Finde deinen Stil: So entwickelst du deine eigene Lettering-Ästhetik

1. Einführung: Wir als Menschen sind zutiefst von unserem Identitätssinn getrieben. So definieren wir uns selbst und oft, wie andere uns definieren. Als Kreative dient unser einzigartiger Stil als unsere künstlerische Identität. Es ist, was hilft, Sie als Künstler zu definieren. Apropos Identität, hallo, mein Name ist Gia Graham, und ich bin Illustratorin, Handschriftkünstler und Top-Lehrer hier auf Skillshare. Meine kreative Identität oder mein kreativer Stil ist in der Art und Weise verwurzelt, wie ich Handschriftzug mit üppigen floralen Illustrationen und gut kuratierten Farbpaletten kombiniere . Das Schöne an einer definierten kreativen Identität ist, dass es mehr als nur eine visuelle Visitenkarte ist. Es kann Ihnen auch helfen, eine blühende Kunstmarke aufzubauen. Sobald ich einen eigenen Stil entwickelt hatte, begann meine Karriere mit Schriftzug und Illustration wirklich zu gedeihen. Kunden und Art-Directors fingen an, mich zu suchen, weil sie dachten, dass meine kreative Ästhetik perfekt für ihr Projekt oder ihre Produkte wäre. Mein Kunstwerk ist auf einer Vielzahl von Produkten erschienen, von Grußkarten und Bekleidung bis hin zu Buchumschlägen und sogar Accessoires. Wie die meisten etablierten Künstler Ihnen sagen werden, gibt es keine magische Formel für die Entwicklung Ihres Stils, und konsequente Praxis ist der Schlüssel. Aber wenn Sie ein Anfänger sind, der eine neue Fähigkeit lernt, ist es manchmal schwierig zu wissen, wie man praktiziert. Als Anfänger schauen wir oft auf andere Künstler nach Inspiration oder imitieren, was wir sehen, aber das bringt uns nicht näher an unsere eigene Stilreise. Nun, diese Klasse wird Ihnen keinen Stil geben, aber wir werden einen sehr praktischen, anfängerfreundlichen Ansatz für die Stilentwicklung nehmen , und ich werde Ihnen zeigen, wie Sie Ihren Schriftzug logisch und absichtlich üben , die Ihnen helfen wird, Ihr Ziel zu erreichen, Ihre eigene Ästhetik zu finden. In der ersten Hälfte dieser Klasse werden wir eine Bestandsaufnahme Ihrer visuellen Einflüsse und wie Sie sie verinnerlichen. In der zweiten Hälfte der Klasse zeige ich Ihnen, wie Sie Ihre Einflüsse mit Absicht beobachten und wie Sie Ihre Kreativität erforschen und vorantreiben können, damit Sie diese Einflüsse remixen und neu interpretieren können, anstatt sie nur nachzuahmen. Obwohl das Projekt auf Schriftzug basiert, ist diese Klasse nicht nur für Schriftsteller geeignet. Die Prinzipien können auf jeden kreativen Fokus angewendet werden, egal ob es sich um Illustration, Malerei oder bildende Kunst handelt. Ich werde digital auf dem iPad Pro arbeiten, mit der Procreate App, aber Sie können gerne in jedem Medium arbeiten, das Sie bevorzugen. Ein iPad ist für diese Klasse nicht erforderlich. Bitte beachten Sie, dass es sich um eine Anfängerklasse handelt, der Schwerpunkt nicht auf der Schriftzug-Technik liegt. Wenn Sie nicht mit Handschriftzug oder den Grundlagen von Procreate vertraut sind, empfehle ich, mit meinem Handschriftzug in der Procreate-Klasse zu beginnen. Nun, wenn Sie bereit sind, sich auf die Reise zu machen, um Ihren Stil zu finden, machen wir diesen ersten Schritt. Wir sehen uns im Unterricht. 2. Kursprojekt: Das Projekt für diese Klasse besteht darin, eine eigene Version des Beispielgrafiks zu erstellen indem Sie den in der Klasse beschriebenen Schritt-für-Schritt-Prozess befolgen. Wenn Sie tiefer in Ihren Stilentwicklungsprozess eintauchen möchten, habe ich auch ein lustiges Projekt in Form einer fünftägigen Mini-Drawing Challenge aufgenommen bei der Sie fünf verschiedene Schriftstücke in Ihrem eigenen aufstrebenden Stil nachbilden können. Sie können an dem Bonus-Projekt in Ihrem eigenen Tempo arbeiten. Das Ziel ist es, zu üben, keine Perfektion zu erreichen. Bitte stellen Sie sicher, dass Sie Ihr Kunstwerk in die Projektgalerie hochladen. Gerne können Sie auch Ihre Skizzen oder Notizen teilen, die Sie einfügen möchten. Ich liebe es, deinen Denkprozess zu sehen. Um Ihr Projekt freizugeben, gehen Sie zur Registerkarte Projekte und Ressourcen und klicken Sie dann auf die Schaltfläche „Klassenprojekt“. Benennen Sie Ihr Projekt, und laden Sie so viele Bilder hoch, wie Sie möchten, indem Sie auf das Bild-Symbol hier klicken, wo es heißt, fügen Sie weitere Inhalte hinzu. Sie können auch Notizen eingeben oder Fragen im Projektbereich stellen. Vergessen Sie nicht, ein Coverbild hochzuladen, denn das wird in der Galerieansicht angezeigt. Hier im Bereich „Ressourcen“ können Sie alle Beispiel-Grafiken herunterladen, die Sie für die Übungsaufgaben benötigen. Wenn Sie Fragen an mich haben, können Sie diese hier im Diskussionsbereich eingeben. Ich kann es kaum erwarten zu sehen, wie sich Ihre Stilreise entwickelt. Aber bevor wir zu diesem Punkt kommen, lassen Sie uns ein wenig darüber reden, wie Ihre Einflüsse Ihren Stil beeinflussen können. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 3. Input und Output: Ich möchte wiederholen, dass die Entwicklung Ihres Stils nicht über Nacht geschieht. So wie es Zeit gedauert hat, bis Ihre persönliche Identität Gestalt annahm, muss auch Ihre kreative Identität gepflegt und weiterentwickelt werden. Auch bevor wir anfangen, möchte ich ein paar Dinge klären. Wenn ich mich auf Stil in dieser Klasse beziehe, beziehe ich mich auf einen Signaturstil. Man ist künstlerische Ästhetik. Es ist Ihr einzigartiger kreativer Ausdruck und die unverwechselbare Art, wie Sie sich Ihrer Kunst nähern. Das ist nicht zu verwechseln mit Schriftarten. Wenn ich mich auf einen Schriftzug beziehe, spreche ich über das spezifische Aussehen der Buchstabenformen, die Sie in einem Kunstwerk verwenden. In Bezug auf Kunst entsteht Ihr Signaturstil, wenn Sie konsequent die gleichen Entscheidungen in Ihrer Arbeit treffen. Dies kann sich in den Farben, zu denen Sie sich hinziehen, oder in den Techniken, die Sie wiederholt verwenden, oder in dem Thema oder Inhalt, der wiederholt in Ihrer Arbeit erscheint, zeigen oder in den Techniken, die Sie wiederholt verwenden, . Lisa Congdon ist ein großartiges Beispiel für eine Künstlerin mit einem sehr erkennbaren Stil. Ihre Palette ist konsistent, fast immer mit Blau, Rosa, Rot oder Schwarz. Ihr Schriftzug hat ein sehr verspieltes handgezeichnetes Gefühl, und sie verwendet oft kühne, vereinfachte Formen in ihrer Arbeit. Übrigens, in einer verwandten Notiz hat Lisa ein Buch namens Find Your Artistic Voice geschrieben, bei dem es darum geht, Ihre Identität als Künstler zu etablieren. Ich empfehle es, wenn Sie einen tieferen Einblick in dieses Thema nehmen möchten. Ich habe meine bei Amazon gekauft und ich werde einen Link für Sie im Ressourcenbereich hinterlassen. Belinda Kous Arbeit ist ein Beispiel dafür, wie Inhalt mit Stil korreliert. Viele von Belindas Arbeit dreht sich um Essen und Sie werden oft lustige fliegende Zutaten finden, die sich um ihren Schriftzug drehen. Jill De Haan ist ein Beispiel für eine Künstlerin, deren Arbeit viele Formen annimmt, aber ihre eigene einzigartige Ästhetik gelingt immer noch durchscheinen, sei es ihre komplizierten Blattlayouts oder die Art und Weise, wie sie Geschichten mit detaillierten Buchstabenformen erzählt. Ihr illustrativer Schriftzug ist leicht als ihre eigene erkennbar. Die uralte Frage lautet: Wie kommt man zu dem Punkt, an dem man eine ausgeprägte und erkennbare kreative Identität hat? Wie entwickelt man einen Stil? es glauben oder nicht, Stil-Entwicklung tatsächlich passiert, lange bevor Sie Bleistift auf Papier oder Apple Bleistift auf iPad setzen, wie der Fall sein mag. Obwohl wir uns dessen nicht immer bewusst sind, informieren die visuellen Informationen, die wir konsumieren oder unsere Input oft die Arbeit, die wir schaffen, das ist unser Output. Alles beginnt mit dem, was wir jeden Tag beobachten oder einnehmen. Es gibt einen interessanten Dokumentarfilm namens The Creative Brain auf Netflix , der Kreativität und wie das Gehirn funktioniert. Eine der Erkenntnisse aus der Show, die ich besonders interessant fand, ist die Tatsache, dass Inputs aus der Welt um uns herum ständig kollidieren und sich in unserem Gehirn mischen. Wir als Menschen haben die einzigartige Fähigkeit, Ideen von einem Ort zu nehmen und sie in einem ganz anderen Kontext anzuwenden. Zum Beispiel wuchs ich in einem sehr farbenfrohen Land auf. Alles ist lebendig in Barbados. Nicht nur die leuchtend blauen Strände oder die rosa und orange Sonnenuntergänge, aber es ist sehr üblich, Häuser und sogar Gebäude in der Stadt zu finden , die in fast schockierend hellen Farben gemalt sind. Jedes Jahr begrüßt unser Crop Over Festival eine Explosion der Farbe in Form von verzierten