Finde deine kreative Perspektive und produziere mehr konsistente Kunst

1. Einführung: Wollen Sie konsequentere Arbeit machen und Ihr einzigartiges Zeichen in der Kunst- und Designwelt machen, ist eine Menge kreativer Praxis nur Versuch und Irrtum. Aber mit ein paar Werkzeugen können Sie konsistentere Arbeit machen, die Ihren persönlichen Stil widerspiegelt. Willkommen, um Ihre kreative Perspektive zu finden, wo ich die Grundelemente von Kunst und Design entmystifizieren werde , damit Sie sie leicht verstehen können, und herauszufinden, wie Sie diese Elemente verwenden möchten, um Ihre eigene einzigartige Arbeit zu machen. Ich bin Carolyn, eine Designerin und Illustratorin, die zur Kunstschule gegangen ist und immer noch jeden Tag über Kunst und Design lernt. Ich habe tatsächlich meinen eigenen kreativen Katalog für mich selbst erstellt, weil ich festgestellt habe, dass ich ein Werkzeug benötige um mir zu helfen und meinen kreativen Stil zu definieren. Ich dachte, dass ich das verwenden könnte, um ein Rezept oder eine Formel für meine kreative Arbeit zu machen, was mir wirklich geholfen hat, mich zu konzentrieren. Ich kann mich an meine Formel wenden, und das wird helfen, meine Gedanken einzuschränken und mich wirklich zu ermutigen, mich zu schieben und etwas Interessantes und Einzigartiges zu machen. Während dieser Klasse führe ich Sie durch den Prozess der Suche nach Ihrer kreativen Perspektive und ein paar einfache Schritte. Zuerst lernen wir einige Vokabeln, um zu beschreiben, was Sie intuitiv an der Kunst genießen, aber vielleicht haben wir jetzt keine Worte dafür. Wir lernen die sieben Elemente der Kunst und des Designs kennen. Als Nächstes werden wir diese Elemente und Vokabeln verwenden, um Kunstwerke zu analysieren. Dann sammeln wir Referenzen von dem, was wir in diesen sieben Elementen mögen , und machen einige Notizen in unserem kreativen Katalog. Schließlich wählen Sie einige Elemente der Kunst und des Designs aus, die Sie in einem neuen Werk erkunden möchten. Am Ende des Kurses können Sie Ihre ästhetische Intuition nutzen und sie in einen Teil Ihres eigenen kreativen Prozesses verwandeln. Lassen Sie uns beginnen, indem Sie die Elemente von Kunst und Design betrachten und Ihren kreativen Katalog beginnen. Sie werden in kürzester Zeit konsistentere Arbeit in Ihrem eigenen einzigartigen Stil machen. 2. Projekt: Dein kreativer Katalog: In dieser Klasse wird Ihr Projekt darin bestehen, einen kreativen Katalog zu erstellen, der völlig einzigartig ist, voller Bilder, die Sie in Ihrer eigenen Arbeit emulieren möchten. Dein Katalog besteht aus sieben Pinterest-Boards, die dir als zentraler Ort dienen , um ständig Bilder hinzuzufügen, zu denen du von deinen Lieblingskünstlern, Designern, Bildern, die du in deinem täglichen Leben aufgenommen hast , und sogar Bilder Ihrer eigenen Arbeit oder Skizzen. Ihr Katalog enthält auch Hinweise dazu, warum Sie Ihre Bilder und Keywords ausgewählt haben , die Ihnen vorschlagen, wie Sie sie in Ihrem eigenen Werk verwenden können. Obwohl ich Ihnen ein grundlegendes Vokabular beibringen werde, das Sie in Ihrem kreativen Katalog verwenden können, ist es wichtig, von anderen Schülern zu lernen und gemeinsam unser kreatives Vokabular zu erweitern. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihre Pinterest-Pinnwände und Notizen nach jeder Lektion in der Projektgalerie posten . Auf diese Weise erweitern wir gemeinsam unser kreatives Vokabular und inspirieren uns bei jedem Schritt des Prozesses. Nachdem Sie Ihren Katalog erstellt haben, erstellen Sie ein neues Kunstwerk, das aus drei Abschnitten Ihres kreativen Katalogs oder drei Elementen von Kunst und Design basiert . Beginnen wir mit unserem kreativen Katalog. Wenn du noch kein Pinterest-Konto hast, erhältst du eines davon, denn dort werden wir unseren Bildteil unseres Kreativkatalogs einrichten . Laden Sie dann das Arbeitsblatt für kreative Katalognotizen aus den Projektressourcen herunter, damit Sie bereit sind, Notizen zu Ihren Bildern zu machen, während wir sie durchlaufen. Als nächstes werden wir anfangen, die Elemente von Kunst und Design zu lernen , beginnend mit der Komposition. 3. Eine Thumbnail-Skizze erstellen: Lassen Sie uns eine kurze Pause machen und schauen Sie sich an, wie man Thumbnail-Skizzen erstellt. So können Sie diese im Notizenbereich Ihres Kreativkatalogs referenzieren. Die visuelle Person und Skizzen bedeuten mir oft mehr als Worte. Wenn Sie Skizzen wie diese erstellen möchten, tun Sie dies bitte. Ich würde sehr ermutigen und hier sind einige Tipps, wie Sie sie machen können. Also, wenn Sie Ihre Miniaturansichten Skizze erstellen, Sie wirklich nur wollen, indem Sie eine Grundform in der Regel ein Rechteck erstellen, das die Form des Gesamtstücks kommuniziert, und dann werden wir innerhalb dieses zeichnen. Wie sieht der Canvas aus? Normalerweise ist es ein Rechteck oder ein Quadrat. Also würde ich einfach damit beginnen, entweder ein Lineal zu bekommen oder einfach nur freie Hand. Skizzieren Sie die Grundform des Stückes. Wieder, es muss nicht perfekt sein mit irgendwelchen Mitteln, und dann wirst du das Thema finden und anfangen, das dann zu zeichnen, weil du mit ein wenig Detail beginnen und dann das viel größer machen willst , als es sein sollte und den gesamten Anteil des Stückes durcheinander bringen. Ich würde mich zuerst auf die größeren Linien konzentrieren, und so werde ich die Leinwand aufteilen, ähnlich wie sie in der Arbeit selbst aufgeteilt ist. Also mache ich das, während ich mir die Arbeit anschaue. In diesem Stück ist auf meinem Texture Board in meinem kreativen Katalog. In meinem Thumbnail werde ich mich wirklich nur auf diese Textur konzentrieren. Also hier gehen wir, fangen an, die Teile hervorzuheben, die ich darüber mag. Dies ist eine ziemlich komplizierte Komposition. Also vereinfachen ich wirklich nur für die Zwecke, Notizen zu machen. Jetzt, da ich die Hauptkomponenten habe, die die Struktur der gesamten Linien sind, die diese Komposition segmentieren, gehe ich hinein und zeichne diese kleinen Texturen, die ich genieße. Ich denke, dieses Muster an der Wand enthüllt den Rücken Spritzer der Küche ist wirklich interessant und hat diese schöne Bewegung, die etwas, das ich mitnehmen könnte. Ich könnte eine Textur ähnlich und eine meiner eigenen Werke hinzufügen, und jetzt, da ich es nur zu diesen kleinen Linien vereinfacht habe, kann ich es wirklich zu meinen eigenen machen. Dies wird nicht wie das ursprüngliche Werk aussehen , weil es nicht wie das ursprüngliche Werk aussehen sollte. Nun, da Sie Ihre Thumbnail-Skizze herausgezogen haben, verwende ich gerne nur schwärzere, ziemlich neutrale Farbe dafür. Jetzt können Sie mit einer helleren Farbe hineingehen und wirklich Notizen machen, was Ihnen besonders gefällt. Also habe ich bereits erwähnt, als ich anfing, dies zu zeichnen, dass ich die Segmentrasterzusammensetzung mochte. Ich habe diesen Aspekt wirklich bemerkt, weil ich ihn gezeichnet habe. Wenn du etwas zeichnest, verstehst du es wirklich. Normalerweise würde ich nur ein Gitter machen. Wenn es also eine ziemlich zentrierte Komposition wäre, wie das Thema direkt in der Mitte war, würde ich darauf hinweisen, indem ich eine gerade Linie über und dann eine gerade Linie hier drüber zeichne, nur um zu zeigen, dass es wirklich ist, sich alles schneidet und kommen zusammen in der Mitte, und der Weg der Komposition ist in der Mitte, oder etwas war hier, dann würde ich ein Nein und eine Linie machen, dass es aus zentriert war. Nur um nochmal, darauf hinzuweisen und hervorzuheben, ob mir das gefallen hat oder nicht. Ich denke, das Gute ist auch, dass das Designer-Gehirn in mir herauskommt. Ich könnte mir Notizen machen, was ich daran mag. Also setzen Sie Worte zu diesen verschiedenen Mustern. Vielleicht eine Vielfalt oder Muster, oder überlappende Texturen. So sind Thumbnails überhaupt nicht schwer. Sie können sie machen, was Sie wollen, um sie zu machen, solange Sie sie verstehen und verstehen, was Sie aus Werken, die existieren, in Ihre eigene Arbeit bringen wollen . Es ist, als würde man sich Notizen in einem Buch machen. Sie möchten also nicht das ganze Buch hervorheben und aufschreiben , denn das würde den Zweck der Notizen besiegen. Sie wollen nur diese Zeilen oder Sätze oder Wörter aussuchen , die Ihnen etwas bedeuten. Also, wenn man sich das Buch anschaut, erinnert man sich einfach an diese großen Konzepte. Das ist also genau das, was wir in den Miniaturansichten und im Notizenbereich Ihres kreativen Katalogs tun wollen. Als Nächstes lernen wir weiter über die anderen Elemente von Kunst und Design. 4. Komposition: Lassen Sie uns anfangen, Ihren kreativen Katalog zu erstellen, indem wir ihn in Abschnitte nach den Elementen der Kunst und des Designs aufteilen. Wir werden mit der Komposition beginnen und dann in späteren Lektionen mehr über die anderen sechs Elemente erfahren. Wir wollen wirklich jedes Element von Kunst und Design aufschlüsseln , weil es die Bausteine unseres InDesign sind. Sobald wir ein Verständnis davon bekommen, wie wir sie verwenden können und wie Künstler, die wir bewundern, sie verwendet haben, dann können wir dieses Wissen zurücknehmen, Notizen machen, was wir wollen und wie wir uns diesem Element nähern und es in unsere eigene Arbeit bringen und eine sehr einzigartige kreative Perspektive, Stimme oder Stil oder was auch immer Sie es nennen wollen, und machen konsistentere Arbeit, die wirklich widerspiegelt, wie Sie die Kunst und Design-Welt sehen. Lassen Sie uns mehr über die Komposition lernen. Sie könnten in Ihren Kunst- und Design-Klassen auf diese Begriffe gestoßen sein, aber es ist großartig, sie einfach zu überprüfen und sich an den Kern dessen zu erinnern, was Kunst und Design ausmacht. Komposition ist die Anordnung der einzelnen Elemente innerhalb eines Werkes, das ein einheitliches Ganzes bildet. Um die Komposition ein wenig weiter zu unterbrechen, ist es hilfreich, Balance, Bewegung, Einheit, Vielfalt, Proportion und Ausrichtung zu betrachten . Balance ist das visuelle Gewicht einer Komposition. Es könnte zentriert sein, zum Beispiel, es könnte weg zentriert und beunruhigend sein. Sie wollen wirklich die Regel von Dritteln betrachten, und ein visuelles Gitter in Ihrem Kopf, wenn Sie nach Gleichgewicht suchen und nur wirklich darauf schauen, was Ihre Augen zuerst zu dem gezogen, was viel von der Komposition einnimmt. Als nächstes ist Bewegung