Lerne die Kunst des Filmemachens vom Anfänger bis zum Profi

1. Einführung: Kamera, Lichter, Geräusche und [NOISE] -Action. Sie möchten Filmemacher werden, Ihre Kamera beherrschen und die filmischsten Videos machen. Aber du hast keine Ahnung, wo du anfangen sollst. Nun, Sie sind an der richtigen Adresse, denn dies hier ist die vollständigste Grundklasse für Filmemacher-Anfänger. Die genauen Informationen und Geheimnisse , die sie an teuren Filmschulen vermitteln. Ich habe vergessen, mich vorzustellen. Hi, ich bin Jordy. ungefähr 10 Jahren habe ich die Filmschule abgeschlossen . Danach begann ich meine Karriere als Filmemacher und besitze ein Filmstudio, von dem ich immer geträumt habe. Ich teile meine Leidenschaft durch Online-Kurse und durch ein Publikum von über zwei Millionen Abonnenten auf YouTube. Im Moment freue ich mich sehr, Ihnen einen brandneuen und aktualisierten Filmkurs für Anfänger anbieten zu können. Wir beginnen mit den Grundlagen und übernehmen die manuelle Kontrolle über unsere Kamera. Auf diese Weise können Sie kreative Entscheidungen treffen. In der zweiten Hälfte dieses Kurses werden wir die Regeln des Filmemachens wie Framing, visuelles Geschichtenerzählen, B-Roll und mehr untersuchen . Schließlich werde ich Ihnen im letzten Kapitel einige der beliebtesten Kamerawerkzeuge wie das Stativ, den Gimbal und mehr vorstellen beliebtesten Kamerawerkzeuge wie das Stativ, den . Am Ende des Unterrichts können Sie ein ganzes Video drehen , das so aussieht , als hätte es ein Profi gemacht. Das liegt daran, dass Sie dieser Profi-Filmemacher werden. Diese Klasse ist so kuratiert , wie es die Filmschulen unterrichten würden. Das bedeutet, dass Sie alles von den Grundlagen auf sehr strukturierte Weise lernen , um die Lernerfahrung spannend und ansprechend zu gestalten. Wenn Sie während des gesamten Unterrichts Fragen haben, stellen Sie sie einfach in die Diskussion unten ein, da ich Ihnen gerne weiterhelfe Fragen haben, stellen sie einfach in die Diskussion unten . Ich hoffe wirklich, dich in meiner Klasse zu sehen und gemeinsam diese neue Filmemacherreise zu beginnen. Ich bin super aufgeregt und ich hoffe, dass du es auch bist. Wir sehen uns gleich wieder. 2. Camera: [MUSIK] Oh, hallo zusammen. Guten Tag. Du hast dich für den Filmkurs angemeldet. Nun, kann ich sagen, dass ich mich sehr freue, diese Reise zusammen mit Ihnen zu beginnen? Als Wartungspersonal dieser sehr alten Lagereinheit für verlassene Kameraausrüstung habe ich fast alles gesehen. Die ersten Kameras , die hier reinkamen, hatten einen echten Filmstreifen darin. Dann, als die digitale Revolution kam, dieser gesamte Lagerraum häufte sich dieser gesamte Lagerraum mit Digitalkameras wie dieser. Wissen Sie, was dann kam? [NOISE] Die Fotokameras, die eine unglaubliche Videofunktionalität hatten. Es besteht die Möglichkeit, dass Sie eines davon haben. Es hat sich so viel verändert, seit das Filmemachen zu einem echten Beruf geworden ist. Aber du weißt, was sich nicht geändert hat, die Art und Weise, wie wir Videos machen. Am Ende des Tages spielt es keine Rolle, welche Art von Kamera Sie verwenden. Vielleicht haben Sie eine dieser Spiegelreflexkameras oder vielleicht eine größere Digitalkamera, oder vielleicht benutzen Sie nur Ihr Telefon. Ehrlich gesagt haben Telefone heutzutage ziemlich gute Videokameras. Ich sage nur, dass es beim Filmemachen nur um die Person hinter der Kamera geht und nicht um die Kamera selbst. Eine bessere Kamera macht dich nicht zu einem besseren Filmemacher. Die Theorie und die künstlerischen Regeln des visuellen Geschichtenerzählens werden dagegen. Jetzt müssen wir während dieser Klasse eine Art von Kamera als Demo auswählen . Wir werden mit der Panasonic Lumix GH5 arbeiten, einer sehr beliebten Spiegelreflexkamera. Es besteht aus einem Körper, dem Gehirn und dem Sensor sowie einer Linse, die das aufgenommene Licht in ein Bild umwandelt. Jede Kamera hat diese beiden Dinge, einen Körper und ein Objektiv. Manchmal ist die Linse am Körper befestigt. Das bedeutet, dass Sie das Objektiv nicht wechseln können. Jetzt können wir bei den meisten Fotokameras das Objektiv abnehmen, was bedeutet, dass wir andere Objektive daran anbringen können , solange sie auf den Körper passen. Dies wird als Objektivhalterung bezeichnet. Jede Marke hat ihre eigenen Halterungen. Das sollten Sie unbedingt beachten , wenn Sie ein neues Objektiv kaufen möchten. Jetzt habe ich die Kamera in ein Rig gesteckt. Es ist nicht notwendig, aber es macht bestimmte Dinge einfacher. Rigs sind wie Connects, wie Legos. Du hast sie so gebaut, wie du es willst. Es gibt keine Regeln dafür. Mein allererstes Rig war sogar etwas, das ich in einer Garage gebaut habe , um etwas Geld zu sparen, und es hat sehr gut funktioniert. Ich konnte meine Kamera auf meine Schulter legen. Ich dachte über ein Gegengewicht nach und wo wir einen externen Monitor montieren würden. Heute sieht das Rig viel kleiner aus. Ich habe gelernt, dass ein großes Rig nicht immer so nützlich ist. Ich halte die Dinge gerne kompakt. Um den GH5 herum befindet sich ein Käfig, der mir einen oberen Griff gibt und die Befestigung von Stangen ermöglicht. Auf der Rückseite habe ich einen großen Akku, sowohl die Kamera als auch den externen Monitor mit Strom versorgt . Manchmal kann man solche Rigs als Paket kaufen. Die Hersteller werden etwas empfehlen, aber Sie können auch Teile von verschiedenen Marken kaufen und etwas komplett Kundenspezifisches zusammenstellen, wie ich es getan habe. Das ist das Schöne an diesen Rigs. Die meisten dieser Verbindungen sind Industriestandards. Wie diese Stangen sind sie 15 Millimeter dick. Das ist überall dasselbe. Für diese Klasse wird ein solches Rig offensichtlich nicht benötigt. Ich wollte dir das nur erklären, weil du es dir schließlich die ganze Klasse ansehen musst und du keine seltsamen Fragen stellen musst. Jetzt kennen professionelle Videofilmer ihre Kamera in- und auswendig, daher empfehle ich dringend, das Menü Ihrer Kamera zu öffnen und die verschiedenen Einstellungen durchzugehen. Machen Sie sich mit Ihrer Kamera vertraut und scheuen Sie sich nicht, sie zu erkunden. Es sollte immer irgendwo eine Reset-Option geben, wenn Sie es vermasseln. Wie dem auch sei, mach dir nicht zu viele Sorgen. machen wir zusammen. Wir halten uns gegenseitig an den Händen und machen es schön gemütlich. Ich mache es schon wieder komisch. Wenn Sie in einer Lagereinheit wie dieser gefangen sind, lernen Sie nicht viele Menschen kennen. Vielen Dank fürs Zuschauen, und wir werden in der nächsten Lektion die erste Einstellung in diesem komplizierten Menü untersuchen in der nächsten Lektion die erste Einstellung . 3. Die Blende: Es gibt drei Einstellungen, die die Belichtung Ihrer Kamera steuern. Die Blende, der ISO-Wert und die Verschlusszeit. jeder dieser Einstellungen kann mehr oder weniger Licht erfasst werden. Die Belichtung mit anderen Worten. Zu Beginn haben Sie Ihre Kamera wahrscheinlich auf den automatischen Modus eingestellt. Ihre Kamera ändert die Einstellungen für Blende, ISO und Verschlusszeit automatisch, und Verschlusszeit automatisch um eine gute Belichtung zu erzielen. Das sieht gut aus. Nun, ist es nicht. Die Kunst des Filmemachens besteht darin, die Kontrolle über die Einstellungen zu übernehmen. Versetzen wir die Kamera also in den manuellen Modus. Jede dieser Belichtungseinstellungen hat eine Nebenwirkung. Deshalb haben wir drei Belichtungseinstellungen und nicht nur eine. Es liegt an dem Filmemacher , zu entscheiden, welche Nebenwirkungen Sie stärker hervorheben möchten oder nicht. Beginnen wir mit der Blende, bei der es sich eigentlich um eine Reihe von Klingen innerhalb des Objektivs handelt. Digitalkameras steuern diese Klingen über ein Zifferblatt am Körper selbst. Früher war dies ein physischer Ring , den man an der Linse selbst umdrehen musste. Wenn Sie die Blende öffnen, kommt mehr Licht durch, mehr Belichtung mit anderen Worten. Wenn Sie diesen Ring schließen, fällt weniger Licht durch und das Zentrum wird weniger belichtet. Ich denke, das ist ziemlich offensichtlich. Der Sensor befindet sich übrigens im Kameragehäuse hinter dem Objektiv. Wenn Sie das Objektiv vom Kameragehäuse abnehmen, können Sie den Sensor tatsächlich sehen. Es ist genau dort. Diese Ebene erfasst das durch das Objektiv kommende Bild und wandelt es in ein digitales Video um. Neben der Änderung der Belichtung ändert die Blende jetzt auch die Schärfentiefe. Das sind die Nebenwirkungen. Wie Sie wahrscheinlich wissen, befindet sich am Objektiv ein Fokusring. Wenn Sie es drehen, können Sie Dinge in den Vordergrund, in den Fokus oder in den Hintergrund stellen . Der Rest wird dann unscharf und verschwommen sein. Auch hier können Sie Ihre Kamera das automatisch machen lassen, was nicht ideal ist, aber das ist für später in diesem Kurs. Im Moment ist dieser Fokusring etwas, das Sie kontrollieren können. Sie können es vor oder zurück schieben. Was im Fokus steht, wird als Fokusfeld bezeichnet. Dieses Feld kann groß oder klein sein. Sie haben zwei Personen im Fokus, obwohl sie nicht im gleichen Abstand zur Kamera stehen . Sie könnten aber auch nur einen von ihnen im Fokus haben, im Wesentlichen wird das Fokusfeld größer oder kleiner. Die Größe dieses Fokusfeldes, also die Schärfentiefe kann mit der Blende gesteuert werden. Je mehr Sie die Blende öffnen , desto kleiner wird die Schärfentiefe . In Bezug auf das Filmemachen sprechen wir von einer geringen Schärfentiefe. Oft wird angenommen, dass eine geringe Schärfentiefe filmischer ist , da der Hintergrund eher unscharf ist. Jetzt, wenn wir die Blende schließen, fällt weniger Licht durch das Objektiv, aber das Fokusfeld wird auch größer. Weitere Elemente werden im Fokus stehen, aber es wirkt sich auch auf das allgemeine Erscheinungsbild von aus, daher die unscharfen Hintergründe. Hier sind die gleichen Aufnahmen , bei denen das Talent in derselben Entfernung zur Kamera steht. Einer von ihnen wurde bei offener Öffnung aufgenommen und der andere liegt in einer geschlossenen Öffnung. Sehen Sie, was das im Hintergrund bedeutet. Die Blende ist mehr als nur eine Belichtungseinstellung, sie ist auch eine kreative Wahl. Möchten Sie mehr oder weniger Tiefenfelder? Wie bei allem anderen wird auch die Blende in einer Einheit ausgedrückt. Es heißt F-Stop. Manchmal sehen Sie diese Werte auf dem Objektiv selbst. Wenn nicht, werden Sie diese wahrscheinlich auf dem Display Ihrer Kamera 2.8, 5.6, 8, 11 sehen. Dies sind alles unterschiedliche Blendenwerte. Je kleiner diese Zahl ist, desto offener ist Ihre Blende. Je mehr Licht durchkommt , desto flacher wird die Tiefe des Feldes. Je größer diese Zahl ist, desto näher ist die Blende, desto weniger Licht fällt durch und desto größer wird die Tiefe des Feldes. Das ist auf den Punkt gebracht, die Öffnung. In der nächsten Lektion werden wir die ISO-Einstellungen untersuchen. 4. ISO-Einstellungen: Drei Einstellungen, die Blende, die Verschlusszeit und die ISO. Diese kontrollieren die Exposition, aber jeder einzelne von ihnen kontrolliert auch Nebenwirkungen. Für ISO ist das Rauschen, was es zur einfachsten Belichtungssteuerung der drei macht. ISO ist nichts anderes als eine digitale Helligkeitsregelung. Sehen Sie, dass ein dunkles Bild durch einen einfachen Schieberegler heller wird. Leider führt dies zu Lärm. Auf jeden Fall, wenn es sehr dunkel und der ISO-Wert erhöht werden muss wenn Sie ein Bild mit Ihrem Telefon in Umgebungen mit schlechten Lichtverhältnissen aufnehmen , sehen Sie auch viel Rauschen. Normalerweise sehen diese Fotos nicht so gut aus. Es ist die automatische Belichtungseinstellung in Ihrem Telefon, die den ISO-Wert erhöht , um ihn besser belichten zu können. Bei Video ist es in einer dunklen Szene genauso, die automatische Belichtung steuerbar erhöht den ISO-Wert, was zu viel Rauschen in Ihrem Video führt. Was können wir als Filmemacher tun? Versuchen Sie zunächst, den ISO-Wert so niedrig wie möglich zu halten und den Sensor besser zu belichten , indem Sie andere Techniken wie Öffnen der Blende oder das Ändern der Verschlusszeit verwenden, was wir uns im nächsten Schritt ansehen werden Lektion. Sie können aber auch versuchen, Ihre Umgebung mit Lichtern heller zu gestalten Ihre Umgebung mit Lichtern heller , oder wenn Sie einen Aftermovie drehen , stehen Sie näher an den Partylichtern, alles, was dazu beiträgt, den ISO-Wert auf ein Minimum zu beschränken. Achten Sie jetzt bei Aufnahmen in hellen Umgebungen wie draußen an einem sonnigen Tag auf die ISO-Einstellung. Ich habe gesehen, dass es viel zu oft passiert ist , dass aufstrebende Filmemacher diese Einstellung übersehen und tatsächlich mit einem sehr hohen ISO-Wert drehen. Sie haben viele Probleme, die Belichtung zu verringern . Entitätsvideo wird sehr verrauscht sein. Machen Sie es sich zur Gewohnheit, immer die drei Belichtungseinstellungen bei jeder Änderung Ihrer Umgebung zu überprüfen , wenn Sie von innen nach draußen oder umgekehrt gehen von innen nach draußen oder umgekehrt Überprüfen Sie diese drei Einstellungen und nicht nur eine von ihnen. Was können wir als Filmemacher tun? Behalten wir die ISO einfach immer auf ein Minimum? Nun, natürlich nicht. Sie sehen jede Kamera ein bisschen anders ist. Einige können bei höheren ISOs ein ziemlich sauberes Video produzieren, während andere Kameras ziemlich schnell Rauschen erzeugen. Es ist wichtig zu wissen, was Ihre Kamera verarbeiten kann und welchen maximalen ISO-Wert Sie wählen sollten. Wenn Ihre Kamera in der Lage ist, bis zu 128.000 ISO zu erreichen, bedeutet das nicht, dass Sie diese tatsächlich verwenden sollten, vielleicht sind 6.400 bereits ein akzeptables Maximum. Ich möchte, dass du das für deine eigene Kamera herausfindest, aber im manuellen Modus und ein paar Videos mit verschiedenen ISO-Einstellungen aufnimmst. Überzeugen Sie sich selbst, was noch akzeptabel ist und zu welchem Zeitpunkt nicht mehr. werden wir uns die Verschlusszeit ansehen In der nächsten Lektion werden wir uns die Verschlusszeit ansehen, und dann ist es Zeit für Sie, eine kurze Pause einzulegen und diese Einstellungen zu üben. 5. Verschlusszeit: Ich hatte gerade einen Kunden, der mit dieser Kamera herkam und er sagte mir , dass sie nicht mehr funktioniert. Ich habe es mir angesehen, einige Nachforschungen angestellt und es scheint [GERÄUSCH] , dass sich keine Batterie darin befindet. Jetzt bin ich mir nicht sicher. Soll ich ihm von der Batterie erzählen oder ihnen einfach sagen , dass sie leer ist, dass die Kamera kaputt ist? Weil es vielleicht an der Zeit ist, in ein neues zu investieren. Das ist eine ziemlich alte Kamera. Wie auch immer, die Verschlusszeit, die letzte der drei Belichtungseinstellungen. Die Verschlusszeit kann auch als Bildwiederholfrequenz angesehen werden. Deshalb wird es in einem Zeitwert wie 1/50 einer Sekunde oder 1/100 einer Sekunde ausgedrückt . Während das Licht durch die Linse fällt, wird es vom Sensor erfasst. Der Sensor wartet ein wenig, während er belichtet wird, und beschließt schließlich , diese Informationen wegzuschreiben und den Sensor sauber zu wischen , um erneut belichtet zu werden. Die Geschwindigkeit, mit der diese Aktualisierung erfolgt, ist die Verschlusszeit. Früher war das eine tatsächliche physische Scheibe , eine tatsächliche physische Scheibe vor dem Filmstreifen drehte , der jetzt der Sensor ist. Es gibt ein Loch in der Scheibe und je größer das Loch ist, desto länger war der Film belichtet. Jetzt konnten wir die Drehgeschwindigkeit dieser Scheibe nicht ändern, da sie mit der Geschwindigkeit zusammenhängt , mit der der Film gerollt wird. Das ist die Bildrate, über die wir später sprechen werden, bald. Wenn der Sensor jetzt 30 Mal pro Sekunde belichtet wird, ist er offensichtlich stärker belichtet, als wenn wir eine Bildwiederholfrequenz von 60 Mal pro Sekunde hätten. Wir sprechen von einer langsameren Verschlusszeit, die mehr Licht einlässt , oder von einer schnellen Verschlusszeit , die weniger Licht einfängt. Wir verstehen, wie die Verschlusszeit funktioniert, aber was ist ihre Nebenwirkung? Nun, Bewegungsunschärfe. Während der Sensor Licht einfängt, bewegt sich das, was vor dem Objektiv passiert . Wenn Sie also mit dem Arm winken, erfasst der Sensor die gesamte Welle und aktualisiert sich dann, um eine neue Probe zu entnehmen. Eine langsame Verschlusszeit erfasst eine längere Bewegung, da bei schnelleren Verschlusszeiten nur ein kleiner Teil dieser Bewegung erfasst wird. Deshalb sieht man diese verschwommenen Linien oft, wenn Personen oder etwas anderes Schnelles in der Szene bewegen. Beim Fotografieren funktioniert es übrigens genauso. Das ist Bewegungsunschärfe. Eine langsame Verschlusszeit kann manchmal Spaß machen und Kameraeffekte wie diesen hier erzeugen , oder Sie können mit schnellen Verschlusszeiten alles super scharf aussehen lassen . Actionfilme wie Kampfszenen werden oft mit kurzen Verschlusszeiten gedreht , da die Action mit weniger Bewegungsunschärfe schwieriger anfühlt. Auch hier können Sie die kreative Wahl sehen , die wir dort haben. Ein weiterer Grund, warum wir in manueller Belichtung filmen sollten und nicht automatisch. In dunklen Szenen könnten wir den ISO-Wert erhöhen, um die Aufnahmen stärker zu belichten und Licht einzubringen. Was wäre, wenn wir den ISO-Wert verringern und langsamere Verschlusszeiten einstellen würden , was zu mehr Bewegungsunschärfe führt? Vielleicht stellen wir die Kamera auf ein Stativ, damit sie sich nicht bewegt, und wir bitten die Talente, still zu stehen. Im Wesentlichen verringern wir die Bewegung in den Aufnahmen, was bedeutet, dass die Bewegungsunschärfe nicht so auffällig ist . Jetzt, wenn wir im Freien sind, verringern wir den ISO und schließen die Öffnung, und glücklicherweise wird unsere Schärfentiefe tiefer. Ich möchte eine geringere Schärfentiefe beibehalten. Was wäre, wenn wir die Blende wieder öffnen und die Verschlusszeit schnell machen würden , das ist eine Möglichkeit, die Belichtung auszugleichen. Abhängig von den Nebenwirkungen , die Sie gerne hätten, können Sie Blende, ISO und Verschlusszeit ändern . Jede Einstellung verändert das Aussehen Ihres Videos und das ist die kreative Wahl des Filmemachers. Lassen Sie sich von einer automatischen Funktion diese kreative Wahl nehmen. Jetzt ist es Zeit zu üben. Gehen Sie in eine Dunkelkammer und ändern Sie die drei Belichtungseinstellungen, sehen Sie, wie sie zusammenarbeiten, gehen Sie dann nach draußen und ändern Sie die