Transkripte
1. Kurs-Einführung: Wer liebt kein
gutes Charakterdesign, wer ist nicht begeistert von einer Figur auf der Leinwand
, die
visuell fesselt und die sich auf
emotionaler Ebene wirklich
mit dem Betrachter verbindet . Die Wirkung, die Ihre Designs auf andere haben
können ,
ist wirklich
einzigartig und besonders. Fast wie eine Supermacht. Einen Charakter zu entwerfen macht Spaß und
ist aufregend, aber es kann sich auch ein
wenig entmutigend anfühlen , wenn
dir die grundlegenden Gesetze
einer guten Charaktergestaltung nicht
beigebracht wurden . Willkommen zur Character
Design Fundamental-Serie. Mein Name ist Emma
Gillette und ich bin eine professionelle
Vollzeit-Illustratorin mit Erfahrung in der Verlags-
und Animationsbranche. Ich habe einen BFA-Animations
- und Art Director bei dem für den Emmy nominierten Studenten
Kurzfilm Typ T2. Ich arbeite seit
fünf Jahren
als Illustratorin und zu meinen Kunden
gehörten unter anderem Disney, Random Penguin House und Random Penguin House und
American Girl. Dies ist der dritte und
letzte Teil
meiner Reihe über die
Grundlagen und Grundlagen des Charakterdesigns. In dieser Serie führe ich
Sie durch alle grundlegenden Regeln und Prinzipien, die ich an der Kunstschule
gelernt habe. In der ersten Klasse haben
Sie alles über
grundlegende Konstruktions
- und Formensprache gelernt . Du hast zwei Charaktere entworfen, einen Helden und einen Bösewicht. In der zweiten Klasse
haben wir gelernt, wie Sie Ihre Designs in dynamische
und ausdrucksstarke Gesten umsetzen können. In dieser dritten Klasse
können wir jetzt all
diese Skizzen aus
den beiden vorherigen Klassen nehmen und sie
mit farbigen Linern zum Funkeln
bringen. Wenn du die
anderen Klassen dieser Reihe nicht besucht hast, mach weiter und drücke Pause, nimm zuerst an diesen Kursen teil
und kehre dann zu
diesem zurück, da du
deine Helden- und
Bösewicht-Charaktere
entwerfen musst, um das
Klassenprojekt für diese Klasse
abzuschließen.
Ich
empfehle auch dringend, meinen zweiten Kurs zu besuchen deine Helden- und
Bösewicht-Charaktere
entwerfen musst , um das
Klassenprojekt für diese Klasse
abzuschließen.
Ich
empfehle auch dringend, . Die Serie behandelt alle grundlegenden und
grundlegenden Prinzipien der Charaktergestaltung. Diese Grundlagen sind
Handwerkszeug, das jeder erfahrene und erfahrene Charakterdesigner auswendig
kennt. Und bald wirst du es auch. In diesem dritten Teil
meiner Grundlagenserie lernst
du, wie du deine Skizzen
polierst, sie mit
schönen Farben
und ansprechender Linienführung zum Strahlen bringst. Es gibt noch so viel mehr, was du deinem Zuschauer
über deine Charakterdesigns mitteilen
kannst über deine Charakterdesigns indem du
einfach
die Farben wählst. Und indem du bewusst Strichzeichnungen
verwendest, kannst
du aus einer mittelmäßigen Skizze ein
wunderschönes Kunstwerk machen.
Kombiniert mit den
Prinzipien, die du in den
anderen beiden Kursen
gelernt hast, kannst du,
wenn
du
mit dieser Serie fertig bist , eine
Idee vom Konzept zur Skizze
und schließlich zu einem schönen
Kunstwerk machen, und schließlich zu einem schönen
Kunstwerk das eine klare
und kraftvolle Geschichte erzählt. Das heutige
Klassenprojekt besteht darin,
deine Helden- und Charakterdesigns
mit Linienführung und Farbe fertigzustellen . Der Stil des Liners und Färbetechniken
liegen bei Ihnen. Es
werden also keine zwei Projekte gleich aussehen. Ich werde verschiedene
Stile, Techniken
und Tricks vorstellen, die Sie verwenden
können, um zu entscheiden ,
wie Sie Ihre Designs
angehen möchten. Wenn Sie
Ihre eigene Designreise beginnen oder einige Fähigkeiten
auffrischen
möchten. Das ist die Serie für dich. Wenn Sie
diese Werkzeuge, die Sie in
meiner Serie gelernt
haben, konsequent anwenden diese Werkzeuge, die Sie in
meiner Serie gelernt
haben, , können Sie
jedes neue Designprojekt
mit Zuversicht angehen und
wissen, dass
Sie
mit Ihren Entwürfen
klare und aussagekräftige Geschichten erzählen können . Und dass Sie dabei mit jedem
neuen Projekt, an dem Sie teilnehmen, als Künstler
wachsen. Ich freue mich sehr,
deine Charakterdesigns
in ihrer endgültigen Form zu sehen . Also lasst uns anfangen.
2. Dein Projekt: Am Ende dieses Kurses werden
Sie
Ihr Wissen über
die Verwendung von Strichzeichnungen
und die Prinzipien der
grundlegenden Farbgestaltung
unter Beweis stellen die Verwendung von Strichzeichnungen
und die Prinzipien der , indem Sie den Helden und Bösewicht, die Sie im ersten Teil
entworfen haben, oder die Gesten, die Sie für sie
gemacht haben, teilweise zu den Zeichnungen verwenden, die Ihnen von den beiden am besten
gefallen haben. Sie werden sie mit
den Werkzeugen, die Sie in diesem Kurs lernen
, mit Farben und
Linien abschließen . Wenn Sie
das Kursmaterial verstehen, werden
Sie am Ende
wunderschöne und
Rick-Charakterdesigns erhalten, die
durchdacht und zielgerichtet aussehen. Das Projekt für diesen
Kurs ist aufregend weil es der
Höhepunkt all
der hart erarbeiteten Kenntnisse und
Fähigkeiten ist , die Sie im Laufe
dieser Serie erworben haben.
Das Ziel ist
ein Charakterdesign, haben.
Das Ziel ist
ein Charakterdesign das in seiner Geschichte kohärent ist, wobei alle Werkzeuge und
Fähigkeiten verwendet werden, die Sie in dieser Serie
erworben haben,
von der Fähigkeiten verwendet werden, die Sie in dieser Serie
erworben haben, grundlegenden
Formensprache bis hin zu Gesten und schließlich Farbe
und Linienführung, während du die Prinzipien
, die du
in dieser Serie gelernt hast,
übst und anwendest , die du
in dieser Serie gelernt hast, wirst
du weiter wachsen
und dein Können
als Charakterdesigner
für dieses Unterrichtsprojekt weiterentwickeln als Charakterdesigner
für dieses Unterrichtsprojekt Ich werde Procreate
auf dem iPad Pro verwenden. Sie können jedoch jedes
digitale Programm
oder jedes traditionelle Medium verwenden oder jedes traditionelle Medium , das sich für Sie am
wohlsten anfühlt. Wenn Sie
neugierig sind, welche Pinsel ich in meinem Klassenprojekt verwende, können
Sie mir am
Ende dieses Kurses dabei zusehen, wie ich
eine Demo davon mache am
Ende dieses Kurses dabei zusehen, wie ich
eine Demo davon Ich werde sie unten
im Beschreibungsfeld verlinken. Ich werde sie auch
etwas später im Unterricht durchgehen . Die Tipps, die ich teile, sind, auch wenn die Pinsel nicht die
gleichen sind wie in anderen
Programmen, auf
jedes andere Programm wie
Photoshop oder Clip Studio Paint übertragbar . Die meisten digitalen Programme haben
den gleichen Ablauf. Ich werde auch meine
Empfehlungen für die Ausrichtung der
Tools geben , die Sie verwenden können, wenn
Sie traditionelle Methoden verwenden. Und diese
werden auch unten verlinkt. Wenn Sie neugierig sind, wenn
Sie Ihr Projekt abgeschlossen haben, teilen
Sie es bitte unten in
der Projektgalerie mit.
