, für Follow-up-E-Mails verwende , und ich aktualisiere die Bilder dort in diesem Ordner alle drei Monate, wie ich neue Arbeit zu schaffen. Meine Liste ist etwa 40 Leute lang, besteht hauptsächlich aus bestehenden Kunden, mit denen ich gerne wieder arbeiten möchte, und wenn ich nicht wieder mit jemandem arbeiten möchte, setze ich sie einfach nicht auf die Liste und ehrgeizige oder Traumkunden. Ich habe keine Mega-Listen von Hunderten von Art-Directors, an die ich Massen-E-Mails schicke. Dies ist ein Ansatz, der für einige Leute funktioniert und dass einige Leute nehmen, aber es war nie meins. Andere Arten von Promo. Natürlich gibt es andere Arten von Werbeinhalten wie Postkarten, physische Mailer, Merch-Aufkleber, etc., Dankespakete und vieles mehr. Ich habe ein paar Postkartenmailer in meiner Zeit gemacht und ich schicke regelmäßig kleine Packungen mit Postkarten, Aufklebern und manchmal kleinen Originalen an Kunden, mit denen ich bereits gearbeitet habe. Aber ähnlich wie kalte E-Mails das noch nie ein großer Fokus für mich. Die Vorteile des Versands physischer Mailer sind, dass es oft einfacher ist, die Kontaktinformationen für den Art Director zu finden. Sie brauchen nur ihren Namen und die Firmenadresse. Einige Art Directors mögen auch physische Mailer und speichern Postkarten einem sichtbaren Ort in ihrem Studio und nicht in einem Ordner auf ihrem E-Mail-Server. Es macht auch Spaß. Die paar Male, die ich getan habe, habe es wirklich genossen. Es ist ein höherer Balken für die Einreise, also nicht so viele Leute tun es, weil man natürlich bezahlen muss, um die Postkarten machen zu lassen. Wenn Sie sich entscheiden, eine Postkarte zu senden, können Sie Kontaktinformationen finden, die ähnlich wie Sie E-Mails gefunden haben, entweder durch Kaufen von Listen oder durch Googeln. Es gibt viele Orte, an denen Karten gedruckt werden können. Ich habe Vistaprint und MOO benutzt. Persönlich hat MOO eine viel bessere Qualität, aber sie sind ziemlich viel teurer. Vistaprint hat meine Bestellung mehrmals durcheinander gebracht, aber sie sind immer bereit, sie umsonst zu korrigieren. Wenn Sie die Vistaprint-Route gehen, empfehle ich die Wahl eines ihrer höheren End-Papiere, da das wirklich einen Unterschied macht. Wenn es an der Zeit ist, Ihre Postkarte zu erstellen, schlage ich vor, dass Sie ein Schlüsselbild anstatt eine Sammlung von Bildern wählen. Das macht das Bild wirklich viel mehr auffallen, da es der Star der Show ist. Natürlich können Sie immer ein paar verschiedene Postkarten mit verschiedenen Bildern erstellen und mehrere in einem Umschlag an jeden Art Director senden. Ein Ansatz, den Sie berücksichtigen müssen, ist das Senden einer Postkarte und dann eine E-Mail oder umgekehrt. Jetzt für jede Art von Promo, denken Sie daran, dass Sie eine sehr kleine Antwortrate erhalten. Meine Antwortrate ist höher, jetzt, da ich mehr etabliert bin und dass meine Liste viele Leute enthält, mit denen ich gearbeitet habe. Aber als ich das erste Mal anfing, wäre es etwa 5-10 Prozent an einem guten Tag. Wenn ich 30 Personen per E-Mail schicke, wäre ich sehr glücklich, drei Personen antworten zu lassen. Nicht drei Leute geben mir tatsächlich Arbeit, aber drei Leute sagen nur, danke fürs Emailing. Wenn du eine große Menge kalter E-Mails verschickst und es nur Grillen ist, lass dich nicht entmutigen. Nur weil jemand nicht antwortet, heißt das nicht, dass sie Ihre Arbeit nicht mögen oder dass sie nicht mit Ihnen arbeiten wollen. Sie antworten vielleicht nicht, weil sie sehr beschäftigt sind oder weil sie im Moment nicht genau das richtige Projekt haben, oder weil sie denken, dass Ihre Fähigkeiten noch nicht ganz da sind, aber sie sind daran interessiert, Sie im Auge zu behalten. Wenn Sie immer noch mit jemandem arbeiten möchten und Sie nicht per E-Mail gebeten haben, von Ihrer Liste entfernt zu werden, können Sie sie auf dieser Liste behalten und ihnen vierteljährliche Updates senden, auch wenn sie nie antworten. Nun, was für mich in Bezug auf Promo funktioniert hat. Ich hatte Arbeit von Google-Bildsuchen kommen. Das ist wahrscheinlich meine Top-Empfehlung, von Instagram, das ist die nächste, von Tumblr, von Etsy, von Pinterest, von Twitter und von Behance. Direkte Kundenkontakt war noch nie eine große Angst für mich. Ihre Aufgabe für diese Lektion. Ordnung für diese Lektion, wir werden versuchen, die Kontaktinformationen für einen Art Director zu finden , mit dem Sie arbeiten möchten, oder bis zu fünf, wenn Sie sich ehrgeizig fühlen. Befolgen Sie die Schritte, die wir verwendet haben, um darüber zu sprechen, wie man tatsächlich einen Art Director aufspüren kann. Ich werde auch einen Link zu einem YouTube-Video setzen, das ich gemacht habe, dass wirklich geht in die Tiefe und im Detail in die Suche nach Art Director Kontaktinformationen. Dann möchten Sie die E-Mail mit der Vorlage entwerfen, die wir gegangen sind, und wieder, das wird in der Klasse Projekt Abschnitt oder eine Postkarte sein, wenn Sie möchten. Sie können dies in Ihrem Klassenprojekt teilen. Sie müssen die gefundenen Kontaktinformationen nicht teilen. Du hast das getan, das ist dein herzzerreißender. Behalten Sie das alles für sich selbst, aber teilen Sie, wenn Sie möchten, den E-Mail-Entwurf und die Bilder, die Sie an ihn anhängen würden. 8. Lieferung der fertigen Arbeit und Industriestandards: Lektion 7, wie man fertige Arbeit liefert und was Kunden erwarten. Lassen Sie uns darüber sprechen, wie Sie fertige Arbeit liefern können und was Kunden erwarten, wenn Sie dies tun. Nun, wenn Sie Bildende Kunst für nicht-kommerzielle Kunden kreieren, ist das ziemlich einfach. Sie wollen normalerweise nur die tatsächlich abgeschlossene körperliche Arbeit, aber für kommerzielle Kunden ist es ein bisschen komplizierter und es gibt definitiv spezifische Erwartungen, wie die endgültige Arbeit formatiert und geliefert werden sollte. Das erste, was zu beachten ist, ist das Dateiformat. Es gibt mehrere gängige Dateitypen, die von den meisten kommerziellen Illustrationsclients verwendet werden. Wir werden schnell über jeden einzelnen gehen und wofür benutzt wird. ersten Schritt gibt es ein JPG oder JPEG, manchmal wird dies für den Druck verwendet, aber häufiger wird es für Online-Anwendungen verwendet, wenn ein transparenter Hintergrund nicht benötigt wird oder vielleicht zum Teilen grober Entwürfe. Als nächstes ist PNG, dies ist in der Regel nur für Online-oder digitale Anwendungen. Es wird nie wirklich im Druck verwendet, und es wird verwendet, wenn ein transparenter Hintergrund erforderlich ist. TIFF für T-I-F-F, dies wird in der Regel nur für den Druck verwendet und kann einen transparenten Hintergrund haben oder nicht. Es handelt sich um eine Bilddatei mit höherer Qualität als ein JPG. Dann endlich gibt es eine PSD-Datei. Im Allgemeinen werden Photoshop-Dateien verwendet, wenn der Illustrator dem Client eine mehrschichtige Datei zur Verfügung stellt , in der jede Ebene einzeln bearbeitet werden muss. Sie müssen Photoshop dafür nicht verwenden, Sie können einen [unhörbaren] wie Affinity oder Pixelmator verwenden und ihn in eine PSD-Datei exportieren. Das ist es, was ich persönlich mache. Schließlich werde ich SVG und EPS erwähnen. Diese werden normalerweise für Illustratoren verwendet, die im Vektor- und nicht im Raster-Format