Einführung in die Animation in After Effects (Teil 1)

1. Einführung: Willkommen bei Intro zu After Effects, Teil 1. Dies wird die erste einer vierteiligen Serie sein, die Adobe After Effects für angehende Animatoren und Motion-Designer vorstellt , die wenig bis gar keine Erfahrung mit der Software haben. Mein Name ist Morgan Williams und ich bin seit über 25 Jahren Animator und Animationsregisseur. Ich habe Animations- und Motion-Design für Kunden wie Sony Pictures, WGBH Boston, Comedy Central, BBC und viele andere erstellt. Seit fast 10 Jahren lehre ich Animation und Motion Design an der Ringling College of Art and Design, online an School of Motion, und jetzt bin ich super aufgeregt, Klassen hier auf Skillshare zu erstellen. In dieser ersten Intro to AAfter Effects Klasse konzentrieren wir uns auf das Erlernen der Grundlagen des After Effects-Arbeitsbereichs mithilfe von Formebenen und das Erstellen und Rendern einer einfachen Animation, die mit einer Audiospur synchronisiert wird. Auf dem Weg werde ich Ihnen professionelle Techniken und Praktiken beibringen , um Ihren Workflow intelligenter und effizienter zu gestalten. Diese Klasse ist ideal für Studenten, die Adobe After Effects ausprobieren wollten, aber von dieser zugegebenermaßen komplexen Software einschüchtert gefühlt haben. Wenn Sie ein Illustrator oder Grafiker daran interessiert ist, Animationen oder Motion Design zu erkunden, und Sie überhaupt keine Erfahrung mit After Effects hatten, dann ist dies sicher der richtige Kurs für Sie. Aber selbst wenn Sie Erfahrungen mit After Effects gemacht haben, denke ich, Sie werden feststellen, dass die Techniken und Erkenntnisse, die ich teile, Ihren Workflow besser und professioneller machen. Am Ende dieser Klasse werden Sie sich mit den Grundlagen des AAfter Effects Arbeitsbereichs vertraut machen und einfache Animationen mit Zuversicht erstellen können. In den kommenden Lektionen dieser Serie werden wir diese Grundlagen vertiefen und tiefer in dieses spannende und vielseitige Tool eingehen. Lasst uns eintauchen und loslegen. 2. Neues Projekt: Jetzt nehme ich diese Klasse auf einem Mac auf, also sind die Tastaturbefehle, die Sie sehen, die auf dem Bildschirm angezeigt werden, Mac-Tastaturbefehle. Wenn Sie an einem Windows-Computer arbeiten, denken Sie daran, dass Sie bei Verwendung der Befehlstaste die Steuerungstaste verwenden möchten. Wenn ich die Wahltaste verwende, verwenden Sie die Alt-Taste. Abgesehen davon werden die meisten Tastaturbefehle genau gleich sein. Stellen Sie nun sicher, dass Sie die Projektdatei heruntergeladen und entpackt haben, die wir für die Klasse enthalten haben. Es ist wirklich wichtig, dass Sie mit der Lektion folgen, während ich sie durchmache , obwohl Sie natürlich willkommen sind einige Ihrer eigenen kreativen Entscheidungen auf dem Weg zu treffen. Sobald Sie diese Projektdatei heruntergeladen und entpackt haben, starten Sie After Effects. Das erste, was Sie sehen werden, ist dieses Begrüßungsfenster hier. Dies ist ein praktischer Ausgangspunkt, um ein Projekt zu öffnen, aber wir beginnen, indem wir die heruntergeladene Projektdatei öffnen. Lassen Sie uns fortfahren und klicken Sie auf Projekt öffnen. Jetzt können Sie in unserem Finder hier sehen, hier ist unsere gezippte Datei und hier ist unser entpackter Ordner und dieser Ordner ist unser AAfter Effects Projektordner. In den kommenden Lektionen werde ich viel mehr über Projektordner eingehen. Aber für jetzt, nur wissen, dass dies nur ein gewöhnlicher Ordner hier im Finder ist. Im Inneren befindet sich jedoch ein zusätzlicher Ordner namens Footage und der Footageordner enthält Assets, die wir für unser Projekt verwenden könnten. Dann ist die After Effects Projektdatei genau hier. Es endet mit der.aep, und das ist die tatsächliche AAfter Effects Projektdatei. diese Projektdatei ausgewählt ist, klicken Sie auf Öffnen, um das Projekt zu öffnen. Jetzt ist es wahrscheinlich eine gute Idee, bevor wir zu viel weiter hineinkommen, um eine Version dieser Projektdateizu speichern eine Version dieser Projektdatei falls etwas schrecklich schief geht und wir von vorne anfangen wollen. Sie werden feststellen, dass der Projektdateiname mit v01 oder Version 1 endet. Ich versioniere immer meine Projektdateien. Ich tatsächlich Version rendert auch. Es ist eine gute Möglichkeit, organisiert zu bleiben und immer zu wissen, was die neueste Version Ihres Projekts oder Ihres Renders ist. Aber es ist auch eine gute Möglichkeit, eine Sicherungssicherheit von Versionen Ihres Projekts zu erhalten , während Sie arbeiten. After Effects verfügt über eine automatische Speicherfunktion, mit der Versionen während der Arbeit gespeichert werden. Aber ich mag es auch, Versionen manuell zu speichern, so dass es ein wenig einfacher ist, zurückzugehen und eine ältere Version zu finden, wenn ich muss. Jetzt gibt es einen großen kleinen Trick, den Sie verwenden können, um dies zu tun. Wenn Sie Versionsnummern für Ihre Projektdateien verwenden, was ich Ihnen dringend empfehle, können Sie diese tolle kleine Funktion hier unter Datei verwenden. Sie werden feststellen, dass es die regulären Speichern, Speichern unter gibt, aber es gibt auch Inkrement und Speichern. Sehen Sie sich hier die Versionsnummer an, während ich Inkrement and Save wähle. Beachten Sie, dass es automatisch meine Versionsnummer hier am Ende sah und es automatisch nur die Versionsnummer erhöht und eine Kopie als Version zwei gespeichert. Ich kann das jederzeit tun und es wird weiterhin nur die Versionsnummer erhöhen. Es ist sehr praktisch und etwas, das ich Ihnen empfehlen, regelmäßig zu tun , besonders wenn Sie an großen komplizierten Projekten arbeiten. Gerade jetzt, weil wir Version zwei hier gespeichert haben, wenn ich hier einen schrecklichen Fehler mache, muss ich nur Version eins erneut öffnen, Inkrement and Save. Das wird es Version 3 machen und ich kann mit meiner Arbeit vorankommen. 3. Anfangseinstellungen einrichten: Das erste, was wir tun möchten, ist ein paar anfängliche Präferenzen festzulegen. Dadurch wird nur sichergestellt, dass alles, was Sie auf Ihrem Bildschirm tun , mit dem übereinstimmt, was ich auf meinem Bildschirm mache. Sobald Sie sich mit After Effects vertraut machen, können Sie diese Einstellungen natürlich ganz nach Ihren Wünschen ändern. Aber ich empfehle, dass Sie diese Einstellungen so einstellen, wie ich sie jetzt einstellen werde, um sicherzustellen, dass alles, was ich auf meinem Bildschirm mache, wiedergibt, was Sie auf Ihrem Bildschirm tun. Gehen wir zu den AAfter Effects Einstellungen, und wir beginnen mit allgemeinen Präferenzen direkt hier oben. Gehen wir voran und wählen Sie das aus. Hier sehen Sie alle Voreinstellungsoptionen entlang der Seitenleiste. Nun, in den allgemeinen Präferenzen, gehen wir zu diesem hier Standard Spatial Interpolation auf Linear. Das ist ein Bissen, und es klingt wahrscheinlich nach verschlucktem Geck für dich. - Das ist in Ordnung. Bitte geh einfach weiter und überprüfe das. Später in der Klasse werden wir ein Beispiel sehen, was genau das bedeutet, und wir werden an diesem Punkt darüber reden, damit Sie genau verstehen, warum ich Sie gebeten habe, das zu überprüfen, aber im Moment, überprüfen Sie das einfach. Wieder, später kannst du zurückkommen und diese Präferenz ändern , wenn du dich mit After Effects etwas wohler fühlst. Aber so arbeite ich lieber und so werden wir in dieser Klasse arbeiten. Das nächste, was wir tun werden, ist zu Display gehen, Sie werden unter Bewegungspfad hier sehen, gerade jetzt ist es auf nicht mehr als 15 Sekunden eingestellt. Die Wahrheit ist, dass wir gerade an einer sechs-Sekunden-Animation für diese Klasse arbeiten. Aber ich werde empfehlen, dass Sie fortfahren und dies auf „Alle Keyframes“ für kommende Klassen in dieser Serie setzen , wo Sie möglicherweise eine Animation länger als 15 Sekunden erstellen. Ich bevorzuge dieses Set wirklich für alle Keyframes, so ziemlich die ganze Zeit. Aber das sind natürlich Vorlieben. Später können Sie Ihre Einstellungen genau so einstellen, wie Sie sie festlegen möchten. Gehen wir weiter und klicken Sie auf „OK“. 4. Den Arbeitsbereich navigieren: Lassen Sie uns einen kurzen Überblick über den grundlegenden Standard-AAfter Effects Arbeitsbereich machen. Der After Effects Arbeitsbereich ist anpassbar und kann sehr kompliziert werden, wenn Sie fortgeschrittenere AAfter Effects Arbeiten erledigen. Aber konzentrieren wir uns auf die Grundlagen hier für diese Klasse. Beginnen wir mit dem Projektfenster auf der Seite hier. Im Projektfenster werden alle Assets angezeigt , die wir für unsere Arbeit in After Effects importieren. Sie können hier oben sehen, wir haben eine Wave-Datei, die bereits importiert wurde, und das ist hier. Wir haben auch Kompositionen, die in After Effects erstellt werden. Eine Komposition ist in gewisser Weise äquivalent zu sagen, eine Photos Hop-Datei oder eine Illustrator-Datei. Mit anderen Worten, eine Komposition ist ein Arbeitsbereich, in dem Sie tatsächlich Animationen erstellen können. Ein After Effects Projekt kann mehrere Kompositionen aufweisen. Im Moment haben wir nur eine Komposition, DrumDesign_finished. Sie können es hier im Projektfenster sehen. Dann können Sie sehen, dass die Komposition auch in diesen beiden Fenstern hier geöffnet ist, im Kompositionsfenster und im Zeitleistenfenster. Diese beiden Fenster sind im Wesentlichen miteinander verbunden. Was wir im Kompositionsfenster sehen, ist eigentlich das, was auf unserem Bildschirm und in unseren Rendern erscheinen wird , wenn wir unsere Filme rendern. Im Zeitleistenfenster befinden sich unsere Ebenen, und es entspricht etwas dem Ebenenfenster in Illustrator und Photoshop. Aber der wesentliche Unterschied ist, dass es auch eine Zeitleiste ist , in der wir Animationen auf diesen Ebenen erstellen können. Nun, diese Komposition ist eine fertige Version des Projekts, an dem wir in dieser Klasse arbeiten werden. Beachten Sie, dass wir hier eine Reihe von Ebenen haben und wir können jetzt den grünen Kreis hier sehen. Wenn ich diese Ebene auswähle, sehen Sie diesen grünen Kreis. Ich werde diese Ebene öffnen, indem ich auf diese kleine Dreiecks-Tab-Button hier klicke. Wenn ich diesen Layer öffne, können Sie die Schlüsselbilder und die Animation auf diesem Layer sehen. einer Komposition handelt es sich im Wesentlichen um eine Reihe von Ebenen mit einer Timeline mit Animation auf diesen Ebenen. Wir können die Ergebnisse unserer Ebenen in unserer Animation und im Kompositionsfenster sehen. Wir können mit unseren Ebenen und unserer Animation im Zeitleistenfenster arbeiten. Konzentrieren wir uns nun nur für eine Sekunde auf das Kompositionsfenster und schauen Sie sich einige der Einstellungen an und wie Sie in diesem Fenster navigieren können. Am unteren Rand des Fensters sehen Sie hier eine ganze Reihe von Einstellungen. Wir werden uns nur auf einige der Grundlagen für diese Klasse konzentrieren. Zuerst haben wir dieses Pull-Down-Menü zur Vergrößerung. Auf diese Weise können Sie das Fenster vergrößern und verkleinern. Wir sehen uns das jetzt bei 50 Prozent an. Ich kann auf 200 Prozent hineinzoomen. Ich kann auf 12,5 Prozent verkleinern. Ich kann auch Fit wählen, die es automatisch in das Fenster passt. Das ist manchmal eine gute Option. Lasst uns voran gehen und das jetzt auf 50 Prozent zurücksetzen. Auf dem Pull-Down-Menü ist in Ordnung, aber es gibt eine einfachere und effizientere Art zu arbeiten, und das ist mit einigen Tastaturbefehlen. Wenn Sie auf der Tastatur die Komma- und Periodentasten verwenden, können Sie vergrößern und verkleinern. Wenn Sie die Perioden-Taste drücken, vergrößern Sie die Ansicht. Wenn Sie die Komma-Taste drücken, verkleinern Sie die Ansicht. Es gibt eine viel einfachere Möglichkeit, zu arbeiten und zu navigieren, als das Pulldown-Menü zu verwenden. ich nun einmal vergrößert habe, wenn ich auf einen bestimmten Bereich zoomen möchte, möchte ich das Hand-Werkzeug verwenden, um sich zu bewegen. Jetzt könnte ich hier auf die Werkzeugleiste gehen und das Handwerkzeug greifen und es dann bewegen. Lasst uns das Handwerkzeug schnappen und jetzt kann ich das hier bewegen. Aber wieder einmal gibt es eine einfachere Möglichkeit, mit Tastaturbefehlen zu arbeiten. Mit nur dem gewöhnlichen Auswahlwerkzeug hier, wenn ich einfach die Leertaste gedrückt halte, schaltet es zur Hand, und ich kann mich in meiner Komposition bewegen. Lassen Sie uns hier nochmal verkleinern. Nun, das nächste Pulldown-Menü, das wir hier betrachten möchten, befindet sich direkt neben dieser Vergrößerung, und das sind die Optionen Raster und Hilfslinien auswählen. Sie können jetzt sehen, dass dieses grüne Gitter oben auf unserem Bild hier sitzt. Das ist eigentlich nicht Teil unseres Films, das ist nur ein Leitfaden. Wir werden uns das später ansehen und diese Rastereinstellungen für unsere Zwecke zurücksetzen. Aber jetzt schalten wir das einfach aus. Ich gehe zu diesem Pull-Down-Menü, und ich werde nur Grid deaktivieren. Lassen Sie uns einfach voran und deaktivieren Sie das für jetzt. Sie können jetzt sehen, dass wir uns unser Bild genau so ansehen, wie es erscheint, wenn wir es rendern. Lassen Sie uns zum Pulldown-Menü für die Auflösung springen. Sie können jetzt sehen, dass es voll ist. Mit anderen Worten, wir betrachten dieses Bild mit allen Pixelinformationen in dieser Komposition. Dies ist 1920 von 1080 HD Komposition. Vollständig rendert After Effects alle Pixel in dieser 1920 x 1080 comp. Aber beachten Sie, dass wir das bei 50 Prozent sehen. Wir betrachten das nur bei einer Größe von 50 Prozent. Wir bitten After Effects, all diese Pixel zu rendern, obwohl wir sie nur in halber Größe betrachten. Jetzt kann ich diese Auflösung ändern, um After Effects ein wenig besser zu machen, was besonders nützlich ist, wenn Sie keinen so schnellen Computer haben. Ich kann auf dieses Pull-Down-Menü klicken und ich kann eine halbe Auflösung oder eine dritte Auflösung oder eine Viertelauflösung wählen . Nichts davon wirkt sich auf das letzte Stück aus, wenn Sie rendern, werden Sie unabhängig davon mit voller Auflösung rendern. Dadurch werden nur einige der Pixel deaktiviert, sodass After Effects während der Arbeit nicht jedes einzelne Pixel rendert. Wenn wir das auf ein Viertel drehen und etwas heranzoomen, werden Sie sehen, dass es etwas rauer aussieht. Sobald wir dies auf die volle Auflösung zurückgesetzt haben, können Sie sehen, dass es schön und knackig und sauber ist. Wenn Sie an einem Projekt arbeiten und Ihre Computer ein wenig langsam und pokey laufen, und wenn Sie RAM-Vorschauen machen, die kleine Rendervorschau sind, werden wir das in einer Minute betrachten, wenn diese langsam laufen, das Abschalten wird helfen, auch wenn Sie das Bild nicht in seiner schönsten Qualität sehen werden , aber Sie werden immer noch ein Gefühl für die Bewegung und die Animation bekommen und die Dinge ein wenig beschleunigen. Es kann ziemlich praktisch sein. Was ich tatsächlich empfehle, ist, dies in Auto zu ändern, was bedeutet, dass es auf die Skala reagiert, die Sie sich das Bild ansehen. Wenn wir auf 50 Prozent verkleinern, geht es sofort auf die Hälfte. Wenn wir auf 25 Prozent verkleinern, geht es auf ein Viertel. Auf diese Weise ist es nur das Rendern, was Sie sehen, was wirklich gut und ziemlich effizient ist, um zu arbeiten. Springen wir runter zum Zeitleistenfenster hier. Wir haben uns bereits die Schichten angesehen, die wir haben. Dies ist sehr ähnlich wie bei einer Photoshop- oder Illustrator-Ebeneneinrichtung, bei der sich die Ebenen oben auf dem Bild befinden und die Ebenen am unteren oder unteren Rand des Bildes, so dass der Layer-Stapel genau so funktioniert, wie er in Photoshop und Illustrator. Aber natürlich haben wir hier auch eine Zeitleiste, und Sie können sehen, dass wir hier sechs Sekunden haben. Du wirst diesen kleinen blauen Griff hier sehen. Dies ist der aktuelle Zeitindikator oder CTI. Wenn ich darauf klicke und ziehe, wirst du sehen, dass ich meine Animation über die Zeitachse hin und her bewegt habe. Sie können die Animation sehen, die dort passiert, während ich das tue. Ich kann diese aktuelle Zeitanzeige jederzeit in meiner Timeline einstellen, sagen wir zwei Sekunden. Wenn Sie hier zur Seite schauen, sehen Sie hier die Zeitcode-Anzeige, die Ihnen zeigt, wo wir in der Zeit sind. Wenn ich zu einer Sekunde gehe, werden Sie sehen, dass es eine Sekunde oder zwei Sekunden und fünf Frames zeigt. Wenn Sie mit dem Zeitcode nicht vertraut sind, lassen Sie uns es einfach wirklich schnell durchgehen, eine ganze Reihe von Zahlen hier. Die erste Zahl hier ist Stunden, zweite Zahl ist Minuten, dritte Zahl ist Sekunden und die letzte Zahl ist Frames. Wir arbeiten mit 24 Bildern pro Sekunde. Wir haben 24 Bilder in jeder Sekunde, und dann Stunden, Minuten und Sekunden. Sie können sehen, wie ich die CTI schrubbe, bemerken, dass sich die Zeit hier in der Zeitanzeige ändert. Nun, für dieses Projekt werden wir mit nur sechs Sekunden arbeiten, nur ein kleines Stück. Aber selbst mit einem kurzen Stück möchten Sie manchmal die Zeitleiste vergrößern oder verkleinern. Sicherlich mit einem längeren, komplizierteren Teil, werden Sie oft brauchen, um zu vergrößern und aus der Timeline zu zoomen. Der erste Weg, den wir tun können, ist mit dem Zeit-Navigator. Das ist diese Bar, diese kleine dünne Bar oben auf der Timeline. Sie werden diese kleinen blauen Griffe an den Rändern sehen. Beachten Sie, dass die Farbe Blau häufig ein Indikator in After Effects ist, dass etwas entweder anklickbar oder ausgewählt ist. Sie können sehen, dass unser Auswahlwerkzeug ausgewählt ist, es ist blau. Unser Fenster hier hat eine kleine blaue Schachtel um ihn herum. Wenn ich auf das Kompositionsfenster klicke, und wählen Sie zurück, sehen Sie es hat ein kleines blaues Feld. Der kleine Griff für die CTI und die CTI Bar hier ist blau. Es gibt auch diese kleinen blauen Griffe auf dem Zeit-Navigator. Ich kann auf diese kleinen Griffe klicken und ziehen, und ich kann die Timeline vergrößern. Jetzt zeigen wir nur einen Teil der Timeline an, nur ein paar Sekunden wert. Ich kann hier am Anfang klicken und ziehen und noch weiter hineinzoomen. Jetzt schauen wir uns nur eine Handvoll Frames an. Jetzt, sobald ich vergrößert bin, kann ich in der Mitte des Zeitnavigators klicken, und ich kann das hin und her bringen, um sich durch die Zeitleiste zu bewegen, diese Weise vergrößert wird. Gehen wir weiter und bringen diese Griffe an die Ränder zurück, also schauen wir uns unsere ganzen sechs Sekunden an. Tastaturbefehlen kann ich auch die Zeitleiste vergrößern und verkleinern. Genau wie die Perioden- und Komma-Tasten beim Vergrößern und Verkleinern des Kompositionsfensters funktionieren, werden Sie durch den Strich und die Gleichheitstasten auf Ihrer Haupttastatur je nach dem Ort, an dem sich die CTI befindet, die Timeline vergrößern und verkleinern. Hier unten befindet sich auch ein Zeitzoom-Schieberegler. Sie werden die kleinen Berge und die großen Berge sehen, die auch hin- und rauszoomen, wo Ihre CTI ist, aber ich finde das ziemlich klobig. Die Plus- und Minus-Tasten sind viel schneller und effizienter zu arbeiten. 5. Das endgültige Projekt überprüfen: Jetzt, da wir wissen, wie man ein wenig herumkommt, lassen Sie uns voran und werfen einen Blick auf die fertige Animation, die wir in dieser Klasse neu erstellen werden. Nehmen wir unsere CTI hierher und schieben sie zurück auf Frame Null. Dann, um die Animation in Echtzeit mit dem Audio zu sehen, werden wir tun, was eine Ram-Vorschau genannt wird, was im Grunde nur ein Rendering ist, das in den temporären Speicher auf dem Computer speichert. Eine RAM-Vorschau wird im Wesentlichen genau so aussehen, wie Ihr endgültiger Rendervorgang aussieht, aber es ist nur vorübergehend und erstellt keine fertige Filmdatei. Um eine Ram-Vorschau auszuführen, drücken wir einfach die Leertaste und es beginnt zu spielen, von wo die CTI positioniert ist. Die RAM-Vorschau wird automatisch auf Schleife gesetzt, so dass sie kontinuierlich Schleife wird. Lassen Sie uns voran gehen und rammen Vorschau dieser Animation. Um es ein paar Mal zu sehen. erneut auf die Leertaste drücken, wird die RAM-Vorschau gestoppt. Sie können sehen, wir haben eine sehr lustige, aber sehr einfache Animation, wo wir einfache bunte Formen haben, die auf einen Trommelschlag reagieren. Jede Form reagiert auf eines der Instrumente im Drum-Kit und seine Bewegung ist an das, was das Instrument tut, gebunden. Lassen Sie uns eine neue Komposition erstellen, in der wir diese Animation neu erstellen können. Oder natürlich, wenn Sie möchten, können Sie Ihre eigene Version dieser Animation erstellen. 