Grundlagen des Charakterdesigns Teil 3: Farbe und Linienarbeit | Emma Gillette | Skillshare
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Grundlagen des Charakterdesigns Teil 3: Farbe und Linienarbeit

teacher avatar Emma Gillette, Freelance Illustrator

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Einheiten dieses Kurses

    • 1.

      Kurs-Einführung

      3:24

    • 2.

      Dein Projekt

      2:47

    • 3.

      Digitale und traditionelle Materialien

      3:38

    • 4.

      Linienqualität und wie man sie verwendet

      9:26

    • 5.

      Stilisierung

      2:06

    • 6.

      Lineart Tipps und Tricks

      6:21

    • 7.

      Farbschemata und Charakterdesign

      9:00

    • 8.

      Schattierung, Textur und Muster

      1:48

    • 9.

      Demo

      9:05

    • 10.

      Schlussgedanken

      2:17

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

241

Teilnehmer:innen

9

Projekte

Über diesen Kurs

Lerne, wie du schöne Farbe, Stilisierung und Linienarbeit zu deinen Charakterdesigns hinzufügen kannst! Dies ist der letzte Kurs in einer dreiteiligen Reihe über die Grundlagen des Charakterdesigns! In dieser Serie teile ich mit dir alles, was ich in der Kunstschule über Charakterdesign gelernt habe. In Teil 1 hast du gelernt, wie du ein solides und interessantes Charakterdesign konstruieren kannst. Im zweiten Kurs hast du alles über Gesten und Ausdruck gelernt. In diesem dritten und letzten Kurs der Serie wirst du sie schließlich mit Farbe und line abschließen. Am Ende dieses Kurses wirst du alle Werkzeuge haben, die du brauchst, um erstaunliche Designs zu erstellen und kraftvolle Geschichten zu erzählen!

In diesem dritten Kurs in meiner Serie lernst du über Linienarbeit und Farbe. Es gibt so viel mehr, was du einem Betrachter über deine Figuren mit den Farben vermitteln kannst, die du wählst. Und durch die bewusste Verwendung von Linienarbeit kannst du eine mittelmäßige Skizze in ein schönes Kunstwerk verwandeln.

Was wir behandeln werden:

  • Line und seine verschiedenen Anwendungen
  • Wie du eine Hierarchie in deinem Lineart erstellst
  • Digitale und traditionelle Materialien für Lineart
  • Stilisierung
  • Lineart Tipps und Tricks
  • Grundlagen von Paletten und Farbschemata
  • Wie man mit Schattierung, Textur und Mustern poliert
  • Sieh dir eine Demonstration an, um das Material besser zu verstehen

Ich werde am Ende des Kurses eine Demonstration machen, wie ich meinen Helden und Bösewicht Charakter Farbe und Lineart hinzufügt.

Deine Aufgabe ist es, auch die Designs deiner Helden und Bösewicht mit Farbe und Linienarbeit zu vervollständigen!

Teile deine color oder Bilder in Arbeit in der Diskussions-Registerkarte, wenn du Feedback und/oder Kritik möchtest!

Bitte teile deine character und ihre Silhouetten in der Projekt-Galerie.

Ich kann es kaum erwarten, zu sehen, was du in diesem Kurs erreichst! Vergiss nicht, mich auf Instagram oder Twitter zu taggen, wenn du deine Arbeit dort teilst.

Wenn du Fragen oder Feedback hast, scheue dich bitte nicht, dich im Diskussionsbereich zu melden. Ich kann es kaum erwarten, deine Projekte zu sehen!

Digitales Zubehör:

Traditionelle Materialien:

Triff deine:n Kursleiter:in

Teacher Profile Image

Emma Gillette

Freelance Illustrator

Kursleiter:in

Hello, I'm Emma!

I'm a freelance children's literature illustrator from the US. My clients include Disney, Random Penguin House, National Geographic, and American Girl among others. My husband (who is also an illustrator) and I own our small illustration business together, and love creating art for our amazing and exciting clients, and love the flexibility that careers in freelance illustration offer us.

I love sharing my professional and personal work on Instagram, and also share the in and outs of what it's like to be a wife, mother, and illustrator over on Youtube and Tiktok, so feel free to check out what I'm doing over on those platforms as well!

If you have any special recommendations for future classes, please feel free to write me an email at emmahg... Vollständiges Profil ansehen

