Fortgeschrittene Konzepte der Musiktheorie

1. Einführung: Hallo, mein Name ist Hose Tehani. Ich bin Sänger, Songwriter, Musikproduzent und Studioingenieur mit Sitz in Listo im südlichen Afrika Und in diesem Kurs werden wir uns eingehender mit der Musiktheorie in Bezug auf die Musikproduktion befassen , insbesondere mit Skalen, Akkorden und einigen Rhythmuskonzepten Am Ende dieses Kurses sollten Sie in der Lage sein, fortgeschrittenere Konzepte der Musiktheorie in Akkorden, komplexeren Akkorden und komplexeren Skalen anzuwenden , um die Qualität Ihrer Musikproduktionen zu verbessern Ihrer Musikproduktionen zu Sounds besser zu überlagern, damit Ihre Komposition besser und professioneller klingt besser und professioneller Ich freue mich darauf, Sie im nächsten Video zu sehen. 2. Fortgeschrittene Konzepte der Musiktheorie verstehen: Warum ist es also wichtig, fortgeschrittenere Konzepte der Musiktheorie für die Musikproduktion zu beherrschen fortgeschrittenere Konzepte der ? Das ist auf mehreren Ebenen sehr wichtig. Ein Hauptgrund dafür ist, dass Sie, wenn Sie wie ich als Komponist und Produzent sind, oft Ideen in Ihrem Kopf hören. Manchmal hört man vielleicht einen kompletten Song eine Idee oder eine Akkordstruktur, und wenn man kein gutes Verständnis von Musiktheorie hat, ist es fast wie Versuch und Irrtum, das, was man spielt, so klingen zu lassen, dass das, was man spielt, so klingt, wie das, was einem wie Versuch und Irrtum, das, was man spielt, so klingen zu lassen, dass das, was man durch den Kopf kommt Ein tieferes Verständnis der Musiktheorie hilft dir also , das, was du hörst, besser auf die Tastatur oder in dein D oder was auch immer du gerade arbeitest , zu übersetzen , das, was du hörst, auf die Tastatur oder in dein D oder was auch immer du gerade arbeitest , zu Wenn du ein Instrument spielst, um es so spielen zu können, dass du es hörst. Letztlich spiegelt Ihre Komposition also besser wider , was Sie ursprünglich gehört haben. Als Komponist weiß ich, dass es nichts Frustrierenderes gibt , als etwas in Ihrem Kopf zu hören, aber wie auch immer Sie versuchen zu spielen, es klingt nicht ganz wissen Sie, was auch immer Sie gespielt haben, klingt okay, aber es klingt nicht so, wie Sie es gehört Ein tieferes Verständnis der Musiktheorie hilft dir also , das besser übersetzen zu können Ein weiterer wichtiger Grund ist ein schnellerer Arbeitsablauf, wenn Sie vielleicht in Ihrem DA programmieren, Sie werden viel schneller arbeiten als weniger mit Versuch und Irrtum, weil Sie die Noten und Akkorde , die Sie spielen , quasi bereits kennen Noten und Akkorde , die Sie spielen , quasi Sie werden wissen, welche Noten gut passen , welche Akkorde gut zu welchen anderen Akkorden passen Welche Tasten passen vielleicht gut zu anderen Tasten. Es wird also einfacher sein, wenn du komponierst , zu sagen: Okay, nach dieser Strophe, um woanders hinzugehen, muss ich diesen Akkord oder diesen Akkord als Brücke benutzen diesen Akkord als Brücke um dorthin zu gelangen, wo ich hin möchte So können Sie schneller arbeiten . Ein weiterer Grund ist die Zusammenarbeit mit anderen Musikern, wenn die Musiker, mit denen Sie zusammenarbeiten ein gutes Verständnis von Musiktheorie haben , und Sie auch. Sie können besser arbeiten, indem Sie Ideen effektiver aufeinander übertragen , sodass die Zusammenarbeit besser widerspiegelt, was alle gehört Mit einem guten Verständnis von Musiktheorie könnten Sie mit jemandem in einem anderen Land zusammenarbeiten, einfach online oder was auch immer, einfach online oder was auch immer und Sie können eine Akkordstruktur aufschreiben , die Sie ihnen schicken können, damit sie sofort genau wissen , was Sie gedacht und Das ist also auch ein wichtiger Grund. Ein weiterer sehr wichtiger Grund, den ich sagen würde, ist , dass Sie dadurch verschiedene Musikrichtungen beherrschen Es gibt spezifische theoretische Grundlagen der Musiktheorie für verschiedene Musikrichtungen Jazz zum Beispiel wird ein bestimmter Akkordtyp, eine bestimmte Struktur, eine bestimmte Art von Rhythmus und Taktart verwendet Struktur, eine bestimmte Art von Rhythmus und Taktart also wissen, was für dieses Genre spezifisch ist , können Sie als Produzent vielleicht an einem Tag Jazz und an einem anderen Tag Hip-Hop und an einem dritten Tag R&B oder was auch immer produzieren anderen Tag Hip-Hop und an einem dritten Tag R&B oder also die theoretischen Grundlagen der einzelnen Genres allgemein gut verstehen theoretischen Grundlagen der , können Sie leichter arbeiten und verschiedene Genres besser verstehen Und dann denke ich, dass Sie, wenn Sie die Musiktheorie wirklich gut verstehen einem guten Verständnis von Akkorden, Harmonien und der Liedstruktur nach wirst du also hören, je mehr du übst und je mehr Konzepte du beherrschst, wird sich das in deinen Kompositionen widerspiegeln Sie werden immer ausgefeilter werden. Sie werden ein Ja, sie werden sich weiterentwickeln und raffinierter werden, und Sie werden feststellen, dass Sie in Ihren Kompositionen zum Beispiel Emotionen besser vermitteln können , weil Sie wissen, okay, wenn ich möchte, dass dieser Song traurig und traurig klingt, aber mit einem Hauch von Hoffnung werden Sie wissen, welche Art von Akkorden Sie verwenden können, um diese Art von Emotion zu vermitteln Insgesamt sind das also die Gründe, warum ich sagen würde, dass es wichtig ist, die Musiktheorie besser zu verstehen. 