6. Eine neue Komposition erstellen: Bevor wir diese neue Komposition erstellen, möchte ich darauf hinweisen, dass ich eine Bibliothek von Farben verwenden werde , die ich bereits erstellt habe. Wenn ich hier auf die Seite gehe und auf die Wortbibliothek klicke, öffne ich das kleine Bibliotheksfenster und du kannst sehen, dass ich bereits eine Reihe von Farben erstellt habe , um mir zu helfen, dieses Stück zu bauen. Bibliotheken sind ein großartiges Werkzeug in der kreativen Cloud, da sie tatsächlich von Software zu Software reisen können und Farben oder andere Dinge enthalten können , die Sie für Ihre Projekte verwenden. Nun, wenn Sie daran interessiert sind, meine Farben zu verwenden und mit mir genau zu folgen, haben wir diese Bibliotheksdatei aufgenommen, die Sie importieren können , wenn Sie nur Ihre eigenen Farben auswählen möchten, das ist auch in Ordnung. Aber wenn Sie die Farben verwenden möchten, die ich hier verwende, gehen Sie einfach zum kleinen drei-Zeilen-Reiter hier neben dem, wo Bibliotheken steht. Klicken Sie auf das, gehen Sie nach unten, um Bibliothek zu importieren, Sie werden dieses kleine Dialogfenster hier sehen, und Sie können wählen, Bibliothek auswählen. Navigieren Sie in den Footageordner im Projektordner, den Sie heruntergeladen haben, und Sie können die Ae-Klasse 1-Bibliothek auswählen. Ich werde das nicht tun, weil ich die Bibliothek bereits drin habe, aber Sie können einfach darauf klicken, klicken Sie auf Öffnen und es wird die Bibliothek hier in Ihr Bibliotheksfenster importieren und dann können Sie diese Farben auswählen und verwenden. Lassen Sie uns nun eine neue Komposition erstellen, um unsere Animation zu erstellen. Ich gehe auf die Komposition, neue Komposition, und Sie sehen das Fenster für die Kompositionseinstellungen geöffnet. Jetzt oben hier können Sie sehen, dass wir unser Kompositionsnamen-Fenster haben. Wir wollen unserer Komposition immer einen logischen Namen geben. Da Ihre Projekte komplizierter werden, ist es wirklich wichtig, organisiert zu bleiben. Das Benennen von Ebenen, das Benennen von Kompositionen ist ein wirklich wichtiger Teil davon. Also werde ich dieses Trommeldesign nennen. Sie können es nennen, was Sie wollen und dann gehen wir zum voreingestellten Pulldown-Menü hier, es ist standardmäßig HDTV 1082997, wir werden das ändern. Ich werde auf dieses Pull-Down-Menü klicken und wir werden HDTV 108024 Frames pro Sekunde wählen . Gehen wir voran und klicken Sie darauf. Sie werden feststellen, dass uns die Standard-HD-Einstellungen von 1920 x 1080 Pixel. Es gibt uns auch den HD-Standard von quadratischen Pixeln und eine Bildrate von 24 Frames pro Sekunde. Jetzt unten unten hier, haben wir die Dauer der Komposition. Standardmäßig ist es 30 Sekunden. Wir gehen weiter und ändern das auf 06 bis sechs Sekunden. Stellen Sie sicher, dass Sie keine der Koordinaten löschen, wenn Sie diese eingeben. Jetzt ist die Standard-Hintergrundfarbe für eine Komposition schwarz, aber wir wollen, dass es diese lila Farbe ist. Ich werde die kleine Pipette hier greifen und ich gehe einfach rüber und wähle meine lila Hintergrundfarbe aus meiner Bibliothek aus. Auch hier können Sie eine beliebige Farbe auswählen, und wenn Sie hier auf das Hintergrundfarbfeld klicken , erhalten Sie den Adobe-Farbwähler, in dem Sie Farbton, Sättigung, Helligkeit auswählen können, entweder mit den Klick- und Ziehwerkzeugen entweder mit den Klick- und Ziehwerkzeugen oder Sie können sie mit HSB-Schiebereglern oder RGB-Schiebereglern oder einen Hex-Code eingeben. Sobald wir alle diese Einstellungen haben, gehen Sie weiter und klicken Sie auf OK und Sie können sehen, dass wir eine neue Komposition zu unserem Projektfenster hinzugefügt haben , und diese Komposition wurde in unserer Timeline und in unserem Kompositionsfenster geöffnet. Beachten Sie, dass unsere ursprüngliche Komposition jetzt eine Registerkarte im Zeitleistenfenster ist. Ich kann auf diese Registerkarte klicken und es wird automatisch das Kompositionsfenster und die Timeline für diese andere Komposition laden und ich kann zurück zu unserer aktuellen Komposition. Als Nächstes richten wir ein Rastersystem ein, um das Erstellen und Anordnen unserer Formen zu erleichtern , während wir mit der Erstellung unserer Animation beginnen. 7. Arbeiten mit Grid: Warum wollen wir also ein Gittersystem nutzen, während wir arbeiten? Für diejenigen unter Ihnen, die Grafikdesigner sind, muss ich Ihnen wahrscheinlich nicht sagen, warum Sie ein Grid-System verwenden möchten. Rastersysteme sind eine gute Möglichkeit, Ausrichtungs- und Näherungsbeziehungen im Grafikdesign zu erstellen . Aber sie können auch sehr nützlich für die Illustration sein, insbesondere Illustration, die Topographie oder andere grafische Elemente verwendet. Also lasst uns weiter gehen und unser Gitter wieder hier einschalten. Also gehe ich hier runter nach unten und schalte das Gitter ein. wir werden die Einstellungen dieses Rasters ein wenig ändern. Wir haben viele Unterteilungen in diesem Raster, die wir wahrscheinlich nicht brauchen. Wir können dies vereinfachen und es auch unserem 1920 x 1080 Rahmen hier entsprechen. Also lassen Sie uns unter After-Effects-Präferenzen gehen und wir gehen zu Rastern und Guides. In unseren Rastern und Hilfslinien Präferenz können Sie sehen, dass wir ändern können, wenn wir unsere Rasterlinien haben, wie viele Pixel zwischen jeder Rasterlinie und wie viele Unterteilungen wir haben. Jetzt habe ich schon ein paar praktische Mathe für euch gemacht. Dies ist ein weiterer kleiner Profi-Tipp hier. Ein 1920 x 1080 Frame ist ein Verhältnis von 16 zu 9. Wenn Sie 1920 durch 16 dividieren, erhalten Sie 120 Pixel. Wenn Sie 1080 durch 9 dividieren, erhalten Sie auch 120 Pixel. So können wir ein 16, 9 Raster auf unserem Rahmen erstellen , indem Sie alle 120 Frames eine Rasterlinie setzen. Wenn Sie möchten, können Sie die Skala des Rasters ändern, indem Sie 240 Pixel tun , um ein größeres Raster oder 60 Pixel zu machen, um ein kleineres Raster zu erstellen. Aber was wir verwenden werden, ist nur die 120 und wir werden eine Unterteilung von zwei verwenden . Also lassen Sie uns voran und klicken Sie auf OK und sehen, was wir bekommen. Das ist viel nützlicher für uns. Jetzt haben wir 9 Quadrate auf der Seite und 16 Quadrate über der Spitze. Das ist unser 16, 9 Verhältnis, aber wir haben auch die einzelne Unterteilung. Das ist vor allem bei den neun Quadraten nach oben und unten sehr praktisch, denn das wird uns erlauben, hier auf halbem Weg einen Mittelpunkt zu bekommen. So ist die Mitte unseres Rahmens genau da. Es wird uns auch ein wenig mehr Flexibilität mit unserer Ausrichtung geben. Damit dieses Raster wirklich für uns funktioniert. Wir wollen sicherstellen, dass wir unsere Formen an diesem Raster einrasten können. Wir wollen also sicherstellen, dass hier unter Ansicht, dass das Fangen am Raster überprüft wird. Also überprüfe das mal. Ich glaube, es ist standardmäßig darauf, aber nur für den Fall stellen Sie sicher, dass Snap am Raster aktiviert ist. Jetzt sind wir bereit, ein paar Formen zu machen. 8. Shape: Formebenen und After Effects sind sehr mächtig. Ich möchte klarstellen, dass wir nur kaum an der Oberfläche kratzen , was Shape Layers in dieser speziellen Klasse tun können. Im Wesentlichen sind Shape-Layer jedoch die Vektorzeichnungskomponente von After Effects und ähneln der Vektorzeichnung in Illustrator oder Photoshop sehr. Aber wieder, wir werden nur mit den Grundlagen beginnen. Wenn Sie mit dem Begriff Vektor nicht vertraut sind, verwendet Vektorgrafik Punkte, die vom Computer geplottet werden, um Formen zu erstellen. Illustrator verwendet in erster Linie Vektorzeichnung, aber Photoshop und After Effects verfügen beide über Vektorzeichnungsfunktionen. Dies ist im Gegensatz zu Rastergrafiken, die Dinge wie Fotos, Scans physischer Grafik oder Bilder, die mit einem Pinselwerkzeug in Photoshop gezeichnet wurden. Rastergrafiken verwenden einzeln farbige Pixel, um Bilddaten zu erstellen. Photoshop und After Effects sind in erster Linie Raster-basiert, aber wie gesagt, haben beide Vektorkomponenten, wie Formebenen und After Effects. Wir werden mehr über Raster- und Vektorkunst in kommenden Klassen sprechen. Also oben in unserer Symbolleiste hier, können Sie sehen, dass wir unser grundlegendes Formwerkzeug haben Wenn ich also hier klicke und halte, werden Sie sehen, dass wir ein Rechteck, abgerundetes Rechteck, Ellipsenpolygon und Startwerkzeug haben abgerundetes Rechteck, Ellipsenpolygon , das wirklich nur eine ausgefallene Version des Polygonwerkzeugs. Beginnen wir mit nur dem Rechteck-Werkzeug. Wir werden also das Rechteck-Werkzeug auswählen. Beachten Sie, dass wir, wenn wir dieses Werkzeug hier auswählen , schnell wieder zum Auswahlwerkzeug zurückkehren. Wenn ich dieses Werkzeug auswähle, erhalte ich hier oben im Werkzeugfenster einige zusätzliche Optionen. Eine Option für Füllung und Strichbreite. Wir werden in nur einer Sekunde darauf zurückkommen, aber jetzt gehen wir einfach voran und zeichnen ein Rechteck in unserem Kompositionsfenster. Klicken Sie einfach und ziehen Sie mit unserem Werkzeug, um ein Rechteck oder ein Quadrat zu zeichnen, und Sie werden sofort bemerken dass das Raster gefangen wurde, die an diesen Rasterlinien gefangen wurden, was wirklich schön ist. Jetzt kann ich ein Quadrat sehr einfach machen, indem ich diese Raster einraste, aber ich kann auch die Umschalttaste gedrückt halten, um auf ein Quadrat zu beschränken. Die Standardeinstellungen für die Formebenen sind nun diese widerliche, leuchtend rote Füllung und der zwei-Pixel-weiße Strich. Lassen Sie uns hier ein wenig hineinzoomen, damit wir den Strich kaum dort sehen können. Jetzt kann ich die Breite des Strichs ändern, indem ich rechts oder links auf den blauen Strichbreitenwert klicke und ziehe. Ich kann die Farbe des Strichs ändern, indem ich hier auf die Schaltfläche „Strichmuster“ klicke, die die Farbauswahl öffnet, aber wir werden eigentlich keine Striche für dieses Projekt verwenden , also möchte ich den Strich ausschalten. Ich werde auf das Wort Strich klicken, das Sie bemerken, ist blau. Ich werde auf das Wort Strich klicken, und Sie können sehen, ich habe mehrere Optionen hier. Ich kann einen einfarbigen Farbstrich haben, einen linearen Farbverlauf oder einen radialen Farbverlauf haben, oder ich kann überhaupt keinen Strich haben. Ich kann auch die Deckkraft des Strichs ändern oder den Mischmodus des Strichs ändern. Der Mischmodus ist dieselbe Einstellung, die Sie in Photoshop oder Illustrator verwendet haben. Aber wir gehen voran und wählen keinen Schlaganfall und klicken Sie auf OK. Jetzt sind die Fülleinstellungen ähnlich, dass ich auf das Wort füllen klicke und ich habe auch die Option für Vollfarbe, keine Füllung oder Farbverläufe, und Mischmodi, Deckkraft, all das gute Zeug ist alles da. Gehen wir weiter und ändern die Farbe hier. Ich klicke hier auf die Schaltfläche für das Füllfeld, um den Farbwähler zu starten. Denn gerade jetzt werde ich nur weiß wählen, während wir mit diesen Formen herumspielen, aber ich könnte meinen Augentropfen greifen und eine meiner anderen Farben wählen, aber im Moment werden wir die Dinge einfach halten, aber du kann wählen, welche Farbe Sie mögen. Jetzt empfehle ich jetzt, dass wir anfangen, tatsächlich ein paar Sachen zu machen, dass Sie sich in die Gewohnheit geraten, ziemlich regelmäßig zu sparen. Sie können sogar inkrementieren und speichern, wenn Sie eine Version speichern möchten , wie wir am Anfang der Klasse gesprochen haben. Werfen wir nun einen Blick darauf, was in unserer Zeitleiste passiert ist, als wir das Quadrat erstellt haben. Beachten Sie, dass ein Layer hinzugefügt wurde, der Shape-Layer 1 genannt wird. Nun ist eine wichtige Sache, die über After Effects zu verstehen ist, dass eine Formebene wie eine leere Schale ist , die eine oder mehrere Formen aufnehmen kann. In diesem Fall haben wir also eine Form in der Ebene, die unser Rechteck ist und unser Rechteck innerhalb des Inhalts der Shape-Ebene ist. Wir haben also die Formebene, die die Schale ist, und dann das Rechteck, das innerhalb dieser Formschicht lebt. Jetzt machen wir eine Ellipse. Aber bevor wir die Ellipse erstellen, möchten wir sicherstellen, dass und deaktivieren Sie diese Ebene. Beachten Sie diese kleine weiße Box hier herum, und die Tatsache, dass wir diesen kleinen Begrenzungsrahmen um unser Quadrat sehen können, das bedeutet, dass diese Ebene ausgewählt ist und wir möchten diese Ebene deaktivieren das bedeutet, dass diese Ebene ausgewählt ist und wir möchten , bevor wir unsere Ellipse machen, und Wir werden in einem Moment darüber reden, warum. Lassen Sie uns die Auswahl aufheben und ich kann das auf zwei Arten tun. Ich kann entweder in einen leeren Bereich der Timeline so klicken oder abwechselnd in einen leeren Bereich des Kompositionsfensters klicken, aber nur, wenn ich das Auswahlwerkzeug habe. Wie so, sonst fange ich an, eine andere Form zu zeichnen. Nun, da wir deaktiviert sind, gehen wir zurück und greifen das Ellipsenwerkzeug, und lassen Sie uns weiter gehen und klicken und ziehen, und wir können eine Ellipse erstellen. Wir können Ovale machen, oder ich kann einen Kreis mit dem Rasterfang machen, oder ich kann die Shift-Taste gedrückt halten und das wird mich darauf beschränken, einen Kreis zu erstellen. Beachten Sie nun, dass wir beim Zeichnen dieses Kreises oder dieser Ellipse eine neue Formebene erstellt haben. Es heißt jetzt Shape-Layer zwei, und wieder in dieser Form befindet sich Layer diese Ellipse. Wir haben jetzt zwei Formebenen, jede mit einer Form darin, aber wie gesagt, kann eine Formebene mehrere Formen enthalten. Wie fügen wir einer Ebene eine Form hinzu, wenn wir das wollen? Was wir tun, ist, dass wir die Shape-Ebene ausgewählt lassen. Bevor wir das Rechteck aufgehoben haben. Jetzt lassen wir die Shape-Ebene ausgewählt. Gehen wir einfach zurück und wählen Sie das Rechteck-Werkzeug erneut. Jetzt, wenn das ausgewählt ist, werde ich jetzt ein Rechteck zeichnen, und jetzt wurde das Rechteck zu Shape Layer 2 hinzugefügt. So hat Shape Layer 2 jetzt zwei Formen darin. Shape Layer 1 hat nur das eine Rechteck. Dies kann nun nützlich sein, um komplexere Bilder mit Formebenen zu erstellen. Wie gesagt, Shape-Layer sind extrem mächtig. Derzeit verwenden wir nur die einfachen grundlegenden Formwerkzeuge, aber es ist möglich, Formen mit dem Stiftwerkzeug zu zeichnen, wie Sie in Illustrator tun, wenn Sie Vektorformen in Photoshop erstellen, und die Möglichkeit, mehrere Formen in Ein Form-Layer ähnelt einer Ebene in Illustrator mit mehreren Formen, und Sie können Beziehungen zwischen den Formen erstellen, um komplexe Bilddaten zu erstellen. Wenn Sie jedoch mit der Animation beginnen, ist es wichtig zu verstehen, dass Sie auf den Ebenen animieren, und jede Animation, die der Ebene hinzugefügt wird, wirkt sich auf alle Formen innerhalb dieser Ebene aus. Für diese Klasse werden wir immer einzelne Form-Layer erstellen. Gestalten Sie Ebenen mit nur einer Form, sodass wir beim Animieren jede Form einzeln animieren. Also wieder, wenn wir eine neue Form erstellen wollen und wir wollen, dass sie eine eigene Ebene hat, wieder werden wir die Auswahl entfernen, wir greifen, was Formwerkzeug wir wollen, und dann werden wir klicken und ziehen diese Form, und wieder wird die neue Formebene mit nur der einzelnen Form darin erstellt. Nun, bevor wir weitermachen, möchte ich Sie nur über etwas warnen hier als einen beginnenden AAfter Effects Benutzer. Wir betrachten hier wirklich nur die Grundlagen von Shape Layers. In der Shape-Layer-Welt gibt es viel Power und viel Komplexität. Es ist wichtig zu verstehen, dass Sie tatsächlich Probleme mit Shape-Layern bekommen können , wenn Sie etwas von dieser Tiefe nicht bewusst sind, wenn Sie in sie stolpern, lassen Sie es sagen. Lassen Sie uns also einen kurzen Blick auf einige der Komplexität innerhalb der Formebenen werfen. Wenn ich die Ellipse innerhalb des Inhalts der Formebene öffne, sehen Sie, dass eine ganze Reihe neuer Optionen auftauchen. Jedes dieser kleinen Dreiecke ist noch eine weitere Registerkarte, und jede dieser Registerkarten mit zusätzlichen Optionen in ihnen. Dazu gehören Optionen zum Animieren der Form selbst innerhalb der Ebene. Jetzt, bis Sie viel mehr mit der Arbeit mit Shape-Layern vertraut sind, empfehle ich dringend, diese Einstellungen, insbesondere die Transformationseinstellungen, nicht zu vergessen. Wenn Sie nur After Effects lernen, kann dies einige massive Verwirrung und Verhalten erzeugen, die Sie vielleicht nicht erwarten oder wollen, und Sie können wirklich tief im Unkraut landen, wenn Sie hier zu viel herumlaufen, ohne zu wissen, was Sie sind Tun. So wie Sie hier anfangen, empfehle ich, das geschlossen zu halten und sich von dort abzuheben , bis Sie ein wenig tiefer in die Software geraten sind. Lassen Sie uns ein paar von diesem Zeug hier löschen. Lassen Sie uns diese beiden Formen-Layer löschen, die wir erstellt haben. Lassen Sie uns diese löschen und lassen Sie uns einfach mit diesem weißen Quadrat für jetzt bleiben, und lassen Sie uns die grundlegenden animierbaren Eigenschaften für diese Ebene erkunden. 9. Die fünf Eigenschaften: Fast alle Ebenen in After Effects, mit Ausnahme von Audio-Ebenen, verfügen über fünf grundlegende Eigenschaften, die Sie manipulieren und animieren können. Werfen wir einen Blick auf die eins nach dem anderen. Auf unserer Formebene haben wir natürlich unsere Inhaltsregisterkarte, die ein Rechteck enthält. Gehen wir weiter und schließen den Tab nach oben. Darunter haben wir die Registerkarte „Transformation“. Lassen Sie uns voran gehen und Tab, die geöffnet und Sie können sehen, sind fünf Eigenschaften. Ankerpunkt, Position, Skalierung, Drehung und Deckkraft Lassen Sie uns jeden von ihnen einzeln durchgehen und sicherstellen , dass wir verstehen, wie sie funktionieren und wie man sie manipuliert. Der erste ist der Ankerpunkt. Dies ist eine sehr wichtige Eigenschaft, da sie beeinflusst, was mit den Positionsskalierungs- und Rotationseigenschaften geschieht, insbesondere Skalierung und Drehung. Der Ankerpunkt ist der Punkt der Ebene, von dem aus die Bewegung stattfindet. Der Ankerpunkt wird hier durch dieses kleine Symbol dargestellt. Es ist ein kleiner Kreis mit einem Fadenkreuz drauf. Beachten Sie, dass, wenn wir eine Formebene erstellen, die wiederum nur eine leere Schale ist, um eine oder mehrere Formen zu halten. Dieser leere Schalenlayer ist standardmäßig der Ankerpunkt in der Mitte des Rahmens. So gibt es unseren Ankerpunkt für die Formebene direkt in der Mitte des Rahmens. Was das bedeutet, und wir werden das in ein bisschen demonstrieren. Das bedeutet, dass, wenn wir die Position der Ebene, die Skalierung der Ebene oder die Drehung der Ebene verschieben , all diese Bewegung an diesem Ankerpunkt entstehen wird. Die Position des Ankerpunkts wirkt sich wirklich auf die Art und Weise aus, wie die Bewegung mit unseren Ebenen geschieht, insbesondere Skalierung und Rotation. Wir haben die Möglichkeit, den Ankerpunkt an verschiedene Positionen auf der Ebene zu verschieben , um verschiedene Effekte mit unserer Animation zu erhalten. Es gibt zwei Möglichkeiten, den Ankerpunkt anzupassen. Beide haben besondere Verwendungszwecke in bestimmten Situationen. Die gängigste Methode besteht darin, den Ankerpunkt unabhängig vom Bildmaterial auf der Ebene zu verschieben. Das ist es, was wir hier tun müssen, weil wir diesen Ankerpunkt in die Mitte dieses Platzes verschieben wollen . Was wir benutzen werden, ist die Pfanne hinter dem Werkzeug. Es befindet sich direkt neben dem Formwerkzeug, Schwenkwerkzeug hinter dem Werkzeug. Das ist ein seltsamer Name. Dies ist ein Tool, das tatsächlich eine ganze Reihe von verschiedenen Verwendungen hat, obwohl dies wahrscheinlich am häufigsten verwendet wird. Wir greifen die Pfanne hinter dem Werkzeug. Jetzt kann ich auf diesen Ankerpunkt klicken und ziehen, und ich kann ihn jetzt überall verschieben, wo ich will. Wo ich es jetzt verschieben möchte, ist in der Mitte unseres Platzes. Sie werden feststellen, dass beim Verschieben dieses Ankerpunkts der Ankerpunktwert , der ursprünglich bei Null und Null lag, jetzt einige andere Werte aufweist. Wir werden in einer Minute ein bisschen mehr über diese Werte sprechen. Die andere Möglichkeit, den Ankerpunkt zu beeinflussen, besteht darin, die Werte selbst zu manipulieren, aber das erzeugt einen ganz anderen Effekt. Sie werden feststellen, dass alle diese Wertzahlen blau sind. Das bedeutet, dass sie angeklickt und gezogen oder angeklickt werden können und Werte eingegeben werden können. Ich kann auf diese Werte klicken und ziehen. Beachten Sie jetzt, was passiert ist, dass der Ankerpunkt tatsächlich an Ort und Stelle bleibt. Aber das Kunstwerk auf der Ebene, in diesem Fall das Quadrat, bewegt sich in Bezug auf den Ankerpunkt, der fest bleibt. Das ist nicht das, was wir in diesem Fall wollen, also werde ich die Rückgängig-Taste drücken, Befehl Z, um das rückgängig zu machen und zurückzugeben. Unser Ankerpunkt ist wieder einmal in unserem Quadrat zentriert. Hier ist eine kleine Vorsicht Sie möchten sicherstellen, dass Sie beim Ankerpunkt einer Ebene nicht den Ankerpunkt der Form anpassen. Lassen Sie mich Ihnen zeigen, was ich meine. Wenn wir hier die Auswahl aufheben, wählen wir weg von unserer aktuellen Form. Lassen Sie uns unser Formwerkzeug greifen, und wir werden hier nur sehr schnell eine neue Form zeichnen. Sie werden feststellen, dass der Ankerpunkt für den Layer in der Mitte ist. In diesem speziellen Fall, in dem ich gerade eine Form gezeichnet habe, wenn ich sofort mein Schwenk-Werkzeug greife , ohne zuerst die Ebene auszuwählen. Sie werden feststellen, dass der Ankerpunkt für den Layer verschwindet. Jetzt gibt es einen neuen Ankerpunkt, sehr, sehr klein in der Mitte der Form. Beachten Sie auch, dass der Begrenzungsrahmen anders aussieht und diese kleinen weißen Kästchen anstelle der durchgezogenen blauen Quader enthält . Was das bedeutet, ist, dass wir jetzt die Form ausgewählt haben und dieser Ankerpunkt ist der Ankerpunkt der Form. Denken Sie daran, dass Formen in Formebenen ihre eigenen Transformationen haben. Denken Sie auch daran, dass ich Sie davor warnte, zu tief in das Unkraut mit Formschichten zu bekommen, bis Sie sie ein wenig vollständiger verstehen. Wenn ich diesen Ankerpunkt verschieben sollte, passe ich den Ankerpunkt der Ebene nicht an. Ich passe den Ankerpunkt der Form selbst an und ich bekomme nicht den Effekt mit der Animation, nach der ich suche. Es ist wichtig, darauf zu achten, wenn Sie diese Art von Begrenzungsrahmen und diesen kleinen Ankerpunkt sehen . Beachten Sie, dass Sie jetzt die Form ausgewählt haben, und Sie können unten in der Zeitleiste sehen , dass das Rechteck hier grau hervorgehoben ist. Die Form ist ausgewählt, aber die Ebene ist nicht. Beobachten Sie, was passiert, wenn wir die Ebene auswählen. Sobald wir das tun, erhalten wir den normalen Begrenzungsrahmen um unsere Form und unser Ankerpunkt ist jetzt der Ebenenankerpunkt in der Mitte. Beachten Sie nochmals, dass es ein viel größerer Ankerpunkt ist als der kleine, der für die Form auftaucht. Seien Sie sich bewusst, dass, wenn Sie eine Form zeichnen und