DSLR-Filmemachen: Von Anfänger:innen zu Profis

1. Einführung in den Kurs: Willkommen beim DSLR-Filmschaffungskurs und ich bin sehr gespannt, dass Sie hier sind. Mein Name ist Jordy, ich bin Filmemacher aus Belgien und wir machen vor allem Werbespots, Werbefilme und Eventfilme. All unsere Arbeit wird auf DSLRs gedreht, da wir es lieben, mit diesen Kameras so sehr zu arbeiten. Sie sind kompakt, erzeugen ein tolles Image und sind super vielseitig. Jetzt kennen einige von euch mich vielleicht von YouTube. Wir betreiben auch einen Kanal namens Cinecom, wo wir alle führenden Tutorials, Kamera-Tipps, Beleuchtungstechniken und vieles mehr teilen . Wenn Sie unseren Kanal noch nicht gesehen haben, schauen Sie ihn auf jeden Fall an oder besuchen Sie einfach cinecom.net. Jetzt war ich auf der Filmschule, ich habe das Filmemachen sehr akademisch gelernt, aber danach habe ich meinen eigenen Stil sehr schnell erstellt. Ich habe über die Jahre Tonnen von Werbefilmen gemacht und habe mehr als 30 Online-Kurse für Filmemacher erstellt. Jetzt freue ich mich sehr darauf, meinen ersten DSLR-Videographiekurs zu veröffentlichen. Ich habe lange Brainstorming über diesen Kurs, und viele Stunden, Tage und Nächte gingen in die Vorbereitung. Jetzt bin ich sehr positiv über die Information und Struktur des Kurses. Ich werde Sie auf eine erstaunliche Reise professioneller DSLR-Videografie mitnehmen. Während Sie diesen Kurs verfolgen, könnte es eine gute Idee sein, auch Ihre Kamera in Ihren Händen zu haben. Dieser Kurs ist auch so gestaltet. Zum Beispiel, während ich erkläre, wie Framing funktioniert, können Sie mit üben, indem Sie einfach Ihre Kamera auf etwas auf Ihrem Schreibtisch zeigen. Der beste Weg, um neue Dinge zu lernen, ist es, es zu üben , und deshalb finde ich auch einige Aufgaben in diesem Kurs. Ich könnte Sie bitten, etwas zu filmen und einige der erläuterten Techniken auszuprobieren. Im ersten Kapitel werden wir die Grundeinstellungen einer DSLR-Kamera behandeln. Wenn Sie bereits wissen, wie ISO und Verschlusszeit funktionieren, können Sie dies überspringen, aber es ist sehr wichtig, diese Grundlagen zu verstehen , bevor wir in die visuellen Storytelling Techniken eintauchen. Außerdem könnten Sie auf ein paar neue Dinge stoßen, damit es nie schaden kann, sich zu wiederholen. In Kapitel 2 gehen wir über diese Techniken und werfen einen Blick darauf wie Framing funktioniert und wie verschiedene Aufnahmen miteinander verbunden werden, um Ihren Filmen zwei mehr Dynamik zu verleihen. Ab Kapitel 3 werden einige fortschrittlichere Techniken wie tiefe Psychologie hinter Kamerabewegungen behandelt. Ich werde Ihnen helfen, zu entscheiden, ob Sie auf einem Stativ oder einfach nur Handheld filmen , und wie Sie gut aussehende Handaufnahmen erstellen. Schließlich schalten wir die Lichter ein und sehen, wie wir Ihren Aufnahmen mehr Tiefen und Emotionen hinzufügen können. Jetzt triffst du dafür keine teuren Lichter. Licht ist überall, egal ob es sich um die Sonne oder eine praktische Beleuchtung in Ihrem Wohnzimmer handelt. Indem Sie wissen, wie es funktioniert, wissen Sie, wo die Kamera in Position zu den verfügbaren Lichtern platziert werden soll. Wenn Sie nun während oder nach diesem Kurs Fragen auftauchen, nutzen Sie bitte die Diskussionsforen und ich werde versuchen, Ihnen so schnell wie möglich weiterzuhelfen. Wenn Sie sich diesen Kurs von 5daydeal oder einer anderen Promotion ansehen, dann können Sie uns immer über soziale Medien kontaktieren, egal ob in der Beschreibung oder in einer Textdatei, die mit diesem Kurs geliefert wurde, finden Sie alle Links darin. Aber genug mit dieser Einführung jetzt. Lasst uns in den Kurs eintauchen. 2. Die Blende: Hey, Jungs. Willkommen zum ersten Kapitel. Wir haben hier sechs Lektionen, die die grundlegende Funktionalität Ihrer DSLR-Kamera abdecken . Die Dinge könnten hier etwas technisch werden, aber es ist wichtig, dass Sie hier alles verstehen , bevor wir über Kinematographie sprechen können. Der erste Schritt, den Sie tun müssen, ist, Ihre Kamera in den manuellen Modus zu versetzen. Sie wollen die Kontrolle über Ihre Kamera haben , damit Sie nicht nur technische Entscheidungen, sondern auch künstlerische Entscheidungen treffen können. Eine der wichtigsten Einstellungen ist die Belichtung, oder mit anderen Worten, die Menge an Licht, die erfasst wird. Wenn Sie zu viel Licht hereinlassen, werden Ihre Aufnahmen überbelichtet aussehen und wenn Sie zu wenig Licht hereinlassen, sind sie unterbelichtet. Ihre DSLR-Kamera verfügt über drei Einstellungen, die die Belichtung steuern, d. h. die Blende, die ISO und die Verschlusszeit. Alle drei können mehr oder weniger Lichter einlassen, aber wenn sie dies tun, erzeugen sie auch etwas Extra. Deshalb ist es sehr wichtig, das richtige Gleichgewicht zwischen diesen drei zu finden. Für jedes Shooting werden diese drei Steuerelemente unterschiedlich sein , je nachdem, welchen Film Sie angeschaut haben möchten. Beginnen wir für diese Lektion mit der Blende. Die Blende ist ein mechanisches Tor innerhalb der Linse. Die meiste Zeit wird es elektronisch über ein Zifferblatt am Kameragehäuse gesteuert. Wenn Sie manuelle Objektive wie ich verwenden, müssen Sie einen Ring an Ihrem Objektiv zu nahe drehen oder die Blende öffnen. Offensichtlich, je größer die Öffnung der Blende ist, desto mehr Licht wird in die Kamera eindringen und je mehr Sie die Blende schließen, weniger Licht wird durch. Nun steuert die Blende auch die Tiefe der Felder und um dies besser zu visualisieren, haben wir ein Bild von einem Lineal gemacht. Sie können feststellen, dass die Aufnahme auf der linken Seite einen sehr kleinen Fokusbereich hat. Dies ist der Bereich, der scharf oder im Fokus betrachtet wird. Das Bild auf der rechten Seite hat einen viel größeren Fokusbereich. Sie können mehr Zahlen lesen, mehr Dinge sind scharf. Dieses Bild wird mit einer geschlossenen Blende aufgenommen. Weniger Licht wird in die Kamera und Ihr Fokusfeld eindringen, oder eine Schärfentiefe ist größer. Das Bild auf der linken Seite hat eine weiße offene Blende. Mehr Licht dringt in die Kamera ein und die Schärfentiefe ist kleiner. Was bedeutet das bei tatsächlichen Aufnahmen in den Feldern? Tja, wir treffen Kim. Sie wird das Vorbild für die meisten Praktiken in diesem Kurs sein. Sie arbeitet an ihrem Schreibtisch und wir machen mehrere Aufnahmen von ihr, um die Szene einzufangen. Hier in diesem ersten Beispiel haben wir unsere Blende geschlossen. Achten Sie nun auf den Hintergrund, Sie werden feststellen, dass fast alles scharf oder scharf ist. Dann, wenn wir das zweite Beispiel verwenden, filme ich mit meiner Blende weit offen. Der Hintergrund ist nun unscharf. Normalerweise wird dies viel besser aussehen, als das kleine mehr filmische Gefühl, es. Das ist einfach, weil wir Kim isolieren, indem wir sie in den Fokus stellen und den Hintergrund unscharf stellen. Wir sprechen über mehr Schärfentiefe in der Aufnahme und seine dauerhafte und etwas sehr Wichtiges, Schaffung mehr Tiefe. Wir tauchen viel tiefer in das ein. Aber es ist das Wesentliche dieses Kurses. Es ist, worum es bei der Kinematographie geht. Das bedeutet nicht, dass Sie sie immer mit weit geöffneter Blende füllen müssen. In einigen Fällen schließen wir die Blende und erzeugen Tiefe auf eine andere Art und Weise. Das ist der interessante Teil der Kinematographie. Du bist der Künstler hinter der Kamera. Sie können verschiedene Möglichkeiten kombinieren, um Tiefe in Ihren Aufnahmen zu erstellen. Aber es ist sehr wichtig, dass dies Entscheidungen sind und nicht durch den automatischen Modus Ihrer Kamera definiert werden. Ein schnelles Fazit. Je näher Ihre Blende ist, desto weniger Licht wird erfasst und je größer Ihr Fokusbereich ist, desto breiter ist die Öffnung, desto mehr Licht wird eindringen und desto kleiner ist der Fokusbereich oder die Schärfentiefe. Dies ist eine erste und einfache Möglichkeit, mehr Tiefen in Ihren Aufnahmen zu erstellen, so dass sie kinematischer aussehen. 3. Die ISO: Die zweite Belichtungssteuerung einer DSLR-Kamera ist die ISO. Es sieht komplett digital aus und wird auch als Empfindlichkeit des Sensors bezeichnet, oder mit anderen Worten, wie empfindlich der Sensor gegenüber dem Licht ist. Je empfindlicher, desto mehr Licht wird eingefangen. Je nach Kameratyp werden unterschiedliche ISO-Werte angezeigt. Einige DSLRs haben 100 als niedrigsten Wert, andere beginnen bei 200. Je niedriger der Wert ist, desto weniger empfindlich ist die Kamera. diesen Wert erhöhen, werden Ihre Aufnahmen viel mehr sichtbar. Der Nebeneffekt von ISO ist leider Lärm, digitales Rauschen, das fast immer unerwünscht ist. Einige DSLRs haben bessere Sensoren als andere, was bedeutet, dass sie auf einen höheren ISO-Wert ohne viel digitales Rauschen eingestellt werden können. Es ist daher sehr schwer zu sagen, welcher der maximal verwendbare ISO-Wert ist. Es ist anders für jede DSLR-Kamera. Dies ist etwas, was Sie brauchen, um herauszufinden, was die maximale ISO ist, dass Sie gehen können. Der beste Weg, dies zu testen, ist, eine Person in einer dunklen Umgebung zu filmen. Erhöhen Sie langsam Ihre ISO und überprüfen Sie, bis zu welchem Punkt Sie gehen können. Wenn Ihre maximal verwendbare ISO 1.600 beträgt, ist es wichtig, dass Sie niemals darauf vertrauen. Wenn die Umgebung sehr dunkel ist, dann halten Sie es einfach so. Es ist, wie die Umwelt ist, und Sie wollen es dunkel halten. Der einzige tolle Tipp, den ich Ihnen hier geben kann, ist, in Silhouetten zu schießen. Das bedeutet, dass Sie nach allen Lichtern suchen, die Sie jede dunkle Szene finden und sie in den Hintergrund eines Themas setzen können. Aber wir werden das später in diesem Kurs noch viel tiefer behandeln. Einfach ausgedrückt erhöht die ISO die Belichtung digital, fügt aber auch unerwünschte Geräusche hinzu. Finden Sie also Ihre maximal verwendbare ISO und versuchen Sie es nicht zu überqueren. 4. Die Verschlusszeit: Die dritte und letzte Einstellung in Ihrer DSLR-Kamera, die die Belichtung ändert, sind die Verschlusszeiten. Früher war dies eine mechanische Scheibe, die sich vor dem Film drehen würde. Damals wurde es als Verschlusswinkel bezeichnet. Heute haben wir Digitalkameras und jetzt reden wir über die Verschlusszeit, da es etwas völlig digitales ist. Es geschieht in Ihrer DSLR und definiert, wie lange das Zentrum dem Licht ausgesetzt ist. Wenn Sie nun ein Bild aufnehmen, das DSLR ist, hören Sie auch ein Klickgeräusch. Was tatsächlich passiert im Inneren des Körpers ist ein Spiegel, der dafür sorgt, dass Sie durch den Sucher schauen kann , geht für einen kurzen Moment nach oben , dass der Sensor dem Licht ausgesetzt werden kann. Wenn Sie Ihre Verschlusszeiten auf einen langsamen Wert einstellen, muss dieser Spiegel länger aufstehen und wenn Sie eine schnellere Verschlusszeit wählen, wird der Spiegel sehr schnell nach oben und unten gehen. Nicht alle DSLRs haben einen solchen mechanischen Spiegel. Nun, eigentlich tun sie das, weil eifrige Kamera nur einen digitalen Verschluss hat, es wird eine spiegellose Spiegelreflexkamera genannt. Wenn wir diese Art von Kameras für Video verwenden dann ist es mir ehrlich gesagt egal, wie er sie nennt. Wenn ich etwas sehe, das wie eine Fotokamera geformt ist, würde ich es immer DSLR nennen. Während Sie filmen, wird der Sensor für eine bestimmte Zeit digital öffnen, schließen, wieder öffnen, et cetera. Es ist diese Geschwindigkeitsrate, die die Verschlusszeiten bestimmt. Wenn Ihre zensierte länger den Lichtern ausgesetzt ist, wird mehr Licht erfasst, aber wir werden auch mehr Bewegungsunschärfe sehen. Wenn Sie Ihre Hände winken, während die Verschlusszeit offen ist und die gesamte Welle Ihrer Hände offen bleibt, dann wird es auch die gesamte Bewegung erfassen. Du würdest einen sehr verschwommenen Streifen sehen. Wenn Sie nun Ihre Verschlusszeit sehr schnell machen würden, fängt sie nur einen kurzen Moment Ihrer Welle auf und reduziert natürlich diese und Bewegungsunschärfe. Aber weil Sie nur für eine sehr kurze Zeit Licht hereingelassen haben, werden Sie auch Ihre Aufnahmen weniger aussetzen. Der große Unterschied zwischen der Aufnahme eines Fotos oder Videos besteht darin, dass Video mit mehreren Frames pro Sekunde funktioniert. In Europa oder Asien sind das 25 Bilder pro Sekunde und in den USA sind es 30 Bilder pro Sekunde. Viele DSLR-Kameras können Sie auch 50 oder 60 Frames wählen. Aber der Grund, warum ich das sage, ist, weil die Verschlusszeit ein wenig zusammengeht, was Bildraten sind. Wenn Sie auf Ihre Hände schauen, während Sie es winken, werden Sie auch eine bestimmte Bewegungsunschärfe sehen. Da Sie diese durch Ihr eigenes Auge betrachten, gilt als eine natürliche Bewegungsunschärfe. Um eine natürliche Bewegungsunschärfe im Video zu erhalten, gibt es diese allgemeine Regel, um Ihre Verschlusszeit auf den doppelten Wert Ihrer Bildrate einzustellen . Wenn Sie mit 25 Bildern pro Sekunde aufnehmen, möchten Sie Ihre Verschlusszeit auf ein Fünfzigstel Sekunden einstellen und wenn Sie mit 60 Bildern aufnehmen, möchten Sie dies auf eine Zwanzigstel Sekunde setzen. Dies ist eine allgemeine Regel, um natürliche Bewegungsunschärfe zu erhalten, aber haben Sie hier keine Angst, davon abzuweichen. Wenn Sie mit 30 Bildern pro Sekunde fotografieren und eine Verschlusszeit von ein-vierzigsten Sekunden haben, die unnatürliche Bewegungsunschärfe nicht so auffällig sein. Manchmal hilft es, mehr Lichter einzubringen. Schauen Sie sich auch Ihre Probanden an, wenn es sich um ein Auto handelt, das Sie vielleicht an diese Verschlusszeiten halten möchten, aber wenn es nur eine Person ist, die still sitzt , ist diese langsamere Verschlusszeit kaum spürbar. In Filmen wie Saving Private Ryan haben sie sogar die Verschlusszeit erhöht, um knackigere Explosionen als Bewegungen der Schauspieler zu bekommen , um die Kriegsszenen noch härter und fühlender zu machen und sie merkwürdigerweise mehr aussehen zu lassen realistisch. Auch wenn die Verschlusszeit eine Regel hat, auf welchen Wert sie gesetzt werden muss. Es ist auch etwas, mit dem Sie experimentieren können, um einen einzigartigen Look zu schaffen. Durch Erhöhen der Verschlusszeit Bewegungsunschärfe und die erfassten Lichter verringert. Wenn die Verschlusszeiten langsamer werden, fügt mehr Bewegungsunschärfe hinzu und fügt mehr Lichter zu Ihren Aufnahmen hinzu. Die allgemeine Regel, um eine natürliche Bewegungsunschärfe zu erzielen , besteht darin, sie an das Doppelte Ihrer Framerate zu verkaufen. Obwohl dies die drei Einstellungen waren, um Ihre Belichtung, die Blende, die ISO und die Verschlusszeit zu ändern die Blende, die ISO . Weiter oben ist ein kleines Quiz, um Ihr Wissen über das, was Sie bisher gesehen haben, zu testen. Viel Glück damit, und wir sehen uns in der nächsten Lektion. 