Ich würde mich freuen, Ihre Designs zu
sehen. Wenn Sie nach Kritik
suchen, fragen
Sie bitte auch danach. Kritik zu erhalten,
ist wie immer der beste und schnellste
Weg, um als Künstler zu wachsen. Also scheuen Sie sich nicht zu fragen. Auch wenn du dein Stück
auf Instagram oder Twitter teilst, vergiss
nicht, mich mit meinem Nutzernamen zu taggen. Ich würde es gerne mit
meinen Zuschauern auf
diesen Plattformen teilen . Und ich liebe es, einen Blick hinter die Kulissen oder Skizzen zu werfen, wenn Sie dort auch an Ihren
Projekten
arbeiten. Und wie immer stehe ich auch auf
diesen Plattformen für Kritik
zur Verfügung. Ich gebe gerne
Verlosungen und das habe ich schon einmal in meinen Instagram-Stories gemacht . Lassen Sie uns also über Tools sprechen.
3. Digitale und traditionelle Materialien: Es gibt so viele großartige
digitale Kunstprogramme, aber ich verwende hauptsächlich Procreate
und manchmal Photoshop. Das Klassenprojekt und
Procreate auf dem iPad Pro abgeschlossen . Du wirst mir am Ende des Unterrichts
beim Ausmalen zusehen. Wenn ihr neugierig
seid, welche Pinsel ich verwendet habe, werdet ihr sehen, dass ich hauptsächlich
die Gouache Flow und die Flow
Rough Pinsel aus
dem Retro-Max-Pack
von Max verwende die Gouache Flow und die Flow
Rough Pinsel aus
dem Retro-Max-Pack
von Max , die ihr hört. Ich verwende diese für den
Großteil meiner Farben. Zum Auskleiden. Ich verwende
den Narendra-Bleistift , einen einfachen
Procreate-Pinsel. Und für Zeiten, in denen ich die
Deckkraft meiner Farben
besser
vermitteln
wollte als das, was mir die
Max-Pinsel erlauben, kann die
Deckkraft meiner Farben
besser
vermitteln
wollte als das , was mir die
Max-Pinsel ich den Waschpinsel
verwenden
, der auch ein einfacher
Procreate-Pinsel ist. kann ich
die Opazität einfach besser ändern als bei den anderen. Ich persönlich mag
die Textur, die Gouache-Simulationspinsel bieten, aber Sie mögen sie vielleicht nicht
für Ihren persönlichen Stil. Verwenden Sie also die
Pinsel, die Ihnen am besten gefallen. Ich hinterlasse auf der Registerkarte Ressourcen einen Link zu
den Pinselsets von
Max, falls Sie
daran interessiert sind , sie sich anzusehen.
Ich denke, sie sind
wirklich ein großartiges Grundnahrungsmittel für jeden Illustrator, der Procreate verwendet. Für diejenigen unter Ihnen, die Ihre Projekte
traditionell
angehen, gute Papierstifte und helfen Ihnen
gute Papierstifte und
Malutensilien dabei die bestmöglichen
Ergebnisse
zu erzielen. Für die meisten Mediane eignet sich ein schweres Mixed-Media-Papier
. Oder wenn Sie Marker auf
Alkoholbasis verwenden möchten, ein speziell für einen Marker hergestelltes
Papier Marken wie Prismacolor oder Copic helfen Ihnen dabei, Blutungen
zu vermeiden. Da wir in Cancun eine hohe Qualität haben, werden
wir einen großen
Unterschied machen, wenn es darum geht den Liner für dein
Charakterdesign zu gestalten. Es stehen viele Optionen
zur Auswahl, aber ich denke, dass der
beste und einfachste Stift für Anfänger die Pentel
Point Liner-Serie ist. Diese Stifte sind in einer
Vielzahl von Größen erhältlich also ein paar
verschiedene Stifte schnappen können Sie so ziemlich
jedes gewünschte Glück erzielen. Wie Sie sehen können, habe ich
viel zu viele dieser Stifte. Ich liebe sie so sehr. Wenn Sie etwas ausprobieren möchten, das
etwas Geschicklichkeitsorientierter ist, sollten
Sie es mit einem Pinselstift im
japanischen Stil versuchen. Diese eignen sich hervorragend,
um glatte,
fließende Linien zu erhalten , deren Dicke
sich nahtlos ändern kann. Es gibt auch viele Marken
dafür, aber ich mag meine Marke Pentel
genauso wie jede andere
Marke da draußen. Diese sind cool
, weil Sie sie auch mit
neuen Tintenpatronen
nachfüllen können. Es kann jedoch
viele Stunden dauern, sich an die Verwendung
eines Pinselstifts zu gewöhnen . Also sei dir dessen einfach bewusst. Es ist möglicherweise kein guter Stift für dieses Projekt, wenn Sie
gerade erst anfangen. Wenn Sie für
Ihr traditionelles Stück
farbige Strichzeichnungen erstellen möchten, anstatt nur schwarze Tinte zu verwenden, müssen
Sie ein wenig kreativ werden. Du kannst entweder
einen Farbstift verwenden , den
du sehr scharf hältst, oder du könntest einen Pinsel mit feiner
Spitze
verwenden und Acryl-Gouache verwenden, die du nicht wirklich
verwässert hast. Oder du könntest schick werden und eine der wirklich
schönen indischen Tuschen
verwenden. Und ich denke an Stifte,
die es gibt, es gibt viele verschiedene
Optionen, aus denen Sie wählen können. Welche Mischung auch immer für
Sie am besten geeignet ist. Experimentiere und hab Spaß. Traditionelle Medien können anfangs
etwas beängstigend sein , aber sie
machen wirklich Spaß und sie haben
mir geholfen , aus meinem Kopf zu geraten und vielleicht ein bisschen
weniger perfektionistisch wie ich es mit meiner digitalen Kunst mache. Ich kann das also auf jeden Fall
jedem empfehlen , der sich vielleicht selbst pushen
möchte. Oder wenn Sie dieses Mal
digital arbeiten,
kommen Sie zurück und machen Sie
den Kurs erneut, aber mit einem traditionellen Medium. Wie bei den digitalen Pinseln alle traditionellen Werkzeuge werden
alle traditionellen Werkzeuge
, die ich erwähnt habe, unten aufgeführt.
4. Linienqualität und wie man sie verwendet: Ein häufiger Ausdruck, den
Charakterdesigner
verwenden werden , ist Linienqualität
oder Linienstärke. Diese sind dasselbe
und beziehen sich einfach
auf die Dicke oder Intensität
einer Linie und einer Zeichnung. Dicke Linien haben ein höheres visuelles
Gewicht als dünne Linien. Das Gleiche gilt für dunkle
Linien im Vergleich zu hellen Linien. Eine Zeichnung ohne
Linienqualität weist Linien auf, die in der
gesamten Zeichnung dieselbe Dicke aufweisen. Haben Sie gesehen, wie langweilig und langweilig diese Zeichnung
vorher aussieht, konnten Sie vielleicht nicht genau warum diese Zeichnung glanzlos
erscheint. Aber vergleichen wir es jetzt mit einer Zeichnung mit
guter Linienqualität. Die Linien in dieser Zeichnung variieren in
Dicke und Dicke. Jede Zeile hat einen
Zweck und ein Gewicht. Das Auge bewegt sich
sanft von Ort zu Ort auf dem
Forum, scheint
echtes Gewicht zu haben und scheint sich sogar im Raum vorwärts und
rückwärts zu bewegen. Machen Sie keinen Fehler. Die Entscheidungen, wo eine dicke Linie und
eine dünne Linie platziert werden sollten, wurden nicht planlos
oder willkürlich getroffen. Schauen wir uns
dieselbe Zeichnung mit achtlos gemachter
Linienstärke an. Wie Sie sehen, ist eine
Zeichnung nicht
gut oder ansprechend, nur weil
Sie eine Variation der
Linienstärke haben Zeichnung nicht
gut oder ansprechend, nur weil
Sie eine Variation der
Linienstärke . Was unterscheidet
diese beiden Zeichnungen? Nun, die Person auf der