3. Musiktheorie verstehen: Evolution von Beat und Rhythmus zu Harmonie und Melodie: Okay, eine interessante Geschichte oder die Geschichte eines Musikers , der seinen Sound weiterentwickelt und transformiert hat, als er die Musiktheorie besser verstand Ein gutes Beispiel ist Farrell Williams. Als er anfing, gehörte er eher zu den Neptunen. Ich würde sagen, er war eher ein Beatmaker als ein vielseitigerer Er hat Songs wie Nelli Hot hier drin gemacht, Kelis, hat den Namen des Songs vergessen, aber der Refrain sagte immer wieder, ich hasse dich gerade so sehr Also was die Beats angeht, war er immer sehr innovativ, was Rhythmus und Takt angeht Ähm, die melodische Struktur der Musik war zu Beginn seiner Karriere nicht so ausgeklügelt Er wäre eher jemand, den man als Beatmaker einstufen würde , als der einen Beat macht und Leute dann singen und Dinge darüber machen würden, mehr als ein vollwertiger Musikproduzent, würde ich sagen Aber als sein Verständnis von Musiktheorie wuchs, spiegelte es sich auch in seiner Musik wider, bis zu dem Punkt, dass einer seiner größten Hits, Happy is very, wenn man Happy hört und sich einige der anfänglichen Songs anhört , die er gemacht hat, es ist viel raffinierter und es hat eine rhythmische Struktur, es ist seine harmonische Struktur, es sind die Melodien, die vokalen Hintergrundstimmen, es ist ein viel weiterentwickelter Song, so etwas wie Happy oder so etwas wie Get Lucky-Zusammenarbeit, die er mit Daft Punk gemacht hat. Es vereint verschiedene Genres. Es ist kein reiner Hip-Hop , wie er es zu Beginn seiner Karriere getan hat Ich habe Elemente des Jazz, Elemente der klassischen Musik, Elemente von Rock und Punk und andere Dinge miteinander verschmolzen, um einen einzigartigen Sound zu kreieren, was er jetzt tut Zu diesem Zeitpunkt kann er jeden produzieren. Er kommt aus jedem Genre und fügt sich nahtlos ein. Und seine Songs haben irgendwie eine viel ausgefeiltere melodische und harmonische Struktur als zu Beginn Er ist also ein sehr gutes Beispiel für einen bekannten Produzenten, der bereits bekannt war, aber als er Musiktheorie studierte, dieses tiefere Verständnis in seine Musik ein, sodass sich seine Musik weiterentwickelte und viel raffinierter wurde als 4. Groove und Synkopierung: Okay, lassen Sie uns jetzt über Synkopation und Groove sprechen. Lassen Sie uns zuerst über Groove sprechen. Der Groove ist in der Regel eher so, dass der Groove sich einrasten muss, und um ihn zu verriegeln, muss er etwas einfacher sein. Nehmen wir an, ein Kick und Snare und ähm, du weißt schon, eins, zwei, drei, vier, so etwas Grundlegendes, das vielleicht ein Kick und eine Snare oder ein Kick und eine Bassdrum reichen würden Es bildet quasi die Grundlage für deinen Track oder deinen Song Und das bedeutet, dass du die Betonung variieren kannst , wie, du weißt schon, sagen wir, es ist Kick und Snare, in einer 44-Taktart Du kannst mir sagen, dass es im R&B etwas ist, was im Hip-Hop oft passiert Der Schwerpunkt könnte auf Beat Zwei und Beat Vier liegen. Der Groove wäre also so Dah da Dun Da , so etwas. Und dann bildet das quasi die Grundlage, die du dann hier und da variieren kannst nur für eine kleine Pause und dann wiederkommen. Es ist also sehr wichtig, dass die Rille zuerst einrastet. Und dann ist Synkopation so, als würde man dem gekochten Fleisch im Groove Würze verleihen man dem gekochten Fleisch im Groove Also, weißt du, Dinge wie, du weißt schon, hohe Hüte oder, ähm, ein anderes Rhythmusmuster Es muss nicht dasselbe Muster wie der Groove spielen. Es fügt diesem Groove verschiedene Timing-Elemente hinzu, um ihm ein einzigartigeres Gefühl zu verleihen. Ein Beispiel wäre ein Afro-Beat. Der Beat, der Groove, ist im Allgemeinen ziemlich einfach. Es kann viermal ein Kick sein, wie Kinking Ing oder Ka, Gin, etwas Einfaches Und dann kommen die verschiedenen Groove-Elemente mit den verschiedenen Instrumenten hinzu, die hinzugefügt werden, zum Beispiel spielt das Gas ein anderes Rhythmusmuster Shaker kommen rein und spielen einen 16er-Beat über dieser 44 , ein 16. Rhythmusmuster über diesem einfachen 44-Muster , das etwas komplexer ist Hohe Hüte könnten reinkommen und etwas anderes spielen, einen anderen Rhythmus Die Bassline kann einen