5. Quiz 1: Belichtung: 6. Das Histogramm: Willkommen zurück Jungs. Jetzt, da wir verstehen, wie die drei Steuerelemente für die Belichtung funktionieren, können wir uns das Histogramm ansehen. Es ist eine Option, die jede moderne DSLR haben sollte, und es wird als Diagramm auf Ihrem Monitor angezeigt. Dies ist ein sehr wichtiges Werkzeug. Du solltest es immer anlassen. Das Histogramm ist ein Messwerkzeug für die erfasste Belichtung. Es ist Ihr in der Kamera Lichter Meter, und es wird Ihnen sagen, ob Ihre Aufnahme vorbei oder unterbelichtet ist oder nicht. Sie können Ihrem Kamera-Display nie vertrauen. Selbst hochkalibrierte professionelle Monitore werden noch zusammen mit Messwerkzeugen für die Belichtung eingesetzt. Alles klar, wir kriegen es jetzt. Es ist wichtig, aber wie funktioniert es? Nun, sagen wir, dass die vollständigen dunklen Bereiche und ein Schuss null Prozent sind, und die kompletten weißen Bereiche 100 Prozent. Wenn wir uns das Histogramm auf der linken Seite ansehen, finden wir null Prozent und auf der rechten Seite 100 Prozent. Das Diagramm stellt Ihre Aufnahmen dar, und Sie möchten sicherstellen , dass es zwischen Null und 100 Prozent liegt. Wenn wir die Blende schließen, sehen Sie, dass die Informationen nach links gehen. Der Schuss gerade jetzt unterbelichtet und wenn die Blende zu stark geöffnet wird, ist der Schuss überbelichtet. Wir können jetzt alle Informationen auf der rechten Seite sehen. Idealerweise möchten Sie den Raum des Histogramms nutzen und dazwischen so viele Informationen wie möglich erhalten. Indem ich nur das Histogramm betrachte, weiß ich, dass meine Aufnahme jetzt gut belichtet ist. In der Praxis ist es jedoch nicht immer so praktisch. Dieses Beispiel hier haben wir Kim vor einem Fenster stehen. Wir sehen deutlich eine Spitze auf der rechten Seite des Histogramms. Das ist das Licht von außen. Es ist sehr hell und überbelichtet. Schließen wir die Blende und nehmen Sie die Spitze von der rechten Seite los. Betrachtet man das Histogramm jetzt, ist die Aufnahme gut belichtet, aber in Wirklichkeit sehen wir, dass Kim jetzt tatsächlich unterbelichtet ist. Wir können sie immer noch sehen, obwohl sie nicht ganz verdunkelt ist, aber sie sieht nicht attraktiv aus, weil sie unterbelichtet ist. Generell möchten Sie Ihre Probanden bei etwa 60-70 Prozent Gesicht haben. Bei der Analyse der Aufnahmen können wir die Belichtungsstufen in drei Teile teilen. Wir haben die Schatten oder dunkle Bereiche wie Kim Kleidung, Kim Gesicht und ihre Haare sind ein wenig heller und wir haben den Hintergrund, der sehr hell ist. Diese Bereiche kommen auch im Histogramm zurück. Irgendwie gibt es Baumspitzen. Je größer die Oberfläche jedes Bereichs ist, desto mehr wird sie auch oben im Histogramm ausgewählt. Aber wir werden in einem Augenblick etwas tiefer darauf eingehen. Wir wissen, dass Kims Gesicht irgendwie der mittlere Teil ist, was der Teil ist, der auf etwa 70 Prozent setzen wird. Wenn Sie feststellen, dass Sie bestimmte Bereiche zu schnell überbelichten, können Sie ihr Gesicht auf 60 Prozent einstellen, um ein wenig Details auf den Glanzlichtern beizubehalten. Das ist hier nicht wirklich eine allgemeine Regel zur Verwendung des Histogramms, da jedes Szenario anders ist. Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass Sie ein gutes Gleichgewicht zwischen dem richtigen Aussetzen Ihres Motivs und nicht zu viel über- oder unterbelichtet haben möchten. Obwohl wir manchmal ein wenig überbelichtet werden können, versuchen Sie bitte, das zu vermeiden. Überbelichtung gilt als sehr videoisch und überhaupt nicht filmisch. Wenn Sie einen schönen blauen Himmel einfangen können, haben Sie selbst eine filmische Aufnahme. Nun, schauen wir uns die andere Seite des Histogramms an, die Schatten. Der Schuss hier ist extrem dunkel. Es gibt nur eine Kerze, die Szene beleuchtet. Da die Szene dunkel ist, möchten Sie sie so behalten. sich das Histogramm ansehen, werden Sie feststellen, dass dies fast alle Informationen sind. Dies liegt daran, dass eine sehr große Fläche in dieser Aufnahme dunkel ist und nur ein winziger Fleck Licht gibt. Dieses extreme Beispiel möchten Sie unterbelichten, obwohl wir zu der Zeit nicht vorwärts unter Display gehen können. Oft scheint es, als ob etwas nicht vorbei oder unterbelichtet ist, aber das Histogramm wird uns anders sagen. Verwenden Sie das Tool, um zu überprüfen, wo sich die meisten Informationen befinden, und versuchen Sie Betreff zwischen 60 und 70 Prozent für einen natürlichen Schuss auszusetzen. Probieren Sie das selbst aus, schießen Sie etwas im Dunkeln und gehen Sie auch vor Ort. Verwenden Sie Ihr Histogramm und überprüfen Sie, ob Ihre Aufnahmen korrekt auf Ihrem Computer angezeigt wurden. 7. Fokus: Wir haben jetzt den Belichtungs-Teil aus dem Weg, der das größte Stück ist. Sie werden feststellen, dass alles etwas Übung braucht. Es gibt keinen Kurs, den Sie sofort sehen können bessere Videos produzieren. Sie wollen rausgehen und Dinge schießen, experimentieren mit den Einstellungen, beobachten Sie Ihre Aufnahmen auf einem Computer und sehen, wo Sie verbessern können. Lerne aus deinen eigenen Fehlern. Konzentrieren wir uns jetzt auf diese Lektion. Eines der Dinge, die ich nicht verstehe, warum Leute immer nach dem Autofokus einer Kamera fragen. Sicher gibt es Anwendungen, bei denen Autofokus dringend benötigt wird, aber wenn Sie über Kinematographie sprechen, möchten Sie die volle Kontrolle über Ihre Aufnahmen erhalten. Autofokus bedeutet, dass Sie nicht die Kontrolle haben. Ab sofort werden Sie Ihr Objektiv in Ihren manuellen Fokus setzen. Am Anfang wird es sehr schwer sein, deine Aufnahmen in den Fokus zu bringen. Sie werden frustriert, wenn Sie immer mit Autofokus geschossen haben , aber es wird sich auszahlen. Nach viel Übung werden Sie sich frei machen und wirklich einige atemberaubende Aufnahmen erstellen, indem Sie diese Kontrolle haben. So schnell sind ein paar Praktiken fokussiert Ziehen. Sie können die Geschwindigkeit und das Hochfahren bestimmen, indem Sie das Objektiv drehen, Objekte vom Autofokus bis zum Fokus aufdecken oder einfach nur kreative Aufnahmen machen und den Autofokus filmen. Dann tauchen wir viel tiefer in diese Praktiken ein , wenn wir über Kinematographie reden, aber Sie denken vielleicht, wie kann ich dann meine Aufnahmen in den Fokus bringen? Nun, es gibt drei Möglichkeiten, die Ihnen dabei helfen können. Manchmal ist es sogar eine Kombination dieser drei Optionen, auf die Sie sich konzentrieren können, aber das hängt vom Projekt und Ihren Bedürfnissen ab. Erstens ist der digitale Zoom, und ich bin mir ziemlich sicher, dass jede DSLR-Kamera diese Option hat. Auf einem GH 5 konnte ich dies als Funktionstaste einstellen. Was es tun wird, ist digital einen Teil eines Shots zu vergrößern. Dadurch sehen Sie die Details auf einem kleinen Bildschirm besser und helfen Ihnen, sich zu konzentrieren. Dies ist wahrscheinlich die wichtigste Option. Ich benutze es sehr oft und einige Kameras wie die Canon 5D haben sogar eine spezielle Taste dafür. Wenn Sie eine neuere DSLR-Kamera haben, die Wahrscheinlichkeit, dass es auch mit einer Option namens Peaking kommt. Gehen Sie einfach durch die Menüs und sehen Sie, ob Ihre das hat. Was wir tun werden, ist auf den Kontrast zu schauen und zu definieren, ob er scharf ist oder nicht. Sie können es als das sehen, was der Autofokus tun wird. Aber mit dem Höhepunkt wird es sich nicht für dich konzentrieren, sondern dir nur sagen, ob es scharf ist oder nicht. Es wird Ihnen sagen, indem Sie die Fokusbereiche hervorheben. Auf diese Weise können Sie sofort sehen, ob es scharf ist oder nicht. Haftungsausschluss, Fokussprechen ist nicht immer etwas, auf das man sich verlassen kann, definitiv in sehr breiten Aufnahmen, aber das ist etwas, das man herausfinden kann, indem man es ausprobiert. Ich verwende den Fokuspeaking nicht so viel, weil ich Option Nummer 3 verwende, und das ist ein externer Monitor. Sie müssen dies nicht haben, aber es ist ein schönes Luxusprodukt, das das Filmen eines Tags einfacher macht. Fast jede DSLR-Kamera verfügt über einen HDMI-Anschluss , an den Sie einen 5-Zoll- oder 7-Zoll-LCD-Monitor anschließen können. Jetzt gibt es viele verschiedene Marken und Modelle von $50 bis $3.000. Es ist jedoch wichtig, nicht Schafe zu sein. Wenn Sie nach einem Monitor suchen möchten, suchen Sie nach etwas, das mindestens eine Auflösung von 1.280 x 720 Pixel hat. Ich benutze einen von kleinen HD, die eine sehr beliebte Marke ist, und ich habe speziell einen Full-HD-Monitor gewählt, was bedeutet, dass er 1920 x 1080 Pixel hat. Der Grund, warum Sie diese Auflösung benötigen, ist, dass Sie viele Details auf einem Monitor sehen können. Je mehr Details Sie haben, desto leichter ist es sich zu fokussieren. Aber nochmals möchte ich darauf hinweisen, dass Sie das nicht brauchen. Die vorherige Kamera war ein GH 4 und ein brach den HDMI-Anschluss innerhalb des ersten Monats habe ich es bekommen. Dennoch habe ich diese Kamera fast drei Jahre lang bei vielen Projekten verwendet , die von Afro-Filmen über Firmenfilme bis hin zu Fernsehwerbespots reichen. Ich habe einen Link in der Beschreibung dieser Lektion, die Sie zu einem unserer Videos auf YouTube bringen, die einige fortgeschrittene Tipps erklären, um Ihren Fokus richtig zu machen. Sie müssen es nicht sehen, um mit diesem Kurs fortzufahren. Am Anfang ist es wichtig, dass Sie digitalen Zoom, Fokusspitzen und einen optionalen externen Monitor zur Verfügung haben , um Ihren Fokus richtig zu stellen. Dann gehen Sie ins Wohnzimmer oder auf den Hof und filmen Sie Ihre Familie. Lassen Sie sie einfach tun, was sie tun, und Sie müssen sich auf Ihren Fokus konzentrieren und nur üben. 8. Der Weißausgleich: Sie wissen, wie Sie Ihre Belichtung jetzt richtig einstellen können. Der Fokus genau und jetzt werden wir die weniger metallische Einstellung Ihrer DSLR abdecken. Das sind die weißen Gürtel. Eine Kamera fängt Licht ein, genau wie unsere Augen. Wenn wir das Licht ausschalten, sehen wir nichts. Jetzt kommen Lichter in vielen Farben und Geschmacksrichtungen. Hier haben wir ein Farbrad, ist eine Form, die alle verfügbaren Farben darstellt und um es anzuzeigen, so dass alle Farben schön übereinander fließen. Jetzt hat jede Farbe eine entgegengesetzte oder negative Farbe. Zum Beispiel haben wir hier die Orange auf der einen Seite und Blau auf der anderen Seite. Nun wird dieser Teil des Farbrades die Farbtemperatur genannt. Es ist eine sehr wichtige Einstellung innerhalb unserer DSLR. Wenn wir dieses Farbrad in die Praxis umsetzen, könnten wir sagen, dass die orange Farbe Beleuchtung kann bei Kerzenlicht, Wolfram-Licht, Glühbirnen, der Sonnenuntergang, et cetera gefunden werden . Wir nennen diese warme Beleuchtung. Auf der anderen Seite des Spektrums finden wir blaue Farben Beleuchtung wie einen bewölkten Tag, Mondlicht oder nach einem Sonnenuntergang. Diese heißen kalte Lichter. In der Mitte sitzt Weiß, das als überlegenes Tageslicht gilt, eine schöne hohe Sonneneinstrahlung. Auf Ihrer Kamera finden Sie Voreinstellungen für diesen Beleuchtungseintopf. Aber was machen sie eigentlich? Nun, Lichtname sagt Weißen Gleichgewicht. Es ändert seine Kameratemperatur, so dass Weiß reinweiß aussieht. Wenn Ihr Weißabgleich falsch eingestellt ist, können weiße Bereiche zu orange oder zu blau aussehen. Natürlich wird dies Ihre gesamten Schüsse beeinflussen. Jetzt sind diese Presets schön zu haben, aber sie sind nicht wirklich genau. Der beste Weg, um einen Weißabgleich