Kostümen. All diese bunten Input ist in meinem Gehirn seit meiner Kindheit vorhanden. Es macht Sinn, dass mein kreativer Stil so stark von Farbe beeinflusst und verwurzelt ist . Zusammen mit diesen visuellen Einflüssen ist eine weitere mächtige Input Ihre Sammlung von kreativen Einflüssen. Die Künstler, die Sie bewundern, die Konten, die Sie auf Instagram folgen, die kreativen Inhalte, die Sie jeden Tag betrachten. All dies sickert in deinen Verstand, mischt sich und kollidiert mit dem, was bereits da ist. Obwohl Sie es vielleicht nicht erkennen, können diese Dinge in irgendeiner Weise wieder in der Kunst, die Sie erschaffen. Der erste Schritt auf dieser Stilreise besteht darin, eine Bestandsaufnahme Ihrer Eingaben zu machen. Hier ist Ihr erster Auftrag. Listen Sie drei visuelle Einflüsse auf, die Sie aus Ihrer Kindheit erinnern. Waren Sie umgeben von den harten Linien eines Stadtbildes oder den organischen Formen in der Natur? Haben Sie eine Erinnerung an mutige Muster in Ihrem Haushalt oder war die Einrichtung neutraler? Haben Sie jeden Tag viele lebendige Farben gesehen oder waren Ihre Umgebung gedämpfter? Der nächste Schritt besteht darin, drei Künstler aufzulisten, deren Arbeit Sie lieben. Wer sind sie? Was zieht Sie zu ihrer Arbeit? Beachten Sie auch, ob es etwas gibt, was sie alle gemeinsam haben. Ich habe Ihnen ein Arbeitsblatt zur Verfügung gestellt, mit dem Sie Ihre Ergebnisse aufschreiben können. Sie können entweder die PDF-Datei drucken oder die Procreate-Datei herunterladen und importieren, um Notizen auf Ihrem iPad zu machen. Der letzte Teil der Aufgabe besteht darin, alle anderen Fähigkeiten, Hobbys, Erfahrungen oder Gewohnheiten zu identifizieren , die Teil davon geworden sind, wer Sie sind oder wie Sie denken. Haben Sie andere Hobbys als Kunst? Können Sie drei Fähigkeiten auflisten, die Sie in der Schule gelernt haben, die Sie noch verwenden? Oder gibt es etwas, das Sie bei Ihrem aktuellen oder vorherigen Job gelernt haben , das hilfreich sein könnte? Ich habe diese Übung bereits gemacht und teile meine Notizen. Für meine visuellen Einflüsse aus der Kindheit bemerkte ich viele lebendige Farben, wie ich bereits erwähnt habe. Die Natur war ein weiterer visueller Einfluss für mich. gab es immer Pflanzen, Überallgab es immer Pflanzen, Blumen und Bäume. Ich erinnere mich besonders an alle Obstbäume. Die Gelassenheit des Ozeans war ein weiterer Einfluss, ein Blick auf den Ozean war nie weit entfernt. Hier sind drei Künstler, deren Arbeit ich liebe. Zuerst ist Caroline South. Ich liebe es, wie sie mit Farbe und Komposition spielt. Die zweite Künstlerin, die ich aufgeführt habe, ist Dana Tanamachi. Ich liebe die grafische Natur ihres Kunstwerks und wie sauber und präzise es ist. Der dritte Künstler, den ich wählte, ist Kelly Ventura. Die Bewegung in ihrer Arbeit ist sehr ansprechend für mich. Es ist sehr lebhaft und ausdrucksstark. Sobald ich ihre Arbeit Seite an Seite gestellt und wirklich Aufmerksamkeit geschenkt habe, merke ich, dass alle drei Künstler die Natur oder die von der Natur inspirierte Elemente in ihre Arbeit integrieren , obwohl es auf sehr unterschiedliche Weise ist. Was meine Hobbys angeht, habe ich Gartenarbeit geschrieben. Drei Fähigkeiten, die ich im College erworben habe, umfassen Design-Layouts , Kritik und visuelle Präsentation. Drei Fähigkeiten, die ich aus meinen Vortagsjobs gelernt habe, umfassen Foto-Styling, Kunstrichtung, sowohl das Geben der Kunstrichtung als auch das Empfangen von ihm, und Projektmanagement. Nun, wir werden diese Antworten nicht nehmen, dann fügen Sie eine spezielle Formel hinzu, und dann poof, sofort identifizieren Sie Ihren Stil. Der Sinn dieser Übung ist einfach, auf diese Dinge aufmerksam zu machen , von denen Sie vielleicht nicht einmal erkennen, dass Sie beeinflusst haben. Als nächstes werden wir einen Blick auf meine Stilreise als Beispiel dafür werfen, wie all diese Inputs sich in der künstlerischen Ästhetik manifestieren können. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 4. Eine Stilreise: Ich weiß, dass ich das schon gesagt habe, aber es trägt sich zu wiederholen. Stilentwicklung findet nicht über Nacht statt. Es ist ein Prozess. Selbst wenn es so aussieht, als hätte jemand seinen Stil schnell gefunden, die Wahrheit ist, was Sie sehen, ist mehr als wahrscheinlich der Höhepunkt eines langen, stetigen Builds. Ich würde Sie gerne auf eine kleine Reise auf meinem Karriereweg als Beispiel nehmen , um Ihnen zu zeigen, wie dieser stetige Aufbau aussieht. Meine kreative Karriere begann eigentlich im Grafikdesign. Ich habe viel Corporate Design wie diese Broschüren und Marketingmaterialien gemacht. Die meisten visuellen Eingaben, die ich während dieser Zeit erhielt, konzentrierten sich auf Typografie und wie man Informationen in einem ansprechendsten Layout anordnet. Ich verließ Corporate Design, um ein Hochzeitseinladungsgeschäft zu gründen , und während ich in die Hochzeitswelt eingetaucht war, begann ich mit Farbpaletten zu spielen. Blogs waren zu dieser Zeit wirklich groß und Bräute waren immer auf der Suche nach Stil-Inspiration für ihre Hochzeiten. Ich habe angefangen, diese Farbtafeln zu kuratieren, die ich jede Woche auf meinem Blog und auf Pinterest geteilt habe . Zu dieser Zeit war ein großer Teil meiner Eingabe die Farbkuration. Die erste echte Iteration der Arbeit, die ich jetzt mache, begann, als ich 2014 meine Sammlung von Grußkarten und Briefpapier startete. Damals machte ich noch keinen Handschriftzug, aber ich begann, meinen floralen Illustrationsstil zu erforschen und experimentierte mit dem Zusammenspiel zwischen Blumen und Typografie. Übrigens, nur um zu klären, bezieht sich Typografie auf die Verwendung von Schriftarten in Druck und Design. Es ist nicht das Gleiche wie Handschriftzug. Im Januar 2018 habe ich die Procreate App heruntergeladen und beschlossen, diese Schriftzug-Sache wirklich zu geben , die mich auf den Weg zu meinem aktuellen Stil gebracht hat. Damals konzentrierte ich mich nur auf das Lernen und Üben. Ich hatte keine Erwartungen an das, was es werden würde. Ich habe mein aktuelles Instagram-Konto erstellt und die Zeichnungsherausforderungen verwendet, um mich motiviert zu halten. Das erste Jahr war wirklich experimentell. Ich habe ein bisschen von allem versucht. Ich fing an, viele Schriftzug-Konten verfolgen und habe mir jeden Tag Hand-Schriftzug angesehen. Ich habe wirklich viele verschiedene Schriftarten verbraucht. Am Ende des Jahres nahm ich eine Bestandsaufnahme des Werkes, das ich geschaffen hatte und notierte, welche Stücke mir am meisten gefällt, welche Stücke ich am liebsten kreieren konnte und welche Elemente in meiner Arbeit immer wiederkehrten. Um 2019 ist der Zeitpunkt, als mein Stil wirklich begann zu entstehen. Nach meinem Jahresende künstlerischen Audit realisierte ich zwei Dinge. Ich wollte Farbe zu einem zentralen Teil meiner Arbeit machen, und ich habe es sehr genossen, meinem Schriftzug florale Illustrationen hinzuzufügen. Mit diesem Wissen wurde ich absichtlich über das, was ich erschaffen habe. Im Nachhinein kann ich sehen, dass meine gespeicherten Eingaben diese neue Art und Weise neu gemischt und ausgedrückt wurden. Diese Hochzeits-Farbtafeln, die ich erstellt habe, waren die Entstehung der monatlich begrenzten Paletten, die ich in den letzten Jahren erstellt und geteilt habe. Meine grafische Design-Layout-Erfahrung ist die Grundlage dafür, wie ich jetzt Schriftzug-Layouts nähere. Diese Eingaben verschmolzen mit dem neuen Schriftzug Wissen, das ich gewonnen habe, und verschiedenen Schriftarten, die ich beobachtete, und es löste meine eigene Kreativität aus. Mit konsequenter Praxis begann mein Stil bald Gestalt anzunehmen. Ich denke auch, es ist wichtig zu beachten, dass Sie nicht Ihren Stil erstellen, indem alle Ihre Inspirationen nehmen und Bits und Stücke von jedem kopieren. Ein Stil wird einzigartig für Sie, wenn Sie in der Lage sind, Ihre Eingaben zu remixen und neu zu interpretieren, basierend auf Ihrer eigenen Perspektive und Erfahrung. Zum Beispiel habe ich in der letzten Lektion drei Künstler aufgelistet, deren Arbeit ich oft liebe und betrachte. Sie sind für mich eine große Quelle visueller Input. Meine Arbeit sieht jedoch nicht so ähnlich wie ihre aus. Hier ist, wie ich denke, meine Eingaben wurden neu interpretiert. Ich erwähnte, dass ich die Bewegung und Energie in Kelly Venturas Arbeit wirklich mag. Ich denke, das zeigt sich in meiner Arbeit, weil ich dazu neige, viel Bewegung zu meinen floralen Illustrationen hinzuzufügen . Ich mache es einfach auf eine andere Art und Weise. In Caroline South Arbeit gibt es eine frische moderne Herangehensweise an die Art und Weise, wie sie Pastellfarben verwendet. Ich neige dazu, Pastelle in leicht unerwarteten Kombinationen zu verwenden. Der Grafikdesigner in mir liebt die Struktur in Dana Tanamachis Arbeit wirklich. Obwohl meine Arbeit eher locker und fließender ist, ziehe ich mich hin und wieder hin zu strukturierteren, symmetrischen Layouts. Wie Sie sehen können, gibt es nie einen Eins-zu-Eins-Vergleich. Meine Arbeit kann von anderen Künstlern beeinflusst werden, während sie für mich immer noch einzigartig sind. Jetzt konzentrieren wir uns wieder auf dich. Nach der letzten Zuweisung sind Ihnen nun einige Ihrer Eingaben bekannt. Diese können oder auch nicht ins Spiel kommen, wenn Ihr Stil auftaucht, aber es ist gut, sich bewusst zu sein, warum Sie bestimmte stilistische Entscheidungen treffen könnten. Nun, was ist mit dem praktischen Teil der Entwicklung Ihres Stils? Darauf konzentrieren wir uns in der nächsten Lektion. 