Farbtheorie für Charakterdesigner: Tipps und Tricks

1. Einführung: Die richtige Farbe am richtigen Ort kann eine Zeichnung zum Leben erwecken. Aber wenn du aus deiner eigenen wilden Phantasie arbeitest, weißt du, wo alles passieren kann. Es wird wirklich schwer, die richtige Farbe und den richtigen Ort zu finden. Egal, ob Sie eine Emotion ausdrücken oder etwas beschreiben möchten, für das Sie keine Worte haben, Sie brauchen einen Plan, wenn Sie durch die Welt der Farbe navigieren möchten. Hey, ich bin Myrie Marks, ich bin Cartoonist und Illustrator und Farbe war schon immer ein großer Teil davon, wie ich eine Geschichte erzähle. Ich verbringe viel Zeit damit, darüber nachzudenken und zu lesen, warum und wie Farbe funktioniert und viel mehr Zeit in Photoshop sitzt, Mischen und Passenden von Mustern. Jedes farbbasierte Projekt ist eine Suche nach dieser speziellen Kombination aus Farbton, Sättigung und Wert. Diese Klasse ist meine ganz besondere Mischung aus Theorie und Praxis. heißt, ich werde einige Geschichten und Bilder teilen, um Ihre Gedanken in Bewegung zu bringen und das mit einem charakterbasierten Projekt zu verfolgen , das Sie in Photoshop besser als je zuvor mischen und abgleichen lassen wird. Am Ende werden Sie intelligenter und schneller arbeiten, und vor allem werden sich Ihre Zeichnungen lebendiger anfühlen. Es ist an der Zeit, sich in deinen Mustern verloren zu fühlen. Lassen Sie mich Ihnen helfen, Ihren Weg durch diese verrückte Welt aus Farbe, Malerei, Paletten und Photoshop zu finden. 2. Kursübersicht: Sie sitzen dort vor Ihrem Bildschirm mit Ihren Zeichenwerkzeugen in der Nähe. Nun, bevor wir es erreichen, lass mich dir sagen, was du von dieser Klasse erwarten kannst. Es sind wirklich zwei verschiedene Hälften. In der ersten Hälfte habe ich eine Lektion geplant, um dich auf neue und aufregende Weise über Farbe nachzudenken. Wir beginnen mit einem Blick darauf, wie Künstler durch die Geschichte den Kern unserer Beziehung zur Farbe beeinflusst haben. Dann gehen wir in die zeitgenössische Welt unseres InDesign, um einige meiner bevorzugten, nicht malerischen Inspirationen zu betrachten. Das führt uns zur Hauptkunstform der Klasse, Cartooning. Ich werde die einzigartige Art und Weise teilen, wie Cartooning die Sprache der Farbe verwendet, und dann werden wir uns ansehen, wie moderne Karikaturisten Farbe für ein bestimmtes Projekt stilisieren. Dann kommen wir zur zweiten Hälfte des Kurses, dem Klassenprojekt. Die Aufgabe, durch die ich Sie führen werde, ist die Design-Erstellung und Färbung eines Charakters als elementarer Wächter bekannt, mehr dazu später. Wir werden in Photoshop CS arbeiten, einem Programm, mit dem Sie nur wenig vertraut sein müssen, um dieses Projekt zu machen. Ich zeige Ihnen, wie Sie Ihre Datei einrichten und dann schauen wir uns die notwendigen Werkzeuge an , die Sie zum Zeichnen und Färben benötigen, sowie einige super zeitsparende Verknüpfungen an, die Ihren kreativen Prozess reibungslos ablaufen lassen. Dann führe ich Sie durch die konzeptionelle Phase der Gestaltung Ihres Charakters, die die Suche nach Inspiration und erstaunlichen dreistufigen Skizzierprozess und einen kurzen Blick auf das Einfärben einer Karikatur beinhaltet . Dann kommt das Färben. Während des Farbvorgangs überprüfen wir brancheninspirierte Techniken zum Blockieren von Farben, Verfeinerung der Verwendung Ihres Designs und vor allem zur Verwendung von Sättigung und Wert. Dann habe ich ein Bonuskapitel auf zwei coole Farbtechniken, Linienfarbe und Felgenlicht. Ich habe wirklich hart gearbeitet, um Ihnen die richtige Balance zwischen Geist zu geben , erweitert Kunsttheorie, technische Tipps und praktische Schritte, um Ihnen zu helfen, ein besserer Colorist, Illustrator und Geschichtenerzähler zu werden. Ohne weitere Verzögerung, lass uns gehen. 3. Kurseinheit: Geschichte der Farbe Teil 1: Farbe hatte schon immer ein Händchen, um die menschliche Neugier zu spähen. Wenn wir einer Farbe begegnen, erwarten wir tatsächlich, ein Geheimnis darin zu finden, und wiederum eine Bedeutung. Wir können ihm nicht helfen. Es liegt in unserer Natur, Farben zu erforschen. Durch unsere Erfahrungen entwickeln wir Beziehungen zu ihnen. Farbe lehrt uns, wie man in der visuellen Welt lebt. Hört sich das verrückt an? Das glaube ich nicht. Die Welt ist voller Farben. Um mit ihnen allen umzugehen, müssen unsere Gehirne ihre Unterscheidungen erkennen. Durch diese Notwendigkeit schärfen wir unsere Wahrnehmung der Farben Hauptelemente, es ist Verwendung, seine Werte und Sättigung, und wir beginnen, die Eigenschaften der Farbe mit unseren Erfahrungen zu verbinden. Unsere Gehirne sortieren diese Vorstellungen von Farberlebnis. Einige sind als utilitarisch charakterisiert, wie wenn wir die Farbe eines Stoppzeichens erkennen. Einige Begriffe sind als natürliche Beobachtung gekennzeichnet, wie das Erkennen der Farbe des Himmels vor einem Gewitter, und einige Vorstellungen sind emotional, wie eine Farbe zu sehen, die uns an eine Jacke erinnert, die wir als Kind hatten. Während wir Erfahrungen sammeln, vertiefen sich unsere einzigartigen Beziehungen zur Farbe. Die Psychologie der Farbe als Konversation ist alt wie Kunst selbst. Es gibt unzählige Theorien zu erforschen. Aber für mich habe ich immer mit den Vorstellungen von Johannes Itten verbunden, einem Schweizer Expressionisten und vielleicht dem berühmtesten Farbtheoretiker des 20. Jahrhunderts. Itten sah einen großen Unterschied zwischen Farbe als Nützlichkeit und Farbe als Tor zu einer verborgenen Bedeutung. Man könnte vermuten, dass seine Theorie ein wenig tiefer geht, als das Farbrad auswendig zu lernen. Itten glaubte an Künstler, Farbe Ästhetik wird durch eine Kombination von drei Arten von Absicht informiert. Eindruck, Bedeutung, visuelle Beobachtung, Ausdruck, emotionale Darstellung und Beschreibung des Künstlers, Potential der Farbe für symbolische Verstärkung. Diese Theorie hat meine Beziehung zur Farbe wirklich gestärkt und es gab mir eine viel tiefere Wertschätzung für Farben Rolle in der Kunstgeschichte. Ich denke, es gibt viel zu lernen, wenn man die Welt der Farbe auf diese Weise sieht. Nun, ich werde diese Ansicht mit Ihnen teilen. 4. Kurseinheit: Geschichte der Farbe Teil 2: Maler im alten China pflegten lange vor den meisten Zivilisationen eine Beziehung zur Farbe. Als ihre Farbe Gaumen erweitert, so hat die Bedeutung hinter seiner Verwendung. Sie fanden Inspiration in der Welt um sie herum, vor allem im gelben Boden des niedrigsten Plateaus, dem Ursprung der chinesischen Zivilisation. Aus Eindrücken der natürlichen Welt kam ein Ausdruck kultureller Symbolik. Die alten chinesischen Maler verwendeten Farbe, um die Energien der Natur darzustellen. Im Mittelpunkt dieser Theorie stand gelb, eine Farbe, die ausschließlich ihrem Kaiser vorbehalten war. Die Mosaikkunst des Byzantinischen Reiches sollte die Geschichten ihrer heiligen Heiligen bewahren. Diese Verantwortung stellte eine hohe Nachfrage an diese römischen Künstler und ihre Farben. Stellen Sie sich die Raffinesse ihres kreativen Prozesses vor, schauen Sie sich an, wie sie subtile Variationen in Farbe, Licht und Schatten erzeugen. Die Bewahrung dieses Werkes über die Jahrhunderte hinweg sicherte seinen Einfluss auf zukünftige Generationen von Künstlern, insbesondere auf die von der Kirche beschäftigten. Dieser Stil der Mischung von Phantasie, impressionistischer Beobachtung und symbolischer Bedeutung durch Farbe ist die Wurzel so vieler westlicher Kunst. Im 15. Jahrhundert beherrschten die italienischen Renaissance-Maler die Tonalität und die Farbmodulation. Sie malten massive und epische Bilder auf wahnsinnigen Ebenen des Realismus. Während die Symbolik noch an der Wurzel ihrer Kompositionen lag, wurden die Bilder von dekorativen Elementen entfernt, die in früheren religiösen Kunstwerken zu sehen waren. Für mich haben die Gemälde der Renaissance das Gewicht und das Drama einer Szene aus einem Film, aber das war nicht der Höhepunkt realistischer Malerei. Das kam erst, wenn Künstler wie Tizian Mitte des 16. Jahrhunderts begannen, ihre Verwendung von Farbe wirklich zu fokussieren. Titian benutzte Farbe, um den Hauptthemen seiner Kompositionen Charakter und Tugend zu verleihen. Schauen Sie sich die beiden Figuren in dieser Menge von verdrehten Körpern, Lokalisierung und Fokussierung der Farbe war eine brillante Art , Symbolik zu einem realistischen Stil der Malerei zu bringen. Die Farbtheorie der Renaissance hat sich so tief in das kollektive Bewußtsein der Kunstwelt eingebettet . Seit Hunderten von Jahren ist diese Ästhetik das, was die Menschen sich vorgestellt haben, wenn sie über Kunst und Farbe nachdachten. Doch in den 1800er Jahren war die Kultur der Kunst bereit für eine ganz neue Perspektive. 1810 veröffentlichte Johann Wolfgang von Goethe das Buch Theorie der Farben. Goethe war Autor emotionaler Literatur, aber er hatte auch ein gleichberechtigtes Interesse an bildender Kunst und ihrer Beziehung zur Wissenschaft. Dieses neue Buch sollte die Wahrnehmung der Farbe der Welt verändern. Goethes Theorie bemühte sich, die wissenschaftliche Funktion der menschlichen Vorstellungskraft als Reaktion auf das Phänomen von Licht und Farbe zu validieren . Die Wärme der untergehenden Sonne und die Kühle des aufsteigenden Schattens der Erde für ihn waren nicht nur der Bruch des weißen Lichts, sondern auch der poetischen Intuition der Menschheit. Goethes Theorie ist in seiner Version des Farbrades eingewickelt. Auf den ersten Blick scheint es nicht anders zu sein als der rationale Rahmen früherer Farbtheorien. Aber hier hat Goethe jedem Farbfeld allegorische Qualitäten zugewiesen. Rot ist Schönheit, Orange ist Adel, Gelb ist gut, Grün ist Nützlichkeit, Blau ist Gemeinsamkeit und Violett ist das unnötige oder spirituelle. Unnötig zu sagen, die wissenschaftliche Welt fand keinen akademischen Wert in seiner optischen Forschung, aber seine Studien der Farbe bleiben bis heute einflussreich. Es sind nicht nur Künstler, die mit Goethes Farbtheorie in Verbindung gebracht haben. Alle Arten von Menschen waren drauf. Ich denke, dass Technologen John Gage es am besten formulierten, als er sagte: „Goethe argumentierte, dass es keine Farbe in der physischen Welt gibt. Es gibt nur Muster von Licht und Dunkel, und diese Muster sind eine Sensation, die von unseren Seelen hervorgebracht wird.