festzulegen, ist durch eine Referenz oder durch manuelles Festlegen des Wertes. Unter Ihren Voreinstellungen finden Sie auch eine Option zum Festlegen des Weißabgleichs. Einige Kameras wie die Panasonic GH five ermöglicht es Ihnen, dies in Echtzeit zu tun. Wählen Sie die Option und zeigen Sie Ihre Kamera einfach auf ein Weißobjekt, drücken Sie die eingestellte Taste, und die Kamera passt den Weißabgleich entsprechend an. Wichtig ist, dass Sie immer ein weißes Objekt verwenden. Wenn ich meinen Weißabgleich auf ein orangefarbenes Papier setzen würde, wird die Kamera denken, dass sie viel Blau hinzufügen muss, um zu kompensieren. In Wirklichkeit sieht der Schuss jetzt natürlich viel zu blau aus. Für einige DSLR ist es ein wenig schwieriger, Ihren Weißabgleich so einzustellen. Oft ist es erforderlich, zuerst ein Foto mit weißem Objekt zu machen. Dann laden wir dieses Bild aufgrund der Weißabgleich-Einstellung für Messungen. Dann ist eine Möglichkeit, Ihren Weißabgleich einzustellen, indem Sie es manuell tun. Auch hier unterstützen nicht alle DSLR dies, aber mit dieser Option können Sie den Kelvin-Wert einstellen. Je niedriger dieser Wert ist, desto blauer werden Ihre Aufnahmen aussehen und je höher diese Zahl, desto wärmer wird sie aussehen. Für ein neutrales, reines Tageslicht. Sie wollen etwas bei rund 5.600 Innen-, Wolfram-Beleuchtung bei 3.200 und einen bewölkten Tag bei etwa 6.500 wählen . Hier ist es wichtig, dass Sie einen guten Monitor haben, damit Sie sehen können was passiert und wie die Farben aussehen, während Sie den Kelvin ändern. Wenn Sie Ihre DSLR in diesem Moment gehalten haben, dann versucht, den Kelvin selbst einzustellen, schauen Sie sich die weißen Bereiche eines Shots an und versuchen, sie reinweiß zu machen. Sie möchten Ihren Weißabgleich jedes Mal ändern, wenn sich die Situationen ändern. Wenn Sie drinnen mit Wolfram-Beleuchtung filmen, setzen Sie Ihren Kelvin auf 3.200 irgendwo. Wenn Sie dann nach draußen gehen, ändern Sie es auf 5.600. Jetzt sind diese Misserfolge sehr relativ. Wenn Sie ein Wolfram-Licht an einem großen Fenster haben, können Sie etwas dazwischen wählen, wie 4.800. Aber genau wie beim Autofokus möchten Sie keinen automatischen Weißabgleich verwenden. Ihre Farben werden es verschiebt abbrechen. Wenn Sie eine Szene drehen, möchten Sie, dass alles gleich ist. Wenn du sie wärmer machen willst oder ihm einen anderen Ton geben willst, dann mach das und Postproduktion, es nennt sich Farbkorrektur. Sie können das nur mit einer neutralen Farbe oder einem guten Weißabgleich tun. Das Fixieren des Weißabgleichs in der Bearbeitung ist nicht so einfach. Im Gegensatz zu Rockbildern wird die Information eines DSLR-Videos eingebrannt. Lassen Sie uns zum Schluss kommen. Für jede Lernsituation möchten Sie einen Weißabgleich nehmen. Dies bedeutet, dass das Ändern der Kamerafarbtemperatur auf das Weiß reinweiß aussieht. Verwenden Sie keinen automatischen Weißabgleich und vermeiden Sie die Voreinstellungen, die nicht immer genau sind. Der beste Weg, einen Weißabgleich zu nehmen, besteht darin, einen Weißpunkt zu messen oder den Kelvin-Wert selbst einzustellen. Dies war die letzte manuelle Steuerung Ihrer DSLR-Kamera. Wir haben jetzt ein kleines Quiz, um deine Fähigkeiten zu testen. Probieren Sie alle Funktionen dieses Chatters aus , damit Sie sich mit ihnen vertraut machen können. Wir werden nicht mehr über die grundlegende Funktionalität sprechen. Wir werden das Spiel jetzt verstärken und über das echte Zeug der Kinematographie sprechen. Das ist für das nächste Kapitel. Vielen Dank, dass Sie zugesehen haben. 9. Quiz 2: Kamerafunktionen: 10. Drittel-Regel: Herzlich willkommen zum zweiten Kapitel dieses Kurses. Jetzt ist es an der Zeit, zum Wesen des visuellen Geschichtenerzählens zu gelangen. Das Zeug, das deine Videos professionell aussehen lässt, und das beginnt mit Framing oder Komposition. Das bedeutet, zu wissen, wo die verschiedenen Elemente oder das Motiv in einem Schuss platziert werden sollen. Hier sehen wir Kim in drei verschiedenen Framings. Für welche sollten wir gehen? Aber was am wichtigsten ist, warum sollten wir eine Framing über die andere wählen? Wie bei allem müssen wir zuerst die Grundlagen verstehen, bevor wir außerhalb der Leinwand malen können, und diese Grundlagen kommen auf die Regel der Drittel. Das haben Sie wahrscheinlich schon mal gesehen. Es ist dieses Raster, das Sie oft auf einer Videokamera, Ihrem Smartphone oder einigen DSLRs überlagern können. Dieses Raster hilft am Anfang definitiv, aber schließlich werden Sie sehen, dass Sie ohne dieses Raster richtig umrahmen können. Dieses Raster wird Ihnen helfen, unter Regel von Dritteln Rahmen, es hat seinen Namen, weil die Aufnahme in drei Teile geteilt ist, horizontal und vertikal. Zum Beispiel, hier haben wir Kim Blick weg. Derzeit ist sie nicht gut positioniert, da sie in der Mitte des Rahmens sitzt. Aber lasst uns sie jetzt auf die rechte vertikale Linie einrahmen. Das sieht ansprechender und natürlicher aus. Hier haben wir eine Landschaftsaufnahme. Es gibt jetzt nicht wirklich ein Thema, aber wir sehen den Horizont , den wir auf eine der horizontalen Linien setzen können. Auch hier sieht es viel ausgeglichener aus als Reframing unter Drittelregel. Hier ist ein weiteres Beispiel für die gleiche Landschaft, aber jetzt sehen wir auch einige Bäume. Wir können den Horizont auf der unteren horizontalen Linie und die Bäume auf der linken vertikalen Linie ausrichten . Schauen wir uns ein weiteres Beispiel an. Wir haben eine Nahaufnahme von einer Blume. Wieder betrachten wir Dinge, auf die wir aufmerksam machen wollen, und richten das auf eine dieser Längen aus. Oft können Sie die Schnittpunkte auch verwenden, wenn Sie ein kleines Objekt haben. In diesem Schuss haben wir eine Kerze auf einem weißen Tisch. Es ist viel Platz um die Kerze herum, und manchmal nicht so einfach, sie richtig einzurahmen. Natürlich ist es nichts falsch daran, die Kerze in der Mitte zu haben. Aber wir können diese Kerze auch auf die horizontale und vertikale Linie setzen, was den Schuss viel interessanter macht. Hier kommt Ihre Kreativität ins Spiel. Verwenden Sie dieses Raster, um so weit wie möglich darauf auszurichten. Wir haben hier ein paar Sachen in diesen Aufnahmen. Sieh dir an, wo sich die Linien jedes Mal kreuzen, über etwas, das ein Thema ist. Es fühlt sich ausgeglichener und ansprechender für das Auge, dass selbst wenn wir den Schuss so rahmen würden, wo keines der Elemente auf diesen Linien sind. Lassen Sie uns ein wenig außerhalb der Leinwand malen, jetzt haben wir wieder eine Kerze hier, und ich rahme sie auf den Boden. Hälfte der Kerze ist sogar abgeschnitten und man könnte denken, dass sie nicht richtig eingerahmt ist, aber trotzdem scheint es auf seltsame Weise zu funktionieren. Das liegt daran, dass ich die Drittelregel benutzt habe. Lassen Sie uns das Raster überlagern. Sehen Sie, wie der untere horizontale Streifen mit der Oberseite der Kerze ausgerichtet ist. das macht, bringt es immer noch diese Harmonie. Nun, wenn Sie eine Überschulter machen oder einfach nur etwas im Vordergrund haben, möchten Sie auch sicherstellen, dass dieses Objekt auf einer dieser Seiten sitzt und dass es nur die vertikale Linie berührt. Weil wir dies als Vordergrundobjekt verwenden. Du willst nicht allzu viel darauf achten. Wenn Sie es auf der Linie ausrichten würden, dann würden wir sagen, dass der Vordergrund in der Aufnahme zu schwer ist. Dies liegt daran, dass wir uns jetzt darauf konzentrieren, es zu betrachten, weil es auf dieser Linie sitzt. Aber die Schulter des Kerls ist unscharf, also scheint es nicht richtig zu sein. So funktioniert die Drittelregel. Verwenden Sie die Linien des Rasters, um die Objekte darauf auszurichten , auf die Sie aufmerksam machen möchten. Versuchen Sie, das ein wenig zu üben. Schauen Sie sich in Ihrem Zimmer um und zeigen Sie Ihre Kamera einfach auf bestimmte Objekte. Sie können sogar Ihr Telefon hier verwenden, wenn Ihre DSLR in der Nähe ist es möglicherweise nicht dieses Raster haben, schauen Sie sich einfach um eine Linie die Elemente und machen Sie vielleicht ein Bild. Sie wissen, wie die Regel der Drittel jetzt funktioniert, Sie richten die Objekte an den Linien aus, aber an welcher Linie? Wenn ich jemanden sehe, sollte ich die Person auf die linke oder rechte Seite setzen? Nun, das ist für die nächste Lektion. 11. Framing: Sie haben wahrscheinlich von den Begriffen Long Shots, Medium Shot, und Nahaufnahme vor gehört . Dies sind Arten von Framing, die in die Regel von Dritteln passen. Nun, diese Framings sind die Grundlagen und als akademisch korrekt angesehen. Aber sie werden auch im Fernsehen, Kino, Werbespots und jedem anderen Filmglas verwendet. Eines der größten Probleme, die ich mit meinen Schülern und Kollegen sah , als ich in der Filmschule war, war, dass sie anders sein wollten. Sie wollen die Kante von diesen Framings abnehmen und etwas selbst schaffen. Dies ist etwas, das Sie nie als Anfänger tun sollten. Ja, erfahrene Filmemacher, die nicht von dem Buch gerahmt hatten, aber es wären nur ein paar Aufnahmen in ihrer Arbeit. Die anderen 95 Prozent sind nur diese Standard-Framings. Gehen wir zu den wichtigsten. Wir haben vier Framings und der erste ist der Einführungsschuss. Das ist ein Schuss, der sagen wird, wo wir sind. Es wird normalerweise ein sehr großer Schuss sein. Wenn es eine Szene in einem Haus gibt, könnten wir den Film mit einem Schuss von außen öffnen und das Haus zeigen. Das ist ein Eintrittsschuss. In Filmen wie Star Wars, und eine Einspielung ist oft ein ganzer Planet zu definieren, wo wir sind. Wie Sie sehen können, ist die Einstellungsaufnahme nicht wirklich definiert, aber relativ zur Szene ist sie das breiteste Diagramm. Denken Sie an die Regel der Drittel hier, die wir in der vorherigen Lektion gesehen haben , während Sie sich selbst Bilder erstellen. Die zweite Framing ist der Langschuss. Hier haben Sie das gesamte Thema im Rahmen. Du schneidest deine Herausforderung nicht ab. Diese Framing hat auch einige Variablen, wie den extremen Long Shot und den mittellangen Schuss. Aber im Feld diese Namen nicht so viel benutzt. Wenn der Regisseur nach einem Longshot fragt, weiß der Kamera-Typ, welchen langen Schuss er meint, indem er nur auf die Szene schaut. Jetzt kommt die Antwort auf Ihre Frage. Wo stellen wir das Thema auf die Drittelregel in einem Longshot? Das hat mit der Blickrichtung zu tun. Es ist ein Ort, an dem Ihr Talent sich anschaut. Wenn Kim hier zur Kamera schaut, gibt es nicht wirklich eine Blickrichtung. Wir können wählen, entweder hier auf der linken Seite oder auf der rechten Seite zu platzieren, ist sogar in Ordnung, um sie auch in der Mitte zu setzen. Aber wenn Kim auf die rechte Seite der Aufnahme schaut oder ich ihre Seiten filme, müssen wir ihr etwas Sichtraum geben. Daher wird sie auf der linken Linie des Rasters platziert. Dies gibt Kim mehr Platz an ihren Gesichtsstellen und es wird sich natürlich auch für den Betrachter anfühlen. Wenn wir sie auf der gegenüberliegenden Seite platzieren, scheint es, als würden wir sie fangen. Dies gibt ein sehr unangenehmes Gefühl. Das scheint auch, dass die linke Seite des Bildes jetzt leer ist. Wie es nicht verwendet wird, ist daher keine gute Rahmung. Den Talenten Betrachtungsraum zu geben, ist eine Sache. Ein weiteres wichtiges Element ist der Headspace. Dies ist ein Raum über dem Kopf der Person. Du willst weder den Kopf des Talents an den Rahmen kleben, noch willst du ihn abschneiden. Es wirkt genauso wie der Betrachtungsraum. Sie wollen etwas [unhörbar] lesen, dass das Publikum sich nicht unwohl fühlen wird, dass das [Unhörbare] gefangen ist. Stellen Sie immer sicher, dass Sie ein wenig Platz über dem Kopf des Talents haben, und dann gibt es einen letzten Raum, auf den Sie achten müssen, und das ist auf der Unterseite. Auch hier möchten Sie ein wenig Platz haben, um die gleichen Probleme zu vermeiden. Worüber auch hier gesprochen wird, sind die Puppeneffekte, und es ist etwas, das Sie vermeiden möchten. Der Marionetteneffekt tritt auf, wenn Ihr Motiv direkt unter Ihren Füßen gerahmt wird. Es scheint, als würde sie auf dem Rahmen laufen. Eine schnelle Schlussfolgerung, geben Sie Ihren Motiven und Raum in Ihrem Rahmen. [ unhörbar] verstehen, dass wir mit den anderen Framings fortfahren können. Der nächste sind die mittleren Schüsse. Wir werden in das Motiv schneiden und nur den oberen Teil des Körpers einrahmen. Genau wie zuvor legen Sie sie auf die richtige vertikale Linie und stellen Sie sicher, dass sie etwas Kopfraum hat, als ob so etwas wie ein mittlerer Schuss, können Sie die horizontalen Linien aus der Regel der Drittel verwenden, um die Augen auf zu setzen. Der Grund dafür ist, dass wir dazu neigen, auf die Augen eines Schauspielers oder einer Schauspielerin zu schauen. In langen Schüssen haben wir das nicht getan, und wir geben dem Talent zu viel Headspace. Sie möchten immer noch Ihr Motiv in der Framing balancieren, so dass Sie Regel beginnen, die Augen auf die Regel der Drittel ab einem mittleren Schuss zu rahmen. Schließlich möchten Sie noch einmal auf den Puppeneffekt achten. Wir haben das