oder wie sich das Auge in der Komposition bewegt. Wieder, schauen Sie, was zuerst zieht Ihr Auge und dann, wo es als nächstes bewegt. Als nächstes ist die Einheit; verschiedene Elemente der Komposition, die so angeordnet sind, dass sie sich verbinden. Dies könnte eine visuelle Verbindung sein, die buchstäblich im Kunstwerk geschieht. Beispielsweise werden Linien gezeichnet, um miteinander zu verbinden, oder es könnte sich um eine implizite Verbindung handeln, bei der beispielsweise Ihr Auge von einer Form zu einer anderen Form bewegt und die beiden miteinander vereint. Als nächstes ist die Vielfalt, das Gegenteil von Einheit, bei der verschiedene Elemente der Komposition so angeordnet sind, dass sie sich trennen und jene Elemente betonen, die nicht verbunden sind. Als nächstes ist die Proportion oder Skala, die die Größenbeziehung der Elemente in der Komposition ist. Das könnte realistisch sein, das könnte abstrakt und dramatisch sein. Ausrichtung ist die Positionierung von Elementen einer Komposition, die Elemente verbindet. Das geht mit der Einheit zusammen, wo bestimmte Elemente vielleicht nicht buchstäblich übereinander oder nebeneinander liegen, sondern weil sie diese implizierte Linie bilden, verbinden sie sich miteinander. Nachdem wir nun einige Kernkonzepte der Komposition behandelt haben, starten wir den Kompositionsabschnitt Ihres Katalogs. Beginnen Sie mit dem Sammeln von Bildern, die veranschaulichen, wie Sie Komposition in Ihrer eigenen Arbeit verwenden möchten. Hier sind einige Tipps, wie Sie Bilder für die Komposition auswählen. Suchen Sie Ihren Lieblingskünstler und bemerken Sie, wie sie Komposition verwenden oder wenden Sie sich an die Meister der Komposition wie Caravaggio, Renoir, Georgia O'Keeffe und Degas. Denken Sie daran, die Künstler immer zu würdigen. Wenn Sie einen Künstler finden, der sie vielleicht googlen und ihre Wikipedia-Seite lesen oder ihre Website in der Geschichte lesen. Auf diese Weise kann man vielleicht etwas verstehen, das ihre Idee von Komposition oder das Element des Kunstdesigns beeinflusst hat. Zum Beispiel, war Degas war einer der ersten Künstler, die mit der Fotografie begann, so dass gab ihm wirklich eine interessante Perspektive auf Komposition. Vielleicht finden Sie etwas Interessantes darüber, wie der Künstler, den Sie mögen, dieses Element nähert, und vielleicht können Sie eine ähnliche Denkweise behalten. Suchen Sie nach den Genres, die Sie möchten. Schauen Sie sich Kunstwerke und die Genres an, die Sie interessieren, wie Malerei, Landschaftsmalerei oder Landschaftsfotografie. Von dort aus können Sie sehen, wie andere Künstler in den Genres, die Sie mögen, Komposition behandeln. Nachdem du einige Bilder auf deinem Pinterest-Board hast, werden wir es zum nächsten Stopp bringen und sie analysieren oder sezieren und notieren, wie du die Komposition verwenden möchtest. 5. Analysen von Komposition: Hier finden Sie einige Dinge, die Sie bei der Analyse Ihrer Bilder für die Komposition beachten sollten. Eins, wo ist dein Auge zuerst gezogen. Zweitens, wie sind die Elemente Platz, um zu vereinen, betonen oder Bewegung zu schaffen. Drei, sind die Elemente ausgewogen? Schauen wir uns ein Beispiel an und analysieren gemeinsam ein Bild, indem wir unsere Kernkonzepte aus der vorherigen Lektion und unsere Fragen verwenden. Dies ist ein Gemälde von einem meiner Lieblingskünstler Degas. Ich denke, es ist wirklich interessant in der Komposition, weil es fast in zwei Hälften geteilt ist, und es konzentriert sich auf einen seltsamen Winkel, den man normalerweise nicht sehen würde. Wo ist unser Auge zuerst gezogen, mein Auge als wahrscheinlich zuerst angezogen, um Köpfe zu sein , weil sie so dunkel sind und sie nehmen so viel Platz auf der unteren Hälfte der Komposition, aber auch die leichte Ballerina und ihr Kleid oben sie zieht mein Auge. Wie sind die Elemente Platz, um sich zu vereinen, hervorzuheben oder Bewegung zu schaffen? Wie ich schon sagte, die Komposition ist aufgeteilt in, fast Mitte der Komposition, und es ist die Bühnenlinie, die es teilt, so dass die Männer im Orchester wirklich betont, weil sie so groß sind, vor allem im Vergleich zu den Ballerinas und den Ballerinas, na ja, einer von ihnen blickt fast auf die Orchestergrube, aber die Gesichter der Männer sind einfach so groß, wie fast so groß wie der ganze Körper der ganzen Ballerina im Vergleich zu ihrem kleineren Kopf. Das scheint etwas weniger wichtig zu sein, und sie konzentriert sich mehr darauf, das Orchester darzustellen. Sind die Elemente ausbalanciert? Ich würde sagen, sie sind ziemlich ausgewogen. Wie ich schon sagte, die Komposition ist in zwei Hälften geteilt, also balancieren sie sich gegenseitig aus, aber der Mann im Orchester unten ist so dunkel und so schwer, es fühlt sich richtig an, dass es unten in der Komposition aber es ist immer noch ziemlich schwer und nimmt viel visuelles Gewicht, also würde ich sagen, es ist vielleicht ein wenig schwerer auf der Unterseite als auf der Oberseite. Nun, da wir uns dieses Beispielstück angesehen haben, hier sind einige Bilder aus meinem kreativen Katalog, und ich werde durchlaufen, wie intuitiv diese Bilder analysieren , wenn ich sie finde und wie ich Notizen über sie mache. Etwas zusätzlich zu dem Pinterest-Board, Ich persönlich mag nur zu tun, um visueller als Thumbnail Skizzen zu machen , so dass ich sie zeichnen und herausfinden kann , was es ist, dass ich über dieses spezifische Stück mag. Lassen Sie uns ein paar meiner Bilder sezieren. Lassen Sie uns das erste Stück von 100 und t ist von dieser Frau , die viel von der Komposition sitzt und zuerst auf ihr Gesicht gezeichnet, und dann gibt es diese wirklich schöne Wirbelbewegung, und auf und ab ihren Rücken, und dann auf und um ihren Arm, also gibt es diese Wirbelbewegung, die Sie bekommen haben und das ist wahrscheinlich mein Lieblingsteil dieses Stückes ist dynamische Bewegung, nur in der Komposition allein. Ich mag, dass es ziemlich zentriert ist, aber es ist ein wenig top schwer. Wenn wir es in diese Regel der dritten Gitter aufteilen, und dann gibt es ein wenig mehr Gewicht auf dieser rechten Seite, nur wegen der Farbe, so insgesamt ist es ziemlich ausgewogen und realistische Proportionen und die versetzt, und wenn Sie wirklich schielen und schauen Sie, Sie sehen diese schöne geformte Form, die ein weiteres Element unseres Designs ist, über das wir später sprechen werden, aber diese Elemente sind nie isoliert, sie arbeiten immer zusammen, so dass die Formen eine wirklich gute Arbeit kommuniziert diese dynamische quadratische Komposition. Schauen wir uns eine Illustration von Bürgermeister Coleman , die Teil ihrer Mädchen auf der Rasenserie ist, also erkenne ich zuerst diese Beine, die fast auf einer Y-Form mit diesem Körper sind, und Sie erkennen vielleicht nicht, dass es ein Mädchen bei der Geburt ist, weil Sie Ihr Gesicht oder irgendetwas nicht sehen können, also mag ich, dass es eine wirklich dynamische und einzigartige Perspektive einer Figur ist, und es ist ziemlich zentriert und die Komposition als auch, was ich auch mag. Hier ist ein wirklich interessanter, fast geschichtenerzählender filmischer Ansatz zur Komposition. Hier haben wir diesen Rahmen, der verblasst und wirklich diese Figur präsentiert, die in der Mitte der Komposition ist. Meine Augen zogen zuerst zu ihm, und dann schaute ich nach unten und stelle mir seine Sichtlinie vor, und dann schaue ich mich um seinen Besen herum und bemerkte, dass er sie mag. Er hat vielleicht einen schönen Kamin in einer schönen Wohnung, und dann hat er eine Katze, also lernen wir wirklich über ihn durch diese Komposition, und dann stellen wir fest, diese schönen Muster, die einfach wirklich subtil sind diese schönen Muster, die einfach wirklich subtil sind, die diese Fensterrahmen für uns zum Betrachten. Dies ist eine sehr ausgewogene, sehr zentrierte Komposition, die sehr stark ist und wirklich nur zurücktritt und die Bühne für die Geschichte bildet. Jetzt haben wir eine Komposition, die ein wenig unausgewogen ist, also haben wir dieses Mädchen oder einen Jungen, und sie sind, werden Sie mit einem Elternteil annehmen, aber der Elternteil ist tatsächlich ausgeschnitten. Der Fokus liegt wirklich auf dem Kind, und dann schauen sie natürlich auf das Gebäck in diesem Fenster. Wieder mit der Verfolgung der Sichtlinie. Dein Auge bewegt sich zuerst vom Kind bis zum Fenster. Schauen wir uns an, wie zentriert das ist. Wieder, Ich denke wirklich, die Komposition als ein wenig schwerer auf der rechten Seite, aber es ist ziemlich ausgewogen insgesamt, aber wirklich lehnte sich nach rechts, und dann haben wir ein Poster von Toulouse Lautrec. Ich liebte die dynamische Diagonalbewegung darin. Meine erste Sache, die ich mir ansehe, ist wieder ein Gesicht. Als Menschen sind wir so programmiert, dass wir sofort Gesichter erkennen, und dann bewegt sich mein Auge zu diesen dunkleren Elementen, und ich genieße wieder diese diagonale Bewegung und die Komposition, also ist die Figur, das Subjekt selbst auf der Diagonale, und dann wird der Typ ihre diagonale Richtung nachahmt, und dann zeigen seine Hände alle auf diese dynamische Weise auf sie. Es gibt diese erstaunliche Bewegung, wie sie sich vielleicht von den Händen weg bewegt und die Hände nähern sich ihr, und dann gibt es noch andere Konfetti Details im Hintergrund, die verschwinden, aber vielleicht ein Gefühl dafür geben, wo sie sind, und wenn wir uns ansehen , wie das in die Regel der Drittel zerbrochen ist, sehen wir, dass ihr Gesicht ziemlich zentriert ist, aber ein wenig weg, und dann sind diese Hände wirklich auf dieser linken Seite, aber sie enden bis Balancieren mit der Figur, die nur auf dieser rechten Seite ist, so ist es eine ziemlich ausgewogene Zusammensetzung, aber ich denke, es ist ein wenig mehr unten schwer und rechte Seite schwer, aber es schafft diese erstaunliche Bewegung für Ihr Auge, das endet sehr interessant, und erzählt eine Geschichte. Nun, da wir uns ein paar Bilder im Zusammenhang mit Komposition und einige Beispiele angesehen haben. Ich werde mein kreatives Katalognotiz-Arbeitsblatt herausziehen und einige Notizen notieren, jetzt, da ich einige Bilder durchgeschaut habe. Sie Wörter in Ihre Kataloge einfügen, werden Bilder Ihnen wirklich helfen, zu definieren, wie Sie sie in Ihrer eigenen Arbeit verwenden möchten. Als ich also über meine Bilder sprach, sie zerbrach, analysierte sie, machte Notizen mit meinen Thumbnail-Skizzen. Ich werde ein paar Notizen darüber machen, was ich mag. In diesen Bildern. Vielleicht ein konsistentes Thema sind alle diese zentriert, alle sind diagonal, dieses Ding, und so kann ich feststellen, dass später, wenn ich tatsächlich Arbeit mache, und das wird mich leiten, wie ich mein eigenes Kunstwerk zu machen. Ich sagte, ich mag zentrierte Komposition, vielleicht ein wenig zentriert. Ich mochte auch eine Geschichte erzählen Bewegung, also können diese Worte sein, oder sie können Sätze sein, ich meine alles, solange Sie erkennen, was sie bedeuten, und Sie können später Sinn daraus machen, wenn Sie tatsächlich arbeiten. Jetzt kann ich diese Schlüsselwörter später in meiner Arbeit verwenden. Als Nächstes lernen wir weiter über die anderen Elemente unseres Designs. 