Filmische Kompositionen in Video und Film beherrschen

1. Kurseinführung: Sie haben eine Kamera aufgenommen und Videos aufgenommen, aber Sie kämpfen, um das nächste Level zu erreichen und die gleichen Aufnahmen zu erzielen , die professionelle Filmemacher machen. Lassen Sie mich Ihnen ein Geheimnis erzählen, es geht nicht um Ihre Kamera, es geht nur um die Person hinter der Kamera. Hallo Jungs, mein Name ist Jordy und ich bin Filmemacher aus Belgien, aber die meisten von euch kennen mich vielleicht vom Cinecom YouTube-Kanal, wo wir alle Arten von Tutorial-Videos über Videobearbeitung und Kinematografie zu mehr als zwei Millionen Abonnenten. Jetzt sind Komposition und Kunst alles. Das ist, was große Maler auffallen, warum Sie stundenlang auf einem einzigen Bild suchen und Ihren Kiefer fallen lassen, wenn Sie ein wunderschönes Video sehen. Das ist es, was ich liebe, dir zu helfen. In dieser Klasse finden Sie 12 kurze Lektionen, die sehr praktisch und praktisch sind, so dass Sie lernen können, wie man in kürzester Zeit eine tolle Komposition zu machen. Ich werde dich nicht mit der langweiligen Theorie belästigen. Schließlich geht es beim Filmemachen um Erfahrung, und das kommt von jemandem, der drei Jahre in der Filmschule verbracht hat. Wir werden sehen, wie man die Regel der Drittel in die Praxis umsetzt, ebenso wie das goldene Verhältnis. Wir werden verschiedene Kompositionen erstellen, mit Bewegungen arbeiten und die Geschichte hinter ihnen betrachten. Am Ende der Klasse werden Sie in der Lage sein, großartige Kompositionen basierend auf Ihrer kreativen Wahl zu machen . Begleite jetzt meine Klasse und lasst uns lernen , wie man diese filmischen Kompositionen zusammen macht. Ich hoffe, Sie wieder in der ersten Lektion zu sehen. Danke fürs Zuschauen. 2. Was ist eine Komposition?: Na ja, hallo da. So toll, dass du der Klasse beigetreten bist. Ich freue mich sehr darauf, mit dir zusammenzuarbeiten und in die Welt der Kompositionen einzutauchen. Aber bevor wir das tun können, müssen wir zuerst verstehen, was genau eine Komposition ist und warum sie so wichtig ist. Also haben Sie etwas, das Sie einfangen wollen, wir nennen das Thema. Ob es sich um eine Person oder eine Landschaft handelt, es ist egal, es ist Ihr Thema. Nun gibt es verschiedene Möglichkeiten, wie Sie dieses Thema erfassen können. Sie können Ihre Kamera tief auf den Boden stellen, Sie können vergrößern oder verkleinern, vielleicht sogar bewegen Sie die Kamera. Wo platzieren Sie Ihre Motive in der Framing und wie viele Elemente involviert Sie in Ihren Aufnahmen? So viele Fragen. Zum Beispiel ist mein Subjekt Lucia. Sie wird während der gesamten Klasse helfen. Also Lucia, Studentin, Studentin, Lucia. Jetzt kann ich wählen, sie allein oder zusammen mit einem Baum in die Mitte des Rahmens zu legen. Obwohl mein Hauptthema Lucia ist, den ich filmen soll, kann ich wählen, mehr oder weniger andere Elemente in Aufnahmen hinzuzufügen. Sie haben Tausende von verschiedenen Möglichkeiten, um Ihr Thema im Video zu erfassen, aber nur einige davon sind die richtige Wahl. Sobald Sie verstehen, wie die Komposition funktioniert, kann die Entscheidung super schnell gehen. Mit viel Übung wird es eher ein Gefühl, als eine Reihe von Anweisungen zu folgen. Dass eine Art und Weise, dass verschiedene Elemente in Ihren Aufnahmen angeordnet sind, kann sich gut und entspannt oder einfach nur seltsam und irritierend anfühlen. Mit Hilfe dieses Gefühls gibt es eine Reihe von Regeln, von denen einige Sie vielleicht schon gehört haben, wie die Regel der Drittel oder die Fibonacci-Spirale, auch das goldene Verhältnis genannt, führt Nun werden diese Regeln Ihnen helfen zu definieren wo Ihr Subjekt innerhalb des Rahmens erscheinen soll, wie die Regel von Dritteln, die eine der grundlegendsten Regeln ist, die Ihnen helfen Verbessern Sie Ihre Videoarbeit drastisch, und so werden wir uns das in der nächsten Lektion genauer ansehen. Weiter oben ist der Fluss, auch ein wichtiger Bestandteil einer Komposition. Auch wenn Ihre Elemente durch die Regel von Dritteln korrekt platziert werden könnten, ist der Fluss möglicherweise vollständig deaktiviert. Flow bedeutet, wohin haben die Augen geschaut und wohin führen wir die Augen? Zum Beispiel haben wir Lucia, sehr prominent in der Aufnahme, also das ist das erste, was wir uns ansehen. Aber jetzt blickt sie über die Schulter zu Lorenzo. Oh, ja, Lorenzo, Student, Student, Lorenzo. Vielleicht wissen Sie, dass er auch von unserem YouTube-Kanal ist. immer, das zweite, was unsere Augen jetzt tun, ist, in die Richtung zu gehen , die Lucia schaut, bis wir Lorenzo erreichen. Das ist also eine Möglichkeit, Flow zu verwenden, die Augen zu lenken, um die Aufnahmen zu erforschen. Wir können dies sogar einen Schritt weiter in der Art und Weise bringen, wie wir bearbeiten, aber das ist für später in dieser Klasse. Bisher haben wir die Regeln und den Fluss. Die letzte ist die Geschichte, oder genauer gesagt, die visuelle Geschichte. Wenn sich dein Charakter einsam und traurig anfühlt, können wir das spielen. Aber wir als Filmemacher können das auch visuell zeigen. Zum Beispiel können wir Lorenzo sehr klein in einem Schuss mit viel Leerraum um ihn herum platzieren . Sie können sehen, was ich tue, genau hier, oder? In Abhängigkeit von der Geschichte, die ich zu erzählen versuche, ändere ich meine Komposition. Dies sind die drei Zutaten, die wir innerhalb dieser Klasse angehen werden, um eine Komposition zu erstellen, nämlich die Regeln, der Fluss und die Geschichte. Danke, dass Sie zugesehen haben. In der nächsten Lektion beginnen wir mit der Regel der Drittel. 