5. Drei Schritte zum Stil: Das Remixing und Neuinterpretieren von Eingaben, über die wir in der letzten Lektion gesprochen haben , geschieht meist unbewusst. Ich habe einen künstlerischen Hintergrund und langjährige Designerfahrung zu ziehen , aus der der Prozess ein wenig intuitiver für mich geschehen hilft. Aber selbst wenn Sie ein Anfänger sind, können Sie das absolut immer noch tun. Mein Ziel ist es, diesen intuitiven Prozess in umsetzbare Schritte zu zerlegen , mit denen Sie Ihren kreativen Geist trainieren können. Die wahre Magie geschieht, wenn Sie Ihren Schriftzug regelmäßig üben. Aber wie du praktizierst, kann den Unterschied machen. Es gibt Dinge, die Sie tun können, um Ihnen zu helfen, auf eine absichtliche Weise zu üben. Ich nenne dies die drei Schritte zum Stillen: Beobachtung, Erkundung und Konsistenz. Lassen Sie uns zuerst über Beobachtung sprechen. Ich habe dies kurz in Lektion 18 meines Handschriftzugs in der Procreate Klasse angesprochen, und ich denke, es lohnt sich, hier weiter zu diskutieren. Um wirklich von all den visuellen Einflüssen zu profitieren, die Sie ständig aufnehmen, ist es wichtig, mit Absicht zu beobachten. Zombie Scrollen durch Instagram macht den Job nicht ganz. Wie ich in meiner Handschriftklasse sagte, ist es wichtig, mit aufmerksamen Augen zu beobachten. Nehmen wir an, Sie scrollen auf Instagram und Sie schauen auf viele unglaubliche Kunst. Sie stoßen auf ein handbeschriftetes Stück, das Sie wirklich inspiriert und Sie sind völlig begeistert mit dem Stil dieser Person. Du hast den Beitrag bereits gemocht und ihm mehrere Herzauge-Emojis gegeben. Dies ist, wo ich denke, dass viele Anfänger stolpern. Was oft passiert ist, dass ein Anfänger ein Kunstwerk sehen wird, das sie lieben, und anstatt die tiefe Beobachtung zu tun, die benötigt wird, um zu verstehen, warum sie das Kunstwerk lieben, sie wollen sofort den Look replizieren. Sie gehen direkt von der Eingabe zur Ausgabe ohne Remixing, was dazu führt, dass der Stil eines anderen einfach kopiert wird, anstatt Schritte zu unternehmen, um ihren eigenen zu entdecken. Ziemlich oft bin ich auf Instagram-Post getaggt, wo jemand ein Stück Schriftzug erstellt hat, aber ein exaktes Layout von mir oder die genauen Blumen kopiert hat, die ich verwendet habe. Es wird oft eine süße Know in der Bildunterschrift geben, die sagt, wie sie von meiner Arbeit inspiriert wurden. Die Sache ist, das ist nicht ganz Inspiration, es ist Imitation. Obwohl das für mich als Künstler frustrierend sein kann, verstehe ich, dass es eine ganz normale und erwartete Sache für Anfänger ist. Aristoteles schrieb: „Der Mensch ist das nachahmlichste Geschöpf der Welt. Erlernt zuerst durch Nachahmung.“ Es ist etwas, was wir alle von Kindheit an tun und weiterhin gut in unser Erwachsenenleben tun, vor allem, wenn wir eine neue Fähigkeit lernen. Wenn Sie Anfängern Ratschläge geben, sagen die meisten Künstler, dass Sie sich nur von Künstlern außerhalb Ihres Mediums inspirieren lassen sollten . Oder dass Sie niemals die Arbeit eines anderen Schriftstellers betrachten sollten , wenn Sie versuchen, Ihre eigene Arbeit zu kreieren. Ich bin sicher, dass ich diesen Rat in der Vergangenheit gegeben habe. Aber was mir klar wurde, ist, dass die meisten Anfänger nicht auf diesen Rat beziehen können, vor allem, wenn sie noch nicht auf der Kunstschule waren. Es ist sehr schwierig zu wissen, wie man Inspiration intuitiv und erfinderisch neu mischt wenn man nicht das Training dazu gehabt hat. Tatsache ist, dass die meisten neuen Künstler sind Scrollen Instagram täglich versuchen, zu lernen, indem sie diejenigen, die sie bewundern zu imitieren. Die Herausforderung besteht darin, neu zu gestalten, wie Sie imitieren. Imitation mit Integrität und Absicht kann tatsächlich eine gute Möglichkeit sein, Ihrem kreativen Tresor neue Informationen hinzuzufügen, aus denen Sie unbewusst ziehen und neu interpretieren können, wenn Sie Ihren Stil entwickeln. Kopieren mit Integrität bedeutet, dass Sie es nur für Ihre persönliche Praxis tun. Es ist nie in Ordnung, die Arbeit eines anderen zu kopieren und es dann als Ihre eigene zu posten. Das ist Kunstdiebstahl, schlicht und einfach. Es gibt die Idee, da draußen zu schweben, dass, wenn Sie ein paar Dinge in Ihrer kopierten Version ändern, vielleicht die Wörter oder die Farben, dann ist das okay. Die Wahrheit ist, es ist nicht okay. Denken Sie daran, dass alle etablierten Künstler, von denen Sie inspiriert sind, die harte Arbeit geleistet haben , die erforderlich ist, um ihren individuellen Stil zu entwickeln. Wenn jemand seine Arbeit oder Elemente aus seiner Arbeit kopiert, tut es weh für den Künstler, den Sie so sehr bewundern, und es ist verletzend für seine Marke. Wenn du mit Absicht kopierst, bedeutet das, dass du achtest, was du tust und wie du es machst. Der Punkt ist, die Arbeit zu sezieren, die Sie imitieren, versuchen, herauszufinden, was ist es inspiriert Sie? Was schwingt mit dir zusammen? Wie wird es gemacht, und welche spezifischen Entscheidungen wurden getroffen? Wenn Sie auf diese achtsame Weise kopieren, tränken Sie in viel mehr Wissen, als Sie erkennen. Diese Eingänge beginnen in Ihrem Gehirn herumhüpfen, bereit zum Remixen. Später in der Klasse werden wir uns mit einer praktischen Übung beschäftigen, wie man mit Absicht kopieren kann. Bleib dran dran. Es gibt einen dritten Teil des Beobachtungsprozesses, und das ist Selbstbeobachtung, wo Sie Ihre eigene Arbeit beobachten werden. In der letzten Lektion erwähnte ich, dass ich nach meinem ersten Jahr der Schriftzug-Praxis ein Audit zum Jahresende durchgeführt habe. Ich denke, es ist wichtig, zurückzutreten und eine Bestandsaufnahme der von Ihnen erstellten Arbeit zu ziehen und sich wiederkehrende Themen, Themen, Farben usw. zu notieren . sich einen Moment Zeit nehmen, um auf diese Weise zu reflektieren hilft Ihnen auch, die Fortschritte zu sehen, die Sie machen, was natürlich ein großer Motivator sein kann, weiter vorwärts zu treiben. Wie oft Sie dieses Kunstaudit durchführen, hängt davon ab wie oft Sie üben und wie viel Kunst Sie machen. Aber ich würde vorschlagen, dies mindestens einmal alle zwei bis drei Monate zu tun. Nun, auf den zweiten Schritt hin zum Stil, der Exploration ist. Du hast das Stück Schrift-Kunst gefunden, das dich wirklich inspiriert. Sie haben Ihre achtsame Beobachtung gemacht und Sie haben ein klares Verständnis dafür, warum Sie das Kunstwerk mögen. Jetzt können Sie darüber nachdenken, wie Sie diese Eingabe verwenden, um die Dinge weiter zu schieben. Um die Dinge weiter zu schieben, müssen Sie erkunden. Nehmen Sie wichtige Features, die Sie von diesem inspirierenden Kunstwerk beobachtet haben , und versuchen Sie neue Wege, sich ihnen zu nähern. Versuchen Sie Schriftzug Stil, mit dem Sie sich wohler fühlen. Probieren Sie verschiedene Verzierungen auf dem Schriftzug aus. Überarbeiten Sie das Layout, oder integrieren Sie Elemente, die Sie lieben, wie Ihre Lieblingsfarben, eine Blüte, die Sie wirklich gerne verwenden, und so weiter. Schieben Sie an Ihrer Komfortzone vorbei und probieren Sie neue Dinge aus. keine Angst vor dem Scheitern. Auch wenn das Ergebnis nicht gut ist oder nicht das, was Sie sich erhofft haben, gibt es immer etwas Neues über uns selbst als Kreative zu entdecken , wenn wir uns die Erlaubnis geben, zu erkunden. auch daran, dass jedes Stück, das Sie erstellen, nicht in sozialen Medien veröffentlicht werden muss. Nehmen Sie den Druck ab, um etwas zu schaffen, das der Zustimmung der Menschen würdig ist. Der letzte und wichtigste Schritt in Richtung Stil ist die Konsistenz. Es gibt kein Herumkommen und es gibt keine Abkürzungen. Konsistente Praxis ist die einzige Möglichkeit, einen Signaturstil zu entwickeln. Jetzt, wie viel Sie üben, wird für jede Person anders sein. tägliche Üben ist