Aquarellfarben ohne Angst: Komplexe Straßenszenen selbstbewusst vereinfachen

1. Willkommen im Kurs!: Hallo zusammen und willkommen zum heutigen Kurs über das Malen einer verregneten Straßenszene. Und ich freue mich heutigen Kurs, weil wir lernen werden, die Grundprinzipien von Aquarell aufzuschlüsseln die Grundprinzipien von Aquarell aufzuschlüsseln und herauszufinden, wie wir eine komplexe Szene nehmen und sie tatsächlich in ein sehr faszinierendes Bild zerlegen können eine komplexe Szene nehmen und sie tatsächlich in ein sehr faszinierendes Bild zerlegen sie tatsächlich in ein sehr faszinierendes Wenn man sich dieses Gemälde anschaut, sieht es so aus, als ob es voller kleiner Details Aber wenn man hineinzoomt, sieht man einfach, dass es abstrakte Formen sind. Und die Prinzipien, die wir verwenden werden , demonstrieren und zeigen uns, wie wir Komplexität abbauen und die Spontanität des Mediums nutzen können Komplexität abbauen und die Spontanität des Mediums nutzen , um wirklich bezaubernde und fesselnde wirklich bezaubernde und Eines der wichtigsten Dinge ist es, loszulassen und das Aquarell für sich selbst sprechen zu lassen und diesen Zauber erstrahlen zu sich selbst Und wenn wir uns zu sehr darauf konzentrieren Technik zu kontrollieren und das Bild zu erzwingen, dann verlieren wir diese Magie Das ist also der perfekte Kurs um uns dazu zu bringen, lockerer zu werden und dem Prozess zu vertrauen Ihr Endergebnis spielt wirklich keine Rolle. Alles, was zählt, ist , dass Sie sehen können, wie sich das Pigment bewegt, und keine Angst davor haben , wohin es Sie führen könnte. Ich bin seit vielen Jahren ein professioneller Künstler und beschäftige mich mit vielen verschiedenen Themen, von Wildtieren und Porträts bis hin zu Stadtlandschaften und Betrügereien auf dem Land Ich war schon immer fasziniert von der Aber als ich anfing, hatte ich keine Ahnung, wo ich anfangen sollte oder wie Ich wusste nicht, welche Materialien ich brauchte, wie ich die gewünschten Effekte erzielen sollte oder welche Farben ich mischen sollte. Inzwischen habe ich an vielen weltweiten Ausstellungen teilgenommen, wurde in Zeitschriften vorgestellt und hatte das Glück, Preise von angesehenen Organisationen wie der International Watercolor Society, der Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton und der SAA zu gewinnen Preise von angesehenen Organisationen wie der International Watercolor Society, der Masters of Watercolor Alliance, der Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton und Aquarell kann für Anfänger überwältigend sein. Deshalb ist es mein Ziel , Ihnen zu helfen, sich entspannt zu fühlen und dieses Medium Schritt für Schritt zu genießen Heute führe ich Sie durch ein vollständiges Gemälde, eine Vielzahl von Techniken und erkläre, wie ich all meine Vorräte und Materialien verwende Egal, ob du gerade erst anfängst oder schon etwas Erfahrung hast, du wirst in der Lage sein, in deinem eigenen Tempo weiterzumachen und deine Aquarellfähigkeiten zu verbessern Wenn dir dieser Kurs zu anspruchsvoll oder zu einfach ist, habe ich eine Vielzahl von Kursen unterschiedlichen Schwierigkeitsgraden zur Verfügung Ich beginne gerne mit einem freien, ausdrucksstarken Ansatz, ohne Angst davor Fehler zu machen, wenn wir spannende Texturen für die Unterschicht kreieren spannende Texturen für die Unterschicht Im Laufe des Gemäldes werden wir weitere Details hinzufügen, um es zum Leben zu erwecken und es hervorzuheben Ich bemühe mich, komplexe Themen in einfachere Formen zu vereinfachen , die zur Verspieltheit anregen Während dieses Kurses werde ich viele Tipps und Tricks mit Ihnen teilen Ich zeige Ihnen, wie Sie Fehler in Chancen verwandeln und den Stress beim Malen verringern können, um Spaß zu haben. Ich stelle Ihnen auch meine Aquarell-Mischtabellen zur Verfügung, die ein unschätzbares Werkzeug sind wenn es um die Auswahl und