linken Seite versteht , dass die Verwendung von dicken und
dünnen Linien einer
Zeichnung nichts nützt, wenn sie nicht im Verhältnis
zueinander verwendet werden. Eine wirklich dicke Linie auf den Arm
eines Charakters zeichnen ,
ohne darüber nachzudenken warum oder was die anderen
Linien, die
ihn umgeben , im Verhältnis
zueinander tun. Es ist nur ein Zauberspruch für
Katastrophe und Chaos. Die Linke versteht, dass Liner eine Praxis und
Organisation
ist , die dicke
Linien verwendet, um Wichtigkeit,
Nähe, Gewicht und Schatten zu kennzeichnen . Und dünne Linien stehen für
Unwichtigkeit, Distanz und Licht. Die
praktischen Anwendungen der
Linienführung
zu kennen und zu verstehen, ist bei der
Gestaltung von Charakteren äußerst wichtig. Ich glaube, dass es hauptsächlich
vier Möglichkeiten gibt , die leichte Methode der
ersten Zeile zu verwenden, um zu betonen
und zu verringern. Zweite Linienstärke, um die
Nähe zum Betrachter auszudrücken. Dritte Linienstärke, um Form
auszudrücken und abzuwarten. Und schließlich die Linienstärke, um
den Eindruck von
Licht und Schatten zu erwecken. Die erste Möglichkeit, die
Linienstärke zu verwenden, besteht darin,
bestimmte Bereiche Ihres Designs entweder zu betonen oder zu schwächen. So wie wir
in den beiden vorherigen Kursen gelernt haben, die Aufmerksamkeit unseres Publikums
mithilfe kontrastierender Elemente zu
lenken . Das Gleiche kann mit der Linienkunst
gemacht werden. Wenn Sie innerhalb Ihrer Zeichnungen eine visuelle
Hierarchie einrichten , wissen Ihre Betrachter, was wichtig ist um anzuhalten
und was zu überfliegen ist. Durch das Platzieren von dicken oder dunklen
Linien,
die von hellen oder dünnen Linien umgeben sind,
entsteht ein Kontrast. Weil wir Menschen darauf programmiert sind,
nach Kontrasten zu suchen. Dies signalisiert Ihrem
Betrachter, dass diese Linie im Verhältnis zu den
anderen sie umgebenden Linien sehr wichtig ist. Indem Sie sorgfältig entscheiden, wo Ihre dicken und dünnen,
hellen und dunklen Linien
konzentrieren möchten, können Sie einen Schwerpunkt oder
Interessenbereich
festlegen Interessenbereich auf den
Ihr Betrachter
seine Aufmerksamkeit richten kann. Ein kleiner Tipp. Beim Charakterdesign möchtest du
normalerweise, dass dein Publikum dem den Händen
deines Charakters die meiste Aufmerksamkeit schenkt Gesicht und den Händen
deines Charakters die meiste Aufmerksamkeit schenkt. Dies ist jedoch
keine feste Regel. Es kann viele Fälle geben
, in denen Sie das Gesicht
aus Gründen der Geschichte
weniger betonen möchten . Zum Beispiel, wenn Sie möchten, dass die Identität des Charakters verdeckt wird, oder wenn Sie möchten, dass sich der
Betrachter auf
ein Kostümelement oder ein
Objekt konzentriert , das er in der Hand hält. Vielleicht befindet sich dein Charakter mitten
in einer Aktion. Vielleicht schwingt er ein Schwert
und Sie möchten, dass die Aktion des Schwertes, das sich durch
die Luft schneidet, betont wird. Nehmen Sie sich immer Zeit, um
über die Botschaft
und Geschichte nachzudenken , die Sie zu vermitteln
versuchen, und
ziehen Sie Ihre Grenzen entsprechend. Die zweite Anwendung
der Linienstärke besteht
darin , Nähe
und Entfernung auszudrücken. So wie Sie Ihre Zeichnung
vom Wichtigsten
zum Unwichtigen
organisieren können , können
Sie auch eine Hierarchie erstellen, die Tiefe und Perspektive
vermittelt. Dicke und dunkle Linien
fallen dem Betrachter ins Auge. Diese Linien
erscheinen dem Betrachter immer am nächsten, während dünne Lichtlinien aus dem Blickfeld zu verschwinden
scheinen und
so den Eindruck erwecken, so den Eindruck erwecken weit vom Betrachter entfernt
zu sein. Sie können dies zu
Ihrem Vorteil nutzen und
Ihrem Charakter das Gefühl geben Ihrem Charakter das Gefühl in Raum und Tiefe zu
existieren. Arme und Beine, die dem Betrachter
abgewandt sind können etwas
heller gezeichnet werden, sodass sie nach hinten geschoben werden. Dadurch sieht der
Charakter noch mehr so aus, als würde er sich
vom Betrachter abwenden. Umgekehrt, wenn du
eine Figur hast , die nach dem Betrachter
streckt, ihre Hand in
dunklen, dicken Linien zu
zeichnen hilft es, ihre Hand in
dunklen, dicken Linien zu
zeichnen, um den Eindruck zu erwecken, dass er
die vierte Wand durchschlägt und in den Raum des
Betrachters kommt. Dies ist ein sehr
mächtiges Werkzeug, das Ihnen
hilft, Ihren Charakter in der
Realität zu verankern und
ihm das Gefühl zu geben, ein Lebewesen zu sein, das
in der realen Welt existiert. Sie werden erstaunt sein, wie
diese einfache Anwendung Ihre Zeichnungen wirklich
verändern und verbessern
kann. Die Linienstärke kann auch verwendet werden, um einen Charakter
so
aussehen zu lassen, als ob er ein Forum hat. Oder mit anderen Worten,
sehen aus, als wären
sie ein dreidimensionaler Strahl. Dies ähnelt der
vorherigen Anwendung von Nähe und Entfernung, wird
jedoch
etwas nuancierter verwendet. Lassen Sie uns mit
einem einfachen Beispiel
beginnen wie Sie
es verwenden können, um auszudrücken, denn dieser Zylinder
scheint bereits eine Form zu haben indem Sie die Grundkonstruktion
und die Verwendung von Perspektive verwenden. Es kann jedoch bis zu einer
Stufe höher sein, wenn Sie die Linienstärke verwenden. Der dem Betrachter am nächsten gelegene Bereich dieses
Zylinders ist dieser Bereich hier in
der Mitte und Freund. Während der Mittelteil im
Hintergrund und die Linien an den Außenkanten vom
Betrachter weg oder am weitesten weg gekrümmt sind. Wir können dazu beitragen, dass sich diese
Krümmung noch
realistischer anfühlt , indem wir
die Linien so verjüngen, dass der dickste Punkt
hier in der Mitte beginnt und langsam dünner wird, wenn sich
ein Zylinder wegkrümmt. Für einen zusätzlichen Effekt können wir kürzere Innenlinien
verwenden. Länger und
enger beieinander angeordnet. Je weiter sie sich entlang dieser Kurve vom Betrachter entfernen. Diese kleineren Innenlinien
können auch verwendet werden, um weiche oder plüschige Farmen
, die möglicherweise abgerundete Ecken haben, zum
Ausdruck zu bringen. Anstatt eine
harte Linie zu zeichnen, die den
Eindruck
einer scharfen Ecke erwecken würde , diese kleinen, leicht
hakenförmigen lassen
diese kleinen, leicht
hakenförmigen Linien diese Kante weich aussehen. Diese Techniken eignen sich gut
für Zeichnungen, die nicht farbig sind oder
nur minimale bis gar keine Schattierung aufweisen. Mit all diesen Anwendungen können
wir jetzt ein sehr
glaubwürdig aussehendes zylindrisches Kissen zeichnen . Nehmen Sie sich etwas Zeit, um
diese Übung mit einer Vielzahl von
Grundformen und Formen zu üben. Denn sobald
Sie
diese Übung an einfachen Formen beherrschen , wird
es jetzt einfach sein,
sie auf die menschliche Form zu übertragen. Anhand
dieser Grundformen ist der menschliche Körper fest.
