Erstelle einen Ozean-Loop in Cinema 4D und After Effects

1. Einführung: Hallo, mein Name ist Don Mupasi, auch bekannt als VISUALDON und ich bin freischaffende Künstlerin aus Großbritannien. Heute werden wir eine Ozeanszene im Kino 4D und nach Effekten erschaffen. Einige meiner Arbeiten wurden für Musikkünstler für ihre eigenen Videos oder Live-Shows, aber das meiste davon war eigentlich nur persönliche Projekte, die ich zum Spaß mache und einer von ihnen ist dieser Ozean der Animation, den ich vor einer Weile erstellt habe und das ist, was wir werden heute neu erstellen. Wir werden dies im Kino 4D mit einem kostenlosen Plugin-Code tun, Hot4d. Es ist ein sehr einfach zu bedienendes Plugin, dem wir diese Ozean-Simulationen mit nur wenigen Einstellungen erstellen können. Die Lektionen sind in verschiedene Schritte unterteilt. Es wird sehr einfach sein, mitzuverfolgen, wenn wir durchgehen. Wir werden damit beginnen, unseren Ozean im Kino 4D zu bauen und dann gehen wir auf die Schaffung der Himmel und Hintergrundelemente. Dann machen wir diese Kamera-Animation, die von den Nebel und Atmosphären-Effekten gefolgt wird. Dann, wenn das fertig ist, exportieren wir unsere Animation aus Cinema 4D, damit wir sie in After Effects für den letzten Schliff und die finalen Farbanpassungen nehmen können . Neben dem technischen Prozess werden wir auch über einige kreative Entscheidungen gehen, die wir während des gesamten Projekts treffen können , um etwas zu schaffen, das anders und einzigartig ist. Ich freue mich sehr darauf, loszulegen. Lass uns in Cinema 4D springen und mit dem Bau beginnen. 2. Welche Cinema 4D Version + Ocean Plugin: Um diesem Kurs so einfach wie möglich folgen zu können, empfehle ich die Verwendung von Cinema 4D R21 oder Cinema 4D, R2D2 Der Grund dafür ist, dass sie der in der Klasse verwendeten Version am ähnlichsten ist. Die Benutzeroberfläche ist also dieselbe. Wenn du zum Beispiel ein Anfänger bist, dann ist es natürlich einfacher, wenn du dir dasselbe ansiehst wie ich und darauf klickst. Noch wichtiger ist jedoch, dass das in der Klasse verwendete Ocean-Plugin für diese Versionen von Cinema 4D kostenlos verfügbar war Für die folgenden Versionen musste das Plugin aktualisiert werden und dann wurde es zu einem kostenpflichtigen Plugin. Das ist also in späteren Versionen von Cinema 4D verfügbar. Der Kauf des Plugins wird jedoch etwa 40 US-Dollar kosten. Ich werde einen Link für diejenigen setzen, die das tun und spätere Versionen von Cinema 4D verwenden möchten das tun und spätere Versionen von Cinema 4D verwenden Wenn Sie das tun, werden Sie jedoch auch eine Version von Cinema 4D verwenden, die anders aussieht als die in der Klasse Und wenn du ein Anfänger bist, wird es schwieriger sein, ihm zu folgen. Ich würde also nur empfehlen, zu Version 21 oder 22 zurückzukehren zu Version 21 oder 22 Um diesem Tutorial so einfach wie möglich folgen zu können, können Sie diese älteren Versionen von Cinema 4D in Ihrem Max on Account erwerben. Einige von ihnen sind auf dieser Seite aufgeführt. Dies ist auf der Download-Seite , bis Version 23. Aber du kannst noch weiter zurückgehen, wenn du auf frühere Versionen klickst und wir immer noch 22.21 verfügbar haben Außerdem haben Sie für diese einfach die Anwendungsinstallationsprogramme heruntergeladen und je nach System das Offline-Installationsprogramm für Windows oder Mac OS verwendet das Offline-Installationsprogramm für Windows oder je nach System das Offline-Installationsprogramm für Windows oder Mac OS Das Gleiche gilt für 21. Apropos Plugin, ich werde die kostenlose Version für 21.22 in den Klassenprojektdateien bereitstellen 21.22 in den Klassenprojektdateien So installieren Sie es. Bei geöffnetem Cinema 4D. Sie möchten zu Bearbeiten und Einstellungen gehen. Dadurch werden die Einstellungen für die Anwendung angezeigt. Von hier aus möchten Sie nur zum Ordner Einstellungen gehen. Und hier wirst du die Dateien für das Plugin einfügen. könnt also hier sehen, ich bin heiß auf die 21, es ist die gleiche Version auch für R 22, das ist diese Version, die wir uns gerade ansehen. Dies sind die wichtigsten Plugin-Dateien. Es gibt auch drei DLL-Dateien, die wir an dem Ort platzieren müssen , an dem Cinema 4D installiert ist Also für mich sind das an diesem Ort meine C-Laufwerk-Programmdateien und dann maximal Cinema 4D 22. Und hier sind die drei DLL-Dateien , die mit dem Plugin geliefert werden. Um es noch einmal zu wiederholen Sobald Sie das Plugin im Plugins-Ordner installiert haben, platzieren Sie diese 3D-Zulassungsdateien hier. Und wenn wir wieder zu Cinema 4D zurückkehren und Sie Cinema 4D neu starten müssen Dafür können wir uns zum Beispiel ein Flugzeug besorgen , zu Erweiterungen gehen und wir haben hier komisches 4D. Wenn ich das reinbringe und in die Ebene ziehe, ist dies ihre grundlegendste Version ihrer Plugin-Untätigkeit So installieren Sie das Plug-in. Und noch einmal, das wird nur in Version 21.22 richtig funktionieren in Version 21.22 richtig Für spätere Versionen müssen Sie die kostenpflichtige Version des Plugins erwerben 3. Wie mir Ideen einfallen: Ich mache seit einigen Jahren Visuals und während dieser Zeit habe ich verschiedene Methoden verwendet, um Ideen zu entwickeln, und eine dieser Methoden ist es, existierende Kunstwerke einfach als Inspiration für meine eigene Arbeit zu verwenden , aber dann habe ich verwandeln Sie das in etwas anderes. Wenn ich also ein neues Projekt machen muss, werde ich oft damit beginnen, ein Stimmungsbrett voller Bilder und Beispiele zu erstellen, und dann verwende ich diese als Inspiration, wenn ich meine eigenen Szenen baue, und ich werde auf Dinge wie Farben, Komposition, und manchmal einfach nur herausfinden wollen, welche Elemente tatsächlich in die Szene gesetzt werden sollen. Andere Ideen entwickelten sich aus allgemeinen Themen und Genres und nicht aus einer bestimmten Quelle. Wenn Sie meine Arbeit verfolgen, werden Sie bemerkt haben, dass meine Bilder in nur einige verwandte Kategorien fallen und dies tendenziell Raum, Sci-Fi und Fantasie, und dann auch einige Retro-Mitarbeiter. Das liegt daran, dass das meine Lieblingsstile für die Arbeit sind. Diese Ozeanschleife basiert auf dem Thema Wasser. Eines Abends habe ich Tumblr durchsucht und bin über ein Stück gestolpert , das die Phänomene des Floating nennt, und ungefähr zur gleichen Zeit hatte ich gerade einen Song auf Spotify gehört, genannt Low Tide Explorations, und diese beiden Dinge zusammen lösten eine Idee in meinem Kopf, ein visuelles mit Wasser auszuprobieren, und als ich den technischen Prozess für die Erstellung von Wassersimulationen in Cinema 4D ausgearbeitet habe, setzte ich die Idee für ein paar Tage fort , und hier bin ich gelandet. Das war's. Nur ein kurzer Blick in einen Teil meines kreativen Prozesses, die allgemeine Idee ist, dass Sie Inspiration von fast überall nehmen können, solange Sie in der Lage sind, das in etwas zu verwandeln, das anders und einzigartig ist. 4. Tipps und Tricks für die Arbeit in Cinema 4D: In dieser Lektion werde ich schnell einige Tastenkombinationen und einige Tipps und Tricks für die Arbeit in Cinema 4D durchgehen . Dies ist wichtig, weil es uns ermöglicht, schneller zu arbeiten und unseren Workflow zu beschleunigen. Wenn Sie die Taste Nummer eins drücken und auf eine beliebige Stelle auf dem Bildschirm klicken, wird dies um das Ansichtsfenster schwenken. Wenn Sie die Taste Nummer zwei drücken und dann erneut mit der linken Maustaste klicken und dann nach links und rechts bewegen, wird dies vergrößert und verkleinert. Und dann, wenn Sie die Nummer drei drücken, wird dies umkreisen, wo immer Sie klicken. Wenn wir also sagen, in dieser Ecke hier drüben oder hier unten irgendwo, wohin Sie klicken, werden Sie hier umkreisen, und das Gleiche gilt für den Zoom. Wenn Sie also mit gedrückter Taste Nummer zwei auf der Tastatur dort klicken, werden Sie auf diese spezifischen Bereiche hineinzoomen . Sie können auch ein beliebiges Objekt hier auswählen, drücken Sie T, dies wird die Skalierung aufzurufen. So können wir jetzt einfach überall klicken und jedes Objekt, das wir ausgewählt haben, skalieren. Wenn Sie dann R drücken, wird die Drehung angezeigt, so dass Sie das Objekt auf diese Weise manipulieren können. Und wenn Sie fertig sind, können Sie die Leertaste drücken, um zurück zum normalen Auswahlwerkzeug zu springen , das verwendet wird, um unsere Objekte zu verschieben. Wir können Objekte auch sehr einfach in Cinema 4D kopieren. Wenn ich die Drehung dort mit ausgewähltem Objekt null stelle, wenn ich die Strg-Taste drücke und dann einen dieser Pfeile, die verschiedenen Achsen, wähle , kann ich dann einfach eine Kopie erstellen. Halten Sie einfach die Steuerung gedrückt, klicken Sie und ziehen Sie, und Sie machen eine Kopie in eine bestimmte Richtung. Wir können dies auch in der Objektliste hier tun, indem Sie Control halten und dasselbe, Sie ziehen einfach nach unten, um eine Kopie zu erstellen. Das ist ganz unkompliziert. Angenommen, Sie arbeiten in einer Szene und schwenken sich vom Objekt weg und verlieren es. Sie können die Umschaltsteuerung und Z drücken, um zur vorherigen Kameraposition zurückzuspringen. So macht Shift Control Z nur die Kamerabewegung rückgängig und lässt alles andere intakt. Es ist also eine schnelle Möglichkeit, wieder dorthin zu springen, wo man vorher gesehen hat. Sie können hier auch auf das Objekt in der Objektliste klicken. Und wenn Sie den Mauszeiger über das Ansichtsfenster bewegen und S drücken, wird es Sie wieder dorthin springen, wo sich das Objekt befindet, und Sie können es wieder finden. Das war's also. Weil wir diese verschiedenen Aktionen mehrmals im gesamten Projekt durchführen werden. Wenn wir die Tastenkombinationen kennen, wird es uns ermöglichen, viel schneller und effizienter zu arbeiten. Gehen wir zur nächsten Lektion über und fangen an, unseren Ozean zu bauen. 