Finde deinen Stil: Ein praktischer Leitfaden zur Entwicklung deines Illustrationsstils | Brooke Glaser | Skillshare
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Finde deinen Stil: Ein praktischer Leitfaden zur Entwicklung deines Illustrationsstils

teacher avatar Brooke Glaser, Illustrator

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Einheiten dieses Kurses

    • 1.

      Finde deinen Stil: Ein praktischer Leitfaden zur Entwicklung deines Illustrationsstils

      1:32

    • 2.

      Kursübersicht

      2:57

    • 3.

      Künstlerische Inspiration

      2:30

    • 4.

      Masterstudien

      9:14

    • 5.

      Die Stilelemente

      2:09

    • 6.

      Formen und Stil

      9:23

    • 7.

      Farbe und Stil

      10:58

    • 8.

      Linie und Stil

      9:52

    • 9.

      Textur und Stil

      10:32

    • 10.

      Form und Stil

      13:21

    • 11.

      Deine Stilanleitung/Identifiziere deinen aktuellen Stil

      11:38

    • 12.

      DTIYS: Erstelle deine Reihe

      4:50

    • 13.

      Gewinne ein Jahr bei Skillshare

      1:06

    • 14.

      Künstlerische Stimme

      2:35

    • 15.

      Mit Vergleichen umgehen

      10:20

    • 16.

      In mehreren Stilen arbeiten

      5:49

    • 17.

      Kohärenz und Entscheidung für deinen Stil

      8:02

    • 18.

      Bonus: Stilberatung mit Gia Graham

      10:11

    • 19.

      Abschließende Hinweise

      1:27

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

9.215

Teilnehmer:innen

247

Projekte

Über diesen Kurs

Ein unterhaltsamer, praktischer Leitfaden, der dir mit konkreten Zeichenprojekten hilft, deinen Illustrationsstil zu finden. Entdecke die verschiedenen Möglichkeiten, Formen, Linien, Texturen und Farben zu zeichnen. Entwickle deinen einzigartigen Kunststil schneller!

Der traditionelle Ratschlag, um als Künstler seinen Stil zu finden, lautet: „Zeichne massenweise, irgendwann wird sich dein Stil herauskristallisieren.“ Na ja, du kannst natürlich wahllos jede Menge Dinge zeichnen und du wirst bestimmt irgendwann einen Stil finden. Ich habe jedoch die Erfahrung gemacht, dass gezieltes Üben die Entwicklung meines visuellen Stils dramatisch beschleunigt hat. Lass uns also deinen Illustrationsstil schneller finden!

Mein Name ist Brooke Glaser. Ich bin professioneller Illustrator und Top Teacher auf Skillshare. Ich habe über 100.000 Menschen wir dir geholfen, sowohl ihre Kunst als auch ihre kreative Karriere voranzubringen. Du findest meine Kunst auf Kinderkleidung, Grußkarten, Geschenkpapier, Zeitschriften und mehr.

In diesem Stil-Kurs werden wir verschiedene Möglichkeiten des visuellen Ausdrucks von Formen, Linien, Texturen und Farben näher betrachten. Du weißt schon, all diese visuellen Elemente, du zusammen Kunst ergeben. Wir lernen von Künstlern, die du bewunderst, indem wir das, was du an ihrer Arbeit schätzt, in deine eigenen Werke integrieren, aber auf eine Weise, die einzigartig für dich ist. Am Ende des Kurses hast du 4 Illustrationen in deinem brandneuen Stil fertiggestellt.


Für alle, die wie ich an dem Shiny Object-Syndrom leiden, und immer auf der Suche nach einem neuen Stil sind? Wir besprechen Folgendes:

  • Möglichkeiten, in verschiedenen Stilen zu arbeiten
  • Kohärenz
  • Selbstvertrauen in deine Arbeit
  • Vergleiche und Strategien, wie man damit umgeht.

Dieser Kurs ist ein unterhaltsamer, praktischer Leitfaden, um deinen Stil zu finden.