3. Die Drittel-Regel: Die Regeln. Als kreativer Mensch mögen Sie vielleicht keine Regeln. Aber glauben Sie mir, die Regel der Drittel ist da, um uns besser zu verstehen, wo wir unser Thema und die verschiedenen Elemente in einem Schuss platzieren können. Grundsätzlich teilen wir den Schuss in drei Teile, sowohl horizontal als auch vertikal. Dieses Raster ist die Regel von Dritteln und oft können wir dies als Overlay auf unserer Kamera festlegen. Sogar Smartphones haben diese. Also sind Sie wahrscheinlich schon damit vertraut. Die Art und Weise, wie wir diese Richtlinien verwenden, besteht darin wichtige Elemente an diesen Linien auszurichten. Platzieren Sie beispielsweise den Horizont einer Landschaft auf einer dieser horizontalen Linien. Je nachdem, was am interessantesten ist oder was in den Aufnahmen passiert, wählen Sie die obere oder untere. Wenn Sie zum Beispiel interessante Wolken haben, wählen wir in der Regel die untere Richtlinie aus, um den Horizont zu platzieren. Wenn Sie Himmel ist nicht so interessant oder Sie haben etwas los in der Unterseite Ihres Rahmens, auf dem Gelände, Sie tun das Gegenteil. Das ist eine Entscheidung, die du treffen musst. Haben Sie Dinge wie einen Baum oder einen Berg oder irgendetwas anderes Prominentes in Ihren Aufnahmen? Versuchen Sie dann, das auch an einer der vertikalen Linien auszurichten. Es gleicht die Elemente in den Aufnahmen aus. Was wir hier tun, ist, eine Komposition zu erstellen, indem wir der Regel von Dritteln folgen, eine Person filmen, die direkt in die Kamera schaut, wir können sie in der Mitte der Aufnahmen platzieren, aber die Augen gehen auf die obere Linie. Wenn diese Person von der Linse wegschaut, gibt es eine Blickrichtung, die Richtung, die diese Person betrachtet. Wichtig ist, diesem Betrachtungsbereich Raum zu geben, und so stellen wir diese Person in diesem Beispiel unter die richtige Richtlinie. Das Platzieren Ihres Motivs auf eine Linie lenkt die Aufmerksamkeit. Wenn Sie zwei Personen gleichzeitig schießen, können Sie wählen, eine Person auf der vertikalen Linie und die andere zwischen zwei Linien zu platzieren . In diesem Fall ist Lucia prominenter als Lorenzo, wir konzentrieren uns auf sie. Sie können bereits sehen, wie wir mit der Regel der Drittel spielen können. Nun zurück zu der Idee, jemanden in die Mitte eines Schusses zu stellen, es ist keine Komposition einer Fledermaus. Aber die Art und Weise, wie das funktioniert, ist, dass Sie den Fokus in die Mitte des Shots setzen. Das ist, wo das Publikum schauen wird. Dies ist großartig für Präsentationen oder wo Sie jemanden haben direkt mit dem Publikum kommuniziert, wie ich es gerade mache. Aber wenn Sie etwas mehr Geschichte hinzufügen möchten, mehr fließen in Ihre Komposition, platzieren Sie Ihr Thema entweder auf die linke oder die rechte Zeile. Dies schafft Raum und ermöglicht es, mehr Elemente einzuführen. Wir werden sehen, wie Story und Flow genau funktioniert später in dieser Klasse. Moment ist dies die Regel von Dritteln. Ich ermutige Sie zu gehen und dies ein wenig zu üben. Dafür kannst du dein Telefon benutzen. Machen Sie ein paar Bilder oder machen Sie ein Video von Ihren Katzen oder der Straße oder einem Freund, es spielt keine Rolle, erstellen Sie ein Thema und erstellen Sie verschiedene Kompositionen mit der Regel der Drittel. Danke fürs Zuschauen. 4. Der Goldene Schnitt: Genau wie die Drittelregel ist das goldene Verhältnis eine zweite Richtlinie, um Elemente an einem Raster auszurichten. Dieses Mal sieht das Gitter ungefähr so aus, was ich sicher schon mal gesehen habe. Das goldene Verhältnis ist eine mathematische Gleichung , mit der ich dich nicht belästigen werde, aber kurz gesagt, wir teilen einen Rahmen so, dass der linke Teil ungefähr 1,6-mal größer ist als die Pendants, und wir Teilen Sie das weiter. Der rechte Teil wird nun vertikal mit dem gleichen Verhältnis von 1,6 geteilt. Der nächste Teil wird horizontal durch das gleiche Verhältnis geteilt, und das geht weiter und weiter. Schließlich können wir eine Spirale durch all diese Rechtecke zeichnen, und dies ist die berühmte Fibonacci-Spirale, benannt nach dem Mathematiker, der mit dieser Gleichung kam. Aber was ist für uns drin? Nun, das goldene Verhältnis kann überall gesehen werden. Der untere Teil Ihres Armes ist 1,6-mal größer als Ihre Hände. Das gleiche gilt für die Position Ihrer Augen, die im gleichen Verhältnis auf Ihrem Kopf liegen, die Form einer Blume, die Schale einer Schnecke (die sehr oft in diesem Beispiel verwendet wird), sogar das Sonnensystem, Galaxien oder die kleinsten Dinge wie unsere DNA. Alles im Universum scheint mit dem goldenen Verhältnis zu stehen. Was ist, wenn wir eine Komposition machen, die auch den Richtlinien des goldenen Verhältnisses folgt? Nun, wir würden mit einem sehr ausgeglichenen Schuss enden. Die Regel der Drittel ist ähnlich und auf jeden Fall aus dem goldenen Verhältnis, aber die zusätzliche Spirale hilft uns, Elemente mit einem größeren leeren Raum auszurichten. Zum Beispiel platzieren wir unser Motiv dem goldenen Verhältnis, und wir können es drehen, so dass die Spirale in den wichtigsten Bereich geht, die Augen von Lucia sind. Mit dem Rest der Spirale kann ich nach Dingen im Hintergrund oder im Vordergrund suchen, die dieser Linie folgen. Ein weiteres Beispiel ist, wo wir Lorenzo bitten, sich zu setzen. Er ist das Subjekt, also werde ich das Overlay umdrehen, um sicherzustellen, dass die Spirale wieder mit den anderen Elementen ausgerichtet ist. Wir können diese Regel auch auf Nahaufnahmen anwenden, bei denen wir einen Fokuspunkt wählen und den Rest der Elemente so ausrichten , dass er der Spirale folgt. Sie werden feststellen, dass es tatsächlich ziemlich einfach geht, denn das goldene Verhältnis ist etwas, das in unserem Alltag zurückkommt. Das ist auf den Punkt gebracht das goldene Verhältnis. Nun, Sie könnten mit der Frage stecken: Welche Regel soll ich jetzt folgen, die Regel der Drittel oder das goldene Verhältnis? Nun, beide sind gut, also gibt es nicht wirklich eine Antwort darauf. Zunächst ist es wichtig, beides zu üben. Je mehr Erfahrung Sie gewinnen, desto mehr fühlen Sie sich, welche Regel Sie folgen oder sogar mischen müssen. Ab sofort werden wir auch verschiedene Techniken miteinander kombinieren, um noch interessantere und dynamischere Aufnahmen zu erstellen. Nun, die Regel der Drittel wird vor allem in Fernseharbeit, Nachrichten, Eventvideos, täglichen Produktionen verwendet , die keine spezifische