Grundlagen der DSLR-Fotografie – Von Auto bis Manuell

1. Einführung: Ich werde Ihnen die Grundlagen der Fotografie beibringen damit Sie tatsächlich bessere Bilder machen können, und Fortschritte als Fotograf. Mein Name ist Evangelos Anagnostou, und ich bin Videofilmer und Fotograf, die gerne Menschen und Landschaften fotografieren. Im heutigen Kurs werden wir die Grundlagen der Fotografie diskutieren. verstehen, wie unsere Kamera funktioniert, werden wir in der Lage sein zu verstehen, was Belichtung ist und wie wir die optimale Belichtung für ein tolles Bild erhalten können. Ich glaube wirklich, dass Fotografie, es ist keine Raketen-Wissenschaft. Es ist nicht so schwierig. Sobald Sie die Grundlagen herausgefunden haben, und mit viel Übung, Versuch und Irrtum, werden Sie in der Lage sein, tolle Bilder zu machen. Aber lassen Sie uns einen Rückschlag haben. Das bin ich, ein 14 Jahre altes Kind, kaufe meine erste Kompaktkamera und beginne an, mein Leben zu dokumentieren. Zu dieser Zeit sind meine Fotos saugen. Ich wusste nicht, wie ich meine Kameraeinstellungen einstellen sollte. Ich drehte im Auto-Modus, meine Komposition war wirklich schlecht und ich erzählte keine Geschichte. Erst als ich die Grundlagen der Fotografie verstanden habe, begann ich, meine Fotos zu verbessern. Nachdem ich erkundet hatte, was Komposition ist, und nachdem ich die technischen Dinge der Fotografie gelernt habe, was Blende ist, was Bruchgeschwindigkeit ist, was ISO ist, erst dann begann ich kreative Kontrolle über meine Fotos zu haben. Das Ziel ist, dass Sie derjenige sein müssen, der entscheidet, wie Ihre Fotos aussehen werden. Kurz, jetzt, in diesem Kurs, werden wir herausfinden, wie Sie die richtigen Kameraeinstellungen auswählen, um eine optimale Belichtung zu erhalten, wie manuell und Autofokus erfolgreich zu verwenden, was Weißabgleich ist und wie wir es anpassen können. Wie man eine visuell interessante Komposition bekommt, und in diesem Teil Jungs, werden wir ein cooles Kursprojekt haben. Wie man das Licht manipuliert. Außerdem werde ich Ihnen einige coole Editing-Tipps geben während ich Fotos von Grund auf neu bis zum Ende editiere. Wir werden auch herausfinden, warum es besser ist, in RAW zu fotografieren und wann man in JPEG fotografiert, und ob es besser ist, eine Vollbildkamera oder einen Crop Factor eins zu kaufen , wenn Sie gerade jetzt anfangen. Abschließend ist dieser Kurs für alle gedacht, die ihre fotografischen Fähigkeiten verbessern und tatsächlich in der Lage sein, bessere Fotos zu machen. Wenn Sie nun keine DSLR oder eine spiegellose Kamera haben, ist es immer noch in Ordnung. Ihr Smartphone funktioniert auch, da die Grundlagen oder die Fotografie für jede Kamera gleich sind. Feiern wir die Fotografie. Lasst uns loslegen. 2. Kursprojekt: Es ist Zeit für unser Kursprojekt. Ich habe das gleiche Projekt bereits 2018 gemacht, als ich einen Fotokurs an der Universität von Lappland nahm und dieses Projekt Jungs haben mir massiv geholfen , meine Fotos besser zu komponieren, so dass ich es Ihnen auch sehr empfehlen. Das Projekt ist es, auf gedruckte Kopien von Zeitschriften oder Zeitungen zu schauen , die Sie bereits in Ihrem Haus zur Verfügung haben. Finden Sie fünf Fotos, die sie auffällig sind und inspiriert Sie schneiden Sie sie mit einer Schere, kleben Sie sie an die Wand Ihres Zimmers, oder fügen Sie sie in Ihr Tagebuch und es kann jede Art von Foto, Straßenfotografie, Mode, Porträts sein, Landschaften, Architektur, alles, was Sie mögen. der Lage, täglich einige coole Kunst zu sehen, die Sie erregt, macht Ihr Gehirn vertraut mit der Zusammensetzung dieser Fotos. Das wird Ihnen helfen, diese Art der Komposition auch in Ihren eigenen Fotos unbewusst anzuwenden . Ich denke, es ist wirklich wichtig, mal hin und wieder einige gedruckte Fotografie zu sehen und zu fühlen. Seit diesen Tagen ist die Mehrheit der Fotografie , mit denen wir interagieren, in sozialen Medien. Plus auf diese Weise schaffen Sie eine schöne Kunstecke in Ihrem Zimmer. Wenn Sie mit den fünf Fotos fertig sind, machen Sie ein Foto von dieser Collage, die Sie gerade erstellt haben, teilen Sie es mit mir und der Community, indem Sie in diesem Kurs zurückkommen und diese Fotocollage im Projektbereich veröffentlichen. Würde dir gerne mein Feedback geben. Fühlen Sie sich frei, während die Zeiten vergehen, um Ihre Collage mit neuen interessanten Fotos zu erweitern. Beeindrucken Sie mich mit Ihren Karten und Ihren Auswahlen. Ich kann es kaum erwarten zu sehen, was du dir einfällt. 3. Wie deine Kamera funktioniert: Lassen Sie uns schnell erklären, wie eine DSLR und wie eine spiegellose Kamera tatsächlich funktioniert. Dies ist ein wichtiger Teil, denn wenn Sie verstehen, wie Ihre Kamera funktioniert, können Sie viel kreativer mit Ihrer Fotografie sein. Wofür steht DSLR? DSLR bedeutet digitale Spiegelreflexkamera mit einem Objektiv. Digital, weil es eine Digitalkamera ist und wir keinen Film verwenden. Einzelobjektiv, weil wir nur ein einziges Objektiv vor der Mitte und dann Reflex haben , weil das Licht, das von der Linse kommt, einen Spiegel trifft in ein Prisma springt und dann im Sucher landet, von wo aus wir sehen können genau das, was die Linse in diesem Moment sieht. Von Anfang an ist das ein Kameragehäuse und das ist ein Objektiv. Licht tritt durch das Objektiv in die Kamera, dann Objektive haben mehrere Glaselemente, die sie das Licht auf den Film konzentrieren können, oder in unserem Fall auf den Kamerasensor , der innerhalb des Kameragehäuses positioniert ist. Nun, wenn Sie den Zoomring drehen, dann bewegen sich auch die Glaselemente des Objektivs , und das führt zu einer Änderung der Vergrößerung von dem, was Sie erfassen. Es gibt einen weiteren Ring auf Ihrem Objektiv, den Fokusring. Wenn Sie Anpassungen vornehmen, bewegen sich andere Teile Ihres Objektivs, die steuern, welcher Teil Ihres Fotos im Fokus steht. Jetzt in der Mitte der Linse gibt es einen anderen Mechanismus, der Blende genannt wird. Die Blende verfügt über mehrere Klingen, die sich öffnen oder schließen können, sodass mehr oder weniger Licht in den Kamerasensor eindringen kann. Wenn die Blende weit geöffnet ist, tritt mehr Licht ein und trifft den Sensor aus mehreren verschiedenen Richtungen, wodurch eine flache Schärfentiefe erzeugt wird, wenn Sie diese Blende schließen, weniger Licht tritt ein, trifft den Sensor aus einer geraden Richtung, schafft eine tiefere Schärfentiefe, aber wir werden tiefer im nächsten Kapitel eintauchen, lernen, wie Blende funktioniert und wie es unser Foto kreativ beeinflusst. Wenn Sie nun den Auslöser drücken, wird der Spiegel hochgeklappt, sodass das Licht seinen Weg zum Kamerasensor fortsetzen kann. Gleich nachdem der Spiegel hochgefahren ist, öffnet sich der Verschluss und setzt den Sensor dem Licht aus. Wenn die Belichtung vorbei ist, schließt sich der Verschluss und der Spiegel bewegt sich zurück in die vorherige Position, so dass wir wieder durch den Sucher schauen können, wie wir es zuvor getan haben. In der letzten Phase trifft das Licht auf den Kamerasensor und das projizierte Bild wird aufgezeichnet. Eine spiegellose Kamera funktioniert jetzt genau auf die gleiche Weise, aber zwischen dem Kameraobjektiv und dem Kamerasensor ist kein Spiegel vorhanden. Außerdem haben wir anstelle des optischen Suchers innerhalb eines elektronischen Suchers, der den tatsächlichen Sensor verwendet, um eine Vorschau auf das, was wir erfassen werden, zu verwenden. 