Fotografische Komposition - Ein absoluter Crashkurs

1. Lektion 1 Einführung: Hey, willkommen zum Kurs zur Bildkomposition. Also, was genau ist eine Komposition? Der Begriff Komposition bedeutet Zusammensetzen und kann für jedes Kunstwerk gelten, von der Musik über das Schreiben bis hin zur Fotografie. Und das ist mit einem bewussten Gedanken arrangiert. Im Wesentlichen geht es bei der Komposition darum, Objekte in Ihrem Sucher so zusammenzustellen , dass sie die gewünschten Bits hervorheben, sodass sie in Ihrem Foto genau richtig hervorstechen. Diese Objekte enthalten alles im Vordergrund, den Hintergrund, diejenigen, die das Bild umrahmen, und vor allem das Licht. Einfach ausgedrückt, Wettbewerb ist, wie die Elemente des Fotos in sich selbst angeordnet sind. So kann eine Komposition aus vielen verschiedenen Elementen bestehen, sind nur wenige. So setzt der Künstler diese Dinge in einem Rahmen zusammen, der dazu beiträgt, dass ein Foto mehr oder weniger interessant für die Ansicht wird. Einfach gesagt, ein gutes Foto wird viele verschiedene Wege nehmen und sie zu einer ästhetisch ansprechenden Komposition kombinieren ist, wie ein Künstler eine Geschichte innerhalb der Grenzen eines einzigen Rahmens erzählt. Also, warum müssen wir Komposition an erster Stelle lernen? Eines der größten Probleme, die wir bei Amateurfotografen finden , ist, dass nicht zu wissen, was es braucht, um ein großartiges Foto zu komponieren. Oft ein Foto oder wird lange Tage damit verbringen, Fotos zu erfassen. Nur zwei mit einer Reihe von Bildern geschrieben, mit denen er oder sie nicht ganz zufrieden ist. Scharf, die Beleuchtung, die Belichtung kann großartig geworden sein. Oh, die Zusammensetzung der Fotos lässt etwas zu wünschen übrig. Kurz gesagt, ihnen fehlt der Vol Faktor, den sie in anderen Fotografen Aufnahmen sehen. So innovativer Wettbewerb lenkt das Auge des Betrachters. Es kann wirklich auffällige und ansprechende Bilder zu schaffen. der Komposition geht es nicht nur um das, was im Rahmen vorhanden ist, sondern um die visuelle Anordnung der Elemente innerhalb des Rahmens. Es bringt die Geschichte hervor, die Sie durch Ihre Bilder vermitteln möchten. Es macht Ihre Fotos auffallen und macht es zu einem großartigen Bild. Und nicht nur ein Amateurschuss. Komposition ist das Fundament, auf dem große Fotografien aufbauen. Und ein Auge für eine gute Komposition hilft Ihnen, Ihren Stil zu finden und Ihr Vertrauen als Note für andere Anstrengungen aufzubauen. Denken Sie daran, ein tolles Bild ist oft eine Mischung aus mehreren Zutaten, wie schönes Licht, Gegenstand, der perfekte Moment, Timing, Stimmung. Aber am wichtigsten ist, dass es eine persönliche Vision und Komposition ist, die am wichtigsten ist. In der Tat, wenn Sie die Kunst der Komposition beherrschen, wissen Sie genau, welches Element es braucht, um eine großartige Aufnahme zu komponieren, bevor Sie überhaupt den Auslöser berühren. Als Ergebnis wird es Ihnen befreien, sich auf andere Zutaten zu konzentrieren, gehen Sie in ein schönes Foto zu machen. Also, was werden Sie in diesem speziellen Kurs lernen? Der Kurs ist mit dem Ziel gebaut, Sie die verschiedenen Muttern und Schrauben verstehen zu lassen, die in die Schaffung einer guten Zusammensetzung gehen. In einem Foto, werden Sie die Tipps und Tricks professionelle Fotografen verwendet, um ein großes Bild entwickelt Verständnis der verschiedenen Elemente, die in die Zusammenstellung einer großen Aufnahme gehen, wie Arten von scharfen Fokus, Zentrum des Interesses, Regel der Drittel, Farben, Rahmen, Textur, et cetera. Wir werden alles abdecken. Am wichtigsten ist, dass Sie auch lernen, wie Sie die Fehler vermeiden können, die Amateurfotografen normalerweise machen. Und schließlich, sobald Sie die Komposition haben müssen, wird es Sie befreien, so dass Sie sich auf andere Zutaten konzentrieren können , die in die Schaffung eines schönen Fotos gehen. Also, worauf wartest du? Ich bin super aufgeregt, dich im Kurs zu sehen. Lasst uns loslegen. 2. Lektion 2 Dinge, die im Schwer im Schwer zu erinnern: Zusammensetzung. In der Einleitung haben wir verstanden, dass der Begriff Komposition zusammensetzen bedeutet. Und das kann für jedes Kunstwerk gelten, von Musik über Schreiben bis hin zu Fotografie. Und das ist mit einem bewussten Gedanken arrangiert. So Komposition in Bezug auf die Fotografie, ist nichts anderes als angenehme Anordnung der Elemente innerhalb eines Meeres. Und wenn wir über eine Szene sprechen, sprechen wir im Grunde von drei wichtigen Elementen. Eins, das Hauptthema Ihres Fotos. Zweitens, der Vordergrund und die Hintergrundeinstellung. Und zu guter Letzt die tragenden Objekte in Ihrem Foto. Wir werden darüber sprechen, während wir den Kurs durchlaufen. Aber es gibt etwas sehr Wichtiges, das wir vorher wissen müssen , bevor wir überhaupt anfangen, auf unser erstes Foto zu klicken. Also Dinge zu fragen, bevor Sie ein Foto machen und was ist es, dass Sie im Auge behalten müssen, noch bevor Sie Ihren Auslöser drücken und auf ein Foto klicken. Erstens: Haben Sie ein klar definiertes Thema? Was soll ich damit meine? In der Fotografie? Als Thema ist einfach das Objekt, das im Bild gezeigt wird. Aber ein einzelnes Foto kann mehrere Dinge wählen. Welches ist also das Thema? Das Thema ist der Fokus auf das Bild, sowohl buchstäblich als der schärfste Punkt in der Fotografie als auch im übertragenen Sinne. Also, wenn Sie sich dieses spezielle Foto auf Ihrem Bildschirm gerade jetzt ansehen, können Sie sehr gut verstehen, dass die Spinne in diesem speziellen Bild ist mein Hauptthema. Und deshalb werden Sie beobachten, dass es im Vergleich zu anderen Elementen in diesem speziellen Foto stärker fokussiert ist. Mit anderen Worten, das Thema lässt den Fotografen die Entscheidung über Aspekte wie Beleuchtung, Komposition, Belichtungseinstellungen und vieles mehr. Selbst die Entscheidung, eine bestimmte Verschlusszeit beizubehalten hängt davon ab, ob sich Ihr Motiv bewegt oder still ist, und selbst die Entscheidung, welchen Rahmen Sie beim Klicken auf Ihr Foto beibehalten werden , hängt auch davon ab, dass Sie Ihr Motiv kennen. im Vorfeld. Und deshalb spielt das Subjekt eine wesentliche Rolle bei der Gestaltung eines ganzen Bildes. Welche Gefühle versuchst du zu beschwören? Eine Sache, die ein großartiges Foto macht, ist seine Fähigkeit, Emotionen zu vermitteln. Emotion in einem Foto oder einem Kunstwerk ist das, was dem Betrachter hilft, sich mit einem Stück zu verbinden. Wenn diese Emotion für den Betrachter vorherrscht. Emotion oder Gefühl ist es, was einen Schnappschuss aus der Dunkelheit bringen und ihn zum Leuchten bringen kann . Denken Sie an ein normales Sonnenuntergangsbild von einem Ufer von Hawaii mit nur dem Horizont und einem leuchtend orangefarbenen Sonneneintauchgesetz. Jetzt ist es sicher schön und noch besser, wenn man persönlich betrachtet. Jetzt zoomen Pula zurück auf einen breiteren Winkel und zeigen ein Paar in einer Silhouette sitzen auf den Liegestühlen mit Blick die Wellen und greifen