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Transkripte

1. Finde deinen Stil: Ein praktischer Leitfaden zur Entwicklung deines Illustrationsstils: Lassen Sie uns Ihren einzigartigen Illustrationsstil schneller finden. Der traditionelle Rat, um Ihren Stil als Künstler zu finden, ist, ziehen Sie einfach Tonnen und Tonnen und schließlich wird Ihr Stil entstehen. Nun, Sie können ziellos eine Menge Zeug zeichnen und Sie werden schließlich auf einem Stil landen. Aber nach meiner Erfahrung hat die vorsätzliche gerichtete Praxis die Entwicklung meines visuellen Stils dramatisch beschleunigt. Mein Name ist Brooke Glaser. Ich bin ein professioneller Illustrator und ein Top-Lehrer auf Skillshare. Ich habe mehr als 100 Tausend Künstlern wie dir geholfen sowohl ihre Kunst als auch ihre kreativen Karrieren zu verbessern. Sie können meine Kunst auf Kinderkleidung, Grußkarten, Geschenkpapier Zeitschriften und vieles mehr zu finden. In dieser Stilklasse werden wir praktische Projekte durchführen, um verschiedene Möglichkeiten zu erforschen, Formen, Linien, Texturen, Farben und all jene visuellen Elemente visuell auszudrücken , die das bilden, wie Ihre Kunst tatsächlich aussieht. Wir lernen von Künstlern, die Sie bewundern, und finden Wege, um das, was Sie an ihrer Arbeit lieben, in Ihre eigenen zu integrieren, aber auf eine Art und Weise, die für Sie einzigartig ist. Du beendest die Klasse mit einer Reihe von vier Illustrationen in deinem brandneuen Stil. Für diejenigen von Ihnen, die mich mögen, die an einem glänzenden Objektsyndrom leiden und immer bestrebt sind, einen neuen Stil auszuprobieren, werden Möglichkeiten untersuchen, in mehreren Stilen zu arbeiten. Wir besprechen Konsistenz und Vertrauen in Ihre Arbeit. Wir werden über die sehr realen Kämpfe des Vergleichs sprechen denen wir alle als Künstler und Strategien für den Umgang damit konfrontiert sind. Dies ist ein lustiger, praktischer Leitfaden, um Ihren Illustrationsstil zu finden. Lasst uns loslegen. 2. Kursübersicht: Mein Partner, Dan hat gelernt, Gitarre zu spielen, und er erzählte mir eine Geschichte, die meiner Meinung nach perfekt damit zusammenhängt, deinen Stil als Künstler zu finden. Dan sagte mir, als er anfing Gitarre zu lernen, dass er nur nudeln würde. Noodling ist, wenn Sie einfach herumlaufen, ziellos auf Ihrer Gitarre herumspielen und es ist nichts falsch mit Nudeln. Es ist Teil der Freuden, Gitarre zu spielen. Aber Dan erzählte mir, was er hilfreicher fand, um tatsächlich zu lernen, wie man Gitarre spielt, war tatsächlich das Lernen von Waagen oder bestimmte Übungen , die ihm half, seine Finger zwischen den Noten zu strecken, oder Übungen, wo er absichtlich praktiziert bewegen seine Hände schnell zwischen verschiedenen Gerichten. Ein Großteil der Stilberatung, die ich höre, ist einfach: „Zeichnen Sie einfach eine Menge und Sie werden Ihren Stil finden.“ Das ist wahr. Sie können herumnudeln und eine Menge zeichnen und Sie werden schließlich Ihren Stil finden. Ich meine, es ist da und es wird rauskommen. Aber alternativ können Sie absichtlich daran arbeiten, Ihren Stil zu entwickeln, und die Chancen sind, dass Sie viel schneller Fortschritte machen werden, wenn Sie beabsichtigt sind, Ihren Stil zu entwickeln. Eine schnelle Definition hier. Was ist Stil? Stil ist die Art und Weise, wie Ihre Kunst aussieht. Stilisierung ist eine Abstraktion der Realität. Es ist, was Sie auslassen und was Sie in Ihre Illustrationen aufnehmen. Zum Beispiel können Sie alle Details eines Auges zeichnen oder Sie können es bis zu einem einzigen Punkt vereinfachen. Wir werden uns stark auf die externen visuellen Dinge konzentrieren , die Ihren Stil in dieser Klasse ausmachen. Aber es ist auch wichtig zu besprechen, dass Ihr künstlerischer Stil viel mehr ist als nur die Art, wie Ihre Kunst aussieht, auf die gleiche Weise, dass die Kleidung, die Sie tragen, nicht die gesamte Atmosphäre Ihres Stils als Person, wie ein Geschäft Person Stil ist mehr als nur ihr Anzug. Es ist, wie sie sprechen oder die Dinge, die sie tun. Was werden wir in dieser Klasse tun? Diese Klasse wird in ein paar verschiedene Abschnitte unterteilt werden. Zuerst lernen wir von Künstlern, die wir bewundern, und dann tauchen wir in eine Reihe von praktischen Erkundungen mit verschiedenen Möglichkeiten ein, Form, Farbe, Linie, Textur und Form darzustellen . Dann definieren wir unseren eigenen, einzigartigen visuellen Stil. Wir werden auch über künstlerische Stimme sprechen, Umgang mit Vergleich, Arbeit in mehreren Stilen und Konsistenz. Für wen ist diese Klasse? Dies ist eine Zwischenklasse. Wenn Sie ganz neu im Zeichnen sind, ermutige ich Sie sehr, einige meiner anderen Klassen zu überprüfen, wie zum Beispiel mein Zeichnen Klasse oder meine Farbtheorie Klasse. Es kann sehr schwierig sein, Ihren Stil zu finden, wenn Sie sich immer noch an das Zeichnen gewöhnen, wenn Sie mit einem brandneuen Pool oder Medium arbeiten oder wenn Sie nur eine Handvoll Kunstwerke gemacht haben. Sie können diese Klasse nützlicher finden wenn Sie ein wenig mehr Erfahrung unter Ihrem Gürtel haben. Wir alle beobachten Informationen jedoch auf unterschiedliche Weise. Sie können diese Informationen auch als brandneuer Anfänger-Künstler hilfreich finden. Ich werde alle meine Demonstrationen in der Fortbildung durchführen, aber die Ideen und Prinzipien können in jedes Medium übersetzt werden, mit dem Sie arbeiten. Wenn Sie sehen, wie ich etwas in der Fortbildung mache und Sie sich fragen: „Wie zum Teufel macht sie das?“ Ich empfehle dringend, meine Intro to Procreate Klasse zu überprüfen , wo ich alle Tools aufschlüssele. Aber genug Präambel. Lasst uns eintauchen. 3. Künstlerische Inspiration: Das wird Spaß machen. Um mit der Entwicklung des Kunststils zu beginnen, müssen wir Kunststile identifizieren, die angezogen wurden. Wir werden eine Handvoll Stücke von fünf verschiedenen Künstlern sammeln, die Sie bewundern. Sie können ein Pinterest-Board erstellen, eine gespeicherte Sammlung auf Instagram. Sie können sie in Photoshop oder Procreate auf einer Leinwand anordnen. Sie können sie ausdrucken und in ein Sammelalbum einfügen. Das können moderne Künstler sein, sie können alte berühmte Künstler sein, sie können dunkle Künstler sein, von denen niemand gehört hat. Sie müssen nur Künstler sein, die Ihnen ihre Kunst gefallen. Wir werden auf diese Stücke während der gesamten Klasse zurückgreifen vor allem während unserer praktischen Übungen. Für jeden Künstler möchte ich, dass Sie identifizieren, was ist es, dass Sie wirklich an ihrer Kunst mögen? Wenn du wie ich bist, denkst du nicht oft darüber nach, warum du etwas magst, du magst es einfach. Aber wenn du ein wunderschönes Stück siehst, sagst du einfach: „Oh mein Gott, ich liebe das.“ Das ist großartig, es ist instinktiv. Das ist ein Stück, das auf deinem Inspirationstafel gehört , aber wir wollen tiefer eintauchen warum wir diese Dinge mögen, mit denen wir anfangen können , diese in unsere Arbeit in den späteren Lektionen zu integrieren. Zum Beispiel, das ist mein Board. Ich liebe Geneva Bowers, auch bekannt als gdbee art. Ich liebe ihre Farben, ihr Gefühl von Licht in der Verwendung von Farbe, um Licht zu reflektieren. Ich liebe ihre Texturen, ihre Pinselstriche. Eine andere Künstlerin, die ich liebe, ist Brittany Lee und ich liebe ihre Komposition, den Fluss einer Form zur nächsten. Ich liebe David Sierra Liston. Hat einen so großen Kontrast. Ich liebe die Art und Weise, wie er Haare macht. Die Formen sind wirklich geometrisch, aber sie fühlen sich nicht so an, sie fühlen sich wirklich natürlich an. Joey Chou hat so große Verwendung von Farbe und Texturen. Er paart die Dinge auf die einfachste Form, um am meisten zu kommunizieren, aber dann stark texturiert es. Ich liebe Annalies Draws Werke. Sie verbindet die Dinge auf ihre einfachsten, faszinierendsten Aspekte und dann verwendet sie genau die richtige Menge an Details. Ihr Kontrast ist wirklich großartig. Wie die Farbe in den Details ist nur dunkel genug, um wirklich auf der Unterschicht der Farben, die sie verwendet. Ich liebe Lorena Alvarez' Arbeit. Sie hat eine große Verwendung von Farbe offensichtlich, aber sie hat auch wenig Details im Hintergrund, die Ihre Aufmerksamkeit behalten, aber nicht dominieren die Szene. Sie können wirklich ihre Stücke für eine lange Zeit betrachten und viele neue Dinge sehen. Erstellen Sie Ihr Moodboard und wenn Sie möchten können Sie einen Screenshot machen und diesen in Ihren Projekten teilen. 4. Masterstudien: Unsere erste Übung wird ein Masterstudium sein. Ich möchte, dass Sie ein Kunstwerk eines Künstlers nehmen, das Sie bewundern, und es neu erstellen. Vielleicht ist eines der Stücke, die Sie in der letzten Lektion recherchiert haben, ein Stück neu zu erstellen, das Sie bewundern die schnellste Abkürzung, um zu verstehen, wie Sie in diesem Stil erstellen können. Sie können sich ein Stück den ganzen Tag ansehen, aber ich garantiere, dass Sie viel mehr lernen, indem Sie es neu zeichnen. Es ist jedoch sehr wichtig, dass Sie wissen, dass dies eine private Praxis ist. Diese Bilder, diese Masterstudien, sind nicht für die öffentliche Weitergabe bestimmt. Sie sind herzlich eingeladen, diese in Ihrem Skillshare Projekt zu teilen, bitte geben Sie dem ursprünglichen Künstler streng als pädagogischen Teil dieser Klasse an. Aber ich gebe Ihnen jetzt eine Vorwarnung, das ist nicht etwas, was Sie in sozialen Medien oder in Ihrem Portfolio setzen sollten. Die Arbeit eines anderen Künstlers zu kopieren und es als Ihr eigenes zu beanspruchen, ist mehr als verpönt. Wenn Sie versucht haben, die Arbeit eines anderen Künstlers zu verkaufen oder davon zu profitieren, können Sie sogar rechtliche Schwierigkeiten bekommen. Die meisten Künstler fühlen sich vielleicht ein wenig widersprüchlich, wenn Sie sagen würden: „Hey, sieh mal, ich habe deine Arbeit kopiert.“ Dies ist eine private Praxis, aber als Lernübung ist dies eine verdammte fabelhafte Art zu lernen. Ich mache das in meinem privaten Skizzenbuch die ganze Zeit, und wenn es etwas ist, das Sie wirklich in sozialen Medien teilen möchten, versuchen Sie, eine Masterstudie von jemandem zu machen, die gemeinfrei ist. Wie ein berühmter Renaissancekünstler. Da ich das für die Klasse mache und es eine öffentliche Sache ist, werde ich ein Vincent van Gogh Stück für unsere Klasse verwenden. Sie sind willkommen, mit mir mit diesem Vincent van Gogh Stück zu folgen, aber ich ermutige Sie zu verwenden, was Künstler Sie bewundern, weil dies eine Stilklasse ist und Sie werden mehr über ihren Stil lernen, indem Sie ein Stück, das Sie tatsächlich von lernen wollen. Genug grausame Warnungen, ich möchte einige Tipps für die Annäherung an Ihr Masterstudium teilen. Kurze Story-Zeit, der erste Teil meiner kreativen Karriere war die Arbeit für Farbe in Studios. Ich wurde im Wesentlichen dafür bezahlt, Malerei zu üben. Es war erstaunlich, aber gelegentlich wusste ich nicht, welche Malerei ich unterrichten würde, bis ich in dieser Nacht ins Atelier ging und die Kunst zum ersten Mal sah. Ich habe eine Methode entwickelt, um sicherzustellen, dass ich die Klasse innerhalb eines zweistündigen Zeitrahmens behalten und trotzdem gute Ergebnisse erzielen kann. Hier finden Sie einige Tipps, wie Sie sich Ihrem Masterstudium nähern können. Erstens, sammeln Sie Ihre Farbpalette und entscheiden welche Pinsel oder Werkzeuge Sie benötigen, bevor Sie beginnen. Zweitens, beginnend mit einer groben Skizze hilft Ihnen, sich darauf zu konzentrieren, den Stil und die Technik richtig zu machen, anstatt sich Gedanken darüber zu machen, dass Sie die Formen richtig bekommen, am Anfang. Beginnen Sie mit einer Skizze. Drei, Gemälde haben oft eine Basisschicht der Farbe unter den Strichen, die Sie oben sehen können, so dass Sie für einige Gemälde, können Sie mit einer Basisschicht aus Farbe beginnen. Vier, bevor Sie beginnen, erstellen Sie eine mentale Roadmap. Wie willst du damit umgehen, dieses Stück zu machen? Wie hätten die Künstler dieses Werk geschaffen? In welcher Reihenfolge hätten sie dieses Stück gemalt? Hätten sie zuerst mit dem Hintergrund oder dem Hauptelement begonnen? Lass uns hineintauchen. Für dieses Van Gogh Stück werde ich das in Procreate rekrutieren, aber das Original wurde wahrscheinlich in Ölfarbe gemacht. Ich denke, er hat wahrscheinlich mit der Hintergrundfarbe von Grün angefangen, und dann hat er wahrscheinlich auch eine Untermalung von Blau für den Mantel und wahrscheinlich eine unterlackierte Farbe von vielleicht etwas Orange für die Haut gemacht. Das könnte etwas sein, was ich versuchen werde. Außerdem sieht es für mich so aus wie all diese Pinselstriche, sie sind sehr ähnlich groß. In seinem Gesicht und vor allem überall ist es die gleiche Größe. Es gibt einige größere Pinselstriche hier, und im Hintergrund gibt es auch einige größere verschiedene Pinsel. Ich denke, dass ich den gleichen Pinsel für das Porträt verwenden werde. Alle die gleiche Bürste, aber ein Pinsel, den ich die Größe anpassen kann. Wenn ich hier reinkomme, kann ich den Pinsel größer machen, und wenn ich in all diesen Bereichen arbeite, halte ich den Pinsel eine kleinere Größe, aber ich werde denselben Pinsel verwenden, um den gleichen Look zu erhalten. Wenn ich überlege, welche Bürste ich verwenden werde, merke ich, dass es einige Verjüngung zu diesen gibt, also möchte ich einen Pinsel, dass, wenn ich ein wenig mehr Druck verwende, ich es an den Rändern etwas dünner machen kann, besonders wie in diesen bärtigen Gebieten und ein bisschen dicker. Ich werde einen Pinsel verwenden, der mir erlaubt, einige dicke bis dünne Kanten zu haben , damit ich den Stil nachahmen kann. Ich werde mit einer schnellen Skizze beginnen und dann werde ich ein paar Unterlagenfarben einfügen. Ich merke hier, dass Van Gogh, als ich mit dem Bart beginne , viele Auf- und Abwärtsstriche benutzt, und er ist sehr absichtlich darüber, welche Richtung dieser Schlaganfall geht. Es zeigt wirklich die Kurve oder die Form des Bartes, es zeigt die Form der Form. Das ist wirklich wichtig, die Richtung, in der er seine Luken benutzt. Je weiter ich in dieses Bild komme, desto mehr merke ich, dass Van Gogh nicht immer Striche verwendet, manchmal benutzt er einen Umriss, wie im Mantel direkt an diesem Rand genau hier. Das kann ich auch hier im Auge sehen. Es gibt eine Linie um diesen Teil des Auges und hier gibt es auch eine Linie. Es ist nicht immer so, dass er diese gestrichelten Linien verwendet, manchmal verwendet er einen Umriss und die Frage ist, warum? Hat er einen Grund dafür? Für mich ist, was ich denke, dass der Umriss immer klar ist , an den Rändern von etwas, das vom Hintergrund getrennt werden muss, also ist es wahrscheinlich zu helfen, Elemente voneinander in einer wirklich eindeutigen, klaren Art und Weise getrennt zu halten . Die Linien im Nasenloch helfen wirklich, den Bart von der Nase zu trennen und das gleiche hier mit dem Auge, es hält wirklich das Auge getrennt von allen anderen Texturen im Gesicht und diese Falten hier drin. Ich denke, es ist wirklich für Definition gedacht, diese Umrisse. Ich denke, das ist etwas, das ich in meine eigene Kunst nehmen kann, wo ich möchte, dass die Ränder meiner Objekte wirklich klar sind, aber ich möchte, dass sie innen sehr stark strukturiert sind. Ich kann diese Aktion wirklich deutlich hier in der Schaltfläche sehen. Es ist hier abgerundet und fügt dann eine Diagonale auf der Innenseite hinzu. Ich merke, während ich den Bart schlage, dass der Blues oben auf dem Bart ist. Ich frage mich, ob er tatsächlich das Fell zuletzt gemacht hat und dann das Blau von seinem Pinsel verwendet hat, um weitere Details in den Bart hinzuzufügen. Die Reihenfolge, wie er Dinge angelegt hat, mag wichtig sein oder nicht, aber die Leute nähern sich den Dingen anders und vielleicht für mich, was ich tun kann, ist, dass ich versuchen kann, ein wenig Farbe aus Teilen des Gemäldes hinzuzufügen, die ich in unerwarteten Bereichen verwende oder Bereiche, die ich traditionell nicht einschließen würde. Weil ich das auch in der Haut sehe, gibt es sogar ein bisschen Grün vom Hintergrund in der Haut. Er benutzt verschiedene Striche auf dem Hintergrund, die er zu diesem Thema macht, also werde ich hier die Pinsel wechseln. Ich merke auch, dass die Hintergrundfarben alle gleich sind, die ich im Portraitteil verwendet habe. Ich denke, das Gelb hier könnte das gleiche Gelb sein wie die Knöpfe und der Schriftzug auf seinem Hut. Ich frage mich, ob er die zur gleichen Zeit gemalt hat , anstatt seine Bürste zu reinigen und die Farbe neu zu laden. Es kann sein, dass er diese zusätzlichen kleinen Details hinzugefügt, wie er malte. Vielleicht war das Gelb hier ein Nachdenken im Hintergrund. Vielleicht gilt das gleiche mit einem helleren und dunkleren grünen Strichen. Vielleicht fügte er sie im Hintergrund hinzu, kehrte dann zum Bart zurück und fügte hier ein bisschen mehr Farbe hinzu. Nachdem Sie Ihr Masterstudium beendet haben, würde ich vorschlagen, dass Sie sich fragen, was habe ich aus diesem Masterstudium gelernt? Was sind Lektionen, die ich in meinem nächsten Stück anwenden kann? Für mich war eine Sache, die ich bemerkte, als ich eine digitale Version dieses Ölgemäldes kreierte, eine Sache, die ich wirklich vermisste, war diese Mischung aus Farben zu haben, wie Sie hier sehen können. Mein Pinsel hat diese Farben nicht gemischt und gemischt. Für mich frage ich mich, ob ich mit der Farbdynamik vermasseln könnte und einen Pinsel erstellt haben , der den Farbton leicht verändert hat, je nachdem, wie viel Druck ich verwendet habe, oder wie viel Neigung ich verwendet habe. Wie könnte ich diese Idee eines Pinsels nachahmen, der vielleicht einen Haufen weißer Farbe hier hatte und sich mit dem nassen Blau vermischt hat. Vielleicht könnte ich mich mit den Opazitätseinstellungen auf meinem Pinsel verwirren, so dass je härter ich drücke, desto mehr Weiß kommt im Vergleich zu je weniger ich drücke desto weniger weiße Shows, so dass ich vielleicht sogar eine Farbmischung erstellen könnte. Mal sehen, wenn ich die Deckkraft hier anpasse, können Sie sehen, was ich meine. Ich drücke leicht da gegen hart hier und ich kann sehen, wie die Farbe durchkommt. Vielleicht ist das etwas, was ich tun könnte, um einen Pinsel zu bekommen , der nachahmt, was ich in diesem Gemälde mag. Wenn Sie wirklich Spaß am Masterstudium machen, eine Sache, die ich vorschlagen würde, dass Sie versuchen könnten, eine etwas fortgeschrittene Wendung dieser Übung zu machen und versuchen, eines Ihrer Stücke zu nehmen und es in einem anderen Stil zu zeichnen, wie ich tat hier mit dem Sonntag. Wir werden in diese Sonntage eintauchen und ein wenig, aber das war meine Version eines total Van Gogh's Stil Sonntag. 