4. Belichtungseinstellungen: Das Wort Fotografie leitet sich von den altgriechischen Wörtern phos oder Licht und Grapho oder schreiben ab. Fotografie bedeutet Schreiben mit Licht, während die Kunst des Schreibens, es ist alles über eine Geschichte mit einem guten Weg zu erzählen. Das ist auch der Blick auf die Fotografie. Anstatt diese lesbaren Worte über eine Geschichte zu denken, wählen wir die richtige Menge und die richtige Lichtqualität, damit wir ein großartiges Foto aufnehmen können. Hier kommt die Belichtung. Belichtung ist die Lichtmenge, die den Sensor Ihrer Kamera erreicht. Es bestimmt, wie dunkel oder wie hell Ihre Fotos werden und es gibt drei Haupteinstellungen in Ihrer Kamera, die die Belichtung beeinflusst, die Blende, die Verschlusszeit und die ISO, um ehrlich zu sein, Belichtung ist ein verwirrendes Thema auch für erfahrene Fotografen. Denken Sie daran, dass wir nicht nur versuchen, ein Foto mit einer richtigen Helligkeit zu machen, weil diese Sache auch von unseren Kameras gemacht werden kann, wenn wir im Auto-Modus schießen, wir wollen eine richtige Belichtung zu erreichen, sondern auch zur gleichen Zeit, wir nutzen die sekundären einzigartigen kreativen Effekte, die die Verschlusszeit und die Blende haben. Unsere Mission ist es, die Verschlusszeit, die Blende und die ISO auszugleichen . Der Rest des Fotos fühlt sich an und sieht gut aus. Fangen wir mit der Verschlusszeit an. Verschlusszeit ist die Zeit, in der der Verschluss offen bleibt, wodurch der Kamerasensor dem Licht ausgesetzt wird. Wir messen die Verschlusszeit mit Sekunden und der gebräuchlichste Bereich der Verschlusszeiten reicht von 30 Sekunden bis zu einer achttausendstel Sekunde. Wie wir erklären, wenn wir den Auslöser drücken, fließt das Licht durch die Linse, der Spiegel dreht sich nach oben und der erste Verschlussvorhang fällt nach unten, unsere Mitte dem Licht aussetzt. Dies geschieht für den Zeitraum, den wir durch die Einstellung der Verschlusszeit gewählt haben. Wenn die Belichtung abgeschlossen ist, wird der zweite Vorhang freigegeben, um den Sensor wieder abzudecken. Lassen Sie sehen und hören Sie jetzt zusammen, wie ist eine schnelle Verschlusszeit zu haben. Ich setze meine Verschlusszeit auf eine Viertausendstel Sekunde. Es ist ziemlich schnell. In diesem Fall lassen wir nicht viel Licht zu, um unseren Sensor zu erreichen. Jetzt möchte ich zeigen, wie es ist, eine langsame Verschlusszeit zu haben. Lassen Sie uns unsere Verschlusszeit auf zwei Sekunden einstellen. Hören wir das noch mal. Es ist viel langsamer, so dass wir viel Licht in unseren Kamerasensor eindringen lassen. Mal sehen, was der sekundäre kreative Effekt ist, den die Verschlusszeit zu einem Foto bietet und dieser Effekt ist, die Bewegung einzufrieren oder zu verwischen. Durch die Verwendung einer schnellen Verschlusszeit können wir die Bewegung einfrieren, ohne irgendwelche Unschärfe zu haben, wie dieser Fotograf, der in der Lage war , den Moment mit einer schnellen Verschlusszeit einfrieren und diesen Gepardenschnappen zu fangen. der anderen Seite mithilfe der langsamen Verschlusszeit können wir mithilfe der langsamen VerschlusszeitBewegungsunschärfe auf den sich bewegenden Teilen der Szene zeigen, die wir aufnehmen. Zum Beispiel benötigten diese großen Trails eine langsame Verschlusszeit, um erfasst zu werden. Dieses Diagramm zeigt nun die Beziehung zwischen Verschlusszeit, Licht und Bewegung. Mit einer schnellen Verschlusszeit erreicht weniger Licht den Sensor und wir frieren die Bewegung ein. Mit einer langsamen Verschlusszeit lassen wir jetzt mehr Licht zu unserem zentralen erreichen, aber wir verschwommen die Bewegung. Eine andere Sache, die wir mit der Verschlusszeit steuern können, ist die Verwacklung der Kamera. Selbst wenn wir versuchen, unsere Kamera stabil zu halten, um die Aufnahme zu bekommen, gibt es immer eine subtile Kamerabewegung, es sei denn, wir benutzen das Stativ. Wenn Sie verschwommene Bilder bekommen oder wenn Sie Handheld aufnehmen, dann ist die Lösung, die Verschlusszeit zu erhöhen. Haben Sie eine schnellere Verschlusszeit. Ich würde etwas wie einhundertfünfzigstel einer Sekunde empfehlen , um ein knackiges Ergebnis zu erzielen. Ein zusätzlicher Tipp ist, dass Sie, wenn Sie mit einem Objektiv mit langer Brennweite, wie ein Teleobjektiv, eine noch schnellere Verschlusszeit verwenden sollten, um eine Verwacklung der Kamera zu vermeiden. Doch heutzutage haben viele Objektive eine optische Stabilisierung und einige Kameragehäuse, sie haben die Technologie, die IBIS genannt wird, wie in der Körperbildstabilisierung, eine Technologie, die den Sensor in der Kamera bewegen um die Kamerawacklung zu kompensieren. Die Kombination dieser Methoden der Stabilisierung ermöglicht es uns, mit langsameren Verschlusszeiten zu schießen. Trotz all dieser neuen Bildstabilisierungstechnologien empfehle ich Ihnen, Ihre Hände in Ihre Kamera zu legen, mit Ihren Verschlusszeiteinstellungen und den verschiedenen Objektiven, die Sie haben, zu spielen und dann die Fotos zu untersuchen, die Sie aufnehmen . Jede Kamera ist anders und mit unterschiedlichen Objektiven erzeugt unterschiedliche Ergebnisse. Wie gesagt, ist die Blende einer Linse die Öffnung, durch die das Licht auf den Weg zum Sensor geht. Durch die Steuerung der Blende steuern wir, wie viel Licht auf einem Foto aufgezeichnet wird. Je größer die Blende ist, desto mehr Licht wird aufgezeichnet, wenn die Blende kleiner ist, als weniger Licht den Sensor erreicht. Blende wird durch das Symbol F, F2.8, F3, F4, F6, F11 gezeigt , und wenn wir tatsächlich eine Linse untersuchen, können wir sehen, dass durch Ändern der Blende, öffnet und schließt, so dass mehr oder weniger Licht eindringen. Eine Sache, die viele neue Fotografen Verwirrung verursacht , ist , dass große Blende, wo viel Licht durchkommt, kleinere Blendenzahlen haben, wo kleinere Blende, wo weniger Licht durchkommt, größere F-Stop-Nummern. Jetzt, außer Licht, Blende steuert sekundär und kreativ die Schärfentiefe. Schärfentiefe ist die Entfernung, scharf um den Fokuspunkt herum ist. Wie Sie im Diagramm sehen werden, führen größere Öffnungen zu einer flachen Schärfentiefe, bei der weniger scharf ist, während kleinere Öffnungen zu einer größeren Schärfentiefe führen, wo mehr scharf ist. Sehen wir uns hier ein Beispiel an. Ich habe dieses Foto mit einer breiten Blende von 2,8 aufgenommen und das ist eine kleine F-Nummer, die eine kleine, flache Schärfentiefe erzeugt . Sie können sehen, dass der Hintergrund verschwommen ist und nur unser Modell scharf ist aus ihm herausspringt. Ich habe wieder das gleiche Bild, aber jetzt mit einer größeren F-Zahl, F16, und Sie können sehen, dass wir eine größere Schärfentiefe mit unserem Modell und mehr Hintergrund im Fokus. Wir können sehen, dass der Brunnen jetzt schärfer ist. Ich sehe viele neue Fotografen schießen weit und gehen immer für diese kaputten Foto. Aber ich denke, dass wir kreativ sein sollten und es mit der ganzen Bandbreite der Öffnungen besonders am Anfang schießen sollten. Für die Landschaftsfotografie verwenden wir kleinere Blenden mit hohen F-Zahlen, in der Regel von F13 bis F22, zum Beispiel, nur weil wir alles vom Vordergrund bis zum Hintergrund fokussieren brauchen . Dies wird auch die Geschichtenerzähler-Öffnungen genannt, weil wir viele Informationen im Bild enthüllen , dass sie möglicherweise eine Geschichte erzählen können. Für Straßenfotografie und bewegte Motive verwende ich mittlere Öffnungen von sieben ungefähr bis 11. Auf diese Weise habe ich eine sichere mittlere Schärfentiefe und das gibt mir Flexibilität, da mehr von meinem Foto im Fokus stehen. Ich habe mehr Chancen, dass