die Pfanne hinter dem Werkzeug sofort auswählen, Sie auf dieses kleine Problem stoßen werden. Sie müssen lediglich die Ebene erneut auswählen und sicherstellen , dass Sie den Ankerpunkt der Ebene und nicht die Form anpassen. Lassen Sie uns voran und löschen Sie einfach diese Form, wählen Sie hier unsere Form wieder aus. Lassen Sie uns voran und wählen Sie unser Auswahlwerkzeug erneut aus. Schauen wir uns die Positionseigenschaft an , von der ich denke, dass die Ankerpunkt-Eigenschaft ein wenig mehr Sinn ergibt. Beginnen wir damit, darüber zu sprechen, was die beiden Zahlen bedeuten. Beachten Sie, dass sowohl der Ankerpunkt als auch die Position hier zwei Werte haben. Der erste Wert ist der Wert in x. X ist der horizontale Wert, der sich nach rechts oder links bewegt. Wenn ich auf diese erste Zahl klicken und ziehen sollte, können Sie sehen, dass ich vorwärts und rückwärts von rechts nach links mit meiner Position hier. Beachten Sie auch, dass uns aus unserem Netz genommen hat. Ich kann auch einfach auf die Ebene selbst klicken und ziehen, und dann kann ich sie hier wieder im Raster einrasten. Ich kann die Position manipulieren, indem ich entweder auf die Ebene klicke und ziehe oder auf den Wert in der Timeline klicke und ziehe. Je nach Situation, in der Sie sich befinden, ist es am besten, auf den Layer zu klicken und zu ziehen. In der Regel wird das Klicken und Ziehen oder Eingeben eines Wertes in der Zeitleiste einfacher und effizienter, insbesondere wenn Sie an komplexeren Projekten arbeiten. Aber da wir die einfache Animation um die Rasterstruktur erstellen, werden wir wahrscheinlich ein wenig öfter auf die Ebene klicken und ziehen. Der zweite Wert ist der y-Wert, der nach oben und unten ist. Wieder einmal kann ich mich nach oben und unten bewegen, indem ich diesen Wert anklicke und ziehe, oder ich kann einfach auf die Ebene selbst klicken und ziehen. Ich kann einfach klicken und ziehen und auch völlig zufällig bewegen. Solange ich das Fangen habe, fange ich weiter an diesen Rasterpunkten. Beachten Sie, wie ich dies verschiebe, bewegen sich auch die Werte. Wenn ich das Quadrat direkt in die Mitte lege, beachten Sie, dass der Wert 960 mal 540 ist. 960 ist die Hälfte von 1920, 540 ist die Hälfte von 1080. So kann ich auch Dinge zentrieren, indem ich einfach Werte eintippe. Nehmen wir an, mein Quadrat ist hier irgendwo und ich will es in der Mitte. Ich kann tatsächlich einfach in die x und y klicken hier. Klicken Sie einfach und ich kann 960 eingeben, Tab 540 zurück und es zentriert das Quadrat. Ich kann auch einfache Mathematik in diesen Wertefeldern machen. Zum Beispiel kann ich auf 960 klicken. Wenn ich 120 Frames in x gehen möchte, kann ich plus 120 gehen, und es springt 120 Frames. Hier wird es ein wenig knifflig. Wenn ich rückwärts gehen wollte, kann ich nicht einfach minus 120 eingeben. Beobachten Sie, was passiert, wenn ich minus 120 gehe, mein Quadrat geht tatsächlich aus dem Bildschirm, weil es nur auf den Wert minus 120 geht. Lassen Sie uns rückgängig machen, und bewegen Sie uns einfach 120 Frames zurück. Um das zu tun, klicke ich hier in das Wertefenster und gehe zuerst Plus. Das Plus ist im Grunde, Nachwirkungen zu erzählen, ich mache jetzt eine Berechnung, anstatt zu einem negativen Wert und dann zu negativem 120 zu gehen. Jetzt springe ich zurück ein 120 Frames. Ein wenig verwirrend, aber die Tatsache, dass wir negative Werte als Möglichkeit hier haben, macht es notwendig, diesen zweiten Tastendruck hinzuzufügen, um danach zu sagen, was Sie tun. Wieder kann ich plus minus 240 gehen, oder ich kann plus 120 oder was auch immer ich tun möchte, oder wenn ich in die Mitte zurückkehren möchte, kann ich einfach 960 eingeben und es zurück in die Mitte legen. Jetzt habe ich hier geschnappt, also kann ich es auch einfach bewegen und es an den Dingen schnappen. Aber in einigen Fällen werden Sie nicht mit einem Rastersystem arbeiten und numerische Werte verwenden oder einfach nur auf einen Wert klicken und ziehen kann wirklich nützlich sein. Jetzt lassen Sie uns diesen Ankerpunkt schnell wieder einmal besuchen , nur um sicherzustellen, dass wir wirklich verstehen, was hier passiert. Beachten Sie jetzt, dass Positionswert bei 960 von 540 ist. Mit anderen Worten, der Ankerpunkt befindet sich in der Mitte. Der Layer ist zentriert. Nun, wenn ich die Schwenke hinter dem Werkzeug grafiere und ich diesen Ankerpunkt an eine andere Position schiebe, sagen Sie unten in der Ecke des Quadrats. Beachten Sie, dass das Quadrat immer noch im Rahmen zentriert ist. Das Kunstwerk befindet sich immer noch in der gleichen Position. Der Layer wurde jedoch tatsächlich verschoben. Beachten Sie, dass sich die Ebenenwerte jetzt unterscheiden, da sich der Ankerpunkt des Layers, der die Position des Layers bestimmt, jetzt nicht in der Mitte befindet. Mein Quadrat, die Grafik ist zentriert, aber die Ebene ist jetzt außerhalb der Mitte. Wenn ich den Wert 960 mal 540 zurückgebe, ist mein Layer jetzt zentriert. Da das Bildmaterial jedoch nicht auf der Ebene zentriert ist, befindet sich das Bildmaterial nun außerhalb der Mitte. Dies ist eine wichtige Unterscheidung, die zu verstehen ist. Der Ankerpunkt bestimmt, wo sich der Layer befindet. Aber die Ebene kann Kunstwerke von fast jeder Art haben. Es kann eine Form oder eine Zeichnung oder Typografie sein oder was Sie haben. Aber der Ankerpunkt bestimmt, wo sich die Ebene tatsächlich befindet. Nun, ebenso, gerade jetzt meine Position, es hat die Schicht zentriert 960 um 540. Wenn ich jetzt die Ankerpunktwerte manipuliere, machen wir das. Lass uns das ein bisschen klappen und wir werden das an einen seltsamen Ort bringen. Wenn ich die Ankerpunktwerte manipuliere, beachten Sie, dass sich die Position des Layers nicht geändert hat. Die Position des Bildmaterials in Bezug auf die Ebene hat sich geändert, da ich diese Ankerpunktwerte geändert habe. Aber die Position der Schichten ist immer noch auf 960 mal 540 zentriert. Dies ist eine wichtige Unterscheidung, und es ist wichtig, den Unterschied zwischen Ebenenposition und Bildposition zu verstehen , der durch die Ankerpunktwerte bestimmt wird. Nun lassen Sie uns wieder rückgängig machen, bis dieses Quadrat wieder in unserem Gitter ist, und dann können wir mit dem Stift hinter dem Werkzeug fortfahren und diesen Ankerpunkt wieder in die Mitte unseres Quadrats einrasten. Wenn Sie möchten, können Sie das Quadrat erneut an der Mitte des Rahmens ausrichten oder 960 mal 540 eingeben. Denken Sie daran, zu sparen, während Sie arbeiten. Jetzt ist die nächste Eigenschaft scale, und das wird wieder mit zwei Werten bestimmt, wieder X und Y, aber jetzt ist es ein Prozentwert. Als wir hier unsere Form gemacht haben, haben wir unsere Form zu einer bestimmten Größe gemacht, also ist sie jetzt in einer 100-prozentigen Skala. Wenn ich auf diese Werte klicke und ziehe, ändert sich dieser Maßstab proportional. Gehen wir weiter und tippen Sie erneut 100 ein, um es wieder auf seine normale Größe zurückzugeben. Jetzt kann ich außerhalb der Proportionen skalieren, indem ich die Abhängigkeitsproportionen auswähle, und jetzt kann ich in Y oder X separat skalieren. Beachten Sie auch, dass, wenn ich diese Skalierungswerte erarbeite und dann eingeschränkte Proportionen wieder aktiviert habe, wenn ich jetzt auf die Skalierung klicke und ziehe, sie sich proportional bewegt, aber mit meinen arbeitsfreien Proportionen. Wenn ich zur proportionalen Skalierung zurückkehren möchte, kann ich eines von zwei Dingen tun. Ich kann entweder wieder proportional ausschalten und dann einfach gerade Werte eingeben und dann die proportionale Skalierung erneut überprüfen, und jetzt bin ich wieder normal hier, oder werfen wir diese äußere Arbeit wieder oder mit den Werten ohne Arbeit und die proportionale Skala nicht markiert, kann ich Option klicken, es nimmt automatisch den ersten Wert, den X-Wert, und kopiert ihn in den Y-Wert und bringt uns wieder zur proportionalen Skalierung zurück. Lass uns weitermachen und das auf 100 zurückgeben. Lassen Sie uns nun auch einen kurzen Blick darauf werfen, was passiert, wenn wir den Ankerpunkt ändern. Wenn ich unseren Stift hinter dem Werkzeug nehme und sagen wir, dass wir unseren Ankerpunkt an die Ecke des Quadrats bewegen und nun die Skala manipulieren, dann beachte jetzt, dass er von diesem Ankerpunkt nach oben und unten skaliert wird. Auch hier ist die Position des Ankerpunkts sehr wichtig die richtige Art von Effekt mit der Animation zu erstellen, die Sie suchen. Denken Sie auch daran, dass wir unseren Ankerpunkt komplett vom Objekt nehmen können. Ich kann es sogar aus dem Rahmen nehmen, wenn ich will, ich kann den Ankerpunkt hier irgendwo setzen, und wieder werde ich ein sehr, sehr anderes Verhalten bekommen. Jetzt sieht es fast so aus, als würden wir die Position des Platzes bewegen, aber wir sind es nicht, wir bewegen die Position nicht. Wir skalieren es nur von diesem weit entfernten Ankerpunkt und schaffen diesen verrückten skalierenden diagonalen Bewegungseffekt. Ich werde wieder rückgängig machen, bis wir hier wieder normal sind. Ich empfehle Ihnen, das Gleiche zu tun. Also werde ich Z ein paar Male befehligen, bis wir zurück zum zentrierten Quadrat und zentrierten Ankerpunkt sind. Unser nächster Wert ist die Rotation, was ziemlich offensichtlich ist. Es gibt zwei Werte hier, aber sie sind nicht X und Y. Stattdessen sind sie 360 Grad in einem Kreis, und der erste Wert ist die Anzahl der vollständigen Rotationen. Werfen wir einen Blick darauf. Wenn ich auf diesen ersten Wert hier klicken und nach oben oder unten ziehen, die Grad, es beginnt nur, die Form zu drehen. Aber sieh zu, was passiert, wenn ich bis zu 360 gehe. Sobald ich 360, Boom plötzlich, dass der erste Wert springt auf eins. Wir haben jetzt eine volle 360-Grad-Drehung plus sieben Grad. Dasselbe wird auch negativ funktionieren. Wenn ich wieder hoch gehe, gehen wir wieder hoch. Jetzt sind es zwei volle 360-Grad-Umdrehungen um 25 Grad. Geben wir einfach Nullen wieder hier rein. Nun, eine Sache, die ich möchte, dass Sie beachten weil es ein wenig verwirrend sein kann, wenn Sie zum ersten Mal beginnen, wenn ich auf diesen ersten Wert klicke und ziehe, beobachten Sie das Quadrat hier, wie ich das tue. Wenn ich auf diesen Wert klicke und ziehe, beachte, dass sich das Quadrat überhaupt nicht bewegt. Obwohl ich 41 Volldrehungen des Quadrats hinzufüge, dreht sich das Quadrat nicht wirklich 41 Mal vor unseren Augen. Es hält im Grunde nur bei Nullgrad-Ausrichtung, und wir fügen nur mehrere Rotationen , die animiert werden könnten, wenn wir diesen Wert animieren würden. Seien Sie sich dessen bewusst, Sie werden nichts rotieren sehen , wenn Sie diesen ersten Wert manipulieren. Sie werden es jedoch sehen, wenn Sie den 0 bis 360 Wert direkt dort manipulieren. Jetzt, genau wie die Skalierung, ändert die Position des Ankerpunkts das Verhalten dieser Rotation. Auch wenn wir unseren Ankerpunkt in die Ecke unseres Quadrats bewegen und ihn drehen, wird er sich jetzt um diese Ecke drehen, und genau wie vorher können wir den Ankerpunkt auch vollständig vom Kreis oder sogar vom Rahmen entfernen. Wieder werden wir ein ganz anderes Verhalten bekommen, jetzt wird ein Satellit bewegen sich um einen Planeten, eine Bewegung oder was auch immer. Gehen wir weiter und setzen Sie das zurück auf Null und lassen Sie uns unseren Ankerpunkt zurück in die Mitte bringen. Keine Deckkraft ist sehr einfach zu verstehen, es ist nur die Deckkraft der Ebene Wenn ich also die Deckkraft herunterdrehe, sinkt die Deckkraft zwischen 0 und 100 Prozent, ziemlich unkompliziert. Aber denken Sie daran, dass ich Mathe in jedem dieser Werte machen kann. Ich kann plus 10 zur Skala hinzufügen. Ich kann der Rotation plus 45 hinzufügen, und ich kann das auch mit Opazität tun. Plus minus 10 oder plus 5, oder ich kann einfach klicken und Werte 100 oder Null eingeben. Jetzt zeige ich Ihnen das teilweise, weil ich Ihnen hier noch eine kleine Vorsicht geben möchte, nämlich dass, wenn Sie die Deckkraft manipulieren, es sehr häufig ist zu sagen, ich möchte, dass dies auf Null Deckkraft animiert wird. Ich möchte, dass es verblasst, und so klicken und ziehen Sie auf den Wert und Sie klicken und ziehen Sie ihn nach unten. Jetzt habe ich es gleich auf Null gebracht. Aber es ist wirklich einfach, wenn Sie schnell arbeiten, um es auf ein oder zwei Prozent zu reduzieren. Wenn man sich das jetzt anschaut, kann man das wirklich nicht sehen, es sei denn, man sieht wirklich hart aus, aber es liegt eigentlich bei einem Prozent. Sie könnten denken, dass es bei null Prozent liegt, aber es ist tatsächlich eins, besonders wenn der Hintergrund eine ähnliche Farbe wie das Objekt hat. Das Gleiche mit einem 100, Sie können nach oben scrollen, um es auf 100 zu bekommen und versehentlich auf wie 94 oder 99 zu bekommen und es nicht vollständig undurchsichtig. Eine gute Faustregel, wenn Sie keine Deckkraft wünschen, klicken Sie auf und geben Sie Null ein. Wenn Sie eine Deckkraft von 100 Prozent wünschen, klicken Sie auf und geben Sie 100 Prozent ein. Andernfalls bemerken Sie möglicherweise nicht, dass Sie diese Werte nicht vollständig erhalten haben Wenn Sie dann rendern, können Sie einige Probleme mit dem Rendern feststellen. Manchmal kann man nicht sehen, dass die Dinge mit einer halben Auflösung sind , die Sie sehen werden, wenn etwas schließlich gerendert wird. Es ist nur eine gute Angewohnheit, in die man einsteigen kann. Nun, da wir über unsere fünf Eigenschaften gelernt haben, wir einen Blick auf die Erstellung von Animationen. 10. Animieren: Eines der großartigen Dinge am Animationsprozess in After Effects ist, dass Sie, sobald Sie lernen, wie Sie eine Eigenschaft animieren, wirklich wissen, wie Sie alle Eigenschaften animieren, da das Animationssystem für jede animierbare Eigenschaft genau das gleiche ist. Aber wir werden anfangen, eine einfache Positionsanimation zu machen. Der erste Schritt besteht also darin, zu wählen, wo Ihre Animation beginnen soll. Also nehmen wir unsere CTI und verschieben sie dorthin, wo wir wollen, dass unsere Animation beginnt. Es spielt wirklich keine Rolle, wo, ich werde mit 12 Frames beginnen, Sie können anfangen, wo immer Sie wollen, aber setzen Sie einfach die CTI irgendwo hier auf der Timeline außer Frame Null. Dann möchten wir unseren ersten Wert wählen, in diesem Fall einen Positionswert, aber es könnte ein Skalierungswert oder eine Rotation oder eine Eigenschaft auf einem Effekt oder irgendetwas anderes sein, das wir animieren. Also nehmen wir in diesem Fall einfach unser Quadrat und bringen es einfach zur Seite des Rahmens. So haben wir jetzt, wo wir wollen, dass die Animation im Raum beginnt und wo wir wollen, dass die Animation in der Zeit beginnt. Also, jetzt gehen wir auf den Positionswert hier runter. Wir werden auf diese Stoppuhr klicken, genau hier. Also gehen wir voran und klicken, dass und das wird Animation für diese Position Eigenschaft aktivieren. Beachten Sie auch, dass wir unseren ersten Keyframe erstellt haben. Ich verschiebe die CTI hier ab, nur damit Sie sie sehen können. Da ist unser erster kleiner Keyframe, die kleine Diamantform. Nun, um unseren nächsten Keyframe zu setzen, müssen wir einfach die CTI in der Zeit vorwärts oder sogar rückwärts bewegen, und das ist wichtig zu beachten. Wir werden hier vorwärts arbeiten, aber Sie können tatsächlich sowohl rückwärts als auch vorwärts animieren , aber wir gehen voran und gehen rechtzeitig voran. Also lassen Sie uns ein paar Frames vorwärts gehen. Also, jetzt haben wir die CTI in eine andere Position in der Zeit verschoben, und dann müssen wir nur den Wert der Immobilie ändern. Jetzt kann ich diesen Wert entweder durch Klicken und Ziehen auf die Werte hier ändern. Ich kann auch einfach auf die Ebene klicken und ziehen, um sie im Raum zu verschieben. Also lassen Sie uns einfach auf die Ebene klicken und ziehen, und wir werden sie einfach über den Bildschirm bewegen. Beachten Sie, dass ich automatisch einen neuen Keyframe erstellt habe, wenn ich diesen Positionswert ändere . Wenn Sie also die Animation aktivieren, Ihren ersten Keyframe erstellen, sich in der Zeit bewegen, den Wert geändert haben, wird automatisch ein anderes Keyframe erstellt. Wenn wir rammen Vorschau dies, Sie können sehen, dass wir jetzt Animation haben. Sehr, sehr einfach. Jetzt kann ich die CTI weiterhin an eine Position verschieben, einen Wert ändern und Keyframe erstellen, so dass ich dies so lange tun kann, wie ich will, und jedes Mal, wenn ich die CTI verschieben, in der Zeit bewegen und den Wert ändern, füge ich einen Keyframe hinzu. Jetzt kann ich Keyframes auch rechtzeitig verschieben. So kann ich einen Keyframe aufnehmen, darauf klicken und ziehen und ihn rechtzeitig hin und her bewegen. Ich kann auch zwei oder mehr Keyframes verschieben, indem ich auf ein Feld um die Anzahl der Keyframes ziehe, die ich verschieben möchte, und dann kann ich alle Keyframes so viele wie ich möchte verschieben . Ich kann Keyframes auch löschen, indem einen Rahmen um die Keyframes zeichne, die ich löschen möchte, um sie auszuwählen. Beachten Sie noch einmal, dass sie blau werden, wenn sie ausgewählt sind, drücken Sie dann die Löschtaste, und ich kann diese Keyframes verschwinden lassen. Jetzt kann ich auch den Wert der Keyframes ändern, die ich erstellt habe, aber um das zu tun, muss ich meine CTI auf dem Keyframe haben, den ich ändern möchte, denn wenn meine CTI hier draußen ist und ich einen Wert ändere, wird es Erstellen Sie einen neuen Keyframe. Aber wenn ich den Wert dieser Keyframes ändern möchte, kann ich meine CTI auf diesen Keyframe setzen und dann kann ich diesen Wert ändern, indem ich auf die Zahlen klicke oder auf die Ebene klicke und sie verschiebe und den Wert dieses Keyframes ändern. Nun, manchmal, wenn Sie ein langes Projekt mit vielen Keyframes haben, kann es schwierig sein, die CTI direkt auf diesem Keyframe zu bekommen. In diesem Fall mit nur sechs Sekunden ist es nicht sehr schwierig. Sie können hier aber auch die Keyframe-Navigationstasten verwenden. Siehst du die kleinen Pfeile hier vorwärts und zurück? Diese gehen zum vorherigen Keyframe oder zum nächsten Keyframe und das wird einfach direkt zu diesem Keyframe springen, dann wieder, Sie können diesen Wert ändern, entweder indem die Zahlen dort ändern oder durch Klicken und Ziehen auf ihn hier nach oben ziehen. 11. Timing und Abstand: Lasst uns nur einen Moment innehalten und über eine große Idee reden , die wir hier ansprechen werden. Aber anstehende Klassen zur Planung des Fähigkeitsanteils werden mit viel größerer Tiefe eingehen. Es ist ein Animationsprinzip, das normalerweise einfach als Timing bezeichnet wird, aber ich ziehe es vor, es nach seinem vollständigen Namen, Timing und Abstand zu nennen. Timing und Abstand sind die beiden Möglichkeiten, um die Geschwindigkeit oder Geschwindigkeit der Bewegung zu steuern. Die Steuerung der Geschwindigkeit oder Geschwindigkeit der Bewegung ist eine der wichtigsten Möglichkeiten für Animatoren, Bewegung zu erzeugen, die Bedeutung hat. Bewegung, die Gewicht, Schwerkraft, Ideen oder Emotionen kommuniziert . Timing und Abstände sind in vielerlei Hinsicht das Grundprinzip der Animation, das allen anderen Prinzipien der Animation zugrunde liegt. Lassen Sie uns beginnen, indem wir einen Blick auf die Idee des Timings werfen. Timing ist die Anzahl der Frames zwischen zwei Keyframes. Mit anderen Worten, wie viele Frames braucht es, um von hier nach hier zu kommen? Jetzt kann ich das Timing ändern, indem ich die Keyframes rechtzeitig vor- und rückwärts schiebe. Lassen Sie uns diesen ersten Keyframe hier bei Frame 12 setzen. Momentan haben wir zwischen diesem Keyframe bei Frame 12 und diesem Keyframe bei einer Sekunde 12 Frames. Gehen wir weiter und schauen uns das an. Nennen wir das unsere Durchschnittsgeschwindigkeit. Wenn wir diese Bewegung nun schneller machen wollen, können wir die Keyframes näher aneinander bewegen. Ich werde diesen zweiten Keyframe nehmen und ich werde ihn viel näher an diesen ersten Keyframe bringen. Jetzt gibt es hier nur vier Frames zwischen Frame 12 und Frame 16. Sehen Sie sich nun die Geschwindigkeit des Uhrwerks an. Wow, viel, viel schneller. Sieh mal, viel, viel schneller. Durch Ändern des Timings zwischen diesen beiden Keyframes haben wir die Geschwindigkeit oder Geschwindigkeit der Bewegung geändert. Denken Sie daran, dass sie die gleiche Distanz bewegen. Wir bewegen uns in beiden Fällen von hier nach hier, aber wir machen es mit weniger Frames. Lassen Sie es uns hier auf eine Sekunde zurückbringen. Sieh dir das noch mal an. Viel langsamer. Wieder bewegen Sie die gleiche Entfernung. Jetzt lassen Sie es uns verlangsamen. Sagen wir, wir wollen, dass es langsamer wird. Jetzt können wir die Keyframes weiter auseinander verschieben. Ich werde das nehmen und den ganzen Weg rausziehen, bis zu zwei Sekunden hier. Jetzt rammen wir eine Vorschau darauf. Viel, viel langsamer. Jetzt haben wir die Bewegung viel langsamer gemacht. Wieder bewegen wir uns die gleiche Distanz. Wir bewegen uns immer noch von hier nach hier, in gleicher Entfernung, aber wir nehmen mehr Rahmen, um es zu tun, wodurch die Bewegung verlangsamt wird. Mehr Frames zwischen Keyframes, die mehr Platz auf der Timeline zwischen den Keyframes bedeuten eine langsamere Bewegung, weniger Frames zwischen Keyframes, was einen kleineren Abstand zwischen zwei Keyframes auf der Timeline darstellen würde , bedeutet eine schnellere Bewegung. Nun, das ist der Timing-Aspekt von Timing und Abstand. Aber schauen wir uns den Abstandsaspekt an. Ich werde diesen Keyframe hierher auf eine Sekunde verschieben. Schauen wir uns das noch einmal an und bekommen einfach ein Gefühl für das Timing dort. Da ist unsere durchschnittliche Geschwindigkeit. Die andere Möglichkeit, die Geschwindigkeit oder Geschwindigkeit der Bewegung zu ändern , ist der Abstand zwischen den beiden Keyframes. Nun gilt der Begriff Abstand wirklich vor allem für die Positionsbewegung. Aber das größere Konzept hier ist die Wertänderung von einem Keyframe zum anderen. Wenn Sie Skalierung, Drehung oder Deckkraft animieren oder etwas, das keine Distanz zurücklegt, ist der Abstand möglicherweise nicht der genaueste Begriff, aber die Idee ist, wie viel ändert er sich von einem Keyframe zu einem anderen? In diesem Fall wechseln wir von hier nach hier über 12 Frames und wir bekommen diese Geschwindigkeit. Sehen Sie nun, was passiert, wenn wir die gleiche Anzahl von Frames behalten. Wir bleiben bei 12 Frames. Wir werden nicht ändern, wie viele Frames von einem Keyframe zu einem anderen verschoben wurden Stattdessen ändern wir den Abstand oder die Werte dieser beiden Keyframes. Beginnen wir mit der Verlangsamung der Bewegung. Wenn wir die Bewegung verlangsamen wollen, müssen wir den Abstand näher zusammenbringen. Ich werde diesen ersten Wert nehmen, also möchte ich sicherstellen , dass ich auf diesem ersten Keyframe bin und ich meine kleinen Keyframe-Navigationspfeile hier verwenden kann , um sicherzustellen, dass ich auf diesem ersten Keyframe bin. Ich werde das näher an diesen anderen Keyframe schieben. Dann werde ich zum zweiten Keyframe springen. Ich werde das näher an diesen ersten Keyframe schieben. Nun lassen Sie uns eine Vorschau dieser, aber beachten Sie noch einmal, dass wir immer noch 12 Frames viel langsamer bewegen. Wir haben die Bewegung verlangsamt, indem den Abstand zwischen den beiden Keyframes oder den Wert zwischen den beiden Keyframes geändert haben. Wie viel ändert sich der Keyframe von diesem Keyframe zu diesem Keyframe? Jetzt ändert es sich nicht so sehr, es sind immer noch 12 Frames. Das Timing ist gleich, aber weil dieser Abstand oder die Werte näher beieinander liegen, bewegt er sich jetzt viel langsamer. Wenn wir nun die Bewegung beschleunigen wollen, machen wir das Gegenteil und wir machen die Wertänderung zwischen einem Keyframe und einem anderen viel größer. Lassen Sie uns jetzt auf diesem ersten Keyframe, bringen Sie es zurück an den Rand des Rahmens. Dann springen wir zu diesem zweiten Keyframe und bringen diesen Weg an den Rand auf der anderen Seite. Jetzt sehen wir schnellere Bewegung, viel schnellere Bewegung. Da gehen wir. Weniger eine Wertänderung macht eine langsamere Bewegung, und mehr eine Wertänderung macht eine schnellere Bewegung. Jetzt haben wir uns sowohl das Timing als auch die Abstände angesehen. Wir ändern entweder die Anzahl der Frames zwischen den beiden Keyframes oder den Wert oder die Menge der Änderung von einem Keyframe zu einem anderen. In den meisten Fällen können Sie diese beiden Dinge manipulieren, um die Geschwindigkeit Ihrer Bewegung zu steuern. In einigen Fällen können Sie möglicherweise nur das eine oder andere ändern. Aber so oder so, Sie wissen jetzt, wie Sie Ihre Bewegung schneller oder langsamer machen können , um zu kommunizieren, was Sie mit Ihrer Animation kommunizieren möchten. Wie gesagt, ich plane eine tiefere Reihe von Klassen für Fertigkeiten teilen , dass wir tiefer in dieses und andere wichtige Animationsprinzipien eintauchen. 