DESIGN-PRINZIPIEN - Kunst, die du lernen solltest

1. Einführung: Wir alle kennen die Grundlagen der Kunst. Beat Licht, Perspektive, Farbfernsehen. über sie alle gesprochen In der Kunstszene wird viel über sie alle gesprochen. Was wäre, wenn ich dir sagen würde, es ein Teil dieses Puzzles gibt dass es ein Teil dieses Puzzles gibt, das von den meisten von uns oft übersehen wird. Gestaltungsprinzipien sind das fehlende Glied, das die Grundlagen mit dem eigentlichen Malprozess verbindet. Und wir werden in diesem Kurs etwas darüber lernen. Hallo zusammen. Ich bin ein Künstler aus Indien. Ich arbeite jetzt seit fast einem Jahrzehnt in der Unterhaltungsbranche . Ich schaffe meinen Lebensunterhalt mit Visuals für Spiele und Animationen. Und ich wandere gerne an wechselnden Orten herum. Im Laufe der Jahre des idealisierten Kunststudiums nur die Grundlagen zu lernen reicht es nicht aus, nur die Grundlagen zu lernen, um meine Kunst zu verbessern. Wir müssen den gesamten Prozess struktureller und durchdachter angehen. Und ich denke, dass Designprinzipien uns das Werkzeug geben , um die Grundlagen der Malerei zu unterstützen und konstruktiv anzuwenden . In diesem Kurs geht es darum, Gestaltungsprinzipien zu verstehen, wie sie funktionieren und wie sie in Gemälden verwendet werden. Ich gehe jeden von ihnen einzeln durch. Beispiel von Meistergemälden. Ich werde sie aufschlüsseln und Ihnen zeigen wie sie verwendet wurden, um diese Meisterwerke zu schaffen. Wenn Sie nur mit den Grundlagen wie Beleuchtung, Perspektive usw. vertraut sind , sollten Sie gut genug sein sofort mit dem Unterricht zu beginnen. Da ist die erstklassige der grundlegenden Serien , die ich veröffentlichen werde. Danach wird es zwei weitere Klassen geben. Wir beginnen mit Designprinzipien, dieser Klasse. Als nächstes gehen wir zu den Grundlagen der Kunst über. Und danach zeige ich Ihnen, wie man mit all dem, was wir bisher gelernt haben, eine Landschaft malt . Nach alledem hoffe ich, dass Sie genauso gespannt sind wie ich, um loszulegen. In Ordnung. 2. Kursprojekt: Die Aufgaben für diesen Kurs werden also sehr leicht sein da das meiste davon mit bloßer Beobachtung im Allgemeinen zu tun hat. Ich habe eine Auswahl an Meistergemälden, die mir wirklich gefallen, und das werde ich mit Ihnen teilen. Ihre Aufgabe wäre es also, sie durchzugehen. Und wo immer Sie bestimmte Aspekte des Gestaltungsprinzips in diesen Gemälden dominanter finden des Gestaltungsprinzips in diesen Gemälden dominanter , sind Designs. Ihre Aufgabe ist es herauszufinden, warum es dominiert und welche Prinzipien früher angewendet wurden. Also, nachdem du alle Prinzipien durchgegangen hast, die ich dir hier gezeigt habe, wirst du diese Bilder einfach aufgreifen. Und wie gesagt, wo immer Sie einen der Ringspins dominieren, Sie einfach dieses Bild. Markieren Sie einfach, wie, wie die Prinzipien verwendet werden und wo sie verwendet wurden , um bestimmte Aspekte des Gemäldes zu erreichen. Nehmen wir an, in einem Gemälde gibt es einen bestimmten Charakter und er kommt wirklich zur Geltung. Ihre Aufgabe ist es also, zu entziffern, warum es so ist, das in Ihrem Gesicht zu betonen. Und das bedeutet, dass Rechnungen verwendet wurden und wie. Das sind deine Hausaufgaben. Und wenn Sie diese tun, sind Sie es, Sie sollten sie im Aufgabenbereich veröffentlichen. Und ich werde sie mir ansehen. Und ich sage dir, wenn du auf den richtigen Weg gehst, wenn du tatsächlich den Denkprozess durchführst , um diese zu erreichen, irrst du dich einfach irgendwo, als ob du woanders falsch abbiegst. Ich werde da sein, um dich in die richtige Richtung zu führen. Gehen wir also zur Lektion über. 3. Prinzip I – Kontrast: Hast du schon einmal etwas gemalt, das dir ein bisschen flach vorkommt , oder hast du Krankheit beobachtet? Meiner Erfahrung ist das höchstwahrscheinlich ein Problem mit dem Kontrast. In dieser Lektion lernen wir also, was Kontrast ist und wie wir ihn zu unserem Vorteil nutzen können. Kontrast ist im