mein Thema im Fokus steht, und gleichzeitig kann ich mit dieser mittleren Blende auch einen verschwommenen Hintergrund bekommen. Schließlich, wenn wir Isolation für unser Thema schaffen wollen, können wir mit einer breiten Blende mit einer kleinen F-Zahl wie von F4 bis F1.2 schießen und auf diese Weise bekommen wir eine flache Schärfentiefe, die wirklich nützlich für Porträt Fotografie, zum Beispiel. Diese Technik ist auch praktisch, wenn unser Hintergrund hässlich oder destruktiv ist und wir ihn verstecken wollen. Eine Regel, die nicht wirklich beliebt ist, ist, dass Ihre Objektivauswahl die Schärfentiefe beeinflussen kann. Je größer die Vergrößerung der Linse ist, desto geringer ist die Schärfentiefe, die sie erzeugt und umgekehrt. Das bedeutet praktisch, dass, wenn Sie das gleiche Motiv mit einem 24-Millimeter-Objektiv bei F4 und mit dem 200 Millimeter ein Teleobjektiv aufnehmen . Auch bei F4 erhalten Sie eine flachere Schärfentiefe, Sie erhalten einen verschwommenen Hintergrund, wenn Sie mit einem 200 Millimeter-Objektiv fotografieren. Lassen Sie uns jetzt über ISO sprechen, den dritten Faktor, der unsere Exposition beeinflussen kann. ISO beschreibt die Empfindlichkeit unseres Kamerasensors. ISO wird durch eine Zahl dargestellt, die von ISO 100 beginnt, eine niedrige ISO, und es kann so hoch wie ISO 25.000 oder in einigen Fällen sogar höher sein. Je höher die ISO ist, desto empfindlicher ist wichtig, daher wird unser Foto heller. Aus diesem Grund kann ISO Ihnen dabei helfen, Fotos in dunkleren Umgebungen zu machen und Ihre Blenden- und Verschlusszeiteinstellungen flexibler zu gestalten. Der Lichtbeitrag der ISO zum Bild bringt jedoch Kosten mit sich, je digitaler Rauschen, je mehr wir die ISO erhöhen, desto lauter, körniger wird unser Bild. Ich habe diese Bilder gemacht, die sie präsentieren. Durch die Erhöhung der ISO wird unser Image immer körniger und lauter. Die allgemeine Regel ist, dass wir die ISO so niedrig wie möglich geben sollten. Sie sollten Ihre ISO nur erhöhen, wenn Sie nicht in der Lage sind, Ihrem Bild Helligkeit zu geben , indem Sie Blende und Verschlusszeit verwenden. Nachdem wir nun untersucht haben, was Verschlusszeit, Blende und ISO sind und wie sie sich auf unsere Fotos auswirken, wollen wir sie nun alle gemeinsam untersuchen. In der nächsten Lektion werden wir sehen, wie wir das Belichtungsdreieck ausgleichen können , indem wir diese drei Elemente kombinieren. 5. Baltikum Belichtung: Da wir die Elemente der Belichtung verstanden haben; die Verschlusszeit, die Blende und die ISO, das Verständnis, wie wir die Belichtung ausgleichen können, kommt natürlich. Die Frage ist jetzt, woher wissen wir, dass die Lichtmenge, die in die Kamera eintritt, optimal ist? Nicht zu viel, nicht zu wenig? Nun, die Antwort ist mit einem Lichtmesser, fast alle Kameras haben heutzutage einen Lichtmesser und wir können das auf der Oberseite der Kamera, auf dem Monitor der Kamera und auch im Sucher der Kamera sehen auf dem Monitor der Kamera . Wenn sich der Indikator im linken Minusbereich befindet, bedeutet das, dass wir unterbelichtet sind. Wenn es auf der rechten Plusfläche ist, bedeutet das, dass wir überbelichtet sind, und wenn es auf der Mitte bei Null ist, bedeutet das, dass unsere Exposition theoretisch optimal ist. Lichtmesser kann dies tun, indem den hellsten Teil der Szene und den dunkelsten Teil der Szene nehmen, so dass Sie den Durchschnitt. Wenn sich Ihre Kamera im Auto-Modus befindet, verwendet sie das Lichtmessgerät, um Ihnen Bilder mit richtiger Belichtung zu geben. Unser Ziel ist es jedoch, im manuellen Modus zu fotografieren. Wenn wir einen Blick auf unseren Lichtmesser werfen, wählen wir die richtige Menge an Verschlusszeit, Blende und ISO für unser Foto aus. Aber jetzt auf diesem Schritt müssen Sie sich fragen, was die richtige Kombination aus Verschlusszeit, Blende und ISO ist . Lass es uns Schritt für Schritt machen. Am Anfang müssen Sie sich fragen, was das wichtigste Belichtungselement für das Foto ist, das Sie aufnehmen möchten. Ist es die Verschlusszeit? Ist es die Blende oder ist die ISO? Möchte ich die Bewegung mit dem Einfrieren oder Zeigen von Bewegung manipulieren? Oder ich möchte die Schärfentiefe präsentieren; flache oder größere Schärfentiefe? Wenn die Bewegung für Sie von entscheidender Bedeutung ist, werden Sie mit der Anpassung dieser anderen Geschwindigkeit beginnen. der anderen Seite, wenn Sie Ihre Schärfentiefe hervorheben möchten, beginnen Sie mit der Einstellung der Blende. Sehen wir uns jetzt diesen Entscheidungsprozess mit echten Beispielen an. Ich habe dieses Foto im Zentrum von London gemacht und den Vorschlag dieses süßen Paares fotografiert. Ich wollte, dass das Paar vom Hintergrund isoliert wird , weil ich die volle Aufmerksamkeit auf sie wollte. Der Kerl ist bereit, den Ring zu enthüllen und ich setze meine Kamera ein, um dieses Bild zu machen. Aperture ist die erste Einstellung, die mir wichtig ist. Ich werde es auf 2,8 einstellen, die breiteste auf meinem Objektiv. Dies gibt dem Foto viel Licht und gleichzeitig eine flache Schärfentiefe. Das Foto ist immer noch dunkel, weil die Sonne gerade untergegangen ist. Ich mache diese andere Geschwindigkeit langsamer setze sie auf eine bis Hundertstel Sekunde ein. Dadurch kann mehr Licht aufgenommen werden und gleichzeitig friere ich die Bewegung vermeide auch die Kamerawacklung. Jetzt brauche ich noch mehr Licht, aber ich habe meine Blende ausgeschöpft. Außerdem kann ich keine langsamere Verschlusszeit verwenden da ich dann unerwünschte Bewegungsunschärfe in meinem Bild habe. Um jetzt die richtige Belichtung zu erhalten, werde ich die ISO ein wenig erhöhen, ich werde die ISO auf 400 ISO einstellen. Die Anzeige im Lichtmesser ist jetzt in der Mitte, meine Belichtung ist ausgeglichen, also drücke ich den Auslöser, um den Schuss zu erfassen. Jetzt balancieren wir zusammen, noch ein Bild. Unser Modell geht aus dem Meer und die Wellen schlagen an die Küste. Es gibt Bewegung in diesem Schuss, und wir wollen sie einfrieren. Deshalb setzen wir zuerst unsere Verschlusszeit ein. Wir werden es auf eine Fünftausendstel Sekunde setzen. Verwendung einer schnellen Verschlusszeit friert die Aktion ein und gibt uns ein scharfes Bild. Allerdings lassen wir nicht viel Licht in die Mitte treffen , weil die Verschlusszeit wirklich schnell ist, also brauchen wir mehr Licht. Dann stellen wir die Blende auf 3,2 ein, eine relativ breite Blende, die es erlaubt, viel Licht auf den Sensor zu treffen. Es wird auch das Thema von dem Hintergrund und dem Vordergrund trennen. Schließlich, da der Lichtmesser zeigt, dass wir bereits eine ausgewogene Belichtung haben, werden wir die ISO auf 100 einstellen. Wir brauchen kein Licht mehr. Denken Sie daran, dass wir die ISO nur als letztes Mittel verwenden. Das sind Jungs, die Denkweise beim Ausgleich der Belichtung, überlegen Sie, was das Wichtigste für Ihren Schuss ist, um Bewegung oder Schärfentiefe zu steuern. Entsprechend stellen Sie zuerst die Verschlusszeit oder die Blende und die ISO am Ende, als letztes Mittel, wenn Sie mehr Licht in als letztes Mittel, die Aufnahme aufnehmen möchten. 