6. Raum: Nun, da wir uns unser erstes Element unserer InDesign-Komposition angesehen haben. Gehen wir zu unserem zweiten Raum. Raum ist die Abstände oder Bereiche um, zwischen und innerhalb von Komponenten eines Stückes. Wenn wir uns Teile der Arbeit für den Raum ansehen, ist es gut, einige verschiedene Begriffe wie positiver versus negativer Raum, geschlossener versus offener Raum, Tiefe und Dimension zu überprüfen . Positiver Raum ist der Schwerpunkt oder das Thema in der Arbeit. Während negativer Raum ist der leere Raum um das Thema herum. Offener Raum in der dreidimensionalen Kunst ist der offene oder relativ leere Teil des Werkes. Geschlossener Raum in 3D-Kunst ist die gefüllten oder festen Bereiche der Arbeit. Wenn wir über Tiefe in Bezug auf den Raum sprechen, sprechen wir über den scheinbaren Abstand von vorne nach hinten oder nahe zu weit in einem Kunstwerk. Dies wird oft als Hintergrund- und Vordergrundbeziehung oder Schärfentiefe in der Fotografie beschrieben . Sie können eine große Schärfentiefe haben, was bedeutet, dass es eine Menge Abstand zwischen dem, was Ihnen am nächsten ist, dem Vordergrund und dem, was am weitesten von Ihnen entfernt ist, dem Hintergrund. Sie können auch eine flache Schärfentiefe haben, was bedeutet, dass es so aussieht, als gäbe es nicht viel Abstand zwischen diesem Vordergrund und Hintergrund. Wir können über Dimension im Raum als Maß für räumliche Ausdehnung in Richtung, Höhe, Breite oder Tiefe nachdenken. Zweidimensionale kann eine Möglichkeit sein, ein Stück Arbeit zu beschreiben. Das bedeutet, dass es nur die Abmessungen von Höhe und Breite hat, also ist es flach. Oder wir können eine Arbeit dreidimensional nennen, mit Abmessungen von Höhe, Breite und Tiefe. Nun, da wir einige Kernkonzepte für Raum behandelt haben, starten wir den Bereich Raum Ihres kreativen Katalogs. Beginnen Sie mit dem Sammeln von Bildern, die veranschaulichen, wie Sie Raum in Ihrer eigenen Arbeit nutzen möchten. Hier sind einige Tipps, wo Sie anfangen können. Wenden Sie sich an die Meister des Weltraums, wie M. C. Escher, Saul Bass , Salvador Dali, Thomas Cole, Ansel Adams, David Turnley und Henry Moore. Sie können auch nach Kunstfeldern und Bewegungen suchen, die Sie mögen. Betrachten Sie bestimmte Kunstfelder wie Malerei oder Fotografie und schauen Sie sich bestimmte Kunstbewegungen wie Surrealismus oder Moderne an. Nachdem du einige Bilder auf deinem Pinterest-Board hast, machen wir den nächsten Schritt und analysieren sie oder sezieren sie, um sie später in deiner Arbeit zu verwenden. Hier sind einige Dinge, die bei der Analyse von Bildern auf Raum zu beachten sind. Erstens, identifizieren Sie die positiven und negativen Räume. Überwältigt man den anderen? Zweitens, ist die Tiefe und Dimension realistisch, breit oder 3D, oder abstrakt, flach in 2D? Drei, schlägt der Raum Bewegung oder eine zusätzliche Bedeutung für die Arbeit vor? Lassen Sie uns gemeinsam ein Bild mit unseren Fragen und Kernkonzepten des Raumes analysieren. Sie haben wahrscheinlich diese berühmte Arbeit von M. C. Escher gesehen . Es ist ein wirklich interessanter Blick auf positiven und negativen Raum. Beginnen wir dort, identifizieren Sie die positiven und negativen Räume. Dieses Stück ist wirklich interessant, weil sich die negativen und positiven Räume fast ändern. Zuerst kann man den positiven Raum sehen, dass die Vögel fliegen, sie sind schwarz, und dann ist der Himmel hinter ihnen weiß. Das wäre der negative Raum. Sobald Sie auf halbem Weg nach unten sind, wechselt es und die Fische sind in diesem weißen Raum. Das wird zum positiven Raum und der schwarze hinter dem Fisch wird zum negativen Raum. Es ist ein wirklich cleveres Spiel auf negativen, positiven Raum und wie verschiedene Menschen die positiven Negative interpretieren oder wie es sich im Laufe der Zeit ändern kann. Überwältigt man den anderen? Ich würde sagen, nein, sie sind sehr ausgewogen und sie ändern sich je nachdem wo Sie in das Stück schauen oder wie sich Ihr Auge durch es bewegt. Ist die Tiefe und Dimension realistisch oder abstrakt? Ich würde sagen, die Tiefe und Dimension sind sehr abstrakt. Die Fische und die Vögel sind sehr flach. Sie haben ein wenig Schattierung auf ihnen, aber es sieht definitiv nicht aus wie ein 3D-Fisch, den Sie in der Hand halten können. Der Hintergrund ist auch einfach weiß oder schlicht schwarz. Es gibt keinen Hinweis darauf, dass es tatsächlich Wasser unter den Fischen gibt, oder es gibt tatsächlich einen Himmel mit Wolken darauf hinter den Vögeln. Bedeutet dieser Raum Bewegung oder fügt Bedeutung hinzu? Wie ich bereits erwähnt habe, denke ich, dass es hier eine schöne Bewegung gibt, weil es ein sehr vorhersehbares Muster ist, dass die Fische und die Vögel bewegen. Es ist wirklich eine lustige Entdeckung, wenn sich Ihr Auge von oben nach unten bewegt und der Raum wechselt. Hier sind einige Bilder aus meinem Katalog und ich werde sehr schnell durchgehen , wie ich dies intuitiv in meiner eigenen Praxis analysiere. In dieser Abbildung mag ich die Ebenheit davon wirklich. Alles erscheint sehr flach in der Tiefe. Diese Bäume sind alle auf der gleichen Ebene. In der Ferne verschwindet nichts. Sie haben eine Variation in der Größe, aber es ist nicht konsistent genug, wo dieser eine Baum im Hintergrund wirklich klein sein könnte, verglichen mit einem riesigen Baum im Vordergrund, alles ist in diesem Muster von Bäumen, die alle sind, Ein großer Baum hier, ein kleiner Baum hier. Es macht räumlich nicht wirklich Sinn, dass es sich um eine realistische Darstellung einer Landschaft handelt. Der weiße Raum im Hintergrund ist eindeutig der negative Raum, während die Bäume im Vordergrund stehen und den positiven Raum darstellen. Ich denke, es gibt insgesamt wenig Bewegungen räumlich in diesem Stück. Nur weil es, wie ich bereits erwähnt habe, keine Bewegung vom Vordergrund in den Hintergrund mit dem Auge gibt. Alles ist auf demselben Feld. Das ermöglicht es Ihrem Auge, sich wirklich auf die Bäume zu konzentrieren. Der Hintergrund ist nur weiß. Da draußen gibt es nichts zu sehen. Sie können all diese wirklich süßen kleinen Baum Illustrationen bemerken. Das nächste Stück, das ich zu meinem Raumbrett hinzufügen wollte, war diese wirklich interessante Illustration namens Reste und hat diese extreme Ebenheit. Wie ich in der letzten Arbeit erwähnt habe, gibt es diesen klaren negativen Raum, der weiß oder Leerzeichen ist und der es den farbigen Elementen des Raums erlaubt , wirklich vorwärts bis in den Vordergrund zu bewegen. Aber es gibt diese wirklich interessante Tiefe, die mit diesen verschiedenen schattigen Elementen ins Spiel kommt . Es gibt ein paar Grundfarben, die verwendet werden, die wirklich in den Vordergrund dieses Gemäldes erscheinen , aber sie verwischen manchmal. Es kann dieses Weiß geben, aber dazwischen sind sie wirklich hell, und sie sind wirklich dunkle Bereiche, es gibt dieses Grau, das herauskommt und das die Tiefe hinzufügt, das Dimension hinzufügt. Man kann sagen, dass diese dunkleren Bereiche einen Schatten darstellen sollen. Diese breiteren Bereiche ihres Körpers und ihres Mützes sollen ein Thema darstellen, das in den Vordergrund kommt. Das dritte Stück, das ich wählte, ist rotes Zimmer. Es hat offensichtliche Ebenheit, ähnlich wie die beiden vorherigen Stücke, die ich angeschaut habe. Es bietet wirklich nicht viel Dimension, denn wie das, was ich mit den Bäumen erwähnt habe, gibt es keine Bewegung, die dir wirklich etwas darüber sagt , dass es ein echter Raum ist, in den du einziehen kannst, in den du zurückgehen kannst, weil diese Elemente werden alle so flach präsentiert. Die Farben mischen sich auch wirklich zusammen, vor allem in der Wand und dem Tisch, dass es diese Ebenheit hervorbringt, zum Beispiel, diese Wand, wenn sie wirklich in einem Raum waren, sollte wahrscheinlich eine dunklere Farbe haben, weil es weiter zurück im Weltraum. Oder es könnte eine hellere Farbe haben, aber es wäre definitiv anders als die Farbe des Tisches und das ist ein wenig verwirrend räumlich, aber es bringt diese wirklich schöne Abstraktheit zusammen , die ich wirklich wie persönlich. Dann bewirkt das, dass Ihr Auge mehr auf diese Elemente fokussiert als auf die Tatsache, dass dies ein echter Raum sein könnte oder nicht. Ihr Auge kann sich frei bewegen. Nichts ist wirklich wichtiger als die andere Sache. Sie können einige Zeit damit verbringen, die Elemente dieser Komposition gleichmäßig zu erkunden. Ich denke noch einmal, das ist eine wirklich interessante Aufgabe des positiven Raumes, der mit dem negativen Raum kommt, um etwas Stärkeres zu kommunizieren. Sofort sehe ich, was den meisten Raum der Komposition einnimmt, diese Autos. Das wird unser positiver Raum sein. Dann ist dieser weiße Bereich des Hintergrunds offensichtlich unser negativer Raum. Der weiße Hintergrund kommt herein, um den positiven Raum an bestimmten Stellen zu brechen. Ich denke, das ist wirklich ein Hinweis auf die Art des Drucks, den sie zu diesem Zeitpunkt verwendet haben könnten. Vielleicht haben sie zum Beispiel ein knappes Budget, und sie können nur eine Farbe drucken. Diese Verwendung von positivem und negativem Raum wäre wirklich wichtig um fast eine dritte Farbe mit nur Ihrer Farbe zu machen, das ist Ihr Papier, und dann Ihre Farbe, die Ihr Thema ist. Es gibt fast diese dritte Farbe hier. Aber wie auch immer, so dass vielleicht ist der Grund, warum dieser negative Raum in den positiven Raum isst. Es kommuniziert auch wirklich effektiv dieses Objekt oder diese beiden Autos gehen zurück in den Weltraum. Während dies ein ziemlich flaches Bild insgesamt ist, gibt es nur