5. Die Stilelemente: Im nächsten Satz von Lektionen werden Sie versuchen, verschiedene Arten des Zeichnens in einer Vielzahl von Stilen zu erkunden . Wir werden mehr über die Elemente der Kunst lernen und wie wir Stile von Künstlern verwenden können , die Sie bewundern, um verschiedene Möglichkeiten zu erkunden, wie Sie Ihre eigene einzigartige Perspektive auf diese verschiedenen Elemente setzen können . Während wir das tun, möchte ich, dass Sie ein paar Dinge im Hinterkopf behalten. Als ich auf dem College war, arbeitete ich daran, eine Szene zu illustrieren und ich hatte wirklich zu kämpfen, wie ich meine Steine wie Felsen aussehen lassen und mein Professor schlug ein paar Bücher und Landschaftskünstler vor, die ich verwenden konnte, um einige Ideen, wie man Felsen zu zeichnen. Es hat mir den Verstand versaut, dass ich mir ansehen konnte, was andere Künstler tun, anstatt sich nur auf meine eigene Vorstellungskraft oder Beobachtung zu verlassen. Ich fühlte mich, als würde das irgendwie betrügen. Mein Professor schlug vor, mich von vielen Orten inspirieren zu lassen, und das habe ich im Laufe der Jahre getan. Ich habe mir angesehen, wie andere Künstler eine Vielzahl von Dingen repräsentieren, von vielen verschiedenen Künstlern ziehen. Ich nehme, was ich von ihnen sehen würde, und während ich es in meiner Arbeit angewendet habe, improvisierte und zwickte ich Dinge, um besser mit der Art zu passen, wie ich Dinge mache. Wenn Sie Ihre Referenzen erweitern, werden Sie bald eine völlig einzigartige Art haben alle Arten von Dingen darzustellen, weil Sie ein wenig Inspiration von hier und ein wenig Inspiration von dort und dieses Mischmash Frankenstein-Sache wird dein eigenes. Der Schlüssel ist, dass ich nicht alle Elemente des Stils eines Künstlers kopiere und ihn dann als meine eigenen bezeichne. Wenn Sie ein Papier schreiben, wenn Sie von einem Autor kopieren, wird es Plagiierung genannt, wenn Sie von mehreren kopieren, heißt es Forschung. Betrachten Sie dies genauso wie die Entwicklung Ihres Kunststils. Setzen Sie einige Ihrer eigenen Elemente hinein und Elemente von mehreren anderen Künstlern, machen es einzigartig. Wie Marie Kondo sagen würde, tun Sie, was Freude für Sie weckt. Du musst nicht die gleichen Entscheidungen treffen wie ich. Umarme die Dinge in den Stilen, in den Looks, die du liebst. Es ist okay, hässliche Arbeit zu machen. Denken Sie daran, dies ist eine Erkundung und ein Experiment. Es ist okay, hässliche Arbeit zu machen. Indem wir versuchen, etwas anders zu machen, entdecken wir manchmal, was wir nicht tun wollen. Dies ist der Wert, um hässliche Arbeit zu machen. Wir lernen, indem wir neue Dinge ausprobieren, auch wenn wir die Ergebnisse nicht mögen. 6. Formen und Stil: In dieser Lektion werden wir die Form besprechen, die sich auf den Stil bezieht, und die verschiedenen Möglichkeiten, wie wir uns beim Zeichnen unserer Formen nähern können. Nachdem wir einige Beispiele durchlaufen haben, versuchen wir eine praktische Übung, um es selbst auszuprobieren. Das erste Element, mit dem wir beginnen, ist Form. Wenn ich über Form spreche, spreche ich von den Konturen oder den Rändern eines Bildes. Zum Beispiel, in diesem Kakteen Bild, können Sie sehen, dass es die Form der Kakteen und dann gibt es die Form der Töpfe und im Inneren dieser Töpfe, sie haben auch kleine Details, und diese sind alle aus Formen. Manchmal besteht eine Form aus einer Sammlung anderer Formen. Zum Beispiel, in Vincent Van Goghs Sternennacht, all dieser Wirbel hier, besteht alles aus kleinen kleinen Strichen und das sind eigentlich auch Formen. Jedes dieser Elemente, sie kommen zusammen, um diese Form zu bilden. All diese kleinen Swooshes kommen auf und schaffen diese Form eines Wirbels am Himmel. Manchmal kreieren Künstler Formen aus der Abwesenheit von etwas, und das wird als negativer Raum bezeichnet. Zum Beispiel sind diese Geister tatsächlich aus leerer Leinwand und was tatsächlich ihren Umriss erzeugt, sind die Ränder der Bäume. Diese Geister werden durch die negativen Formen erzeugt, das Gegenteil. Dieser Baum ist die Form, aber die Kanten dieser Form sind, was diese billige des Geistes schaffen. Form ist überall. Es ist in Möbeln, es ist in der Architektur, es ist im Design über die Jahre. Nun können zwei Künstler das gleiche Objekt zeichnen und völlig unterschiedliche Formen der Formvermittlung nutzen. Das ist es, was wir in dieser Lektion untersuchen werden. Es gibt ein paar verschiedene Möglichkeiten, sich Form zu nähern. Sie können Shapes entweder geometrisch, organisch oder irgendwo dazwischen stilisiert machen. Geometrische Formen sind Kreise, Würfel, Dreiecke, Kegel, solche Sachen. Geometrische Formen sind oft mit künstlichen Gefühlen verbunden , weil sie sich künstlich anfühlen. Die meisten Dinge in der Natur sind nicht perfekt geometrisch, und organische Formen sind flüssiger. Sie sind nicht genau oder genau so, wie ein perfekter Kreis oder ein perfektes Quadrat ist. Zum Beispiel habe ich diese Pilze in einem sehr geometrischen Stil gezeichnet. Sie können sehen, dass alles an diesem Pilz geometrisch ist. Die Pilzspitze selbst besteht aus einem Halbkreis. Auch diese Schnitte in den Kanten sind sehr dreieckig, sie sind sehr gerade und perfekt. Selbst die Schattierung ist sehr geometrisch. Dies ist ein Beispiel für einen sehr geometrischen Stil des Zeichnens, während dieser Pilz viel natürlicher aussieht. Die Kanten sind hier nicht ganz präzise. Die Schattierung ist rauh an den Rändern. Es gibt sogar keine super klaren Linien. Es ist viel flüssiger, es ist viel natürlicher. Vielleicht würden einige Leute sagen, realistisch. Dieser Pilz ist irgendwo dazwischen. Die Kreise sind nicht perfekt. Sie sind ein bisschen rau an den Rändern. Die kleinen Kerben in den Pilzen sind auch nicht perfekt, aber es ist nicht realistisch. Es ist nicht völlig organisch. Es hat ein bisschen eine geometrische Form. Es ist nur, dass diese geometrischen Formen fließen statt wirklich sind super organisch in der Art, wie diese Pilze sind. Das ist irgendwo dazwischen. Was ich für unser Projekt tun möchte, ist, dass wir eine Handvoll von Möglichkeiten erkunden , diese Formen zu zeichnen, indem wir ein Foto dieser Eisbecher skizzieren, und Sie können eine Kopie davon auf der Registerkarte „Skillshare Ressourcen“ greifen. Ich ermutige Sie, eine Version einer sehr geometrischen Form, organische Formen, realistische Form und etwas dazwischen zu versuchen. Ich möchte auch, dass Sie auf den Künstler verweisen, den Sie zuvor recherchiert haben. Für diesen ersten werde ich eine wirklich realistische Version machen. Ich werde versuchen, diese Formen so realistisch wie möglich zu bekommen. Ich mache mir keine Sorgen darüber, meine Linien zu glätten oder sie super perfekt zu machen , weil ich möchte, dass dies sehr unvollkommen ist, dieser besondere Stil. Für diesen hier werde ich so geometrisch von Formen bleiben wie möglich. Ich werde eine gerade Seite bekommen, wie ich kann. Ich werde eine echte U-Form bekommen und ich werde auch die untere dreieckig halten. Für die Ebenen werde ich nur gerade Linien zeichnen. Ich mache sie in verschiedenen Höhen, damit wir hier etwas visuelles Interesse haben. Für die Schokoladentropfen werde ich sie wirklich in Dreiecksformen herabkommen lassen. Ich habe eine getan, die realistisch ist und eine, die sehr geometrisch ist , und ich werde versuchen, eine zu tun, die dazwischen ist. Ich werde das nur so zeichnen, wie ich es zeichnen würde. Ich werde nicht zu viel darüber nachdenken, ich werde es einfach zeichnen. Wichtig ist, dass ich die Formen zeichne, die ich bemerkt habe, und ich denke, dass sie interessant sind. Obwohl ich verschiedene Versionen des Zeichnens dieser Formen ausprobiere , ist dies immer noch mein Stil, weil ich zeichne, was mir auffällt. Möglicherweise bemerken Sie verschiedene Dinge, die Sie in diesem Eisbecher hervorheben möchten. Sie könnten einige der Dinge, die ich einschließe, völlig ignorieren. Dann schließlich werde ich einige der Künstler referenzieren , die ich wirklich bewundere ihre Formensprache. Ich möchte, dass du zurückgehst, schau dir die Künstler an, deren Formensprache du bewunderst. Zum Beispiel liebe ich die Art und Weise, wie David Sierra diese seltsame Perspektive macht. Er macht die, die Tassen und den Kuchen. Ich mag diesen seltsamen Winkel, und Sie können in den Picknickkorb oder eine Tasse sehen. Annaliesdraws macht auch das Gleiche. Ich liebe diesen Stil der Perspektive. Ich werde einen der Tassen mit dieser verzerrten Perspektive machen. Wir haben im Grunde nur Linien von Formen erstellt , und wir müssen diese tatsächlich füllen, um sie Formen zu machen. Dies bringt uns zum nächsten wichtigen Teil unserer Form, und das sind die Kanten unserer Formen. Schließlich sind es die Kanten, die die Form an erster Stelle definieren. Lassen Sie uns über ein paar verschiedene Möglichkeiten sprechen, wie Sie Kanten in Ihren Formen vermitteln können. Ich schaue mir ein Stück von Claude Monet an und seine Formen sind wirklich locker. Hier, anstatt dieses Kleid vollständig wie eine solide Form wie diese verbunden ist, ist es sehr locker. Wenn ich einen sehr malerischen Pinsel verwenden könnte , um eine lose Kante zu erzeugen, so dass es keine durchgehende Linie ist. Dann am anderen Ende des Spektrums verwendet Van Gogh hier manchmal eine solide Kontur. Sie können sehen, dass es einen schwarzen Umriss um den Rand des Hauses und an den Rändern der Hügel gibt, so dass er wirklich blockiert diese Formen. Im Vordergrund steht hier eine ernsthafte solide Definition für dieses schwarze Gebirgsding, wahrscheinlich Bäume. Es gibt eine sehr solide Kante zu dieser Linie. Natürlich können Sie die Art und Weise ändern, wie Sie Kanten Ihrer Formen in einem Stück zeichnen. Zum Beispiel habe ich in den Blättern hier oben eine wirklich unscharfe Kantenstruktur verwendet und eine ganz andere raue, feste Textur in den Linien des Stuckens an der Wand hier verwendet. Aber ich habe auch solide Umrisse auf der Innenseite der Tür verwendet , um die Formen innerhalb von dort zu erstellen. Ich ermutige Sie, hier ein paar verschiedene Arten auszuprobieren, um Ihre Formen auszufüllen. Ich werde dies wahrscheinlich mit einem wirklich soliden starken Umriss machen und vielleicht werde ich ein bisschen mehr von einer Textur damit machen und wir werden sehen, wie wir gehen. Aber eine Sache, die ich Ihnen mitteilen möchte , ist, dass ich hier nur einige schnelle Farbe absetze, und ich betone nicht über meine Farbauswahl weil wir in der nächsten Lektion über die Farbe gehen. Für diesen ersten Eisbecher kleben ich mit einem wirklich sauberen, knackigen Kanten. Ich fühle mich, als wäre das passend, denn es ist diese geometrische Tasse , die wirklich knackig und sauber ist und eine exakte Form. Für diesen zweiten Eisbecher werde ich meine Bürsten hier austauschen und nach einer weniger exakten perfekten Kante versuchen und stattdessen halte ich es ein bisschen rauer, ein bisschen strukturierter in diesem. Ich möchte, dass die Kanten meiner Formen immer noch deutlich sind, aber nicht perfekt, wie ich es mit dem geometrischen Becher getan habe. Nun, in diesem dritten Eisbecher, möchte ich, dass die Formen super rau sind, besonders die Innenseite der Eisbecher mit den Schichten. Ich möchte, dass alles zusammen blutet und nicht als unterschiedliche Formen bleibt. Ich werde eine völlig grobe Bürste verwenden, um dies zu tun, und ich werde die äußeren Kanten, wie die Seiten der Tasse, nur fest genug halten wie die Seiten der Tasse, , dass es klar genug ist, um zu sehen, dass die Form des Glases deutlich ist. Ich will nicht, dass es so verrückt ist, dass es überall ist. Schließlich, mit diesem letzten Eisbecher, werde ich nur einen Bleistiftpinsel verwenden und die Kanten präzise halten, aber mit einer wirklich schönen texturalen Kante, die es einen Blick gibt, als wäre es von einem Bleistift gezeichnet. 7. Farbe und Stil: In dieser Lektion werden wir zuerst eine Farbpalette auswählen und sie auf unsere Sonntage anwenden. Danach werden wir uns unsere Künstlerreferenz ansehen, um Inspiration für einzigartige Möglichkeiten, diese Farbe zu arrangieren und anzuwenden. Natürlich danach werden wir es mit unseren eigenen Sonntagen ausprobieren , aber ich könnte stundenlang über die Farbe weitermachen. Es gibt so viel zu besprechen. In der Tat habe ich eine Farbtheorie Klasse und eine Live-Zugabe wo ich Ihnen zeige, wie Sie eine gefundene Farbpalette, die Sie gefunden haben, an Ihre einzigartige Kunst anpassen. Wenn Sie viel tiefer in die Farbe eintauchen möchten, würde ich Ihnen empfehlen, diese beiden Klassen zu überprüfen. Aber in dieser Lektion werden wir uns an die Farbe halten, wie sie sich auf Stil bezieht. Wie verwendest du Farbe in deiner Kunst? Arbeiten Sie nur in Schwarz-Weiß oder einer begrenzten Farbpalette? Verwenden Sie oft die gleiche Farbpalette? Manchmal werden Ihre Farbauswahl durch das Medium erzwungen, in dem Sie erstellen. Banksy verwendet nur eine oder zwei Farben. Das ist die Natur der schnellen Graffiti-Schablonenarbeit. Es ist auch eine Einschränkung beim Siebdruck. Manchmal müssen Sie pro verwendeter Farbe bezahlen, im Gegensatz zu einem Digitaldruckverfahren, bei dem die Menge der Farben, die Sie verwenden können, nicht begrenzt ist. Manchmal beeinflusst das Medium, in dem Sie arbeiten , die Art und Weise, wie Sie Farbe in Ihrem Farbstil verwenden. Nun, wenn du wie ich bist, liebst du alle Farben im Regenbogen und es fühlt sich wirklich schwer für dich an, es zu koppeln, um nur ein paar zu wählen. Aber selbst wenn es sich anfühlt, als ob Sie alle Farben lieben, wette ich, dass es Farben gibt, die Sie mehr als andere angezogen werden. Lassen Sie uns eine Übung versuchen, um zu sehen, ob wir Ihre geheime Voreingenommenheit aufdecken und Ihren einzigartigen Farbstil definieren können . Wir machen ein Pinterest-Board und stellen einen Timer für 10 oder 15 Minuten. Ich möchte, dass du einfach durch dein Pinterest blättrierst oder nach Dingen suchst, die du interessiert bist. Jedesmal, wenn dir Farben erscheinen, möchte ich, dass du das auf deinem Pinterest-Board speicherst. Tolle Orte, um nach guter Farbinspiration zu suchen, ist Wohnkultur, Mode. Ich schaue mir gerne Gartenfotografie oder Lebensmittelfotografie an. All dies sind großartige Quellen, um frische Farbinspiration zu finden. Heck, Sie können sogar Farbtrends suchen und eine unterhaltsame Möglichkeit, das zu tun ist, nach Saison zu suchen. Sie können nach Herbstfarbtrends oder Frühlingsfarbtrends suchen. Wenn du ein aktiver Nutzer auf Pinterest bist, ermutige ich dich, alle deine gespeicherten Pins zu durchsuchen, denn das ist eine großartige Möglichkeit, zu sehen, zu welchen Farben du angezogen wirst, ohne darüber nachzudenken. Werfen wir nun einen Blick auf unser Pinterest-Board und sehen, ob es wieder auftretende Themen oder Farbpaletten gibt, zu denen wir immer wieder zurückkehren. Welche Muster bemerken Sie? Ich sehe, dass ich mich zu vielen dieser hellen Pastell-, Blau- und Gelb- und Rosa hingezogen bin , aber auch ich mag viele dunkle Pops da drin. Sie werden feststellen, dass viele meiner Farbpaletten mindestens eine dunkle Farbe drinist mindestens eine dunkle Farbe drin und ich denke, das folgt auch mit meinem Kunstwerk. Ich kreiere oft wie ein kleiner Pop von dunkler Farbe. Wenn Sie möchten, können Sie Ihre Farbinspiration mit uns teilen, indem einen Screenshot erstellen und ihn in Ihren Projekten teilen. Lassen Sie uns unsere Farbpalette Inspiration auf die Grundformen unserer Sonntage anwenden , die wir in der letzten Übung gezeichnet haben. Hier ist ein lustiger Tipp für die Procreate Benutzer. Wenn Sie einen Screenshot Ihrer bevorzugten Farbinspiration machen und dann Procreate öffnen, tippen Sie hier auf die Palette und tippen Sie auf diesen Plus-Button, können Sie tatsächlich eine Farbpalette aus Ihren Fotos erstellen. Wenn Sie auf „Von Fotos bekannt “ tippen, tippen Sie auf Ihre Inspiration. Es wird automatisch eine Farbpalette für Sie erstellt. Ich bin ein bisschen wählerisch. Ich mag in der Regel fallen die Farben, die ich speziell möchte, und natürlich, wenn Sie nicht über Procreate, wenn Sie Photoshop oder so etwas haben , werden Sie wollen Farbe fallen lassen diese, als auch. Sobald Sie sich für Ihre Farben entschieden haben, möchte ich, dass Sie herumspielen, um sie auf Ihre Sonntage anzuwenden. Ich bin glücklich mit der ursprünglichen Farbpalette, die ich erstellt habe, also werde ich dabei bleiben. Aber für Ihre Stücke sind Sie herzlich eingeladen, die verschiedenen Farbpaletten zu behalten , mit denen Sie experimentiert haben. Sie müssen nicht nur bei einer einfarbigen Farbpalette bleiben, das ist in Ordnung. Aber jetzt, da wir über die Auswahl von Farben gesprochen haben, die wir genießen, möchte ich über Arrangement sprechen und wie wir diese Farben anwenden. Ich möchte einen Blick auf unsere Künstler-Inspirationsstücke werfen und sehen, ob wir uns inspirieren lassen können. Sie können den Beispielen, die ich verwende, unbedingt folgen. Aber da dies eine Klasse über die Entwicklung Ihres einzigartigen Stils ist, empfehle ich Ihnen, die Künstler zu untersuchen, die Sie bewundern, damit Sie Ihre eigenen Farbentdeckungen machen einzigartig für das sind, was Sie angezogen wurden. Joey Chou macht diese erstaunliche Sache, wo er nicht lässt, dass etwas die gleiche Farbe bleibt. Er verwendet etwas andere Farbtöne. Wie im Ozean hier sieht man, dass es nicht nur ein hellblaues bis ein dunkelblaues Blau ist. Es ist eine Mischung aus Teals und Blues und mischen sich zusammen. Es ist das gleiche mit dem Boden hier. Sie können sehen, dass es eine Abstufung von Orange und Rot gibt. Er verwendet auch diese gestreiften Linien. Es ist kein fester Farbblock hier drin und dasselbe gilt für den Ozean. Es ist keine durchgehende Linie, die von blaugrün zu blau geht. Eigentlich sind sie gekrümmte, gewellte Linien. Geneva Bowers, auch bekannt als GDB Kunst macht wirklich Spaß Dinge mit Farbe auch. Sie fügt diese kleinen Funkeln auf die Haut des Mädchens. Was ich wirklich mag, ist, dass sie wirklich helle, mutig geformte Farblichter verwendet . Wenn ich hier einen Blick schaue, wirst du sehen, dass sie wie die Highlights hier drinnen wirklich dick sind, sie sind wirklich hell und sie sind nicht nur weiß. Da ist etwas Blau, da ist etwas Rosa. Es gibt viele verschiedene Farbspritzer, die ich liebe, wie hier im Haar gibt es diese wirklich mutigen Formen, um starken Kontrast und helle Highlights zu schaffen. Wie ich in meinem Meisterstudium sah, entlehnte Van Gogh Farbe aus verschiedenen Teilen des Gemäldes, so dass ein Bereich nie eine einfarbige Farbe war. Zum Beispiel benutzte er einen Teil des grünen Hintergrunds in seinem Bart, sowie einen Teil des Blaus aus seinem Mantel im Bart. Es ist nicht nur eine einfarbige Farbe, viele und viele Farben aus der ganzen Palette gemischt. Gehen wir zurück zu unseren Sonntagen und sehen, ob wir uns von diesen Farbbeispielen inspirieren lassen können. Nun, ich möchte einen Schlüssel dazu machen, Inspiration von anderen Künstlern hier zu nehmen. Ich treffe nicht alle meine stilistischen Entscheidungen vom selben Künstler. Ich vermische sie, versuche meine eigene Meinung über das, was sie tun, ändere es ein bisschen. Denken Sie daran, als Sie in der Highschool waren, wenn Sie jemanden mit dem coolsten Outfit sehen würden, würden Sie nicht am nächsten Tag in genau demselben Outfit zur Schule auftauchen , oder? Sie würden sich wahrscheinlich von ihrem Outfit inspirieren lassen. Vielleicht oben oder unten oder ein paar der Accessoires oder vielleicht würden Sie nicht das gleiche Outfit verwenden aber Sie würden etwas tragen, das einen ähnlichen Schnitt oder eine Farbe oder ein T-Shirt mit einer anderen lustigen Phrase hatte . Verwenden Sie mehrere Inspirationsquellen. Verlassen