“ 5. Kurseinheit: Geschichte der Farbe Teil: Die Verbindung von poetischer Intuition und Farbwissenschaft ist ein wesentlicher Aspekt jeder modernen Kunstbewegung. In den 1880er Jahren, etwa 70 Jahre nachdem [unhörbares] Buch veröffentlicht wurde, war die Kunstwelt zum Neo-Impressionismus gekommen. Die Künstler dieser Bewegung, wie Henri Edmond Cross, hatten eine tiefe Wertschätzung für die emotionale Kraft der Farbe und ein tiefes Verständnis der optischen Wissenschaft. In gewisser Weise sind Cross' Gemälde des urbanen Lebens Experimente in menschlicher Reaktion auf die Farbe. Seine Arbeit bewies, dass die Vorstellungen von Farbe in der menschlichen Phantasie so stark waren , dass Bedeutung durch vereinfachte Arrangements von bunten Punkten kommuniziert werden konnte . Bald nach Cross haben Monet und die anderen Impressionisten die neo-impressionistischen Theorien abgerissen. Monet betrachtete sich mehr, wenn ein Student des Lichts als ein Student der Farbe. Seine Gemälde suchten zu untersuchen, wie Sonnenlicht die lokalen Töne natürlicher Objekte verändert. Wie die Neo-Impressionisten glaubte Monet, dass das Mischen Pigmenten die Macht der Peer-Farbe bricht und dass die Augen nach visueller Schließung drängen, einen Betrachter zu sinnvollen Szenen führen, die in einem tieferen Sinn für die Rolle des Lichts in der Welt sind. Der französische Künstler Paul Cézanne erweiterte das Renaissance-Ideal der Farbmodulation, indem er es mit dem Einfluss der Impressionisten vermischte. Das Ergebnis waren Gemälde von Darstellungsszenen, die mit übertriebenen Farbeffekten glühten. Cezanne überlagerte subtile Rhythmen kühler und warmer Farben, um die Realität in seinen Bildern zu erhöhen. Die Jahrhundertwende brachte die volle expressionistische Bewegung mit sich. Es sind Originatoren, wie der norwegische Maler Edvard Munch, sahen Farbe als eine Möglichkeit, innere Psychologie darzustellen. Die Expressionisten wandten sich von der Außenwelt ab und begannen, die innere Natur des Menschen zu erforschen , um die oft nicht repräsentierten Emotionen des natürlichen Daseins zu enthüllen. Hier ist ein Zitat von Munch, das die expressionistische Bewegung ziemlich gut zusammenfasst. „ Die Natur ist nicht nur alles, was für das Auge sichtbar ist. Es enthält auch die inneren Bilder der Seele.“ Hilma af Klint war einer der frühesten Maler aus einer langjährigen Tradition der repräsentativen Farbe ausbrach. Sie sagte: „Licht war das erste Phänomen der Welt und es teilt die wahre Natur der lebendigen Welt durch seine Farbe.“ Klint verbrachte ein Leben lang damit, ihre Sprache der Farbe zu entwerfen, männliche Energie mit einer goldgelben und femininen Energie mit einem Eierschalenblau unterscheidet . Ihr tiefes Verständnis der Farbtheorie erlaubte ihr, die Beziehungen menschlicher Energien mit der Harmonie der Natur zu erforschen . Wie af Klint sah Piet Mondrian das Potential der Farbe, die Menschheit mit einer höheren Ebene des Bewusstseins zu verbinden. Mondrian sagte einmal: „Ich möchte der Wahrheit so nah wie möglich nähern und deshalb abstrahiere ich alles, bis ich die grundlegende Qualität der Objekte erreicht habe.“ Mondrian wurde ebenso als Theoretiker beschrieben wie er ein Maler war. Seine Arbeit enthüllte den Grundrahmen der bildenden Kunst entzog sie in Primärfarben, bewusst auf einer Leinwand angeordnet. Durch die Beseitigung der bekannten Ästhetik der Kunst konnte er sich mit einem tieferen Teil der Beziehung des Menschen zu Form und Farbe verbinden. Die Geschichte der Farbe ist wirklich die Geschichte der kreativen Absicht. In jedem Farbbild finden Sie Eindrücke, Ausdrücke in Symbolik, die die Beziehung eines Künstlers mit der Natur ihrer Welt widerspiegeln . Es geht nur darum, tiefer zu schauen. Theorie macht Spaß und alles, aber es ist Zeit, praktisch zu werden. Schauen wir uns an, wie moderne Künstler Farbe verwenden, um die Arbeit zu erledigen. 6. Kurseinheit: Kommunizieren mit Farbe: Um wirklich mit Farbe zu kommunizieren, ist es mir wichtig zu verstehen, wie Künstler, die außerhalb meines Illustrationsfeldes arbeiten , die Arbeit erledigen. Hier sind die Lektionen, die ich von einem Grafikdesigner, Fotografen und Filmproduktionsdesigner gelernt habe . Paul Bacon benutzte Farbe, um Stimmung zu kommunizieren. Der Grafikdesigner Paul Bacon war ein großer Fan des Jazz und baute seine Karriere um seine Liebe zur Musik. Er schuf ikonische Albumkunst für Blue Note Records und andere Jazz fokussierte Impressionen. Als Kind würde ich sehen, wie seine Arbeit ständig in der alten Plattensammlung meines Vaters auftaucht , und ich würde sie durchstöbern in Plattenläden. Für eine ganze Generation wurde Paul Bacons Farbpalette aus blassen Farbtönen und coolen Farben zur visuellen Darstellung der unsichtbaren Klänge von Musikern wie John Lee Hooker, Abby Lincoln und Thelonious Monk. Paul Bacon zeigte mir in sehr jungen Jahren, über die fröhlichen Farben meiner Eric Carle Bücher hinauszuschauen und Farben zu sehen, die für dunklere in komplexen Stimmungen stehen. Vivian Maier benutzte Farbe, um Geschichte zu kommunizieren. Fast 60 Jahre lang lief Vivian Maier ruhig durch die Straßen von Chicago, mit ihrer Kamera fotografierte Farbfotografien. Sie benutzte Farbe, um lebendige kleine Poms zu kreieren. Sie war besonders von Gelb angezogen und die Art und Weise, wie es eine Geschichte hervorrief, drei Fremde mit dem gleichen Sinn für Mode. Ein Straßenläufer, der sich vor einer Kulisse von Senfvorhängen inszeniert, ein verworfener Strauß , der wie ein betrunkener gegen einen Laternenpfahl fiel, ein einäugiger Käfer im frühen Winter, ein Feld von Frühlingspedalen, die das Auge eines geheimnisvollen Künstler. Ich verbringe nicht viel Zeit damit, Fotografie anzuschauen, aber wenn ich etwas sehe, das mir gefällt, fühle ich eine sofortige Verbindung. Vivian Maier erzählt die Art von Geschichten, mit denen ich mich verbinde und ihre Verwendung von Farbe wird immer einen besonderen Platz in meinem Herzen haben. George Conture verwendet Farbe, um Thema zu kommunizieren. Contour Rolle in der Filmindustrie ist nicht so gefeiert wie die eines Schauspielers oder Regisseurs. Seine Aufgabe ist es, eine Welt für einen Charakter zum Bestehen zu entwerfen. Nicht nur das, sondern um sicherzustellen, dass, wenn eine Figur nicht spricht, die Welt um sie herum kommuniziert die Geschichte und das Thema des Films. Im Moment schaust du dir das letzte Filmmaterial aus dem Jahr 2007 an, „Kein Land für alte Männer“. Dieser Film gewann Contour und Academy Award. Hier ist die Geschichte, die ihn auf die Bühne gebracht hat. Als er für Produktionsdesign für die Verfilmung des Autors Cormac McCarthys Modern Western verantwortlich war. Conture musste einen Weg finden, den dunklen Ton von McCarthys Schreibstil visuell auszudrücken. „ No Country for Old Man“ befindet sich in Texas der 1980er Jahre, entlang der US-Mexiko-Grenze. Conture musste eine Farbpalette entwerfen, die die Härte, die Hitze und den Durst der offenen Wüste vermittelte , sowie die Umgebung als Ort am Rande der Zivilisation umrahmt. Seine Lösung war brillant und wie alle brillanten Ideen war die Lösung auffallend einfach. Conture machte ein kleines Gemälde im Stil des expressionistischen Malers Mark Rothko, ein paar Brauntöne, ein Schatten der Ruhe, ein Schatten von Beton und ein Spritzer Blut. Dieses Gemälde etablierte das Thema und setzte einen Ton für die Schauspieler und Regisseure. Versuchen Sie nun, diesen Film zu sehen und nicht den Einfluss dieses Gemäldes auf jeden Rahmen zu spüren. George Conture, Vivian Maier und Paul Bacon sind nur einige der Künstler, die mir das Gefühl geben, dass es möglich ist , etwas Neues und Spannendes mit Farbe zu tun. Nehmen Sie sich etwas Zeit, um sich Ihre Inspirationen anzusehen und zu sehen welche Eindrücke sie in Ihrem eigenen kreativen Prozess hinterlassen haben. 