arbeiten. Natürlich gibt es zum Beispiel andere spezialisierte Dateitypen, die Animationen verwenden. Aber auch dies ist aus der Sicht eines Illustrators, der kommerzielle Illustration arbeitet, daher konzentrieren wir uns hauptsächlich auf Illustrator-spezifische Dateitypen. Als Nächstes ist das Farbprofil. Einige Kunden fordern ein bestimmtes Farbprofil an, zum Beispiel auf dem Bildschirm oder in digitalen Anwendungen, normalerweise benötigen sie eine Form von RGB und drucken in der Regel CMYK. Wenn Sie nun ein digitaler Künstler sind, der von Grund auf arbeitet und fortpflanzt oder Photoshop arbeitet, um Ihre Arbeit zu machen, und Sie erstellen für den Druck, können Sie auf jeden Fall CMYK wählen, wenn Sie Ihre Datei einrichten. Aber wenn Sie wie ich sind und traditionelle Arbeit erstellen und dann einscannen, alle Ihre Scans standardmäßig RGB. Einige Illustratoren bearbeiten gerne das Farbprofil selbst, und das ist völlig in Ordnung, aber ich tue es selten und hier ist der Grund. Übersetzen von RGB in CMYK ist eigentlich eine ganze Fertigkeit für sich selbst, und es gibt so viele verschiedene Versionen von jedem dieser Profile. Viele kommerzielle Kunden werden es vorziehen, dies selbst zu tun , da sie mit professionellen Farbseparatoren arbeiten. Darüber hinaus können Farbprofile und die Art und Weise, wie ein Bild gedruckt wird, je nach Druckprozess und Substrat variieren, also unabhängig von dem Bild und anderen Faktoren. Eine andere Sache, die Sie beachten sollten, ist, dass selbst wenn Sie CMYK auf Ihrem iPad oder Computer arbeiten, Sie immer noch die Farben in RGB sehen. Es ist nur eine Annäherung an das, was CMYK sein würde. Sie können den Kunden immer fragen, was ihre Präferenz ist und dies wird nicht als unprofessionell angesehen werden, oder Sie können ihnen sagen, wie Sie es standardmäßig bereitstellen und fragen, ob das in Ordnung ist. Verschiedene Nischen werden hier auch unterschiedliche Anforderungen haben Wenn Sie also in einer unbekannten Nische arbeiten, ist es wahrscheinlich besser, die Frage zu stellen, nur damit Sie wissen, was der Kunde erwartet. Die dritte Erwartung für die Lieferung mit gewerblichen Kunden ist eine deutliche Kürzung. Wenn Sie einen Ansatz haben, der mir ähnlich ist, bei dem Ihre Arbeit ein Thema ist, das auf weißem Hintergrund isoliert ist, erwarten die meisten Kunden, dass Sie diesen Hintergrund entfernen, bevor Sie Ihre Arbeit bereitstellen. Dies wird manchmal als klares Schneiden oder sauberes Schneiden oder sogar Schichten oder Schichten bezeichnet, was die fertige Scan-Illustration im Wesentlichen eigene freistehende Schicht verwandelt. Dies wird nur ein Problem für traditionelle Medienkünstler sein , die ihre Arbeit scannen und digitalisieren, denn wenn Sie digital arbeiten, können Sie einfach die Hintergrundebene ausschalten. Lassen Sie uns schließlich über die Dateigröße sprechen. Sie möchten sicherstellen, dass die Dateigröße und die Dichte für den Client in seinem Zweck geeignet sind. Es gibt keine Standardgröße, sondern die Dimensionierung basiert auf der Endverwendung. Wenn Sie eine digitale Illustration oder ein Banner erstellen, ist es üblich, die genauen Abmessungen dieser Illustration in Pixeln zu erhalten. Wenn es für ein Druckmagazin ist, können sie Ihnen manchmal grobe Proportionen geben, manchmal geben sie Ihnen exakte Abmessungen in Zoll oder in Zentimetern. Grundsätzlich, wenn der Client eine bestimmte Größe angefordert hat, stellen Sie sicher, dass Sie diese Größe genau liefern. Sie können ein Programm wie Pixelmator oder Affinity verwenden, um eine Leinwand mit genau diesen Abmessungen zu erstellen und dann Ihr Bild, Ihren Scan, direkt in diese Leinwand zu importieren . Was die Dichte angeht: Wenn Ihr Kunde digital ist, möchten Sie etwas im Bereich von 72 bis 150 dpi exportieren, oder wenn es sich um ein Druckmagazin handelt, näher am 350 Bereich, und wenn es sich um Verpackungen oder Werbung handelt, im Allgemeinen Es ist mehr wie 400-600 Bereich, da sie es oft in ein paar verschiedenen Anwendungen verwenden. Wieder einmal können Sie den Kunden fragen, was ihre Erwartungen sind und was sie brauchen, wenn Sie sich nicht sicher sind, und es ist immer besser zu fragen und nie unprofessionell zu fragen. Es gibt keine Aufgabe für diese Lektion. Wir werden nur direkt in unsere nächste Lektion springen und mit Kunden arbeiten. 9. Arbeiten mit Kunden: Willkommen zurück. Hier ist Lektion 8, wie man mit Kunden arbeitet. Ein anderer Name für diese Lektion wäre der Kundenservice für Künstler und kommerzielle Illustratoren. Egal, ob Sie ein Business-to-Customer Künstler oder Business-to-Business-Künstler sind, Sie haben Kunden. Wenn es Business-to-Business, rufen Sie diese Kunden Kunden, und jeder, der Kunden hat, muss ein gewisses Maß an Kundenservice üben. Es ist nichts Kompliziertes oder Verrücktes daran, ich versuche nur fünf Grundprinzipien zu folgen: Nummer 1, Sie wollen freundlich und einfühlsam sein. Dies ist so eine einfache Regel, aber es ist so wichtig und es kann leicht zu vergessen sein, besonders wenn Sie mit kommerziellen Kunden arbeiten. Suchen Sie nach Möglichkeiten, damit sich der Kunde gesehen und verstanden und geschätzt fühlt. Versuchen Sie, die Dinge aus ihrer Perspektive zu sehen, wenn Sie und vor allem, um ihr Projekt und ihre Ziele kümmern können. Machen Sie es zu Ihrer Aufgabe, sich um die Dinge zu kümmern, die ihnen wichtig sind. Nummer 2, Sie wollen im Voraus, direkt und klar sein. Lassen Sie den Kunden wissen, wie der Prozess der Zusammenarbeit mit Ihnen ist. Achten Sie also darauf, klar zu sein, was der Client tatsächlich bekommt, wie lange es dauern wird, bis er es bekommt, was Sie wann beendet haben; also die verschiedenen Phasen des Prozesses und was Sie vom Client benötigen , um dies zu tun. Zu guter Letzt, seien Sie sich über den Preis des Kunden klar. Was wird das kosten? Was ist, wenn wir zusätzliche Extras hinzufügen müssen? Das dritte Prinzip besteht darin, proaktiv und zeitnah zu sein. Suchen Sie nach möglichen Problemstellen und beheben Sie sie, bevor sie entstehen. Manchmal scheint es so, als ob es das Potenzial für Fehlkommunikation oder klebrige Flecken geben könnte , neigen wir dazu, zu scheuen und hoffen, dass sie einfach verschwinden und dass wir nicht mit ihnen umgehen müssen. Das wird dir am Ende nicht dienen. Wenn Sie einen Schluckauf spüren, der mit dem Kunden kommt, versuchen Sie, ihn am Pass abzuschneiden, und seien Sie bereit, sogar auf das Telefon zu springen, wenn nötig. Alle Kunden schätzen die schnelle Kommunikation. Sie möchten auch so schnell wie möglich innerhalb der Vernunft antworten. Natürlich werden Sie nicht um 23:00 Uhr an einem Freitag antworten, aber versuchen Sie nicht, sich schwer zu machen scheinen zu bekommen oder sich zu zwingen, drei Tage zu warten, um einem Kunden zu antworten, damit sie denken, dass Sie wirklich beschäftigt oder wichtig sind. Reagieren Sie einfach einigermaßen schnell. Behandeln Sie den Kunden im Grunde, wie Sie behandelt werden möchten. Das vierte Prinzip besteht darin, demütig und offen für Feedback zu sein. Achten Sie mehr darauf, dem Team dabei zu helfen, das Gesamtziel zu erreichen , als der Star der Show zu sein. Dies gilt insbesondere für Business-to-Business-Künstler. Wenn Sie den Ball fallen lassen