Idealfall der Unterschied, den wir zwischen Elementen, Motiven und allem erzeugen , im Grunde wie hier auf dem ersten Bild, man kann viel Kontrast in den Werten sehen, wirklich helle Werte hier. Und hier auch. Hier haben wir einen Kontrast in Farbton oder Farbe, wenn Sie es so sagen möchten . Auf dem ersten Bild hast du also viele dunkle Werte und viel Stolz, wenn du dich ihnen widersetzt. Das erzeugt also ein Gefühl von Kontrast wie diesem. Von dunkel zu hell, hell zu dunkel. Sie unterscheiden die Formen und erzeugen ein Gefühl von Kontrast in der Szene. Auf diese Weise führen Sie den Betrachter im Grunde dorthin, wo Sie von Dunkel zu Hell oder von Hell zu Dunkel schauen möchten . Und zu betonen, was sie sehen sollen? In der zweiten Debatte werden Sie offensichtlich viel Wertkontrast sehen , aber auch viel Sättigung und Farbkontrast. Im Hintergrund haben wir offensichtlich einen dunkleren Wert. Aber nicht nur das, weil es viel Farbkontrast gibt und auch ein separater Wert geschaffen wird, um eine führende Linie zu zeigen , die den Betrachter durch die Szene führt. Als Hausaufgabe für diese Lektion sehen Sie sich Meistergemälde an, die ich auf die Beispielbox gelegt habe. Und Sie werden versuchen herauszufinden, wo der Kontrast verwendet wurde und wie er verwendet wurde. Ich habe es jedoch im Video demonstriert. Sie können dieser Route also folgen. Es ist sehr praktisch, um eigene Notizen zu machen und all diese Dinge zu mögen. Was Sie also tun können, ist sie einfach aufzunehmen, die Bilder aufzunehmen, sie anzusehen, herauszufinden, wo Kontrast verwendet wurde. Und versuche, sie mit mentalen Notizen zu schreiben, oder noch besser, notieren Sie sich die Bilder selbst richtig. So fällt es deinem Verstand leichter, all diese Dinge zu registrieren . Wenn du dir also das nächste Mal etwas ansiehst, sagen wir mal ein gutes Gemälde, das du wirklich magst. Und Sie werden sofort herausfinden können, wie Kontrast in dieser Hinsicht genutzt wurde. Lassen Sie uns damit zur nächsten Lektion übergehen. 4. Prinzip II – Balance: Das ist also ein sehr subtiler , aber sehr wichtiger Teil der Gestaltungsprinzipien. Gehen wir zur Demo und versuchen herauszufinden, wie ausgewogen in den meisten Gemälden, eigentlich allen Gemälden, gearbeitet wird . So können Sie erkennen , wie Waagen in der Komposition verwendet werden, und Sie können sie in Ihren eigenen Bildern verwenden. Als nächstes haben wir Paletten. Allgemein die Idee, Formen und Volumen in der Szene zu verteilen. So schaffen wir ein Gefühl der Ausgewogenheit. In dieser Szene. Wir haben hier im Grunde größere Formen gemacht, eine auf der rechten und eine auf der linken Seite. Also platzierte er sie als solche, um ein Gleichgewicht in der Szene zu schaffen und ein Gefühl der Stabilität in der Szene zu erzeugen. Und wenn wir zum nächsten Bild übergehen, wir haben die Motive meistens auf der linken Seite, man kann die Frau und den Tiger sehen, Jaguar, was auch immer. Du musst Wissenschaftler im Labor bestellen, dann gehst du zu einem Satelliten. Da ist ein Charakter. Im Idealfall besaß er eine ebenso starke Hauptrolle wie in der Szene. Aber nur um die Komposition auszugleichen, hatte er buchstäblich ein wirklich starkes Licht. Und das ist Kreieren, das ist eigentlich ein Gleichgewicht zwischen all den Themen, die wir links und rechts haben. Wir haben also gesehen, dass es ausgewogen ist und begrüßen den Beitrag zum nächsten Bild. Hier haben wir idealerweise Robotermassen, ich zähle nicht in den Wolken , weil das ein anderes Thema ist. Schau dir erstmal die Häuser an. Wir haben also einige mittlere bis große Formen und auch einige kleine Formen in ihnen. Ich gehe also generell von links nach rechts, weil das Instrument die Form hat, die wir hier haben. Wenn du einfach das Haus ganz rechts entfernst , das kleine Haus, haben wir, unser Benutzer, geh einfach da hin und verlasse die Konkurrenz. Indem Sie eine kleine Form , um zu verhindern, dass der Betrachter ausgeht. In