7. Kurseinheit: Farbe und Cartoons: Wenn ich an einem Projekt arbeite, versuche ich immer, diese drei Farbabsichten auszugleichen. Erinnern Sie sich von früher: visuelle Beobachtung, emotionale Darstellung und symbolische Verstärkung. Dies sind die Elemente, die Farbe mächtig machen, aber in meiner Welt der Cartooning, Ich finde, die Kunstform hat ihre eigene Reihe von einzigartigen Stärken, die es zu meiner Lieblings-Art, eine Geschichte zu erzählen. Hier sind, was ich die vier Stärken der Cartoon-Farbe nennen. Cartoons verwenden Farbe, um Attraktivität zu erweitern. Ich habe die zweite Hälfte der 1980er Jahre damit verbracht, viele Cartoons zu sehen, die 80er Jahre Cartoons waren größtenteils Marketing für Spielzeug. Jeder Charakter hatte ein einfaches und lebendiges Farbschema, das es für Kinder leicht machte, zu identifizieren, und natürlich, darauf hinweisen, im Spielzeugladen. Es ist eine effektive Strategie, die wirklich die Art und Weise verändert, wie die Industrie Farbe verwendet, um die Attraktivität ihrer Charaktere zu erweitern. Sie können diese Farbstrategie bei der Arbeit in der Teenage Mutant Ninja Turtle Franchise sehen. Die Ninja Turtles begannen eigentlich als dunkler und brütender Underground-Indie-Comic von Kevin Eastman und Peter Laird. Aber als das Anwesen in ein Kinder-Franchise verwandelt wurde, wurden die Charaktere eine Verjüngungskur gegeben. Beachten Sie, dass die Hauttöne zu einem freundlicheren Grünton wurden, und was noch wichtiger ist, die Einrichtung ihrer ikonischen Farbbandannen. Die Farbauswahl war nicht anders, wie ein Marketing-Team Farbpsychologie einsetzt, um sich mit den Verbrauchern zu verbinden. Leonardo, der Teamleiter, bekommt einen blauen Farbton, eine beruhigende Farbpersönlichkeit, für Loyalität und Respekt steht. Michelangelo, der lustige Party-Typ des Teams, ist orange, eine warme und sympathische Farbe mit einem abenteuerlichen Ton. Donatello, der Erfinder des Teams, ist lila, die Farbe Persönlichkeit der Phantasie. Raphael, der Hitzkopf des Teams, ist natürlich rot, eine Farbe, die mit Kraft und Leidenschaft verbunden ist, eine Farbe, die gleichzeitig mutig und wütend sein kann. Cartoons verwenden Farbe, um fantastische Einstellungen hervorzurufen. europäische Karikaturist, Moebius, verwendete Farbe, um fantastische Welten und geheimnisvolle Charaktere hervorzurufen. Es ist immer eine gute Idee, einen etablierten Künstler zu überprüfen, Muster in ihrer Herangehensweise zu finden und zu verstehen, was ihre Verwendung von Farbe macht. Moebius spielt für mich die charakteristischen Eigenschaften warmer und kühler Farbtöne gegeneinander. Er nimmt vertraute Aspekte unserer Realität und stellt sie so gegenüber, dass sie sich jenseitig fühlen. Die Farbe in seinen Hintergründen, ist oft Farbtöne von lila, blau und grün. Seine Charaktere verkörpern Orange, Gelb und Rottöne. Cartoons verwenden Farbe, um Individualität darzustellen. Cartooning als Kunstform, hat seit den 1980er Jahren einen langen Weg zurückgelegt. Die Comic-Serie Lumberjanes, hat kinderfreundliche Attraktivität, aber es macht große Anstrengungen, um seine Charaktere zu erden, in echten und ausgeprägten Persönlichkeiten. Die Geschichte von Jo, April, Molly, Mal und Ripley, ist mit fantastischen Elementen in Cartoon-Tropes gefüllt, aber in seinem Kern ist das Buch eine kommende Geschichte über fünf junge Frauen. Es sind Menschen mit Familien und Geschichten, Menschen, mit denen man sich tatsächlich in Beziehung setzen kann. Cartoons verwenden Farbe, um narrativen Kontrast zu schaffen. Batman und Joker, sind wahrscheinlich die bekanntesten Helden-Bösewicht Paarungen in der modernen Kultur. Es ist kein Zufall, dass die Verbindung so mächtig ist, betrachten Sie ihre Farbpalette. Batmans Kostüm wurde entwickelt, um Kriminelle einzuschüchtern. Es schafft eine starke Silhouette durch die Verwendung von Schwarz und Grautönen oder manchmal Blau. Normalerweise hat sein Kostüm einen gelben Akzent in der Mitte seiner Brust, in der Tradition der klassischen Primärfarbenhelden, wie Superman. Batman ist ein Symbol der finsteren Gerechtigkeit. Das Kostüm des Jokers ist so ziemlich das Gegenteil, es ist viel belebter und theatralischer. Durch die Verwendung einer Kombination der drei sekundären Farben, Grün, Lila und Orange, ist der Joker ein visuelles Gegenteil des typischen primären farbigen Helden und eine störende Kraft beim Überqueren Batmans scharfe Silhouette. Erzählweise, Batman und Joker sind zwei Seiten der gleichen Münze, und sie sind anhaltende Konflikt gibt jedem Charakter eine kühnere Präsenz auf der Seite. Wenn es um Storytelling geht, ist Farbe ein mächtiges Erzählwerkzeug. Wir können die Persönlichkeit einer Geschichte identifizieren, allein durch ihre Farbpalette. Lassen Sie uns nun ein wenig tiefer darüber nachdenken, wie Farbe unsere Phantasie hervorruft. 8. Kurseinheit: Farbtöne einer Geschichte: Farbe ist ein dynamischer Aspekt des visuellen Geschichtenerzählens. Es wächst und ändert sich mit den Charakteren der Geschichte und ihrer Auseinandersetzung mit ihrer Umgebung. Wir sehen einen animierten Kurzfilm über ein reisendes Skizzenbuch, das von Charakter zu Charakter weitergegeben wird. Ich habe diesen Kurzfilm aus einigen Gründen als Beispiel gewählt. Ein Grund dafür ist dieser malerische Stil, den der Künstler arbeitet und die Farbpalette des Films wirklich hervorhebt. Der zweite Grund ist, dass der Film weder Dialog noch Erzählung verwendet. Ohne dieses gängige Storytelling-Tool muss der Betrachter allein die Geschichte aus den Bildern zusammenfassen. Beobachten Sie, wie die Farbe ständig die Stimmung der Szenen verändert , während das Buch durch die Welt reist. Sie können die erzählerische Kraft der Farbe hervorrufen, indem Sie sie verwenden, um diese drei verschiedenen Aufgaben zu erfüllen. Verwenden Sie Farbe, um die Geschichte zu unterstützen. Verwenden Sie Farbe, um die Persönlichkeit eines Charakters zu beschreiben. Verwenden Sie Farbe, um eine Figur vom Hintergrund abheben zu lassen. Betrachtet man Beispiele für Langform Cartoons Storytelling wirklich hilft mir zu verstehen, wie viel eine Rolle Farbe in den narrativen Künsten spielt. Ich finde eine gute Möglichkeit, Cartoon-Färbung zu studieren ist durch ein Animationsfilm Farbskript. Ein Farbskript ist eine Möglichkeit für Produktionskünstler eine vorläufige Karte der Farbe, Beleuchtung und emotionalen Beats eines animierten Filmskripts zu erstellen . Ein Farbskript wird erstellt, lange bevor der Film in eine endgültige Produktion geht und es sieht ein wenig wie ein langer, wortloser Comic-Strip aus. Ein Farbskript kann externe Story-Beats wie die Unterscheidung zwischen zwei Szenen vermitteln. Es vermittelt auch interne Geschichtenschläge wie den emotionalen Bogen eines Charakters. Hinter jedem großen Cartoon ist ein tolles Farbskript. Es ist eine dieser entscheidenden Phasen des kreativen Prozesses. Der Lektionskünstler konzentriert sich auf die Auswirkungen und Konsequenzen ihrer Farbauswahl. Im nächsten Video werde ich Lu Ramano's Farbskript für Pixars Animationsfilm-App überprüfen. Feine Warnung, ich werde über jeden Punkt der Filme gehen. Also, wenn Sie es noch nicht gesehen haben, können Sie zum nächsten Kapitel springen. 9. Kurseinheit: Farbdrehbuch für Pixars „Oben“: Während ich Sie durch die Handlung Umriss von oben spreche, versuchen Sie, Ihre Augen auf die Farben zu halten, die Lu Romano verwendet, um die Geschichte zu kommunizieren. junge Carl Fredricksen ist in einem Kino und sieht einige alte winzige Wochenschaufel Aufnahmen über seinen Helden, berühmten Entdecker Charles Muntz. Auf einer Reise nach Südamerika entdeckte Muntz einen seltenen Vogel und mit Hilfe seines Trustee Pack sprechender Hunde plant der Entdecker, in die unbekannte Region Paradise Falls zurückzukehren , um den Nachweis des Tieres zu bringen. Auf dem Heimweg trifft der junge Carl Ellie, ein knappes junges Mädchen mit einem Vorgeschmack auf Abenteuer. Sie werden zu schnellen Freunden und Carl verspricht, eines Tages ihren Weg nach Paradise Falls zu fliegen. Wir sehen, wie Carl und Ellie aufwachsen und heiraten. Wir sehen ihre Lebensgeschichte entfalten, als sie ihr Hauspicknick auf einem Hügel reparieren und versuchen, ein eigenes Baby zu bekommen. Das Leben steht ihrer Reise nach Paradise Falls immer im Weg. Schließlich stirbt Ellie und ein älterer Carl wird allein in ihrem Haus gelassen. Auf den heutigen Tag abgeschnitten und wir treffen Carl wieder. Dieses Mal ist ein einsamer, alter Mistkerl. Sein Haus sitzt allein inmitten einer Bauzone, Carl weigert sich, seine letzte Verbindung zu Ellie zu verlieren. Ein Wildnisspäher namens Russell taucht auf und bietet Carl zu helfen. Carl knallt Russell die Tür ins Gesicht. Als das Gericht verlangt, dass Carl sein Haus aufgibt und in ein Seniorenheim zieht, entflieht Carl seinem Schicksal, indem er Tausende Heliumballons an seinem Haus anbringt und allein nach Paradise Falls abzieht, oder so denkt er. Es stellte sich heraus, dass Russell auf der Veranda stand. Das unwahrscheinliche Paar schwebt durch ein böses Gewitter und landet auf einer Klippe gegenüber Paradise Falls. Als Carl das Haus in Richtung der Wasserfälle zieht, schließen sich zwei weitere Charaktere ihrer unwahrscheinlichen Crew an. Kevin, ein riesiger exotischer Vogel, und Doug ein sprechender Hund. Es stellt sich heraus, dass Doug Teil eines Rudels von Hunden ist, die Kevin jagen. Carl und die Bande werden von den Jagdhunden gefangen, die natürlich Carls verlorenen Helden Charles Muntz gehören. Muntz ist ein wenig verrückt nach Jahren weg von der Zivilisation und er ist verzweifelter denn je, Kevin, diesen seltenen Vogel, in die Hände zu bekommen. Muntz fängt Kevin und Carl und Russell laufen dafür. Sie schaffen es zu Paradise Falls, aber Russell ist ziemlich sauer, dass Carl Muntz Kevin erobern ließ. Russell beschließt, zurück zu gehen und den Vogel zu retten. Carl ist wieder allein. Er findet Ellies Kindheits-Abenteuerbuch und eine Notiz drinnen, die ihn ermutigt, auf ein neues Abenteuer zu gehen, jetzt, da sie weg ist. Carl kommt in sein Haus und verfolgt Russell. Carl und Muntz kämpfen auf Muntzs coolem Steampunk-Luftschiff. Carl ist in der Lage, Russell, Kevin und Doug zu retten. Aber leider ist Carls Haus im Kampf losgeschnitten und verdriftet sich. Muntz stürzt in seinen Tod. Als Carl und Russell nach Hause zurückkehren, sehen wir eine letzte Aufnahme von Carl und Ellies Haus, die in Paradise Falls ankommen. Es ist leicht, gutes Geschichtenerzählen als selbstverständlich zu nehmen. Sie haben wahrscheinlich bemerkt, dass emotionale Resonanz wirklich in die Farbpalette eingebacken wird und das Farbskript der erste Schritt ist, um diese Verbindung herzustellen. 