DIY-Animation für Anfänger:innen

1. Einführung: Hallo, mein Name ist Ryan Consbruck, und das ist DIY-Animation für Anfänger. Ich bin Illustratorin und Animatorin mit einem Hintergrund in Architektur. Ich habe die Zeichnung in 3D-Modellierungsfähigkeiten genommen, die ich in der Architektur gelernt habe und sie auf verschiedene animierte persönliche Projekte angewendet. Einige dieser Projekte beinhalten einen animierten Hintergrund, den ich für einen Komiker und Musikvideo gemacht habe . Momentan arbeite ich an meiner eigenen Zeichentrickserie, die ich auf YouTube veröffentlichen möchte. In diesem Kurs werden wir uns mit den Grundlagen der Animation beschäftigen. Dazu gehören Charakterdesign, Hintergrunddesign, Bewegung sowie grundlegende Bearbeitungs- und Produktionsprinzipien. Diese Klasse ist für Anfänger, die gerne zeichnen und ihre Zeichnungen zum Leben erwecken möchten. Die Fähigkeiten in diesem Kurs können verwendet werden, um Storyboards, Animationen und vollständig realisierte Animationen zu entwickeln . Grundsätzlich, wenn wir Ihnen helfen wollen, nehmen Sie Ihre, den Kern Ihrer kreativen Idee und bringen Sie es in die Welt. In diesem Kurs werde ich meinen spezifischen Prozess unterrichten, um das Zeichnen in Photoshop mit einem iPad Pro und das Ändern dieser Zeichnungen und After Effects geht. Sie können wählen, andere Programme außer Photoshop und After Effects wie Flash zu verwenden. Aber ich hoffe, dass die in diesem Kurs gelehrten Fähigkeiten auf andere Medien und Prozesse übertragen werden. Während dieses Kurses werden wir an einem Projekt arbeiten, das darin besteht, ein Zehn, das 30 zweite Stück Audio zu wählen . Dies kann ein Song, ein Podcast, ein Film sein, nur etwas, das wir verwenden werden, um Storyboards und Animationen zu entwickeln, und schließlich eine endgültige Animation. Für den ersten Teil dieses Projekts möchte ich, dass du dein Audio auswählst und vielleicht einige verschiedene Animationen online ansiehst, wie die Animationen für meinen Bruder, meinen Bruder und mich Podcast oder das Flop House. Es gibt viele gute Animationen da draußen, die die Grundprinzipien der Animation und der Übersetzung von Audio in Visuals durchlaufen . Danke, dass du dich mir angeschlossen hast und ich kann es kaum erwarten zu sehen, was du dir einfällt. 2. Tools und Materialien: Für diesen Kurs benötigen Sie ein paar Artikel. Sie benötigen ein Skizzenbuch, einen großen Teil Zeitungspapier, um Storyboards schnell zu zeichnen. Sie können auch ein Storyboard Skizzenbuch verwenden. Sie benötigen einen Computer, auf dem Adobe Creative Suite ausgeführt werden kann, insbesondere Photoshop, After Effects und Adobe Media Encoder, sowie einige Videobearbeitungssoftware wie Premiere oder iMovie. Schließlich brauchen Sie eine Art digitales Zeichengerät, wie ein Cintiq, das viel teurer ist, aber es hat einen Bildschirm darauf, oder ein Wacom Bamboo Tablet, das viel billiger ist, aber offensichtlich nicht einen Bildschirm haben. Persönlich verwende ich ein iPad Pro mit einer App namens Astropad, die widerspiegelt, was auf meinem Computerbildschirm auf dem iPad passiert, so dass ich auf Programme wie Photoshop zurückgreifen kann. 3. Ziele und Stil: In dieser Lektion werden wir darüber sprechen, was Sie mit Ihrer Animation erreichen wollen und wie Sie einen persönlichen und konsistenten Stil entwickeln können. Nun, es gibt etwas Einzigartiges an Animation , da sie fast völlig ungebunden von der Realität ist. Wir möchten herausfinden, was die Teile Ihrer Geschichte sind , die sich dazu eignen, durch Animation erzählt zu werden, und stellen Sie sicher, dass wir diese Ideen während des gesamten Projekts zentral für Ihre Animation halten . Angesichts dieser endlosen Möglichkeiten möchten Sie beginnen, darüber nachzudenken, was die Regeln sind, die Sie beginnen, für sich selbst zu schaffen , während Sie diesen Weltaufbauprozess beginnen. Es ist auch wichtig, zu identifizieren, was sich in Ihrem Bereich der Fähigkeiten befindet. Du willst nicht entscheiden, dass du alles annimmst und dann merkst, dass du es nicht schaffst. Fangen Sie an, darüber nachzudenken, was Sie mit dem Team tun können, das