Sie werden sehen, wo Sie jetzt die
Krümmung der Gliedmaßen,
des Rumpfes, die vielen Gesichtszüge
und mehr
betonen können. Dies ist eine schöne
und einfache Möglichkeit, Ihren Designs
einen Hauch von Raffinesse
und Schönheit zu verleihen. Eine weitere Möglichkeit,
Ihren Designs das Gefühl zu geben, dass sie sich wie echte, lebendige und fleischige Objekte anfühlen,
besteht darin, ihnen Gewicht zu verleihen. Die Magie von Liner
besteht darin, dass wir die
Schwerkraft einfach durch die Dicke
und Intensität unserer Linien nachahmen können Schwerkraft einfach durch die Dicke . Wenn Sie einfach die Unterseite eines Arms oder die Stelle,
an der der Körper auf einem Objekt
ruht, etwas
Dicke hinzufügen Arms oder die Stelle,
an der der Körper auf einem Objekt
ruht, sofort
der Eindruck
, dass diese Seite der Figur
schwerer ist als die andere Seite. Oder gib dem Charakter
das Gefühl , dass der Charakter viel Gewicht
auf den Fuß oder die Hand
legt als auf die andere. Erinnerst du dich an das
Hip-Pop-Beispiel aus der vorherigen Klasse? Eine weitere Möglichkeit, diesen Effekt
zu betonen, besteht darin, die Linien
des tragenden Fußes dicker zu gestalten des tragenden Fußes dicker als die Linien
des ruhenden Fußes. Dies ist eine kleine, aber
durchdachte Methode, um diese Geste
noch besser als zuvor zu
kommunizieren. Diese Technik ist sehr praktisch, wenn Sie etwas Großes
und Heftiges
zeichnen und der Betrachter dieses Gewicht wirklich
spüren lassen
möchte . Es kann auch verwendet werden, um
etwas leicht und luftig erscheinen zu lassen, solange die
verwendeten Linien dünn und leicht sind. Im Gegensatz zu den
Linien darunter wird
es
gefiedert und spät erscheinen. Die vierte Möglichkeit,
Liner zu verwenden, besteht
darin , den Eindruck
von Licht und Schatten zu erwecken. Dunkle, dicke und durchgezogene
Linien deuten auf Schatten oder mangelnde
Lichteinwirkung hin. Dünnes Licht und eine
kaputte Linse
scheinen jedoch einer starken Lichtquelle
ausgesetzt zu sein . Diese Technik eignet sich besonders
für Zeichnungen , bei
denen Linien unscharf sind oder die
kaum bis gar keine Schattierung aufweisen. Einige Künstler wie Mike
Mignola werden
ganze Bereiche schwarz verdunkeln, um
Schattenbereiche zu kennzeichnen. Wem das jedoch zu
extrem für Ihren Geschmack ist, können
Sie nur ein
paar Linien und die
nächsten und Spalten
Ihres Designs verwenden . Kostüm dieses Charakters hat viele kleine Stellen, an denen sich
das
Kostüm von der Haut löst, sogar Bereiche, die vor dem Licht
abgeschirmt sind. Es gibt auch
Stellen an ihrem Körper wie in deinen Ohren,
unter ihrem Kinn
und in ihrer Handbewegung, an
denen kleine Linien nahe beieinander erscheinen können, die den
Anschein von Schatten und Form erwecken können. diese Weise können Sie Ihren Designs auf einfache Weise Tiefe und
Interesse verleihen . Wenn dir das nach einer Menge Arbeit
erscheint und du dir nicht
sicher bist, wie du all
diese Techniken auf
deine Charakterdesigns anwenden
wirst . Vielleicht ist jetzt ein guter Zeitpunkt, um eine
Pause zu machen und die
Linienarbeit ein bisschen zu üben. Zu diesem Zweck habe
ich auf
der Registerkarte Ressourcen fünf Übungen für Sie zum Herunterladen und Verwenden zusammengestellt. Diese Dateien können
entweder für die
traditionelle Praxis gedruckt oder
auf eine digitale Leinwand gelegt werden. Üben Sie zunächst Ihre Fähigkeit, unterschiedliche Lichtstärken
und Intensitäten zu erreichen. Und in der zweiten Übung
versuchen Sie, die Formengruppe so
aussehen zu lassen, als ob sie sich korrekt im
Raum und im
Verhältnis zueinander bewegt . der dritten Übung wird untersucht, wo die Lichter
auf jedes Objekt zeigen, wie nah oder weit sie entfernt sind. Und füge passende
Strichzeichnungen hinzu. Und die vierte Übung, gib dein Bestes, damit
die verschiedenen Kissen dreidimensional
aussehen
und warten. Und dann die letzte Übung: Kombinieren Sie alle vier Anwendungen für
das Charakterdesign, um optimale Ergebnisse zu erzielen. Wenn du fertig bist, fange mit den
Charakteren von
vorne an und schau, ob du deine Technik
ein zweites Mal
verbessern kannst .
5. Stilisierung: Da Sie nun mit
diesen Anwendungen
für Strichstärke vertraut sind , ist
es wichtig zu beachten
, dass nicht jede
Strichzeichnung , die Sie verwenden
müssen, alle. Sie können wirklich alle oder
keine davon verwenden je nachdem, was Ihr Projekt ist und was Ihre Bedürfnisse sind.
Das Wichtigste, an das Sie sich bei all
dem erinnern sollten , ist, dass es nur
um Hierarchie geht. Sie können Ihre
Hierarchie sortieren lassen. Dann wird
es, egal welche
Techniken Sie verwenden, gewollt aussehen. Dies kann Ihnen bei
Ihrer persönlichen Suche nach
Ihrem eigenen Stil oder bei der Erkundung
neuer Stilisierungen helfen .
In diesem Stück gibt
es z. B. In diesem Stück gibt
es nur drei oder vier verschiedene
Variationen und Strichstärken. Die größten dunkelsten Linien sind die äußeren Linien,
die den Umfang
des Charakters ziehen. Dann gibt es die
zweitgrößten Linien , die die darin enthaltenen
Hauptformen umreißen. Und dann werden die kleinen Details in der kleinsten Größenlinie
gemacht. Dieses Design verwendet eigentlich
keine der Techniken
, die wir gerade besprochen haben. Und doch folgt es
seiner eigenen Hierarchie und sieht daher
zusammenhängend und interessant aus. Sobald Sie sich für die
Hierarchie Ihrer Linienarbeit entschieden haben, öffnet sich
Ihnen wirklich die
Welt, was die Stilisierung
und die Art und Weise angeht , wie Ihr Stück Sie einzigartig und
interessant
aussieht. Es gibt keine richtige oder falsche Art Liner
zu machen, und Sie fühlen sich vielleicht
mehr
zu bestimmten Stilen der Linienführung hingezogen als zu anderen Stilen.
Sie können voll und ganz auf Comic, Schwarz-Weiß, wirklich
intensive Schattierungslinien setzen. Oder Sie könnten sich zur Veranschaulichung
für
eine subtilere farbige Linienführung entscheiden eine subtilere farbige Linienführung . Oder du gehst irgendwo
zwischen diesen beiden hin. Oder du machst
etwas Ähnliches wie ich, bei dem ich mit
einem Farbblock beginne und dann
Linien hinzufüge , wo ich
denke, dass sie gut aussehen. Es ist also wie eine Mischung aus
Linienkunst und sinnloser Kunst. Wie auch immer Sie sich für die Stilisierung entscheiden, Ihre Linienkunst wird gut
funktionieren. Solange Sie mit
den Entscheidungen, die Sie am Anfang getroffen haben,
konsistent sind .