der Regel führen wir sie zurück in den Kompositionsunterricht. Hausaufgabe für diese Lektion wäre , einfach die Bilder mit dem letzten Ton durchzugehen. Im Grunde wären all diese Hausaufgaben gleich. Aber ich möchte, dass du sie weiterhin machst und Notizen separat machst, aus jedem Gestaltungsprinzip einen Ordner machst und sie so aufstellst , dass sie in deinem Kopf kategorisiert sind. Es ist nicht einfach so, als ob du all das in einem einzigen Bild und alles in deinem Kopf durcheinander gerät. Also lass uns das nicht tun. Versuchen wir herauszufinden, wie das Gleichgewicht verwendet wurde. Wie Ungleichgewichte bei der Bilderherstellung genutzt wurden , um die Emotionen der Geschichte besser zu vermitteln. Ordnung, fahren Sie mit der nächsten Lektion fort. 5. Prinzip III – Betonung: Ich bin mir sicher, dass Sie mindestens einmal in Ihrem Leben von Das letzte Abendmahl von Leonardo da Vinci gehört von Das letzte Abendmahl von haben. Insofern werden Ihre Augen unter all den verschiedenen Charakteren im Allgemeinen direkt auf Jesus gerichtet sein. Das ist Betonung, Betonung und Thema oder ein Objekt in Ihrer Komposition. So führst du deine Zuschauer dazu. Und das ist meiner Meinung nach eines der wichtigsten Prinzipien im Design, wie zum Beispiel die Betonung von Objekten. Lass uns in die Lektion eintauchen und sehen, wie Meister sie erreichen und wie wir daraus Notiz nehmen und sie selbst erreichen können. Als Nächstes haben wir also Betonung. Es ist dem Kontrast in der Natur sehr ähnlich. Denn sieh nur hier, der Charakter sticht offensichtlich hervor, weil er vor dem Hintergrund platziert wurde , wirklich gesättigter Hintergrund. Sie können wirklich Bitraten sehen wenn Sie den gesamten Charakter verringern. Wiederum kontrastierende Werte oder Farben oder Beleuchtung, oder generell zu viel Wert darauf legen. Also, wie du sie verwendest, liegt an dir. Auch hier. Wir können das kürzeste sehen, das ist wirklich hell. Und dann haben wir einen Schatten , der zum Gesicht führt. Denn das Gesicht hat dort wirklich kontrastreiche Glanzlichter. Und das schafft ein Gefühl von Kontrast und Betonung. Auf dem nächsten Bild. Wir haben einen automatischen Kontrast in Farbe und Werten in der Hauptfigur. Weil es so betont wurde. Wir werden uns bestimmt zuerst den Charakter ansehen, zwangsläufig den aktuellen Beitrag. Schau, wie viel Sättigung in ihrem Kleid steckt. Und auch ein C mit scharfen Kanten. Das lenkt unsere Augen. Unser Blick richtet sich wegen des hohen Kontrasts zuerst auf das Kleid selbst. Dann haben wir eine Wertverschiebung. Und im Idealfall führt uns die Form zu den Nebenfiguren und Tertiärfiguren nachdem wir uns das Hauptthema angesehen haben. Wie Sie Ihre Motive in einem Gemälde hervorheben, bestimmt also auch, wie der Betrachter das Bild betrachtet. Was die Hausaufgaben für diese Lektion angeht, so möchte ich, dass Sie drei Meisterwerke finden , die Ihnen wirklich Spaß machen und von denen Sie das Gefühl haben, dass Betonung wirklich von ihnen abhängt. Und ich möchte, dass du in sie eintauchst und herausfindest, wie und warum es funktioniert, und versuchst, dir diese zu notieren. Und nur damit Sie sie in Ihren eigenen Bildern anwenden können. Fahren wir mit der nächsten Lektion fort. 6. Prinzip IV – Muster: Muster können alles sein, von technischen Mustern physische Tasten bis hin zu Texturen. Es wird also überall verwendet, sagen wir zum Beispiel, du verwendest Textur für deine Kleidung, du verwendest Textur für diese Steine. All diese haben also ein bestimmtes Muster. Einige von ihnen sind sehr unregelmäßig, andere wiederholen sich sehr. Es können also Texturen sein, es kann sein, wie Sie Ihre Objekte anordnen. Sogar diese haben Muster in sich. Lassen Sie uns also tief in sie eintauchen und sehen, wie sie funktionieren. Der nächste Schritt ist das Muster. Muster ist im Grunde eine einheitliche oder fettige Interpretation von Objekten oder Formen. Sie können Objekte also einfach wiederholen. Das ist