Level: Beginner

Kursbewertung

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Transkripte

1. Kurs-Einführung: Wer liebt kein gutes Charakterdesign, wer ist nicht begeistert von einer Figur auf der Leinwand , die visuell fesselt und die sich auf emotionaler Ebene wirklich mit dem Betrachter verbindet . Die Wirkung, die Ihre Designs auf andere haben können , ist wirklich einzigartig und besonders. Fast wie eine Supermacht. Einen Charakter zu entwerfen macht Spaß und ist aufregend, aber es kann sich auch ein wenig entmutigend anfühlen , wenn dir die grundlegenden Gesetze einer guten Charaktergestaltung nicht beigebracht wurden . Willkommen zur Character Design Fundamental-Serie. Mein Name ist Emma Gillette und ich bin eine professionelle Vollzeit-Illustratorin mit Erfahrung in der Verlags- und Animationsbranche. Ich habe einen BFA-Animations - und Art Director bei dem für den Emmy nominierten Studenten Kurzfilm Typ T2. Ich arbeite seit fünf Jahren als Illustratorin und zu meinen Kunden gehörten unter anderem Disney, Random Penguin House und Random Penguin House und American Girl. Dies ist der dritte und letzte Teil meiner Reihe über die Grundlagen und Grundlagen des Charakterdesigns. In dieser Serie führe ich Sie durch alle grundlegenden Regeln und Prinzipien, die ich an der Kunstschule gelernt habe. In der ersten Klasse haben Sie alles über grundlegende Konstruktions - und Formensprache gelernt . Du hast zwei Charaktere entworfen, einen Helden und einen Bösewicht. In der zweiten Klasse haben wir gelernt, wie Sie Ihre Designs in dynamische und ausdrucksstarke Gesten umsetzen können. In dieser dritten Klasse können wir jetzt all diese Skizzen aus den beiden vorherigen Klassen nehmen und sie mit farbigen Linern zum Funkeln bringen. Wenn du die anderen Klassen dieser Reihe nicht besucht hast, mach weiter und drücke Pause, nimm zuerst an diesen Kursen teil und kehre dann zu diesem zurück, da du deine Helden- und Bösewicht-Charaktere entwerfen musst, um das Klassenprojekt für diese Klasse abzuschließen. Ich empfehle auch dringend, meinen zweiten Kurs zu besuchen deine Helden- und Bösewicht-Charaktere entwerfen musst , um das Klassenprojekt für diese Klasse abzuschließen. Ich empfehle auch dringend, . Die Serie behandelt alle grundlegenden und grundlegenden Prinzipien der Charaktergestaltung. Diese Grundlagen sind Handwerkszeug, das jeder erfahrene und erfahrene Charakterdesigner auswendig kennt. Und bald wirst du es auch. In diesem dritten Teil meiner Grundlagenserie lernst du, wie du deine Skizzen polierst, sie mit schönen Farben und ansprechender Linienführung zum Strahlen bringst. Es gibt noch so viel mehr, was du deinem Zuschauer über deine Charakterdesigns mitteilen kannst über deine Charakterdesigns indem du einfach die Farben wählst. Und indem du bewusst Strichzeichnungen verwendest, kannst du aus einer mittelmäßigen Skizze ein wunderschönes Kunstwerk machen. Kombiniert mit den Prinzipien, die du in den anderen beiden Kursen gelernt hast, kannst du, wenn du mit dieser Serie fertig bist , eine Idee vom Konzept zur Skizze und schließlich zu einem schönen Kunstwerk machen, und schließlich zu einem schönen Kunstwerk das eine klare und kraftvolle Geschichte erzählt. Das heutige Klassenprojekt besteht darin, deine Helden- und Charakterdesigns mit Linienführung und Farbe fertigzustellen . Der Stil des Liners und Färbetechniken liegen bei Ihnen. Es werden also keine zwei Projekte gleich aussehen. Ich werde verschiedene Stile, Techniken und Tricks vorstellen, die Sie verwenden können, um zu entscheiden , wie Sie Ihre Designs angehen möchten. Wenn Sie Ihre eigene Designreise beginnen oder einige Fähigkeiten auffrischen möchten. Das ist die Serie für dich. Wenn Sie diese Werkzeuge, die Sie in meiner Serie gelernt haben, konsequent anwenden diese Werkzeuge, die Sie in meiner Serie gelernt haben, , können Sie jedes neue Designprojekt mit Zuversicht angehen und wissen, dass Sie mit Ihren Entwürfen klare und aussagekräftige Geschichten erzählen können . Und dass Sie dabei mit jedem neuen Projekt, an dem Sie teilnehmen, als Künstler wachsen. Ich freue mich sehr, deine Charakterdesigns in ihrer endgültigen Form zu sehen . Also lasst uns anfangen. 2. Dein Projekt: Am Ende dieses Kurses werden Sie Ihr Wissen über die Verwendung von Strichzeichnungen und die Prinzipien der grundlegenden Farbgestaltung unter Beweis stellen die Verwendung von Strichzeichnungen und die Prinzipien der , indem Sie den Helden und Bösewicht, die Sie im ersten Teil entworfen haben, oder die Gesten, die Sie für sie gemacht haben, teilweise zu den Zeichnungen verwenden, die Ihnen von den beiden am besten gefallen haben. Sie werden sie mit den Werkzeugen, die Sie in diesem Kurs lernen , mit Farben und Linien abschließen . Wenn Sie das Kursmaterial verstehen, werden Sie am Ende wunderschöne und Rick-Charakterdesigns erhalten, die durchdacht und zielgerichtet aussehen. Das Projekt für diesen Kurs ist aufregend weil es der Höhepunkt all der hart erarbeiteten Kenntnisse und Fähigkeiten ist , die Sie im Laufe dieser Serie erworben haben. Das Ziel ist ein Charakterdesign, haben. Das Ziel ist ein Charakterdesign das in seiner Geschichte kohärent ist, wobei alle Werkzeuge und Fähigkeiten verwendet werden, die Sie in dieser Serie erworben haben, von der Fähigkeiten verwendet werden, die Sie in dieser Serie erworben haben, grundlegenden Formensprache bis hin zu Gesten und schließlich Farbe und Linienführung, während du die Prinzipien , die du in dieser Serie gelernt hast, übst und anwendest , die du in dieser Serie gelernt hast, wirst du weiter wachsen und dein Können als Charakterdesigner für dieses Unterrichtsprojekt weiterentwickeln als Charakterdesigner für dieses Unterrichtsprojekt Ich werde Procreate auf dem iPad Pro verwenden. Sie können jedoch jedes digitale Programm oder jedes traditionelle Medium verwenden oder jedes traditionelle Medium , das sich für Sie am wohlsten anfühlt. Wenn Sie neugierig sind, welche Pinsel ich in meinem Klassenprojekt verwende, können Sie mir am Ende dieses Kurses dabei zusehen, wie ich eine Demo davon mache am Ende dieses Kurses dabei zusehen, wie ich eine Demo davon Ich werde sie unten im Beschreibungsfeld verlinken. Ich werde sie auch etwas später im Unterricht durchgehen . Die Tipps, die ich teile, sind, auch wenn die Pinsel nicht die gleichen sind wie in anderen Programmen, auf jedes andere Programm wie Photoshop oder Clip Studio Paint übertragbar . Die meisten digitalen Programme haben den gleichen Ablauf. Ich werde auch meine Empfehlungen für die Ausrichtung der Tools geben , die Sie verwenden können, wenn Sie traditionelle Methoden verwenden. Und diese werden auch unten verlinkt. Wenn Sie neugierig sind, wenn Sie Ihr Projekt abgeschlossen haben, teilen Sie es bitte unten in der Projektgalerie mit. Ich würde mich freuen, Ihre Designs zu sehen. Wenn Sie nach Kritik suchen, fragen Sie bitte auch danach. Kritik zu erhalten, ist wie immer der beste und schnellste Weg, um als Künstler zu wachsen. Also scheuen Sie sich nicht zu fragen. Auch wenn du dein Stück auf Instagram oder Twitter teilst, vergiss nicht, mich mit meinem Nutzernamen zu taggen. Ich würde es gerne mit meinen Zuschauern auf diesen Plattformen teilen . Und ich liebe es, einen Blick hinter die Kulissen oder Skizzen zu werfen, wenn Sie dort auch an Ihren Projekten arbeiten. Und wie immer stehe ich auch auf diesen Plattformen für Kritik zur Verfügung. Ich gebe gerne Verlosungen und das habe ich schon einmal in meinen Instagram-Stories gemacht . Lassen Sie uns also über Tools sprechen. 