Sie haben. Vielleicht möchten Sie einen sehr begrenzten Dialog führen oder sich einfach nur auf die Bewegung konzentrieren. Versuchen Sie, es persönlich zu halten und halten Sie es relevant für Ihre Fähigkeiten. Ich würde mit einem Schnelltest beginnen. Skizzieren Sie Ihren Charakter oder Hintergrund und finden Sie heraus, wie lange es dauert, um etwas zu kreieren, mit dem Sie zufrieden sind. Wenn Sie die Zeit multiplizieren, die benötigt wird, um das singuläre Element zu machen, ist es in einem größeren Maßstab überschaubar? Dieser Prozess kann dazu führen, dass Ihr Projekt drei Minuten statt 30 dauern sollte. Eine Möglichkeit, Ihren persönlichen Stil aufzubauen, besteht darin, eine Sammlung von verschiedenen Qualitäten zu starten , die Sie in anderen Kunstwerken mögen. Das ist wirklich einfach mit Pinterest oder einer anderen visuellen Collage zu tun. In der Serie, an der ich arbeite, werden viele Charaktere aus einem Wandbild gezogen, das ich vor ein paar Jahren gemacht habe, und es erlaubt mir, eine schnelle visuelle Bibliothek zu bauen. Während Sie diesen Prozess der Sammlung all dieser visuellen Bilder fortsetzen, sollten Sie beginnen, Muster zu bemerken, die Ihnen helfen, Ihre eigene Bildbibliothek zu erstellen. Sie möchten vorsichtig sein, Ihre Arbeit von Ihrer Inspiration zu unterscheiden und identifizieren, was an Ihrer Weltanschauung einzigartig ist und wie Sie diese auf Ihren persönlichen Stil anwenden können. Eine andere Sache zu beachten ist, ob Ihr Projekt ein Skript benötigt oder nicht. Ein Skript kann sich wie ein Hindernis für Ihren kreativen Prozess anfühlen, schließlich ist das Animation, und ich nehme an, Sie sind hier, weil Sie begeistert von den Visuals sind. Aber ein Skript kann sehr nützlich sein, um Ihnen zu helfen , die Struktur Ihrer Geschichte zu skizzieren und zu verstehen. Das Skript dient auch als Dokument, das Ihre Vision und Absicht klar auf andere übersetzt , bevor Sie eine Chance hatten, die Visuals zu erstellen. Anfangs fand ich heraus, dass ich irgendwie gefürchtet hatte, ein Skript zu schreiben, aber als ich es tat, war es aufregend. Skript-Formatierung ist relativ einfach, aber wir werden in der nächsten Lektion etwas mehr darauf eingehen. Bevor Sie mit der Animation beginnen, sollten Sie darüber nachdenken, wie viel Hilfe Sie benötigen könnten. Haben Sie vielleicht einige andere Künstlerfreunde, die bereit wären, an Charakter- oder Hintergrunddesign mitzuarbeiten? Denken Sie darüber nach, wie viel kreative Kontrolle Sie vielleicht bereit sein könnten, zu teilen. Für mich wollte ich die volle kreative Kontrolle über die Grafik haben, aber ich war mehr als glücklich, dass meine Freunde einige Stimmen machen. für die Zuweisung dieser Lektion Wählen Siefür die Zuweisung dieser Lektionein Zeichen und einen Hintergrund aus, der zu dem Clip passt , den Sie in der letzten Lektion ausgewählt haben. Zeichnen Sie den Charakter und den Hintergrund und versuchen Sie, einige der gemeinsamen Qualitäten aus Ihrem Inspirationstafel zu integrieren. Denken Sie darüber nach, welche Bewegung Ihr Charakter in der Szene machen wird. Wie interagieren sie mit ihrer Umgebung oder ihren Objekten in ihrer Umgebung? Was können wir über den Charakter aus der Art lernen, wie sie sich bewegen? Sobald Sie einen Charakter und einen Hintergrund grob skizziert haben, fahren Sie mit der nächsten Lektion fort, in der wir darüber sprechen wie Sie die Szenen für Ihr Projekt planen können. 4. Planung: Hallo, und willkommen wieder DIY Animation für Anfänger. In dieser Lektion werden wir über die Planung sprechen. Da Animation [unhörbar] ein visuelles Medium ist, es Ihnen vielleicht am bequemsten, Storyboards zu verwenden, um Ihr Projekt zu planen. Storyboards sind eine schnelle und wegwerfbare Möglichkeit, alle Ideen zu bekommen , die in Ihrem Kopf herumschweben und auf Papier legen. Es ist auch eine gute Möglichkeit, zu sehen, wie diese Bilder mit Timing, Action und Dialog funktionieren. Beim Story-Boarding habe ich versucht, in filmischen Qualitäten zu denken. Es kann praktisch sein, jeden Rahmen nach der Regel von Dritteln zu organisieren. Egal, ob Sie es mental oder manchmal