6. Komposition: Lassen Sie uns jetzt über die Zusammensetzung Ihrer Fotos sprechen. Komposition ist einfach, wie Sie die Elemente in Ihrem Rahmen anordnen. Komposition ist wirklich entscheidend, weil es eine Möglichkeit ist, die Augen Ihres Betrachters auf die wichtigsten Elemente Ihres Fotos zu lenken . Eine gute Komposition kann sogar aus einem gewöhnlichen Thema in einer einfachen Umgebung ein brillantes Bild machen . Auf der anderen Seite kann eine schlechte Komposition ein Foto ruinieren , obwohl das Thema interessant sein kann. Wenn es um Komposition geht, ist es etwas schwer zu lehren, und es dauert eine lange Zeit, um zu lernen. Es hat eine subjektive Natur, und die meiste Zeit gibt es keine richtige oder falsche Zusammensetzung. Alles ist offen für die Interpretation. Lassen Sie uns jetzt über einige kompositorische Konzepte und Tipps sprechen , die sie Ihre Fotos dramatisch verbessern können. In erster Linie ist es wichtig, Ihre Kamera zu bewegen. Jedes Foto hat zwei Schlüsselfaktoren: die Position des Subjekts und die Abscheidung des Fotografen, die mit der Position des Betrachters identisch ist. Wenn Sie nun eine von diesen ändern, ändern Sie, wie sich Ihre Aufnahme anfühlt und welche Geschichte sie erzählt. Nehmen Sie immer Ihre Aufnahmen aus verschiedenen Positionen und versuchen Sie verschiedene Blickwinkel. Wenn Sie nur einen Schritt in der Seite zu machen, kann eine schöne Form wird auf dem Hintergrund enthüllt werden, und dann vielleicht wird dieses Ding Ihren Gesamtschuss ergänzen. Denken Sie auch genau darüber nach, welchen Winkel Sie verwenden werden. Dies ist ein wirklich leistungsfähiger Weg, um zu bestimmen, was Ihre Zuschauer denken und fühlen sollen , wenn sie Ihre Aufnahme sehen. von oberhalb der Augenhöhe Ihres Motivs fotografieren , fühlt sich Ihr Motiv verletzlich oder schwach an, kann es aber auch dazu bringen, dass sich der Betrachter wirklich mächtig fühlt. Der Betrachter ist ein Berechtigungsbeobachter und kein Teil der Szene. Wenn Sie jedoch von der Augenhöhe aus schießen, sind Sie Teil der Szene. Sie sind mit Ihrem Thema vertraut und fühlen sich Ihrem Thema nahe. Ein Schuss, der unterhalb der Augenhöhe des Subjekts aufgenommen wird, erzeugt den Eindruck, dass der Betrachter sie aus einer tieferen Perspektive betrachtet. Diese Art von Schuss kann dem Betrachter den Eindruck erwecken , dass das Motiv mächtiger, heroischer oder sogar gefährlicher ist. Ein weiteres interessantes Konzept ist die Regel der Dritten. Rule of Thirds stammt aus der Malerei und wurde vom englischen Maler Joshua Reynolds erfunden. Reynolds bezieht sich auf die Regel der Dritten als allgemeines Prinzip für die Balance von Licht und Dunkel in einem Kunstwerk. Sie wird später in das Netzsystem umgewandelt, das wir heute kennen. Die Regel der Dritten besagt, dass jedes Foto in ein Raster aufgebrochen werden sollte, wobei zwei vertikale und zwei horizontale Linien neun gleichproportionierte Boxen bilden. Dann sollten Sie die wichtigen Elemente Ihrer Shorts auf den Linien oder an ihren Kreuzungen platzieren . Daraus ergeben sich dynamische, interessante Kompositionen, die die Blicke des Betrachters über die Szene ziehen. Ein weiterer Tipp für die Anwendung der Regel der Dritten ist, dass Sie Ihrem Thema Raum geben sollten , um in die Szene zu schauen oder zu bewegen, da es sich auf diese Weise viel natürlicher anfühlt. Im Allgemeinen ist es äußerst wichtig zu überlegen, wie sich Ihr Foto wie ein Ganzes anfühlt. Rule of Thirds sieht nicht die ganze Zeit gut aus. Manchmal sieht Ihr Motiv vielleicht besser in der Mitte aus, und manchmal könnte sich Ihr Foto als leer und unausgewogen erweisen , wenn Sie es nicht ausgleichen. Eine weitere Sache, die auch Ihre Zusammensetzung verbessern kann, ist, auf die Kanten zu achten. Achten Sie immer auf die Ränder Ihres Rahmens. Versuchen Sie, Menschen nicht in zwei Hälften zu schneiden, wenn sie an den Rändern sind. Versuchen Sie nicht, Gebäude, Bäume und andere Teile des Körpers zu schneiden . Diese fühlen sich abnormal an und können den Betrachter vom Hauptthema ablenken. Die nächste Technik der Komposition, über die ich sprechen möchte, ist führende Linien. Führende Linien sind eine der einfachsten Ideen in der Komposition, aber auch eine der mächtigsten. Das liegt daran, dass wir Elemente in unserer Umgebung verwenden, um einen visuellen Weg zu schaffen , der unsere Zuschauer zum Hauptthema führt. Die Welt um uns herum ist voller Linien und wir sollten unser Gehirn und unsere Augen trainieren , um sie zu unterscheiden und sie in unseren Fotos umzusetzen. Zum Beispiel ist diese Straße keine Betonkonstruktion, sondern eine Reihe von parallelen Linien, die das Auge des Betrachters in die Berge im Hintergrund führen. Auch hier führen alle diese Linien in diesem Himmelfeuerraum erfolgreich zum Modell. Eine weitere wichtige Sache ist, dass führende Linien effektiver sind , wenn es sich um diagonale Linien oder geschwungene Linien handelt, da diese Art von Linien das quadratische Format Ihrer Fotos brechen können und sie dem Auge des Betrachters helfen, das gesamte Rahmen, so dass Ihr Foto leistungsfähiger. Eine weitere leistungsstarke kompositorische Strategie besteht darin, den Rahmen zu füllen. Wenn Ihr Schuss in Gefahr ist, Auswirkungen zu verlieren, weil der Hintergrund beschäftigt und laut ist, schneiden Sie von Ihrem Hauptfokus aus. Wenn Sie dies tun, eliminieren Sie Ihren Hintergrund so dass die ganze Aufmerksamkeit auf Ihr Hauptthema geht. Dies kann gut mit Porträts funktionieren, wenn Sie versuchen, etwas Intimeres zu erfassen. Jetzt werden wir das genaue Gegenteil des Füllens des Rahmens tun. Wir werden viel negativer Raum leben. Eine Menge leerer negativer Raum um Ihr Thema zu verlassen , kann sehr visuell interessant ein Gefühl von Minimalismus und Einfachheit schaffen. Mit der kompositorischen Technik des negativen Raums können wir ein Foto erstellen, das sich dramatisch anfühlt und die Augen unseres Betrachters in den kleineren Bereich führt, den positiven Raum, wo unser Hauptthema ist. Lassen Sie negativen Raum und haben Sie keine Angst, störende Elemente aus Ihrem Rahmen zu entfernen. Abschließend, wenn es darum geht, Ihre Komposition zu beherrschen, denke ich, dass es wirklich wichtig ist, sich von der Arbeit anderer Fotografen inspirieren zu lassen. unser Kursprojekt machen, machen Sie sich allmählich mit der Art der Komposition vertraut, die Sie anregt denn wenn Sie diese Fotos ständig um Sie herum haben , werden Sie viele Möglichkeiten haben, sie zu sehen. Ich würde Ihnen auch raten, eine Kompositionstechnik zu einer Zeit zu beginnen und dann zu schießen und neu zu schießen, diese Komposition, die Sie gerade studieren, und dann zu anderen Kompositionen zu bewegen. Konzentrieren Sie sich auf etwas, beherrschen Sie es und fahren Sie dann mit etwas anderem fort. 7. Weißabgleich: Also, was genau ist der Weißabgleich? Um dies zu beantworten, müssen wir zuerst erklären, welche Farbtemperatur ist. Zuallererst hat jede Lichtquelle eine Farbe. Zum Beispiel ist ein Sonnenuntergang warm und golden, während ein regnerischer Tag bläulich und kalt ist. Die künstlichen Lichter in unseren Häusern haben andere Farbtemperaturen. Einige Lichter können kühler sein, näher an Blau, und andere können wärmer näher an Orange sein. Das steuert die Farbtemperatur. Es wird in Kelvin gemessen und liegt zwischen 2.000 Kelvin und 10.000 Kelvin. Mit 10.000 Kelvin die wärmste und mit 2.000 Kelvin die kälteste, und mit Tageslichttemperatur irgendwo in der Mitte bei 5.500 Kelvin, aber warum brauchen wir den Weißabgleich? Nun, wenn Sie Ihre Kamera an einer weißen Oberfläche anordnen, die bläuliches Licht reflektiert, können Ihre Augen sie als weiße Oberfläche sehen, aber Ihre Kamera sieht sie als bläuliches Licht. Dies geschieht, weil sich unsere Augen in den unterschiedlichen Farben des Lichts in einem Prozess anpassen können , den wir nicht einmal erkennen, dass dies geschieht. der anderen Seite