3. Digitale und traditionelle Materialien: Es gibt so viele großartige digitale Kunstprogramme, aber ich verwende hauptsächlich Procreate und manchmal Photoshop. Das Klassenprojekt und Procreate auf dem iPad Pro abgeschlossen . Du wirst mir am Ende des Unterrichts beim Ausmalen zusehen. Wenn ihr neugierig seid, welche Pinsel ich verwendet habe, werdet ihr sehen, dass ich hauptsächlich die Gouache Flow und die Flow Rough Pinsel aus dem Retro-Max-Pack von Max verwende die Gouache Flow und die Flow Rough Pinsel aus dem Retro-Max-Pack von Max , die ihr hört. Ich verwende diese für den Großteil meiner Farben. Zum Auskleiden. Ich verwende den Narendra-Bleistift , einen einfachen Procreate-Pinsel. Und für Zeiten, in denen ich die Deckkraft meiner Farben besser vermitteln wollte als das, was mir die Max-Pinsel erlauben, kann die Deckkraft meiner Farben besser vermitteln wollte als das , was mir die Max-Pinsel ich den Waschpinsel verwenden , der auch ein einfacher Procreate-Pinsel ist. kann ich die Opazität einfach besser ändern als bei den anderen. Ich persönlich mag die Textur, die Gouache-Simulationspinsel bieten, aber Sie mögen sie vielleicht nicht für Ihren persönlichen Stil. Verwenden Sie also die Pinsel, die Ihnen am besten gefallen. Ich hinterlasse auf der Registerkarte Ressourcen einen Link zu den Pinselsets von Max, falls Sie daran interessiert sind , sie sich anzusehen. Ich denke, sie sind wirklich ein großartiges Grundnahrungsmittel für jeden Illustrator, der Procreate verwendet. Für diejenigen unter Ihnen, die Ihre Projekte traditionell angehen, gute Papierstifte und helfen Ihnen gute Papierstifte und Malutensilien dabei die bestmöglichen Ergebnisse zu erzielen. Für die meisten Mediane eignet sich ein schweres Mixed-Media-Papier . Oder wenn Sie Marker auf Alkoholbasis verwenden möchten, ein speziell für einen Marker hergestelltes Papier Marken wie Prismacolor oder Copic helfen Ihnen dabei, Blutungen zu vermeiden. Da wir in Cancun eine hohe Qualität haben, werden wir einen großen Unterschied machen, wenn es darum geht den Liner für dein Charakterdesign zu gestalten. Es stehen viele Optionen zur Auswahl, aber ich denke, dass der beste und einfachste Stift für Anfänger die Pentel Point Liner-Serie ist. Diese Stifte sind in einer Vielzahl von Größen erhältlich also ein paar verschiedene Stifte schnappen können Sie so ziemlich jedes gewünschte Glück erzielen. Wie Sie sehen können, habe ich viel zu viele dieser Stifte. Ich liebe sie so sehr. Wenn Sie etwas ausprobieren möchten, das etwas Geschicklichkeitsorientierter ist, sollten Sie es mit einem Pinselstift im japanischen Stil versuchen. Diese eignen sich hervorragend, um glatte, fließende Linien zu erhalten , deren Dicke sich nahtlos ändern kann. Es gibt auch viele Marken dafür, aber ich mag meine Marke Pentel genauso wie jede andere Marke da draußen. Diese sind cool , weil Sie sie auch mit neuen Tintenpatronen nachfüllen können. Es kann jedoch viele Stunden dauern, sich an die Verwendung eines Pinselstifts zu gewöhnen . Also sei dir dessen einfach bewusst. Es ist möglicherweise kein guter Stift für dieses Projekt, wenn Sie gerade erst anfangen. Wenn Sie für Ihr traditionelles Stück farbige Strichzeichnungen erstellen möchten, anstatt nur schwarze Tinte zu verwenden, müssen Sie ein wenig kreativ werden. Du kannst entweder einen Farbstift verwenden , den du sehr scharf hältst, oder du könntest einen Pinsel mit feiner Spitze verwenden und Acryl-Gouache verwenden, die du nicht wirklich verwässert hast. Oder du könntest schick werden und eine der wirklich schönen indischen Tuschen verwenden. Und ich denke an Stifte, die es gibt, es gibt viele verschiedene Optionen, aus denen Sie wählen können. Welche Mischung auch immer für Sie am besten geeignet ist. Experimentiere und hab Spaß. Traditionelle Medien können anfangs etwas beängstigend sein , aber sie machen wirklich Spaß und sie haben mir geholfen , aus meinem Kopf zu geraten und vielleicht ein bisschen weniger perfektionistisch wie ich es mit meiner digitalen Kunst mache. Ich kann das also auf jeden Fall jedem empfehlen , der sich vielleicht selbst pushen möchte. Oder wenn Sie dieses Mal digital arbeiten, kommen Sie zurück und machen Sie den Kurs erneut, aber mit einem traditionellen Medium. Wie bei den digitalen Pinseln alle traditionellen Werkzeuge werden alle traditionellen Werkzeuge , die ich erwähnt habe, unten aufgeführt. 4. Linienqualität und wie man sie verwendet: Ein häufiger Ausdruck, den Charakterdesigner verwenden werden , ist Linienqualität oder Linienstärke. Diese sind dasselbe und beziehen sich einfach auf die Dicke oder Intensität einer Linie und einer Zeichnung. Dicke Linien haben ein höheres visuelles Gewicht als dünne Linien. Das Gleiche gilt für dunkle Linien im Vergleich zu hellen Linien. Eine Zeichnung ohne Linienqualität weist Linien auf, die in der gesamten Zeichnung dieselbe Dicke aufweisen. Haben Sie gesehen, wie langweilig und langweilig diese Zeichnung vorher aussieht, konnten Sie vielleicht nicht genau warum diese Zeichnung glanzlos erscheint. Aber vergleichen wir es jetzt mit einer Zeichnung mit guter Linienqualität. Die Linien in dieser Zeichnung variieren in Dicke und Dicke. Jede Zeile hat einen Zweck und ein Gewicht. Das Auge bewegt sich sanft von Ort zu Ort auf dem Forum, scheint echtes Gewicht zu haben und scheint sich sogar im Raum vorwärts und rückwärts zu bewegen. Machen Sie keinen Fehler. Die Entscheidungen, wo eine dicke Linie und eine dünne Linie platziert werden sollten, wurden nicht planlos oder willkürlich getroffen. Schauen wir uns dieselbe Zeichnung mit achtlos gemachter Linienstärke an. Wie Sie sehen, ist eine Zeichnung nicht gut oder ansprechend, nur weil Sie eine Variation der Linienstärke haben Zeichnung nicht gut oder ansprechend, nur weil Sie eine Variation der Linienstärke . Was unterscheidet diese beiden Zeichnungen? Nun, die Person auf der linken Seite versteht , dass die Verwendung von dicken und dünnen Linien einer Zeichnung nichts nützt, wenn sie nicht im Verhältnis zueinander verwendet werden. Eine wirklich dicke Linie auf den Arm eines Charakters zeichnen , ohne darüber nachzudenken warum oder was die anderen Linien, die ihn umgeben , im Verhältnis zueinander tun. Es ist nur ein Zauberspruch für Katastrophe und Chaos. Die Linke versteht, dass Liner eine Praxis und Organisation ist , die dicke Linien verwendet, um Wichtigkeit, Nähe, Gewicht und Schatten zu kennzeichnen . Und dünne Linien stehen für Unwichtigkeit, Distanz und Licht. Die praktischen Anwendungen der Linienführung zu kennen und zu verstehen, ist bei der Gestaltung von Charakteren äußerst wichtig. Ich glaube, dass es hauptsächlich vier Möglichkeiten gibt , die leichte Methode der ersten Zeile zu verwenden, um zu betonen und zu verringern. Zweite Linienstärke, um die Nähe zum Betrachter auszudrücken. Dritte Linienstärke, um Form auszudrücken und abzuwarten. Und schließlich die Linienstärke, um den Eindruck von Licht und Schatten zu erwecken. Die erste Möglichkeit, die Linienstärke zu verwenden, besteht darin, bestimmte Bereiche Ihres Designs entweder zu betonen oder zu schwächen. So wie wir in den beiden vorherigen Kursen gelernt haben, die Aufmerksamkeit unseres Publikums mithilfe kontrastierender Elemente zu lenken . Das Gleiche kann mit der Linienkunst gemacht werden. Wenn Sie innerhalb Ihrer Zeichnungen eine visuelle Hierarchie einrichten , wissen Ihre Betrachter, was wichtig ist um anzuhalten und was zu überfliegen ist. Durch das Platzieren von dicken oder dunklen Linien, die von hellen oder dünnen Linien umgeben sind, entsteht ein Kontrast. Weil wir Menschen darauf programmiert sind, nach Kontrasten zu suchen. Dies signalisiert Ihrem Betrachter, dass diese Linie im Verhältnis zu den anderen sie umgebenden Linien sehr wichtig ist. Indem Sie sorgfältig entscheiden, wo Ihre dicken und dünnen, hellen und dunklen Linien konzentrieren möchten, können Sie einen Schwerpunkt oder Interessenbereich festlegen Interessenbereich auf den Ihr Betrachter seine Aufmerksamkeit richten kann. Ein kleiner Tipp. Beim Charakterdesign möchtest du normalerweise, dass dein Publikum dem den Händen deines Charakters die meiste Aufmerksamkeit schenkt Gesicht und den Händen deines Charakters die meiste Aufmerksamkeit schenkt. Dies ist jedoch keine feste Regel. Es kann viele Fälle geben , in denen Sie das Gesicht aus Gründen der Geschichte weniger betonen möchten . Zum Beispiel, wenn