anderen Rhythmus spielen , nur um ihr Abwechslung zu verleihen und den Groove irgendwie anders bewegen zu lassen Wir werden also ein bisschen mehr davon sehen , wenn wir uns mit den Beispielen befassen 5. Musik mit Tonleitern bereichern: harmonisches Moll: Okay, wir werden also ein wenig über die allgemein bekannten Dur-Moll-Tonleitern hinausgehen die allgemein bekannten Dur-Moll-Tonleitern Und wir werden über einige andere kompliziertere Arten von Tonleitern sprechen , die, sobald Sie sie gelernt haben , dazu beitragen werden, Ihre Musik reicher zu machen Die erste, über die wir sprechen werden, ist die harmonische Mollskala Es ist also eine kleine Variation vom natürlichen Moll , der bekannteren Beginnen wir mit dem Beispiel von c-Moll. Eine allgemeine c-Moll-Skala ist okay, da ist C. C-Moll ist also okay. Jetzt sprechen wir also über das harmonische Moll Und es heißt Harmonisch, weil, wenn wir uns erinnern, allen Noten auf einer Skala auch eine Zahl zugewiesen ist, also eins, zwei, drei, vier, fünf, sechs, sieben und dann zurück zu C und Oktave Das harmonische Moll befindet sich auf der siebten Note. Äh, wir gehen eine halbe Stufe hoch. Denken Sie daran, das ist ein halber Schritt. Das ist ein ganzer Schritt. Also das harmonische Moll C ist Gott versuchen wir es mit einer anderen Tonart , nur bis A-Moll-Harmonische wäre Harmonisch bedeutet also, dass wir die siebte Note um einen halben Schritt erhöhen Und das ist in erster Linie die harmonische Moll-Skala. 6. Melodische Moll-Tonleiter: Okay, jetzt können wir über eine weitere Moll-Skala sprechen. Sie wird die melodische Moll-Skala genannt. Es ist eine weitere Variante der Moll-Skala mit einem etwas anderen musikalischen Klang Bei der melodischen Moll hebst du die sechste und siebte Note an der Harmonischen erhöht man also nur die Siebte, bei erhöht man also nur die Siebte, der Melodie die Sechste und die Also mit c-Moll als Beispiel. Also der erhöhte sechste, der erhöhte siebte. Das ist ein melodisches Moll. Ich benutze A als Beispiel. Ein Minderjähriger. Das ist die melodische Moll-Skala. 7. Verminderte Moll-Tonleiter: Okay, lassen Sie uns jetzt über die verringerte Mollskala sprechen. Das verminderte Moll ist gekennzeichnet durch, ähm, denken Sie daran, dass es von hier nach hier ein halber Schritt ist, von hier nach hier ein ganzer Es ist also gekennzeichnet durch eine Abfolge von Halbschritt, Ganzschritt oder Ganzschritt, Halbschritt Das um C verkleinerte, halbschrittige Ganzschritt wäre also halber Schritt, ganzer Schritt, halber Schritt, ganzer Schritt, halber Schritt, ganzer Schritt, halber Schritt, ganzer Schritt, halber Schritt, wer Schritt Das ist der c-Moll-Halbtonschritt, Ganzschritt. Und es kann auch ein ganzer Schritt oder ein halber Schritt sein , bei dem man am Anfang mit einem ganzen Schritt und dann mit einem halben Schritt wie diesem Es wird hauptsächlich im Jazz viel verwendet. Deshalb klingt der Sound in unseren Ohren ein bisschen, weniger fremd, weil im Jazz viel verwendet wird, wenn es um Jazzimprovisationen und ähnliches geht Das ist die verkleinerte Mollskala. 8. Hexatonische Tonleiter: ganze Tonleiter: Okay, zum Schluss schauen wir uns die gesamte Tonskala an oder, um ausgefallen und akademisch zu sein, die hexatonische Skala ausgefallen und akademisch zu sein, die hexatonische Sie zeichnet sich durch ganze Noten, ganze Schritte und eine Länge von sechs Noten Der gesamte Ton für die C-Skala wäre also Ganzton, Ganzton, Ganzton, Ganzton, Ganzton. Lochton, Ganzton, Ganzton, Ganzton, Ganzton. Es wird also hauptsächlich in verwendet, es hat eine traumhafte Qualität. Also Dinge wie für Film oder Fernsehen, wenn jemand einen Traum hat und, du weißt schon, schläft und dann zeigen sie die Szene, in der er, du weißt schon, den Bildschirm macht und er dann woanders ist. Es ist so ein Geräusch. Hier wird also die hexatonische oder ganze Tonskala häufig bei Kompositionen für Film oder Fernsehen verwendet, hauptsächlich bei Fantasy-Sachen. 9. Jenseits von Dur und Moll: Eine Reise durch Musikmodi: Okay, lass uns jetzt über Modi sprechen. Modi: Bevor das gesamte System von Dur und Moll im 17. Jahrhundert eingeführt wurde, verwendeten Komponisten Modi anstelle der Dur-Moll-Tonleiter , wie wir sie heute kennen So wurde also alles vor 1.600 komponiert. Es gibt also jeweils sieben Modi , die jedem Knoten auf der Skala entsprechen Wenn wir also zum Beispiel hier sind, gibt es einen Modus für diesen Schlüssel. Es gibt einen Modus für D. Wenn Sie mit D beginnen und mit D enden, ist es ein Modus. Wenn Sie mit E beginnen und mit E enden, ist es ein Modus. F beginnen, mit F enden , mit G beginnen, mit G enden, mit A beginnen, auf gleiche Weise, und dann mit B beginnen Es ist also am einfachsten, in C zu demonstrieren , weil wir im Grunde nur die weißen Tasten verwenden. Aber