oder wenn Sie einen Fehler machen, entschuldigen Sie sich. Wenn Sie kommerzielle Arbeiten erstellen oder Aufträge als bildender Künstler übernehmen möchten, müssen Sie offen sein für Kundenfeedback und die Arbeit auf eine Weise zu ändern, die Ihnen möglicherweise nicht gefällt. Manchmal kommen Sie vorbei, um es am Ende zu mögen, und manchmal werden Sie es nicht. Wenn Sie sich mehr etablieren, werden Sie in der Lage sein, wählerischer über die Art von Arbeit und Projekten zu sein, die Sie übernehmen, und nur auf Arbeit, die gut mit Ihrer Ästhetik ausgerichtet ist. Aber selbst dann wollen Kunden Dinge anders machen als Sie, es ist super üblich. Wenn Sie kein Feedback anmutig nehmen können oder wenn es vollständig den Wind aus Ihren Verkäufen nimmt und es Ihnen unmöglich macht zu arbeiten, dies möglicherweise nicht die Nische für Sie. Das fünfte und letzte Prinzip für einen Kundendienst ist pünktlich zu sein. Legen Sie eine realistische Zeitleiste fest und bleiben Sie daran. Vor allem, wenn Sie gerade erst anfangen, sollten Sie zunächst konservativ in Ihrer Schätzung sein. Also, wenn Sie denken, dass etwas Sie zwei Tage brauchen wird, dann schätzen Sie drei Tage. Wenn Sie aus irgendeinem Grund wissen, dass Sie keine Frist eingehen , die Sie bereits festgelegt haben, informieren Sie den Kunden, sobald Sie wissen, dass Sie nicht warten, bis die Frist näher kommt. Sag ihnen nicht an dem Tag, an dem du ihnen den Auftrag nicht besorgen kannst , dass es spät sein wird. Wenn Sie es am Vortag wissen, sagen Sie es ihnen am Vortag. Diese Art von klarer Kommunikation wird immer von jedem Kunden sehr geschätzt, aber auch wieder, vor allem von Unternehmen und Marken. Ihre Aufgabe für diese Lektion. Das wird ein bisschen anders sein. Wir werden hier eine Reflexions-Übung machen. Stellen Sie sich Ihr ideales Kundenprojekt vor. wem arbeiten Sie zusammen? Was machst du da? Was ist die Aufgabe? Stellen Sie sich vor, dass Sie der Kunde sind. Nachdem Sie das alles artikuliert haben, versuchen Sie es vielleicht aufzuschreiben. Jetzt wirst du dir vorstellen, dass du selbst der Klient bist. Versuchen Sie, sich in ihren Schuhen vorzustellen; Was sind ihre Ziele? Warum haben sie dich als Künstler gewählt? Was sind einige ihrer größten Bedenken oder Unsicherheiten bezüglich der Zusammenarbeit mit Ihnen? Wie können Sie diese proaktiv ansprechen? Wenn Sie sich wohl fühlen, teilen Sie einige Ihrer Gedanken und Reflexionen in der Klasse Projekt Abschnitt. 10. Wie man einen Vertrag zusammenstellt und versteht: Lektion 9, wie man einen Grundvertrag zusammenstellt. Also nähern wir uns dem Ende dieses Kurses, aber bevor wir fertig sind , müssen wir uns mit einer der wichtigsten geschäftlichen Fähigkeiten auseinandersetzen, die ein Künstler haben kann, indem wir Verträge und Vereinbarungen schaffen und verstehen. Natürlich muss ich hier ganz oben sagen, dass ich kein Anwalt oder Anwalt bin. Ich bin nur ein Künstler, der daran gearbeitet hat, Verträge über geistiges Eigentum zu verstehen, was der große Dachschirm ist, unter dem unsere Verträge normalerweise fallen. Aber Sie sollten alles, was ich sage, mit einem Körnchen Salz nehmen und genau wie der Rest dieser Klasse, verwenden Sie es als Startrampe, um mehr zu erfahren. Okay, lass uns gehen. Verträge und Vereinbarungen waren für mich einer der einschüchterndsten Aspekte meiner frühen freischaffenden Karriere. Ich wusste, dass ich eine Vereinbarung oder einen Vertrag haben musste, besonders wenn ich das auf lange Sicht tun würde. Aber sie schienen alle so überwältigend und lang und unverständlich zu sein. Ich habe durch Versuch und Irrtum gelernt, dass es 10 grundlegende Dinge gibt , die ich in jeden Vertrag aufnehmen muss, sei es für eine große Firma, die Illustration für eine nationale Kampagne in Auftrag gibt, oder für eine private individuelle Inbetriebnahme eines Haustier-Porträt für ihre Oma. Diese 10 wichtigsten Dinge sind Nummer 1, die Namen der Parteien, also Sie und der Kunde. Nummer 2, Lieferbestandteile. Die Leistungen sind das, was der Kunde bekommt und das Formular, das er erhalten wird. Dies könnte ein physisches Kunstwerk, ein digitaler Download usw. Sie sollten auch die Dimensionen, den Stil, den Inhalt, im Grunde eine schöne gründliche Beschreibung dessen, was speziell der Kunde bezahlt. Sie wären überrascht, wie viele schmerzhafte Fehlkommunikationen vermieden werden können , indem Sie die Ergebnisse gründlich beschreiben. Nummer 3, Zeitachse und der Prozess, also wann die Arbeit erledigt wird und wie. Sie möchten jede Phase Ihres Prozesses beschreiben und Termine für jede Phase festlegen. Verlassen Sie sich nicht auf den Client, um dies zu tun. Sie möchten auch die Revisionen buchstabieren. Wie oft kann der Kunde nach Änderungen fragen und welche Arten von Änderungen er verlangen kann. Seien Sie hier wieder sehr spezifisch, also sagen Sie es so klar und einfach wie möglich aus, welche Änderungen der Kunde vornehmen kann und in welcher Phase im Projekt. Sie möchten auch erwähnen, was es kostet, wenn der Client zusätzliche Änderungen vornehmen muss. Wenn das passiert, wird es normalerweise auf einer stündlichen Basis gebaut, so dass Sie einfach sagen können, dass diese zusätzliche Gebühr zu Ihrem Standard-Stundensatz berechnet wird , was auch immer Ihr Stundensatz ist. Nummer 5, Sie möchten natürlich Ihren Preis oder Ihre Gebühr angeben , so wie viel das kostet. Stellen Sie sicher, dass Sie angeben, ob es sich um eine Illustration oder ein Bild handelt, und stellen Sie die Gesamtkosten sehr klar und deutlich dar. Eine Zahlungsstruktur, so dass dies eine 25-50 Prozent Anzahlung, Informationen darüber, wie und wann Sie Zahlungen akzeptieren, usw. so, ob Sie Schecks oder Online-Zahlung oder PayPal tun, empfehle ich dringend, eine Anzahlung zu erhalten, wenn Sie können. In einigen Märkten ist es einfach nicht so üblich, zum Beispiel in redaktionellen, aber Sie sollten es immer anfordern. Bei Privatkunden mache ich standardmäßig eine Anzahlung von 50 Prozent und dann eine Abschlusszahlung von 50 Prozent, bevor ich die eigentliche Arbeit verschicke. Als nächstes möchten Sie auch eine Killgebühr einschließen, die ist, wie viel Sie bezahlt werden, wenn das Projekt an verschiedenen Punkten abgesagt wird. Stellen Sie sich also vor, Sie haben auf halbem Wege eine Aquarellillustration durchlaufen und der Kunde hat das Projekt plötzlich abgebrochen, weil er es nicht mehr verwenden muss. Sie müssen geschützt sein und sicherstellen, dass Sie fair für Ihre Arbeit bezahlt werden , auch wenn der Kunde seine Meinung ändert. Sie möchten auch ein Kontingent von Zahlungsklausel haben. Dies besagt, dass das Recht des Kunden, das Werk zu nutzen, davon abhängt, dass er Sie bezahlt. Das wird also wirklich nur bei kommerziellen Kunden benötigt. Als Nächstes sind Nutzungsrechte, wie der Kunde das fertige Werk nutzen darf und wer das Urheberrecht besitzt. Dies mag kontraintuitiv erscheinen, aber Sie sollten diese Klausel sowohl in einer privaten als auch in einer kommerziellen Kommission haben. Dies ist, was den Wert des Clients ausspricht, der erhält. Sei noch einmal spezifisch. Beschreiben Sie genau, wie der Client die Arbeit nutzen kann. Also, wenn sie planen, es auf Handtücher zu legen, sagen Sie nicht einfach Bettwäsche, sagen Sie Handtücher. Geben