10. Kurseinheit: Stil und Charakter: Hier ist ein Zitat von unserem alten Kumpel Goethe, das das nächste Thema zusammenfasst. Für den Rest der Klasse wir uns wirklich auf das Farbstyling konzentrieren. Farbstil ist eine Reihe von Richtlinien, die das Aussehen und das Gefühl einer visuellen Erzählung unterscheiden. Das sind einige Panels von einem meiner Comics namens „The Exploit“. Es ist eine Geschichte, die in der nicht so fernen Zukunft über einen jungen Hacker namens Lang spielt, der versucht, den Klauen ihrer unruhigen Vergangenheit zu entkommen. Ich habe viel Zeit damit verbracht, über den Farbstil für diese Geschichte nachzudenken. Es geht um eine Welt, die zwischen der unordentlichen Komplexität der Realität und der datengetriebenen Gleichgültigkeit der digitalen Landschaft gespalten wird. Ich benutze Farbe, um nicht nur den Ton für eine Zeit und einen Ort festzulegen, sondern auch den Ton für die emotionale Reise des Charakters Langs festzulegen. Farbstil sollte immer auf die Themen des Projekts abspielen. Während wir uns darauf vorbereiten, in unser Klassenprojekt einzusteigen, konzentrieren wir uns immer mehr darauf, wie Farbe einen Charakter wie ein Individuum anfühlt. Schauen wir uns einige Cartoon-Shows an, die meine Arbeit durch ihre einzigartige Herangehensweise an Farbe, Stil und Charakter beeinflusst haben . Wir beginnen mit den Hauptfiguren aus Rebecca Sugars fantastischem Cartoon, Steven Universe. Granat, Amethyst und Perle sind Hüter der Erde. Die Persönlichkeit jedes Charakters in physischer Form wird von einem bunten Edelstein projiziert, der irgendwo in ihrem Körper eingebettet ist. Pearl ist ein anmutiger Speer schwingender Krieger. Ihre blassen Farben haben ein edles Aussehen, aber sie weisen auch auf die Kämpfe hin, die sie mit ihrem Selbstwertgefühl hat. Amethyst ist der lustige, liebevolle Peitsche schwingende Wächter. Ihr Outfit weist auf ihre Vergangenheit als raue Wrestlerin hin, und Granat, die Teamleiterin, ist in kontrastreiche Blockierungen von Rot und Schwarz gekleidet, die mit den gelben Sternen auf ihren mächtigen Stulpen akzentuiert werden. Die Farbschemata jedes dieser Edelsteine hat eine ansprechende Oberflächenebene Ästhetik, aber ihr Zweck geht viel tiefer. Farbe ist ein grundlegender Aspekt der visuellen Erzählung von Steven Universe sowie seiner Charaktere Reisen im Laufe vieler Staffeln und Episoden. Im Laufe der Show lernen wir, dass die Edelsteine miteinander verschmolzen werden können, um neue Charaktere zu schaffen. Sieh dir noch einmal den Edelstein-Anführer Granat an. Ihr Look ist perfekt für einen extra terrestrischen Krieger. Sie projiziert ein echtes Gefühl von Individualität. Später in der Serie, erfahren Sie, Granat ist die Verschmelzung von zwei anderen Charakteren: der mutige und intensiv fokussierte Soldat, Rubin und der Ebene angeführt Aristokrat, Saphir. Die Verschmelzung dieser beiden Persönlichkeiten zeigt, warum Granat so gut positioniert ist, um das Team von Helden zu führen. Durch diese Hintergrundgeschichte erfahren wir, dass Garnets Farbschema das Gleichgewicht ihrer Persönlichkeitsmerkmale widerspiegelt. Die immer vertiefende Geschichte der Edelsteine, ihrer Geschichte und ihrer Beziehungen ist ein großer Teil von Steven Universe Reiz und massivem Fandom. Die Show passt gut in die lange Tradition der kinderfreundlichen, heroischen Cartoon-Tropes, aber es zeichnet sich wirklich durch sein gut geplantes Farbstyling aus , das es ermöglicht, eine Geschichte des kommenden Alters zu vermitteln , die reich an Welt-Building ist, emotionale Komplexität und viel Attraktivität für ein junges Publikum. Als nächstes werden wir uns die Charakterentwürfe von Lisa Hanawalt ansehen. Sie ist Produktionsdesignerin in der Netflix-Show BoJack Horseman. Zunächst einmal ist Lisa Hanawalt eine erstaunliche Illustratorin. Sie hat ein echtes Händchen, um bunte Tiermuster und Mode auf eine wirklich einzigartige Art und Weise zu zerdrücken . Diese Aufmerksamkeit auf die Details des Farbstils und Muster-Stil ist wirklich grundlegend für ihre Shows Welt-Building. Bojack Horseman ist eine Geschichte eines verwaschenen 90er Jahre Sitcoms Star mit seinen menschlichen und anthropomorphen Freunden in Hollywood lebt. Die Geschichte springt durch die Zeit hin und her, und Lisa Hanawalts Verwendung von Farbe und Stil ist wirklich wichtig, wie diese Erzählung fließt und funktioniert. Im Gegensatz zu vielen Cartoons die Charaktere im BoJack-Alter und ihr Aussehen die amerikanische Kultur und den Stil der Zeit wider. Wenn wir einer Figur wie der unruhigen Popstar Sarah Lynn begegnen, unterscheidet sich ihr Aussehen von der Ära, in der wir sie sehen. 2016 Sarah Lynn sieht anders aus als Anfang 2000 Sarah Lynn und völlig anders als Mitte der 90er Jahre Sarah Lynn. Es ist nicht nur die Hauptbesetzung, die einen Sinn für Mode hat. Jeder Charakter, einschließlich aller Hintergrundfiguren in dieser Show, ist deutlich ikonisch. Sie können diese Show an jeder Szene aktivieren und sehen, wie alle Charaktere ihre eigenen kleinen seltsamen Leben leben. Ich werde einige Zitate von Frau Hanawalt lesen während wir durch die Charaktermodellblätter der Show blättern. Aus einem Interview mit Beach Media sagt Hanawalt: „Ich möchte wirklich, dass alles sehr spezifisch aussieht. Ich möchte nur, dass die Dinge einzigartig aussehen und ich möchte über bestimmte Leute nachdenken, die ich kenne. Wenn ich eine Figur zeichne, möchte ich sie auf ein Kleid stützen, das ich gesehen habe, dass ich nicht aus meinem Kopf kommen kann oder wenn ich Raphael, den Schöpfer der Show, frage , was hast du für diesen besonderen Charakter im Sinn? Er wird wie Julia Roberts als Känguru sein. Das ist so ein guter Sprung aus dem Punkt für mich.“ Dieses nächste Zitat stammt aus einem Interview auf peoplemagazine.com. Hanawalt beschreibt die Wahl des Outfits eines Charakters. „ Zuerst habe ich das Drehbuch gelesen. Dann notiere ich Notizen über die Hauptfiguren. Ich beginne immer von denen, die am meisten Spaß zu zeichnen scheinen. Dann ziehe ich Bilder aus Modeblogs, Start- und Landebahn Fotos und meinem Haufen japanischer Modemagazine. Ich liebe es, verschiedene Looks und Farben zu den Persönlichkeiten der Charaktere zu passen“. Dann fragte sie: „Warum denkst du, ist Mode ein wichtiges Element deiner Arbeit?“ Hanawalt sagt: „Mode ist für jedermann. Es geht nicht nur um überteuerte Kleidung und Modelle auf der Start- und Landebahn. Wir alle wählen, was wir jeden Tag tragen, und ich bin an diesen Entscheidungen interessiert. Auch wenn du jeden Tag das gleiche langweilige Hoodie Sweatshirt trägst, ist das eine Entscheidung, die eine Geschichte über dich erzählt.“ Ich liebe das, weil es einen Cartoonist und Illustrator gibt, ich bin ständig auf der Suche nach Wegen, wie meine Zeichnungen sich echt fühlen, ohne die surreale Lebendigkeit einer Cartoonwelt zu opfern. Für mich beweist BoJack, wie Mode, insbesondere Muster, eine Welt echt anfühlen kann. Hanawalts Verwendung von Muster, Farbe und Stil ist etwas, das BoJack wirklich einzigartig macht. Irgendwo da draußen gibt es einen kleinen großen Jungen, der sagt: „Hey, ich bin eine Cartoon-Mode-Ikone seit den 1950er Jahren.“ und dazu möchte ich sagen: „Geh einen Drachen fliegen, Charlie Brown.“ 11. Projekt: Einstellungen, Tools, Tastaturkürzel: Es ist an der Zeit, in den Klassenprojektbereich des Kurses zu gehen. Sie möchten zunächst Adobe Photoshop öffnen. Zum Zeitpunkt dieser Aufnahme arbeite ich in der Creative Cloud-Version 2019. Es ist Ende Dezember 2018. Wenn Sie kürzlich ein Update durchgeführt haben, handelt es sich um dieselbe Version, mit der Sie arbeiten. In diesem Kapitel. Wir bereiten unsere Photoshop-Datei vor, überprüfen einige Tools, und es handelt sich um Verknüpfungen. Beginnen wir mit dem Öffnen eines neuen Dokuments. Ich werde in einem bestimmten Format arbeiten, das für meine Skillshare Klasse eingerichtet ist. Ich verwende 1920 x 1080 HD 300 Pixel pro Zoll. 1920 x 1080 ist eine Auflösung mit einem Seitenverhältnis von 16 bis 9. Es ist äquivalent zu HD-TV-Formaten. Sie können das gleiche Format wie ich verwenden, oder Sie könnten Ihr Verhältnis überarbeiten. Aber ich empfehle, die Pixel pro Zoll mindestens 300 für die Druckqualität zu halten. Bevor wir in Werkzeuge kommen, lassen Sie mich beschreiben, wie ich an meinem Arbeitsplatz sitze. Ich habe mein Zeichentablett direkt vor mir. Es ist ein zweiter Monitor, der an meinen iMac angeschlossen ist. Ich bin Rechtshänder, ich halte meine Tastatur nur links in einer bequemen Reichweite meiner linken Hand, weil es Tastenkombinationen gibt, ich ständig benutze, während ich mit der rechten Zeichnung bin. Der erste Schritt unseres Prozesses, wird es sein, eine schnelle Skizze zu machen, um eingefärbt und dann später gefärbt zu werden. Ich werde zu einem Bleistiftwerkzeug wechseln. Ich fühle mich am wohlsten mit einem nicht fotoblauen Bleistift. Sie könnten mit dem üblichen grauen oder schwarzen Graphit skizzieren. Aber ich mag das Blau, weil es einen schönen Kontrast zwischen dem Blau und dem Schwarz meiner letzten Linienarbeit gibt. Ich benutze Kyle T Websters Kunstpinsel. Sie könnten wirklich alle Standardpinsel verwenden. In der Tat denke ich, dass viele Kyle's jetzt in die Creative Cloud integriert sind. Wenn Sie Photoshop herunterladen, erhalten Sie wahrscheinlich Kyle Websters Satz von Freihand-, Zeichen- und Malpinseln. Wenn Sie die Kyle Webster-Pinsel durchsuchen möchten, können Sie auf die gehen, Holen Sie sich mehr Pinsel Menü und andere Sätze herunterladen, während ich skizziere, und wieder, es gibt ein paar grundlegende Tastenkombinationen, die ich zur Hand halten, um meinen Prozess zu optimieren. Eine davon ist die B-Taste, die die Pinselverknüpfung auf der Tastatur ist. Das EK ist die Verknüpfung für das Radiergummi-Werkzeug. Sie können zwischen den B und E leicht hin und her wechseln. Ich würde vorschlagen, nicht zu besessen. Löschen von Schaltern Zahnrädern und meinen kreativen Prozess, während ich zeichne. Ich würde vorschlagen, den Radiergummi so weit wie möglich zu vermeiden . Ich finde es auch sehr hilfreich, die Pinselgröße während der Arbeit anpassen zu können. Die linke Klammertaste auf Ihrer Tastatur verkleinert Ihre Pinselgröße und die rechte Klammertaste vergrößert Ihre Pinselgröße. Eine weitere Abkürzung, die uns helfen wird, besonders wenn wir in