Kinematographie erfordern, weil die Ausrichtung auf die Regel der Drittel ist einfach. Mit ein wenig Übung können Sie sich die Richtlinien auswendig lernen und ohne nachzudenken, richten Sie Ihre Aufnahmen richtig aus. Das goldene Verhältnis ist etwas komplexer und wird auch als filmische Art des Compositing gesehen, da es viel mehr eröffnet, um eine visuelle Geschichte zu erzählen. Das sind die beiden größten Unterschiede. In Ordnung. Ich werde Sie wieder einladen, zu gehen und üben Sie das goldene Verhältnis, und wenn Ihre Kamera kann nicht überlagern, gibt es verschiedene Apps für Ihr Smartphone, die können. Solange Sie üben, ist Ihr Telefon ein großartiges Werkzeug dafür. Machen Sie wieder Fotos oder kurze Videoclips von Sachen, die herumliegen oder fragen Sie einen Freund und üben Sie das goldene Verhältnis ein wenig, bevor Sie zurückkommen. Denn in der nächsten Lektion werden wir einen Blick auf die Schärfentiefe werfen und wie wir diese in diese neuen Kompositionsregeln integrieren können , von denen wir gerade gelernt haben. Danke fürs Zuschauen. 5. Tiefenschärfe: Mit unserer Kamera können wir uns auf ein Thema konzentrieren diese Person scharf und den Hintergrund unscharf machen. Wir sprechen darüber, dass unser Thema im Fokus steht und der Rest unscharf ist. Die ganze Idee hinter dem Fokus ist, dass Sie mehr geschickt in Ihren Aufnahmen erstellen können. Schließlich schauen wir uns ein 2D-flaches Video an. Es scheint nicht so zu sein, als würden wir es selbst drehen, aber das Publikum nimmt das Video definitiv als zweidimensional wahr. Deshalb müssen wir als Filmemacher die Illusion schaffen , dass unsere Szene dreidimensional ist, und Fokus ist eine der Möglichkeiten, dies zu tun. Nachdem Ihr Thema im Fokus und der Hintergrund nicht, trennt sich auf zwei Ebenen, das Publikum wird einen dreidimensionalen Sinn bekommen wie Lorenzo war locker aus dem Hintergrund. Derzeit haben wir zwei Ebenen, aber wir könnten auch eine dritte hinzufügen, indem wir auch ein Vordergrundobjekt einfügen. Wir gehen jetzt von unscharf zu fokussieren und zurück zu Unschärfe. Oder wir können sogar einen Farbverlauf erfassen und einen mittleren Teil im Fokus haben. Wir fallen mit der Regel der Drittel und dem goldenen Verhältnis, wir haben nur zweidimensional gearbeitet. Mit der Schärfentiefe können wir der Komposition eine zusätzliche Dimension hinzufügen. Mit der Regel von Dritteln definieren wir, wo das Publikum betrachten soll , indem wir die Augen auf die horizontale Linie legen. Mit Fokus können wir das Thema scharf machen und so schaut das Publikum an diesem Punkt. diese beiden Techniken kombinieren, können wir unseren Fokus auf die Richtlinien legen und wirklich definieren, wo das Publikum betrachten soll. Aber auch, wir werden vermeiden, dass ein nicht fokussiertes Vordergrundelement auf den Dritteln platziert wird. In einer solchen Aufnahme fühlt es sich an, als ob wir zu viel Aufmerksamkeit auf das Vordergrundobjekt lenken wollen , das ein Fels ist. Es ist unscharf. In diesem Schuss fühlt sich irritierend. Deshalb werden wir sie neben der vertikalen Leitlinie platzieren und den Vordergrund verwenden, um den leeren Raum auszufüllen, aber nicht darauf aufmerksam zu machen. Jetzt in einigen Ausnahmen kann das nicht fokussierte Vordergrundobjekt tatsächlich wichtig sein. Wie in diesem Beispiel haben wir Lorenzo Blick auf die Landschaft und die Hintergründe. Der Hintergrund ist nicht fokussiert, da das mein Thema ist. Ich möchte meinem Publikum die Landschaft zeigen. Gleichzeitig möchte ich aber auch zeigen, dass Lorenzo diese Landschaft anschaut und diese geniesst. Er wird mehr als nur ein Vordergrundelement. Deshalb können wir ihn nicht prominenter in den Aufnahmen auf die Richtlinien zur Regel der Drittel oder sogar in der Mitte wie in diesem Beispiel platzieren. mit dem goldenen Verhältnis arbeiten, können wir diese Spirale verwenden, um diese auf eine nicht fokussierte Schulter zu platzieren und wohin Spirale geht, ersetzen Sie das und die Charakterauge, die wir im Fokus haben. Dies ist ein typischer Überschulter-Schuss. Aber wir können auch mit einem Baumzweig oder anderen Elementen als Vordergrundobjekt arbeiten und es an der Regel von Dritteln oder dem goldenen Verhältnis ausrichten. Das Tolle an einem Vordergrundelement ist, dass es oft leicht für Kunst ist, und es muss nicht immer Sinn ergeben, weil es verschwommen ist, es keine Aufmerksamkeit erregt, und man kann nicht wirklich sehen, was es ist. Hintergründe sind oft ein wenig kniffliger, aber Sie müssen sich fragen, wie wichtig ist mein Hintergrund, ist es ablenkend? Dann mach es unscharf. Ist es wichtig oder interessant? Dann legen Sie es nicht außer Fokus und erstellen Sie Tiefe mit anderen Techniken. Um zusammenzufassen, sind nicht fokussierte Elemente in der Regel eine Möglichkeit Tiefe zu erzeugen und dem leeren Raum eine Füllung hinzuzufügen. Deshalb richten wir sie an die Kompositionsregeln aus, damit sie nicht zu viel Aufmerksamkeit erregen, es sei denn, es gibt eine Ausnahme, wie wir es vorher gesehen haben. Auf diese Weise spielt die Tiefe der Felder eine wichtige Rolle bei der Erstellung einer Komposition. In der nächsten Lektion werden wir mit Farben und Belichtungen arbeiten, um eine interessantere Komposition zu erstellen. Danke fürs Zuschauen. 