Einstellungen erneut. Versuchen Sie nun, sich mit diesen Einstellungen vertraut zu machen und denken Sie daran, den maximalen ISO-Wert für Ihre Kamera zu ermitteln. Sehen Sie, wie hoch der Schwellenwert ist, indem Sie ein Video mit unterschiedlichen ISO-Einstellungen aufnehmen. Viel Spaß beim Üben und ich freue mich darauf, Sie in der nächsten Lektion wiederzusehen. In der Zwischenzeit mache ich mir die Haare weil sie überall hingehen. [GERÄUSCH] 6. Bildfrequenz: Anscheinend kaufen die Leute immer noch eine dieser Kameras. Ihr Handy nimmt bessere Videos auf. Wie auch immer, ich hoffe, Sie hatten eine gute Übung und haben sich mit den drei Belichtungssteuerungen vertraut gemacht. Der ISO-Wert, die Blende und die Verschlusszeiten. Lassen Sie uns in dieser Lektion nicht über meine Haare sprechen die immer noch sehr schlecht aussehen, sondern über die Bildrate sprechen da noch viel mehr dahinter steckt. Kurz gesagt, die Bildraten sind die Anzahl der Frames, die Sie pro Sekunde aufnehmen Übliche Werte sind 25 oder 30 Bilder pro Sekunde. Kurz gesagt, wir sprechen über FPS, was für Frames pro Sekunde steht. Gute Arbeit. Jetzt nehmen wir hauptsächlich drei FPS-Werte auf, 24 FPS, was der Standard für das Kino ist. Wenn Sie ins Kino gehen, erwarten Sie wahrscheinlich 24 FPS. Es wird als eher filmisch angesehen. Wenn wir Videos für das Web wie YouTube erstellen, nehmen wir oft mit 25 oder 30 FPS auf. Der Grund, warum wir zwei verschiedene Standards haben , stammt aus den alten Zeiten, als Videos noch auf alten CRT-Fernsehern gezeigt wurden . Jetzt werde ich nicht näher darauf eingehen, was das ist. Es ist in der Vergangenheit, es liegt hinter uns, aber es kommt auf die Bildwiederholfrequenz dieser Fernseher an, die an die Frequenz des Stroms gebunden waren. Das ist auf verschiedenen Kontinenten anders. In Europa haben wir ein Stromnetz von 50 Hertz und in den USA sind es 60 Hertz. Ich erspare Ihnen all das technische Zeug dahinter , weil es in der digitalen Welt keinen Sinn mehr ergibt. Aber es ist gut zu wissen, dass viele Kameras heutzutage immer noch 29,97 FPS aufnehmen. Das liegt daran, dass die Stromfrequenz in den USA nicht wirklich 60 Hertz beträgt, sondern 59 Punkte. Das ist die Hintergrundgeschichte. Welche Bildrate sollten Sie nun aufnehmen? Nun, das ist ein persönlicher Geschmack oder das, was Ihr Kunde Sie fragt. Obwohl ich aus Europa komme, drehe ich alles 30 FPS, da ich persönlich meine Videos etwas glatter und schärfer mag , als wenn sie mit 25 FPS drehen würden. Warten Sie, glattere und schärfere Videos, wenn meine Bildrate steigt? Nun, glatter; Wir können verstehen, dass ein Video 10 FPS im Vergleich zu einem Video mit 30 FPS sehr scharf aussieht. Dieser hier sieht viel glatter aus, aber schärfer? Warum ist das so? Nun, das hat mit der Verschlusszeit zu tun, über die wir in einer früheren Lektion gesprochen haben. Ihre Bildrate und Verschlusszeit sind ein wenig miteinander verbunden. Wenn Ihre Kamera 30 Bilder pro Sekunde aufnimmt , bedeutet dies, dass sie den Sensor nicht öfter als 30 Mal pro Sekunde aktualisieren kann . Die niedrigste Verschlusszeit, die Sie haben können , ist 1/30-Sekunde. Bei vielen Kameras ist diese Option gesperrt. Probiere das einfach selbst aus. Stellen Sie Ihre Kamera auf 30 Bilder pro Sekunde ein und versuchen Sie unter 1/30-Sekunde zu gehen. Das Gleiche ist mit 25 FPS, man kann nicht unter 1/25-Sekunde gehen. Jetzt können Sie bei einigen Kameras tiefer gehen, aber das ist eine gewisse digitale Verarbeitung, die uns in Schwung bringt. Wir werden den FPS tatsächlich senken , ohne es dir zu sagen. Natürlich können Kameras das nicht. Jetzt korreliert die Verschlusszeit tatsächlich noch stärker mit der FPS. In der realen Welt gibt es auch Bewegungsunschärfe. Winken Sie einfach mit der Hand vor Ihren Augen, Sie werden Bewegungsunschärfe sehen. Dies ist offensichtlich eine natürliche Menge an Unschärfe. Wenn wir diese natürliche Bewegungsunschärfe nachbilden wollen, nehmen wir das Doppelte der Bildraten. Bei Aufnahmen mit 25 FPS stellen wir die Verschlusszeit auf 1/50stel Sekunde ein. Für 30 Frames ist das 1/60stel einer Sekunde. Auf diese Weise fühlt sich die Bewegungsunschärfe je nach gewählter Bildrate natürlich an. Deshalb habe ich gesagt, dass meine Videos bei Erhöhung der Bildrate durchweg glatter, aber auch schärfer aussehen . Ich habe meine Verschlusszeit auf 1/60 Sekunde eingestellt , weniger Bewegungsunschärfe, daher sind meine Videos schärfer und die Bewegung fühlt sich immer noch natürlich an, weil sie mit den Bildraten übereinstimmt. Vielleicht ist das eine Menge zu sehen, also mach dir noch keine allzu großen Sorgen über die Verschlusszeit und deine Bildrate. Dies sind Einstellungen, die Sie mit einem Körnchen Salz vornehmen können. Je mehr Sie sich mit dem Filmemachen vertraut machen, desto mehr werden Sie auf solche kleinen Details achten . Aber lassen Sie uns ganz schnell über Zeitlupe sprechen. Natürlich benötigen wir mehr Bilder pro Sekunde , 60 FPS, vielleicht sogar 120 oder vielleicht 10.000 Bilder pro Sekunde. Ja, das gibt es übrigens, obwohl Switch-Kameras super teuer sind. Wenn wir diese zusätzlichen Bilder pro Sekunde haben, können wir unsere Videoclips erweitern. Wir brauchen nur 30 Frames, aber wir haben 60 Frames für jede Sekunde zur Verfügung. Das bedeutet, dass wir den Club ausdehnen können, doppelt so lang, und wir werden 60 Frames pro zwei Sekunden nehmen . Wir haben Zeitlupe erstellt. Oder wenn wir das mit einem normalen 30-FPS-Clip machen würden, würden wir 30 Bilder pro zwei Sekunden oder 15 Bilder pro Sekunde erhalten . Bagdad-Videos abspielen, sieht es abgehackt aus, ein Problem, das wir mit 60 FPS nicht haben. Je mehr Zeitlupe Sie möchten, desto mehr Bilder pro Sekunde benötigen Sie. Die meisten Kameras verwandeln ihre aufgenommenen FPS bereits in etwa 25 oder 30 FPS, wie meine Panasonic Lumix GH5. Ich kann mit 120 FPS aufnehmen, aber das wird zu einem 30-FPS-Clip verarbeitet. Wenn ich das Video wiedergebe, ist es bereits in Zeitlupe. Ich muss den Clip bei der Videobearbeitung nicht dehnen. Das ist etwas, das man im Hinterkopf behalten sollte. welchen Bildern nehmen Sie auf und in welchem Bild verarbeitet Ihre Kamera sie auch. Manchmal kann das dieselbe Aufnahme in 60 FPS sein und sie zu einem 60-FPS-Videoclip verarbeiten, aber es kann auch mit 120 FPS aufnehmen und diese in eine 30-FPS-Datei verarbeiten. Jede Kamera hat unterschiedliche Optionen, also überprüfe das für deine Kamera. Das ist das meiste über Bildraten. Später in diesem Kurs werden wir mehr darüber erfahren, wann Zeitlupe aufgenommen werden muss und wie es uns helfen kann, bessere Videos aufzunehmen. Aber zuerst müssen wir unsere Aufnahmen korrekt belichten und das ist für die nächste Lektion. 7. Das Histogramm: Wir haben etwas über die verschiedenen Einstellungen zum Ändern der Belichtung gelernt und auch, was die einzelnen Nebenwirkungen dazu haben, aber wenn ich nur die Belichtung betrachte, wann ist meine Aufnahme unter - oder überbelichtet? Unterbelichtet bedeutet, dass es zu dunkel ist und selbst im Freien an einem sonnigen Tag können Aufnahmen zu dunkel aussehen. Sie haben die Blende zu stark geschlossen, oder Sie haben die Verschlusszeit auf hoch eingestellt. entscheiden, ob Ihre Aufnahme gut belichtet ist oder nicht können entscheiden, ob Ihre Aufnahme gut belichtet ist oder nicht, indem Sie einfach auf das Display Ihrer Kamera schauen. Es ist, als würde man nach draußen gehen und erraten, wie hoch die Temperatur ist. Sie können ein Gefühl dafür bekommen, ob es warm oder kalt ist, aber um die genaue Temperatur zu erfahren, verwenden wir ein Thermometer, und das gilt auch für Ihre Kamera. Wir verwenden ein Tool namens Histogramm, um die Belichtung zu messen , damit wir bessere Entscheidungen darüber treffen können , was wir zum Einstellen der Anzeigen für Blende, ISO oder Verschlusszeit benötigen . Das Histogramm sieht ungefähr so aus. Bevor wir mit der Lektion fortfahren, pausieren Sie dieses Video für einen kurzen Moment und versuchen Sie, diese Einstellung in Ihrer Kamera zu finden. Stellt sicher, dass es auf dem Monitor angezeigt wird. Bei einigen Kameramodellen müssen Sie die Display-Taste mehrmals drücken. Für andere könnte es sich um eine Einstellung handeln, die in den Menüs aktiviert werden muss . Wir sehen uns ein Diagramm an. Diese Information zeigt das Licht oder die Belichtung. Auf der linken Seite sitzen die dunklen Bereiche und auf der rechten Seite die hellen. Wenn ich meine Blende schließe, sehen Sie, dass sich das Diagramm nach links bewegt und wenn ich die Blende öffne, bewegen sich die Informationen nach rechts. Idealerweise sollten Sie sicherstellen, dass das Histogramm sein Diagramm irgendwo in der Mitte hat und keine der Außenseiten berührt. Auf diese Weise habe ich festgestellt, dass in meiner Aufnahme keine Teile unterbelichtet sind und keine Teile überbelichtet sind. In einer Studioumgebung wie dieser ist es einfach weil ich die volle Kontrolle über das Licht und die Landschaft habe , aber wenn ich nach draußen gehe, wird es schwieriger. Wir haben ein starkes Sonnenlicht und weiße Reflexionen in der Aufnahme sowie die Person, die im Schatten steht. Dies ist ein großer Kontrast und wenn man das Histogramm betrachtet, scheint es sowohl im dunklen als auch im hellen Bereich zwei Spitzen zu geben. Auf der linken Seite befinden sich die Informationen der Telonen und des Schattens und auf der rechten Seite die Informationen des weißen Reflektors. ist es unmöglich, das Diagramm in die Mitte zu bringen Aufgrund dieses Kontrasts ist es unmöglich, das Diagramm in die Mitte zu bringen, eine Situation, mit der Sie übrigens häufig konfrontiert sein werden. Hier ist es wichtig , eine Wahl zu treffen. Möchten Sie Details im Reflektor oder auf den Telonen sehen? Nun, ich denke, in diesem Fall sind die Telons wichtiger, also lasst uns die Blende öffnen. Bringen Sie daher das Diagramm von der linken Seite des Histogramms los. Stellen Sie es jetzt aber nicht in die Mitte, die Telons stehen im Schatten. Es ist dunkel, also halte es dunkel, lass es nur nicht unterbelichtet werden und verliere alle Details. Nun, das war ein extremes Beispiel. Eine andere wahrscheinlichere Situation ist Sie Ihr Motiv vor hellem Himmel ausfüllen. Man könnte argumentieren, dass das Thema zu dunkel ist, wenn wir versuchen, alle Informationen in die Mitte des Diagramms zu richten, sodass wir mehr belichten. Gerade jetzt wird ein Himmel überbelichtet. Dies ist eine sehr typische Aufnahme , die ein Anfänger-Filmemacher macht. Der Himmel ist jedoch zu prominent, als dass ich dies nicht empfehlen würde. Versuchen Sie, zu den hellen Bereichen zu gelangen von den Histogrammen auf der rechten Seite lösen, und bringen Sie Details in den Himmel zurück. Sie möchten die Struktur der Wolken sehen und nicht nur weiße Kleckse. Ja, deine Telons sind ein bisschen zu dunkel, aber es gibt immer noch Details. Wir können das Gesicht sehen und wenn Sie können, ist es immer besser, es zu unterbelichten als zu überbelichten. Das unterscheidet einen Profi von einem Anfänger. Was ist nun mit den Telonen und Hauttönen im Allgemeinen? Jetzt konnten wir das Histogramm als Prozentbalken sehen. Wo links, also ist es null Prozent schwarz und auf der rechten Seite sitzt es auf 100 Prozent Weiß. Hellere Hauttöne wie ich sollten etwa 70 Prozent liegen. Wenn ich also eine Aufnahme meiner Telons mache, könnte ich etwas näher herankommen, um nur die Informationen des Gesichts zu sehen, und ich werde versuchen, Diagramm irgendwo um diese 70 Prozent, wenn ich wieder rausgehe , um meine mittlere Aufnahme oder was auch immer zu machen, ich weiß, dass ich meine Aufnahmen für die Hauttöne korrekt belichtet habe . Wenn Sie mit einem Telon als dunkle Hauttöne arbeiten, könnten Sie etwa 50 Prozent anstreben, aber nehmen Sie das mit einem Körnchen Salz. Diese 70 oder 50 Prozent sind akademisch korrekt, aber es ist gut, diese akademischen Standards zu kennen. So funktioniert das Histogramm. Verwenden Sie es auf jeden Fall ständig, um zu überprüfen , ob etwas über- oder unterbelichtet ist oder nicht. Ihr Display stellt die Belichtung nicht korrekt dar, weshalb Sie dieses Tool verwenden müssen. 8. Autofokus: Wir verstehen es Leute. Belichtung. Lass uns damit aufhören. Genug geredet über Belichtung. Lass uns jetzt über die lustigen Sachen reden. [NOISE] Fokus und ich meine den Fokus Ihrer Kamera, aber natürlich auch Ihr Fokus, zwei Arten von Fokussierungen. Kurz gesagt, wir sagen, dass ein Motiv scharf ist, wenn es scharf ist. Alles andere im Hintergrund oder Vordergrund, das unscharf ist, ist unscharf. Es ist wie ich. Ich bin im Fokus und das da drüben ist unscharf. jetzt den Fokusring an Ihrem Objektiv drehen , wird der Fokus vor und zurück gebracht. Je größer Ihr Fokusfeld ist, hängt von der Blende ab. Wir haben schon einmal darüber gesprochen. Jetzt gibt es zwei Arten der Fokussierung. Entweder Sie tun dies manuell, indem Sie den Fokusring drehen, oder Sie lassen die Kamera dies automatisch tun. Oft haben Sie dafür einen Schalter an Ihrem Objektiv, AF steht für Autofokus und MF steht für manuellen Fokus. Wenn Ihr Objektiv nicht über diese Option verfügt, können Sie sie über die Menüs einstellen und den manuellen Fokus oder eine der verschiedenen Techniken auswählen , die außerhalb des Fokus verwendet werden müssen, da der Autofokus eine Gesichtserkennung durchführen kann . und versuchen Sie immer, ein Gesicht scharf zu haben, oder es kann auf einen ausgewählten Punkt eingestellt werden , sodass Sie mit den Daumensticks einen bestimmten Punkt auswählen können Daumensticks einen bestimmten Punkt auswählen , auf den das Objektiv fokussieren muss. Jede Option hat ihren eigenen Anwendungsfall. Es ist nicht so, dass einer besser ist als der andere, es kommt darauf an. Jetzt scheint Autofokus im Allgemeinen eine schlechte Wahl zu sein. Ich meine, bis jetzt habe ich euch gesagt, dass ihr kein Auto benutzen sollt, aber es gibt Ausnahmen. Ich meine, manueller Fokus gibt dir mehr Kontrolle. Es ist jedoch nicht immer einfach, das Motiv im Fokus zu behalten , wenn Sie es manuell ausführen. Wenn es Ihr Ziel war, Ihr Motiv scharf zu halten während Sie mit Ihrer Kamera herumlaufen, warum setzen Sie es nicht auf Autofokus mit Gesichtserkennung? Es ermöglicht Ihnen, sich mehr auf Framing, Kamerabewegungen oder das Histogramm und so weiter zu konzentrieren . Wenn Sie keine Person in Ihrem Framing haben, können Sie sich sogar für die Punktfokus-Option entscheiden. Mit den Thumbsticks können Sie es an diesen Punkt bewegen , um sich jetzt zu konzentrieren, auch während der Dreharbeiten. Sie könnten beispielsweise mit dem Filmen eines Objekts beginnen , herumlaufen oder tun, was immer Sie wollen, und diesen Fokuspunkt dann an einen anderen Ort verschieben und den Fokus ändern. Ich denke, das ist eine großartige Möglichkeit, mit Fokusänderungen zu üben ohne sich zu viele Gedanken darüber machen zu müssen, ob Ihr Motiv tatsächlich scharf ist oder nicht. Der Autofokus hat definitiv seine Vorteile, bringt aber auch einige Nachteile mit sich. Sie haben keine Kontrolle darüber , was der Fokus bewirkt. Es passiert automatisch. Das bedeutet, dass Fokuspumpen auftreten können. Hier hat sich die Kamera bewegt, um sich auf ein Motiv zu konzentrieren , und beginnt hin und her zu pumpen. Oder wenn Sie den Fokus durch diese Technik mit den Thumbsticks ändern , haben Sie keine Kontrolle darüber, wie schnell sich der Fokus ändert. Wenn Sie den Mut haben und absolute Kontrolle wünschen, stellen Sie Ihre Kamera auf manuellen Fokus, und wir werden in der nächsten Lektion mehr darüber sprechen. 9. Manueller Fokus: Ich bin völlig unscharf. Das liegt daran, dass meine Kamera dort drüben auf manuellen Fokus eingestellt ist und mein kleiner Tisch genau dort, mein Produktionswagen scharf ist. Aber das ist mein Hintergrund und ich sollte nicht einmal hier sein. Deshalb habe ich meine Kamera auf manuellen Fokus eingestellt. Lass mich einfach hier zurücktreten. Professionelle Filmemacher verwenden selten Autofokus es sei denn, er hat tatsächlich einen Vorteil gegenüber manueller Ausführung. Zunächst könnte man meinen, dass Autofokus immer die Oberhand hat. liegt daran, dass Sie sich selbst trainieren müssen , um manuell zu fokussieren. Es dauert mehrere Monate oder sogar Jahre, um es zu meistern. Sobald Sie es beherrschen, ist es so viel besser als Autofokus. sich zunächst mit Ihrem Objektiv vertraut. Wählen Sie ein Motiv aus und gehen Sie vor und zurück , während Sie versuchen, es im Fokus zu halten . Sie müssen ein Gefühl dafür bekommen, wie viel Sie den Fokusring für die Entfernung drehen müssen, die Sie gehen. Zuerst gehen Sie langsam und wenn Sie sich immer wohler fühlen, gehen Sie etwas schneller hinein. Nun ist es gut, das auch aufzuzeichnen, damit Sie Ihre Praxis anschließend überprüfen können. Manchmal scheint es, als ob unser Thema im Fokus stand, aber eigentlich war es das nicht. Genau wie beim Histogramm gibt es jetzt auch ein Tool, mit dem Sie den Fokus messen können. Dieser wird Focus-Peaking genannt. Jetzt haben jedoch nicht alle Kameras diese Option, aber wenn Sie dies tun, müssen Sie nach dieser Option suchen und sie einschalten, um den Peaking zu fokussieren. Dadurch werden eine Reihe von Punkten oder Linien auf Ihrem Sucher angezeigt . Die markierten Bereiche sind scharf, sodass Sie leichter erkennen können ob Ihr Motiv scharf ist oder nicht, was mit einem kleinen Sucher nicht immer so einfach ist. Ein geschulter Kameramann kann sogar fokussieren, ohne durch den Sucher zu schauen. Wenn Sie das Objektiv ganz zur Seite drehen, wissen sie genau, um wie viel sie es zurückdrehen müssen , um ihr Motiv scharf zu machen. Aber das sind irgendwie die Meister, das ist für die Sinne des Filmemachens, was ich zufällig bin. Das ist ein Aspekt der Fokussierung, versucht wird, Ihr Motiv im Fokus zu halten, aber der manuelle Fokus ist auch für kreative Entscheidungen erforderlich. Zum Beispiel machst du deine letzten Aufnahmen und möchtest, dass dein Video ein Ende hat. Was oft gemacht wird, ist einfach den Fokus zurückzuziehen alles unscharf zu machen, und Sie können dies reibungslos mit der gewünschten Geschwindigkeit tun , indem Sie den Fokus von einem Motiv auf ein anderer wird auch viel besser gehen. Wir filmen ein Motiv und drehen in der Mitte der Aufnahme oder drehen das Fokussierrad, sodass ein anderes Motiv scharf wird. Diese Technik wird auch Fokusziehen oder Rack-Fokus genannt . In der Filmindustrie, einem Fokusabzieher als Vollzeitjob, stehen Sie neben dem Kameramann, während Sie das Motiv im Fokus halten und Fokus-Racks ausführen und was nicht, Sie sind der Fokusabzieher. Oft kann dies auch über ein drahtloses System erfolgen , bei dem der Fokusabzieher etwas vom Kameramann entfernt stehen kann . Der Fokusabzieher steuert dann einen Motor, der am Objektiv befestigt ist, aber das ist für die Zukunft. Im Moment möchte ich, dass Sie mit Fokussierung üben und ein hilfreiches Werkzeug dafür ist tatsächlich eines dieser Dinge. Dies ist ein Fokusdiagramm. Sie können dies online finden und ausdrucken. So können Sie besser sehen, ob das Flugzeug scharf ist oder nicht. Eine solche Fokuskarte wird oft verwendet, um sehr schnell neben dem Motiv zu halten, sodass der Kameramann sehen kann, ob das Motiv scharf ist oder nicht, bevor er mit dem Filmen beginnt. Du dachtest, du brauchst nur die Kamera. Das Filmemachen wird mit Tausenden verschiedener Tools geliefert , die Sie eigentlich nicht benötigen, aber Sie kaufen sie trotzdem. Jetzt übe deinen Fokus, privat. Gehen Sie vor und zurück, während Sie versuchen, die Fokuskarte oder was auch immer scharf zu halten , drücken Sie die Aufnahme auch auf Ihrer Kamera, damit Sie sie später auf Ihrem Computer überprüfen können, und dann sehe ich Sie zurück in der nächsten Lektion. 