5. Den Ozean schaffen: Wir werden jetzt unsere Ozean-Simulation in Cinema 4D erstellen. Gehen Sie voran und laden Sie das Plugin aus den Klassendateien herunter. Wir werden anfangen, indem wir einfach schnell den Installationsprozess durchlaufen und dann anfangen, den Ozean zu bauen. In einem Cinema 4D starten wir mit einem Flugzeug, das von hier oben ist. Lassen Sie uns gehen, um mit Linien, Gouraud Schattierung mit Linien, so dass ich die Segmente sehen kann. Dies wird 5 Tausend Einheiten oder Zentimeter um 5 Tausend Zentimeter sein. Es wird 250 Segmente sowohl in der Breite als auch in der Höhe haben. Dann werden wir in unser HOT4D Plugin bringen. Das wird verwendet, um einen Ozean zu simulieren. Platzieren Sie das unter das Flugzeug, und wenn ich standardmäßig auf Play klicke, haben wir das hier. Dies ist unser kostenloses Plugin und es wird in den Klassendateien enthalten sein, und ich werde auch einen Link zum ursprünglichen Schöpfer hinzufügen, so dass Sie das auch überprüfen können. Um es zu installieren, möchten Sie zu Bearbeiten und Einstellungen gehen, und Sie möchten diesen Ordner Preferences öffnen, und hier finden Sie Plugins. Sie können sehen, dies ist, wo ich mein HOT4D Plugin installiert habe. Wenn ich das öffne, sieht es in diesem Ordner so aus, also wollen Sie auch tun. Platzieren Sie diesen Ordner an diesem Speicherort, auf den Sie zugreifen, indem Sie zum Ordner „Voreinstellungen“ gehen. Darüber hinaus möchten Sie dorthin gehen, wo Ihr Cinema 4D installiert ist. Es gibt einige zusätzliche Dateien, die mit dem Plugin enthalten werden, sie müssen sich an diesem Ort neben der eigentlichen ausführbaren Cinema 4D-Datei befinden. Wie auch immer, wenn Sie all das getan haben, starten Sie Cinema 4D neu, und wenn Sie das nächste Mal zu Erweiterungen gehen, wird das HOT4D-Plugin da sein. Lassen Sie uns weiter, wir können sehen, dass unsere Wellen hier einfach zu klein sind und sich etwas zu schnell bewegen. Während in diesem Beispiel sind die Wellen viel größer und sie bewegen sich viel langsamer, was der Szene ein Gefühl von Maßstab gibt, und es fühlt sich sehr groß an, im Gegensatz zu dem, was wir derzeit haben. Also müssen wir einige Einstellungen im Plugin ändern. Bevor wir dahin springen, verlängern wir einfach unsere Zeitlinie. Momentan sind es nur drei Sekunden. Machen wir das 18. Außerdem werde ich „Control D“ drücken, um meine Projekteinstellungen zu öffnen und ich möchte die FPS von 30 auf 24 ändern, was der Filmstandard FPS ist und das ist, was ich für die meisten meiner Projekte verwende. Gehen wir zum Plugin, in den Einstellungen wollen wir beginnen, indem wir die Ozeangröße von 400-3 Tausend erhöhen. Dann gehen wir zur Windgeschwindigkeit und stellen Sie das auf 120 ein. Dies wird die Wellen erweitern, aber wir müssen sie größer sein, also wird die ungefähre Wellenhöhe auf 100 gesetzt werden. Lassen Sie uns die Zeilen für einen Moment deaktivieren. Es bewegt sich hier immer noch zu schnell. Ich gehe in die Zeitskala und lasse das auf 0,2 fallen. Jetzt bewegt es sich viel langsamer, wie wir es im ursprünglichen Beispiel getan haben. Wenn ich nur vorwärts zum Ende hier springe, werden Sie einen leichten Sprung sehen, wie es geht zurück an den Anfang. Das liegt daran, dass dieses Time-Loop-Frame-Steuerelement nicht mit den Frames in unserer Animation übereinstimmt, wir haben insgesamt 432 Frames. Das ist 18 mal 24 FPS, was uns 432 gibt, lassen Sie uns das bis zu der Anzahl der Frames passen, die wir in der Animation haben. Zeitschleifenrahmen ist jetzt 432, was bedeutet, dass, wenn ich dies durchspiele, am Ende hier, es springt zurück zum Anfang und es ist eine nahtlose Loop-Animation. Als ich einige Tests machte, stellte ich fest, dass ein Zeitskalenwert von 0,175am besten funktionierte, was mir diese schöne langsame Bewegung gab. Wir können einige andere Einstellungen überprüfen, wie die Windrichtung, das ist ziemlich selbsterklärend. Dies ist im Grunde die Richtung, in der sich die Wellen bewegen, in Bezug auf Grad. Wenn ich, sagen wir 180, werden sich die Wellen in eine völlig andere Richtung bewegen, aber ich werde es bei 120 belassen, weil ich möchte, dass sich die Wellen weg und leicht nach rechts bewegen. Ein weiteres Steuerelement ist die [unhörbare], die, wenn Sie weit nach oben schieben, diesen Effekt erzeugt, wo er die Spitze der Wellen einklemmt. Aber wenn Sie hineinzoomen, beginnen wir zu sehen, dass sich die Wellen über sich selbst falten, und das wird nicht gut aussehen, also möchte ich das zu hoch drücken, vielleicht lassen Sie es bei etwa einem Maximum. Das ist eigentlich nicht so höhere Auflösung, diese Ozean-Simulation. Wir können dies noch weiter schieben, lassen Sie uns für die Breite und Höhe Segmente auf unserer Geometrie gehen. Ich werde das auf tausend mal tausend drängen, und Sie können sehen, wie sich die Detailliertheit erhöht. Dann auch im Plugin selbst; Gehen wir zur Ozean-Auflösung, setzen Sie dies auf, sagen wir 1024, und wieder wird der Detaillierungsgrad ziemlich viel erhöht. Aber jetzt, wenn ich versuche, dies wiederzugeben, können Sie sehen, dass es sehr langsam ist und wegen all dieser zusätzlichen Details nicht reagiert, so dass mein Computer diese Menge an Details einfach nicht verarbeiten kann. Das ist eine Einschränkung, mit der ich arbeiten musste, als ich die ursprüngliche Szene erstellte, ich musste einige ziemlich niedrige Einstellungen verwenden, aber es war nicht wichtig, weil ich immer noch mochte, wie es aussah, und ich versuchte nicht, eine hyperrealistische Rendering des Ozeans. Es war ziemlich stilisiert und ich war glücklich damit, wie es sowieso herauskam. Ich würde empfehlen, die gleichen Einstellungen zu verwenden, aber Sie haben die Möglichkeit, das so weit wie möglich zu schieben, und das könnte noch besser aussehen. Das ist es, wie Sie sehen können, dass es ein sehr einfach zu bedienendes Plugin ist, das es uns ermöglicht, einen Ozean sehr schnell mit nur wenigen Einstellungen zu erstellen. In der nächsten Lektion erstellen wir unseren Himmel im Hintergrund. 6. Den Himmel schaffen: Die ganze Farbe in unserer Szene kommt vom Himmel und vom Hintergrund, und die Reflexionen, die sie auf die Oberfläche unseres Ozeans wirft. Werfen wir einen Blick darauf, wie das funktioniert. Der Beleuchtungsstil in der Szene basiert hier ausschließlich auf Reflexionen. Es gibt keine echten Lichter in der Szene. Nur ein reflektierendes Material auf dem Ozean und eine Hintergrundebene mit einem Bild des Himmels. Hier sind einige Beispiele für die Art der Bilder, die am besten funktionieren werden. Im Allgemeinen wollen Sie etwas mit viel Farbe und mit einer Lichtquelle irgendwo in der Mitte des Rahmens wie Bilder von Sonnenuntergängen. Du könntest sogar etwas Fantastischeres tun. Einige Raum- oder Galaxiebilder. Hier ist ein weiterer Sonnenuntergang und so weiter, Sie bekommen die Idee. Im ursprünglichen Beispiel ist dies das Bild, das ich verwendet habe und Sie können sehen, dass die Sonne fehlt. Denn das ist etwas, das ich separat in Cinema 4D erstellt habe. Irgendwann kommen wir dazu. Bringen wir das hier rein und machen es zu einem Material. Lass es uns öffnen. Wir gehen zum Farbkanal und ziehen dieses Bild hier raus in den Luminanzkanal. Wenn ich das einschalte und Farbe und Reflexion ausschalte. Wir müssen das an etwas anbringen, das ein Flugzeug sein wird. Legen Sie die Ausrichtung auf Z plus fest. Wir müssen dies so einstellen, dass es das richtige Verhältnis ist, das das gleiche wie das Bild ist. Wenn wir das öffnen, können wir sehen, dass die Auflösung 1920 x 1080 ist. Also lassen Sie uns dasselbe für die Breite und Höhe tun, 1920 und 1080, und dann legen Sie dies auf die Ebene. Wir können sehen, dass es auf dem Kopf steht. Gehen