Farbe kommen, ist, die Alt- oder Wahltaste auf unserer Tastatur gedrückt zu halten. Dadurch wird der Zeiger auf den Farbsampler umgeschaltet. Wenn Sie eine schnelle Änderung vornehmen müssen, wählen Sie Ihr Pinselwerkzeug aus und suchen Sie in der aktiven Symbolleiste nach oben, wird ein Schieberegler mit der Bezeichnung Glätten angezeigt. Mit dieser Funktion können Sie beim Zeichnen alle Jitters in Ihrer Linie glätten. Im Schieberegler können Sie einen Wert von 1-100 eingeben. Der höhere Wert, bedeutet mehr Glättung, angewendet auf Ihre Geste. Die Einstellungen des Glättungswerkzeugs sind momentan auf die Standardeinstellung eingestellt. Wenn Sie dieses kleine Zahnradmenü öffnen, werden Sie sehen, dass Sie einen Strichketchup haben und für Zoom anpassen. Kontur-Ketchup bedeutet, dass die Linie ihren Pfad weiter vervollständigt, auch wenn Sie das Zeichnen beenden, möchten Sie dies wahrscheinlich beibehalten. Für Zoom anpassen, wird die Glättung beim Vergrößern Ihres Bildmaterials heruntergefahren. Dadurch erhalten Sie die gesamte Geste Ihres Linienkunstwerks. Ich empfehle definitiv, das weiterzumachen. Die anderen Einstellungen unter dem Zahnrad sind ein Thema für eine andere Klasse, aber es gibt eine Menge Potenzial in ihnen, und wenn Sie das weiter erkunden möchten, empfehle ich googeln, Pinselstriche Glättung in Photoshop CC, um mehr zu erfahren. Glättung kann ein wenig ablenkend sein, während Sie skizzieren, Sie möchten wahrscheinlich, dass es ziemlich niedrig eingestellt ist. Sie können die Glättung im laufenden Betrieb mit der Tastenkombination anpassen, die Wahltaste oder die Alt-Taste gedrückt halten und eine numerische Taste drücken. Sie die Option gedrückt halten und die eine Taste drücken, wird die Glättung auf 10 Prozent eingestellt, und die beiden Tasten sagen, dass Sie auf 20 Prozent glätten und so weiter. Das sind die grundlegenden Werkzeuge und Verknüpfungen, die uns helfen, in Tinte unsere Illustration zu skizzieren. Lassen Sie uns nun darüber reden, Inspiration für diese erste Skizze zu finden. 12. Projekt: Inspiration und Richtlinien: Hier ist ein kurzer Blick auf mein vollfarbiges Klassenprojekt. Die Illustration wurde von den Referenzen von Steven Universe und Bojack Horsemen inspiriert. Wir haben uns im Stil im Charakter Kapitel dieser Klasse angesehen. Bevor wir speziell in die Farbe kommen, müssen wir ein Tintendesign skizzieren, das uns herausfordern wird, die Farbtheorie in der beruflichen Praxiszu nutzen die Farbtheorie in der beruflichen Praxis über die ich in den früheren Teilen dieses Kurses gesprochen habe. Das Thema meines Klassenprojekts ist elementarer Wächter. Sie zeichnen, färben und färben einen humanoiden Charakter, dessen Persönlichkeit und Stil durch natürliche Elemente betont wird. Zunächst brauchen wir einige Referenzbilder, um unser Charakterdesign zu inspirieren. Um mein Projekt mit dem Zitat zu verbinden, das diese ganze Klasse inspiriert hat, schlage ich vor, dass wir alle Nachschlagewerke von Georgia O'Keeffe haben. Warum O'Keefe? Zum einen ist sie eine Künstlerin mit einem umfangreichen Werk, das gut dokumentiert ist. Sie haben eine Menge zur Auswahl. Der andere Grund ist, dass ihre Arbeit ein wirklich breites Spektrum an natürlicher Farbe, Formen und emotionaler Energie abdeckt . Die Chancen sind, dass Sie etwas finden, das Sie inspiriert. Ich denke, sie passt perfekt zu der Klasse und den Themen, die ich darin anspreche. Aber wenn Sie einen Lieblingskünstler haben, der mit der Natur und Farbe auf ähnliche Weise arbeitet , verwenden Sie sie auf jeden Fall als Referenz. In der Tat, Bonuspunkte, wenn Sie eine tolle Künstler verwenden, die ich noch nie zuvor gehört habe. Nachdem ich O'Keeffes Arbeit auf Pinterest für eine Weile durchsucht hatte, ließ ich mich auf diesem Gemälde namens blaue Blume nieder. Ich mag die Formen, die Formen und die Balance von Licht und Dunkel in diesem Bild. Es hat eine Lebendigkeit, aber es hat auch eine Dunkelheit in seiner Mitte, buchstäblich. Ich möchte dieses Klassenprojekt wirklich für alle Ebenen der Zeichenfähigkeiten zugänglich machen. Bevor ich meinen Prozess des Skizzierens dieses endgültigen Charakterdesigns teile, lassen Sie mich einige Richtlinien überprüfen, die sogar einem Anfänger helfen , etwas Cooles zu schaffen. erste Regel des Klassenprojekts ist es, die Proportionen menschlich zu halten. Beginnen Sie mit einem Kreis für den Kopf fügen Sie dann ein Rechteck für den Oberkörper hinzu, das ungefähr die gleiche Höhe wie der Kopf, aber etwas breiter ist. Fügen Sie nun ein Rechteck über die Größe von drei übereinander gestapelten Torsos hinzu. Dies stellt die Abmessungen der Beine dar. Fügen Sie nun zu lange Rechtecke auf jeder Seite hinzu, um die Abmessungen des Arms darzustellen. Trennen Sie die Enden des Rechtecks in Blöcke, an denen sich die Hände befinden. Trennen Sie nun die Beine, Füße und den Beckenbereich. Jetzt haben Sie im Grunde die Proportionen einer Person blockiert und es ist bereit, ein Design innerhalb von zu bauen. Auf dieser Grundform können Sie beginnen, einfache Gestaltungselemente hinzuzufügen, die von Ihrem Referenzbild inspiriert sind. Experimentieren Sie das Formular mit ein paar Zeilen zu brechen, aber verkomplizieren Sie das Design nicht, besonders wenn Sie neu in Photoshop sind, möchten Sie sich Zeit geben, die Werkzeuge in einem einfachen Projekt zu meistern , bevor Sie in Etwas ehrgeizigeres. Verwenden Sie Ihre Tastenkombinationen für B für Pinsel und E für Löschen, arbeiten Sie Ihren Weg durch die Skizze und bringen Sie die Persönlichkeit des Charakters hervor, indem Sie Blüten und einen Punkt der Betonung hinzufügen. Wir brauchen diese unterschiedlichen Eigenschaften des Designs, um darüber nachzudenken, wenn wir gehen, um Farbe hinzuzufügen. Sobald Sie eine Skizze haben, sind Sie ziemlich zufrieden mit, erwägen Sie, Teile des Designs zu blockieren, um eine Vorstellung von dem Potenzial für Kontrast und die letzte Phase der Färbung zu bekommen . An diesem Punkt haben wir eine anständige Skizze, die wirklich funktionieren könnte. Wenn Sie neu im Zeichnen sind , können Sie Ihr Design einfach und nach vorne schauen. Aber wenn Sie ein bisschen eine Herausforderung wollen, skizzieren Sie Ihren Charakter in einer Dreivierteldrehung, es ist die beliebteste Art, eine Zeichentrickfigur zu illustrieren. Dieser Winkel schafft uns mehr Gelegenheit, Lichtquellen in einer späteren Phase unseres Farbdesigns zu nutzen . Wir haben einige einfache und starke Richtlinien für unser elementares Wächter-Projekt. Sie müssen sich nicht selbst bewegen, um eine erstaunliche Skizze und Illustration zu erstellen , halten Sie es einfach. Im nächsten Kapitel werden wir in einen Prozess übergehen, den ich dreistufiges Skizzieren nenne. Ich arbeite auf meinem eigenen Fähigkeitsniveau. Ich bitte Sie nur darum, einen Ort zu finden, an dem Sie sich wohl fühlen und von dort anfangen können. 13. Projekt: Dreistufiges Skizzieren: Dreistufiges Skizzieren ist die Idee, dass drei Iterationen eines Charakterdesigns stärksten Balance zwischen illustrativer Attraktivität und Designklarheit führen. In einer meiner anderen Klassen namens Illustration By Design spreche ich darüber, wie die Prinzipien der Grafik in einer Illustration Gestaltungsklarheit erhöhen können. Dreistufiges Skizzieren ist ein ähnlicher Ansatz zur Kunst. Wirklich, es geht darum, in entscheidenden Phasen Ihres kreativen Prozesses in der richtigen Denkweise zu sein. Die erste Iteration Ihrer Skizze sollte den physischen Typ des Charakters offenbaren. Der Künstler sollte sich auf das Verhältnis und die allgemeine Form ihrer Gestaltungsentscheidungen konzentrieren. Sind die Formen deiner Charaktere weich und schwer? Sind sie leicht und scharf? Für mich möchte ich, dass mein elementarer Wächter eine hochrangige Figur ist, jemand mit Autorität. Während ich menschliche Proportionen im Auge halte, skizziere ich Formen, die sich groß und stabil anfühlen. Diese Figur ist keine Kriegerin, sie hat keine scheinbaren körperlichen Stärken oder sportliche Kostüme. Sie ist so konzipiert, dass sie eine Figur des Respekts ist. Stehen und Sprechen sind ihre Rollen in ihrer Kultur. Ihre Kostüme sollten sich anmutig und ausgewogen fühlen. Wie die O'Keeffe Blütenformen, die sie inspirieren. Wenn ich die Proportionspose in allgemeiner Form dieses Zeichens erfolgreich festgelegt habe, senke ich die Deckkraft der ersten Skizzenebene mithilfe des Schiebereglers für Deckkraft auf der Registerkarte Layer. In diesem Fall werde ich die Farbe meines Skizzenstifts in Rot ändern, damit es besser im Video erscheint. Halten Sie es blau, wenn Sie möchten, aber manchmal ist es hilfreich, ein wenig Kontrast zu haben, während Sie die Ebene nach oben skizzieren. Iteration 2 geht es darum, die physikalischen Merkmale der Charaktere zu verfeinern und die Gestaltungselemente hervorzubringen. Normalerweise beginne ich mit dem Gesicht und Kopfbedeckungen, weil sie am engsten mit der Persönlichkeit des Charakters verbunden sind. Sie können sehen, dass die Krone auf diesem Charakter von den zentralen Formen des O'Keeffe Gemälde inspiriert ist . Das Gesicht meines Charakters wird lang und schmal sein und ich kann diese Idee betonen , indem ich ihr eine längere Nase und erhobene Augenbrauen und hohe Ohren gebe. Ich möchte, dass die Kosten menschlich überlagert werden. Ich trenne ihren Rock von ihrem Oberteil und stelle einen königlichen Stein in ihre Mitte. Dies ähnelt der kleinen gelben Form im Gemälde, wahrscheinlich dem Stigma, dass Pollen einen Teil der Blume anzieht. Stellt dieser Schwerpunkt ihre Weiblichkeit dar? Ich schätze, das ist ein Thema für eine andere Klasse, also machen wir weiter. Ihre untere Hälfte, was alles bedeutet, was unter der Taille ist, einschließlich der Hände in diesem Fall, wird splay out, um das Gefühl der Stabilität