Motiv bereits durchgeschnitten, damit wir sie nicht wirklich auf die Unterseite des Rahmens legen können. Wo könnte dieser Puppeneffekt in einem Medium stattfinden? Nun, diesmal schauen wir uns die Gelenke an. Das sind die Winkel, die Knie, das Becken, der Hals und sogar die Ellbogen für bestimmte Schüsse. Sie möchten schneiden, nachdem Sie gerade über oder unter diesen Fugen eingerahmt haben. Für eine Alternative zum Long Shot möchten Sie das Motiv und seine Größe oder in den Schienbeinbeinen schneiden. In einem mittleren Schuss, der gerade über dem Becken im Magen sein wird. Niemals in diese Gelenke schneiden, da das ihren Puppeneffekt wieder erzeugen wird, und das ist etwas wirklich Wichtiges. Achten Sie auf den Raum rund um das Thema und vermeiden Sie, dass Puppeneffekte einen großen Unterschied im Aussehen Ihrer Aufnahmen machen und das hier ist ein professioneller Schuss. Es ist etwas, das man in einer High-End-Hollywood-Produktion sehen konnte. Wie Sie sehen können, ist alles schlimm. Das Wissen, zu wissen, wie es Techniken funktionieren, und verwenden Sie sie. Leute, lassen Sie uns mit der Nahaufnahme fortfahren, die letzte in Reihe und kommt auch mit einigen Alternativen wie die mittlere Nahaufnahme, auch genannt die Brust Charts, weil wir schneiden in die Brust und bis zur extremen Nahaufnahme. Aber wieder, im Feld verwendet sagen, nehmen Sie eine Nahaufnahme der Augen. Die Idee einer Nahaufnahme ist eine Box, ein Thema intuitiven Rahmen. Sie wollen in die Stirn schneiden und wieder die Augen auf die Regel der Drittel setzen , da die Idee einer Nahaufnahme darin besteht, das Thema einzugrenzen und diese Person zu isolieren. Daher können wir den Headspace vergessen. All diese Dinge wie der Betrachtungsraum, Drittelregel und der Puppeneffekt müssen immer noch Aufmerksamkeit in die Stirn und nicht auf die Gelenke bekommen. All das Zeug, über das wir jetzt gesprochen haben, gilt nicht nur für Menschen. Ich hatte schon viel Zeit Themen gesehen, also respektieren wir alle Kim, aber so müssen wir unsere Elemente in einem Schuss sehen. Alles ist ein Thema, ob das eine Person ist, ein Gebäude, ein Baum, eine Tasse Kaffee, es spielt keine Rolle. Sobald Sie Ihre Kamera auf etwas zeigen, wird es zu einem Thema. Versuchen Sie, die Techniken des Rahmens in jedem Thema zu sehen. Du hast wirklich eine Tasse Kaffee und einen langen Schuss. Sehen Sie, wie ich auf die Kopffläche des Bechers achte. Vermeiden Sie den Puppeneffekt mit der Regel der Drittel und geben Sie ihm sogar Sichtraum. Die Tasse hat keine Augen, aber wir haben das Gefühl, dass die Rückseite der Tasse ist, wo die Iris ist, weil wir sie so halten , um auf die Vorderseite der Tasse zu schauen und dies wird natürlich subjektiv, und daher ist die Blickrichtung nicht immer so wichtig bei Themen wie diesem. Aber wenn es eine bessere visuelle wie ein Gebäude, das einen Eingang hat, konnten wir auf jeden Fall sehen, dass als das Gesicht und geben Sie ihm Blickrichtung von dort. Leute, das war ein großer Teil von Informationen. Vielleicht schreiben Sie diese Worte auf ein Papier. Blickrichtung, Headspace, Marionetteneffekt und Drittelregel. [ unhörbar] Papier, das Sie gerade jetzt, und schieß ein paar Sachen in den Garten. Versuchen Sie, einen Einspielungsschuss, einen Langschuss, einen mittleren Schuss und eine Nahaufnahme von etwas zu machen. Sobald Sie das getan haben, können Sie wieder hineinkommen und den Rest dieses Kurses folgen. In der nächsten Lektion werden wir uns mit der Kameraposition beschäftigen, die viel einfacher wird, damit Sie wissen, wie das Framing funktioniert. Vielen Dank, dass Sie zugesehen haben. 12. Die Kameraposition: Willkommen zurück Jungs. Ich hoffe, Sie hatten etwas gute frische Luft draußen und auch die Techniken während dieses Kurses praktiziert. Es ist sehr wichtig, wenn all diese Informationen neu für Sie sind. Es ist am besten, ein paar neue Dinge zu lernen, dann zu üben, wieder rein zu kommen und etwas mehr zu lernen. In dieser Lektion werden wir über die Kameraposition sprechen. Wir haben eine dreidimensionale Welt, was bedeutet, dass wir die Kamera überall auf der Oberfläche, aber auch in der Höhe platzieren können . Sie können Ihre Kamera auf etwas platzieren oder ein Stativ verwenden, das Sie in der Höhe ändern können. Aber fangen wir zuerst mit der flachen Oberfläche an. Hier sehen wir ein paar Bäume. Wir können die Kamera dort platzieren, wo sie jetzt steht, aber wir können sie auch ein paar Meter weiter bewegen sie aus einem anderen Blickwinkel filmen. Zwei unterschiedliche Kamerapositionen und beide Aufnahmen sehen ebenfalls anders aus. Wenn Sie gut auf alles achten, was wir zuvor über Framing gelernt haben, sind beide Aufnahmen gut. Aber lassen Sie uns diese Aufnahmen für einen Moment analysieren. Was ist die visuelle Geschichte, die wir erzählen? Was fühlt das Publikum beim Betrachten der beiden verschiedenen Aufnahmen? In einem Schuss nehmen die Bäume einen großen Teil des Rahmens ein. Sie sind sehr prominent, was bedeutet, dass die ganze Aufmerksamkeit auf sie geht. Es gibt viele Details sowie machen den Schuss etwas hektisch. Du kannst Dinge hier drin verstecken, weil es so viel Pause gibt. Da Kim in der Ferne zu Fuß ist, könnte es eine Sekunde oder mehr dauern, bis das Publikum das bemerkt. Die Bäume sind prominenter als Kim. Sie stellt sich relativ zu den prominenten Bäumen sehr klein heraus. Obwohl eine solche Aufnahme nicht so schwer zu analysieren ist, ist es etwas, das Sie viel üben müssen. Gehen Sie einfach und googeln Sie die Bildsuche und schauen Sie sich jede Art von Foto an, das Sie sehen, oder Sie können auch in ein Museum gehen und sich Bilder ansehen. Nehmen Sie sich etwas Zeit, um darüber nachzudenken, welche visuelle Geschichte erzählt wird. Das ist auch der Grund, warum Sie Künstler bekommen, die auf die Filmschule gehen. Viele Leute hassen es, aber es ist etwas Superwichtiges, dort begann die Kinematographie. Die im Mittelalter angewandten Grundsätze gelten auch heute noch. Schauen wir uns jetzt den anderen Schuss an. Dieselben Bäume aus einer anderen Kameraposition. Nehmen Sie sich einen Moment Zeit, um diesen Schuss zu analysieren. Sieh dir an, was prominent ist oder was nicht. Wohin Ihr Auge geführt wird und warum ist das? Die Bäume sind auf der rechten Seite. Wir haben einen weiten offenen Raum auf der linken Seite. Das ist das ganze Gegenteil von dem, was wir vorher hatten. Es gibt weniger Details, wir haben nichts zu Prominentes mehr. Während Kim jetzt in den Schuss geht, wirst du sofort zu ihr hingezogen. Sie wird auch nicht von etwas anderem eingeschüchtert. Sie hat den Raum um sie herum frei lässt sie und das Publikum besser ausatmen. Die Moral der Geschichte, denken Sie darüber nach, was Ihre Aufnahme erzählt. Wenn die Bäume zu viel wieder zusammen sind, aber Sie möchten einen dramatischen Ton erzeugen, dann nehmen Sie Ihre Kamera und positionieren Sie sie neu, um diese Bäume zu verbreiten. Dies ist nur ein Beispiel, aber es gibt Tausende mehr. Dafür habe ich keine Zeit, also schauen wir uns noch einen an. Hier haben wir einen mittleren Schuss von Kim, und hier haben wir noch einen mittleren Schuss von Kim. Während sie gerade am selben Ort steht, bewege ich meine Kamera einfach auf die gegenüberliegenden Seiten für die anderen Aufnahmen. Schau dir die Hintergründe an. Einer davon ist sehr hell und der andere ist wegen der Bäume wieder sehr dunkel, und ich glaube nicht, dass ich es mehr erklären muss. Was sagen die Bäume? Es ist sehr dunkel. Es gibt Schatten, viel Detail, also ein bisschen hektisch oder dramatischer. Obwohl diese Bäume auch ein Gebäude oder etwas anderes sein könnten, ist die Idee, dass wir etwas dunkleres mit mehr Details in der Rückseite haben. Der andere Schuss, es ist alles hell, weiß und offen, was positiver und entspannender ist. Daher ist es sehr wichtig, darüber nachzudenken, wo Sie die Kamera platzieren. Das nächste ist Höhen. Relativ zum Thema gibt es im Grunde drei Höhen. Sie haben einen niedrigen Winkel, Augenhöhen und einen hohen Winkel. Einige von ihnen haben alternative Benennungen, wie Vogelperspektive für den hohen Winkel, oder hier in Belgien sagen wir Froschperspektive zu niedrigen Winkelaufnahmen. Diese Winkel sind immer relativ zu den Themen Augen oder zu dem Punkt, an dem das Publikum angezogen wird. Ein niedriger Winkel Schuss tritt bereits auf, wenn Sie gerade unter den Augen sind. Es ist daher sehr wichtig zu verstehen, was der Höhenunterschied bewirkt. Eine meiner jüngsten Arbeiten war es, ein Werbevideo für einen Straßenkünstler zu machen. Oft würde ich ihn aus einem niedrigen Winkel filmen. Grund dafür ist, dass das Publikum scheint zu diesem Mann aufzusuchen. Es lässt den Künstler in Höhen und seinem Status größer aussehen, was genau die Geschichte ist, die ich mitbringen möchte. Er ist ein großartiger Künstler, dem wir aufschauen. Während der gleichen Dreharbeiten, würde ich ihn auch aus einem hohen Winkel filmen. Das tut das Gegenteil mit ihm, wir machen ihn klein und auf ihn runter zu schauen. Wo wir das Kunstwerk im Vordergrund haben, während er daran arbeitet, lässt es ihn klein erscheinen, gegenüber dem Kunstwerk. In der Fiktion wird dies oft verwendet, um jemanden im Status kleiner zu machen. Der große Chef eines Unternehmens wird in der Regel von unten gefilmt und die Mitarbeiter von oben, wenn sie im Büro des Chefs sind. Dreharbeiten von unten oder oben tun etwas mit dem Thema. Je größer dieser Winkel ist, desto mehr betonen Sie das, also seien Sie vorsichtig mit diesem. Für natürliche Aufnahmen möchten Sie auf Augenhöhe sein, genau wie wir es jetzt sind. Ich will dich weder einschüchtern noch unsicher aussehen. Deshalb habe ich mich auf die gleiche Ebene gestellt wie du, weil wir diesen Kurs zusammen machen. Um diese Lektion abzuschließen, analysieren Sie Ihre Aufnahmen und schauen Sie sich an, was die visuelle Geschichte ist. Möglicherweise möchten Sie Ihre Kamera neu positionieren um eine andere Perspektive oder einen anderen Hintergrund zu erhalten. Verwenden Sie die Höhe der Kamera, um den Status Ihrer Talente festzulegen. Je größer dieser Winkel ist, desto größer wird dieser Status. In manchen Fällen möchten Sie nur etwas höher sein als die Augen der Probanden. Aber wenn Sie auf der gleichen Ebene Ihres Publikums sein wollen , dann stellen Sie sicher, dass die Kamera immer noch ist. Vielen Dank für das Anschauen, und wir sehen uns in der nächsten Lektion. 13. Objektive: In dieser Lektion möchte ich über die Linsen sprechen und nicht so sehr, welche Sie bekommen sollten oder welche besser ist. Aber über die Brennweite, wissen Sie, diese Millimeter auf einem Objektiv, können Sie es als Vergrößern oder Verkleinern sehen. Zum Beispiel ist dies hier ein 35-Millimeter-Objektiv. Es wird eine Prävalenz genannt, weil es nicht zoomen kann. Es hat nur eine Brennweite, 35 Millimeter in diesem hier und 18 bis 200 Millimeter Objektiv. Es wird Zoomobjektiv genannt und hat einen Brennweitenbereich. Grundsätzlich gelten Primobjektive als besser und qualitativ hochwertig als Zoomobjektive, aber es ist alles sehr relativ. Es gibt viele Zoom-Objektive da draußen bei Outperform, einige Prime Objektive. Wenn es darum geht, Linsen zu kaufen und auf jeden Fall als Anfänger, nicht bekommen, um Gehirnwäsche Rohr schnell über die Notwendigkeit, eine Menge Geld dafür auszugeben. Solange Sie nicht in den High-End-Produktionsmärkten sind, dann haben Sie nichts dagegen, dass $5.000 plus Kinoobjektive. Ein Kit Objektiv ist oft der beste Weg, um zu starten. In der Regel möchten Sie ein neues Objektiv erhalten, wenn Sie eine andere Brennweite oder eine größere Blende wünschen , um eine flachere Schärfentiefe und Leistung bei schwachem Licht zu erzielen. Lassen Sie uns noch einmal über die Brennweiten sprechen. Sie haben zwei Möglichkeiten, wenn Sie einen mittleren Schuss von jemandem machen. Sie können in der Nähe dieser Person stehen und verkleinern, oder Sie können weiter weg stehen und vergrößern. In einer Aufnahme sprechen wir über einen weißen Winkel und die andere, ist es Teleobjektiv oder nur Tele? Aber wann ist ein Objektiv weiß oder Tele? Nun, es ist mit dem menschlichen Auge verglichen. Das menschliche Auge sitzt irgendwo auf etwa 50 Millimeter Brennweite. Es gibt Diskussionen darüber, deshalb sage ich etwa 50 Millimeter. Alles, was darauf hindeutet, 24 wird als Weitwinkel betrachtet und alles über 50 Millimeter gilt als Tele. Ein 50 Millimeter ist bei keiner Kamera gleich und das hat mit der tatsächlichen physikalischen Größe des Sensors zu tun. Die größte Größe wird als Full-Frame bezeichnet. Bubbler-Kameras wie die Canon 5D oder stony A7S haben einen solchen Full-Frame-Sensor. Solche Sensoren sprechen wir über einen Erntefaktor 1. Das bedeutet, ein multiplizieren 50 durch 1, Das macht 50 Millimeter. Aber wenn Sie etwas wie eine Canon AD oder Nikon 7.200 verwenden, haben Sie einen zugeschnittenen Größensensor. Chemikalien, die APSC, es ist Nikon Namen, es ist DX. Sie haben auch Variationen wie APSH, Super Tele 5 usw. Aber was auch immer es heißt, es hat einen Erntefaktor, der um 1,5 sitzt. Sie können das speziell für Ihre