jeder von ihnen hat, wenn man es aufschlüsselt, sein eigenes Intervall, das sich aus halben und ganzen Schritten zusammensetzt. Aber für die Zwecke dieser Demonstration verwenden wir es einfach von C. Also wird der erste Modus auf C der Ionische Modus genannt Nun, das ist eine Rückseite. Das ist der Ionische Modus , der einer C-Dur-Skala entspricht Das wird also häufig in der Popmusik und in der modernen Musik Der zweite Modus ist der Dorian-Modus , der auf D beginnt Das ist also der dorische Modus von C, beginnend mit dem D. Und dann beginnt der parenische Modus auf E. Das ist der Prenean-Modus Das ist 10. Lydische Modus-Skala: Okay. Jetzt schauen wir uns den lydischen Modus an , der auf F beginnt Interessanterweise ist der Titelsong von Simpsons TV ein lydischer Also spiele ich nur diese Akkorde. Also das ist der Lydian Und dann mische Oldian, oh 11. Mixolydischer Modus: Okay, jetzt beginnt der Mixolydian-Modus hier . Denken Sie daran, dass dies in G ist. Jede andere Skala hat ihre eigenen Modi, aber wir haben es im Moment mit C zu tun Also wie bei einem Song zum Beispiel , der eigentlich Sweet Home Alabama heißt. Sweet Home Alabama. Herr, ich komme zu dir nach Hause. Das ist also die mexoldische Skala. 12. Akkordtheorie und Progression: Okay, jetzt können wir zum nächsten Modul mit Akkordtheorie und Progression Und wir werden mit erweiterten Akkorden beginnen. Erweiterte Akkorde sind Akkorde wie der siebte oder der neunte oder der elfte oder der Der Grundakkord ist der Dreiklang. Das ist das C, der Dreiklang, die Eins, die Drei und die Fünf Erweiterte Akkorde gehen also über die Fünf hinaus auf die Sieben, die Neun, die Elf oder sogar die 13. Sie können Dur, Moll oder Dominant sein. Also zum Beispiel die Entschuldigung, C-Dur Sieben. Das wären die Neun. Das wären die 11, die 13. Sie können also verwendet werden, vor allem bei der Programmierung in deinem Dao. Viele Pads werden 11. und 13. Note haben, um den Akkorden, die du in diesem Song spielst, ein intensiveres Gefühl zu verleihen Akkorden, die du in diesem Song spielst, Ähm, es kann zum Beispiel sein, eine Siebtel kann das sein Es kann sein, dass das c-Moll-Siebte wäre. Äh, ich kann sogar sagen, auch wenn das nicht sehr nett klingt, oder es kann sein damit Sie sehen können, dass diese Note ziemlich reichhaltig klingt. Eine von, ähm, meinen Kompositionen. Ich habe angefangen. Das ist eine Sieben und das ist eine Neun. Also diese Anfangsakkorde, dieser hier, der ist eine Neunte in C-Dur Es klingt also ein bisschen netter als Welches sind nur die Dreiklänge Wenn du also zum Beispiel die Neunte lernst, anstatt sie zu spielen, klingt das etwas breiter und verleiht dem Akkord etwas mehr breiter und verleiht dem Akkord etwas Also noch ein Beispiel mit erweiterten Akkorden, der Farrell Williams, über den wir am Anfang gesprochen haben , Farrell Nehmen wir also an, es wurde in dieser Tonart gespielt. Nehmen wir also an, es wurde in dieser Tonart gespielt Das ist der siebte Platz dort. Weil ich froh bin, dass Caprunt tot ist, würde leid tun Dabrun-Daten runter, d, d, d. Also, es benutzt die Siebte. Also, es benutzt die Siebte Also, ich glaube, sogar die Harmonien , in diesem Song verwendet er alle vier Töne, also die Es gibt es also, ohne nur Dreiklänge zu spielen, es wäre so, als ob es nicht ganz so breit und reich klingt Also siebte und manchmal neunte, du kannst quasi als Akkorde spielen Es wird auch häufig in Kompositionen vom Typ No Soul verwendet. Aber 11. und 13., werdet ihr in der Demonstration sehen, wenn wir Grundakkorde mit ihren 11. und 13. in den Pads und den anderen Instrumenten überlagern, weil ihr das zum Beispiel spielen und dann eine Glocke oder etwas anderes haben könntet das zum Beispiel spielen und dann eine Glocke oder etwas anderes haben Das überspielen, was Elemente dieser 13. in den Akkord einbezieht Das ist also wirklich die Theorie hinter den erweiterten Akkorden. Wenn man sich nur an den Dreiklang erinnert, die 135, und dann sieben, neun, 11, 13, und dann können sie Dur sein Sie können auch groß, klein und vermindert Das ist die Theorie hinter erweiterten Akkorden. 