zu verbessern. Es ist, als würde sie aus dem Boden aufwachsen. Sie werden hier bemerken, dass ich eine vertikale Linie habe, durch die Mitte der Figur verläuft. Dies hilft mir, die Dreivierteldrehung der Pose des Charakters festzustellen. Jetzt fange ich an, mehr Form zu geben und zu gedeihen, um die Charaktere Kleid. Lassen Sie uns versuchen, die Blütenblätter aus dem Gemälde im hinteren Teil des Kleides darzustellen. Dies gibt dem Charakter ein bisschen mehr von einer fantastischen Präsenz. Jetzt werde ich die erste blaue Skizze ausschalten und mir einen Moment Zeit nehmen, um die zweite Skizze zu beurteilen. Ohne die Ablenkung dieser ersten Iteration kann ich einige Details meines Charakters verfeinern. Ich werde wieder ins Gesicht zurückkehren und ihr mehr Persönlichkeit geben. Ich möchte die Autorenseite ihrer Persönlichkeit drücken und ihr eine leicht eckige innerste Gesichtsstruktur geben. Ich möchte, dass sich der Charakter ein wenig jenseits des Menschen anfühlt. Ich tue, was ich bezeichne, indem ich die Formen der Skizze schiebe, das bedeutet, sie auszudehnen und sie zu unterscheiden. Ich werde auch versuchen, drehen Sie die Blütenblätter hinter dem Kopf in etwas von einer königlichen Farbe, etwas, das ihr Gesicht umrahmt und fühlt sich völlig unpraktisch. Als nächstes bringe ich ein wenig mehr Form in die Kleider Blütenblätter. Iteration 2 ist beendet. Nur wenn ich das Gefühl habe, dass ich meinen Weg in meinem Design wirklich verloren habe, kehre ich zu dieser ersten Iteration zurück. In diesem Fall denke ich, dass mein Design meiner ursprünglichen Absicht treu ist. Ich werde zur dritten Iteration übergehen, ohne zurückblicken zu müssen. Wieder, ich senke die Deckkraft der Schicht und ich werde zu diesem blauen Bleistift mit einer etwas größeren Pinselgröße zurückkehren , so dass ich mehr Gewichtsschwankungen in meiner Linienarbeit bekommen kann. Das beginnt meine letzte Skizze. Nun, dieses Mal, mein Ziel ist es, dieses Design für maximale Lesbarkeit zu rationalisieren. Bei der dritten Iteration geht es nicht darum, mehr Details hinzuzufügen, wenn überhaupt, es geht darum, sie wegzunehmen. Es geht um Vereinfachung und Betonung der Persönlichkeit und der physischen Präsenz des Charakters. Persönlichkeit für meinen Charakter kommt von den Formen des Gesichts. Erhöhte Merkmale implizieren einen Sinn für anderes weltliches Wissen. Das Haar hinter deiner Krone gibt einen kleinen Hinweis auf ein wahres Selbst und impliziert vielleicht fast ihr Alter. Nennen wir das ihre Menschlichkeit, für einen Mangel an einem besseren Alienbegriff. In der dritten Iteration versuche ich, wenn ich mich vom Gesicht wegziehe, in breiten, selbstbewussten Formen zu skizzieren und über die gesamte Silhouette meiner Formen nachzudenken und weniger über spezifische Details einer einzigartigen Form. Sie bemerken, dass ich ein paar lose Linien auf Kleid, Torso und Farbe hinzufüge, um etwas Rundheit und Tiefe in die Skizze zu bringen. Abhängig vom Freihandstil können diese Linien jetzt verwendet werden oder können nicht. Im Moment sind es nur Notizen, die ich in meiner nächsten Phase des Freihandens berücksichtigen muss. Da gehen wir. Das ist meine fertige Skizze. Dreistufiges Skizzieren, es ist eher eine Philosophie als eine Praxis. Sie können eher ein zweistufiger Skizzierer oder ein vierstufiger Skizzierer oder ein dreißigstufiger Skizzierer sein. Es spielt keine Rolle, wie viele Skizzen Sie tatsächlich machen, solange Sie innerhalb dieses Prozesses Zeit schaffen, um die Gestaltungselemente Ihres Charakters vollständig zu klären und sie zu verwenden, um die Zeichnungspersönlichkeit zu erzwingen. 14. Projekt: Kolorieren: Wenn ich meine Skizze freigeben möchte, werde ich einige meiner Pinseleinstellungen in Photoshop anpassen, um meinem eigenen Freihandstil möchte, werde ich einige meiner Pinseleinstellungen in Photoshop anpassen gerecht zu werden. Diese Einstellungen werden natürlich ein wenig abwechslungsreich für jeden von euch sein. Für dieses Projekt arbeite ich mit einem Pinsel aus dem allgemeinen Pinselordner, der hart rund beschriftet ist, und ich verwende eine Spitzengröße von 10. Wenn Sie nun in der Einstellungsleiste neben dem Schieberegler für Glättung schauen, wird ein Symbol für den Pinseldruck angezeigt. Sieht aus wie ein kleines Bulls-Eye, eingeschaltet, wenn Sie Ihre Tablet-Pinsel Druckempfindlichkeit verwenden möchten. Da meine Pinselspitze auf eine ziemlich kleine Größe eingestellt ist, werden Sie nicht viel Variation in meinem Linienstärke sehen, es wird subtile Veränderungen sein. Wenn Tinten für Sie ein neues Konzept ist und Sie noch eine selbstbewusste Freihandgeste entwickeln müssen, möchten Sie dasselbe tun, halten Sie Ihre Pinselgröße klein. Wenn Sie eine große Pinselgröße und eine Menge Variation in Ihrem Handdruck haben, werden Sie eine wirklich inkonsistente Linienstärke zu bekommen. Für dieses Projekt wollen wir saubere, glatte und gleichmäßige Linien. Vertrau mir, es wird das Färben viel einfacher machen. Als jemand, der schon lange getönt hat, habe ich eine ziemlich selbstbewusste Liniengeste, also brauche ich nicht eine ganze Menge Glättung. Oft ist meine Glättung auf etwa 10 Prozent eingestellt, aber mit diesem spezifischen Design weiß ich auch, dass ich einige massive Kurven darin habe, und ich möchte nicht, dass sie alle jittery sind, also werde ich meine Glättung höher einstellen als üblich, und ich werde mit etwa 20 Prozent gehen. Denken Sie daran, dass Sie die Glättung im laufenden Betrieb anpassen können, indem Sie die Alt-Taste gedrückt halten und eine Zahl auf dem Ziffernblock drücken. Meine Ziele beim Inking sind es, einfache, klare Linien zu schaffen und mit Textur schonend zu sein. Sie können sehen, dass die Haare des Charakters und Aspekt, die ich als die Menschlichkeit des Charakters beschrieben, ist wirklich der einzige Ort, Ich füge zusätzliche Details zu meiner Tinte hinzu. Es ist nur meine kleine Art, ein kleines Geheimnis und etwas zusätzliche Tiefe in das Design dieses Charakters zu bringen . Cartoon-Stil ist wieder einer der spärlichen Farbstile da draußen. Aufgrund der Tatsache, dass Sie wahrscheinlich eine Figur entwerfen, die immer und immer wieder skizziert und eingefärbt werden muss. Ob es sich um eine Figur für einen Multi-Panel-Comic-Strip oder ein großes Animationsprojekt handelt, die Herausforderung, eine Zeichentrickfigur zu gestalten, besteht darin, exzentrisch und spannend im Konzept zu sein, aber in der Ausführung zurückhaltend zu sein. Betrachten Sie die Rolle jeder Linie, die Sie Tinte, macht es Ihr Design besser? Wenn nicht, ersparen Sie sich vielleicht die Mühe und entscheiden Sie, dass es nicht da sein muss. Sobald ich alle meine wichtigen Linien eingefärbt habe, bin ich bereit, zum Hauptereignis, 3D-Modellierung, zu gelangen. Nein, ich mach nur ein Scherz, offensichtlich ist es Farbe. Ich wollte nur sichergehen, dass du immer noch aufpasst. 15. Projekt: Farbblocken: Bei der Farbblockierung legen Sie die Grundfarbpalette Ihres Designs fest. Bevor wir jedoch anfangen zu blockieren, lassen Sie uns über die Verwendung des Farbrad sprechen. Nach der Entscheidung, wer mein Charakter ist, wird das Farbrad meine nächste Stufe der kreativen Entwicklung. Auf color.adobe.com finden Sie dieses praktische Dandy-Werkzeug zum Entwerfen von Farbharmonien. Sie können dieses Dropdown-Menü hier verwenden, um einen Stil der Harmonie auszuwählen. Analoge Farben sind diejenigen, die in einem schmalen Keil des Farbrades gefunden werden. Eine monochromatische Farbharmonie verwendet einen einzelnen Farbton durch einen Bereich von Werten von hell und dunkel. Kostenlose Farben sind polare Gegensätze, die einen ansprechenden Kontrast erzeugen und Sie haben auch ein paar andere Optionen. Ich bin ein großer Fan von Farbtriaden. Warum? Nun, lassen Sie mich es Ihnen zeigen. Hier ist eine kurze kleine Zeichnung eines Elfen im Explorer. Jetzt bringen wir das Farbrad hoch. Ein triadisches Farbschema besteht aus drei gleichmäßig verteilten Punkten auf einem Farbrad. Diese Formel ist eine großartige Abkürzung, um lebendige und harmonische Farbschemata zu schaffen; die perfekt für meinen cartoonischen Stil ist. Sie können sehen, wie meine Farbauswahl die Regeln eines gleichmäßig ausgeglichenen Dreiecks biegt, aber ich versuche immer noch, den Farbtönen treu zu bleiben, sobald ich anfangen zu malen. Ich verwende nur Variationen von hellen und dunklen Werten, um die Bereiche mit hohem Kontrast aufzulösen. Nun ist die allgemeine Regel bei Cartoon-Farbe, dass eine eingeschränkte Farbpalette mehr Potenzial für erzählerische Klarheit und emotionale Verbindung hat . Jetzt, wo Sie wissen, wohin ich mit meiner Farbtheorie gehe, springen wir zurück zu unserem elementaren Wächtercharakter und bauen eine Farbpalette mit der Triade und O'Keeffes Gemälde. Sieh dir das an. Ist es nur ein Zufall, dass ihre Hauptfarbharmonien triadisch sind? Ich glaube nicht, aber lassen Sie uns diese Farboptionen für einen Moment beiseite legen und unseren Arbeitsbereich für eine schnelle und effiziente Farbblockierung einrichten. Zuerst setze ich einen Ordner mit meinem Freihand-Layer und Skizzen-Layer ein. Es ist sehr klug, sich an dieser Stelle zu organisieren; unser Schichtsystem wird mit dem Zusatz von Farbe viel komplizierter. Jetzt, da ich organisiert bin, wähle ich meine Tintenschicht aus und ich greife das Zauberstab-Werkzeug, das auch die Verknüpfung W auf der Tastatur ist. Ich klicke in den weißen Hintergrund meiner Seite. Als nächstes gehe ich zum Auswahlmenü und wähle „Inverse“ oder benutze die Tastenkombination Ctrl Shift I. Jetzt habe ich meinen Charakter in einem großen Lasso gefangen. Aber ich habe ein kleines Problem: Wenn ich das Linienbild vergrößere, können Sie sehen, dass meine Auswahl einige graue Pixel an den Rändern enthält. Ich möchte