Kameras nachschlagen. Geben Sie einfach Ihre Kamera Myelin auf Google Plus oder Crop Factor. Multiplizieren Sie 1,5 mit 50 Millimetern und Sie erhalten ein 70 Millimeter-Objektiv. Um ein echtes 50-Millimeter-Objektiv zu haben, müssen Sie ein 35-Millimeter-Objektiv aufsetzen, was tatsächlich zu einem 55 Millimeter-Objektiv führt, aber ein 33,33 Mittagessen gibt es nicht. Dann haben Sie Mikro-vierten Drittel-Sensoren, die meiner Meinung nach die kleinsten Sensoren für DSLR-Kameras sind. Dies sind Kameras wie die JH fünf, schwarze Magie Eimer Kinokamera, Olympus EM1 und sie haben einen Erntefaktor von 2.0. Sie müssen die tatsächliche Brennweite verdoppeln. Es gibt Adapter wie den Meta Bone Speed Boost oder die Sie zwischen dem Körper und dem Objektiv verbinden können, wodurch eine Sensorgröße optisch erhöht wird, so dass Sie nur einen Ernte Faktor von haben, sagen wir, 1,5 auf einem Mikro-Vier-Dritt-Sensor. Aber das ist eine ganz andere Geschichte. Wichtig zu wissen ist, welche Kamera Sie haben und wie viel es beschnitten Fabriken ist. Nun, da Sie wissen, wie das funktioniert, möchte ich die Frage beantworten, die wir am Anfang dieser Lektion aufgeworfen haben. Sollten wir wieder aus und stehen nah an als Subjekte oder zoomen und stehen für weg von Subjekten. Wenn wir vergrößern oder eine Tilly Brennweite verwenden, komprimieren wir alles und der Hintergrund wird mehr außer Fokus. Wenn wir in der Nähe von Kim mit der gleichen Rahmung stehen, ist das Bildfeld weiß und es wird eine Menge von der Umgebung erfassen plus der Hintergrund ist mehr im Fokus, vergleichen sie nebeneinander wir auch bemerken, was es tut mit der Form von Kims Gesicht. Der weiße Winkel war nicht so schmeichelhaft, da er das Bild verzerrt. Je weißer du gehst, desto größer ist die Verzerrung. Till Linsen aussehen schmeichelhafter und auch etwas, das mehr und Beauty-Aufnahmen daher verwendet wird. Aber abgesehen von U-Verzerrungen, erzählen wir hier auch eine visuelle Speicherung. Wenn Sie auf einem Weitwinkelobjektiv nah an Ihrem Motiv stehen, wird der Betrachter stärker in die Szene gezogen. Dies wird oft in Kriegsfilmen verwendet, die schon wollen, dass das Publikum das Gefühl hat, neben den Soldaten auf den Schlachtfeldern zu sitzen. Wenn Sie eine Distanz mit Ihrer Kamera nehmen und hineinzoomen, nehmen Sie das Publikum auch auf eine Distanz, und das hat viele Effekte. Stell dir vor, wenn du etwas aus der Ferne betrachten würdest, könnte ein Mädchen hübscher aussehen, als wenn sie vor dir stehen würde. Du kannst jemanden ansehen, während diese Person nicht weiß, dass du sie ansiehst. Es ist auch entspannender, da Sie sich einfach zurücklehnen und aus der Ferne beobachten können. Dies sind die beiden Hauptunterschiede. Werfen wir einen Blick auf diese Szene für einen Moment. Wir begannen mit einem Tele-Shot, um ein entspanntes Gefühl zu schaffen. Wir lernen den Charakter kennen, aber wie er sich ändert und Kim stoppt, brachten wir den Betrachter näher an oder senden oder sie und fühlen die gleiche Spannung in der Aufnahme danach, wir verlassen den Charakter wieder. Das macht sie verwundbar, da sie wieder allein zu sein scheint. Sehen Sie, wie die Verwendung dieser Brennweite sehr wichtig ist. Anstatt zu vergrößern und zu verkleinern, denken Sie darüber nach, auch rückwärts und vorwärts zu treten. Es ist etwas sehr lustiges, während einer Szene zu spielen , in der man zwei verschiedene Brennweiten schneiden kann. Vielen Dank für das Anschauen und ich sehe Sie in der nächsten Lektion. 14. Die 180-Regel: Die 180-Grad-Regel. Wenn Sie mehrere Aufnahmen zusammen bearbeiten möchten, ist diese Regel sehr wichtig. Der Spaß an diesem Ding ist, dass Sie diese Regel sogar aus einem sehr guten Grund brechen können. Aber fangen wir zuerst damit an, diese Regel zu verstehen. Wenn wir an einem bestimmten Ort sind, wissen wir, wie es dort ist. Wir haben ein Gefühl für den Raum, also nachdem wir ein paar Clips dort gedreht haben, haben wir auch ein viel besseres Gefühl für die Orientierung. Nun war das Publikum nicht da, also haben sie nichts von dieser Orientierung. Wenn eine Person von der linken Seite zur rechten Seite geht, und der nächste Schuss von rechts nach links, scheint es, als ob sich diese Person zwischendurch umgedreht hat. Aber in Wirklichkeit ging Kim Miller nur in die gleiche Richtung. Wir platzieren die Kamera nur auf der gegenüberliegenden Seite dieses Weges. Betrachtet man diese schnelle Zeichnung hier, geht das Subjekt im ersten Schuss von links nach rechts. In der nächsten Aufnahme platzieren wir die Kamera auf der anderen Straßenseite. Nun geht diese Person von rechts nach links. Wenn man diese Zeichnung sieht, fühlt es sich nicht an, als würde die Person zurückgehen, weil wir das Gefühl der Orientierung haben. Aber ohne diese Zeichnung würdest du es nicht tun und das ist die 180-Grad-Regel. Wählen Sie eine Seite in der Richtung, in der die Person geht, sie hat nie diese Linie überschritten. Sie haben 180 Grad Platz, um Ihre Kamera zu platzieren, also gibt es, wo die Abschlussregel herkommt. Dies ist etwas Superwichtiges, wenn Sie den Betrachter nicht desorientieren wollen. Nun ist diese Gehrichtung die grundlegende, aber Ihre 180-Grad-Regel kommt öfter in, als Sie denken würden. Hier haben wir Kim und meinen Kollegen geniert, die vor einander stehen. Sie reden nur. In der Regel möchten Sie mehrere Aufnahmen wie diese über die Schultern filmen oder beide in einem mittleren Schuss haben usw. Die gleiche Regel gilt für Ihre beiden. Betrachten Sie die Blickrichtung der Akteure und zeichnen Sie eine sichtbare Linie zwischen ihnen. Wählen Sie einen Standort aus und überqueren Sie ihn nicht. Hier ist ein Beispiel, in dem wir diese Linie kreuzen. Sehen Sie, wie die Betrachtungsrichtung von Kim die gleiche ist wie Gen. Dies sollte entgegengesetzt sein, wenn Sie vor einander stehen. Lassen Sie uns dies auf ein fortgeschritteneres Niveau bringen. Wir haben eine Nahaufnahme von Kim und wir schneiden auf einen mittleren Schuss von Kim. Kamera weise, wir machen hier nichts Falsches. Aber Sie haben wahrscheinlich auch gesehen, dass sich die Beleuchtung verändert hat. In der ersten Aufnahme hatten wir Beleuchtung auf der Rückseite von Kim und in der zweiten Aufnahme hat sich das gleiche Licht geändert und es ist jetzt auf der Vorderseite von Kim. Diesmal nicht zur Kamera, aber das Licht hat diese Grenze überschritten. Das schafft auch Verwirrung, da wir das Licht von hinten erwarten. Das Publikum könnte denken, dass Kim sich umgedreht hat. Am Anfang habe ich gesagt, dass du diese Regel brechen könntest. Es ist ziemlich oft gemacht. Die Idee der 180-Grad-Regel ist es, sicherzustellen, dass das Publikum orientiert bleibt. Wenn wir es brechen würden, wird das Publikum über den Raum und die Richtung, die sich die Schauspieler bewegen, verwirrt . Dies wird oft in Kampfszenen verwendet, um sie chaotischer und realistischer aussehen zu lassen. Wenn das Publikum zu viel Orientierung hat, können sie die kleinen Fehler sehen und vielleicht der schlampige Kampf bewegt. Wenn das Publikum unorientiert ist, haben sie weniger Zeit, sich darauf zu konzentrieren und die Kampfszene wäre viel stärker. Dies ist eine Verwendung, wo Sie diese Linie überqueren könnten. Aber es gibt noch mehr Gründe. Denken Sie nur daran, was die Regel impliziert und welche Auswirkungen sie auf das Publikum hat , und sehen Sie, ob Sie es brechen müssen oder nicht. Danke fürs Zuschauen. 15. Zeitlupe: Viele DSLR-Kameras können heutzutage Zeitlupe oder mit einer höheren Bildrate aufnehmen. Zum Beispiel können Sie mit 60 Bildern pro Sekunde filmen, aber schließlich auf 30 Bilder pro Sekunde exportieren. Das bedeutet, dass Sie das Video so dehnen können, dass Sie für jeden tatsächlichen Frame zwei Frames zur Verfügung haben. Mein GH5 kann sogar mit 180 Bildern pro Sekunde schießen. Das ist etwas mehr als sieben Mal langsamer, wenn es das auf 25 Bilder pro Sekunde exportieren würde. Wie auch immer, wenn Ihre Kamera das kann, spielen Sie definitiv damit. Zeitlupe sieht gut aus, sollte aber auch mit Vorsicht behandelt werden. Wir leben in einer Welt, in der alles in Echtzeit ist, nicht in Zeitlupe. Es fühlt sich natürlich an und wir sind daran gewöhnt. Nichts Besonderes daran. Wenn wir nun etwas in Zeitlupe betrachten, haben wir mehr Zeit, den gleichen Clip anzuschauen. Unsere Augen werden sich wundern und beginnen, Details zu betrachten. Dies ist einer der größten Vorteile von Zeitlupe. Je größer Ihre Zeitlupe ist, desto mehr Zeit müssen wir uns umsehen. Hier sehen wir Janic laufen und über diesen Felsen springen. Wir haben gesehen, was passiert. Aber lass uns das jetzt in Zeitlupe spielen, deine Augen bekommen mehr Zeit, um zu sehen, was tatsächlich passiert, und du fängst an andere Dinge zu betrachten, wie er sich hier rüber geschoben hat. Was sein Gesichtsausdruck ist, während er den Felsen schwebt, und wie er landet. Du bekommst noch viel mehr Details von einem solchen Schuss. Zeitlupe funktioniert hervorragend für Action-Shots wie diese, aber es muss nicht immer sein. Es ist auch einer der Fehler, die Menschen machen. Sie möchten das Detail zeigen, dann werden Sie langsam mo. Wenn nicht, dann mach nicht langsam mo. Gibt es eine große Bewegung oder Action in Ihrer Szene oder einfach nur einen Charakter, der still steht? In beiden Szenarien hat Zeitlupe eine große Leistung. Hier sehen wir, wie Kim in die Kamera schaut. Nichts Besonderes passiert. Das Publikum nimmt Kim als eine Person wahr, die in die Linse schaut. Nun, wenn wir diesen Clip in Zeitlupe versetzen, schauen Sie, was passiert. Diese Emotion wurde plötzlich größer. Nicht, dass der Clip länger ist, sondern weil es Zeitlupe ist, neigen wir dazu, die Details mehr zu betrachten, was in diesem Fall die Emotion ist. Das nutzen wir sehr oft in unseren Produktionen, um bestimmte Emotionen hervorzuheben oder das Publikum in den Film zu ziehen. Wie Sie gesehen haben, kamen viele der Clips aus Action-Filmen oder Event-Videos. Normalerweise sind diese Aufnahmen Bureau, was Ihren Projekten eine große Dynamik verleiht, aber das ist für die nächste Lektion. 16. Die Bedeutung der B-Rolle: Die Benennung B-Rolle stammt aus den frühen Tagen Films, wo man einen echten Film auf einer Rolle hatte. Die A-Rolle war die Hauptkamera und die B-Rolle war die zweite Kamera, die verschiedene Aufnahmen aus der gleichen Szene nahm. Im Laufe der Zeit entwickelte sich diese Definition, weil sich das Filmen im Allgemeinen auch zu dem änderte, was wir heute als modernes Filmen bezeichnen. Aber das Prinzip ist immer noch das gleiche. Nehmen wir an, Sie machen ein Interview, Sie haben eine Kamera und eine Person, die in die Kamera schauen oder einfach daneben. Dies ist die Hauptkamera und es ist, wie Ihr Setup beginnt. Mit anderen Worten, es ist Ihre A-Rolle. Aber wir nennen es nicht mehr so. Normalerweise ist es nur eine Hauptkamera. Stellen Sie sich vor, das wäre der einzige Schuss, den Sie hatten. Eine Kamera, die das Interview aufnimmt. Das wird ein ziemlich langweiliges Video. Es ist ein einziger Rahmen, zum Beispiel ein mittlerer Schuss, und das war's. Im Übrigen können Sie nur auf diese Person hören und es gibt nichts mehr zu sehen. Fügen wir dem Interview einen zweiten Kamerawinkel hinzu. Diese Kamera wird als B-Roll bezeichnet und wird normalerweise als kreativer angesehen. In diesem Beispiel halte ich auch die Kamera-Handhelds und mache während des Interviews unterschiedliche Framing. Das Video hat jetzt verschiedene Winkel, auf die wir schneiden können. Es gibt immer wieder Auslöser von neuen Informationen für das Publikum, hält sie mehr Interesse. So können wir schließen, dass Sie während eines Interviews immer mit einer zweiten Kamera fotografieren sollten. Aber sagen wir, dass Sie keine zweite Kamera haben. Nun, hier ist ein kleineres Projekt, an dem ich gearbeitet habe. Ich hatte nur eine Kamera zur Verfügung, also habe ich das ganze Interview von einem langen Schuss aufgenommen und dann habe ich das Interview wieder mit einem mittleren Schuss gemacht. Es ist nicht so wichtig, dass eine Person genau dasselbe erzählt. Sie können ein Zitat aus dem ersten Interview und ein weiteres Zitat aus dem zweiten. Aber es macht Ihre Szene viel organischer und Sie bemerken es wahrscheinlich auch hier. Wir arbeiten auch mit zwei Kamerawinkeln, dass da drüben die Hauptkamera ist, und hier drüben haben wir die B-Rolle. Daher ist es ein Grund, Ihre Videos dynamischer aussehen zu lassen. Der zweite Grund, warum Sie B-Roll brauchen, ist, Ihre Schnitte unauffällig zu machen. Angenommen, Ihr Subjekt sagt etwas falsch oder sagt etwas, das Sie danach ausschneiden möchten. Da wir diese Teile ausschneiden, sehen wir das Video springen. Diese heißen Sprungschnitte und es ist etwas, das ich hasse es zu sehen. YouTube ist voll davon und ich sehe sie sogar einige professionelle Produktionen. In meinen Augen zeigt es Faulheit und sehr schlampige Arbeit. Das Mindeste, was Sie tun können, ist das Video dazwischen zuschneiden, so dass Sie digital von einem Long Shot auf eine mittlere Aufnahme schneiden können. Wenn sich die Framegröße ändert, bemerkt das Publikum