Sie sich nicht zu stark auf Inspiration aus einer Hand. Das erste, was ich versuchen möchte, ist eine Farbabstufung an diesem Sonntag hier. Ich will nicht, dass alles eine einfarbige Farbe hat. Ich werde vielleicht versuchen, den Kalligraphie-Stift, vielleicht die Blache-Farbe hier und sehen, wie es ist, Farbvariationen hier hinzuzufügen. Dann probieren Sie einfach verschiedene Dinge und verschiedene Farben hier aus und experimentieren Sie einfach. Versuchen Sie etwas Ähnliches in den Schichten hier oben. Persönlich möchte ich, dass dies sehr subtil ist. Vielleicht probiere ich ein paar verschiedene Farbtöne in diesem hier aus. Anstatt nur reinzukommen, möchte ich ein paar streifige Pinsel machen. Ich werde etwas im Bild ausprobieren und vielleicht werde ich diesen alten Pinsel hier benutzen. Ich könnte hier reinkommen und einfach ein helleres Rosa machen, aber ich denke, ich werde eigentlich ein bisschen orange damit gehen. Ich werde die Farbe hier rüber schieben. Ich denke, ich mache das gleiche mit diesem unteren Abschnitt hier unten. Nur ich gehe diese Zeit geradeaus. Vielleicht mache ich die Bürste etwas größer. Ja, das macht Spaß. Ich könnte auch ein bisschen auf der anderen Seite gehen. Wenn dieses Pfirsichrot hier ist, komme ich vielleicht. Ich gehe ein bisschen auf die orangefarbene Seite, vielleicht gehe ich auch ein bisschen auf die kleine Seite. Ich denke, ich will, dass es wirklich subtil ist. Vielleicht mache ich das Rosa etwas heller. Ich finde, das sieht cool aus. Eine andere Sache, die ich tun könnte, ist, einen glatteren Farbverlauf zwischen diesem dunkleren Rosa hier und dem helleren Rosa hier oben zu schaffen . Bringen Sie ein wenig Leichtigkeit zurück Ende, um es streaky zu halten. Ich finde, das sieht cool aus. Sie haben das Gefühl, dass das Eis oder die Sahne oder die Milch oder was auch immer von hier und hier zusammen schmelzen. Ich werde nur weitermachen und das auf verschiedenen Bereichen dieses Stückes fortsetzen. Ich will nicht alles behalten, was ich versuche, sondern nur verschiedene Experimente ausprobieren. Ich werde auch ein paar leichtere Streifen in der Schokolade probieren. Ich denke, ich bin wirklich glücklich mit der Art und Weise, wie das hier kommt. Für dieses Stück, ich denke, ich habe die Ölfarben Pinsel verwendet. Ich werde darauf zurückgehen, und ich werde versuchen, einige der Farben, die ich in verschiedenen Teilen des Gemäldes habe, in unerwartete Bereiche zu mischen . Zum Beispiel, vielleicht nehme ich etwas von dem Blaugrün und dem Stiel hier und bringe es in den Becher. Vielleicht werde ich sogar ein bisschen hier runterlegen. Cool, und ich könnte auch versuchen, hier oben etwas Rosa in die Creme zu legen. Vielleicht füge ich sogar ein bisschen Lila hinzu, also ist das ein wenig dunkel für meinen Geschmack. Ich denke, ich werde es wirklich subtil in der Creme halten. Ich kann sogar etwas in den Cookie hinzufügen. Vielleicht füge ich etwas Rosa in den Keks. Ich denke, das ist viel mehr eine interessante Verwendung von Farbe in all diesen Stücken, eigentlich. Ich freue mich, zum nächsten Teil weiterzumachen. 8. Linie und Stil: In dieser Lektion werden wir die Linienarbeit abdecken und untersuchen, wie verschiedene Möglichkeiten zum Zeichnen von Linien das Gefühl und den Stil unserer Arbeit beeinflussen können und verschiedene Möglichkeiten zum Anwenden unserer Linien. Natürlich tauchen wir dann in die Anwendung, die auf unsere Sonntage. Lassen Sie uns über die stilistischen Qualitäten der Linie gehen. Linien können wie Punkte oder Bindestriche impliziert werden, oder sie können vollständige Linien sein. Zum Beispiel können sie wie die gepunkteten Linien hier drin impliziert werden. Die Linien hier sind ebenfalls impliziert und die Linien hier sind impliziert. Sie können auch unterschiedliche Dicke haben. In diesem Beispiel ist die Linie dicker und dünner und dicker und dünner. Linien können auch gezackt sein, so dass sie sehr strukturiert sein könnten oder sie könnten wirklich glatt sein, wie diese sind eigentlich ziemlich glatt. Sie können auch texturiert werden, wie in der Linienqualität selbst, Sie können sehen, diese ist schwach und in sehr strukturiert. Es ist auch wichtig zu beachten, dass Linien eine emotionale Qualität haben. Dicke Linien und zarte Linien erzeugen unterschiedliche Gefühle. Die Dicke einer Linie, wir haben wirklich dünne Linien im Stoff hier, kann ein wirklich empfindliches Gefühl erzeugen, während wir hier einige dickere Linien haben. Wenn ich etwas zeichne, das sehr dünn ist, kann das sich viel leichter und zarter anfühlen im Vergleich zu etwas, das sehr klobig ist. Linien können den ganzen Weg durch das gleiche Gewicht haben. Wie die Enden hier sind etwa die gleichen auf beiden Seiten, oder Linien können verjüngt werden und das bedeutet, dass sie von dünn bis dick zu bekommen. Sie können sehen, dass in Aktion hier, beginnt die Linie sehr dünn und sie wird dicker, das ist eine konische Linie. Die Form der Linien ist ebenfalls wichtig. In der Natur verursachen scharfe, scharfe Linien Schmerzen, sie sind oft wie Dornen oder ein kurzes Stück Glas. Scharfe, harte, gezackte Linien können ein gefährlicheres, kantiges oder finsteres Gefühl erzeugen. Zum Beispiel, in diesem Stück von Edward Gorey, diese Zweige sind ziemlich scharf, sie sind spitz und greifen auf den Mann hier. Das ist ein gutes Beispiel für scharfe, kantige Linien, während glatte Linien sich flüssig und sicher anfühlen können. Dies sind Linien, die oft verwendet werden, um etwas zu kommunizieren, das süß ist. Zum Beispiel können Sie in diesem Stück von Joey Chou sehen, dass diese Linien sehr ruhig und ruhig sind. Linien können je nachdem, wie Sie sie platzieren, ein Gefühl von Bewegung oder Bewegung erzeugen. Wiederholte Linien fühlen sich vorhersehbar an und schaffen einen Rhythmus, der sich beruhigend anfühlt. Natalia Kattraba verwendet exzellente Linienarbeit in ihren Stücken. Wenn wir diese Linien genau hier betrachten, werden sie auf eine wirklich vorhersehbare Weise wiederholt und das macht dieses Stück sehr beruhigend und beruhigend. Während in diesem Stück die Linien viel unberechenbarer sind, springen sie in verschiedene Richtungen heraus, so dass ein Gefühl von Unordnung oder Chaos entsteht. Aber es ist nicht nur, wie vorhersehbar oder wiederholt die Linien sind, sondern auch die Richtung, in der die Linien gezeichnet werden. Horizontale Linien geben uns ein Gefühl von Stabilität, sie geben uns, wo die Horizontlinie ist, während vertikale Linien, und Sie können das sehen, wenn Sie genau hier schauen, gibt es einige sehr schwache Auswirkungen von Linien hier, , die uns ein Gefühl von Höhe gibt. Parallele Linien geben ein Gefühl von Bewegung oder Geschwindigkeit, und gekrümmte Linien können sich sehr organisch und friedlich anfühlen. Wenn wir uns die Linien genau hier ansehen, die Natalia genau dort gezogen hat, schaffen sie ein Gefühl von Bewegung im Haar. Sie können fast spüren, dass das Gefühl dieses Haares nur bewegt und vibriert. Sie können auch das Gleiche in den Wellen hier sagen, diese parallelen Linien erzeugen ein Gefühl von Bewegung. Zurück zu ihrem Stück mit den Zwillingskatzen, können wir sehen, dass Zick-Zack-Linien ein Gefühl von Angst oder Energie erzeugen, wie diese Formen genau hier. Diese Formen können sich wütend anfühlen. Vielleicht haben Sie die in der Mongowa gesehen, vielleicht gibt es einige wütende kleine Aufhellung Bolzen oder Stressspuren auf jemandem Gesicht. Schräge Linien erzeugen eine Spannung, sie erzeugen ein Gefühl der Bewegung in diese Richtung. Diese schrägen Linien lenken unser Auge auf den Charakter in der Mitte. Dasselbe geschieht mit diesen implizierten Linien, diesen kleinen gelben Strichen, die in beide Richtungen in Richtung des Charakters gehen. Alles kommt in Richtung des Charakters, also zieht es unser Auge nach innen. Ich möchte darauf hinweisen, dass all die emotionalen Qualitäten, die wir gerade besprochen haben, diese auch auf Formen und Linien angewendet werden können. Jetzt müssen wir besprechen, wo wir Linien platzieren? Wo platzieren wir unsere Linien? Linienarbeit kann entweder ein Umriss eines Shapes sein, oder es kann sich um Details innerhalb von Shapes handeln. Manchmal besteht das gesamte Stück aus Linienarbeit wie dieses Tattoo-Werk der Künstlerin Susa aus Suflanda. Konturlinien sind die äußeren Linien, die wir verwenden, um eine Form zu definieren. Sie haben die in Comics gesehen. Persönlich verwende ich Linie als Umriss sparsam stattdessen verlasse ich mich auf Volumenformen und Farben, um Elemente zu trennen. Zum Beispiel verwende ich im Brot hier keine Linienarbeit und Umrisse, um Trennung zwischen dem Hintergrund und dem Brot zu schaffen, aber ich benutze eine Zeile hier, um jeden Laib Brot voneinander zu trennen. Ich verwende Linie, wenn eine zusätzliche Definition benötigt wird, um eine Form zu definieren oder von anderen Hintergrundelementen zu trennen. Genug Theorie, lasst uns versuchen, mit verschiedenen Möglichkeiten zu experimentieren, um eine Linie zu zeichnen. Werden Sie Linien in einer dicken Konsistenz verwenden? Werden sie strukturiert und gebrochen? Werden sie dick oder dünn sein? Werden Sie hellere Farben verwenden? Verwenden Sie kontrastierende Farben wie einen anderen Farbumriss als das Objekt, das Sie gezeichnet haben? Oder wird es eine dunklere oder hellere Version der gleichen Farbe sein? Werden sie die Umrisse Ihrer Bilder definieren oder werden die einzigen Details zu Ihren Bildern hinzufügen? Ich werde damit beginnen, einen dicken bis dünnen Umriss am Rand dieser Tasse zu zeichnen. Ich möchte, dass es sich nach unten gewichtiger anfühlt, also werde ich es auf der Unterseite dicker machen. Jetzt möchte ich nicht, dass dieser Umriss so offensichtlich ist, also werde ich tatsächlich die Farbe so anpassen, dass sie den Rändern der Tasse entspricht. Ich werde es ein wenig dunkler machen, nicht genau die gleiche Farbe, damit Sie sagen können, dass dies ein Umriss ist. Ich werde eine durchgehende Linie erstellen, um einige tropfende Definition an den Rändern dieser Schokolade zu erstellen , denn im Moment fühlt es sich wie eine feste Linie Schokolade an, aber wenn ich einen Umriss um sie herum habe, ist es schafft das Gefühl von hey, diese sind getrennt, das sind individuell üppig und tropft von Schokolade. Ich könnte sogar das Gleiche entlang der Felge machen. Eine weitere lustige Sache, die ich tun könnte, ist ein leichteres Gefühl zu schaffen, indem ich eine Offsetlinie erstellt. Diese Konturen sind wirklich solide auf der Schokolade. Ich möchte, dass sich die Peitschencreme ein wenig leichter und zarter anfühlt, also werde ich vielleicht versuchen, eine Offsetlinie zu erstellen, die nicht vollständig ausgerichtet ist. Ich könnte auch mit Bewegung und Bewegung spielen, indem ich Linien kreiere , die dieses Gefühl dieser Bewegung wie eine Flüssigkeit erzeugen, oder es könnte einen kreisförmigen Wirbel erzeugen. Vielleicht könnte ich diese Kanten sogar wirklich betonen, indem ich sie abgerundet habe. Das gibt ihm viel Bewegung, das ganze Eis wirbelt zusammen. Ich möchte rauere, lockere Umrisse in diesem Stück verwenden , weil das ganze Gefühl sehr rau und locker ist. Ich werde einen anderen Pinsel verwenden. Ich werde den alten Pinsel benutzen, aber du kannst mit jedem Pinsel spielen, den du magst. Diese Linien sind überhaupt nicht solide, es ist sehr abgehackt und nur fast suggestiv als Umriss, nicht ganz da. Für dieses Stück möchte ich versuchen, mit einem Gefühl der Bewegung zu spielen, also werde ich nur versuchen, vielleicht einen Bleistiftpinsel. Ich kann einige wackelige Linien ausprobieren, so dass das Gefühl, dass der Cookie sich bewegt. Oder ich könnte einige Betonungslinien an der Spitze des Glases erstellen. Ich kann auch einige Linien verwenden, um die verschiedenen Ebenen hervorzuheben. Vielleicht werde ich hier eine hellere rosa Linie machen , um die Schokolade von der Erdbeere zu trennen. Vielleicht verwende ich hier eine dunklere Schokoladenlinie , die wirklich ein Gefühl der Unterscheidung zwischen den verschiedenen Schichten erzeugt. Vielleicht erstelle ich gerade Umrisse, um eine Kante um das Glas zu kreieren. Ich finde, das sieht cool aus. Ich freue mich, zum nächsten Teil weiterzumachen. 9. Textur und Stil: Gleich nach der Farbe ist die Textur eines meiner Lieblingselemente, mit denen man spielen kann. Textur ist das, was ein Kunstwerk so aussehen lässt, als könntest du es erreichen und den Frieden spüren, als wäre es greifbar. Wir können Textur in zwei Kategorien aufteilen: tatsächlich und impliziert. Implizierte Textur ist, wenn Sie etwas zeichnen, so dass es wie eine echte Sache aussieht. Wie wir kurze Fuzzy-Linien für Fell zeichnen oder wie wir Wasser ziehen, um es so aussehen zu lassen, als wäre es nass. Es ist, wie wir mit unserer Zeichnung implizieren, das ist eine Oberfläche, das ist eine Textur, das ist das physische Gefühl eines Objekts. Es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, diese Texturen zu vermitteln. Es gibt wahrscheinlich so viele verschiedene Möglichkeiten, wie es Objekte auf der Welt gibt , und wahrscheinlich gibt es mehr als das, weil Künstler alle Möglichkeiten nutzen, Texturen derselben Sache darzustellen. In unserem Sonntagsbeispiel könnte eine implizite Textur sein, was die Schokolade auf dem Rand nass und glänzend aussehen lässt, es könnte sein, was wir verwenden, um die Kekse trocken und bröckelig aussehen zu lassen. Dann gibt es die eigentliche Textur. Die tatsächliche Textur ist, woraus Ihre Illustration tatsächlich besteht. Die tatsächliche Textur des verwendeten Papiers oder der Leinwand, das Aquarell oder die Textur der verwendeten Buntstifte. Es ist inhärent mit dem Medium, das Sie verwenden, also Aquarellpapier oder dicke Blobs von Acrylfarbe. Wenn Sie mit physischen Medien arbeiten, sind Sie in vielerlei Hinsicht von Vorteil für digitale Künstler. Ihre Kunst hat natürlich und automatisch ein Gefühl von Textur, Sie müssen nicht arbeiten, um sie zu schaffen. Außerdem finde ich persönlich natürliche Texturen wie physische Kunstmedien super ansprechend und du bekommst diesen Reiz ohne zusätzlichen Aufwand. Auf der anderen Seite haben digitale Künstler viel mehr Möglichkeiten und Kontrolle über die Texturen, die in ihren Stücken enden. Digitale Pinsel können Ihnen alle erstaunlichen Texturen geben, Sie müssen nur viel vorsätzlicher sein, um einen Blick zu bekommen, den Sie wollen. Wir können uns Ihre Inspirationskünstler sicher ansehen, wie sie Textur verwenden und was Sie zu Ihrer Arbeit hinzufügen möchten. Aber das nächste Beste ist, mit dem Medium zu spielen, das Sie bereits haben, mit den Pinseln und Texturen, die Ihnen zur Verfügung stehen, egal ob physisch oder digital. Jetzt hat Procreate absolute Killer-Standardpinsel, aber es gibt viele erstaunliche Pinsel, die zum Kauf verfügbar sind. Sie können auch Ihre eigenen erstellen, Sie können Ihre eigenen Texturen Skin in Ihren eigenen Texturen verwenden und Mischmodi verwenden und sie an Ihre Formebenen zuschneiden. Sie können realistisch mit Ihrem Sinn für Textur sein oder Sie können völlig abstrakt sein. Ich verwende oft Textur, wenn ich Schattierungen für ein Objekt erstelle, und wir gehen in der nächsten Lektion über Form und Schattierung. Aber Sie können auch einfach Textur verwenden, um eine völlig leere flache Farbe auf einer Form zu vermeiden. Einige Illustratoren sind sehr flach mit ihren Illustrationen und sie verwenden keine Textur kaum. Es geht darum, deinen Geschmack zu erkunden, was du denkst, gut aussieht, und dann herauszufinden, wie man etwas so aussehen lässt. Wir werden an unseren Sonntagen etwas über die Textur erforschen. Wenn Sie jemals in den Kunstladen gegangen sind und eine Wand aus Bleistiften oder Markern gesehen haben eine Wand aus Bleistiften oder und sie kleine Testbögen haben, die Sie ausprobieren können, machen wir das hier. Wir werden nur ein paar Experimente versuchen. Du musst dich zu nichts verpflichten. Wenn Sie ein doppeltes Dokument erstellen möchten, damit Sie sich keine Sorgen machen können Ihr Kunststück zu vermasseln, ist das völlig in Ordnung. Ich möchte, dass Sie sich von Ihren Künstlerbildern inspirieren lassen, aber auch ich lade Sie ein, einige der verschiedenen Pinsel zu erkunden, die Sie zur Verfügung haben. Wenn Sie physische Medien verwenden, möchten Sie diese Texturtests möglicherweise auf einem völlig leeren neuen Blatt Papier durchführen. Eine Sache, die ich empfehlen würde, ist, wenn Sie Ihre Lieblingspinsel herausgefunden haben, erstellen Sie einen Ordner, so dass Sie alle Ihre Pinsel, die Sie immer und immer wieder in demselben Ordner verwenden , so dass Sie nicht nach ihnen suchen müssen, wenn Sie sie verwenden möchten. Aber im Moment werden wir einige lustige Experimente in der Textur erstellen. Das erste, was ich tun möchte, ist, dass ich eine neue Ebene erstellen werde. Ich möchte einige neue Texturen in vielleicht einem Korn erstellen. Wenn ich auf die Registerkarte Skizzieren gehe und zu Bonobo Kreide gehe, werde ich diese rosa Farbe hier greifen. Wenn ich oben drauf gehe, schafft es eine einfarbige rosa Farbe. Aber ein wirklich lustiger Trick, den Sie verwenden können, ist, wenn Sie darauf tippen, wird es Ihre Mischmodi öffnen. Wenn ich multiplizieren verwende, erzeugt das eine dunklere Version von welcher Farbe darunter ist. Das macht wirklich Spaß, damit zu spielen. Ich mag es, die Deckkraft manchmal anzupassen, dass ich ein bisschen mehr von einem subtilen Effekt bekommen. Ich werde das klären und das etwas absichtlicher machen , anstatt es nur zu kritzeln. Aber ich mag die Art und Weise, wie dies einen körnigen Effekt erzeugt. Nun, eine andere Sache, die ich versuchen möchte, ist, dass ich den Schokoladenabschnitten hier etwas Textur hinzufügen möchte . Was ich tun kann, ist wieder, ich werde eine neue Ebene erstellen und ich werde es aktivieren, um zu multiplizieren, und ich werde die Schokoladenfarbe hier greifen. Ich werde Kalligraphie ausprobieren. Vielleicht probiere ich diesen Blotchy Pinsel aus. Wenn ich hier reinkomme, gehe ich überall damit hin, was nicht meine Absicht ist. Was ich tun werde, ist, dass ich auf die Ebene tippen werde. Diese Schicht hat diese Schokoladenform für mich. Ich werde darauf tippen und ich werde wählen „Auswählen“. Wenn ich wieder auf den Pinsel tippe, wenn ich darauf zeichnen würde, werde ich nur in dieser Form zeichnen. Nun möchte ich sicherstellen, dass ich dies auf einer separaten Ebene mache , also habe ich eine Auswahl dieser Ebene getroffen, aber ich zeichne hier auf dieser Ebene. Auf diese Weise, wenn ich meine Meinung ändere, kann ich es einfach löschen oder die Sichtbarkeit ein- oder ausschalten, und ich habe immer noch meine Schokoladenschicht darunter. Ich werde versuchen, damit zu experimentieren. Das sieht echt cool aus. Ein anderer Ort, an dem ich etwas Textur hinzufügen möchte, ist auf dem Cookie hier oben. Ich werde die Cookie-Farbe greifen und ich werde einen neuen Pinsel versuchen, vielleicht werde ich in Zeichnung gehen und ich werde versuchen, ich habe keine Ahnung, wie man das ausspricht, aber Freycinet, sicher. Ich werde meine Cookie-Ebene auswählen, und ich werde auf meiner Multiplikationsebene zeichnen. Manchmal