wir also zur Orientierung und setzen Sie dies auf negativ Z. Jetzt steht es dem richtigen Weg nach oben. Ich werde es einfach dorthin bringen, wo der Ozean endet. Dies ist in die blaue Achse, die Z-Achse, die die Rückseite unserer Szene ist. Dann müssen wir es skalieren, um so weit wie unser Ozean zu sein. Ich werde eine Kamera holen, aber ich werde hier nichts ändern. Ich werde es nur durchschauen. Lassen Sie uns die Drehung, die Tonhöhe und die Position auf Null setzen . Also all das, einfach alles raus. Wenn wir aus der Kamera schauen, können wir sehen, dass sie in der Mitte der Szene ist. Jetzt wollen wir es zurück auf die gegenüberliegende Seite des Himmels bewegen , damit wir durch so viel Ozean wie möglich schauen können. Also lasst uns wieder reinspringen. An verschiedenen Stellen wird hier die Kamera unter Wasser eingetaucht. Wir werden das in der nächsten Lektion beheben. Lasst uns für den Moment einfach schnell ein Material für unseren Ozean erstellen. Doppelklicken Sie also irgendwo hier unten. Dann öffne dieses Material. Lass uns zur Farbe gehen und einfach dieses schwarz machen. In der Reflexion werden wir das Standard-Glanzlicht entfernen und dann eine Reflexion Legacy hinzufügen. Die Rauheit wird auf Null gesetzt und der Glanzeffekt wird ebenfalls Null Prozent sein. Wir wollen nur im Grunde ein Spiegelmaterial. So sollte nur eine 100% reflektierende und die Dämpfung hier auf additiv eingestellt werden, aber nicht viel anderes. Wenden Sie das einfach auf unseren Ozean an an. Wenn ich ein schnelles Rendern mache, haben wir das. Dies ist also der erste Schritt zum Beleuchtungsstil dieser Szene, wobei ein Himmelbild als Hintergrund und dann nur ein reflektierendes Material für den Ozean verwendet wird. Das ist es für unseren Himmel und unseren Hintergrund. In der nächsten Lektion machen wir unsere Kamera-Animation. 7. Kameraanimation: Bisher sieht unsere Szene sehr still aus, um dies zu beheben, werden wir unsere Kamera animieren. Sofort. Wenn wir durch unsere Kamera schauen und einfach die Animation abspielen, können wir sehen, dass die Kamera an mehreren Stellen unter Wasser landet, und auch die Kamera ist völlig still, weil sie noch keine Animation hat. Wir wollen beide Dinge ansprechen. Wir wollen die Kamera jederzeit über dem Wasser halten und ihr auch einige Animationen geben. Wenn man sich das Original hier anschaut, bewegt sich die Kamera langsam nach oben und unten und dreht sich auch von Seite zu Seite, das ist, was wir jetzt tun werden. Lassen Sie uns das nur für einen Moment minimieren und schauen Sie aus unserer Kamera heraus. Wenn ich zu Anzeige oder vielmehr Optionen gehe, lassen Sie uns die Ebenenfarbe aktivieren. Dies wird uns diese graue Vorschau aller Objekte in der Szene geben, und ich werde gehen, um mit Linien anzuzeigen, nur damit ich tatsächlich ein bisschen besser sehen kann, was los ist. durch unsere Kamera schauen, wollen wir die Rotation der Wellen nach oben anheben. Wenn ich „R“ für die Rotation drücke und diesen Winkel hier einfach herunterziehe, können wir sehen, dass die Wellen in der Entfernung im Rahmen höher werden und die, die näher an der Kamera sind, niedriger werden. Wir wollen das nicht zu sehr tun, weil wir nicht sehen wollen , wo die Wellen in den Horizont einbrechen. Wir wollen nur ein bisschen Neigung haben. Ich werde die Tonhöhe auf 2,5 Grad einstellen. Das ist die Drehhöhe, und auch das Hochkippen hilft, den Effekt zu verkaufen , dass es sich um eine große Ozeanoberfläche handelt. Wir wollen es so aussehen lassen, als ob der Ozean einfach in den Horizont verschwindet. Lassen Sie uns auch zur Kamera selbst gehen und sie einfach um etwa zwei Grad aufheben , nur um alles so nah wie möglich an der Mitte zu halten. Natürlich bedeutet das jetzt, dass wir einfach für einen Moment in diesen Modus zurückkehren müssen, unseren Himmel dort hinaufschieben müssen, damit er innerhalb des Rahmens enthalten ist. Scrub durch, nur um sicherzustellen, dass es nicht über den Horizontpunkt fällt. Wir wollen es nicht zu hoch haben, wo Sie den ursprünglichen Horizont sehen. Denken Sie daran, während Sie einige Änderungen vornehmen, und jedes Mal, wenn Sie nur durch und überprüfen möchten. Genau hier sehe ich, dass der Horizont dort sichtbar ist. Die Qualität dieses Bildes ist nicht hoch genug für die Vorschau. Gehen wir zum Editor im Material und setzen Sie die Texturvorschaugröße auf, sagen wir 1024. Jetzt können wir einfach ein bisschen besser sehen, was da los ist, und wenn ich es vergrößere, nur eine Berührung und dann etwas nach unten bewegen. Als nächstes wollen wir die Kamera animieren. Lassen Sie uns darauf klicken und zu den Koordinaten und in der y-Position bei Frame Null gehen. Mal sehen, wie weit wir es nach unten bewegen können, bevor wir die Oberfläche des Wassers berühren würden. Ich werde nicht zu weit gehen. Lassen Sie uns einfach zu negativ 100 gehen, um mit zu beginnen. Halten Sie „STRG“ gedrückt und stellen Sie diesen Schlüsselrahmen ein, und gehen Sie dann drei Sekunden vorwärts. Wenn ich hier drei eintippe, und diesmal ziehen wir nach oben. Gehen wir einfach zu, sagen wir Null und Schlüsselrahmen, die sich auf sechs Sekunden bewegen. Ich bewege mich jedes Mal in drei Sekunden-Schritten. Gehen wir runter auf etwa negative 20. Das Wasser ist diesmal viel näher, so dass wir nicht zu tief gehen können, und wir bewegen uns wieder auf neun Sekunden. Dieses Mal sagen wir 40 Zentimeter. Ich beäuge das nur jedes Mal, und abhängig von der Wellenverteilung Ihrer Szene, können Sie am Ende einige verschiedene Zahlen verwenden. Dieses Mal gehen wir zu negativen 40. Wählen Sie den Schlüsselrahmen, ich glaube, ich habe x-Position dort zufällig eingegeben. Das soll etwa 40 sein. Lassen Sie uns noch einmal auf 15 Sekunden weitermachen, und ich bin nur abwechselnd zwischen dem Aufstieg und dem Rückzug wieder nach unten. Lassen Sie uns diesmal auf negative 50 gehen. Setze diesen Schlüsselrahmen, und natürlich muss der letzte Schlüsselrahmen negativ 100 sein, was das gleiche ist wie an dem Ort, an dem wir begonnen haben. Das ist wichtig, weil wir wollen, dass diese Animation noch looping. Gehen wir zu Fenster und Zeitleiste, damit wir diese Animation sehen können. Wir haben gerade diese Keyframes erstellt, die Position y. ich versehentlich animierte Position x, lassen Sie uns das einfach löschen. Dieser Schlüsselrahmen ging tatsächlich tiefer als die vorherigen, wir wollen das tatsächlich heraufbringen, damit wir diese Auf- und Abwärtsbewegung beibehalten. Aber jetzt sehen wir, wie sich die Kamera langsam mit der Bewegung des Ozeans nach oben und unten bewegt. Neben der Bewegung nach oben und unten sollte die Kamera auch nebeneinander drehen, also werde ich nur einen ähnlichen Prozess wiederholen, aber mit dem Rotationsbanking. Das ist der letzte hier. Wir wollen diese Neigung von links nach rechts machen. Nicht viel. Ich werde das jedes Mal um ein Grad machen. Beginnen wir mit einem, lassen Sie uns einen Schlüsselrahmen setzen. Bewegen Sie sich auf drei Sekunden vorwärts, und setzen Sie einen negativen, und setzen Sie diesen Schlüsselrahmen, sagen wir sechs Sekunden. Wir könnten dies in diesem Vorschaufenster weiter tun, oder wir können zu Timeline gehen. Schauen wir uns diese ersten beiden Schlüsselrahmen an, und wenn ich beide mit dieser Leiste oben auswähle, kann ich STRG halten und dies einfach quer kopieren, und ich folge nur den gleichen drei Sekunden-Schritten. Sie können sehen, dass es diesen Wippeffekt erzeugt. Ich denke, für den letzten kopieren wir nur den einen Frame bis zum Ende genau dort. Solange der erste Frame der gleiche Wert wie der letzte ist, werden wir unsere Loop-Animation noch einmal beibehalten. Jetzt bewegt sich die Kamera nach oben und unten und dreht sich auch von Seite zu Seite. Nun wird die Drehung dort mit der Aufwärts- und Abwärtsbewegung synchronisiert. Lassen Sie uns dort eine kleine Änderung vornehmen. Ich werde das letzte Paar von Schlüsselbildern hier löschen und dann diese gesamte Spur auswählen und dann einfach erweitern, um die gesamte Timeline auszufüllen. Jetzt passt es nicht mit der Auf- und Abwärtsbewegung der Kamera überein. Es wird nur leicht versetzt werden, und ich würde sagen, dass dieses Ergebnis ein bisschen organischer ist, bevor es vielleicht ein bisschen zu einheitlich aussah. Aber wie auch immer, das wäre es für die Animation, wir können einfach einen neuen Frame hier sehen, um zu sehen, wie es aussieht und nur einige andere Frames überprüfen. Generell möchten Sie Wellen vermeiden, die zu nahe an die Kamera kommen , denn das könnte etwas zu seltsam aussehen. Aber ich würde sagen, was wir jetzt haben, sieht gut aus. In Ordnung, und wenn unsere Kamera-Animation fertig ist, können wir weitermachen und die anderen Elemente in unserer Szene erstellen. 