tun, erfordert es tatsächlich das Raster herausziehen. Ich habe gehört, dass es gut ist, über die Schnitte jeder Szene nachzudenken , als ob es die Kamera blinkt. Wenn Sie in einer Szene verweilen, kann dies dramatische Effekte hinzufügen, aber in den meisten Fällen möchten Sie wahrscheinlich alle drei Sekunden schneiden. Offensichtlich sollte dies davon abhängen, dass der Senior kommt mit, aber das sind gute Regeln, mit denen man anfangen sollte. Sie müssen es noch nicht sperren, aber Sie sollten einen Sinn für das Verhältnis Ihrer Animation haben. Wenn Sie planen, Ihr Projekt auf Instagram zu platzieren, möchten Sie vielleicht das Quadratverhältnis. Aber wenn Sie etwas etwas traditionelleres tun, möchten Sie wahrscheinlich bis 1920 bei 1080 bleiben. Wenn Sie planen, Ihre Animation schließlich im Theater zu haben, möchten Sie vielleicht bis zu 4K hoch gehen. Nun, es klingt technisch. Sie möchten dies zu Beginn Ihrer Planungsphase herausfinden , damit Sie sich nicht viel Mühe machen, Dinge am Umfang zu zeichnen, die schließlich ausgeschnitten werden. Schreiben eines Skripts kann sich entmutigend anfühlen und es kann sich wie ein Hindernis für Ihren kreativen Prozess anfühlen. Aber ich fand, dass es wichtig ist, alles reibungslos laufen zu lassen. Ich denke, dass das Schreiben eines Skripts einfacher wird, wenn Sie eine Vereinbarung mit sich selbst treffen , dass Sie es so oft wie nötig neu schreiben können und Sie werden. Daher ist es wichtig, das sehr früh in Ihrem Prozess zu beginnen. Einige Projekte benötigen möglicherweise kein Skript. Als ich an einem Musikvideo arbeitete, habe ich gerade von einem Storyboard aus gearbeitet. Aber das Schreiben eines Skripts ermöglicht es Ihnen, verschiedene Ideen durchzuarbeiten , ohne jede einzelne kleine Szene animieren zu müssen. Es ermöglicht Ihnen auch, diese Ideen mit Freunden und Mitarbeitern zu teilen und sofortiges Feedback zu erhalten. Bevor Sie in das Skript springen, ist es am besten, einen losen Umriss zu schreiben. Dies entlastet einen Teil des Drucks des Sitzen auf eine leere Seite. Was sind die wichtigsten Story Beats? Welche Szenen begeistern Sie über Ihr Projekt? Sie müssen nicht wissen, wie das Projekt enden oder beginnen wird. Beginnen Sie mit den Szenen, die für Sie interessant sind, und spülen Sie den Rest aus, wie Sie gehen. Ich habe kein echtes Drehbuchtraining, also möchten Sie vielleicht etwas nachforschen, was das offizielle Drehbuchformat ist. Wichtig ist, dass die Szene für Sie klar ist und den Leuten klar ist, mit denen Sie das Skript teilen werden. Es gibt einige praktische Skript-Plug-Ins für Google Docs. Die Art und Weise, wie ich meins eingerichtet habe, ist Titel und oben gesehen. Sie können dies verwenden, um die Umgebung und die Stimmung der Szene zu erklären, einige Beschreibungen für die allgemeinen Charaktere. Sobald Sie einen Dialog Einzug beginnen und rufen Sie den Charakter. Vielleicht geben Sie eine Richtung dafür, wie der Charakter spricht, darunter in Klammern. Wenn Sie Charaktere ändern, beginnen Sie von vorne und geben Sie zusätzliche Richtung an. Ich verwende das Skript auch gerne als eine Möglichkeit, mir eine Richtung auf Kunstwerke oder vielleicht bestimmte Dinge zu geben , die ich später nicht vergessen möchte. sich für die Zuweisung dieser Lektion Hören Siesich für die Zuweisung dieser Lektiondas Audio an, das Sie in der ersten Lektion ausgewählt haben. Es könnte helfen, jeden Dialog oder Beschreibungen der Aktion auszuschreiben. Beginnen Sie, es in Stücke zu zerlegen und wählen Sie aus, wo Sie die Szene schneiden möchten. Skizzieren Sie grob, wie jeder Schnitt aussieht. Wie formst du es? Ist es ein Nahaufnahme, ein mittlerer Schuss oder ein Großschuss? Benötigt die Szene eine Einspielung oder fängt sie mitten in der Action an? Denken Sie darüber nach, welche Bewegung in der Szene stattfinden wird und wie Sie diese Bewegung umrahmen können. Sobald Sie mit dem Status Ihres Storyboards oder Skripts zufrieden sind, fahren Sie mit der nächsten Lektion fort, in der wir die Produktion von Grafiken für Ihre Animation besprechen. 