vielleicht nicht für jedermann machbar, aber ich empfehle Ihnen, Ihren Schriftzug mindestens drei bis vier Tage die Woche zu üben. Es ist am besten, wenn Sie Struktur um Ihre Praxis herum aufbauen können, um Sie motiviert zu halten. Dies kann in Form eines Projekts sein, das Sie für sich selbst erstellen, oder Sie können an einer Online-Herausforderung teilnehmen. Beispielsweise führt das Instagram-Konto 36 Days of Typeeinmal im Jahr 36 Days of Type eine einmonatige Herausforderung für die Beschriftung des Alphabets aus. Selbstverständlich können Sie auch Ihr eigenes Projekt erstellen. Belinda Kou, die ich vorhin in der Klasse erwähnte, hat das ein paar Mal getan. Mit ihrer Hungrily Ever After-Serie kreierte sie 18 handgeschriebene und illustrierte Bucheinbände , die von Lebensmitteln inspirierte Spoofs zu klassischen Märchen waren. Zuvor schuf Belinda eine Serie namens What's Not Cooking, in der sie 15 Stücke mit einem zentralen Thema kreierte. Lauren Hom startete ihre Karriere als Schriftzug, während Stil enthüllt, indem sie ihr tägliches Unehrlichkeitsprojekt kreierte, das die kleinen weißen Lügen dokumentierte, die sie sich jeden Tag erzählte. Ohn Mar Win ist keine Schriftstellerin, aber sie ist ein großartiges Beispiel für jemanden, der regelmäßig an 100 täglichen Herausforderungen teilnimmt , die ihr geholfen haben, ihren Stil zu meistern. Ohn Mar ist auch eine Top-Lehrerin hier auf Skillshare, und sie hat eine Klasse über die tägliche Kunstpraxis, die hilfreiche Einblicke in Denkweise und den Ansatz zu konsistenter Praxis hat. Wenn die Suche nach Ihrem Stil eine Priorität für Sie ist, müssen Sie sich die Zeit nehmen, um zu üben. auch daran, dass Praxis sich nicht wie eine Last anfühlen sollte. Ja, wir haben die Tage, an denen wir nichts tun wollen. Aber wenn Schriftzug etwas ist, das Sie wirklich leidenschaftlich sind, sollte sich üben eher wie ein Genuss als eine lästige Aufgabe anfühlen. Um zusammenzufassen, sind die drei Schritte zum Stillen Beobachtung, Erkundung und Konsistenz. Beobachten Sie die Arbeit anderer mit Absicht und Integrität. Fördern Sie Ihre Kreativität, indem Sie neue Dinge erforschen und ausprobieren, und üben Sie konsequent, damit Ihr Stil Gestalt annehmen kann. Als Nächstes können wir endlich zeichnen. Wir werden anfangen, all diese Dinge, über die wir gesprochen haben, in die Praxis umzusetzen, angefangen mit einer Beobachtungsübung. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 6. Übung: Beobachtung: Lasst uns anfangen. Ich werde Ihnen erklären, wie ich mich der Beobachtungspraxis nähere, die ich in der letzten Lektion skizziert habe. Zur Erinnerung: Das Ziel ist es, mit aufmerksamen Augen zu beobachten, mit Integrität zu kopieren und mit Absicht zu kopieren. Meine Quelle der Inspiration ist dieses Chill Out Stück, erstellt von einer meiner Schriftzug-Freunde, Jane Wongjirad, besser bekannt als cottonwood312 auf Instagram. geboren in Thailand und in Chicago, Jane,geboren in Thailand und in Chicago,ist tagsüber Grafikdesignerin und liebt es, nach Stunden mit Schriftzug zu experimentieren. Sie ist sehr gut mit Skript-Schriftzug und zarten Blüten. Das kombiniert mit den satten dunklen Farben, die sie oft verwendet, verleiht ihrer Arbeit eine echte Eleganz, die ich liebe. Als ich dieses Stück zum ersten Mal sah, zog mich sofort in das ruhige, entspannte Gefühl, das es gab, was natürlich perfekt mit der Phrase, Chill Out funktioniert. Ich liebe die Mischung aus dem weichen Rosa mit den kräftigen geerdeten Farben. Der Schrift-Schriftzug ist präzise, fühlt sich aber dennoch entspannt und fast windgewegt mit dem Zusatz der subtilen Drop-Linie an. Ich bemerkte auch, dass Jane einen lockeren texturalen Stil verwendet hat, um die Blätter und Blumen zu färben, was die entspannte Stimmung des Stückes hinzufügt, und die Art, wie sie die Blumen mit den großen Blüten im Voraus und den kleineren Blüten überlagert den großen Blüten im Voraus und den kleineren Blüten überlagert im Hintergrund hilft wirklich, Dimension zu schaffen und zieht Sie in das Stück. Jane hat mir eine besondere Erlaubnis erteilt, ihr Kunstwerk für diese Klasse neu zu erstellen, und ich habe keine Absicht, die Kopie, die ich erstelle, auf irgendwelchen Plattformen neu zu veröffentlichen , online oder anderweitig. Dieser Teil der Übung dient ausschließlich der persönlichen Praxis. Keine Sorge, am Ende dieser Lektion stelle ich Ihnen Kunstwerke zur Verfügung, die Sie für Ihre Beobachtungspraxis verwenden können. Bitte, imitieren Sie Janes Kunstwerk nicht ohne Erlaubnis. Nun, ich werde versuchen, dieses Stück absichtlich neu zu erstellen, versuchen herauszufinden, wie es gemacht wurde und welche Entscheidungen getroffen wurden. Das erste, was ich merke, ist, dass der Schriftzug springt, er ist nicht auf einer geraden Grundlinie. Es gibt auch diese große Interaktion hier, wo das Wort Out einfach in den Raum versteckt, der von der Kurve von Chill übrig bleibt. Skript-Schriftzug ist für mich nicht wirklich leicht, also muss ich mich auf die Formen konzentrieren und herausfinden, wie diese Buchstabenformen strukturiert sind. Wie immer werde ich mit einer groben Skelettskizze beginnen nur damit ich die Platzierung herausfinden kann. Ich habe den Schriftzug runter, jetzt ist es Zeit für die Blumen. Diese beiden Stiele kurven sich leicht nach innen erzeugen fast einen Rahmen um den Schriftzug, also werde ich damit beginnen, diese zu positionieren, und dann werde ich einfach von dort aus ausfüllen. Meine Skizze scheint ungefähr richtig zu sein, also ist es jetzt Zeit für die Tinte. Das erste, was ich tun werde, ist nur mein Referenzfenster hier größer zu machen und verwenden Sie das Pipettenwerkzeug, um Farben innerhalb des Stückes auszuwählen , so dass ich die Palette erstellen kann. Lassen Sie mich meine Skizze ausschalten, und fangen Sie einfach an, Farben zu ziehen. Ich habe eine neue Palette erstellt und alle diese Farben für eine einfache Referenz gespeichert. Jetzt kann ich mit dem Freihanddruck beginnen, also werde ich hier die Deckkraft reduzieren eine neue Ebene starten. Mir ist aufgefallen, dass die Tinte auf dem Schriftzug hier wirklich knackig und sauber ist. Ich werde den Monolinpinsel verwenden, und dieser Schriftzug ist in der braunen Farbe, also werde ich das wählen. Also Janes Schriftzug enthielt auch ein Inline-Detail und eine wirklich subtile Drop-Linien, also werde ich diese als nächstes hinzufügen. Jetzt, im Gegensatz zu dem schön knackigen Schriftzug, ist die Tinte für die Blumen sehr locker. Es hat eine Menge Textur. Es ist wie eine trockene Tinte Textur, also denke ich, dass ich einen Pinsel aus diesem Trockentexturen-Set verwenden werde, und ich werde einen Link im Ressourcenbereich hinzufügen, wo ich diesen Pinselsatz gekauft habe. Die dicke trockene Bürste sollte hier gut funktionieren, also werde ich dieses dunkelblaue wählen, was Jane für alle Blätter und Stiele verwendet hat, und ich werde nur dieses schön und locker halten, weil all die Unvollkommenheiten wirklich hinzufügen, um die Textur. Nicht sicher, wie gut Sie es auf dem Bildschirm sehen können, aber da ist es, etwas hellere blaue Linien und Details in jedem Blatt. Also werde ich das jetzt hinzufügen. Für die Blumen denke ich, dass der beste Weg, um sie zu nähern, ist es, Schichten von Textur zu bauen. Also werde ich mit einem großen losen Strichen für die Blütenblätter beginnen und dann von dort gehen, und dann gibt es auch diese kleinen kleinen gelben Punkte in Janes Stück. Also füge ich diese auch zu jeder der Blumen hinzu. Nun habe ich bei meiner aufmerksamen Beobachtung bemerkt , dass ich eigentlich nicht bemerkt habe, als ich dieses Stück zum ersten Mal betrachtete, waren diese Ton-in-Ton-Blätter im Hintergrund. Sie sind subtil, aber sie tragen wirklich zur Tiefe des Stückes bei. Also füge ich diese hinzu und erledige alle verbleibenden Details. Hier ist das Ergebnis. Es ist keine perfekte Replik, aber ich glaube, ich habe es geschafft, die Essenz von Janes Stück einzufangen. Was habe ich aus dieser Übung gelernt? Nun, ich habe diesen speziellen Stil der Skript-Schriftzüge noch nie ausprobiert, also half mir, zu verstehen, wie die Buchstabenformen strukturiert waren. Die Verwendung einer Drop-Linie, wie Jane es getan hat, ist eine gute Möglichkeit, Schriftzug subtile Bewegung hinzuzufügen, und das ist die Technik, die ich für zukünftige Projekte im Auge behalten werde. Der Ton in Ton Blätter im Hintergrund ist eine andere Technik, an die ich nie gedacht habe. Es ist ein Werkzeug, das ich möglicherweise auf ein anderes Stück auf eine etwas andere Weise implementieren könnte. Hier ist Ihr Auftrag. Ich habe dieses Stück für dich gezeichnet, um es neu zu erstellen. Wenn Sie digital arbeiten, steht Ihnen die JPEG-Datei im Ressourcenabschnitt zum Herunterladen und Importieren in Procreate zur Verfügung. So wie ich in dieser Lektion gezeigt habe, üben Sie mit aufmerksamen Augen beobachten, listet die Dinge auf, die Sie bemerken und die Dinge, die Sie an dem Stück mögen, dann kopieren Sie das Stück mit Absicht, achten Sie auf die Details und Entscheidungen getroffen. auch daran, mit Integrität zu kopieren, bitte teilen Sie Ihre kopierte Version nicht online, als ob es sich um Ihr eigenes Kunstwerk handelt. Diese Übung ist ausschließlich für Ihre persönliche Praxis in dieser Klasse. Sobald Sie erfahrener geworden sind, dieser Imitationsschritt nicht notwendig sein. Je mehr Sie üben, desto nahtloser und intuitiver wird dieser Prozess. Aber im Moment ist es eine gute Möglichkeit, den Beobachtungsmuskel aufzubauen, vor allem, wenn Sie ein Anfänger sind. Als Nächstes werden wir das noch weiter vorantreiben. Ich werde Wege erforschen, die Stimmung und Details von Janes Stück neu zu interpretieren, und ich gebe dir eine Aufgabe, das gleiche mit meinem Stück zu tun. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 7. Übung: Entdeckung: der Beobachtungsaufgabe in der letzten Lektion ging es darum, nach außen zu schauen, kreativen Entscheidungen eines anderen zu untersuchen. Jetzt, da wir all diese Details aufgenommen haben, ist es an der Zeit, nach innen zu schauen, erkunden und zu versuchen, aus Ihrem eigenen kreativen Tresor zu ziehen. Das Ziel ist es, Teile von sich selbst in die Arbeit zu bringen. Beginnen Sie, indem Sie die Notizen, die Sie in den letzten beiden Zuweisungen gemacht haben, erneut aufrufen. Dies sind die Highlights, die ich aus meinen visuellen Eingangsnotizen gezogen habe. Die Eingänge, die ich erkenne und verbinde, sind Farbe, Natur , Gelassenheit, sauber, präzise, grafische Arbeit und Bewegung. Hier ist, was ich aus meinen Beobachtungsnotizen hervorgehoben habe, als ich Janes Stück studierte, der Schriftzug Stil war entspannt, aber immer noch knackig und raffiniert. Ich habe auch festgestellt, dass Textur und Dimension. Mein Ziel ist es, dieses Stück neu zu interpretieren diese Dinge im Auge zu behalten. Ich möchte die entspannte, aber raffinierte Atmosphäre und die Textur und Dimension von Janes Stück behalten. Aber ich möchte die Dinge integrieren, die mit mir zusammenkommen, wie Farbe, Bewegung und präzise, grafische Qualität. Der logischste Startpunkt ist mit dem Schriftzug. Ich möchte nicht genau den gleichen Skriptstil verwenden, aber ich möchte das gleiche lässige und entspannte Gefühl behalten. Ich werde versuchen, gekühlte Großbuchstaben Schriftzug Stil. Übrigens, dieser breite Pinsel, mit dem ich skizziere, ist der Block Bleistiftpinsel von Cynlop Ink. Cynthia war freundlich genug, meinen Schülern einen Gutscheincode für ihren Shop anzubieten, also werde ich den Link und den Code im Ressourcenbereich für Sie belassen. Ich mag die Art und Weise, wie das Wort heraus in diese Kurve gesteckt wird, die durch Chill erzeugt wird, und die Art, wie die Querstange des T auch perfekt in diese kleine Ecke passt. Ich versuche, das gleiche Gefühl in diesen Schriftzug zu bringen. Also habe ich ein L in die Form des anderen gesteckt. Diese kleine Kurve, die das L hier macht, schien wie ein großartiger Ort für die Querstange dieses T. Ich denke eigentlich , ich kann auch dieses O das Gefühl geben, als wäre es in diesem Raum ein bisschen mehr versteckt. Nun, wie wir in der letzten Lektion gesehen haben, gibt es eine schöne subtile Drop-Linie, die in diesem Schriftzug verwendet wird. Ich werde keine Drop-Linie machen, aber ich denke, ich werde stattdessen einen Schlagschatten verwenden. Jetzt für die Blumen, Ich mag viel Bewegung in meinen Blumen, also anstatt sie an der Unterseite der Leinwand zu verankern, denke ich, ich werde sie um den Schriftzug zu haben. Ich werde die Blätter groß halten, wie Jane es tat, aber ich werde Formen verwenden, die mir natürlichere kommen. Das wird eine andere Möglichkeit sein, meine Arbeit von ihrer zu trennen. In der letzten Lektion haben wir darüber gesprochen, wie die Blätter hier geschichtet sind, um dem Stück mehr Dimension zu verleihen . Ich werde eine kleine Dimension hinzufügen, indem einige meiner Blätter den Schriftzug überlappen. Natürlich möchte ich die Lesbarkeit nicht beeinträchtigen, also werde ich sie nur kleine Bereiche der Buchstaben abdecken lassen , damit wir immer noch alles lesen können. Ich bin zufrieden mit dem Layout und ich fühle mich wie es sieht anders aus als Janes Stück. Ich werde diese Referenz schließen und jetzt kann ich zur Farbe übergehen. In ihrem Stück kombinierte Jane diese wirklich weichen Töne mit wirklich tief gegrundenen Farben. Ich neige dazu, weiche Töne mit gesättigteren Farben zu kombinieren, also werde ich diese Palette ein wenig auf etwas verschieben , das sich ein bisschen mehr wie ich anfühlt. Ich werde definitiv dieses Rosa und diese Koralle behalten, aber ich möchte dieses Blau etwas aufhellen. Ich möchte auch eine Lavendelfarbe behalten, aber ich wollte ein wenig leichter und vielleicht sogar ein wenig mehr rosa darin sein, und ich denke eigentlich, dass ich auch eine schöne Pflaumenfarbe hinzufügen möchte. Für einen weiteren Farbton, denke ich, ich werde dieses tiefe Rot aufhellen. Ich habe alle Farben angepasst, die ich anpassen wollte, und ich habe ein paar zusätzliche Optionen für Schattierung und Highlights usw. hinzugefügt . Jetzt, da meine Farben alle eingestellt sind, kann ich anfangen zu färben. Übrigens, wenn die Farbauswahl eine Herausforderung für Sie ist, habe ich ein paar hilfreiche Ressourcen. Für eine schnelle Lösung können Sie sich für meine einmal im Monat E-Mail-Newsletter anmelden, um Zugang zu meinem Archiv von Paletten zu erhalten, ich werde einen Link in die Ressourcen einfügen, oder Sie können meine Farbpaletten Klasse nehmen, um zu lernen, wie Sie Paletten erstellen eigene. Wenn Sie jemals meine Zeitraffer-Videos auf Instagram gesehen haben, werden Sie wissen, dass ich normalerweise zuerst schwarz Tinte, es ist nur eine persönliche Präferenz. Wenn Sie möchten, können Sie meine Live-Zugabe Klasse überprüfen, um eine Dankeschön für eine Erklärung zu veranschaulichen, wie ich mich auf diese Weise mit dem Inking nähere. Nun, ich möchte nicht die gleichen Verzierungen wie Jane verwenden, anstatt eine Inline zu machen. Ich denke, ich werde jeden dieser Buchstaben skizzieren. Ich denke, das wird diesen entspannten Buchstabenformen ein ähnliches poliertes Gefühl verleihen. Ich habe gerade eine Clipping-Maske über die lila Buchstaben gemacht. Auf diese Weise kann ich einfach reingehen und die Umrisse erstellen, ohne sich Gedanken darüber zu machen, in der Form zu bleiben. Nun, für die Blätter und Blüten, anstatt mit einem sehr strukturierten Pinsel zu beginnen, wie ich es in der Beobachtungsübung getan habe; Ich werde mit meist sauberen Formen beginnen und danach Textur hinzufügen. Ich mag es, einige subtile Schattierungen in meinen Blättern hinzuzufügen, also werde ich hier meinen Gouache-Shaderpinsel verwenden. Ich lasse einen Link im Ressourcenbereich, wo ich diesen Pinsel bekommen habe. Hier ist das Endergebnis. Wie Sie sehen können, obwohl mein letztes Stück stark von Janes Arbeit inspiriert war, sehen die beiden nichts Ähnliches aus. Nach der Beobachtungsaufgabe und Imitationspraxis sollten Sie nun mit diesem Kunstwerk vertraut sein. Jetzt ist es Zeit, sich zu dehnen und zu sehen, wie Sie mein Stück neu interpretieren können. Um klar zu sein, ist das Ziel nicht, mein Stück zu kopieren, ein oder zwei Details zu ändern, dann nennen Sie es Ihre eigenen; versuchen Sie, weiter zu schieben, das Layout zu ändern, den Stil der Briefformulare oder versuchen Sie es etwas anderes mit den Blumen. Der Punkt ist, zu experimentieren und mehr von sich selbst hinein zu bringen. Wenn Sie neu beim Zeichnen von Blumen sind, beobachten Sie meinen Spaß mit Blumen Klasse, wo ich den Prozess aufschlüsseln und Ihnen zeigen, wie Sie Ihre eigenen fantasievollen Blüten erstellen können oder Sie können die Blumen durch etwas ersetzen, das Sie fühlen komfortabler zeichnen. Denken Sie daran, obwohl mein Kunstwerk als Inspiration dient, sollte Ihr fertiges Stück nicht wie meins aussehen. Ich habe ein paar meiner Schriftzug-Freunde gebeten, sich an dieser Übung anzuschließen, also haben sie dieses Stück auch in ihrem eigenen Stil gezeichnet. Jane und ich tauschten Plätze ein, und diesmal hat sie mein Kunstwerk neu interpretiert und es zu sich selbst gemacht. Wie Sie sehen können, haben wir sowohl Blumen als auch ähnliche Paletten eingearbeitet, aber das Kunstwerk ist ganz anders. Janes