8. Die Sonne schaffen: In dieser Lektion werde ich Ihnen zeigen, wie ich die Sonne in der Ferne erstellt und wie ich sie auf das ursprüngliche Himmelbild gemischt habe. Also, als ich das ursprüngliche Projekt kreierte und ich zu dieser Bühne kam, mochte ich sehr, wie es insgesamt mit diesem Bild als Hintergrund und wie es von der Meeresoberfläche reflektiert wurde. Aber ich hatte das Gefühl, dass ich etwas hinzufügen könnte, um es nur ein bisschen besser zu machen. Und diese Idee war nur, ein Sonnenlicht dort zu setzen. Nun, wenn Sie bereits ein Bild mit einer Sonne darin verwenden, oder sagen wir etwas völlig anderes. Vielleicht eines dieser Raumtyp-Bilder, dann wird dies nicht für Ihr Projekt gelten. Aber im Interesse, dir nur zu zeigen, wie ich mit diesem Blick hier gelandet bin. Ich schließe diese Lektion in die Klasse ein, nur um dir genau zu zeigen , wie ich mit so etwas gelandet bin. Also gehen wir zu unserer Szene hier, und ich werde eine Scheibenform einfügen. Setzen wir die Ausrichtung auf Z Plus und bewegen Sie sie dann einfach nach hinten, direkt bei unserer Himmelsebene. So ungefähr dort so nah wie möglich, aber nicht vollständig an der gleichen Stelle. Schauen wir uns durch die Kamera und ich werde T drücken, um eine Skalierung zu bringen , nur damit wir das eine Berührung vergrößern können. Und dann lassen Sie es einfach nach oben bewegen. Ich werde meinen interaktiven Render-er aktivieren. Wenn ich ALT und R drücke, öffnet sich dieses Fenster, dem ich dann nur einen bestimmten Teil des Rahmens in der Vorschau anzeigen kann. Wenn ich Änderungen an der Szene vornehme, wird sie automatisch aktualisiert. Lassen Sie uns die Größe dieses Fensters erweitern und der Qualitätsschieber ist hier ganz oben, so dass wir eine hochwertige Vorschau erhalten. Ich werde hier doppelklicken, um ein neues Material für die Sonne zu erstellen. Sie können sehen, dass ich schon vorher angefangen habe. Also gehen wir zurück zum Anfang. In diesem gehen wir zur Luminanz und schalten das und schalten dann Reflexion und Farbe aus. Lassen Sie uns dieses Material auf die Sonne oder die Scheibenform legen und im Luminanzkanal bauen wir eine benutzerdefinierte Schatten-r. Also lasst uns zur Textur gehen. Setzen Sie hier einfach einen Farbverlauf ein. Gehen wir zum Typ des Gradienten und ändern Sie dies von 2D-U zu 2D-V, so dass es vertikal ist. Und die oberste Farbe, die hier auf der linken Seite ist, wird sagen wir, eher eine Orange sein. Vielleicht etwa 60% Sättigung. Und dann wird die untere Farbe sein, eher ein Rot. Ein bisschen entsättigt auch. Lass uns zur Helligkeit gehen. Dies ist auf, im Luminanzkanal auf der Hauptebene. Die Helligkeit davon, lassen Sie es auf 250 setzen. Und der Mix-Modus wird so eingestellt, dass er multipliziert wird. Damit es tatsächlich die Helligkeit ändert, wenn wir sie hier oben ändern. Sagen wir mal 150. Wir kriegen so etwas. 250 ist noch heller. So es so hell zu machen, kann es erscheinen, als wäre es einfach komplett ausgeblasen. Aber es setzt in ein bisschen mehr Farbe in die Highlights, die wir auf dem Ozean dort bekommen. Wenn das nur reinweiß wäre, bekommen wir nicht einige dieser Töne, die beginnen, in unsere Farben zu bluten. Deshalb habe ich diesen Gradienten dort reingesteckt. Wie auch immer, gehen wir zum Alpha-Kanal, denn im Moment, wenn wir uns das ansehen, ist es einfach völlig hart. Während hier drüben, die Kanten etwas weicher und wir haben es auch mit dem ursprünglichen Himmelbild gemischt. Das wird also im Alphakanal stattfinden. Beginnen wir mit dem Erstellen eines weiteren Gradienten. Und dieses Mal wird es ein 2D-Kreisverlauf sein. Und Sie können sehen, was hier vor sich geht. Die schwarzen Teile des Farbverlaufs lassen diesen Teil des Schattierten verschwinden. Und dann ist das Weiß, wo die Pixel noch da sind. Das ist also nur ein Schwarz-Weiß. Also, was wir tun wollen, ist dies invertieren, so dass das Innere völlig undurchsichtig ist. Aber dann wollen wir mit den Gradienten Griffe hier eine weiche Kante um unsere Sonne schaffen. Und wenn Sie sie weiter ausräumen, wird das zu einem weicheren Übergang oder einer weicheren Kante führen. Nehmen wir all das und legen Sie es in eine Schicht. Und sobald ich das mache, siehst du, dass es nicht mehr funktioniert. Das liegt daran, dass wir dieses Bild Alpha entfernen müssen. Es funktioniert gut, wenn wir nur einen einzigen Schatten-r auf dieser Ebene erstellen. Aber innerhalb einer Ebene mit mehreren Schatten-Rs müssen Sie dann zurückkommen und den Schalter einfach entfernen, damit er weiter funktioniert. Wie auch immer, innerhalb der Ebene können Sie nur Clip dies zu springen. Und unter Schatten-r werden wir einen weiteren Gradienten bekommen. Und dieses Mal wird es auch 2D-V sein . Weil ich das benutzen möchte, um die Sonne hier von unten zu verblassen. Wenn ich also diesen Farbverlauf umkehre, kannst du sehen, was das mit der Sonne antut. Lassen Sie uns die beiden Schatten-Rs kombinieren und diesen Mischmodus auf der obersten zu multiplizieren setzen. Es ist tatsächlich in unserer Vorschau hier invertiert, aber das liegt daran, dass die Scheibenform auf Z plus gesetzt ist. Wenn es Z-Minus wäre, könnten wir das richtig aufbauen, aber wir arbeiten nur kopfüber. Es ist nicht wirklich ein großes Problem. Also jetzt verblasst die Sonne ein bisschen, aber ich möchte die Stärke dieses Effekts auf etwa 70% senken. Es ist also nicht vollständig verblasst. Und als nächstes werde ich einen Rauschschatten-r erstellen. Also, das wird gerade unter Schatten-r und Lärm gefunden. Und lasst uns hier reinspringen. Wir wollen die relative Skala einstellen. Wir haben X, Y und Z hier. Die X-Skala sollte 1000 sein. Es wird das Rauschmuster ausstrecken, wie wir hier sehen, aber es ist zu klein. Also der Raum hier, lasst uns das von Textur zu UV-2D ändern. Und das wird ein größeres Rauschmuster erzeugen. Vielleicht ist es nicht so klar, was genau da passiert. Also, wenn ich gehe nach unten zu niedrigen Clip und hohen Clip. Ich möchte mehr Kontrast in diesem Rauschmuster schaffen. Wenn ich den niedrigen Clip auf etwa 20% erhöhen. Es macht die dunkleren Teile des Rauschs noch dunkler, was mehr Kontrast schafft. Jetzt sehen wir die Streifen unserer Sonne. Und ich dachte, das wäre eine nette Art, Wolken zu simulieren, die sich vor der Sonne bewegen. Das ist also etwas hinter diesen Wolken. Jetzt sieht es nicht sehr realistisch aus, ich bin mir sicher. Aber nur aus einer stilistischen Sicht habe ich das bevorzugt, als nur eine feste Sonne dort zu haben. Stattdessen. Lassen Sie uns einfach diese Ebene auch multiplizieren und nur um alles zusammen zu verschmelzen. Ok. Und das ist es für die Sonne. So verwenden Sie verschiedene Arten von Schatten-Rs im Cinema 4D und das Schichtsystem im Alpha-Kanal. Ich war in der Lage, die Sonne über das Originalbild zu mischen. Für Ihre eigene Szene könnte es natürlich anders sein. Möglicherweise verwenden Sie bereits ein Bild mit einer Sonne darin. Das gilt also nicht. Aber Sie kennen die Technik und sie kann anderswo anders in anderen Projekten angewendet werden. Wie auch immer, weitermachen. Wir werden jetzt unsere atmosphärischen Effekte erzeugen. 9. Nebel- und atmosphärische Effekte: Wir werden nun etwas Nebel und Atmosphäre zu unserer Szene hinzufügen, und dies sollte helfen, nur zusätzliche Tiefe und Dimension zu dem, was wir bisher haben, hinzuzufügen. Wenn wir Nebel in die Szene setzen, wird es zwei Zwecken dienen. Eins, offensichtlich, der Nebeleffekt selbst. Wir haben den Rutsch-Dunst in der Ferne. Zweitens gibt es Teile unseres Bildes, die komplett schwarz dargestellt werden. Siehst du hier drüben, das wird dazu beitragen, etwas von diesem Detail hervorzuheben , indem es auch etwas anderes zu reflektieren hat. Lasst uns das einfach bauen. Wir bringen einen physischen Himmel ein. Lassen Sie uns noch einmal unseren interaktiven Renderer aktivieren. Am physischen Himmel werden wir den Himmel selbst und die Sonne abschalten. Dann wollen wir den Nebel einschalten. Gehen wir zu den Nebeleinstellungen und unter Farbe, ich werde dies nur vorübergehend hier oben deaktivieren und dann eine Farbe aus unserem Bild auswählen. Also eine dieser wärmeren Farben, vielleicht machen es mehr rosa mit einer Sättigung von etwa auf halbem Weg, 50 Prozent. Je nachdem, welches Bild Sie im Hintergrund verwendet haben, möchten Sie nun eine Nebelfarbe auswählen, die dazu passt. Dies ist nur für dieses Beispiel. Es ist zu dicht, also lassen Sie uns die Dichte auf, sagen wir etwa 20 Prozent. Ich werde die Starthöhe auf negativ 2.000 einstellen, was unter dem Bodenniveau liegen wird. Die Höhe wird das Gegenteil sein, positive 2.000. Dies wird den Effekt stärker machen oder stärker erscheinen. Gehen wir noch einmal zu dieser Dichte und lassen sie dann auf vielleicht die Hälfte