5. Visuelle Elemente: In dieser Lektion werden wir über die Visuals für Ihr Projekt sprechen, insbesondere den Stil und die Identität die Sie mit Ihren Charakteren und Ihrem Hintergrund erstellen. Zuerst müssen Sie entscheiden, ob Ihr Projekt in Farbe oder Schwarz-Weiß sein soll oder nicht. Dies wird sehr stark davon abhängen, wie viel Erfahrung Sie bereits haben. Wenn dies eines Ihrer ersten großen Projekte ist, empfehle ich, in Schwarz und Weiß zu arbeiten, weil es die Dinge einfach viel einfacher macht. Wenn Sie jedoch Farbe verwenden möchten, schlage ich vor, dass Sie in Photoshop so etwas wie eine Marionette erstellen und die Teile in After Effects verschieben. Wir werden in der nächsten Lektion ein wenig mehr darüber reden, wie wir dies tun können. Wenn Sie am Ende Farbe verwenden und Frame für Frame animieren möchten, schlage ich vor, Aktionen in Photoshop zu programmieren. Ich werde Ihnen am Ende dieser Lektion zeigen, wie Sie das tun. Denken Sie daran, eine Referenz zu verwenden, wann immer Sie können. Pinterest ist dein Freund hier. Ich verwende auch gerne ein 3D-Programm namens Rhino und modelle die Grundform, die ich im Sinn habe, und skizziere darüber in Photoshop, aber Sie können auch das 3D-Modell animieren. Google SketchUp ist ein kostenloses Programm, das Sie verwenden können, um grundlegende Modellierung zu machen, aber auch keine Angst, kleine Modelle zu bauen oder Selfies zu machen, nur so dass Sie eine Referenz für das, was etwas aussieht. Es kann auch wirklich nützlich sein, um in Ihrer Nachbarschaft zu gehen und einige Fotos oder Videos zu machen, um Details zu sammeln, die Sie sonst nicht berücksichtigt haben. basierend auf deinen Storyboards Wie viele Hintergründe brauchst dubasierend auf deinen Storyboards? Wenn Sie den gleichen Hintergrund vergrößern und verkleinern, stellen Sie sicher, dass die Datei groß genug ist, dass sie beim Vergrößern nicht die Qualität beeinträchtigt. Möglicherweise möchten Sie einen anderen Winkel zeichnen, um den Szenen eine gewisse Vielfalt hinzuzufügen. Wenn Sie Ihren Charakter entwerfen, können Sie ein Zeichenblatt erstellen, damit Sie einen Verweis darauf haben , wie dieser Charakter aus verschiedenen Blickwinkeln aussieht. Ich mache das nicht wirklich für meine Animationen, aber ich mag es, ein Standardzeichen zu haben, das ich als Größenreferenz für andere Zeichen verwende. Aber in einer animierten Serie kann es nützlich sein, diese Zeichenblätter für Konsistenz zu haben. Wenn Sie eine Figur erstellen, die verschoben werden muss, stellen Sie sicher, dass Ihre Layer mit den richtigen Benennungskonventionen wirklich gut organisiert sind und dass es Ihnen sehr klar ist. Zeichnen Sie zuerst Ihren Charakter grob aus zeichnen Sie dann alle einzelnen Körperteile über diese grobe Zeichnung neu, jeweils auf ihrer eigenen Ebene. Wir werden diese verwenden, um eine Hierarchie aller Ebenen in After Effects zu erstellen , so dass sie sich alle gleichzeitig bewegen. In Photoshop können Sie Aktionen verwenden, um die Anzahl wiederholter Aufgaben zu reduzieren, die Sie haben. Ich verwende es gerne, wenn ich eine Region auswähle und ich füllen möchte und dann möchte ich einen Strich in derselben Region erstellen , so dass es keinen seltsamen weißen Rand gibt. Aber Sie können Aktionen für viele verschiedene Dinge verwenden. für das Projekt dieser Lektion Wählen Siefür das Projekt dieser Lektioneine Szene aus Ihrer Animation aus, in der sich ein Charakter bewegt. Zeichnen Sie den Charakter am Anfang der Szene, am Ende der Szene und in der Mitte der Szene. Denken Sie darüber nach, wie viel Aktion zwischen diesen Momenten stattfindet , und denken Sie dann darüber nach, wie Ihr Charakter speziell zwischen ihnen bewegen würde. In der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, wie diese Bewegung auf unterschiedliche Weise dargestellt werden kann. 6. Timing und Bewegung: In dieser Lektion werden wir über Bewegung und Timing sprechen. Dies ist das Herz der Animation. Es kann auf viele verschiedene Arten durchgeführt werden, aber in dieser Lektion werden wir über Frame-für-Frame-Animation und Marionettenanimation sprechen. Meine bevorzugte Methode besteht darin, Photoshop zu verwenden, um