nicht, dass es zu viel geschnitten ist. Das ist auch der Grund, warum wir diese B-Rolle verwenden. Jedes Mal, wenn das Subjekt etwas falsch sagt, schneiden wir in den anderen Winkel. Aber um sicherzustellen, dass es nicht springt, möchten Sie sicherstellen, dass es eine andere Bildgröße hat und Sie auch etwas Abstand von der Hauptkamera nehmen möchten. Je mehr Unterschied in der Position zwischen den beiden oder dem Winkel, desto geringer sind die Schnitte bemerkbar. Wir haben über dieselbe Szene gesprochen, zwei Kameras, die dasselbe erfassen. Egal, ob es sich um zwei Kameras handelt oder die Szene mit einer Kamera wiederholt wird. Darüber hinaus möchten Sie auch das Zeug auffüllen, von dem die Person spricht. Es fügt die gleichen Vorteile hinzu. Sie können die Schnitte unauffällig machen, und Sie visualisieren, wovon die Person spricht, und das macht es wirklich interessant für das Publikum. Sie haben diese Beispiele der Interviews gesehen, die mit zwei Winkeln etwas dynamischer sind, aber es ist immer noch nur eine Person, die spricht. Also lassen Sie uns Aufnahmen von der Fabrik und den Kartoffeln hinzufügen, die sie produzieren, wovon sie reden, es macht das gesamte Video abgeschlossen. Sie haben ein dynamisches Interview, Aufnahmen in der Fabrik, die Maschinen, mit denen sie arbeiten , das Personal, das Lager usw. Ein guter Tipp, den ich Ihnen geben kann, ist, so viel wie möglich B-Roll zu schießen. Sie werden in der Bearbeitung feststellen, dass Sie immer eine B-Rolle vermissen, die Sie nie genug haben können. Das war also ein ziemlich einfaches Beispiel für ein Interview. Aber wenn Sie zum Beispiel etwas anderes machen, wie ein Reise-Video, dann ist Ihre Hauptkamera Sicht auf das Gehen. Versuchen Sie, etwas anderes zu bekommen, wie die Umgebung, eine Standortaktivität, eine Nahaufnahme eines Flusses. Es spielt keine Rolle. Wenn Sie die gleiche Sache vlogging. Reden Sie nicht nur die ganze Zeit durch die Kamera. Stellen Sie sicher, dass Sie ein paar zusätzliche Aufnahmen haben , die das Zeug, über das Sie sprechen, abdecken. Jetzt B-Roll ist etwas, mit dem man sehr kreativ werden kann. Das könnte auch wie die Hände der Person sein, die spricht. Oder Sie können auch auf subjektive Aufnahmen von dieser Person schneiden , die sich während des Interviews vorbereiten oder denken. In diesem Studio könnten wir einige Aufnahmen von den Glühbirnen hier machen und vielleicht, und mit denen spielen, macht es die Aussicht lustig, spielerisch und sehr dynamisch. So hilft B-roll bei den Schnitten, um sie für das Publikum unsichtbar zu machen. Es hilft Ihnen, in verschiedene Winkel zu schneiden oder mehr zu visualisieren, macht es dynamischer und es hilft, Ihre Geschichte besser zu erzählen , weil Sie sie visualisieren. Manchmal ist es nicht so einfach zu wissen, welche B-Rolle Sie brauchen werden, weil es etwas ist, das in der Bearbeitung passiert. Auf diese Weise müssen Sie für die Bearbeitungen schießen, und ich werde Ihnen in der nächsten Lektion zeigen, wie Sie das tun. 17. Drehen für die Bearbeitung: Wenn Sie an einem Kurz- oder Spielfilm arbeiten, sind Sie wahrscheinlich eine halbe Shortlist. Sie haben über die Aufnahmen nachgedacht, bevor Sie zum Film gingen, und es hat eine Liste davon gemacht. Es ist sehr gut, dass du es tust. Das bedeutet, dass Sie sich jetzt auf diese Liste konzentrieren können und nicht über die Aufnahmen nachdenken , die Sie benötigen, und sich auf andere Produktionsaufgaben wie Regie, Beleuchtung, Sound oder Logistik konzentrieren können. Aber für jedes andere Projekt haben Sie wahrscheinlich keine Shortlist. Zum Beispiel mache ich viele Event-Videos. Einer meiner größten Kunden als BMW Franchise, die Veranstaltungen sehr oft organisieren. Ich bringe diesen Tag in ein lustiges Video, das jeder danach in den sozialen Medien ansehen kann. Es gibt definitiv einige Dinge, die ich vorbereiten kann. Ich kann die Organisation fragen, was dort passieren wird, und was sie auf jeden Fall gefilmt werden wollen. Aber das ist eher eine To-Do-Liste. Bei einer Veranstaltung passieren Dinge live, Sie werden Dinge begegnen, die Sie nicht kannten, Situationen können sich ändern und sogar der Kunde könnte Sie auffordern, plötzlich etwas Neues zu filmen. Deshalb müssen Sie darüber nachdenken, wie Sie das Video bearbeiten, während Sie filmen. Nur wenn Sie das tun, können Sie wissen, welche Arten von Aufnahmen Sie treffen werden. Das erste, was Sie tun müssen, ist über das globale Bild nachzudenken. Das heißt, stellen Sie sicher, dass Sie ein Intro, eine Mitte und ein Ende haben. Eine bestimmte Aufnahme, die das Video öffnet, dann haben Sie Ihre Sachen dazwischen und schließlich, eine schöne Aufnahme des Videos endet, wo Sie schön auf das Logo oder so etwas übergehen können . Sie könnten es wie an den Fronten vorbereiten, aber Sie können auch sehen, was auf der Veranstaltung passiert, oder was auch immer passiert in Ihrem Tag, wenn Sie vlogging oder es spielt keine Rolle, was Sie machen. Du willst einen Anfang, Mitte, Ende haben. Das ist das erste, was man im Hinterkopf behalten sollte und es wird Ihnen bereits geholfen, dieses globale Bild in Szene zu bringen. Das nächste, worauf man achten muss, sind die kleinen Geschehnisse. Zum Beispiel möchten Sie eine Cocktailbar filmen. Nun, bevor Sie dies tun, denken Sie zuerst über die Bearbeitungen nach. Wie werden Sie diese Szene bearbeiten? Wie willst du es aussehen lassen? Vielleicht möchten Sie mit einem langen Schuss öffnen, dann gehen Sie zu einer Nahaufnahme des Glases, das gefüllt ist, und schließlich zu einem mittleren Schuss des Glases, der einem Gast gegeben wird. Du visualisierst das zuerst und fängst dann an zu schießen. Dies ist wirklich die Grundlagen der Dreharbeiten für die Bearbeitungen. Wenn Sie einen Raum betreten, in dem etwas vor sich geht, ist das erste, was Sie als Kameramann tun, sich umzusehen und diese Szene in verschiedene Aufnahmen aufzunehmen, auswendig zu machen, sie zu visualisieren und dann zu schießen, was benötigt wird. Lasst uns das auf eine nächste Stufe bringen. Ich möchte Sie nicht mit Informationen überlasten, weil es zuerst viel Übung und Erfahrung braucht. Normalerweise, wenn Sie die Grundlagen der Aufnahme für die Bearbeitungen erhalten, werden Sie feststellen, dass fortgeschrittenere Techniken selbst. Eine dieser fortgeschrittenen Techniken sind Szenenübergänge. Das hat nichts mit der Bearbeitung zu tun, sondern nur mit der Kamera. Wenn Sie eine bestimmte Szene fotografieren, wie werden Sie von dieser Szene zur nächsten wechseln? Es gibt viele Möglichkeiten, dies zu tun. Auf einer Party können Sie direkt in die Lichter filmen, wodurch dieses Licht in Ihr Objektiv eingebrannt wird. Auf diesem Blitz können Sie auf die nächste Szene zuschneiden. Sie können auch Dinge wie Tücher tun. Wenn du das Ende deines ersten Shots wischst und dann deinen nächsten Schuss mit demselben Wipe beginnst, kannst du sie miteinander verbinden, indem du einfach die beiden Clips nebeneinander platzierst und du hast einen schönen Übergang. Nun haben wir ein ganzes Video darüber auch auf YouTube gemacht. Den Link dazu finden Sie in der Unterrichtsbeschreibung. Aber ein Übergang kann auch sehr einfach sein, wie von einer Nahaufnahme oder einem Mittelschuss zu einem plötzlichen sehr weißen Langschuss. Diese große Änderung in der Bildgröße funktioniert als ein schöner Übergang zwischen den beiden Szenen. Sie haben auch Dinge wie Walk-Through-Übergänge , bei denen jemand vor Ihrem Objektiv geht, wenn es dunkel wird, können Sie dann auf die nächste Szene schneiden, und es geht so weiter. Aber es gibt Dinge, über die Sie während des Shooting nachdenken müssen. Also Jungs, fangen Sie zuerst mit dem globalen Bild an und denken Sie an eine Öffnung, Mitte und Ende, dann brechen Sie einzelne Szenen in verschiedene Aufnahmen, bevor Sie anfangen, diese Szene zu fotografieren. Wenn Sie es auf die nächste Ebene bringen möchten, versuchen Sie, darüber nachzudenken, wie Sie von Szene zu Szene wechseln werden. Dies war die letzte Lektion des Kapitels und Sie haben jetzt alle Grundlagen durchlaufen. Sie wissen, wie Ihre Kamera funktioniert und wie Sie die perfekte Aufnahme zu einem Thema machen können. Was ich möchte, dass Sie jetzt tun, ist eine Liste der verschiedenen Lektionen dieses Kapitels zu erstellen. Das ist die Regel von Dritteln. Framing, Kameraposition, Objektive, 180-Grad-Regel, Zeitlupe, Büro, und schießen für die Bearbeitungen. Jetzt finden Sie ein schönes Projekt, das Sie filmen können, vielleicht ist es, wie Ihre Kinder spielen, hängen mit Ihren Freunden im Park, oder einfach jemanden bitten, etwas Einfaches wie einen Kaffee zu machen. Wichtig ist, dass Sie ein echtes Thema oder ein bestimmtes Ereignis haben , dass Sie mehrere Aufnahmen abnehmen können. Während Sie filmen, nehmen Sie es langsam und gehen Sie durch die Liste, um zu überprüfen, ob Sie alles in Ordnung tun. Tun Sie das zuerst und kommen Sie dann für ein kleines Quiz zurück, das direkt nach dieser Lektion kommt. Wenn Sie bemerken, dass Sie zu viele Fehler gemacht haben, was völlig normal ist, dann versuchen Sie, einige der Lektionen erneut zu beobachten. Etwas, das man immer im Auge behalten muss, ist, dass die Kunst des Filmemachens Praxis braucht. Es braucht jahrelange Übung, und Sie erhalten eine Reihe von Informationen aus diesem Kurs. Der Schlüssel ist also, zu üben und niemals aufzugeben. Vielen Dank für das Anschauen und viel Glück mit Ihrem kleinen Filmprojekt jetzt. 18. Quiz 3: Die Sprache des Videos: 19. Einführung in die Kamerabewegung: Willkommen zurück, Leute. Ich hoffe, Sie hatten eine gute Übung und erzielten gut auf dem Quiz. Vielleicht siehst du diesen Kurs in einem Schlag an. Nun, das ist auch gut. Ich kann mir vorstellen, wenn du jetzt bequem auf einem Sofa sitzt, dass du nicht zum Filmen aufstehen willst. Aber es ist wichtig, dass Sie während dieses Kurses üben. Wenn Sie sich entscheiden, zuerst den gesamten Kurs zu sehen, dann versuchen Sie, einige der Lektionen nach einiger Übung erneut zu sehen. Wir werden das Spiel verstärken und über die Bewegung der Kamera sprechen. Es gibt so viele Werkzeuge, um Ihre Kamera in Bewegung zu bringen. Es gibt Kräne, Dolly, Steady Cam, Schieberegler, Gimbals, Drahtlager, etc. Diese Liste hält nur weiter. Dann haben wir auch die praktischen Dinge wie ein Stativ oder einfach nur halten die Kamerahände gehalten. Jedes einzelne Werkzeug lässt die Kamera anders bewegen. Das ist es, was du verstehen musst. Warum sollten Sie zwischen einem Schieberegler, Handheld oder einem Stativ wählen? In den kommenden Lektionen werden wir über diese drei Kategorien sprechen. Stative zur Steuerung von Bewegungen. Ich glaube, Sie sollten zuerst lernen, wie man das macht. Dann Handheld, die viel mehr darin hat, als die meisten Leute denken. Schließlich Kamerabewegungen im Allgemeinen. Und um sich zwei beliebte Geräte ansehen zu müssen, den Schieber und den Gimbal , der beide bereits viele mögliche Bewegungen abdeckt. Wenn Sie keinen Schieberegler oder Gimbal haben, dann machen Sie sich keine Sorgen. Es ist immer etwas, das man in der Zukunft bekommen kann, wenn man will. Sie müssen sich auch Ihre Projekte ansehen, die Arbeit, die Sie tun. Es ist definitiv interessant, die Geschichte hinter den Kamerabewegungen zu kennen, egal ob Sie die richtige Ausrüstung haben oder nicht. Was ich aber rate, ist, zuerst ein Stativ zu bekommen. Es ist die grundlegendste und am häufigsten verwendete Kameraunterstützung. Lassen Sie uns also zur nächsten Lektion gehen und sehen, warum Sie ein Stativ verwenden sollten oder nicht. 