fallen. Sagen wir mal 10 Prozent. Sehr schnell haben wir unseren Nebel- und Atmosphäreneffekt erzeugt. Dies ist der Unterschied mit und ohne, und unser Sonnenlicht hier als auch in der Intensität gesenkt. Das liegt daran, dass wir es durch eine Nebelschicht betrachten. Wir müssen es heller machen, um das zu kompensieren. Wenn ich das öffne und zur Luminanz gehe, stellen wir die Helligkeit auf 300 Prozent ein. Nur ein bisschen höher, und wir können das gleiche für unser Himmelbild tun. Gehen wir zur Helligkeit und vielleicht stoßen sie auf nur etwa 120, kein großer Unterschied, kein großer Unterschied, aber der gemischte Modus sollte auch gesucht werden, um zu multiplizieren damit dies funktioniert, und das ist der Unterschied dort. Da wir den Nebeleffekt in Cinema 4D verwenden, werde ich Ihnen eine Störung zeigen, die immer dann auftreten wird, wenn Sie Nebel benutzen. Lassen Sie uns diesen einen Frame für unseren Bild-Viewer zum Vergleich rendern. Wenn ich hier und im Ausgabe-Abschnitt zu den Rendereinstellungen gehe , legen wir die Breite auf 120 und die Höhe auf 1080 fest. Der Rahmenbereich ist nur auf den aktuellen Frame eingestellt und ich werde antike speichern, weil wir das nirgendwo speichern wollen. Wir wollen es nur an den Bild-Viewer ausgeben. Lassen Sie uns das für einen Moment minimieren. Ich werde das Projekt speichern und schließen. Datei, Schließen. Ohne etwas zu ändern, können Sie einfach das Projekt erneut öffnen und den gleichen Rahmen für den Bild-Viewer rendern. Rahmen 96. Wenn wir uns das SIP zum ersten Mal ansehen, könnte es ähnlich genug aussehen , aber wenn ich es mit dem vorherigen Frame vergleiche, können Sie sehen, dass auf dem ursprünglichen Frame der Nebel richtig gerendert wurde, aber auf dem neuen ist der Nebel fast verschwunden. Dies geschieht jedes Mal, wenn Sie Nebel in Cinema 4D verwenden und ein Projekt schließen und es erneut öffnen. Cinema 4D initialisiert nicht neu, wie der Nebel standardmäßig aussehen soll. Daher müssen wir Cinema 4D dazu zwingen. Der beste Weg ist, einen dieser Werte zu animieren. Nehmen wir an, die stat-Höhe bei Frame Null, ich werde dies einfach auf negative 1.999 setzen. Setzen Sie den Schlüsselrahmen, bewegen Sie einen Frame vorwärts zu Frame 1, und setzen Sie ihn dann auf das, was es sein soll, was negativ ist 2.000, und dann Key-Frame das. Indem Sie diese leichte Änderung zwischen Frame Null und eins vornehmen, wird Cinema 4D dazu zwingen, den Nebel von diesem Frame und dem Rest der Animation korrekt zu rendern . Es bedeutet, dass wir diesen ersten Frame noch verlieren können, aber da dies eine Schleife ist, ist der erste Frame unserer Animation identisch mit dem letzten Frame. Wir werden sowieso immer den ersten Frame aus dem endgültigen Rendering herausnehmen. Wenn es falsch gerendert wird, spielt es keine Rolle, weil es aus der endgültigen Sequenz entfernt wird. Wie auch immer, das ist die Nebelstörung in Cinema 4D. Es ist nur eine seltsame Eigenart in der App, die es seit Jahren gibt und es immer noch nicht behoben wurde. Bis es behoben wird, muss ich es erwähnen, nur damit jedes Projekt korrekt gerendert wird. Okay, und das war's für den Nebel. In der nächsten Lektion sehen wir uns andere Möglichkeiten an, unsere Szene so zu verändern, dass sie anders aussieht. 10. Verschiedene Himmel schaffen: In dieser Lektion werden wir verschiedene Arten von Hintergründen ausprobieren , damit wir unsere Szene anders aussehen lassen können. Dies ist das erste Bild, das ich ausprobieren möchte. Ich habe bereits ein schnelles Setup gemacht. Es ist die Milchstraßengalaxie, und insgesamt mag ich sie wirklich. Die Reflexionen des Wassers dort sehen schön aus, aber weil das Originalbild ein Quadrat ist, kann ich diese Kanten hier von der Ebene sehen, auf die ich es platziert habe. Ich müsste dieses Bild ändern, bevor ich es in diesem Projekt verwenden kann. Das ist es in Photoshop. Was ich tun werde, ist nur das ursprüngliche Quadratverhältnis zu behalten, aber nur um es viel größer zu machen, also sagen wir vielleicht so etwas. Lassen Sie uns eine neue Ebene für den Hintergrund erstellen, und ich werde diese mit einer Farbe aus dem Original bearbeiten und füllen. Was auch immer die dunkelste Farbe vom Original stammt, lassen Sie uns das auswählen. Speichern wir es in unserem Ordner mit den verschiedenen Bildern und sehen, ob wir mit dieser sehr schnellen Anpassung davonkommen können. Wenn wir in der neuen Version in Cinema 4D bringen, und klicken Sie einfach auf „Nein“ hier und die gleiche Behandlung. Lassen Sie es uns zum Luminanzkanal bringen und dann einschalten, die Farbe ausschalten, und wir werden es auf diese neue Himmelsebene anwenden. Ich habe gerade eine Kopie des vorherigen Flugzeugs gemacht und dann ein Quadratverhältnis verwendet. Dies sind 3.000 mal 3.000, und dann, wenn ich T für die Skalierung drücke, kann ich dies so groß machen, wie ich will, also sagen wir über dort. Diese Vorschau ist ziemlich schrecklich. Gehen wir zum Editor und setzen Sie die Vorschaugröße auf, sagen wir, 2.000, und standardmäßig sieht es so aus. Wir haben das Kantenproblem behoben, aber jetzt braucht das Bild selbst etwas Arbeit, also lassen Sie uns unser interaktives Rendern bekommen. Öffnen Sie dieses Bild. Im Luminanzkanal werde ich dieses Bild in einen Filter bringen, also öffne die Textur und gehe zu Filter, und dann, hier, wollen wir ein paar Dinge tun, na ja, ziemlich viele Dinge. Sagen wir, das Gamma, wir können das auf 0,7 fallen lassen. Dies wird dazu beitragen, Kontrast im Originalbild zu schaffen, und das wird die Grenze wegnehmen, die wir vorher gesehen haben. Es ist fast weg, aber es ist immer noch da. Wenn ich zu Clipping gehe und das aktiviere, machen wir einen niedrigen Clip von nur einem Prozent. Es ist ein sehr sensibler Wert, so dass Sie es nicht zu weit schieben müssen. Lassen Sie uns die Sättigung auf etwa 15 Prozent erhöhen, vielleicht sogar bis zu 20, und dann, die Gesamthelligkeit im Luminanzkanal, lassen Sie uns dies auf 150 setzen. Der Mix-Modus, werde ich auf Multiplizieren setzen. 150 könnte einfach ein bisschen zu viel sein, gehen wir für 125. Ich habe auch unseren Nebel in diese blaue Farbe geändert, die Endhöhe wurde auf 1.000 gesenkt, und die Dichte ist bis zu 20 Prozent zurück, nur um dieses neue Hintergrundbild anzupassen. Wie auch immer, das ist nur ein Beispiel dafür, was wir mit unserer Szene machen können. Lassen Sie uns etwas ausprobieren, das ganz anders ist. Ich werde es auf dem Bild hier versuchen, sagen wir, dieses hier genau. Bringen Sie es in unsere Szene, bringen Sie es in den Luminanzkanal, genau wie wir es bei den anderen Bildern getan haben. Das Verhältnis für dieses Bild beträgt 3.941 mal 2.217. Lassen Sie uns eine Kopie der vorherigen Ebene erstellen. Machen Sie 3.941 von 2.217 und schließen Sie dies. Lassen Sie uns es tatsächlich aktivieren, damit wir es sehen können. Lassen Sie uns stattdessen unser neues Bild platzieren. Dies muss nur hochskaliert werden, um den gesamten Hintergrund zu füllen. Es muss nicht größer sein, als es sein muss, also hier. Ich beobachte nur noch einmal die Horizontlinie. Nur eine kurze Vorschau. Wir können jedoch einige Anpassungen daran vornehmen. Lassen Sie uns unser interaktives Rendern bekommen, und ich werde damit beginnen, mehr Kontrast zu schaffen. Wenn ich dieses Bild nehme und es in einen Filter lege, nur das Drop-down-Menü hier und Filter, lass uns das öffnen, zum Gamma gehen und ich werde es auf 0,8 fallen lassen, und dann, auf dieser Ebene, werde ich setzen Sie die Helligkeit auf 150 und den Mischmodus auf Multiplizieren, damit der Effekt erzielt wird. Dies könnte im Allgemeinen ein bisschen zu stark sein, aber ich möchte die Helligkeit dieser Farben, die wir hier sehen, die wärmeren Farben halten und dann die blauen Farben darüber verdunkeln, also würde ich alles, was ich bisher habe, nehmen und es in eine Ebene. Hier drin, lassen Sie uns einen Gradient-Shader bekommen. Setzen wir das auf 2D-V, und wenn ich für einen Moment aus der Kamera springe, können wir sehen, dass die schwarze Farbe hier unten ist, also müssen wir einfach wieder in unseren Shader springen und die Knoten invertieren. Wir wissen, dass unsere Horizontlinie irgendwo hier drüben ist, was etwa ein Viertel des Weges nach oben ist. Lassen Sie uns das mit diesem Griff hier übereinstimmen, aber ich möchte den oberen Teil des Bildes verdunkeln, also wird das nur ein bisschen weiter unten bringen und vielleicht sogar diesen Griff hier auch. Wenn wir zurück gehen, lassen Sie uns den Mischmodus auf Multiplizieren setzen. Dies wird den oberen Teil des Bildes ziemlich viel verdunkeln. Sie können den Unterschied ein- und ausschalten sehen. Das könnte zu viel sein. Probieren wir es einfach aus und sehen, wie es aussieht, und eigentlich ist es nicht so schlimm. Es war nur ein bisschen zu viel Blau vorher, denke ich, während es jetzt nur ein bisschen mehr gedämpft ist. Wir können natürlich noch weitere Anpassungen vornehmen. Dies ist vorher mit all dieser blauen Farbe, und das ist mit unserem neuen Farbverlauf. Wir können es vielleicht auf etwa 85 Prozent für die Deckkraft senken, also nehmen wir es nicht vollständig weg. Wir verwenden den Nebel aus dem vorherigen Galaxiebild, eigentlich nicht so schlecht aussieht, aber ich denke, lass es uns vielleicht ein bisschen mehr Cyan, weniger Blau hier vielleicht machen , nur um einen anderen Ton zu erzeugen. Wir können die Dichte vielleicht auf etwa 15 Prozent senken. Wie auch immer, das ist die Technik, Sie können jedes Bild als Hintergrund verwenden, und wenn ein bestimmtes Bild nicht perfekt ist, um damit zu beginnen oder es nicht ganz gut funktioniert, gibt es einige Dinge, die Sie tun können, um es in Cinema 4D anzupassen, wie ich gerade gezeigt habe Sie dort. In Ordnung. Das war's für diese Lektion. Ich ermutige euch, das gleiche zu tun und verschiedene Himmelshintergründe zu verwenden und zu experimentieren und einfach versuchen, etwas Spaß damit zu haben und zu sehen, was Sie schaffen können, das ist anders. 