12. Leiche: Lineare Bewegung ist in der natürlichen Welt sehr ungewöhnlich. Fast nichts beginnt oder hört sofort auf. Die meisten Bewegung dauert eine Weile, um loszugehen und dauert eine Weile, um zu stoppen, beschleunigen und zu verlangsamen, in und aus jeder Bewegung. Ein einfaches Beispiel dafür wäre ein Auto. Wenn Sie auf das Gas treten, fährt das Auto nicht sofort 60 Meilen pro Stunde. Es beschleunigt sich allmählich von einem Stopp, bevor er volle Geschwindigkeit gewinnt. Ebenso, wenn Sie auf die Bremsen treten, um das Auto zu stoppen, auch wenn Sie auf die Bremsen schlagen, stoppt das Auto nicht sofort. ob Sie auf die Bremsen schlagen, oder ob Sie normal auf die Bremsen treten, Sie werden allmählich verlangsamen, bevor Sie zu einem vollen Stopp kommen. In der Animation wird diese allmähliche Beschleunigung und Verlangsamung als „Ease out“ und „Easy in“ bezeichnet. Es ist ein weiteres sehr wichtiges Animationsprinzip. Lassen Sie uns dieser Bewegung einige Leichtigkeit hinzufügen, so dass es ein wenig natürlicher ist. Fangen wir mit unserem Ease-out an. Auf dem ersten Keyframe hier werde ich den Keyframe auswählen. Ich werde mit der rechten Maustaste darauf klicken, und ich werde zum Keyframe-Assistenten gehen. Ich werde Easy Easy Out wählen. Warum wähle ich Easy Ease out? Denn dies ist der erste Keyframe in unserer Bewegung, und wir wollen zu erleichtern, oder langsam beschleunigt, beginnen langsam und schneller aus diesem ersten Keyframe. Es ist in der Regel gut, wenn Sie den Unterschied zwischen Leichtigkeit und Leichtigkeit lernen, um ein paar Wörter zu der Phrase hinzuzufügen. Wenn wir darüber nachdenken, aus einem Keyframe zu entschärfen, werden wir aus einem Keyframe gelockert. Dann, später werden wir uns in einen Keyframe hier zu erleichtern. Wenn Sie diese Wörter hinzufügen, wird Ihnen das helfen, sich daran zu erinnern, welches Sie verwenden möchten. In diesem Fall möchten wir Ease-out. Beachten Sie, dass, wenn ich diese Anpassung vorgenommen habe, wie jetzt die kleinen Punkte nicht mehr gleichmäßig verteilt sind. Sieh dir an, wie sie hier näher beieinander sind, dann etwas breiter. Das ist die Leichtigkeit aus. Mit anderen Worten, der Abstand beginnt schmaler und wird breiter, wenn er sich weiterbewegt, die Bewegung beginnt langsamer und wird schneller. Das ist Timing und Abstand wieder, oder speziell die Abstandsseite von Timing und Abstand. Werfen wir einen Blick darauf, wie das aussieht. Kannst du das sehen? Es ist ein bisschen subtil. Aber sehen Sie, wie die Bewegung jetzt langsamer beginnt und sich in diese Bewegung hineinlässt. Jetzt haben wir keine Leichtigkeit auf dieser Seite. Beachten Sie, wie es in das zweite Schlüsselbild knallt. Boom, genau da trifft es richtig hart. Nun, nur zu Demonstrationszwecken, nehmen wir die Leichtigkeit von diesem ersten Keyframe ab, damit wir uns nur eine Leichtigkeit ansehen können, und dann werden wir Leichtigkeit auf beiden Seiten setzen. Jetzt werden Sie feststellen, dass der Keyframe mit dem „Ease out“ auf der Seite des Keyframe-Symbols diese kleine C-Form hat. Um eine Leichtigkeit zu entfernen, halten Sie die Befehlstaste gedrückt und klicken Sie auf Keyframe. Es verwandelt sich wieder in einen kleinen Diamanten. Diamant ist ein linearer Keyframe. Jetzt haben wir wieder unsere gleichmäßigen Abstände. Wählen wir nun den zweiten Keyframe aus. Wir werden mit der rechten Maustaste darauf klicken, gehen Sie zum Keyframe-Assistenten. Dieses Mal werden wir Easy Easy in wählen, weil wir in den Keyframe lockern. Lassen Sie uns das wählen und noch einmal sehen, wie der Abstand jetzt nicht mehr gleichmäßig ist und er schmaler wird. Der Abstand wird schmaler, wenn wir näher an diesem Keyframe sich in diesem Schlüsselbild verlangsamen. Sehen wir uns das jetzt an. Da gehen wir hin. Sie können sehen, dass es sich in diesem Keyframe einfügt. Wir haben diesen abrupten Stopp nicht mehr. Es tritt leise in diese endgültige Position ein. Beachten Sie, dass sowohl das Ease-out als auch das Easy in viel natürlicher, viel weniger mechanisch anfühlen. Lassen Sie uns jetzt Leichtigkeit auf beiden Seiten setzen, was im Allgemeinen das ist, was Sie tun werden, außer in einigen bestimmten Umständen. Ich werde mit der rechten Maustaste auf diesen ersten Keyframe klicken. Gehen Sie zum Keyframe-Assistenten, und wählen Sie Easy Easy out, weil wir diesen Keyframe lindern. Jetzt rammen wir eine Vorschau mit den Leichtigkeit auf beiden Seiten. Beachten Sie, dass unser Abstand schmaler beginnt, breiter, breiter in der Mitte wird und dann auf der anderen Seite wieder schmaler wird. Es beschleunigt sich, es ist der schnellste in der Mitte und verlangsamt sich dann wieder in den zweiten Keyframe. Werfen wir einen Blick auf das. Da gehen wir hin. Jetzt haben wir schöne natürliche Bewegung. Viel weniger mechanisch, viel weniger scharf und hart. 13. Keyframes halten: Werfen wir einen Blick auf eine weitere Art und Weise, wie wir unsere Bewegung manipulieren können. Nehmen wir an, wir wollen, dass eine Bewegung aufhört und dann wieder beginnt. Um dies zu tun, wollen wir die sogenannten Hold-Keyframes verwenden, die es uns ermöglichen, einen Wert so lange zu halten, wie wir wollen, bevor wir wieder mit der Bewegung beginnen. Tun wir so, als ob wir wollen, dass diese Bewegung irgendwo in der Mitte anhalten, eine Sekunde anhalten und dann wieder starten. Ich werde diesen Keyframe tatsächlich ein bisschen mehr rausziehen, vielleicht nicht so weit, wie wir es vorher getan haben, aber ein paar Möglichkeiten, uns ein wenig Raum zu geben, um hier zu arbeiten. Lassen Sie uns beginnen, indem wir unsere CTI ein wenig rausziehen und irgendwo in der Mitte anhalten. Es muss nicht genau in der Mitte sein, wo immer Sie wollen. Ich werde vielleicht ein Drittel des Weges gehen oder so etwas. Nehmen wir an, wir wollen, dass die Bewegung hier anhalten und für eine Sekunde anhalten wird, bevor sie ihren Weg fortsetzt. Was ich tun muss, ist, dass ich hier in der Mitte meiner beiden ersten Keyframes einen neuen Keyframe hinzufügen muss . Um einen Keyframe hinzuzufügen, diesen Wert an diesem Punkt in der Bewegung im Wesentlichen erfassen wird, werde ich diesen kleinen Diamantknopf hier durch meine zwei Pfeilnavigationstasten hier verwenden . Das ist die Schaltfläche „Keyframe hinzufügen oder entfernen“. Ich werde darauf klicken und das wird einen neuen Schlüsselrahmen direkt in der Mitte hinzufügen. Jetzt bemerken Sie, dass der Keyframe ein bisschen lustig aussieht. Es hat einen Sanduhr-Look. Das liegt daran, dass wir eine Leichtigkeit aus diesem Keyframe und eine Leichtigkeit in diesem Keyframe hatten. Wenn wir einen neuen Schlüsselrahmen erstellen, erstellt After Effects, was wir hier in der Mitte erraten wollen. Es ist vermutet, dass wir ein bisschen Leichtigkeit in und ein bisschen Leichtigkeit wollen , damit wir diese kleine Art von Sanduhr Form bekommen. Beachten Sie, dass es in einer Menge nicht wirklich gelockert. Es macht eine Vermutung bei einer kleinen Menge an Leichtigkeit kommen herein, so dass es nicht tatsächlich gelockert oder gelockert ist. Wir werden das später ändern. Lassen Sie uns damit beginnen, dies einfach in einen linearen Keyframe zu verwandeln. Ich werde die Befehlstaste drücken, darauf klicken und wir werden das vorerst wieder in einen linearen Keyframe verwandeln. Ich möchte, dass es zu diesem Punkt kommt und dann möchte ich, dass es aufhört, sich zu bewegen, damit es sich nicht für eine Weile bewegt. Lasst uns ein paar Frames vorwärts gehen. Was wir tun werden, ist, dass wir mit der rechten Maustaste auf diesen Schlüsselrahmen klicken und wir werden wählen, um halten Keyframe. Wählen wir das aus. Sie werden sehen, jetzt bekommen wir diese kleine Kastenform auf dieser Seite des Schlüsselbilds. Was das jetzt bedeutet, ist, dass es diesen Wert, den Wert an diesem Keyframe, halten wird. Es wird diesen Wert halten, bis er auf einen anderen Keyframe trifft. Lasst uns langsam hierher gehen und sehen, was passiert. Wir lockern uns hier aus diesem Keyframe, wir bewegen uns vorwärts, wir treffen diesen Keyframe hier und wegen des Halters werden wir diesen Wert einfach behalten. Siehst du, es bewegt sich nicht. Sehen Sie, was passiert, wenn wir diesen nächsten Keyframe treffen. Bumm. Es springt auf diesen nächsten Wert, weil im Grunde das, was der Halt sagt, ist, den Wert nicht zu ändern, bis Sie einen anderen Keyframe sehen und dann alles tun, was Ihnen dieser Keyframe sagt. In diesem Fall sagt es uns, hier drüben auf dieser Seite des Rahmens zu sein. Das ist offensichtlich nicht das, was wir hier wollen. Wir wollen, dass es pausiert und dann wieder beginnt. Machen wir nach unserer Pause einen zweiten Keyframe. Hier animieren wir entlang, wir halten an und wir halten. Lasst uns ein paar Frames vorwärts gehen. Lassen Sie uns noch einmal einen weiteren Keyframe hinzufügen, der diesen Wert erfasst , den wir seit diesem Keyframe hier gehalten haben. Ich gehe voran und drücke eine Taste zum Hinzufügen von Keyframe. Beachten Sie, dass es den gleichen numerischen Wert wie das vorherige Schlüsselbild hat. Wieder einmal bekommen wir diese Art von lustiger Sanduhr Form. Nur um die Dinge klar und einfach zu halten, lassen Sie uns Befehls-Klick darauf, um das wieder in einen Diamanten zu verwandeln. Werfen wir einen Blick auf das, was passiert. Wir bewegen uns aus diesem Keyframe, wir bewegen uns entlang, wir treffen den Halt, und wir halten, bis wir diesen Keyframe getroffen haben , der den gleichen Wert wie dieser Schlüsselrahmen hat. Dann fangen wir wieder an, uns zu bewegen. Wir bewegen uns zum letzten Keyframe. Lassen Sie uns RAM Vorschau dies. Wir haben unseren kleinen Halt und unsere kleine Pause, aber bemerken, dass die Bewegung gestelzt ist, und das ist, weil wir hier keine Leichtigkeit haben in diesen Keyframe zu lockern und wir haben keine Leichtigkeit hier draußen, Lockerung aus diesem Keyframe. Lasst uns diese hinzufügen und das erweichen. Ich werde mit der rechten Maustaste, denken Sie daran, dass wir in einen Keyframe lockern, so Keyframe-Assistent, einfach in und dann werden wir diesen Keyframe auswählen. Wir lockern uns aus einem Keyframe, also werden wir es leicht machen und jetzt bemerken, dass wir die kleine Leichtigkeit hinzugefügt haben, die kleine rückwärts c hier auf diesem Keyframe, aber wir haben immer noch die Box auf der anderen Seite. Mit anderen Worten, wir lockern uns ein und halten uns dann auf dem Weg nach draußen, dann halten wir gedrückt, und wenn wir dann diesen Keyframe treffen, werden wir aus diesem Keyframe in unseren letzten Keyframe gelockert . Lassen Sie uns RAM Vorschau, dass. Da gehen wir. Jetzt sieht es viel natürlicher aus mit diesen Leichtigkeit. Boo-boo. Wir haben unsere schöne Pause mitten in unserer Bewegung. Eine Angewohnheit, die ich ziemlich stark empfehle, ist, immer am Ende einer Animationssequenz festzuhalten , wenn es nichts anderes gibt , was für eine Weile in der Timeline dieser Ebene passieren wird, oder überhaupt nichts passieren wird, aber vor allem, wenn für eine Weile nichts passiert. Es ist eine wirklich gute Idee, den letzten Frame Ihrer kleinen Sequenz zu halten. Das heißt, wenn Sie bereit sind, sich wieder zu bewegen beginnen Sie sauber und haben keine Drift oder Bewegung, die Sie in Ihrer Animation nicht planen. Lassen Sie uns hier einen Halt hinzufügen. Ich werde Ihnen einen Tastenbefehl zeigen, um den Haltepunkt hinzuzufügen. Anstatt die Rechtsklick- und Umschalttaste zu machen, werde ich stattdessen Befehls-Option-Klick, und das wird den Halt am Ende hinzufügen. Ich kann erneut Befehlstaste klicken, um es zu entfernen. Lass dich nicht von diesem lustigen kleinen Kreis werfen, den wir geschaffen haben. Wir werden später mehr über diese Arten von Keyframes sprechen. Ich wollte dir nur zeigen, wie du einen Halt hinzufügen und entfernen kannst. Lassen Sie uns voran und fügen Sie den Halt wieder ein. Lassen Sie uns sicherstellen, dass wir die Leichtigkeit haben, also lassen Sie uns die einfache Leichtigkeit neu auswählen. Wir könnten das verloren haben, als wir den Keyframe geändert haben. Es ist in der Regel eine gute Idee, sicherzustellen, dass Sie auf diesem Keyframe das haben, was Sie wollen. Effects versucht sehr oft zu erraten, was Sie tun wollen, was manchmal sehr nützlich ist und manchmal wirklich überhaupt nicht nützlich ist. Wir haben hier unseren Positionswert animiert. Denken Sie daran, dass wir andere Eigenschaften auf die gleiche Weise animieren können. wir zum Beispiel eine kleine Rotationsanimation hinzu. Ich werde herausfinden, wo meine Animation beginnen soll. Vielleicht ein bisschen, nachdem ich angefangen habe, mich zu bewegen vielleicht ein wenig vorher, ist es egal. Wir können gleich am selben Ort anfangen. Ich werde ein wenig danach anfangen. Klicken wir auf die Stoppuhr, um die Animation zu aktivieren. Ich habe meinen ersten Keyframe dort. Gehen wir vorwärts. Vielleicht nicht ganz bis zum Ende, spielt keine Rolle. Sie können mit dem Timing später spielen, wenn Sie wollen. Fügen wir einfach eine einzelne Rotation hinzu. Ich werde nur klicken und eine Eins eingeben. Ich mache eine volle Rotation, 360 Grad von einem Keyframe zum anderen. Sieht so aus. Beachten Sie, dass es in der Position pausiert, die Drehung jedoch nicht angehalten wird. Das wird ein bisschen lustig aussehen, aber das ist okay. Lassen Sie uns auch Leichtigkeit hinzufügen. Ich werde mit der rechten Maustaste leicht aus dem ersten Keyframe heraus klicken, mit der rechten Maustaste auf das zweite Keyframe erleichtern. Lassen Sie uns Befehls-Option-Klick ein wenig halten am Ende hinzuzufügen, nur um in diese gute Gewohnheit zu bekommen . Da gehen wir. Lustig suchen wegen dieser Pause in der Mitte, aber jetzt haben wir Animation auf zwei Eigenschaften und wir können eine Animation auf Skala hinzufügen. Lassen Sie uns eine Skalenanimation erstellen. Klicken Sie auf die Stoppuhr, gehen Sie teilweise durch. Lasst uns eigentlich weiter gehen. Ich werde hier nur ein Chaos machen. Lasst es uns skalieren. Lassen Sie uns entspannen. Lassen Sie uns reingehen. Die meiste Zeit werden Sie wollen, um sowohl zu erleichtern als auch zu erleichtern. Lasst uns am Ende einen Halt einschalten. Wir werden dort eine verrückte Animation machen. Da gehen wir. Jetzt haben wir all diese Eigenschaften animiert und wir können mehr animieren. Wenn Sie anfangen, empfehle ich nicht, den Ankerpunkt zu animieren. Es ist verfügbar, um animiert zu werden und in extremen Fällen gibt es Gründe, dies zu tun. Ich werde ehrlich zu dir sein, in all den Jahren, in denen ich ein Animator war, ist es wahrscheinlich einmal gewesen, dass ich den Ankerpunkt in all meinen Jahren der Arbeit mit After Effects animiert habe , es ist sehr selten. Normalerweise werden Sie es einstellen und vergessen es in den meisten Fällen, aber Position, Skalierung, Drehung und Kapazität können alle animiert werden, wie Sie möchten. Diese Animationsprozedur ist für alle diese Eigenschaften gleich. Für jede animierbare Eigenschaft in After Effects ist das Gleiche. 14. Motion: Nachdem wir nun die Grundlagen der Key-Framing-Animation erlernt haben, werfen wir einen tieferen Blick auf die Manipulation des Bewegungspfads einer Positionsanimation. Lassen Sie uns also beginnen, indem wir einige dieser Keyframes, die wir erstellt haben, loswerden. Nun, wenn Sie Animation vollständig aus einer Eigenschaft entfernen möchten, was wir tun werden, ist Skalierung und Rotation. Sie können einfach auf die Stoppuhr klicken und es werden alle Ihre Keyframes und Animationen aus dieser Ebene entfernt. Du willst also sehr vorsichtig sein, das zu tun. Denn wenn Sie Tonnen von schönen Animationen erstellt haben und plötzlich diese Stoppuhr getroffen haben, wird all diese Animation verschwinden und Sie können schnell rückgängig machen, um das wieder zu bekommen. Aber in diesem Fall brauchen wir diese Skalenanimation oder diese Rotationsanimation nicht , damit wir sie einfach loswerden können. Denken Sie auch daran, dass, wenn Sie die Animation entfernen, sie zu dem Wert zurückkehren wird, den wir bei der CTI sehen. Also, wenn ich jetzt darauf klicken würde, würde es diesen Wert erfassen. Aber ich möchte sowohl die Skala als auch die Rotation bei ihren neutralen Werten 100 und Null. Also werde ich sicherstellen, dass meine CTI diese zeigt, und dann klicke ich auf die Stoppuhr und du kannst sehen, dass alle Keyframes verschwinden. Ich mache dasselbe mit der Rotation, alle Schlüsselbilder verschwinden. Dann lassen Sie uns auch unsere kleine Pause in der Mitte dieser Animation entfernen, so dass wir mit nur einer geraden Positionsbewegung über dem Bildschirm beginnen können. Also werde ich klicken und ein kleines Kästchen um diese beiden Schlüsselbilder ziehen, die Löschtaste drücken und diese verschwinden lassen. Nun schauten wir vorher auf diese blaue Linie, die unser Bewegungspfad ist, der sich über den Bildschirm bewegt uns den Weg der Bewegung des Quadrats zeigt. Offensichtlich im Moment ist es nur eine gerade Linie, da wir nur den x-Wert von einer Position zur anderen bewegen. Aber schauen wir uns ein paar Möglichkeiten an, wie wir diesen Bewegungspfad manipulieren und verschiedene Arten von Bewegungen erzeugen können . Eines der einfachen Dinge, die wir tun können, ist, den Wert an jedem Keyframe zu ändern. Wir haben bereits untersucht, wie wir das tun können, um Geschwindigkeit oder Geschwindigkeit durch Verschieben einer größeren Distanz oder einer kürzeren Distanz zu ändern . Aber wir haben das alles in x gemacht. Wir können es auch in y tun. Also kann ich das tun, indem ich entweder den Wert ändere, wenn meine CTI auf diesem Schlüsselrahmen sitzt. Ich kann den Wert ändern, sagen, verschieben Sie ihn in y, oder ich kann auf die Ebene klicken und das in y verschieben. Aber ich kann auch einfach auf den kleinen Keyframe-Ankerpunkt direkt im Kompositionsfenster klicken . So kann ich einfach darauf klicken und ich kann das bewegen und es schnappt genau wie alles andere. So kann ich wählen, wo ich möchte, dass dies stoppen und starten, indem ich einfach auf die Anfangs- und Endpunkte klicke. Wir können das mit beiden machen. Also kann ich meine CTI hier in die Mitte setzen und ich kann diese bewegen und ich kann diese bewegen, ich kann sie in verschiedenen Winkeln bewegen. Wenn ich nun eine Richtungsänderung hinzufügen möchte, muss ich einen weiteren Keyframe hinzufügen. Jetzt, wie wir uns angesehen haben, können wir einen Keyframe hinzufügen, indem Sie auf die Schaltfläche Keyframe hinzufügen oder entfernen klicken. Aber wir können es auch tun, wenn Sie sich erinnern, indem Sie einfach den Wert mit der CTI zu einem anderen Zeitpunkt ändern. Das gilt auch dafür, dass man sich zwischen zwei anderen Keyframes befindet. Also kann ich meine CTI zwischen diese anderen Schlüsselbilder setzen. Ich kann einen Wert