6. Farben und Belichtung: Farben und Belichtungsstufen funktionieren ein wenig ähnlich wie die Tiefe von Feldern. Abgesehen von der Farbe der Psychologie, sein Zweck ist es, auch Tiefe in Ihrer Szene zu schaffen. Beginnen wir mit der Belichtung, da es am einfachsten zu verstehen ist. Wenn Sie einen dunklen Hintergrund haben und Ihr Motiv auch etwas Dunkles trägt, hat alles den gleichen Ton und nichts trennt wirklich voneinander. Wenn wir das Talent bitten, etwas Helles zu tragen, ziehen wir sofort die Aufmerksamkeit auf sie. Sie taucht aus, weil sie vom Hintergrund getrennt ist. Dieses Beispiel funktioniert genauso wie ein Hintergrund ohne Fokussierung. So können wir beginnen, die gleichen Techniken anzuwenden. Wie zuvor konzentrierten wir uns auf den Hintergrund und leiteten unser Talent prominent in der Regel der Drittel. Dieses Mal werden wir alles im Fokus halten, aber stattdessen, stellen Sie sicher, dass das Talent trägt etwas Helles und entgegengesetzt zu den Hintergründen. Wenn Sie mit Vordergrundelementen arbeiten, um mehr Tiefen zu erzeugen, wäre es auch gut, sie weniger heller zu machen als das Motiv. In diesem Beispiel haben wir einen Baumzweig, der das goldene Verhältnis zu den Subjekten faltet. Wenn dies zu hell wäre, würde es zu viel Aufmerksamkeit bekommen, also arbeite mit Schatten im Vordergrund, um es mehr zu trennen. Ich denke, das ist ziemlich offensichtlich. Jetzt mit Farben, funktioniert es ein bisschen ähnlich. Wenn Sie eine bestimmte Farbpalette als Ihre Hemden wie diese gelbliche aus dem Sand haben, und das ist einfach zufällig, dass Lorenzo einen ähnlichen farbigen Pullover trug, die ganze Farbpalette ist sehr ähnlich, daher sticht nichts wirklich aus, weil . Wenn wir die Farben in den Hintergründen ändern oder zum Beispiel die Farben der Kleidung des Themas ändern, werden Sie sehen, dass Lorenzo jetzt mit seinen blauen Jacken viel besser herauskommt. Ich denke, dass das ganz offensichtlich ist. Aber sobald wir anfangen, mehr Farben zu mischen, ist es wichtig zu wissen, wofür sie stehen, damit wir eine Entscheidung treffen können , ob eine Farbe prominent ist oder nicht. Prominente Farben sind in der Regel die warmen Farben, wie gelb, orange, rot, und wir können diese wieder in Hauttönen finden, Feuer, das Sonnenlicht, etc. Dies sind helle lebendige Farben und sie ziehen die Aufmerksamkeit. Wenn wir uns das Farbrad ansehen, können wir sehen, dass alle diese Farben dicht beieinander liegen. Auf der gegenüberliegenden Seite können wir die entgegengesetzten Farben finden. Dies sind die kalten Farben, wie blau, lila, grün. Wir finden die wieder in Bäumen, im Himmel, aber auch im Schatten, in den Nächten. Wir sind in der Regel nicht auf diese Farben hingezogen. Betrachtet man dieses Beispiel, haben wir eine bläuliche Umgebung und das Talent hält ein warmes Licht. Wir werden sofort zu den Motiven gezogen, nicht nur weil es einen Farbunterschied gibt, sondern auch wegen des Farbkontrast. Die warme orange Farbe steht im Kontrast zum gegenüberliegenden Blau. Wenn wir vor einem grünen Baum oder einem Busch schießen, können wir unsere Motive knallen lassen, indem wir ihr einen roten Schal geben, das Gegenteil von Grün, das das Motiv nach vorne zieht und die Aufmerksamkeit erregt. Dies sind die Grundlagen der Farbtheorie. Nun, wie hilft uns das, eine Komposition zu erstellen? Nun, zum Beispiel, wenn wir die blaue Umwelt Tasche und das Talent mit einem warmen Licht nehmen, können wir das goldene Verhältnis verwenden und die Spirale verwenden, um die Augen des Publikums zum Talent zu führen. Was wir jetzt im Grunde tun, ist, die ganze Aufnahme interessanter und dynamischer zu machen , da das Publikum mehr zu sehen haben wird. Die Spirale führt die Augen zu den Talenten, und ich werde die Szene noch mehr brechen, aber auch ein violettes rötliches Licht im Hintergrund hinzufügen. Dies wird weniger prominent sein, weil diese Farbe näher an Blau liegt, es gibt weniger Farbkontrast, aber es sticht immer noch hervor. Das Publikum folgt der Spirale zum Thema, geht dann zurück zu den rötlichen Hintergründen und zurück zur Spirale, zurück zum Thema. Wir führen das Publikum über die gesamten Aufnahmen. Das ist eines der Stärksten, was eine Komposition tun kann, wir können uns auf ein bestimmtes Element konzentrieren oder wir können wählen, um die Augen auf einem bestimmten Pfad durch den Schuss zu führen. Jetzt werden wir viel mehr damit spielen, wenn wir anfangen werden, mit führenden Linien und Bearbeitungstechniken mit dem Punkt des Interesses zu arbeiten . Aber das ist für später. Moment möchte ich, dass Sie sich daran erinnern, dass hellere Bereiche und die warmen Farben eine größere Attraktion haben als dunklere Töne und kalte Farben. diese beiden Unterschiede kennen, können Sie entscheiden , wohin das Auge des Publikums gehen soll. Nun habe ich die Wand hinter mir blau gemalt. Das war aus einem klaren Grund, es macht mich Pop, da meine Hauttöne im Kontrast sind, auch mein rotes Hemd. Aber um den Schuss ein wenig interessanter zu machen, habe ich auch dieses warme Farbe Comeback in den Hintergründen zusammen mit anderen Farben wie Grün lassen , es lässt Sie sich umschauen. Ich habe mich entschieden, das zu tun, denn schließlich musst du mich auch für eine lange Zeit sehen, also hast du etwas zu sehen. Ich will nicht, dass du dich langweilst und wegklickst. Dies ist einer dieser kleinen Tricks, um das Publikum am Laufen zu halten. Alles klar, danke fürs Zuschauen. In der nächsten Lektion werden wir mit Perspektiven herumspielen. 7. Perspektive und Brennweite: Die Perspektive der Kamera, und das läuft darauf hinaus, wo platziere ich meine Kamera, aber auch, aus welcher Perspektive betrachten wir das Thema oder die Szene? Fangen wir wieder mit den Grundlagen an, und Sie haben wahrscheinlich schon davon gehört. In Bezug auf die Höhe gibt es in der Regel drei Standpunkte. Die erste ist die Augenhöhe, nur die Kamera auf der gleichen Höhe wie Ihr Motiv hat. Das bedeutet, dass wir nicht nach oben oder unten kippen müssen. Ein sehr neutraler Schuss ohne zu viele Geschichte dahinter, wir nivellieren mit dem Charakter, und wir betonen nichts oder ziehen jede Aufmerksamkeit auf etwas Bestimmtes. Es wird an anderen Kompositionstechniken liegen, um das wieder gutzumachen. Die zweite ist eine niedrige Perspektive. Wir werden auf das Thema schauen, das jetzt größer zu sein scheint. Nicht nur visuell, sondern auch geschichtlich weise zeigt die Person Vertrauen aus diesem Grund. Wir schauen buchstäblich nach Lucia. Normalerweise wird der Himmel einen größeren Teil der Aufnahme und weniger von der Umwelt aufnehmen , was bedeutet, dass wir mehr zu den Talenten gezogen werden. Die dritte ist eine hohe Perspektive. Das ist das Gegenteil, wir schauen nach unten auf das Talent, wir