10. Weißabgleich: Hey Leute. Willkommen zurück. Etwas stimmt nicht. Der Weißabgleich. Lassen Sie mich das einfach korrigieren. Da haben wir's. Es gibt verschiedene Arten von Lichtern auf dieser Welt. Sie haben warme Wolframlichter wie dieses hier oder Kerzen oder ein sehr schwaches warmes Sonnenlicht. Aber auf der anderen Seite des Spektrums gibt es kalte Lichter wie dieses hier drüben, aber auch die Lichter beim Zahnarzt. Sogar das Sonnenlicht kann sehr bläulich kalt sein. Zum Beispiel an einem bewölkten Tag. Die Wolken ändern die Farbe des Sonnenlichts, oder wenn die Sonne nach der goldenen Stunde untergeht, erhalten wir die blaue Stunde. Der Unterschied in diesen natürlichen Lichtfarben wird als Farbtemperatur bezeichnet Hier ist eine Aufnahme, die dies anhand von Beispielen für Lichtarten, die Sie im Spektrum finden können, sehr gut zeigt anhand von Beispielen für Lichtarten . Eine Kerze auf der linken Seite , wo die orangefarbenen Farben sind und ein bewölkter Tag auf der rechten Seite im Blauton. Wir können der Farbtemperatur sogar einen bestimmten Wert geben , der in Kelvin ausgedrückt wird. Eine Kerze hat etwa 2.000 Kelvin. Ein Wolframlicht ist 3.200. Sie können diese Werte oft beim Kauf einer Glühbirne wiederfinden . LED-Leuchten haben kein spezifisches Kelvin, daher können sie einen beliebigen Wert haben. In der Mitte um die 5.500 und 6.500 Kelvin finden wir das natürliche Tageslicht zurück. Hier wird das Sonnenlicht nicht durch Wolken blockiert und es ist hoch oben am Himmel. Gegen Mittag und auf der rechten Seite bei etwa 7 oder 8.000 Kelvin finden wir den bewölkten Tag zurück und außerdem sitzt auch der blaue Himmel selbst. Warum ist es so wichtig, das zu verstehen? Nun, unsere Augen passen sich automatisch an diese Farben an. Deshalb merken wir das nicht einmal oder kümmern uns nicht einmal darum. Aber eine Kamera macht das nicht automatisch. Sie müssen den Kelvin-Wert festlegen. Ich filme in einem Raum mit Wolframlichtern, die etwa 3.200 Kelvin haben. Ich suche nach dem Weißabgleich-Menü und gebe diesen Wert ein. Dadurch erscheint das Wolframlicht weiß oder neutral. Diese Technik wird als Weißabgleich bezeichnet. Wir balancieren die Lichtfarbe so aus, dass sie vor der Kamera weiß erscheint. jetzt genau diesen Kelvin-Wert einstellen, haben Sie natürlich die größte Kontrolle. Sie können aber auch aus einer Reihe von Voreinstellungen wählen. In Ihrem Weißabgleich-Menü werden einige Symbole angezeigt, die die Lichter darstellen , die Sie haben. Dies sind voreingestellte Werte und meistens aufgrund eines Tricks genauso gut. Es gibt jedoch eine Option , die Sie niemals auswählen sollten, nämlich AWB oder automatischer Weißabgleich. Obwohl ein automatischer Weißabgleich eine gute Idee zu sein scheint, bewirkt er, dass sich die Farben verschieben und ändern. Die Farben in Ihren Aufnahmen sollten gleich bleiben , es sei denn, Sie haben einen wirklich guten Grund dafür. Wir verstehen jetzt, wie der Weißabgleich das ist. Die Idee, ein weißes Flugzeug vor der Kamera weiß erscheinen zu lassen. Bei einigen Kameras, definitiv professionellen Videokameras können Sie sogar einen Weißpunkt erfassen. Sie richten dann einfach ein weißes Papier auf die Kamera und Sie können einen Weißabgleich durchführen. Die Kamera berechnet den Kelvin für Sie und stellt sicher, dass das Papier weiß erscheint. Dieser Wert wird gespeichert und ändert sich danach nicht mehr automatisch. Jetzt können das nicht alle Spiegelreflexkameras oder Consumer-Camcorder, also überspringen wir diesen Teil. Außerdem muss man eigentlich nicht so genau sein. Sie sehen, dass sich eine Aufnahme wie diese nicht natürlich anfühlt, obwohl Weiß weiß ist. Wir glauben, dass etwas nicht stimmt. Die Wärme der Wolframfarben in Innenräumen ist weg und das Tageslicht, das durch das Fenster fällt, ist zweifach bläulich. Vielleicht sollten wir statt 3.200 Kelvin auf etwa 6.000 setzen. Zielen Sie auf die Tageslichtfarben. Nun, das macht die Fensterbeleuchtung besser, aber drinnen ist es viel zu orange. In einem solchen Szenario möchten Sie den Eindruck erwecken, dass das bläuliche Licht von außen durch das Fenster kommt und dass wir drinnen warmes Licht haben. Wählen wir stattdessen etwas zwischen 4.500 aus. Dadurch wird das Fensterlicht etwas blauer und die Innenbeleuchtung natürlicher warm. Es spielt keine Rolle, ob Sie auf 4.200 oder 4.800 schießen. Solange Sie sich irgendwo zwischen Wolfram und Tageslicht befinden. Wenn Sie ausschließlich in Innenräumen ohne gemischte Farblichter filmen , würde ich auch nicht empfehlen den Weißabgleich auf Wolfram einzustellen. Du willst den warmen Ton da drin behalten. Vielleicht liegt es bei 4.000. tagsüber draußen fotografieren, wird dies als natürliches Licht angesehen. Daher ist es eine gute Idee, den Weißabgleich entsprechend einzustellen Wenn Sie tagsüber draußen fotografieren, wird dies als natürliches Licht angesehen. Daher ist es eine gute Idee, den Weißabgleich entsprechend einzustellen und Weißtöne als Weiß erscheinen zu lassen. Schließlich ist ein bewölkter Tag launisch und Sie könnten die kreative Entscheidung treffen, Ihren Weißabgleich bei Tageslicht zu halten , wodurch der bewölkte Tag etwas blauer wird. Es trägt zum Erscheinungsbild bei, aber das ist Sache des Filmemachers, zu entscheiden. Sobald Sie in die Bearbeitungsphase springen, gibt es natürlich in die Bearbeitungsphase springen, auch den Farbkorrekturteil, in dem wir den Weißabgleich und andere Farben ändern können. Machen Sie sich beim Filmen keine allzu großen Sorgen um den Weißabgleich. Versuche einfach, ein wenig darüber nachzudenken , damit deine Talente nicht wie ein Kürbis oder so aussehen , denn je größer der Unterschied ist, desto schwieriger wird es, die Farbe zu korrigieren. Du willst immer sicherstellen, dass du irgendwie richtig bist. Jetzt werden wir uns in dieser Klasse nicht mit der Videobearbeitung befassen, aber ich biete eine Bearbeitung und Adobe Premier Pro sowie eine Farbkorrekturklasse an. Wenn Sie interessiert sind, können Sie sich diese jederzeit ansehen. Jetzt danke fürs Zuschauen und wir sehen uns in der nächsten Lektion wieder. 11. Bildprofile: Jetzt habe ich viele Dinge gesehen, sogar einen sehr falschen Weißabgleich, aber hier sind meine Farben, Werbung und Antikontrast. Das sieht so verwaschen aus. Oh, es ist zurück. Richtig, das Bildprofil. Willkommen zurück Leute. Sie haben fast alle Lektionen über die Kameraeinstellungen durchgearbeitet . Danach sind Sie bereit , mit dem Filmemachen zu beginnen. Die Idee der ersten Lektionen war, dass Sie Ihre Kamera in - und auswendig verstehen , und das haben wir erreicht. Gute Arbeit. Sie machen einen tollen Job. Du kannst dir selbst auf die Schulter klopfen, aber hör auf, klopfe dir noch nicht zu viel denn es gibt noch so viel mehr zu lernen. Bild-Profile. Abhängig von den Kameramarken, die Sie haben, ist diese Bildprofiloption irgendwo in diesen Menüs versteckt. Also blättere es einfach durch, bis du es findest. Sie werden auf verschiedene Bildprofile stoßen, z. B. Standard, Neutral, Lebendig, vielleicht sogar Schwarzweiß oder Schwarzweiß oder Schwarzweiß. Wenn Sie eine dieser Optionen verwenden, ändert sich das Erscheinungsbild Ihres Videos. Vivid verleiht Ihnen ein sehr gesättigtes Aussehen mit viel Kontrast, während Neutral flacher und entsättigter wird. den meisten Kameramarken können Sie sogar in diese Bildprofile gehen und dort ein wenig mehr optimieren , indem Sie den Kontrast oder die Sättigung einzeln ändern . Jetzt kommt die gleiche Frage wie immer. Warum? Nun, es gibt zwei Gründe, warum Sie ein Bildprofil ändern möchten. Erstens wissen Sie nicht, was auf Sie eingestellt ist , wenn Ihre Kamera sofort einsatzbereit ist, Sie sind Filmemacher und wählen das Aussehen Ihrer Videos. Entweder Sie möchten ein schönes Bild direkt von der Kamera, dann können Sie etwas wie Standard oder vielleicht lebendig wählen . Wenn Sie jedoch später in der Bearbeitung etwas mehr Kontrolle über die Farbkorrektur haben möchten , wählen Sie am besten etwas so Flaches wie möglich, sodass Sie neutral wählen und den Kontrast verringern, die Sättigung unten und die Schärfe auch. Wir haben ein hässliches flaches Bild, aber wir können bei der Bearbeitung wieder Kontrast, Farben und Schärfe hinzufügen . Es gibt uns viel mehr Kontrolle. Das hast du am Anfang dieses Videos gesehen. Sie sehen, das hier ist das flache Bild, das von der Kamera aufgenommen wird , und das ist mit einer gewissen Farbkorrektur. Wir tun das, weil wir Kontraste oder gesättigte Farben nicht nur bis zu einem gewissen Grad entfernen können . Deshalb drehen Filmemacher gerne flach , um die Möglichkeit zu haben , die Farbe zu korrigieren und einen filmischen Look zu erzielen. Professionelle Videokameras und sogar ein paar Prosumer-Spiegelreflexkameras können in einem Logbildprofil aufnehmen. Es ist normalerweise eine Einstellung, die noch mehr versteckt ist, aber es ist im Wesentlichen ein superflaches Bild, wie Sie hier sehen können. Aber es enthält alle Informationen, die wir benötigen. Eine solche Aufnahme kann leicht auf etwas Ähnliches farblich bewertet werden, in der Tat auf diesen flachen Look. Das hier ist eigentlich ein Sperrbildprofil und es gibt mir die Möglichkeit, es nach allem, was ich will, farblich zu bewerten, wie dieses oder jenes , vielleicht dieses. Sie sehen, Sie können damit einfach alles machen, was Sie wollen, was mit so etwas wie einem lebendigen Bildprofil viel schwieriger und vielleicht sogar unmöglich ist . Jetzt hat jede Marke ihren eigenen Geschmack dieses Logbild-Profils. Sony-Kameras nennen es S-Log, Panasonic-Kameras namens V-Log , für Canon ist es C-Log usw. Aber alles kommt durch dasselbe. Wenn Sie Bildprofile oder etwas , mit dem Sie bereits vertraut sind, spielen Sie auf jeden Fall mit einem Logbildprofil herum und schauen Sie sich meine Klasse zum Thema Farbkorrektur an. Das ist alles ganz neu für Sie, dann machen Sie sich noch nicht die Mühe, ein Protokoll aufzunehmen. Stellen Sie Ihre Kamera einfach auf Standards oder neutral, was auch immer Sie bevorzugen, und konzentrieren Sie sich zuerst auf den Rest des Filmemachens, denn es gibt viel zu lernen und die Show hat gerade erst begonnen, aber ich freue mich sehr darauf nimm dich mit auf diese Reise. Ich möchte, dass Sie jetzt alle Einstellungen Ihrer Kamera durchgehen , falls Sie dies noch nicht getan haben. Stellen Sie sicher, dass Sie sich mit den verschiedenen Werkzeugen und manuellen Bedienelementen wohl mit den verschiedenen Werkzeugen fühlen, und wenn Sie sich bereit fühlen, kommen Sie zurück, denn in den nächsten Lektionen beginnen wir mit einem ganz neuen und lernen Sie die kreative Seite des Filmemachens kennen, die mit der Drittelregel beginnt. 12. Drittel-Regel: Wenn Sie heute ein Video aufnehmen, nehmen Sie einfach die SD-Karte aus Ihrer Kamera, schließen sie an Ihren Computer und Sie können sie ansehen. Früher musste man den Filmstreifen tatsächlich aus der Kamera nehmen, entwickeln, [NOISE] ihn hier auf dieses Ding legen, das dann den Film projizieren würde, um ihn anzusehen. darüber spreche, fühle ich mich sehr alt, obwohl dies vor meiner Zeit war. Wie auch immer, jetzt kommt der lustige Teil. Die folgenden Lektionen unterscheiden Sie von Anfängern, da es eine gute Grundlage ist, Ihre Kamera in- und auswendig zu kennen. Aber wenn Sie nicht wissen, wie man es richtig benutzt, machen Sie immer noch etwas falsch. Fangen wir mit dem Framing an. Auf diese Weise richten Sie Ihre Kamera auf Ihre Motive. Sie haben wahrscheinlich schon von einer Komposition gehört. Auf diese Weise positionieren Sie verschiedene Elemente in einer Aufnahme. Wir haben diesen Felsen genau hier und einige Bäume hinten, indem wir uns bewegen, und so wie ich meine Kamera auf diese Dinge richte, kann ich sie in meinem Kamerarahmen anders positionieren. Ein Filmemacher weiß, was eine gute Rahmung oder Komposition ist. Mit anderen Worten, sie wissen, wo sie diese Bäume und Felsen platzieren müssen, um die Aufnahme interessant und angenehm anzusehen zu machen . Mittlerweile gibt es verschiedene Arten von Rahmentechniken, aber fast alles läuft auf die Grundregel von Dritteln hinaus. Sie teilen Ihren Schuss in drei Teile, sowohl horizontal als auch vertikal, daher die Namensregel von Dritteln. Möglicherweise kennen Sie dieses Raster, wie Sie es aufrufen können, da ein Overlay auf fast jedem Kameragerät, einschließlich Ihres Telefons, normalerweise als Raster bezeichnet wird. Dies ist eine Richtlinie, mit der wir verschiedene Objekte ausrichten können , und beginnen wir mit den Grundlagen. Wir filmen eine Landschaft , die durch den Horizont geteilt wird. Die Idee ist, den Horizont entweder auf der oberen oder der unteren Leitlinie zu platzieren . Das wird davon abhängen, was Sie am meisten zeigen möchten, sind das die Wolken oder ist es vielleicht die Landschaft selbst? Wenn es die Landschaft ist, setzt man natürlich den Horizont auf die obere Linie. Das ist ein ausgewogener Schuss. Es ist angenehm anzusehen, weil wir es an die Drittelregel angepasst haben. Bringen wir nun ein Motiv in den Rahmen, z. B. einen Baum. Ein Baum ist hoch, sodass wir ihn nicht auf den Horizontrichtlinien positionieren können . Wir werden eine der vertikalen verwenden, entweder links oder rechts. Gleichzeitig werden wir den Horizont auf der oberen Linie oder vielleicht auf der unteren Linie belassen Horizont auf der oberen Linie . Eine Komposition besteht immer mehreren Objekten oder Motiven , die ausgerichtet werden müssen. Sie genau wie beim Horizont darüber nach, Denken Sie genau wie beim Horizont darüber nach, welcher Bereich wichtiger zu zeigen ist, ob die linke oder rechte Seite des Baums, je nachdem, an welcher Richtlinie Sie den Baum ausrichten möchten. Manchmal ist Ihr Motiv oder Hauptfokus viel kleiner als die Umgebung, wie der Terence hier , der auf einem Felsen in der Ferne sitzt. In einem solchen Fall könnten wir sie sowohl auf einer vertikalen als auch auf einer horizontalen Linie positionieren und im Grunde eines der Kreuze auswählen. Wenn einige Bereiche wirklich keinen Sinn ergeben, können Sie sich für eine Mittelkomposition entscheiden, bei der das Motiv im Grunde zentriert wird, entweder perfekt in der Mitte oder immer noch an einem der horizontale Richtlinien, das funktioniert auch. Bei einer so zentrierten Komposition bündeln Sie die gesamte Aufmerksamkeit auf das Thema. das Motiv aus größerer Entfernung filmen, können wir dasselbe tun. Platzieren Sie ein Motiv entweder links oder rechts oder in der Mitte. Aber was setzen wir auf die horizontale Linie? Der Punkt der Interessen. Wo schaut das Publikum nach einer Person, die ihre Augen sein wird? Wir spielen ihre Augen auf die obere horizontale Linie. Der Boden könnte auch funktionieren, aber dafür braucht man einen sehr guten Grund. Etwas passiert über dem Kopf von Terence. Was die vertikalen Linien betrifft, so können Sie wählen, solange die Person, die in die Kamera schaut . Oft wird eine zentrierte Komposition verwendet, aber wenn der Terence von der Kamera wegschaut , passiert etwas. Plötzlich tritt eine Blickrichtung auf. Der Terence schaut entweder nach links oder nach rechts. In unserer Komposition müssen wir dieser Blickrichtung etwas Raum geben . Wenn Ihr Terence nach links schaut, platzieren Sie diese Person auf der rechten vertikalen Hilfslinie mit dem Sichtbereich auf der linken Seite und natürlich umgekehrt. Nun gilt diese Regel nicht nur für Menschen, sondern grundsätzlich für alles , was ein Gesicht hat, wie Tiere und Statuen oder Teddybären. Tatsächlich funktioniert es mit allem, was eine Vorder- und Rückseite hat. Denken Sie an ein Auto, es hat kein Gesicht, aber es hat eine Front, also achten Sie darauf, dem Auto etwas Sichtfläche zu geben. Schließlich gibt es auch einen Platz zum Gehen. Wenn ein Mensch in eine bestimmte Richtung geht, geben Sie ihm Gehraum. Es ist dasselbe wie beim Betrachten des Raums. Wenn sie von links nach rechts gegangen sind, platzieren Sie diese Person auf der linken Leitlinie und folgen ihren Bewegungen. Auch dies funktioniert mit allem, was sich bewegt, einschließlich Autos, Flugzeugen, Tieren und so weiter. Dies bedeutet natürlich nur, Sie ihnen offensichtlich keine Gehfläche geben müssen, wenn Sie einem Thema folgen , wenn Sie einen festen Rahmen haben und sich dafür entscheiden, das Subjekt betrunkene Schüler fotografieren zu lassen sich dafür entscheiden, das Subjekt betrunkene Schüler fotografieren zu lassen. Aber so funktioniert die Drittelregel, und je nachdem, welche Bereiche am interessantesten sind, wo das Thema betrachtet oder wohin es geht, setzt man sie auf eine oder mehrere Richtlinien. In der nächsten Lektion werden wir etwas mehr mit der Drittelregel arbeiten und uns ausschließlich auf die Menschen konzentrieren. 