ändern, indem ich die Werte hier in der Timeline klicke und ziehe, oder ich kann einfach auf die Ebene klicken und ziehen und auf diese Weise einen Keyframe hinzufügen, indem ich diesen Wert einfach ändere. Es ist genau so, als ob wir die ursprüngliche Animation erstellt haben und wir bewegen die CTI geändert einen Wert. Wurden nur die CTI verschoben und einen Wert geändert, ist es zufällig zwischen zwei Keyframes. Jetzt kann ich auf diese Punkte klicken und ziehen und diesen Pfad in beliebiger Weise gestalten, die ich will. Nun, ich bin sicher, dass Sie sagen, nun, was ist mit einem gekrümmten Pfad? Nun, wir können es auch zu einem gekrümmten Pfad machen. Um es zu einem gekrümmten Pfad zu machen, werden wir hier unser regelmäßiges Auswahlwerkzeug verwenden, und wir werden die Tasten „Befehl“ und „Option“ gedrückt halten. Sobald diese beiden Tasten gedrückt sind, werde ich hier über diesen mittleren „Keyframe“ bewegen, und ich werde klicken, und es wird mir zwei Bezier-Griffe geben. Zuerst werden sie nur als Punkte erscheinen, ich habe nie wirklich verstanden, warum das so ist. Denn sobald ich auf einen der Punkte klicke, um ihn zu manipulieren, bekomme ich die volle Bezier-Bar dazwischen. Diejenigen von Ihnen, die Vektorzeichnung gewohnt sind, werden sicherlich die Bezier-Griffe erkennen. Aber das macht es mir möglich, die Kurve zu formen, aber ich möchte die Kurve formen. Jetzt kann ich diese Kurve auch auf die gleiche Weise entfernen. „ Befehl“, „Option“, klicken, wird die Kurve entfernen und uns den scharfen Winkel wieder geben. Ich kann auch Beziers am Anfang und Ende auf die gleiche Weise hinzufügen. Ich werde nur einen einzigen Beziers Griff haben, „Befehl“, „Option“ klicken, und das gibt mir einen kleinen Griff dort, den ich manipulieren kann. „ Befehl“, „Option“ klicken, und es wird verschwinden. Nun, an dieser Stelle möchte ich nur für eine Sekunde Pause machen und Sie an die Präferenz erinnern , die wir am Anfang dieser Klasse festgelegt haben. Dort ist es, Standard-räumliche Interpolation auf lineare. Nun, was das bedeutet, ist, dass, wenn wir einen Bewegungspfad manipulieren, er standardmäßig auf eine lineare räumliche Interpolation gesetzt wird, was bedeutet, dass er standardmäßig einen scharfen Winkel ohne Kurve darauf vorgibt. Wenn Sie diese Option deaktiviert lassen, werden Pfades hinzugefügt, sobald Sie einen Bewegungspfad bearbeiten automatisch Bezier-Griffe zu den Punkten entlang desPfades hinzugefügt, sobald Sie einen Bewegungspfad bearbeiten. Jetzt finde ich das wirklich irritierend, weil ich nicht will , dass Bezier-Griffe irgendwo, wo ich sie nicht setzen will, und ich würde sie lieber hinzufügen, wenn ich sie brauche, als sie abnehmen zu müssen, wenn ich sie nicht brauche. Nun, das ist sehr viel eine persönliche Vorliebe und Sie können sich entscheiden, das Gegenteil zu tun. Aber es vermeidet auch eine klebrige Situation, die manchmal auftreten kann , wenn Sie zwei Keyframes an der gleichen Position haben. Manchmal wird es passieren, dass Sie einen automatischen Bezier-Griff bekommen, der herausragen wird und eine kleine Schleife nach vorne und hinten erzeugt und ein wenig wackeln in Ihrer Bewegung erzeugt. Ich habe im Laufe der Jahre mit vielen Studenten zusammengearbeitet, und dieses kleine Problem hat sie immer wieder geplagt. Wo sie zu mir kommen und sagen: „Warum bewegt sich das, wenn ich nicht wollte, dass es sich bewegt?“ Es ist, weil dies nicht überprüft wurde und Aftereffects entschieden, hey, Sie wollen einen Bezier-Griff hier und sie wollten keinen Bezier-Griff dort und es war sehr frustrierend. Also beginne ich Schüler immer mit diesem Kontrollkästchen, so dass Sie vermeiden, dass Bezier-Griffe erscheinen, wo Sie nicht wählen, sie zu setzen. Jetzt wieder, wie Sie sich mit Aftereffects komfortabler machen, wenn Sie sich entscheiden, dass Sie das deaktivieren möchten und Sie möchten, dass Aftereffects Bezier-Griffe überall setzen, wo es will, gehen Sie voran und tun Sie es, aber ich persönlich finde dies ein viel klarer und effizienter Weg zu arbeiten. Sie setzen die Schlüsselrahmen dort, wo Sie sie wollen, fügen Sie die Bezier-Griffe hinzu, wo Sie sie wollen, und Sie haben meiner Meinung nach nur ein wenig mehr Kontrolle darüber. Aber deshalb habe ich euch das am Anfang überprüfen lassen. Jetzt gehen wir zurück und fügen Sie ein wenig Spaß Krümmung hier und ich werde Ihnen einen letzten lustigen kleinen Trick hier zeigen für die Arbeit mit Bewegungspfaden und das ist orientiert an Pfad. Lassen Sie uns also beginnen, indem wir uns einen unterhaltsamen Weg geben, an dem wir uns orientieren können. Also gehe ich zu „Befehl“, „Option“ klicken Sie auf unseren ersten Punkt dort, und dann gehe ich zu „Befehl“, „Option“ klicken Sie hier unten. Wir werden nur einen lustigen kurvigen Pfad erstellen, „Befehl“, „Option“ klicken. Lassen Sie uns das ein wenig formen, um das ein wenig mehr Krümmung zu geben. So etwas wie das. Okay, schauen wir uns diese Bewegung an. Alles klar, lustig. Eigentlich ärgert mich, dass das hier unten am unteren Rand des Rahmens fällt. Also werde ich zurück zu diesem Schlüsselrahmen springen, das lassen Sie uns einfach ein wenig von unten bewegen. Da gehen wir. Ich mag diese Tangenten am Rand des Rahmens nicht. Okay, und jetzt stellen wir uns vor, dass das Quadrat wie ein Auto auf einer Achterbahn ist und wir wollen, dass es sich mit den Kurven des Weges orientiert oder rotiert. Jetzt könnte ich das tun, indem ich versuche, diese Rotation zu animieren, während sie nach oben und über diese Kurve geht. Aber das wäre viel Arbeit und es gibt einen viel einfacheren Weg, das zu tun. Stattdessen, was ich tun werde, ist, dass ich mit der rechten Maustaste auf die Ebene klicken werde. Ich werde gehen, um zu transformieren und ich werde Auto Orient wählen. Dann bekomme ich diesen kleinen Dialog und ich kann wählen, um die automatische Ausrichtung entlang eines Pfades genau dort zu drehen . Dann beachte, wie mein Quadrat automatisch in den Winkel des Pfades passt. Dann beobachten Sie, wie es sich über den Pfad bewegt, es orientiert sich automatisch an diesem Pfad. Ziemlich cool und spart viel Arbeit und Zeit. In Ordnung. Wir haben alle Grundlagen des Animierens in Aftereffekten behandelt. Wir haben gelernt, wie man Keyframes erstellt, wie man die Geschwindigkeit anpasst, wie man Leichtigkeit und Haltepunkte hinzufügt, wie man einen Bewegungspfad manipuliert, und jetzt haben Sie wirklich alle Werkzeuge, die Sie brauchen, um einfache Animationen zu erstellen. Also sind wir fast bereit, mit dem Bau unserer Drum-Design-Animation zu beginnen. Das nächste, was wir tun werden, ist, dass wir Audio einbringen und uns darauf vorbereiten, auf den Track zu singen. 15. Importing: Jetzt sind wir bereit, mit dem Bau unserer Drum-Design-Animation zu beginnen. Also lassen Sie uns tatsächlich unsere Shape-Ebene hier löschen, wir brauchen diese nicht mehr. Das erste, was wir tun wollen, ist etwas Audio in diese Komposition zu bekommen , da wir zu einer Audiospur animieren werden. Ich habe eigentlich schon die Audiospur hier importiert. Aber nur um Sie durch den Prozess zu führen, lassen Sie uns fortfahren und eine Kopie davon importieren. Wir haben eine Kopie dieser Wave-Datei, nur damit wir erleben können, eine Datei in das Projekt zu importieren. Es gibt ein paar Möglichkeiten, wie wir das tun können. Wenn wir in das Projektfenster gehen und hier in diesen leeren Bereich gehen, kann ich mit der rechten Maustaste klicken und ich kann Importdatei wählen, die eine Möglichkeit ist, dass wir dies tun können. Sie werden feststellen, dass ich auch den Tastenbefehl verwenden kann, Befehl I. Entweder, Rechtsklick Importdatei oder Befehl I, Lassen Sie uns voran und überprüfen, dass wir in unseren Projektordner navigieren wollen, in unseren Footageordner und wir wollen wählen Klasse 1 Beat Version 1. Auch hier ist dies nur eine Kopie dieses Prozesses, damit wir diesen Prozess lernen können. Also werden wir voran gehen und Klasse Beat 1 wählen. Wir klicken auf „Öffnen“ und Sie sehen jetzt, dass die Datei zu unserem Projektfenster hinzugefügt wurde und wir können damit in After Effects arbeiten. Jetzt wollen wir diese Wave-Datei zu unserer Komposition hinzufügen, zu unserer Zeitleiste hier. Also werden wir einfach klicken und ziehen Sie es direkt nach unten in diesen Layer-Stapelbereich des Timeline-Fensters, um es der Timeline hinzuzufügen. Wir werden unsere Animation auf diese Audiospur versinken. Es wird also sehr hilfreich sein, wenn wir die Wellenform-Visualisierung des Audios sehen können. Um dies in After Effects zu tun, klicken wir zuerst auf die kleine Registerkarte Schaltfläche hier, um diese Ebene zu öffnen, Sie werden sehen, es gibt nur eine Option hier, Audio. Gehen Sie voran und klicken Sie auf die Registerkarte, um diese Option zu öffnen, Audio und Sie werden sehen, Sie haben die Möglichkeit, Audiopegel zu animieren, so dass Sie animieren können, Fade Ins , Fade Outs, Änderungen in der Lautstärke des Audio und darunter haben wir Wellenform. So kann ich Tab, dass öffnen, jetzt können wir tatsächlich sehen, die Wellenform der Spur dargestellt. Das wird es für uns viel einfacher machen, mit diesem Track zu synchronisieren. 16. Timing Audio Synchronisation: Wenn Sie darüber nachdenken, wenn Sie die meisten Medien, Filme, Fernsehen, Videospiele, Motion Design oder Animation erleben , ist das Audio die Hälfte der Erfahrung. Audio treibt Emotionen und Stimmung hilft Geschichten und Ideen zu kommunizieren, gibt ein Gefühl von Realismus und Ort. Es ist einfach unglaublich wichtig. Im Allgemeinen sehnen sich die Zielgruppen danach, zwischen Audio und Video zu synchronisieren. Sie sehnen sich nach einer engen Beziehung zwischen dem, was sie sehen und dem, was sie hören, denn das ist es, was sie im wirklichen Leben erleben. Synchronisieren von Bewegungen mit Soundeffekten und/oder Musik, insbesondere, wenn Sie mit Musik arbeiten, die Synchronisierung dieser Bewegungen sehr eng mit den Beats und Akzenten istdie Synchronisierung dieser Bewegungen sehr eng mit den Beats und Akzenten dieser Musik eine sehr grundlegende und wichtige Fähigkeit für jede Bewegung Designer oder Animator, und wird wirklich Ihre Arbeit zum Leben erwecken. Nun, um unsere Animation zu erstellen, die mit dieser Spur synchronisiert wird, müssen wir tun, was oft als Timing out der Spur bezeichnet wird. Mit anderen Worten, herauszufinden, wo unsere Beats und Akzente sind, damit wir unsere Animation so strukturieren können. Lassen Sie uns damit beginnen, nur zu sehen, wie wir den Track hören können , weil wir ihn teilweise anhören müssen. Wir haben uns angesehen, wie wir die Wellenform öffnen können, damit wir sie visualisieren können. Das wird auch ein sehr wichtiger Teil sein. Aber wir wollen in der Lage sein, es zu hören, während wir uns diese Visualisierung ansehen , um zu verstehen, was wir hier sehen. Um einfach den Track abzuspielen, können wir eine einfache Ram-Vorschau machen und einfach die Leertaste drücken. Sie können sehen, dass wir den Bass und die Snare und den Kontrabass-Kick hören können. Wir können hier den kleinen Snare Roll sehen, das und diese Gipfel sehen. Wir können ziemlich deutlich sehen, wie die Visualisierung der Wellenform mit der Spur verbunden ist. Nun müssen wir vielleicht auch hin und her schrubben, um bestimmte Senkpunkte zu finden. Wir müssen das nicht wirklich zu viel mit diesem Track machen, weil es so eine nette einfache saubere Spur ist , wo wir die Beat's wirklich klar sehen können. Aber wenn Sie mit einem Track arbeiten, der sehr dicht und laut ist, besonders mit vielen verzerrten Gitarren oder verzerrten Synthesizer, werden Sie diese schönen, knackigen Spitzen in der Wellenform nicht sehen. Manchmal siehst du nur einen großen unscharfen Klangblock und es wird schwierig sein, visuell herauszufinden, wo die Beats sind. In diesem Fall wollen Sie in der Lage sein, zu schrubben, um diese Beats und Akzente zu finden. Sie werden bemerken, wenn ich gerade meine CTI über das Audio schiebe, ich höre nichts. Um Audio in After Effects mit dem CTI zu schrubben, muss ich die Befehlstaste gedrückt halten. Sobald ich die Befehlstaste gedrückt halte, kann ich jetzt schrubben. Da kann ich Geräusche finden, als gäbe es diese Snare, Boom, genau da, Boom. Da ist die Bassdrum, Boom, genau da. Ich finde diese Momente im Klang, besonders wenn der Klang sehr dicht ist und ich ihn nicht sauber mit der Wellenform herausgreifen kann. Nun, was wir hier anfangs tun wollen, ist nur unseren Basis-Beat auszuarbeiten, unseren Grundrhythmus. Die meisten unserer Animationen werden um diesen Basic-Beat strukturiert sein. Etwas später werden wir uns ansehen, wie wir einige der subtileren Elemente der Strecke herausfinden können . Aber für jetzt, lasst uns einfach den grundlegenden Downbeat bekommen. Wir wollen nicht nur daran denken, wo die Frames sind, wo diese Beats fallen. Also werden wir uns mit der Erstellung von Markern beschäftigen. Nun gibt es zwei Arten von Markern in und nach Effekten. Es gibt Kompositionsmarkierungen und Ebenenmarkierungen. Wir werden uns Layer-Marker ansehen, die für diese Art von Arbeit viel nützlicher sind als Kompositionsmarker. Unsere Strecke beginnt gleich am Anfang hier mit dieser ersten Kickdrum hier, wird das in einer Minute markieren. Aber nur damit wir es ein wenig klarer sehen können, lassen Sie uns damit beginnen, diese erste Snare zu markieren. Diese erste Snare ist einer unserer ersten Hauptbeats hier. Wenn wir uns den Track ein wenig anhören und wir diese Beats auszählen können. Ich werde es schleifen lassen und ich werde sie zählen. 1,2,3,4, 1,2,3,4, 1. sind die wichtigsten Beats, die wir sperren wollen, nur um unsere Grundstruktur hier zu bekommen. Diese Snare-Trommel ist Nummer 2. Ich bin 1,2 gegangen. Da wir diese schöne klare Wellenform haben, können wir einfach unsere CTI direkt an diesem Höhepunkt dieser Snare setzen. Nun, beachte, dass ich vielleicht nicht gerade auf diesem Gipfel bin, aber der nächste Frame darüber bin ich ein wenig hinter ihm und ein Frame zurück bin ich ziemlich viel davor. Verstehen Sie, dass die Beats oder Akzente, mit denen Sie synchronisieren , nicht immer genau dem entsprechen, wo sich Ihre Frames befinden. Manchmal kann ein Akzent zwischen zwei Frames liegen. Im Allgemeinen möchten Sie auf der Seite der Antizipation des Sounds ein wenig lüften , so dass Sie kurz vor dem Rahmen gehen möchten. In den meisten Fällen kommt es darauf an, aber in den meisten Fällen wird das funktionieren. Lassen Sie uns unsere CTI dort platzieren und stellen Sie sicher, dass wir diese Ebene ausgewählt haben. Wir werden auf unsere Zehnertastatur drücken, die Asterisk-Taste. Das wird ein Zeichen für uns machen. Wenn Sie nun an einer Tastatur arbeiten, die kein numerisches Pad hat, können Sie auch Strg A verwenden, und ich werde das hier für dieses erste tun. Strg 8 gibt Ihnen auch einen Marker auf einer Ebene. Ich werde nur bemerken, dass ich mit einigen Schülern gearbeitet habe, bei denen die Control 8 nicht für sie auf ihren PC-Laptops funktioniert hat. Ich glaube, auf einigen PC-Laptops möchten Sie Fn P anstelle von Strg 8 verwenden. Ich habe nicht ausführlich getestet, aber das wurde mir von ein paar Schülern berichtet, die mit PC-Laptops arbeiten. Die Asterisk-Taste auf der Zehnertastatur, Strg 8 auf der Haupttastatur, oder wenn Sie sich auf einem PC-Laptop befinden und diese nicht funktionieren, können Sie Fn P versuchen, eine Markierung auf einer Ebene zu erstellen. Nun gibt es auch ein Pull-Down-Menü dafür. Wenn Sie unter Layer nach oben gehen, Hinzufügen Marker dort können Sie die Strg Acht sehen, Sie können das tun. Aber natürlich sind Tastenbefehle immer eine bessere, effizientere und professionellere Arbeitsweise. Wir haben unsere ersten beiden Beats hier, wir haben zwei kleine Kick-Trommeln hier, aber ich möchte diesen ersten nicht markieren, weil es ein kleiner Doppelklick ist. Der zweite ist wahrscheinlich, wo unser Beat ist. Aber lassen Sie uns darauf zurückkommen, sobald wir ein wenig mehr Muster erstellt haben, ist das manchmal ein guter Weg, um zu arbeiten. Gehen wir zu dieser nächsten Snare, von der wir wissen, dass es Teil dieses Beats ist. Also 1,2,3,4. Wir wissen, dass die Kickdrum definitiv Teil unseres Haupt-Downbeat ist. Also werde ich meine CTI genau dort setzen und ich werde ein Sternchen machen, und ich werde die nächste Snare auch treffen. Wir werden hier ein bisschen rückwärts arbeiten. Also 1,2,3,4,1,2. Nummer 2 hier, das ist dieser andere nette klare Snare Beat dort. Beachten Sie, dass wir hier ein Muster sehen, dass ich auf 0 Sekunden und 12 Frames bin, jetzt bin ich bei 1 Sekunde und 12 Frames, jetzt bin ich bei 2 Sekunden und 12 Frames. Sie können sehen, dass unser Beat ziemlich nah an unserer 24 Frames pro Sekunde Struktur gesperrt ist. Das war kein Zufall. Ich plane das, wenn ich diesen Beat für die Lektion erstellt habe , und es wird definitiv die Dinge ein wenig einfacher für uns machen. Denken Sie daran, dass die Musiker die meiste Zeit, wenn Sie mit Musik arbeiten , nicht so nachdenklich waren, ihre Musik für Ihre Bildrate zu planen. Aber diese Methode ist immer noch die grundlegende Methode Sie verwenden möchten, um die Struktur Ihres Beats zu erarbeiten. Wir können hier von 0-12 herausfinden und dann gehen wir von 12 von Sekunde über. Grundsätzlich haben wir unsere Downbeats alle 12 Frames. Ich kann nur auf eine Sekunde hier vorwärts gehen und du siehst, dass ich ein bisschen von der zweiten Kicktrommel bin, aber ziemlich nah dran bin. Wir schnappen uns den Beat da und dann gleich zwischen den beiden Schlägen hier wieder, alle 12 Frames, haben wir einen Beat. Dieser Beat hier ist unser letzter Hit, als wir das Stück beenden. Mal sehen, wie das funktioniert. Also 1,2,3,4, 1,2,3,4, 1. Wir haben unsere Grundstruktur hier, und wir haben diese netten kleinen Marker, um sich damit leicht zu verbinden. Nun, eine der praktischen Dinge über diese Marker, ist, dass sie auf eine große Reihe von Tastenbefehlen reagieren, die ich Ihnen jetzt beibringen werde, die sowohl mit Markern als auch mit Keyframes arbeiten. Das sehen wir uns ein wenig später an. Sie sind die Tasten J und K. Nun, da wir diese Marker haben, die markieren, wo unsere grundlegenden Beats sind, wenn ich jetzt den J-Button drücke, merke, dass meine CTI direkt auf diese Marker-Position springt. Was bedeutet, dass ich dann einen Schlüsselrahmen hinzufügen oder anfangen könnte, eine Animation um ihn herum zu erstellen. Wenn ich die K-Taste drücke, gehe ich vorwärts auf diese Marker. Also J zurück, K vorwärts. Jetzt werden die Tasten J und K auf Ebenenmarkierungen angehalten sie auch bei Keyframes stoppen, die auf einer Ebene sichtbar sind. Dies ist eine sehr praktische Art, durch ein Projekt zu navigieren. Denken Sie daran, wir haben uns die kleinen Schlüssel-Frame-Navigationstasten auf der Seite der Eigenschaften angesehen die kleinen Schlüssel-Frame-Navigationstasten , die animiert wurden. Diese J- und K-Tasten sind einfach eine effizientere Möglichkeit, dasselbe zu tun. Da sie auch auf Ebenenmarkierungen anhalten, sind sie eine wirklich effiziente Möglichkeit, durch Ihre Komposition zu navigieren. Nun, da wir unseren Track im Grunde genommen abgelaufen haben, sind wir bereit, mit dem Erstellen von Animationen zu beginnen. 