machen Lucia kleiner, verletzlicher, mehr vom Boden ist sichtbar, was auch darauf wirkt. Nun, wenn Sie Architektur oder Natur fotografieren, sind Sie in der Regel immer auf einer niedrigen Perspektive. Hier ist es in der Regel eine Frage der Distanz. Je näher man zum Beispiel an einem Baum kommt, desto mehr muss man nach oben kippen und somit wirkt der Baum größer und imposanter. Diese Aufnahme hier fühlt sich ganz anders an, als wenn wir uns von diesem Baum distanzieren. Nun, wenn es um Ihre Komposition geht, könnten wir verschiedene Dinge tun. Wenn wir zum Beispiel aus einer hohen Perspektive filmen, die Ihr Motiv klein machen, könnten wir die Augen des Talents auf die obere Führung der Drittelregel legen, aber wir könnten es auch auf die untere Führung legen. Dies gilt als falsche Komposition, da wir zu viel Platz für den Kopf schaffen. Aber aus einem Storytelling Grund könnte es funktionieren. Wir unterdrücken den Charakter noch mehr, indem wir sie auf der Unterseite einrahmen. Wir könnten sogar schwenken, um sie auch auf der Seite des Rahmens zu rahmen, enthüllt mehr von der Umgebung, so dass die Umgebung prominenter und der Charakter kleiner. Sie können sehen, wie wir eine falsche Komposition zu einem besseren Storytelling nutzen können. Die gleiche Technik kann auch mit einer niedrigen Perspektive durchgeführt werden, indem man das Motiv auf der unteren Leitlinie oder in der Mitte der Aufnahme einrahmt oder der Umgebung mehr Platz gibt. So ist jetzt nicht nur Lorenzo beeindruckend, die Umgebung ist noch mehr. Bei diesem Schuss geht es nicht nur um den Charakter, sondern auch um die Umwelt. Interessant ist, dass wir unser Subjekt aus einer niedrigen Perspektive klein fühlen können , durch die Art von Komposition, die wir erschaffen. Die Bäume im Rücken nehmen so viel in der Rahmung , dass Lorenzo sehr klein dagegen scheint. Aber er zeigt Vertrauen, weil wir aus einem niedrigen Winkel filmen, etwas, das wir nicht bekommen, wenn wir von oben filmen. Das ist im Wesentlichen die Höhe der Kamera und wie wir sie in Richtung einer Storytelling Komposition einsetzen können. Der zweite Teil der Perspektive ist die Brennweite oder mit anderen Worten, wie viel vergrößern oder verkleinern wir mit Ihrem Objektiv. Denken Sie über die folgenden, Sie können verkleinern, gehen Weitwinkel, und stehen in der Nähe des Motivs. Oder Sie können hineinzoomen , kippen und weit weg vom Motiv stehen. Beide haben einen ähnlichen Rahmen, sehen aber sehr unterschiedlich aus. In der Weitwinkelaufnahme sehen wir viel mehr vom Hintergrund und das liegt daran, dass sich unser Objektiv öffnet, wenn wir verkleinern. Was ich am Weitwinkel liebe, ist, wie es viel mehr von der Umgebung zu dem Schuss hinzufügt. Dies wird einfacher sein, wenn Sie mehr Elemente zu Ihrer Framing hinzufügen, um sie an einer Kompositionsregel auszurichten. Nun, zum Beispiel, hier haben wir ein Vordergrundelement in der Aufnahme, und sie sind auf dem goldenen Verhältnis angelegt. Dies geht viel einfacher auf einem Weitwinkelobjektiv, plus die Umgebung bekommt auch mehr Prominenz und spielt eine größere Rolle in der Aufnahme. Beim Zoomen oder Schwenken zieht sich die Perspektive zusammen, und wir sehen weniger von der Umgebung. Wir isolieren das Motiv viel mehr und da unser adaptives Feld flacher wird, ist dies großartig, um mit Vordergrundobjekten oder einem Überschulter-Shot zu arbeiten. Alles, wo der Fokus auf das Thema und die Umgebung liegt, spielt weniger eine Rolle. Nun, in Bezug auf die Bearbeitung, ist dies etwas Großartiges zu spielen. Wir könnten eine Umgebung in einem Weitwinkelschuss einführen, vielleicht ist schießen ein wenig von unten, und legen Sie den Charakter auf den Boden. Sie erforscht die Umgebung, und dann schneiden wir eine Nahaufnahme von ihr ab, weil sie jetzt vielleicht etwas sagt oder wir wollen ihre Emotion als Reaktion auf die Umwelt zeigen. Wir könnten die Kamera sogar ein wenig hochbringen, sie etwas kleiner machen, und gegenüber dem, was sie sieht, und ihrer Reaktion darauf. Eine Wahl in Bezug auf die Kameraperspektive ist also nie der Fall. Es ist immer eine Kombination von diesen, um eine interessante Bearbeitung zu erstellen, aber denken Sie an die Geschichte, die Sie versuchen, mit jedem Schuss zu erzählen , die Sie machen. Danke fürs Zuschauen. 8. Zentrierter Bildaufbau: Zentrale Komposition, eine kurze Lektion, aber es muss seine eigene Geschichte haben. Bisher haben wir zwei wichtige Kompositionsregeln gesehen, die Regel der Drittel und das goldene Verhältnis, und abgesehen von diesen beiden gibt es mehr, aber es wäre überwältigend und ehrlich gesagt nicht so interessant, alle von ihnen abzudecken , wie sie alle stammen aus dem goldenen Verhältnis oder der Regel der Drittel. Aber es gibt eine, die ihre eigene Aufmerksamkeit braucht, und das ist die zentrale Komposition. Super einfach, Sie setzen Ihr Motiv einfach in die Mitte der Aufnahmen. Wie hier steht Lorenzo in der Mitte des Rahmens. Er ist daher sehr prominent und alles dreht sich um ihn. Aber lassen Sie uns auch seine Augen in die Mitte legen, und jetzt wird es interessant. Der Schuss ist unausgewogen. Es gibt zu viel Headspace, da die Umgebung ihn kapselt und so wichtig wird wie das Subjekt . Entweder richten wir das Thema an der Seite aus, um Platz für die Umwelt zu schaffen, oder wir legen das Subjekt einfach in die Mitte, macht ihn viel stärker und prominenter. Wenn man die Augen auch in die Mitte legt, gibt es wieder Raum für die Umwelt, um ihre Geschichte zu erzählen, und ein Schuss wie dieser würde auch als kreativerer Schuss angesehen werden. Sie werden diese Art von Aufnahmen nicht oft im Fernsehen sehen, aber Sie würden sie im Film sehen. In langen Aufnahmen arbeite ich gerne mit zentraler Komposition. Definitiv, wenn wir einen Farbkontrast hinzufügen können, sehen Sie, wie prominent das Thema ist, aber gleichzeitig, wie die Umgebung spielt ihre Rolle rund um das Thema. Das ist es im Grunde. Ich wollte nur, dass Sie wissen, dass die Zusammensetzung des Zentrums keine schlechte Wahl ist nachdem Sie mich über die Verwendung der Regel der Drittel und des goldenen Verhältnisses sprechen hören, also machen Sie definitiv Gebrauch davon, wenn Sie möchten, dass Ihr Thema prominent ist. Deswegen sitze ich auch in der Mitte, ich rede mit dir. Es geht nicht um andere Elemente, sondern um mich und dich. Wir unterhalten uns. Wenn ich ein Objekt mit mir haben würde wie diesen Würfel, dann könnte ich mich auf die Regel von Dritteln und auf diesen Würfel setzen, so etwas wie dieses, wie ich über dieses Ding reden würde. So können Sie sehen, wie wir beide jetzt mit Ihnen kommunizieren. Hoffe, dass alles Sinn macht. Danke fürs Zuschauen. 