6. Lineart Tipps und Tricks: Bevor wir
diesen Abschnitt über
Linienkunst abschließen und zur Farbe übergehen, möchte
ich Ihnen ein paar
Tipps geben, die Ihnen helfen , bessere und
selbstbewusstere Striche
zu erzielen. Und dann auch ein paar
Tipps für digitale Nutzer , die Ihnen helfen können,
ein paar verschiedene Looks
für Ihre Lineart zu erzielen . Ich werde Procreate verwenden, aber so ziemlich jede
Technik, die ich Ihnen gezeigt habe, ist auf jede
andere digitale Plattform übertragbar. Der erste Schritt, den
ich mit Ihnen teilen werde,
gilt jedoch ich mit Ihnen teilen werde,
gilt sowohl für digitale
als auch für traditionelle Künstler. Und es geht darum, schnelle und
sichere Striche
in Ihrer Linienkunst zu verwenden . Wenn Sie
digital steuern, wird
Z Ihr bester Freund. , schnelle,
selbstbewusste Striche
zu trocknen und dieselbe Linie
ein paar Mal zu wiederholen, bevor Sie Es ist besser, schnelle,
selbstbewusste Striche
zu trocknen und dieselbe Linie
ein paar Mal zu wiederholen, bevor Sie auf der rechten
landen, als
wackelige, wild schüchterne Linien zu machen . Du bist kompetent, glänzt
in deiner Kunst, wenn du mutig mit deinen
Linien umgehst, mutig zeichnest. Der nächste Tipp richtet sich an traditionelle
und digitale Künstler, aber die Methoden dafür
werden etwas anders sein. Mein Tipp ist, dein Charakterdesign insgesamt
drei Mal
durchzugehen . Die erste wird Ihre
erste energische Skizze sein , in der die
Aktionslinie, Grundformen und
das allgemeine Erscheinungsbild Ihres Designs dargelegt werden. Dies wird eine sehr grobe,
energische Skizze sein ,
die darauf abzielt,
die allgemeine Energie und das
Gefühl Ihres Designs einzufangen . Der zweite Durchgang wird
Ihre straffere Skizze sein. Und mit diesem Pass versuchst
du, dein Design selbst
zu 80% fertigzustellen. Hier arbeitest du die Anatomie, Ausdruck und die feinen
Details deines Designs aus. Grundsätzlich solltest du
sicherstellen, dass du keine Gäste
machen musst ,
die im letzten Line Art Pass arbeiten. Da Sie sich nur auf die Linienkunst konzentrieren
sollten,
anstatt sich auf das Zeichnen zu konzentrieren. Schließlich, im dritten Durchgang, vervollständigen Sie
Ihr Design mit wunderschönen polierten Liniengrafiken. Das mag wie
eine Menge Schritte erscheinen, aber wenn Sie
eine Zeichnung und Durchgänge durcharbeiten ,
können Sie
jedes Problem phasenweise bearbeiten. Anstatt zu versuchen,
alles auf einmal zu klären. Das Letzte, was Sie
tun möchten, ist, Stunden mit einer
Strichzeichnung zu verbringen, nachdem Sie die
Konstruktionsskizzen übersprungen und dann feststellen, dass ihre Konstruktion völlig falsch ist, und dann
alles haben
und dann feststellen, dass
ihre Konstruktion völlig falsch ist, und dann
alles verschrotten und
alles noch einmal machen zu müssen. Wenn Sie
traditionell zeichnen, ist das nicht so einfach. Sie
benötigen entweder einen Leuchttisch. Dabei handelt es
sich um einen Tisch mit
einem durchscheinenden Material auf der
Oberseite und einer Lampe darunter. Und wenn Sie es dann einschalten, können
Sie Ihr Skizzenpapier
darauf legen und ein neues Papier darüber legen. Das
Licht ermöglicht es Ihnen das Papier
unter Ihrem Knie
zu sehen. Wenn Sie jedoch keinen davon
haben, können
Sie oft
günstige Leuchttische
online für nicht zu viel in
den Akzenten eines Leuchttisches kaufen online für nicht zu viel in
den Akzenten eines Leuchttisches Sie können Ihre Papiere jederzeit
zusammenklammern und an ein Fenster stellen,
um den gleichen Effekt zu erzielen. Meine nächsten Tipps richten sich ausschließlich an digitale Künstler
und sie werden Möglichkeiten sein, mit Ihrer Linienkunst unterschiedliche Looks zu erzielen. Linienglättung ist
eine Funktion, die viele Programme
wie Procreate verwenden verändert Ihre
Linien
, nachdem Sie sie
gezeichnet haben , um
ihnen einen glatten Fehler zu geben. Für einige Projekte und Stile kann
dies sehr hilfreich sein. Für die Zwecke
dieses Kurses empfehle
ich Ihnen jedoch , Ihr Projekt
nicht zu verwenden. ist es wichtig Ihr künstlerisches Wachstum ist es wichtig, die Linienkontrolle zu
beherrschen. Und das werden Sie nicht können
, wenn Sie
einen Computer haben , der
Ihre Leitungen für Sie ändert. Schalten Sie es also aus und
gewöhnen Sie sich an die Undo-Schaltfläche. Sie werden feststellen, dass
sich
Ihre Präzision und Genauigkeit mit der Zeit langsam verbessern, je mehr
Sie
mutig und ohne fremde Hilfe fallen ohne fremde Hilfe Ihre Präzision und Genauigkeit mit der Zeit langsam verbessern, je mehr
Sie
mutig und . Der einfachste Weg, deine Strichzeichnungen zu
kolorieren
, besteht darin , deinen Liner
auf einem Alpha-Kanal zu zeichnen. Alpha-Kanäle sind Ebenen, haben aber keine Hintergrundfarbe. Es wird den Anschein haben, als hätte es diesen weiß-grau karierten Hintergrund. Das bedeutet, dass
es
auf dieser Ebene absolut keine Pixelinformationen gibt. Wenn Sie also
Ihren Liner darauf zeichnen, die einzigen Informationen dort die Linien
Ihrer Zeichnung. Auf diese Weise
können Sie verschiedene Bilder
übereinander legen und trotzdem sehen, was
sich
auf der untersten Ebene befindet. Alle digitalen Kunstprogramme
haben diese Funktion. Und alle digitalen Kunstprogramme ermöglichen es Ihnen,
diese Alpha-Kanäle zu sperren. Wenn Sie Ihre
Alphakanal-Ebene sperren, sperren
Sie die Pixelinformationen. Das
bedeutet, dass Sie
außerhalb der Linien
und Farben, die sich vor dem Sperren
auf dem Alpha-Kanal befanden,
nicht färben können außerhalb der Linien
und Farben, die sich vor dem Sperren
auf dem Alpha-Kanal befanden, . Wählen
Sie einfach die Farbe aus, mit der Sie
Ihre Liniengrafikenbreite einfärben möchten , und
färben Sie sie über Ihrer Zeichnung. Schau, wie einfach das ist. Sie können die Farben nach Belieben manuell
auswählen oder um
Ihre Linienarbeit schnell und
effektiv abzudecken , wenn Sie
ein vollfarbiges Stück erstellen. Füllen Sie die gesamte Liniengrafik mit einer Farbe, normalerweise eignen sich Rot, Rosa
und Violett am besten, und legen Sie den
Ebenenstil so fest, dass er multipliziert wird. Jetzt haben Sie eine farbige Linie, die den Innenfarben
passt. Das ist ungefähr mit der Opazität und Farbe für verschiedene Effekte. Und eine einfache Möglichkeit,
Ihrer Liniengrafik einen
schönen Effekt zu verleihen , besteht darin, zuerst Ihre Linienkundebene zu
duplizieren. Verwenden Sie auf der ersten Ebene einen Gaussschen Weichzeichnungseffekt und stellen Sie den Ebenenstil ein, auf den Sie multiplizieren möchten Passen Sie die Opazität an. Ich habe auch
den gesamten verschwommenen Effekt an
der Außenseite meiner Linien gelöscht . Also kannst du damit
herumspielen und
sehen, was dir am besten gefällt. Aber jetzt werden Sie sehen, dass
Ihre Strichzeichnungen
einen schönen
Leuchteffekt haben werden, der Ihrer Zeichnung Tiefe und
Interesse verleiht. Sie können
auch mit der
Farbe dieser Ebene spielen und sehen, wie sie sich auf
das Aussehen des Designs auswirkt. Das ist ein netter Trick
, den ich kürzlich gelernt habe. Das heißt, für Designs wie dieses
, das ich zuvor geteilt habe, verwendet
dieses Design nur drei
oder vier Linienvarianten. Ich könnte versuchen, es jedes Mal zu überprüfen, wenn ich meine Linie ändern musste. Aber wenn ich wirklich
einen konsistenten Überblick
über mein Design behalten wollte , Linien
zu speichern wäre es sehr hilfreich, eine Möglichkeit zu
haben,
die gewünschten .
Genau das können Sie in Procreate tun. Wenn ich auf den
Schieberegler für die Brustgröße tippe, kann
ich auf dieses Pluszeichen klicken und der
Pinsel wird an den Schieberegler geheftet. Ich kann so viele hinzufügen,
wie ich brauche, und dann Bedarf zwischen ihnen
wechseln. Die Problemumgehung
dafür in Photoshop wäre, mir die Nummer oder Größe meines Pinsels zu
notieren und sie dann in den Schieberegler einzugeben, wenn ich zwischen den Größen wechseln
muss. Ich hoffe, dass diese Tipps und
Tricks für Sie nützlich sind. Experimentiere damit,
verschiedene Stile und Techniken, die ich dir gezeigt habe, und finde heraus, was für dich am besten funktioniert. Und wenn du eine spezielle
Technik hast, die du wirklich magst und die du in diesem Video nicht
gesehen hast. Teile sie im Tab
Diskussionen. Ich würde gerne sehen, welche
Techniken Sie verwenden und würde sie gerne mit
den anderen Schülern in der Klasse
teilen . Jetzt, wo wir
alles über Linienkunst gelernt haben, wollen wir weitermachen und uns mit Farbe
beschäftigen und sehen, wie wir das nutzen
können, um unsere Charaktergeschichten weiter zu
erzählen.