Sie an, dass jede zusätzliche Nutzung separat ausgehandelt werden muss und zusätzliche Gebühren anfallen können. Als Nächstes ist der Begriff. Der Begriff ist die Zeitspanne, die der Kunde das Werk für den angegebenen Zweck verwenden kann. Dies wird nur für kommerzielle Aufträge benötigt weil es wirklich keine bestimmte Zeitspanne gibt, keinen Begriff, dass eine private Kommission das Haustier-Porträt für ihre Oma an der Wand hängen lassen könnte . Dies variiert also wieder je nach Markt, aber ein Begriff könnte irgendwo von sechs Monaten bis zu einigen Jahren auf unbestimmte Zeit liegen. Natürlich sind dies nur die Grundlagen und Sie können viele andere Dinge in Ihre Vereinbarung aufnehmen. Zusätzlich zu diesen 10 Artikeln verwende ich, wenn ich mit einem kommerziellen Kunden arbeite, wenn ich mit einem kommerziellen Kunden arbeite, eine Vorlage aus dem Fachhandbuch des Grafikkünstlers, das Dinge wie Mediation und eine Schadensersatzklausel abdeckt. Sie können auch Google-Vertragsvorlagen oder Vertragsvorlagen für Illustratoren oder Künstler oder ein eigenes Exemplar des GAG-Handbuchs kaufen. Manchmal wird ein Unternehmen Ihnen einen eigenen Vertrag liefern. Dies ist eigentlich ziemlich üblich, wenn es ein größerer Firmenkunde ist und wenn dies geschieht, lese ich den Vertrag immer mit besonderem Augenmerk auf die oben genannten 10 Dinge, die ich erwähnt habe. Sie können den Kunden auch auffordern, Ihren Vertrag zu unterzeichnen, selbst wenn Sie den Vertrag unterzeichnet haben oder wenn er nicht offen dafür ist, können Sie ihn bitten, seinen Vertrag zu ändern , um die Dinge aufzunehmen, die er möglicherweise nicht aufgenommen wie eine bestimmte Zeitachse oder eine Killgebühr. Also, nur weil ein Unternehmen Ihnen einen Vertrag sendet, bedeutet nicht, dass Sie die Bedingungen akzeptieren und unterschreiben müssen, wie es ist. Änderungen zu fragen ist sehr häufig und ich mache es die ganze Zeit. Zum Beispiel wird es immer häufiger für Unternehmen, eine All-Request-Klausel in ihren Vertrag aufzunehmen. Dies würde im Grunde bedeuten, dass der Kunde Ihre Arbeit in seiner Gesamtheit besitzt und Sie es für nichts anderes jemals verwenden können. Nun gibt es einige Situationen, in denen der Client diesen Breitengrad benötigt. Aber im Allgemeinen, für etwas wie redaktionelles oder Bilderbuch oder Lizenzierung, sie brauchen es nur für eine sehr spezifische Verwendung. Wenn der Kundenvertrag eine „Alle Rechte“ -Klausel enthält und es unangemessen erscheint, empfehle ich Ihnen, zu verhandeln und anzufordern, wenn diese Nutzungsrechte nur auf das beschränkt sind, was der Kunde wirklich braucht. Nun, nur weil der Kunde eine „Alle Rechte“ -Klausel in seinen Vertrag aufgenommen hat, bedeutet das nicht, dass er böswillig ist oder dass er versucht, Sie auszunutzen. Oft sind diese Verträge, sie sind Vertragsform. Sie werden von einer Rechtsabteilung oder vielleicht einem Anwalt zusammengestellt , den sie einmal angestellt haben, um den Vertrag abzuschließen und der versucht, den Vertrag auf eine Weise zu schreiben , die für den Klienten am vorteilhaftesten ist. Es ist also kein Hinweis darauf, dass sie versuchen, auf Sie zu treten oder versuchen, Sie zu nutzen, und als umso mehr Grund, warum es nur ein Formularvertrag war, der von einem Anwalt zusammengestellt wurde, der nicht unbedingt alle branchenspezifischen Feinheiten von Preisgestaltung, umso mehr Grund für Sie, voran zu gehen und bitten, Änderungen daran vorzunehmen. Wenn sie auf allen Rechten bestehen, wenn der Kunde darauf besteht, sollte der Preis erheblich ansteigen. Oder wenn sie gegen einen Preissprung sind, begrenzen Sie die Rechte. Es gibt also keine Notwendigkeit für ein Magazin, das Ihre Illustration einmal drucken wird , um alle Rechte für immer zu besitzen. Wenn Sie einen eigenen Vertrag erstellen, können Sie ein PDF erstellen und es an den Kunden senden, um eine elektronische Signatur zu erhalten, oder Sie können ihn bitten, ihn auszudrucken und zu unterschreiben und an Sie zurückzusenden, oder Sie können einen Dienst wie DocuSign oder HalloSign. Persönlich verwende ich etwas namens Bonsai, um meine Verträge mit der GAG-Vorlage zu erstellen , die ich gerade in sie importiert habe, und es verfolgt auch Signaturen und öffnet für mich. Aber ich benutzte PDFs in den frühen Tagen, weil es einfach und kostenlos ist. Oder Sie haben eine Kombination, bei der Sie den Vertrag des Kunden unterzeichnen , in der Preise, Leistungen und Verwendung detailliert beschrieben werden, aber keine Zeitachse oder Informationen zu Revisionen enthält. Sie könnten dann die Details dieser Dinge im Textkörper einer E-Mail aushämmern. Grundsätzlich ist es wichtig, sich über Verträge und Vereinbarungen zu erinnern , dass Sie eine klare schriftliche Aufzeichnung darüber benötigen , was Sie und der Kunde in Bezug auf das Projekt vereinbart haben. Ihre Aufgabe für diese Lektion besteht darin, sich mit der Erstellung eines eigenen Vertrags oder einer eigenen Vereinbarung vertraut zu machen, indem Sie eine Vertragsvorlage erstellen, die Sie später verwenden können. Also tun einige Forschung, Google-Vertragsvorlage für Illustratoren, Beispielvertrag für Freiberufler, lesen Sie mehrere dieser Vorlagen, und Google alle Begriffe, die Sie nicht verstehen, versuchen Sie, vertraut mit der Sprache. Dann möchten Sie ein oder zwei Vorlagen auswählen und sie mit den 10 wichtigsten Dingen betrachten , über die wir im Auge gesprochen haben. Sind alle 10 da? Sehen sie anders aus? Müssen sie hinzugefügt oder geändert werden? Gibt es in diesem Vertrag zusätzliche Dinge, die nicht speziell für Sie relevant sind? Wenn ja, können Sie sie einfach löschen oder durch etwas ersetzen, das ist. Natürlich können Sie immer mit einem Rechtsanwalt für geistiges Eigentum arbeiten oder juristische Hilfe für Künstler suchen , wenn Sie sich mit diesem Aspekt des Jobs wirklich unwohl fühlen. Sie können jemanden einen Formularvertrag für Sie zusammenstellen lassen. Wenn Sie sich jemals in einer Situation befinden, in der die Einsätze sehr hoch sind, also ein wirklich großes Projekt, das Sie ein Jahr oder mehr brauchen wird, um zu arbeiten, Kinderbuch Illustration ist ein gutes Beispiel dafür, Sie könnten erwägen, tun dass unabhängig davon, auf der Suche nach Hilfe, entweder ein Agent oder ein Anwalt, der einige der rechtlichen Aspekte der es für Sie navigieren kann. Aber ich ermutige Sie dringend, sich mit Verträgen und juristischen Grundsprachen im Zusammenhang mit Kunst vertraut zu machen, vor allem, wenn Sie eine Karriere im kommerziellen Bereich anstreben. Auch wenn Sie mit einem Anwalt für einige davon arbeiten, ist es immer noch in Ihrem Interesse, es zu verstehen, und obwohl es ein bisschen langweilig ist, wird es Ihnen auf lange Sicht sehr gut dienen. 