müssen wir unseren Kameras sagen, bei welchem Licht sie sehen. Das liegt daran, dass sie nur die tatsächliche Wellenlänge des Lichts aufzeichnen und das Wesentliche treffen können. Kurz gesagt, Weißabgleich ist der Prozess der Ausgleich der Temperatur der Farben in unserer Kamera, so dass es Licht so genau darstellen kann, wie es im wirklichen Leben scheint. Wenn ein Foto zu warm ist, kühlt Ihre Kamera das Bild ab, indem Sie mehr Blau hinzufügen. Wenn Ihr Foto zu kalt ist, wärmt die Kamera das Bild durch Hinzufügen von mehr Orange auf. Meistens habe ich meinen Weißabgleich in den Auto-Modus eingestellt , weil es gute Arbeit macht. Wenn wir jedoch die volle Kontrolle haben wollen oder wenn wir Orte mit mehreren Lichtquellen mit unterschiedlicher Farbtemperatur fotografieren oder filmen , dann müssen wir unseren Kameras helfen und den Weißabgleich manuell einstellen. In jeder Kamera gibt es das Weißabgleich-Menü mit der Kelvin-Skala, wo wir den Weißabgleich manuell einstellen können , indem die genaue Kelvin-Nummer auswählen, mit der wir aufnehmen möchten. Es gibt auch die voreingestellten Optionen wie das Tageslicht, den Schatten, die trübe, das Wolfram-Licht. Es gibt jedoch keine festen Regeln dafür, wie wir unseren Weißabgleich festlegen müssen. Es besteht keine Verpflichtung, die Farben mit exakter Temperatur zu dokumentieren. Wenn wir zum Beispiel einen Sonnenuntergang fotografieren, können wir erhöhen, tatsächlich wird der Weißabgleich und der Sonnenuntergang noch wärmer, golden, schöner erscheinen. Vergessen Sie nicht, dass Fotografie eine Kunst ist, und wir können Regeln brechen , wenn diese Dinge uns helfen, unsere Geschichten besser zu erzählen. 8. Fokusmodi: Lassen Sie uns jetzt über Fokusmodi sprechen. Je nachdem, was Sie fotografieren, müssen Sie einen anderen Fokusmodus verwenden. Kurz gesagt, es gibt zwei Arten von Fokusmodi: den Autofokus und den manuellen Fokus. Mit dem Autofokus sagen wir dem Kameraprozessor, das Objektiv für uns zu fokussieren, während wir mit dem manuellen Fokus den gleichen Prozess selbst durchführen. Persönlich benutze ich den Autofokus meistens, weil heutzutage der Autofokus wirklich genau und zuverlässig ist. manuelle Fokus ist jedoch praktisch, wenn ich Videos fotografiere und ich möchte, dass die volle Kontrolle über den Fokus manuell mit meinen Händen steuert und wirklich präzise ist und auch wenn wir bei schlechten Lichtverhältnissen fotografieren, dann der Autofokus die meisten der Zeiten können nicht wirklich gut halten, und dann verwenden wir wieder den manuellen Modus. Zum Beispiel fand ich den manuellen Fokus sehr praktisch, wenn ich diese Astrofotografie, Nordlichter Foto nahm. Es war wirklich dunkel und ich musste vier Wiederholungen machen, fokussieren und neu fokussieren, bis ich die Sterne in diesem Fokus habe. Lassen Sie uns nun ein wenig mehr vom Autofokusmodus untersuchen. Wir können entweder den One-Shot Einzelfokusmodus oder den Servo Continuous Autofokus Modus für kontinuierliche Fokussierung wählen. Jeder Hersteller nennt es ein wenig anders, aber sie alle tun im Grunde die gleiche Funktion. One-Shot oder einzelner Autofokus bedeutet, dass Sie Ihren Fokus sperren und solange Sie den Auslöser halb drücken, wird sich der Fokuspunkt nicht bewegen, er sperrt. Dieser Modus eignet sich perfekt für statische Motive, wie zum Beispiel beim Fotografieren, Zustandsporträts. Denn wenn Sie Ihre Aufnahme neu zusammenstellen möchten, können Sie den Auslöser halb drücken und Ihre Kamera bewegen, ohne den Fokus zu verlieren. Seien Sie jedoch vorsichtig, denn wenn sich das Modell, das Sie schießen, sogar ein wenig vorwärts oder rückwärts bewegt, dann sind Sie in Gefahr, den Fokus zu verlieren, und dann müssen Sie sich wieder konzentrieren. der anderen Seite, mit Servo oder kontinuierlichem Autofokus Modus, solange Sie halb auf den Auslöser drücken, wird sich der Fokus kontinuierlich bewegen und Sie verfolgen Ihr Motiv. So können Sie diesen Modus verwenden, wenn Sie Action oder Sport schießen, oder Kinder spielen oder Wildtiere. Grundsätzlich, in jeder Situation, die Sie benötigen, um Ihr Thema zu verfolgen. 9. Beleuchtung: Lassen Sie uns jetzt über Beleuchtung sprechen. Beleuchtung ist ein riesiges kompliziertes Thema, das wir in diesem Kurs nicht gründlich analysieren werden. Mein Ziel ist es, Ihnen einige Einblicke und Orientierung in Bezug auf Licht zu geben. So können Sie sicherer sein, zu gehen, Licht besser zu sehen, Licht zu verstehen und sein Potenzial zu maximieren. Licht ist lebenswichtig für die Fotografie, weil wir das Gefühl haben, dass es kein Foto gibt. Die Art der Lichtquelle Ihrer Fotografien wird ihren Charakter und ihre Stimmung beeinflussen. Generell können wir das Licht zu natürlichem und künstlichem Licht kategorisieren. In diesem Fall werden wir uns in diesem Kurs aus vielen Gründen an das natürliche Licht halten. Denn erstens ist es kostenlos, die Sonne ist reichlich vorhanden und sehr leicht zu finden. Sie müssen keine zusätzliche Ausrüstung, Lichter, Flüsse usw. kaufen . Der andere Grund, warum ich möchte, dass Sie sich auf natürliches Licht konzentrieren , ist, weil es uns Abwechslung gibt. Das gleiche Foto während der goldenen Stunde und während der Mittagszeit, wird Ihnen völlig andere Ergebnisse geben und dann, weil es sich wird Ihnen völlig andere Ergebnisse geben und dann einfach wirklich gut und natürlich anfühlt. Es ist ein wirklich sanftes Licht. Natürliches Licht ist jedes Licht, das durch das Sonnenlicht erzeugt wird. Umgebungslicht, jetzt gilt es auch als natürliches Licht. Es ist das Licht, zum Beispiel, in unseren Häusern, das durch das Fenster kommt. Um besser als natürliches Licht zu verstehen, werden wir dessen Attribute untersuchen und wie sich diese Eigenschaften auf unsere Fotos auswirken. Wir werden auf vier Attribute des Lichts hinweisen: die Temperatur, die Richtung, die Intensität und die Qualität des Lichts. Fangen wir mit der Temperatur an. Wie wir in der Weißabgleichstunde besprochen haben, wird die Temperatur des Lichts auf der Kelvin-Skala vom kühleren bläulichen Ende des Spektrums bis zum wärmeren orangen gemessen . Farbtemperatur ändert sich den ganzen Tag über, abhängig von der Tageszeit und der Menge der Wolken am Himmel. In der Morgendämmerung erscheint der Himmel hellblau. Bei Sonnenuntergang erscheint der Himmel orange und in der Abenddämmerung erscheint der Himmel violett blau. Die Intensität des Lichts, es ist ein Maß für seine Helligkeit und bestimmt, wie viel Licht auf einem Foto ist. Sie können schätzen, wie intensiv das Licht ist, basierend auf der Balance zwischen den Schatten, den dunkleren Bereichen des Bildes und den Lichtern, den helleren Bereichen des Bildes. Die Lücke zwischen den Glanzlichtern und den Schatten nennt man Kontrast. Licht ist intensiver in der Mitte des Tages, wenn die Sonne über dem Motiv steht. Bilder, die zu dieser Tageszeit aufgenommen wurden, haben meist einen hohen Kontrast und starke Schatten. Wenn wir jedoch versuchen, morgens oder nachmittags Fotos zu machen, werden sie nicht so kontrastierend sein. Wenn es um Qualität geht, kann Licht hart und direkt oder weich und diffus sein. Je kleiner die Lichtquelle ist, desto schwieriger ist die Qualität. Wenn sich die Lichtquelle ausbreitet und größer wird, wird die Qualität des Lichts weicher. Eine andere Sache, die die Qualität des Lichts beeinflusst, ist der Abstand zwischen der Lichtquelle und dem Motiv. Mittags, weil die Sonne näher an der Erde ist, ist das Licht heißer und direkter, während am Morgen oder am Nachmittag, das Licht ist viel weicher. Lassen Sie uns jetzt über die Richtung des Lichts sprechen. Die Richtung des Lichts ändert sich aufgrund der Bewegung der Sonne. Da die Sonne unter dem Horizont in der Morgendämmerung und Dämmerung, fast horizontal bei Sonnenuntergang und Sonnenaufgang, und es ist hoch und vertikal am Mittag, Fotografieren in dieser völlig anderen Zeiten des Tages, produziert vollständig verschiedene Fotos. Schau, zum Beispiel, diese riesigen Schatten, die wir nur haben können, wenn die Sonne untergeht. Abschließend gibt es kein schlechtes und gutes Licht. Die Leuchte ist entweder für Sie geeignet oder nicht geeignet. das beste Licht zu finden, das Sie bekommen können, wenn Sie nur die Art von Bildern bestimmen müssen, die Sie erstellen möchten, dann entscheiden Sie einfach, welche Tageszeit Ihnen helfen kann , diese erstaunlichen Bilder zu machen, die Sie im Kopf haben. 