nicht, dass meine Farbblockierung außerhalb meines Charakterdesigns blendet, daher muss ich diese Auswahl ändern. Ich gehe zurück zum Auswahlmenü oben und scrolle auf halbem Weg nach unten zu „Ändern“. Ich wähle „Vertrag“ und erhalte ein neues Pop-up. In diesem Menü kann ich meine aktuelle Auswahl um einen Bereich von Pixeln reduzieren. Für die Dicke meiner Linienart werde ich versuchen, mit drei Pixeln zusammenzuziehen; das bringt meine Auswahl direkt in die Mitte der Linienart. Nun, zum größten Teil. Aber es sieht so aus, als ob hier in der schmalen Linie des kleinen Fingers des Charakters meine Auswahl innerhalb der Linienkunst fällt. Wenn eine Auswahl nicht für Sie funktioniert, können Sie auch wieder in „Auswahl“ und „Ändern“ gehen und „Erweitern“ wählen. Ich werde um ein Pixel erweitern und ich denke , das ist so nah an der perfekten Auswahl, wie ich bekommen werde. Jetzt, da ich meine Auswahl habe, erstelle ich einen neuen Ordner für meine Farbebenen. Auf dieser neuen Ebene werde ich eine weiße Silhouette hinter meinem Charakter erstellen; auf diese Weise muss ich mich später, wenn ich Ebenen zusammenschmelze, nie darum kümmern, dass später, wenn ich Ebenen zusammenschmelze, meine Farben mit Hintergrundelementen interagieren. Es wird immer ein weißer Puffer zwischen dem Charakter und dem Hintergrund geben. Ich wähle „Weiß“ aus meinem Farbrad und tippe auf der Tastatur auf die „ G-Taste “, um das Malereiwerkzeug auszuwählen. Ich möchte hier auch in meinem „Optionen“ -Menü nachschlagen und sicherstellen, dass „Alle Ebenen“ deaktiviert ist, damit mein Linienbild meine Füllung nicht beeinflusst. Als nächstes fülle ich meine Auswahl aus. Ich werde das Papier ausschalten, damit du sehen kannst, was ich getan habe. Jetzt werde ich meine Auswahl loslassen, indem ich „Auswahl aufheben“ oder Befehl D auf der Tastatur halte. Ich werde Expand and Contract ziemlich häufig verwenden, wenn ich mich durch meine Farbblockierungsphase bewege , also werde ich beiden Funktionen einige Tastenkombinationen zuweisen. Ganz unten im Menü Bearbeiten finden Sie das Kontextmenü. Befehl L wird meine Expande-Kürzel sein. Es scheint eine Menüverknüpfung auf Ebenen zu überschreiben, aber das ist nicht etwas, was ich zur Hand brauche, also macht es mir nichts aus; und ich setze die Auswahl Vertrag auf Befehl K auf der Tastatur. Jetzt werde ich meine Farbtriade wieder aufbauen und anfangen zu blockieren. Ich erstelle eine neue Ebene auf der weißen Silhouettenebene, tippe auf der Tastatur W, um das Zauberstab-Werkzeug auszuwählen, und klicke in das Kleid. Jetzt halte ich Befehl K gedrückt, um mein Auswahlmenü „Erweitern“ aufzurufen und meine Auswahl um ein Pixel zu erweitern. Dann tippe ich G für mein Malwerkzeug und fülle die Auswahl aus. Wie ich in einem früheren Kapitel über Cartoon-Färbung gesprochen, Farbe sollte die Geschichte eines Charakters zu erzählen; so mit meiner Palette von Optionen hier, so mit meiner Palette von Optionen hier,werde ich das Blau in meiner Triade als Kleid Farbe verwenden. Das Blau hat eine königliche Würde. Ich verwende Befehl D, um meine Auswahl aufzuheben. Jetzt gehe ich auf die Haut. Ich tippe W auf der Tastatur, um das Zauberstab-Werkzeug auszuwählen, und ich klicke in einen Bereich der Haut. Dann halte ich „Shift“ gedrückt, um die Auswahl hinzuzufügen und klicke in die anderen Bereiche der Haut. Sobald ich alle Hautbereiche ausgewählt habe, halte ich „Befehl K“ gedrückt, um mein Auswahlmenü „Erweitern“ aufzurufen und meine Auswahl um ein Pixel zu erweitern. Dann tippe ich auf „G“ für mein Maleimerwerkzeug und fülle die Auswahl aus. Jetzt ist das Foto des Gemäldes, das ich habe, nicht so lebendig, wie ich für mein cartoonisches Design will, so werden Sie feststellen, dass ich nicht die delish Töne der Probe Triade verwende, aber ich bleibe treu der Form der Triade. Ich fülle den Rest des Kostüms mit dem Grün und lasse ihren Elementstein zu ihrer Haut passen. Ich werde auch die Haare in weiß füllen, was Sie nicht wirklich sehen können, aber glauben Sie mir, es ist da. Jetzt habe ich meine grundlegende Farbblockierung abgeschlossen. Sie können sehen, wie Sie die grundlegenden Richtlinien der Farbtriade wirklich zu einem anständigen Farbschema mit viel Lebendigkeit und Kontrast ohne viel Aufwand bringen können . Sie werden auch feststellen, dass ich alle meine Farbblockierung auf einer einzigen Ebene durchgeführt habe; dies macht es so viel einfacher, Anpassungen vorzunehmen, was genau das ist, worüber wir im nächsten Kapitel sprechen werden. 16. Projekt: Verfeinern der Farbtöne: Ich habe eine anständige Harmonie der Grundfarben etabliert, aber nennen wir dies mein Schrupp-Farbschema. Ich möchte immer noch etwas Freiheit, um Änderungen vorzunehmen, und um das zu tun, muss ich in der Lage sein, meine Farbharmonie auf einmal anzupassen. Ich gehe zum Menü „Bild“ und wähle „ Anpassungen“ und wähle „Farbton/Sättigung“. Hier fängt die Party an. Mit dem Farbtonschieberegler kann ich das Gleichgewicht meiner Farbtriade beibehalten, während ich verschiedene Farbschemata durchstöbere. Es ist sicher ein chaotischer Moment. Aber nach all dieser Planung und Theorie ist ein wenig Chaos eine gute Sache für Ihre Kunst. Wie mache ich das, während ich gerade einige Optionen durchgeblitzt habe, bis mir etwas ins Auge fällt. Ich bin wirklich von diesem tiefen Rot für die Charaktere Kleid angezogen. Es ist das königliche Feld, das ich in der blauen gefiel, aber rot ist eine stärkere Farbe, die meine Beschreibung des Charakters passt, ist ein hochrangiger Aristokrat. An dieser Stelle möchte ich, dass Sie verstehen, dass die Verwendung von Farbe alles um Kontext geht. Es geht nicht um eine einzige Farbwahl. Es geht darum, wie sie alle zusammenarbeiten. Mit dieser Farbanordnung fühle ich mich wirklich in der Lage, die Individualität der Charaktere zu schärfen. 17. Projekt: Sättigung und Wert: Das menschliche Auge ist sehr empfindlich gegenüber Farben. Wenn ein Künstler Farbe in einer Komposition verwendet, kann der Kontrast zwischen den Farben entweder eine Beziehung zu einem Bild herstellen oder brechen. Im Moment würde ich sagen, dass dieses Bild ein Farbschema mit hoher Spannung hat. Ja, es ist harmonisch, wie wir vorhin gesprochen haben, aber es ist ein wenig schwer für die Augen. Es sind alle Gipfel und keine Täler. Jetzt wissen wir, dass es mehr Aspekte der Farbe gibt als der Farbton. In der Tat denke ich wirklich, dass die menschliche Reaktion auf Farbe viel mehr über den Kontrast des Bildes ist als die verwendeten Farben. Kontraststufen stammen aus zwei Unterscheidungsmerkmalen der Farbe: Sättigung und Wert. Lassen Sie uns zuerst Sättigung sprechen. Für mich ist die Sättigung wie die innere Lebenskraft deiner Farbe. Hohe Sättigungsniveaus bringen Ihr Herz zum Laufen. Eine Menge Sättigung zieht definitiv die Aufmerksamkeit eines Betrachters auf sich, kann aber wirklich schnell das Auge erschöpfen. In Cartooning gibt es zwei Seiten der Sättigung, es kann verwendet werden, um eine glückliche kinderfreundliche Attraktivität zu schaffen und eine Realität zu übertreiben. Niedrigere Sättigungsniveaus können eine düstere Stimmung hervorrufen und eine Geschichte oder ein Charakter ein wenig reifer oder geerdeter fühlen lassen. Sie werden feststellen, direkt unter dem Sättigungsschieberegler ist der Lichtschieber, der technisch der Wertregler ist. Ich spiele damit, aber wir werden in einer Minute mehr über den Wert sprechen. Genau wie bei dem Farbton, ziehe ich die herum, bis ich glücklich bin. Meine endgültigen Einstellungen sind nur wirklich subtile Änderungen. Ich habe die Sättigung nur um 13 Prozent und die Leichtigkeit um sieben reduziert. Es mag nicht wie eine große Sache erscheinen, aber es ist gerade genug, um meinem Bild einen etwas stimmungsvolleren Rand zu geben. Nun, da ich die Energie der Farben manipuliert habe, lassen Sie uns dem Charakter etwas Realität und visuelle Tiefe bringen, indem wir mit Wert spielen. In den meisten Fällen ist der Wert die Umweltauswirkungen Ihrer Farbe. Das bedeutet die Schatten in Ihrem Design. Ich mag es, meine Schatten und Glanzlichter mit Layer-Setup mit Schnitt-Masken zu färben. Sie können eine Zuschneidemaske auf eine Ebene anwenden, indem Sie mit der rechten Maustaste klicken und der Mitte des Ebenenoptionsmenüs „Schnittmaske erstellen“ auswählen. Wenn eine Zuschneidemaske auf einen Layer angewendet wird, haben Sie ihm mitgeteilt, dass ihre visuellen Grenzen durch einen Basis-Layer definiert werden , der darunter liegt. Ich weiß, dass das verwirrend ist, aber Sie können sehen, dass während ich Schatten auf dieser neuen Ebene mit einer Clipping-Maske male, keine Farbe aus den Grenzen der schwarzen Farbebene sickert. Das kann mir wirklich etwas Zeit sparen, denn jetzt muss ich mir keine Gedanken darüber machen , dass Farbe außerhalb der Ränder der Silhouette meines Charakters geht. Sie können mehrere Ebenen mit Zuschneidemasken stapeln, eine übereinander, und sie referenzieren immer auf diesen Basis-Layer. Sie können sogar den von uns erstellten weißen Silhouetten-Layer als Basis-Layer verwenden , um zu vermeiden, dass Ihre Farbebenen überströmt werden. Lassen Sie mich auf einige andere Einstellungen meiner Schattenebene hinweisen. „ Style of Shadow Work“ ist eine wirklich persönliche künstlerische Wahl, und so mache ich es. Ich setze die Überblendung einer Ebene auf „Farbverbrennung“ und senke die Deckkraft auf 30 Prozent. Ich versuche, alle meine Schatten für ein Projekt mit der gleichen tiefvioletten Farbe zu machen. Aus einem Grund mag ich die Art und Weise, wie dieses tiefe Lila auf die meisten anderen Farben auf dem Farbrad reagiert und noch wichtiger ist, es hilft mir, meine Schatten im Laufe eines Projekts wie ein Comicbuch konsistent zu halten. Meine Highlights sind im Grunde auf die gleiche Weise gemacht. Aber