diese eine Farbe, und alles, was diese eine Farbe ist, ist auf dem gleichen Feld. Es gibt diesen Aspekt von Dimension und Tiefe, der eintritt, weil sich alles in Richtung dieser oberen Ecke bewegt. Weil es schrumpft, deutet das darauf hin, dass es wieder in den Weltraum geht , wie ich vorhin mit den Bäumen erwähnt habe. Was immer hinten ist, wäre kleiner als das, was vorne ist. Der Typ ist dabei enthalten, was ich wirklich persönlich mag. Diese ganze Komposition bewegt sich zusammen und ich denke, das ist wirklich schlau. Nachdem wir uns nun einige Bilder angesehen haben, gehen wir zu unserem nächsten Schritt und schreiben Notizen in unserem Notizen-Arbeitsblatt. Ich habe konsequent in all meinen Zeichnungen, Illustrationen, Gemälden, die ich betrachtete, war diese Ebenheit, die auch eine Abstraktheit schuf. Ich werde Notizen zu beiden machen, ich habe eine dynamische Vordergrund-, Hintergrund- oder positive, negative Raum-Beziehung gemacht. Vorschläge der Tiefe. Ich glaube nicht, dass ich insgesamt viel Tiefe mag. Ich mag es nicht, dass es super realistisch oder ich möchte mich nicht wenigstens auf diese Tiefe und Realismus konzentrieren. Ich möchte mich mehr auf Dinge wie Farbe konzentrieren, also sollte ich diese Ebenheit beibehalten, um sich auf andere Dinge zu konzentrieren und diese anderen Dinge zu erhöhen und fast den Raum zu vergessen. Wir haben die Kernkonzepte des Weltraums gelernt. Wir haben Bilder für den Weltraum gesammelt und analysiert. Wir haben einige Notizen in einer Notizen Arbeitsblätter. Gehen wir zu unserer nächsten Lektion über, die Form abdecken wird. 7. Form: Nun, da wir unsere ersten beiden Elemente, Komposition und Raum, behandelt haben , gehen wir zu unserer dritten Form. Das Formular oder die Bedingung, in der ein Objekt vorhanden ist oder angezeigt wird, ist die Form. Das klingt sehr technisch. Lassen Sie uns es in ein paar vereinfachte Begriffe aufteilen. Wir haben geometrische Form, organische Form, Dimension und Form zu berücksichtigen, während wir auf Form analysieren. Geometrische Form ist in der Mathematik definiert und haben gemeinsame Namen. Zum Beispiel Kreise oder Quadrate, und das Gegenteil von geometrischen wären organische Formen, also Formen ohne Namen, ohne Winkel oder Standards zu definieren. Das deutet auf die Natur hin. Bemaßung in Bezug auf Form spricht darüber, wie eine Form 2-dimensional sein kann und nur Länge und Breite anzeigt, oder es könnte dreidimensional sein , mit Glanzlichtern und Schatten, die mehr Tiefe zeigen. Form ist eine Form in 3-Dimension. Nachdem wir nun einige Kernkonzepte für Form behandelt haben, beginnen wir den Abschnitt Formen Ihres Katalogs. Sammeln Sie die Bilder, die veranschaulichen, wie Sie Form in Ihrer eigenen Arbeit verwenden möchten. Hier sind einige Tipps, wie Sie Bilder sammeln, wenn Sie einen Ausgangspunkt benötigen. Sehen Sie, wie Ihre Lieblingskünstler Form verwenden oder wenden Sie sich an die Meister wie Mondrian, Le Corbusier, Kandinsky, Gauguin , Kara Walker, Claes Oldenburg und Paul Klee. Sie können auch einfach nach Ihren Lieblingsformen suchen, die Sie bereits genießen und arbeiten. Nachdem du einige Bilder auf deinem Pinterest-Board gesammelt hast, gehen wir zum nächsten Schritt, der diese Bilder analysiert, um herauszuholen, was du in deinem eigenen Prozess mitnehmen möchtest. Hier sind einige Dinge, die bei der Analyse von Bildern auf Form zu beachten sind. Erstens: Identifizieren Sie die Hauptformen. Sind sie geometrisch oder organisch? Zwei: Sind die Grenzen der Form durch Linien, Werte, Farben oder Texturen definiert ? Drei, sind die Formen realistisch oder ausdrucksstark? Komplexe oder vereinfachte? Lassen Sie uns ein Bild gemeinsam mit unseren Fragen und Kernkonzepten analysieren, denn diese sind wirklich lustig Bild eines Kuchens und Kuchenstücke. Lassen Sie uns über die Formen sprechen und sie identifizieren. Zuerst sehen wir eine Reihe von Kreisen im Kuchen und in den Platten gleichmäßig verteilt. Dann gibt es eine Reihe von Dreiecken und rechteckigen Prisma in den Scheiben. Insgesamt sind die Formen ziemlich geometrisch. Wie werden die Shape-Grenzen definiert? Es gibt einige kleine Stücke von Umrissen, aber es gibt auch Schatten. Es ist eine ziemlich realistisch aussehende Darstellung von Kuchen. Sind die Formen realistisch oder ausdrucksstark, komplex oder vereinfacht? Ich denke, insgesamt ist der Ton dieses Stückes ziemlich vereinfacht, aber in Bezug auf die Form, ich denke, es ist ziemlich realistisch. Es sieht so aus, als würde man sich einen Kuchen und seine Scheiben vorstellen. Ich glaube nicht, dass hier etwas zu abstrakt ist, aber insgesamt sieht es ziemlich vereinfacht aus. Die Formen werden nur in der Komposition wiederholt, die diesen schönen Rhythmus schafft. Ich mag diesen Rhythmus wirklich und ich denke, das ist eine Technik, die ich vielleicht in meiner eigenen Arbeit verwenden könnte. Hier sind einige Bilder aus meinem Katalog und ich werde darüber sprechen wie ich diese intuitiv in meinem eigenen kreativen Prozess analysiere. Diese erste Illustration von Paul Rand, ist eine sehr abstrakte Darstellung einiger Tiere. Sofort erkenne ich, dass dies wahrscheinlich eine Katze ist und dass dies vielleicht ein Hund ist. Aber das ist eigentlich nicht so, wie eine Katze oder ein Hund im wirklichen Leben aussehen. Sie sind sehr quadriert. Sie sind sehr geometrisch geformt. Nun, nur etwas, das ich mag und das bringt eine spielerische abstrakte Qualität zu lernen. Die Formen sind sehr flach und sind einfach nur Farbblöcke, was wiederum die Einfachheit und Abstraktion darstellt, die ich mag. Als nächstes haben wir eine Illustration von Milch. Ich liebe die Mischung der geometrischen Formen mit den mehr organischen Kartons der Milch. Auch hier ist ein Beispiel für die Abstraktion und Vereinfachung. Sie sehen, dass die Schatten nur Formen sind. In Wirklichkeit würden darin mehr Tiefen vertreten sein. Es gäbe mehr eine klare Schattierung, zum Beispiel. Dann ist dies nur eine vereinfachte Form. Ich mag, dass es nur diese vereinfachte Form ist und Sie brauchen nicht all diese zusätzlichen Informationen. Dann betonen die Formen einfach die Form der gesamten Milchkartons. Es gibt einfach so viele kleine Formen innerhalb der größeren Form, zerbrochen durch das plötzliche Rechteck fast in der Mitte der Komposition. Als nächstes ist diese wunderbare Zeichnung einer Vase. Das ist wieder super vereinfacht. Es ist wirklich nur diese biologisch geformte Vase mit natürlich diesen organischen Formblättern. Dann gibt es diesen runden Tisch und runde Kreise und eine runde Frucht, die alle betonen den Kreis oder wie runde Qualität. Ich liebe es, wenn verschiedene Formen die anderen Formen innerhalb der Komposition widerspiegeln. Dies ist eine wirklich lustige Konzept-Illustration eines Schlosses. Dies hat natürlich die kleinen Formen innerhalb der Formen innerhalb der Formen innerhalb der Formen. Das könnte einfach weiter und weiter gehen. Diese super Bio, super verspielt. Keine dieser Linien und Formen sind perfekt. Ich liebe diese super einfache, aber wirklich spielerische und lustige Interpretation des Schlosses. Dann haben wir zuletzt diese Illustrationen von Frauen, die in Badeanzügen sind. Auch hier ist das realistisch genug, um dort zu sein, wo es wie der Körper einer Frau ist. Genau wie wir es tun, gab es keine Auto-Enden, aber sie sind abstrahiert und super vereinfacht. Hier geht es wirklich weniger um die gefüllten und Formen, wirklich nur ihre Badeanzüge sind gefüllt. Es geht wirklich darum, dass diese Linien zusammenkommen, um ein Oval zu machen oder ein Dreieck zu bilden. Gerade diese Vereinfachung ist etwas, das ich wirklich liebe und ich weiß, dass ich wirklich in meiner eigenen Arbeit nachahmen möchte. Ich denke, diese wenigen Bilder, die ich ausgesucht habe, haben wirklich gute Arbeit geleistet, um ein paar verschiedene Möglichkeiten für mich zu illustrieren. Nun, da wir uns einige Bilder angesehen haben, wenden wir uns erneut zu unserem Arbeitsblatt. Ich habe definitiv eine Million Mal gesagt, dass ich unvollkommene Form mag. Formen innerhalb von Formen ist etwas, das ich gerade viel gesagt habe. Vereinfacht. Sie können auch sagen, dass dies das dritte Mal ist, dass ich in meinem Notizbereich schreibe, und ich habe definitiv etwas im Sinne der vereinfachten, unvollkommenen und millionenfach abstrahiert gesagt . Ich weiß bereits, dass das die Richtung sein sollte, die ich in meinem eigenen Stil gehe. Ich werde offensichtlich schreiben. Denn manchmal sehen Sie im wirklichen Leben nicht sofort Formen innerhalb von Formen, wenn Sie ein Objekt betrachten. Aber in meinem Kunstwerk möchte ich wirklich herausziehen und Spaß mit diesen Formen haben, die interagieren, vielleicht nur innerhalb eines Objekts. Wir haben die Kernkonzepte der Form behandelt, Bilder gesammelt und analysiert und einige Notizen über Form und wie wir in unserer eigenen Arbeit verwenden wollen geschrieben. Gehen wir zu unserer nächsten Unterrichtszeile. 