Sie möchten, dass die Identität des Charakters verdeckt wird, oder wenn Sie möchten, dass sich der Betrachter auf ein Kostümelement oder ein Objekt konzentriert , das er in der Hand hält. Vielleicht befindet sich dein Charakter mitten in einer Aktion. Vielleicht schwingt er ein Schwert und Sie möchten, dass die Aktion des Schwertes, das sich durch die Luft schneidet, betont wird. Nehmen Sie sich immer Zeit, um über die Botschaft und Geschichte nachzudenken , die Sie zu vermitteln versuchen, und ziehen Sie Ihre Grenzen entsprechend. Die zweite Anwendung der Linienstärke besteht darin , Nähe und Entfernung auszudrücken. So wie Sie Ihre Zeichnung vom Wichtigsten zum Unwichtigen organisieren können , können Sie auch eine Hierarchie erstellen, die Tiefe und Perspektive vermittelt. Dicke und dunkle Linien fallen dem Betrachter ins Auge. Diese Linien erscheinen dem Betrachter immer am nächsten, während dünne Lichtlinien aus dem Blickfeld zu verschwinden scheinen und so den Eindruck erwecken, so den Eindruck erwecken weit vom Betrachter entfernt zu sein. Sie können dies zu Ihrem Vorteil nutzen und Ihrem Charakter das Gefühl geben Ihrem Charakter das Gefühl in Raum und Tiefe zu existieren. Arme und Beine, die dem Betrachter abgewandt sind können etwas heller gezeichnet werden, sodass sie nach hinten geschoben werden. Dadurch sieht der Charakter noch mehr so aus, als würde er sich vom Betrachter abwenden. Umgekehrt, wenn du eine Figur hast , die nach dem Betrachter streckt, ihre Hand in dunklen, dicken Linien zu zeichnen hilft es, ihre Hand in dunklen, dicken Linien zu zeichnen, um den Eindruck zu erwecken, dass er die vierte Wand durchschlägt und in den Raum des Betrachters kommt. Dies ist ein sehr mächtiges Werkzeug, das Ihnen hilft, Ihren Charakter in der Realität zu verankern und ihm das Gefühl zu geben, ein Lebewesen zu sein, das in der realen Welt existiert. Sie werden erstaunt sein, wie diese einfache Anwendung Ihre Zeichnungen wirklich verändern und verbessern kann. Die Linienstärke kann auch verwendet werden, um einen Charakter so aussehen zu lassen, als ob er ein Forum hat. Oder mit anderen Worten, sehen aus, als wären sie ein dreidimensionaler Strahl. Dies ähnelt der vorherigen Anwendung von Nähe und Entfernung, wird jedoch etwas nuancierter verwendet. Lassen Sie uns mit einem einfachen Beispiel beginnen wie Sie es verwenden können, um auszudrücken, denn dieser Zylinder scheint bereits eine Form zu haben indem Sie die Grundkonstruktion und die Verwendung von Perspektive verwenden. Es kann jedoch bis zu einer Stufe höher sein, wenn Sie die Linienstärke verwenden. Der dem Betrachter am nächsten gelegene Bereich dieses Zylinders ist dieser Bereich hier in der Mitte und Freund. Während der Mittelteil im Hintergrund und die Linien an den Außenkanten vom Betrachter weg oder am weitesten weg gekrümmt sind. Wir können dazu beitragen, dass sich diese Krümmung noch realistischer anfühlt , indem wir die Linien so verjüngen, dass der dickste Punkt hier in der Mitte beginnt und langsam dünner wird, wenn sich ein Zylinder wegkrümmt. Für einen zusätzlichen Effekt können wir kürzere Innenlinien verwenden. Länger und enger beieinander angeordnet. Je weiter sie sich entlang dieser Kurve vom Betrachter entfernen. Diese kleineren Innenlinien können auch verwendet werden, um weiche oder plüschige Farmen , die möglicherweise abgerundete Ecken haben, zum Ausdruck zu bringen. Anstatt eine harte Linie zu zeichnen, die den Eindruck einer scharfen Ecke erwecken würde , diese kleinen, leicht hakenförmigen lassen diese kleinen, leicht hakenförmigen Linien diese Kante weich aussehen. Diese Techniken eignen sich gut für Zeichnungen, die nicht farbig sind oder nur minimale bis gar keine Schattierung aufweisen. Mit all diesen Anwendungen können wir jetzt ein sehr glaubwürdig aussehendes zylindrisches Kissen zeichnen . Nehmen Sie sich etwas Zeit, um diese Übung mit einer Vielzahl von Grundformen und Formen zu üben. Denn sobald Sie diese Übung an einfachen Formen beherrschen , wird es jetzt einfach sein, sie auf die menschliche Form zu übertragen. Anhand dieser Grundformen ist der menschliche Körper fest. Sie werden sehen, wo Sie jetzt die Krümmung der Gliedmaßen, des Rumpfes, die vielen Gesichtszüge und mehr betonen können. Dies ist eine schöne und einfache Möglichkeit, Ihren Designs einen Hauch von Raffinesse und Schönheit zu verleihen. Eine weitere Möglichkeit, Ihren Designs das Gefühl zu geben, dass sie sich wie echte, lebendige und fleischige Objekte anfühlen, besteht darin, ihnen Gewicht zu verleihen. Die Magie von Liner besteht darin, dass wir die Schwerkraft einfach durch die Dicke und Intensität unserer Linien nachahmen können Schwerkraft einfach durch die Dicke . Wenn Sie einfach die Unterseite eines Arms oder die Stelle, an der der Körper auf einem Objekt ruht, etwas Dicke hinzufügen Arms oder die Stelle, an der der Körper auf einem Objekt ruht, sofort der Eindruck , dass diese Seite der Figur schwerer ist als die andere Seite. Oder gib dem Charakter das Gefühl , dass der Charakter viel Gewicht auf den Fuß oder die Hand legt als auf die andere. Erinnerst du dich an das Hip-Pop-Beispiel aus der vorherigen Klasse? Eine weitere Möglichkeit, diesen Effekt zu betonen, besteht darin, die Linien des tragenden Fußes dicker zu gestalten des tragenden Fußes dicker als die Linien des ruhenden Fußes. Dies ist eine kleine, aber durchdachte Methode, um diese Geste noch besser als zuvor zu kommunizieren. Diese Technik ist sehr praktisch, wenn Sie etwas Großes und Heftiges zeichnen und der Betrachter dieses Gewicht wirklich spüren lassen möchte . Es kann auch verwendet werden, um etwas leicht und luftig erscheinen zu lassen, solange die verwendeten Linien dünn und leicht sind. Im Gegensatz zu den Linien darunter wird es gefiedert und spät erscheinen. Die vierte Möglichkeit, Liner zu verwenden, besteht darin , den Eindruck von Licht und Schatten zu erwecken. Dunkle, dicke und durchgezogene Linien deuten auf Schatten oder mangelnde Lichteinwirkung hin. Dünnes Licht und eine kaputte Linse scheinen jedoch einer starken Lichtquelle ausgesetzt zu sein . Diese Technik eignet sich besonders für Zeichnungen , bei denen Linien unscharf sind oder die kaum bis gar keine Schattierung aufweisen. Einige Künstler wie Mike Mignola werden ganze Bereiche schwarz verdunkeln, um Schattenbereiche zu kennzeichnen. Wem das jedoch zu extrem für Ihren Geschmack ist, können Sie nur ein paar Linien und die nächsten und Spalten Ihres Designs verwenden . Kostüm dieses Charakters hat viele kleine Stellen, an denen sich das Kostüm von der Haut löst, sogar Bereiche, die vor dem Licht abgeschirmt sind. Es gibt auch Stellen an ihrem Körper wie in deinen Ohren, unter ihrem Kinn und in ihrer Handbewegung, an denen kleine Linien nahe beieinander erscheinen können, die den Anschein von Schatten und Form erwecken können. diese Weise können Sie Ihren Designs auf einfache Weise Tiefe und Interesse verleihen . Wenn dir das nach einer Menge Arbeit erscheint und du dir nicht sicher bist, wie du all diese Techniken auf deine Charakterdesigns anwenden wirst . Vielleicht ist jetzt ein guter Zeitpunkt, um eine Pause zu machen und die Linienarbeit ein bisschen zu üben. Zu diesem Zweck habe ich auf der Registerkarte Ressourcen fünf Übungen für Sie zum Herunterladen und Verwenden zusammengestellt. Diese Dateien können entweder für die traditionelle Praxis gedruckt oder auf eine digitale Leinwand gelegt werden. Üben Sie zunächst Ihre Fähigkeit, unterschiedliche Lichtstärken und Intensitäten zu erreichen. Und in der zweiten Übung versuchen Sie, die Formengruppe so aussehen zu lassen, als ob sie sich korrekt im Raum und im Verhältnis zueinander bewegt . der dritten Übung wird untersucht, wo die Lichter auf jedes Objekt zeigen, wie nah oder weit sie entfernt sind. Und füge passende Strichzeichnungen hinzu. Und die vierte Übung, gib dein Bestes, damit die verschiedenen Kissen dreidimensional aussehen und warten. Und dann die letzte Übung: Kombinieren Sie alle vier Anwendungen für das Charakterdesign, um optimale Ergebnisse zu erzielen. Wenn du fertig bist, fange mit den Charakteren von vorne an und schau, ob du deine Technik ein zweites Mal verbessern kannst . 