17. Den roten Platz animieren: In Ordnung, werfen wir einen kurzen Blick auf unser fertiges Drumdesign-Projekt und erinnern uns einfach an das, was wir hier bauen. Das erste, was wir animieren werden, ist dieses kleine rote Quadrat Scooching über den oberen Rand des Bildschirms, das auf die hi-hat unseres Drum-Kits abgestimmt ist. Um die Dinge ein wenig einfacher zu machen, habe ich diese Führungsschicht direkt hier erstellt. Lassen Sie uns die Sichtbarkeit dieser Ebene aktivieren, Lassen Sie uns die Sichtbarkeit dieser Ebene aktivieren indem Sie hier auf diesen kleinen Augapfelschalter klicken. Dies ist genau wie der Augapfelschalter in Illustrator und Photoshop, der die Sichtbarkeit von Ebenen ein- und ausgeschaltet. Diese Führungsschicht wird uns helfen, die Dinge etwas schneller zu gestalten, wenn wir diese Animation zusammenstellen. Lassen Sie uns voran und wählen Sie diese Ebene und dann lassen Sie uns „Befehl C“ auf der Tastatur drücken, um diese Ebene zu kopieren. Klicken wir in unsere „Neue Komposition“ und Befehl V, um diese Führungsschicht an Ort und Stelle einzufügen. Beachten Sie, dass diese Führungsschicht eine Formebene ist, die aus mehreren Formen besteht und es ist eine Führungsschicht zu sein, siehe dieses kleine Symbol direkt dort? Das ist das Symbol eines Führungs-Layers. Dies bedeutet, dass selbst wenn die Sichtbarkeit des Layers aktiviert ist, diese Ebene nie gerendert wird, wenn wir ein endgültiges Rendern durchführen. Sie können eine Ebene zu einer Führungsebene machen, indem Sie mit der rechten Maustaste darauf klicken und auf „Führungsebene“ umschalten. Beachten Sie jedoch, dass diese Ebene bei aktivierter Führungslinie nicht gerendert wird. Daher sollten Sie darauf achten, dass Sie die Ebenen nicht versehentlich umschalten . , die Sie rendern möchten, wenn Sie Ihren endgültigen Film erstellen. Nun, wir wollen das nicht bearbeiten oder in irgendeiner Weise verschieben, weil es uns die Position aller Objekte gibt , die wir hier eine Animation erstellen möchten. Ich werde diese kleine Box hier überprüfen. Dies ist die Sperrspalte und wenn ich darauf klicke, kann ich diese Ebene jetzt nicht auswählen, was bedeutet, dass ich sie auch nicht versehentlich auf dem Bildschirm verschieben kann. Vergessen Sie nicht, Ihr Projekt zu speichern, während Sie arbeiten. Lassen Sie uns jetzt voran und erstellen Sie unser rotes Quadrat. Wir greifen unser Formwerkzeug, unser Rechteck-Werkzeug, wir werden sicherstellen, dass unser Strich deaktiviert ist, und wir werden unsere Füllfarbe auswählen. Wieder können Sie wählen, welche Farbe Sie wollen, oder Sie können die Augen Tropfer greifen und wählen Sie das Rot, das ich bereits erstellt habe , und klicken Sie auf „OK“ und dann gehen Sie einfach weiter und ziehen Sie das kleine Quadrat auf dieser ersten Führungsbox. Wir werden hier eine Reihe von Ebenen erstellen, also wollen wir organisiert bleiben. Es ist sehr wichtig, mit Ihrer Arbeit organisiert zu bleiben, eine der Möglichkeiten, die wir tun, ist, unsere Ebene zu benennen, und das ist sehr einfach zu tun. Ich wähle die Ebene aus, drücke die „Return key“ und dann kann ich einen beliebigen Namen eingeben, also werde ich das Rote Quadrat eingeben und dann die „Enter“ -Taste drücken, um das einzustellen. Die andere Sache, die ich tun werde, ist, dass ich meine Ebenen farblich codieren werde. Beachten Sie, dass die Hintergrund-Shape-Führungsschicht violett ist, da diese violett sind. Dieses rote Quadrat, gehen wir weiter und machen diese Schicht rot, um uns zu erinnern, was das ist. Ich werde auf dieses kleine Quadrat hier klicken, und Sie werden sehen, ich habe die Möglichkeit, die Ebenenfarbe zu ändern. Ich werde dieses Rot so machen, dass es meinem kleinen roten Quadrat entspricht. Dies ist ein sehr einfaches Projekt, also verwende ich eine ziemlich einfache Art der Farbcodierung, Red square Red Layer, Lila Formen Lila Ebene. Aber wenn Sie in komplexere Projekte kommen, kann diese Farbcodierung sehr nützlich sein und Sie können sie in jeder Weise verwenden , die Sie möchten, um Ihnen bei der Organisation Ihres Projekts zu helfen. Wenn Sie beispielsweise über eine Gruppe von Layern verfügen, die alle Teil eines bestimmten Teils der Animation sind , können Sie diese als alle eine Farbe festlegen, oder Sie können bestimmte Farben für bestimmte Layertypen zuweisen. Das Wichtigste ist, organisiert zu bleiben. Eine sorgfältige Benennung von Layern und die Farbcodierung von Layern wird bei dieser Organisation wirklich helfen und Ihre komplizierteren Projekte einfacher zu navigieren. Dies ist besonders wichtig, wenn Sie mit einer anderen Person zusammenarbeiten oder wenn Sie mit einem Client arbeiten, der möglicherweise Änderungen erfordert. Nun, wie wir uns aus unserer Lektion „Form-Layer“ erinnern, wird unser Ankerpunkt standardmäßig auf die Mitte gesetzt. Hier wollen wir den Ankerpunkt in der Mitte unseres Platzes. Also lasst uns unsere Pfanne hinter Werkzeug greifen, und wir greifen unseren Ankerpunkt und schnappen ihn in die Mitte unseres Platzes. Lassen Sie uns noch einmal unseren Track hören und versuchen, auf den hi-hat-Sound zu achten. Der hi-hat geht doppelt Zeit, 1,2,3,4; 1,2,3,4; 1,2,3,4; 1,2,3,4. Es geht hier doppelt mit unserem Hauptbeat. Um die Dinge einfach zu machen, lassen Sie uns einige Marker hier zu unserer Audiospur hinzufügen, und lassen Sie uns diese ein wenig verdoppeln. Wir haben hier 12 Frames zwischen dem ersten Beat und dem zweiten Beat. Sechs Frames werden genau in der Mitte sein. Jetzt kann ich das so ziemlich visualisieren. Ich kann so ziemlich sehen, wo das Zentrum ist, aber ich zeige Ihnen einen weiteren netten kleinen Trick hier. Wenn ich meine CTI wieder auf Null setze. Erinnern Sie sich, wie wir einfache Mathematik mit unseren Layer-Eigenschaften machen könnten? Wir können hier auch einfache Mathematik mit unserer Zeitcodeanzeige machen, wenn ich hier klicke und plus sechs tippe, wird es sechs Frames vorwärts springen. Wieder war ich in der Lage, das zu visualisieren. Aber das ist wirklich praktisch, wenn Sie eine genaue Entfernung in der Zeit benötigen und Sie ein längeres Projekt haben und es ist ein wenig schwer, genau dort zu visualisieren, wo das ist. Ich werde voran gehen und diesen Marker dort machen, jetzt, um die zusätzlichen Marker zu machen, kann ich die gleiche Technik verwenden. Jetzt kann ich 12 Frames springen, da ich den Marker hier überspringe, also klicken Sie hier plus 12, und es wird mir 12 Frames springen und ich kann diesen Marker machen. Jetzt haben wir unsere Beats dort auf dieser Ebene verdoppelt. Jetzt nur eine kurze Notiz, das ist ein wirklich netter kleiner Trick, aber es wird immer mit Frames funktionieren, wenn Sie nur eine einzelne Zahl eingeben. Wenn Sie Sekunden oder sogar Minuten springen möchten, müssen Sie Perioden setzen, um Minuten, Sekunden Rahmen zu trennen. Nehmen wir zum Beispiel an, wir wollten zwei Sekunden nach vorne springen. Ich klicke in das Feld und ich gebe zwei Punkte oder zwei Punkte ein. Das sagt nach Effekten, dass ich nicht zwei Frames, sondern zwei Sekunden gehen möchte. Wenn ich zwei Minuten gehen wollte, würde ich 2.0. tippen und das würde mich zwei Minuten vorwärts dauern. Die gleiche Regel gilt für Rückwärtsgehen, wo Sie zuerst plus und dann minus eingeben müssen, bevor Sie zurückgehen. Wenn ich 12 Frames zurückgehen wollte, klicken Sie plus minus 12, und dann springt ich zurück 12 Frames. Andernfalls werde ich meine CTI tatsächlich in negative Zeit versetzen und die CTI scheint zu verschwinden. Keine Panik, wenn das passiert. Sie können einfach einen beliebigen positiven Wert eingeben und die CTI wird auf Ihre Timeline zurückkehren. Unser kleines rotes Quadrat ist bereit, animiert zu werden. Es wird starten aus dem Bildschirm und dann auf dem Bildschirm und dann wird es auf jedem unserer Beats schütteln. Lassen Sie uns unsere CTI wieder bei Frame 0 setzen. Wählen wir unser rotes Quadrat aus. Lasst uns das Auswahlwerkzeug greifen und wir werden das aus dem Rahmen schieben. Eines der netten Dinge über die Verwendung von Rasterfang ist , dass, obwohl wir hier außerhalb des Rahmens kein Gitter sehen können, es uns trotzdem erlauben wird, dieses unsichtbare Raster von diesem Rahmen zu rasten. Es sagt, ob das Gitter einfach in alle Richtungen weitergeht. Ich werde unser kleines Quadrat verschieben. Ich werde es vom Rahmen mit einem vollen Quadrat dazwischen verschieben, genau wie wir zwischen diesen kleinen Räumen hier haben. Also nicht direkt am Rand des Rahmens, aber ein Klick hier drüben, so dass es eine volle quadratische Größe dazwischen. Das wird nur die Geschwindigkeit jedes kleinen Sprungs die gleiche machen, wie wir den Weltraum in den Weltraum gesprungen haben. Lassen Sie uns hier unsere ersten Keyframes erstellen. Ich werde den Inhalts-Tab auf unserem roten Quadrat schließen, und ich werde unseren Transformations-Tab öffnen und wir werden die Stoppuhr treffen, um Animation zu engagieren und unseren ersten Keyframe dort mit dem kleinen Quadrat des Frames zu erstellen. Jetzt ist das unser erster Beat, also wollten wir den ersten Beat vorwärts treiben und dann werden wir es für ein wenig halten, bevor es beim nächsten Beat vorwärts fährt. Jeder unserer kleinen Beats hier ist sechs Frames. Wir werden drei Frames auf halbem Weg schnuppern, drei Frames halten lassen, drei Rahmen halten, drei Frames halten. Das wird uns dieses hohe Hutgefühl geben, dieses schnelle, scharfe, knackige Hutgefühl. Lass uns drei Frames vorwärts gehen und ich werde dir hier noch einen guten Tastenbefehl beibringen. Befehl und die Pfeiltasten werden vorwärts und rückwärts auf Ihrer Timeline. Von Anfang an gehen wir 1, 2, 3 und wir sind direkt in der Mitte dieser beiden Marker. Denken Sie daran, wenn wir Animation erstellen, wir erstellen den ersten Keyframe, wir verschieben unsere CTI und dann ändern wir den Wert. In diesem Fall werden wir den Wert ändern, indem wir einfach auf das kleine rosa Quadrat klicken und nach vorne schieben , bis es sich an seiner ersten Position befindet. Nun, da dieses kleine Quadrat von außerhalb des Bildschirms auf den Bildschirm kommt, werden wir nicht eine einfache Leichtigkeit auf diesem Keyframe hinzufügen. Jetzt ist dies keine harte und schnelle Regel, aber in den meisten Fällen, wenn etwas von außerhalb des Bildschirms auf den Bildschirm kommt, werden Sie nicht eine einfache Leichtigkeit auf diesem ersten Schlüsselrahmen hinzufügen. Der Grund dafür ist, wenn Sie eine einfache Leichtigkeit, wenn etwas nur außerhalb des Bildschirms ist, werden Sie fühlen, dass es beschleunigt, wie es in den Rahmen eintritt und es fühlt sich klebrig fast an, als wäre es an der Kante des Rahmens geklebt. Es gibt auch manchmal die Illusion, dass das Objekt sich der Kante des Rahmens bewusst ist. Was Sie wollen, ist, dass das Objekt sich anfühlt, als wäre es gerade in Bewegung, und es kam zufällig in unser Sichtfeld. Jetzt gilt das gleiche für das Gegenteil. Wenn wir etwas vom Bildschirm in den Offscreen verschieben, möchten Sie auch das Keyframe, das sich außerhalb des Bilds befindet, nicht einfach aus dem gleichen Grund erleichtern . Sie möchten nicht, dass sich das Objekt wie verlangsamt, direkt am Rand des Rahmens. Es macht die Kante des Rahmenfeldes klebrig oder macht das Objekt das Gefühl, als wäre es sich bewusst, dass es die Kante des Rahmens ist, fast wie es schüchtern ist, als würde es sich herausschleichen. Wir werden nicht sagen, dass einfach auf diesem ersten Keyframe ist aber wir werden eine einfache Leichtigkeit in diesen zweiten Keyframe setzen. Es erleichtert sich in diese erste Position auf dem Bildschirm. Lassen Sie uns mit der rechten Maustaste und fügen Sie eine einfache Leichtigkeit hinzu. Wir werden es auch für drei Frames halten lassen. Lassen Sie uns Befehls-Option klicken, um unseren Halt auf rechts dort zu schalten. Wenn wir Vorschau laufen, [MUSIC] es rastet einfach auf den Frame und stoppt, was genau das ist, was wir wollen. Jetzt springen wir zurück zu diesem Schlüsselrahmen. Ich werde die J-Tasten benutzen. Es wird auf diesen Markern aufhören, aber es wird auch auf diesem Keyframe aufhören. Lassen Sie uns nun die K-Taste benutzen, um zum nächsten kleinen Marker dort zu springen , wo wir wollen, dass unsere Animation wieder beginnt. Hier in diesem Frame gehen wir voran und klicken Sie auf die Schaltfläche Keyframe hinzufügen, um einen neuen Keyframe zu erstellen. Beachten Sie nun, dass dieser neue Keyframe ein kleines Quadrat ist. Das liegt daran, dass ich am Ende dieses Keyframes einen Halt hatte. Wenn Sie ein vorheriges Keyframe gedrückt halten, wird jedes Keyframe, das Sie nach dem Erstellen erstellen, automatisch vollständig gehalten. Das bedeutet, dass es herkommt, es hält raus und du wirst dieses kleine quadratische Symbol bekommen. Wir werden dies zu einem normalen Keyframe zurückgeben wollen. Ich werde nur die Befehlstaste gedrückt halten und klicken und das wird das wieder in einen linearen Keyframe verwandeln, das kleine Diamant-Symbol. Jetzt werden wir wieder drei Frames vorwärts gehen. Befehlspfeil 1, 2 , 3, rechts in der Mitte dort. Denken Sie noch einmal daran, wir wollen nur den Wert ändern. Sobald wir einen Keyframe erstellt haben, wollen wir nur den Wert ändern. Lassen Sie uns das kleine Quadrat nach vorne schieben. Das wird unser nächster Keyframe sein. Nun, da diese beiden Keyframes sichtbar sind, d. h., es wird hier auf dem Bildschirm gestartet und angehalten. Wir wollen eine einfache Leichtigkeit aus diesem ersten Keyframe hinzufügen und eine einfache Einführung in diesen zweiten Schlüsselrahmen. Dann wollen wir einen Halt am Ende hinzufügen. Klicken Sie auf Befehlsoption. Fügt diesen Halt am Ende hinzu. Jetzt können wir den Vorgang wiederholen. Lassen Sie uns voran mit der K-Taste zum nächsten Marker springen, wird ein Keyframe dort an dieser neuen Position hinzufügen, wird drei Frames voran gehen, 1, 2, 3 wir werden den Wert ändern, indem Sie nach vorne ziehen und wir müssen Keyframes hier halten. Ich wähle beide zusammen aus, halte die Befehlstaste gedrückt und klicke auf, um diese in lineare Schlüsselbilder zu verwandeln. Dann werden wir eine einfache Leichtigkeit auf dem ersten hinzufügen, und einfach in die zweite und Befehlsoption klicken Sie hinzufügen oder halten. Lassen Sie uns nur rammen Vorschau dies so weit und nur sehen, was wir haben, [MUSIK] wir haben unsere nette kleine Scooching-Animation Zeit zu diesem hohen Hut. Wir müssen das über den Bildschirm fortsetzen. Ich werde noch einen hier machen und dann werde ich das Video ein wenig beschleunigen , nur weil das ziemlich repetitiv wird, ziemlich schnell. Ich gehe vorwärts, füge einen neuen Schlüsselrahmen hinzu. Gehen Sie vorwärts 1,2,3 Frames, schieben Sie unser kleines Quadrat an seine nächste Position, wählen Sie beide Keyframes Befehl klicken, um sie in lineare Keyframes zu verwandeln, fügen Sie eine einfache Leichtigkeit heraus auf der ersten, eine einfache Leichtigkeit in auf der zweiten ein, Befehls-Option, klicken Sie, um unsere halten Keyframe. Ich werde mich durch die nächsten drei Züge hier beschleunigen, aber ich werde aufhören und wir werden uns diese letzte Scooch vom Rand des Rahmens ansehen. Dann schauen wir uns an, wie wir diese Animation wiederholen können, da die kleinen roten Quadrate wieder auf der anderen Seite beginnt. Während ich schnell weiterleiten hier, fühlen Sie sich frei, das Video zu pausieren, um Ihre eigene Red Square Animation zu vervollständigen, aber vergessen Sie nicht, kurz bevor es auf dem Bildschirm auf der anderen Seite zu stoppen. Jetzt, da ich den letzten kleinen Scooch des Quadrats außerhalb des Bildschirms machen werde, denken Sie daran, dass wir, weil es von auf dem Bildschirm zu deaktivieren, nicht eine Leichtigkeit in diesem zweiten Keyframe setzen. Lasst uns das aufstellen. Ich werde mit meiner K-Taste vorwärts springen, ich werde auf die Schaltfläche Keyframe hinzufügen klicken, drei Frames vorwärts gehen, und klicken und ziehen Sie diesen wieder aus dem Bildschirm, ich möchte eine volle quadratische Breite dazwischen lassen, wählen Sie die beiden Tasten Frames, schalten Sie sie auf linear, fügen Sie eine einfache Leichtigkeit auf dem ersten und keine Leichtigkeit auf dem zweiten hinzu, aber wir werden einen Halteschlüsselrahmen am Ende dort hinzufügen. Schauen wir uns mal an, was wir haben. Wir haben unseren schönen kleinen Roller Platz dort. Nun, wir müssen es weitermachen, während es vom Bildschirm auf dieser Seite geht, es muss auf dem Bildschirm auf dieser Seite zurückkommen, aber ich möchte hier nicht ein ganzes weiteres Quadrat reanimieren müssen. Wir werden diese Ebene einfach duplizieren. Duplizierung ist ein sehr leistungsfähiges Werkzeug und nach Effekten können Sie fast alles kopieren und einfügen oder duplizieren. In diesem Fall werden wir diese ganze Ebene duplizieren. Also mit der Ebene ausgewählten Befehl D zu duplizieren, und jetzt habe ich rotes Quadrat zwei, After-Effects bequem Auto-Namen, die für uns, und ich werde die Keyframes dort zu öffnen, damit ich sie sehen kann, und ich bin gehen, um auf die Ebene selbst zu klicken und zu ziehen. Ich kann auf eine Ebene klicken und ziehen und eine ganze Ebene rechtzeitig hin und her verschieben. Ich werde nur die gesamte Ebene hier nach vorne schieben, und ich werde die ersten beiden Schlüsselbilder von Ebene zwei mit den letzten beiden Keyframes der Ebene eins ausrichten . Wenn also ein Quadrat aus dem Rahmen geht, kommt das nächste Quadrat auf den Rahmen auf der anderen Seite. Das letzte, was wir tun müssen, ist das letzte Quadrat zu animieren , das mit unserem Symbolabsturz am Ende fällt. Lasst uns das nur für das Timing hier anhören. Dieser Becken Crash passiert genau hier in vier Sekunden, wenn unser Quadrat in seiner zweiten bis letzten Position ist. Was wir tun wollen, ist, dass wir diesen letzten Keyframe ändern wollen. Ich werde nur den alten löschen. Lassen Sie uns fortfahren und den alten Schlüsselbild löschen. Wir werden die einfache Leichtigkeit aus diesem Keyframe lassen weil wir wollen, dass es sich erleichtert, wenn es fällt. Objekte, die im Weltraum fallen, werden fast immer lindern. Mit anderen Worten, sie werden sich langsam beschleunigen, wenn die Schwerkraft sie nach unten zieht. Also, weil dieses kleine Quadrat fällt, wird es sich erleichtern, wenn es herunterfällt. Lasst uns auf fünf Sekunden vorwärts gehen. Lassen Sie uns diesen Herbst eine volle Sekunde lang sein. Also werde ich meine CTI nach vorne auf fünf Sekunden hier schieben, und jetzt werden wir, anstatt es aus dem Rahmen zu werfen, wir werden jetzt klicken und ziehen es gerade nach unten und aus dem Rahmen auf der Unterseite. Nun, beachten Sie, dass, weil unser erster Keyframe hier eine Leichtigkeit hatte, nachdem Effekte entschieden haben, wir wollten auch ein wenig Leichtigkeit auf diesem Keyframe. Sie werden sehen, dass wir diese kleine Sanduhrform haben und Sie können tatsächlich sehen, dass der Abstand auf den Punkten schmaler wird, wenn er nach unten kommt, und das wollen wir nicht. Das geht nicht nur aus dem Rahmen, sondern es fällt auch. Es sollte also ständig beschleunigt werden und wir sollten nicht sehen, dass es durch den Rand des Rahmens überhaupt verlangsamt wird. Also wollen wir diesen Keyframe per Befehl ändern, indem wir darauf zu einem linearen Keyframe klicken. Jetzt können Sie auf dem Bewegungspfad sehen, wie die Punkte breiter und breiter werden, wenn sie das Aussteigen des Rahmens beschleunigen. Werfen wir einen Blick auf das bisher. Das sieht manchmal gut aus, aber es fühlt sich ein wenig mechanisch an. Es fühlt sich nicht so an, als würde es fallen, weil es sich so genau bewegt. Lassen Sie uns ein wenig Rotation hinzufügen. Es verliert die Kontrolle und fällt am Ende einfach in den Weltraum. Ich werde meine CTI hier auf vier Sekunden auf diesem ersten Keyframe für die Position für den Fall setzen und lassen Sie uns die Animation für unsere Rotationseigenschaft einschalten. Das wird uns unseren ersten kleinen Keyframe dort geben, und dann werde ich die K-Taste verwenden, um vorwärts zum nächsten Positions-Keyframe zu springen , wo es sich hier außerhalb des Frames befindet, und fügen wir eine 90-Grad-Drehung hinzu. Es wird etwa ein Viertel des Weges drehen. Ich werde in den Rotationswert klicken, und ich werde 90 für 90 Grad eingeben. Jetzt hat sich das Quadrat nicht bewegt, weil es 90 Grad natürlich nur auf seine andere Kante legt, aber wenn wir durchgeschrubbt haben, werden Sie sehen, dass es sich tatsächlich dreht. Aber wir wollen auch, dass sich die Rotation entschärft, genau wie wir wollen, dass sich die Position in diesem Herbst erleichtert. Also es verliert die Kontrolle hier am Ende, wie das letzte Becken Crash passiert, und fallen, und die Position wird sich erleichtern und die Rotation wird sich erleichtern, also gibt es uns das Gefühl des Fallens. Ich werde diesen ersten Keyframe auswählen, mit der rechten Maustaste klicken, und wir werden eine einfache Leichtigkeit hinzufügen. Werfen wir einen Blick auf die endgültige Animation. Großartig. Das sieht wirklich lustig aus. Wir sind bereit, zu unserer nächsten Form weiterzumachen. 18. Den grünen Kreis animieren: Lassen Sie uns den großen grünen Kreis als nächstes animieren , der unsere Bassdrum repräsentieren wird. Also, um hier ein wenig Platz zu sparen, werde ich diese Ebenen schließen und die Auswahl aufheben, indem ich hier unten klicke und wir gehen und unser Ellipsenwerkzeug greifen. Ich werde hier die Farbe in unsere grüne Farbe ändern und ich werde unseren grünen Kreis machen. Nun, gehen wir weiter und benennen Sie diese Ebene und lassen Sie es uns farblich codieren. Lassen Sie es uns auch unter das rote Quadrat hinunter bewegen. Nun ist der Beat der Bassdrum nicht so regelmäßig wie der High Hat Beat, also werden wir einige spezielle Marker für diese Bassdrum machen. Wir werden das tun, indem wir tatsächlich den Beat abklopfen, während wir ihn anhören. Wenn Sie die Vorschau einer Spur mit ausgewählter Ebene im RAM anzeigen, können Sie auf das Sternchen oder die acht Steuertasten tippen, und es werden Markierungen in Echtzeit erstellt, während Sie tippen. Dies kann sehr praktisch sein, um besonders komplexere Beats in einer Audiospur zu finden. Aber wir müssen ein wenig vorsichtig sein, wie wir das verwenden , weil wir Menschen sind und keine Roboter. Wir hören ein Geräusch, das in unser Ohr geht, in unser Gehirn. Unser Gehirn sendet uns ein Signal in den Arm und dann tippen wir auf die Taste. Es gibt fast immer eine erhebliche Verzögerung zwischen all dem Geschehen, also wird es nicht super, super genau sein , aber es wird uns in die Zone bringen. Da wir hier unten die Basis-Beats bereits mit echter Genauigkeit ausgearbeitet haben, werden wir in der Lage sein, das zu optimieren, was wir mit der Bassdrum machen, während wir sie herausklopfen. Gehen wir weiter und spielen das zurück und wir werden den Beat abklopfen. Ich werde es einmal durchspielen lassen und dann tippe ich es aus. Ich klopfe den Schlag aus und ich bin ziemlich nah dran. Aber du siehst, dass ich ein bisschen rausgekommen bin. In der Tat habe ich einiges auf diese verzögert, aber Sie können sehen, wo ich in der Nähe bin mit diesen Registerkarten. Offensichtlich gibt es eine Kicktrommel gleich am Anfang, ich musste das nicht markieren, das ist ziemlich offensichtlich. Die Markierungen, die ich durch Tippen hier gemacht habe, alles, was ich tun muss, ist nur klicken und ziehen Sie diese Marker und ich kann sie wieder in Position verschieben. Lassen Sie uns einfach klicken und ziehen Sie diese über die Punkte für die Kickdrum und wir werden eine weitere am Anfang hier hinzufügen , weil wir eine Kick Drum gleich am Anfang haben. Es ist eine gute Idee, zuzuhören und Ihre Marker zu beobachten, wie die CTI vorbeigeht. Stellen Sie sicher, dass wir genau sind. Ich habe vergessen, die letzte dort ist offensichtlich eine Kick-Trommel am Ende hier und wir haben den letzten Becken Crash getroffen, also lasst uns auch eine hinzufügen. Jetzt haben wir unsere Marker für unseren Kreis. Lassen Sie uns unsere Kreisanimation erstellen. Nun, was wir wollen, dass der Kreis tut, ist Puls, um das Gefühl der Kickdrum zu bekommen, also werde ich das mit Skalen- und Opazitätseigenschaften tun. Lassen Sie uns unsere erste Animation gleich am Anfang erstellen. Wir beginnen mit dem Kreis auf dem Bildschirm , der Beat ist gleich am Anfang der Animation. Wir beginnen mit dem Kreis in voller Größe und voller Deckkraft gleich am Anfang. Ich