7. Farbschemata und Charakterdesign: Wir fahren nun mit
dem zweiten Teil
dieses Kurses fort und lernen,
wie Sie Ihren
Charakterdesigns mit Farbe Lebendigkeit verleihen können. Dies wird kein umfassender
Farbtheorie-Kurs sein, aber wir werden die Grundlagen besprechen. Am Ende dieses Abschnitts. Du verfügst über die
notwendigen Tools, um fundierte
und kluge Entscheidungen
darüber treffen zu
können fundierte
und kluge Entscheidungen
darüber treffen zu
können ,
welche Farben am besten zu
deinen Bedürfnissen für deine
Charakterdesigns passen. Um diese
klugen Entscheidungen zu treffen, müssen
Sie das Farbrad und
die Begriffe Sättigung,
Farbton und Wert
verstehen . Hier ist ein einfaches Farbrad. Jede
Farbe auf diesem Rad steht für einen anderen Farbton. Vielleicht kennen Sie
das Akronym Roy G Biv, das für
Rot, Orange, Gelb,
Grün, Blau, Indigo und Violett steht . So sehen das Farbrad
und Photoshop aus. Wenn wir einen Farbton auswählen, haben
wir
dieses Feld mit zwei Achsen. Wert und Sättigung. Der Wert gibt an, wie hell
oder dunkel die Farbe ist,
wobei sich Weiß und Schwarz an den Extremitäten befinden. Und die Sättigung gibt an, wie rein
der Farbton in seiner
reinsten, hellsten Form und
Grau an den Extremitäten ist . So sieht das
Farbrad in Procreate aus, das ist das gleiche Konzept, aber in, wir werden es formen. Wenn Sie mit diesen Schiebereglern spielen, werden
Sie schnell feststellen
, dass es unzählige Farben und Werte gibt. Du fragst dich vielleicht, wie um alles in der Welt ich eine Farbe
für meine Designs auswählen
soll , wenn es so viele zur Auswahl
gibt, welche Farben zusammen
gut aussehen und wie werde ich wissen, dass sie
die richtige Wahl für
meinen Charakter sind , bevor du in einer Flut
von Farbverwirrungen
mitgerissen wirst.
Lassen Sie uns Ihnen einen
Zweig anbieten, an dem Sie
die Form eines speziellen Tools
namens Farbschemata festhalten die Form eines speziellen Tools
namens Farbschemata oder auch bekannt
als Farbpaletten. Ein Farbschema oder ein Gaumen ist einfach eine andere
Farbkombination. Es gibt bestimmte Arten von
Vereinbarungen, die getroffen wurden. Ein Designer kann Farben
fast wie in eine mathematische Aufgabe einfügen,
wenn er richtig gemacht wird. Durch diese Farbschemata
entstehen Paletten, die einheitlich und ansprechend
aussehen. Es gibt viele, viele verschiedene
Arten von Farbschemata. Für die Zwecke
dieses Kurses werden
wir jedoch nur sechs
der häufigsten behandeln. Das erste und einfachste ist ein
einfarbiges Farbschema. Um einen zu erstellen,
wählen Sie lediglich einen einzelnen Farbton
auf dem Farbrad aus. Farben: Indem Sie den
Wert und die Sättigung anpassen, werden
Sie feststellen, dass
Ihre Bilder eine sehr kohärente und eine einzige Note, kohärente und eine einzige Note,
eine Bewegung, erhalten. Wenn Sie also
eine sehr starke Botschaft
oder ein Merkmal
Ihres Charakters vermitteln möchten eine sehr starke Botschaft
oder ein Merkmal , ist ein
einfarbiges Schema
möglicherweise das Richtige für Sie, um ein
analoges Farbschema zu verwenden. Wähle einen Farbton und die beiden Farbtöne
daneben auf dem Rad. Viele Designer wenden die 16. 3010-Regel
an, um ein Gleichgewicht zu erreichen. Das bedeutet, dass die Hauptfarbe in 60% der Fälle verwendet
wird, und die anderen beiden Farben, normalerweise die
am Rand, sollten die restlichen
40% als Akzentfarben ausfüllen , wobei eine vielleicht für
kleine Details und
Highlights reserviert ist, genau wie
bei der Überwachung. Auch bei allen anderen Farbschemata steht es
Ihnen bei diesen Farbtönen frei, verschiedene Werte
und Sättigungen zu wählen. Wir werden etwas später behandeln, wie Sie
diese Entscheidungen treffen könnten . Aber lassen Sie uns vorerst weiterhin die grundlegenden Farbschemata
behandeln. Das kostenlose
Farbschema erfordert, dass Sie
eine Warteschlange auswählen und dann den Farbton wählen, der direkt gegenüber
auf dem Farbrad befindet. Die Grundfarbe soll
als Hauptfarbe im Bild verwendet werden , es handelt sich
jedoch um ergänzende
Farben, die als Akzente verwendet werden. Ein
Split-Complementary ähnelt seinem Vorgänger, bildet
jedoch ein kleines
Dreieck auf dem Rad, dem
jedoch die Hauptfarbe und zwei
Farben gegenüberstehen. Ein triadisches Farbschema ist eine Variante des geteilten
komplementären Schemas, aber die drei Farben sind gleichmäßig über
das Farbrad verteilt, sodass ein
gleichseitiges Dreieck entsteht. kann schwierig sein, das Gleichgewicht zu halten, also ist es besser, die
eine Farbe als Hauptfarbe zu verwenden und die andere Röhre in den Nebenrollen
arbeiten zu lassen. Und schließlich gibt es die Tetrade, die auch als
doppeltes komplementäres
Farbschema bezeichnet werden kann . Es hat zwei Farbpaare, die eine entgegengesetzte
entsprechende Farbe
haben, wodurch ein Rechteck
auf dem Farbrad entsteht. Dies führt normalerweise zu
einem kräftigen, lebendigen Blütenstaub , der
sich auch aggressiv absetzen kann. also vorsichtig vor
und versuchen Sie, hauptsächlich
eine Farbe zu verwenden , wobei die
andere als Akzente dient. Sie werden feststellen, dass es in
jeder dieser Paletten einen großen
Wertebereich zwischen den Farbtönen
gibt. Selten werden Sie jemals
eine Palette sehen, bei der all ihre verschiedenen Farbtöne auch die gleiche Intensität
und Helligkeit
haben. Warum? Nun, tun wir so
, als würden
unsere Farben in einem großen Kurs singen. Wenn all unsere Farben aus vollem Hals
singen würden . Am Ende haben wir
einen sehr chaotischen Kurs, auf
den wir uns nicht konzentrieren können. Es würde keine Harmonie geben. Und wenn unsere Farben
ihre Stimmen dämpfen würden, um leiser
und weniger gesättigt zu sein, können
wir bereits sehen, dass
sie beginnen, etwas besser zu klingen
und noch besser, wenn wir einer Stimme erlauben, lauter zu
singen als andere, haben
wir ein viel
interessanteres Ergebnis da wir jetzt den Kontrast
eingeführt haben. Und wie ich
in der gesamten Serie erwähnt habe, lieben
Menschen es, Kontraste zu betrachten. Die praktische Anwendung
besteht darin, nach
Möglichkeiten zu suchen , um Ihren Farbpaletten Kontrast
zu verleihen. Indem Sie einige
Farben wählen, um laut zu singen und andere Farben, um
leise im Hintergrund zu singen. Dies wird Ihnen helfen,
Harmonie innerhalb Ihrer
Farbpaletten zu erreichen. Jetzt, wo Sie über
Farbschemata Bescheid wissen und wissen,
wie man sie erstellt, denken
Sie vielleicht, dass
das so cool ist. Ich kann es kaum erwarten,
einen für meine Charaktere auszuwählen, aber woher weiß ich , welches Farbschema für meinen Charakter geeignet ist
? Hier können Sie Ihr Denken
aufsetzen und über
Ihre Charaktere aus
der Perspektive
ihrer Geschichten und
Persönlichkeiten nachdenken Ihre Charaktere aus
der Perspektive . Und dann versuche herauszufinden, ob
du
anhand der verschiedenen
Farbschemata, die du
kennengelernt hast,
diese Geschichten als Persönlichkeiten extrapolieren du
kennengelernt hast,
diese Geschichten als Persönlichkeiten anhand der verschiedenen
Farbschemata kannst.