Frame-für-Frame-Animationen zu erstellen. Grundsätzlich gehe ich zu Fenster, Timeline, und das wird eine Sequenz von Frames erstellen, die Sie basierend auf den Ebenen steuern können , die Sie ein- und ausschalten. In der Zeitleiste können Sie festlegen, wie lange die einzelnen Bilder dauern. Gehen Sie hier und wählen Sie die Zeit aus, die der Frame dauern soll. Wenn ich die Animation plane, nehme ich die Länge der Zeit, die die Szene dauern soll, und teile sie dann durch ein paar Segmente normalerweise etwa sechs oder acht, etwas sauberes und gleichmäßiges, also werde ich nur ungefähr skizzieren Sie jeden dieser einzelnen Rahmen, manchmal in einer anderen Farbe, damit ich eine bessere Vorstellung davon haben kann, wie stark es sich ändert. Wenn ich dann eine glatte Bewegung bekomme, gehe ich zurück und zeichne mit saubereren Linien neu. Wenn die Ebenen wirklich gut organisiert sind, müssen Sie möglicherweise nur einen Teil des Körpers animieren. Mit dieser Möwe können Sie sehen, dass der Arm der einzige Teil ist, der sich bewegt, und ich ziehe einfach grob die einzelnen Linien heraus , wie ich es mit der vorherigen Hand getan habe. Sobald die Bewegung geglättet ist, werde ich zurückgehen und alles neu einfärben. Sobald Sie die Hauptbewegung ausgearbeitet haben, die Sie zu vermitteln versuchen, können Sie zurückgehen und andere subtile Details wie das Einatmen oder die Augen umsehen. Die andere Methode besteht darin, After Effects zu verwenden , um eine Marionette basierend auf dem von Ihnen erstellten Charakter zu erstellen. Sobald Sie Ihren Charakter in Photoshop erstellt haben, können Sie ihn in After Effects ziehen. Sobald du deinen Charakter hinzugefügt hast, wähle das Pin-Werkzeug „Marionette“ und es erlaubt dir Pins in deinem Charakter an der Stelle zu platzieren, an der der Charakter bewegbar sein soll. So können Sie einfach diese einzelnen Punktepunkte im Laufe der Zeit bewegen, und damit können Sie beginnen, Bewegung in der Figur zu erstellen. Es gibt viele andere komplizierte Möglichkeiten, dies zu tun. Aber für die Zwecke dieser Lektion werden wir nur die einfachste zeigen. Das andere, was After Effects gut ist, ist das Erstellen gefälschter Kamerabewegungen. Ich werde Ihnen zeigen, wie Sie den Parallax-Effekt machen, im Grunde die Illusion erzeugt, dass eine Kamera in Ihren Hintergrund zoomt. Das ist relativ einfach. Erstellen Sie dazu eine Photoshop-Datei mit drei Ebenen, dem Vordergrund, dem Mittelgrund und dem Hintergrund. Nachdem Sie die drei Ebenen eingegrenzt haben, ziehen Sie die Photoshop-Datei in After Effects. Anschließend können Sie jeden dieser Layer so ändern, dass er mit unterschiedlichen Prozentsätzen zoomen kann. Der nächste, auf den Sie zoomen möchten, der größte Prozentsatz wie 150, der Mittelgrund, den Sie auf einen kleineren zoomen möchten, das ist wie 125, und dann sogar im Hintergrund und Sie möchten immer noch, dass es ein wenig zoomen Bit. Aber nur ein bisschen so 105 oder 110. Sobald Sie jeden dieser Layer skaliert haben, wird der Effekt des Zoomens in die Szene erzeugt. für die Zuweisung dieser Lektion den Charakter, Nehmen Siefür die Zuweisung dieser Lektion den Charakter,den Sie in der letzten Lektion erstellt haben, und erstellen Sie mithilfe einer dieser beiden Techniken eine Bewegung. In der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, wie Sie Ihren Charakter zum Leben erwecken können, indem Sie den Klang , den Ihr Sprecher mit der Bewegung des Mundes des Charakters macht, sinken . 7. Voiceover: In dieser Lektion besprechen wir, wie Sie Ihren Sprechern eine Richtung geben und wie Sie die Bewegung des Mundes Ihres Charakters animieren können, um dem Klang der Stimme dieses Charakters anzupassen. Es gibt viele relativ preiswerte Mikrofone , die Sie bekommen können, dass ziemlich gut funktionieren wird. Wenn ich eine Voice-Over aufnehme, benutze ich das Samson Go Mic und es ist ein ziemlich gutes Mikrofon, aber Sie müssen daran denken, es ungefähr neun Zoll vor dem Gesicht der Person zu halten . Für diese Klassen habe ich das PowerDeWise Lavalier Ansteckmikrofon verwendet. Wenn Sie auf der Suche nach etwas professionelleren sind, empfehle