funktioniert das nicht, weil die Keksform, die ich gezeichnet habe , unter dem Eis war. Was ich tun kann, ist, dass ich meine Eisschicht greifen kann, ich kann „Select“ drücken und dann, wenn ich auf die Multiplizschicht komme, kann ich diesen Abschnitt löschen, wo es Schlagsahne berührt. Viele lustige Experimente hier. Ich könnte versuchen, auch ein wenig Textur in die Tasse hinzuzufügen. Nun, ich möchte darauf hinweisen, dass diese anderen Sonntage tatsächlich schon Textur haben. Je tiefer wir in diese Elemente eindringen, desto mehr können Sie sehen, dass alle diese Elemente wirklich miteinander verbunden sind, und obwohl es hilfreich ist, sie zu trennen, so dass wir jedes Element von selbst verstehen können und wir können konzentrieren sich auf die Entscheidungen, die wir in diesen Elementen treffen können, in der realen Welt, sie existieren nicht in einem Vakuum, sie werden wirklich miteinander vermischt. Ich habe bereits Textur an diesem Sonntag durch die Art dieser streaky Ölpinsel hinzugefügt , die ich verwendet habe. Als ich anfing, mit gestreiften Farbversionen zu experimentieren, begann ich, diesem Stück Textur hinzuzufügen. Ich bin wirklich glücklich mit der Art, wie dieser aussieht. Als ich die Formen ausfüllte, hatten die Pinsel, die ich dafür benutzte, auch Textur in ihnen. Aber es tut nie weh, ein wenig mehr Textur hinzuzufügen, um ein wenig mehr Experimente zu machen. Ich werde versuchen, etwas anderes in die Schokolade hier unten hinzuzufügen. Vielleicht, anstatt nur Textur um Texturen willen hinzuzufügen, werde ich versuchen, dies trocken und bröckelig aussehen zu lassen. Ich werde diese Schokoladenschicht auswählen, ich werde auf einer meiner mehrfachen Schichten sein, und ich werde die Spraypaints probieren, und ich werde diese Flicks ausprobieren. Was ich tun möchte, ist viel dunklere Version dieser Schokolade zu schaffen. Ich liebe die Art, wie das aussieht, ich denke, es sieht wirklich trocken aus und ich würde mir vorstellen, dass grobe krümelige Kekse aussehen. Ich könnte auch mit einer wirklich hellen Farbe kommen, aber da dies in einem Mischmodus ist, es nur alles verdunkeln, also werde ich eine neue Ebene erstellen, die nicht im Mischmodus ist und dann kann ich etwas heller erstellen Texturen da drin. Vielleicht nicht ganz so viel, vielleicht ein bisschen leichter, aber ich liebe die Art und Weise, die aussieht. Ich denke, das sieht super-duper cool aus. Ich denke auch, ich möchte hier oben etwas Textur in der Schokolade kreieren. Wieder werde ich die Schokoladenfarbe greifen, ich werde die Schokoladenfarbe augen, und ich werde die Schokolade auswählen, so dass ich nur zeichnen, wo die Schokolade ist. Ich werde den Malpinsel ausprobieren, ich werde diesen Stuck hier ausprobieren und hier oben eine lustige Textur kreieren. Ich experimentiere nur und ich könnte das Gleiche mit dem Cookie machen, also werde ich vielleicht ein paar Formen hinzufügen. Es gibt einige lustige Experimente mit Farbe und Textur. Es gibt wahrscheinlich so viele Texturen auf der Welt, wie es Dinge auf der Welt gibt. Aber nach meiner Erfahrung können zu viele unterschiedliche Texturen ein Stück chaotisch anfühlen lassen. Wenn Sie sich mit Texturen völlig verloren fühlen, würde ich empfehlen, nur ein oder zwei zu verwenden. Sie können mit der Farbe dieser Textur oder der Deckkraft experimentieren, wie durchsichtig sie ist, und Sie können eine große Auswahl an Abwechslung mit nur einer Textur erhalten. Natürlich ist jede Regel dazu gedacht, gebrochen zu werden, also wenn du denkst, dass dumme, hey, verrückt mit deinen Texturen. 10. Form und Stil: Form ist, wie wir etwas 3D aussehen lassen oder ihm ein Gefühl von Tiefe geben. Manchmal entsteht ein Gefühl der dreidimensionalen Form mit Linien wie diesem Würfel. Diese Arbeit verwendet nicht immer viel Schattierung, aber sie macht die Dinge fühlen sich 3D anstatt eine flache 2D mit ihren Linien. So können die Kreise auf der Oberseite dieser gebackenen Bohne wirklich das Gefühl machen, dass dies eine dreidimensionale Form ist. Das gleiche gilt für die Pfannkuchen, weil wir die Seite und die Spitze sehen können. Es fühlt sich an, als wäre es 3D. Meistens wird Form jedoch durch Erstellen, Schattieren und Hervorheben kommuniziert. Also hier haben Sie nur flache Formen und hier haben Sie Schattierungen auf sie. Übrigens, wenn Sie tiefer in zu wissen, wo Sie Ihre Schatten platzieren wollen, gehe ich in die Tiefe auf Schattierung in meinem, wie Klasse zu zeichnen. Es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, um zu stilisieren, wie Sie Schattierungen und Formen erstellen. Also lasst uns jetzt ein paar dieser Optionen durchgehen. Farbverläufe. Bei einem Farbverlauf ändert sich die Farbe allmählich, wenn sie sich über ein Formular bewegt. Ich benutze das viel. Carson Ellis macht einen tollen Job. Sie können es wirklich in Aktion direkt auf dem Herd sehen. So gibt es einen Farbverlauf der Schattierung, da es heller wird, um die Idee zu schaffen, dass die Kante des Ofens einen Schatten erzeugt. Katie Daisy macht dasselbe. So gibt es hier einen Farbverlauf in der Erde. So geht es von einem dunkleren Grün zu einem helleren Grün. Das gibt die Idee, dass dieses Land uneben ist. Es ist nicht nur eine flache Form. Sie tut es auch in der Schattierung in den Bergen hier ganz unten. Gradienten sind meine instinktive, natürliche Go-to-Methode. Sie können sehen, dass ich es in der Tabelle hier verwende. Ich habe es dunkler unter den Beinen und es wird leichter, wenn es nach unten geht , um die Idee der Beine unter dem Tisch zu schaffen. Es schafft ein Gefühl von 3D-Form. Ich benutze es auch hier in diesen Händen. Also verwende ich einige Schattierungen, die unter dem Daumen gehen , um die Idee zu schaffen, dass es dreidimensionale Form gibt. Schlüpfen. Schraffur verwendet Linien, um ein Gefühl der Schattierung zu erzeugen. Wenn Linien weiter entfernt sind, erzeugen sie Flächen, hellere Bereiche, und wenn sie näher beieinander liegen, erzeugen sie ein Gefühl für einen tieferen Schatten. So unter dem Kinn hier können Sie sehen, David Sierra hat wirklich schöne dicke Schattierungen geschaffen, um das Gefühl dieses großen Bären zu schaffen und es ist viel enger, wenn es näher an seinem Arm kommt und es wird viel weiter weg, wenn es weiter weg von seinem Arm. Ich möchte vor allem, dass Sie wissen, wie Linien, die dichter verdichtet sind oder weiter entfernt gelockert werden, die Form des Objekts anzeigen. Wenn wir uns die Haare hier ansehen, bemerken Sie, wie die Linien hier wirklich dicht und verdichtet werden, wo das Haar versteckt ist im Vergleich zu längeren, lockeren Linien, wenn das Haar aus und fließt. Sie können das auch in ihrem Hemd sehen. Die Linien sind wirklich dicht in diesen engen Bereichen, wo die Kleidung wirklich nahe beieinander liegt und es wird ein wenig lockerer hier draußen, wo mehr Platz im Hemd ist. Schraffur. Schraffur ist wirklich ähnlich wie Schraffuren, außer dass es Linien gibt, die sich in mehrere Richtungen kreuzen. Maurice Sendaks Illustrationen verwenden großartige Beispiele für Schraffurlinien. So können Sie im Bauch des Monsters sehen , dass es viele Schraffuren gibt. Auch hier gelten die gleichen Regeln, wenn es dichter ist, ein dunklerer Bereich ist und wo es locker und leichter ist, gibt es weniger Schattierungen. Dappling und Stippling. Dappling Schrägstrich Stippling. Sussane, die auch von Suflanda geht, ist Tätowierer und schafft erstaunliche Form durch Stippling. Stippling ist kleine Punkte, die die Idee der Form zu schaffen. Stippling kann verschiedene Arten von Formen annehmen. Im Kaninchen hier sind es mehr kurze Linien im Vergleich zu dem Kleid, es sind Punkte. So können Sie mischen und passen Sie Ihre Arten von Stippling. Sie können auch verschiedene Formenstile mischen und abgleichen. Zum Beispiel hat Sussane in diesem Stück Stippling erstellt und sie hat auch Schraffuren verwendet, um Schattierungen zu erzeugen. Sie können Ihre eigene Version erstellen. So schafft Van Gogh irgendwie diese seltsame Hybride zwischen Stippling mit diesen wirklich kurzen Strichen, aber auch das ist irgendwie wie Schlüpfen. Es gibt also eine ganze Variation zwischen diesen Dingen. Kontrast. Manchmal verwenden Künstler Straße des Kontrastes und Farbe oder Form, um Form zu erstellen. Lindsey, der urkomische visuelle Wortspiel Künstler verwendet viel von diesem glatten Kontrast. Er nutzt eine schöne subtile Veränderung. Sie können das an den Enden dieser Eisbecher Camper sehen. Es gibt eine Farbe hier und dann eine andere Farbe hier drüben und dieser Kontrast zwischen den Farben erzeugt diese Form. Jetzt ist dies wirklich eine sanfte Version, wie dies nur eine dunklere Farbe von Gelb, eine dunklere Farbe von Grün, eine dunklere Farbe von Pink ist eine dunklere Farbe von Grün, . Sie können auch wirklich extrem damit gehen, wie Sarah Beth Morgan es tut. Sie verwendet eine wirklich starke Farbe. Sie verwendet Schwarz, um die Schattierung in all diesen verschiedenen Bereichen zu erstellen , und es ist nur ein gerader Farbblock. In Ordnung, fangen wir an, an unseren Eisbechern zu experimentieren. Also werde ich mit diesem hier anfangen. Ich denke, es wäre lustig, ein paar Schlüpfungen zu schaffen. Also werde ich greifen, ich werde nur einen 6B Bleistift benutzen und ich werde hier unten im Glas anfangen. Ich werde nur ein paar Schraffuren erstellen, um eine Art Schattierung unter dem Becher zu erzeugen. Ich werde auch einige Schattierungen auf die Tropfen Schokolade hinzufügen. Denken Sie, es könnte auch Spaß machen, hier ein paar Schlüpfungen hinzuzufügen. Für diesen nächsten Eisbecher werde ich einen Farbpinsel verwenden. Ich trainiere und benutze den Studiostift. Ich denke, es wäre wirklich cool, wie einer dieser soliden Blöcke der Schattierung zu versuchen. Also werde ich eine neue Ebene erstellen und ich werde es zu einer Multiplikationsschicht machen und ich werde die Deckkraft reduzieren. Es ist also ein schöner Weg, also muss ich nicht die Farben wechseln, wenn ich die Rosen gegen Schokolade übergehe. Ich kann irgendwie mit der Deckkraft spielen, um zu entscheiden, wie dunkel oder hell ich es mag. Ich denke, es wäre wirklich cool, etwas Schattierung auf der Schokolade zu schaffen. Also, wenn ich hier ein bisschen eine Linie kreiere, ist es eigentlich irgendwie, dass es so aussieht, als würde diese Schokolade auffallen. Wir können auch eine zweite Multiplikationsschicht erstellen und einige Schattierungen auf der Schokolade selbst erstellen. Es ist wahrscheinlich ein bisschen dunkler, als ich es gerne hätte, also reduzieren Sie die Deckkraft. Das sieht also ziemlich cool aus. Ich denke, eine andere lustige Sache wäre, es mit etwas Stippling zu setzen. Vielleicht möchte ich ein paar Highlights des Glases kreieren, wie das Leuchten hier. Es macht irgendwie Spaß. Ich könnte sogar ein paar hellbraune auf der Schokolade machen oder vielleicht etwas auf dem Keks. Wir haben tatsächlich einige subtile erstellt, als wir etwas von dieser Textur und Farbe hier in der Creme hinzugefügt . Es hat tatsächlich schon irgendwie eine Form, eine Form geschaffen. Aber ich denke, es würde Spaß machen, das mit etwas mehr Stippling wirklich zu betonen. Ich könnte auch etwas Stippling verwenden, um ein Highlight auf der Tasse zu schaffen. Vielleicht könntest du ein bisschen Schlüpfen versuchen, damit ich einige Schlüpfungen entlang der Kante direkt unter dem soliden Betrug schaffen könnte. Wenn ich verkleinere, würde ich sagen, dass dieser solide Block ein wenig schmal ist und ich denke, ich würde das gerne ein wenig erweitern. Verkleinern wir uns nochmal. Ja, das sieht ein bisschen besser aus. Ich könnte das Schlüpfen darunter wiederholen. Cool, das macht irgendwie Spaß. Für dieses nächste Stück denke ich, dass ich viel mehr Steigungen ausprobieren werde , da das ist, worauf ich natürlich hinziehe. Also werde ich versuchen, auf dieser Multiplikationsschicht einen strukturierten Pinsel zu verwenden. Vielleicht verwende ich wie die Künstler Cran oder so etwas. Ich werde nur einen weichen, allmählichen Übergang auf der Seite der Tasse schaffen . Wird ein wenig tiefer, je weiter es ist. In der Tat, vielleicht werde ich sogar ein wenig dunkler, wie es in der Nähe der Kante kommt. Es ist ein wirklich schöner weicher Farbverlauf. Ich werde das Gleiche in der Schokolade machen. Dann auf einer normalen Ebene denke ich, dass ich einige glatte Glanzlichter erstellen werde , weil diese glatte Linie wirklich einen starken Unterschied erzeugt. Es hilft wirklich, es hervorzuheben. Ich könnte sogar ein starkes Highlight auf dem Glas hinzufügen, und vielleicht auch auf der Basis der Tasse. Ich denke, es wäre auch Spaß, etwas Schattierung auf der Tasse hinzuzufügen, wieder mit einer weicheren, allmählicheren Schattierung. Ich denke, ich werde auch ein wenig texturale Schattierung in die Sahne hier oben hinzufügen , die Peitschencreme. Vielleicht werde ich sogar einige Highlights hinzufügen, indem ich extrem auf diese. Es ist nicht nur der Stil der Schattierung, den Sie verwenden, der Ihren Stil bestimmt, es ist auch, wo Sie ihn setzen. Etwas, das ich gerne versuchen würde und ich werde eine neue Multiplikationsschicht dafür machen sind vielleicht einige Schatten unter den Schichten innerhalb der Eisbecher. Also vielleicht werde ich etwas unter hier versuchen , um es wirklich wie dieser obere Teil fühlen, diese Top-rosa Creme kommt über die Schokolade und vielleicht werde ich das gleiche tun, die oben hier oben. Lassen Sie es einfach allmählich verblassen. Nach und nach verblassen. Es fühlt sich also wirklich an, als wären es Schichten und natürlich verdient der Keks etwas Liebe. Cool. Schließlich, auf diesem Eisbecher, ich denke, ich werde nur versuchen, eine Mischung aus Stippling, Schlüpfen. Ich benutze einen Farbpinsel und benutze den Quecksilber. Also denke ich, das erste, was ich tun werde, ist ein paar Highlights zu erstellen. Also werde ich mir etwas wirklich leichtes schnappen und ich werde der Schokolade hier und auch dem Glas etwas Glanz verleihen . Ich glaube, ich werde hier unten etwas Reflexion hinzufügen. Ich denke, es würde Spaß machen, etwas von dem Keks bröckeln hinzuzufügen. Ich denke, ich werde auch einige allgemeine Schattierung auf der Multiply-Ebene hinzufügen. Das sind also keine durchgezogenen Linien. Sie sind irgendwie gestrichelt. Vielleicht probiere ich auch etwas auf der Unterseite der Schokolade. Ich denke, das ist ein bisschen intensiv. Also könnte ich ein wenig später mit vielleicht auch unter den Becher gehen. Eine andere Sache, die ich versuchen könnte, ist das Hinzufügen einer Art Kante zu der Tasse und sogar darüber hinaus, vielleicht ein wenig Schattierung auf dem Boden selbst. Vielleicht werde ich auch ein wenig Schattierung auf den Keks hinzufügen, so dass es aussieht, als wäre es irgendwie hinter dieser Creme. Da gehen wir. Ich denke, dass das macht dieses Stück wirklich viel mehr fertig und ganzer aussehen. Ich glaube, ich habe einige sehr starke verschiedene Stücke hier. 11. Deine Stilanleitung/Identifiziere deinen aktuellen Stil: Wir haben jetzt eine Reihe von wirklich interessanten Experimenten und hoffentlich haben Sie einige neue Wege des Zeichnens entdeckt, die Sie wirklich genießen. Vielleicht hast du ein paar gefunden, die dir nicht wirklich gefallen haben. Aber es war alles ein lustiges Experiment. Aber meistens war es das, was es war. Es war ein Experiment. Es ist etwas, das ich ausprobiert habe, aber es ist nur ein einzelnes Kunstwerk. Ich kann nicht wirklich sagen, hey, das ist mein Stil noch, weil ich diesen Stil nicht konsequent benutzt habe. Ich habe nur einen gemacht. Was wir tun werden, ist, dass wir diese Erkundungen in unsere Arbeit integrieren , die vorankommen , und wir werden das mit einer lustigen Draw-this-in-your-Stil Kunstherausforderung tun. Wir werden unsere bevorzugten visuellen Elemente auswählen, die wir an diesen Eisbechern ausprobiert haben und sie in einer Reihe neuer Stücke anwenden. Wenn Sie eine Sammlung von mehreren Stücken haben, die visuelle Elemente auf eine etwas konsistente Weise verwenden , dann können Sie sagen: „Hey, das ist mein Stil.“ Lassen Sie uns darüber nachdenken, welche Elemente Sie mögen und dass Sie vorwärts verwenden möchten. Wir werden einen persönlichen Styleguide erstellen und keine Sorge, Sie sind nicht für den Rest Ihres Lebens engagiert. Sie können sie immer nach oben wechseln und ändern, wie Sie Dinge zeichnen möchten. darüber nachdenken, was Sie tun und nicht mögen, können Sie zu einigen wirklich hilfreichen und manchmal unerwarteten Erkenntnissen führen und sich erinnern, schließen Sie die visuellen Elemente ein, die Sie gerne kreieren. Wie möchten Sie Ihre Formen zeichnen? Ich liebe diese verzerrte Perspektive hier wirklich. Ich denke, das wird enorm einflussreich auf meine Arbeit sein und ich werde es in so viel wie möglich nutzen. Ich mochte auch alles, was gewölbt und fließt wie diese Schokoladentropfen hier. Ich bin wirklich überrascht, wie inspiriert ich von diesem geometrischen Stück war. Denken Sie an diese Schichten und flachen geometrischen Räumen und denken die Formen der Tropfenformen als diese einfachen Dreiecke, es hat wirklich inspiriert, wie ich mich diesem Eisbecher und diesem Eisbecher näherte. Ich glaube, ich will das in meinem Kopf behalten. Ich bin vielleicht nicht der größte Fan dieser perfekt geometrischen Arbeit, aber wenn ich das Gefühl habe, stecken zu versuchen, eine Form in eine sehr einfache geometrische Form zu brechen ist eine gute Möglichkeit, mein kreatives Gehirn zu starten. Auf welche Weise möchten Sie Farbe verwenden? Ich denke, ich möchte die Farbtonänderungen, die in diesem Stück verwendet werden, umarmen. Ich ging von Orange zu Pink zu Pfirsich. Ich mochte es, diese Vielfalt an Farbtönen zu verwenden. Ich mochte auch diese Mischmethode, die ich hier entlang dieser beiden Rosa verwendet habe, und ich denke, ich werde das vorwärts verwenden. Welche Linienarbeit möchten Sie verwenden? Ich möchte viel mehr Linien verwenden, die sich vorwärts bewegen. Ich mochte wirklich die Linien, die ich in der Creme hier und in der Basis der Tasse hier verwendet habe. Ich habe auch wirklich die Gruppierungen von Linien genossen, die ich hier oben gemacht habe, und vor allem sogar hier. Aber ich denke, ich will etwas absichtlicher sein. Ich will nicht, dass es so locker ist. Wie möchten Sie Form und Form vermitteln oder nicht vermitteln? Wenn ich ehrlich bin, mochte ich all die verschiedenen Möglichkeiten, wie ich Hervorhebung und Schattierung benutze. Ich denke, ich werde wahrscheinlich alle von ihnen nutzen, und das ist die Schönheit, Ihren eigenen Stil zu wählen. Sie müssen sich nicht an eine einzige Wahl halten. Texturen. Welche Texturen werden Sie verwenden? Ich mochte die Mischung von Farben und den Texturen, die ich in diesem Stück hier verwendet habe, sehr und ich denke, ich werde es weiterhin auf eine spürbare absichtliche Weise verwenden , wie ich die Streifen hier habe. Ich mag diese Textur wirklich. Ich mag auch die Art und Weise, wie ich die Textur hier drin gemacht habe, wie in einem sehr zielgerichteten Winkel. Aber ich liebe die Mischung all dieser zusammen. Ich bin nicht wild über das Getreide, das ich verwendet habe und die Farbverläufe, die ich