5. Stilisierung: Da Sie nun mit diesen Anwendungen für Strichstärke vertraut sind , ist es wichtig zu beachten , dass nicht jede Strichzeichnung , die Sie verwenden müssen, alle. Sie können wirklich alle oder keine davon verwenden je nachdem, was Ihr Projekt ist und was Ihre Bedürfnisse sind. Das Wichtigste, an das Sie sich bei all dem erinnern sollten , ist, dass es nur um Hierarchie geht. Sie können Ihre Hierarchie sortieren lassen. Dann wird es, egal welche Techniken Sie verwenden, gewollt aussehen. Dies kann Ihnen bei Ihrer persönlichen Suche nach Ihrem eigenen Stil oder bei der Erkundung neuer Stilisierungen helfen . In diesem Stück gibt es z. B. In diesem Stück gibt es nur drei oder vier verschiedene Variationen und Strichstärken. Die größten dunkelsten Linien sind die äußeren Linien, die den Umfang des Charakters ziehen. Dann gibt es die zweitgrößten Linien , die die darin enthaltenen Hauptformen umreißen. Und dann werden die kleinen Details in der kleinsten Größenlinie gemacht. Dieses Design verwendet eigentlich keine der Techniken , die wir gerade besprochen haben. Und doch folgt es seiner eigenen Hierarchie und sieht daher zusammenhängend und interessant aus. Sobald Sie sich für die Hierarchie Ihrer Linienarbeit entschieden haben, öffnet sich Ihnen wirklich die Welt, was die Stilisierung und die Art und Weise angeht , wie Ihr Stück Sie einzigartig und interessant aussieht. Es gibt keine richtige oder falsche Art Liner zu machen, und Sie fühlen sich vielleicht mehr zu bestimmten Stilen der Linienführung hingezogen als zu anderen Stilen. Sie können voll und ganz auf Comic, Schwarz-Weiß, wirklich intensive Schattierungslinien setzen. Oder Sie könnten sich zur Veranschaulichung für eine subtilere farbige Linienführung entscheiden eine subtilere farbige Linienführung . Oder du gehst irgendwo zwischen diesen beiden hin. Oder du machst etwas Ähnliches wie ich, bei dem ich mit einem Farbblock beginne und dann Linien hinzufüge , wo ich denke, dass sie gut aussehen. Es ist also wie eine Mischung aus Linienkunst und sinnloser Kunst. Wie auch immer Sie sich für die Stilisierung entscheiden, Ihre Linienkunst wird gut funktionieren. Solange Sie mit den Entscheidungen, die Sie am Anfang getroffen haben, konsistent sind . 6. Lineart Tipps und Tricks: Bevor wir diesen Abschnitt über Linienkunst abschließen und zur Farbe übergehen, möchte ich Ihnen ein paar Tipps geben, die Ihnen helfen , bessere und selbstbewusstere Striche zu erzielen. Und dann auch ein paar Tipps für digitale Nutzer , die Ihnen helfen können, ein paar verschiedene Looks für Ihre Lineart zu erzielen . Ich werde Procreate verwenden, aber so ziemlich jede Technik, die ich Ihnen gezeigt habe, ist auf jede andere digitale Plattform übertragbar. Der erste Schritt, den ich mit Ihnen teilen werde, gilt jedoch ich mit Ihnen teilen werde, gilt sowohl für digitale als auch für traditionelle Künstler. Und es geht darum, schnelle und sichere Striche in Ihrer Linienkunst zu verwenden . Wenn Sie digital steuern, wird Z Ihr bester Freund. , schnelle, selbstbewusste Striche zu trocknen und dieselbe Linie ein paar Mal zu wiederholen, bevor Sie Es ist besser, schnelle, selbstbewusste Striche zu trocknen und dieselbe Linie ein paar Mal zu wiederholen, bevor Sie auf der rechten landen, als wackelige, wild schüchterne Linien zu machen . Du bist kompetent, glänzt in deiner Kunst, wenn du mutig mit deinen Linien umgehst, mutig zeichnest. Der nächste Tipp richtet sich an traditionelle und digitale Künstler, aber die Methoden dafür werden etwas anders sein. Mein Tipp ist, dein Charakterdesign insgesamt drei Mal durchzugehen . Die erste wird Ihre erste energische Skizze sein , in der die Aktionslinie, Grundformen und das allgemeine Erscheinungsbild Ihres Designs dargelegt werden. Dies wird eine sehr grobe, energische Skizze sein , die darauf abzielt, die allgemeine Energie und das Gefühl Ihres Designs einzufangen . Der zweite Durchgang wird Ihre straffere Skizze sein. Und mit diesem Pass versuchst du, dein Design selbst zu 80% fertigzustellen. Hier arbeitest du die Anatomie, Ausdruck und die feinen Details deines Designs aus. Grundsätzlich solltest du sicherstellen, dass du keine Gäste machen musst , die im letzten Line Art Pass arbeiten. Da Sie sich nur auf die Linienkunst konzentrieren sollten, anstatt sich auf das Zeichnen zu konzentrieren. Schließlich, im dritten Durchgang, vervollständigen Sie Ihr Design mit wunderschönen polierten Liniengrafiken. Das mag wie eine Menge Schritte erscheinen, aber wenn Sie eine Zeichnung und Durchgänge durcharbeiten , können Sie jedes Problem phasenweise bearbeiten. Anstatt zu versuchen, alles auf einmal zu klären. Das Letzte, was Sie tun möchten, ist, Stunden mit einer Strichzeichnung zu verbringen, nachdem Sie die Konstruktionsskizzen übersprungen und dann feststellen, dass ihre Konstruktion völlig falsch ist, und dann alles haben und dann feststellen, dass ihre Konstruktion völlig falsch ist, und dann alles verschrotten und alles noch einmal machen zu müssen. Wenn Sie traditionell zeichnen, ist das nicht so einfach. Sie benötigen entweder einen Leuchttisch. Dabei handelt es sich um einen Tisch mit einem durchscheinenden Material auf der Oberseite und einer Lampe darunter. Und wenn Sie es dann einschalten, können Sie Ihr Skizzenpapier darauf legen und ein neues Papier darüber legen. Das Licht ermöglicht es Ihnen das Papier unter Ihrem Knie zu sehen. Wenn Sie jedoch keinen davon haben, können Sie oft günstige Leuchttische online für nicht zu viel in den Akzenten eines Leuchttisches kaufen online für nicht zu viel in den Akzenten eines Leuchttisches Sie können Ihre Papiere jederzeit zusammenklammern und an ein Fenster stellen, um den gleichen Effekt zu erzielen. Meine nächsten Tipps richten sich ausschließlich an digitale Künstler und sie werden Möglichkeiten sein, mit Ihrer Linienkunst unterschiedliche Looks zu erzielen. Linienglättung ist eine Funktion, die viele Programme wie Procreate verwenden verändert Ihre Linien , nachdem Sie sie gezeichnet haben , um ihnen einen glatten Fehler zu geben. Für einige Projekte und Stile kann dies sehr hilfreich sein. Für die Zwecke dieses Kurses empfehle ich Ihnen jedoch , Ihr Projekt nicht zu verwenden. ist es wichtig Ihr künstlerisches Wachstum ist es wichtig, die Linienkontrolle zu beherrschen. Und das werden Sie nicht können , wenn Sie einen Computer haben , der Ihre Leitungen für Sie ändert. Schalten Sie es also aus und gewöhnen Sie sich an die Undo-Schaltfläche. Sie werden feststellen, dass sich Ihre Präzision und Genauigkeit mit der Zeit langsam verbessern, je mehr Sie mutig und ohne fremde Hilfe fallen ohne fremde Hilfe Ihre Präzision und Genauigkeit mit der Zeit langsam verbessern, je mehr Sie mutig und . Der einfachste Weg, deine Strichzeichnungen zu kolorieren , besteht darin , deinen Liner auf einem Alpha-Kanal zu zeichnen. Alpha-Kanäle sind Ebenen, haben aber keine Hintergrundfarbe. Es wird den Anschein haben, als hätte es diesen weiß-grau karierten Hintergrund. Das bedeutet, dass es auf dieser Ebene absolut keine Pixelinformationen gibt. Wenn Sie also Ihren Liner darauf zeichnen, die einzigen Informationen dort die Linien Ihrer Zeichnung. Auf diese Weise können Sie verschiedene Bilder übereinander legen und trotzdem sehen, was sich auf der untersten Ebene befindet. Alle digitalen Kunstprogramme haben diese Funktion. Und alle digitalen Kunstprogramme ermöglichen es Ihnen, diese Alpha-Kanäle zu sperren. Wenn Sie Ihre Alphakanal-Ebene sperren, sperren Sie die Pixelinformationen. Das bedeutet, dass Sie außerhalb der Linien und Farben, die sich vor dem Sperren auf dem Alpha-Kanal befanden, nicht färben können außerhalb der Linien und Farben, die sich vor dem Sperren auf dem Alpha-Kanal befanden, . Wählen Sie einfach die