11. Rechnungen und Grundlegendes zu Finanzen: Lektion 10, wie man grundlegende Finanzen verwaltet. Wir sind auf der letzten zehnten Business-Fähigkeit, bezahlt zu werden und mit Geld umzugehen. Erster Schritt, ein letzter Haftungsausschluss. Ihr wisst schon, dass ich kein Anwalt bin. Aber nur für den Fall, dass es irgendwelche Zweifel gibt, bin ich auch kein CPA oder Finanzprofi. Ich bin nur ein Künstler, der gelernt hat, einige dieser Dinge zu verstehen und ist hier, um sie hoffentlich ein wenig für Sie entmystifizieren. Lassen Sie uns jedoch in unser erstes Thema eintauchen. Erstellen und Versenden von Rechnungen. Ähnlich wie bei Verträgen können Sie Rechnungen ganz einfach mit einem PDF oder mit einem Programm wie Bonsai oder FreshBooks erstellen. Ich fing mit dem PDF-Modell an, genau wie ich es mit dem Vertrag getan habe und ging in Richtung Bonsai, sobald es zu schwer wurde, den Überblick zu behalten, welche Kunden bezahlt hatten und welche nicht. Das war hilfreich, aber natürlich ist der Nachteil, dass Bonsai Geld kostet. Aus diesem Grund, wenn Sie gerade erst anfangen und Sie nur ein paar Kundenprojekte haben oder ab und zu eines haben, würde ich die PDF-Route zunächst unbedingt empfehlen. Einige hilfreiche Hinweise zum Zusammenstellen in Stimmen. Sie möchten viele der gleichen Informationen enthalten, die im Vertrag waren, und zumindest diese vier Dinge. Nummer 1, Ihre Kontaktdaten und die Kontaktdaten des Kunden. Nummer 2, das Ausstellungsdatum und die Rechnungsnummer. Haben Sie die oben auf der Rechnung, wenn möglich. Wenn Sie den Kunden kontaktieren müssen, um ihn an die Rechnung zu erinnern, ist es viel professioneller, auf die Rechnungsnummer und das Datum zu verweisen , anstatt nur zu sagen: „Hey, denken Sie daran, was ich Sie gebeten habe, mir das einmal zu bezahlen.“ Ein prominentes Fälligkeitsdatum an die Spitze der Rechnung zu setzen ist auch gut, das ist Nummer 3. Ich schlage vor, ein netto 30 Tage, was bedeutet, dass Sie bezahlt werden oder dass sie brauchen, um Sie 30 Tage nach dem Datum der Ausstellung zu zahlen. Wenn Sie am 1. Juni senden, wird es am 30. Juni fällig sein, und dass 30 oder net 45 ist Standard für die meisten kommerziellen Kunden. Aber wenn Sie private Provisionen machen, ist es Standard, entweder 100 Prozent im Voraus zu haben, wenn die Rechnung vor Beginn der Arbeit eingeht , oder 50 Prozent im Voraus und 50 Prozent am Ende des Projekts. Nummer 4 ist eine Beschreibung dessen, was tatsächlich in dieser Rechnung abgedeckt ist. Dies ist besonders wichtig, wenn Sie mehrere Male oder in einem mehrphasigen Projekt mit einem Kunden arbeiten . Sie möchten es super klar machen, was wann bezahlt wurde, um Bedenken mit doppelter Abrechnung zu vermeiden. Dann betitelst du die Datei mit der Rechnungsnummer und mit deinem Namen. Wann soll man eine Stimme senden? Sie möchten eine Rechnung für eine Anzahlung senden, sobald der Vertrag unterzeichnet wurde, bevor Sie tatsächlich mit der Arbeit beginnen, und dann möchten Sie die Rechnung für die endgültige Einzahlung senden , sobald der Kunde die endgültige Arbeit unterzeichnet hat. Wann soll ich auf einer Rechnung nachgehen? Ich möchte eine Woche vor Fälligkeit der Rechnung eine Erinnerung senden. Bonsai macht das automatisch für mich, was super nett ist. Wenn die Rechnung nicht bis zum Fälligkeitsdatum bezahlt wird, warte ich normalerweise 3-5 Werktage und schicke dann eine weitere Erinnerung. Dieses Mal ist es persönlich geschrieben. Nächster Schritt, die Finanzen zu verfolgen. Ich bekomme die ganze Zeit Fragen dazu und es scheint etwas zu sein , worüber viele Leute wirklich nervös werden. Wir werden es einfach halten und über meinen Nummer 1 Tipp sprechen, um Ihre Geschäftsfinanzen zu verfolgen, und das ist, ein separates Konto und Debitkarte für Ihr Unternehmen zu haben. Dies kann wirklich hilfreich sein und kann die Verfolgung von Einnahmen und Ausgaben vereinfachen. Es ist eine All-in-One-Referenz, die nicht nur zur Steuerzeit, sondern das ganze Jahr über super nützlich ist , damit Sie Muster sehen und Ihre Geschäftsfinanzen auf dem Laufenden halten können. Ich habe ein separates Konto und jedes Mal, wenn ich bezahlt werde, sei es von einem Kunden, von einem Online-Verkauf von Skillshare, geht alles an den gleichen Ort. Ich benutze auch das Konto für alle meine Geschäftsausgaben wie Web-Hosting, Studio, Miete, zahlende Subunternehmer, etc. , dass man diese Trennung nicht vom Get-go haben muss, zumindest nicht in den USA. Vor allem, wenn Sie nur ein paar Kunden hier und da abholen, ist es Ordnung zu warten, um diesen Schritt zu unternehmen, um tatsächlich ein separates Konto zu erstellen. Die wichtigste Sache ist, dass Sie in der Lage sein wollen, zu verfolgen, wie viel Sie in die Kosten gebracht haben und wie viel Sie bezahlt haben. Sie können dies am Anfang tun, auch wenn Sie Ihre Finanzen nicht getrennt haben. Aber sobald Sie anfangen, konsistentere Arbeit zu bekommen, empfehle ich, ein separates Konto zu erhalten. Ansonsten kann es leicht sein, Dinge zu verpassen und Fehler zu machen. Zu guter Letzt Steuern. Was ich sagen werde, ist wirklich nur für US-Bürger anwendbar, und ich werde hier nicht auf eine Menge Details eingehen, weil ich, wie ich bereits erwähnt habe, kein CPA oder Steuerexperte bin. Hoffentlich kann ich Ihnen nur einen breiten Überblick geben und ein gutes Gefühl dafür geben, wo Sie vielleicht mehr erfahren müssen. Zunächst einmal, die Grundlagen, jedes selbständige Einkommen wird anders besteuert als das Arbeitseinkommen. diesem Grund wird das Beiseite von Geld für Steuern super wichtig. Andernfalls können Sie mit einer großen beängstigenden Rechnung enden, wenn es Steuerzeit ist und nicht genug Bargeld zur Hand, um es zu bezahlen. Persönlich habe ich jedes Mal, wenn ich von einem Kundenprojekt bezahlt werde, 20-30 Prozent auf einem Steuersparkonto beiseite gelegt. Dies ist eine Herausforderung zu tun, aber die Art und Weise, wie ich es betrachte, ist, wenn ich ein normaler Angestellter wäre, würde ich nie sehen, dass Geld in meinem Gehaltsscheck sowieso, es wird einfach automatisch herausgenommen werden. Ich versuche es auf die gleiche Weise zu behandeln. Ich halte in meinem eigenen Namen zurück, das ist ein weiterer Grund, ein separates Bankkonto zu haben, ist hilfreich. Wenn eine Einzahlung eingeht, nehme ich zuerst die Steuern heraus und überweise dann einen festgelegten Betrag auf ein persönliches Konto für mein Gehalt. Der Aufenthalt organisiert im Januar. Im Januar, sobald es Steuerzeit ist, erhalten Sie 1099 statt W-2s. Als Freiberufler werden Sie wahrscheinlich mehrere verschiedene 1099 haben. diesem Grund ist es sehr hilfreich, eine Datei sowohl eine digitale als auch eine physische Datei zum Speichern von 1099 zu haben , wenn sie hereinkommen. Ich werde wirklich nicht näher auf das Thema Steuern eingehen weil ich kein Experte bin und Schwellenwerte und Regeln sich ständig ändern. Um Fragen zu beantworten, wie viel muss ich vom Freiberufler machen, bevor ich Steuern zahlen muss? Es ist am besten, etwas zu googeln, damit Sie selbst ein grundlegendes Verständnis bekommen können. Am wichtigsten ist, dass es in Ordnung ist, um Hilfe von einem tatsächlichen Steuerexperten zu bitten und mit einem Profi zu arbeiten, wenn Sie müssen. diesem Zusammenhang werde ich offenlegen, dass mein Partner mit Zahlen großartig ist und TurboTax verwendet. Ich gebe ihm alle meine Ausgaben und Berichte und 1099 und er kümmert sich darum. Aber wenn das nicht der Fall wäre, würde ich 100 Prozent definitiv einen Profi bezahlen, um es für mich zu tun weil es nicht mein Ding ist und es keine Schande ist, das zuzugeben. Ich werde einige Links zu hilfreichen steuerlichen [unhörbaren] Freiberuflern im Ressourcenbereich setzen. Ihre Aufgabe für diese Lektion besteht darin, sich mit der Erstellung eigener Rechnungen vertraut zu machen, indem Sie eine Rechnungsvorlage erstellen, die Sie später verwenden können. Wieder, genau wie Sie mit den Verträgen, tun Sie einige Recherchen, versuchen Sie Rechnungsvorlage für Illustratoren oder Beispielrechnung für Freiberufler. Lesen Sie einige dieser Vorlagen und Google alle Begriffe, die Sie nicht verstehen, um sich mit der Sprache vertraut zu machen. Wählen Sie dann eine Vorlage aus, die als Ausgangspunkt verwendet werden soll, und fügen Sie diese vier grundlegenden Komponenten hinzu, über die wir gesprochen haben, hinzu oder ändern Sie sie. Die Kontaktinformationen, das Datum und die Rechnungsnummer, das Fälligkeitsdatum und die Beschreibung dessen, was erstellt wird. Manche Leute mögen es, ein bisschen Phantasie mit der Gestaltung ihrer Rechnung zu bekommen , und es ist sicherlich in Ordnung, dies zu tun. Aber insgesamt empfehle ich, dass Sie es klar, einfach und leicht zu verstehen. Wenn Sie möchten, können Sie dann ein Bild Ihrer ausgefüllten Rechnungsvorlage in Ihren Klassenprojektabschnitt hochladen . 