13. Talent: Wir haben ein Verständnis für die Drittelregel und wie man die Richtlinien verwendet, um verschiedene Objekte in einer Aufnahme zu rahmen. Aber das häufigste Objekt oder besser gesetzte Subjekt ist der Mensch. Ob Sie eine Präsentation, einen Dialog zwischen zwei Personen oder eine Action-Szene filmen einen Dialog zwischen zwei Personen , es spielt keine Rolle. Filmen von Menschen ist mit Rahmenregeln verbunden. Es gibt drei Hauptrahmen: die Nahaufnahme, die mittlere Aufnahme und die Weitaufnahme. Dazwischen haben wir Sub-Framings wie extreme Nahaufnahmen oder mittellange Aufnahmen, extrem lange Aufnahmen. Dies sind Sub-Framings und es ist daher nicht so wichtig, sich daran zu erinnern. Man kann auch sagen, lass uns einen langen Schuss machen , der etwas näher ist. Es spielt keine Rolle, solange Sie die drei Hauptrahmen verstehen. Fangen wir mit einem langen Schuss an. Das bedeutet, dass wir so einrahmen , dass das Talent von Kopf bis Fuß vollständig sichtbar ist . Wie wir in einer früheren Lektion gelernt haben, könnten wir uns für eine Komposition des Zentrums entscheiden wenn sie in die Kamera schauen. Wenn sie von der Kamera wegschauen, geben Sie Ihrem Talent einen Sichtbereich und richten Sie sie an der richtigen Seite der vertikalen Richtlinien aus. Die Verwendung der horizontalen Hilfslinien wird schwieriger. Wir schauen ins Gesicht, also möchten wir das vielleicht an der horizontalen Richtlinie ausrichten . Aber auf lange Sicht entsteht dadurch zu viel Headspace über dem Motiv. Dieser Raum wird Atemraum genannt. Davon brauchst du etwas, aber nicht zu viel. Gerade genug, um Ihr Motiv aus dem Rahmen zu lösen. Auf der Unterseite, wo sich die Füße befinden, möchten Sie auch etwas Luft zum Atmen geben, Raum zwischen den Füßen und dem unteren Rahmen. Wenn Sie die Füße an den Rahmen kleben würden, sieht es sehr seltsam aus. Das nennt man übrigens Marionetteneffekt, frag mich nur nicht, warum es genau das ist. Das Gleiche gilt für den Kopf Ihres Talents, es an den oberen Rahmen zu kleben ist seltsam. Es erzeugt den Puppeneffekt , den Sie vermeiden möchten, und geben Sie ihm etwas Luft zum Atmen. Gehen wir jetzt ein bisschen näher an das Talent heran. Dies wird als mittellanger Schuss angesehen. Wir werden dem Talent auf die Füße gehen. Ich meine, nicht wirklich, indem ich es einfach einrahme. Jetzt haben wir etwas über den Puppeneffekt gelernt. Sie möchten nicht, dass jemand auf Ihrem Rahmen steht. Das Gleiche passiert bei jedem Gelenk. Das heißt Knöchel, Knie, Becken usw. Vermeiden Sie es, in alles einzuschneiden, was sich verbiegen kann. Ein mittlerer Schuss wie dieser ist seltsam, da wir uns in die Knie schneiden. Ich weiß, dass Filmemachen grausam ist, es geht um viel Schneiden. [GELÄCHTER] Wie auch immer, du willst das nicht tun, schneide immer über oder unter einem Gelenk. Das fühlt sich so viel natürlicher an. Jetzt machen wir einen mittleren Schuss. Wir schneiden oberhalb des Beckens. Interessant ist jetzt , dass unser Thema in einer Aufnahme stärker in den Vordergrund gerückt ist. Es nimmt mehr Framing in Anspruch. Wir können jetzt die Augen des Themas tatsächlich auf die horizontalen Leitlinien richten. Denken Sie daran, für einen mittleren Schuss auf jeden Fall Raum zum Atmen über den Köpfen zu geben . Wir können wieder ein bisschen näher kommen und eine mittlere Nahaufnahme machen. Im Grunde schneiden wir unter den Schultern. Wir kommen uns so nahe, dass es jetzt unmöglich ist , Atempause über dem Kopf zu geben. Wir schneiden in den Kopf, vermeiden den Puppeneffekt und achten darauf, auch die Stirn einzuschneiden. Wir haben den Dreh raus, Leute. Lass uns eine Nahaufnahme machen. Du willst jetzt über den Schultern sein, aber unter dem Hals, da das auch ein Gelenk ist. Die Augen werden über der oberen Leitlinie liegen , sonst schneiden wir zu viel Hals und Kinn weg , um einen unerwünschten Raum über den Augen zu hinterlassen. Die Stirn wird nicht mehr so wichtig, wir konzentrieren uns in Nahaufnahme auf Augen, Nase und Mund. Endlich ist da noch die extreme Nahaufnahme. Grundsätzlich können Sie wählen, worauf Sie sich jetzt konzentrieren möchten. Entweder sind das ihre Augen oder ihr Mund oder was auch immer. Meistens rahmen Sie es in der Mitte ein, es sei denn, Sie haben einen guten Grund, andere Bereiche zu zeigen. Wenn Sie zum Beispiel auf die Augen, aber auch auf die Nase setzen, können Sie dann die Augen auf die obere Leitlinie oder etwas darüber legen und unten Platz für die Nase lassen. Das ist auf den Punkt gebracht, wie man ein Talent formt. Genau wie beim Betrachtungsbereich können Sie auch Gesichter auf anderen Objekten finden. Ein Teddybär ist auch ein Talent , das nach denselben Prinzipien gestaltet werden kann. Sogar stumpfe Gegenstände wie ein Kühlschrank. Bevor Sie sich fragen, was ist mit den Fugen, nun, das sind die Schnittpunkte zwischen den beiden Türen. Das wird auch als Joint angesehen. Viele Objekte haben so etwas. Denken Sie zum Beispiel an mein Licht im Hintergrund. Das hier an der Ampel steht wo ich es hoch und runter kippen kann, das wird als Gelenk betrachtet. Sie schneiden entweder direkt darüber oder direkt darunter in den Rahmen . Jetzt gibt es noch einen letzten Rahmentyp , über den wir noch nicht gesprochen haben, und das ist die Etablierung. Es ist nicht einmal ein richtiges Framing, sondern eher eine Aufnahme des Geschichtenerzählens. Eine etablierte Aufnahme wird oft zu Beginn eines Films oder einer neuen Szene verwendet . Es zeigt den Ort und manchmal auch die Uhrzeit an. Zum Beispiel eine Weitwinkelaufnahme eines Hauses. Was als nächstes folgt, ist eine Szene, in der eine Familie in diesem Haus zu Abend isst. Aber diese Aufnahme des Hauses zeigt dem Publikum, dass die Familie in Papas Haus ist und dass es tagsüber zeigt, dass die Sonne scheint. Es hilft herauszufinden, wo wir uns befinden, und wir können dieses Prinzip nutzen, um ein bisschen zu schummeln, denn dieser Etablierungsschuss muss kein Umzug sein. Aber Sie können Ihr Publikum dazu verleiten, zu glauben dass es der Ort ist, an dem die Szene gespielt wird. Ein Beispiel sind diese Wolkenkratzer, in denen plötzlich eine Explosion stattfindet. Wir machen dann eine Aufnahme von mir, wo ich so tue hätte ich versucht, die Bombe zu entschärfen, aber das ist gescheitert. Offensichtlich sitze ich nicht wirklich in diesem bestimmten Gebäude, aber aus Sicht der Geschichte bin ich es. Hier sind auch Stockclips sehr praktisch. Dafür verwenden wir eine Bibliothek namens Storyblocks. Sie waren übrigens ein langjähriger Partner von uns. Es ist im Grunde eine Bibliothek mit über einer Million Stockvideos verschiedener Genres und Themen. Sie können diese kommerziell nutzen und mit einem aktiven Abonnement unbegrenzt viele Video-Assets herunterladen . Deshalb kann ich es jedem empfehlen. Ich bin zum Beispiel auf diese bahnbrechende Aufnahme eines Planeten gestoßen . Das kann ich natürlich nicht filmen, aber ich kann es von hier herunterladen und es ermöglicht mir, auf eine bestimmte Szene hinzuweisen , die auf verschiedenen Planeten wie dem Mars wiedergegeben wird. Wir machen dann genau hier diese Aufnahmen und es fühlt sich an, als wären diese Typen auf dem Mars, was sie natürlich nicht sind. Das ist in einer Wüste hier auf dem Planeten Erde. Dies sind auch Stockclips von Storyblocks, aber Sie kommen auf die Idee. Weißt du was? Ich hinterlasse hier unten in den Klassennotizen einen Link. Wenn du dir Storyblocks ansehen möchtest, ist das übrigens ein spezieller Link, der unser Geschäft und diese Kurse, die wir hier machen, unterstützt . Wie auch immer, ein etablierender Schuss hat nicht wirklich Regeln dafür, wie breit Ihr Schuss ist. Ich meine, es kann ein ganzer Planet sein. Wichtig ist, dass es den Standort und vielleicht auch zu einer Tageszeit anzeigt . Stellen Sie sicher, dass Sie Ihr Objekt als Subjekt behandeln. Das gesamte Haus und der gesamte Planet werden zu einem Thema. Da wir gelernt haben, wie man ein Motiv nach der Drittelregel einrahmt, geben Sie ihm etwas Luft zum Atmen und etwas Betrachtungsraum, wenn Sie keine Mittelkomposition wählen. Jetzt sind wir noch nicht fertig mit dem Framing. Es gibt zwei weitere Lektionen über das Einrahmen mit Vordergrundobjekten und eine über Hintergründe. Danach können Sie eine kleine Pause einlegen. Bis dahin schaut weiter, Leute. 14. Vorgänge: Bisher haben wir nur eine Person hereingelegt, aber was ist, wenn es ein Gespräch zwischen zwei Personen gibt? von der Seite schießen, können wir jedes Talent auf die vertikalen Richtlinien setzen und außerdem die Regeln für die Rahmung anwenden je nachdem, ob es sich um einen Weitschuss, mittleren Schuss oder eine Nahaufnahme handelt. Zwei Personen in der Aufnahme zu haben, wird auch als Zwei-Schuss bezeichnet. Wir konzentrieren uns im Wesentlichen auf die beiden Talente. Beide sind gleich wichtig, ein Zwei-Schuss. Aber in dem Moment, in dem einer von ihnen anfängt zu reden, kommen wir oft zu einem Over-Shoulder-Schuss. Hier haben wir ein Talent im Fokus und die Schulter der anderen Person unscharf an der Seite des Rahmens. Mit anderen Worten, die Schulter fungiert als Vordergrundobjekt. Wenn wir uns die Drittelregel ansehen, werden wir die Schulter in diesem Beispiel auf der rechten Seite der vertikalen Linie einrahmen diesem Beispiel auf der rechten Seite der , nicht darauf, sondern daneben. Das Thema selbst kann in den vertikalen Richtlinien normal dargestellt werden . Denken Sie daran, dass diese Richtlinien dazu dienen , die Aufmerksamkeit auf ein Thema zu lenken. Wir wollen nicht, dass die Schulter Aufmerksamkeit erregt, sie ist nur als Vordergrundelement da. Der Over-Shoulder-Schuss gibt Ihnen ein besseres Gefühl dafür , wo wir uns befinden. Wir können sehen, dass das Talent darin besteht, mit einer anderen Person zu sprechen. Dies ist ein Rahmen , den wir verwenden könnten, um zwischen den beiden Personen zu wechseln, während sie sprechen. Wir bewegen die Kamera von einer Person zur anderen. Dies ist ein sehr typischer Weg, aber eine Methode ein Gespräch festzuhalten. Vordergrundobjekte müssen nicht immer eine Schulter sein. Es kann auch ein Stein oder ein Baum sein, alles andere. Ein unscharfer Vordergrund erzeugt tatsächlich mehr Tiefe in Ihren Aufnahmen. Sie beginnen, eine größere Parallaxe zwischen den Subjekten und den Vordergründen zu sehen . Dies ist eine sehr einfache Möglichkeit, Ihre Aufnahmen einfach interessanter zu gestalten. Jetzt wird dieses Vordergrundobjekt manchmal wichtiger. Wir werden wieder mit einem Talent arbeiten und diese Person schaut in die Ferne. Jetzt könnten wir uns für einen Over-Shoulder-Rahmen entscheiden, auf diese Weise zeigen wir, dass die Person die Landschaft betrachtet. Wir können das Talent aber auch auf eine der vertikalen Richtlinien setzen , obwohl der Vordergrund unscharf ist. Es wird ein wichtigerer Teil der Aufnahmen. Alternativ könnten Sie sich sogar für eine zentrale Komposition entscheiden . Eine Aufnahme wie diese wird oft verwendet, um eine visuelle Geschichte zu erzählen. Die Landschaft ist groß und das Talent ist bereit, sie zu erkunden und ein Abenteuer zu erleben. Dies sind offensichtlich fortgeschrittenere Kameratechniken aber ich möchte, dass Sie wissen, dass Kamerarahmung auf fortgeschrittenem Niveau auf visuelles Geschichtenerzählen ankommt. Es gibt zwei Möglichkeiten, ein Motiv zu gestalten, entweder um eine natürliche Aufnahme zu machen, die für das Publikum angenehm ist, oder um einen Schritt weiter zu gehen, um eine visuelle Geschichte zu erzählen. Die Kunst, visuelle Geschichten im Filmemachen zu schaffen , wird Kinematographie genannt. In Filmen werden Sie eine Mischung aus normalen Aufnahmen und visuellen Storytelling-Aufnahmen sehen . Konzentrieren wir uns vorerst auf die grundlegenden Framings und bekommen zuerst ein gutes Gefühl dafür, und dann können wir zum nächsten Level übergehen. 15. Der Hintergrund: Es gibt noch eine letzte Sache, die wir noch nicht behandelt haben, wenn es um Framing geht, und das sind die Hintergründe. Was passiert im Hintergrund? Jetzt haben wir eine schöne mittlere Aufnahme des Talents, das von der Drittelregel eingerahmt wird . Obwohl das ein guter Schuss ist, haben wir vergessen darüber nachzudenken, was im Hintergrund vor sich geht. Eigentlich ist das kein so toller Schuss. Wir haben einen Baum direkt hinter dem Talent und er ragt hinter dem Kopf des Talents hervor. Das fühlt sich sehr seltsam an und etwas, das man immer vermeiden möchte. Wenn es einen Baum, eine Stange oder etwas anderes gibt, das hinter dem Motiv hervorstehen könnte , vermeiden Sie dies. Stellen Sie einen Baum wie diesen immer neben das Motiv oder schneiden Sie ihn vielleicht ein wenig aus dem Rahmen wenn Sie nicht darauf aufmerksam machen möchten. Neben der Rahmung sagt uns der Hintergrund auch, wo wir uns befinden. In einer mittleren Aufnahme wie dieser ist das Motiv in den Aufnahmen sehr prominent und wir sehen nicht viele Hintergründe, aber wir fühlen uns in einem Wald oder in einem Park, weil wir sehen können Bäume im Hintergrund. Deshalb müssen wir als Filmemacher darüber nachdenken, was im Hintergrund vor sich geht und was wir in den Hintergründen wollen, was am besten zu meiner Geschichte passt? Macht es Sinn, dass wir von Bäumen umgeben sind, oder ist es am besten, hineinzugehen und ein Wohnzimmer im Hintergrund zu haben? Das müssen wir entscheiden. In dieser Lektion wollte ich nur, dass Sie sich der Hintergründe bewusst sind. Schau es dir an und stelle dir die Frage, ob da etwas nerviges ist oder nicht und ob es Sinn macht, auch die Elemente im müssen auch die Elemente im Hintergrund richtig gerahmt werden. Machen wir jetzt diese kleine Pause. Schnappen Sie sich Ihre Kamera oder sogar Ihr Telefon und probieren Sie einige dieser Bildungstechniken aus. Fragen Sie einen Freund oder wenn niemand verfügbar ist, füllen Sie einfach Ihren Teddybären aus, üben Sie diese langen, mittleren Aufnahmen und Nahaufnahmen während Sie die Drittelregel befolgen. Wenn Sie können, aktivieren Sie diese Körnung sogar als Overlay auf Ihrer Kamera und sehen Sie schließlich, was Sie mit Vordergrundobjekten umgehen können. Übe das ein bisschen, und wenn du dich bereit fühlst, komm zurück und wir machen mit dem Rest weiter. 16. Brennweite: Hey, willkommen zurück. Es gibt zwei Arten von Objektiven, die Sie an Ihrer Kamera anbringen können. Entweder ist es ein Hauptobjektiv oder es ist ein Zoomobjektiv. Prime-Objektive haben eine feste Brennweite beispielsweise 50 Millimetern. Zoomobjektiv kann einen ganzen Bereich abdecken, beispielsweise von 24 Millimeter bis 70 Millimeter. Durch Drehen des Rings am Objektiv können Sie heranzoomen oder mit anderen Worten die Brennweiten ändern. Jetzt sind Prime-Objektive tendenziell von besserer Qualität, da sie einfacher zu bauen sind und die bessere optische Qualität beibehalten. Deshalb sind sie billiger als Zoomobjektive gleicher Qualität. Das ist die Hintergrundgeschichte. Aber was sind die Millimeter, über die ich gesprochen habe und wie wirkt sich das auf unsere Aufnahmen aus? Nun, es gibt drei unterschiedliche fokale Unterschiede. Du hast Weitwinkel. Auf extreme Weise können wir dieses Fischauge sogar als normal bezeichnen, was genau dem entspricht, wie wir die Welt oder die Brennweite unserer Augen sehen . Endlich können wir bei Tele, das herangezoomt ist, die Dinge näher sehen, als sie im wirklichen Leben erscheinen. Jetzt sitzt das menschliche Auge irgendwo bei etwa 50 Millimetern. Deshalb ist ein 50-Millimeter-Objektiv so beliebt. Alles darunter ist Weitwinkel, sodass ein 20-Millimeter-Objektiv ungefähr so aussieht. Eine sehr weitwinkelige Ansicht. Das 100-Millimeter-Objektiv auf der gegenüberliegenden Seite ist herangezoomt. Wir sprechen über ein Tele in Aufnahmen, und beim Ändern der Brennweite passiert noch viel mehr . Tatsächlich werden wir uns drei verschiedene Nebenwirkungen ansehen drei verschiedene Nebenwirkungen die jede Brennweite mit sich bringt. Hier haben wir eine mittlere Aufnahme unseres Talents bei 100 Millimetern Brennweiten. Hier ist wieder dieselbe Aufnahme, ein mittlerer Rahmen bei 20 Millimetern. Das erste, was wir bemerken, ist der Hintergrund und bei Weitwinkelaufnahmen können wir viel mehr von der Umgebung sehen als mit dem Teleobjektiv. Dies liegt an dem sich ändernden Sichtfeld. Ausgehend vom Weitwinkel haben wir ein großes Sichtfeld und wenn wir hineinzoomen, wird es enger. diesen Trick hier mit Ihren Armen ausführen , können Sie sich vorstellen, was passiert. Wenn ein Hintergrund weniger wichtig ist, möchten Sie vielleicht etwas mehr hineinzoomen, wenn er wichtiger ist und Sie mehr von der Umgebung anzeigen möchten, zoomen Sie vielleicht heraus und stehen Sie näher an der Thema. Es ist sehr wichtig , sich dessen bewusst zu sein. Zoomen Sie nicht einfach heran, weil es einfacher ist, denn vielleicht ist es die bessere Wahl, herauszuzoomen und tatsächlich näher an den Motiven zu stehen. Dieselbe Wirkung des Sichtfeldes sich auch auf das Talent selbst. Schau, was es mit dem Gesicht macht. Es dehnt das Gesicht in einer Weitwinkelaufnahme mehr aus und komprimiert es bei einer Teleaufnahme stärker. Deshalb werden Beauty-Aufnahmen immer 50 Millimetern und mehr gedreht. Achtzig Millimeter zum Beispiel werden oft in der Mode verwendet weil Sie dadurch schöner und ansprechender aussehen. Ein Wide Shot lässt dich lustig und komisch aussehen, also drehst du Comedy oder etwas Ernsteres wie Mode? Jetzt wissen Sie, welche Art von Brennweite Sie wählen müssen. Das war das Erste, das Sichtfeld. Die zweite Sache ist Tiefenschärfe, und wir haben schon einmal darüber gesprochen. Eine offene Öffnung erzeugt eine geringere Schärfentiefe. Der Bereich, der im Fokus steht, ist kleiner. nun die Apertur dieses Fokusfeldes einschließen oder die Schärfentiefe größer wird, können wir mehr Dinge fokussieren. Das Gleiche passiert beim Vergrößern oder Verkleinern. Verkleinert oder im Weitwinkel haben wir eine große Schärfentiefe, sehr Weitwinkelobjektive wie Ihr Fischauge, sodass Sie alles fokussieren können. Das ist einer der Gründe, warum Action-Kameras wie die GoPro über ein solches Weitwinkelobjektiv verfügen. Da es keine Fokusoptionen gibt, müssen diese Action-Kameras über ein Weitwinkelobjektiv verfügen , damit alles scharf ist. Aber je mehr wir anfangen zu zoomen, flacher wird die Schärfentiefe . Oft schließt ein Kameramann seine Blende etwas mehr, wenn er ein Teleobjektiv filmt Dort können Sie Ihr Fokusfeld wieder etwas vergrößern, was es einfacher macht, Dinge darin zu behalten Fokus. Wenn Sie diese filmische Schärfentiefe erreichen möchten , filmen Sie einfach aus einer größeren Brennweite oder zoomen