auch ein Muster, und es kann auch eine Wiederholung sein. Wiederholung ist also auch Teil des Musters. Zumindest würde ich das gerne glauben. Es kann auch Charaktere führen und Texturen wiederholen. Diese sind also alle Teil des Musters. Hier in diesem Bild sieht man viel Textur, viele Muster im Bild und den Boden. Das gibt uns sowohl ein Gefühl für Material als auch ein Gefühl für Maßstab. Wenn es verschwindet, verblasst das Muster und wird kleiner. Und ich möchte, dass du dir die Tabellen ansiehst, die Ellipsen, die wir haben. Das führt also auch zu einer Wiederholung. Und es gibt uns ein Gefühl von Skalierung, da es sich weiter vom Blickfeld entfernt und kleiner wird. Das ist also Perspektive und Objekte wie kombiniert. Wir haben also ein Gefühl für die Tiefe der Szene. Wir haben auch die Charaktere da drin. Und sie sind auch Teil des Musters. Ich würde gerne sitzen, weil sie uns im Allgemeinen auch ein Gefühl von Skalierung vermitteln. Hier auf diesem Bild haben Sie viele sich wiederholende Objekte wie die Stühle. Und hier, hier auch. Bei vielen Mustern wie durch das Objekt erzeugen wir eine Bewegung und wir führen den Betrachter im Grunde nur herum. In diesem Bild ist das Muster also möglicherweise nicht so offensichtlich. Aber es hat hauptsächlich mit Texturen zu tun. Sie können die Lippen unten sehen. Es ist ein gewisser Fluss zu ihnen, aber sie haben auch ein Muster für sie. Sie bekommen Textur. Es fließt so und es erzeugt ein Gefühl von Textur und Detail darüber hier drüben. Fließende Muster, fließende Texturen und viele Wiederholungen von Formen. Das gibt uns also im Allgemeinen ein Gefühl von Bewegung. Hausaufgaben für den Zuhörer sind also dieselben wie die letzten, wie ich dir zuvor gesagt habe. All dies sind beobachtungsbasierte Hausaufgaben, sodass Sie nur weiterhin beobachten müssen , was Sie in dieser Lektion lernen. Sie müssen diese einfach in den Beispielbildern herausfinden und mentale und physische Knoten nehmen. Wenn Sie also das nächste Mal etwas sehen, das Sie besser nutzen können , um diese Funktionen zu nutzen, nutzen Sie diese Prinzipien zu Ihrem Vorteil. Lassen Sie uns damit auch zur nächsten Lektion übergehen. 7. Prinzip V – Anteil: Weißt du, diese Bilder denen wir nicht wissen, ob etwas nicht stimmt, alles passt nicht zusammen. Der Charakter sieht im Verhältnis zur Umgebung etwas zu groß oder viel zu klein aus. Das ist also hauptsächlich das Problem mit der Proportion. Die Proportionen sind sehr wichtig, um niederzuknien. Wenn Sie Ihre Bilder glaubwürdiger machen möchten, Ihre Konkurrenz glaubwürdiger. Proportionen können eine große Rolle spielen. Sie können Proportionen so ziemlich überall verwenden so ziemlich überall als ob es Proportionen in der Textur gibt. Dieses Verhältnis in etwa, Sie können den Ozean nutzen, um die Perspektive zu zeigen. Lassen Sie uns also tief in das Thema eintauchen und sehen, wie die Meister es verwendet haben und wie wir es mit einigen der gängigen Methoden verwenden können, um unsere Komposition zu verbessern und sie glaubwürdiger und fantastischer zu gestalten . Lass uns gehen. Anteil. Unsere Skala ist die Beziehung zwischen den Subjekten oder Objekten, die wir in die Szene oder Komposition einfügen. Es geht im Grunde darum, die Objekte in der Szene zu unterscheiden oder zu identifizieren und unseren Zuschauern ein Gefühl für die Größe des Bildes zu geben . Wie groß ist der Samen? Wie klein ist die Szene? Hier auf diesem Bild können Sie sehen, dass wir hier einen Planeten haben. Es sieht aus, als hätte Saturn Ringe. So können wir uns sofort mit dem Objekt dort identifizieren und wissen instinktiv, wie groß das Objekt ist. Im Vergleich dazu. Wir haben das Raumschiff auch für den Betrachter. Wie groß ist das Raumschiff in der Szene? Weil wir einen riesigen Planeten haben. Und wir haben das Raumschiff und wir haben andere Elemente , die uns das Gefühl der Weite des Meeres vermitteln. Auch dort so leicht. Falsey ist einfach zu schnell, nur weil wir