ich, zu Marco.org zu gehen, um eine umfangreiche Überprüfung der verschiedenen Podcasting und Voice-over-Mikrofone zu finden . Es ist wichtig, dass Sie zuerst Ihren Sprecher aufnehmen, damit Sie auch etwas haben, das mit der Grafik übereinstimmt. Wenn ich mit jemandem arbeite, der Voice-Over macht, möchte ich, dass sie ein Laufwerk lesen, das die ersten paar nimmt ohne Wirkung, nur damit sie sich mit den Zeilen vertraut machen können und wenn sie sich dann wohl fühlen, die Zeilen zu lesen, Sie können dem Charakter etwas Persönlichkeit verleihen. Ich denke, es ist auch wichtig, ein paar verschiedene Ansichten auf den Charakter zu versuchen. Sie können sagen, tun Sie dies mit einer raueren Stimme, tun Sie es mit einer höheren Stimme. Versuchen Sie, eine Reihe von Fähigkeiten dieser Person zu bekommen , und dann können Sie diejenige wählen, die Ihnen am Ende am besten gefällt. Wenn Sie Voice over aufzeichnen, ist es eine Zeit, zu experimentieren und viele verschiedene Dinge auszuprobieren , weil es einfach ist, mehrere Takes aufzuzeichnen. Sie können unter anderem in kurzer Zeit Audioaufnahme, Garagenband oder Kühnheit aufnehmen. Hallo, da. Ich bin Handler Mann und das ist Space Town. Um Sprache zu animieren, benötigt Ihr Charakter etwa neun verschiedene Mundformen. Sie können mehr oder weniger verwenden, aber diese neun Formen sollten den Bereich der Sprache abdecken. In diesem Stadium möchten Sie Ihre Ebenen ziemlich einfach halten. Ich habe nur meinen Charakter und dann jede der einzelnen Mundformen auf ihrer eigenen Schicht. Sie können diese Mundformen für jeden Ihrer verschiedenen Charaktere wiederverwenden, aber wenn Sie möchten, dass sie für dieses spezifische Charakterdesign relevant ist, sollten Sie möglicherweise einen anderen Mund verwenden. Ich exportiere gerne jede Mundform als eigene PNG-Datei, so dass ich, wenn ich sie in Aftereffekte einbringe, sehr genau kontrollieren kann, wie viel Zeit diese Form in Anspruch nehmen wird. Sie öffnen eine neue After Effects-Datei und importieren den Hintergrund, das Zeichen, die Mundformen und das Audio, das Sie in diese Datei aufgenommen haben. Ziehen Sie zuerst Ihren Hintergrund in die Komposition und ziehen Sie dann Ihren Charakter sowie die Münder. Wählen Sie Ihren Charakter und jede der Mausebenen aus und verschieben Sie sie als Gruppe zusammen, setzen Sie sie in der Szene in Position und bringen Sie dann Ihre Audios ein, damit Sie herausfinden können, welche Form jede dieser Maus haben muss. Hallo, da. Öffnen Sie Ihr Telefon und gehen Sie in den Selfie-Modus und schauen Sie sich die Form, die Sie Mund macht, wenn Sie jedes dieser Worte sagen. Dies sollte Ihnen helfen, herauszufinden, welche Schichten am besten mit dem übereinstimmen, was gesagt wird. Dann kannst du anfangen, jeden dieser Münder zu positionieren , basierend auf dem, was dein Charakter sagt. Wenn es einen H-Sound gibt, würden Sie den H-E-Mund verwenden. Wenn es einen O-Sound gibt, würdest du den O Mund benutzen und so weiter. Legen Sie ein Stück Zeit beiseite, um daran zu arbeiten, weil es sehr zeitaufwendig sein kann. Nun, mach einfach eine schnelle Version davon hier. Hallo, da. Da Ihre Augen nur etwas langsamer wahrnehmen als Ihre Ohren, möchten Sie die Rahmen der Mundbewegungen um ein bis vier Frames zurückbewegen. Hallo, da. Möglicherweise möchten Sie Ihre Komposition ein paar Mal rendern, damit Sie die Position dieser Münder optimieren können. die Datei, die dieser Lektion beiliegt Nehmen Sie für die Aufgabe dieser Lektion Ihre eigenen Audiodateien auf und synchronisieren Sie entweder , oder Ihre eigenen Dateien den Mund mit der Sprache in Ihrem Audio. In der nächsten Lektion werden wir einige grundlegende Prinzipien und Workflows der Videobearbeitung behandeln . 