Sie hinein. Das bringt uns zum letzten Effekt , den die Brennweite hat, nämlich die Perspektive des Publikums. Das Publikum oder die Personen, die Ihre Videos ansehen , sehen alles durch die Kamera. Das ist offensichtlich. Sie erleben die Geschichte, die Sie erzählen, aus der Kameraperspektive. Wenn wir jetzt unsere Motive aus der Ferne filmen und hineinzoomen, fühlt sich das Publikum auch weit weg. Sie betrachten etwas aus der Ferne und dies ist wiederum eine visuelle Technik des Geschichtenerzählens die wir zuvor gesprochen haben. etwas aus der Ferne betrachtet , entsteht dasselbe Gefühl. Jetzt sind wir nicht involviert, da wir uns die Situation ansehen , aber wir sind nicht Teil der Situation. Gegenüber könnten wir herauszoomen und Weitwinkel gehen und sehr nah am Motiv stehen. Plötzlich steht das Publikum direkt neben dem Thema. Sie sind jetzt Teil der Situation. Während einer Action-Szene fühlt sich auch das Publikum in Gefahr. Die Brennweite ermöglicht es Ihnen , das Publikum dort zu platzieren, wo Sie möchten. Ein sehr mächtiges Werkzeug innerhalb des visuellen Geschichtenerzählens. Ordnung, so funktionieren also unterschiedliche Brennweiten. Aber jetzt, wenn Sie in den Laden gehen und dieses sehr raffinierte 50-Millimeter-Objektiv kaufen , Sie vielleicht fest, dass es nicht wirklich mit dem menschlichen Auge vergleichbar ist. In der Tat könnte es mehr Tele sein. Es fühlt sich vielleicht etwa 80 Millimeter an. Wie ist das möglich? Habe ich die ganze Zeit gelogen? Keine Sorge, habe ich nicht. Die Sache ist, dass Sie tatsächlich einen Vollformatsensor benötigen, um das volle 50-Millimeter-Objektiv zu sehen. Das ist der kleine Chip, der in Ihrem Kameragehäuse sitzt . Warte mal, lass mich einfach einen von denen holen. Es hat eine bestimmte physische Größe. Je größer die Größe, desto mehr deckt es vom eigentlichen Objektiv ab. Wenn Sie einen kleineren Sensor haben, Sie nur einen kleineren Teil dieses Objektivs auf. Im Grunde schaust du auf das Video zu. Nun, Vollformat-Sensoren wie dieser hier sind definitiv eine Sache, aber so etwas wie ein APS-H- oder APS-C-Sensor wie diese Kamera sind auch sehr beliebt. In diesen Sensoren können Größen in allem wie einer Sony-, Nikon- und Canon-Kamera gefunden werden, egal. In Bezug auf die Größe haben sie alle ihren eigenen Geschmack, aber es kommt ungefähr auf dasselbe an. Jetzt ist Micro Four Thirds auch eine sehr beliebte Sensorgröße, die noch kleiner ist als diese. Diese sitzen jetzt in den Lumix-Kameras von Panasonic. Das heißt, um eine 50-Millimeter-Ansicht zu erhalten, müssen Sie tatsächlich ein 35-Millimeter-Objektiv kaufen ein 35-Millimeter-Objektiv wenn Ihre Kamera über einen APS-Größensensor verfügt. Der Grund, warum ich das weiß , ist, dass ich den Crop-Faktor nachschlagen kann. Dies ist ein Multiplikator wie eineinhalb , der für APS-C-Sensoren bestimmt ist. Ein 35-Millimeter-Objektiv mal 1,5 kommt bei einem APS-C-Sensor auf etwa 50 Millimeter zurück. Für einen Micro Four Third-Sensor müssen Sie mit zwei multiplizieren. Sie möchten sich ein 25-Millimeter-Objektiv oder 24-Millimeter-Objektiv ansehen, das leichter zu finden ist. Auf diese Weise können Sie dieses 50-Millimeter-Sichtfeld haben. Um es noch komplizierter zu machen , als es bereits ist, tut mir leid, Leute, ich habe das nicht erfunden, aber Objektive könnten auch speziell für eine bestimmte Sensorgröße hergestellt werden . Das heißt, Sie haben Vollformat-Objektive, Sie haben APS-C-Objektive, Sie haben Micro Four Third-Objektive. Jetzt bleibt ihr Erntefaktor derselbe, sodass Sie sich keine Sorgen machen müssen, aber ihre Abdeckung ist anders. Ein APS-C-Objektiv ist nur so groß, dass es die Größe eines APS-C-Sensors und alles darunter abdeckt . Das bedeutet aber auch Micro Four Third-Sensoren, aber kein Vollformatsensor. Wenn Sie ein APS-C-Objektiv auf einen Vollformat-Kamerasensor setzen, sehen Sie eine Vignette des tatsächlichen Objektivs. liegt daran, dass es nicht groß genug , um den gesamten Sensor abzudecken. Dies ist sehr wichtig zu wissen, wann Sie nach einem neuen Objektiv Ausschau halten. Wenn Sie sich für den Kauf eines Objektivs für eine bestimmte Sensorgröße entscheiden, bedeutet dies, dass Sie es nicht mehr verwenden können , wenn Sie in Zukunft eine Kamera kaufen, die möglicherweise eine größere Sensorgröße hat. Im Idealfall kaufen Sie Vollformat-Objektive, aber sie sind viel teurer. Sie sind größer und schwerer. Das ist eine Entscheidung, die Sie für sich selbst treffen müssen. Ich habe einen Satz APS-C-Objektive, da die meisten Kameras diese Sensorgröße verwenden. Vollbild wird häufiger in der Fotografie verwendet und nicht so sehr in der Videografie. Das müssen Sie über Objektive wissen. Wenn ihr Fragen habt oder vielleicht darüber nachdenkt, oder vielleicht darüber nachdenkt ein neues Objektiv oder etwas Ähnliches zu kaufen, lasst es mich in der Diskussion unten wissen, Leute, und ich gebe euch gerne einige Ratschläge dazu. 17. Kameraposition: Obwohl eine Kamera jede Position einnehmen kann, gibt es im Grunde drei verschiedene. Filmst du für mich, niedriger Winkel, oder du gehst hoch oder gehst über die Augen und machst einen hohen Schuss? Das bedeutet, dass alles, was niedriger als die Augenhöhe ist, als Aufnahme mit niedrigem Winkel betrachtet wird. Alles, was sich über dem Auge befindet, wird als hoher Winkel betrachtet. Aber fangen wir mit dem niedrigen Winkel an und warum Sie ihn verwenden sollten oder warum nicht. Nun erzeugt zunächst die Position der Kamera eine visuelle Geschichte. Es sagt etwas über den Charakter aus. Denken Sie daran, dass das Publikum das Video , das es sich ansieht, immer aus der Kameraperspektive wahrnimmt . Darüber haben wir schon einmal gesprochen, als wir die Kamera in der Nähe des Talents oder weit weg platziert haben. Wenn wir jetzt unter die Höhe der Augen des Talents schießen, schauen wir zum Charakter auf. Sie erscheinen auf dem Bildschirm größer, aber auch im Status. Plötzlich ist mein Talent jemand, der etwas meint. Sie haben die Oberhand, sie haben die Kontrolle, sie sind der Boss. Selbst wenn Sie etwas unter Augenhöhe filmen, erzählen Sie diese Geschichte bereits. Deshalb ist es so wichtig , sich dessen bewusst zu sein. Wenn Sie nur leicht unter die Augenhöhe gehen, wird dieser Effekt natürlich nicht so hervorgehoben, aber der Statusunterschied ist nur geringfügig vorhanden. Im Extremfall sprechen wir jetzt über eine Gehörperspektive. Dies wird verwendet, wenn Sie zeigen möchten, dass Ihr Charakter der eigentliche Boss ist, der Badass, derjenige, der alles und die Kontrolle hat. Dann haben wir Augenhöhe. Wenn Sie sich mit Ihrem Publikum messen, machen Sie Ihren Charakter gleich. Nichts besonderes, eine neutrale Kameraposition, oft in Interviews verwendet wird. Dann haben wir endlich die hohe Perspektive. Der Charakter scheint auf dem Bildschirm klein zu sein und sein Status nimmt ebenfalls ab. Wir blicken auf die Talente herab. Sie erscheinen anfälliger und im Extremfall können wir dies sogar als Vogelperspektive bezeichnen. Nun, ziemlich verständliches Zeug, aber wie implementieren wir das in einem Videoprojekt? Nehmen wir an, wir haben zwei Leute , die miteinander sprechen. Einer der Charaktere ist der Arbeitnehmer und der andere ist der Arbeitgeber. Der Mitarbeiter wendet sich an den Chef, um nach einem Rennen zu fragen. Zunächst fühlt sich der Mitarbeiter verwundbar und ein bisschen Angst zu fragen. Wir erschießen die Talente aus einer höheren Perspektive. Wenn wir eine Over-Shoulder fotografieren, verknüpfen wir diese Perspektive sogar der Person, mit der das Talent spricht. Wenn der Chef anfängt zu sprechen, wechseln wir den Kamerawinkel und fotografieren von etwas unten. Der Arbeitgeber hat die Höhe. Sie können die Entscheidung treffen, aber plötzlich verstärkt der Mitarbeiter sein Spiel. Wir wechseln die Kamerapositionen und filmen leicht von unten, wodurch das Talent stärker erscheint. Vielleicht droht der Mitarbeiter zu kündigen, sodass der Chef vielleicht ein bisschen Angst hat. Wir schießen aus einem etwas höheren Winkel, wodurch sich der Boss jetzt verwundbar fühlt. Aber das ist ein gutes Beispiel dafür, wie Sie den Status eines Charakters festlegen und ändern können. Dies erstreckt sich auch auf kreative Arbeits- oder Eventvideos. Ich habe einmal ein kurzes Video über jemanden getroffen , der Sprühfarbe macht. Ich habe eine Mischung aus beiden Aufnahmen aus einem niedrigen Winkel kreiert , um ihn als großartigen Künstler erscheinen zu lassen, aber auch aus einem hohen Winkel, um zu visualisieren, wie klein er vor der großen Wand steht , die er gerade malen wird. Das sagt uns etwas über die Leinwand aus, an der er arbeitet. Denken Sie immer an die Kameraposition und an den Status , den Sie dem Charakter oder den Talenten geben möchten . 18. Die 180-Regel: Die 180-Grad-Regel ist wahrscheinlich eine der wichtigsten Regeln für alle, die mit dem Filmemachen beginnen. In dem Moment, in dem zwei Personen miteinander sprechen, Personen miteinander sprechen, können wir dies aus mehreren Blickwinkeln ausfüllen, um das Video interessanter zu gestalten Wie wir bereits gelernt haben, können wir zwei Aufnahmen machen oder vielleicht eine Over-Shoulder, vielleicht eine Weitaufnahme aus einem Winkel, vielleicht die Kameraposition ändern und etwas tiefer gehen. Obwohl wir die Freiheit haben die Kamera dort zu platzieren, wo wir wollen, möchten Sie sicherstellen, dass Sie den Betrachter nicht desorientieren. Hier kommt die 180-Regel ins Spiel. Sie sehen als Filmemacher, wir wissen, wie der Ort aussieht. Wir haben es mit eigenen Augen gesehen und unser Gehirn kann sofort erkennen, wo sich alles befindet. Aber das Publikum sieht den Ort nur bildgetreu der Kamera. Dies ist sehr wichtig, sich dessen bewusst zu sein. Wir können eine unsichtbare Linie durch die beiden Charaktere ziehen , wir schneiden in die Richtung, in die sie schauen, wir teilen sie in zwei Teile, beide 180 Grad, woher der Name kommt. Jetzt ist es wichtig , eine dieser Websites auszuwählen und dort zu bleiben. Das heißt, wir können die Kamera hier platzieren und dann in diesen Winkel oder hier schneiden. Sie können jedoch keine Aufnahmen von einer Site mit der anderen mischen. Das wird das Publikum desorientieren. Lassen Sie mich Ihnen zeigen, warum das so ist. hier schaut das Talent auf die rechte Seite des Rahmens. Solange wir uns auf der Seite der 180-Grad-Regel halten , werden sich die Talente weiterhin mit den Rechten befassen. Aber sobald wir die Linie überschritten haben, schaut das Talent jetzt plötzlich nach links. Für das Publikum fühlt es sich an, als hätte sich das Talent umgedreht, aber sie haben es nicht getan. zwei Personen wird dies noch verwirrender. Einer zeigt nach rechts, während der andere nach links zeigt. Das ist normal, da sie voreinander stehen . Aber wenn wir die Grenze überschreiten, ist ihre Blickrichtung jetzt anders und wir verlieren das Gefühl, dass sie voreinander stehen . Diese Regel erstreckt sich auch auf verschiedene Orte , an denen wir dieselben Themen wie ein fahrendes Auto haben. Wenn das Auto von einem Ort wegfährt, wählen wir eine bestimmte Richtung. Normalerweise ist das von links nach rechts, wenn Sie diesem Auto folgen oder mehrere Aufnahmen von ihm an verschiedenen Orten machen. Wir achten darauf, dass Sie auf dieser Seite der 180-Regel bleiben. Auf diese Weise fährt das Auto unabhängig vom Standort immer von links nach rechts . Wenn Sie von der anderen Seite schießen würden, würde das Auto in die andere Richtung fahren. Jetzt scheint es, als hätte es sich irgendwo zwischen zwei Schüssen umgedreht . Deshalb ist es so wichtig , von einer Seite der 180-Grad-Regel aus zu fotografieren , um Ihr Publikum zu orientieren. Manchmal möchte man das Publikum jedoch desorientieren. Denk an eine Kampfszene. Offensichtlich ist es ein falscher Kampf und das will man vermeiden, der Zuschauer sieht das. Wir springen ständig über die 180-Grad-Linie, um das Publikum zu desorientieren und Fehler zu vertuschen. Aber auch das erzeugt Chaos und Verwirrung, was zur Szene passt. Es ist eine Form des visuellen Geschichtenerzählens. Die Regeln des Filmemachens zu brechen ist manchmal zum Besseren, aber man kann die Regeln nur brechen , wenn man sie zuerst versteht. Deshalb möchte ich, dass Sie zuerst die 180-Grad-Regel befolgen, einige Aufnahmen machen und sie gemeinsam bearbeiten, um zu sehen, wie sie Ihre Szene beeinflusst. Sobald Sie den Dreh raus haben, sind Sie bereit, diese Regel zu brechen. Natürlich muss aus einem bestimmten Grund alles, was Sie im Filmemachen tun , einen Grund haben. Danke fürs Zuschauen. 19. Handheld: Handgehaltene Kamerabewegungen. Wir fangen an, ein Gefühl dafür zu bekommen, wie Filmemachen funktioniert. Wir haben die meisten Regeln abgedeckt, also sind wir bereit, mit dem Schießen zu beginnen. Für die meisten Menschen beginnen sie einfach damit, ihre Kamera in den Händen zu halten. absolut nichts falsch. Selbst große Hollywood-Produktionen sind oft Handaufnahmen. Fotografieren mit einem Handgerät ist jedoch eine Wahl und nicht etwas, das Sie tun , nur weil es praktisch ist. Wie wir bereits besprochen haben, nimmt das Publikum Ihr Video durch die Kamera wahr, und das Gefühl, das Sie dem Publikum geben, hängt davon ab, was die Kamera tut. Ein gewisses Verwacklungsgefühl in der Kamera vermittelt dem Publikum ein anderes Gefühl als wenn Sie von einem stabilen Stativ aus filmen würden. Handheld ist dynamischer, aggressiver, lebendiger, energischer und verspielter. Eine Action-Szene wie eine Verfolgungsjagd oder eine Kampfszene wird daher häufiger in der Hand gefilmt. Wenn es zum Beispiel Zeitdruck gibt, eine einfache Aktion wie Wählen einer Nummer und das Anrufen einer Person in der Hand gefilmt werden, könnte eine einfache Aktion wie das Wählen einer Nummer und das Anrufen einer Person in der Hand gefilmt werden, um die Stimmung zu betonen. Aber auch Dinge wie ein Interview, das sich lockerer und persönlicher anfühlen muss und das auch in der Hand gefilmt werden kann. Viele verschiedene Anwendungsfälle. Natürlich gibt es einen Unterschied in der Art der Handbewegung. Sie können große und schnelle Bewegungen oder sanfte und langsame Bewegungen ausführen. Wo eine Kampfszene viel mehr Kamerabewegungen erhält, um sie aggressiver zu machen, wird ein ungezwungenes Interview eine sanftere und sanftere Handbewegung erhalten eine sanftere und sanftere Handbewegung , um sie dynamischer zu gestalten. Aber in jedem Fall von Handbewegungen ist es immer unter Kontrolle. Lassen Sie uns zwei Extreme durchgehen, eine Kampfszene und ein ungezwungenes Interview. Beginnend mit dem Interview. Die Idee ist nicht, die Aufmerksamkeit auf die Kamerabewegung zu lenken, sondern auf das Talent und ihre Geschichte. Sie möchten zunächst eine bequeme Position finden , damit Sie sehr lange filmen können. Es besteht die Möglichkeit, dass Sie mit einer dieser Spiegelreflexkameras fotografieren. Halten Sie es mit dem Griff fest und stützen Sie den Körper mit Ihren anderen Händen auf diese Weise. Ihre Ellbogen gehen in Ihre Brust oder Ihren Bauch. Wichtig ist Ihre Wirbelsäule. Lehnen Sie sich nicht so zurück, als ob die Szene ständig passiert. Wenn Sie sich aus irgendeinem Grund so zurücklehnen müssen, stehen Sie einfach aufrecht und treten Sie einen Schritt zurück. Es ist das Gleiche. Stellen Sie sich mit beiden Füßen fest auf den Boden, und jetzt können Sie schießen. Lässige Handbewegungen müssen nicht absichtlich ausgeführt werden. Es ist schon da. Atmen Sie einfach ein und atmen aus und lassen Sie Ihre Kamera mit Ihren Atemzügen bewegen. Beim Einatmen geht die Kamera hoch und beim Ausatmen fällt die Kamera aus. Ich übertreibe natürlich ein bisschen. Aber du kommst auf die Idee. Hier ist ein besseres Beispiel. Konzentrieren Sie sich weiter auf den Rahmen. Sie möchten vermeiden , dass Ihr Rahmen auf und ab geht. Mach es sanft. In einem extremeren Beispiel, wie einer Kampfszene, möchten Sie kleine, aber schnelle Bewegungen um Ihr Motiv herum ausführen . Du behältst die gleiche Pose so, aber du gehst mit dem Fluss der Themen. Wenn sie eine bestimmte Bewegung ausführen, kannst du dieser Bewegung folgen, normalerweise um ihre Auswirkungen stärker zu machen. Es ist jedoch wichtig, dass Sie auf ein Motiv einrasten, eine korrekte Rahmung vornehmen und kleine und schnelle Bewegungen ausführen. Wenn Sie während einer Aufnahme das Motiv wechseln , machen Sie eine schnelle Bewegung darauf und schnappen sich die neuen Motive an. Es ist das Einrasten von einem Motiv zum anderen, das Ihre Handheld-Bewegungssteuerung ermöglicht. Geben Sie Ihrem Publikum die Zeit, um zu verstehen, was es sieht. Gehen Sie also nicht zu schnell vom Thema weg. Wir werden später in diesem Kurs mehr über Kameraunterstützungen wie die Stative sprechen. Als Starter ist es definitiv eine gute Idee, in die Hand solange Sie es richtig und kontrolliert machen . Danke fürs Zuschauen. 20. Zeitlupe: Wenn Sie mit 60 Bildern pro Sekunde aufnehmen, können Sie Zeitlupe hinzufügen, da Sie sie auf 30 Bilder pro Sekunde ausdehnen können . Wir haben bereits in der Lektion über Bildraten darüber gesprochen . Aber abgesehen von dieser technischen Erklärung gibt es auch eine kreative Regel. Wann sollten wir Zeitlupe filmen und welche Auswirkungen hat das auf unser Video? Unser Talent springt über einen Felsen, wir haben gesehen, was passiert, aber wir haben die Details nicht gesehen, weil es so schnell ging. Lass uns das nochmal drehen, aber diesmal in Zeitlupe. Dies gibt dem Publikum die Zeit, sich mehr mit den Details zu befassen, z. B. welchen Ausdruck macht ein Talent? Ob es Wolken in der Luft gibt? Wie ist ihre Körperposition usw.? Ein Betrachter beginnt automatisch solche Details anzusehen, weil es den Anschein hat, als hätten wir mehr Zeit zum Betrachten , auch wenn der Clip selbst nicht länger ist. Das sind die interessanten Teile. Eine normale Nahaufnahme, in der nicht einmal etwas Aufregendes passiert. In Echtzeit sehen wir eine Person, einen Fünf-Sekunden-Clip. Lassen Sie uns nun dieselbe Aufnahme zeigen, ebenfalls fünf Sekunden lang, aber in Zeitlupe. Das Publikum beginnt automatisch auf die Details und das Gesicht zu achten. Weil wir uns das Gesicht einer Person genauer ansehen, nehmen wir ihre Emotionen viel besser wahr. In dieser Einstellung neigt das Talent den Kopf nach oben. Nichts besonderes, gerade wenn wir das in Zeitlupe spielen, ihre Emotionen plötzlich stärker. Abhängig von der Geschichte , die Sie erzählen, werden Sie dies betonen. Das ist eine Essenz , die Zeitlupe bewirkt. Es müssen nicht immer schnelle Action-Shots sein, auch kleine Bewegungen oder Charakteremotionen können mit Zeitlupe verstärkt werden. Verwenden Sie es also nicht ständig, sondern nutzen Sie diese leistungsstarke Technik mit Bedacht. 