12. BONUS-Kurseinheit – Bildbearbeitung: Bonusstunde, wie zu fotografieren und zu scannen Arbeit. Für diese Bonusstunde konzentrieren wir uns auf eine der grundlegendsten und praktischsten Fähigkeiten, die Künstler haben können, um Bilder ihrer Arbeit zu erfassen. Ich habe darüber diskutiert, ob ich diese Lektion in die Klasse aufnehmen wollte, weil es sich nicht wirklich um eine rein geschäftliche Lektion handelt. Aber für viele Leute, wenn sie den Sprung machen, um nur Arbeit als Hobby zu schaffen oder Arbeit als Anfänger zu schaffen und in einen beruflichen Profi übergehen wollen, die Sache, die ihnen im Weg steht, qualitativ hochwertige Bilder ihrer Arbeit. Was ist das eigentliche Hindernis für sie teilen qualitativ hochwertige Bilder ihrer Arbeit ist die Herstellung von qualitativ hochwertigen Bildern. Also für mich, obwohl dies nicht geschäftlich im gleichen Sinne wie Marketing oder Finanzen ist, ist es wirklich eine Fähigkeit, die ziemlich wichtig für Ihren Geschäftserfolg als Künstler ist. werden wir heute eintauchen. Nun, einige Künstler, vor allem Fotografen, mögen diese Dinge in der Kunstschule gelernt haben, aber viele traditionelle Medienkünstler, ich selbst eingeschlossen, taten es nicht. Wenn Sie ein Fotograf sind oder wenn Sie sich bereits sehr kompetent fühlen, Bilder Ihrer Arbeit aufzunehmen, können Sie diese Lektion wahrscheinlich einfach überspringen, es sei denn, Sie möchten mehr über Scanner erfahren. Wir werden die beiden wichtigsten Möglichkeiten der Erfassung von Bildern Ihrer Arbeit für Präsentation, Fotografie und Scannen angehen . Erster Schritt, die Grundlagen des Fotografierens Ihrer Kunst für die Show oder für die Präsentation, nicht für die Reproduktion. Nummer eins, Sie wollen in natürlichem, indirektem Licht schießen. Das bedeutet, dass Sie eine gut beleuchtete Umgebung wünschen, aber Sie wollen das Licht nicht direkt auf Ihre Kunst. Sie können dies auf ein paar verschiedene Arten erreichen. Sie können draußen im Schatten sein, das ist wirklich ideal, oder Sie können drinnen in einem gut beleuchteten Raum mit mindestens zwei Fenstern oder drinnen mit Beleuchtungsgeräten sein. Sie möchten auch aus einer Vielzahl von Blickwinkeln schießen. Natürlich wollen Sie einen schönen Head-on Shot, der das ganze Bild zeigt. Sie können ein Raster auf Ihrer Kamera verwenden, oder sogar Ihr iPhone wird dies haben, um sicherzustellen, dass Sie tatsächlich direkt vorne sind, nicht aus einem Winkel schießen, und Sie möchten versuchen, zurückstehen, um Bildverzerrungen zu vermeiden. Dann versuchen Sie, von der Seite und aus der Nähe zu schießen. Die Aufnahme von der Seite zeigt Textur und Dimension in Ihrer Arbeit, was besonders wichtig ist, wenn die Arbeit auf Leinwand oder Panel ist oder eine Art Dimension hat. Sie möchten auch den Maßstab anzeigen. Schießen Sie neben einer Requisite oder einer Staffelei oder lassen Sie die Arbeit von einem Modell halten. Nun, Tipp Nummer drei, das ist einfach und es ist nur, um die beste Kamera zu verwenden, die Sie haben. Dies muss nicht unbedingt eine DSLR sein. Es kann ein iPhone oder ein Smartphone sein, aber wenn Sie eine bessere Kamera haben, verwenden Sie es auf jeden Fall. Natürlich möchten Sie auch ein Stativ verwenden, wenn Sie eines haben. Wenn Sie beim Fotografieren stabil sind, wird das Bild detaillierter und wird gestochen scharfer aussehen. Dies kann auch bei der Zentrierung helfen und sicherstellen , dass Sie eine dieser Bildverzerrungen vermeiden. Wenn Sie kein Stativ haben, können Sie versuchen, die Aufnahmen einzurichten, und Sie können Ihren Arm auf einem Möbelstück oder einer Wand Sobald Sie ein Foto haben, bearbeiten Sie es mit einer einfachen Foto-App wie iPhoto. Sie werden sicherlich den Weißabgleich und die Belichtung optimieren wollen, besonders wenn sich die Kunst auf einem weißen Hintergrund befindet oder viele helle Farben darauf hat. Sie möchten auch die Sättigung optimieren. Ihr Ziel sollte es sein, es so wie möglich wie die reale Sache aussehen zu lassen. Stellen Sie wieder sicher, dass, wenn Sie Bilder auf diese Weise aufnehmen, dies ist für Präsentationen, also für die Aufnahme auf Ihrer Website, oder um es in eine Galerie oder auf Ihr Instagram zu senden. Aber das, Sie würden nicht in der Lage sein, Bilder zu machen Reproduktionen mit dieser Methode zu machen, Sie werden eine andere Kamera, viel schönere Ausrüstung, all das brauchen . Bevor wir mit dem Scannen fortfahren, eine kurze Notiz zum Erstellen von Kunstdrucken aus Fotos. Wenn Sie Ihre Arbeit fotografieren möchten, um Reproduktionen zu erstellen, benötigen Sie eine sehr gute Kamera, ein Pro-Licht-Setup und ein Stativ. Aus diesem Grund kann es besser sein, mit einem professionellen Fotografen zu arbeiten oder wenn möglich einen Scanner zu verwenden. Ok. Weiter zum Scannen. Die Grundlagen für das Scannen Ihrer Kunst, entweder für Show oder für Reproduktion. Wir könnten eine ganze Klasse damit verbringen, über Scanner zu gehen und wie sie funktionieren. Aber wir werden versuchen, uns heute auf die wesentlichen Grundlagen zu konzentrieren die Sie bei der Auswahl und Bedienung eines Scanners achten müssen. Wenn Sie Bildmaterial scannen, möchten Sie versuchen, einen eigenständigen Flachbettscanner auszuwählen. Möglicherweise können Sie die Scanqualität, die Sie benötigen, von einem kombinierten Druckerscanner erhalten, aber die Oberfläche der Scanplatte ist oft viel kleiner, so dass es schwierig sein kann. Wenn Sie einen Scanner auswählen, sehen Sie viele Messungen und Zahlen in der Beschreibung. hier sind zwei, auf die Sie unbedingt achten sollten, und sie sind sehr einfache nicht-technische Laienmenschen Erklärungen: Optische Auflösung. ODER ist, wie viel Detail der Scanner tatsächlich in der Lage ist, pro Zoll zu erfassen. Mehr ist besser, eine höhere optische Auflösung ist besser. Mein Scanner hat ein OR von 6400 DPI, aber Sie sollten nach etwas mit einem OR von mindestens 1200 suchen. Nummer zwei ist Farbtiefe. Die Menge der Informationen, die in jedem Pixel erfasst werden, ob es 32, 36, 42 und 48 Bit, dies sind alle ziemlich häufige Messungen hier. Suchen Sie nach höheren, wieder, 42 oder 48 Bit, wenn möglich. Überprüfen Sie den Abschnitt „Klassenprojekte und