13. Modaler Austausch und entgelehnte Akkorde: Okay, jetzt können wir über einige Akkorde und komplizierte, nicht komplizierte, aber Werkzeuge sprechen , die man in Ihren Akkorden verwenden kann Bei dem ersten handelt es sich um geliehene Akkorde. Nun, bei geliehenen Akkorden leiht man sich im Grunde eine Kordel, die parallel verläuft Wenn Sie zum Beispiel C-Dur sprechen, leihen Sie sich einen Akkord aus, der in c-Moll ist , den entsprechenden Akkord, der in c-Moll den entsprechenden Akkord, der Die Parallele wird Parallelskala genannt . Also, um Ihrem Arrangement oder Ihrer Komposition einfach eine etwas andere Wendung oder etwas ganz Besonderes zu verleihen eine etwas . Also, lassen Sie uns das in C in der Tat mit einer Umkehrung spielen Es wäre eins, vier, fünf Wir würden jetzt also versuchen, den entsprechenden Akkord aus der Moll-Skala zu nehmen , der Parallelskala von C-Dur In dem Beispiel, das ich gerade verwendet habe, äh, wäre das der Moll-Akkord der Vier in c-Moll Also, ähm, lass es uns so machen. Anstatt das originale geliehene Kabel Wir leihen uns die vier aus c-Moll. Man kann also emotional sehen, dass es den Charakter verändert, den Charakter des Kabels Dieser ist weniger glücklich und jubelnd. Es ist eher nicht traurig, aber es ist ein bisschen nachdenklicher Das ist also das Konzept der ausgeliehenen Akkorde, die aus der Parallelskala in der Tonart stammen, in der man sich befindet Wenn Sie also C-Dur sprechen, würden Sie den Akkord aus c-Moll übernehmen Das ist das Konzept der geliehenen Akkorde. 14. Rhythmusfusion: Die Kunst der Polyrhythmen in der afrikanischen Schlagzeug: Okay, wir werden jetzt über das Konzept der Polyrhythmen sprechen und darüber, was sie sind und wie sie helfen, wie dieses Konzept bei der Musikproduktion hilft, wie dieses Konzept bei der Musikproduktion hilft Ihre Kompositionen und Produktionen reicher und abwechslungsreicher zu machen und Produktionen reicher und abwechslungsreicher Im Wesentlichen sind Polyrhythmen also ein musikalisches Konzept, bei dem zwei oder mehr kontrastierende, unterschiedliche Rhythmen gleichzeitig gespielt werden, meistens mit unterschiedlichen Taktarten oder Unterteilungen unterschiedliche Rhythmen gleichzeitig gespielt werden, meistens mit unterschiedlichen Taktarten oder Unterteilungen. Also, ähm, sie lassen, wissen Sie, zwei verschiedene Arten von Rhythmen mit unterschiedlichen Taktarten spielen, helfen dabei, einen komplexeren Rhythmus oder vielleicht eine rhythmische Textur zu schaffen , die Interesse weckt und Ihre Komposition weniger einfach erscheinen lässt, wie nur vier auf dem Boden oder, Sie wissen schon, eins, zwei, drei, vier, das verleiht dem Rhythmus ein gewisses Taktarten spielen, helfen dabei Arten von Rhythmen mit unterschiedlichen Taktarten spielen, helfen dabei, einen komplexeren Rhythmus oder vielleicht eine rhythmische Textur zu schaffen oder vielleicht eine rhythmische Textur , die Interesse weckt und Ihre Komposition weniger einfach erscheinen lässt , wie nur vier auf dem Boden oder, Sie wissen schon, eins, zwei, drei, vier, das verleiht komplexes Gefühl. was dann auch in die Gesamtkomposition einfließen wird , sodass sie sich abwechslungsreicher und vielschichtiger anfühlt. Also werde ich dieses Beispiel mit den meisten zeigen . Es ist ein sehr verbreiteter Polyrhythmus Welches heißt drei gegen zwei. Das bedeutet im Grunde, drei Schläge gegen zwei Schläge zu spielen . Nehmen wir an, wenn ich meine Hände, eine Hand oder sagen wir, wir benutzen Schlagzeug, spielt eine Trommel drei gleichmäßig verteilte Noten während die zweite zwei gleichmäßig verteilte Noten spielt In derselben Zeit im gleichen Zeitrahmen. Es kann also ein bisschen verwirrend sein, weißt du, wenn du ein Spieler bist oder so und eine Hand spielt drei Schläge in einer Zeit, während die andere zwei spielt. Es kann also ziemlich komplex sein. Der 3/2-Polyrhythmus mit 32 Rhythmen wird in der afrikanischen Musik also häufig verwendet Und lassen Sie mich Ihnen ein sehr einfaches Beispiel zeigen Ihnen ein sehr einfaches Beispiel nur um eine Vorstellung davon zu bekommen, wovon wir sprechen Also habe ich meine Daw ProTools eingerichtet und verwende Native Instruments Contact als Das Plugin heißt West Africa. Also werde ich Perkussion verwenden, um es zu demonstrieren. Fangen wir also mit den beiden Rhythmen im gleichen Zeitrahmen Das Tempo, ich habe eine 110 eingegeben und ich habe einen Click-Track eingegeben Also okay. Die werden wir benutzen. Jetzt spielen wir also den ersten Rhythmus, das sind die zwei Takte zu einer bestimmten Zeit. Okay. Also werde ich das einfach so quantisieren, dass es genau im Takt Und wir können uns eins, zwei, eins, zwei, eins, zwei anhören zwei, eins, zwei, eins, zwei Das wäre also der Teil mit zwei Rhythmen. Und jetzt die drei Rhythmen, lassen Sie uns das einbauen. Okay, ich werde das benutzen. Also nimm es einfach auf. Halte durch. Okay. Ähm, ich quantisiere das nur, um pünktlich zu sein Und jetzt lass es uns hören. Okay. Also, wenn du diese Hand hörst, wenn ich sie solo spiele, tut mir leid. Eins, zwei, los geht's. Eins, zwei, drei, eins, zwei, drei, eins, zwei, eins, zwei, drei, eins, zwei, drei. Also lass uns das einfach nochmal spielen. Eins, zwei, drei, eins, zwei, drei, eins, zwei, drei, eins, zwei, drei. Also spielt es eins, zwei, drei. Das ist der Rhythmus , gegen den es in dieser Zeitspanne spielt , eins, zwei, zwei, drei, drei, drei, drei, drei, drei, drei, vier, drei. Und dann die andere Hand, ich werde die Stummschaltung