20. Das Stativ: Ich glaube, wir wissen alle, was ein Stativ ist. Drei Beine und ein Kopf. Oben auf dem Kopf platzieren Sie Ihre Kamera. Es ist das grundlegendste Werkzeug, um einen stabilen Schuss zu bekommen und genau das ist, wofür ein Stativ gedacht ist, um einen stabilen Schuss zu bekommen. Ein neutraler stabiler Schuss auf einem Stativ sieht professionell aus. Der Grund dafür ist, dass Handaufnahmen eine gewisse Technik erfordern und Sie sich auf Ihre Handbewegungen konzentrieren müssen. Wenn Sie sich nicht darauf konzentrieren, ist es besser, ein Stativ zu verwenden. Ein Stativ bedeutet Kontrolle. Es ist sehr natürlich und wirkt ein wenig wie Selbstvertrauen. Mit den Köpfen können wir eine Pan-Bewegung machen, die Ihre Kamera von links nach rechts schwingt. Oder wir können eine Kippbewegung machen, wir schwingen die Kamera nach oben und unten. Wir können diese beiden Bewegungen auch kombinieren und von einer oberen nach unteren Ecke gehen. Diese Bewegungen erfordern einen flüssigen Kopf auf Ihrem Stativ. Grundsätzlich gibt es drei Arten von Stativen. Sie haben die billigen Kunststoff-Stative, die keine Flüssigkeit Köpfe haben und Sie wollen diese vermeiden. Dann gibt es RD-Fotostative oder Semi-Videostative, die definitiv ein guter Start sind. Achten Sie nur darauf, dass es Flüssigkeitskopf sagt. Dann haben Sie die professionellen Stative mit Schüsselköpfen, aber diese geben Ihnen die beste Leistung und haben Tonnen von tollen Optionen, um Ihre Kamera oder auf verschiedenen Ebenen der Reibung auszugleichen. Wenn Sie anfangen und ein knappes Budget haben, dann empfehle ich, mit einem semi-professionellen Videostativ zu beginnen. Später die Straße hinunter, werden Sie feststellen, dass ein zweites oder sogar ein drittes Stativ hilfreich ist. Deshalb empfehle ich nicht das beste Stativ, mit dem man anfangen kann. Das ist eine schnelle Einführung in Stative. Ich will mich nicht zu sehr darauf konzentrieren. Stellen Sie einfach sicher, dass es Fluidkopf sagt, wenn Sie einen kaufen wollen, und Sie werden in Ordnung sein. Machen Sie einfach einige Recherchen auf Google, um herauszufinden, welche die besten Stative für Ihr Budget sind. Wie ich schon sagte, ein Stativ zeigt Stabilität in deinen Aufnahmen. Es fügt einen Ton des Vertrauens, Neutralität, Sein, in der Kontrolle über die Situation. Das gilt auch für deine Bewegung. Wenn Sie jemandem mit einem Stift folgen, ist es ziemlich einfach, diese Person mit etwas Übung auf die Regel von Dritteln zu halten. Das Gleiche gilt für Produktaufnahmen. Machen Sie ein wenig Band über seine, um mehr Tiefe, um den Schuss hinzuzufügen. Wir werden in einem kleinen Moment darauf eingehen, aber es ist sehr kontrolliert, sehr neutral und es zeigt diese Professionalität wieder. Bessere Kippbewegungen müssen ebenfalls geübt werden. Sie möchten versuchen, sanft zu beginnen, eine konstante Bewegung zu machen und langsam zu stoppen. Eine gute Möglichkeit, dies zu üben, ist, indem Sie drei mal drei Papiere an eine Wand hängen und sie von 1-9 nummerieren. Dann biegen, kippen oder tun Sie beides von Zahl zu Zahl. Um sich ein wenig herauszufordern, können Sie jemand anderes bitten, Nummern anzurufen und Sie müssen versuchen, schnell zu handeln. Wenn Sie nun einen Actionfilm drehen würden, in dem diese Spann- oder Kippbewegungen viel schneller sein könnten, bleiben wir diese Kontrolle und das reflektiert über die Themen. Jemand mit einem hohen Status, der den Kampf gewinnt, dieser Charakter hat die Kontrolle über eine Situation und wir können das reflektieren, indem wir auf einem Stativ filmen. Das ist im Grunde das, wofür ein Stativ steht. Früher habe ich über Tiefe gesprochen, und das habe ich auch zu Beginn dieses Kurses erwähnt. Die Essenz der Kinematographie besteht darin, Tiefe zu schaffen. Hier ist der Grund, warum. Wir leben in einer dreidimensionalen Welt. Das bedeutet, dass es um uns herum Tiefe gibt, aber im Video ist das flach. Du siehst Video auf einem Flachbildschirm. Das ist auch der Grund, warum sie 3D-Filme erfunden haben. Um die Illusion der Tiefe zu erzeugen. In der Lektion über die Blende des Objektivs haben wir ein wenig darüber gesprochen, wie ein verschwommener Hintergrund der Szene mehr Tiefe hinzufügt , da dadurch ein Unterschied in Vorder- und Hintergründen entsteht. Wenn Sie nun eine Schwenkbewegung durchführen, werden Ihre Vordergrundobjekte schneller verschoben als die Hintergrundobjekte. Das schafft dieses Gefühl von Tiefe, wenn es um Kamerabewegungen geht. Das ist einer der großen Gründe, warum Sie immer Bewegung zu Ihren Aufnahmen hinzufügen sollten. Um Tiefe zu schaffen, was wiederum die Essenz der Kinematographie ist. Ab jetzt werde ich klare Beispiele dafür geben, wie man in jeder der folgenden Lektionen eine solche Tiefe schafft, denn Tiefe kann auf tausende Arten geschaffen werden. Es ist getan, welche Kamerabewegung, Beleuchtung, Sounddesign, Kompositionen, Kunstrichtung, Farbkorrektur, visuelle Effekte, diese 3D-Brille, etc. Ein guter Filmemacher wird versuchen, so viel Tiefe wie er kann zu schaffen. Natürlich können wir nicht alle Elemente nehmen. Es ist dieser kreative Prozess, verschiedene Elemente miteinander zu kombinieren , um Tiefe zu schaffen, der so interessant ist. Obwohl, wie ich bereits sagte, es geht wirklich tief und Sie werden bereits jahrelange Erfahrung brauchen, um das wirklich zu meistern. Wir werden ein paar der Essenzen in diesem Kurs geben, um Ihnen den Einstieg zu erleichtern. In Ordnung. In der nächsten Lektion geht es um Hand-Out-Bewegungen. Also sehe ich euch alle da drüben. 21. Die Bewegungen der Handheld-Kamera: Handheld ist das Gegenteil von dem, wofür ein Stativ steht, man bekommt instabiles, wackeliges Material. Es gibt jedoch mehrere Variationen von Handbewegungen, die alle ihre eigene Bedeutung haben. Beginnen wir mit der sanften Handbewegung. Die Idee ist, tatsächlich zu versuchen, es ist stabil Schuss ohne ein Stativ. Sie möchten nach einem guten Weg suchen, um Ihre Kamera fest zu halten. Dinge wie das Anlegen der Ellbogen gegen die Brust funktioniert großartig oder indem man sich an eine Wand oder einen Baum lehnt. Jetzt, wenn Sie auf diesen Aufnahmetaste drücken, möchten Sie auf Ihre Atmung achten. Sie können entweder den Atem anhalten, um die Bewegung zu reduzieren, oder sanft ein- und ausatmen und die Kamera beim Atmen herumschieben. Ihre Atmung steuert die Geschwindigkeit der Kamerabewegungen. Dies ist eine sehr entspannende Handheld-Bewegung, aber es nimmt diese Kante von diesem Stativschuss ab. Wenn es richtig gemacht wird, fügt es definitiv etwas dynamischer hinzu, aber es ist nicht immer so bequem. Wenn du auf einem langen Objektiv oder Teleobjektiv bist, über das wir zuvor gesprochen haben, ist es schwieriger, dein Video stabil zu halten. Dies funktioniert am besten bei Weitwinkelobjektiven, bei denen Sie diese Bewegung weniger bemerken. Dinge wie Objektivstabilisierungen oder in Kamerasensorzivilisationen wie der GH5, funktioniert auch hervorragend für diese Aufnahmen. Auch hier ist der Grund, warum Sie für eine Handheld-Aufnahmen gehen wollen , mehr Tiefe in Ihre Aufnahmen zu schaffen. Ein wichtiger Aspekt ist hier, nach Vordergrundobjekten zu suchen, und das kann buchstäblich alles sein. Hier haben wir Kim ohne Vordergrundobjekt, und hier ist Kim mit einem Vordergrund Objekte. Sehr einfach, aber es schafft mehr Tiefe. Sie können nach Objekten suchen, die etwas mit den Themen zu tun haben, wie diese Spraydosen, die wir mit dem Künstler im Hintergrund haben, oder etwas vage, das vor der Linse sitzt. Seien Sie vorsichtig, wenn Sie diese in der Fiktion verwenden. Es schafft auch eine Sichtweise Schuss von jemandem, der sehr hinterhältig zu jemand anderem wegen dieser Handheld-Bewegungen und vage Vordergründe. Aber für Dinge wie Produktaufnahmen, Event-Videos usw., ist es definitiv eine gute Möglichkeit, Ihre Aufnahmen in und Tiefe zu erweitern. Handheld-Bewegung ist nicht so gesteuert wie gestreifte Balken. Es fügt ein wenig mehr Spannung hinzu. Es reflektiert auf den Charakter, dass sie selbst nicht super stabil sind. Deshalb sieht man oft größere Bewegungen während einer Dramaszene, in der jemand kaputt gemacht wurde, oder während eines Kriegsfilms, und der Kameramann geht mit den Soldaten in der Schlacht. Diese Charaktere haben keine Kontrolle mehr. Ihre Situation ist nicht stabil, und Sie können das mit der Bewegung von Handhelds betonen. Aber sehr wichtig ist, dass du weißt, was du tust. Fangen Sie nicht einfach an, Ihre Kamera zu drehen. Selbst bei größeren Bewegungen möchten Sie sich trotzdem sanft bewegen. Wenn Sie mit der Kamera schütteln gehen, dann sieht es so aus, als ob es von einem Amateur, Katastrophen-Touristen oder so gefilmt wurde . Diese plötzlichen Schüttelungen: Versuchen Sie, das zu vermeiden. Wenn Sie ein Chaos Handhelds Bewegungen bekommen wollen, dann versuchen Sie, nur einmal nach oben und unten zu pumpen. Sehen Sie sich die Bewegungen in diesem Beispiel an. Es ist ziemlich hektisch, was für Actionfilme und so toll ist, aber es ist kontrolliert. Hier ist ein Beispiel für Handbewegungen, die nicht kontrolliert werden. Sehr typisch, Sie werden dieses wackelige Filmmaterial sehen, bei dem die Kamera zu schnell und zu viel auf- und runter geht. Ein letztes Beispiel für die Verknüpfung Ihrer Bewegungen mit der Spannung der Szene ist dies hier. Wir sehen Gen-Boxen. Das sind schwere Bewegungen. Aber als er plötzlich aufhört, sich auszuruhen, geht die Kamerabewegung auch zur Ruhe. Es ist sehr wichtig, dass du das tust. Versuchen Sie, während Handheld-Aufnahmen Vordergründe hinzuzufügen , um ein wenig Bewegung zwischen den verschiedenen Objekten zu erhalten, und achten Sie große Aufmerksamkeit auf Ihre Bewegung. Stellen Sie sicher, dass Sie die Kamera nicht schütteln und sich an die Szene anpassen. Eine Sache, die ich für Anfänger nicht empfehlen kann, ist das Gehen mit einer Kamera, es ist definitiv nicht einfach, aber etwas, das dabei helfen kann, sind Gimbals, und wir werden in der nächsten Lektion dazu kommen. Danke fürs Zuschauen. 22. Slider und Gimbal: In dieser letzten Lektion dieses Kapitels werden wir über den Rest der Kamerabewegungen sprechen. Wir können nicht über alles reden, weil das einen ganz neuen Kurs erfordert. Außerdem habe ich es am Anfang gesagt, dass es wichtig ist, sich ausschließlich auf dich und deine Kamera als Anfänger zu konzentrieren. Aber es ist wichtig zu beachten, was alles da draußen und was die Bedeutung bestimmter Bewegungen ist. In dieser letzten Kategorie finden wir alle Arten von Geräten, mit denen wir die Kamera im Raum bewegen können , aber sehr kontrolliert. So können Sie es als Stativ und Handheld in einem sehen. Das sind Dinge wie Krane oder Mini-Jibs , die für uns DSLR-Filmemacher besser geeignet sind. Steady Cams oder Glidecam Typ Stabilisatoren, motorisierte Gimbals, die sogar bei mobilen Nutzern für Amateurvideos sehr beliebt sind. Schieber-Sets gibt es in allen Arten von Formen und Zubehör, wodurch Ihre Kamera über eine Schiene gleiten kann und diese Liste weiter. Ich bin sicher, dass Sie schon mal von diesen Dingen gehört haben. Werfen wir einen genaueren Blick auf diesen Schieberegler. Es ist eine Schiene, auf der Sie von links nach rechts oder von hinten nach vorne gleiten können. Mit etwas Kreativität können Sie wirklich einige tolle Bewegungen damit machen. Aber wieder, es wird kontrolliert und es setzt den gleichen Ton auf die Szene. Ein normaler seitlicher Schieber erzeugt viel Tiefe. Auch hier möchten Sie nach diesen Vordergrundobjekten suchen. Es enthüllt auch viel Platz. Dies ist auch ein gutes Beispiel, wenn Sie ein Weitwinkelobjektiv verwenden, bei dem alles im Fokus steht. Wir können diese Tiefe nicht wirklich mit einem verschwommenen Hintergrund schaffen. Mit einem Schieberegler erstellen wir Tiefe auf eine andere Art und Weise. Schauen wir uns jetzt Gimbals an, da sie so beliebt sind. Diese sind aus verschiedenen Motoren hergestellt, die sicherstellen, dass die Kamera stabil ist. Sie können mit einem Gimbal herumlaufen und einen schönen fließenden Schuss haben. Es gibt ein bisschen mehr Bewegung als Schieberegler, da wir seitwärts und rauf und runter gehen. Es hat mehr eine handgehaltene Note, um es. Es ist weniger kontrolliert als ein Schieberegler. Wenn Sie die gleiche Freiheit wie ein Gimbal haben wollen, aber mehr Kontrolle, müssen Sie sich Krane oder Ausleger ansehen. Gimbals werden oft verwendet, um jemandem zu folgen. Sie können irgendwie durch den Raum gleiten. Es hat mehr davon, dass es im Kontrollstatus ist. Weil es so platziert ist, ist es eine ziemlich coole Bewegung. Sie haben auch die ganze Freiheit mit einem Gimbal. Fast jede Bewegung ist möglich. Hier sind einige häufige Bewegungen. Sie können einen Track in zu einem Thema machen. Auf diese Weise isolieren Sie das Thema und konzentrieren sich mehr auf die Talente. Sie können auch einen Track out machen, um das Thema zu verlassen. Zum Beispiel, wenn ein Charakter aufgrund des Verlustes von etwas Herzgebrochen ist, oder sie ist mitten im Nirgendwo verloren und fühlt sich allein. Durch die Verfolgung verlässt das Publikum den Charakter, der diese Emotion betont. Andere coole Bewegungen laufen um jemanden herum. Dies funktioniert gut auf Tele-Objektiven sowie es macht die Hintergründe schnell bewegen. Sie können dies nicht während einer Ausführung des Charakters verwenden da es den Charakter enorm in einer sehr dramatischen Weise isoliert. Aber unabhängig von der Bewegung, die Sie tun, versuchen Sie immer, nach Objekten im Vordergrund, im Hintergrund oder auf der Seite zu suchen. Während Sie Ihre Bewegungen ausführen, möchten Sie Bewegungen in den Elementen des 3D-Raums bringen, den Sie erfassen. Beginnen Sie mit dem Üben auf einem Stativ. Hängen Sie die neun Papierstücke an die Wand und drehen Sie sich und kippen Sie sie von Zahl zu Zahl. Probieren Sie dann mehrere verschiedene Handheld-Aufnahmen aus. Beginnen Sie mit sanften Bewegungen und dann größeren Handbewegungen. Wenn Sie einen Schieberegler oder Gimbal haben, bin ich mir ziemlich sicher, dass Sie bereits damit gespielt haben. Aber was du als Nächstes tun kannst, ist darüber nachzudenken, was deine Bewegung zuerst erzählt. Verlassen Sie den Charakter oder kommen Sie näher? Ist deine Bewegung schnell oder langsam? Aber denken Sie immer daran, dass der Schlüssel zur Kamerabewegung ist, Tiefe zu schaffen. Diese Lektion folgt mit einem kleinen Quiz, um zu überprüfen, ob Sie darauf geachtet haben. Im nächsten und letzten Kapitel wir einen Blick auf das Licht. Ich werde Ihnen das Grundprinzip der Beleuchtung zeigen und wie das für jede Umgebung gilt. Egal, ob Sie zusätzliche Lichter einrichten oder