11. Schwebende Objekte über dem Ozean: Ich wollte weiterhin verschiedene Möglichkeiten entwickeln etwas anderes mit dieser Art von Szene zu schaffen. Das ist es, was ich gefunden habe, ein schwebender Mond auf der Oberfläche des Ozeans. Es ist eine ziemlich surreal aussehende Szene. Der technische Prozess, dass dieses Tool ist ziemlich interessant. Lass uns reinspringen und sehen, wie das funktioniert. Hier ist eine fantastischere Art surreale Version unserer Szene. Auf eine Weise nahm ich den Mond und ließ ihn auf unserer Meeresoberfläche schweben. Ich werde Ihnen zeigen, wie das geht. So sieht es aus. Ich habe gerade ein paar Dinge über die Szene geändert. Das Wassermaterial ist das gleiche, aber ich habe stattdessen ein sterngefülltes Bild für den Hintergrund verwendet. Wenn ich dir nur zeige, wie das aussieht. Im Luminanzkanal haben wir dieses Bild direkt hier. Ich führe dies einfach durch einen Filter, der mit dem Gamma-Set 2.5 ist, und diesen Colorize-Schalter, um es in ein Schwarz-Weiß-Bild zu verwandeln. Der Nebel ist größtenteils gleich oder ähnlich dem, was wir bis zu diesem Punkt getan haben. Nur ein blauer Nebel mit einer Starthöhe von -2.000 und einer Höhe von 2.000, Dichte auf 10 Prozent eingestellt. Nur dieses Bild hier als Material für mein Mondobjekt benutzte, so konnte ich diesen Stil kreieren. Lassen Sie uns nun über die technische Einrichtung gehen, um jedes Objekt auf unserer Ozean-Simulation schweben zu lassen. Wenn ich zum HOT 4D Plug-in gehe, lassen Sie uns die Wellenhöhe ändern, um sagen 200, ganz extrem hier und Sie können sehen, dass unser Objekt darauf reagiert. Wenn diese Wellen von unten kommen, hebt es das Objekt. Es ist, als ob es wirklich darüber schwebt. Nehmen wir an, ich gehe ein paar Schritte zurück und starte dieses Setup noch einmal. Ich werde auch zu Optionen und Ebenenfarbe gehen , so dass Sie nur ein bisschen einfacher sehen können, was in unserer Szene vor sich geht. Lassen Sie uns eine Kugel bekommen und ich werde die Größe auf 700 mal 700 einstellen, oder nur einen Radius von 350 und ich möchte dies in ungefähr die Position verschieben, an der es an der Ozeanoberfläche befestigt werden soll. Ich habe es nur näher an unsere Kamera gebracht und seine Position auf -500 Zentimeter eingestellt. durch unsere Kamera schauen, ist dies die Art von Ansicht, die wir bekommen.Dann, während Sie die Alt-Taste gedrückt halten, werde ich ein neues Null-Objekt einfügen. Wenn ich ein neues Objekt einfüge,wird es automatisch zu einem übergeordneten Objekt des ausgewählten Objektsund erbt die gleichen Koordinaten. Wenn ich ein neues Objekt einfüge, wird es automatisch zu einem übergeordneten Objekt des ausgewählten Objekts Die Positions- und Drehungseigenschaften werden automatisch auf das neue übergeordnete Element vererbt. Unser neuer Nullpunkt befindet sich an der gleichen Stelle wie die Kugel. Dies ist das Null-Objekt, das ich verwenden werde, um diese Kugel an einem bestimmten Punkt auf unserem Ozean zu verankern . Wenn ich diesen Anker aufrufe, lasst uns dann mit der rechten Maustaste klicken und zu Rigging-Tags gehen und wir wollen diese Einschränkung finden. In älteren Versionen von Cinema 4D wäre dies unter Zeichen-Tags gewesen, aber in Version 21 wurde es auf Rigging-Tags verschoben, dann sieht das Menü etwas anders aus. Wie auch immer, Sie möchten dieses Constraint-Tag finden. Bringen wir das rein. Wir wollen zu den Constraints gehen. Dies ist in den Optionen dieses Tags, und wir wollen Clamp aktivieren. Dies wird eine neue Registerkarte erstellen. Lass uns dazu navigieren. Wir wollen unseren Mond an die Oberfläche des Ozeans festhalten. Dies Um zu steuern, ändern wir es von Ursprung zu Oberfläche. Die Zielfläche wird unser Ozean sein. Wir müssen diese Ebene ziehen und sie in diese Ziel-Link-Box einfügen. Wenn ich das mache und einfach durch meine Zeitachse schrubbe, kann ich jetzt sehen, wie sich unsere Sphäre mit der Bewegung der Wellen nach oben und unten bewegt. Das ist die grundlegende Einrichtung, jedes Objekt an die Oberfläche eines anderen anzubringen. Der Grund, warum ich dasConstraint-Tag an das Null-Objekt anstatt direkt an die Kugel angefügt habe, besteht übrigens Constraint-Tag an das Null-Objekt anstatt direkt an die Kugel angefügt habe, darin, dass ich den Ankerpunkt behalten und dann zur Kugel selbst gehen und seine relative Position zum Anker ändern kann . Wenn ich möchte, dass mehr von diesem Objekt über der Oberfläche liegen, kann ich es nach oben verschieben. Da sich der Anker oben befindet, wird er an diesem Punkt immer noch angebracht. Aber jetzt kann ich mehr von meinem Objekt sehen. Das ist der Grund, den Anker vom eigentlichen Objekt selbst zu trennen. Eine weitere Kontrolle, die wir hier einstellen müssen, ist in der Klemme. Wir müssen diese Position verriegeln. Das ist diese Kontrolle genau hier. Dies wird sicherstellen, dass unser Objekt nicht kontinuierlich von seinem anfänglichen verankerten Punkt abdrift. Es wird immer an der gleichen Stelle bleiben und nur auf die Wellen reagieren, die vorbeigehen. Wenn dies nicht markiert ist, können Sie einen Unterschied feststellen, wo das Objekt langsam driftet und dann wird das die Schleifenillusion brechen. Wie auch immer, lassen Sie mich Ihnen zeigen, wie ich die Schattierung für den Mond gemacht habe. Wenn ich das Interaktive Rendern wieder aktiviere, gehen wir in unseren Bilderordner und erhalten unsere Mondtextur. Ich werde das einfach auf den Mond anwenden. Nehmen wir an, wir möchten einen anderen Teil des Bildes sehen. Wir können es drehen. Ich mag das hier ganz. Im Moment kann ich sehen, dass das Standardlicht eingeschaltet ist. Lassen Sie uns ein neues Licht einfügen und seine Intensität ganz unten auf Null setzen. Dann werde ich ein unendliches Licht bekommen, das omnidirektional ist, was bedeutet, dass es nur aus der Richtung erscheint, aus der es zeigt. Wenn ich es bewege, können Sie die Auswirkungen auf unser Mondobjekt sehen. Ich möchte diese Art von Look kreieren , wo es meistens an der Oberfläche leuchtet, die wir betrachten. So etwas vielleicht und ich kann zum Licht gehen und seine Intensität auf 150 einstellen , nur um das wirklich aufzuhellen. Um sicherzustellen, dass unser Mond das einzige ist, was von diesem Licht beleuchtet wird, möchten wir auf die Registerkarte Projekt gehen und die Kugel in diese ziehen und den Modus von Ausschließen auf Einschließen ändern. Dies ist das einzige Objekt, das jetzt von der Folie betroffen ist. Das ist ein kurzer Tipp. Wenn bestimmte Lichtquellen nur auf bestimmte Objekte wirken sollen, sollten Sie diese Registerkarte „Projekt“ verwenden und dann das Menü „Einschließen“ oder „Ausschließen“ verwenden , um auf bestimmte Objekte zuzugreifen. Um fortzufahren, haben wir ein Glanzlicht oder ein Highlight auf unserem Mondmaterial. Lass uns hier reinspringen. Es ist im Reflexionskanal. Lassen Sie uns einfach das Standard-Glanzlicht ausschalten. Es wird etwas schaffen, das gleichmäßiger ausgeleuchtet aussieht. Dies wäre ein Ansatz, um diese Szene mit einem unendlichen Licht zu beleuchten. Alternativ können wir ohne Lichtquellen fortfahren und einfach den Luminanzkanal in unserem Material verwenden. Wenn ich das unendliche Licht ausschalte, gehen Sie zu unserem Material und verschieben Sie es vom Farbkanal in die Luminanz. Stattdessen ist es viel flacher, weil es kein gerichtetes Licht von der Sonne gibt. Aber vielleicht könnte das besser aussehen. Lassen Sie uns die Helligkeit aufstellen und dann den Mischmodus so einstellen, dass er multipliziert wird. Vielleicht lassen Sie das auf eine 125 fallen. Ich wollte dir nur noch eine Vorstellung davon geben, was du mit einem Projekt wie diesem machen kannst. Aus technischer Sicht wissen Sie jetzt auch, wie Sie ein Objekt an der Oberfläche eines anderen befestigen können. In der nächsten Lektion werden wir fertig sein. Wir werden eine Animation aus Cinema 4D exportieren. 