aufheben und diese stummschalten Zwei, eins, zwei, eins, zwei, eins, zwei. Lass mich sehen, ob ich das wiederholen kann. Das ist also ein 3/2-Polyrhythmus. Die Art von Kick-Drum. Die tiefe Trommel spielt die beiden und die andere Hand spielt drei. Das ist also etwas, das in der afrikanischen Musik sehr verbreitet ist, afrikanische Perkussion, nicht nur afrikanische Perkussion, sondern, weißt du, im Rock und anderen Dingen, es gibt einige Songs, die gemacht wurden Aber der Beat fühlt sich komplexer an als vielleicht nur die beiden Beats gleichzeitig Dann kann man, weißt du, dann irgendwie hinzufügen, ich füge einfach einen weiteren Track hinzu, nur um es schnell zu zeigen. Also, ähm, im Allgemeinen wäre das die Art von Basis. Und dann würden andere Dinge hinzugefügt, die andere Dinge verwenden , über die wir sprechen werden, um die Lücke zu füllen. Siehst du, ich füge etwas anderes hinzu, äh ich mache einfach noch eins. Eins, zwei, drei, eins, zwei, drei. können also verschiedene Rhythmen reinkommen, und lassen Sie mich das vielleicht tun, damit Sie ein gutes Recht Also, ähm, nur quantieren, damit du es hören kannst Ich werde die einfach entfernen. Tut mir leid. Verschiedene Rhythmen Es sind also unterschiedliche Rhythmen , nur um es etwas komplexer zu machen Als Basis würde man dann verschiedene Perkussionselemente mit unterschiedlichen rhythmischen Anmutungen überlagern, um den Grund-Polyrhythmus „ Drei, Zwei“ aufzufüllen und zu verstärken Das ist also eine kurze Zusammenfassung von Polyrhythmus. Es gibt viele verschiedene Beispiele. Sie könnten drei, vier, drei Schläge über vier oder drei Schläge über vier verwenden, oder Sie könnten, Sie wissen schon, fünf Schläge über vier verwenden. Es gibt einen sehr beliebten Song namens Take Five von Dave Brubeck, der im Jazz dafür bekannt ist, dass er einen 54-Polyrhythmus verwendet, bei dem der eine Rhythmus eins, zwei, drei, vier, fünf, eins, zwei, drei, vier, fünf spielt zwei, drei, vier, fünf, eins, zwei, drei, vier, Und dann ist der andere vier, eins, eins, zwei, drei, vier, fünf, eins, zwei, drei, Das ist also ein sehr beliebtes Muster, aber es gibt viele. Am verbreitetsten ist es also im Jazz, wo Polyrhythmen hauptsächlich häufig verwendet werden Und in Afrobeat verwendet ein Großteil von Afrobeat Polyrhythmen, weißt du, verschiedene Rhythmen mit unterschiedlichen Perkussionsinstrumenten zu spielen , mit unterschiedlichen Perkussionsinstrumenten zu spielen um ein Gefühl zu erzeugen, das vielschichtig und nicht so einfach Gefühl Das ist also kurz gesagt das Konzept der Polyrhythmen. 15. Rhythmusfusion: Polyrhythmus und ungerade Zeitzeichnungen: Okay, jetzt werden wir das Polyrhythmus-Konzept etwas erweitern und über ungerade Taktarten sprechen Seltsame Taktarten, ja, man würde sie eine Erweiterung der Polyrhythmen nennen Es sind im Grunde musikalische Taktarten. Weißt du, übliche Taktarten wären 44 oder 34. Ähm, ungerade Taktarten sind musikalische Signaturen denen die Anzahl der Schläge in einem Takt nicht durch zwei oder drei teilbar ist, was es irgendwie ungleichmäßig und unregelmäßig macht Wie bei einer 44-Taktart es vier Takte in einem Takt Eins, zwei, drei, vier, zwei, zwei, drei, vier, drei, vier, das sind drei Schläge in einem Takt. Also eins, zwei, drei, zwei, zwei, drei, drei, zwei, drei. ungeraden Taktarten handelt es sich also um Signaturen, bei denen , wie gesagt, die Anzahl der Schläge in einem Takt nicht durch vier, durch zwei oder drei teilbar ist , entschuldigen Sie mich Ähm, weil es in unseren Ohren kein traditioneller Rhythmus ist, ist es nicht üblich Es führt zu einem Gefühl von Komplexität oder Unvorhersehbarkeit. Um das zu demonstrieren, verwende ich die 54-Taktart, in der ich über Polyrhythmen gesprochen habe Dave BubeckTFV ist dafür bekannt , dass sie diese 54-Taktart verwendet, die keine sehr verbreitete Taktart ist Eine 54-Taktart bedeutet also, dass jeder Takt fünf Takte Es ist also wie eins, zwei, drei, vier, fünf, zwei, zwei, drei, vier, fünf, so. Es ist also ziemlich ungewöhnlich für unsere Ohren. Also habe ich auf den Dave ein Schlagzeug von Slate SSD 5.5 Drum Kit gelegt . Um das nur zu demonstrieren Ich habe Basic programmiert, und dann fügen wir einfach etwas hinzu , damit Sie sich ein Bild machen können. Die Taktart, fangen wir mit dem Klick an, damit man es hört Eins, zwei, drei, vier, fünf, zwei, drei, vier, fünf, drei, zwei, drei, vier, fünf Es sind also fünf Schläge pro Takt. Also hier ist die Trommel. Also fügen wir einfach eine Art Felge hinzu , bei der man die fünf Schläge irgendwie deutlicher hört . Okay. Dann quantisiere ich das einfach , damit die Felge quasi das Lass mich stummschalten“ spielt, damit du es hören kannst Eins, zwei, drei, vier, fünf, eins, zwei, drei, vier, fünf, eins, zwei, drei, vier, fünf Also das ist quasi das