zueinander, um ihre Hände zu halten. Jetzt werden sich verschiedene Menschen mit jedem Foto auf unterschiedliche Weise verbinden, oder vielleicht überhaupt nicht. Diejenigen in romantischer Stimmung werden das Foto des Paares genießen. Und diejenigen, die nur auf der Suche nach einer ruhigen Atmosphäre ohne Ablenkung waren, können diesen einzigartigen Sonnenuntergang genießen. Und last but not least, eines der wichtigsten Dinge, die man im Auge behalten muss, bevor man auf Ihr Foto klickt , ist, was ist die Geschichte, die Sie versuchen, Ihrem Publikum zu erzählen? In der Regel betrachten die Leute ein Kunstwerk und diese CS Geschichte. Ein menschlicher Verstand versucht immer, die Lücken zu füllen. Gehen Sie, um ihnen einige Hinweise zu geben und die Geschichte in Ihrem Foto zu erzählen. Wenn Sie also etwas fotografieren, suchen Sie nach der Emotion und der Aktion, die Ihnen hilft, eine Geschichte im Kopf des Betrachters zu erstellen. Das Thema ist definitiv wichtig, aber auch alles andere innerhalb des Rahmens. Der Hintergrund und der Vordergrund helfen, diese Geschichte zu erzählen. Ist das Objekt, wo man es erwarten würde, oder ist es an einem ungewöhnlichen Ort? Ist es von selbst oder hebt es sich unter der Unordnung ab? Betrachten Sie alles auf Ihrem Foto. Und wenn es keinen Grund hat, da zu sein, sollten Sie sich näher bewegen oder Ihren Winkel anpassen, um Ablenkungen zu beseitigen. Und wenn es um Arten von Aufnahmen geht, denken Sie daran, dass Sie einen langen Schuss, einen mittleren Schuss, eine Nahaufnahme und eine extreme Nahaufnahme machen können, wenn Sie ein Foto aufnehmen. 3. Lektion 3: In diesem speziellen Vortrag werden wir uns mehr auf etwas konzentrieren, das wir als Zentrum des Interesses bezeichnet haben. Und um einen guten Sektor von Interesse in Ihrem Bild zu bekommen, ist Fokus etwas, das sehr wichtig ist. Jetzt muss man die Distanzeinstellungen auf dem Objektiv anpassen, um das Motiv zu definieren, welches Ihr Zentrum von Interesse ist, Shopee. Und im Grunde sollte man immer versuchen, ein scharfes Bild mit einem gut definierten Zentrum des Interesses zu erzeugen . Wenn man sich also dieses erste besondere Bild hier anschaut, wird man beobachten, dass die Flasche mit diesen Glitzern mein Zentrum des Interesses ist, während alles andere verschwommen ist. Und dafür habe ich das Schärfentiefe-Konzept verwendet. Das ist etwas, worüber wir später sprechen werden. Wenn ich dieses zweite Bild über ein Jahr betrachte, werden Sie feststellen, dass dieser besondere Teil meines Bildes, in dem diese Buchstaben lieben und dieses besondere kleine Herz positioniert wurde. Das ist mein Zentrum des Interesses innerhalb eines Bildes. Also, was ist im Grunde ein Zentrum der Interessen? Lasst uns das verstehen. Im Grunde hängt der Erfolg der meisten Fotografien davon ab, dass es einen dominanten Aspekt gibt , der als Zentrum des Interesses bekannt ist und manchmal auch als Mittelpunkt des Fokus bezeichnet wird. Brennpunkt. Jetzt haben alle guten Bilder ein Zentrum des Interesses, was ein Punkt ist, der die Aufmerksamkeit der Augen lenkt. Jetzt können einige Bilder ein sehr natürliches Zentrum des Interesses haben. Aber die Identifizierung und korrekte Platzierung des Interessenschwerpunkts ist für die Zusammensetzung eines erfolgreichen Bildes von größter Bedeutung. Lassen Sie uns also einige der sehr wichtigen Punkte verstehen, während voran gehen und ein bestimmtes Zentrum von Interessen innerhalb Ihres Bildes definieren. Jetzt sollte jedes Bild ein Prinzip, eine Idee, ein Thema oder ein Interessenzentrum haben, auf das die Augen des Betrachters automatisch angezogen werden. Bild ohne dominantes Zentrum des Interesses oder mit mehr als einem dominanten Zentrum des Interesses ist in der Regel rätselhaft für den Betrachter. Jetzt wird ein Betrachter verwirrt und fragt sich, was bedeutet dieses Bild alles oben? Und wenn das Bild nur einen dominierenden Interessenpunkt hat, versteht der Betrachter schnell das Bild. So hat ein Fotograf in der Regel viele Faktoren oder Elemente, die in einem Bildbereich verwendet und angeordnet werden können , um Aufmerksamkeit zu lenken oder zu lenken. Nun sind einige dieser Elemente Linien, Formen, menschliche Figuren nicht, und Textur. Wir werden darüber in den kommenden Vorträgen mehr sprechen. Jetzt ist hier ein kurzer Tipp, den Sie handhaben können, bevor wir diesen Vortrag beenden. Versuchen Sie also zu vermeiden, Ihr Motiv in der Mitte des Rahmens zu platzieren , denn das macht das Bild uninteressant zu betrachten. Wo gehen Sie voran und stellen Sie Ihr Interesse oder Ihr Hauptthema ist etwas, auf das wir in den nächsten Themen verweisen. 4. Lektion 4-: Hey, willkommen zurück. In unserem letzten Vortrag haben wir also über das Zentrum des Interesses gesprochen. Und wir erwähnten auch, dass wir in den nächsten Vorträgen verstehen werden , wo wir voran gehen und unser Zentrum des Interesses stellen werden? Es gab einen Tipp, der erwähnte, dass man vermeiden sollte , den Mittelpunkt der Interessen genau in der Mitte des Rahmens zu halten. Weil das macht Ihr Bild tatsächlich ein wenig uninteressant aussieht. Und das ist, wo die Regel der Drittel ins Bild kommt. Jetzt ist die Regel von Dritteln eine einfache Möglichkeit, Betonung, Balance und Interesse an Ihrer Arbeit zu schaffen . Also lasst uns verstehen, was genau es ist. Eines der grundlegendsten Prinzipien der fotografischen Komposition ist also die Regel der Drittel. In der Tat ist es so eine einfache Kompositionstechnik zu erstellen und hat dennoch eine sehr starke Wirkung auf jedes Bild. Und einmal gelernt, wissen Sie, wie Sie Ihre Fotos so einrahmen , dass Ihr Motiv in einer der attraktivsten Sportarten innerhalb des Rahmens platziert. Grundsätzlich sagt die Regel von Dritteln, dass sie den Bildbereich in Drittel unterteilt, sowohl vertikal als auch horizontal. Und dann betrachten Sie den Mittelpunkt des Interesses an einem der Schnittpunkte der Linien, die in grüner OU markiert sind. Jetzt können Sie dann ein Gefühl des Gleichgewichts zu Ihrer Komposition schaffen. Schauen wir uns es durch einige Beispiele über, wissen Sie, wo Sie auf Ihrem Bildschirm sind, ist ein Beispiel die sich schneidenden Teile, die die Regel der Drittel bilden. Können Sie im folgenden Beispiel erkennen, wie die Drittelregel verwendet wurde? Lassen Sie mich Ihnen das zeigen. Nun, wenn Sie beobachten, dass, wenn ich die Regel der Drittel auf meinen Sucher angewendet, der Stuhl, der das Subjekt oder das Zentrum des Interesses an diesem bestimmten Bild ist, an der Kreuzung eines Ertrags fällt. Ok? Und deshalb lässt es das Bild viel interessant aussehen, im Vergleich zu, wenn der Stuhl genau in der Mitte des Rahmens platziert wurde. Schauen wir uns ein paar weitere Beispiele hier an und Sie werden es besser verstehen. Nun schauen wir uns dieses besondere Beispiel hier an wo Sie ein Schiff sehen können, das zum Meer segelt. Und wenn Sie beobachten, ist mein Zentrum des Interesses genau in der Mitte des Rahmens