Fähigkeit mit Skript-Schriftzug scheint hier wirklich. Ich liebte die Art und Weise, wie sie die Worte zeichnete, Selbstliebe. Es gab eine Verbindung zwischen S und L in meinem Stück. Jane hat diese Verbindung neu interpretiert, indem sie diese wunderschöne Ligatur zwischen ihrem S und L kreiert hat, anstatt die Buchstaben überlappen zu lassen, wie ich es getan habe. Während mein Stück eine quadratische Form schafft, hat sich Jane für mehr von einem kreisförmigen Layout entschieden. Dieses Kunstwerk steht eindeutig für Janes schönen Stil. Nun, hier ist ein weiterer Stilvergleich. Cynthia Lopez ist ein weiterer meiner Schriftzug Freunde. Ich erwähnte ihre benutzerdefinierten Procreate-Pinsel früher in der Lektion. Es gibt eine einfache, mühelose Qualität in Cynthias Arbeit. Sie enthält oft große kühne Blüten mit ihrem Schriftzug, die sich von den dunklen Hintergründen abheben, die sie oft verwendet. Eine weitere Visitenkarte von Cynthias Arbeit ist die Art und Weise, wie sie mit Textur spielt. In Cynthias Version des Self Love Club-Stücks verwendete sie ihre charakteristische dunkle Palette und ihren lässigen Drehbuchstil. Sie beschloss, das Format von quadratisch zu vertikal zu ändern und sie hat viele von der leckeren Textur, die sie dafür bekannt ist, aufgenommen. Das ist zu 100 Prozent Cynthias Stil. Wie Sie sehen können, gibt es verschiedene Möglichkeiten, das Kunstwerk neu zu interpretieren. Denken Sie daran, in Ihre Eingaben zu tippen und versuchen Sie, Ihre Einflüsse neu zu mischen , um etwas zu finden, das Sie repräsentiert. Als nächstes werden wir uns ein paar Möglichkeiten ansehen, um Struktur rund um Ihre Praxis zu erstellen, einschließlich eines lustigen Bonusprojekts. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 8. Konsequentes Üben: Nun, da du an ein paar Stücken gearbeitet hast und etwas Übung unter deinem Gürtel hast, lass uns die Dynamik weitermachen. Konsistente Praxis ist, wo Fortschritt wirklich zu geschehen beginnt. Um Ihnen dabei zu helfen, Struktur rund um Ihre Praxis aufzubauen, habe ich für Sie eine Bonuszuweisung in Form einer fünftägigen Mini-Zeichnungsherausforderung eingerichtet. Hier ist, wie es funktioniert. Ich habe fünf Schriftzüge erstellt, die Sie als Inspiration verwenden können. Ihre Aufgabe ist es, jedes Stück in Ihrem eigenen aufstrebenden Stil neu zu interpretieren. Da die Phrase für das Hauptklasse-Projekt Self-Love Club war, setzen wir dieses Selbst-Care-Thema fort, so wie Sie sehen können, ist jede Phrase in irgendeiner Weise mit der Selbstversorgung verbunden. Sie werden auch feststellen, dass sich die Komplexität des Artworks mit jedem Tag der Herausforderung ändert. Das erste Stück ist ziemlich einfach mit nur einem Wort und einem minimalen Layout, während das fünfte Stück detaillierter ist, lassen Sie sich aber nicht einschüchtern. Es ist vollkommen in Ordnung, wenn Sie zum fünften Teil kommen und Sie sich immer noch nicht sicher genug fühlen, um ein komplexeres Layout anzugehen. Vereinfachen Sie es, machen Sie es für Sie funktioniert. Schließlich geht es hier darum, Ihre persönliche Ästhetik zu erschließen. Obwohl ich es eine fünftägige Herausforderung nenne, gibt es wirklich keine zeitliche Begrenzung. Egal, ob es fünf Tage oder fünf Wochen dauert, um die Herausforderung abzuschließen, gehen Sie einfach in Ihrem eigenen Tempo. Ziel ist es einfach, konsequent zu sein und bis zum Ende des Projekts eine Sammlung von fünf fertigen Stücken zu haben . Die Aufforderungen und Inspirationsgrafik für diese Bonusherausforderung finden Sie im PDF-Handbuch der Klasse , den Sie im Ressourcenbereich herunterladen können. Es gibt zwei Möglichkeiten, diese Herausforderung anzugehen. Sie können entweder visuelle Eingabeaufforderungen oder Eingabeaufforderungen verwenden. Der visuelle Ansatz ist im Wesentlichen das, was wir in der ganzen Klasse getan haben. Ähnlich wie das, was Jane und Cynthia getan haben, würden Sie mein Kunstwerk als Inspiration verwenden, aber Sie werden neue Themen erforschen und ausprobieren, so dass Ihr Stück nicht einfach eine Nachbildung dessen ist, was ich erstellt habe. Natürlich, wenn es hilfreich ist, können Sie zuerst mit den Beobachtungs- und Imitationsübungen beginnen, solange Sie mit Absicht und Integrität nachahmen, wie wir es besprochen haben. Aber hören Sie nicht auf, schieben Sie weiter und versuchen Sie, das Kunstwerk neu zu interpretieren. Wenn Sie etwas mehr Erfahrung mit Schriftzug haben und sich mit dem Prozess des Remixens von Ideen vertraut machen , können Sie meine Beispiele beiseite legen und einfach die Liste der Wortaufforderungen verwenden, um Ihre Praxis zu leiten. Ich habe tatsächlich ein paar zusätzliche Sätze für den Fall dass Sie das Projekt über die fünf Tage hinaus verlängern möchten. Mit dem Wort prompt Ansatz, lesen Sie jede Phrase und sehen Sie, welche Bilder oder Konzepte es für Sie zaubert. Sie haben völlige Freiheit mit diesem Ansatz. Wieder einmal habe ich mich auf meine Schriftzug-Freunde verlassen, um Ihnen ein paar Beispiele zu geben. Wie Sie sehen können, haben sie alle völlig unterschiedliche konzeptionelle Ansätze zu der gleichen Phrase genommen . Sonia Stil ist einfach und grafisch, und sie enthält in der Regel süße Charakter-Illustrationen, um zu helfen, jede Nachricht, die sie ist Schriftzug. Getreu der Form nahm Sonia eine sehr phantasievolle und grafische Herangehensweise an die Prompt. Sie hat die Worte Selbstliebe in ein Herz eingearbeitet, und die Buchstaben zeigen ein Bild von einer ihrer Signaturfiguren. Es ist fast so, als ob der Charakter durch ein Selbst-Liebes-Fenster schaut. Jetzt ist Roselly-Stil mutig, bunt und fließend. Sie ist sehr gut darin, Illustration mit Schriftzug in einer Weise zu kombinieren , die Sie in die Komposition hineinzieht. In ihrem Stück bilden die Stängel der Blumen eine Herzform und verwandeln sich nahtlos in Hände, die ein Herz wiegen. Auch hier ist das Wort, das in den Sinn kommt, fließend, weil alle Elemente so schön zusammenfließen. Das ist Kevin Adams Arbeit. Sein unverkennbares Design umfasst kühne, dreidimensionale und sehr detaillierte Schriftzüge mit einem kleinen Retro-Pop-Art-Film. Kevins Interpretation der Phrase ist genau das, was ich über seinen Stil kennengelernt und geliebt habe. Es ist grafisch, fett und gefüllt mit eleganten Details. Ich kann es kaum erwarten zu sehen, wie Sie sich diesen Aufforderungen nähern. Bitte teilen Sie Ihre fertige Serie in der Projektgalerie, und wenn Sie eines Ihrer Stücke auf Instagram posten, achten Sie darauf, mich zu markieren, damit ich Ihre Arbeit sehen kann. Als Nächstes werden wir darüber sprechen, wie Sie Ihre Arbeit überprüfen und prüfen können, sobald Sie das Projekt abgeschlossen haben. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 9. Projektprüfung: Früher in der Klasse habe ich darüber gesprochen, Ihr eigenes Kunstaudit durchzuführen, um die von Ihnen geschaffene Arbeit zu beobachten und Bilanz zu ziehen. Ich ermutige Sie, eine dieser Audits durchzuführen, nachdem Sie die fünftägige Herausforderung beendet haben. Überprüfen Sie Ihr Kunstwerk aus der Herausforderung einzeln und als Gruppe stellen Sie sich dann diese Fragen. Welches Stück magst du am meisten? Welches Stück haben Sie am liebsten kreiert? Siehst du wiederkehrende Themen oder Elemente? Fühlt sich die Kollektion zusammenhängend oder unzusammenhängend an? Wenn du es nochmal tun würdest, was würdest du ändern? Um absichtlich Schritte zu unternehmen, um Ihren Stil zu fixieren, sollten Sie Folgendes in Betracht ziehen. Unabhängig davon, welches Stück Ihnen am meisten gefallen hat, vielleicht versuchen Sie, mehr von diesem Ding zu tun oder verwenden Sie dieses Stück als Ihre eigene Inspiration, die sich vorwärts bewegt. Für das Stück, das Sie wirklich genossen haben, denken Sie darüber nach, was es angenehm gemacht hat. Vielleicht integrieren Sie mehr davon in Ihre Arbeit. Schließlich wird die Entwicklung eines Stils mühelos, wenn Sie genießen, was Sie tun. Wenn Sie wiederkehrende Designs sehen, solange diese wiederkehrenden Elemente ursprünglich für Sie sind, könnte dies ein Indikator für Ihren neu entstehenden Stil sein. Wenn sich Ihr Projekt unzusammenhängend anfühlt, ist das okay. Es bedeutet nur, dass du noch in der Explorationsphase bist. Denken Sie darüber nach, wie Sie möglicherweise ein Signaturelement in Ihre Arbeit bringen könnten. Wenn sich Ihre Sammlung zusammenhängend anfühlt, dann ist das unglaublich. Es bedeutet, dass Sie auf dem besten Weg sind, einen charakteristischen Stil zu haben. Denken Sie darüber nach, was Sie verbessern können, und achten Sie darauf diese Änderungen in Ihrem nächsten Stück vorzunehmen. Sich bewusst zu verbessern ist der einzige Weg, um erfolgreich Ihre Fähigkeiten zu verbessern und sich näher an die Entwicklung Ihres eigenen Stils zu bringen. Denken Sie daran, dass es sich um einen sich ständig weiterentwickelnden Prozess handelt nicht alle nach nur einer Herausforderung anklickt. Aber dieses Selbstaudit wird Ihnen definitiv helfen, ein wenig schneller dorthin zu kommen. 