8. Bearbeitung: In dieser Lektion werden wir über einige grundlegende Bearbeitungsworkflows sprechen und darüber, wie Ihrer Animation mit Soundeffekten und Musik etwas Atmosphäre verleihen können. Mit After Effects können Sie eine Szene auf zwei verschiedene Arten exportieren. Sie können Ihre Komposition entweder von After Effects rendern oder Sie können Adobe Media Encoder verwenden , der eine besser verwaltbare Datei erzeugt. Sobald Ihre Komposition in After Effects fertig ist, wechseln Sie zur Komposition und fügen Sie zur Renderwarteschlange hinzu. Hier können Sie Ihren Dateityp ändern. Ich empfehle Lossless, wenn Sie volle Qualität wollen. In Adobe Media Encoder gibt es Alternativen dazu. Wie Sie vielleicht bereits bemerkt haben, aus der Komposition in After Effects können Sie aus der Komposition in After Effectsauswählen, zu Adobe Media Encoder Queue hinzufügen. Sobald alle Einstellungen dort sind, wo Sie sie möchten, können Sie Rendern drücken. Für die Zwecke dieses Lernprogramms werden wir in Adobe Media Encoder rendern. Nachdem Sie Ihre AAfter Effects Datei gespeichert haben, öffnen Sie Adobe Media Encoder. Klicken Sie auf dieses kleine Pluszeichen, und Sie können Ihre AAfter Effects Datei von dort hinzufügen. Abhängig von der Größe Ihrer Datei kann es nur einige Zeit dauern. Hier können Sie das Format Ihrer Datei auswählen. Ich benutze H.264. In diesem Dialogfeld können Sie das Format auswählen, das am besten zu Ihrer Animation passt. Nachdem Sie das gewünschte Format ausgewählt haben, drücken Sie die Wiedergabe-Schaltfläche in der oberen rechten Ecke, um zu rendern. Wenn Sie möchten, können Sie Ihre gesamte Animation in Adobe After Effects zusammenstellen und mit dieser Methode exportieren. Ich ziehe es vor, einzelne Szenen in After Effects zu exportieren und dann alle in iMovie zu importieren, um sie zusammenzubauen. Ich denke, das macht es einfacher, Musik und anderen Sound zu koordinieren. Sobald Ihre Szenen fertig sind, ziehen Sie sie in iMovie und beginnen Sie, sie in der gewünschten Reihenfolge auf der Timeline zu platzieren. Sie können entweder beginnen, indem Sie Ihre Szenen auslegen und Ihre Sequenz basierend darauf herausfinden, oder Sie können mit der Musik beginnen, die Sie wollen, und die Szenen basierend darauf, wie sie zu dieser Musik passen. Wenn Ihre Szenen grob angelegt sind, wählen Sie Ihre Musik und andere Audiodateien aus und ziehen Sie sie in iMovie. Sie können eine leere Szene als Platzhalter verwenden, um die Szenen basierend auf dem Timing Ihres Audiosignals auszublenden. Verwenden Sie diesen Schieberegler hier, um den Maßstab Ihrer Szenen zu ändern. Wenn Sie sie alle zur gleichen Zeit sehen wollen oder Sie sich wirklich in die eine bestimmte Szene eingrenzen wollen. Dies hilft sehr viel bei der Bearbeitung von mehr Minuten Details. Sie werden in dieser Szene sehen, dass ich versuche, alles basierend darauf zu legen wie die Szene mit der Musik ausgerichtet ist. Es gibt ein Gitarrenriff, das ungefähr drei Sekunden lang ist und ich passe jede Szene mit diesem Riff zusammen. Sobald Sie die größeren Szenen herausgearbeitet haben, können Sie beginnen, jede der einzelnen Szenen um halbe Sekunden oder Viertelsekunden zu optimieren. Wenn alles genau so ist, wie Sie es mögen, können Sie Ihre Szene exportieren, indem Sie dieses Symbol oben rechts verwenden. Das ist die Akte mit einem Pfeil nach oben. Stellen Sie sicher, dass Sie die richtige Auflösung auswählen. Offensichtlich, je höher, desto besser. Möglicherweise benötigen Sie es für verschiedene Zwecke. Verwenden Sie einfach das, was Sie denken, das Beste für das, was Sie tun, und lehnen Sie sich in Richtung höherer Qualität. Sie können Ihre Animation verbessern, indem Sie Musik hinzufügen. Sie können einige kostenlose Musik auf dem Free Music Archive oder anderen Websites mit freier Musik finden. Wenn du etwas Eigenes kreieren möchtest, gibt es ein paar verschiedene Möglichkeiten, deine eigene Musik zu erstellen. Ich bin ein großer Fan von Teenage Engineering Pocket Operatoren. Sie sind diese 50 bis 80$ kleinen Synthesizer und Drum Machines, die wirklich einfach zu spielen sind und Sie können einige ziemlich coole Soundtracks für Ihre Arbeit erstellen. Die andere Alternative ist die Verwendung von GarageBand, was es sehr einfach gemacht hat, eigene Soundtracks zu erstellen und echte Instrumente und Software-Instrumente zu integrieren. Ich bin auch ein großer Fan der FunkBox Drum Machine App, die Ihnen eine Reihe von Vintage Drum Machines gibt und Ihnen hilft, ziemlich einfachen Beat zu erstellen , die wirklich gut als Hintergrundmusik funktionieren kann. Sie für Ihr abschließendes Projekt alle einzelnen Szenen zusammen, die Sie in dieser Klasse erstellt haben, und synchronisieren Sie sie mit etwas Audio, egal ob es sich um Sprache oder Musik handelt. Nun, das sollte ausreichen, um dich anzufangen. In der nächsten Lektion werde ich einige Empfehlungen für die nächsten Schritte geben wie Sie Ihre Arbeit fördern und einige weitere Lektüre. 