21. B-Roll: Der Name B-Roll stammt aus alten Zeiten, als man eine echte Filmrolle in der Kamera hatte . Die Hauptkamera hatte die A-Roll. Hier ist es. Die zweite Kamera hatte die B-Roll. Jetzt blieb dieser Name immer wieder da. Aber natürlich hat sich die Funktion der B-Roll-Kamera nicht so sehr verändert. Keine Sorge, Sie benötigen keine echte zweite Kamera. Tatsächlich könnten Sie ein ganzes Video mit nur B-Roll-Aufnahmen machen. Fangen wir einfach an, ein Interview. Das Talent, das vor der Kamera spricht , wird mit der A-Roll aufgenommen. Normalerweise bezeichnen wir es als Hauptkamera. Die B-Roll-Kamera sitzt normalerweise eher an den Seiten und nimmt einen anderen Rahmen auf. Das ist jetzt nicht notwendig, aber es macht das Interview dynamischer. Diese B-Roll-Kamera konnte sogar Aufnahmen von den Händen des Talents machen. Das heißt, wenn Sie nur eine Kamera haben, können Sie nach dem Interview solche Aufnahmen machen. Sie können sie so bearbeiten, dass es den Anschein hat, als ob die Handgesten für die B-Rolle während des Interviews gemacht wurden. B-Roll könnten aber auch Aufnahmen sein, die außerhalb des Interviews aufgenommen wurden , oder die Hauptbotschaft, die Sie präsentieren. Zum Beispiel haben wir wieder dieses Interview, aber dann zeigen wir Clips von dem, worüber die Person spricht, die an einem anderen Ort gedreht werden könnten, vielleicht sogar einige Archivclips. Ein anderes Beispiel ist , wo Sie nach einem Interview zu einer B-Roll-Sequenz wechseln. Die Musik beginnt plötzlich und Sie sehen eine Montage kreativer Aufnahmen. B-Roll lässt Ihre Videos im Wesentlichen nur dynamischer aussehen. Sie erzählen keine direkte Geschichte oder zumindest keine wichtige Geschichte, aber sie visualisieren viel, wodurch Ihre Videos angenehmer anzusehen sind. Es ist wie in dieser Klasse, ich könnte auch einfach die ganze Zeit reden ohne euch etwas zu zeigen. Du bekommst alle Informationen, aber es wäre ziemlich langweilig. Alle Beispiele, die ich zeige, sind B-Roll, was diese Klasse interessanter macht. Aber wie ich bereits sagte, kann ein Video auch nur aus B-Roll-Aufnahmen bestehen. Denken Sie an ein kreatives Video, vielleicht ein Reisevideo. Du spielst einen Song im Hintergrund und zeigst einen schönen Schnitt von B-Roll Shots. Es gibt keine A-Roll-Shots wie ein Interview oder einen Monolog oder so. Manchmal ist B-Roll so kurz, dass wir es auch als Insert-Shot bezeichnen können. Es ist im Grunde B-Roll, aber es hat einen bestimmten Zweck. Wir haben jemanden, der sich hier ein Objekt ansieht , das auf dem Tisch liegt, und was ein Filmemacher oft sagt, ist, nehmen wir ein Einfügediagramm dieses Objekts. Sie machen eine Nahaufnahme davon und bearbeiten es so , dass Sie von einer Weitaufnahme zur Nahaufnahme des Objekts übergehen. Dann geh zurück zum Weitschuss. Es fühlt sich an, als hättest du einen Schuss dazwischen eingefügt. Diese Art von B-Roll Shot wird oft verwendet, um mehr Details über etwas Wichtiges zu zeigen. Es fügt der Szene zusätzliche Informationen hinzu. Während eine normale B-Rolle vielleicht nicht so wichtig ist, ist ein Insert Shot. Schließlich haben wir den Cutaway, ebenfalls eine Form von B-Roll, aber auch hier einen sehr spezifischen Anwendungsfall. Cutaways sind im Grunde Beilagen, die nicht so wichtig sind, wie die Hände der Person, die während eines Interviews spricht. Es ist B-Roll, wird aber genauer als Cutaway bezeichnet . Dies könnte auch eine ganz andere Einstellung zu etwas sein, über das die Person spricht. Aber es ist immer ein Schuss. Wir haben uns für einen kurzen Moment von der A-Rolle abgeschnitten. Wenn Sie mehr Aufnahmen haben, im Grunde eine kleine Bearbeitung, nennen wir es nicht mehr Cutaway, sondern nur eine B-Roll-Sequenz. Das war ein bisschen kompliziert, gib mir keine Vorwürfe. Dies sind Begriffe des Filmemachens, die in alten Zeiten erfunden wurden. Es ist einfach gut zu wissen , dass diese Dinge existieren. B-Roll-Sequenzen, Insert-Shots und Cutaways, aber Sie können sie alle auch B-Roll nennen. Daran ist nichts falsch. Stellen Sie einfach sicher, dass Sie an B-Roll denken , wenn Sie ein Projekt drehen. Verlassen Sie das Shooting nicht einfach nach dem Interview oder dem Dialog oder was auch immer getan wurde. Denken Sie immer an die zusätzlichen Aufnahmen, die Sie benötigen, um Ihre Bearbeitungen dynamischer und interessanter zu gestalten Ihre Bearbeitungen dynamischer und , die B-Roll-Shots. Bevor ich diese Lektion beende, möchte ich noch einmal eine sehr nützliche Ressource erwähnen, Storyblocks, über die ich zuvor auch gesprochen habe. Aber eine Aktienbibliothek wie sie ist super nützlich, ausgeflippt, hat nicht die richtige B-Rolle. Storyblocks hat über eine Million lizenzfreie Stockclips sowie HD- und 4K-Auflösung. Dies bedeutet, dass Sie Ihre Downloads auch für kommerzielle Zwecke verwenden können , was großartig ist. Manchmal habe ich das Gefühl , B-Roll nicht geschossen zu haben. Es ist ein Fehler, den jeder an einigen Stellen macht. Sie können das beheben, indem Sie ein Archivvideo herunterladen. Oder vielleicht brauchst du einen Insert Shot. Du könntest dich zum Beispiel selbst filmen, während du dich umdrehst und auf eine Uhr schaust , aber du hast diese schicke Uhr nicht. Suchen Sie einfach in Storyblocks nach der Uhr und verwenden Sie diese als Insert-Shots. Da hast du es. Du kannst Storyblocks jederzeit auschecken. Auch hier in den Klassennotizen hinterlasse ich einen Link , wenn Sie ihn für weitere Informationen überprüfen möchten . 22. Drehen für die Bearbeitung: Das einzige Problem mit dem Speicher meiner Kamera ist, dass eines dieser Lichter hier mit Batterien arbeitet. Das heißt, ich muss darüber nachdenken , um das Licht zu ändern, was ich total vergessen habe. Macht mich das zu einem schlechten Filmemacher? Nein, denn ein guter Filmemacher beginnt mit dem Schnitt und dreht dann seine Videos. Ich weiß, es klingt unmöglich, aber hör mir zu. Sie werden gebeten, eine einfache Aktion auszuführen, als würde jemand ein Glas Wasser einfüllen eine einfache Aktion auszuführen, als würde jemand ein Glas Wasser einfüllen und dann daraus trinken, und bevor Sie überhaupt die Aufnahmetaste an Ihrer Kamera drücken, sollten Sie zuerst darüber nachdenken die Änderungen. Angenommen, du hast alles aus einem Blickwinkel geschossen, du hast im Grunde nur einen Schuss. In der Bearbeitung wirst du feststellen, dass du damit nicht wirklich viel anfangen kannst. Als Kameramann müssen Sie Aufnahmen machen , die der Editor verwenden kann. Oder wenn Sie selbst der Herausgeber sind, stellen Sie sicher, dass Sie nicht sauer auf sich selbst werden , weil Sie nicht genug Aufnahmen gemacht haben. Wie geht man damit um? Nun, Sie teilen jede Szene oder Aktion in mehrere Aufnahmen auf. Wichtig ist, dass Sie immer unterschiedliche Framings erstellen. Zum Beispiel beginnen Sie mit einem langen Schuss, während das [Unhörbare] die Flasche aufnimmt, dann machen Sie eine Nahaufnahme des Gießens des Wassers in das Glas. Dann treten Sie einen Schritt zurück, um mittlere Aufnahmen des [unhörbaren] Trinkens aus diesem Glas zu machen. Wir haben die Action in drei Aufnahmen aufgeteilt. Das heißt, wir können auch ein bisschen mit der Länge der Szene spielen , indem wir schneller schneiden, die gesamte Aktion wird schneller oder wir können die gesamte Szene verlängern. Wir geben uns selbst oder dem Editor Optionen zum Bearbeiten. Das ist es, was Sie immer versuchen möchten, indem Sie drei individualistische Aufnahmen der Szene machen. Jetzt könnte es natürlich mehr Aufnahmen geben , die an dir liegen. Könnten wir zum Beispiel nicht einfach drei lange Aufnahmen machen , wäre das nicht einfacher? Du machst eine Aufnahme aus diesem Blickwinkel, eine von hier und eine andere von dort. Alles Langschüsse. Leider schneiden solche Aufnahmen nicht ab. Du gehst vom gleichen Framing zum nächsten. Was passiert sind Sprungschnitte. Wir sehen einen Sprung in der Bewegung oder mit anderen Worten, der Betrachter bemerkt die Schnitte und das möchten Sie jederzeit vermeiden. Obwohl es heutzutage im professionellen Filmemachen definitiv akzeptabler ist, müssen Sprungkürzungen immer noch vermieden werden , es sei denn, es gibt eine kreative Wahl. Man könnte grundsätzlich gegen jede Regel des Filmemachens verstoßen, aber dafür braucht man einen **** guten Grund. Für jede darauf folgende Aufnahme änderst du deine Bildgebung. Mittlere Aufnahme, Nahaufnahme, mittlere Aufnahme, lange Aufnahme, extreme Nahaufnahme, mittlere Weitaufnahme, Nahaufnahme, lange Aufnahmen usw. Ich denke, Sie kommen auf die Idee. Nehmen wir an, Sie werden gebeten, ein Geschäftsereignis zu drehen. Es sind allerlei Dinge los und wir könnten dort drüben in der anderen Ecke einige neue Produktveröffentlichungen filmen , Gäste kommen herein. Es gibt eine Bar, in der Cocktails zubereitet werden. Für jede Szene macht man genug Aufnahmen und ich meine, verschiedene Framings. Es ist auch einfacher, von einer Szene zur anderen zu schneiden , und es ist weniger wahrscheinlich, dass Sie Sprungschnitte erhalten. ich das verstehe , komme ich zum zweiten Teil dieser Lektion. Für den Schnitt zu fotografieren bedeutet auch interessanten Hooks zu suchen. Ich habe damals viele Geschäftsereignisse gedreht , als ich damit angefangen habe. Es ist etwas, das ich oft gemacht habe, ist ein Foto von einem leeren Esszimmer zu machen. Ich machte dann später am Abend dieselben Aufnahmen aus dem gleichen Blickwinkel und Rahmen, wenn dieser Raum voller Menschen war. Ich weiß, das ist ein Sprungschnitt, was ich dir gerade gesagt habe, du sollst es nicht tun. Aber ich hatte einen Grund. Ich könnte einen kleinen Glitch-Übergang dazwischen hinzufügen oder ihn einfach als Sprungschnitt behalten und der Musik darunter einen Strand hinzufügen. Ich fand es eine coole Idee, von einem leeren Raum in einen vollen Raum zu wechseln. Das war nur möglich , wenn ich diese Bearbeitungsidee während der Dreharbeiten im Hinterkopf hatte. Ich ermutige Sie, genau dasselbe zu tun. Sie beim Aufnehmen eines Videos an einige coole Übergänge, Denken Sie beim Aufnehmen eines Videos an einige coole Übergänge, die Sie machen könnten, oder vielleicht an eine Abfolge von Aufnahmen. Kurz gesagt, machen Sie immer mehrere Aufnahmen derselben Szene, die in verschiedenen Framings gedreht wurden , aber versuchen Sie auch, etwas zu drehen , das Sie kreativ in Ihren Bearbeitungen verwenden können. Was hilft, ist, die Arbeit anderer Menschen als Inspiration zu betrachten . Wenn Sie auf eine schöne Übergangs- oder Bearbeitungssequenz stoßen , schreiben Sie diese auf und nehmen Sie sie bei Ihrem nächsten Shooting mit , damit Sie sich daran erinnern können , welche Aufnahmen Sie machen müssen. 23. PRAXIS: Wir haben die meisten Grundregeln des Filmemachens durchlaufen . Es hat viel mehr zu verarbeiten gedauert. Gehen wir jetzt raus und üben, was wir bisher gelernt haben. Wenn ich ehrlich sein will, könnte ich auch eine Pause gebrauchen, Leute. Filmemachen ist eine endlose Reise, auch nach mehr als 10 Jahren lerne ich immer noch jeden Tag neue Dinge über das Filmemachen. Lassen Sie sich von all diesen Informationen nicht überwältigen. Gehen Sie Schritt für Schritt vor und genießen Sie vor allem diese Reise. Das erste, was ich möchte, dass du machst, ist einen kurzen Actionfilm zu machen. Mit Action meine ich buchstäblich alles. Das könnte sein, Gemüse zu hacken, um Suppe zuzubereiten, das Auto zu putzen oder draußen im Garten zu arbeiten. Skriptbasierte Aktionen wie diese ermöglichen es Ihnen, sich vorzubereiten. Ich möchte, dass du ein Storyboard mit den verschiedenen Aufnahmen skizzierst ein Storyboard , die du machen möchtest. Sie bei der Vorbereitung dieser Aufnahmen Gehen Sie bei der Vorbereitung dieser Aufnahmen noch einmal die Lektionen aus dieser Klasse durch, insbesondere die Lektionen über Regeln des Filmemachens und visuelles Geschichtenerzählen. Versuchen Sie, so viel wie möglich darüber nachzudenken , während Sie sich vorbereiten. Dann bitten Sie einen Freund , Ihr Talent zu sein und folgen Sie einfach Ihrem eigenen Storyboard. Ihre kreativen Entscheidungen wurden bereits getroffen, sodass Sie nicht mehr darüber nachdenken müssen. Folge einfach diesen Storyboards. Dadurch können Sie auf die technischen Aspekte des Filmemachens achten . Die Lektionen, mit denen wir begonnen haben, Dinge wie das Einstellen der richtigen Belichtung Ihrer Kamera, Fokussieren, den Weißabgleich und andere Dinge. Dies ist eine großartige Übung, um sowohl technische als auch kreative Fähigkeiten zu üben. Auf jeden Fall, wenn Sie das mit einem Freund machen, müssen Sie sich keine Sorgen machen, etwas falsch zu machen. Apropos falsch machen, ich möchte eigentlich, dass du einen Fehler machst denn wenn du immer versuchst, niemals einen Fehler zu machen, wirst du dich einschränken. Traue dich zu experimentieren und wage Fehler zu machen. Neue Dinge kann man nur lernen, wenn man Fehler macht. Dieser Kurs war ein großer Fehler. Du hast so viele neue Dinge gelernt. Das kam sehr falsch heraus. Ich hoffe es gefällt euch, Leute. Wie auch immer, geh jetzt raus und fange mit dem Videoprojekt an , bevor du mit dem Unterricht fortfährst. Du kannst dieses Video hier auf Skillshare veröffentlichen, wenn du möchtest, und entweder ich oder jemand aus meinem Team wird es ansehen, um Feedback zu erhalten. Der Unterricht ist noch nicht abgeschlossen, wir werden in der nächsten Lektion auch über sehr wichtige Kamerawerkzeuge sprechen . Aber ich rate Ihnen, zuerst das zu üben, was Sie bisher gelernt haben. Mach es Schritt für Schritt. Danke fürs Zuschauen und wir sehen uns sehr bald wieder. Ich gieße etwas neuen Kaffee in meine Tasse. [GELÄCHTER] 24. ND-Filter: Hey, willkommen zurück. Ich hoffe, es hat dir Spaß gemacht dein allererstes Video zu machen und dabei die Regeln für das Filmemachen zu beachten. Ich glaube, wir haben noch ungefähr sechs Lektionen übrig, in denen es um [unhörbar] und Kameraunterstützung geht. Sobald Sie sich mit dem Filmemachen wohler fühlen, werden Sie schnell versuchen, in mehr Ausrüstung zu investieren. Leider habe ich viele Fehlkäufe von Filmemacher-Anfängern gesehen . Deshalb möchte ich Ihnen dazu einige Ratschläge geben, Ihnen aber auch beibringen, wie Sie zum Beispiel so etwas wie ein Stativ richtig einsetzen. Aber wir beginnen zuerst mit dem ND-Filter. Es ist wahrscheinlich das allererste , was ich empfehlen sollte, da Sie bereit sind, etwas mehr Geld auszugeben. ND-Filter ist ein sehr einfaches Stück Glas, ein runder Filter, der an Ihr Objektiv geschraubt wird. ND steht für neutrale Dichte, aber im Wesentlichen handelt es sich um Sonnenbrillen für Ihre Linse. Der Zweck dieses Filters besteht darin, Licht auszublenden. Aber warum brauchen wir das? Können wir einfach die Blende schließen, wenn das Video zu hell ist? Natürlich kannst du das. Aber wir haben auch etwas über die Nebenwirkungen gelernt , die die Blende mit sich bringt, nämlich eine größere Schärfentiefe. Eine einfache Aufnahme wie diese hat fast alles im Fokus. Der Vordergrund ist deswegen einfach nicht vom Hintergrund getrennt. Wenn wir die Möglichkeit hätten Licht durch einen ND-Filter auszublenden, wir die Blende wieder öffnen, wodurch die Schärfentiefe flacher wird, und so erhalten wir eine filmische Aufnahme. Das hebt Ihre Videos bereits von den anderen ab. Da der ND-Filter so ausgelegt ist, dass er eine bestimmte Lichtmenge blockiert, gibt es auch verschiedene Arten von ND-Filtern. Nun wird die Lichtmenge, die sie ausblenden , in ihrer ND-Nummer vermerkt. Je höher diese Zahl ist, desto mehr Licht wird ausgeblendet oder desto stärker ist Ihre Sonnenbrille. Beginnend mit ND2, das die Hälfte des Lichts ausblendet. Oder mit anderen Worten, es lässt uns die Hälfte der Lichter durch. ND4 lässt ein Viertel oder 25 Prozent der Lichter durch. Wenn wir ein paar Zahlen überspringen, lässt ein ND100 nur ein Prozent der Lichter durch. Eigentlich ist es ziemlich einfach. Die ND-Zahl bezieht sich auf den Bruch, also ein ND16, lass uns durch ein Sechzehntel der Lichter gehen. Es gibt also eine Sache, die sie leicht verständlich gemacht haben. Aber jetzt, da wir die Mathematik hinter diesen ND-Filtern kennen, welchen ND-Filter brauchen wir jetzt eigentlich? Weil die Hälfte oder ein Viertel des Lichts einfach nicht leicht zu visualisieren ist. Nun, ND-Filter werden am häufigsten im Freien eingesetzt, wo es viele Lichter gibt. In einem solchen Fall schauen Sie meistens auf einen ND8 für bewölkte Tage und dann ND32, wenn die Sonne hoch oben an einem klaren Himmel steht. Beliebte ND-Sets bestehen daher normalerweise aus einem ND8, einem ND16 und einem ND32. Manchmal ist da auch ein ND64 drin. Können Sie mehrere ND-Filter an Ihrem Objektiv anschrauben, bevor Sie fragen ? Obwohl es nicht empfohlen wird. Ja, das kannst du. Der Grund, warum es nicht empfohlen wird und ich die ND-Filter wieder aus ihrem Gehäuse nehmen werde, von dem ich nicht gedacht habe, dass es vorbei ist, [GELÄCHTER] ist, dass das Licht durch zwei Glasstücke wandern muss . Je mehr Glasstücke das Licht durchdringen muss, desto mehr nimmt die optische Qualität ab und Sie werden Dinge wie Geisterbilder oder ein weicheres Bild sehen. Deshalb sind diese festen ND-Filter so beliebt. Sie bieten Ihnen normalerweise die beste optische Qualität. Es ist wie eine Hauptlinse, wie wir es zuvor behandelt haben. Wie dieses hier ein festes 50-Millimeter-Objektiv normalerweise besserer Qualität als ein Zoomobjektiv von besserer Qualität als ein Zoomobjektiv zum ungefähr gleichen Preis. Dies liegt daran, dass mehr Glaselemente in einem Zoomobjektiv benötigt werden , wodurch die Qualität abnimmt. Aber nimm das mit einem Körnchen Salz. Die Technologie ist heutzutage sehr weit gekommen. Zoomobjektive sind definitiv eine gute Wahl. Mit ND-Filtern wie diesem ist das Gleiche hier drin los. Das hier ist ein variabler ND-Filter. Dies sind die Zoomobjektive von Filtern. Sie bestehen aus zwei Filtern und spezifischer für Polarisatorfilter, sodass Sie sie drehen können und auf diese Weise mehr oder weniger Licht durchlassen , ist das nicht cool? Lassen Sie mich das einfach hier vor dieses Licht halten , damit Sie sehen können, was es tatsächlich bewirkt. Ist das nicht großartig? erhalten Sie eine Reichweite von etwa ND2 bis ND400. Tatsächlich müssen Sie nicht einmal mehr über die gesamten ND-Zahlen und die Menge an Licht nachdenken mehr über die gesamten ND-Zahlen und die , die sie blockiert oder durchlässt. Sie drehen einfach den Filter, schauen auf Ihren Monitor, halten Ausschau nach dem Histogramm und fertig. Aufgrund dieser Einfachheit schlage ich auch vor, dass Sie sich eines davon besorgen. Tatsächlich ist das einzige Mal, dass ich mit festen ND-Filtern wie diesem arbeite, wenn ich skriptbasierte Inhalte aufnehme bei denen ich die Zeit habe, Filter auszutauschen und wirklich die bestmögliche Qualität erzielen möchte. Das ist normalerweise zum Beispiel während eines Kurzfilms. Aber für den Rest verwende ich einen variablen ND-Filter. Sie haben also Ihren ND-Filter gewählt, gute Arbeit. Aber jetzt kommt die Durchmessergröße; 73 Millimeter oder 77 oder vielleicht 82. Das ist die Filtergröße, die hier auf der Rückseite droht. Wenn Sie auf Ihr Objektiv schauen, sollten Sie ein Symbol wie hier mit einer Zahl daneben sehen . Dies bezieht sich auf die Filtergröße, die Ihr Objektiv hat. Dann stellen Sie jedoch fest, dass Ihre anderen Objektive unterschiedliche Filtergrößen haben. Kaufen Sie jetzt zwei ND-Filter? Natürlich nicht. Es ist am besten, einen ND-Filter mit einem großen Durchmesser von beispielsweise 82 Millimetern zu kaufen . Das ist die Größe, die oft gewählt wird. Sie können sie auf Ihr Objektiv schrauben, aber Sie können keine Adapter dafür finden, damit sie passen. Diese werden als Step-Up-Ringe bezeichnet Sie steigen von einer Filtergröße zur nächsten auf. Diese Ringe, genau hier, sie kosten nur ein paar Dollar, also habe ich alle meine Objektive damit ausgestattet. Wie hier können Sie sehen, dass wir von 52 Millimeter auf 82 Millimeter gehen . Auf diese Weise kann ich diesen sehr großen ND-Filter auf ein sehr kleines Objektiv montieren . Ich musste nur Geld für ein ND-Objektiv ausgeben und es passt zu allen meinen Objektiven. Das ist die Geschichte des ND-Filters. Kurz gesagt, ich empfehle den Kauf eines variablen 82-Millimeter-ND-Filters und die Beschaffung von Step-Up-Ringen für jedes Objektiv, das Sie haben. Es ist die billigste und vielseitigste Lösung. 