das Mischen von Farben geht Wenn Sie Fragen haben, können Sie diese im Diskussionsthread unten posten Ich werde jeden Gedanken, den Sie posten , lesen und beantworten. Vergiss nicht, mir auf Skillshare zu folgen indem du oben auf die Schaltfläche Folgen Das bedeutet, dass du als Erster erfährst, wenn ich einen neuen Kurs starte oder Werbegeschenke poste Du kannst mir auch auf Instagram bei Will Elliston folgen , um meine neuesten Arbeiten zu sehen Wenn du also deine Aquarellmalerei auf die nächste Stufe bringen willst , ist dies der richtige Kurs für dich, denn ich zeige dir, wie du locker und ausdrucksstark sein kannst und gleichzeitig ein sehr faszinierendes Ergebnis 2. Dein Projekt: Vielen Dank, dass Sie sich für diesen Kurs entschieden haben. Ich weiß es wie immer sehr zu schätzen. Ich denke wirklich, dass Sie diesen Kurs sehr nützlich finden werden diesen Kurs sehr nützlich weil wir Techniken üben werden , die sich vielleicht beängstigend anfühlen, und Sie müssen wirklich in diesen Prozess eintauchen , damit er funktioniert. Und durch dieses Loslassen und das Aquarell für sich selbst sprechen zu lassen , kommt der Zauber erst richtig zur Geltung Machen Sie sich keine Sorgen, wenn Ihre Entschlossenheit nicht ganz so ist wie meine Ich könnte nie wieder dasselbe Bild malen weil ich dem Aquarell einen Großteil der Arbeit abnehmen lasse Wir folgen dem Gemälde also, indem wir die Prinzipien des Kontrasts und der warmen Farben und der dunklen Farben und des Kontrasts von Ton oder Licht und Dunkel und Textur anwenden Wenn wir also darüber nachdenken, was fehlt oder wie man eine Komposition konstruiert, weist uns das den Weg. Wir müssen sozusagen nicht über Details nachdenken. Denn wenn man in das Bild hineinzoomt, kann man sehen, dass es eigentlich ziemlich abstrakt abgesehen von ein paar Dingen, die es zusammenhalten, es sind alles Vorschläge von Details und nicht Details selbst. Vertraue also dem Prozess, und am Ende wird dein Bild hoffentlich zusammenpassen und es wird ein Unikat sein, das Gefühl hat, was am wichtigsten ist. Im Bereich Ressourcen habe ich ein hochauflösendes Bild meines fertigen Gemäldes hinzugefügt , um Ihnen als Orientierungshilfe zu dienen. Sie können meinem Bild gerne genau folgen oder mit Ihrer eigenen Komposition experimentieren. Da wir uns auf den malerischen Aspekt der Aquarellmalerei konzentrieren werden , habe ich Vorlagen bereitgestellt, mit denen Sie die Skizze vor dem Malen übertragen oder nachzeichnen können die Skizze vor dem Malen übertragen oder nachzeichnen Es ist in Ordnung, es nachzuzeichnen, wenn Sie es als Leitfaden für das Erlernen des Malens verwenden als Leitfaden für das Erlernen des Malens Es ist wichtig, dass die Grundzeichnung korrekt ist, damit Sie sich entspannen und Spaß daran haben können , das Aquarellmedium selbst zu erlernen Welche Richtung Sie in diesem Kurs auch einschlagen, es wäre toll, Ihre Ergebnisse und die Bilder zu sehen , die Sie dabei schaffen Ich liebe es, meinen Schülern Feedback zu geben. Machen Sie danach bitte ein Foto und teilen Sie es in der Studentenprojektgalerie unter den Tabs Projekt und Ressourcen. Ich bin immer wieder fasziniert zu sehen, wie viele Schüler unterschiedliche Herangehensweisen verfolgen und wie sie mit jeder Klasse vorankommen Ich würde gerne etwas über Ihren Prozess und darüber hören , was Sie dabei gelernt haben oder ob Sie Schwierigkeiten hatten Ich empfehle Ihnen dringend , sich die Arbeiten der anderen in der Galerie der Studentenprojekte anzusehen. Es ist so inspirierend, die Arbeit des anderen zu sehen, und äußerst beruhigend, die Unterstützung Ihrer Kommilitonen zu erhalten die Unterstützung Ihrer Kommilitonen Vergessen Sie also nicht, die Arbeit der anderen zu liken und zu kommentieren. 