10. Tipps zur Fotobearbeitung: Lassen Sie uns jetzt gemeinsam bearbeiten. Fotobearbeitung ist auch wichtig, weil sie bestimmt, wie Ihr Foto am Ende aussehen wird. Bearbeiten ist eine gute Möglichkeit, sich zu unterscheiden und Ihre Arbeit von der Arbeit der anderen Fotografen zu unterscheiden. Wir können sagen, dass die mit Bearbeitung, Sie schaffen Emotionen mit Farben. Ich denke wirklich, dass Sie mit der Bearbeitung die Botschaft Ihrer Geschichte verstärken können. Es gibt keine richtige und falsche Bearbeitung, aber im Allgemeinen ist eine gute Philosophie für die Bearbeitung, dass Ihr Endergebnis natürlich aussehen sollte. Wenn jemand sofort denkt, dass Ihre Fotos gefälscht aussehen, dann gibt es vielleicht ein Problem, es sei denn, Sie möchten, dass die Farben überverarbeitet aussehen. In diesem Fall werde ich Adobe Lightroom verwenden, um zwei meiner Fotos neu zu erstellen. Wenn Sie den Lightroom nicht haben, ist es immer noch in Ordnung, da die meisten Fotobearbeitungsprogramme dieselben grundlegenden Funktionen haben. Hier sind wir, ich möchte diese beiden Fotos bearbeiten. Ich werde Lightroom öffnen und dann werde ich einen neuen Katalog erstellen und erstellen. Lassen Sie uns es nennen, letsedit, und lassen Sie es uns erstellen. Wenn wir auf den Desktop gehen, ein neuer Ordner, letsedit wird erstellt und in diesem Ordner habe ich alle Informationen behalten, alle Änderungen, die wir in unserem neuen Lightroom-Katalog vornehmen werden. Gehen wir nun zurück in Lightroom und lassen Sie uns unsere beiden Fotos per Drag & Drop innerhalb des Programms. Klicken Sie jetzt auf den Import und jetzt werden unsere Fotos in Lightroom importiert. Ich habe dieses Foto auf Rhodos Griechenland im Anthony Quinn Strand gemacht, während ich dieses Kreuzfahrtschiff fotografierte. Ich habe dieses Foto in London hinter der St. Paul Cathedral gemacht, während ich ein Mode-Fotoshooting machte. Fangen wir mit diesem an. Das war ein herausfordernder Schuss, weil mein Assistent, der das Modell beleuchtet, es an diesem Tag nicht schaffen konnte. Der Hintergrund, die Kathedrale ist viel heller als mein Modell, aber ich beschließe sowieso, diesen Schuss zu machen. Ich setze meine Belichtung so ein, dass ich so viel Licht wie möglich in meinem Modell geben kann , während ich gleichzeitig nicht vollständig überbelichten werde. Ich brenne meinen Hintergrund nicht. Genug gesagt, lassen Sie uns dieses Foto zusammen reparieren und gehen, um sich zu entwickeln. Hier im Entwicklungsmodus, werden wir den Großteil unserer Bearbeitungszeit verbringen, da ich selten diese Karte, Buch, Diashow-Druck und Webabschnitte verwende . In dieser rechten Seitenleiste gibt es die Post-Processing-Schieberegler, wo wir unsere Änderungen vornehmen. Bevor Sie beginnen, Ihre wichtigsten Schieberegler wie die Belichtung zu ändern, der Kontrast, die Lichter, die Schatten, die Weißen, gehen Sie hier in den Linsenkorrekturabschnitten nach unten. Klicken Sie auf entfernen chromatische Aberration und finden Sie das Objektiv, das Sie dieses Bild aufgenommen haben, für mich war es die Tamron SP 24-70 Millimeter und mit dieser Weise sind Sie die Beseitigung der Nachteile dieses bestimmten Objektivs, die Verzerrung und die mehr Dinge. Nun, wie wir mit dieser Methode gesagt haben, beseitigen wir die Vignettierung vollständig und wenn wir mehr Vignettierung wollen, ist es gut, am Ende der Bearbeitung zurückzukommen und sie manuell hinzuzufügen, indem Sie diesen Schieberegler bewegen. Weiter jetzt mit den grundlegenden Bearbeitungen, wir gehen den ganzen Weg nach oben und hier können wir die Temperatur sehen, dass es die Wärme der Farbe in Ihrem Bild von kälter zu wärmer setzt , aber wir werden die Temperatur auf eine andere Weise später in diesem ändern bearbeiten. Ich lasse die Belichtung bei Null, der Kontrast bei Null, dann werde ich mein Highlight verringern, damit ich ein wenig meinen überbelichteten Hintergrund beheben kann. Ich werde meine Schatten auf etwa 60 erhöhen, also gebe ich auf diese Weise dynamische Überfälle in meinem Bild. Ich werde jetzt mein Weiß um 10 erhöhen, und dann werde ich auch ein bisschen meine Schwarzen erhöhen, sagen wir 10. diesen letzten Knopf drücken, können wir sehen, dass vorher und wenn wir ihn erneut treffen, können wir dorthin zurückkehren, wo wir gerade sind. Wir können sagen, dass es bereits einen großen Unterschied in unserem Foto gibt, aber lassen Sie uns die Bearbeitung fortsetzen. Lassen Sie uns jetzt nur ein wenig die Klarheit mit sagen wir 5 erhöhen, und lassen Sie uns die Lebendigkeit und die Sättigung auf Null für jetzt. In diesem Schritt werden wir das Zuschneiden und Begradigen Werkzeug verwenden, damit wir das Seitenverhältnis und den Winkel unseres Fotos ändern können . In diesem Fall möchte ich mein Seitenverhältnis nicht ändern, weil es meine Komposition komplett verändern wird, und ich will das nicht, also werde ich es als Schuss belassen. Aber dann in dem Winkel können wir es manuell oder besser ändern, können wir einfach das Auto drücken und dann den Winkel automatisch fixieren, dann klicken Sie fertig. Jetzt möchte ich, dass die Farben ein bisschen knallen, also werde ich nur ein wenig erhöhen, die Lebendigkeit, etwas wie 10 und ich mache das nicht mit Sättigung, weil es viel schmeichelhafter ist, wenn wir das mit Lebendigkeit machen. Ich würde Ihnen empfehlen, nur mit Sättigung zu spielen, wenn Sie Ihr Foto schwarz-weiß machen möchten. Hier ist das Werkzeug der Tonkurve, die alle Töne Ihres Bildes darstellt. Indem Sie diese Punkte hinzufügen, können Sie Ihre Tonkurve mit unterschiedlichen Ergebnissen bearbeiten. Achten Sie jedoch darauf, es nicht zu übertreiben, weil Sie einige verrückte Ergebnisse haben können. In diesem Szenario werde ich nichts mit Tonkurve tun, da das Foto bereits erholt ist, weil ich Überbelichtung hatte. Ich habe nicht so viel Platz, um Änderungen in der Tonkurve vorzunehmen. An diesem Punkt können wir sehen, dass unser Modell noch etwas mehr Licht benötigt , um mit der Belichtung der restlichen Fotografie ausbalanciert zu werden. Wir müssen eine teilweise Änderung vornehmen und wir werden den Radialfilter verwenden, diesen hier klicken wir darauf. Dann werden wir versuchen, einen Kreis zu erstellen und dann den Kreis nach unten zu bewegen. Beachten Sie, dass, wenn Sie die Null treffen, dieses rote Ding verschwinden kann und dies nur ein Indikator dafür ist , wo Sie den Effekt anwenden. Wir werden den Kreis enger machen, ihn ein wenig drehen, ihn bewegen, ihn größer, breiter machen. Lassen Sie uns die Belichtung in diesem bestimmten roten Bereich erhöhen, sagen wir um 0, 38 und wir können hier im Navigator