10. Vielen Dank: Vielen Dank, dass Sie diese Klasse besucht haben. Ich hoffe, dass es Ihnen ein paar neue Erkenntnisse und neue Wege gegeben hat, über die Entwicklung Ihres Stils nachzudenken. Natürlich wird diese Klasse nicht alle Frustrationen und wachsenden Schmerzen beseitigen, um Ihre künstlerische Ästhetik zu finden, aber ich hoffe, es wird Ihnen eine praktische Roadmap geben folgen können, wenn Sie auf dieser Reise beginnen. Denken Sie daran, dass jeder Weg anders ist. Sie könnten sich auf mehr als einen Stil hinausziehen oder sogar zu dem Schluss kommen , dass Sie sich nicht auf einen bestimmten Stil beschränken wollen. Alle Optionen sind gültig. Du bist der Künstler, also kannst du dich entscheiden. Bitte vergessen Sie nicht, Ihre Arbeit in der Projektgalerie zu teilen. Manchmal kann es schwierig sein, Ihre eigene Arbeit objektiv zu sehen, daher gebe ich Ihnen gerne eine Außenperspektive und ermutige Sie, das Gleiche auch für Ihre Mitschüler zu tun. Vergessen Sie auch nicht, mich @IAMGIAGRAHAM zu markieren, wenn Sie Ihre Projekte auf Instagram posten. Wenn Sie diesen Kurs genossen haben, würde ich es lieben, wenn Sie eine Rezension hinterlassen würden. Ihre Bewertungen haben mir nicht nur geholfen, meine Kurse zu verbessern, sondern auch potenziellen Studenten zu wissen, was sie erwarten. Außerdem können Sie auf die Schaltfläche „Folgen“ klicken, damit Sie benachrichtigt werden, wenn ich eine neue Klasse poste. Wie immer war es eine Freude, diesen kreativen Raum mit Ihnen zu teilen und ich freue mich darauf, Sie in der nächsten Klasse zu sehen. 11. BONUS! Interview mit Brooke Glaser: Hi nochmal. Ich hab ein bisschen Leckerbissen für dich. Viele von Ihnen kennen vielleicht schon Brooke Glaser, die hier auf Skillshare eine Top-Lehrerin ist. Jetzt hat Brooke auch eine Klasse darüber, deinen Stil zu finden. In dieser Bonusstunde werde ich mit ihr über ihre Herangehensweise an das Thema sprechen. Wenn Sie Brooke noch nicht kennen, ist sie Illustratorin und Oberflächendesignerin. Ihre Arbeit findet sich an Orten wie Target und an Produkten wie Kinderbekleidung, Grußkarten, Geschenkverpackungen und vielem mehr. Brooke hat dazu beigetragen, dass fast 200.000 Künstler sowohl ihre Kunst ihre kreative Karriere mit Kursen zu Themen wie Zeichnen und Lebensunterhalt als Künstler verbessern können. Hey, Brooke, es ist schön dich zu sehen. Vielen Dank, dass Sie sich uns angeschlossen haben, um einige Ihrer Einblicke in die Stilentwicklung zu teilen . Meine erste Frage an Sie ist, wie nähern Sie sich der Entwicklung Ihres einzigartigen Kunststils? Für mich geht es bei Style um mehr als nur darum , wie Ihre Kunst aussieht, natürlich geht es um die Stimmung das Gefühl und die Themen, die Sie verwenden. Es ist schön zu untersuchen, okay, was sind die Dinge, die ich in meiner Kunst zeigen möchte? Ich denke, dass das so ist wie ein Geschäftsmann oder Skater; es ist nicht nur das, was sie tragen, sondern auch der Slang, den sie benutzen, oder die Sprache, die sie benutzen, oder die Musik, die sie hören, oder die Orte, an die sie gehen. Aber obwohl diese Dinge wichtig sind, ist es wirklich die Art und Weise, wie Ihre Kunst aussieht, die Grundlage, der wichtigste Teil der Entwicklung Ihres Stils. Zu diesem Zweck untersuche ich meinen Stil gerne durch die Linse der Elemente der Kunst. Du hast wie, wie zeichnet man Formen? Wie zeichnet man Linien? Wie benutzt man Farbe? Es gibt tatsächlich verschiedene Möglichkeiten , wie Sie sich diesen nähern können. Wenn wir beispielsweise über die Elemente von Kunst und Form sprechen , können Sie entweder Dinge in einem geometrischen oder organischen Stil zeichnen , oder Sie können eine Variation zwischen diesen beiden machen. In meiner Klasse verwende ich ein Beispiel dafür, wie wir einen Pilz zeichnen. Wenn Sie den Pilz haben, kann die Spitze des Pilzes wie ein perfekter Halbkreis sein , und das ist eine sehr geometrische Art, Formen darzustellen. Vielleicht sind die Kreise auf diesem Pilz perfekte Kreise, vielleicht haben Sie sogar die Schattierung von der Spitze des Pilzes bis zur Aktie, vielleicht hat von der Spitze des Pilzes bis zur Aktie, diese Schattierung die Form eines tatsächlichen Dreiecks, und das ist ein sehr geometrischer Zeichnungsstil. Während, wenn Sie eine organische Zeichnung machen, dies möglicherweise eher eine realistische Zeichnung der Formen und es ist klumpig und holprig und nicht glatt, es ist eine sehr organische Art, dies anzugehen. Natürlich gibt es eine unendliche Vielfalt an Möglichkeiten, Formen zwischen organisch und geometrisch zu zeichnen , aber es ist diese Praxis, okay, wie komme ich zu diesen wichtigen Details von was eigentlich geht sind die Elemente, aus denen meine Kunst besteht und wie kann ich mit diesen Elementen spielen? Eine andere Art, dies zu betrachten, ist beispielsweise , wenn man sich Linien in Cartoons anschaut. Die Art und Weise, wie ein Marvel-Comic gezeichnet werden könnte, unterscheidet sich möglicherweise völlig von den Zeilen im Anime oder in Calvin und Hobbes. Sie könnten eine völlig solide, dicke gerade Linie haben , die sehr dick gezeichnet ist, oder Sie haben wirklich skizzenhafte Linien, die von einem Ende zum anderen verjüngen. Mein Ansatz in der Klasse besteht darin, diese verschiedenen Wege zu untersuchen, die Sie zeichnen können , und wie bringen Sie das, was Sie mögen, in Ihre eigene Kunst ein? Richtig. Ja, ich liebe diesen Ansatz, weil er so praxisnah und praktisch ist. Es ist eine großartige Möglichkeit, sogar zu mischen und zu kombinieren und herauszufinden , was bei Ihnen ankommt und was am meisten mit Ihnen spricht. Ja. Jetzt konzentriert sich Ihre Klasse sehr auf Illustrationen. Viele meiner Schüler sind Schriftkünstler oder kombinieren Schriftzüge mit ihren Illustrationen Haben Sie konkrete Einblicke Entwicklung von Stil speziell für Schriftsteller? Ja, total. Ich denke der wichtigste Teil für uns ist das Verständnis der Grundlagen des Schriftzugs, und natürlich haben Sie viele großartige Kurse dazu. Sobald Sie die Grundlagen verstanden haben, können Sie anfangen zu experimentieren und zu erforschen und Ihre eigene einzigartige Aufnahme zu nehmen. Wenn ich einen Schriftzug zeichne, ist der große Teil davon das Erstellen von Formularen und wie erstelle ich Schattierungen? Zum Beispiel verwenden Sie diesen schönen Self-Love-Club-Schriftzug Schüler in Ihrer Klasse nachahmen können. Sie haben diese wirklich schöne, sehr fein festgelegte Abstufung. Das schafft, wo sich die Buchstabenformen kreuzen, es erzeugt eine Schattierung, so dass Sie sehen können: „Hey, Teil davon ist vor dem anderen“, das ist die Schattierung. In diesem Fall ist eine Möglichkeit, damit zu experimentieren, dass Sie nehmen können, anstatt eine sehr feine Steifigkeit zu verwenden, Sie könnten vielleicht Linienarbeiten machen, Sie könnten schraffieren oder kreuzen, Sie könnten machen Sie eine völlig andere Art von Textur, Sie könnten nur einen festen Block verwenden sodass Sie einen festen Farbblock haben, wo sich die Buchstabenformen treffen, anstatt eine Abstufung zu haben, um diesen Formsinn zu erzeugen , einen festen Farbblock haben, der besagt “ Okay, hier ist was vorne ist und hier ist was dahinter steckt.“ Es untersucht wieder diese wirklich düsteren Details darüber, woraus die Elemente aus dem bestehen, woraus Ihre Kunst besteht und wie verändert dies das Aussehen dessen, was Sie zeichnen. Das verstehe ich total und stimme Ihnen zu, weil diese Entscheidungen wirklich einen großen Unterschied darin machen können , wie das Stück insgesamt ausfällt. Es ist schön, diese isoliert zu untersuchen und zu sagen: „Okay, konzentrieren wir uns einfach auf die Form und die Art und Weise, wie wir die Form schattieren, konzentrieren wir uns einfach auf die Farbe.