25. Das Stativ: Die Stative. Die bisher grundlegendste Form der Kameraunterstützung, die so viel komplexer ist , als die meisten aufstrebenden Filmemacher denken. Im Wesentlichen haben Sie drei Stative: die billigen Plastikstative, die Fotostative und dann die Videostative. Jetzt können wir diese billigen Kunststoffstative bereits eliminieren . Zwanzig Dollar scheinen ein gutes Geschäft für ein Stativ zu sein, aber in Wirklichkeit werfen Sie nur die 20 Dollar weg. Wir haben dann noch das Fotostativ und das Videostativ. Ein Fotostativ ist normalerweise sehr leicht. Es hat ein einfaches Design und hält kleine Kameras robust. Sie sind für Fotokameras gedacht, die auch Ihre Videokamera sein könnten. Aber wenn Sie vorhaben , Ihre Spiegelreflexkamera so auszubauen wie wir es mit unserer Panasonic Lumix GH5 getan haben, dann ist das Fotostativ möglicherweise nicht mehr so stark. Der Schnellverschluss ist seltsam. Die Kamera rastet in die Stative ein und ist auf Fotostativen ziemlich klein. Größere Kameras wackeln daher mehr. Ein Stativ besteht jetzt immer aus zwei Teilen. Du hast die Beine und du hast den Kopf. Sie können diese beiden Dinge tatsächlich separat kaufen , wenn Sie möchten. Manchmal mag man einen bestimmten Kopf und ein ganz bestimmtes Bein. Sie können sie dann ganz einfach miteinander kombinieren. Jetzt hat ein Stativkopf drei Achsen. Sie können biegen, was eine horizontale Bewegung ist, Sie können kippen, was vertikal verläuft , und schließlich die Kamera neigen oder rollen. Dies wird benötigt, um vertikale Fotos zu erstellen. Professionelles Video wird fast nie vertikal angezeigt , weshalb ein Videostativ nur biegen oder kippen kann. nun näher an den Videokopf schauen, können Sie sehen, dass er eine viel größere Basis hat, eine viel größere Schnellwechselbasis. Tatsächlich finden wir in den High-End-Segmenten von Video- und Kinokameras von Video- und Kinokameras sogar solche Stative. Schau, wie groß [NOISE] diese Schnellwechselplatte ist. Das wird unsere Kamera auf jeden Fall robust machen. Es gibt einen Grund, warum ein Videostativ existiert, weil sich Videos bewegen, sodass ein Videostativ für bewegte Aufnahmen ausgelegt ist, während ein Fotostativ für Standbilder ausgelegt ist. Wir werden auch das Fotostativ außer Acht lassen. Schauen wir uns nun das Videostativ genauer an. Lass mich einfach diesen nehmen. Dieser ist ein bisschen leichter. Sie finden hier drei Steuerelemente. Es gibt die Schlepp- oder Reibungssteuerungen, das Gegengewicht und die Schlösser. Mittlerweile verfügen nicht alle Videostative über alle drei Funktionen , und hier liegt der Preisunterschied. Jetzt sind die Schlösser normalerweise immer da. Sie finden sie hier an Ihrer Pfannensteuerung, die das verriegelt. Es stellt sicher, dass Sie nicht mehr schwenken können. Das Gleiche gilt auch für die Neigung. Wenn du das sperrst, kannst du nicht mehr kippen. [GELÄCHTER] Beachten Sie, dass der Luftwiderstand oder die Reibung flüssig sein sollten und Sie können dies in der Beschreibung der Stative wiederfinden . Wenn Sie die Wörter Fluid Heads nicht finden können, dann hat es diese Funktion nicht . Eine Funktion, die unverzichtbar ist. Ein Fluidkopf ermöglicht es, dass Sie Flüssigkeiten Biege - und Kippbewegungen ausführen können. billigeren Stativen ist dies manchmal in das Schloss Ihrer Stative eingebaut. Es ist eine Möglichkeit, diesen Widerstand zu erzielen. Je mehr du es sperrst, desto mehr musst du ziehen, aber es ist nicht wirklich gut zu ziehen. Wenn Sie sehr kleine und sanfte Bewegungen ausführen möchten, erleichtert Ihnen ein größerer Widerstand dies. dass Ihre Kameras auch mehr Luftwiderstand oder Reibung benötigen. Obwohl es eine nette Idee zu sein scheint, ist die Flüssigkeitssperrsteuerung nicht so vertrauenswürdig. Nach einem mäßigen Gebrauch werden Sie auch schnell auf Probleme stoßen, bei denen beispielsweise die Schwenksteuerung nach vorne schießen kann. Oder selbst wenn Sie eine Pfanne fast vollständig verriegelt haben, können Sie sie immer noch bewegen und der Widerstand reicht nicht aus. Im Idealfall möchten Sie ein separates Ziehsteuerelement und eine Sperre haben . Das Drehen des Rads verleiht der Pfanne auch mehr Widerstand , sodass ich präzisere Bewegungen ausführen kann. Wo ich schnellere Bewegungen machen muss, kann ich einfach den Luftwiderstand verringern. Ein Stativ wie dieses hält so viel länger, obwohl sie etwas teurer sind. Es liegt an Ihnen, zu entscheiden, welches Sie kaufen möchten. Endlich haben wir das Gegengewicht. Dies ist die Funktion, die nicht alle Videostative haben und die normalerweise nur für Ihre Kameras benötigt wird. Wenn Ihr Budget dies zulässt, sollten Sie sich diese Funktion zunutze machen, damit Ihr Stativ möglicherweise für eine zukünftige Kamera einsatzbereit zunutze machen, damit Ihr Stativ möglicherweise für eine zukünftige Kamera ist , die schwerer sein wird. Ein Stativ ist kein elektronisches Gerät und kann daher ein Leben lang halten. Deshalb würde ich auf so etwas nicht verzichten. Das Gegengewicht ist eine Feder in den Köpfen, die beim Kippen nach hinten drückt. Sie haben hier verschiedene Stärkeneinstellungen. Die Idee ist, es auf die richtige Höhe zu stellen , damit Ihre Kamera immer in der Position bleibt , in die sie gekippt wird , ohne das Schloss verwenden zu müssen. Dies ist tatsächlich erforderlich, um Verwacklungen der Kamera zu vermeiden, wenn Sie sie aus einem bestimmten Winkel füllen und Anstrengungen unternehmen müssen , um die Kameras still zu halten. Aus diesem Grund ist dies eine optionale Funktion, die für schwerere Kameras wichtiger ist . Schauen wir uns nun die Beine an, die entweder mit oder ohne Spreader geliefert die sich genau hier in der Mitte befinden. Der Spreader sorgt dafür , dass die Beine an Ort und Stelle bleiben und macht das Ganze im Allgemeinen robuster. Jetzt gibt es hier einen Mittelstreuer wie diesen, aber es gibt auch Bodenstreuer oder Bodenstreuer wie die schweren Stativrechte hier. Beide machen die Arbeit gut, aber ich schlage vor, einen Mittelstreuer zu kaufen, denn wenn Sie eine unebene Oberfläche haben , steht dieser Spreader nicht im Weg , wenn Sie Ihr Stativ irgendwo aufstellen wie auf einer Treppe oder wenn es viele Felsen draußen gibt. Bodenstreuer werden wirklich in Studioumgebungen verwendet , in denen Sie immer eine ebene Oberfläche haben. Lassen Sie uns zum Schluss noch einen Blick auf die Verbindung zwischen den Stativbeinen und den Videoköpfen werfen. Sie können entweder einen Schüsselkopf, auch Halbschale genannt, oder flache Halterungen haben. In den meisten Fällen haben sie Schalen, von denen die Köpfe auch abgenommen werden können , sodass Sie zwei in einem haben. In den Industriestandards arbeiten wir immer mit Schüsselköpfen. Es gibt einige Ausnahmen, bei denen eine flache Halterung direkt auf die Beine passt, aber das würde ich nicht empfehlen. Das Tolle an den Schüsselköpfen ist , dass sie mit jeder Schale der Beine und dem Boden verlegt werden mit jeder Schale der Beine und dem . Sie können sie dann einrasten. Mit dieser Schüssel können Sie die Videoköpfe so nivellieren, wie Sie sehen können. Es gibt fast immer eine Art Level-Tool und ein Top , das dir dabei hilft. Dies bedeutet, dass Sie die Beine der Stative sehr schnell so ausfahren können, wie Sie es möchten. Sie müssen sich keine Sorgen machen, ob Ihr Stativ gerade ist oder nicht. Sie können einfach ein Schloss hier unten verwenden. Verwenden Sie die Schüsselköpfe, um Ihre Kamera auszurichten Schüsselköpfe gibt es in zwei Größen, 75 und 100 Millimeter. Sie können eine 100 bis 75 immer anpassen , genau wie bei den Step-Up-Brings, über die wir zuvor gesprochen haben. Sie können jedoch nicht von 75 auf 100 steigen. Auch das ist etwas, das man im Hinterkopf behalten sollte. Das ist eine Geschichte über die Stative. In der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, wann Sie ein Stativ verwenden sollten, und ich habe auch eine sehr gute Übung für Sie, um Ihr Schwenken und Neigen zu üben. 26. Panning und Tilting: Ein Stativ ermöglicht es uns, horizontale Bewegungen auszuführen oder eine Biegung oder eine vertikale Bewegung auszuführen, anderen Worten, eine Neigung auszuführen. Jetzt konnte man das Stativ als das Gegenteil von Handheld sehen. Handheld gilt als dynamischer , verspielter, manchmal als chaotischer. Es hat eine Form von Realität. Sie haben aufgrund dieser Kamerabewegung eher die Tiefe einer Szene gezeigt . Ein stiller Stativschuss hat den gegenteiligen Effekt. Es ist statisch, aber auch stark und selbstbewusst, sauber, wir können Bewegungen durch Bräunen oder Kippen erzeugen, aber das ist eine kontrollierte Bewegung. Szenen, die auf einem Stativ aufgenommen wurden, sind entspannter. Sie können diese Aufnahmen tatsächlich für einen Zweck des Geschichtenerzählens mischen . Sagen wir, wir haben jemanden, der in einem Zimmer sitzt und etwas liest. Wir nehmen dies von einem Stativ , weil es eine entspannte Atmosphäre gibt. Aber dann beginnt plötzlich der Boden zu zittern, vielleicht ein Erdbeben. Der Ton der Szene wird dramatischer, und um zu betonen, dass wir in die Hand gehen und ein wenig Kamerabewegung hinzufügen. Es gibt einen Grund, warum wir uns dafür entscheiden, Handhelds oder auf einem Stativ zu filmen. Das ist etwas sehr Wichtiges, das man beachten sollte. Corporate wird normalerweise auf einem Stativ gefilmt , weil es Selbstvertrauen zeigt. Es ist, als würde man mit beiden Füßen fest auf dem Gelände stehen . Einrichtung dauert jedoch einige Zeit. Du musst das Stativ mitbringen. Würden Sie es auf die richtige Höhe einstellen, Ihre Kamera daran befestigen usw. Sie könnten in die Hand gehen, aber der Grund, warum Sie in die Hand gehen , ist nicht das Geschichtenerzählen, sondern weil es mehr ist praktisch für Sie und das ist eine falsche Wahl. Der Grund, warum ich das sage, ist, dass dies ein Fehler ist, der oft gemacht wird. Ich habe es viel zu oft bei kleinen Produktionen gesehen, bei denen sie anfangen, auf einem Stativ zu drehen, aber im Laufe des Tages beginnen sie, Handaufnahmen zu machen, um Zeit zu sparen und schneller zu sein. Überlegen Sie, welche Filmtechnik Ihrer Geschichte oder Ihrem Projekt am besten zugute kommt. Kommen wir nun zum Schwenken und Kippen. Es ist wichtig, dass Sie üben, um eine solche Bewegung reibungslos zu starten. Wenn Sie zum Beispiel mit einem Pan angefangen haben, müssen Sie weitermachen. Es sieht nicht gut aus, wenn du siehst, wie du dich anpasst. Wenn Sie feststellen, dass Sie zu schnell fahren, einfach langsamer, bis das Motiv aufholt. Obwohl es so einfach erscheint, das Schwenken und Kippen muss das Schwenken und Kippen geübt werden. Hier ist der beste Weg, das zu tun. Nimm neun Blatt Papier und hänge sie an die Wand. Jedes Papier ist von 1-9 nummeriert. Zoomen Sie jetzt hinein. Sie haben nur ein Papier im Rahmen. Die Idee ist jetzt, damit zu beginnen von einer Zahl zur anderen zu wechseln. Versuchen Sie, glatt zu beginnen, setzen Sie eine solide Bewegung fort und stoppen Sie, ohne Ihren Rahmen neu einstellen zu müssen. Danach machst du dasselbe auch beim Kippen. Wenn Sie sich bereit fühlen, gehen Sie seitwärts und schwenken und kippen Sie gleichzeitig. Jetzt ist es wirklich gut , wenn jemand anderes hinter dir steht und eine Nummer ruft. Auf diese Weise ist es eher eine Überraschung und Sie lernen schneller zu handeln und gleichzeitig eine reibungslose Bewegung beizubehalten. Experimentieren Sie auch mit verschiedenen Reibungsniveaus. Langsame Bewegungen hatten eine viel größere Reibung sodass Sie sehr sanfte Bewegungen ausführen konnten. Wenn Sie schneller fahren möchten, müssen Sie die Reibung verringern und versuchen, eine gute Reibungsstelle zu finden, die sich sehr glatt anfühlt , aber schnelle Schwenk- und Neigebewegungen ermöglicht . Reibungsgrad muss nicht sowohl für die Pfanne als auch für die Neigung gleich sein. Tatsächlich ist es manchmal eine persönliche Präferenz, bei jemand gerne eine höhere Reibung hat, jemand anderes vielleicht nicht. Das Reibungsniveau könnte auch komplett abgeschaltet werden. Wir haben darüber gesprochen, auf einen losen Kopf zu schießen. Natürlich werden Sie viel mehr Verwacklungen sehen, aber genau das wollen Sie. Eigentlich ist es eine Möglichkeit, Handaufnahmen zu machen, aber es ist eine kontrolliertere Handbewegung da das Stativ an einem festen Punkt verankert ist. Machen Sie die Schwenk- und Neige-Übungen gut mit einem lockeren Kopf und versuchen Sie, sanfte Bewegungen auszuführen. Wenn Sie anfangen und aufhören, wird es auf jeden Fall viel schwieriger. Schießen auf einem losen Kopf gibt Ihnen auch die Möglichkeit, besser zwischen den halbsynthetischen Schüssen und den schwereren Bewegungen zu wechseln besser zwischen den halbsynthetischen Schüssen . Es ist auch einfacher, jemandem auf einem Stativ zu folgen , während Sie dieses Handgefühl haben , oder Sie können es als faule Handaufnahme sehen, aber sehen Sie es nicht so negativ an. Es ist nichts Falsches daran, auf einen losen Kopf zu schießen. In der Tat hat es seine eigenen Vorteile. Gehen Sie jetzt raus und üben Sie Ihre Stativbewegungen mit dieser Neun-Papier-Technik. Ich freue mich darauf, Sie in der nächsten Lektion wiederzusehen. 27. Das Kamerafrei: Es gibt grundsätzlich zwei Arten von Kameras. Sie haben, die Kinokameras, diese sind normalerweise sehr groß und haben eine Menge frecher Strenge und wie Giebel, die überall herausragen. Dann hast du die Videokamera, genau hier. Videokameras haben normalerweise eine gute Ergonomie und alles ist eingebaut. Es funktioniert sofort nach dem Auspacken. Videokameras oder Camcorder gibt es in kleinen, aber auch in großen Größen. Das haben wir schon früher bei dem da drüben gesehen. Im Wesentlichen sind sie gleich. Ein Zugangscode für Brick Debt Films ist Audio. Aber dann kam eines Tages dieser kleine Kerl hier mit der Spiegelreflexkamera oder Fotokamera, die anscheinend ziemlich hochwertige Videos auswählen kann. Es besteht die Möglichkeit, dass Sie eines davon haben. Aber wo passen diese Kameras zu den Kinokameras, den Videokameras oder etwas dazwischen? Nun, es sind nicht wirklich Videokameras, es sind Fotokameras und nicht wirklich Kinokameras weil wir den Unterschied betrachten. Wir haben also ihre eigene Kategorie. mittlere Kategorie bedeutet jedoch tatsächlich mehr für die Kinokameras. Diese beiden Dinge sind ziemlich ähnlich. Ich weiß, dass es verrückt ist, aber denken Sie daran, dass Videokameras sofort funktionieren , während Spiegelreflexkameras nicht wirklich funktionieren, oder es hängt von Ihren Bedürfnissen ab. Zum Beispiel ist das ergonomisch gesehen nicht großartig. Sie haben auch kein verwendbares Mikrofon, oft müssen Sie zuerst in die Einstellungen eintauchen, wir ändern eine ganze Reihe von Dingen, damit es für Videos besser funktioniert. Das Display ist sehr klein. Hier gibt es kein High Cap, wie es bei der Videokamera der Fall ist. Ich habe nicht einmal alle Spiegelreflexkameras die Fähigkeit, Anzeige richtig zu kippen oder zu schwenken, obwohl das meistens ein Problem mit der ersten Generation dieser Kameras war . Wenn man bedenkt, dass Spiegelreflexkameras eher zu Kinokameras tendieren, weil es sich bei diesen Kameras im Wesentlichen um Würfel handelt, die nicht viele Funktionen wie diese hier bieten. Es ist die rote digitale Kinokamera Hollywood - und High-End-Produktionen gefilmt werden. Aber wenn du dieses Ding aus der Box nimmst, kann es nichts bewirken. Es hat nicht einmal ein Display. Verdammt, es hat nicht einmal die Möglichkeit, eine Batterie daran anzuschließen. Klingt sehr seltsam, aber die Idee ist, dass Sie diese Kamera nach Ihren eigenen Bedürfnissen ausbauen. Ich kann ein Display kaufen und es an diesem Ziegelstein anbringen, aber das bedeutet, dass ich eine Art Display bekommen kann , das mir gefällt. Und lassen Sie uns darüber sprechen, was der Hersteller mir gibt. Das unterscheidet sich stark von einer Videokamera, bei der alles eingebaut ist. Eine Kinokamera kann viele verschiedene Konfigurationen annehmen . Wenn Sie alleine fotografieren, ist