12. Render-/Output-Einstellungen für Cinema 4D: Sobald unsere Animation fertig ist, ist der nächste Schritt, sie zu rendern und aus Cinema 4D zu exportieren. Bevor wir den endgültigen Export ausführen, glätten wir unsere Meeresoberfläche hier. Im Original habe ich das mit einer Unterteilungsoberfläche gemacht. Wenn ich das also einbringe, werde ich die Unterteilung im Editor auf Null setzen und im Renderer lassen wir es auf zwei stehen. Der Grund, warum es im Editor auf Null gesetzt ist, was wir gerade betrachten, ist, weil, wenn ich das hier reinlasse, wenn es durch eins unterteilt wäre, es eine viel schwerere Szene wäre. Lassen Sie mich das nur sehr schnell veranschaulichen. Wenn ich einen hier reinsetze, können Sie sehen, dass er das Netz unterteilt und es dann glättet. Also, während das schöner aussieht, ist es jetzt nicht so reaktionsschnell wie zuvor. Wir müssen das nicht wirklich in der Vorschau sehen, wir können das einfach auf Null belassen, aber wenn es rendert, wird es tatsächlich zwei Mal unterteilen, so dass es noch glatter wird. Lassen Sie uns einen schnellen Vergleich mit und ohne machen. Wenn wir es für einen Moment in diesem Rahmen ausschalten, wird es so aussehen. Lassen Sie es uns wieder aktivieren. Also, das ist jetzt, und das ist vorher. Sie können nur sehen, dass es über diese Linien glättet und auf unserem Ozean anschwillt. Als Nächstes sind unsere Rendereinstellungen. Wenn wir hier reinspringen, gehen Sie zum Anti-Aliasing. Lassen Sie uns das mit den aktuellen Standardeinstellungen ausführen und dann können wir einen Vergleich machen. Das dauert also ungefähr fünf Sekunden, nicht zu schlecht. Im Anti-Aliasing ändern wir dies von der Geometrie in die beste und lassen die Standardeinstellungen einzeln für die minimale Ebene und die maximale Ebene, vier mal vier mit einem Schwellenwert von 10 Prozent. Wenn ich erneut rendere, können Sie sehen, dass es diese Zeit länger dauern würde, aber das liegt daran, dass unser Rendering glatter aussehen wird, also mit 800 Prozent vergrößert. Dies ist mit den besten Anti-Aliasing-Einstellungen oder dem Anti-Aliasing-Set am besten. Dann ist dies vorher mit der Standardgeometrie-Einstellung, Sie können sehen, dass die Pixel um die Kanten viel rauer sind, im Vergleich zu diesem, was viel glatter aussieht. Das ist also der Effekt, dass wir unser Anti-Aliasing aufstoßen. Es geht jetzt auf acht Sekunden des Frames, was immer noch sehr akzeptabel Geschwindigkeit ist. Es ist ein Kompromiss zwischen Rendergeschwindigkeit und Qualität. Ich würde empfehlen, mindestens eins nach eins und zwei nach zwei zu gehen. Das wird Ihnen ein saubereres Bild geben, aber vier mal vier wird noch sauberer sein, und eine untere Schwelle von sagen wir, irgendwo zwischen fünf und 10 Prozent wird ein paar weitere Pixel aufräumen. Sie möchten diese Einstellungen nicht zu hoch haben, da einem bestimmten Zeitpunkt zueinem bestimmten Zeitpunktabnehmende Renditen auftreten. Das bedeutet, dass Ihre Render-Kacheln erheblich länger sein werden , um nicht so eine signifikante Qualitätssteigerung zu erzielen. Es geht also nur darum, dieses Gleichgewicht zu finden. Wenn Sie sich nicht sicher sind, was im Kino 4D bedeutet, können Sie immer mit der rechten Maustaste darauf klicken, gehen Sie zu zeigen Hilfe und Cinema 4D kommt mit einer ausgezeichneten Dokumentation, die mit diesen Illustrationen und Screenshots gefüllt ist. Es geht wirklich ins Detail, was jedes einzelne Ding ist. Es ist ein großartiges Werkzeug, das ich bis heute noch benutze, nur weil es so viele Dinge gibt, die man im Kino 4D lernen kann. Selbst nach Jahren der Nutzung des Programms gibt es immer noch einige Dinge, die ich immer wieder auf und ich muss herausfinden, was sie sind. Wie auch immer, lassen Sie uns mit unserer Ausgabe fortfahren. Wenn wir zur Ausgabe-Registerkarte gehen, wird dies 1920 mal 1080 bei einer Bildrate von 24. Der Frame-Bereich wird diesmal auf alle Frames geändert. Das wird also unsere gesamte Animation exportieren. Gehen wir auf die sichere Registerkarte, die wir zuvor deaktiviert hatten, es war nur ein paar Rendern für den Bild-Viewer. Jetzt wollen wir das wirklich retten. Das Format wird PNG sein. Das wird 16 Bit sein, so dass unser Bild mehr Informationen enthält, was nützlich sein wird, wenn wir zum After-Effects-Abschnitt kommen. Wir können dann einen sicheren Pfad angeben, und das ist im Tutorial-Ordner und ich habe nur dafür einen separaten Ordner erstellt. Wenn ich in diesen Ordner gehe und einfach diesen Haupt aufrufe. Das wird unser Hauptdarsteller sein. Sobald das erledigt ist, können wir jetzt unsere Animation exportieren, und es gibt zwei Möglichkeiten, dies zu tun. Es wird hier einen Schnitt geben, weil mein Kino 4D abgestürzt ist, also musste ich neu starten und die Aufnahme nur für einen Moment pausieren. Aber wie auch immer, wenn alle unsere Einstellungen abgeschlossen sind, können wir in den Bild-Viewer rendern und das Rendern in diesem Fenster beobachten, oder wir können die Render-Warteschlange verwenden, die meine bevorzugte Methode für die Ausgabe von Dateien in Cinema 4D ist. Wenn ich zum Rendern und Hinzufügen zur Renderwarteschlange gehen, können wir sehen, dass unser Rendering hier zusammen mit anderen früheren Projekten ist , die ich auch vorher ausgegeben habe. Aber wenn ich mehrere Projekte hätte, kann ich sie alle auf einmal landen. Das ist einer der Gründe, warum ich die Warteschlange benutze, weil ich die Warteschlange exportieren lassen und in der Zwischenzeit etwas anderes tun oder dies vielleicht über Nacht rendern kann. Wie auch immer, wenn es fertig ist, gehe ich einfach zum Rendern, und nach ein paar Sekunden sehen wir unseren ersten Frame, wir können tatsächlich darauf doppelklicken, um die vollständige Vorschau zu öffnen. Es gibt uns auch eine geschätzte Zeit der Fertigstellung und für meine Szene. Das wird etwa eine Stunde und 20 Minuten dauern. Das ist ziemlich schnell für eine 18-Sekunden-Animation. Ich kann für eine Weile von meinem Arbeitsplatz wegtreten und wenn ich zurückkomme, wird es fertig sein. Das ist es für die Render- und Ausgabe-Einstellungen von Cinema 4D. In der nächsten Lektion nehmen wir diese gerenderten Frames in After-Effects auf. 13. Fertigstellung des Projekts in After Effects: In After Effects wird lernen, ein paar Effekte und auch einige Farbanpassungen anzuwenden Dies sind nur der letzte Schliff für das gesamte Projekt. In After Effects wird dann mit dem Import unserer Sequenz aus Cinema 4D beginnen. Also lassen Sie uns auf das Importfenster doppelklicken, und dies ist der Ordner, in den es gegangen ist. Wenn ich einfach auf eine dieser klicken und dann sicherstellen, dass die PNG-Sequenz aktiviert ist, kann ich auf Importieren klicken und After Effects erkennt automatisch die gesamte Sequenz. Wenn Sie die Einstellung standardmäßig nicht geändert haben, interpretiert After Effect diese Sequenz bei 30 fps. Ich kann sehen, meine ist bereits bei 24, aber wenn es nicht ist, gehen Sie zu Interpretieren Footage, also klicken Sie mit der rechten Maustaste auf Interpret und Main. Dann wollen wir hier eine Bildrate von 24 annehmen. Dann ziehen wir dies auf eine neue Kompositionsschaltfläche, wir können die ganze Sache in einer Vorschau sehen, also habe ich die Qualität hier auf, sagen wir mal die Hälfte gesenkt. Drücken Sie die Leertaste, um schnell eine Vorschau der gesamten Animation anzuzeigen. Wir können sehen, dass es nahtlos läuft, was genau das ist, was wir wollen. Wenn ich nur die Qualität auf volle Höhe steile und nur den ersten Frame überprüfe, ist es identisch mit dem letzten Frame in unserer Animation, also werden wir diesen schnellen Frame entfernen. Wenn ich zu 0 zurückgehe, drücken Sie die Bild-Abwärts-Taste, und drücken Sie dann B, um dies als Neubeginn für diese Komposition festzulegen. Ich kann dann mit der rechten Maustaste klicken und dann Comp auf Arbeitsbereich zuschneiden. Das ist jetzt unser Ausgangspunkt. Wenn wir diesen zusätzlichen Rahmen darin belassen, bedeutet dies, dass jedes Mal, wenn wir diese Schleife zurück an Rücken spielen, es tatsächlich ein bisschen länger ist, als es sein sollte, also wollen wir sicherstellen, dass wir das herausnehmen. Wie auch immer, lassen Sie uns weitermachen. In der Komp öffnen wir die Farbverwaltungseinstellungen. Gehen wir zum Projektarbeitsraum und stellen Sie sicher, dass wir in 16 Bit pro Kanal arbeiten, was die gleiche Farbtiefe ist, wurden aus Cinema 4D gerendert und mein Arbeitsraum