in diesem Stück verwendet habe. Das Korn sieht cool aus, aber es ist nicht für mich. Ich liebe die Bleistift-Texturen, die ich in diesem Stück verwendet. Aber ich denke, ich möchte, dass es ein bisschen übertrieben wird, weil ich jetzt zoomen muss, um tatsächlich die Details davon zu sehen. Stil ist wie Handschrift. Sie können versuchen, die Unterschrift eines anderen zu imitieren. Aber wenn Sie in Eile sind, werden Sie schreiben einfach kommen, wie es natürlich tut. Die Art und Weise, wie Sie zeichnen, ist die gleiche. Es ist instinktiv und natürlich für Sie und während Sie Ihre Schreibkunst ausüben können, um es lesbar oder hübsch zu machen, werden Sie immer noch wahrscheinlich Standard auf Ihre instinktive Art und Weise des Schreibens des Buchstabens a. Das gleiche gilt für unsere Zeichenstile. Wir können daran arbeiten, es zu ändern, aber ein Teil Ihres Stils wird völlig intuitiv sein, doch zu definieren, was das ist, was unseren eigenen natürlichen Stil ausmacht, kann wahnsinnig schwierig sein , weil wir oft blind sind für das, was uns macht Einzigartig. Es gibt Dinge, die wir tun, die uns so offensichtlich sind, dass es wie Atmen ist. Wir wissen nicht einmal, dass wir diese Entscheidungen treffen oder auf diese Weise versuchen. In dieser Lektion werden wir ein paar verschiedene lustige Übungen machen, um Ihnen zu helfen Ihren Stil ein wenig klarer zu definieren, damit Sie sehen können, was es ist, das Sie einzigartig macht. Deine Top Neuner. Zuerst möchte ich, dass du zwischen drei und neun deiner Lieblingsstücke sammlst. Wir werden diese für die nächsten Übungen referenzieren. Ich möchte, dass Sie die Stücke betrachten, auf die Sie am meisten stolz sind , aber auch an diejenigen denken , die Sie am meisten genossen haben, und diejenigen, die Sie am meisten zufrieden mit den Ergebnissen sind. Es kann eine Mischung aus all diesen Dingen sein. Jetzt können Sie dies in einem schicken Top Nine Instagram-Posting arrangieren, oder Sie können sie einfach ganz in ein Dokument einfügen. Ich ermutige Sie, diese in Ihrem Skillshare Projekt zu teilen. Hier sind meins. Füllen Sie das Leerzeichen aus. Lassen Sie uns nun eine lustige Mad Libs Stil Fill-in-the-blank Übung versuchen. Ich möchte, dass du dir drei visuelle Adjektive einfällt, die die Visuals deiner Kunst beschreiben. Fühlen Sie sich frei, Pause zu treffen und nehmen Sie sich einen Moment Zeit, um Ihre eigenen Worte zu finden. Sie müssen nicht aus dieser Liste wählen. Ist Ihre Kunst einfarbig, realistisch, leicht, chaotisch, weich, schön, skizzenhaft, hell, einzigartig, ungewöhnlich, bunt, cartoony, komplex, konzeptionell, blendend, dekorativ, flüssig, stilisiert? meine Stücke anschaue, würde ich wahrscheinlich sagen, niedlich, feminin und bunt. Als nächstes möchte ich, dass Sie sich ein paar Worte einfallen lassen, um die Stimmung oder das Gefühl Ihrer Arbeit zu beschreiben. Fühlen Sie sich wieder frei, Pause zu schlagen und nehmen Sie sich einen Moment Zeit, um Ihre eigenen Worte zu finden. Sie müssen nicht aus dieser Liste wählen. Dunkel, entzückend, unschuldig, mutig, ruhig, glamourös, organisiert, offen, ruhig, kantig, unkompliziert, geheimnisvoll, verspielt, romantisch, anspruchsvoll, traditionell, psychedelisch, geschmackvoll. Auch für meine Kunstsammlung denke ich, dass diese Stücke alle ein bisschen ruhig oder ruhig sind. Vielleicht nicht alle von ihnen, aber ja, insgesamt, das ist das Gefühl. Meine Arbeit schneidet an der Karikatur ab, aber ich habe nicht das Gefühl, dass es diese Cartoony-Atmosphäre hat. Vielleicht möchte ich das hervorheben. Ich denke, es hat einen Hauch von Raffinesse. Als Nächstes möchte ich, dass Sie die Themen aufschreiben, die Sie häufig zeichnen. Ich sehe viele Szenen, Tiere und Schriftzüge. Schließlich möchte ich, dass Sie das Medium der Kunst aufschreiben, das Sie verwenden. All dies geschieht in Procreate, also sind sie alle digitale Kunst. Lasst uns alles zusammenziehen. Wenn jemand fragt, welche Art von Kunst Sie machen, können Sie sagen, ich erstelle, fügen Sie Ihre Wahl der Stimmung oder Gefühl, fügen Sie Ihr visuelles Ziel ein, fügen Sie das Thema der Kunst, die Sie zeichnen, und auch fügen Sie das von Ihnen verwendete Kunstmedium ein. Für mich kann ich sagen, dass ich in Procreate bunte, ruhige Szenen kreiere. Wenn Sie möchten, können Sie ein paar Adjektive anheften. Sie können den Wortlaut neu anordnen oder sogar einen Teil der Gleichung hier entfernen. Zum Beispiel, während ich liebe, Szenen und Schaufenster zu zeichnen, ist es nur etwa die Hälfte der Kunst, die ich kreiere. Ich möchte dieses Thema vielleicht in dieser verrückten Lib entfernen. Vielleicht ist das Thema für Sie wirklich konsistent, aber vielleicht könnte ich auf meinen erweitern, indem ich sage, ich schaffe niedliche, bunte digitale Illustrationen mit einem Hauch von Raffinesse. Ta-da. Jetzt haben Sie eine einfache und einfache Möglichkeit, die Arbeit zu beschreiben, die Sie für andere Menschen tun. Natürlich kapselt das nicht alles an deinem Stil. Versuchen wir, ein wenig tiefer zu tauchen. Lassen Sie uns tiefer in die Untersuchung unseres eigenen Stils eintauchen. Hier sind einige Fragen, um Ihnen den Einstieg zu erleichtern. Haben Sie irgendwelche Muster oder wiederkehrende Themen bemerkt? Nun, das ist etwas, das vielleicht nicht visuell offensichtlich ist, aber ich persönlich weiß, dass mehr als die Hälfte der Stücke, die ich ausgewählt habe von Reisen inspiriert wurden, die ich getan habe oder Reisen, die ich gerne tun würde. Ich weiß, dass Reisen ein wirklich großer Teil dessen ist, was meinen Stil beeinflusst, auch wenn es in der Kunst selbst nicht sehr offensichtlich ist. Ein anderes Muster, das ich bemerkt habe, ist, dass ich immer versuche, einige Details Pop zu machen , indem ich wirklich hohen Kontrast verwende, während der gesamte Stil weich und sanfte Farben ist, ich mag es, einige Details Pop zu machen, weil ich Gefühl, es macht Sie möchten tiefer in die Kunst schauen. Einige andere Fragen, die Sie sich stellen sollten, könnten sein, was möchten Sie, dass Ihre Zuschauer fühlen, wenn sie sich Ihre Arbeit ansehen? Welche Themen erforschen Sie gerne? Hat Ihre Kunst eine Botschaft? Listen Sie drei Dinge auf, die Sie an Ihrem Stil lieben. Vergleichen Sie Ihren Stil mit Kunst, die Sie hassen. Wenn Sie wirklich kämpfen, um zu artikulieren, wie Ihre Kunst ist, ist eine andere Übung, sie mit Kunst zu vergleichen, die Sie hassen. Wie ist deine Kunst anders? Ist es anders in der Stimmung, den visuellen Stilen oder den Themen? Ich werde dafür keine Beispiele aufstellen, weil das unhöflich erscheint, jemandes Kunst in die Explosion zu bringen, die ich hasse. Aber was ich sagen werde, ist, dass ich normalerweise keine Kunst mag, die gewalttätige Themen hat oder wirklich eklig und eklig ist. Das sind ein paar Leute Marmeladen, aber es ist nicht meine. Welche Art von Kunst hassen Sie? Für mich ist das vielleicht hart, gewalttätig, unglücklich, beängstigend, eklig. Was ist dann das Gegenteil von diesen Dingern? In meinem Fall wäre es sanft, leicht, glücklicher, friedlicher. Frag Freunde. Die Abkürzung, um Ihren aktuellen Stil zu definieren und vertrauenswürdige Freunde zu fragen. Die Art, wie wir uns selbst sehen, ist nicht die Art, wie andere Menschen uns sehen. Frag ein paar Freunde : „Hey, ich möchte dich um einen Gefallen bitten. Ich arbeite daran, meine Illustration zu verbessern, indem ich klarstelle, was mich einzigartig macht , aber es ist schwer, sich so zu sehen, wie andere es tun. Würdest du mir drei Worte erzählen, mit denen du meine Kunst beschreiben würdest?“ Suchen Sie nach gemeinsamen Antworten und sehen Sie, was mit Ihnen zusammenkommt, Ihre Unterschiede, Ihre Identität. Manchmal ist das, was uns einzigartig macht, offensichtlich, und wir können es peinlich sein, oder wollen diesen Teil von uns selbst abschwächen . Es ist die menschliche Natur, hineinpassen zu wollen. Vielleicht bist du in einer Umgebung aufgewachsen, die Menschen , die anders waren oder herausstechen, verächtete oder sich lustig machte. Aber ich möchte Sie ermutigen, sich diese Dinge anzusehen, und wenn es wirklich in Ihrem Interesse ist, abzuschwächen, wer Sie sind, kann das, was Sie anders macht, sehr wohl Ihre größte Stärke sein. Zum Beispiel wurde ich in der Kindheit viel gepflückt. Leute machten sich lustig über die Art und Weise, wie ich aussah, besonders meine Haare und meine Begeisterung. Aber jetzt sind das einige meiner größten Stärken. Ich bin denkwürdiger wegen meiner Haare, wegen meiner Persönlichkeit. Wie ich bereits erwähnt habe, ist dein Stil deine Handschrift. Sie können versuchen, die Handschrift eines anderen zu imitieren, aber Ihre eigene natürliche Handschrift wird weiter durchrutschen. wir mit diesen verschiedenen Übungen spielen, versuchen, uns der Dinge bewusst zu sein, die immer wieder durchrutschen, die Dinge, die Sie tun, ohne es zu merken, oder auch wenn Sie nicht beabsichtigen. Das sind die kleinen Signale für Ihren Stil. Die Dinge, auf die Sie achten möchten, Dinge, in die Sie sich stützen möchten. 12. DTIYS: Erstelle deine Reihe: Auf zur Kunstherausforderung. Um Ihnen zu helfen, einen kohärenten, konsistenten Stil zu kreieren, werden wir in Ihrer Style-Art-Herausforderung ein Draw This durchführen . Ich habe vier Leckereien illustriert, die Sie auch mit den Elementen , die Sie in Ihrem persönlichen Styleguide aufgeführt haben, nachbauen können. Wenn du die Herausforderung wirklich erhöhen möchtest , habe ich die Referenzfotos für diese Stücke beigefügt und du kannst von dort aus beginnen , anstatt von meinen Illustrationen. Manchmal finde ich es etwas einfacher von dem abzulenken, was jemand bereits getan hat Sie können also gerne mit meinen Illustrationen beginnen und von dort aus weitermachen. Sie können die Referenzbilder auf der Registerkarte Ressourcen abrufen. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihre Kunst in Ihrem Skillshare-Projekt teilen. Sie können Ihrem Projekt zusätzliche Bilder hinzufügen, während Sie sie erstellen, indem Sie Ihr Projekt aktualisieren. Hier sind ein paar Tipps für die Arbeit an deiner Serie. Damit sich diese Serie so anfühlt, als ob sie tatsächlich im gleichen Stil ist, müssen Sie ein gewisses Maß Konsistenz zwischen allen Teilen haben. Aber du musst nicht immer genau dasselbe Stilelement für jedes einzelne Stück verwenden genau dasselbe Stilelement , damit sich dieser Stil zusammenhängend anfühlt. Ein paar wichtige, auffällige Konsistenzen helfen dabei, die Dinge miteinander zu verbinden. Die Verwendung eines thematischen Themas hilft, z. B. eine Reihe von Wüsten, was wir tun. Ich würde nur empfehlen, dieselbe Farbpalette als Farbe verwenden , um instinktiv etwas zu gruppieren. In meiner Serie habe ich dieselbe Farbpalette verwendet , aber die Hintergrundfarben variiert . Dadurch hob sich jedes Kunstwerk voneinander ab und fühlte sich trotzdem wie Teil eines Ganzen an. mehrere Elemente haben, die in jedem Stück auffallen und konsistent verwendet werden, können Sie mit den Unterschieden zwischen den einzelnen Kunstwerken experimentieren . Zum Beispiel habe ich in diesen beiden Stücken sehr unterschiedliche Liniengrafiken verwendet . Sie verwenden nicht die gleiche Art von Liniengrafik. Sie dürfen eine Vielzahl von Stilen verwenden. Ich habe es wirklich genossen, mit den Schraffuren in dieser geometrischen Tasse zu spielen . Das habe ich in diese beiden Stücke hier aufgenommen. Meine natürliche instinktive Art, Schattierungen zu kreieren, besteht darin Farbverläufe zu verwenden, wie ich es in diesem Beitrag getan habe, und darauf habe ich in dieser Serie über Desserts nicht verzichtet. Sie können bei den Himbeeren hier sehen, dass ich viele Farbverläufe verwendet habe , um diese Schattierung zu erstellen. Das habe ich sogar in den Kuchenstücken gemacht. Tu, was Freude macht. Mein Kuchenhintergrund hier war wirklich schlicht, also wollte ich diese kleinen Glitzer hinzufügen , um den Hintergrund zu verzieren. hat mir so viel Spaß gemacht, diese Details hinzuzufügen, dass ich sie zu so ziemlich allen anderen Teilen hinzugefügt habe. Es ist nicht etwas, das ich in meinen Eisbechern ausprobiert habe, aber es hat mir gefallen. Fühl dich nicht so gefangen von deinem Styleguide oder den Stilentscheidungen, die du in der Vergangenheit getroffen hast, dass du nicht etwas Neues, etwas, das dich glücklich macht, in den Rest deiner Kunst bringen kannst . Experimentieren braucht Zeit, lassen Sie sich also nicht entmutigen wenn Sie nicht mit jedem einzelnen Ihrer Stücke zufrieden waren . Ich habe tatsächlich eine Handvoll verschiedener Stile für diesen Kurs entwickelt , und am Ende habe ich sie nicht einmal verwendet oder geteilt. brauche ein paar verschiedene Stücke und Übung um die Stilelemente , die ich einzubeziehen versuche, zu integrieren . Es passiert nicht, indem man es nur einmal macht. Es wird nuancierter, ich werde genauer, wie ich dieses Element einbringe. Außerdem ist es völlig normal, dass du nicht alle deine Stücke gleich liebst. Ich fliege oft durch ein Stück, ich sehr inspiriert bin, und dann fühle ich mich wirklich deprimiert, wenn sich die anderen Teile einer Serie nicht so frisch oder aufregend oder befriedigend anfühlen wie das erste Stück. Die Wahrheit ist, dass einige Stücke besser sein werden als andere. Aber manchmal inspiriert mich der Prozess des Zeichnens so sehr der Prozess des Zeichnens , dass ich ein wenig blind für das Endergebnis bin. Manchmal stelle ich auch fest, dass ich, nachdem ich mir eines dieser enttäuschenden Stücke eine Weile nicht dieser enttäuschenden Stücke eine Weile angesehen habe und dann darauf zurückkomme, dass es mir tatsächlich viel besser gefällt als mir. Dann fühlen sich die Leute manchmal zu den Stücken hingezogen , die mir von Anfang an egal waren. Du kannst jeden Tag ein Stück zeichnen oder wenn du wie ich bist, kannst du an allen gleichzeitig arbeiten. Wenn ich mich bei einem Teil festgefahren fühle, wechsle ich zu einem anderen Stück. Manchmal lasse ich mich für das Stück inspirieren , an dem ich nicht weitergearbeitet habe, indem an einem neuen Stück arbeite oder Stücke überprüfe, die ich bereits fertiggestellt habe. Ich hatte zum Beispiel das Gefühl, dass die Milch und die Kekse sehr schlicht waren, also ging ich zu meinen ursprünglichen Eisbechern und erinnerte mich an die geometrische Schattierung, die ich auf dieser geometrischen Tasse gemacht hatte, also habe ich sie integriert. Ein weiterer Tipp zum Auffüllen des Lagerbestands ist , sich alle Ihre Teile zusammen anzusehen. Es könnte Sie nicht nur dazu inspirieren dem Stück, an dem Sie gerade arbeiten, etwas Interessantes hinzuzufügen , sondern wenn Sie sich die Serie als Ganzes ansehen , können Sie Entscheidungen treffen, damit sich Ihre Sammlung zusammenhängend und in einem konsistenten Stil anfühlt. 13. Gewinn ein Jahr bei Skillshare: Um Ihnen ein wenig zusätzliche Motivation zu geben, Ihren ausgefallenen neuen Stil zu üben, bin ich die ante durch das Hosting von zwei Giveaways für ein Jahr Skillshare. Ich wähle einen Gewinner aus den Skillshare Projekten und einen von Instagram, so dass Sie zwei verschiedene Gewinnchancen haben. Um auf Skillshare einzutreten, müssen Sie nur ein Projekt an diese Klasse einreichen. Sie können die Experimente Ihres Sonntags oder eines der Draw This In Your Style Kunst hochladen. Ich werde auch ein separates, zweites Werbegeschenk auf Instagram veranstalten . Um an diesem Werbegeschenk teilzunehmen, teilen Sie Ihre Draw This In Your Style Kunst auf Instagram. Sie können ein einzelnes Bild freigeben oder mehrere für mehrere Einträge freigeben. Erwähnen Sie die Klasse in der Beschriftung und achten Sie darauf, Hashtag #DTIYSBrooke zu verwenden. Das ist „Draw This In Your Style, Brooke“, um sicherzustellen, dass ich Ihren Eintrag finden kann. Weitere Details zu diesem Werbegeschenk finden Sie auf meinem Instagram @paperplaygrounds. Beide Gewinner werden nach dem Zufallsprinzip ausgewählt, und ich werde den Gewinner im Diskussions-Tab dieser Klasse bekanntgeben. Die Eintrittsfrist ist der 31. August 2021. Ich freue mich so, deine Kunst zu sehen. Ich liebe es, Ihre kreativen schönen Überlegungen für diese Projekte zu sehen. 14. Künstlerische Stimme: Künstlerische Stimme. Wir haben einen Großteil dieser Klasse damit verbracht, sich auf den visuellen Aspekt des Stils zu konzentrieren, wie Ihre Kunst aussieht. Aber es gibt viel mehr zu dem, was Ihren Stil ausmacht, als streng die Grafik. Sie können aktiv daran arbeiten, Ihre Visualisierungen zu ändern, aber es gibt Teile Ihres Stils, die Ihnen folgen , unabhängig davon, ob Sie die Art und Weise, wie Sie Linien und Formen zeichnen, ändern, unabhängig davon, ob Sie Medien oder Werkzeuge wechseln, und nicht als künstlerische Stimme. Ihre Stimme könnte die Themen sein, die Sie zeichnen möchten, die Stimmung, die sie erstellt, oder die Nachricht, die sie teilt. Deine Stimme ist sehr viel du, wer du bist und deine Perspektiven. Diese Dinge beeinflussen auch Ihren Stil und wenn Sie möchten , tiefer in das Thema der Entwicklung Ihrer künstlerischen Stimme zu graben, würde ich empfehlen, lesen Sie Lisa Congdon Buch, Find Your Artistic Voice. Für einige Künstler ist ihre Stimme eher abhängig von den Themen, die sie abdecken, als vom visuellen Aspekt ihres Stils, und einige Künstler sind viel konsistenter mit ihren Bildern als mit ihrem Thema. Beide Versionen davon sind gültig. Manche Leute sind sehr absichtlich mit ihrer Stimme. Sie sind sehr klar, wer sie als Künstler sind, und sie sind sehr gut darin auszudrücken, und manche Leute erkennen nicht einmal, dass sie eine Stimme haben, es ist eher ein Unterbewusstsein als es eine bewusste Sache ist. Du musst nicht tief oder ernst mit deiner Stimme sein, deine Perspektive mag einfach sein, ich möchte schönere Dinge in die Welt bringen. Ihre Stimme zu verstehen ist ein großer Teil der Entwicklung Ihres Stils und eine große Übung dafür ist, sich die folgenden Fragen zu stellen. Welche Vibes versuchst du zu erschaffen? Was möchten Sie, dass Ihr Publikum erleben soll? Versuchen Sie zum Beispiel, Kunst zu kreieren, die ein entspannendes Gefühl hat? Welche visuellen oder thematischen Entscheidungen können Sie treffen, um diese Stimmung zu unterstützen? Was versuchst du mit deiner Kunst zu sagen? Dies kann etwas Bedeutendes und Tiefenreiches sein, oder es kann eine leichtgängige Emotion sein. Zum Beispiel, die Botschaft hinter diesem Stück ist, ich möchte jemanden Geburtstag feiern. Aber wieder, das Verständnis der Botschaft hinter Ihrer Kunst kann Ihnen helfen visuelle und thematische Entscheidungen zu treffen, um dies zu unterstützen. Was versuchst du in die Welt zu bringen? Welche Erfahrungen versuchst du zu kultivieren? Ist es eine Botschaft, eine Emotion, ist es einfach eine Wertschätzung für das Objekt, das Sie zeichnen? Vielleicht finden Sie es hilfreich, Stücke, die Sie bereits erstellt haben, hochzuziehen und diese Fragen zu diesen Werken zu stellen oder sogar diese Fragen zu Kunstwerken zu stellen, die Sie von anderen Künstlern bewundern. 