3. Materialien und Hilfsmittel (komprimiert): Gehen wir also alle Materialien und Materialien durch, die ich in der heutigen Lektion verwenden werde. Die richtigen Materialien können das Ergebnis Ihres Kunstwerks stark beeinflussen. Also werde ich alle Materialien durchgehen, die ich für diesen Kurs und darüber hinaus verwende. ist sehr nützlich, sie Ihnen zur Verfügung zu haben, und sie werden es Ihnen leichter machen, ihnen zu folgen. Fangen wir mit den Farben selbst an. Und wie bei den meisten Materialien, die wir heute verwenden werden, hat es viel mit Vorlieben zu tun. Ich habe 12 stabile Farben in meiner Palette, die ich aus Tuben fülle. Es sind Cadmiumgelb, Cha-Gelb, gebrannte Siena, Cadmiumrot, Sarinkarminrot, Ultramarinblau, Kobaltblau, Cerliublau, Lavendel, Violett, Viduschwarz, und am Ende des Gemäldes gebrannte Siena, Cadmiumrot, Sarinkarminrot, Ultramarinblau, Kobaltblau, Cerliublau, Lavendel, Violett, Viduschwarz, und am Ende des Gemäldes verwende ich oft Weißguasch für winzige Highlights. Ich verwende keine bestimmte Marke. Diese Farben können Sie von jeder Marke bekommen. Obwohl ich persönlich Farben von Daniel Smith, Windsor Newton oder Holbein verwende Windsor Newton oder Holbein Gehen wir also zu den Pinseln über. Der Pinsel, den ich am häufigsten verwende, ist ein synthetischer Rundpinsel wie dieser Ascoda Pla-Pinsel oder dieser Van Gogh-Pinsel Sie sind sehr vielseitig, weil man sie mit ihrer feinen Spitze nicht nur für Detailarbeiten verwenden kann mit ihrer feinen Spitze nicht nur für Detailarbeiten Da sie aber viel Wasser aufnehmen können, eignen sie sich auch gut zum Waschen Sie sind auch ziemlich erschwinglich, daher habe ich einige in verschiedenen Größen Als nächstes kommen die Wischbürsten. Wischpinsel eignen sich gut für breite Pinselstriche, füllen große Flächen aus und sorgen für sanfte Übergänge oder Waschungen Sie haben auch eine schöne Spitze, die für kleinere Details verwendet werden kann Aber für wirklich kleine Details, Highlights oder alles , was mehr Präzision erfordert, verwende ich einen synthetischen Pinsel der Größe Null. Alle Marken haben sie und sie sind super billig. Ein weiterer nützlicher Pinsel ist ein chinesischer Kalligrafiepinsel Sie neigen dazu, lange Borsten und eine sehr spitze Spitze zu haben. Sie eignen sich perfekt, um Ihren Gemälden Textur zu verleihen oder dynamische Linien zu erzeugen Sie können sie sogar so auffächern, um auch Fell- oder Federtexturen zu erzielen. Und das war's für Pinsel, auf Papier. Je besser die Qualität Ihres Papiers ist, desto einfacher lässt es sich malen. Billiges Papier knittert leicht und ist sehr unnachgiebig, sodass Sie Fehler nicht Es ist schwieriger, ansprechende Effekte zu erzielen und nützliche Techniken wie das Abreiben von Pigmenten anzuwenden hochwertigem Papier, wie z. B. Papier auf Baumwollbasis, können Sie Fehler jedoch wie z. B. Papier auf Baumwollbasis, nicht nur mehrfach überarbeiten, sondern weil das Pigment viel besser darauf reagiert, ist die Wahrscheinlichkeit von Fehlern viel geringer, und es ist die Wahrscheinlichkeit von Fehlern viel geringer, wahrscheinlicher, dass Sie bessere Bilder erstellen Ich verwende Arches-Papier , weil es in meinem örtlichen Kunstgeschäft erhältlich ist Ein Wasserspray ist unbedingt erforderlich. Auf diese Weise haben Sie mehr Zeit, um die gewünschten Bereiche zu streichen, bevor es trocknet. Außerdem können Sie die Farbe reaktivieren, wenn Sie eine glatte Linie hinzufügen oder etwas Farbe entfernen möchten Ich habe auch einen alten Lappen oder ein T-Shirt, dem ich meinen Pinsel gereinigt habe Wenn Sie die Farbe entfernen, bevor Sie sie ins Wasser tauchen , hält das Wasser viel länger Es ist immer nützlich, beim Malen ein Taschentuch zur Hand zu haben , um überschüssige Farbe Außerdem weiß man nie, wann ein ungewollter Spritzer oder Tropfen auftreten könnte, der schnell weggewischt werden muss Ich habe auch eine Wasserpipette, um die Farben feucht zu halten. Beim Malen ist es wichtig, dass sie eine