Welches Farbschema passt am besten zur Welches Farbschema passt Persönlichkeit
deines Charakters? Entwerfen Sie
einen OneNote-Schwerpunkt, Charakter und Körper,
ein einzigartiges Merkmal. Denken Sie von innen nach außen an Traurigkeit von
Pixar, sie ist die Verkörperung eines
einzigartigen Merkmals, Traurigkeit. Und so passt eine einfarbige
Farbpalette perfekt zu ihrer Persönlichkeit. Oder vielleicht hat dein Charakter
es mit gegensätzlichen
Überzeugungen oder Wünschen zu tun und
muss eine Entscheidung treffen. Vielleicht könnte ein ergänzendes
Farbschema helfen
, diese Dichotomie innerhalb der Persönlichkeit Ihres
Charakters zu zeigen . Du kannst wirklich kreativ
werden, wenn es darum geht, wie du die verschiedenen
Farbschemata
interpretierst und wie du sie anhand
deiner Charakterdesigns interpretieren kannst interpretierst und wie du sie anhand
deiner Charakterdesigns interpretieren . Beim Entwerfen von Figuren
für Fernsehen oder Film lassen
Charakterdesigner oft
die gesamte Besetzung
eine ähnliche Palette haben . Oder stellt zumindest
sicher, dass es zwei oder drei Farben
gibt , die sich
durch die gesamte
Besetzung ziehen, sodass sie alle so aussehen, als ob sie
in derselben Welt existieren. So einfach, um zu
vermeiden, dass Weinfiguren und Ihre Besetzung so aussieht, als ob sie
nicht in Ihre Geschichte gehören. Ein weiteres äußerst
wichtiges Hilfsmittel, das Sie
bei der Auswahl der Farben
Ihrer Charaktere verwenden können,
besteht darin, sich an die Bedeutung
und Macht der Farbpsychologie zu erinnern . Beim Charakterdesign dreht sich alles
um Geschichtenerzählen. Und
beim Storytelling geht es darum, die Gefühle und Emotionen Ihres Publikums zu
manipulieren , um
Ihre Zuschauer am effektivsten dazu zu bringen Gefühle und Emotionen Ihres Publikums zu
manipulieren, um
Ihre Zuschauer am effektivsten dazu zu bringen, sich auf eine bestimmte Art und Weise mit
Ihren Designs zu identifizieren und zu
fühlen . Sie müssen wissen wie das
Gehirn Ihres Betrachters funktioniert und wie Sie
es nutzen können
, um die gewünschten Reaktionen hervorzurufen. Beispielsweise ist Rot eine Farbe, die in
unserem Gehirn so programmiert
wurde , dass sie Aufmerksamkeit erregt und
auch vor Gefahren warnen kann. Es ist eine leidenschaftliche Farbe und kann Gefühle von Entschlossenheit,
Liebe, Macht und Stärke
hervorrufen . Diese Farbe eignet sich hervorragend für
Protagonisten und Antagonisten, aber vielleicht nicht so sehr
für jemanden, der faul ist oder in seinem Leben nicht viel
los ist
oder viele Leidenschaften hat. Jeder Farbe
sind Eigenschaften zugeordnet. Und ich habe unten
eine Ressource
verlinkt, die jede Farbe und die
damit verbundenen Eigenschaften enthält. Diese Liste wurde unter Berücksichtigung der
westlichen Kulturen erstellt. Es ist sehr wichtig zu beachten, dass jede Kultur
unterschiedliche Assoziationen
für verschiedene Farben hat . In den Vereinigten Staaten ist
Weiß eine Farbe, die
oft
mit Ehe, Reinheit
und Unschuld in Verbindung gebracht wird . Wo in Indien Gelb mit sehr
ähnlichen Eigenschaften in Verbindung gebracht
werden kann . Wenn du einen Charakter
aus einem bestimmten Land entwirfst, könntest
du den
zusätzlichen Schritt wagen und herausfinden welche Farbassoziationen
dieses Land für die Farben
hat, die
du vielleicht auswählst. Eine andere Möglichkeit, die
Farbpsychologie
zu betrachten , besteht darin Farbkategorien und nicht
einzelne Farben
und einige Kategorien , die Sie möglicherweise in Betracht ziehen möchten. Oder Naturtöne, Juwelentöne, Pastelltöne sowie
warme und kalte Töne. mit
diesen Kategorien vertraut bist kann dir das helfen ,
die allgemeine Richtung zu finden Farbschema deiner Charaktere gehen soll. Dann kannst du
es von dort aus eingrenzen. Wenn ich z. B.
einen König oder eine Königin entwerfen würde, könnte
ich mich dafür entscheiden, mir die Farben
anzusehen, die unter Juwelentöne kategorisiert
würden. Und dann wähle mein
Farbschema von dort aus.
8. Schattierung, Textur und Muster: Sobald Sie
Ihre Liniengrafiken fertiggestellt haben, Ihre Farbschemata
ausgewählt haben, legen Sie Ihre flachen Farben fest. Du bist kurz
davor, mit deinem
Charakterdesign fertig zu sein. Der letzte Schritt besteht darin,
deinen Charakterdesigns Textur,
Schattierung und Muster hinzuzufügen . Diese kleinen Details werden
Ihr Design zum Funkeln bringen und Design ein wenig
Interesse und Geschichtenerzählen
verleihen Ihrem Design ein wenig
Interesse und Geschichtenerzählen
verleihen. Hier können Sie auch mit diesem Stil
und den Methoden
experimentieren , für die
Sie die Schattierung verwenden werden. Sie können
Lasso-Werkzeugverläufe oder
große, weiche Pinsel verwenden , um sanft Farbschichten
hinzuzufügen. Sie können sich
auch für Cel Shading entscheiden und
harte runde Pinsel verwenden , um große Schattenbereiche zu blockieren
. Diese Charakterdesigns
sind nicht
als hochgerenderte
digitale Gemälde gedacht . Versuchen Sie also, sich nicht
darin zu verirren,
jede Form auf schöne
und realistische Weise zu malen . Lassen Sie Ihre Linie arbeiten, erledigen Sie
die schwere Arbeit für Sie und Ihre Schattierung und
Farbe, die Textur und Muster akzentuieren und
unterstützen, können auch wirklich
mächtige Werkzeuge sein zusätzliche
Tiefe und Interesse zu
verleihen um Ihrem Geschichtenerzählen zusätzliche
Tiefe und Interesse zu
verleihen. Aufkleber und Logos auf einer Lunchbox für
Schulmädchen können
einem Zuschauer wirklich viel über ihre
Interessen und Hobbys erzählen . Aufwendige Muster,
die auf einen Royals-Umhang genäht können wirklich ein Gefühl
von Luxus und Dekadenz vermitteln, im
Gegensatz zu einem dreckigen, schlammigen, schmuddeligen Umhang, den
ein Bauer tragen könnte. Auch hier gilt: Eine durchdachte und
sorgfältige Planung deiner Charaktere und die Kenntnis
ihrer Geschichten in- und
auswendig ermöglichen es dir einfache, aber wichtige
Entscheidungen jeder Phase des Prozesses
einfache, aber wichtige
Entscheidungen zu
treffen,
wenn du sie alle zu einem schönen Design zusammenfügst. Ein Design, dessen
Teile
zusammenwirken , um eine
starke, klare Geschichte zu erzählen.