den Planeten in die Szene eingeführt haben. Macht uns sofort zu spät. Und wir können immer erkennen wie groß andere Subjekte oder Objekte in der Stadt sind , verglichen mit dem, was wir erkennen. Wie Sie hier sehen können, ist das Wiederholung und Form und generell das Aufzeigen der Perspektive dort, um uns auch ein Gefühl von Skalierung zu vermitteln. Okay, sieh dir das zweite Bild oder die ersten beiden Köpfe, oder? Jetzt. Ich möchte, dass du dir die Texturen genau ansiehst. Auf dem Bergpass haben wir. Und dann kannst du dir die Charaktere ansehen. Da wir mit dem Charakter vertraut sind und wir wissen, wie groß Menschen und Pferde im Allgemeinen sind. Wir können das also mit dem Rest der Szene in Verbindung bringen. Und wir können sofort einschätzen, wie groß die Szene ist, wie groß diese Texturen sind, wie groß diese Felsen sind und so weiter und so weiter. Das ist also eine Möglichkeit , Skalierung zu erreichen. Sie fügen vertraute Objekte in die Szene ein und helfen dem Betrachter, im Grunde zu erkennen, wie groß die CNAs sind. Und wir können im Allgemeinen von dort aus weitermachen. Beispiel, wenn ich einen Menschen platzieren würde, fügen wir dort einen Menschen hinzu. Sobald Sie also einige vertraute Objekte hineingelegt haben, helfen Sie dem Betrachter zu erkennen, was Sie zeigen möchten , wie groß die Objekte im Vergleich zu den vertrauten Dingen sind . Also können wir das aus der Szene nehmen und zur nächsten übergehen. 8. Prinzip VI – Bewegung: Es wäre also Denkbewegung in einem Standbild. Wie funktioniert das? Nun, lassen Sie uns eintauchen um zuzuhören und herauszufinden, wie es funktioniert. Bewegung oder Flow spielen in einer Komposition eine große Rolle. Es ist im Allgemeinen eine Idee, um einen Eindruck von einer Handlung oder dem Geschehen zu vermitteln. Ist die Szene stabil? Instabil, wo soll der Betrachter hinschauen und all das? Wir können also auf viele Arten Bewegung erreichen. Gehen Sie erneut die Farben durch. Wir können aktive Formen einführen. Aber idealerweise möchten Sie in einer Komposition viele Hauptlinien haben. Leitlinien werden generiert. Zeilen, die so gehen. Punkte zeigen im Grunde nur das Reine auf ein Objekt oder Subjekt, das wir sehen wollen. Hier in dieser Szene. Wir haben viele führende Linien im Vordergrund, wie hier. Hier. Und hier. Alles, was zum Thema führt. Und das Thema ist sehr zentralisiert. Und alle Linien, alle Formen führen uns im Grunde zu ihm. Und die Biere. Sogar die Berge sind im Grunde hässlich und sagen uns, wir sollen so aussehen , diesen Weg gehen. Und wir haben eine geneigte Oberfläche. Das gibt uns also auch ein Gefühl des Ungleichgewichts. Hier ist die Szene ausgewogen. Und indem wir die Leinwand beulen und die Oberfläche zeigen, können wir ein Gefühl des Ungleichgewichts in der Szene erzeugen und ihr ein Gefühl von Bewegung oder Aktion geben. So viele nach innen gerichtete Formen, die auf den Charakter zeigen, und auch viele sechs Eier. Sie können jederzeit einige Zickzack-Formen in den Vordergrund stellen . Und um im Grunde nur ein Gefühl von Bewegung zu erzeugen. Und Kinder, wenn sie die Formen sehen können, führen sie im Grunde nur zum Thema. Und sogar sie gehen zum nächsten Bild über. Du kannst es schon sehen. Die Oberfläche ist leicht geneigt, obwohl wir am Horizont ein Gefühl des Gleichgewichts haben. Wir haben immer noch eine geneigte Oberfläche , die uns ein Gefühl des Ungleichgewichts vermittelt und das Handeln oder die Bewegung vor Ort unterstützt . Du kannst den Charakter und die Fischnetze hier natürlich sehen . Sie sind ideal, um sich gegenseitig auszugleichen. Aber du kannst sehen, dass der Charakter leicht aus dem Gleichgewicht geraten ist. Das erzeugt ein Gefühl des Kampfes und gibt uns ein Gefühl des Handelns. Sie können auch erkennen, dass Seal nicht ruhig ist , nur an der Art und Weise , wie sie sagte, dass Inst und mit der Oberfläche zeigen. Das gibt uns auch eine Vorstellung von ihrem Kampf in der Szene. Ich möchte, dass Sie all dies berücksichtigen, wenn die Planung C ist, fügen Sie der Szene viel Bewegung hinzu, um die Formen zu überlisten und zu sehen. Sie müssen planen , wie der Betrachter aussehen soll, um mehr zu sehen. Aber es ist eine großartige Möglichkeit , das zu erreichen. 