Grundprinzip , das ist der grundlegende Groove. Ich spiele einfach ein bisschen Klavier, damit du es hören kannst. Das Klavier füllt den Groove dann ein bisschen aus, um ihn komplexer zu machen. Stimmt, also lass uns das einfach spielen. So läuft es im Grunde. Ähm, lass mich den Takt ein bisschen verlängern. Okay, also ich verlängere den Takt nur ein bisschen, du wirst sehen, wenn ich sie entferne. Richtig. Also ich mache das nur zur Verlängerung, Verlängerung okay. Also ja, es demonstriert wirklich nur das Konzept der 54 komplexen Taktarten. Lass es mich noch einmal machen. Also, diese Art von komplexen Taktarten, es müssen nicht fünf, vier sein. Es kann 74 oder 78 sein. Alles, was im Grunde nicht durch zwei oder drei teilbar ist, 118, 138 Der Grund, warum die Leute sie wirklich verwenden, ist also, die Vorhersehbarkeit von Standardtaktarten zu beeinträchtigen, was dazu neigt, ein Gefühl von Intrigen oder Geheimnissen zu Und sie sind im Allgemeinen in traditionellen Musikstilen sehr verbreitet, insbesondere in indischen, nahöstlichen oder sogar Es fühlt sich also sowohl für die spielende Person als auch für den Zuhörer ziemlich herausfordernd an, weil sie nicht an die Art von 123 gewöhnt sind, sie sind an die Eins, Zwei, Drei, Vier gewöhnt , besonders für westliche Ich würde sagen, genau das ist der Grund, warum die Leute sie benutzen, um den Zuhörer herauszufordern und die Spieler herauszufordern , weil es eine einzigartige rhythmische Struktur ist , die man nicht gewohnt ist, sie zu hören, der Westler nicht gewohnt ist Das ist also das Konzept der ungeraden Taktarten. 16. Rhythmusanwendung: Groove und Synkopierung: Okay, nachdem ich über Groove und Synkopation gesprochen habe, ist das nur eine kurze Demonstration, wie Groove und Synkopation das allgemeine Gefühl eines wie Groove und Synkopation Songs verändern können Also hier ist nur ein einfaches Akkordmuster. Es ist irgendwie vier und eins. Okay. Lassen Sie uns jetzt einfach einen kurzen Groove hinzufügen. Eine einfache Art von Rille vom Typ 44. Okay. Und dann werden wir dem wahrscheinlich einfach einen hohen Hut hinzufügen. Lass mich einfach quantisieren Ich füge dem nur einen hohen Hut hinzu. Okay. Ich quantisiere das nur Okay. Also, ähm, ja, das ist nur ein einfacher Groove. Richtig. Da ist also der Groove. Es hat ein bisschen Rock-, Rock- und Rock-Pop-Feeling, was den Groove angeht. Also das ist irgendwie, weißt du, einige der Instrumente fügen hier und da ein bisschen Synkopie hinzu , aber der Groove ist irgendwie in dieser Art von Rock-Feeling eingeschlossen in dieser Art von Rock-Feeling Also, wenn wir das stummschalten würden, was wir tun werden, und dann gehen wir zurück Also, das ist eigentlich das , was der eigentliche Song war. Also lass uns nichts oder ähnliches entfernt haben . Ich spiele es nur mit einem anderen Groove. Man sieht also, dass durch einen anderen Groove und andere Synkopie in Bezug auf die Platzierung der Instrumente dasselbe Ding, dasselbe Arrangement zu einem kompletten Afrobeat-Song wird. Lass mich einfach einige der Elemente solo spielen, damit du den neuen Groove hörst Das ist ein typisches Hinzufügen eines dritten. Du hörst also, dass der Groove etwas ganz anderes ist. Shaker spielen etwas Also das ist jetzt ein Afrobeat-Groove bei dem Kick und Rim die Grundelemente spielen und dann die Shaker und andere Dinge reinkommen, um eine andere Synkopation zu ergeben Und dann die Gitarren, auch was das Timing angeht Was die Gitarre spielt, verglichen mit dem Groove. Ich denke, das ist ein sehr gutes Beispiel Groove und Synkopation in Aktion Dieser grundlegende Groove ist in Ordnung und gibt dir ein gewisses Gefühl Aber du entfernst diesen Groove und fügst ein Arrangement vom Typ Afrobeat hinzu, mit einem einfachen Groove aus Kick und Rimshot und dann andere Elemente wie die Shaker und die Gitarren, die andere Off-Time-Elemente zum Groove spielen , und das gibt dir ein völlig anderes Gefühl, eine Art authentischer, echter Das ist also ein gutes Beispiel für Groove und Synkopation in Aktion und wie verschiedene Grooves und verschiedene Synkopationselemente das Gesamtgefühl des Songs, den Sie kreieren möchten, verändern können das Gesamtgefühl des Songs, den Sie kreieren möchten, verändern . 