platziert. Und deshalb fühle ich, dass dieses Bild ein wenig uninteressant für mich aussieht. Lassen Sie uns nun voran gehen und diesen Rahmen ein wenig erweitern und eine Regel von Dritteln anwenden. Und lasst uns verstehen, wie viel Unterschied es für dieses bestimmte Bild macht. Also werde ich Sie zu diesem nächsten Bild hier bringen, und Sie werden beobachten, dass die Regel von Dritteln über ein Jahr angewendet wurde. Und deshalb fällt mein Subjekt jetzt an die Kreuzung einer der grünen Linien hier drüben. Und das ist etwas, das diesem besonderen Bild mehr Leben schenkt. Es sieht viel interessanter und ansprechender aus. Sehen wir uns nun dieses spezielle Beispiel an. Es gibt riesige wurde irgendwo in meinem Rahmen gespielt. Und Sie werden beobachten, dass es in diesem bestimmten Bild viel Leerraum gibt. Und das liegt daran, dass ich vorangegangen bin und speziell die Regel von Dritteln über Jahr angewendet habe, die voran geht und mein Thema an den Schnittpunkt der grünen Linien stellt. Bist du das? Ok? Schauen wir uns ein paar weitere Beispiele hier an. Okay, jetzt sind wir hier drüben. Man kann sehen, dass es über das Jahr einen kleinen Einschub gibt, der tatsächlich einen kleinen Stein oder ein Objekt im Sand beherrscht. Und dann auf der rechten Seite sehe ich, dass es ein Schiff gibt, das Decke ist. Und Sie werden feststellen, dass, wenn ich vorgehe und die Regel der Drittel über ein Jahr anwende, wieder einmal meine Subjekte an interessanten sich schneidenden Punkten platziert werden. Jetzt müssen Sie also verstanden haben, dass Ihr Foto sofort ansprechender wird, weil es unvorhersehbar ist, wenn Sie Ihr Motiv einfach auf eine der sich schneidenden Linien der Regel des dritten Gitters schieben Ihr Foto sofort ansprechender wird, weil es unvorhersehbar ist, wenn Sie Ihr Motiv einfach auf eine der sich schneidenden Linien der Regel des dritten Gitters schieben . Sie Ihr Motiv auf diese Weise ausrichten, erhöht sich die visuelle Spannung auf dem Foto und macht es für den Betrachter interessanter. Und visuelle Spannung neigt dazu, für eine bessere fotografische Komposition zu sorgen. Und deshalb ist eine Regel von Dritteln so mächtig. Es ist erstaunlich, wie eine solche einfache Anpassung innerhalb Ihres Rahmens kann ein potenziell langweiliges Foto machen und es dynamischer zu betrachten. 5. Lektion 5 Emphasis: Hey, willkommen zurück. Lassen Sie uns in der Welt der Fotografie jetzt über Betonung sprechen. Die Betonung ist definiert als eine Idee oder ein Objekt innerhalb des Kunstwerks, das Aufmerksamkeit erregt und zum Mittelpunkt wird. Der Schwerpunkt bezieht sich auf einen Bereich in der Komposition, der die größte Bedeutung und Idee hat , auf den der Künstler als wichtigster Aspekt aufmerksam machen möchte. Schwerpunkt ist eines der Prinzipien von Kunst und Design, dem natürlich auch die Fotografie gehört. Ein Prinzip klingt kompliziert, aber eigentlich ist es nur ein Rahmen, um ein Bild zu komponieren. Und das ist etwas, das wir mehr betonen und ein gutes Verständnis in diesem speziellen Vortrag oder Sie bekommen. So verwenden wir in der Fotokomposition Prinzipien des Designs, um uns zu helfen, ein zusammenhängendes Bild zu schaffen , das die Geschichte erzählt, den Betrachter anzieht, die Aufmerksamkeit des Betrachters hält und vor allem gut aussieht. Und jedes Foto sind in der Welt wird sich entscheiden, dies durch verschiedene Techniken zu tun. Lassen Sie uns verstehen, was diese Techniken im Detail sind. Zunächst einmal werden wir verstehen, wie man voran gehen und Betonung mit Farbe schaffen kann? Schauen wir uns diese beiden Bilder über ein Jahr an. Jetzt können Sie den Fokus Ihres Fotos betonen, indem Sie die Farben Ihres Hintergrunds so begrenzen , dass nur das Thema des Fotos hell ist. Und Sie können auch den Brennpunkt hervorheben, indem Sie auch ergänzende Farben verwenden, wie im Beispiel auf der linken Seite, können Sie beobachten, dass der gesamte Hintergrund tatsächlich schwarz-weiß in der Farbe ist. Aber mein Hauptaugenmerk liegt auf diesen Spendern. Und deshalb wirst du an diesem Tag nur diejenigen beobachten , die in einem farbigen Format oder Rad erscheinen. Und in ähnlicher Weise, wenn Sie dieses bestimmte Bild nach rechts betrachten, ist es ein komplett schwarz-weiß-Bild, aber ich möchte voran gehen und den Schwerpunkt auf den Regenschirm OU legen, und das ist der Grund, warum ich vorangegangen und ihm die rosafarbener Schatten Also, was ich hier getan habe, ist, dass ich vorangegangen bin und die Farben in meinen Fotografien begrenzt habe, so dass die hellen Farben prominenter werden und mit bloßem Auge sichtbarer sind. Eine Verschiebung der Farbe kann einen Brennpunkt in einem Versuchsplan erzeugen. Je kontrastierender die Veränderung, desto mehr fordert der Punkt die Aufmerksamkeit des Betrachters. weicherer Kontrast kann allmählich die Aufmerksamkeit von einem Bereich zum nächsten lenken. Ihre Auswahl an Farben sollte damit übereinstimmen wie Sie möchten, dass Ihre Benutzer auf Ihrer Seite fortfahren. Schauen wir uns das nächste 0 Jahr an. Wenn Sie nun voran gehen und sich diese Bilder auf Ihrem Bildschirm ansehen, werden Sie verstehen, dass ich den Farbwert im Laufe des Jahres verwendet habe , um voranzugehen und bestimmte Elemente in diesen Fotografien hervorzuheben. Wenn nun ein heller und dunkler Kontrast verwendet wird, um einen Brennpunkt innerhalb einer Komposition zu erzeugen, bezeichnen wir ihn normalerweise als Hervorhebung. Wert wird verwendet. Wert definiert, wie hell oder dunkel eine gegebene Farbe oder Sie sein können. Werte werden am besten verstanden, wenn sie als eine Skala des Farbverlaufs von dunkel zu hell visualisiert werden. Je mehr tonale Varianz in einem Bild, desto niedriger ist der Kontrast. Wenn Schattierungen ähnlicher Werte zusammen verwendet werden, erzeugen sie auch ein kontrastfreies Bild. Jetzt können wir hier voran gehen und uns ein paar Beispiele ansehen, wo wir voran gehen und Betonung mit der Framing-Methode schaffen können. Jetzt Framing in der Fotografie bezieht sich auf die Technik der Zeichnung Fokus auf das Thema auf dem Foto durch Blockierung anderer Teile des Bildes mit etwas innerhalb der C. Jetzt können Rahmen in der Mitte des Bildes befinden, sind neben seiner Kanten. Mit anderen Worten, Framing ist eine Technik, die Fotografen verwenden würden, um Aufmerksamkeit der Zuschauer auf das Hauptthema des Bildes zu lenken. Wie Sie in diesen beiden Bildern über Ihnen und Position um das Thema sehen können ein Baum und ein Torbogen, oder sogar Menschen, zum Beispiel, können einen Rahmen innerhalb des Bildbereichs erstellen. Wenn man sich zum Beispiel dieses Bild anschaut, kann man sehen, dass die Höhle tatsächlich einen Rahmeneffekt innerhalb meines Fotos erzeugt. Wenn man sich dieses besondere Bild über ein Jahr anschaut, kann man sehen, dass der Eingang zum Taj Mahal tatsächlich voran gegangen ist und einen Rahmen erstellt hat , in dem ich sehen kann, dass mein Subjekt tatsächlich durch diese besonderen Eingang