9. Führende Linien: Kompositionen kommen darauf an, die Augen des Publikums zu lenken. Wollen wir, dass sie sich ein starkes Thema ansehen oder sie sich um das Bild wundern lassen? Führende Linien sind wahrscheinlich eine Technik, die am stärksten dabei ist. Was ist eine führende Linie? Im Wesentlichen ist es ein visuelles Element, das als Linie fungiert, und wenn wir dieser Linie folgen, enden wir mit dem Thema, also haben wir die Augen des Publikums zu den Themen geführt. Nun, natürlich, dieses Thema kann alles sein. Es könnte eine Person sein, in der wir einen Zweig haben, der zu ihnen führt, aber es könnte auch ein Weg sein, der zu diesem Eingang des Parks führt. Nun, da führende Linien ein so starkes Element sind, um sich auf die Themen zu konzentrieren, es daher oft verwendet, um für lange Aufnahmen zu etablieren , bei denen es nicht so einfach ist, die Motive zu lokalisieren. In Ordnung. Wir bekommen es, imaginäre Linien, die die Augen des Publikums führen. Aber genau wie alles andere in deinen Aufnahmen, sind führende Linien auch Elemente. Sie sind entweder ein Objekt oder etwas visuell, das Aufmerksamkeit erregt, und wie wir zuvor gesehen haben, haben wir zwei Kompositionsregeln, die Regel der Drittel und das goldene Verhältnis. Was wäre, wenn wir diese Vorzeigelinien auf eine dieser Kompositionen setzen würden? Dann bekommen wir einen sehr interessanten Schuss. Nehmen wir zum Beispiel die Regel von Dritteln. Wir haben hier ein paar führende Zeilen in Richtung des Themas. Wie wir sehen können, liegen diese Leitlinien auf den Führern der Drittelregel. Es ist eine ausgewogene Framing, aber wo es wirklich interessant wird, ist, wenn wir das goldene Verhältnis verwenden würden. Die Spirale, die wir hier sehen, ist eine führende Linie Wenn wir also ein Objekt finden, das irgendwie zu dieser Spirale passt, bekommen wir einen super interessanten Schuss. In diesem Beispiel haben wir Lorenzo als Subjekt, und dieser Weg hier bildet eine führende Linie, die in eine Spirale zu ihm geht, und als wir ihn in der Aufnahme entdecken, werden unsere Augen zurück zum Anfang dieses Spirale mit diesem Zweig genau hier, der eine weitere führende Linie bildet. Wir gehen zurück zum Anfang der Spirale, die uns zurück nach Lorenzo führt, und so hat der Betrachter den gesamten Schuss gesehen. Durch eine sehr einfache Kompositionstechnik haben wir die Aufnahme so interessant gemacht, dass wir uns jede Ecke des Bildes ansehen. Das bedeutet auch, dass wir diese Aufnahme länger in der Bearbeitung haben können , ohne dass es langweilig wird. Schauen Sie sich in Ihrer Umgebung um. Können Elemente verwendet werden, die eine Linie oder eine Spirale bilden? Großartig. Richten Sie das nun an die Regel der Drittel oder das goldene Verhältnis aus und Sie haben sich einen super interessanten Schuss. nun daran, dass alle anderen Techniken , die wir bisher gesehen haben, immer noch angewendet werden. Arbeiten Sie mit Schärfentiefe, Farbe , Belichtung und der Perspektive der Kamera. Bisher haben wir meistens mit Standbildern gearbeitet, also gilt alles auch für die Fotografie. In den nächsten Lektionen werden wir sehen, wie wir Bewegung in unsere Aufnahme bringen oder wie Videobearbeitung mit verschiedenen Kompositionen funktioniert. Vielleicht machen Sie eine Pause. Gehen Sie heraus und üben Sie die führenden Linien Techniken zusammen mit allen anderen Tipps, die Sie zuvor gesehen haben, und ich werde Sie in der nächsten Lektion wieder sehen. Danke fürs Zuschauen. 10. Interessensschwerpunkte: Der Punkt des Interesses, jetzt als Filmemacher und Redakteur selbst. Ich finde das eine der interessantesten Techniken, weil wir jetzt wirklich mit den Augen des Publikums herumspielen können. Was ist ein Point of Interest? Nun, es ist ein Punkt in deinen Aufnahmen, wo das Publikum anschaut. So einfach ist es. Wir haben bereits gesehen, wie wir verschiedene Kompositionstechniken verwenden können, wie zum Beispiel führende Linien, um zu bestimmen, wo das Publikum schauen sollte. Normalerweise wird das dein Thema sein, der Point of Interest. Wenn wir bearbeiten und zwei Aufnahmen haben, die einander folgen, können wir diesen Punkt von Interesse verwenden, um mit zu spielen. Zum Beispiel, wenn der Punkt des Interesses genau hier in der ersten Aufnahme liegt, bedeutet das, dass es auch auf diesen Punkten in diesen zweiten Aufnahmen beginnt und wir können es dem Publikum leicht machen, indem sicherstellen, dass die Motive in der gleichen Bereich als Punkt des Interesses der vorherigen Schüsse oder der Gegensätze. Hier wird es wirklich interessant. Wir können das Subjekt in der zweiten auf der anderen Seite des Rahmens sein. Das Publikum muss zuerst suchen, wo das Thema ist oder noch besser, wir werden führende Linien verwenden, um das Publikum zu dem neuen Punkt des Interesses zu führen. Natürlich müssen wir nicht immer mit führenden Linien arbeiten. Wir haben auch andere Techniken gesehen. Werfen wir einen Blick auf eine kleine Sequenz. Mit jedem Schuss ändern wir den Punkt des Interesses, aber wir verwenden dazu führende Linien, Schärfentiefe, Farben , Perspektive und Belichtung. Nun ist eine Änderung des Interessenpunkts auch eine psychologische Veränderung. Sehen Sie, dass wir einen Klassiker über der Schulter schießen, während wir auf die andere Person schneiden, verschiebt sich dieser Punkt von Interesse auf die andere Seite. Wir ändern