9. Prinzip VII – Variety: Ich bin sicher, Sie können erraten, welche Sorte und welche Schwänze. Es ist ziemlich offensichtlich, wenn man es sich vorstellt. Aber ich bin hier, um Ihnen zu zeigen, wie Sie das Design und die Komposition in Ihr Kunstwerk integrieren können . Ich denke, einiges davon könnte Sie sogar überraschen. Also lass uns eintauchen. Als nächstes werden wir zur Abwechslung übergehen. Vielfalt kann verschiedene Instanzen visueller Elemente sein. Abwechslung kann mit Farben sein, kann mit Werten sein. Wie hier sieht man dunkle Transporter gegen helle, wirklich helle Werte. Gleiche hier. Und das Gleiche hier. Die Formen lesen sich gegeneinander, wodurch eine Betonung und ein Kontrast entstehen. Und das Gleiche hier. Sie können eine Vielfalt an Fächern sehen. Als ob du hier viele Charaktere hast. Du hast erwachsene Charaktere, und dann hast du hier auch Kinder. Gut. Das ist also auch eine Möglichkeit , Abwechslung in eine Szene zu bringen. Hier haben Sie eine große Auswahl an Farbtönen und Werten. Also hier hat man einen wärmeren Ton, ihr Gesamtton, dann hat der Hintergrund abgestimmt, das spielt gegeneinander und Gehirne Abwechslung ins Meer. Sie können hier auch sehen, dass die Schatten im Vergleich zu helleren Diensten angeordnet sind . Sogar im Korb können Sie die Vielfalt der Fächer sehen. Nicht alle Äpfel sind gleich. Sie haben unterschiedliche Texturen. Und das bringt auch verwandte mit sich. Ich möchte mir die Bücher auch ansehen. Sie sind nicht alle gleich. Sie haben Abwechslung unter ihnen. Einige von ihnen haben unterschiedliche Texturen. Überall das Gleiche. Sogar ihre Ausrichtungen, als ob sie nicht auf die gleiche Weise ausgerichtet sind. Sie haben dort auch eine separate Textur. Sie können den Ablauf des Arrangements sehen. Wenn du eine andere Perspektive sehen würdest, andere Blickwinkel. Die laufen also so. Die laufen auch so. Und selbst nicht alle Bücher sind ähnlich ausgerichtet. Das sorgt also auch für Abwechslung. Auf diesem Bild haben Sie also viele warme Büsche oder für Läsionen in der Nähe. Aber um dem entgegenzuwirken und etwas Abwechslung einzubringen. Du versuchst generell, hier etwas kältere Töne reinzubringen. Wie hier können Sie dunklere und kältere Arten von Stößen sehen dunklere und kältere Arten von , um ein Gefühl der Differenzierung zu erzeugen, wenn Sie so wollen. 10. Prinzip VIII – Harmony: Wir haben etwas über Vielfalt gelernt, aber Abwechslung ohne Harmonie oder Einheit ist genauso bedeutungslos wie alles andere. Es gibt also im Grunde zwei Seiten derselben Medaille. Eins ohne das andere kann nicht existieren. Lassen Sie uns einfach in diese Lektion gehen und herausfinden, wie wir diese kombinieren können , um mehr über Harmonie zu verstehen und wie wir dies mit Abwechslung kombinieren können , um etwas Ansprechenderes zu schaffen. Harmonie oder Einheit ist im Grunde das genaue Gegenteil von Vielfalt. Es ist der Akt, verschiedene Elemente der Kunst zusammenzuführen . Oder es kann auch eine Wiederholung von Objekten sein. Harmonie könnte also auf viele Arten erreicht werden. Harmonie, See, vereinheitlichende Farben, Formen, Muster. Und dieses Bild hier, wir haben viel Harmonie und Farben. Ähnliche Farbtöne, die die gesamte Farbkomposition des Bildes zusammenbringen , wie hier, hier. Und hier der gleiche Orange- oder Rotton. Und dann hast du mutigere Farben. Außerdem haben wir viele Gelbtöne und der Hintergrund ist kälter. Das wirkt auch als natürliches verbindendes Element. In den meisten Bildern. Hier hast du einen kälteren Blauton. Und hier auch. Es ist also im Grunde eine Kulisse für die gesamten Fächer. Und auf diese Weise vereinheitlicht es auch die gesamte Szene. Das ist also eine