und bewegen sich in Richtung des Taj Mahal. Jetzt werden Themen, die von einem Rahmen umgeben sind, vom Rest des Bildes getrennt und werden daher betont. Betrachten wir nun die Betonung mit Perspektive. Nun ist Perspektive in der Fotografie wichtig, weil sie eine Illusion einer dreidimensionalen Szene erzeugt. Perspektive lässt ein Objekt weiter weg schauen, sind sehr näher relativ zu. Elemente in Ihrer Szene. Perspektive in der Fotografie wird definiert als der Sinn für Tiefe oder räumliche Beziehung zwischen Objekten in einer Fotografie zusammen mit ihren Dimensionen in Bezug auf das, was der Betrachter des Emit-Betrachters sieht. Um also voran zu gehen und eine Betonung mit Perspektive zu schaffen, nähern Sie sich dem Thema für eine dramatischere Perspektive, die auch Betonung schaffen wird. Stellen Sie die Kamera nun in einem niedrigen oder höheren Winkel in der Nähe des Brennpunkts des Fotos. Sie, zum Beispiel, wenn Sie sich diese beiden Bilder ansehen, können Sie verstehen, dass ich vorangegangen und eine Betonung mit Perspektive erstellt habe , indem Sie das Kameraobjektiv sehr, sehr nah an mein Motiv setzen. Und indem Sie die Kamera in einem höheren oder niedrigeren Winkel in der Nähe des Brennpunkts meines Fotos aufnehmen. Und wenn man sich diese beiden Bilder anschaut, kann man sehen, dass sich in meinen Fotografien wiederholte Elemente befinden. Und wenn Sie ein wiederholtes Element in Ihrem Bild haben, wie Nachtlampentreppe oder irgendetwas, das in einem regelmäßigen Intervall wiederholt wird. Dann können Sie mit der Perspektive Betonung erstellen, indem Sie die Elemente erfassen, die größer und näher an der Kameraperspektive sind. Jetzt können wir auch voran gehen und eine Betonung in unserem Foto schaffen , indem wir einen negativen Raum am besten nutzen. Negativer Raum ist der Bereich, der das Hauptthema in einem Foto umgibt , das unbewohnt bleibt. Einfach gesagt, es ist der Raum um das Subjekt selbst, der hilft, den positiven Raum zu definieren. Wenn Sie kreativ zusammen verwenden, kann negativer und positiver Raum die Zusammensetzung Ihres Fotos kommunizieren. Mit anderen Worten, die Verwendung von negativem Raum erhöht stark das Gefühl der Isolation des Subjekts aus dem Hintergrund. Negativer Raum betont und definiert das Hauptthema des Fotos und hilft, das Auge des Betrachters darauf zu lenken. Indem Sie die Komposition entladen, geben Sie dem Bild Raum für das Motiv, um sich zu züchten und sich mit der Ansicht zu beschäftigen. Man kann auch voran gehen und eine Betonung mit der Textur in Ihrem Foto erstellen. Jetzt sind die Menschen sehr neugierig auf den Kontrast von rauen und glatten Texturen innerhalb eines Fotos, und es wird das Auge nur wegen des Unterschieds ziehen. Nun kann ein guter Fotograf die Betonung mit Textur zeigen , indem er einen Kontrast zwischen verschiedenen Texturen innerhalb des Fotos zeigt. In den obigen Beispielen, der Brennpunkt, haben mehr Texturen, Band die Hintergründe. In den Beispielen, die Sie auf Ihrem Bildschirm sehen können, können Sie beobachten, dass der Brennpunkt, die diese Mädchen sind mehr Textur als die Hintergründe, die entweder glatt, reflektierende oder raue Oberflächen sind . Sie bei der Verwendung von Textur, BeachtenSie bei der Verwendung von Textur, dass eine strukturierte Oberfläche mehr visuelles Gewicht als die glatte Oberfläche aufweist. Und um diese Bereiche auszugleichen, machen Sie den strukturierten Bereich zu einem kleineren Teil des Fotos als dieser andere Topf. Nun, wie Sie auf diesem Foto sehen können, im Laufe des Jahres, die Textur der Wand im Hintergrund Kontrast zu den Modellen, glatte Haut und glänzend hier. Die flache Schärfentiefe dient weiter dazu , das Modell zu betonen, wenn unsere Augen gezeichnet werden, der Fokus von Objekten. Und es trennt sie auch vollständig vom Hintergrund. Wenn Ihr Ziel jedoch ist, voranzugehen und ein Ungleichgewicht zu schaffen, dann lassen Sie die strukturierten Oberflächen auf jeden Fall mit kleineren glatten Flächen dominieren. Man kann sogar voran gehen und einen Schwerpunkt mit Formen und Formen innerhalb eines Fotos erzeugen. Mittlerweile werden die Wortform und Form in der Fotografie manchmal austauschbar verwendet. Allerdings sind die Begriffe in der Regel zwei unterschiedliche visuelle Zeichen. Grundsätzlich beschreibt eine Form einen flachen, geschlossenen Raum. Jetzt können Formen mit Farben und Linien konstruiert werden. Alle Formen sind auf zwei Dimensionen beschränkt: Breite und Länge. Jetzt geht es. Und andere unregelmäßige fließende Formen werden als organische Formen bekannt, während Winkelformen wie Quadrate und Dreiecke als geometrische Formen bekannt sind. Jetzt unterscheiden sich Formen in einer bildenden Kunst von Form, weil sie als dreidimensional wahrgenommen werden. Sie arbeiten nach Breite, Länge und Tiefe. Formulare können entweder geometrische oder freie Form ohne spezifische Abgrenzung oder visuelle Begrenzung sein. Der Unterschied zwischen Form und Form ist einfach leicht. Wenn Sie ein Motiv anzünden, erscheint es aufgrund des Kontrastes von Licht und Schatten auf dem Motiv dreidimensionaler . Ohne das Thema zu betrügen, ist es rein zweidimensional im Aussehen, und es ist daher nur eine Verschiebung der Silhouetten und ein gutes Beispiel für die Verwendung von Form in der Fotografie. Der Grund, warum Silhouetten so ansprechend sind, ist, weil wir normalerweise keine Objekte wie diese sehen , dass Eis in weitaus größerem Dynamikbereich aufnehmen kann als unsere Kameras. So, abgesehen von dem Neuheitsfaktor einer Silhouette, zieht und stirbt der Kontrast einer sehr dunklen Form vor einem helleren Hintergrund. Mit anderen Worten, Unterschied zwischen Form und Form ist einfach leicht. Wenn Sie das Motiv beleuchten, erscheint es dreidimensionaler wegen des Kontrastes von Licht und Schatten auf dem Motiv. Und ohne ein Subjekt zu schattieren, ist es rein zweidimensional im Aussehen und daher nur eine Form. Während Form und Form in der Fotografie unterschiedliche Rollen spielen, kultiviert jeder ein ausgeprägtes Maß an Wirkung und Engagement in Ihrer Fotografie. 