nicht nur den Punkt des Interesses, wir sagen auch, hey, das ist eine andere Person, es gibt eine Veränderung, und Sie können die gleiche Technik auch für verschiedene Szenen verwenden. Wir gehen von einem Wald, wo der Punkt des Interesses liegt direkt hier auf eine Sandoberfläche, wo wir den Punkt des Interesses geändert haben. Müssen wir das jetzt immer tun? Nein, natürlich nicht. Den Point of Interest in der gleichen Gegend zu halten, hat auch seine Vorteile. Es gibt keine Veränderung. Also haben wir die beiden Schüsse mehr miteinander verknüpft. Hier siehst du Lose Lucia tief in Lorenzos Augen. Das Filmen auf klassische Art und Weise trennt sie immer noch irgendwie voneinander. Lassen Sie uns das geradeaus drehen und beide müssen jetzt in die Linse schauen. Ihr Interesse ist der gleiche, und so ist ihre Liebe auch noch mehr verbunden. Kleine Dinge wie diese können eine erstaunliche Kinematographie machen. Natürlich gibt es viel mehr als eine typische Liebesgeschichte. Werfen wir einen Blick auf die typischen Reise-Videos, wo Sie diese schnelle Bearbeitung haben. Warum funktioniert das? Wie kommt es, dass wir verstehen, was in jedem Schuss vor sich geht, obwohl es so schnell geht. Die Antwort, Point of Interest. Sehen Sie, wenn Sie zu einem Schuss schneiden, wo der Punkt des Interesses irgendwo anders liegt, dauert es einige Zeit, bis der Betrachter das bemerkt. Wir müssen sicherstellen, dass der Schuss lange genug halten, wo wir auf einen Schuss schneiden, um den Punkt des Interesses bleibt gleich. Der Betrachter versteht auch viel schneller, worum es bei der neuen Aufnahme geht, und das macht diese schnellen Bearbeitungen möglich. Jeder Schuss ist durch den Point of Interest miteinander verbunden. Während eines Shots können wir diesen Punkt von Interesse bewegen. Das ist das Schöne an Video. Wir können die Kamera oder das Motiv bewegen, und so können wir die Bearbeitung interessant halten und Betrachter nicht die ganze Zeit auf den gleichen Bereich schauen lassen. Aber mit allen Kürzungen, die wir machen, bleibt der Punkt des Interesses in der gleichen Gegend. Das ist also der Punkt des Interesses und wie wir damit herumspielen können. Es ist wichtig zu wissen, ist, dass wir zuerst einen Punkt von Interesse durch verschiedene Kompositionstechniken, die wir zuvor gesehen haben, schaffen müssen . Wir können dann zu einem neuen Schuss schneiden und den Betrachter entweder zu einem neuen Punkt des Interesses führen oder zu einem Schuss schneiden, der seinen Interessenpunkt in einem Gebiet hatte. Verwenden Sie sie mit Bedacht und zu Ihrem Vorteil. Danke fürs Zuschauen. 11. Bildbewegung: Der bemerkenswerteste Regisseur ist vermutlich Akira Kurosawa, wenn es um Bewegungen in seinen Aufnahmen geht. Es gibt einen Link zu einem YouTube-Video in den Klassennotizen hier unten, den Sie auf jeden Fall sehen sollten. Es wählte die Arbeit von Kurosawa und wie er Bewegung in eine Komposition verwandelt. Es ist wirklich interessant. Es gibt zwei Möglichkeiten, Bewegungen zu behandeln. Entweder bewegen Sie die Kamera und ändern Sie grundsätzlich die Perspektive der Aufnahmen, oder Sie halten die Kameras still und lassen Ihre Objekte bewegen. Dies könnte Ihr Talent gehen oder der Regen fallen, Rauch aus einem Schornstein kommen, usw. Wenn Sie Bewegung in Ihrem Schuss haben, verändert die Art und Weise, wie Sie Verbundwerkstoffe, zum Beispiel führende Linien. In diesem Beispiel haben wir Lucia auf der linken Seite. Hinter ihr, rechts, steht Lorenzo. Nun, wenn wir Lucia bitten, in die andere Richtung über ihre Schulter zu schauen, funktionieren ihre Augen als führende Linien, die in die Richtung gehen, wo Lorenzo steht. Während eines Shots schaffen wir neue führende Linien. Der Regen könnte auch als führende Linien fungieren. Es ermöglicht Ihnen, einen sehr prominenten Himmel zu haben, aber der Fokus geht immer noch auf das Motiv an der Unterseite des Rahmens. Wenn Sie Ihren Aufnahmen Bewegung hinzufügen, ändern wir den Punkt des Interesses, und wir können das zu unserem Vorteil nutzen. Hier steht unser Talent an einem Teich. Wir schauen uns Lucia an. Aber als sie einen Stein ins Wasser wirft, falten wir automatisch Tiefen und der Punkt des Interesses geht in ein neues und anderes Gebiet. Dies ermöglicht es uns, auf einen neuen Schuss zu schneiden oder der Punkt des Interesses liegt auf der gleichen Seite, vielleicht. Bewegung lenkt auch die Aufmerksamkeit auf sich. Sagen Sie, wir haben zwei Leute in einem Schuss. Einer von ihnen fängt plötzlich an sich zu bewegen. Ich wette, dass du das gesehen hast. Ihr Interessenpunkt war genau hier. Das ist eine weitere gute Möglichkeit, den Punkt des Interesses zu ändern. Hier, wir haben einen Schuss von Lorenzo. Er ist der Einzige im Rahmen, aber plötzlich geht jemand in den Schuss, eine neue Bewegung. Sofort ändert sich Ihr Point of Interest zu diesen Punkten. Betrachten Sie es als Verzicht. Wenn Sie in den großen Menschenmassen Aufmerksamkeit haben möchten, fangen Sie an zu springen und Ihren Arm zu winken, Sie machen Bewegungen. Wir wissen, dass wir den Punkt des Interesses durch Bewegung manipulieren können, aber Bewegung erlaubt auch etwas anderes, den Wechsel des Rahmens. Auch eine der erstaunlichen Techniken von Kurosawa. Wir können ein Talent in einem langen Schuss haben und bittet sie , auf die Kamera zu laufen und einen mittleren Schuss zu machen. Es gibt einen deutlichen Anfang und Ende der Schüsse. Wir könnten Schnitte zwischen den beiden Framings haben, oder wir hätten zu der Bewegung führen können, sie miteinander verbinden und einen Fluss erzeugen können. Eines der letzten Dinge, die ich erwähnen möchte, ist, dassman auch Overlay-Effekte wie Regen, Fackeln oder Rauch nutzenkönnte man auch Overlay-Effekte wie Regen, Fackeln oder Rauch nutzen , um Bewegung in der Postproduktion zu erzeugen. Ein Diagramm wie dieses wird interessanter, wenn es Bewegung hinzufügt , ist wie der Nebel, der durch die Szene fließt. Diese Bewegungen lassen Sie sich mehr um den Schuss wundern , während Ihre Augen in die Richtung des Nebel geschoben werden. Plötzlich wird die Umgebung wegen dieser einfachen Bewegung wichtiger. Wir machen Video, keine Fotos. Zu dem größten Vorteil, den wir haben könnten, ist die Fähigkeit, tatsächliche Bewegungen in unsere Aufnahmen hinzuzufügen. Nutzen Sie das. Lassen Sie Ihre Schauspieler sich bewegen. Erstellen Sie eine neue führende Linie, oder nutzen Sie Umweltbewegungen zu Ihrem Vorteil. Danke fürs Zuschauen. 