9. Teilen und Empfehlungen: Herzlichen Glückwunsch, Sie haben die ersten Schritte zur Fertigstellung Ihrer eigenen Animation abgeschlossen. In dieser letzten Lektion untersuchen wir einige Möglichkeiten, wie Sie Ihre Arbeit fördern können und einige zusätzliche Ressourcen für das Lernen von Animationen. Ich denke, Instagram ist der einfachste Weg, um Ihre Arbeit zu teilen. Sie können sehr schnell viel Feedback bekommen und Sie können auf ein Publikum aufbauen, das Sie bereits haben. Es ist wichtig, sicherzustellen, dass Ihre Exporteinstellungen auf die neueste Version von Instagram optimiert sind. Googeln des Jahres und das beste Videoformat für Instagram sollte Ihnen die neueste Version der zu verwendenden Einstellungen geben. Wenn Sie noch keine YouTube-Seite haben, würde ich eine einrichten und anfangen, Ihre Arbeit dort auch zu platzieren. Es ist wichtig, Ihre Arbeit an so vielen Orten wie möglich zu platzieren. Als ich mein Musikvideo veröffentlichte, ging ich zu Reddit und suchte einfach nach verschiedenen Subreddits wie Animation, Musikvideos, alles, was ich dachte, würde mit dem Musikvideo übereinstimmen, das ich gemacht habe. Viele dieser Subreddits sind sehr willkommen von Menschen, die ihre Arbeit teilen. Stellen Sie sicher, dass Sie sich die Regeln für dieses Subreddit ansehen, um sicherzustellen, dass Sie keine ihrer Begriffe verletzen. Eine weitere großartige Ressource, um Ihre Arbeit zu teilen, ist FilmFreeway. Es ist eine Datenbank mit Tausenden von verschiedenen Filmfestivals auf der ganzen Welt und einige von ihnen ermöglichen es Ihnen, Ihre Arbeit kostenlos einzureichen. Dies ist eine großartige Möglichkeit, ein Publikum außerhalb Ihrer normalen Zielgruppe aufzubauen. Das ist albern, aber es kann wirklich befriedigend sein, eine IMDB-Seite für sich selbst zu erstellen und dort auch Ihre Arbeit zu posten. Jeden Donnerstagabend veranstaltet Adult Swim ein Entwicklungstreffen, bei dem die Leute anrufen und ihre Ideen aufschlagen. Dies kann eine gute Möglichkeit sein, einige Arbeiten zu zeigen, an denen Sie gearbeitet haben oder Feedback darüber zu erhalten, was Sie ändern müssen. HowStuffWorks hat einen fabelhaften Podcast namens Drawn: The Story of Animation produziert , der durch die Geschichte der Animation geht und wie viele zeitgenössische Cartoons entstehen. Zwei meiner Lieblings-YouTuber sind kindoflinc und Vewn. Kindoflinc hat eine großartige fünfminütige Zusammenfassung über seinen Animationsprozess und ich empfehle, es zu betrachten. Ich werde einen Link zu diesem Video auf der Klassenseite veröffentlichen. Eine weitere einzelne Künstler-Animatorin ist Vewn und sie kreiert diese erstaunlichen emotionalen, super detaillierten Animationen, die sie alle paar Monate oder so veröffentlicht. Wenn Sie das noch nicht gesehen haben, empfehle ich Alberto Mielgos Storyboards für Spider-Verse. Vor drei Jahren, als sie mit der Produktion von Into the Spider-Verse begonnen haben, er und ein kleines Team im Grunde ein kurzes Video zusammengestellt , das den größten Teil des Stils für den neuesten animierten Spider-Man-Film generieren würde. Schließlich, wenn Sie nach einer älteren Ressource suchen, hat Richard Williams, einer der Animatoren von Who Frameed Roger Rabbit, dieses großartige Buch namens The Animator's Survival Kit erstellt. Es ist eine großartige Ressource für handgezeichnete Animationstechniken. Vielen Dank, dass Sie sich die Zeit genommen haben, sich diese Tutorials anzusehen. Ich hoffe, sie waren hilfreich, wenn Sie Ihr Interesse an der Animation beginnen. Bitte teilen Sie Ihre Arbeit in der Skillshare Community und schauen Sie sich diesen Bereich in der Zukunft an, um weitere Tutorials zu erhalten. Viel Glück.