6. Lektion 6 Angles und ViewPoints: Jetzt Jahre ein kleines Foto oder ein Geheimnis, das ich mit dir teilen werde. Kamerawinkel und Fotografie haben einen großen Einfluss darauf, wie ein Foto den Betrachter fühlt und die Botschaft, dass er sich porträtiert. Sie wären erstaunt, wie eine einfache, die ich nur in Ihrem Blickwinkel zu einem Thema gemeint habe, Ihr Foto komplett verwandeln kann. Und in diesem speziellen Vortrag lernen wir, wie das funktioniert und lernen, wie Sie die besten Kamerawinkel für Ihre Fotos auswählen können. So können verschiedene Positionen der Kamera hoch, mittel oder niedrig, links, rechts oder gerade sein mittel oder niedrig, links, , einen anderen Blickwinkel, Perspektive oder einen visuellen Effekt auf Ihr Foto geben . Ein richtiger Blickpunkt oder Kamerawinkel ist ein wichtiger Faktor in einer guten Zusammensetzung. Und das Motiv innerhalb des Sucherrahmens neu positionieren und den Blickpunkt der Kamera ändern. Unser Kamerawinkel sind zwei einfache Möglichkeiten, diese Komposition zu steuern. Lassen Sie uns das ein wenig genauer wissen. So Kamerawinkel sind eine Referenz, um die Aufnahmen zusammengesetzt werden. Obwohl von verschiedenen Menschen anders interpretiert. Kamerawinkel ist in einfachen Worten definiert als der Winkel, in dem die Kamera in Bezug auf das Motiv zugewandt ist. Nun können Kamerawinkel einem Publikum und emotionale Informationen geben, da Kamerawinkel im Wesentlichen die Beziehung zwischen Kamera und Motiv ist. Lassen Sie uns also die verschiedenen Kamerawinkel im Detail verstehen. Also zuerst sprechen wir über die Kamera auf Augenhöhe. Aber dies ist die häufigste Art von kurzen verwendet, da es der reale Winkel ist, den wir alle gewohnt sind. Es wählte das Thema, wie wir erwarten würden, sie im wirklichen Leben zu sehen. Und ist das entweder ein neutraler Schuss? Hohe Winkel, eine hohe Winkelaufnahme zeigt das Motiv von oben nach Gamba ist wütend nach unten in Richtung des Subjekts. Und das verärgerte hat einen Effekt, dass das Subjekt weniger mächtig oder sogar unterwürfig erscheinen lässt. Niedriger Winkel. Diese Aufnahme wird von unterhalb des Motivs aufgenommen und die Kamera ist über das Motiv verärgert. Es kann dem Subjekt ein Gefühl von Macht und Dominanz in einem Schuss geben. der Vogelperspektive. Diese Aufnahme zeigt das Motiv direkt darüber. Diese Ansicht ist unnatürlich und ist sehr unterschiedlich. So kann es verwendet werden, um einen dramatischen Effekt zu erzeugen, sind für die Darstellung einer anderen räumlichen Perspektive. Es kann auch dem Publikum ein gottähnliches Gefühl geben, das Dinge, die in den scharfen enthalten sind, klein und manchmal sogar unbedeutend erscheinen lassen kann. Eine schräge oder eine niederländische Neigungsansicht. Jetzt ist die Kamera hier. Bug war wirklich einer Seite gewidmet, so dass der Horizont auf einem Winkel ist. Jetzt kann dies sowohl einen interessanten als auch einen dramatischen Effekt erzeugen. Jetzt können die Aufnahmen, die Sie innerhalb eines Rahmens aufnehmen können, verschiedene Arten haben. Lassen Sie uns sie auch verstehen, ein wenig im Detail. Also der erste ist ein extrem langer Schuss. Jetzt in extremen langen Schuss kann von bis zu einer Viertelmeile entfernt von dem, was Sie fotografieren aufgenommen werden. Und ist in der Regel eine Einstellung zu etablieren, oft als Einstellungsaufnahme beim Aufnehmen eines bewegten Bildes genannt, Es ist Entfernung bedeutet, dass sehr wenig Detail angezeigt wird. So wird diese Art von Schuss verwendet, um einen allgemeinen Eindruck zu vermitteln anstatt innerhalb eines Jahres nach dem Beitritt irgendeine Art von spezifischen Informationen zu geben. Ein langer Schuss. Ein langer Schuss ist vielleicht die schwierigste Art von kurz zu kategorisieren. Aber es ist allgemein definiert als eine lebensgroße Tabelle, die eine voll scharfe, volle Shorts enthält zeigen einen ganzen menschlichen Körper vom Kopf bis zu ihren Füßen. Lange Schüsse sind jedoch nicht auf Narren kurz beschränkt. Mittlerer Schuss. Mittlere Aufnahme beinhaltet oft ein Subjekt, das eine Person ist. Und der Schuss enthält Teile ihres Körpers, die eine Mafia-Bestie hatte , die mehr als eine Person in einem Medium scharf sein kann. Aber wenn es mehr als drei Menschen gibt, neigt es dazu, sich in eine lange scharfe zu verwandeln. So werden die Scharfe mit mehr als einer Person als Variationen von mittlerem Schuss klassifiziert. Ein Nahaufnahme. Eine Nahaufnahme zeigt sehr wenig Hintergrund und oft Fokussierungen auf Gesicht sind einige spezifische Details innerhalb einer Szene. Alles, was sehr oft im Hintergrund fokussiert wird. Jetzt wird diese Art von Schuss oft verwendet, um etwas zu vergrößern. Unsere zeigen ihre Bedeutung. Es kann für alles verwendet werden, von Briefen auf Papier, Tiergesichter, ein Foto oder eine kann eine Nahaufnahme verwenden, um uns mehr oder weniger wohl fühlen mit jemandem mit der Intimität, die durch die kurze erstellt wird. Ein Zoomobjektiv wird oft verwendet, um die erforderliche Rahmung für diese Art von Aufnahmen zu erhalten. Und extremer Nahaufnahme. Extreme Nahaufnahme, wie der Name schon sagt. Diese Art von seinem Schuss ist eine extreme Version der Nahaufnahme kurz. Im Allgemeinen ist das Ziel, das Subjekt zu vergrößern, etwas innerhalb des Rahmens , das das menschliche Auge nicht in der Lage wäre, dies in der Realität zu erleben. Zum Beispiel würde eine extreme Nahaufnahme eines Gesichts nur einen Teil des Gesichts wie einen Mund oder Augen ohne Hintergrunddetails zeigen . Es ist ein sehr künstlicher Schuss. So kann es verwendet werden, um Vielfalt und eine dramatische Wirkung zu schaffen. Der Fokus muss mit dieser kurzen sehr scharf sein. Daher ist es wichtig, dass die scharfe richtig mit der richtigen Beleuchtung und dem richtigen Winkel eingestellt ist. Und dann wird das Foto mit äußerster Sorgfalt aufgenommen. 7. Lektion 7 Lights und Schatten: Lassen Sie uns jetzt über Lichter und Schatten sprechen. Jetzt denken Sie wahrscheinlich nicht so viel an sie, während Sie schießen. Aber Schatten und Beleuchtungen können eine Szene dramatischer machen , wenn Sie wissen, wie man sie richtig benutzt. Beleuchtung ist ein wichtiges kreatives Element der Komposition. Und indem Sie das Licht steuern und es dort lenken, wo immer Sie wollen. Sie können die Objekte oder ablenkende Elemente in der Szene unterwerfen , um die wichtigsten Sehenswürdigkeiten stärker hervorzuheben. Es geht also um das Licht zu fotografieren ist, mit Licht zu schreiben. Foto wurde so viel Zeit und Diskussion auf das Thema Licht gewidmet , dass es leicht ist, seine Betonung falsch zu verstehen. Licht- und Schattenfotografie verwendet starke Lichter und Schatten, um abstrakte oder anonyme Silhouette zu schaffen, besonders in Monochrom mit kontrastreichen Lichtern. Die Bilder können sehr einzigartige Perspektiven schaffen. Und wenn Sie raue Lichter haben, sind helle Lichtquellen. Sie können wirklich tolle Licht- und Schattenbilder erstellen. Licht und Schatten können in der Komposition verwendet werden, um eine Stimmung zu schaffen, Aufmerksamkeit auf einen Bereich zu lenken, eine zu verändern oder zu verzerren oder Form und Textur in einem Subjekt hervorzubringen. Schatten hingegen sind ein Schlüssel zur offensichtlichen Form. Auf Fotografien. Ohne Schatten zeichnet das Subjekt ohne Form, Krümmung oder Textur auf, was bedeutet, dass es extrem flach und manchmal sogar leblos wirkt. Während Lichtmenge ein wichtiger Faktor bei der Erstellung von Fotografien ist, gibt es mehr, ein interessantes Bild zu erstellen, das sogar Licht auf Ihr Motiv leuchtet. In den meisten Fällen eliminiert sogar Licht, das über die Motive fällt alle Schatten und lässt die Person oder das Objekt in einem Foto flach aussehen. Subtile Schatten auf einer Seite des Gesichts der Person geben jedoch ein Gefühl von Form. Und ein Lichtstrahl, der in den Raum zu einem kleinen Durchgang scheint viel davon im Schatten lässt, lässt es wie ein dreidimensionales Bild aussehen. Es ist die Art und Weise, wie das Licht in Kombination mit Schatten verwendet wird , die das Motiv zum Leben erweckt. Und hier ist ein kurzer Tipp. Neben dem Hinzufügen von Tiefe zu Bildern können Schatten selbst Gegenstand einer Fotografie sein. Das Etwas Geheimnisvolles an dieser dunklen Form. Der Betrachter fragt sich nach der Person oder dem Ding, das den Schatten wirft. Und mit den Schatten kann man auch künstlerisch einen ansonsten leeren Raum in einem Rahmen ausfüllen . 