“ Aber am Ende mischen sich all diese Dinge und sie sind nicht von selbst isoliert, es gibt immer eine Textur in der Farbe, naja, fast immer, oder es gibt einen Mangel an Textur, was auch eine absichtliche Wahl ist. Aber hoffentlich können wir diese in meiner Klasse einzeln untersuchen und dann sehen, können wir diese in meiner Klasse einzeln untersuchen und dann sehen wie sie sich alle zusammenfügen. Aber ja, es sind all diese winzigen kleinen Spuren, die Sie in Ihrem Schriftzug machen, die Ihren Schriftzug einzigartig machen. Ich liebe es, dass Sie in Ihrer Klasse auf diese Detailgenauigkeit eingehen , weil es ein perfekter Übergang für meine Schüler ist, von dieser Klasse zu Ihrem zu wechseln , weil sie die allgemeinen Vorschläge machen können , die ich habe bieten Sie an und gehen Sie dann in die echten Details Ihrer Klasse ein, mit Techniken und wie Sie verschiedene Dinge und verschiedene Arten ausprobieren können, sich einem Stück zu verschiedene Dinge und verschiedene Arten nähern. Das liebe ich. Was an dem Unterschied zwischen unseren Kursen interessant war , ist, dass ich meinen Kurs beginne und sagte: „Hey, du musst wirklich darauf achten , was andere Künstler tun, denn ja, du kannst darauf einsteigen Kleinigkeiten, aber Sie müssen wirklich sehen, was andere Künstler tun, um das zu verstehen.“ Ich denke, dass Ihre Klasse wirklich eine gute Perspektive darauf gibt : „So sehen Sie sich an, was andere Leute tun, und so integrieren Sie es in das, was Sie tun.“ Weil es viel besser ist auf den Schultern der Riesen um dich herum aufzubauen, ist das wahrscheinlich nicht dasselbe, aber du lernst von den erstaunlichen Menschen um dich herum und baust darauf auf, was sie tun. Ich denke, das ist eine wirklich großartige Möglichkeit , sich der Kunst zu nähern. Das ist wirklich ein großartiger Übergang zu meiner nächsten Frage, denn ein Teil der Entwicklung Ihres Stils besteht darin, andere Künstler zu beobachten, und Sie sprechen darüber in Ihrer Klasse und ich spreche auch in dieser Klasse darüber. Aber die Herausforderung beim Betrachten anderer Künstler besteht darin, dass man in diesen gefürchteten Fluch des Vergleichs geraten könnte, und es ist manchmal leicht zu fühlen, als könnten wir nicht mit den Künstlern, die wir bewundern, diesen Giganten, die von dem du gesprochen hast. Wie nähert man sich dem Vergleich oder geht damit um? Ja. Das ist so groß und auch so eine große Sache. Ich denke, dass der Vergleich ein zweischneidiges Schwert ist , weil der Vergleich wirklich gut sein kann. Wenn der Vergleich gut ist, inspiriert es dich zu sein, ich liebe was diese Person tut. Ich möchte das, was ich mache, nivellieren. Ich möchte etwas Neues ausprobieren. Ich möchte tun, was ich besser kann. Das ist, wenn der Vergleich gut ist. Aber es ist nicht so gut, wenn du stecken bleibst, und wenn du das Gefühl hast, werde ich mich nie messen. Ich werde nie so gut sein können wie diese Person. Das ist sehr einfach für mich, überwältigt und eingeschüchtert zu werden, und das ist wirklich schwer. Ich wünschte, ich könnte sagen, oh, nun, wenn du ein bestimmtes Level erreicht hast, wird das verschwinden und du wirst die ganze Zeit absolut zuversichtlich sein . Nie. Aber das stimmt meiner Erfahrung nach nicht. Es stimmt meiner Erfahrung nach nicht, es stimmt bei vielen Künstlern nicht , dass ich weiß, auf welcher Ebene sie sind. Sie lernen und streben immer von anderen Menschen und der Vergleich ist Teil dieses Territoriums. Ich habe eine ganze Handvoll Wege entwickelt. Ich bin sicherlich kein Experte im Umgang mit Vergleichen, aber ich habe viele verschiedene Möglichkeiten entwickelt, damit umzugehen. Ich rede von einem ganzen Haufen in der Klasse. Aber ein paar von ihnen würde ich sagen, dass ich auf passiven Konsum achte, und wenn ich an passiven Konsum denke, denke ich an passiven und aktiven Konsum. Es gibt einen Unterschied zwischen, du scrollst nur auf Instagram oder im Internet und du siehst nur dieses Zeug und du hast das Gefühl, dass ich nicht gut bin, du fängst plötzlich an, dich schlecht zu fühlen dich selbst. Der Unterschied zwischen keinem aktiven Konsum besteht darin, dass Sie diesen Vergleich aktiv in Aktion nutzen und etwas damit machen. Wenn du aktiv herausfinden willst, wie zeichne ich einen Wasserfall wirklich gut, und so gehst du und schaust dir an, wie anderer Künstler einen Wasserfall zeichnet. Weil du dich im Aktionsmodus befindest. Nun, weil ich im Aktionsmodus bin, sollte ich sagen, mir viel leichter zu sagen, dass ich finde, was diese Person macht inspirierend und ich werde versuchen, diese Art zu zeichnen, fallende Linien, Fallen zu imitieren wasser. Weil ich aktiv bin, hilft mir das nicht, dieses Gefühl des Vergleichs zu spüren. Wenn ich nur passiv bin, nur etwas sehe und nichts tue , fühle ich mich viel schlimmer. Ja. Diese Absicht in den Vergleich bringen. Ja. Ich glaube, du sprichst über die Zombie-Schriftrolle. Ja. In deiner Klasse. Nicht gut. Ja, genau das war's. Was du beschreibst, ist genau die Zombie-Schriftrolle, du gehst und gehst und gehst, aber du bist nicht beabsichtigt Arbeit anderer Leute zu betrachten. Eigentlich denke ich, dass es fair ist, wir alle brauchen Zeit für eine Zombie-Schriftrolle, wir sind alle Menschen. Wir brauchen Zeit, um uns auf der Couch zu entspannen und uns zu vermehren und nichts zu tun. Was ich fand, ist wirklich nützlich für mich, um mir zu helfen, diese Vergleichsfalle zu vermeiden, ist Inspiration in Medien zu finden , die sich von dem unterscheiden, was ich mache. Ich meine nicht oh, ich muss Musik und Podcasts hören. Ich meine, ich lasse mich immer noch von visuellen Medien inspirieren. Für mich spiele ich gerne Videospiele oder lasse mich von der Innenarchitektur oder von Filmen inspirieren. Dies sind Dinge, von denen ich mich direkt visuell inspirieren lasse, weil ich Landschaften zeichne und gerne Interior Design zeichne. Aber der Unterschied hier ist, dass ich denke, der Grund dafür, dass dies für mich so gut funktioniert und mir hilft, nicht zu spüren, dass ein Vergleichssinn darin besteht, dass die Erfolgsmaße für einen Studio Ghibli-Film vielleicht sind es ist ein Oscar und ich versuche nicht, mich für einen Oscar zu entscheiden, also vergleiche ich mich nicht mit dieser atemberaubenden Animationsarbeit. Ich vergleiche mich wahrscheinlich eher einem anderen Illustrator, der sich für dieselben Kunden entscheidet oder wer ist, ich schaue mir meine Instagram-Likes an und vergleiche jemand anderen, der mehr hat mag mich und dadurch fühle ich mich schlecht. Wenn ich mir Medien ansehe, die unterschiedliche Erfolgsmessungen und das ein bisschen anders ist, ist es für mich immer noch nützlich, aber anders als das, was ich tue. Das ist hilfreich für mich. Ich mag, worüber Sie gesagt haben, wenn Sie eins zu eins wie einen anderen Illustrator vergleichen eins zu eins wie einen anderen Illustrator , der sehr ähnliche Arbeit macht, dann erhöht das Gefühl von Vergleich und Wettbewerb wirklich . Aber man kann sich immer noch einen anderen bildenden Künstler ansehen. Aber wenn sie etwas anderes als du machen, ist das eine großartige Möglichkeit, dich dennoch inspirieren zu lassen , ohne diesen Knoten im Bauchgefühl zu haben. Ja, ich denke, das ist eine großartige Möglichkeit, es anzugehen. Ja. Ich beschäftige mich mit viel mehr Techniken, aber ich denke, die dritte, die ich vielleicht einfach hier verlassen würde , ist, dass ich mich gerne mit mir selbst vergleiche. Ich glaube, Sie haben darüber gesprochen , ein Audit von sich selbst durchzuführen. Wenn ich für mich auf die Arbeit zurückblicke, die ich vor einem Jahr, vor zwei Jahren, drei Jahren, geleistet habe einem Jahr, vor zwei Jahren, , kann ich sehr stolz auf das Wachstum sein, das ich als Künstler gemacht habe. Ja. ersetze diese Emotion, dass ich nicht da bin und sage: Hey, ich laufe hier mein eigenes Rennen und das ist der Fortschritt, den ich für mich mache. Hilft mir wenigstens. Absolut. Zentriere meine Vision noch einmal, ändere wenigstens diese Emotion, damit ich nicht das Gefühl habe, dass ich nicht messen kann ich bin wie, nein. Ja. Ich habe einige Fortschritte gemacht. Ja. Ich liebe es, dass du dein eigenes Rennen führst. Das ist es absolut. Niemand kann sagen, wie schnell es gehen soll, wie langsam es gehen soll, welcher Form es sein sollte, weil es dein Rennen ist. Ich meine, ehrlich gesagt, du darfst das wahrscheinlich nicht einmal sagen, das Leben nimmt seine eigenen Bedingungen und du tust, was du kannst, aber du hast zunächst nicht viel Kontrolle über das Rennen. Das stimmt so. Guter Punkt. Ja. Nun, vielen Dank, Brooke. Ein großes Dankeschön an Brooke, dass sie sich uns angeschlossen und ihre Perspektive geteilt hat. Schauen Sie sich unbedingt ihre Klasse an, die „Find Your Style: ein umsetzbarer Leitfaden zur Entwicklung Ihres Illustrationsstils“ heißt . Wenn Sie dies noch nicht tun, folgen Sie Brooke unbedingt hier auf Skillshare, damit Sie immer dann benachrichtigt werden, wenn sie eine neue Klasse veröffentlicht. Wir sehen uns bald wieder hier. Lass es uns noch einmal machen. Ja. 1, 2, 3. ich eingefroren? Kannst du mich jetzt hören? Ja. Nein, du bist eingefroren. Versuchen wir es noch einmal. Ich kann nicht sagen, ob du gefroren bist oder ob du redest.