Möglichkeit , dies zu tun. Hier auf diesem Bild haben wir Harmonie im Stil oder Plusstriche oder Pinseleffizienz, wer wird das tun? Das ist im Allgemeinen das, was Sie hier sehen können. Die Darstellung der Gräser hier und hier sehr ähnlich. Im Idealfall möchten Sie also, dass das Bild stilistisch einen verbindenden Faktor hat. Wie man Elemente rendert, wie man solche Dinge darstellt. Eine weitere Möglichkeit, UC harmonisch zu gestalten ist die Verwendung einer Reihe analoger Farben. Du kannst hier sehen, dass diese Farben im Farbkreis alle vedisch zu eng beieinander vedisch zu eng beieinander liegen. Hier sieht man Hallo und Grüntöne und sogar den Himmel. Ich möchte, dass du dem Himmel besondere Aufmerksamkeit schenkst , weil der Himmel hier auch sehr entsättigt ist. Und das ergänzt die Farben wir in der Szene verwendet haben. Und diese Szene. Harmonie wird durch die Wiederholung von Probanden erreicht. Viele Charakteristika hier, viele Menschen, viele Leute. Diese Themen bringen also alles zusammen. Aber sieh dir hier oben an und den separaten Blauton , der hier verwendet wurde. Also unter all den Kühen, die in der Szene vor sich gehen, wie hier, Person hier. Man kann etwa den Unterscheidungsfaktor erkennen und was sie zusammenbringt, sogar die Kreuze hier. Sie bringen auch Harmonie ins Meer, ähnliche Formen. Und dann gibt es nur ein Thema , das von dem Rest des Faches, das wir hier haben, getrennt ist . Und beachte auch die arminianische Farbe hier. Okay, wir fahren mit dem nächsten fort. In dieser Szene haben wir Harmonie und Werte. Insgesamt war das CDS wirklich hohen Werten ausgesetzt . Und das ist die Zielaktie. Und sieh mal, du kannst sehen, dass alles außer dem wirklich hell ist. Verwenden Sie also eine Reihe von Werten, ändern Sie Ihre Szene und definieren Sie sie. Es ist eine hohe Belichtung, eine niedrige Belichtung, solche Dinge können Ihrer Szene auch Harmonie verleihen. 11. Prinzip IX – Rythm: Rhythmus ist ein auf bestimmte Weise angeordnetes Muster , das Bewegung in der Szene erzeugt. Also, was meine ich eigentlich damit? Schauen wir uns also einfach die Beispiele an und ich werde versuchen, aufzuschlüsseln , wie es funktioniert und wie es bei der Kompilierung verwendet werden kann. Also lasst uns darauf eingehen. Rhythmus kann als eine Kombination aus Bewegung und besser beschrieben werden . Sie sehen also, dass das Datum im Grunde einen Fluss innerhalb des Bildes erzeugt im Grunde einen Fluss innerhalb des Bildes erzeugt, der dem Auge gefällt, wie dieser. In diesem Van Gogh können Gameten viele Muster erkennen, aber sie folgen ihnen, sie folgen in ihren Gefühlen. Du kannst die Bewegung fühlen. Also auch in diesem Bild sorgen viele fließende Formen im Grunde für Bewegung. Hier. Hier haben Sie die allgemeine Vorstellung, idealerweise eine ungleichmäßige Variation von Mustern zu erzeugen eine ungleichmäßige Variation von , die uns ein Gefühl von Bewegung im Bild vermittelt. Es ist ein bisschen schwierig, das Thema richtig zu definieren. Aber weißt du, wenn du es einmal hier gesehen hast, kannst du sehen, wie alle Formen auch hier durchgehen. Es ist ein Ruf, dass solche Themen einer Perspektive folgen, die ein Gefühl von Bewegung erzeugt. Es ist auch eine Form von Rhythmus. Ein ungleichmäßiger Teil ist sehr wichtig. Denn genau wie Musik-Cue, aber in einem uneinheitlichen Muster im Bild. So wie das hier. Um ein Gefühl von Bewegung zu erzeugen, fließen Sie in die Komposition ein. Kann ich auch hier sehen. Durch sie fließende Formen führen letztlich zu weniger zu dem Hauptthema, das wir zu betonen versuchen. Hier gibt es viele Verschiebungen nach innen. Und auch hier enden wir bei den Charakteren. Es ist also im Grunde eine andere Möglichkeit, Bewegungsinosin durchzuführen. Damit sind wir am Ende aller Gestaltungsprinzipien, die ich hier erwähnt habe , angelangt. Es gibt noch mehr, etwa zwei oder drei weitere , die du finden kannst, wenn du über sie googelst. Tatsache ist jedoch alle