nicht. Vielen Dank für das Anschauen und viel Glück mit dem Quiz. 23. Quiz 4: Kamerabewegung: 24. Einführung in die Beleuchtung: Willkommen zurück, Leute. Bisher haben Sie gelernt, wie Ihre Kamera funktioniert, wie Sie professionell aussehende Aufnahmen machen und wie Sie mit Kamerabewegungen eine große Dynamik hinzufügen können. Sie sind fast bereit, mit Ihrem Filmprojekt zu beginnen, denn es gibt noch eine Sache, die wir nicht übersehen können, und das ist Licht. Wenn Sie das Licht ausschalten, ist es dunkel. Ein schwarzer Bildschirm. Du kannst dir vorstellen, wie wichtig Licht ist, oder? Es gibt zwei Dinge, die wir sehen, wenn wir Licht analysieren, das ist das Licht selbst und der Schatten, den es erzeugt, wie Sie auch hier auf meinem Gesicht sehen können. Oft wird es übersehen, aber Schatten sind genauso wichtig wie das Licht. Denken Sie daran, dass wir versuchen, Tiefe in unseren Aufnahmen zu schaffen. Nun, Beleuchtung könnte das wichtigste Element sein, um Tiefe zu schaffen. Wenn Sie einen 3D-Würfel zeichnen, einen Bleistift setzen würden , was würden Sie tun, um ihn so real wie möglich zu machen? Genau. Sie würden mit verschiedenen Intensitäten des Schattens darauf zeichnen. Wenn Sie einen Ball zeichnen würden, erhalten Sie diesen Farbverlauf des Schattens darüber, um es wie eine echte runde Objekte aussehen zu lassen. Schatten sind das Wesentliche, um die Textur oder Tiefe eines Objekts zu definieren , und deshalb müssen Sie darauf achten, wo Sie diese Schatten in Ihren Aufnahmen platzieren. Die folgenden Lektionen werden nicht spezifisch sein, wie man die Beleuchtung einrichtet, aber ich werde Ihnen erklären, wie die Beleuchtung für ein Video funktioniert. Sobald Sie das verstehen, würden Sie auch wissen, wie Sie mit Satelliten umgehen oder wo Sie Ihr Motiv in einem Raum mit lässiger Beleuchtung positionieren können. Als ob Sie die Möglichkeit haben, sich zu bewegen oder zu beleuchten, Kerzen zu platzieren oder die Vorhänge zu schließen, dann wissen Sie, was Sie tun müssen, um mehr filmische Tiefe in Ihren Aufnahmen zu schaffen. 25. Die 3-Punkt-Beleuchtung: Die Dreipunktbeleuchtung ist ein Prinzip, das das Wesentliche für die Schaffung von Tiefen definiert. Wir werden einige echte Filmlichter verwenden, um dies zu erklären, aber Sie werden feststellen, dass es eine Technik ist, die auf jedes Objekt angewendet werden kann , das Licht gibt. Das sind Fenster, ein Fernseher, dekorative Lichter, Kerzen und so weiter. Wie der Name schon sagt, gibt es die Dreipunktbeleuchtung an drei Lichtquellen. Die erste wird die Fülllichter genannt. Der Zweck des Fülllichts ist es, den Raum und das Motiv für eine globale Beleuchtung zu füllen. Jetzt, wie ich bereits erwähnt habe, sind Schatten sehr wichtig, es ist, was Tiefe schafft. Tiefe wird dieses Licht auf die Stelle des Subjekts setzen, so dass es keinen Schatten über Kims Gesicht erzeugen kann. Jetzt sehr wichtig für ein Fülllicht ist, dass es nicht zu intensiv ist. Idealerweise möchten Sie ein weiches Licht haben, etwas sehr Sanftes, das einen weichen Schatten erzeugt den gesamten Raum beleuchtet, deshalb stelle ich einen weichen Filter vor die Lichter, die nicht zu viel Aufmerksamkeit schenken an die Ausrüstung, die verwendet wird. Denken Sie daran, eine zu große weiche globale Lichter. Nächstes Licht wird als Schlüssellicht bezeichnet. Es sitzt auf der anderen Seite von Kims Gesicht und es wird als mehr künstlerische Lichter arbeiten. Sie können eine harte Stelle verwenden, wenn Sie wollen, aber in der Regel Gesichter sind buchstäblich eine Software Lichter. Eines ist sicher, dass das Schlüssellicht intensiver wird. Wenn ein Schlüssellicht und ein Fülllicht gleich sind, haben Sie nicht die Schatten, die Tiefe tauschen. Wir werden eine größere, intensivere Stelle für die Schlüssellichter anbringen . Jetzt wirst du sehen, dass wir eine schöne Verschlechterung über Kims Gesicht haben. Ihre linke Seite ist mehr beleuchtet als die Rechte Seite schafft Tiefen. Dann ist das letzte und dritte Licht die Hintergrundbeleuchtung, die die stärksten Lichter ist, um Tiefe zu schaffen. Wenn Sie nur eine Leuchte zur Verfügung haben, dann verwenden Sie sie als Hintergrundbeleuchtung. Aber wir werden in der nächsten Lektion viel tiefer darauf eingehen. Die Hintergrundbeleuchtung sitzt auf der Rückseite des Motivs und immer auf der gegenüberliegenden Seite der Schlüssellichter, und es wird in der Rückseite des Motivs leuchten, wodurch dieser schöne Heiligenschein entsteht, wie Sie auch hier im Studio sehen können. Da das Schlüssellicht die hellste Frontbeleuchtung ist, wollen wir sicherstellen, dass die Hintergrundbeleuchtung auf der Stelle der Fülllichter leuchtet, es schafft mehr Kontrast diese mehr visuelle Tiefe. Die Hintergrundbeleuchtung kann ein sehr hartes und intensives Licht sein, so dass wir das nicht mildern müssen. Ein heißes Licht von der Rückseite erzeugt einen schönen Halo um das Thema, so dass sie herausspringen. Dies ist die Dreipunktbeleuchtung, und sie enthält das Wesentliche, worum es bei Licht geht. Denken Sie daran, dass der Zweck darin besteht, Schatten und Kontrast zwischen verschiedenen Lichtquellen zu erzeugen . Wir werden weiter an diesem Prinzip in der nächsten Lektion arbeiten und verwenden den ganzen Tag Lichtquellen wie die Sonne, wenn diese dekorativen Lichter, etc., um mehr Tiefe in unseren Aufnahmen zu schaffen. 26. Tageslicht: Das Drei-Punkt-Beleuchtungssystem enthält viele Praktiken, aber wir brauchen nicht immer alle drei Lichter. Sie können nur eine Hintergrundbeleuchtung oder nur eine Tastenbeleuchtung perfekt wählen, und oft ist das Fülllicht bereits da. Zum Beispiel, geben Sie mir stehen in unserem Wohnzimmer, durch die Fenster, kommen Rutschen. So gibt es unsere Fülllichter. Ich werde ein Schlüssellicht auf der Seite ihres Gesichts hinzufügen, um einen Kontrast darüber zu erzeugen. Dies ist nun eine Zweipunkt-Beleuchtungseinrichtung, die auch durchaus möglich ist, dass die Position des Schlüssellichts sehr wichtig ist. Das hat mit der Betrachtungsrichtung der Talente zu tun. Wir haben schon mal darüber geredet. Wenn das Talent auf die linke Seite schaut, werden wir die Schlüssellichter auch auf der linken Seite positionieren. Dies wird sicherstellen, dass das Schlüssellicht ein wenig als Hintergrundbeleuchtung funktioniert, was ich bereits erwähnt habe, was ich bereits erwähnt habe, ist eine sehr leistungsfähige Beleuchtungsposition, um Tiefe zu schaffen. Wenn das Licht auf der anderen Seite sitzt, wird es wie das Motiv flach ausfallen. Bei jeder Art von Lichtquelle wollten Sie immer auf der Rückseite des Motivs stehen, auch wenn das nur sehr geringfügig ist. Kim hier schaut aus einem Fenster. Wenn ich ein Frontfoto davon mache, werde ich sie bitten, ein wenig zur Seite zu stellen, damit das Licht aus dem Fenster auf ihre Seite springt und ich von ihren Schattenseiten filmen kann. Dies ist ein super wichtiges Prinzip und wir werden in der letzten Lektion ein wenig tiefer eintauchen. Aber zuerst werde ich über das Sonnenlicht sprechen, wahrscheinlich die meistgenutzte Lichtquelle von allen. Das Sonnenlicht ist eine Lichtquelle und es strahlt auf die Umwelt wie den Boden. Diese Umwelt spiegelt das Licht wider, das heute als zweite Lichtquelle fungiert. Das wird die Fülllichter sein. Beachten Sie, dass Sonnenlicht als Hintergrundbeleuchtung oder Schlüssellicht funktionieren kann, aber weil das Sonnenlicht so intensiv ist, wird es normalerweise als Hintergrundbeleuchtung platzieren. Es schafft auch wieder einen sehr schönen Heiligenschein um das Thema. Manchmal ist diese Hintergrundbeleuchtung so intensiv, dass wir ein Schlüssellicht erstellen müssen. Der einfachste Weg, dies zu tun, ist, das Sonnenlicht zu reflektieren. Sie können professionelle Reflektoren oder einfach nur eine weiße Schaumstoffplatte aus dem Home Depot verwenden. Alles, was eine weiße Oberfläche Eintrag Fakten hat, Lichter funktioniert. Wie wir in der vorherigen Lektion gesehen haben, wollen wir die Hintergrundbeleuchtung auf der gegenüberliegenden Seite des Schlüssellichts. In diesem Beispiel wird das Sonnenlicht auf der linken Seite von Kim reflektiert. Da die Hintergrundbeleuchtung von ihrer rechten Schulter aus unserer Perspektive kommt. Wie Sie sehen können, können Sie die Prinzipien der Dreipunktbeleuchtung nehmen und sie auf jede Situation anwenden. Sie können sogar mit einem Zwei-Punkt-Licht-Setup gehen, bei dem Sie nur eine Hintergrundbeleuchtung oder eine Schlüsselbeleuchtung haben. Wichtig, immer daran zu denken, ist, dass Sie Schatten mit Ihrem Schlüssellicht und einem schönen Halos mit der Hintergrundbeleuchtung erstellen. 27. Praktische Beleuchtung: In einer speziellen Beleuchtung finden wir viele Lichtquellen. Wenn Sie fortschrittlichere Setups durchführen, wird dies viel sinnvoller machen. Aber ich möchte Ihnen schon einige der Grundlagen darüber geben. Wir sprechen hier von praktischer Beleuchtung. Das hat zunächst nichts mit der Dreipunktbeleuchtung zu tun, aber es kann keinen Einfluss darauf haben. Praktische Lichter sind Lichtquellen, die in Ihrem Schuss sichtbar sind, wie diese Glühbirnen hier um mich herum. Das sind praktische Lichter. Wenn Sie eine Lichtquelle in Ihren Aufnahmen haben, schafft es wieder enorme Tiefe, denn Sie haben einen Spot, der mehr Belichtung erzeugt als seine Umgebung. Diese Glühbirne hier ist heller als ihre Hintergründe. Es ist eine Hintergrundbeleuchtung, die nicht direkt auf Ihre Motive leuchtet. Hier ist ein weiteres Beispiel aus einem Video, das wir für Premium-Bit gemacht haben, einem unserer Sponsoren bei YouTube. Beachten Sie, wie wir diese Lichtquelle in den Hintergründen haben. Es erweckt nur die ganze Szene zum Leben, während sie diesen flachen Schatten in den Hintergründen bricht. Aber gib mir deine Sitzplätze an einem Tisch, und es gibt nur ein paar Fülllichter von der Lampe über ihr. Um die Szene interessanter zu machen, schalten wir die praktischen Lichter hinter ihr ein. Jetzt ist es wichtig, dass Sie Praktiken haben, die sinnvoll sind. Wenn Sie in einem Wohnzimmer filmen, stellen Sie sicher, dass in diesem Hintergrund eine Lichtquelle vorhanden ist, die in eine Szene passt, z. B. eine [unhörbare] Deflate-Haltung. Wenn Sie ein Interview in einer Industriefabrik machen, dann könnten Sie eine rote Alarmleuchte in den Hintergründen hinzufügen. Sie machen die Leuchte in Ihrer Aufnahme sichtbar, so dass sie in unsere Szene passen sollte. Eine schnelle Schlussfolgerung aus diesem Kapitel. Das Prinzip einer Drei-Punkt-Beleuchtungseinrichtung besteht darin, Schatten zu erzeugen. Sie möchten, dass Ihre Lichter von einer Website kommen und ein hohes Tief schaffen, indem Sie eine härtere Hintergrundbeleuchtung auf der Rückseite. Verwenden Sie dieses Prinzip in Alltagssituationen, Fenstern Sonnenlicht, Kerzen, etc., alle funktionieren als Lichtquelle. Versuchen Sie, sie an Ihrem Motiv zu positionieren, damit sie in dieses Dreipunkt-Beleuchtungsprinzip passen. Schulden entsteht, indem sie ihre Lichter von hinten kommen, auch wenn das ein kurzer Winkel ist, was bedeutet, dass Sie Ihr Motiv zuerst und dann das Schlüssellicht setzen. Frontbeleuchtung gilt als Wohnungen. Versuchen Sie schließlich, mit Praktiken zu experimentieren. Dies sind Lichter, die nur in Ihrem Schuss sichtbar sind. Wenn Sie ein kleines Pop-Quiz jetzt kommen, um Ihr Wissen zu testen und danach eine endgültige Schlussfolgerung und Lebensberatung. Vielen Dank für das Zuschauen und viel Glück. 28. Quiz 5: Licht für Videos: 29. Schlussbemerkung: Also hier sind wir Jungs. Das letzte und letzte Video dieses Kurses. Zunächst einmal, herzlichen Glückwunsch für den Abschluss seiner. Es ist auch großartig, dass Sie noch hier sind, um dieses Fazit Video zu sehen. Das bedeutet, dass Sie wirklich engagiert sind, sich auf die nächste Ebene des Films zu bringen. Für jeden wird Übung brauchen. Erwarten Sie nicht, nach nur einem Kurs plötzlich besser zu sein. Du wirst jetzt monatelang üben müssen. Zum Glück haben Sie diesen Kurs, damit Sie wissen, woran Sie üben können. Du hast definitiv einen großen Sprung nach vorne gemacht. So möchte ich den Kurs abschließen, mit drei Worten, die sich an mich und einen Filmemacher, an einen Unternehmer und an einen Vollzeit-YouTuber und in jemanden wandten , der in der Lage ist, Filmprojekte zu beschäftigen und zu bearbeiten für enorme Ansprüche. Gib niemals auf. Das ist ein Geheimnis für diesen Kurs und für das Leben. Sie haben lebenslangen Zugriff auf diesen Kurs. Also bitte schauen Sie sich einige der Lektionen und vielleicht alles wieder an, üben Sie alle Prinzipien. Fühlen Sie sich beim Lernen aus Ihren Fehlern und machen Sie Ihre Arbeit besser. Aber gib niemals auf und möchte euch so sehr danken, dass ihr an diesem Kurs teilgenommen habt. Du kannst mit mir über YouTube in Kontakt bleiben, einfach Cinecom abonnieren oder cinecom.net besuchen und dich für unseren Newsletter anmelden , um jedes Mal eine Benachrichtigung zu erhalten , wenn wir ein neues Tipp- und Tricks Video hochladen. Es gibt immer diese Sache, die wir am Ende unserer Videos sagen. Danke, dass Sie zugesehen haben. Bleiben Sie also kreativ.