8. Linie: Jetzt sind wir bereit für das nächste Element von Kunst und Design, die Linie ist. Lassen Sie uns darüber gehen, welche Zeile bedeutet und einige Begriffe, die sich darauf beziehen , die uns helfen, die Linie zu beschreiben, die wir bei unserer eigenen Arbeit verwenden können. Linie ist ein identifizierbarer Pfad, der durch einen Punkt erzeugt wird, der sich im Raum bewegt. Hier sind einige Wörter, mit denen Sie Linien beschreiben können, horizontal, vertikal, diagonal, gekrümmt, Linienqualität und Umriss. Auf einer Grundebene können Linien horizontal sein, was Landschaft oder Raum oder Ruhe nahelegt. Es kann auch vertikale Linien geben, die auf Höhe, Spiritualität oder Macht hindeuten. Es kann auch diagonale Linien geben, die Bewegung vorschlagen, und ein Stück Arbeit. Es gibt gekrümmte Linien, die eine Energie oder vielleicht eine Ruhe oder Weichheit, oder Natur, ähnlich wie organische Formen. Linienqualität kann verwendet werden, um die Art einer Linie zu beschreiben , die durch ein Werkzeug oder eine Technik erstellt wurde. Linienqualität kann unter vielen anderen als dünn, dick, abwechslungsreich, gerade, kurvig, zickzackförmig, kurz, lang, schneidend oder gestrichelt beschrieben werden. Umriss ist die sichtbare Kante eines Objekts. Umrisse gibt es in der Regel nicht in der realen Welt, sondern ist oft, wie Menschen Objekte in der Kunst interpretieren. Nachdem wir nun einige Kernkonzepte für Zeile behandelt haben, starten wir den Zeilenabschnitt Ihres Katalogs. Beginnen Sie, Bilder zu sammeln, die veranschaulichen, wie Sie Linie verwenden möchten. Wenn Sie sich nicht sicher sind, finden Sie hier einige Tipps, wie Sie Bilder für Ihren Zeilenabschnitt Ihres kreativen Katalogs auswählen können. Eines der einfachsten Dinge, die Sie tun können, ist die Suche nach berühmten Künstlern, die für ihre große Verwendung von Linie bekannt sind. Leonardo Da Vinci, Henri Matisse, Jackson Pollock, Pablo Picasso, und Tinte Wash Malerei oder chinesische Kunst sind alle großartige Beispiele für einzigartige Möglichkeiten, Linie zu verwenden. Sie können auch nach den Tools und Medien suchen, die Ihnen gefallen. Suchen Sie nach Grafiken, die die Werkzeuge und Medien verwenden, die den gewünschten Linientyp erstellen. Wenn Sie zum Beispiel Bleistiftzeichnung mögen, dann suchen Sie Bleistift-Grafik, oder wenn Sie wissen, dass Sie malen mögen, dann schauen Sie nach, Gemälde. Nachdem du ein paar Bilder auf deiner Linie gesammelt hast, Pinterest Board für deinen kreativen Katalog, werden wir den nächsten Schritt machen und diese Bilder analysieren, damit wir sie sezieren und herausfinden können , wie wir diese in unserer eigenen Arbeit verwenden möchten. Hier sind einige Dinge zu beachten, wenn Sie sich Ihre Bilder für Linie ansehen. Erstens, identifizieren Sie die Linien, was ist ihre Richtung und Qualität? Zweitens, führt die Linie dein Auge um die Komposition? Machen die Linien eine Form oder fügen Bedeutung hinzu? Drei, ist die Linie offensichtlich, was auf Einfachheit und Verspieltheit hindeutet, oder sind die Linien subtil auf Realität hindeuten? Lassen Sie uns gemeinsam ein Bild analysieren, um diese Fragen zu überprüfen und sehen, wie wir unsere Kernkonzepte verwenden können, um ein Bild zu beschreiben. Hier haben wir ein wirklich mächtiges Bild von Pablo Picasso. Lassen Sie uns die Linien identifizieren und darüber sprechen , was ihre Richtung ist und was ihre Qualität ist. Dies ist ein sehr dynamisches Gemälde mit eigentlich vielen Linien. Sie sind meistens, ich würde sie als einen Umriss beschreiben. Sie sind ziemlich solide und dunkel zum größten Teil. Ihre Richtung ist überall, was dieses Gemälde so interessant und dynamisch macht. Es gibt Linien, die sich zusammen bewegen und organisch auf der Seite in den Haaren dieser Frau. Aber es gibt auch sehr geometrische und zerreißende Dreiecke in der Mitte ihres Gesichts, was ärgerlich ist, weil Sie wissen, dass es keine zufälligen Dreiecke und seltsamen geometrischen Formen in der Mitte Ihres Gesichts gibt. Sie wissen, dass dies ein abstraktes Stück ist. Du weißt, dass es etwas beunruhigend ist. Führt die Linie Ihr Auge um die Komposition? Machen die Linien eine Form oder fügen Bedeutung hinzu? Wie wir gerade gesagt haben, gibt es diese wirklich dynamische Bewegung rund um die gesamte Komposition weil die solide kühne Linie Sie um die Komposition herum führt. Es ist wie diese Achterbahn einer Linie, und das schafft diese wirklich dynamische Bewegung. Wie ich bereits erwähnt habe, die schillernden geometrischen Formen, die in der Mitte des Gesichts sind, eine Bedeutung oder eine Geschichte hinzu , dass etwas hier eindeutig nicht richtig ist. Wenn wir auch den Titel des Stückes „The Weping Woman“ betrachten, dass die Verwendung von geometrischen Linien in der Mitte der organischen Phase wirklich betont, dass sie weint, es ist etwas falsch und auch der Betrachter sollte vielleicht aufgeregt fühlen, wie Nun, gut. Ist die Linie offensichtlich auf Einfachheit und Verspieltheit hindeutet? Oder ist die Linie subtil, was auf Realität hindeutet? Wie ich fast sofort darauf hingewiesen habe, ist diese Zeile eindeutig ein Umriss. Es soll nicht realistisch sein und es ist definitiv nicht subtil. Ich würde es in diesem Fall nicht spielerisch nennen, aber ich denke, es ist sehr offensichtlich und betont die Zerstörung und das Gesicht. wir den Picasso nun gemeinsam analysiert haben, möchte ich, dass Nachdemwir den Picasso nun gemeinsam analysiert haben, möchte ich, dassSie sich diese Fragen stellen und unsere Kernkonzepte nutzen, um Ihre eigenen Bilder zu beschreiben. Ich werde Ihnen einige Beispiele von Bildern in meinem kreativen Katalog zeigen , die ich durch meine Analyse gehen werde und wie ich intuitiv herauswähle, was ich in meinem kreativen Katalog aufschreiben möchte. Diese Linien sind wirklich ausdrucksstark und kurvig und organisch über das ganze Stück, was ich wirklich mag. Es gibt eine Menge Bewegung im ganzen Stück, weil es eine solche Variation in all diesen Linien gibt , die Sie leicht durch die Pflanzen bewegen, und sogar nach unten in die Vase. Wirklich die ganze Aktion geschieht in den Blumen und den Pflanzen, denn der Umriss der Vase ist genau das, ein Umriss. Diese untere Hälfte ist super vereinfacht und nicht sehr interessant zu betrachten. Ich liebe die spielerische Qualität dieser und nur die skizzenhafte Qualität der Linien. Dieses nächste Stück liebe ich wegen der Umrisse dieser Frau, ihres Gesichts. Wieder, unvollkommene Qualität der Figur. Ich liebe es, wie das Thema, die Frau in der Mitte ist super organisch und kurvig in ihren Linien und was sie sitzt und dieses Grün im Hintergrund, betont ihre Kurvität. Es gibt sehr wenig geometrische oder gerade horizontale Linien in diesem Stück. Aber ich mag es, wie es eine subtile Verwendung dieses Gitters im Hintergrund gibt, das ein wenig geometrischer und von Menschen gemacht erscheint, während sie gerade davor sitzt. Ich liebe es, wie die Krümmung der Elemente um sie herum die Krümmung dieses Themas oder der Frau betont. Unser nächstes Stück ist eine wirklich schöne Konzeptillustration. Ich habe das für Line ausgewählt, weil es so viel Linie darin hat. Es gibt diese subtilen Linien im Hintergrund, die den Raum aufteilen und die verschiedenen Figuren im Vordergrund teilen. Es gibt auch eine schöne Verwendung von Linie in der Kleidung der Figuren. Dann gibt es eine andere, subtilere Verwendung von Line im Hintergrund, wobei diese Tänzer herumlaufen. Diese Linien sind etwas diagonaler. Dann gibt es wirklich enge Linien in dunkleren Bereichen. Dann gibt es mehr wirbelnde Linien, um verschiedene Instrumente und verschiedene Komponenten der Komposition darzustellen. Ich denke, es gibt eine wirklich gute Vielfalt an Linienarbeit in diesem. In jeder dieser Zeilen kommunizieren eine andere Sache und denken, dass macht das Stück sehr spielerisch insgesamt. Diese Linien fügen dem Frieden auch eine wirklich schöne Menge an Textur hinzu und vermitteln eine schöne Dimensionalität. Diese Skizze einiger Feigen ist wirklich schön und ausdrucksstark. Ich liebe es, wie schnell diese Linien aussehen. Es sieht wirklich handgefertigt aus und ist nicht wieder perfekt, sondern kommuniziert, was es kommunizieren soll. Es ist sehr verspielt und hat viel Bewegung. Sie können sich fast die Künstler vorstellen, kritzeln ihren Stift, um dies zu machen, was wirklich Spaß macht. Dann ist unser letztes Bild eine wirklich abstrakte lustige Darstellung eines Gesichts. Ich liebe es, wie die Linie ziemlich gerade ist. Aber dann plötzlich gibt es diese wirklich schönen Kurven, die helfen, dich zu bewegen, und fast das Ganze zusammen zu bringen, damit du sagen kannst, dass es ein Gesicht ist. Das ist wirklich verspielt und ein wenig geometrischer und einfacher als die anderen Stücke, die ich Ihnen gezeigt habe. Aber ich denke, es ist eine wirklich einfache, nette Verwendung von Line, um genau das zu kommunizieren , was Sie mit wenig Informationen kommunizieren möchten. Nun, da wir uns eine Handvoll Bilder angesehen haben, gehen wir zurück zu unserem Notizen-Arbeitsblatt, um den letzten Schritt in diesem Abschnitt unseres Katalogs abzuschließen, nämlich Notizen zu schreiben. Insgesamt mochte ich Variation in der Linienarbeit sehr. Ich mag die Linien, um etwas zu kommunizieren. Dann mag ich die Verwendung von Umrissen, die wieder auf diese abstrakten Konzepte zurückgeht, die ich mag. Ich denke, die Gliederung stellt Vereinfachung dar. Ich mag Linienarbeit, die eine Form erzeugt. Wie dieses Konzeptstück mit einer Reihe von Figuren darin , denke ich, das war eine wirklich nette Verwendung von Linie, Dinge wie ein Instrument oder wie jemandes Haar zu schaffen. Das ist etwas interessanter, als nur eine Form dort zu haben. Wir sind alle fertig, die grundlegenden Konzepte, Definitionen und die Analyse der Linie zu durchlaufen . Gehen wir zu unserem nächsten Abschnitt, der Farbe ist. 9. Farbe: Lassen Sie uns über unser fünftes Element von Kunst und Design, Farbe sprechen. Farbe ist der wahrgenommene Farbton eines Objekts. Wir können Farbe in ein paar verschiedenen Begriffen beschreiben, Farbton, Wert, Sättigung , Kontrast, Farbschema eines Werkes, oder die Stimmung und die Bedeutung, die mit Farbe in einem Stück Arbeit kommt. Farbton ist die Farbe, zum Beispiel rot. Einige grundlegende Kategorien von Farbtönen sind Primärfarben, Sekundärfarben und Tertiärfarben. Wert der Farbe ist die Helligkeit oder Dunkelheit. Zum Beispiel ist Rosa eine hellere Version von Rot, während Kastanienbraun eine dunklere Version von Rot ist. Sättigung ist die Intensität der Farbe, zum Beispiel Pastellfarben, die in der Intensität heller sind, und Primärfarben, die super intensiv sind. Kontrast ist die Werttrennung zwischen zwei oder mehr Farben. Wenn zum Beispiel Gelb, das heller ist, neben Blau liegt, das dunkler ist, wird das sehr getrennt erscheinen. Farbschema ist die Kombination von Farben, die in einem Werk verwendet werden. Es gibt eine Reihe von verschiedenen Arten von Farbschemata, über die wir sprechen können, aber ich werde nur die wichtigsten Farbschemata erwähnen, die allgemein diskutiert werden, monochromatisch, analog, kostenlos, split-komplementär, triadisch, neutral, Pastell, gedämpft, warm, kühl, hell und dunkel. Sie können jeden dieser Begriffe verwenden, um Ihnen zu helfen, zu beschreiben, was Sie in einem Farbschema mögen. Dann gibt es Stimmung und Bedeutung, wenn eine Farbe eine Emotion oder kulturelle Assoziationen innerhalb eines Werkes hervorruft. Zum Beispiel können dunkle Farben oft beunruhigend sein, Weiß kann oft Unschuld und Kultur darstellen, und Rot kann mit der Marke Coca-Cola in Verbindung gebracht werden. Nun, da wir einige Kernkonzepte und grundlegende Deskriptoren der Farbe behandelt haben, starten wir den Farbbereich Ihres