Farbe aus, mit der Sie Ihre Liniengrafikenbreite einfärben möchten , und färben Sie sie über Ihrer Zeichnung. Schau, wie einfach das ist. Sie können die Farben nach Belieben manuell auswählen oder um Ihre Linienarbeit schnell und effektiv abzudecken , wenn Sie ein vollfarbiges Stück erstellen. Füllen Sie die gesamte Liniengrafik mit einer Farbe, normalerweise eignen sich Rot, Rosa und Violett am besten, und legen Sie den Ebenenstil so fest, dass er multipliziert wird. Jetzt haben Sie eine farbige Linie, die den Innenfarben passt. Das ist ungefähr mit der Opazität und Farbe für verschiedene Effekte. Und eine einfache Möglichkeit, Ihrer Liniengrafik einen schönen Effekt zu verleihen , besteht darin, zuerst Ihre Linienkundebene zu duplizieren. Verwenden Sie auf der ersten Ebene einen Gaussschen Weichzeichnungseffekt und stellen Sie den Ebenenstil ein, auf den Sie multiplizieren möchten Passen Sie die Opazität an. Ich habe auch den gesamten verschwommenen Effekt an der Außenseite meiner Linien gelöscht . Also kannst du damit herumspielen und sehen, was dir am besten gefällt. Aber jetzt werden Sie sehen, dass Ihre Strichzeichnungen einen schönen Leuchteffekt haben werden, der Ihrer Zeichnung Tiefe und Interesse verleiht. Sie können auch mit der Farbe dieser Ebene spielen und sehen, wie sie sich auf das Aussehen des Designs auswirkt. Das ist ein netter Trick , den ich kürzlich gelernt habe. Das heißt, für Designs wie dieses , das ich zuvor geteilt habe, verwendet dieses Design nur drei oder vier Linienvarianten. Ich könnte versuchen, es jedes Mal zu überprüfen, wenn ich meine Linie ändern musste. Aber wenn ich wirklich einen konsistenten Überblick über mein Design behalten wollte , Linien zu speichern wäre es sehr hilfreich, eine Möglichkeit zu haben, die gewünschten . Genau das können Sie in Procreate tun. Wenn ich auf den Schieberegler für die Brustgröße tippe, kann ich auf dieses Pluszeichen klicken und der Pinsel wird an den Schieberegler geheftet. Ich kann so viele hinzufügen, wie ich brauche, und dann Bedarf zwischen ihnen wechseln. Die Problemumgehung dafür in Photoshop wäre, mir die Nummer oder Größe meines Pinsels zu notieren und sie dann in den Schieberegler einzugeben, wenn ich zwischen den Größen wechseln muss. Ich hoffe, dass diese Tipps und Tricks für Sie nützlich sind. Experimentiere damit, verschiedene Stile und Techniken, die ich dir gezeigt habe, und finde heraus, was für dich am besten funktioniert. Und wenn du eine spezielle Technik hast, die du wirklich magst und die du in diesem Video nicht gesehen hast. Teile sie im Tab Diskussionen. Ich würde gerne sehen, welche Techniken Sie verwenden und würde sie gerne mit den anderen Schülern in der Klasse teilen . Jetzt, wo wir alles über Linienkunst gelernt haben, wollen wir weitermachen und uns mit Farbe beschäftigen und sehen, wie wir das nutzen können, um unsere Charaktergeschichten weiter zu erzählen. 7. Farbschemata und Charakterdesign: Wir fahren nun mit dem zweiten Teil dieses Kurses fort und lernen, wie Sie Ihren Charakterdesigns mit Farbe Lebendigkeit verleihen können. Dies wird kein umfassender Farbtheorie-Kurs sein, aber wir werden die Grundlagen besprechen. Am Ende dieses Abschnitts. Du verfügst über die notwendigen Tools, um fundierte und kluge Entscheidungen darüber treffen zu können fundierte und kluge Entscheidungen darüber treffen zu können , welche Farben am besten zu deinen Bedürfnissen für deine Charakterdesigns passen. Um diese klugen Entscheidungen zu treffen, müssen Sie das Farbrad und die Begriffe Sättigung, Farbton und Wert verstehen . Hier ist ein einfaches Farbrad. Jede Farbe auf diesem Rad steht für einen anderen Farbton. Vielleicht kennen Sie das Akronym Roy G Biv, das für Rot, Orange, Gelb, Grün, Blau, Indigo und Violett steht . So sehen das Farbrad und Photoshop aus. Wenn wir einen Farbton auswählen, haben wir dieses Feld mit zwei Achsen. Wert und Sättigung. Der Wert gibt an, wie hell oder dunkel die Farbe ist, wobei sich Weiß und Schwarz an den Extremitäten befinden. Und die Sättigung gibt an, wie rein der Farbton in seiner reinsten, hellsten Form und Grau an den Extremitäten ist . So sieht das Farbrad in Procreate aus, das ist das gleiche Konzept, aber in, wir werden es formen. Wenn Sie mit diesen Schiebereglern spielen, werden Sie schnell feststellen , dass es unzählige Farben und Werte gibt. Du fragst dich vielleicht, wie um alles in der Welt ich eine Farbe für meine Designs auswählen soll , wenn es so viele zur Auswahl gibt, welche Farben zusammen gut aussehen und wie werde ich wissen, dass sie die richtige Wahl für meinen Charakter sind , bevor du in einer Flut von Farbverwirrungen mitgerissen wirst. Lassen Sie uns Ihnen einen Zweig anbieten, an dem Sie die Form eines speziellen Tools namens Farbschemata festhalten die Form eines speziellen Tools namens Farbschemata oder auch bekannt als Farbpaletten. Ein Farbschema oder ein Gaumen ist einfach eine andere Farbkombination. Es gibt bestimmte Arten von Vereinbarungen, die getroffen wurden. Ein Designer kann Farben fast wie in eine mathematische Aufgabe einfügen, wenn er richtig gemacht wird. Durch diese Farbschemata entstehen Paletten, die einheitlich und ansprechend aussehen. Es gibt viele, viele verschiedene Arten von Farbschemata. Für die Zwecke dieses Kurses werden wir jedoch nur sechs der häufigsten behandeln. Das erste und einfachste ist ein einfarbiges Farbschema. Um einen zu erstellen, wählen Sie lediglich einen einzelnen Farbton auf dem Farbrad aus. Farben: Indem Sie den Wert und die Sättigung anpassen, werden Sie feststellen, dass Ihre Bilder eine sehr kohärente und eine einzige Note, kohärente und eine einzige Note, eine Bewegung, erhalten. Wenn Sie also eine sehr starke Botschaft oder ein Merkmal Ihres Charakters vermitteln möchten eine sehr starke Botschaft oder ein Merkmal , ist ein einfarbiges Schema möglicherweise das Richtige für Sie, um ein analoges Farbschema zu verwenden. Wähle einen Farbton und die beiden Farbtöne daneben auf dem Rad. Viele Designer wenden die 16. 3010-Regel an, um ein Gleichgewicht zu erreichen. Das bedeutet, dass die Hauptfarbe in 60% der Fälle verwendet wird, und die anderen beiden Farben, normalerweise die am Rand, sollten die restlichen 40% als Akzentfarben ausfüllen , wobei eine vielleicht für kleine Details und Highlights reserviert ist, genau wie bei der Überwachung. Auch bei allen anderen Farbschemata steht es Ihnen bei diesen Farbtönen frei, verschiedene Werte und Sättigungen zu wählen. Wir werden etwas später behandeln, wie Sie diese Entscheidungen treffen könnten . Aber lassen Sie uns vorerst weiterhin die grundlegenden Farbschemata behandeln. Das kostenlose Farbschema erfordert, dass Sie eine Warteschlange auswählen und dann den Farbton wählen, der direkt gegenüber auf dem Farbrad befindet. Die Grundfarbe soll als Hauptfarbe im Bild verwendet werden , es handelt sich jedoch um ergänzende Farben, die als Akzente verwendet werden. Ein Split-Complementary ähnelt seinem Vorgänger, bildet jedoch ein kleines Dreieck auf dem Rad, dem jedoch die Hauptfarbe und zwei Farben gegenüberstehen. Ein triadisches Farbschema ist eine Variante des geteilten komplementären Schemas, aber die drei Farben sind gleichmäßig über das Farbrad verteilt, sodass ein gleichseitiges Dreieck entsteht. kann schwierig sein, das Gleichgewicht zu halten, also ist es besser, die eine Farbe als Hauptfarbe zu verwenden und die andere Röhre in den Nebenrollen arbeiten zu lassen. Und schließlich gibt es die Tetrade, die auch als doppeltes komplementäres Farbschema bezeichnet werden kann . Es hat zwei Farbpaare, die eine entgegengesetzte entsprechende Farbe haben, wodurch ein Rechteck auf dem Farbrad entsteht. Dies führt normalerweise zu einem kräftigen, lebendigen Blütenstaub , der sich auch aggressiv absetzen kann. also vorsichtig vor und versuchen Sie, hauptsächlich eine Farbe zu verwenden , wobei die andere als Akzente dient. Sie werden feststellen, dass es in jeder dieser Paletten einen großen