8. Lektion 8 Linien-und Muster: Linien sind ein Element des Designs. Und so fügen sie zur Komposition eines Bildes hinzu. Das lenkt das Auge des Betrachters in und entlang des Fotos in den Brennpunkt. Sie beeinflussen auch die Stimmung des Fotos, abhängig von der Art der Linie und wie es verwendet wird. Linien können tatsächlich eine Struktur zu Ihren Fotos geben. Sie können die Komposition vereinheitlichen, indem sie das Auge und die Aufmerksamkeit des Betrachters auf den Hauptpunkt des Bildes lenken . Oder führen Sie die Augen von einem Teil des Bildes zum anderen. Sie können die Augen in die Unendlichkeit führen , das Bild teilen und sogar Muster erstellen. also auf die Auswirkungen von Linien in der Fotografie achten und die Linien verwenden um den Betrachter zu ergänzen, können Sie Ihre fotografische Komposition auf die nächste Ebene heben. Durch lineare Perspektive. Linien können dem Foto ein Gefühl von Tiefe verleihen. Parallele Linien scheinen zu konvergieren erzeugen eine Illusion der Tiefe. Diese geraden und parallelen Linien Phänomen. Und eines der schönsten Elemente der Fotografie, immer auf vertikale, diagonale, horizontale und gekrümmte Linien übersehen , erzeugen unterschiedliche Stimmungen. Vertikale Linien vermitteln dem Betrachter ein Gefühl von Saite, Steifigkeit, Kraft und Solidarität. Auf der anderen Seite stehen horizontale Linien für Frieden, Ruhe und Stille. Diagonale Linien stellen Bewegung, Aktion und Geschwindigkeit dar. Ein Bild mit diagonaler Linie vermittelt ein Gefühl dynamischer Aktion, auch wenn das Motiv statisch ist. Schauen wir uns sie eins nach dem anderen an. Schauen wir uns zuerst horizontale Linien an. Die horizontalen Linien sind in der Regel interessant und bieten eine Stabilität und Ruhe für Ihr Bild. Und auch das Thema, das in Ihrem Bild involviert ist. Es ist eher eine definierte Dauerhaftigkeit und Konsistenz zu Ihrem Foto. Und sie dienen auch als Trennlinie schaffen damit einen Anker für das Subjekt oder das Objekt. Auf der anderen Seite, wenn wir vertikale Linien betrachten, sind vertikale Linien nichts als Stimmung. Sie machen das Foto noch kraftvoller. Versuchen Sie, die Kamera vertikal zu halten, während Sie eine sehen. Ich habe versucht, diese Linien zu schießen. Dadurch wird eine größere Länge für Ihre Szene erstellt. Der Versuch, den Haydn es zu vermitteln oder zu porträtieren. Sie können sich auch frei fühlen, die Regel zu brechen. Und ein horizontaler Rahmen kann einen Sinn am stärksten auf Ihrem Foto machen. Diagonale Linien auf der anderen Seite, wenn wir sie betrachten, haben die Aufmerksamkeit des Betrachters sehr schnell auf sich gezogen. Und glaub mir, sie sehen in einem Bild sehr attraktiv aus. arbeiten in der Regel, indem sie einen Punkt von Interesse innerhalb des Rahmens plus Schnittlinien in ihnen auf die Fotografie hat Vorteil, Schaffung atemberaubender Perspektiven. Es gibt ein Gefühl der Dynamik für das Bild, als ob sich immer etwas in ihm bewegt. Illusion ist der Vorteil von diagonalen Linien. Viele Studien haben gezeigt, dass Menschen oft ein Bild betonen , indem sie das Thema Reisen von links nach rechts, daher arbeiten zu seinen Gunsten und können einige wirklich unvergessliche Bilder für Sie erstellen. Es gibt also immer mehrere Faktoren, einschließlich dieser Linien innerhalb Ihres Rahmens. Es tritt immer in Kombination von horizontalen, vertikalen und diagonalen Linien auf. Als wir versuchten, mit dem Sucher auszurichten und es gerade und parallel zu machen. Das ist ihnen immer wichtig. Erstellen Sie einen starken Geschmack, um Ihr Foto. Das ist keine Störung, jede unerwünschte Illusion, die verursacht wird. Wie manche vielleicht denken, könnte das passieren. Es schafft keine Ablenkung, die den Zuschauern wegnehmen , die immer versucht haben, diese Linien zu balancieren und sie gerade aussehen zu lassen. Wie wir den Horizont ausbalancieren. Dadurch wird das Motiv innerhalb des Rahmens viel schöner aussehen. Jetzt lasst uns Muster verstehen. Muster sind überall um uns herum, aber wir denken selten daran, sie zu fotografieren. Es ist, als ob wir vorprogrammiert sind, um nur bestimmte Themen wie Menschen, Betten, Landschaften usw. zu fotografieren . Wenn das klingt wie Sie, dann verpassen Sie definitiv ein sehr wichtiges Element in Ihrer Bildkomposition. Musterfotografie verwendet Elemente, die wiederholt werden. Die Wiederholung von Linien, Formen, Tönen oder Farben kann tatsächlich voranschreiten und interessante Bilder erstellen , die Fotografen sind, die ein Muster als Hauptthema einer Bilddatei verwendet haben. Andere verwenden es, um die Gesamtzusammensetzung und das Aussehen Ihres Fotos real zu verbessern. Jetzt können Muster sowohl natürlich als auch vom Menschen gemacht sein. Jetzt bringen beide tatsächlich ein Gefühl von visuellem Rhythmus und Harmonie auf Ihre Fotografien. Und wenn wir anfangen, nach einem Muster in und um uns herum zu suchen, werden wir beobachten, dass giftige, starke grafische Elemente wie Linien, Farben, Formen oder Formen wiederholt werden. Das sind Faktoren, die in und um uns herum entstehen. Erstellen Sie Ihre Bilder um sich wiederholende Elemente oder Muster. Breite liefern ein Bild von guter Einheit und einer Struktur. Mapped und Reputation schafft einen Rhythmus, den die Augen auf jeden Fall genießen werden. Wenn Linien, Formen und Farben innerhalb eines Bildes in geordneter Weise vorkommen, erstellen sie ein Muster, das oft die Attraktivität Ihrer Fotos beantwortet. So versucht, Linien und Muster häufiger in Ihrem Foto zu verwenden , weil sie immer da sind. Du. Schauen Sie sich einfach um und Sie werden sie immer finden. Sie sind nur fügen Sie sie zu Ihren Fotos und sehen die Komposition Ihres Fotos geht auf die nächste Ebene. 