hier ist auf dieses sRGB-Profil gesetzt, das ist tatsächlich das gleiche wie das Profil auf meinem Monitor. Also weiß ich, dass meine Farben hier konsistent bleiben werden, von Cinema 4D bis zu dem, was ich gerade betrachte. Für das eigentliche Compositing habe ich wirklich nicht zu viel in After Effects gemacht. Ich hatte gerade ein paar Einstellungsebenen mit einigen Glüheffekten und dann ein bisschen Farbkorrektur. Beginnend mit etwas Glühen, gehen wir zu Effekt, Stilisieren und Glow. Dies befindet sich auf einer Einstellungsebene. Gehen wir zum Schwellenwert und setzen das bis zu 100 Prozent. Dies ist die erste Schicht des Glühens. Es ist wirklich prominenter hier unten auf der Meeresoberfläche, die Highlights aus der Reflexion der Sonne, wenn wir Glühen ermöglichen, sie tauchen einfach ein bisschen mehr. Vielleicht wollen wir das hier oben nicht so stark haben. Sehen wir uns einfach das Vorher und Nachher an. Es ist nicht zu drastisch, aber was ich tun könnte, ist eine Maske für die Ozeanoberfläche zu erstellen , nur das Bild in zwei Hälften schneiden. Dies ist auf unserer Einstellungsebene, lassen Sie uns F drücken, um die Feathering zu öffnen und dann setzen Sie dies auf, sagen wir 250 oder so, um den Übergang zwischen dem, wo die Effekte angewendet werden, und dem Himmel zu einem Fade im Grunde zu machen . Lassen Sie uns eine weitere Anpassungsebene erstellen und dieses Mal noch mit Glühen, werden wir die Schwelle noch einmal recht hoch drücken , aber der Radius dieses Mal wird viel größer sein. Wenn ich das nur packe und nur, sagen wir etwa 400 Prozent und wirklich das ist alles, was ich getan habe, so weit wie die Anwendung ein paar Post-Effekte. Natürlich ist Ihre eigene Szene wahrscheinlich anders, besonders wenn Sie ein anderes Hintergrundbild verwendet haben, aber ich zeige Ihnen nur, wie ich es auf meine Szene angewendet habe. Wie auch immer, die letzte Sache hier sind einige Farbanpassungen und ich werde den Lumetri Color Effect verwenden. Dies finden Sie unter Farbkorrektur und Lumetri-Farbe. Hier drinnen möchte ich meistens mein Bild aufwärmen. Wenn ich zur Grundkorrektur in der Temperatur gehe, werde ich dies auf etwa 40 einstellen, das wird alle Töne in meinem Bild aufwärmen. Darunter haben wir die Tönung, die, wenn wir nach rechts gehen, wird es lila machen und dann, wenn Sie nach links gehen, wird es ein bisschen grüner sein. Also werde ich das auf etwa negative 10 oder so einstellen. Nur kurz davor und danach, das ist der Unterschied. Ein weiterer Abschnitt, mit dem wir spielen können, ist der Kurvenabschnitt, , wenn Sie nach unten scrollen, ist dies genau hier. Also, wenn wir es öffnen und diese Farbton und Sättigung Kurven, insbesondere, Ich finde sehr nützlich, sagen wir den Farbton gegen Farbton Schieberegler können wir dies verwenden, um den Ton jeder Farbe im Rahmen zu ändern. Nehmen wir an, wir haben eine Menge von Gelbtönen, wenn wir hier einige Griffe auf beiden Seiten dieser Töne setzen, können wir nur diese Farben auswählen und einige Anpassungen vornehmen. Vielleicht machen Sie die Gelbfärbung ein bisschen orange, indem Sie in diese Richtung gehen, es ist eine Veränderung, aber es gab einen leichten Unterschied dort. Wenn ich es offensichtlicher machen möchte, lassen Sie uns die Roten als Beispiel verwenden. Wenn ich also einen anderen Griff auf beiden Seiten von Rot setze, kann ich diesen roten Griff nehmen und ihn dann nach oben und unten bewegen und Sie können den Unterschied sehen. Wenn Sie also keine bestimmten Töne in Ihrem Bild mögen, können Sie sie mit diesen Kurven anvisieren und die Anpassungen vornehmen. Farbton im Vergleich zum Farbton passen die Farben an. Farbton versus Sättigung, die darüber liegt, wird dies die Sättigung eines beliebigen Farbbereichs anpassen, den Sie auswählen und darunter haben wir Farbton versus Luma, die die Helligkeit eines beliebigen Tonbereichs steuert, den Sie auswählen. Es ist also ein sehr leistungsfähiger Abschnitt dieses Lumetri Farbeffekts und Sie können damit herumspielen und sehen, welche Art von Anpassungen Sie vornehmen können. Aber für mich werde ich es einfach lassen, dass der nächste Schritt nur meine Animation aus After Effects exportieren wird . Wenn ich also zur Komposition gehe, Zur Renderwarteschlange hinzufügen, gehen wir zum Ausgabemodul und ich werde QuickTime und in den Formatoptionen verwenden, wird es der Animationscodec sein. Wenn Sie dieses QuickTime- und Animationsformat hier in den Optionen verwenden, wird dies eine große Datei erstellen , die immer noch eine Menge der Farbinformationen enthält, die es nützlicher machen wird, wenn wir einige Änderungen daran in anderen Apps wie Premiere Pro. Wie auch immer, wir geben dann einfach einen sicheren Pfad an und für mich wird es der Tutorial-Ordner sein. Dann drücken wir einfach „Rendern“. Jedenfalls, das war's. Da haben wir es, nur ein paar Post-Effekte auf unser Bild von Cinema 4D angewendet. In der nächsten Lektion zeige ich Ihnen die endgültigen Exporteinstellungen in Premier Pro. 14. YouTube- und Instagram-Einstellungen: Dies ist die letzte Lektion, in der ich dir einfach schnell meine besten Exporteinstellungen für Instagram und YouTube zeigen werde. Doppelklicken Sie in Premier Pro in das Projektfenster, um unser Filmmaterial zu importieren und das ist es genau hier, [unhörbar]. Es wird nicht eine reibungslose Wiedergabe sein, nur weil, wie groß die Datei ist, aber ich kann mit der rechten Maustaste und eine neue Sequenz aus dem Clip und das wird es in eine Timeline fallen. Ich kann diese drücken Sie Control und C, bewegen Sie es vorbei und drücken Sie dann Control und V, um einzufügen und dann verbinden Sie einfach die beiden Schleifensegmente hier und an dem Punkt, an dem sie sich treffen, wird ein nahtloser Übergang sein , wie wir Sehen Sie hier drüben. Dies ist die Art von Sache, die ich tun würde, wenn ich eine Bearbeitung für meine YouTube-Seite oder Instagram machen würde und das Audio hier unten und so weiter und andere Effekte anwenden würde, die ich möchte. Wenn alles fertig ist, gehe ich einfach zu Datei, Export und Medien und das Format, das ich verwende, ist H264 und für YouTube verwenden Sie die YouTube 2160P Ultra-Preset und dies ist ein 4K-Preset, so dass es bei 3840 von 260, was natürlich von unserem 1080P-Quellmaterial nach oben skaliert wird. Also, obwohl die Quellen [unhörbar] sind, werde ich immer noch auf 4K steigen, nur weil ich denke, dass ein 4K-Upload auf YouTube in einer höheren Qualität wiedergegeben wird, als wenn ich nur ihre normale 1080P-Version poste. Dann habe ich für Instagram den gleichen Ansatz. Ich würde die Höhe davon nehmen und diese beiden Größen miteinander verknüpfen , so dass ich sie unabhängig voneinander ändern kann. Stellen Sie auch die Breite auf 160 ein. Dies ist ein quadratischer Rahmen, also muss ich zur Quellskalierung gehen und dies auf Skalierung setzen, um zu füllen Dies wird das Seitenverhältnis für meinen Instagram-Post sein. Sobald ich bereit bin, auszugeben, kann ich dies entweder direkt von hier aus exportieren , nachdem ich den Ausgabe-Speicherort ausgewählt habe. Dann kann ich direkt in Premier Pro exportieren oder wir können dies in Adobe Media Encoder erstellen. Wenn Sie Premiere Pro After Effects installiert haben, steht Ihnen auch ein Encoder zur Verfügung. Encoder startet in einem Fenster wie diesem und typisches Projekt für mich wird mindestens eine oder zwei Versionen haben, die ich gleichzeitig in die Warteschlange stellen werde. Wenn es zum Rendern bereit ist, habe ich hier einfach den Schalter gedrückt und mein endgültiger Export wird stattfinden. 15. Letzte Gedanken: Ok, das war's. Das ist das Ende des Unterrichts. Vielen Dank, dass Sie zugesehen haben. Jetzt wissen Sie, wie man eine Ozeanszene in Cinema 4D erstellt, und nicht nur den technischen Prozess, sondern wir haben auch verschiedene Wege und kreative Entscheidungen, die bei einem Projekt wie diesem getroffen werden können , um etwas zu machen, das anders. Das ist es, was ich euch wirklich ermutigen möchte. Nehmen Sie das Gelernte und wenden Sie es in Zukunft anders auf Ihre eigene Arbeit und andere Projekte an. Wenn Sie Fragen zu einem Schritt dieser Klasse und alles andere im Allgemeinen haben, können Sie den unten stehenden Diskussionsabschnitt verwenden, und ich werde so schnell wie möglich antworten. Stellen Sie sicher, dass Sie einige Screenshots teilen, damit ich leicht sehen kann , was das Problem ist und Ihnen noch schneller helfen kann. Ich überprüfe meine Kurse regelmäßig, aber Sie können mich auch über meine sozialen Konten oder per E-Mail erreichen und ich werde diese jetzt auf dem Bildschirm anzeigen. Aber noch einmal, vielen Dank für Anschauen und ich hoffe, Sie haben die Klasse genossen und fanden es hilfreich. Ich seh euch in der nächsten, tschüss.