Katalogs. Sammeln Sie Bilder, die veranschaulichen, wie Sie Farbe in Ihrer eigenen Arbeit verwenden möchten. Hier sind ein paar Tipps, wie Sie beginnen, Ihre Bilder für Farbe zu sammeln. Wenn ein Bild nicht sofort für dein Board in den Sinn springt, kannst du dich immer an die Meister wenden. Suchen Sie Künstler wie Henri Matisse, Cezanne, Monet, schauen Sie sich Pop-Art an, schauen Sie sich Picassos Blaue Periode an, suchen Sie nach Mark Rothkos Arbeit oder Helen Frankenthaler oder Josef Albers war wirklich groß in der Farbtheorie. Wenn Sie wissen, zu welchen Farben Sie gezeichnet werden und Sie sich hinziehen, sind die Nachschlagefarben Farbkombinationen, die die Art von Kunst schaffen, die Sie mögen. Adobe Color ist eine großartige Ressource. Es ist eine App und eine Website. Sie können Ihre eigenen Farbschemata erstellen, oder wenn Sie etwas Inspiration benötigen, können Sie ihre Bibliothek von Farbschemata durchsuchen. Nachdem du einige Bilder auf deinem Pinterest-Board gesammelt hast, werden wir in den Analyseschritt übergehen und extrahieren, was es um die Bilder geht, die du mit dir in deine eigene Arbeit mitnehmen möchtest. Einige der Fragen, die Sie berücksichtigen können, wenn Sie Ihre Bilder betrachten und sie auf Farbe analysieren, ist: Erstens, welche Farben oder Farbtöne sehen Sie? Zweitens, wie würden Sie die Farben und Farbschema im Kunstwerk beschreiben? Drei, welche Stimmung ruft das Farbschema hervor? Fügen die Farben Bedeutung hinzu? Lassen Sie uns schnell nur ein Bild zusammen analysieren , bevor wir mit Ihrem eigenen kreativen Katalog beginnen. Dies ist ein schönes helles Bild von Henri Matisse. Wir beginnen damit, welche Farben oder Farbtöne Sie sehen. Ich sehe definitiv eine Vielzahl von Farbtönen. Mit unseren Kernkonzepten, die wir früher gelernt haben, sehe ich eine gedämpfte bläuliche lila Farbe, es gibt definitiv Rot, es gibt sehr gesättigtes Gelb, da ist diese hellrosa Farbe auf ihrem Kleid, es gibt Orange, und dann gibt es auch eine ziemlich gesättigte grüne Farbe. Wie würden Sie die Farben und das Farbschema beschreiben? Ich würde dies als ein sehr gesättigtes Farbschema beschreiben. Es gibt diese gedämpfte purply blaue Farbe, aber im Allgemeinen sind die Rot, die Gelb, die Orangen und sogar das Grün sehr gesättigt. Ich denke, insgesamt ist es ein ziemlich ausgewogenes Farbschema. Es mag sogar ein wenig zu warm lehnen, aber ich denke, das Grün macht einen schönen Job, die wärmeren Farben ausbalancieren. Ich würde nicht sagen, dass es hell oder dunkel ist. Es ist wieder ausgewogen mit einigen der dunkleren Farben im Hintergrund und den helleren Farben im Vordergrund. Die Figur ist ziemlich leicht und dann ist die Basis ziemlich leicht. Welche Stimmung ruft das Farbschema hervor? Fügen die Farben Bedeutung hinzu? Für mich erinnern die Farben an diese verspielte Qualität. Wir wissen, dass der Raum in der Szene realistisch nicht so hell und farbenfroh aussieht, aber der Künstler nahm einige Freiheiten und machte dieses Regenbogenbild. Ich weiß nicht, ob das wirklich eine Bedeutung hervorruft, aber ich könnte es als ein traumhaftes Szenario interpretieren. Sobald Sie ein paar Bilder auf Ihrem Pinterest-Board für Farbe haben, würde ich Sie sehr ermutigen, diese Fragen und unsere Kernkonzepte zu verwenden , um die Bilder zu analysieren. Ich werde durch meinen Prozess sprechen, wie ich extrahiere und seziert die Bilder für Farbe. Dieses erste ist nur ein super einfaches Gemälde in einem Skizzenbuch, aber ich liebe, wie es so einfach ist und nur Farbblöcke. Die Farben sind insgesamt ziemlich gedämpft, aber es gibt diese wirklich lustige Vielfalt in Farben. Ich kann sehen, dass es schwarz, blau, diese Lachsfarbe, ein dunkleres Rosa, ein helleres Rosa, eine olivfarbene Farbe, eine dunkelviolette Farbe, und dann eine orangefarbene rostig aussehende Farbe, die es macht mehr Spaß und verspielt. Dieses nächste Bild mag ich wirklich, weil es so hell und bunt ist. Die Farben hier sind alle sehr gesättigt. Es sieht so aus, als hätte jemand die Farben direkt aus der Buntstift-Box benutzt, und sie haben sie überhaupt nicht verdünnt, also sind sie super hell und gesättigt. Wir haben diese rosa rote Farbe, die einen Großteil der Komposition einnimmt und ein Gesicht schafft, das wirklich atemberaubend ist, und offensichtlich nicht ihre tatsächliche Haarfarbe oder Hautfarbe, aber es ist wirklich lustig und ausdrucksstark. Dann haben wir sie einige blaue und grüne Blumen oder Pflanzen halten, was ein wirklich schöner Kontrast zu der roten Farbe und fast dieser ergänzenden Farbe ist. Dann hat ihre Hand wirklich große Mischung aus sowohl dem Blau, das kommuniziert fast einen Schatten, und der Rosa, die ihre Haut kommuniziert. Diese nächste Illustration eines Löwen macht wirklich Spaß denn es sind wirklich nur zwei Farben, gelb und blau, aber sie überlappen sich im Druckprozess, so dass sie ein Grün schaffen, wo sie sich überlappen, was wirklich Spaß macht, und ausdrucksvoll und verspielt. Dieses wirklich schöne Gemälde einer Frau hat so viele Farben und es ist fast wie ein Regenbogen. Sie sind ziemlich gesättigt, wenn auch wenig abgeschwächt und gedämpft. Sie sind offensichtlich kein realistischer Ausdruck dessen, wie diese Frau im wirklichen Leben aussieht, aber es ist eine wirklich schöne Darstellung der Frau und super ausdrucksstark. Diese Melone mag ich wirklich, weil sie nur ein paar Farben hat, die lila, die gelb, die dunkelblau, und dann einige rosa und lila kommen zusammen auf der Innenseite der Melone. Auch hier ist das super vereinfacht und hat wirklich nur ein paar Farben, aber sie mischen sich an bestimmten Stellen, was wirklich schön ist. Anstatt ihr eigener separater lila Streifen oder rosa Kreis zu sein, kommen sie ein wenig erhaben zusammen. Nun, da wir uns eine Handvoll Bilder angesehen haben, ist es an der Zeit, dass Sie sich Ihre Bilder ansehen, sehen, was Sie herausziehen und in Ihrer eigenen kreativen Arbeit verwenden möchten. Wir können dies leicht tun, indem wir unseren nächsten Schritt in diesem Abschnitt unseres Katalogs machen , der einige Notizen in unserem Notizen-Arbeitsblatt aufschreiben soll. Gesättigt. Dann bemerkte ich, dass ich wirklich in Richtung Farbschemata, die vielleicht mindestens vier Farben enthalten, drei oder vier Farben, ich denke, ich würde sagen, und dann bis zu vielleicht 10 Farben. Das ist, wieder, wird helfen, meine Farbschema Entscheidungen zu treffen, wenn ich gehen, um zu malen oder in der Zukunft zu zeichnen. Überlappend, Mischen von Farben wie in der Frucht, überlappend wie im Löwen, wie man wirklich nur zwei Farben verwenden kann, aber man kann sie auf verschiedene Arten miteinander mischen, um subtile verschiedene Farben zu schaffen , die alle zusammen, weil es wirklich nur die beiden Farben sind. Ich werde hier wieder Abstract hinzufügen, nur weil ich ein paar Porträts hatte, die super bunt waren und nicht unbedingt realistisch die Frauen repräsentierten. Ich schätze, ich gravitiere nicht wirklich auf eine bestimmte Farbe, aber ich könnte hier rot oder orange aufschreiben. Nun, da wir mit unseren Kernkonzepten, unserer Analyse und unserem Notizabschnitt der Farbe fertig sind , gehen wir zu unserem nächsten Abschnitt unseres kreativen Katalogs, der Textur ist. 10. Textur: Lassen Sie uns über Textur oder sechstes Element von Kunst und Design sprechen. Textur ist das visuelle Gefühl eines Stückes. Diese Textur kann real oder impliziert sein. Sie möchten über die Materialien, die Werkzeuge und die Techniken nachdenken , die alle hinter dieser Textur stehen. Wenn wir über Materialien in Bezug auf Textur sprechen, sprechen wir über das visuelle Feld, das durch die Materialien geschaffen wird, die für die Arbeit verwendet werden. Zum Beispiel eine Leinwand oder Metall. Wenn wir über Werkzeuge in Bezug auf Textur nachdenken. Wir sprechen über das visuelle Feld, das von den Werkzeugen erstellt wird, die verwendet werden, um die Arbeit zu machen. Zum Beispiel ein flacher Pinsel oder ein Fächerpinsel in der Malerei. Sie können auch über die Techniken nachdenken. Das visuelle Gefühl, das durch Techniken oder Prozesse geschaffen wird, die verwendet werden, um die Arbeit zu machen. Zum Beispiel eine Trockenpinsel-Technik oder eine Kreuzschraffurtechnik, die alle verschiedene Texturen erzeugen. wir nun die Kernkonzepte der Textur behandelt haben, beginnen wir mit dem Sammeln von Bildern, die veranschaulichen, wie Sie Textur in Ihrem kreativen Katalog verwenden möchten. Starten Sie Ihr Pinterest-Board und suchen Bildern, die die Art und Weise widerspiegeln, wie Sie Textur in Ihrem eigenen Werk verwenden möchten. Hier sind einige Tipps, mit denen Sie beginnen können, Bilder für Ihr Texturboard auszuwählen. Wenden Sie sich an die Meister. Einige Künstler, die für ihre Verwendung von Textur bekannt sind, sind Vincent van Gogh, Robert Rauschenberg, Andy Goldsworthy und Künstler der Realismus Bewegung. Suchen Sie auch nach den Medien, die Sie genießen. Suchen Sie nach Materialien, Prozessen und Werkzeugen, die die Art von Kunst schaffen, die Sie mögen. Nachdem Sie ein paar Bilder gesammelt haben, gehen Sie in den nächsten Schritt, die Analyse Ihrer Texturboard ist gehen. Einige Dinge, die Sie bei der Analyse Ihrer Bilder auf Textur beachten sollten, sind eins; beschreiben Sie, wie sich das Stück Arbeit anfühlt, zwei , welche Materialien, Werkzeuge und Techniken Ihrer Meinung nach tragen zur Textur bei? Auch wissen Sie vielleicht, welche Werkzeuge, Materialien und Techniken die Künstler verwenden, wenn Sie etwas mehr über das Bild zu recherchieren. Drei, ist die Textur auf etwas in der Welt, eine Zeitperiode oder eine Kultur hindeutet ? Gibt es mehr Kontexte hinter der Arbeit und der Textur, die Sie in Ihren eigenen Prozess integrieren könnten? Hier ist ein Beispielbild, das wir gemeinsam analysieren werden, um unsere Kernkonzepte zu wiederholen und zu zeigen, wie Sie diese Kernkonzepte mit Ihnen in Ihren eigenen Prozess nehmen können. Ich bin sicher, dass jeder mit diesem Gemälde vertraut ist, Sternennacht von Vincent van Gogh. Erstens, beschreiben, wie sich das Stück Arbeit anfühlt. Für mich fühlt sich diese Arbeit vielleicht holprig und verwirrt an. Eine implizite Textur wäre diese Weltlichkeit, weil wir wissen, dass die Farbe nicht wirklich wirbelt. Es sind nur die Effekte, die Sie von der Bewegung in den Linien und der Form erhalten. Dann sieht die eigentliche Textur