15. Mit Vergleichen umgehen: Als ich auf meiner ersten professionellen Illustrationsmesse ausstellte, war ich so überwältigt von all den erstaunlichen Künstlern da draußen. Es war ein echter Weckruf, dass ich, wenn ich professionell stapeln wollte, wirklich bessere und interessantere Kunst machen musste. Diese Erkenntnis war wirklich wichtig für mich. Ich habe in meiner eigenen kleinen Blase gearbeitet und ich war mir nicht bewusst , was alles um mich herum und was alle anderen um mich herum gemacht haben . Die ehrliche Wahrheit war, dass ich wirklich mehr Mühe in meine Kunst setzen musste. Aber ich fühlte auch dieses absolute Gefühl der überwältigenden Unfähigkeit, zu handeln, angesichts dieser Aufgabe des Nivellierens und des Versuchs, sich von der Masse abzuheben. Wie zum Teufel wollte ich herausstechen? Wie zum Teufel könnte ich das tun? Ich fühlte mich schrecklich darüber, dass ich mich mit all diesen Künstlern verglichen habe, die ich bewunderte. Ich brauchte ein Gleichgewicht. Ich musste mich inspirieren lassen, wenn ich sah, was andere Künstler taten. Aber nicht so sehr, dass ich mich schlecht über mich selbst fühlte. Im Vergleich geht es bestenfalls darum, sich selbst zu lernen und zu verbessern. Im schlimmsten Fall fühlt man sich einfach wie Mist und stoppt den Fortschritt. Es ist ein sehr heikler Balanceakt, und ich bin kein Experte in diesem Balanceakt und ich kämpfe immer noch mit dem Vergleich. Ich hatte sogar mit dem Vergleich zu kämpfen, während ich diese Klasse entwickelt habe weil die Arbeit an Ihrem Stil ein sehr sensibles Thema sein kann. Ich bin kein Experte in der Eroberung der schlechten Seiten des Vergleichs. Aber ich wollte dir zehn Dinge mitteilen, die mir geholfen haben, damit umzugehen. Bewußter Konsum. Ich denke daran, wie unbewusster oder gedankenloser Konsum von Medien mich fühle. Wenn ich Pinterest oder Instagram scrollen, fühle ich mich inspiriert oder fühle ich mich schlecht? Als ich bemerkte, dass meine Gefühle der Eifersucht in hohen Gang treten, werde ich eine Social-Media-Entgiftung nehmen. Natürlich muss es nicht schwarz und weiß sein, entweder verwenden Sie soziale Medien oder Sie verwenden keine sozialen Medien. Sich selbst zu verstehen ist dabei eine wirklich wichtige Sache. Sie können feststellen, dass Ihre nächtliche Angewohnheit, durch Instagram zu scrollen , nicht wirklich dazu dient, inspiriert zu bleiben. Vielleicht ist das Lesen eines Buches ein besserer Weg, um Ihnen kreative Inspiration zu geben , während Sie sich vor dem Schlafengehen entspannen. Für mich ist mir aufgefallen, dass ich morgens etwas sensibel bin. Ich denke, dass mein Morgen mir wirklich geholfen hat, meinen Tag frei zu machen, also vermeide ich in den ersten Stunden wirklich soziale Medien, E-Mails oder Fernsehen. Ich will nicht bombardiert werden von dem, was jeder andere will, dass ich Priorität einräume. Diese Zeit ist für mich, mich zu zentrieren, um darüber nachzudenken, was ich aus dem Tag will. Ich versuche auch, soziale Medien zu vermeiden, wenn ich mich emotional sensibel fühle. Wenn mich etwas verärgert hat oder ich mich erschüttert fühle. Zu diesen Zeiten könnte ich ein wenig empfindlicher auf Vergleiche sein, also statt auf soziale Medien zu gehen, werde ich vielleicht YouTube-Video ansehen oder ein Spiel spielen, um sich zu entspannen, anstatt die Schriftrolle. Vermeiden Sie passiven Vergleich. Ich bin mir auch bewusst, wenn ich den Vergleich annehme. Für mich fand ich es am nützlichsten, wenn ich sofort Maßnahmen ergreifen kann. Ich schaue mir oft Ideen für meinen Stil oder Referenzfotos an, wenn ich an einem Stück arbeite oder wenn ich nach einem Stück recherchiere, das ich diesen Vergleich sofort nutzen kann. Passiver Vergleich ist, wenn ich oft in das Gefühl, „Ich misse nicht.“ Normalerweise versuche ich es zu vermeiden, nur zu schauen. Du bist das, was du isst. Eine andere Art, die ich künstlerisch inspiriere, ist, dass ich Medien konsumiere, die mich inspirieren, aber nicht die Medien sind, in denen ich kreiere, also ist das für mich Illustration. Ich fühle mich sehr stark, dass dies mir hilft, eine neue Perspektive zu dem zu bringen, was ich erschaffe, aber es mir auch erlaubt, inspiriert zu werden, ohne in diese Vergleichsfalle gesaugt zu werden. Meine Kreativität ist wie ein Brunnen, ich muss es mit Inspiration füllen, muss das Wasser füllen. Manchmal wird das Erstellen seine eigene Inspiration sein, aber manchmal muss ich die Pumpe grundieren, erstellen statt zu konsumieren. Ich fühle mich besser, wenn ich Zeit damit verbringe, nicht nur konsumierend, so einfach zu gestalten . Anstatt abends auf meinem Handy zu spielen, bin ich vielleicht besser dran, mit einigen Stipendien oder Markern zu spielen. Vergleichen Sie mich mit mir selbst. Ich nehme mir Zeit, mich mit mir selbst zu vergleichen. Wenn ich diese Fortschritte sehe, die ich gemacht habe, kann ich stolz darauf sein. Ich nehme mir Zeit zum Üben, fühle mich gut mit meiner Kunst und bewundere, was ich getan habe. Ich habe Kunstwerke gerettet, die ich mein ganzes Leben lang gemacht habe, und es ist wirklich schön, vor Jahren auf mich selbst zurückzublicken. Es ist auch schön, mich mit der Arbeit zu vergleichen, die ich letztes Jahr gemacht habe. Scrollen zurück zu alten Bildern auf Instagram ist eine wirklich schöne Möglichkeit, meinen Fortschritt zu betrachten. Ich ermutige Sie sehr, Ihre alten Kunstwerke zu retten, wenn auch nur aus diesem Grund allein. Das Schöne daran, sich selbst mit sich selbst zu vergleichen, ist, dass Sie den Fortschritt sehen können und Sie schätzen die Reise, die kreative Reise, auf der Sie sich befinden. Sieh dir das ganze Bild an. Wenn ich mich eifersüchtig fühle, versuche ich mich daran zu erinnern, dass das Leben mehr ist als nur, wie ich es professionell oder künstlerisch mache. Ich habe andere Dinge, die ich ausbalancieren muss, wie Beziehungen, psychische Gesundheit, körperliche Gesundheit, Familie. Ich erinnere mich, dass es mehr als einen Aspekt meines Lebens gibt, für den ich glücklich und dankbar sein kann. Vielleicht bin ich nicht der beliebteste Künstler auf Instagram. Vielleicht habe ich nicht die coolste Art, Leute zu zeichnen, aber ich habe auch einen Kick Butt Garten, in dem ich gerne Zeit verbringe und ich bin viel besser darin Pflanzen am Leben zu halten als vor Jahren, und das macht mich glücklich und Stolz. Denken Sie daran, das Gras ist immer grüner. Es hilft mir, mich daran zu erinnern, dass ich, wenn ich mich mit einer anderen Person vergleiche, ihr volles Leben nicht kenne. Sie haben es vielleicht mit einer Krebsdiagnose zu tun , mit einem Verlust in der Familie, oder haben eine Vielzahl von anderen Dingen, mit denen ich mein Leben nicht tauschen würde. Das könnte sie dazu antreiben, die Dinge zu tun, auf die ich eifersüchtig bin. Wenn ich eifersüchtig auf den Erfolg von jemandem in den sozialen Medien bin, muss ich daran denken, dass sie vielleicht Kosten zahlen, die ich nicht zu zahlen bereit bin. Vielleicht verbringen sie mehr Zeit damit, Fotos von ihrem Urlaub zu machen, wo ich lieber den Moment genießen würde. Vielleicht widmen sie sich mehrere Tage der Woche der Arbeit an ihren sozialen Medien und das ist nicht etwas, was ich tun möchte. Vielleicht machen sie diese Dinge mehr Spaß, als ich es tun würde. Unser Leben ist anders, unsere Antriebe sind anders, unsere Wünsche sind anders. Das ist in Ordnung. Es ist nicht fair, Menschen mit Menschen zu vergleichen. Selbstvalidierung. Letztendlich ist der beste Weg, um diese knarly Vergleichsfalle abzuwehren , ein gesundes Selbstwertgefühl, externe Anerkennung, Komplimente zu erhalten , und all das ist wunderbar und großartig. Aber wenn ein Stück keine Menge Likes bekommt, indem ich in sozialen Medien poste, schätze ich immer noch meine eigene Arbeit. Ich weiß, dass ich mich verbessert habe. Ich weiß, auf welche Teile dieser Kunst ich stolz bin, und das ist mir wichtig. Ich erschaffe nicht nur Kunst, um mit der Welt, die ich erschaffe, zu teilen, um den Prozess zu genießen. Ich bin keine Insel und ich brauche immer noch andere Menschen Unterstützung, also habe ich daran gearbeitet, Beziehungen zu Menschen zu pflegen und aufzubauen, die mich lieben, Menschen, die mich unterstützen und mich schätzen können. Wenn Sie derzeit kein großes Selbstwertgefühl haben, wissen Sie, dass es etwas ist, das Sie entwickeln können. Wenn Sie viele Leute haben, die von Ihrer Kunstpraxis entmutigen, hören Sie vielleicht auf, mit ihnen zu teilen und suchen Sie neue Leute, mit denen Sie es teilen können. Immerhin ist dies Ihr Leben, verschieben Sie Ihre Perspektive. Akzeptanz Manchmal gibt uns der Spiegel des Vergleichs eine schmerzhafte, aber genaue Reflexion darüber, wo wir einige Schwächen haben. Manchmal ist das Beste, was du tun kannst, das zu akzeptieren. Akzeptanz bedeutet nicht, dass du den Fortschritt aufgibst. Ja, Sie sind vielleicht noch nicht gut im Schattieren oder Anatomie. Das mag wahr sein, aber hilft es, sich selbst zu beurteilen und zu sagen: „Ich bin der schlechteste Künstler der Welt, ich sauge, und nichts, was ich je mache, ergibt sich richtig.“ Nun, jetzt bist du immer noch ein Neuling im Schattieren und du fühlst dich schlecht über dich selbst. Du machst eine normale Situation nur noch schlimmer. Stattdessen kann es hilfreicher sein zu sagen, ich kämpfe mit Schattierung. Ich weiß, dass das eine meiner Schwächen ist. Ich kann Klassen und Ressourcen nachschlagen, um mir zu helfen, besser zu schattieren und das zu üben , oder ich werde Schattierung in meinem nächsten Stück üben, oder Sie können auch sagen, ich bin nicht gut im Schattieren, und das ist okay. Ich konzentriere mich darauf, wirklich überzeugende Farbkombinationen zu verwenden. Positive Selbstverstärkung hilft, Fortschritte schneller zu machen, als uns selbst zu schlagen. Auf der anderen Seite, akzeptieren Sie Ihre Stärken, viele Künstler Downplay Komplimente, die sie bekommen. Die Leute sind einfach nett. Sie meinen nicht die netten Dinge, die sie sagen. Tu das nicht. Spielen Sie Ihre Leistungen nicht herunter, egal, ob das ein Kompliment ablenkt oder intern Ihre eigenen Leistungen entlässt. Schwelgen Sie in Ihrem eigenen Erfolg, auch wenn es nur für einen Moment ist, genießen Sie diese Komplimente wie einen Sonnenstrahl und schieben Sie sie nicht weg. Stolz auf die Dinge, die Sie gut machen, halten Sie sich ermutigt fühlen, weiter zu halten. Bestätigen Sie, wie Sie sich fühlen. Nicht gut in etwas zu sein, es saugt, und es fühlt sich nicht gut an. Es ist mir wirklich peinlich, wenn ich nicht gut in etwas bin, was das Schlimmste ist. Es kann frustrierend oder enttäuschend sein, nicht gut in Sachen zu sein. Ich bin eine sehr emotionale Kreatur und manchmal nur die Anerkennung oder Identifizierung meiner Gefühle hilft mir, sie passieren zu lassen oder wie Elsa sagen würde, lassen Sie es gehen. Wenn ich Vergleich fühle oder ich nicht das Gefühl habe, dass ich mich so messen würde, wo ich mich selbst sehen möchte, kann ich Traurigkeit, Scham, Hilflosigkeit, Wut, Verletzlichkeit, Peinlichkeit, Enttäuschung oder Frustration fühlen . Es ist okay, sich so zu fühlen. Manchmal, anstatt genau wie dieses verstörte Gefühl der Unruhe in dir zu haben, kann es hilfreich sein, zu erkennen, was du fühlst. Dann können Sie es loslassen und sich verpflichten, an der Verbesserung oder Akzeptanz dieser Schwäche zu arbeiten. Es ist einfacher zu sagen: „Hey, ich fühle mich nur so.“ Dies ist nur ein Gefühl, und es wird passieren, und Sie können es gehen lassen und weiter daran arbeiten, zu verbessern oder zu akzeptieren , was Schwäche begonnen hat, damit Sie sich so fühlen. 16. In mehreren Stilen arbeiten: Arbeiten in mehreren Stilen. Eines der häufigsten Themen, die beim Sprechen über Stil auftauchen ist die Angst, gefangen zu sein, nur in einem Stil zu arbeiten. Als Künstler sind wir alle natürlich neugierig, wir wollen verschiedene Themen, verschiedene Kunstmaterialien, verschiedene Techniken erkunden ; kurz gesagt, es macht Spaß, mit verschiedenen Stilen zu spielen und daran ist nichts falsch. In der Tat ist es ein wichtiger Teil Ihrer künstlerischen Entwicklung. Ich würde argumentieren, und ich denke, viele andere professionelle Künstler würden argumentieren, dass es wirklich wichtig ist, dass Sie Zeit und Raum für die Erkundung in Ihrer Kunst haben. Es ist besonders wichtig am Anfang, wenn Sie sich mit einem Werkzeug, einer Technik vertraut machen oder Ihre künstlerische Reise beginnen. Erkundung und Experimentieren mit Stil ist, wie Sie Ihren Stil finden. In der Tat, wenn Sie sich verpflichten, nur in einem Stil zu früh zu arbeiten, können Sie Ihr kreatives Wachstum als Künstler erschüttern. Die Bedeutung des Stils. Aber auf der anderen Seite gibt es auch einen unbestreitbaren Vorteil, einen einzigartigen, identifizierbaren Stil zu haben , der Ihr eigener ist. Wenn jemand Ihre Arbeit in freier Wildbahn ansehen kann und sagen kann „Oh hey, das ist ein Brooke Glaser.“ Oder geben Sie dort Ihren Namen ein. Das ist wirklich wichtig, es hilft Ihnen, sich von der Masse abzuheben, es hilft Ihnen, wiedererkennbarer und beliebter zu werden, es ist eine wirklich wichtige Sache. Arbeiten in mehreren Stilen. Einen konsistenten Stil zu haben oder sich für einen bestimmten Stil zu verpflichten , bedeutet nicht den Tod Ihrer künstlerischen Erkundung. In der Tat arbeiten viele erfolgreiche Künstler in mehreren Stilen und es gibt viele Möglichkeiten, sich dem zu nähern. Es gibt keinen falschen oder richtigen Weg, das ist dein Leben, deine Kunst und deine Karriere. Lassen Sie uns drei verschiedene Möglichkeiten untersuchen, mit denen Sie in mehreren Stilen arbeiten können. Nummer 1, alles unter einer Marke zu haben. Wenn Sie sich Lisa Congdons Arbeit ansehen, ist es erstaunlich. Ihr Stil, Porträts und Badeanzüge in ihrem Buch The Joy of Swimming zu rendern, ist ganz anders als ihre digitale Illustration, die in Procreate wie dieses Beispiel mit ihrer Zusammenarbeit mit Method soap gemacht wurde. Sie ist eine sehr erfolgreiche Künstlerin. Zwei, erstellen Sie verschiedene Marken für Ihre verschiedenen Stile. Es kann in einigen Fällen sinnvoll sein, Ihre Styles in verschiedene Marken zu trennen und ich denke, Teagan White ist ein erstaunliches Beispiel dafür. Teagan White erstellt erstaunliche detaillierte Zeichnungen von Tieren, die gestorben sind, und sie verkauft sie als Originalwerk und Drucke und Aufkleber. Sie kreiert auch diese entzückenden Waldkreaturen für Kinderprodukte unter der Marke Tiny Moth Studio. Tierwelt ist eindeutig ihr Fokus. Sie verwendet die gleiche Farbpalette und sie könnte in der Theorie einfach diese verschiedenen Stile unter ihrem Namen zeichnen, wie Lisa Congdon es tut. Aber Teagan ist hier wirklich schlau. Diese Zuschauer für diese beiden Arten von Kunststilen sind wirklich unterschiedlich und es macht wahrscheinlich viel sinnvoller für sie, diese in zwei Marken zu teilen. Leute, die sich für süße Kinderkunst interessieren, könnten sie durch Bilder toter Tierwelt ausgeschaltet werden, und das Publikum, das ihre selbstverkündete Herangehensweise an das Feiern von Leben und Tod in der natürlichen Welt schätzt , Was, ist das nicht eine tolle Art zu beschreiben, was sie tut? Nun, das Publikum hat vielleicht kein Interesse an süßen Kindertieren. Nummer 3, und wenn all das zu viel zu ertragen ist und Sie sich wirklich nicht verpflichten wollen, in einem bestimmten Stil zu bleiben, wollen Sie ein Stil Chamäleon sein, das ist auch in Ordnung. Du könntest ein wirklich erstaunlicher Inhouse-Künstler sein und das kann eine wirklich wertvolle Sache für Unternehmen sein. Ich arbeitete im Haus als Künstler für eine Modefirma, und sie kauften Kunst von anderen Künstlern und mich die Entwürfe an ihre Bedürfnisse anpassen. Manchmal müsste ich eine Blume neu zeichnen oder fünf verschiedene Blumen im gleichen Stil hinzufügen, aber nicht genau dasselbe, oder ich hätte die Größe von etwas ändern. Ein Stil Chamäleon zu sein, ist auch eine Fähigkeit. Für mich persönlich hörte ich auf, jeden Stil zu replizieren und wollte anfangen, an meinem eigenen Stil zu arbeiten, und je mehr Sie experimentieren, desto mehr werden Sie feststellen, dass dies für Sie zutrifft, oder Sie nicht, und das ist auch in Ordnung, Es ist nichts falsch daran. Es gibt verschiedene Teile Ihrer künstlerischen Reise. An einem Punkt wollte ich ein Style-Chamäleon sein und ich wollte nur mit Stil spielen und dann an einem anderen Punkt, tat ich es nicht. Das ist nicht ungewöhnlich, es ist normal. Als Künstler dürfen Sie experimentieren, Sie dürfen Ihren Kunststil weiterentwickeln. In der Tat werden Sie wahrscheinlich langweilig werden oder stagnieren, wenn Sie es nicht tun. Die meisten Künstler, die ich kenne, wachsen und entwickeln sich immer weiter. Selbst wenn Sie ein etablierter Künstler sind, wenn Sie einen etablierten Stil haben, ist Experimentieren immer noch ein gesunder Teil des Künstlers. Ich höre ständig professionelle Künstler mit definierten Stilen,die über die Bedeutung von ihnen für die Zeit für persönliche Arbeit, für Exploration und Experimente sprechen die über die Bedeutung von ihnen für die Zeit für persönliche Arbeit, , und ich denke, das ist nur ein angeborener Teil des Künstlers. Auch allgemeine Stile ändern sich. Genau wie Mode, gehen einige Kunststile aus, und auch wie Mode, scheint alles immer wieder zu kommen, aber Sie müssen nicht die gleiche Mode für den ganzen Rest Ihres Lebens tragen, Sie müssen nicht haben die gleichen Haare für den Rest Ihres Lebens, Sie müssen auch nicht den gleichen Kunststil für den Rest Ihres Lebens haben. Betrachtet man David Hockney, den berüchtigten Maler, begann er seine Karriere in den 1960er Jahren und sein Stil hat sich in den folgenden Jahrzehnten erheblich verändert. Dein Stil wird sich verändern und weiterentwickeln. Mein Stil änderte sich, weil sich die Arbeit, die ich tat, änderte. 