Wertebereich zwischen den Farbtönen gibt. Selten werden Sie jemals eine Palette sehen, bei der all ihre verschiedenen Farbtöne auch die gleiche Intensität und Helligkeit haben. Warum? Nun, tun wir so , als würden unsere Farben in einem großen Kurs singen. Wenn all unsere Farben aus vollem Hals singen würden . Am Ende haben wir einen sehr chaotischen Kurs, auf den wir uns nicht konzentrieren können. Es würde keine Harmonie geben. Und wenn unsere Farben ihre Stimmen dämpfen würden, um leiser und weniger gesättigt zu sein, können wir bereits sehen, dass sie beginnen, etwas besser zu klingen und noch besser, wenn wir einer Stimme erlauben, lauter zu singen als andere, haben wir ein viel interessanteres Ergebnis da wir jetzt den Kontrast eingeführt haben. Und wie ich in der gesamten Serie erwähnt habe, lieben Menschen es, Kontraste zu betrachten. Die praktische Anwendung besteht darin, nach Möglichkeiten zu suchen , um Ihren Farbpaletten Kontrast zu verleihen. Indem Sie einige Farben wählen, um laut zu singen und andere Farben, um leise im Hintergrund zu singen. Dies wird Ihnen helfen, Harmonie innerhalb Ihrer Farbpaletten zu erreichen. Jetzt, wo Sie über Farbschemata Bescheid wissen und wissen, wie man sie erstellt, denken Sie vielleicht, dass das so cool ist. Ich kann es kaum erwarten, einen für meine Charaktere auszuwählen, aber woher weiß ich , welches Farbschema für meinen Charakter geeignet ist ? Hier können Sie Ihr Denken aufsetzen und über Ihre Charaktere aus der Perspektive ihrer Geschichten und Persönlichkeiten nachdenken Ihre Charaktere aus der Perspektive . Und dann versuche herauszufinden, ob du anhand der verschiedenen Farbschemata, die du kennengelernt hast, diese Geschichten als Persönlichkeiten extrapolieren du kennengelernt hast, diese Geschichten als Persönlichkeiten anhand der verschiedenen Farbschemata kannst. Welches Farbschema passt am besten zur Welches Farbschema passt Persönlichkeit deines Charakters? Entwerfen Sie einen OneNote-Schwerpunkt, Charakter und Körper, ein einzigartiges Merkmal. Denken Sie von innen nach außen an Traurigkeit von Pixar, sie ist die Verkörperung eines einzigartigen Merkmals, Traurigkeit. Und so passt eine einfarbige Farbpalette perfekt zu ihrer Persönlichkeit. Oder vielleicht hat dein Charakter es mit gegensätzlichen Überzeugungen oder Wünschen zu tun und muss eine Entscheidung treffen. Vielleicht könnte ein ergänzendes Farbschema helfen , diese Dichotomie innerhalb der Persönlichkeit Ihres Charakters zu zeigen . Du kannst wirklich kreativ werden, wenn es darum geht, wie du die verschiedenen Farbschemata interpretierst und wie du sie anhand deiner Charakterdesigns interpretieren kannst interpretierst und wie du sie anhand deiner Charakterdesigns interpretieren . Beim Entwerfen von Figuren für Fernsehen oder Film lassen Charakterdesigner oft die gesamte Besetzung eine ähnliche Palette haben . Oder stellt zumindest sicher, dass es zwei oder drei Farben gibt , die sich durch die gesamte Besetzung ziehen, sodass sie alle so aussehen, als ob sie in derselben Welt existieren. So einfach, um zu vermeiden, dass Weinfiguren und Ihre Besetzung so aussieht, als ob sie nicht in Ihre Geschichte gehören. Ein weiteres äußerst wichtiges Hilfsmittel, das Sie bei der Auswahl der Farben Ihrer Charaktere verwenden können, besteht darin, sich an die Bedeutung und Macht der Farbpsychologie zu erinnern . Beim Charakterdesign dreht sich alles um Geschichtenerzählen. Und beim Storytelling geht es darum, die Gefühle und Emotionen Ihres Publikums zu manipulieren , um Ihre Zuschauer am effektivsten dazu zu bringen Gefühle und Emotionen Ihres Publikums zu manipulieren, um Ihre Zuschauer am effektivsten dazu zu bringen, sich auf eine bestimmte Art und Weise mit Ihren Designs zu identifizieren und zu fühlen . Sie müssen wissen wie das Gehirn Ihres Betrachters funktioniert und wie Sie es nutzen können , um die gewünschten Reaktionen hervorzurufen. Beispielsweise ist Rot eine Farbe, die in unserem Gehirn so programmiert wurde , dass sie Aufmerksamkeit erregt und auch vor Gefahren warnen kann. Es ist eine leidenschaftliche Farbe und kann Gefühle von Entschlossenheit, Liebe, Macht und Stärke hervorrufen . Diese Farbe eignet sich hervorragend für Protagonisten und Antagonisten, aber vielleicht nicht so sehr für jemanden, der faul ist oder in seinem Leben nicht viel los ist oder viele Leidenschaften hat. Jeder Farbe sind Eigenschaften zugeordnet. Und ich habe unten eine Ressource verlinkt, die jede Farbe und die damit verbundenen Eigenschaften enthält. Diese Liste wurde unter Berücksichtigung der westlichen Kulturen erstellt. Es ist sehr wichtig zu beachten, dass jede Kultur unterschiedliche Assoziationen für verschiedene Farben hat . In den Vereinigten Staaten ist Weiß eine Farbe, die oft mit Ehe, Reinheit und Unschuld in Verbindung gebracht wird . Wo in Indien Gelb mit sehr ähnlichen Eigenschaften in Verbindung gebracht werden kann . Wenn du einen Charakter aus einem bestimmten Land entwirfst, könntest du den zusätzlichen Schritt wagen und herausfinden welche Farbassoziationen dieses Land für die Farben hat, die du vielleicht auswählst. Eine andere Möglichkeit, die Farbpsychologie zu betrachten , besteht darin Farbkategorien und nicht einzelne Farben und einige Kategorien , die Sie möglicherweise in Betracht ziehen möchten. Oder Naturtöne, Juwelentöne, Pastelltöne sowie warme und kalte Töne. mit diesen Kategorien vertraut bist kann dir das helfen , die allgemeine Richtung zu finden Farbschema deiner Charaktere gehen soll. Dann kannst du es von dort aus eingrenzen. Wenn ich z. B. einen König oder eine Königin entwerfen würde, könnte ich mich dafür entscheiden, mir die Farben anzusehen, die unter Juwelentöne kategorisiert würden. Und dann wähle mein Farbschema von dort aus. 8. Schattierung, Textur und Muster: Sobald Sie Ihre Liniengrafiken fertiggestellt haben, Ihre Farbschemata ausgewählt haben, legen Sie Ihre flachen Farben fest. Du bist kurz davor, mit deinem Charakterdesign fertig zu sein. Der letzte Schritt besteht darin, deinen Charakterdesigns Textur, Schattierung und Muster hinzuzufügen . Diese kleinen Details werden Ihr Design zum Funkeln bringen und Design ein wenig Interesse und Geschichtenerzählen verleihen Ihrem Design ein wenig Interesse und Geschichtenerzählen verleihen. Hier können Sie auch mit diesem Stil und den Methoden experimentieren , für die Sie die Schattierung verwenden werden. Sie können Lasso-Werkzeugverläufe oder große, weiche Pinsel verwenden , um sanft Farbschichten hinzuzufügen. Sie können sich auch für Cel Shading entscheiden und harte runde Pinsel verwenden , um große Schattenbereiche zu blockieren . Diese Charakterdesigns sind nicht als hochgerenderte digitale Gemälde gedacht . Versuchen Sie also, sich nicht darin zu verirren, jede Form auf schöne und realistische Weise zu malen . Lassen Sie Ihre Linie arbeiten, erledigen Sie die schwere Arbeit für Sie und Ihre Schattierung und Farbe, die Textur und Muster akzentuieren und unterstützen, können auch wirklich mächtige Werkzeuge sein zusätzliche Tiefe und Interesse zu verleihen um Ihrem Geschichtenerzählen zusätzliche Tiefe und Interesse zu verleihen. Aufkleber und Logos auf einer Lunchbox für Schulmädchen können einem Zuschauer wirklich viel über ihre Interessen und Hobbys erzählen . Aufwendige Muster, die auf einen Royals-Umhang genäht können wirklich ein Gefühl von Luxus und Dekadenz vermitteln, im Gegensatz zu einem dreckigen, schlammigen, schmuddeligen Umhang, den ein Bauer tragen könnte. Auch hier gilt: Eine durchdachte und sorgfältige Planung deiner Charaktere und die Kenntnis ihrer Geschichten in- und auswendig ermöglichen es dir einfache, aber wichtige Entscheidungen jeder Phase des Prozesses einfache, aber wichtige Entscheidungen zu treffen, wenn du sie alle zu einem schönen Design zusammenfügst. Ein Design, dessen Teile zusammenwirken , um eine starke, klare Geschichte zu erzählen. 