so aus, als könnte die Farbe tatsächlich auf der Oberfläche der Leinwand aufgebaut werden, also ist das eine echte holprige Textur. Welche Materialien, Werkzeuge und Techniken tragen Ihrer Meinung nach zur Textur bei? Das ist ein Ölgemälde. Wir wissen, dass Van Gogh diese Impasto-Technik benutzt hat, deshalb sieht sie holprig aus. Er baute die Farbe auf der Oberfläche der Leinwand auf, um ein geschichtetes Aussehen zu erzielen. Ich gehe davon aus, dass er mit Impasto wahrscheinlich wie ein Palettenmesser oder so etwas auch auf einer Leinwand benutzt Wenn ich also ein Werk erstellen wollte, das so aussah, würde ich das im Hinterkopf behalten, die Impasto-Technik, Leinwand, Ölfarbe. Ist die Textur auf etwas in der Welt, eine Zeitperiode oder eine Kultur hindeutet ? Das ist definitiv ein Hinweis auf etwas in der Welt. Es ist, was es heißt, eine Sternennacht. Aber es ist ein wenig abstrahiert, weil eine Sternennacht nicht genau so aussieht. Es gibt einen Raum für Interpretation, den van Gogh benutzt hat. Dann wissen wir auch, weil wir das Datum kennen, an dem dieses Stück entstanden ist, dass es Teil der Post-Impressionismus-Bewegung in der modernen Kunst war. Auch wenn wir daran interessiert sind, ein Werk wie dieses zu kreieren, könnten wir mehr über moderne Künstler oder Post-Impressionismus-Kunst erforschen. Jetzt werde ich einige Beispiele für Arbeiten durchgehen , die ich in meinem eigenen kreativen Katalog für Textur habe. Ich schaue mir dieses wunderbare Stück an, vielleicht mit einer Mutter und ihrem Sohn. Vielleicht ist es ein Druck oder einfach nur eine digitale Arbeit. Es sieht insgesamt ziemlich glatt aus, aber ich liebe die Verwendung der vielen Texturen in diesem Stück. Es gibt ein wenig Linienstruktur am Himmel, insgesamt sieht der Himmel ziemlich glatt und flach aus. Aber dann sieht dieser Hintergrund weiter weg als dieser Hintergrund, weil sie durch diese zwei verschiedenen Texturen getrennt sind, die durch diese Linien erzeugt werden, die sich durchgehend bewegen. Dann treffen diese Linien auf diese Form, die noch eine andere Textur mit noch mehr dieser Linien hat, aber sie sind mehr gefüllt, um eine andere Textur zu schaffen. Dann gibt es diese karierte Textur, die dazu kommt , ein weiteres Element im Stück zu schaffen. Dann gibt es diese flache Bank, die ein wenig nicht interessant ist und nur eine einfache Form. Dann gibt es all diese flachen Blätter, die flach sind wie der Bündel und nicht super interessant, aber sie machen einen wirklich guten Job, all diese anderen Texturen zu zerbrechen. Dann haben Sie kleine Details wie die Streifen an den Beinen. Ich denke, das ist wirklich interessant für mich, weil es eine Variation von Texturen gibt , die gerade mit diesen einfachen Formen und diesem Stück erstellt wurden. Nächstes Stück ist schon ein wenig markiert. Aber das ist Linolschnitt-Druck. Auch hier gibt es nur eine Farbe und es ist nur eine Tinte. Sie müssen wirklich Tiefe und Bemaßung in einem Stück erstellen , wenn Sie nur eine Farbtinte durch verschiedene Texturen haben. Es gibt verschiedene Techniken, die hier verwendet werden. Ich bin kein Siebdrucker, also kenne ich die technischen Begriffe für sie nicht, aber es gibt diese wirklich schöne Textur, die wir hier im Hintergrund bekommen haben , von vielen dieser Formen, die zusammen kommen. Dann gibt es da noch diese klügelere, lockere Textur hier unten im Schrank. Dann gibt es eine weitere Checks Textur in diesem Handtuch , das sich vom Ofen trennt, der hier unten dunkler und mehr gefüllt ist. Dann gibt es die verschiedenen Küchenwerkzeuge, die durch ihre eigenen Texturen getrennt sind. Die Linien werden an einigen Teilen wie hier unten auf dem Schrank lockerer und dann enger andere Teile hier oben an der Ecke und das kommuniziert die verschiedenen Formen und verschiedene Objekte, die in dieser einen Komposition sind. Ich mag diese Vielfalt an Texturen, die die Textur verwenden, um Tiefe zu kommunizieren und eine Geschichte innerhalb dieser Komposition zu erzählen. Als nächstes haben wir diese verrückte Kratzkatze. Es sieht so aus, als ob dies mit Tinte erstellt wurde. Manchmal kann es ziemlich glatt aussehen, wenn die Tinte gleichmäßig verteilt und vollständig auf diese dunkleren Teile verteilt ist , und dann sieht es kratziger aus, wenn sie von den Konturen fällt, die erstellt wurden. Es sieht so aus, als hätte jemand diesen Umriss der Katze kreiert und dann wollte er diese Wut im Gesicht der Katze ausdrücken und diese Wut und den Ausdruck des Gefühls wirklich drücken,indem sie diese Wut im Gesicht der Katze ausdrücken und diese Wut und den Ausdruck des Gefühls wirklich drücken, mit dieser Tinte verrückt werden. Ich denke, das ist eine wirklich coole Aufgabe, die Stimmung und vielleicht Wut dieser Katze zu kommunizieren. Vielleicht gab es eine Trockenpinsel-Technik, die verwendet wurde, um diese Kratzer zu erzeugen und so wenig unpoliert und unvollendet aussehen, aber das macht einen wirklich guten Job, eine tiefere Bedeutung zu vermitteln. Dieses nächste Bild der Schere fühlt sich wirklich rau und fast stopfen wie. Ich liebe es, wie skizzenhaft und offen und bewegt es sich anfühlt. Vielleicht war das eine Textur, die von einem Buntstift erstellt wurde. Es fühlt sich wirklich kritzelig an, was Spaß macht. Du kannst immer noch sagen, was es ist. Es ist offensichtlich eine Schere und eine Hand, aber vereinfacht. Es ist wirklich nur auf den grundlegenden Umriss der Form der Hand und die größte Form der Schere hingewiesen , aber diese Form auf eine wirklich ausdrucksstarke Weise mit der Schnelligkeit der Markierungen zu kommunizieren. Diese Markierungen deuten auf Bewegung hin und Sie können wieder spüren, wie sich der Buntstift bewegt und ihn beobachten. Nachdem Sie sich eine Minute genommen haben, um alle meine Bilder oder vielleicht nur meine Lieblingsbilder anzusehen. Ich gehe zum letzten Schritt in diesem Abschnitt unseres kreativen Katalogs über indem ich Notizen aufschreibe oder meine kreative Formel in meinem Notizen-Arbeitsblatt aufbaue. Ich werde sagen, abwechslungsreich, weil ich diese Vielfalt in Texturen mag, um eine Geschichte zu erzählen und zu helfen, Objekte zu trennen. Ich werde auch schreiben, dass separate Objekte Komponenten Schrägstrich. Ich werde dekorativ schreiben, weil viele der Arbeiten, die ich gerade gezeigt habe, die Textur nicht wirklich viel kommuniziert. Zum Beispiel war es eine kratzige Textur, die Rinde auf einem Baum kommuniziert. Es war wie diese schnelle Bewegung, Wut ausdrückt oder einfach nur Kritzeleien, um eine Schere zu bilden. Ich sollte sagen vereinfacht und Werkzeuge und Materialien weil es keine wirklich gemischte Medien war, als ich in meinem Katalog herauszog. Es war nur ein Linolschnitt. Es war ein Medium, ein Werkzeug und Material, das verwendet wurde, um das zu schaffen, aber innerhalb dieses Werkzeugs oder Materials gab es eine Vielzahl von Texturen, die gerade durch dieses ein einfaches Werkzeug oder Material geschaffen wurden. Nachdem wir nun einige Kernkonzepte und Definitionen der Textur behandelt haben, einige unserer Bilder in unserem Texturbereich unseres kreativen Katalogs gesammelt, analysiert und ein paar Notizen gemacht haben, ist es an der Zeit, zu unserem letzten Abschnitt die Gegenstand ist. 11. Thema: Genau so sind wir auf unserem letzten Element Kunst und Design, Thema. Das Thema ist eigentlich nicht technisch ein Element von Kunst und Design, aber ich mag es, es als Abschnitt in meinem kreativen Katalog zu haben, weil, Thema ist riesig, es ist, was Sie zeichnen, es ist, was Sie fotografieren. Gegenstand ist der visuelle oder erzählerische Schwerpunkt eines Kunstwerks. Sie heraus, was Sie durch Ihre Arbeit kommunizieren wollen, denn das wird das Herzstück Ihrer Arbeit sein. Jetzt ist es Zeit für Sie, einige Bilder für Ihr Thema Pinterest Board zu sammeln und dann notieren Sie einige Notizen im letzten Abschnitt Ihres Notizen-Arbeitsblatts. Was magst du zu zeichnen, zu schießen, zu filmen, malen, zu entwerfen, sticken, was auch immer du tust. Wie porträtieren andere Künstler diese Themen oder Erzählungen? Das wird Ihnen helfen, vorwärts zu gehen und Ihre eigene Geschichte zu erstellen. Was willst du mit deiner Kunst sagen? Es ist wirklich wichtig, eine klare Botschaft in Ihrer Kunst zu haben. Sie wollen nicht, dass die Leute nicht verstehen, was Sie sagen wollen oder denken, dass Sie das Gegenteil sagen. Sie müssen Ihre visuellen Werkzeuge verwenden, um klar mit Ihrer Zielgruppe kommunizieren zu können. Sehen wir uns nun einige Beispiele dafür an, was in meinem Thema Pinterest-Board ist. Also habe ich dieses wirklich lustige Porträt dieser Frau, ich liebe nur die Gesamtkomposition davon, und wie es nicht nur dieses Gesicht in einem typischen Outfit ist, es macht wirklich Spaß, mit einem Haufen dieser Blasen drauf, und dann, auf ihrem Kopf, sind diese Blumen für Summary Zone, und vielleicht mag sie einfach wirklich Blumen und ich dachte, das war eine wirklich lustige spielerische Art, vielleicht etwas über sie zu kommunizieren. Vielleicht ist sie eine Gärtnerin und das sind ihre Blumen, und sie sind aus irgendeinem Grund nur auf ihrem Kopf. Ich habe eine andere abstrakte Farbe blockiert, cool geformte Malerei von zwei Frauen in Badeanzügen. Ich liebe es, wie abstrakt, aber einfach das ist. Ich liebe es, wie es diese kleinen Formen innerhalb der Formen gibt. Es ist fast wie ein Puzzle, das zusammen kommt, und ich liebe es einfach, wie die Frauen in der Mitte des Puzzles sind. Sie sehen nicht aus wie typische Frauen, sie sind abstrakter, aber vielleicht realistischer, sie sind nicht nur Strichfiguren. Sie sind vielleicht sogar realistischere Darstellung von Frauen als Zeitschriften. Dieses wunderbare Stück, das, Ich denke, es ist ein Poster tatsächlich, aber es zeigt nur das Alphabet und verschiedene Menschen interagieren mit den Buchstaben, Ich denke nur, es ist so lustig und verspielt, und die Farben sind wirklich hell, es nur insgesamt macht Sie wirklich glücklich, und ich bin ein Designer, so, Ich liebe Briefe und Bewässerung, so, Ich schätze diese Mischung aus Schriftzug mit Illustration. Dann ist dieses letzte Stück, das ich einfach denke, ist wirklich süß und süß und lustig. Es ist dieses Mädchen, das einen humongous Stapel Pfannkuchen isst. Obwohl Pfannkuchen wirklich nur Kritzeleien sind, was wirklich Spaß und verspielt ist, mag ich das, es ist super einfach, es