werde Tab geschlossen meinen Inhalt Tab. Tab öffnen Sie meine Transformationseigenschaften hier, und ich werde auf eine Stoppuhr für Deckkraft und eine Stoppuhr für Skalierung klicken. Ich hätte fast vergessen, dass wir unseren Ankerpunkt ändern müssen, weil wir das nach oben und unten skalieren werden. Wir wollen nicht, dass es auf den Ankerpunkt weit hier skaliert wird, also stellen wir sicher, dass wir diesen Ankerpunkt geändert haben. Lasst uns die Pfanne hinter dem Werkzeug greifen und diesen Ankerpunkt in der Mitte unseres Kreises einrasten. Lassen Sie uns nun unsere kleine Animation erstellen. Wir werden den Kreis in der Skala fallen lassen, um dieses pulsierende Gefühl zu erhalten und halten wir uns an die 12, 6, 3 Divisionen, die uns auf die Gesamtstruktur des Stückes halten. Ich werde drei Frames vorwärts gehen, eins, zwei, drei und ich werde die Skala auf 50 Prozent reduzieren. Ich werde nur klicken und 50 eingeben, um den Kreis auf 50 Prozent zu senken. Nachdem es auf 50 Prozent runter ist, möchte ich, dass es einfach abspringt und verschwindet, also werde ich noch einen Frame vorwärts gehen. Ich werde Befehl, Pfeil, einen Frame vorwärts gehen , und ich werde die Deckkraft auf Null drehen. Aber ich will nicht, dass es verblasst, da es kleiner wird, ich will, dass es platzt. Ich werde diesen ersten Deckkraftschlüssel-Frame, einen Hold-Schlüssel-Frame-Befehl, Option, klicken, um das zu halten. Dann werde ich den letzten Deckkraftschlüssel-Frame machen, auch einen Hold-Schlüssel-Frame. Es ist im Grunde nur, das aus- und einschalten. Jetzt mit der Skala, wir wollen, dass es hier in vollem Umfang erscheint und dann verlangsamt, wenn es nach unten skaliert wird. Wieder, das Gefühl von einem Schlag mit einem weichen Zerfall drauf zu bekommen. einmal, hallt das Geräusch dieser Kick-Trommel. Ich werde den ersten Schlüsselrahmen nicht erleichtern, aber ich werde eine Leichtigkeit in den zweiten Schlüsselrahmen legen und ich werde Befehl, Option, klicken und einen Halt am Ende hinzufügen. Denn denken Sie daran, dass es immer eine gute Idee ist, am Ende einer Sequenz einer Sequenz pf-Animation einen Halt hinzuzufügen. Nun, weil das hier am Anfang steht, wird es ein bisschen schwer zu sehen sein. Wir können es mit der RAM-Vorschau wiedergeben. Das gibt uns das kleine Pulsgefühl, aber wir werden ein besseres Gefühl davon bekommen, wenn wir es kopieren und in diese anderen Positionen einfügen. Jetzt, wie ich bereits erwähnt habe, Duplizieren und Kopieren und Einfügen ein leistungsfähiges Werkzeug und nach Effekten. Wir können fast alles kopieren und kopieren und einfügen, einschließlich Sätze von Schlüsselbildern, lassen Sie uns einen Blick darauf werfen, wie das funktioniert. Dies wird das Animieren der Rest dieser Bassdrum wirklich einfach machen. Das erste, was ich tun will, ist meine CTI wo ich meine Keyframes einfügen möchte . Ich werde die K-Taste benutzen, um vorwärts zum nächsten Bassdrum Beat zu springen. Was ich tun werde, ist klicken und ziehen, um alle vier meiner Schlüsselbilder hier auszuwählen. Dann befehlen Sie C, um V zu kopieren und zu befehlen und Sie können sehen, dass sie genau dort eingefügt werden, wo meine CTI ist. Mit anderen Worten, die ersten Keyframes in der Sequenz sitzen genau dort, wo meine CTI ist, und der Rest folgt. Nun, weil wir am Ende dieser Animation sehr intelligent Haltepunkte hinzugefügt haben. Unser Kreis bleibt ausgeschaltet, die Deckkraft bleibt ausgeschaltet, bis wir diesen nächsten Schlag treffen, wo er anspringt und sich dann wieder ausschaltet. Nachdem wir nun unseren ersten Satz kopiert und eingefügt haben, können wir einfach die restlichen Sätze einfügen. Ich werde zum nächsten Beat-Befehl V springen, um einzufügen. Ich werde vorwärts zu unserem nächsten Kick Drum Beat Befehl V drücken, um einfügen. Jetzt können wir diese beiden tun, zusammen können wir alle diese Befehle C auswählen, um Befehl V zu kopieren, um einfügen, da ist das ganze Set direkt dort. Nun, beim letzten Absturz, wie wir es mit dem roten Quadrat getan haben, wollen wir, dass der Kreis fällt. Aber wir müssen es zuerst wieder einschalten lassen und wir müssen es auf eine 100-prozentige Skala zurückgeben, also was ich tun werde, ist, ich werde nur die ersten beiden Frames hier unserer kleinen Beat-Sequenz packen und kopieren und einfügen, um unseren Kreis wieder auf und legte es wieder auf eine 100-prozentige Skala. Nun, ich werde es nur aus dem Rahmen fallen lassen, also werden wir die Animation für die Position direkt an diesem Punkt in vier Sekunden einschalten. Ich werde die Position einschalten, wir gehen zu fünf Sekunden. Wir werden es mit der gleichen Rate fallen lassen, das rote Quadrat fällt und beachten Sie, dass ich immer noch die Pfanne hinter Werkzeug hier. Ich möchte zu meinem regulären Auswahlwerkzeug wechseln und jetzt werde ich nur klicken und diesen Kreis nach unten aus dem Rahmen ziehen. Es gibt offensichtlich keine Notwendigkeit, es zu drehen, da es ein Kreis ist, wir würden diese Rotation nicht sehen. Wir haben es nur vom Rahmen gleiten dort und dann wollen wir natürlich eine einfache Leichtigkeit auf diesem ersten Schlüsselrahmen hinzufügen , um das Gefühl von Gewicht und Schwerkraft zu geben, wie es fällt. Werfen wir einen Blick auf unsere fertige Animation auf dem grünen Kreis. Toll, sieht wirklich gut aus. In Ordnung, wir sind bereit, zu unserer nächsten Form weiterzumachen. 19. Das Gelbe Rechteck animieren: Lassen Sie uns unser gelbes Rechteck als nächstes animieren, das die Snaredrum darstellt. Gehen wir weiter und schließen Sie unsere grüne Kreisebene dort und klicken Sie, um die Auswahl aufzuheben. Wir gehen zu unserem Form-Layer-Werkzeug und greifen unser Rechteck-Werkzeug. Klicken Sie auf unsere Füllfarbe und greifen Sie unser Gelb. Wir werden klicken und ziehen und unser Rechteck machen. Ändern wir hier den Namen des Layers, und ändern Sie die Layerfarbe. Lasst uns auch unseren Stift hinter Werkzeug greifen und unseren Ankerpunkt zentrieren. Lassen Sie uns auch das gelbe Dreieck unter das rote Quadrat bewegen. Ich lege das gelbe Rechteck unter das rote Quadrat, nur für den Fall , dass das rote Quadrat das Rechteck überquert, wenn es fällt. Ich bin mir nicht sicher, ob es wird, aber ich möchte sicherstellen, dass das kleine rote Quadrat sichtbar ist und sich nicht hinter diesem gelben Rechteck verirrt. Die meisten unserer Formen hier kreuzen sich in der Animation, die ich erstelle, nicht wirklich, aber ich erstelle hier einen Layer-Stack, nur für den Fall , dass Sie etwas anderes mit Ihrer Animation machen möchten. Mit dem großen grünen Kreis auf der Unterseite, die kleineren roten Quadrate auf der Oberseite werden nur gut visuell Sinn machen. Aber es ist nicht super notwendig für die kleine Animation, die wir hier bauen. Aber es ist gut, sich Ihres Layer-Stacks bewusst zu sein und die Logik dessen zu durchdenken , was Sie oben wollen und was Sie hinter sich haben, besonders wenn Sie eine kompliziertere Animation erstellen. Nun, weil das gelbe Rechteck die Snare darstellt. Wieder einmal werden wir unseren Tap-Trick verwenden, um unser Gefühl zu bekommen, wenn die Snare trifft. Jetzt hat die Snare eine kleine Synkopation, also werden wir ein paar Beats zwischen unseren Hauptbeats setzen. Lass es uns einmal durchspielen und dann beim zweiten Mal werden wir die Snare ausklopfen. Ich werde nicht versuchen, die kleine Trommelrolle am Ende zu klopfen. Ich denke, dass wir leicht von der Wellenform abholen können. { MUSIK} Wieder einmal haben wir ein bisschen aus, aber nah dran. Dieser erste hier ist offensichtlich dazu gedacht, diesen Rahmen genau hier zu blockieren. Das ist unser kleiner synkopierter Beat. { MUSIK}. Diesen wollen wir zurückrutschen und zwischen diese beiden Hauptbeats setzen. Sie können es tatsächlich in der Wellenform genau dort sehen. Jetzt sind wir ein wenig dahinter, aber Sie können den nächsten Frame sehen, wir sind ihm ein wenig voraus. Denken Sie daran, wir wollen immer auf der Seite irren, nur ein bisschen hinter dem Sound zu sein , wenn wir nicht richtig am Sound sind. Dieselbe Sache hier muss dieser hier zurück zu dieser Position gehen. Dieser wird zurück nach hier gehen und dieser hier wird wieder genau dazwischen sein, genau dort, wo die Wellenform genau dort ist. Jetzt die kleine snare rollen hier, das können wir einfach visuell tun, weil es ziemlich schwer wäre, das herauszutippen, so dass wir die Wellenform direkt dort sehen können, hinzufügen, einen Marker hinzufügen, einen Marker hinzufügen, und im Grunde ist es jeder drei Frames, so konnten wir auch einfach alle drei Frames abzählen. Da ist der letzte Hit, der unseren kleinen Beat beendet. Um sicher zu sein, dass wir hier mit unseren Markern auf dem richtigen Weg sind, hören wir uns noch einmal an. { MUSIK}. Wir sind gleich da drauf. Wir wollen, dass unser kleines Rechteck in und aus dem Rahmen gleitet, fast wie ein Lautstärkemesser auf einer Stereoanlage und wir wollen, dass es an seinem höchsten Punkt ist, wenn der Snare-Sound trifft. Lassen Sie uns hier eine kleine Rückwärtsanimation machen. Ich werde meine CTI vorwärts zu diesem ersten Snare Hit schieben und lassen Sie uns unsere Inhalte schließen und unsere Transformationen öffnen und gehen Sie weiter und fügen Sie hier am höchsten Punkt einen Keyframe hinzu, weil wir bereits in dieser Position sind. Ich klicke auf die Stoppuhr für die Position hier. Jetzt, wie wir bereits besprochen haben, Sie, sobald Sie einen Schlüsselrahmen hinzufügen müssenSie, sobald Sie einen Schlüsselrahmen hinzufügen, nur die CTI verschieben und einen Wert ändern, aber wie ich auch erwähnt habe, müssen wir nicht immer rechtzeitig vorwärts gehen. Wir können uns rechtzeitig rückwärts bewegen. In diesem Fall gehen wir rückwärts, ich werde die Befehlstaste gedrückt halten und drei Frames zurückgehen. Wieder einmal, mit diesem 12-6-3 kleben, halten Sie mit unserem Gesamtrhythmus, ,1,2,3 zurück. Jetzt werden wir den Wert ändern, klicken und ziehen unser Rechteck nach unten an den unteren Rand des Rahmens. Sie können sehen, dass wir einen Schlüsselrahmen vor dem Keyframe an der oberen Position hinzugefügt haben. So rückwärts zu animieren, kann sehr praktisch sein, wenn Sie ein Design erstellen und es auf dem Bildschirm animieren möchten. Sie können die Key-Frames dort einstellen, wo sich alles in seiner richtigen Position befindet, dann in der Zeit zurückkehren, um alles aus dem Bildschirm, damit es animiert wird. Ziemlich gängige Technik für Logo löst sich und diese Art von Sache. Wir gleiten nach oben, wo dieser Beat trifft und dann drei Frames später, wir wollen wieder nach unten rutschen. Lassen Sie uns drei Frames vorwärts gehen, Befehlspfeil 1-2-3, und dann werden wir einfach kopieren und diesen ersten Frame einfügen, der bereits ausgewählt ist. Sie können sehen, dass es blau ist. Befehl C zu kopieren, Befehl V zum Einfügen, und wir fügen diesen Wert an Ort und Stelle. Unser kleines Rechteck geht hoch und geht wieder nach unten. Da es von außerhalb des Bildschirms kommt und dann aus dem Bildschirm geht, wollen wir hier keine Leichtigkeit hinzufügen, aber wir wollen, dass es oben und oben erleichtert. Dieses Mal werden wir nicht einfach einfach in oder einfach zu erleichtern verwenden, werden wir die einfache einfache Leichtigkeit verwenden, die nicht wirklich einfach ist. Es ist eine Kombination der beiden, Ich werde mit der rechten Maustaste klicken, gehen Sie nach unten zu Keyframe-Assistenten und ich werde einfache Leichtigkeit an der Spitze wählen. Was das ist, ist eine Kombination aus einem einfachen Einstieg und einer einfachen Leichtigkeit. Ich werde leichte Leichtigkeit treffen, jetzt sind wir einfach Lockerung in den Keyframe und waren einfach Lockerung aus dem Keyframe und Sie können sehen, dass wir diese kleine Sanduhr Form bekommen , die uns die Leichtigkeit in und Leichtigkeit zeigt. Werfen wir einen kurzen Blick auf diese kleine Animation. { MUSIK} Toll, das funktioniert gut. Jetzt werden wir diese Animation für diesen nächsten Snare Hit kopieren und einfügen, aber weil dies der kleine synkopierte Beat ist, wenn Sie sehr genau zuhören, ist die Snare eigentlich ein wenig leiser auf diesem zweiten Beat. Hören Sie genau zu. {MUSIK} Wenn du nicht gehört hast, ist es nur ein bisschen leiser als dieser erste Snare Hit. Wenn Sie auf die Wellenform schauen, können Sie sehen, dass sie leiser ist. Da ist der erste Snare-Hit. Hier ist der zweite Snare Hit und beachten Sie, dass die Wellenform ein wenig niedriger ist. Lassen Sie uns das in der Animation widerspiegeln. Aber wir beginnen mit dem Kopieren und Einfügen und dann passen Sie einfach den Wert des oberen Keyframes an. Ich werde zu diesem Treffpunkt gehen, wo die Snare trifft und ich werde drei Frames zurückgehen, Befehl 1-2-3 zurück. Jetzt werden wir unsere Schlüsselbilder kopieren und einfügen, aber whoops, ich habe einen Schritt hier vergessen, lassen Sie uns sicherstellen, und fügen Sie diesen Schritt hinzu. Lassen Sie uns Befehlsoption klicken Sie auf „Add our hold“ am Ende dort ist es sehr wichtig, weil wir im Begriff sind zu kopieren und einfügen, was im Wesentlichen der gleiche Wert, aber Sie werden manchmal ein wenig Drift bekommen. Manchmal wird nach Effekten ein wenig beschäftigt ein Handle hinzufügen und Sie erhalten ein wenig Drift, obwohl die beiden Werte gleich sind. Immer wenn Sie möchten, dass sich etwas sicher nicht bewegen, auch wenn Sie zwei Schlüsselbilder in einer Zeile mit dem gleichen Wert haben, fügen Sie immer einen Halt hinzu, um es sauber zu halten. Jetzt, da wir das da haben und wir unsere CTI an Ort und Stelle haben. Lassen Sie uns unsere drei Schlüsselbilder kopieren. Befehl C, Befehl V einfügen und jetzt haben wir unsere zweite Animation, aber lassen Sie uns diesen Wert ändern, machen es ein wenig weniger mächtig, da die snare ist ein wenig weniger stark in diesem Punkt. Ich möchte sicherstellen, dass ich zuerst die Auswahl deaktiviere, ich ändere nur diesen einen Schlüsselrahmen. Lassen Sie uns den Schlüsselrahmen auswählen, der automatisch unsere Ebene hier auswählt. Ich werde klicken und ziehen Sie dies nach unten zwei Gitterquadrate. diesem zweiten Treffer geht es einfach nicht ganz so weit. Lasst uns eine Vorschau darauf rammen. { MUSIK} großartig, das wirklich ein schönes Gefühl hat. { MUSIK} Reflektiert wirklich den Klang. Denken Sie daran, zu speichern, wie Sie hier arbeiten, Ich bearbeite meine spart, nur um ein wenig Zeit im Video zu sparen, aber halten Sie sparen, während Sie arbeiten, tun Sie ein paar Dinge und speichern, tun Sie ein paar Dinge und sparen, in diese gute Angewohnheit geraten. Mit unserem nächsten Snare Hit wollen wir es bei voller Explosion. Wir werden unseren ersten Satz von Schlüsselbildern hier kopieren und einfügen. Wir gehen zu diesem Snare Treffpunkt, Befehl 1-2-3, zurück, wählen Sie die Schlüssel-Frames, Befehl C, Befehl V zum Einfügen und wir haben unseren nächsten Snare Hit dort. Mit diesem nächsten können wir diesen ganzen Abschnitt tatsächlich kopieren und einfügen. Wir werden unsere CTI am Anfang hier setzen. Gehen Sie zurück 1-2-3, wählen Sie alle diese Schlüsselbilder aus. Befehl C, Befehl V zum Einfügen und jetzt haben wir unsere gleiche kleine Animation mit unserem zweiten etwas schwächeren Snare Hit. Jetzt, da wir zu dieser kleinen Trommelrolle hier am Ende kommen, drei Frames auseinander. Wir werden keine Zeit haben, das mit jedem dieser Hits aufzutauschen und wieder runter zu bringen. Stattdessen erstellen wir eine kleine schnelle Stotternbewegung dieses Rechtecks, auftauchen, oben, oben, oben, oben, oben, oben, oben und dann auf der allerletzten wird es die Spitze treffen, bevor sie wieder nach unten fallen. Wir werden alle Key-Frames verwenden, bis wir hier oben treffen. Wir haben bereits einen Halt am Ende unseres letzten Keyframes von unserem letzten bisschen Animation hier. Alles, was wir tun müssen, um diesen ersten Keyframe als Haltepunkt zu erstellen, ist nur den Wert zu ändern. Ich werde klicken und ziehen Sie auf diese und ich werde es nach oben zwei Quadrate im Raster verschieben und bemerken, dass es automatisch einen Halteschlüssel-Frame direkt dort erstellt. Dann werde ich vorwärts mit der K-Taste zu unserem nächsten Marker springen, wird ein Quadrat auf dem Gitter nach oben schieben. Geh wieder vorwärts, schiebe ein weiteres Quadrat auf dem Gitter hoch, gehe wieder vorwärts, schiebe ein weiteres Quadrat nach oben und dann endlich das letzte Quadrat dort oben. Diese Stottern Bewegung wird die scharfe Snare Drum trifft wirklich gut plus passen, wie es baut sich an die Spitze, es wird ein wenig Spannung zu bauen, bevor es am Ende freigesetzt. Jetzt, genau wie bei all den anderen Formen, wollen wir, dass das aus dem Rahmen fällt. Beginnen wir damit, diesen Keyframe für die erste Position zu erstellen, ein regelmäßiger linearer Keyframe. Ich werde klicken, also nicht in der Lage sein, hier vorwärts zu animieren und dann lassen Sie uns auch bei der Rotation umschalten , weil wir diesem Rechteck auch eine kleine Rotation hinzufügen möchten , wenn es fällt. Lassen Sie uns voran und schalten Sie die Animation für die Drehung ein und fügen Sie unseren ersten Schlüssel-Frame auf dem 0 Grad Rotationswert und gehen wir vorwärts zur 5-Sekunden-Markierung. Dann fügen wir zuerst die Rotation hinzu, denn das wird wahrscheinlich beeinflussen, wie weit wir sie mit der Position ziehen müssen. Lass es uns nur ein wenig in den Rahmen lehnen, wenn es fällt. Ich werde hier auf den Wert für die Rotation klicken, und ich werde minus 40 eingeben, also nicht ganz 45 Grad nur ein wenig sanftes Tumbeln dort drüben und dann können wir dieses Rechteck nach unten klicken und ziehen, bis die Ecke aus ist der Rahmen. Wie bei all unseren anderen Stürzen wollen wir diese als lineare Schlüsselbilder belassen, aber wir wollen, dass diese ersten beiden Keyframes leicht gemacht werden , damit wir dieses Schwerkraft-Gefühl bekommen. Werfen wir einen Blick auf unsere fertige Animation unseres gelben Rechtecks. { MUSIK} Toll, das sieht wirklich gut aus. { MUSIC} Wir sind bereit, unsere letzte Form zu kreieren und unsere Animation zu beenden. 20. Den blauen Kreis animieren: Lassen Sie uns voran und schließen Sie unsere gelbe Rechteck-Ebene hier und lassen Sie uns die Auswahl aufheben, indem Sie in den leeren Bereich in der Timeline klicken. Wir gehen hier unter unser Form-Layer-Werkzeug nach oben, und wir greifen unser Ellipsen-Werkzeug. Wir ändern unsere Füllfarbe in unser Blau und wir erstellen hier unseren letzten Kreis. Lassen Sie uns unseren Kreis nennen und bewegen wir ihn nach unten über den grünen Kreis, aber unter dem gelben Rechteck. Auf diese Weise, wenn das gelbe Rechteck fällt, wenn es überquert, wird es vor dem blauen Kreis sein und wir gehen voran und zentrieren unseren Ankerpunkt. Wir müssen unsere Ebenenfarbe nicht ändern, da die Formenebene standardmäßig auf Blau festgelegt ist. Jetzt wird unser blauer Kreis unseren Becken Crash repräsentieren und es gibt nur zwei Becken Crashes im Audio, eine in der Mitte und eine direkt am Ende. Hören wir uns das einfach mal an. Sie sind im Grunde die zwei-Sekunden-Markierung und die vier-Sekunden-Marke. Wir müssen hier wirklich nichts sehr Schickes tun , um das herauszufinden. Es ist ziemlich offensichtlich. Ich muss kaum die Marker machen, aber ich werde es einfach machen und es dort tun. Jetzt ist der Klang des Becken ein wenig weicher Klang als sagen, die Snare oder die Kickdrum, und es hat einen langen Zerfall darauf. Auch, wenn Sie ein Becken im wirklichen Leben schlagen, vibriert es und schüttelt. Wir werden versuchen, das auf abstrakte Weise mit unserem blauen Kreis einzufangen. Wir werden es schnell verblassen lassen, anstatt auf dem Weg zu knallen, sagen wir, der grüne Kreis tut und dann werden wir es aus dem Rahmen auf jedem der Abstürze fallen lassen. Aber wir werden es wackeln und vibrieren ein wenig, wie es fällt, um uns das Becken Gefühl zu geben. Gehen wir zu zwei Sekunden, wo unser erster Becken Crash passiert und lassen Sie uns den Inhalt schließen und unsere transformierten hier öffnen. Da dies sowohl Deckkraft als auch Position sein wird, lassen Sie uns voran gehen und Schlüsselbilder für die Position und die Opazitätswerte einschalten. Jetzt möchten wir, dass die Deckkraft relativ schnell animiert wird. Beginnen wir mit der Kapazität bei Null und lassen Sie uns einfach zwei Frames vorwärts 1, 2 gehen , nur damit es nicht zu lange dauert, um für uns sichtbar zu sein , und lassen Sie uns die Deckkraft wieder auf 100 drehen. Nun, da das so schnell mit nur einem Frame dazwischen verblasst, werde ich mich hier nicht mit Leichtigkeit beschäftigen. Es wird wahrscheinlich keinen großen Unterschied machen, ob wir uns auf beiden Seiten hinein- oder rauslassen. Aber ich werde einen Hold-Schlüsselrahmen am Ende setzen. Befehls-Option-Klick und setzen Sie ein wenig Halten Schlüssel-Frame am Ende dort. Unser kleiner blauer Kreis verblasst einfach sehr, sehr schnell. Jetzt wollen wir, dass es fällt und ein wenig wackelt. Aber lassen Sie uns zuerst die Animation des Herbstes erstellen, und dann fügen wir die kleine Vibration hinzu, das kleine Wackeln. Ich werde die K-Tasten benutzen und ich werde zwei unserer kleinen Beats vorwärts gehen. Ein voller Beat oder zwei kleine halbe Schläge hier wieder, also ist alles so weit wie möglich um den Beat strukturiert und lasst uns voran gehen, hoops, ich habe immer noch den Stift hinter dem Werkzeug hier. Lassen Sie uns zu unserem Auswahlwerkzeug wechseln, und ich werde voran gehen und ziehen Sie dies einfach nach unten und aus dem Rahmen und wie immer, mit einer Herbstanimation, möchten wir am Anfang eine einfache Leichtigkeit hinzufügen, keine Erleichterung auf diesem letzten Schlüssel-Frame. Wir haben das nur. Schöner, einfacher kleiner Sturz. Aber jetzt wollen wir unser kleines Wackeln dazu hinzufügen. Wir werden alle zwei Frames einen Schlüsselrahmen zu diesem Bewegungspfad hinzufügen und ihm eine Krümmung hinzufügen. Lass uns weitermachen und das tun. Ich gehe zum Befehl klicken Sie auf 1, 2 und was wir tun werden, ist, dass wir einfach den X-Wert in Position hier greifen. Ich will es rüber schieben. Ich werde dort über die Hälfte eines Gitterplatzes gehen. Ein weiterer netter Grund, das Raster zu haben, ist, dass wir verfolgen können , was wir mit diesen Arten von Animationen tun. Ich werde zwei weitere Schlüsselbilder vorwärts gehen, 1, 2 und dann ziehen wir das zurück und dieses Mal werde ich vielleicht fast die Hälfte eines Gitterquadrates gehen , aber nicht so weit wie das vorherige. Jeder von ihnen wird näher an das Zentrum kommen. Dann werde ich 1, 2 wieder vorwärts gehen, wir werden wieder ziehen, dass über diese Zeit ein wenig näher an die Mittellinie. Wir gehen 1, 2. Nun, eigentlich sollte dieser letzte etwas mehr wie auf halbem Weg sein. Gehen wir vielleicht ein bisschen wie auf halbem Weg, so etwas. Dann gehen wir 1, 2 und wir ziehen diese über, sehr nah an der Mittellinie 1, 2 und jetzt können wir an dieser Stelle ziemlich einfach wieder auf die Mittellinie setzen. Nur um sicher zu sein, dass wir das richtig ausgerichtet haben, werde ich hier ein wenig kopieren und einfügen mit unserem X-Positionswert. Ich werde K vorwärts, um diesen Wert zu betrachten. Es ist 1080. Das ist leicht zu merken. Ich könnte das einfach eingeben, aber ich kann auch hier auswählen, Befehl C zum Kopieren, Deaktivieren. Ich kann zwei Frames zurückgehen, und jetzt kann ich einfach nur in den X-Wert einfügen, 1080. Du siehst, wie das wieder in Einklang gebracht wird. Jetzt sagst du vielleicht: „Nun, du könntest schnappen.