9. Lektion 9 Kontrast, Balance und andere Faktoren: Lassen Sie uns also einige der mehr Elemente betrachten, die in eine gute Bildkomposition und Kontrast eines von ihnen gehen . Nun, wenn ich den Kontrast in sehr einfachen Worten definieren muss, ist es nichts anderes als der Unterschied in den hellen und dunklen Bereichen des Bildes. Wenn der Kontrast sehr hoch ist, sieht das Bild lebendig aus. Und umgekehrt, wenn der Kontrast niedrig ist, kann das Bild flach aussehen und monotone ist. Es gibt jedoch auch eine kleine Kehrseite, da wir beide Kontrasttypen wie und wenn nötig verwenden werden. Nun ist der Kontrast ein Schlüsselelement, um bestimmte Stimmungen durch Ihr Bild zu vermitteln. So werden Fotos mit hohem Kontrast herauskommen. Sie zeigen Texturen im Thema und geben ein Gefühl von Edginess, Hochenergie und Stärke. So wird der hohe Kontrast im Grunde in der Straßenfotografie oder der Naturfotografie verwendet. Bilder mit geringem Kontrast hingegen neigen dazu, ein sehr verträumtes Gefühl zu haben. So niedriger Kontrast funktioniert gut für Outdoor-Porträt. Und vor allem, wenn Sie versuchen, voranzugehen und einen düsteren oder einen Vintage-Look zu kreieren. Bevor Sie also ein Foto machen, denken Sie darüber nach, was Sie mehr vermitteln möchten, und suchen Sie dann nach der Art des Kontrastes, der es hervorhebt. In sehr einfachen Worten, Kontrast ist also der Bereich der Differenz zwischen verschiedenen Tönen in einem Foto. In der Schwarz-Weiß-Fotografie beschreibt der Kontrast den Unterschied zwischen dem dunkelsten und hellsten Ton, definiert aber auch die Graustufen. In der Farbfotografie gelten Kontraste dafür, wie scharf die Farben voneinander abheben. Kontrast als wirksames Mittel, um die Aufmerksamkeit des Betrachters auf den Mittelpunkt der Interessen zu lenken. Positionierung der Subjektelemente, um einen Kontrast zu schaffen, gibt ihnen einen zusätzlichen Schwerpunkt und lenkt die Aufmerksamkeit der Zuschauer darauf. Nun, obwohl es viele Diskussionen darüber gibt, was nur in Bezug auf Kontrast schreibt, möchten Sie, dass Ihre Töne von dunkel bis sehr hell gehen, mit jeder Farbe dazwischen, die auf den Fotografien früher gezeigt wird. Nun ist dies am besten in Schwarz-Weiß-Fotografien zu sehen, wie Sie wollen, echtem Schwarz bis Weiß und in jedem Farbton dazwischen. Nun, im Wesentlichen, ist ein guter Kontrast, was es Ihren Farben erlaubt , Ihre Motive klar definiert zu sein. Versuchen Sie also beim Fotografieren immer, sich vorzustellen was Ihre Kontrastoptionen sein werden, bevor Sie sogar den Schuss nehmen und wild gehen, wenn Sie es schließlich zum Computer oder in den dunklen Raum schaffen. Wie bei allem, Übung ist etwas, das Sie perfekt machen wird. Lassen Sie uns nun über etwas sprechen, das als visuelle Balance bezeichnet wird. Nun bringt die visuelle Balance tatsächlich eine gewisse Stabilität und wieviele zu einem Bild. Während in bestimmten Fällen und unausgewogene Zusammensetzung kann ein Bild wirklich dynamisch und energisch aussehen lassen. Denn visuelle Balance vermittelt ein bestimmtes Feld zu einem Bild oder einem Foto oder kann, und wird wählen, um die Szene ausgewogen oder unausgewogen basierend auf seinem ist, um die Bedeutung hinter dem Foto auszudrücken. Nun, Vigil Balance ist etwas, das eine gewisse Stabilität und Harmonie zu einem Bild bringt , das in bestimmten Fällen ist und unausgewogene Zusammensetzung kann ein Bild wirklich dynamisch und energisch aussehen lassen . Denn visuelle Balance verleiht einem Bild oder einem Foto ein bestimmtes Feld, oder können sie wählen, um die Szene ausgewogen oder unausgewogen zu machen, um die Bedeutung hinter dem Foto auszudrücken oder was ist die Absicht hinter ihm voranzugehen und Klicken Sie auf das Foto. Jetzt ist ein perfekt ausgewogenes Bild derjenige, in dem die Anordnung der Elemente so sind, dass sich niemand gegenseitig überwältigt. Balance beinhaltet, wie alle Elemente angeordnet sind , um eine Stabilität in einem Stück Arbeit zu schaffen. In AP hängt der Saldo von der Größe und Anzahl der Objekte in einer Szene ab. Auf einer Seite des Gemäldes oder eine Fotografie hat eine große Anzahl von großen Objekten, und die gegenüberliegende Seite hat wenige kleine Objekte. Der Frieden mag für den Betrachter unausgewogen aussehen. Objekte gleicher Größe und Anzahl auf gegenüberliegenden Seiten des Bildes neigen dazu, eine ausgewogene Komposition zu erzeugen. Die Motivplatzierung innerhalb des Bildbereichs ist der Faktor, der sorgfältig berücksichtigt werden muss. Die Zusammensetzung wird durch zwei verschiedene Methoden, symmetrisch und symmetrisch, im Gleichgewicht gehalten . Lassen Sie uns sie beide im Detail verstehen. Nun, obwohl nicht alle ausgeglichenen Fotografien symmetrisch sind, sind alle symmetrischen Fotografien definitiv ausgewogen. Die Symmetrie, auch als formale Balance bezeichnet, wird erreicht, wenn beide Seiten des Bildes das gleiche Gewicht haben. Jetzt Fotografen haben Lizenz geschaffen, um diesen Friedhof so buchstäblich zu nehmen , wie es schrecklich vergessen, wie sie wollen. Wie Sie an den beiden Beispielen sehen können, die ich unten gezeigt habe. Jetzt ist jedes Foto gleich ausgeglichen, wenn es in der Mitte aufgespalten wird. Doch das eine ist buchstäblich symmetrisch und das andere verwendet verschiedene Elemente der Komposition. Erscheint in Metrik, die alternativ als informeller Saldo bekannt ist. Asymmetrisches Gleichgewicht ist etwas schwieriger zu erreichen. Je mehr Sie sich bewusst des asymmetrischen Gleichgewichts in Ihrer persönlichen Komposition sind, desto leichter wird es in Ihrer täglichen Praxis. Symmetrie vermittelt also im Grunde Balance und Proportionen in einer Fotografie. Und es ist eine Form des Musters, die das Patientenbewusstsein veranschaulicht, oft durch Reflexion und Rotation. Symmetrie oder Symmetrie als künstlerisches Werkzeug ermöglicht es verschiedene Kompositionsreflexionen vollständig zu erforschen. Eines der besten Beispiele dafür. Lassen Sie uns jetzt über Farben sprechen. Und dafür gibt es zwei Hauptgründe. Farben können uns helfen, Geschichten zu erzählen und sie können verwendet werden, um auf einer emotionalen Ebene zu kommunizieren. Der Emotion Teil ist das, was ich wirklich, wirklich wichtig finde. Ich würde so weit gehen, um zu sagen, dass Farbe der primäre Faktor ist , der dafür verantwortlich ist, dass ein Foto sich aufregend, lebendig, geheimnisvoll oder vielleicht sogar melancholisch oder wenig düster anfühlt . Wenn Sie sich das Bild oben auf der Seite ansehen, können Sie sehen, dass etwas so Einfaches wie Kleidung auf der Linie gegen eine Wand wirklich dramatisch aussieht und sich nur wegen der Farben aufregend anfühlt. So können Farben helfen, Geschichten zu erzählen und es kann verwendet werden, um auf einer emotionalen Ebene zu kommunizieren. Farben können ein Foto aufregend, lebendig oder sogar traurig machen. Farben können auch einfach als Element verwendet werden, auf das man sich bei lebendigen Fotos fokussieren kann. Und jetzt reden wir über Rhythmus und Bewegung in Ihrer Komposition. Jetzt lesen Sie sie. Ein kritischer Bestandteil von Musik, Tanz und Poesie ist auch eine Qualität von großer Bedeutung in der bildenden Kunst. Rhythmus kann die Qualität des Seherlebnisses für Ihr Publikum beeinflussen und helfen, das Auge innerhalb des Rahmens zu zeichnen und zu halten. Muster kann als Thema des Rhythmus betrachtet werden. Und dass das Muster immer einen Rhythmus haben wird, aber Rhythmen werden nicht unbedingt ein Muster haben. Und während man über Bewegung spricht, der Ruf der Elemente in Ihrem Foto kannder Ruf der Elemente in Ihrem Fotodas Aussehen und das Gefühl einer Bewegung erzeugen. Jetzt ist Bewegung der Weg, den das Auge des Betrachters durch die Arbeit eines ungeraden, oft um Bereiche zu fokussieren. Solche Bewegungen können entlang Linien, Kanten, Formen und Farben innerhalb des Kunstwerks gerichtet sein . So gibt es viele Möglichkeiten, wie ein Rhythmus oder eine Bewegung in einem Foto erzeugt werden kann. Aber das Standardmuster, das am häufigsten verwendet wird, ist ein Ruf. Dieser Standardrhythmus beinhaltet die gleichen oder ähnlichen Elemente, die sich in regelmäßigen Abständen wiederholen. Nun, denken Sie an diese gleichen Abstand Boote in diesem bestimmten Bild. Hier sind eine Reihe von Fenstern auf der Seite des Stadtwohnengebäudes, oder die Reihe von Bäumen, die Sie im zweiten Bild hier sehen können. In diesen beiden Bildern ist dieser Ruf etwas, das diesen Bildern den Rhythmus und die Bewegung verleiht . Versuchen Sie also, diese kleinen Geschmacksrichtungen zu Ihrer Bildkomposition hinzuzufügen und versuchen Sie, den Unterschied zu sehen, den es in der Art von Fotos macht, die Sie in Zukunft aufnehmen. 