9. Demo: Willkommen zum
Demo-Teil unseres Kurses. Ich werde
dir zeigen, wie ich
meine
Charakterdesigns für Bösewichte und Helden fertiggestellt habe . werdet hier sehen, dass
ich tatsächlich
ein paar farbige Thumbnails
meiner Charaktere gemacht habe, nur um
sicherzugehen , dass die Farben
alle zusammenpassen. Damit ich es nicht
herausfinden musste, als ich sie
fertigstellte. Es ist wie das,
was ich
über das
Zeichnen und Passen gesagt habe. Ein farbiges
Thumbnail kann dir helfen einen Großteil der
Arbeit und des Nachdenkens bei der
Konzeption zu
erledigen , bevor du
tatsächlich eine Menge
Zeit mit dem Ausmalen verbringst und
dann das Gefühl hast, Oh nein, ich wähle die falsche Farbe. Jetzt muss ich sowieso zurückgehen
und es ändern. Also habe ich eine Variante des ergänzenden
Split-Schemas gemacht. Ich habe meine drei Farben
eher auf der wärmeren Seite und dann habe ich eine
Kreuzung daraus, diese bläulich-grüne Farbe, die ich in den
restlichen Paletten
verwende. Das ist also das
Farbschema, für das ich mich entscheide. Und ich werde sie
sowohl für meinen Helden als auch für meinen Bösewicht verwenden . Das allererste, was
ich tun werde, ist die größeren Farbflächen zu streichen. Sie werden hier sehen,
dass es sehr einfach ist. Ich habe den Bereich ausgerichtet und werde sie
dann
mit dem Gouache-Flow-Pinsel aus dem Max-Pack einfärben. Ich mache das einfach für jede
Farbe des Charakters. Weil dieser Pinsel
ziemlich durchscheinend ist. Es braucht ein paar Schichten , um die gewünschte
Undurchsichtigkeit zu erreichen. Also anstatt es jedes Mal
manuell durchzugehen und zu machen, dupliziere ich einfach die Ebene und gehe
dann zu den fleckigen
Stellen und fülle diese aus. Es ist ein einfacher Weg, das zu erledigen. Jetzt, wo ich alle
Farben ausgearbeitet habe, wirst
du sehen, dass ich sie
jeweils auf einer separaten Ebene habe. Und das mache ich, weil
es einfach einfacher diese Ebenen
zu sperren und sie später
einzeln zu schattieren. Aber jetzt fange
ich mit
der Linienkunst an und
mache alles in Schwarz. Und dann komme ich später zurück und wähle die Farben für meine
Lineart-Ebene aus. Aber hier benutze ich den Narendra-Bleistift und gehe
einfach rein und hier. Hier siehst du, dass ich
versucht habe herauszufinden,
ob ich diesem Pinsel
etwas mehr Druckempfindlichkeit verleihen könnte , da
es sich im Grunde
um einen
Rundpinsel mit bekannten Variationen handelt. Das ist mir nicht gelungen. Also ich, du wirst sehen, dass ich diese schnellen Schläge nicht
kriege, wie ich es bereits in der Klasse
erwähnt habe. Ich mag diesen Pinsel sehr, aber das erlaubt
mir nicht. Ich denke also, ich muss
wahrscheinlich meinen eigenen Pinsel
herstellen, der sich
wie der Narendra-Bleistift anfühlt, mir
aber
die schnellen und
sicheren Striche ermöglicht
, die man normalerweise
beim Liner haben die schnellen und
sicheren Striche möchte. Sobald mein Liner fertig ist, fange
ich an, ihn zu färben. Ich werde einfach meine Line-Art-Ebene
sperren. Und ich werde die
lokalen Farben für jeden Bereich auswählen. Und normalerweise wähle ich etwas, das etwas
gesättigter und
etwas dunkler ist als der Bereich, es gebürstet werden soll. Und ich fange einfach an, meine Strichzeichnungen so
auszufüllen dass sie
zu den Farben passen, die sie umgeben. In meinem persönlichen Stil bevorzuge
ich es, wenn meine Linienkunst
farblich variiert. Es wird also nicht nur
auf ihrer Haut sein wird nicht nur diese pfirsichfarbene Farbe haben. Ich gehe tatsächlich rein und in die Bereiche, die vor der Lichtquelle
abgeschirmt wären. Ich werde sie dunkler machen, ich werde
sie gesättigter machen. Ich finde, dass sich
gerade diese Farbverschiebungen wirklich zu
meiner, meiner Linienkunst summieren. Deshalb
empfehle ich wirklich, es auszuprobieren. Es macht auch wirklich Spaß, das zu machen. Der Liner ist fertig. Hier kann ich reingehen
und die Schattierung, die Schatten
und
die Textur in den Flush einarbeiten. Ich verwende wieder
den Max Pack Retro, den Max Pack Retro
Gouache-Pinsel. Und ich gehe einfach rein und
lege grundlegende Glanzlichter, Schatten und Rouge
auf der ganzen Farm auf. Nichts Verrücktes. Aber es tut, wie Sie sehen können, ich erwecke es wirklich
zum Leben und es
verleiht diesen Designs nur den letzten Schliff
, den diese Designs benötigen. Ich werde auch Muster
hinzufügen,
und du wirst in einer
Minute sehen, dass ich Dinge wie Dreck auf
ihre Stiefel und auf ihr Kleid füge,
um den
Eindruck zu erwecken, dass den
Eindruck zu erwecken, dass dieses Mädchen ein
Abenteuer ist und sie sich keine Sorgen
macht, dass ihre Kleidung schmutzig
wird. Sie mag es eher einfach das Leben zu genießen
und in der Natur zu sein. Ich werde dem
Bösewicht auch ein bisschen Dreck
hinzufügen . Und ich werde
besonders auf
seine Käferschale achten und sicherstellen,
dass meine Schale genug
Textur enthält. Es sieht also aus wie eine irisierende,
glänzende Käferschale. Es würde nicht wie ein Bug aussehen
oder als Bug rüberkommen wenn es nicht diese
Textur und die Highlights hätte. Hier
kann Textur also wirklich helfen
und Ihnen helfen, dass Ihre Designs aussehen und sich so anfühlen wie die tatsächlichen Materialien, die
Sie tragen möchten. Du wirst auch sehen, dass ich dem Bösewicht
einige magische Effekte
hinzugefügt habe . Und danach sind meine
Charakterdesigns fertig. Also danke, dass du zu mir gekommen bist. Ich hoffe, das war
hilfreich, um zu sehen, wie ich arbeite, und könnte
Ihnen möglicherweise bei Ihrem Arbeitsablauf helfen.
10. Schlussgedanken: Du hast es geschafft. Herzlichen Glückwunsch zum Abschluss meiner
Grundlagenserie zum Charakterdesign. Du solltest dir wirklich einen dicken Klaps auf die Schulter geben
. Oder wenn Sie
den ersten oder zweiten
Kurs dieser Reihe nicht besucht haben , ermutige
ich Sie wirklich,
zurückzukehren und diese zu belegen. gibt es so viel zu lernen und Während
dieser gesamten Reise gibt es so viel zu lernen und zu
verarbeiten. Und ich bin so stolz auf dich, dass du
es durchgehalten und die harte Arbeit geleistet hast, um
deine Designfähigkeiten zu verbessern. Ich bin so stolz auf
all deine harte Arbeit und ich hoffe, du bist es auch. Ich freue mich sehr, deine
fertigen Charakterdesigns zu sehen. Das war so eine Reise, die deine Charaktere vom Konzept bis zum Ende geführt hat. Und ich hoffe wirklich, dass die Tools, die Sie in dieser Serie
erworben haben zu einem Design
führen, auf das Sie wirklich stolz sind und das Sie
gerne präsentieren. Ich hoffe, dass Sie
ein großes
Erfolgserlebnis verspüren und dass Sie sich dabei
auch
ein wenig überfordert fühlen . Künstlerisches Wachstum wird
durch Durchhaltevermögen und Entschlossenheit schwer errungen . Lassen Sie mich Ihnen
also Applaus für Ihre gute Arbeit aussprechen. Alle Techniken und Prinzipien, die
Sie in
dieser Serie gelernt haben , werden wertvolle Werkzeuge im Toolkit Ihres
Designers sein. Und wenn Sie sie oft überprüfen, werden
Sie
auf Ihrem künstlerischen Weg weiter wachsen. Die Reise des Künstlers endet nie. Wenn du also jemals das Gefühl hast, auf deiner bevorstehenden
Reise auf
ein Hindernis zu stoßen , solltest du unbedingt zurückkommen und einige Dinge
überprüfen
, die dir vielleicht wieder in deinem Handwerk weiterhelfen und
dir helfen , deine Designs auf ein ganz neues Level
zu heben. Bitte teilen Sie Ihre
abgeschlossenen Projekte und die Galerie unten mit. Und wenn du vorher um Kritik
bitten möchtest, im
Diskussions-Tab
danach oder mich auf
Instagram oder Twitter gefragt hast, gebe
ich gerne Feedback. Und wenn du
sie online teilst, vergiss auch
nicht, mich in dem Beitrag zu markieren,
den du teilst. Dies war der dritte
und letzte Teil meiner Serie über die Grundlagen des
Charakterdesigns. Vielen Dank, dass Sie mich
auf dieser Reise begleitet haben. Wenn Sie bitte
eine Bewertung hinterlassen würden, die meinen Klassen wirklich hilft, zukünftige Schüler zu erreichen
. Und wenn Sie über meine zukünftigen Kurse auf
dem Laufenden bleiben möchten, stellen Sie sicher, dass Sie
mir hier auf Skillshare und auch auf meinen anderen
Social-Media-Plattformen folgen . Nochmals vielen Dank und wir
sehen uns im nächsten.