Designprinzipien korreliert sind und entweder nur Varianten voneinander oder nur dasselbe, wie in verschiedenen Verpackungen. Also versteh das einfach. Sie sind alle verwandt. Sie alle interagieren miteinander. Und wenn Sie immer tiefer tauchen, tauchen Sie immer tiefer in diese Themen ein. Du wirst verstehen, dass das eine ohne das andere nicht wirklich existieren kann. Lassen Sie uns damit zum Ende der Lektion übergehen und wir sehen uns dort. 12. Schlussbemerkung: Ordnung, damit ist alles abgeschlossen, was Sie über die Gestaltungsprinzipien wissen müssen. Versuche, die Prinzipien nicht als etwas zu betrachten , das sie erhöhen könnte. Eigentlich ist es genau das Gegenteil. Die Prinzipien sind meiner Meinung nach sehr flexibler Natur. Sie sind sehr miteinander verbunden. Und viele der, vielen Prinzipien können und nicht können sie sich gegenseitig auf eine Weise beeinflussen , die von Natur aus sehr kohärent ist. Also je mehr du versuchst, dem zu folgen, versuche, solche Dinge zu bemerken, versuche, sie zu beobachten. Was nein, was am Ende passieren wird, ist, dass Sie versuchen werden, es zu bemerken. Es wird versuchen, Sie werden anfangen, viel mehr Nuancen in ihren Beziehungen zu bemerken viel mehr Nuancen in , als das ständig passiert. Je mehr Sie diese Dinge bemerken, desto mehr können Sie sie in Ihrem Bild anwenden . Mein Ziel hier ist es also, Ihnen nur das Konzept der Prinzipien vorzustellen. Und wenn Sie Ihnen diese vorstellen , können Sie hoffentlich aktiv darüber nachdenken. Und während Sie etwas bemerken, etwas beobachten oder einfach versuchen, eine Designlösung zu finden, werden Sie aktiv darüber nachdenken. Und das wiederum wird Ihnen sehr helfen , Entscheidungen zu treffen und bessere Designs zu erstellen und zu entwickeln. Durch die Verwendung von Gestaltungsprinzipien könnten Sie die Gemälde analysieren und viel mehr aus ihnen herausnehmen und viel mehr aus ihnen herausnehmen, da sie Ihnen tatsächlich gefallen und sie aktiv umsetzen. Implementieren Sie sie in Ihren eigenen Gemälden. Damit sind Sie nun bereit, mit der nächsten Klasse fortzufahren, in der es um Grundlagen geht. Der Grund, warum ich mich dafür entschieden habe, die Gestaltungsprinzipien vor den Grundlagen einzuführen , ist, dass es einen Grund gibt. Der Hauptgrund, warum ich mich dafür entschieden habe, ist im Grunde das Gestaltungsprinzip, das Ihnen viele neue Nuancen einführt , die in die Grundlagen übernommen werden. Dies sind also die Parameter , die wir verwenden werden , um Grundlagen auf unsere Kunstwerke anzuwenden. Deshalb dachte ich mir, dass es viel besser ist, diese zu kennen, die Prinzipien vorher zu kennen, die Prinzipien vorher zu kennen bevor man sich mit den Grundlagen befasst. Und in meinem Grundlagenkurs , der bald erscheinen wird, werden Sie viele davon verwenden , um zu analysieren, wie Grundlagen funktionieren. Wie beispielsweise Betonung, Betonung, Kontrast usw. in der Beleuchtung verwendet werden können, können sie neben der Beleuchtung verwendet werden. Wie Licht genutzt werden kann, um bestimmte Dinge hervorzuheben. Wie Farben verwendet werden könnten, um bestimmte Dinge oder etwas hervorzuheben . Sinne, wie alle Grundlagen, nutzen Sie die Gestaltungsprinzipien aktiv auf eine Weise, die vedisch, kohärent und wirklich zusammengefügt ist . Sagen wir mal. Wenn du dir bei irgendetwas unsicher bist, versuche einfach, den Kurs noch einmal zu absolvieren. Ich weiß, für einige von Ihnen wäre das völlig Neuland. Und es wird einige Zeit dauern, bis es aufgenommen Es wird einige Zeit dauern, nur aktiv über diese Dinge nachzudenken. Also nur, wenn du dir bei Dingen unsicher bist, geh einfach noch einmal durch den Kurs. Und selbst dann macht etwas keinen Sinn. Du kannst mir jederzeit gerne eine Nachricht schreiben und ich werde mein Bestes geben , um sie auch einfach zu beantworten. Damit nehme ich mein Blatt und wir sehen uns bald in der nächsten Klasse. Fröhliches Malen. Und ich hoffe, du passt gut auf dich auf.