10. Lektion 10 Feldtiefe: Nun, bevor wir voran gehen und beenden die Serie auf Komposition, Ich möchte die Basis ein wenig auf die Schärfentiefe berühren. Denn Schärfentiefe ist etwas, das der Komposition eines Bildes wirklich Leben verleihen kann . Und jeder, der jemals mit einer Kamera gehandhabt hat und versteht, was eine Blende ist, weiß auch, was die Schärfentiefe ist. Nun ist die Schärfentiefe nichts anderes als der Abstand zwischen den nächstgelegenen und den entferntesten Objekten, die in einem Foto mit einem akzeptabel scharfen Fokus erscheinen. Zum Beispiel, wenn Sie sich dieses Foto eines Jahres ansehen, das von einem Billardtisch ist und es einige Bälle darauf hat. Und Sie werden beobachten, dass der Ball, der sehr nahe an der Linse ist, in scharfem Fokus erscheint. Während die zweite, die etwas weit von der Linse entfernt ist, ist nicht fokussiert. Und dann ist das dritte, das unser Jahr ist, völlig unscharf. Nun, das ist etwas, das man erreichen kann, indem die Schärfentiefe innerhalb eines Bildes verwaltet. Jetzt ist die Kontrolle der Schärfentiefe in einem Foto eines der wichtigsten Dinge, die Sie tun können. So können Sie steuern, was scharf fokussiert ist und was nicht im Fokus steht. Und das ist von entscheidender Bedeutung, weil es ermöglicht, bestimmte Teile Ihres Fotos hervorzuheben und bestimmte Teile zu unterstreichen. Nun hängt die Schärfentiefe von der Linsenöffnung, Brennweite des Objektivs und dem Abstand vom Objektiv zum Objekt ab. Lassen Sie uns nun die Basis ein wenig darauf berühren, damit Sie ein besseres Verständnis davon erhalten , welche Schärfentiefe es geht. Wenn nun jemand verstehen will, was die Schärfentiefe ist, muss er ein faires Verständnis dafür haben, was eine Kameraöffnung ist. Nun ist die Blende das Loch, mit dem das Licht durch die Linse eindringen kann. Und es ist eine Größe der Öffnung in der Linse. Wenn das Bild tatsächlich aufgenommen wird. Jede Blende hat eine Blende. Nun, ich werde nicht auf viele Details gehen, weil Blende Blende ist ein großes Thema und eine separate Vortragsreihe an sich. Aber man muss verstehen, dass sich die Schärfentiefe darauf bezieht, wie viel von der Szene im Fokus steht, sowohl vor als auch hinter dem Fokussubjekt. Wenn Sie zum Beispiel diesen Würfel über Europa betrachten, durch Ändern des Blendanschlags kann ich durch Ändern des Blendanschlagsvoran gehen und den Hintergrund in einem Bild verwischen oder schärfer machen. Nun bedeutet eine große Schärfentiefe, dass der Großteil Ihres Bildes fokussiert wird. Und eine kleine oder flache Schärfentiefe bedeutet, dass nur ein Teil des Bildes im Fokus steht und Ruhe unscharf ist. Wie hängt das nun mit der Blendenummer Ihrer Blende zusammen? Wenn die Blendenzahl zunimmt, nimmt auch die Schärfe zu. Und je kleiner die Blendenzahl ist, desto schmaler wird die Schärfentiefe sein. Je größer der Blende ist, desto breiter wird die Schärfentiefe sein. Wenn Sie also dieses bestimmte Bild über das Jahr betrachten, werden Sie feststellen, dass, wenn meine Blendenzahl zunimmt, die Schärfe im Bild zunimmt. Auf der anderen Seite, je kleiner die Blendenzahl, schmaler die Schärfentiefe, die ich innerhalb dieses bestimmten Bildes bekomme. Man kann immer voran gehen und die Blendenzahl auf der Kamera steuern , indem man das Belichtungsdreieck benutzt. Nun, warum das Verständnis der Schärfentiefe wichtig ist, weil durch das Verständnis dieser wichtigen Facette der digitalen Fotografie, es wird Ihr Foto ist abheben mehr als andere Fotografen in einigen der Szenen, die Sie fotografieren möchten, Sie möchten, dass alles scharf fokussiert wird. Während in anderen Szenen, werden Sie nur wollen, dass ein Teil des Motivs scharf fokussiert ist. Und deshalb ist es wichtig, das Konzept der Schärfentiefe in der Fotografie zu verstehen. Und es ist auch wichtig, dass Sie erkennen, dass Sie die Schärfentiefe beeinflussen können, wenn Sie ein bestimmtes Kanada verwenden. Jetzt Jahre so viel div, dass ich voran gehen und mit Ihnen teilen möchte. Die größere Linsenöffnung, die einen Blendstopp von 1,8 bis 3,5 aufrechterhält , bietet folgende Vorteile. Es ermöglicht Ihnen, mehr mit nur natürlichem Licht zu schießen. Und es wird Ihnen helfen, harte Schatten und rote Augen zu reduzieren, die durch Blitz verursacht werden. Es ermöglicht mehr Licht durch die Kamera und Sie werden in der Lage sein, eine etwas höhere Verschlusszeit zu wählen. Es hilft Ihnen, die Bewegungsunschärfe als auch zu reduzieren. Und nicht zuletzt hilft es Ihnen, die Schärfentiefe für die Wirkung zu reduzieren. Lassen Sie uns voran gehen und schauen Sie sich einige dieser Bilder an, die Ihnen ein besseres Verständnis dafür geben wie nur die Schärfentiefe zu ändern und Ihren Hintergrund verschwommen oder Shop zu machen, kann tatsächlich die gesamte Komposition ändern und die Art und Weise, wie der Betrachter Ihre Fotos ansieht. Damit kommen wir zum Ende der Vortragsreihe zur Kunst der Bildkomposition. Denken Sie daran, Übung ist etwas, das Sie perfekt machen wird. Was auch immer Sie in dieser Vortragsreihe gelernt haben, klingt es nach zu groß und Ordnung und einer, die Sie nie erfüllen werden. Mach dir keine Sorgen. Jeder denkt, dass diese Theorie am Anfang entmutigender ist, als sie in die Praxis umzusetzen. Wenn Sie üben und sich daran gewöhnen, wird es zu einer zweiten Natur für Sie werden. Sie werden sich fast automatisch und schnell finden , um den Mittelpunkt des Interesses zu identifizieren. Richtig im Rahmen zu lokalisieren, für Balance zum Sucher zu komponieren und ein effektives und gut zusammengestelltes Bild zu machen , bietet die Betonung, die Sie wollen, ohne darüber nachzudenken. Das Schlüsselwort ist jedoch Praxis, wenn man etwas richtig oft genug tut, dann fängt man an, es die ganze Zeit richtig zu machen, ohne darüber nachdenken zu müssen. Lassen Sie uns also voran gehen und fangen wir an, auf einige wunderbare Bilder zu klicken und Ihre Kompositionsfähigkeiten auf die nächste Ebene zu bringen.