12. Kamerabewegung: Die zweite Möglichkeit, Ihren Aufnahmen Bewegung hinzuzufügen, besteht darin, die Kamera tatsächlich zu bewegen. Was passiert, ist eine Veränderung der Perspektive, bei der wir zuerst unser Talent aus einer niedrigen Perspektive betrachten, jetzt zu einer hohen Perspektive wechseln könnte, und wie wir zuvor gesehen haben, verändert dies auch die visuelle Geschichte. Kamerabewegung geht es um Geschichte und Emotion. Jetzt können Sie Bücher darüber schreiben. In dieser Lektion möchte ich mich ausschließlich auf Kamerabewegungen und Kompositionen konzentrieren. In diesem Schuss folgen wir unserem Talent. Sie ist auf die Drittelregel gesetzt, mit dem leeren Raum vor ihr. Dies ist der Gehraum und gibt Grund dafür, warum sie vorwärts geht. Jetzt bei einer plötzlichen Bewegung hört sie auf, aber ich stelle sicher, dass ich die Kamera justiere sie auf der gegenüberliegenden Seite einrahmen. Also haben wir die Komposition während einer Aufnahme durch Kamerabewegung verändert, indem wir den leeren Raum hinter ihr haben, sagen wir: „Hey, sie hat etwas vergessen und muss zurückkehren.“ Wir ändern die visuelle Geschichte von ihr, dass sie vorwärts gehen will, bis sie zurückkehren will. Im nächsten Beispiel folgen unserem Talent zu Fuß über einen Pfad. Es gibt eine zentrale Komposition, weil es um diese Themen geht, zu einem bestimmten Zeitpunkt kommt ein zweites Talent ins Spiel. Wir haben hier zwei Möglichkeiten, entweder verbieten wir die Kamera ein wenig, um Platz für das zweite Talent zu schaffen , also haben sie beide auf beiden Seiten der Regel von Dritteln zu Fuß. Beide sind gleichermaßen wichtig, aber was, wenn wir das Talent zentriert bleiben lassen, fühlt sich die neue Person, die hereinkommt, an. Es passt nicht in eine Komposition. Es ist das Unbehagen, das so groß ist, das neue Thema ist nicht willkommen, deshalb halten wir die wichtigste Person in der Mitte und die andere ist besser, nicht hier zu bleiben. Wir verkaufen eine ganz andere visuelle Geschichte, indem einfach die Komposition ändern oder nicht ändern. Kamerabewegungen müssen nicht immer die eigentliche Kamerafahrt sein. Es kann auch eine Fokusänderung sein. Hier ist Lorenzo wieder, und wie er hinter ihm schaut, ziehen wir den Fokus, dass je nach Schuss, Sie müssen vielleicht die Rahmung anpassen, aber es ist der Fokus ziehen, der eine Bewegung in erster Linie erstellt. Wir können auch neue Elemente in die Szene mit Kamerabewegungen hinzufügen. Genau hier haben wir einen schönen Schuss, bei dem das Talent auf das goldene Verhältnis ausgerichtet ist. Wir verwenden die Spirale noch nicht wirklich, aber wir können eine Änderung daran vornehmen, wenn wir die Kamera rückwärts bewegen und ein neues Element einführen, das als diese Spirale funktionieren wird, interessant ist, dass wir zuerst den Punkt des Interesses zu diesem Thema. Wenn wir uns rückwärts bewegen und neue Elemente einführen, ändert sich der Punkt des Interesses. Dies bildet eine Spirale, der wir folgen, und der Punkt des Interesses ist zurück auf das Thema. Wir haben die Augen über die gesamten Aufnahmen geführt, so dass es sehr dynamisch ist. Wir könnten auch führende Linien hervorheben. Hier haben wir eine führende Linie, die in Richtung des Themas geht. Indem wir der Richtung dieser führenden Linien folgen, machen wir sie viel stärker. Was ich auch gerne tun möchte, ist, die Perspektive der führenden Linien zu ändern. Hier haben wir einen ziemlich flachen Schuss, wo das Talent auf einer Bank sitzt. Es ist richtig zu einer Komposition ausbalanciert und die Bank arbeitet als führende Linien. Aber wenn ich näher an diese Bank komme, wird sie dreidimensionaler und weist auf das Talent hin, wenn sie aufsteht und weggeht. Wieder, wir machen eine führende Linie stärker, warum sollten wir das tun? Nun, zunächst steht das Talent immer noch keinen wirklichen Grund dafür, dass führende Linien zu ihr gehen, aber wenn sie sich entscheidet, wegzugehen, ändern wir die Kameraperspektive machen diese Führungslinien stärker, was auf ihre Richtung. Es gibt einen dynamischeren Fluss innerhalb der Komposition. Kamerabewegung ist großartig, um Ihre Videos Tiefe und mehr Dynamik hinzuzufügen, aber denken Sie auch über die Komposition nach und dass Sie die Komposition durch Kamerabewegung ändern können . Danke fürs Zuschauen. 13. Schlussbemerkung: Wir sind am Ende des Kurses angekommen und ich hoffe wirklich , dass Sie es genossen haben und einen neuen Einblick in das Filmen gelernt haben. Jetzt Kompositionen zu machen, ist etwas, das Sie üben müssen, also ist es sehr wichtig, auszugehen und Videos zu machen. Ich habe dafür gesorgt, dass jede Lektion in dieser Klasse kurz ist, damit Sie sie beim Üben mit diesen Techniken leicht wieder beobachten können. Der beste Weg, dies zu tun, ist, eine Lektion zu beobachten und dann diese eine Technik zu praktizieren. Sie möchten das für jede Lektion innerhalb dieser Klasse tun, und wenn Sie sich bereit fühlen, können Sie beginnen, mehrere Techniken zusammen in einem kompletten Video zu kombinieren. hier auf Skillshare können Sie Ihre eigenen Projekte hochladen, und für diese Klasse möchte ich, dass Sie ein kleines Video von etwa einer Minute machen , in dem Sie verschiedene Kompositionen erstellen. Achten Sie auf Farben und Belichtung, aber denken Sie auch über Bewegungen und Point of Interest nach. Wenn Sie fertig sind, laden Sie Ihr Video hier hoch und ich gebe Ihnen gerne Feedback. Ich wünsche Ihnen in Zukunft alles Gute mit Ihrer Leidenschaft für das Filmemachen. Vielen Dank, dass Sie diese Klasse beobachtet haben, und wie immer, bleiben Sie kreativ.