9. Demo: Willkommen zum Demo-Teil unseres Kurses. Ich werde dir zeigen, wie ich meine Charakterdesigns für Bösewichte und Helden fertiggestellt habe . werdet hier sehen, dass ich tatsächlich ein paar farbige Thumbnails meiner Charaktere gemacht habe, nur um sicherzugehen , dass die Farben alle zusammenpassen. Damit ich es nicht herausfinden musste, als ich sie fertigstellte. Es ist wie das, was ich über das Zeichnen und Passen gesagt habe. Ein farbiges Thumbnail kann dir helfen einen Großteil der Arbeit und des Nachdenkens bei der Konzeption zu erledigen , bevor du tatsächlich eine Menge Zeit mit dem Ausmalen verbringst und dann das Gefühl hast, Oh nein, ich wähle die falsche Farbe. Jetzt muss ich sowieso zurückgehen und es ändern. Also habe ich eine Variante des ergänzenden Split-Schemas gemacht. Ich habe meine drei Farben eher auf der wärmeren Seite und dann habe ich eine Kreuzung daraus, diese bläulich-grüne Farbe, die ich in den restlichen Paletten verwende. Das ist also das Farbschema, für das ich mich entscheide. Und ich werde sie sowohl für meinen Helden als auch für meinen Bösewicht verwenden . Das allererste, was ich tun werde, ist die größeren Farbflächen zu streichen. Sie werden hier sehen, dass es sehr einfach ist. Ich habe den Bereich ausgerichtet und werde sie dann mit dem Gouache-Flow-Pinsel aus dem Max-Pack einfärben. Ich mache das einfach für jede Farbe des Charakters. Weil dieser Pinsel ziemlich durchscheinend ist. Es braucht ein paar Schichten , um die gewünschte Undurchsichtigkeit zu erreichen. Also anstatt es jedes Mal manuell durchzugehen und zu machen, dupliziere ich einfach die Ebene und gehe dann zu den fleckigen Stellen und fülle diese aus. Es ist ein einfacher Weg, das zu erledigen. Jetzt, wo ich alle Farben ausgearbeitet habe, wirst du sehen, dass ich sie jeweils auf einer separaten Ebene habe. Und das mache ich, weil es einfach einfacher diese Ebenen zu sperren und sie später einzeln zu schattieren. Aber jetzt fange ich mit der Linienkunst an und mache alles in Schwarz. Und dann komme ich später zurück und wähle die Farben für meine Lineart-Ebene aus. Aber hier benutze ich den Narendra-Bleistift und gehe einfach rein und hier. Hier siehst du, dass ich versucht habe herauszufinden, ob ich diesem Pinsel etwas mehr Druckempfindlichkeit verleihen könnte , da es sich im Grunde um einen Rundpinsel mit bekannten Variationen handelt. Das ist mir nicht gelungen. Also ich, du wirst sehen, dass ich diese schnellen Schläge nicht kriege, wie ich es bereits in der Klasse erwähnt habe. Ich mag diesen Pinsel sehr, aber das erlaubt mir nicht. Ich denke also, ich muss wahrscheinlich meinen eigenen Pinsel herstellen, der sich wie der Narendra-Bleistift anfühlt, mir aber die schnellen und sicheren Striche ermöglicht , die man normalerweise beim Liner haben die schnellen und sicheren Striche möchte. Sobald mein Liner fertig ist, fange ich an, ihn zu färben. Ich werde einfach meine Line-Art-Ebene sperren. Und ich werde die lokalen Farben für jeden Bereich auswählen. Und normalerweise wähle ich etwas, das etwas gesättigter und etwas dunkler ist als der Bereich, es gebürstet werden soll. Und ich fange einfach an, meine Strichzeichnungen so auszufüllen dass sie zu den Farben passen, die sie umgeben. In meinem persönlichen Stil bevorzuge ich es, wenn meine Linienkunst farblich variiert. Es wird also nicht nur auf ihrer Haut sein wird nicht nur diese pfirsichfarbene Farbe haben. Ich gehe tatsächlich rein und in die Bereiche, die vor der Lichtquelle abgeschirmt wären. Ich werde sie dunkler machen, ich werde sie gesättigter machen. Ich finde, dass sich gerade diese Farbverschiebungen wirklich zu meiner, meiner Linienkunst summieren. Deshalb empfehle ich wirklich, es auszuprobieren. Es macht auch wirklich Spaß, das zu machen. Der Liner ist fertig. Hier kann ich reingehen und die Schattierung, die Schatten und die Textur in den Flush einarbeiten. Ich verwende wieder den Max Pack Retro, den Max Pack Retro Gouache-Pinsel. Und ich gehe einfach rein und lege grundlegende Glanzlichter, Schatten und Rouge auf der ganzen Farm auf. Nichts Verrücktes. Aber es tut, wie Sie sehen können, ich erwecke es wirklich zum Leben und es verleiht diesen Designs nur den letzten Schliff , den diese Designs benötigen. Ich werde auch Muster hinzufügen, und du wirst in einer Minute sehen, dass ich Dinge wie Dreck auf ihre Stiefel und auf ihr Kleid füge, um den Eindruck zu erwecken, dass den Eindruck zu erwecken, dass dieses Mädchen ein Abenteuer ist und sie sich keine Sorgen macht, dass ihre Kleidung schmutzig wird. Sie mag es eher einfach das Leben zu genießen und in der Natur zu sein. Ich werde dem Bösewicht auch ein bisschen Dreck hinzufügen . Und ich werde besonders auf seine Käferschale achten und sicherstellen, dass meine Schale genug Textur enthält. Es sieht also aus wie eine irisierende, glänzende Käferschale. Es würde nicht wie ein Bug aussehen oder als Bug rüberkommen wenn es nicht diese Textur und die Highlights hätte. Hier kann Textur also wirklich helfen und Ihnen helfen, dass Ihre Designs aussehen und sich so anfühlen wie die tatsächlichen Materialien, die Sie tragen möchten. Du wirst auch sehen, dass ich dem Bösewicht einige magische Effekte hinzugefügt habe . Und danach sind meine Charakterdesigns fertig. Also danke, dass du zu mir gekommen bist. Ich hoffe, das war hilfreich, um zu sehen, wie ich arbeite, und könnte Ihnen möglicherweise bei Ihrem Arbeitsablauf helfen. 10. Schlussgedanken: Du hast es geschafft. Herzlichen Glückwunsch zum Abschluss meiner Grundlagenserie zum Charakterdesign. Du solltest dir wirklich einen dicken Klaps auf die Schulter geben . Oder wenn Sie den ersten oder zweiten Kurs dieser Reihe nicht besucht haben , ermutige ich Sie wirklich, zurückzukehren und diese zu belegen. gibt es so viel zu lernen und Während dieser gesamten Reise gibt es so viel zu lernen und zu verarbeiten. Und ich bin so stolz auf dich, dass du es durchgehalten und die harte Arbeit geleistet hast, um deine Designfähigkeiten zu verbessern. Ich bin so stolz auf all deine harte Arbeit und ich hoffe, du bist es auch. Ich freue mich sehr, deine fertigen Charakterdesigns zu sehen. Das war so eine Reise, die deine Charaktere vom Konzept bis zum Ende geführt hat. Und ich hoffe wirklich, dass die Tools, die Sie in dieser Serie erworben haben zu einem Design führen, auf das Sie wirklich stolz sind und das Sie gerne präsentieren. Ich hoffe, dass Sie ein großes Erfolgserlebnis verspüren und dass Sie sich dabei auch ein wenig überfordert fühlen . Künstlerisches Wachstum wird durch Durchhaltevermögen und Entschlossenheit schwer errungen . Lassen Sie mich Ihnen also Applaus für Ihre gute Arbeit aussprechen. Alle Techniken und Prinzipien, die Sie in dieser Serie gelernt haben , werden wertvolle Werkzeuge im Toolkit Ihres Designers sein. Und wenn Sie sie oft überprüfen, werden Sie auf Ihrem künstlerischen Weg weiter wachsen. Die Reise des Künstlers endet nie. Wenn du also jemals das Gefühl hast, auf deiner bevorstehenden Reise auf ein Hindernis zu stoßen , solltest du unbedingt zurückkommen und einige Dinge überprüfen , die dir vielleicht wieder in deinem Handwerk weiterhelfen und dir helfen , deine Designs auf ein ganz neues Level zu heben. Bitte teilen Sie Ihre abgeschlossenen Projekte und die Galerie unten mit. Und wenn du vorher um Kritik bitten möchtest, im Diskussions-Tab danach oder mich auf Instagram oder Twitter gefragt hast, gebe ich gerne Feedback. Und wenn du sie online teilst, vergiss auch nicht, mich in dem Beitrag zu markieren, den du teilst. Dies war der dritte und letzte Teil meiner Serie über die Grundlagen des Charakterdesigns. Vielen Dank, dass Sie mich auf dieser Reise begleitet haben. Wenn Sie bitte eine Bewertung hinterlassen würden, die meinen Klassen wirklich hilft, zukünftige Schüler zu erreichen . Und wenn Sie über meine zukünftigen Kurse auf dem Laufenden bleiben möchten, stellen Sie sicher, dass Sie mir hier auf Skillshare und auch auf meinen anderen Social-Media-Plattformen folgen . Nochmals vielen Dank und wir sehen uns im nächsten.