17. Kohärenz und Entscheidung für deinen Stil: Lassen Sie uns über Konsistenz sprechen. Ein weiteres häufiges Stilproblem ist nicht in der Lage Ihren Stil von einem Stück zum nächsten zu halten. Wenn Sie das Gefühl haben, dass jedes Stück, das Sie zeichnen, völlig anders aussieht, gibt es ein paar Dinge, die hier passieren könnten. Es könnte nur sein, dass Sie an Ihren technischen Fähigkeiten arbeiten müssen. Wenn ein Kunde Sie einstellen möchte, benötigen Sie die technische Fähigkeit, Ihren eigenen Stil zu replizieren. Je mehr Sie verstehen, was diesen Stil macht, wie die Linie, Form, Farbe, die Elemente, die wir in dieser Klasse übergegangen sind, desto mehr verstehen Sie diese und können sie sehen und identifizieren, desto einfacher wird es es sein, diese Elemente auseinander zu ziehen und sie neu zu machen. Je mehr Übung Sie mit Ihren Werkzeugen haben, desto selbstbewusster und besser werden Sie bei ihnen sein. Wenn Sie nicht das Gefühl haben, dass Sie einen Stil von einem Stück zum nächsten replizieren können, kann es sein, dass Sie nicht genug Zeit damit verbracht haben , auf der technischen Seite Ihres Handwerks zu arbeiten. Üben Sie jeden Tag ein wenig, damit Sie sich sicher in Ihren Handbewegungen fühlen können , so dass Sie vorhersagen können , wie Ihr Kreis und Ihre Linien enden werden, Sie tun das. Das ist etwas, das ich zu Beginn meiner künstlerischen Reise viel getan habe war nur Kreise zu zeichnen und sicherzustellen , dass ich tatsächlich zeichnen konnte, was ich zu zeichnen beabsichtigte. Verwenden Sie und erkunden Sie Ihre Tools, damit Sie mit ihnen vertraut sind und Sie sie bei Bedarf verwenden können. Wenn Sie ein Anfänger in einem neuen Medium oder zum Zeichnen sind, ist es wirklich normal, dass Sie vielleicht nicht das Gefühl haben, dass Sie die Werkzeuge machen können , genau das, was Sie wollen, dass sie sofort tun. Niemand geht ins Fitnessstudio und kann beim ersten Mal sofort 200 Pfund anheben. Sie müssen ihre Fähigkeiten üben und daran arbeiten. Diese künstlerischen Muskeln sind genau das. Das sind Muskeln. Sie sind Dinge, die Sie entwickeln und Sie werden besser. Wenn Sie sich also nicht in Ihrer technischen Fähigkeit, einen Stil zu replizieren, sicher fühlen , üben Sie weiter. Es ist etwas, das mit der Zeit leichter wird. Alles, was gesagt wird, eine andere Sache, die passieren kann, ist, dass wir manchmal als Künstler nicht der beste Richter unserer eigenen Konsistenz sind. Manchmal sind wir blind gegenüber dem, was in unserer Arbeit konsequent ist , weil es für uns so offensichtlich ist, dass wir nicht einmal darüber nachdenken. Wenn Sie kein Anfänger sind, Anfänger, würde ich einen vertrauenswürdigen Freund fragen, ob sie Ihnen sagen können, was konsequent an Ihrer Arbeit ist, wenn sie sagen können, ein Stück von der nächsten gehört tatsächlich Ihnen. Hoffentlich haben die obigen Übungen dazu beigetragen, Ihre Augen zu öffnen , um die einzigartigen Möglichkeiten zu identifizieren, die Sie Dinge zeichnen. Zum Beispiel, wenn ich diese Klasse machte, erkannte ich, dass ich sehr spezifisch in der Art und Weise bin , dass ich Dinge schattieren und ich sie immer auf eine sehr bestimmte Art und Weise schattieren, und das ist wahr, egal welches Thema ich zeichne, oder vielleicht für Sie es ist Ihre konsequente Verwendung von Umrissen in all Ihren Stücken. FOMO oder Shiny Object Syndrom. Ein weiteres Anliegen bei der Konsistenz ist FOMO oder Shiny Object Syndrom, und Sie haben immer das Gefühl, dass Sie etwas Neues ausprobieren wollen , weil es etwas Besseres für Sie gibt. Nun, wenn du das bist, fühle ich dich. Das bin ich definitiv auch. Manchmal zeichne ich einfach für mich und teile die Arbeit nicht. Aber was ist der Spaß daran? Eine Möglichkeit, wie ich experimentelle Arbeit oder Arbeit zu teilen, die nicht mein üblicher Stil ist, besteht darin, tatsächlich in einer Serie zu arbeiten oder meine Experimente als Sammlung zu präsentieren , anstatt nur Einzelstücke. Zum Beispiel wollte ich mich im Oktober darauf beschränken, in Schwarzweiß zu arbeiten, damit ich mich ausschließlich auf Formen konzentrieren kann , anstatt sich auf Farbe zu verlassen, ein großer Teil dessen ist, was ich benutze. Farbe ist ein großer Teil von dem, was ich tue. Diese Schwarz-Weiß-Stücke zu haben, wäre wirklich lästig gestoßen , weil es so anders als mein Stil ist. Was ich tat, war, dass ich das als Serie statt nur als Einzelstück vorgestellt habe. Ich könnte das als neun Bilder in einem Bild anzeigen, so dass man sagen könnte, hey, das ist eine Reihe von Stücken, oder ich könnte es auf mein Instagram setzen und sechs, drei oder neun setzen , so dass es mehrere Stücke in einer Reihe gibt, so dass sie das Gefühl haben, Das ist eine Sache. Ich spiele gerne mit Schriftzug und eine Menge von dieser Arbeit, die nur ausschließlich Schriftzug ist, kann sich störend anfühlen, wenn sie aus dem Kontext genommen wird. Jemand geht in mein Portfolio, es könnte sein, wie, hey, macht dieser Künstler Schriftzug oder Illustration? Aber wenn ich diese Stücke in einer einzigen Kategorie oder Projekt in meinem Portfolio gruppiere , wie hier sind alle meine Schriftstücke, jetzt fühlt es sich nicht so unkongruent an. Vielleicht ist das eine Vorstellung davon, wie Sie sich nähern können, neue Stile ausprobieren und dennoch ein gewisses Maß an Konsistenz in Ihrer Arbeit beibehalten können. Überwältigend. Wenn Sie mit Konsistenz kämpfen, weil Sie sich von Entscheidungen überwältigt fühlen, wie Sie nicht wissen, welche Farbpaletten Sie mögen oder welche Pinsel Sie am meisten verwenden möchten, kreative Einschränkungen vielleicht einer Ihrer besten Freunde. Sie können versuchen, das gleiche Objekt einmal täglich für die nächste Woche zu zeichnen, oder entscheiden, dass Sie nur ein oder zwei Pinsel für Ihr nächstes Stück verwenden oder sich für die nächsten drei Teile derselben Farbpalette verpflichten. Sie Ihre Auswahl in einem Bereich einschränken, können Sie andere Elemente Ihres Stils erkunden , ohne so viel Druck, jede Komponente perfekt zu machen. Sei nicht zu hart zu dir selbst. Wenn Sie jemals eine Person nur einmal gezeichnet haben, können Sie nicht erwarten, dass Sie einen Stil haben, Menschen zu zeichnen. Zeichnen Sie 10 Personen und sehen Sie dann, was mit diesen Leuten gemeinsam ist. Wenn Sie neu in der digitalen Kunst sind, sollten Sie nicht erwarten, dass Sie sofort wissen, welche Pinsel Ihnen am besten gefallen. Es dauert einige Zeit und Experimentieren. All dieses Zeug passiert nicht über Nacht für die meisten Menschen. Ich bin sicher, Sie haben das von anderen Künstlern gehört, die Sie bewundern. Wenn es nicht über Nacht für sie passiert, warum sollten Sie so hart zu sich selbst sein, zu erwarten, dass es für Sie über Nacht passiert? Aber was hilft, ist, so oft wie möglich jeden Tag zu zeichnen, wenn Sie es verwalten können. Um das zu tun, hilft eine Routine. Begeben Sie sich, zu einer bestimmten Zeit an einem bestimmten Ort für x Anzahl von Minuten jeden Tag zu arbeiten . Ich fand es hilfreich, zu entscheiden, was ich vor der Zeit zeichnen werde , anstatt sich hinzusetzen, um zu zeichnen und dann meine ganze Zeichenzeit damit zu verbringen, herauszufinden, was ich zeichnen soll. Als ich meine Serie an Schaufensterfronten machte, nahm ich einen Tag, um all meine Inspirationsbilder zu sammeln, und dann noch einen Tag, um 10 Skizzen zu zeichnen. Dann habe ich jeden Tag danach entschieden, welche Skizze mehr Spaß machen würde und mich an dem arbeiten lassen, von dem ich mich am meisten inspiriert fühlte. Möglicherweise finden Sie es auch hilfreich, sich einer Zeichnungsherausforderung anzuschließen. Entscheiden Sie sich für Ihren Stil. Wie hast du dich für deinen Stil entschieden? Was möchten Sie einbauen und was möchten Sie auslassen? Nun, es liegt an dir, es ist deine Kunst. Aber hier sind die Dinge, die ich vorschlagen würde, zu berücksichtigen , wenn Sie Ihre Wahl treffen. Gönnen Sie es, auf diese Weise zu kreieren? Dies könnte sowohl der Prozess als auch das Endergebnis sein. Gefällt es Ihnen, wie es aussieht und gefällt es Ihnen, es zu kreieren? Immerhin verbringst du so deine Zeit. Sind andere Menschen, Ihr Publikum oder Ihre Kunden, diesem Stil angezogen? Wenn die Leute Ihnen Komplimente zu Ihrer Arbeit und besonders zu bestimmten Dingen geben, achten Sie auf das, was sie erwähnt haben. Wenn Sie kein Publikum haben oder jemand, der Ihnen Feedback geben kann, kann es sich lohnen, eine bezahlte Portfoliobewertung zu suchen. Manchmal bieten Art-Directors oder Agenten diese auf ihren Websites an. Alternativ brauchst du das Geld nicht auszugeben. Sie könnten auch einen vertrauenswürdigen Freund fragen, ob er bereit wäre zu teilen, welche Aspekte Ihrer Arbeit sie für am besten halten. Die Chancen sind, dass Sie irgendwo dazwischen enden, Arbeit machen, die Sie lieben zu kreieren, aber auch auf das reagieren, was Menschen gerne von Ihnen sehen. Schließlich ist eine positive Verstärkung unserer Arbeit eine der ermutigendsten Möglichkeiten, weiter voranzukommen. Apropos, wenn Sie diese Klasse hilfreich finden, würde es mir die Welt bedeuten, wenn Sie eine positive Bewertung hinterlassen würden. 18. Bonus: Stilberatung mit Gia Graham: In dieser Lektion werde ich mit Gia Graham sprechen, der Illustratorin und Handletterer mit Sitz in Atlanta ist . Gia ist auch eine Top-Lehrerin hier auf Skillshare. Aber der Hauptgrund, warum ich mit Gia sprechen möchte , ist, dass sie auch eine Klasse darüber hat, Ihren Stil zu finden, und er verfolgt einen etwas anderen Ansatz als diese Klasse. Ich dachte, es wäre wirklich interessant, sich hinzusetzen und sich mit ihr zu unterhalten. Gias Stil ist sehr hell und mutig. Sie schafft ihren Inselhintergrund um die lebendigen Farben der üppigen Blumen und des Laubs zu beeinflussen der üppigen Blumen und , die sie in ihrer Arbeit verwendet. Kunden wenden sich wegen ihres unverwechselbaren Stils an Gia, um Provisionen und Lizenzmöglichkeiten zu erhalten. Ihre Kunstwerke sind auf einer Reihe von Produkten erschienen, von Haushaltswaren und Grußkarten bis hin zu Buchumschlägen und sogar Accessoires. Gia, wie nähern Sie sich dem Prozess, Ihren Stil zu finden? Nun, für mich Stil, egal um welche Art von Stil es sich handelt, wenn es sich um Mode, Innenarchitektur, künstlerischer Stil handelt, es ist alles ein Ausdruck dessen, wer Sie sind. Es ist ein Höhepunkt deiner Likes, deiner Erfahrungen, deiner Einflüsse. All diese Dinge springen normalerweise im hinteren Teil Ihres Gehirns herum, aber Sie sind sich dessen nicht bewusst. Für mich ist es mein Ansatz, zuerst einen Blick nach innen zu werfen. Um zurückzutreten und wirklich beabsichtigt zu sein diese Likes und diese Erfahrungen und diese Einflüsse zu identifizieren . In der ersten Hälfte meines Kurses helfe ich den Schülern tatsächlich durch diesen Selbstbeobachtungsprozess und diese Selbstfindung. Das ist genial. Weil es eine Reise ist, deinen Stil zu finden , dauert es eine Weile. Ich denke also an diesen ersten Schritt, die Roadmap für diese Reise zu öffnen und dein x zu sagen: „Ich bin hier“. Denn wenn Sie diese Selbstfindung machen, orientieren Sie sich dafür, wer Sie sind und wo Sie als Kreativer sind und dann denke ich, dass es einfacher ist , mit Absicht auf dem Weg voranzukommen und dann mache das praktische Zeug, das neue Techniken, Formen und Stile des Zeichnens erforscht neue Techniken, Formen und und all das. Aber ja, ich denke, der erste Schritt besteht darin wirklich einen Blick auf die Dinge zu werfen , die Sie mögen, und die Erfahrungen, die Sie gemacht haben und was Sie beeinflusst hat, und dann können Sie von dort aus vorankommen. Ich denke tatsächlich, dass unsere Kurse Weise gut ergänzen auf diese Weise gut ergänzen, weil wir jeweils einen etwas anderen Ansatz verfolgen. Wenn Schüler beide Klassen belegen, haben sie eine gute abgerundete Anleitung wie sie ihren Stil entwickeln können. Denkst du, dass es notwendig ist, nur einen Stil zu haben oder denkst du, dass der Künstler in mehreren Stilen arbeiten kann? Nun, ich denke, wenn Kunst dein Hobby ist, denke ich nicht, dass es wirklich notwendig ist nur einen Stil zu haben, aber wenn du deinen Lebensunterhalt als Künstler verdienen willst, dann kann es wirklich helfen, einen einzigartigen Stil zu haben du förderst deine Karriere. Ich weiß, dass das meine Erfahrung war, es hat mir leichter gemacht, eine Kunstmarke zu gründen, und tatsächlich wusste ich nicht einmal, dass ich eine Kunstmarke entwickelte, ich war einfach so darauf konzentriert, es zu versuchen finde heraus, was mir mit Schriftzug und Illustration gefallen hat, was mir nicht gefallen hat. probierte verschiedene Techniken aus, die ich im Laufe der Zeit meinen Stil verfeinerte und organisch eine Kunstmarke aufgebaut habe. Ich habe es nicht mal bemerkt. Wenn ich von einer Kunstmarke spreche, beziehe ich mich nur auf die Tatsache, dass man als Künstler eine Kunstmarke kreiert, wenn Ihre Arbeit mit einer bestimmten Ästhetik verbunden ist. Das Gute daran ist, dass es Zeiten geben wird, in denen Kunden zu Ihnen kommen, sie werden Sie aufsuchen, weil sie möchten, dass Sie dass es Zeiten geben wird, in denen Kunden zu Ihnen kommen, sie werden Sie aufsuchen, weil sie möchten, dass Sie ihrem Projekt oder ihrem Produkt oder was auch immer es sein mag. Ich muss sagen, dass es meinen Job so viel angenehmer macht , weil ich jedes neue Projekt von einem selbstbewussten Ort aus angehen kann jedes neue Projekt von einem selbstbewussten Ort aus angehen weil ich weiß, dass der Kunde meinen Stil bereits mag, also kann ich mich einfach auf die Implementierung konzentrieren meine kreative Stimme zu was auch immer dieser kreative Brief ist. Was auch immer das Projekt, das sie mir gebracht haben, ist. Der andere Bonus bei der Entwicklung Ihres Stils ist, dass Sie ein Portfolio erstellen können , auf das Sie wirklich stolz sind. Ich erinnere mich, als ich vor vielen Monden Grafikdesigner war, wollte ich den Job wechseln, also war ich dabei, also war ich dabei ein Portfolio zusammenzustellen und ich stellte fest, dass ich wirklich damit zu kämpfen hatte, weil ich wirklich damit zu kämpfen hatte, weil alles fühlte sich so unzusammenhängend an. Ich habe verschiedene Projekte für verschiedene Kunden gemacht und alles sah völlig anders aus. Aber jetzt arbeite ich gerade daran, meine Website neu zu erstellen und was so wunderbar ist, ist, dass es einen Zusammenhalt gibt, obwohl ich Arbeit von verschiedenen Kunden habe , obwohl jedes Projekt anders und alle Projekte sehen nicht gleich aus, da ist die Durchgangslinie meines Stils dort. Mein Portfolio fühlt sich jetzt an , als käme alles von derselben Person. Ja, so cool. Ist es nicht nur, die ganze Arbeit insgesamt zu sehen, es ist wirklich aufregend. Das ist es. Ich liebe es. Was sagen Sie jemandem, der seinen Stil seit ein paar Monaten erforscht , aber seinen Stil immer noch nicht finden kann? Ja. Ich bekomme diese Frage tatsächlich oft und ich habe eine Antwort, die vielleicht nicht so beliebt ist. Es braucht einfach Zeit. Zeit und konsequentes Üben. Es ist nicht etwas, das Sie über Nacht erzwingen können . Ich würde sagen, dass Sie sich bis zu einem Jahr Zeit geben können , um konsequent neue Dinge zu erforschen , und im Laufe dieses Jahres werden Sie sehen, wie ein Stil entsteht, wenn Sie konsequent und absichtlich sind deine Praxis. Es ist auch sehr wichtig, ab und zu einen Schritt zurück machen und einen Blick auf die Arbeit zu werfen, die Sie erstellt haben, vielleicht alle zwei oder drei Monate. Ich nenne das ein Kunstaudit und ich denke, es ist eine wirklich hilfreiche Praxis. Das liebe ich. Ich gebe dir eine Analogie, also schauen wir es uns an wie eine Zimmerpflanze. Du gehst in den Laden, kaufst diese Zimmerpflanze, du bringst sie nach Hause, du bist sehr aufgeregt, dich darum zu kümmern, du bist fleißig, sie zu gießen und sie zu pflegen und all das, und das alles von Tag zu Tag, man merkt nicht wirklich viel Unterschied in der Anlage. Aber wenn Sie ein Jahr vorwärts springen und Ihre tägliche Wartung und all das durchführen , entscheiden Sie: „Okay, nun, lassen Sie mich dieses Foto ansehen, das ich vor einem Jahr gemacht habe.“ Wenn Sie die beiden Seite an Seite stellen, schauen Sie sich das Foto der Pflanze an und sehen die Pflanze vor sich, dann merken Sie : „Oh, sie ist wirklich gewachsen.“ Sie sehen diese Änderungen nicht schrittweise von Tag zu Tag, aber wenn Sie einen Moment innehalten und einen Schritt zurücktreten und ein umfassenderes Bild erhalten, können Sie Ihre Fortschritte sehen. Das Gleiche gilt für Ihre Kunstpraxis. Wenn Sie fleißig und absichtlich in Bezug auf Ihre Praxis sind, treten Sie alle paar Monate zurück und Sie werden das Wachstum sehen können , das Sie täglich nicht bemerkt haben. Es ist eine gute Möglichkeit, Sie auch motiviert zu halten denn wenn Sie zurücktreten und sich ansehen, wie Sie gewachsen sind, ist es vielleicht nur eine kleine Sache, die Ihnen aufgefallen ist. Aber wenn Sie diese Änderungen sehen werden Sie dazu ermutigen, dabei zu bleiben. Auf der anderen Seite, wenn Sie eine Pflanze kaufen und sie nach Hause bringen und sporadisch darin sind , sie zu pflegen, gießen Sie sie diese Woche und Sie können sich diese Woche gut darum kümmern und dann vergessen Sie für ein paar Monate und dann kommst du wieder darauf zurück. Es wird sterben. [GELÄCHTER] Es wird definitiv nicht wachsen, es wird wahrscheinlich sterben. die gleiche Weise, mit Ihrer Kunstpraxis, wenn Sie locker sind und es aufgeben, nach einem Monat oder wenn Sie ein paar Wochen überspringen und dann zurückkommen, Ihr Stil nicht wachsen. Ich denke, es ist wirklich wichtig, konsequent dabei zu bleiben und diese Konsistenz im Laufe der Zeit zu haben. Ja, ich liebe diese Analogie. Ich bin selbst ein großer Hauspflanzenfan , also [LACHEN] macht es sehr Sinn. Gleiche. Es ist witzig, ich habe einige Bilder und ich sage : „Wow, ich kann nicht glauben, wie stark das gewachsen ist.“ Das stimmt super, wie sogar für mich als jemanden, von dem ich glaube, dass ich einen Stil etabliert habe, aber ein Jahr später kann ich zurückblicken und : „Wow, die Dinge haben sich wirklich entwickelt. Es ist wirklich gewachsen.“ Es ist nicht unbedingt immer wie eine verrückte Abwechslung. Aber ich werde stärker in dem, was ich tue. Absolut. Ich bin so froh, dass du gesagt hast, dass es keine verrückte Veränderung ist, denn manchmal wird es keine verrückte Veränderung sein, aber es könnte gerade genug , um deine Kreativität noch weiter voranzutreiben. Das war so großartig. Vielen Dank, dass Sie sich heute die Zeit genommen haben, mit mir zu sprechen. Wenn Sie dies noch nicht getan haben, schauen Sie sich Gias Klasse , die heißt Finden Sie Ihren Stil, wie Sie Ihre eigene Schriftzug-Ästhetik entwickeln. Wenn Sie es noch nicht sind, stellen Sie sicher, dass Sie ihr auf Skillshare folgen, damit Sie benachrichtigt werden können, wenn sie eine neue Klasse veröffentlicht. 19. Abschließende Hinweise: Bevor ich ein paar letzte Notizen durchgehe, möchte ich ein großes Dankeschön sagen und herzlichen Glückwunsch sagen, du hast es durch diese große alte Klasse geschafft. Ich weiß es sehr zu schätzen , dass du die ganze Zeit mit mir verbringst. Wenn Ihnen der Unterricht gefällt, möchte ich Sie um einen Gefallen bitten, werden Sie bitte eine positive Bewertung des Kurses hinterlassen. Ihre Ermutigung hält mich wirklich am Laufen und inspiriert mich, diese Kurse so gut wie möglich zu inspiriert mich, diese Kurse so gut wie möglich zu machen, selbst ein einfaches Dankeschön für den Unterricht im Diskussions-Tab gibt mir die warmen Fuzzies. Ich liebe es zu sehen, was Sie machen, und ich hebe oft Studentenprojekte auf Instagram hervor. Du findest mich auf Paperplaygrounds. Wenn Sie möchten, dass ich Ihre Arbeit teile, markieren Sie mich auf Paperplaygrounds und verwenden Sie den Hashtag, zeichnen Sie mit Brooke. Wenn Sie an den digitalen Pinseln interessiert sind, die ich verwende, habe ich eine Liste von Pinseln, die Ich empfehle es auf meiner Website. Wenn Sie an mehr geschäftlichen und kreativen Kursen interessiert sind , um Künstler zu sein, habe ich Kurse darüber, wie man seinen Lebensunterhalt als Künstler verdient, Produktivität für Künstler. Ich habe auch Klassen darüber, wie man Procreate benutzt, wie man zeichnet, Farbtheorie und vieles mehr. All dies findest du auf meiner Website oder meinem Skillshare-Profil. Wenn Sie Fragen haben, am besten beantworten, indem Sie sie auf der Registerkarte „Diskussion“ belassen. Das Tolle an dem Diskussionsbereich der Klasse ist, dass jemand anderes sofort meine Antwort sehen kann, wenn jemand anderes die gleiche Frage hat . Wer weiß, schau mal nach, ob jemand anderes die gleiche Frage wie du hatte. Ihr seid alle smarte Cookies und stellen wirklich kluge Fragen. Vielen Dank, dass Sie sich mir angeschlossen haben und glücklich sind, Kunstfreunde zu schaffen.