sehen, wie sich dies auf unser Foto auswirkt. Wenn wir jetzt zoomen können wir sehen, dass unser Modell viel mehr aufhellen ist. Aber ich muss sie immer noch in ihrem Gesicht anzünden, also klicke ich wieder in den Radialfilter und füge einen Kreis direkt in ihr Gesicht hinzu. Ich versuche, den Kreis mit ihrem Gesicht zu verbinden. Das sieht gut aus. Ich werde hier zum Beispiel die Exposition mit 032 erhöhen. Lassen Sie uns auch die Schärfe um acht erhöhen. Klicken Sie auf „Fertig“ und sehen Sie es viel besser. Ein Tipp hier ist, es nicht mit einem Radialfilter zu übertreiben , weil es wirklich abnormal aussehen kann. Nun, ich möchte mein Foto ein bisschen mehr Hirsche machen, indem ich etwas Licht aus dem Himmel nehme und es dunkler machen. In diesem Fall werde ich den Verlaufsfilter hier verwenden und ich werde eine Linie zeichnen und dann die Linie drehen und wieder in diesem roten Bereich werde ich meinen Effekt anwenden. Durch das Erhöhen und Verringern dieser Linie wird der Filter mehr oder weniger schrittweise. Lass es uns irgendwo hier liegen. Lass es uns gerade machen. Auch wenn Sie sich den Navigator ansehen, können Sie das Ergebnis sehen. Hier ist das überbelichtete und hier ist das Unterbelichtete. Lassen Sie uns es verringern, wenn wir die Belichtung nur um minus 036 einstellen. Lassen Sie uns auch die Glanzlichter um minus 21 verringern. Drücken Sie „Fertig“ und Sie können diesen Unterschied jetzt sehen. Lassen Sie uns jetzt auf dem HSL bewegen. HSL steht für Riesige Sättigung in der Luminanz. Farbton behandelt die tatsächlichen Farbtöne des Bildes, wie das Verschieben von Farbtönen in einen anderen Tonbereich. Die Sättigung befasst sich mit der Leistung oder der Sättigung einer bestimmten Farbe, während die Luminanz die Helligkeit einer bestimmten Farbe berücksichtigt. Für dieses Bild möchte ich den Farbton von Blau ändern und es so etwas wie minus 20 machen , nicht zu viel. Ich werde nur ein wenig die Luminanz um fünf erhöhen. Wir können hier sehen, wie sich der Farbton ihrer Kleidung nur wegen des Farbtons verändert hat. Gehen wir nun zur roten Farbe. Wir können sehen, dass die Konstruktion meist redish ist und erhöhen wir die Leuchtdichte. Machen wir es 60. Das sieht gut aus. Nun, ab und zu empfehle ich Ihnen dringend, den L-Button einmal und noch zweimal zu drücken, damit Sie unabgelenkt sehen können, was Sie bisher geschaffen haben. Jetzt werden wir die geteilte Tonung verwenden, damit wir den Weißabgleich nur der Glanzlichter oder der Schatten anpassen können . Das ist ein tolles kreatives Werkzeug, weil es einen Film-Look schafft. Grundsätzlich werde ich jetzt meine Sättigung in vollen Zügen erhöhen damit ich die volle Wirkung des Split-Tonings sehen kann. Dann wähle ich meinen Farbton aus und lass uns für dieses schöne Gelb gehen. Dann werde ich natürlich jetzt meine Sättigung verringern, so etwas. Lassen Sie uns nun unsere Bearbeitung beenden, indem wir ein wenig Vignettierung hinzufügen, die unsere Augen in die Mitte lenken. Ich werde jetzt auch nur ein wenig die Körnung erhöhen, so dass ich diesen Film Look verschönern kann. Gehen wir wieder in die grundlegenden Schieberegler und lassen Sie uns vielleicht nur ein wenig mehr die Schatten erhöhen. Das sieht gut aus. Wenn wir jetzt diesen letzten Knopf drücken, können wir das Vorher und das Nachher sehen, und ich denke, dass der Unterschied offensichtlich ist. Ich bin glücklich. Lassen Sie uns unser nächstes Foto bearbeiten. Lassen Sie uns jetzt dieses Bild bearbeiten. In meinen Augen sieht es schon gut aus, aber wir werden einige kleinere Anpassungen vornehmen, um es noch besser zu machen. Beginnen wir mit einem Zuschneide- und Begradigungswerkzeug, und bewegen wir uns dann den Winkel ein wenig, damit wir die Komposition noch dynamischer machen können. Drücken Sie die Eingabetaste. Mal sehen, was wir mit der Temperatur machen können. Ich denke, ich hätte es gerne etwas wärmer. Die Belichtung ist in Ordnung. Lassen Sie uns jetzt die Highlights reduzieren, weil wir hier im Boot sehen können , dass es ein wenig überbelichtet ist. Durch Ziehen der Glanzlichter entfernen wir ein wenig Licht. Lassen Sie uns ein wenig die Schatten erhöhen, um dynamischere Körner zu geben. Lassen Sie uns die Weißen so lassen und erhöhen Sie das Schwarz leicht. Ich werde die Klarheit um acht erhöhen und dann werde ich die Lebendigkeit nutzen, um die Farben ein wenig Pop zu lassen. Nur ein bisschen, so etwas wie sechs. Das ist in Ordnung. Wir werden uns nicht mit der Tonkurve vermasseln. jetzt zum HSL gehe, möchte ich die Farben des Meeres ändern und sie so machen, minus 25, es ist in Ordnung. Jetzt werde ich ein wenig die Sättigung bei etwas wie 15 erhöhen, und die Luminanz bei etwas wie 20. Ich werde mich nicht mit dem Split-Toning vermasseln weil ich die Temperatur des Fotos schon mag. zu den Objektivkorrekturen gehe, werde ich die chromatische Aberration entfernen, aber ich werde keine Profilkorrekturen aktivieren, weil ich mit dem Ergebnis bereits zufrieden bin. Jetzt werde ich wieder in den Farbton gehen und ich werde nochmals den Farbton überprüfen, weil ich denke, es sieht ein wenig gefälscht das Wasser. Ich möchte weniger den Farbton bei etwas wie 13 verringern. Ja, ich denke, das sieht besser aus. Jetzt in diesem Schritt möchte ich das Rot ein wenig weniger mächtig machen. Ich werde zum Rot gehen und ich werde die Sättigung verringern und ich werde die Luminanz leicht erhöhen. Ich denke immer noch, dass das Boot ein bisschen überbelichtet ist. Ich werde dieses Werkzeug verwenden, den Einstellpinsel, und natürlich werde ich die Größe vergrößern, damit ich das Boot abdecken kann und wir ziehen es. Ich werde eigentlich mit diesem Pinsel das Boot malen und dann werde ich es etwas kleiner machen, um diesen Teil hier zu erreichen. Jetzt werde ich nur ein wenig die Highlights verringern und nur ein wenig die Belichtung, nur minus zehn, nichts zu viel. Sieht besser aus. Ich möchte mich ein bisschen mehr auf diese Leute hier und hier konzentrieren, und ich möchte sie ein bisschen klarer machen. Ich werde wieder den Einstellpinsel verwenden. Ich werde sie markieren und ich werde die Klarheit leicht erhöhen, sagen wir 35, klicken Sie auf „Fertig“. Lassen Sie uns jetzt diesen letzten Knopf drücken, um das Vorher und jetzt das Nachher zu sehen. Ich bin wirklich glücklich und ich werde dieses Foto exportieren. Bingo, wir sind bereit. Das war der Prozess der Bearbeitung meiner Bilder. Denken Sie daran, dass es keine richtige und falsche Bearbeitung gibt. Achten Sie jedoch darauf, Ihre Fotos nicht zu überschneiden, damit sie nicht gefälscht aussehen. 