diese Konfiguration möglicherweise kompakt. Hier haben wir also ein Objektiv, ein Display und den Baustellengriff sowie eine große Batterie. Das war's. Aber ich kann es auch zu etwas Größerem ausbauen, was mir mehr Kontrolle bei der Arbeit mit einem Team gibt. Und sie werden hier jede Komponente durchgehen, aber es sieht ungefähr so aus. Und da den meisten Spiegelreflexkameras auch diese Art von Funktionen fehlen, können Sie dieselbe Einschätzung finden wo Kinokameras benötigt werden, aber dann für Spiegelreflexkameras. Um Ihnen eine Vorstellung zu geben, kann ich einen oberen Griff an meiner Kinokamera anbringen , was ich an meiner Spiegelreflexkamera nicht tun kann. Aber wenn ich es in einen Käfig stecke, erhalte ich mehr Montagemöglichkeiten, einschließlich der Option , einen oberen Griff hinzuzufügen. Sie werden solche Schweregrade für Camcorder am besten beurteilen, weshalb seine Spiegelreflexkameras so besonders sind. Ein ganz neuer Markt ist explodiert und Sie werden viele Marken finden die solche Schweregrade bewerten. Es sind sogar verrückte Konfigurationen möglich, wodurch Ihre kleine Spiegelreflexkamera wie eine große Hollywood-Produktionskamera aussieht . Aber egal, ob Sie Ihrer Spiegelreflexkamera den geringsten Schweregrad hinzugefügt oder sie groß ausgebaut haben, wir sprechen immer über die Entwicklung eines Kamera-Rigs. Es ist nicht notwendig, aber ein gutes Rig macht die Sache definitiv einfacher und es gibt keine Regeln, wenn es darum geht, ein Rig zu bauen. Also teile ich meine persönliche Vorstellung davon mit. Und das beginnt mit dem Käfig, mit dem Sie einen oberen Griff montieren einen oberen Griff ein Mikrofon besser anbringen können. Dies ist das Herzstück des Rigs. Auf der Unterseite könnten Sie sich für einen Satz 15-Millimeter-Stangen entscheiden. Diese sind Industriestandard und ermöglichen es Ihnen, Dinge wie eine Schüssel mit Fokus anzubringen. Dieses Ding gleitet auf die Felsen und ermöglicht es Ihnen, den Fokusring leichter zu steuern, oder mehr könnten Sie einen Seitengriff durch diese Stangen oder vielleicht sogar eine Medbox hinzufügen . Dies ist sowohl nützlich, um Licht als auch leichte und Filter wie diesen ND-Filter auszublenden. Denken Sie daran, dass solche rechteckigen Filter nicht benutzerfreundlicher sind. Ich würde bei den Schrauben bleiben. MED-Box ist in rechteckigen Filtern, die häufiger in der Studioproduktion verwendet werden , wo Sie mit einer ganzen Crew arbeiten. Wie auch immer, und externes Display ist keine schlechte Idee. Ein größerer Monitor ist immer schöner und es stehen viele Optionen zur Auswahl. Mit diesem ersten Käfig kann ich auch die Batterie anschließen. Und dann sitzt hier ein Teller. Es gleitet auch auf die 15-Millimeter-Stangen. Ich kann eine große Batterie daran anschließen, die sowohl die Kamera als auch den externen Monitor mit Strom versorgt. Eine große Batterie wie diese gibt mir fast den ganzen Tag Strom. Das ist also mein persönliches Rig. Es ist kompakt und fügt eine ganze Reihe zusätzlicher Funktionen hinzu, die ich möchte. Aber wo führt dich das hin? Vielleicht stecken Sie jetzt bei der Frage [unverständlich], was empfehlen Sie mir jetzt? Das ist leider sehr schwer zu beantworten, denn abgesehen von den vielen verschiedenen Optionen, die Sie haben, gibt es auch einen großen Preisunterschied zwischen diesen verschiedenen Marken, und das ist warum ich in einer solchen Klasse keinen Rat geben kann. Ein wichtiger Ratschlag, den ich Ihnen geben kann, ist jedoch , einfach anzufangen. Kaufen Sie niemals ein komplettes Rig und tätigen Sie niemals eine große Investition. Beginnen Sie mit einem Kamerakäfig und einem oberen Griff. Überzeugen Sie sich selbst, welche Funktion Sie möglicherweise noch vermissen, und kaufen Sie diese Dinge später, oder das könnte vielleicht ein externer Monitor sein. Aber denken Sie gut darüber nach, ob Sie noch einen großen oder einen kleineren Monitor benötigen einen großen oder einen kleineren Monitor oder nicht. Vielleicht was für ein Nachtclub. Sie sehen, dass die Möglichkeiten endlos sind. Nehmen Sie sich also Zeit, um zu recherchieren, aber auch, um Ihre eigenen Bedürfnisse kennenzulernen. Wahrscheinlich würde sich alles, Produkte und Marken ändern. Wenn Sie mich heute bitten würden , nach einem neuen Rig zu suchen, müsste ich erneut das Internet durchsuchen , um zu sehen, was sich geändert hat. Und ob es ein neues innovatives Produkt oder eine neue Marke auf den Märkten geben könnte . Aber zumindest hat man jetzt eine Vorstellung von den Spiegelreflexkameras, was ein Kamera-Rig ist und wofür es gedacht ist. Ich hoffe also, dass Sie aus dieser Lektion etwas gelernt haben. Wenn Sie möchten, können Sie in der folgenden Diskussion immer um Rat fragen und vielleicht erklären, welche Art von Dreharbeiten Sie machen und wie hoch Ihr Budget ist. Und ich werde sehen, was ich dir empfehlen kann . Danke fürs Zuschauen. 28. Das Gimbal: Man sagt, Filmemachen sei ein teures Hobby oder ein Job. Das stimmt nicht. Das Problem ist, dass es sich anfühlt, als wären wir in einem Süßwarenladen, wenn wir in einen Kameraladen gehen . Du brauchst nicht all das zusätzliche Zeug, aber du willst es wirklich, und der Gimbal ist wahrscheinlich eines der beliebtesten Extra-Tools das niemand braucht, aber jeder kauft. [GELÄCHTER] Vielleicht hast du schon einen oder du hast deine Augäpfel auf einem und wenn du noch nicht an einen Gimbal gedacht hast, glaub mir, dieser Moment wird kommen. Was ist ein Gimbal? Es ist ein Gerät, in das Sie Ihre Kamera stecken , und wenn Sie sie einschalten, werden die Motoren versuchen , Ihre Kamera ruhig zu halten. Das bedeutet, dass Sie herumlaufen können, Ihre Kamera jedoch eine sanfte Bewegung durch die Szene beibehält . Sie sind sehr erschwinglich geworden, weshalb viele Filmemacher gerne mit ihnen zusammenarbeiten. Genau wie bei Kameras auch Gimbals in verschiedenen Formen und Größen. Sie haben Gimbals für Telefone oder die großen für schwerere Kinokameras konzipiert . Aber die Prinzipien sind immer dieselben. Obwohl es zwei verschiedene Designs gibt, haben Sie die Stick Gimbals und die hängenden Gimbals. Stick Gimbals können mit einer Hand bedient werden und sind kleiner , was sie reisefreundlicher macht. Hängende Kardanringe müssen mit zwei Händen bedient werden und sind breiter. Solche Gimbals sind einfacher zu bedienen, da das Gewicht an der Unterseite hängt, diese Lollipop-Gimbals haben ihr Gewicht über Ihrem Griff, sodass mehr Erschütterungen auftreten. Natürlich wird dieser Shake durch den Gimbal selbst reduziert, sodass er nicht so auffällt. Jetzt gibt es auch Hybriden , mit denen Sie einfach zwischen dem Stick- und Hängedesign wechseln können. Das gibt Ihnen einen Eindruck von dem Gimbal , das es auf den Märkten gibt. Aber wie bedienen wir eines davon richtig , wie bei allem, es erfordert Übung, aber es gibt bereits ein paar Dinge, die Sie als Anfänger beachten können. Erwarten Sie zunächst nicht, dass der Gimbal Ihre Kamera perfekt ruhig hält. Es gibt keine Auf- und Abwärtsstabilisierung es sei denn, Sie erhalten eine davon mit einer Art Feder. Gehen Sie immer mit leicht gebeugten Knien und versuchen Sie, Ihre Zehen zuerst auf den Boden zu legen. Wenn Sie schneller gehen oder laufen , ist es viel schwieriger, zuerst die Zehen nach unten zu legen. In einem solchen Fall wird Ihr Arm wichtiger, sehen Sie Ihren Arm als natürliche Feder. Biegen Sie es in einem 45-Grad-Winkel und halten Sie es locker. Bewege deinen Körper und deine Arme getrennt. Sie sollten versuchen, Ihre Kamera auf einer festen Höhe zu halten. Es ist jedoch auch wichtig, den Arm leicht auf und ab zu bewegen , um die Unebenheiten Ihrer Schritte zu erfassen. Jetzt erfolgt das Biegen und Neigen entweder automatisch durch Drehen des Gimbals oder es kann über einen Joystick gesteuert werden. Dieser Joystick ist jedoch keine gute Idee. Sie haben eine viel genauere Kontrolle über die Bewegung, wenn Sie den Gimbal einfach drehen in die richtige Richtung lenken. Diese Lenkung muss reibungslos erfolgen, genau wie Sie auf einem Stativ spannen oder kippen würden, es leicht drücken, die Motoren ihre Arbeit machen lassen und langsam anhalten. Drücken Sie niemals einfach den Kardanring , um eine schnelle Bewegung auszuführen. Lassen Sie uns abschließend darüber sprechen, wo ein Gimbal verwendet wird und wo nicht. Die Idee des Gimbals ist es, herumzulaufen, wenn Sie vorhaben, an derselben Stelle zu stehen und entweder in die Hand zu gehen oder von einem Stativ aus zu schießen. Gimbals wurden entwickelt, um den Raum, Wanderwege, Objekte oder Wände zu erkunden und große Tiefe in der Szene zu zeigen. Scheuen Sie sich nicht, auch mit vertikalen Bewegungen zu experimentieren. Nutze den Raum um dich herum, gehe durch ihn und finde interessante Blickwinkel. Das Gimbal ist wahrscheinlich eines der dynamischsten Werkzeuge, also benutze es auch auf dynamische Weise. Das ist auf den Punkt gebracht, worum es beim Gimbal geht und wie man einen benutzt. Jetzt könnte allein der Gimbal eine eigene Klasse gebrauchen. Ich habe nur an der Oberfläche gekratzt, aber zumindest hast du eine Einführung. 29. Der Slider: Obwohl ich stundenlang über verschiedene Kamerawerkzeuge und -zubehör sprechen könnte , werde ich in dieser letzten Lektion die Liste mit dem Kameraslider beenden . Das ist übrigens mein allererster Slider, den ich bekommen habe, als ich gerade mit dem Filmemachen angefangen habe. Kameraslider sind sehr einfache Geräte, eine Schiene und eine Plattform , die Sie auf dieser Schiene von links nach rechts schieben können , fertig. Jetzt sind sie seit meiner Zeit nicht mehr so beliebt . Ich denke, der Gimbal hat viele verschiedene Werkzeuge übernommen , wie auch den Jib, die ich in dieser Klasse nicht eingehen werde. Der Slider ist jedoch immer noch etwas, das gerne Aufmerksamkeit schenkt, da er sehr unterschätzt wird. Wo ein Gimbal schnellere Bewegungen ausführen muss und es normalerweise etwas rauer ist, ist ein Slider sehr präzise. Sie können langsame Bewegungen ausführen und dabei diese sanfte Bewegung beibehalten. Schieberegler könnten sogar mit einem Motor ausgestattet sein , mit dem Sie bei einer viel kontrollierteren und präziseren Bewegung noch langsamer fahren können. Das ist der große Unterschied zwischen einem Gimbal und einem Slider. Wenn Sie Produktvideos aufnehmen, ist ein Schieberegler eine großartige Option, da Ihr Motiv klein ist und normalerweise auf einem Tisch liegt die kleinste Kamerabewegung sichtbar ist. Ich habe die ganze Zeit auf einem Slider geschossen. Dieser hier vor allem , weil er sehr filmisch ist. Das eignet sich hervorragend für Unternehmen, Werbespots, Kurzfilme oder irgendetwas davon. Schieberegler können auf einem Tisch oder auf dem Boden platziert werden , sodass Sie Aufnahmen mit sehr geringem Winkel machen können. Wir könnten es aber auch direkt auf ein Stativ montieren und das eröffnet eine ganz neue Welt. Wir benötigen einen zweiten Kopf, um oben auf dem Schieberegler zu montieren. Ich würde eigentlich vorschlagen, dass Sie sich einen Fotokopf zulegen, weil er schwenken, kippen, aber auch rollen oder geneigt werden kann . Sie sehen, wir können auf einem Schieberegler seitwärts gehen oder wir können die Kamera vorwärts und rückwärts schieben. Dies wird übrigens als Track-In- oder Track-Out-Shot bezeichnet. Aber hier fängt es an interessant zu werden. Wir können diesen Schieber neigen, da wir ihn sowieso auf einem Stativ montiert haben. Hier sind diese Fotoköpfe praktisch, da wir die Kamera auf die dritte Achse ausrichten können . Wir können jetzt Ausleger- oder Liftbewegungen ausführen, die auf und ab gehen. Etwas, das ich so oft gemacht habe, weil mir diese Aufnahmen wirklich gefallen haben. Jetzt können wir eine zusätzliche Bewegung hinzufügen. Da der Schieber auf einem Stativ montiert ist, können wir damit schwenken diese leichten Bewegungen ausführen. Sie können Objekte umdrehen. Dies funktioniert besonders gut bei Produktvideos , bei denen Sie sich in einem Bogen um das Produkt drehen möchten. Denken Sie daran, dass Sie das Videostativ und einen Schieberegler zusammen haben . Durch die Kombination dieser beiden können Dutzende verschiedener Bewegungen verfolgt werden. Bewegungen, die entspannt, dynamisch, kontrolliert, präzise sind und sehr filmisch wirken. Das war's für Kameraslider und ich habe euch jetzt so viel andere Kameraausrüstung gezeigt , dass ihr euch vielleicht immer noch fragt, warum wir die Kamera bewegen müssen. Das zeige ich Ihnen gerne in der letzten Lektion dieser Klasse, Creating Depth. Das ist die ganze pure Essenz der Kinematographie und auch die nächsten Schritte in die fortgeschrittenen Techniken des Filmemachens. 30. Tiefen erstellen: Sie haben wahrscheinlich schon von dem Wort Kinematographie gehört . Es ist eine bildende Kunst, und ein Filmprojektor ist auch ein Kameramann, und ihre Aufgabe ist es, kreative Entscheidungen sowohl für die Kamera als auch für die Beleuchtung zu treffen. In kleineren Projekten könnten sie auch der Kameramann sein, aber meistens berühren sie die Kamera nicht. Der Kameramann macht das und hört zu, worum der Kameramann sie bittet. Bisher haben wir in diesem Kurs die Grundlagen des Filmemachens gelernt. Im Moment haben Sie ein technisches Wissen , das Sie zu einem großartigen Kameramann macht. Sie wissen, wie man die Kamera richtig einrichtet ein schönes akademisches Bild des Objekts macht. Sie verstehen, als ein Kameramann Sie bat , in der Hand statt auf einem Stativ zu fotografieren. Sie wissen, wie ein Stativ funktioniert und warum Sie ein Gimbal verwenden sollten oder nicht. Die Rolle des Kameramanns geht darüber hinaus. Visuelles Geschichtenerzählen durch Beleuchtung, Kamerarahmen und Bewegungen, Erzählen von tausend Worten durch eine Kameraaufnahme und vor allem, Schaffung von Tiefe. Tiefe schaffen, damit fängt alles an. Es ist das nächste Kapitel in Ihrer Karriere als Filmemacher. Ich könnte einen neuen Kurs darüber machen, bis dahin ist hier eine Einführung. Was viele Leute vergessen, ist, dass das Video zweidimensional ist, es ist flach. Man könnte ein Video auf ein Blatt Papier projizieren , so flach ist das Video. Verstehen Sie mich nicht falsch, wir fangen eine 3D-Welt ein, aber wir betrachten sie auf einem 2D-Bildschirm. Deshalb ist es so wichtig, Tiefe zu erzeugen , damit wir die zweidimensionale Welt auf der 2D-Ebene zeigen können . Eine Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, einfach Kamerabewegungen hinzuzufügen. ob Sie in der Hand sind, auf einem Gimbal oder auf einem Slider schießen. Sie bewegen die Kamera durch die Szene, und so sehen wir eine Parallaxe. Mit anderen Worten, das Publikum erhält ein besseres Verständnis für den Raum, in dem sich die Kameras befinden. Eine andere Möglichkeit, etwas mehr Tiefe zu erzeugen, besteht darin, die Vordergrund- und Hintergrundobjekte unscharf zu machen. Wir öffnen die Blende, der Fokusbereich wird kleiner und der Hintergrund wird verschwommener. Wir könnten sogar ein Objekt in den Vordergrund stellen , um die gleichen Ergebnisse zu erzielen. Wir können uns diese Aufnahmen jetzt in drei Schichten ansehen. Die Vordergrundobjekte, die Subjekte und die Hintergründe sind voneinander getrennt. Das schafft Tiefe. Framing ist ein weiteres Werkzeug , um mehr Tiefe zu erzeugen. Angenommen, wir haben alles im Fokus und fotografieren von einem Stativ. Die Art und Weise, wie Sie Ihre Szene oder Motive einrahmen , kann sie flach erscheinen lassen oder Tiefen zeigen. Ich habe zufällig eine ganze, ganze Klasse über filmische Kamerarahmen in der ich das Auschecken nur empfehlen kann. Ich werde hier in den Klassennotizen sowie in einer Klassenbeschreibung live verlinken . Jetzt, ohne auf Details einzugehen, können wir Licht und Schatten verwenden, um die zweidimensionalen Rollen viel besser darzustellen. Farben und Kontrast so viele verschiedene Arten, Tiefen zu erzeugen. Jetzt ist es nicht notwendig , dass Sie auf jede mögliche Weise Tiefe erzeugen . Sie wählen eine oder zwei Techniken aus, solange Sie aktiv nach mindestens einer Möglichkeit suchen , mit jedem Schuss Tiefe zu erzeugen. Das bringt mich zum Ende des Unterrichts. Jetzt habe ich noch eine letzte Abschlussstunde übrig, also geh noch nicht. 31. Schlussbemerkung: Lassen Sie uns jetzt mit einem großen Applaus für sich selbst beginnen. Herzlichen Glückwunsch zum Abschluss dieses Kurses. Sie haben jetzt ein solides Verständnis dafür , wie professionelles Filmemachen funktioniert. Das Fundament ist da und Sie sind bereit, weiter darauf aufzubauen. Jetzt habe ich ein paar Kurse für Fortgeschrittene , die ich Ihnen nur empfehlen kann. Links zu diesen finden Sie in der Beschreibung dieser Klasse sowie hier in den Klassennotizen. Aber gib ihm doch etwas Zeit. Wie schon oft erwähnt, braucht das Filmemachen Übung Gehen Sie also raus und drehen Sie, implementieren Sie die Techniken, die Sie aus diesem Kurs gelernt haben, aber ich wage Sie auch zu experimentieren. Fehler machen, lernen Sie, was funktioniert und was nicht. Irgendwo in der Hälfte dieser Klasse habe ich dich gebeten, ein kurzes Video mit Drehbuch zu machen. Wenn Sie das noch nicht getan haben, dann ist jetzt der richtige Zeitpunkt. Erstellen Sie ein Storyboard für sich selbst, damit Sie genügend Zeit haben , über die verschiedenen Techniken nachzudenken , die Sie implementieren möchten. Planen Sie Ihre Aufnahmen und schauen Sie sie sich vielleicht erneut mit den Lektionen an, während Sie das tun. Eine gute Vorbereitung bedeutet , dass Sie sich während der Aufnahme auf andere Dinge konzentrieren können, z. B. auf die Kameraeinstellungen. Machen Sie ein kurzes Video, ein Produktvideo, eine einfache Aktion von jemandem, der Kaffee kocht, oder vielleicht einen Mini-Kurzfilm. Du musst es nicht so oft bearbeiten, setze die Aufnahmen einfach in eine Sequenz und veröffentliche deine Arbeit hier , damit ich Feedback geben kann. Ich wünsche dir viel Glück damit, viel Spaß und Vergnügen, und dann schätze ich, dass es vorerst auf Wiedersehen heißt. Es sind immer sehr schwierige Momente. Geh jetzt, sei frei, suche deine eigenen Wege im Leben. Versprich mir nur eines, vergiss mich nie, besonders wenn du der Kameramann an sehr großen Hollywood-Set bist, dann hoffe ich, dass du immer noch an mich denkst. Wie dem auch sei, vielen Dank, dass du Jungs zugesehen hast. Es war eine wahre Freude, Ihnen diesen Kurs zu geben, und wie wir immer sagen, bleiben Sie kreativ.