Ressourcen“ für meine Scannerempfehlungen. Ich würde sagen, Epson Perfektion V600 auf dem High-End. Dies ist ein Scanner, den ich benutze. Es retails für etwa 220 und die Epson Perfektion B39 am unteren Ende, die für 100. Ok. So weiter, um Ihren Scanner tatsächlich zu benutzen. Sobald Sie Ihren Scanner haben, laden Sie den Scannertreiber herunter, d. h. die Software, die es Ihrem Computer ermöglicht, mit dem Scanner zu sprechen. Wenn Sie es einschalten, bedienen Sie es. Stellen Sie sicher, dass Sie zuerst den Pro- oder Manuell-Modus aus dem Treibermenü auswählen. Je nach ausgewähltem Scanner stehen beim Öffnen des Treibers mehrere Optionen für den Scanmodus zur Verfügung, ähnlich wie bei der Verwendung einer Kamera. Im Allgemeinen gibt es einen Auto-Modus und einen teilweise Auto-Modus und den manuellen Modus. In meinem Fahrer wird der manuelle Modus professionell genannt. Sie möchten so ziemlich immer den manuellen Modus wählen , dass die Auto-Einstellungen ausgeschaltet sind. Viele dieser automatischen Einstellungen sind für Fotos, Dokumente oder sogar Negative. Sie möchten, dass der unbearbeitete Scan mit funktioniert. Deaktivieren Sie innerhalb der Werbeaktion alle Anpassungen. Früher habe ich Zeit damit verbracht, die Einstellungen bei jedem Scan gezielt zu optimieren , damit das Bild genau so aussieht, wie ich es will. Aber im Allgemeinen jetzt, es sei denn, ich scanne ein besonders lästiges Stück, normalerweise ist eins ganz gelb oder hat viele sehr helle Farben, ich wähle den professionellen manuellen Modus und schalte einfach jede dieser Modifikationen, Einstellungen inklusive automatischer Belichtung. Ich mache das, weil ich es vorziehe, den Scan selbst in einem Fotobearbeitungsprogramm zu bearbeiten. Ich finde, dass es letztlich Zeit spart und mir am Ende die gleichen Ergebnisse bringt. Sie möchten auch Foto als Scan-Einstellung wählen und es auf 48 Bit oder die höchste Option einstellen , dass Sie so viele Farbinformationen wie möglich erfassen müssen. Dann möchten Sie Ihre DPI auswählen. Ich scanne so ziemlich immer im 350 bis 700 DPI-Bereich, und das sollte für die meisten Kunstanwendungen ausreichen. Sie können natürlich höher scannen, aber die Dateien werden enorm sein und werden wirklich langsam zu bearbeiten sein. Sie sollten letztendlich Ihre DPI basierend auf der Endverwendung auswählen. Zum Beispiel, wenn ich eine vier mal sechs Illustration scanne , die in einer Zeitschrift gedruckt würde. Ich werde es einfach mit 350 DPI scannen. Aber wenn ich eine vier mal sechs Illustration scanne die für Verpackungen und Werbung verwendet wird, gehe ich in den 600 bis 700 DPI-Bereich, da dieser Client wahrscheinlich die Illustration vergrößern und verwenden möchte und andere Anwendungen. In beiden Szenarien werde ich auch eine Version mit niedrigerer Auflösung für mein Portfolio und für die Online-Nutzung exportieren . Beachten Sie, dass Sie die Größe der Datei zu einem späteren Zeitpunkt immer nach unten ändern können, aber Sie können sie nicht vergrößern, ohne erneut zu scannen. Scannen Sie im Zweifelsfall mit einer höheren Auflösung. Sobald Sie Ihren Scan abgeschlossen haben, müssen Sie ihn bearbeiten. Du brauchst etwas mit etwas mehr Umph als iPhoto. Ich empfehle, Pixel Meter oder Affinity Photo zu verwenden. Sie können natürlich Photoshop verwenden, aber es ist ein ziemlich schwerer Hitter und wenn Sie es nur ein wenig Post-Scan-Bearbeitung verwenden , brauchen Sie es wirklich nicht und Sie können die Kosten leicht vermeiden. Sie können die gleichen hochwertigen professionellen Dateien aus Pixel Meter oder Affinität exportieren und ich persönlich nie Photoshop verwenden. Meine Ziele bei der Bearbeitung eines Scans sind in der Regel dass er so ähnlich wie das Original wie möglich aussieht. Dies bedeutet in der Regel, den Tonbereich mit dem Kurvenwerkzeug anzupassen und manchmal auch Sättigungs- und Belichtungseinstellungen vorzunehmen. Es gibt keine universelle Empfehlung oder Einstellung hier, da jeder Geschmack und Stil und mittlere und tatsächliche Kunstwerke anders ist. Sie müssen nur herumlaufen und herausfinden, was Sie in Bezug auf die Einstellungen und was Ihre visuellen Ziele sind. Da meine Arbeit in der Regel isolierte Themen ohne Hintergrund ist, ist es auch sehr wichtig, den leeren Raum um die Illustration herum zu entfernen , so dass Sie mit einem transparenten Hintergrund bleiben. Wir haben darüber früher in dem Abschnitt gesprochen, in dem wir über die Erwartungen der Kunden in Bezug auf die Auslieferung der Arbeit gesprochen haben. Dies macht das Entfernen des Hintergrunds hier die Reproduktion wie das Erstellen von Drucken und Zusammenführen viel einfacher, und es wird auch weniger Tinte verwenden, wenn Sie die Scans verwenden, um Kunstdrucke zu erstellen. Natürlich, wenn Sie beabsichtigen, mit diesen kommerziellen Kunden zu arbeiten, werden sie so ziemlich alle wollen und erwarten, dass die endgültige Datei den Hintergrund entfernt hat. Also möchten Sie Ihre Arbeit auf diese Weise formatiert zeigen, auch wenn Sie sie nur in sozialen Medien oder Ihrer Website teilen, auch wenn es nur für ein Portfolio und nicht für einen Kunden gemacht wurde. Jetzt habe ich bereits eine ganze Klasse gemacht, um Hintergründe aus Ihrer Arbeit zu entfernen. Wir werden jetzt nicht viel detaillierter als das gehen, aber ich werde die Klasse im Materialabschnitt verknüpfen. Wenn Ihre Arbeit Hintergründe hat, z. B. wenn Sie ein Hintergrundkünstler sind oder wenn Sie vollständig gerenderte Szenenbilder erstellen, würden Sie den Hintergrund nicht entfernen. Sie würden nur alle unordentlichen Kanten zuschneiden, um ein schönes sauberes Bild zu erstellen. Bevor wir abschließen, ein kurzer Chat darüber, wer eine Kamera verwenden sollte und wer einen Scanner verwenden sollte. Sehr breit, ein Künstler, dessen Arbeit viel Textur hat, wie in der Arbeit selbst ein bisschen 3D ist oder der auf großdimensionalen Oberflächen wie Leinwände oder Paneele malt, wird öfter eine Kamera verwenden müssen, weil es einfach schön sein wird schwierig zu bekommen, dass die Arbeit flach auf einem Scanner-Bett lag, ein Künstler, der auf Papier oder vielleicht auf wirklich kleinen Platten malt und hat eine subtilere Textur könnte in beiden Richtungen gehen. Ein Künstler, der Drucke aus seiner Arbeit machen oder mit kommerziellen Kunden, Editorial, Kinderbuch usw. arbeiten möchte , benötigt einen Scanner. Das ist eine Art unverzichtbares Business-Tool. Ihre Aufgabe für diese Lektion besteht also darin, ein Bild Ihrer Arbeit zu erfassen , zu bearbeiten und zu teilen. Sie können entweder eine Kamera oder einen Scanner verwenden, das Bild entsprechend der Endverwendung bearbeiten. Wenn Sie das Foto in Ihrem Etsy-Shop verwenden möchten, bedenken Sie, dass, wenn Sie ein Foto machen und inszenieren es so. Wenn Sie den Scan als Teil Ihres Oberflächenmusterportfolios verwenden möchten, sollten Sie dies ebenfalls beachten. Sie uns also Ihre beabsichtigte Verwendung mit, wenn Sie das Bild in Ihrem Klassenprojekt teilen. 