anstatt eine Ebene auf „Color Burn“ zu setzen, setze ich sie auf 'Color Dodge. Beim Erstellen von Glanzlichtern und Schatten versuche ich, die Lichtquelle einer Szene im Auge zu behalten. Wenn Sie nicht wissen, woher Ihre Lichtquelle kommt, wird die Standardposition die obere rechte Ecke sein, die am Gesicht des Charakters abgewinkelt ist. Stellen Sie sich ein Bühnenlicht vor, das auf einen Schauspieler zeigt. Meine Herangehensweise an Wert hat zwei Seiten. Ich benutze den Wert praktisch. Ich möchte die Tiefe der Objekte zeigen und wichtige Aspekte eines Charakterdesigns verbergen und hervorheben , aber ich verwende den Wert auch narrativ. In diesem Fall ändern die Schatten die Art und Weise, wie wir auf das Gesicht dieses Charakters reagieren. Ich habe einen dunklen Schatten unter der Augenbraue hinzugefügt, um diesem Wächter ein bisschen mehr Intensität und fast ein bedrohliches Gefühl zu geben . Wenn es um Handgesten und Pinseleinstellungen geht, ist mein Stil der Schattierung im Grunde der gleiche wie mein Freihandstil. Ich verwende den gleichen Pinsel und verschiedene Ebenen der Glättung, um weiche und sprudelnde Formen von Schatten und Licht zu schaffen. Wenn dieser glänzende Cartoon-Look Sie nicht wirklich anspricht, versuchen Sie, zu einem strukturierteren Pinsel zu wechseln, wie ein Aquarell oder Pastellpinsel. Textur wird einen impressionistischeren Farbsinn in Ihrer Arbeit hervorbringen, aber es wird auch viel mehr Charakter hinzufügen. Experimentieren Sie also und sehen Sie, was für Sie funktioniert. An dieser Stelle haben wir das Färben unseres Charakterdesigns beendet. Aber bleiben Sie herum Ich habe noch ein Bonus-Kapitel über zusätzliche Farbeffekte, wie das Ändern einer Szene von Tag zu Nacht und Färben Sie Ihre Linie Arbeit. 18. BONUS! Linienfarbe und Randlicht: Ich nenne dies ein Bonuskapitel, weil Linienfärbung und Felgenlicht nicht notwendig sind, um das Projekt abzuschließen. Sie sind nur einige zusätzliche spaßige stilistische Techniken. Beginnt mit der Linienfarbe. Es ist eine ziemlich coole, stilvolle Art, den Kontrast einer Illustration aufzuheben. Sie beginnen mit dem Klonen des Freihand-Layers, ziehen ihn nach unten auf die Schaltfläche „Neue Ebene“, und Sie erhalten eine neue Kopie. Klicken Sie dann direkt hier auf die Schaltfläche „Alphakanal sperren“. Dadurch wird jeder Pixel-Transparenzgrad auf einer bestimmten Ebene beibehalten. Ich werde ein paar verschiedene Farben für mein Linienbild ausprobieren , um zu sehen, was am besten zu diesem Projekt passt. Halten Sie „Alt“ Option, um auf die Pipette zu wechseln, werde ich mit dem Sampling der tiefen Schattenfarbe hier im Kleid beginnen. Das sieht ziemlich gut aus, es ist wirklich ähnlich dem Schwarz, das ich bereits benutzte. Lassen Sie uns weitermachen und versuchen Sie eine andere Farbe. Wie wäre es mit diesem helleren Rot im oberen Teil des Kleides? Denk dran, es ist alles persönliche Vorliebe für mich, das funktioniert nicht. Ich liebe den Kontrast der schwarzen Linienkunst und wenn ich zu weit weg von diesem Gefühl komme, scheint es die Details der Illustration zu verdünnen oder zu verdunkeln. Lassen Sie uns eine völlig andere Farbe versuchen, wie wäre es mit diesem dunkelbläulich-lila unter dem Arm? Das fängt an, die Stimmung des Gesamtstücks zu verändern. Persönlich habe ich nur eine einzige Regel, wenn es um Farbe in der Linienkunst geht. Es muss dem dunkelsten Wert der Künste entsprechen. Man sieht mit diesem dunkelblauen Blau, wenn man es gegen die tiefen Rottöne setzt, scheint es leichter und das ist eine seltsame Spannung. Sie möchten nicht, dass sich Ihre Umrisse heller anfühlen als Ihre dunkelsten Schatten. Persönlich, wenn ich die Linienkunst in dieser Arbeit färben werde, werde ich dieses tiefe Rot verwenden. Sie können alle Arten von Spaß mit Farbe in Linie Kunst haben. Ich werde mein Pinselwerkzeug greifen und ich mag es, eine weichere Rundbürste zu verwenden , wenn Linie färben. Nehmen wir an, ich möchte einige Highlights an den Enden der Robe machen. Ich werde meine Lektüre etwas erleichtern und das übermalen. Dank des Alphakanals geht es nicht außerhalb der Linie. Wir können ein bisschen mehr Details in die Illustration bringen, indem wir vergrößern und die Augenfarbe des Charakters ändern. Beachten Sie, dass ich nicht für meine Farbtriade belastet bin. Ich benutze das tiefe Rot auf dem Auge, wenn ich beschließe, dass ich mehrere Farben zu meiner Linienart hinzufügen möchte, werde ich es nur an Orten tun, die die Formen und die Persönlichkeit des Charakters drücken . Nehmen wir an, diese Krone ist ein echter Punkt der Betonung mit schönen klaren Linien. Ich könnte da reingehen und das dunkelste Blau benutzen und die Linienfarbe so ändern, dass sie übereinstimmt. Ich werde durchgehen und einen dunkelgrauen greifen, um den Haaren ein bisschen mehr Charakter zu geben. Ich finde, das sieht ziemlich cool aus. Jetzt geben wir dieser ganzen Felgenbeleuchtung eine Chance. Stell dir vor, unser elementarer Wächter ist in eine geheimnisvolle Weltraum-Höhle gelaufen , und es ist einem radioaktiven Rockboy begegnet , es ist einfach hypothetisch. Die Beleuchtung in einer Szene wie dieser hat zwei Dinge, mit denen wir uns beschäftigen müssen. Erstens, ist die Dunkelheit. Ich werde meine alten Hervorhebungs- und Schatten-Layer deaktivieren , da sie hier nicht mehr angewendet werden. Als Nächstes erstelle ich eine neue Ebene und erstelle eine Schnittmaske. Ich nenne diese Schicht Nacht. Dann fülle ich es mit einem Tiefblau und verschiebe es an den Anfang meiner Clipping-Maskenliste. Denken Sie daran, es ist immer noch unterhalb der Linie Art Ebenen, so dass die farbigen Flecken auf denen sichtbar bleiben, Ich werde mit denen bald umgehen, aber zuerst werde ich das Blau löschen, wo die Augen sind. In Cartoon-Welten leuchten die Augen immer im Dunkeln. Als Nächstes reduzierte ich die Nacht-Ebene auf 75 Prozent Deckkraft. Dies ist eine Möglichkeit, es zu tun, andere Künstler möchten die Mischebene wechseln um zu multiplizieren, anstatt die Deckkraft zu senken, es liegt wirklich an Ihnen. Ich werde die Haarpolster wieder zu tiefem Rot wechseln, ich möchte, dass die Texturen der Haare in dieser dunklen Szene auftauchen. Felgenlicht ist ein stilvoller Farbbegriff, sowie ein Fotografiebegriff für dramatische Beleuchtung , die bis zu den dünnsten Kanten eines Themas zurückgehalten ist, aber es ist nicht nur eine Linie, Felgenbeleuchtung muss die Themen Form darstellen. Der erste Schritt besteht darin, eine neue Ebene zu erstellen und eine Schnittmaske zu erstellen. Jetzt setze ich meine Vordergrundfarbe auf die Farbe der Höhle Jungen glühen, jetzt griff ich mein Lasso-Werkzeug, atme tief durch und schwinge es um eine Region des Charakters, wo die Cave Boys glühen würde reflektieren aus. Jetzt verwende ich die Tastenkombination Alt, Option, Löschen, um diese Auswahl mit der Vordergrundfarbe Befehl D zu füllen, um die Auswahl aufzuheben. Jetzt habe ich mich gerade um das Design gearbeitet. Ich denke auch gerne darüber nach, woraus die Oberfläche besteht, wenn ich meine Felgenbeleuchtung plane. Zum Beispiel wird der Stein in meiner Wächtertruhe Licht anders reflektieren als der Stoff des Kleides. Ich will es nicht übertreiben, es nennt sich natürlich Felgenbeleuchtung. Ist die Felgenbeleuchtung nicht cool? du nicht froh, dass du mit ihm steckst und dir dieses Bonuskapitel anzusehen? Traurig zu sagen, dass wir das Ende der Klasse erreichen, ist es Zeit, es einzupacken. 19. Fertigstellung: Danke, dass du World of Color gesehen hast. Ich hoffe, Sie haben jetzt ein besseres Verständnis der Farbtheorie, wie Sie sie auf Ihre eigene Illustration und Erzählkunst anwenden können, und natürlich einige großartige Tipps und Techniken, um Ihren Workflow in Photoshop zu verbessern. Wenn Sie einen elementaren Wächter erstellen, der von dieser Klasse inspiriert , teilen Sie ihn natürlich im Abschnitt Klassenprojekt. Das Teilen Ihrer Arbeit und die Teilnahme an der Klasse hilft anderen Schülern, sie zu entdecken, hilft dem Klassentrend, mich dazu inspiriert, mehr Klassen zu machen, und es hilft wirklich, die Community rund um meinen Skillshare Kanal aufzubauen. Bevor du weggehst, habe ich ein paar Dinge, die ich gerne mit dir teilen möchte. Wenn Sie World of Color genossen haben, könnten Sie einige meiner anderen Klassen genießen. Ich habe eine über Konzeptkunst, Drawing Imaginary Worlds, eine kreative Illustrationsklasse, sich auf Sea Monster-Design konzentriert und reiche Kreaturen kreiert. Illustration von Design ist eine ziemlich einzigartige Klasse. Ich schaue mir die Jugendstil-Bewegung an und wie bildende Künstler Grafik-Design-Fähigkeiten einnahmen. Ich habe diese Klasse als eine Möglichkeit gemacht, Illustratoren zu helfen, mehr über ihre Komposition und ihre Gestaltungsfähigkeiten nachzudenken . Ich habe ein paar grundlegende Cartooning-Klassen. Eine, die sich auf Gesichter und Ausdrücke konzentriert, eine andere, die sich mit Körpern und Posen befasst, und eine Klasse, die ich Ink and Illustration nenne, einen Überblick über einige meiner Lieblings-Kinderbücher, Illustratoren und wie sie meine Stil. Vergewissern Sie sich, dass Sie meinem Skillshare Kanal folgen. Ich mache diese Sache namens Klasseneltern, wo ich im Grunde einen Newsletter verschicke, in dem ich über eigene Werke und Künstler und Illustratoren spreche, und kreative Projekte, die mich inspirieren. guter Letzt habe ich eine Website, auf der Sie einen Haufen meiner Bücher kostenlos lesen können. Ich habe einen Science-Fiction-Thriller namens The Exploit, eine Piraten-Meermonster-Abenteuergeschichte namens Aquarium Drift, eine gruselige übernatürliche Geschichte namens Hexe Knoten, und alle möglichen anderen Dinge, die ich hoffe, dass Sie genießen könnten. Danke fürs Herumbleiben und wir sehen uns nächstes Mal.