11. RW vs JPEG: RAW gegen JPEG, was ist der Unterschied? Beide haben ihre Vor- und Nachteile. Aber lasst uns herausfinden, was für dich besser ist. Höchstwahrscheinlich wird JPEG Ihr Kamera-Standardformat sein, da der Hersteller den Anfänger Fotografen nicht mit den zusätzlichen Schritten der Fotobearbeitung belästigen möchte . JPEG wird in der Kamera verarbeitet und ist dann komplett einsatzbereit. Sie können das Foto sofort in sozialen Medien posten, Sie können es ausdrucken und Sie können es verwenden, wie Sie wollen. Wenn Sie in JPEG aufnehmen, fügt die Kamera Blöcke, Kontrast, Rauschunterdrückung, Schärfe hinzu und gibt dann die Fotodatei in ein JPEG, ein komprimiertes JPEG, ein. Warum ist es bereits verarbeitet? Sie haben nicht viel Flexibilität, um außerdem Ihr Foto zu bearbeiten und Änderungen vorzunehmen. Ein großer Vorteil des JPEG-Formats ist, dass es viel kleiner als das RAW-Format ist. In den meisten Fällen ist JPEG dreimal kleiner, was bedeutet, dass Sie viel Platz auf Ihren Speicherkarten und auf Ihren Festplatten sparen können . Außerdem können Sie viel mehr Fotos im Burst-Modus aufnehmen, bevor Ihr Speicherpuffer voll ist. Lassen Sie uns jetzt über RAW-Format sprechen. Nun, wenn Sie in einem RAW schießen, erfassen Sie fast alle Informationen vom Sensor. So sind Sie mit Ihrer Aufnahme fertig, Sie übertragen Ihre Dateien in den Computer, und Sie werden feststellen, dass die RAW-Dateien flach und dunkel sind und Sie können sie nicht sofort verwenden. Sie können sie nicht ausdrucken und können sie nicht in Ihre sozialen Medien hochladen. Sie müssen sie zuerst bearbeiten. Das ist auch der größte Vorteil einer RAW-Datei. Sie sind in der Lage, RAW-Bilder in vielerlei Hinsicht zu verarbeiten. Sie müssen eine Fotobearbeitungsanwendung wie Adobe Lightroom oder Photoshop verwenden, damit Sie Ihre RAWs bearbeiten und diese dann schließlich in JPEG-Dateien exportieren können. Aufnehmen von RAW bietet Ihnen eine höhere Bildqualität und eine größere Flexibilität beim Bearbeiten. Auch mit RAW erhalten Sie einen größeren Dynamikbereich und Farbraum. Für die Hervorhebung und Schattenwiederherstellung jetzt, wenn Sie über oder unter ein Foto freigegeben haben, kann die RAW-Datei einen großartigen Job machen. Aber lassen Sie uns das Ding zusammen testen. Ich habe dieses Fotoshooting sowohl im RAW- als auch im JPEG-Format gemacht und ich überbelichten es absichtlich. Dann habe ich versucht, beide in Ordnung zu bringen. Wie Sie sehen können, konnte ich meine überbelichtete RAW-Datei wiederherstellen, aber nicht meine JPEG-Datei. Der Unterschied ist riesig und das ist die Magie des Drehens in RAW. Was ich persönlich mache, ist, dass ich immer in RAW fotografiere. Zwar gibt es keine Frage für meine Kundenarbeit, aber ich fotografiere in RAW, auch wenn ich für Freunde und Familie fotografiere. Das liegt daran, dass Sie nie wissen, wann Sie einen erstaunlichen Schuss bekommen werden, den Sie es weiter bearbeiten möchten. Die einzige Situation, die ich in JPEG fotografiere ist, wenn ich die Fotos sofort liefern möchte, zum Beispiel in einem Live-Wettbewerb. Wenn Sie manchmal auch in JPEG schießen müssen, stellen Sie sicher, dass Sie die richtigen weißen unteren Einstellungen und die richtige Belichtung verwenden , da Sie dann in der Postproduktion eingeschränkt werden. 12. Voller Fraktionen vs. Crop Faktor: Vollbild im Vergleich zum Zuschnittfaktor. Was ist der Unterschied zwischen den Vollformatsensoren und den Crop Factor-Sensoren? Aber was ist Full-Frame? Der Begriff Vollbild bezieht sich auf die Sensorgröße, die die gleichen Abmessungen wie das 35-Millimeter-Filmformat aus dem vordigitalen späten späten, während das 35-Millimeter-Filmformat aufgrund seiner Ausgewogenheit seit 1909 der Standard in der Filmindustrie ist in der Kosten- und Bildqualität. Andererseits ist ein Erntefaktor-Sensor jeder andere Sensor, kleiner ist als der 35-Millimeter-Vollformat-Kamerasensor. Häufige Arten von Ernte-Sensoren sind der APS-C und der Micro Vierdrittel-Sensor. Lassen Sie uns nun die anderen Unterschiede zwischen einem Vollformat-Kamerasensor und dem Crop Factor Kamerasensor untersuchen , abgesehen von ihren Unterschieden in der physikalischen Größe. Ein wesentlicher Unterschied ist das Sichtfeld. Vollbildkameras haben ein größeres Sichtfeld. Wenn Sie ein Foto aus der gleichen Entfernung mit dem gleichen Objektiv, mit einer Vollbildkamera und der mit einem Zuschneidefaktor 1 aufnehmen, erfasst die Zuschneide-Sensor-Kamera ein engeres Sichtfeld. Aber lassen Sie uns das in der Praxis sehen. Ich habe mein 50-Millimeter-Objektiv an meiner Vollbildkamera verwendet und ein Foto von diesem Sprayer gemacht. Dann habe ich das gleiche 50-Millimeter-Objektiv an der Crop-Sensor-Kamera angebracht und ich fand heraus, dass die Vollbildkamera mir tatsächlich ein größeres Sichtfeld gibt. Auch im Allgemeinen kann eine Vollbildkamera eine bessere Leistung bei schlechten Lichtverhältnissen bieten. der Vollformat-Sensor größer ist als der Zuschnittssensor, bedeutet dies auch, dass jedes einzelne Pixel im Vollformat-Sensor ebenfalls größer sein wird. Während in einem Crop-Sensor, Hersteller müssen die gleiche Anzahl von Pixeln in einem viel kleineren Bereich passen, was möglicherweise zu mehr digitalen Rauschen unter schwierigen Lichtverhältnissen führen wird. Doch mit dem Fortschritt der Technologie sehen wir Crop Factor Kameras, dass sie digitale Rauschen besser bei schlechten Lichtverhältnissen verarbeiten können . Ein weiterer Vorteil einer Vollbildkamera ist, dass sie eine geringere Schärfentiefe als eine Crop Factor Kamera hat. Flache Schärfentiefe bedeutet, wie gesagt, dass wir ein Foto mit Boca haben werden, mit einem verschwommenen Hintergrund. Das passiert, weil, um einen Satz und Sichtfeld Einheit zu erreichen, das Objektiv mit einer längeren Brennweite, wenn wir Vollbild-Kameras verwenden. Von der anderen Seite kann die Verwendung einer Crop Factor Kamera sehr effektiv für die Telefotografie sein , und das liegt daran, dass wir zusätzliche Lesevorgänge aus dem Crop Sensor Multiplikator gewinnen. Ein 50-Millimeter-Objektiv auf einer Vollbildkamera gibt ein 50 Millimeter Sichtfeld, aber das gleiche 50-Millimeter-Objektiv auf einem Crop Factor Körper wird uns 50 mal 1,5 ist 75 Millimeter Sichtfeld geben . Dies kann sehr nützlich sein, wenn Sie Sport, Tierwelt, Fotojournalisten schießen , und im Allgemeinen, was möchten Sie näher an Ihr Thema zu bekommen. Ein weiterer Vorteil einer High-End Crop Factor Kamera ist, dass sie eine ähnliche Qualität mit einem Vollbild zu einem günstigeren Preis bieten kann . Abschließend gibt es nicht nur eine Antwort in der Frage, sollte ich eine Vollbild- oder eine Crop Factor Kamera kaufen? Ich würde Anfängern raten, mit einer Ernte-Sensor-Kamera zu beginnen. Die Einstiegsmodelle sind billiger, leicht, und Sie können immer noch einige tolle Fotos machen. Lernen Sie die Kamera und machen Sie das Beste daraus, bevor Sie ein Upgrade auf ein Vollbild-Modell in Erwägung ziehen. Wenn Sie jedoch mehr Profi-Funktionen, eine bessere Ergonomie und eine bessere Gesamtleistung wünschen, sollten Sie sich für ein Vollformatmodell entscheiden. 13. Schlussbemerkung: Herzlichen Glückwunsch, Sie haben es bis zum Ende des Kurses geschafft. Nun, da wir über die Belichtungselemente, die Beleuchtung, die Zusammensetzung und allgemein die Grundlagen gesprochen die Beleuchtung, die Zusammensetzung haben, haben Sie eine solide Basis, die Sie darüber arbeiten können. Jetzt ist es an der Zeit, dass du losgehst und erneut fotografierst und deine Fotos ansiehst und veröffentlichst, deine Fotos teilen, Feedback erhalten und sie dann verbessern kannst. Drucken Sie Ihre Fotos, kleben Sie sie an die Wand, schenken Sie sie als Geschenk und lassen Sie sich natürlich auch von anderen Fotografen inspirieren. Das ist der einzige Weg, Jungs, die Sie als Fotograf verbessern können. Für mich war es super Spaß, an diesem Projekt zu arbeiten und ich hoffe, dass Sie auch genossen haben. Vergessen Sie auch nicht, Ihr Projekt zu machen, Ihre Collage zu erstellen, es mit uns zu teilen, sich inspirieren zu lassen und uns zu inspirieren. Wenn Sie Fragen haben, werde ich Ihnen gerne antworten. Außerdem würde ich mich sehr freuen, mir dein Feedback zu geben und eine Rezension für diesen Kurs abzugeben. Es hilft wirklich auf diese Weise, seine Glaubwürdigkeit zu wachsen. Danke, Jungs, dass ihr diesen Kurs absolviert habt. Passen Sie auf, schießen Sie weiter und sehen Sie bald.