13. Fragerunde: Lektion 12: Lightining-Runde oder Fehlerbehebung. Wenn Sie noch keine Geschäftsgespräche satt haben, lassen Sie uns ein paar zusätzliche Fragen oder Schluckauf anpacken , die für neue kreative Geschäftseigentümer kommen können. Was ist mit NDAs? Ein NDA ist eine Geheimhaltungsvereinbarung. Es ist im Grunde, dass Sie versprechen, nicht über das Projekt des Kunden zu sprechen , bis sie sagen, dass es okay ist, dies zu tun. Es ist sehr üblich, eine NDA zu unterzeichnen, bevor Sie einen Job angeboten werden, bevor Sie sogar einen Preis zitieren, vor allem bei einer größeren Marke oder einem prominenteren Kunden. Es ist nichts Schattiges daran. Ich habe eine Datei voller NDAs für wirklich coole Jobs, die nicht am Ende schwenken. Normalerweise, wenn Sie am Ende den Gig landen, sobald die Arbeit öffentlich ist, werden Sie in der Lage sein, darüber zu sprechen. Vergewissern Sie sich, dass Sie es wie bei jeder Rechtsform durchlesen , nur um zu verstehen, was Sie unterschreiben. Aber es gibt kein Problem mit der Unterzeichnung von NDAs und es gibt nichts Unheimliches daran ein Kunde Sie bittet, einen zu unterschreiben, bevor Sie zugestimmt haben, den Job zu erledigen. Was ist mit der Arbeit für die Miete? Arbeit für die Miete ist ein Begriff, den Sie in einigen kreativen Verträgen sehen. Grundsätzlich bedeutet es, dass alles, was Sie für den Kunden machen , vollständig von ihnen gehört, sobald es gemacht wird, ähnlich wie alle Rechte. Aber das ist umso umfangreicher, da Sie nicht einmal die Autorschaft der Arbeit besitzen , die im Rahmen eines Arbeits-Mietvertrages gemacht wurde. Ich empfehle, Arbeiten für Mietvereinbarungen um jeden Preis zu vermeiden , außer in sehr bestimmten Umständen, in denen es mehr Standard ist. Beispiel: Arbeiten in einer Animation an einer vorhandenen Eigenschaft. Was ist mit verspäteten Zahlungen? Es ist unvermeidlich, dass Sie irgendwann einen Kunden treffen werden , der sehr spät bei der Zahlung seiner Rechnung ist. Ein wenig spät, 1-2 Wochen über ist in meiner Erfahrung super üblich, und das Senden einer höflichen Erinnerung ist etwas, das Sie bequem tun müssen. Aber es gibt sicherlich Kunden, die, sei es durch Vergesslichkeit oder etwas Vorsätzlicheres, Weg, weit über die Frist hinausgehen. Wie bei vielen Dingen ist Prävention die beste Medizin. Hier sind drei Möglichkeiten, verspätete Zahlungen zu verhindern. Nummer eins 1 ist, eine verspätete Gebühr in Ihren Vertrag aufzunehmen, meine beträgt 1,5 Prozent. Dieser beginnt, sobald die Rechnung verspätet ist. Nummer 2 ist ein Kontingent von Zahlungsklausel enthalten. Schreiben Sie es in Ihren Vertrag, dass der Kunde kein Recht hat , die Arbeit zu nutzen, bis er Sie bezahlt hat. Nummer 3 ist es, im Voraus bezahlt zu werden oder bevor Sie das Finale ausliefern. Wenn Sie für einen wirklich kleinen oder unbekannten Kunden arbeiten, ist es am besten, im Voraus bezahlt zu werden, besonders wenn Sie ein lustiges Gefühl haben. Wenn es ein größerer kommerzieller Kunde ist, mindestens 50 Prozent im Voraus und 50 Prozent vor der Übergabe der Arbeit zu bekommen gute Idee,mindestens 50 Prozent im Voraus und 50 Prozent vor der Übergabe der Arbeit zu bekommen, aber es ist nicht immer möglich. Nehmen wir an, dass das Unausweichliche endlich passiert ist und Sie Ihre erste überfällige Rechnung hatten. Hier sind vier Möglichkeiten, damit umzugehen. Nummer 1, senden Sie wöchentliche Erinnerungen, sobald die Rechnung überfällig ist. Nummer 2, erzwingen Sie die verspätete Gebühr, wenn es mehr als eine Woche überfällig ist, und sicherlich, wenn ein Kunde vorher verspätet war, lasse ich sie höflich wissen, dass ich die verspätete Gebühr, die wir in unserem Vertrag vereinbart haben, durchsetzen werde. Nummer 3 ist, um das Telefon zu holen. Es ist beängstigend, aber manchmal muss man tatsächlich das Telefon abholen und mit einem Menschen sprechen, um die Rechnung bezahlt zu bekommen. Nummer 4 Dies ist etwas, um in der Gesäßtasche mehr als ein letzter Ausweg zu halten, und das ist, um die Nahrungskette zu erreichen. Der schlimmste Fall der verspäteten Zahlung, die ich je hatte, war die Arbeit für eine nationale Non-Profit, sie waren so etwas wie acht Monate nach fällig und hatte meine vielen E-Mails und Telefonate ignoriert, und schließlich aus Verzweiflung, ich recherchierte die Vorstandsmitglieder und schickte jeden einzeln per E-Mail, und ich wurde innerhalb einer Woche bezahlt. Bewegen Sie sich weiter. Eine andere häufige Frage ist, sollte ich eine LLC bilden? Das hängt davon ab. Ich persönlich habe keine LLC gebildet , weil es finanziell noch keinen Sinn gemacht hat. Es gibt viele Berichtslasten und mehr Papierkram, und die Steuerstruktur ist komplizierter als für Einzelinhaber. Für Künstler und Illustratoren gibt es keinen Grund zu fühlen, als müssten Sie eine LLC gründen, bevor Sie mit der Arbeit beginnen können. Sie können es immer auf der Straße tun, wenn es Sinn macht. Grundsätzlich hängt es wirklich von Ihren Umständen ab. Soll ich eine Geschäftsversicherung abschließen? Da ich mich dafür entschieden habe, noch keine LLC zu gründen, ich ein separates Studio hatte, in das Leute kommen und besuchen konnten, fühlte ich es wichtig, eine Geschäftsversicherung zu bekommen, sowohl um meine Ausrüstung zu gewährleisten, aber auch aus Haftungsgründen. Für den Fall, dass jemand über eine Malerschnur stolperte und verletzt wird, zum Beispiel. Wenn Sie ein Home-Studio haben, können Sie immer noch eine Geschäftsversicherung abschließen, um Ihre Ausrüstung zu decken. Wie die LLC-Frage ist dies nicht etwas, das Sie sofort beantworten müssen oder bevor Sie loslegen. Ich bin seit 2013 Vollzeit-Freiberufler und hatte nur das Gefühl, dass es sinnvoll ist, 2019 die Kosten der Wirtschaftsversicherung zu übernehmen. Nun, wenn Sie irgendwelche anderen geschäftlichen oder kunstbezogenen Fragen haben die ich in diesem speziellen Abschnitt oder anderswo in der Klasse nicht angesprochen habe, zögern Sie nicht, sie in der Klassendiskussion Abschnitt zu lassen, ich werde einen Monat nach der Veröffentlichung dieses Kurses eine Follow-up-Frage- und Antwortsitzung filmen, und ich werde mein Bestes tun, um alle unbeantworteten Fragen einzubeziehen. 14. Fertigstellung: Okay Leute, das ist es für diesen Kurs. Du hast es durchgemacht. Wenn Sie Ihren Weg durch das Klassenprojekt gearbeitet haben, wie wir gegangen sind, gut gemacht. Vielen Dank. Bitte stellen Sie sicher, dass Sie es teilen. Natürlich, wenn Sie Ihre noch nicht gestartet haben, alle Aufforderungen und Beschreibungen auf der Registerkarte Projekte und Ressourcen. Werfen Sie einen Blick und tauchen Sie ein. Praktische Geschäftspraxis ist vielleicht nicht so viel Spaß wie praktische Kunstpraxis, aber es ist genauso hilfreich. Der beste Weg, sich mit dem Schreiben von Verträgen und Angebotspreisen vertraut zu machen, ist nur, es zu tun. Vielen Dank, dass Sie diese Klasse besucht haben. Wenn es Ihnen helfen würde, würde ich eine positive Bewertung wirklich zu schätzen wissen. Wenn Sie andere Fragen oder geschäftliche Ressourcen haben, die Sie mit unserer Community teilen können, insbesondere wenn sie für die spezifischen Nischen relevant sind, über die wir gesprochen haben, wie Kinderbücher oder Galeriekunst oder Oberflächenmuster, empfehle ich Ihnen, Sie in der Registerkarte Diskussionen. Je mehr wir alle teilen, was wir wissen, desto besser werden wir alle sein. Wenn du mehr von mir erfahren möchtest, kannst du einen meiner anderen Skillshare Kurse absolvieren oder meinen YouTube-Kanal besuchen. Bis zum nächsten Mal, Freunde. Tschüss.