ist nur dieser eine Stuhl, und dann dieser andere Stuhl und die Mädchen drauf. Es gibt wieder diesen kleinen Hinweis, dass das Pfannkuchen sind , weil es Ahornsirup zur Seite gibt, und dann sieht sie so überwältigt von all diesen Pfannkuchen auf dem Puffer. Ich liebe, dass dies eine Geschichte ist, obwohl es nur eine Szene ist, aber ich liebe die Form der Stühle, und dann die Verspieltheit ihres Gesichts, und ihr Outfit, und ihre Füße, die ineinander kommen. Lassen Sie uns mein Arbeitsblatt herausziehen, um den letzten Abschnitt auszufüllen. Eines meiner Schlüsselwörter wird Frauen sein, Buchstaben, Körper Schrägstellen kam eine Menge und nur, dass eine Handvoll von Bildern, die wir angeschaut haben, Verspieltheit, also, nicht nur ist es wichtig, dass es Frauen und Briefe können in einem meiner beteiligt sein Stücke, sollte ein Element der Verspieltheit wahrscheinlich beteiligt sein. Dann kommt natürlich immer wieder Abstraktion auf. Ehrlich, ich schätze, das ist das Wort, nach dem ich suche, also ist es ehrlich und wahrheitsgemäß, wie ich die Welt sehe. Ich mag diese Liste wirklich. Wenn Sie ein paar Sätze und Ideen für Ihr Thema Teil Ihres Arbeitsblatts haben, warum wählen Sie nicht einen oder zwei davon aus und schränken Sie es wirklich ein, so dass SieIhre neue Arbeit basierend auf Ihrer Wahl des Themas erstellenkönnen Ihre neue Arbeit basierend auf Ihrer Wahl des Themas erstellen in Ihrem kreativen Katalog, und dann erstellen wir als nächstes ein neues Stück Arbeit , das vollständig auf Ihren Notizen aus Ihrem kreativen Katalog basiert. 12. Verwende deinen Katalog: ein Element: Lassen Sie uns von der Arbeit anderer Leute sprechen und uns auf Sie und Ihren Stil konzentrieren. Ich weiß, dass wir viel Zeit damit verbracht haben, über die Elemente unseres InDesign zu lernen, und hoffentlich haben Sie mittlerweile eine Vorstellung davon, wie Sie sich jedem dieser Elemente nähern und sie in Ihrem eigenen kreativen Stil einsetzen möchten . Also haben wir alle Elemente von Kunst und Design durchlaufen und Ihren kreativen Katalog für Sie erstellt. Jetzt lassen Sie uns diesen kreativen Katalog in Gebrauch machen und etwas machen. In dieser Lektion werde ich Ihnen nur kurz zeigen, wie Sie sich auf ein Element unseres InDesign konzentrieren und mit diesem Gedanken erstellen können. Dann gehen wir zu unserem eigentlichen Projekt für die Klasse, bei dem einige verschiedene Elemente kombiniert und Ihr kreativer Katalog verwendet wird , um dieses neue Kunstwerk zu inspirieren. Ich wählte zunächst unsere Komposition aus, und ich werde diese schönen Blumen malen, die ich neben mir habe. Aber zuerst wollte ich ein paar Notizen aus meinem kreativen Katalog herausziehen. Ich möchte, dass diese Arbeit zentriert, fokussiert und einfach ist. Das sind zwei weitere Wörter, die ich aus meinem Katalog genommen habe. Wie ich bereits erwähnt, diese Worte können Sie sich als Rezept oder eine Formel für Ihre kreative Arbeit vorstellen. In diesem Fall ist dies mein Rezept zentriert, fokussiert, einfach. Das sind die drei wichtigsten Dinge, an die ich denken werde , wenn ich diese Blumen mache. Ich habe hier eine kleine Miniaturskizze, die ich wirklich schnell gemacht habe, nur damit ich eine Notiz machen kann, wie genau ich diese Komposition einrahmen möchte. Auf diese Weise werde ich nicht blind, wenn ich zu meinem leeren Laken komme. Ich denke, dass sich zunächst nur auf ein oder zwei Elemente konzentriert , ist großartig, nur um die Gewohnheit zu bekommen, Ihre Formel auszuschreiben und darauf zu verweisen, und zu sehen, wie Sie das in Ihren kreativen Prozess integrieren können. Aber es ist auch schön, einfach mit Dingen zu experimentieren. Zum Beispiel habe ich diese zentrierte Komposition in meinen Notizen geschrieben, aber vielleicht versuche ich das und vielleicht werde ich auch ein paar mehr versuchen und ich am Ende nicht wirklich interessiert an uns unter Komposition. Ich kann das aus meinem kreativen Katalog entfernen und ich muss nie wieder darüber nachdenken. diese schnellen kleinen Stücke machen, Siediese schnellen kleinen Stücke machen, nur ein oder zwei Elemente unseres InDesign studieren, wird Ihnen wirklich helfen Ihre Stimme und Ihren Stil schnell und einfach zu finden. Nun, da wir mit diesem kleinen Übungsstück begonnen haben, gehen wir zu unserem eigentlichen letzten Stück Arbeit über, basierend auf Ihrem kreativen Katalog. 13. Mehrere Elemente verwenden: Nun, da wir mit diesem kleinen Übungsstück begonnen haben, gehen wir zu unserem eigentlichen letzten Stück Arbeit über, basierend auf Ihrem kreativen Katalog. Sie sollten Ihr Medium bereits im Kopf haben. Dann hättest du auch schon ein Thema aussuchen sollen, das du gerne erkunden möchtest. Wählen Sie aus drei verschiedenen Elementen der Kunst und des Designs, die wir besprochen haben. Schau zurück auf deine Notizen, schau zurück auf deine Pinterest-Boards und gib dir eine Richtung, wohin du mit diesem neuen Stück Arbeit gehen willst. Für mein letztes Kunstwerk mache ich ein Gemälde basierend auf dem Konzept Artwork von Mary Blair, das in meinem Katalog ist, und dann ein Bild, das ich von einem Gewächshaus in einem Garten gemacht habe. Um mir dabei zu helfen, mein Kunstwerk konsistent zu gestalten, werde ich meine drei Elemente auswählen, auf die ich mich konzentrieren möchte: Komposition, Form und Farbe. Thema hier stelle ich spielerisches und abstraktes Gewächshaus in einen Garten, weil das buchstäblich ist, was ich mache und mich darauf konzentriere. Es ist nicht wirklich sein eigenes Element, aber ich habe es darauf gelegt, nur damit ich fokussiert bleiben kann. Es ist hilfreich, über zwei verschiedene Wörter oder Sätze für jedes Ihrer drei ausgewählten Elemente der Kunst aufzuschreiben , um Ihre kreative Formel zu erstellen. Rückblickend auf meinen Katalog für Komposition, zog ich zentriertes Storytelling. Form, ich wählte unvollkommene Formen innerhalb von Formen. Farbe, gesättigt und überlappend mit einem Fragezeichen, weil ich das vielleicht erkunden möchte oder ich nicht möchte. Ich werde darauf zurückverweisen, wenn ich mein Stück mache und offensichtlich Entscheidungen treffe, während ich erschaffe. Ihre Formel ist nicht das fertige Regelbuch. Es ist eine Anleitung, mit der Sie experimentieren und Ihre Wörter anpassen können, während Sie arbeiten zu jeder Zeit. Mit all diesen Schlüsselwörtern werde ich dies zur Seite schieben, während ich für Inspiration kreiere und zu ihnen zurückkehrte, wann immer ich mich verloren fühle oder ich eine weitere Richtung oder Führung brauche. Diese werden mir auch helfen, meinen Gedankengang zu begrenzen, wenn ich mache, so dass ich nicht zu überwältigt bin, wie sollte ich Pastellfarben verwenden? Nein, ich beziehe mich zurück auf das Laken. Ich benutze gesättigte Farben. Ich habe es bereits entschieden. Jetzt kann ich mich nur darauf konzentrieren, meine Arbeit zu machen. Als ich mein Gemälde zum ersten Mal skizziert habe. Ich wollte mich wirklich auf diese zentrierte Komposition konzentrieren, die ich aufgeschrieben habe, und so habe ich buchstäblich nur das Gewächshaus zentriert und angefangen, es wirklich abstrakt zu machen. Dann habe ich mit meinen Formelementen gesagt, dass ich Formen innerhalb von Formen haben wollte. Ich habe wirklich versucht, das zu schieben und dann noch weiter mit dem Pflanzengarten Thema zu schieben und die Formen Blattformen oder Blumenformen zu machen. Ich überlappte nicht wirklich die Farben so sehr, aber die Farben sehen überlappend aus, wie ich sie vermischte. Zum Beispiel habe ich das hellere Blau im Hintergrund verwendet und dann das Blau im etwas dunkleren, weniger gesättigten Blau im Haus getönt . Ich denke, dass die floralen, natürlichen, organischen Formen im Haus wirklich das Geschichtenerzählerelement verleihen. Nachdem ich meine Grundformen gemalt und mich wirklich darauf konzentrierte, meine Komposition, Form und Farbe zu nageln , die die drei Elemente waren, die ich ausgewählt habe, dachte ich, dass ich auf andere Elemente des Designs wie Linie zurückgreifen und diese zusätzlichen hinzufügen könnte Details, die mein Storytelling Wort betonen, das ich für meine Formel ausgewählt , um das letzte Stück zu verbessern. Herzlichen Glückwunsch, wir haben Ihre eigene kreative Formel basierend auf Ihrem kreativen Katalog und einem völlig neuen Kunstwerk erstellt. Posten Sie Ihre neue Arbeit und die Formel, die Sie verwendet haben, in der Projektgalerie, um zu zeigen, wie Sie Ihren kreativen Katalog zu etwas entwickelt haben , das Sie bei jedem Erstellen in Ihrem Prozess verwenden können. Lasst uns mit ein paar letzten Takeaways einschließen. 14. Taken: Herzlichen Glückwunsch dazu, Ihren kreativen Katalog zu erstellen und eine andere Technik zu lernen, die Sie in Ihrem eigenen kreativen Prozess verwenden können. Vielen Dank, dass Sie sich mir angeschlossen haben. Ich hoffe, Sie haben ein wirklich nützliches Werkzeug, das Sie während Ihres kreativen Prozesses referenzieren können , um wirklich konsistente Arbeit zu machen, die in Ihrem eigenen einzigartigen Stil ist. Ein wirklich wichtiger Takeaway von dieser Klasse ist, dass Sie alles, was Sie brauchen, um Ihre eigene einzigartige Stimme, Perspektive, Stil auszudrücken, wie auch immer Sie es nennen wollen, Sie müssen nur Notizen machen und verfolgen , was diese Dinge sind, die Ihren Stil und Ihre Perspektive ausmachen. Gemeinsam haben wir die Grundelemente unseres Designs gelernt, wie man sie in der Kunst erkennt und sie in Ihrer eigenen kreativen Arbeit verwendet, wie man ein Werkzeug entwickelt, um konsistentere Kunstwerke zu erstellen, die einzigartig für Sie sind, Ihre kreativen -Katalog, und wir haben gelernt, dass es , Stil, Stimme zu finden, wie auch immer Sie es nennen möchten, wirklich einfacher ist, Ihre kreative Perspektive, Stil, Stimme zu finden, wie auch immer Sie es nennen möchten,als Sie denken, wenn Sie es einfach in Schritte zerlegen und Werkzeuge für sich selbst erstellen , um Ihnen zu helfen, leicht Arbeit zu machen, die Ihre Stil. Laden Sie Ihren kreativen Katalog zusammen mit Ihren Notizen und Ihrer neuen Arbeit in die Projektgalerie hoch. Ich bin so aufgeregt zu sehen, welche Bilder ihr ausgesucht habt, welche Notizen ihr habt, die eure Formel ausmachen, und wie ihr das alles in einem neuen Stück zusammenfügt. Achten Sie darauf, Bewertungen zu hinterlassen und bitte folgen Sie mir für zukünftige Klassen. Vielen Dank.