“ aber das würde eigentlich meine Position hier oben schnappen und ich verliere ein wenig von meiner Leichtigkeit runter kommen. Beachten Sie nun, dass alle diese Schlüsselbilder Sanduhr-Schlüsselbilder sind. Das liegt daran, dass wir am Anfang hier eine Leichtigkeit hinzugefügt haben und als wir diese zusätzlichen Schlüssel-Frames hinzugefügt haben, After-Effects sein Bestes getan, um zu erraten welche Art von Leichtigkeit wir in jedem Schlüssel-Frame wollen. In diesem Fall wollen wir nach den Effekten weitergehen lassen und das für uns tun, weil es im Grunde das Es liest, wie es herunterkommt und das fortsetzt, wenn wir runterkommen. Es macht einen ziemlich guten Job. Wir müssen uns überhaupt nicht mit diesen Schlüsselbildern anlegen. Aber was wir jetzt auf unserem Bewegungspfad haben, ist ein harter Zick-Zack und ich denke, das wird sich ein wenig besser anfühlen, wenn es etwas weicher ist und auf dem Bewegungspfad ein wenig Krümmung ist. Lassen Sie uns einige Bezier-Griffe und nur ein wenig Kurve zu unserem Bewegungspfad hinzufügen. Ich werde nicht den ersten Schlüssel-Frame und nicht den letzten Schlüssel-Frame auswählen, aber ich werde alle Schlüssel-Frames in der Mitte alle auf einmal auswählen und dann werden wir die Befehls-Option gedrückt halten und wir werden klicken und machen kleine Bezier-Griffe auf jedem unserer Schlüssel-Frames. Jetzt sind die Beziers ein wenig caddywompus gerade jetzt, wie sie gerade in ihren Standard-Modus gegangen sind, noch einmal, erraten, was wir wollen. Vergrößern wir uns hier ein bisschen. Ich werde die Perioden-Taste verwenden und zoomen und ich werde die Leertaste gedrückt halten und die Hand benutzen, um dies zu bewegen und lassen Sie uns diese einfach anpassen und ihnen ein wenig mehr Krümmung und ein wenig mehr Weichheit geben ein wenig mehr Krümmung und und begradigen Sie ihn auch ein wenig, so dass sie nicht so caddywompous sind. Das wird unserem Bewegungspfad ein wenig mehr Weichheit geben. Das hier können wir gerade nach oben und unten drehen und wir wollen das, weil wir wollen, dass es gerade nach unten kommt, nachdem es die letzte Position erreicht hat. Werfen wir einen Blick auf unsere Animation. Großartig. Das sieht wirklich lustig aus. Ordnung, lassen Sie uns einen Hold-Schlüsselrahmen zu unserem letzten Frame hier hinzufügen, wie wir es immer tun wollen. Befehls-Option-Klick, um das kleine bisschen Animation zu vervollständigen und dann in diesem Fall, alles, was wir tun müssen, ist nur kopieren und einfügen, weil wir die gleiche Becken Absturz Animation direkt am Ende hier haben. Gehen wir zu vier Sekunden, wir gehen, ich wähle alle unsere Schlüssel-Frames, Befehl Kopieren, Befehl Einfügen. Jetzt haben wir unsere fertige Animation. Gehen wir weiter und schalten Sie unsere Führungsschicht aus. Auch wenn es nicht gerendert wird, möchte ich es hier nicht wirklich ansehen. Ich möchte sehen, wie das aussieht, und wir können auch unser Raster ausschalten, damit wir einfach ein Gefühl davon bekommen unsere finale Animation aussehen wird, und lassen Sie uns eine Vorschau darauf rammen. Wirklich lustig. Jetzt sind wir bereit, unseren letzten Film zu beenden und zu rendern. 21. The rennen: Jetzt, da wir bereit sind, zu rendern, sprechen wir über die zwei verschiedenen Möglichkeiten, aus After-Effects zu rendern. After-Effects hat eine eigene Render-Engine, die After-Effects-Render-Warteschlange aber wenn Sie After-Effects von der Creative Cloud installieren, installiert es auch den Adobe Media Encoder, der eine separate Software ist, die Rendern von After-Effekten und Premier-Dateien. Jetzt sind die Vor- und Nachteile im Grunde diese, die After-Effects Q können Sie eine etwas höhere Qualität rendern, aber es hat weniger Optionen für Formatierung und Komprimierung. Es ist wirklich nur nützlich, wenn Sie einem Editor ein sehr hochwertiges Rendering liefern , das es dann bearbeiten und dann komprimieren oder für die endgültige Lieferung formatieren wird. Wenn Sie Ihr Video auf YouTube oder Vimeo hochladen oder es online oder für soziale Medien im Allgemeinen veröffentlichen, möchten Sie den Adobe Media Encoder verwenden, da er viel mehr Optionen für die Komprimierung und Formatierung für all diese verschiedenen Situationen, aber es ist wichtig zu verstehen, dass jedes Mal, wenn Sie in einem Format rendern, das zum Beispiel für das Hochladen auf YouTube oder das Posten in sozialen Medien geeignet ist, diese Datei bis zu einem gewissen Grad komprimiert, was zu einem gewissen Qualitätsverlust führen wird. Nun ist dies ein großes tiefes Thema, in das wir in diesen Einführungsklassen nicht sehr viel eingehen werden. Wir werden nur ein sehr grundlegendes Rendering-Verfahren lernen, das Ihnen eine schöne Videoqualität in einer anständigen, vernünftigen Größe geben wird, die in den meisten Situationen funktionieren wird. Eine andere Sache, die man über Rendering und Komprimierung verstehen , ist, dass es fast zwangsläufig eine Verschiebung der Farbe geben wird. Manchmal werden Farben stummgeschaltet. Manchmal verschieben sich Farben ein wenig und das ist ein Problem, das Menschen, die in zeitbasierten Medien arbeiten im Wesentlichen nur bis zu einem gewissen Grad akzeptieren müssen , weil Sie an einem bestimmten Punkt die Kontrolle über die Situation verlieren sehr schnell. Zum Beispiel können Sie genau die gleiche Videodatei nehmen und sie auf zwei verschiedenen Video-Playern auf einem Computer abspielen. Es wird anders aussehen, die Farben werden anders aussehen, die gleiche Datei. Wenn Sie auf YouTube hochladen, verwendet YouTube eine andere Komprimierung als Vimeo, so dass die Farben auf Vimeo anders aussehen, wie sie auf YouTube aussehen. Dann fügen Sie zu dieser Varianz hinzu, dass jeder verschiedene Arten von Monitoren hat. Jedermanns Monitor ist etwas anders. Einige sind von höherer Qualität, einige von niedrigerer Qualität. Manche Leute haben ihre Monitore auf seltsame Weise so eingestellt, dass ihre Monitore dunkler oder heller sind oder aufgrund der Art, wie sie sie sie eingestellt haben, Farben verschoben haben. Bis zu einem gewissen Grad müssen Sie zu viel Bindung an die Farben loslassen , die Sie zwangsläufig sehr sorgfältig für ein Projekt wählen. Eine Sache, die wir tun können, um unsere Farbausgabe ein wenig aus After-Effekten zu steuern , ist, den Farbraum für unser Projekt festzulegen. Jetzt macht dies keinen großen Unterschied, aber es wird die Farben ein wenig mehr erhalten, als wenn Sie den Farbraum nicht einstellen. Da wir hier eine Art wirklich präzise Farben haben, die wir für dieses Trommeldesign gewählt haben, lassen Sie uns voran gehen und den Farbraum einstellen und wir werden ein wenig besseres Glück haben, wenn wir rendern. Um den Farbraum eines Projekts festzulegen, gehen wir unter Datei nach oben, und wir gehen den ganzen Weg nach unten zu den Projekteinstellungen. Dann werden wir auf „Farbeinstellungen“ klicken. Sie können hier sehen, wo es Arbeitsraum keine sagt. Wir gehen einfach weiter und wählen SRGB und dann gibt es all diese anderen kleinen Buchstaben und Zahlen. SRGB ist eine gute Option, und wir werden auf „Okay“ klicken und wieder, dies wird keinen großen Unterschied machen, aber es wird helfen, unsere Farben nur ein wenig zu erhalten, wenn wir rendern. Eine andere Sache, über die wir hier schnell sprechen und damit umgehen müssen, wenn wir uns den Unterschied zwischen dem Rendern aus dem After-Effects Q und dem Adobe Media Encoder ansehen, ist, dass der Adobe Media Encoder alles in After-Effects genau so, wie wir es gerne hätten. Insbesondere liest es nicht die Hintergrundfarbe, die wir für unsere Komposition gewählt haben. Nun ist die ehrliche Wahrheit, dass die Option, eine Hintergrundfarbe für eine Komposition zu wählen , ein wenig nutzlos ist und in zukünftigen Klassen werden wir uns das Vorkompilieren und Arbeiten mit Kompositionen ansehen und wir werden sehen, wie das funktioniert ein Etwas genauer. Denn jetzt, hier ist, was Sie verstehen müssen. Wir haben hier eine Farbe für unseren Hintergrund gewählt, und wir setzen unsere Formen über diesen Hintergrund, aber die Wahrheit ist, dass diese Hintergrundfarbe nicht existiert. Was wir eigentlich tun, ist, Formen über einen Alphakanal oder Transparenz zu platzieren. In After- Effekten zeigt es standardmäßig eine Farbe im Hintergrund. Standardmäßig ist es schwarz. Die Wahrheit ist, dass hier eigentlich nichts ist. Es ist standardmäßig schwarz und dann können wir natürlich verschiedene Farben wählen , um dort zu setzen, wie wir dieses lila gewählt. Die Wahrheit ist, da ist nichts. Schauen wir uns das an. Wenn wir bis zum Ende unseres Kompositionsfensters gehen, sehen Sie umschaltetes Transparenzraster. Gehen Sie weiter und klicken Sie darauf und Sie werden die Wahrheit unserer Komposition hier sehen. Dieses Raster, das viele von Ihnen in Photoshop oder Illustrator erkennen werden, sagt uns, dass dies Transparenz ist. Hier gibt es nichts. Wenn wir nun aus den Nacheffekten Q rendern, werden die Nacheffekte Q die Farbe respektieren , die wir für den Hintergrund gewählt haben, und es wird diese Farbe rendern. Aber wenn wir aus dem Adobe Media Encoder rendern, sieht es diese Farbe nicht Es sieht dies. Weil es keine Transparenz rendern möchte, es sei denn, wir haben einige Einstellungen speziell eingerichtet, um ihm mitzuteilen, dass dies als Alphakanal gerendert werden soll. Alphakanal bedeutet nur einen Transparenzkanal. Wenn wir ihm nicht sagen, dass er dies als Alpha rendern soll, wird es nur mit Schwarz füllen und wir haben einen schwarzen Hintergrund, was natürlich nicht das ist, was wir wollen. Lassen Sie uns dies für eine Minute überprüfen, nur damit wir sehen können, wie die Lösung hier funktioniert. Die Lösung ist sehr einfach. Was wir tun werden, ist, dass wir einfach lila in den Hintergrund stellen. Jetzt könnte Ihr erster Instinkt sein zu sagen, erstellen Sie eine lila Rechteck-Form und legen Sie das in den Hintergrund und Sie könnten das tun. Aber ehrlich gesagt ist eine Formschicht eigentlich komplizierter als das, was wir hier brauchen. Jetzt haben wir Formebenen auf sehr einfache Weise verwendet, aber wie ich bereits erwähnt habe, können Formebenen sehr komplex werden und eine Menge Komplexität in sie haben. After-Effects bietet eine einfachere Lösung für dieses Problem, und es ist eine Art von Ebene, die als Volumenkörper bezeichnet wird. Jetzt werden Feststoffe zunächst fast übermäßig einfach für Sie erscheinen , aber je tiefer Sie in die Arbeit mit Nachwirkungen kommen, werden Sie tatsächlich sehen, dass Feststoffe sehr kritisch und wichtig sind und auch dienen, wenn Sie etwas nur brauchen einfach wie eine einfache Hintergrundfarbe und Sie wollen nicht etwas so kompliziertes wie eine Formebene verwenden. Ein Volumenkörper ist im Grunde nur ein Rechteck oder ein Quadrat jeder Größe jeder Farbe. Das ist alles, was es ist, nur ein Quadrat oder ein Rechteck mit einer Farbe darin. Gehen wir weiter und machen eine solide hier, und dann reden wir noch ein bisschen mehr darüber. Wir gehen nach oben unter Schicht neuen Feststoff. Sie werden feststellen, dass wir auch den Tastaturbefehl verwenden können, Befehl Y, und wir werden das wählen, und Sie werden sehen, dass wir dieses solide Einstellungsfenster erhalten, das einige Ähnlichkeiten mit dem Kompositionsfenster hat, obwohl es viel einfacher ist. Oben hier können wir dem einen Namen geben und das wird unser Hintergrund sein. Ich werde diese BG nur für den Hintergrund nennen. Sie werden auch feststellen, dass meine standardmäßig auf 1920 um 1080 eingestellt ist, Ihre können oder nicht standardmäßig, dass. Ich denke, es wird, ich denke, es ist standardmäßig auf die comp-Größe. Aber wenn aus irgendeinem Grund Ihre Breite und Ihre Höhe nicht 1920 x 1080 sagen, können Sie einfach auf diese Schaltfläche klicken hier, „Make Comp Size“, und es wird automatisch Ihre feste Größe Ihrer Komp machen. Beachten Sie aber auch, dass Sie hier beliebige Zahlen eingeben können Sie können diesen Volumenkörper beliebig groß machen. Es wird immer noch nur ein Rechteck oder ein Quadrat sein, Sie können damit keine Arten von Formen machen, aber Sie können dieses Rechteck oder Quadrat jede Größe machen, die Sie wollen. Wir möchten sicherstellen, dass das Seitenverhältnis quadratische Pixel ist, das sollte der Standard sein, lassen Sie das einfach. Dann unten hier unten können wir eine Farbe wählen, und natürlich wollen wir unsere lila Farbe, damit wir unsere Augentropfen hier greifen. Wir gehen zu unserer Bibliothek und wählen unsere lila Farbe, und wir werden auf „Okay“ klicken und jetzt, das wird unsere feste oben auf unser Bild hier setzen. Beachten Sie, dass es sich nur um eine Ebene handelt, wie jede andere Ebene. Es hat einen Ankerpunkt, es hat die fünf Transformationen genau wie jede andere Ebene hätte. Aber es ist einfach ein Rechteck, das lila ist, das ist alles, was es ist. Jetzt gehen wir weiter und ziehen das nach unten und wir werden das unten in unserem Layer-Stack hier setzen, und jetzt haben wir unseren violetten Hintergrund, tatsächlich vom Adobe Media Encoder rendert. Dank unseres Farbraums und unseres echten Hintergrunds sind wir nun bereit, dies zur Adobe Media Encoder-Warteschlange hinzuzufügen. Nun, bevor ich das anfing, eine sehr wichtige Notiz für das Video hier, werde ich dieses Verfahren unten bearbeiten, so dass alles ein wenig schneller passiert. Je nach Art des Computers, den Sie haben, kann dies langsamer oder schneller gehen, aber eine große Idee ist, dass Sie, wenn Sie das Rendering-Verfahren mit Adobe Media Encoder durchführen, Geduld haben. Es ist wieder sehr möglich, abhängig von der Art der Maschine, an der Sie arbeiten , für jeden dieser Schritte eine ganze Weile dauern. Das erste, was wir tun werden, ist sicherzustellen, dass die Komposition , die wir rendern werden, hier in der Timeline ausgewählt ist, und denken Sie daran, dass wir nach diesem kleinen blauen Umriss um das Fenster suchen, also wollen wir sicher, dass dieses Zeitleistenfenster ausgewählt ist. Dann gehen wir nach oben unter Komposition, fügen Sie Adobe Media Encoder Warteschlange. Gehen wir voran und wählen Sie das aus. Noch einmal, seien Sie geduldig. Sobald Sie dies ausgewählt haben, muss der Adobe Media Encoder geöffnet werden, was manchmal eine Weile dauern wird, und dann muss er die Komposition in seine Warteschlange laden, was auch eine Weile dauern kann. Auf bestimmten Maschinen habe ich gesehen, dass es einige Minuten dauert. Auch hier werde ich das bearbeiten, so dass es schön und schnell passiert. Aber wenn es länger dauert, gehen Sie einfach weiter und pausieren Sie das Video und warten Sie. Keine Panik oder denken, dass etwas schief läuft. Sei einfach geduldig und warte. Sobald der Media Encoder geöffnet wurde. Sie sollten auch warten und sicherstellen, dass der Rendervorgang der Warteschlange hinzugefügt wurde. Wenn Sie diese Zeile hier nicht sehen, dann müssen Sie noch ein wenig warten. Auch hier wird das manchmal eine Weile dauern. Aber sobald Sie dieses Fenster geöffnet haben und Ihr Rendering der Warteschlange hinzugefügt wurde, müssen wir nur ein paar Einstellungen ändern. Wenn Sie Ihre Komposition richtig eingerichtet haben, sollten Sie H264 sehen, das wird der Kompressions-Codec für unser Rendering hier drüben sein. Aber wir wollen die Rendereinstellungen nur ein wenig ändern. Gehen wir weiter und klicken Sie dort, wo es steht „Matched source high bitrate“. Gehen Sie weiter und klicken Sie darauf, und wieder, geduldig, dies kann ein paar Minuten dauern, um zu laden. Das nächste, was angezeigt wird, sind die Exporteinstellungen. Hier, wo es heißt, „Ausgabenname“, kann ich darauf klicken und ich kann den Namen der Videodatei ändern, die ich rendern werde. Es wird standardmäßig auf den Namen der Komposition gesetzt. Ich werde nur weitermachen und das lassen. Sie können auch wählen, wohin es gerendert wird. Ich werde das auch nicht ändern, aber wenn Sie darauf klicken, erhalten Sie ein Fenster finden und Sie können wählen, um an einem anderen Ort zu rendern. Standardmäßig ist ein Ordner, den Adobe Media Encoder in Ihrem Projektordner erstellt, und es wird standardmäßig in diesem Ordner gerendert. Ich gehe im Allgemeinen gerne einfach voran und benutze diesen Ordner. Ich denke, es ist bequem und Renderings in Ihrem Projektordner macht für mich Sinn. Wenn Sie das ändern oder den Namen ändern möchten, klicken Sie direkt dort und Sie können die gewünschten Änderungen vornehmen. Was wir tun möchten, ist nur ein kleines bisschen die Komprimierungseinstellungen zu optimieren. Ich möchte Ihnen in aller Ehrlichkeit sagen, dass ich kein Super-Tech-Genießer bin , wenn es um Dinge wie Rendering geht. Ich bin Animatorin, kein technischer Direktor. Ich werde Ihnen einige empfohlene Einstellungen geben, aber ich kann Ihnen nicht wirklich sagen, warum sie funktionieren. Es ist ein wenig über meinem Kopf, technisch gesehen, die Einstellungen, die ich Ihnen empfehlen werde, sind die Einstellungen, die wir für alle Ringling College of Art and Design, Motion Design Studenten empfehlen . Es sind Einstellungen, die von den technisch orientierten Mitgliedern unserer Fakultät empfohlen wurden . Diese Einstellungen geben Ihnen eine schöne Videoqualität mit einer sehr vernünftigen Dateigröße. Auch hier ist das ganze Thema Rendern und Rendern von Codecs und Formatieren eines Videos riesig. Wir beginnen Sie mit diesen einfachen, grundlegenden Einstellungen, die sehr gut für unsere Schüler bei Ringling funktionieren. Wir gehen runter zu diesem kleinen Fenster, wo es Video steht. Sie werden sehen, dass hier eine kleine Bildlaufleiste ist, wir werden nach unten scrollen, und wir werden diese Bitraten-Einstellungen nur ein wenig ändern. Wir werden die Bitratencodierung von VBR 1 Pass auf VBR 2 Pass ändern, dies wird unser Rendering nur ein bisschen langsamer, aber ein bisschen schöner Qualität machen . Dann werden wir das Ziel und die maximale Bitrate ändern. Wir werden diese nur ein bisschen senken, also werden wir die Ziel-Bitrate auf acht und die maximale Bitrate auf 10. Dies wird nur unsere Dateigröße ein wenig vernünftiger machen, aber es wird uns immer noch eine schöne Qualität Video geben. Okay, das war's. Sobald wir diese eingestellt haben, können wir voran gehen und klicken Sie auf „Okay“ Sie sehen jetzt benutzerdefinierte in der Voreinstellung hier, und jetzt, um unseren Film zu rendern, müssen wir einfach auf den kleinen grünen Pfeil Knopf rechts oben oben oben klicken. Wieder, ich werde das beschleunigen. Je nach Geschwindigkeit Ihres Computers können sich die Renderzeiten von meinen unterscheiden. Aber du wirst geduldig sein wollen, solange das macht. Sobald Ihr Film gerendert wurde, können Sie hier klicken, wo es „ Ausgabedatei“ steht , und es wird zu der Datei auf Ihrem Finder springen, was eine wirklich praktische Möglichkeit ist, Ihre Videodatei schnell zu überprüfen und sehen Sie Ihre fertige -Animation. 22. Wir kommen zum Ende: Wir haben viel in dieser Klasse gedeckt. Wir haben uns den AAfter Effects Arbeitsbereich genauer angesehen, mit Formebenen gearbeitet, Keyframes festgelegt die Geschwindigkeit oder Geschwindigkeit der Bewegung mit Timing und Abstand gesteuert, Leichtigkeit und Haltepunkte hinzugefügt, auf eine Audiospur gesenkt und Erstellen und Rendern einer einfachen Animation. Hoffentlich fühlen Sie sich viel wohler mit After Effects und begeistert von den Möglichkeiten, die diese leistungsstarke Software bietet. Die professionellen Techniken, Tipps und Tastenbefehle, die ich mit Ihnen geteilt habe, werden dazu beitragen gute Gewohnheiten aufzubauen und eine starke Grundlage zu entwickeln. Ich hoffe, Sie freuen sich auf meine nächsten Klassen in diesem Intro zu After Effects Serie. Nun, ob Sie mit mir genau für dieses Projekt gefolgt sind oder einige kreative Freiheiten mit der Animation genommen haben, oder ob Sie sich entschieden haben, zurück zu gehen und Ihre eigene, einzigartige Drum-Design-Animation zu erstellen. Ich würde gerne sehen, was du dir einfällt. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihre Animation posten, damit Ihre Kommilitonen und ich Ihre Arbeit sehen können. Vielen Dank für das Zuschauen, und wir sehen uns in der nächsten Klasse.