17. Praxis: Eine Anwendung von Skalierung, Modi und Poyrhythmen: Okay, nachdem wir diese Vereinbarung getroffen haben, können wir jetzt darüber sprechen Wir haben einfach mit Eins, Sechs, Vier, Fünf angefangen und dann haben wir sekundäre Dominanz hinzugefügt , um die Dinge ein bisschen aufzupeppen Also statt eins, zwei, drei, vier, eins, entschieden wir uns für eins, zwei, drei und nutzten das siebte, siebte Und dann haben wir das Pad und die Saiten hinzugefügt, die Art von Glockenklang in den Saiten. Wir haben die größeren Akkorde hinzugefügt, den siebten, neunten, elften Also wie dieser hier, ich glaube , mit der Glocke gespielt habe, aber wir werden ihn hören Also das ist siebter, neunter, elfter, dreizehnter. Aber das ist auch ein neunter. Es ist neunter und elfter. Also lass uns spielen, und dann werde ich sie darauf hinweisen. Genau da, nur um es dir zu zeigen. Ich habe hier angefangen. Und dann sagte die Glocke, das ist der siebte Akkord genau dort. Die kleine Siebtel Das kleine siebte. Okay, also in diesem Arrangement gab es viele neunte und elfte und sogar 13. Noten, Akkorde, tut mir leid, mit den Saiten und dem Glockenklang gespielt wurden, sie überlagert wurden, ähm, das Klavier In der Musikproduktion ist es also üblich, dass die Neunten und Elften von den Pads und anderen Instrumenten gespielt werden, Elften von den Pads und anderen Instrumenten gespielt werden um dem Gesamtarrangement mehr Tiefe und Komplexität zu verleihen dem Gesamtarrangement mehr Tiefe und Komplexität als nur 16, vier, fünf Akkorde. Sie werden also hören, dass dieses Arrangement viel besser klingt und mehr Tiefe als das grundlegende 1645 des Klaviers, wenn wir nur Dreiklänge, die Eins, Drei und Fünf, verwenden würden Wie Sie daraus hören, kann man diese 11. und 13. und die anderen Strategien wie, Sie wissen schon, verschiedene Akkorde verwenden und die anderen Strategien wie, Sie wissen schon, , um Ihr Arrangement aufzupeppen und es so zu gestalten, dass es sich anfühlt, viel mehr Emotionen hervorzurufen Ich bin mir nicht sicher, ob wir das spielen, welche Art von Emotion wir hervorrufen eine Art träumerische, wehmütige Art von Emotion, von der man nicht unbedingt dasselbe Gefühl einfängt, einfach daran ist nichts falsch, aber wenn man die anderen Elemente hinzufügt, es irgendwie tiefer und breiter und lässt das Arrangement viel größer klingen als nur die 1645-Triaden zu verwenden. Dies ist also eine Art kurze Live-Demonstration wie einige dieser Techniken Ihre Originalkompositionen verbessern können sie üppiger und komplexer klingen, die Tiefe erhöhen und verschiedene Arten von Emotionen vermitteln können. Wie in diesem Fall, diese Art von verträumter Atmosphäre 18. In der Praxis : Eine Anwendung von Groove und Rhythmus, Akkordfolge und Schlagzeug: Okay, jetzt werden wir ein kleines Arrangement erstellen, nur um zu zeigen, wie wir einige der theoretischen Konzepte, die wir in Bezug auf die Saiten und Skalen durcharbeiten, beim Aufbau eines Arrangements verwenden können einige der theoretischen Konzepte, die wir in Bezug auf die Saiten und Skalen durcharbeiten, beim Aufbau eines Arrangements verwenden wir in Bezug auf die Saiten und Skalen durcharbeiten, beim Aufbau eines und Skalen durcharbeiten, beim Aufbau eines Ich werde eines der Beispiele verwenden, die ich verwendet habe. Ich glaube, es war, als ich über Dominant an siebter Stelle sprach. Also lass uns das jetzt einfach machen. Ich habe eine Art leere Vorlage erstellt, und dann lassen wir mich einfach einen Klick machen, um den Rhythmus zu halten. Vielleicht, lass uns sehen. Ich denke, ich werde es etwas langsamer machen. Okay. Also fange ich an zu spielen und dann werden wir bauen und dann werden wir die Dinge durchgehen. Okay. Es gibt ein bisschen Computerverzögerung, aber ich denke, das reicht nicht aus, um die Dinge aus der Bahn zu werfen. Also, was ich hier spiele. Es ist eine Kombination aus eins, sechs, vier, fünf. Also lege ich es rein. Ich spiele es zweimal, einfach, und füge dann einige der Dinge hinzu, die wir gelernt haben. Okay. Lass uns einfach bis da raufgehen. Ähm, das haben wir quantisiert. Also lass uns einfach nachschauen, okay Lassen Sie uns nun hinzufügen, fügen wir die Zeichenketten hinzu. Okay. Ich nehme nur ein Quantum davon. Okay. Also die wichtigsten Elemente, die wir zu diesen anderen Instrumenten hinzufügen , um das Arrangement etwas zu diversifizieren Das ist aber eigentlich, lass mich spielen und dann erkläre ich es dir Okay. Ja. Also ich quantisiere nur, und dann können wir darüber reden Also zur Veranschaulichung: Ich denke, das Klavier war einfacher. Bei dem Arrangement, das ich gerade gespielt habe, ist es, wie gesagt , eins, sechs, vier, fünf, was, weißt du, sehr einfach ist. Aber dann haben wir zuerst die Yeah, naja, die dominanten Septakkorde hinzugefügt naja, die dominanten Septakkorde Tut mir leid, vermindert. Es tut mir leid 19. Kursprojekt: Ihr Klassenprojekt, ich möchte, dass Sie einige der Konzepte, die wir in diesem Kurs gelernt haben, einige der komplexeren Akkorde und Strukturen von Rhythmen und Skalen, nehmen einige der Konzepte, die wir in diesem Kurs gelernt haben, einige der komplexeren Akkorde und Strukturen von Rhythmen und Skalen, und sie in Ihrem Da auf einige der Kompositionen anwenden, die Sie gemacht haben, und sie dann anwenden, diese Kompositionen fertigstellen und sie mir schicken