ähnliche Konsistenz haben wie in den Tuben Auf diese Weise ist es einfacher, ausreichend Pigment aufzunehmen. Ein Haartrockner ist nützlich , um die Trocknungszeit zu beschleunigen und die Feuchtigkeit des Papiers zu kontrollieren Und zum Schluss Klebeband. Und das ist natürlich nur, um das Papier immer noch auf der Oberfläche zu halten , damit es beim Malen nicht herumrutscht Wenn Sie bis zum Rand malen möchten, ermöglichen wir Ihnen außerdem, einen sehr klaren, sauberen Rand zu erstellen Und das ist alles, was Sie zum Mitmalen benötigen. Ich schlage vor, Sie experimentieren und alle Arten von Materialien erforschen , um herauszufinden, was zu Ihnen passt. Aber lass uns weitermachen und mit dem Malen beginnen. 4. So skizziert man es heraus: In diesem Kurs habe ich zwei Nachzeichnungsvorlagen beigefügt, eine mit einfachen Formen und eine weitere mit Details der Szene wie den Gebäuden, den Fenstern, den Autos und den Lichtern Das Erste, was Sie tun möchten, wenn Sie das selbst zeichnen , ist, eine Horizontlinie zu markieren und dann einen Punkt genau dort zu platzieren , wo alle perspektivischen Linien hinführen, den sogenannten Fluchtpunkt Ich drehe das Papier einfach, um sehr gerade Linien zu zeichnen, und das wird uns helfen, uns durch das Bild zu führen, nicht nur durch die Zeichnung, um die Tiefe zu erreichen, die wir erzeugen möchten Das wird uns eine sehr nützliche Orientierungshilfe , wenn es um Pinselstriche oder die Fertigstellung der Zeichnung geht . Und ich beginne immer mit großen Formen, also markiere ich dort einen Kreis für eines der Autos, und da wir heute während des Malprozesses durch diesen Kurs gehen , werde ich etwas mehr über die Komposition erklären. Im Moment skizzieren wir gerade, und Sie können sehen, dass ich zunächst keine Details eingebe Ich blende nur Formen aus , weil der Kern einer guten Komposition die Vereinfachung ist Wir wollen es nicht mit Details übertreiben. Wir wollen zuerst das Hauptbild, die Hauptaussage , die Hauptformen akkurat haben Wenn wir mit ein paar starken Formen ein aussagekräftiges Bild erstellen können , dann können wir als Bonus weitere Details hinzufügen . Aber es sind nicht die Details , die ein Bild ausmachen, es sind die größeren Formen und ihre Interaktionen. Ich habe Linien für das Gebäude gezogen, Umrisse, sehr einfache Blöcke, und jetzt setze ich einfach diese Kreise, um mir ein räumliches Bild davon zu machen , wo ich die Autos hinstellen möchte. Es gibt vier Autos. Eines davon ist in der Ferne so klein, es als Auto kaum vorstellbar ist. Sie können sehen, ich versuche, meine Vertikale sehr stark zu machen. Das Gleichgewicht zwischen Vertikalen und starken Horizontalen zu haben , ist auch ein angenehmer kompositorischer Trick Wenn es darum geht, diese Autos zu zeichnen, verwenden wir diesen Fluchtpunkt und diese diagonalen Linien, um die Perspektive zu korrigieren Jetzt, mit der feinen Spitze meines Bleistifts, um die Gebäude zu definieren, werden wir ein bisschen mehr Details haben ein bisschen mehr Details , nachdem wir sie ausgeblendet haben Und wir können uns so viel Zeit nehmen, wie wir wollen, um das Bild so detailliert zu gestalten, wie wir wollen, denn es ist das Rückgrat. Das ist es, was uns mit der Zeichnung wohler macht , was uns mit der Zeichnung wohler Je klarer sie ist, desto wahrscheinlicher ist es, dass unser Bild ein Erfolg wird, weil wir den Plan, die Idee dahinter kennen. Sie können sich also Zeit nehmen , um zu sehen, wie ich diese Autos zeichne, und Sie können es anhalten und verlangsamen nur um zu sehen , welche Linien ich mache. Normalerweise mache ich zuerst das Fenster oben und dann die Autolichter und dann die Motorhaube an den Rädern unten, also arbeite ich von oben nach unten Wenn man darüber nachdenkt, es insgesamt sehr einfache Formen. Sie sind ziemlich einfach zu zeichnen. Wenn du es noch nie gezeichnet hast, ist es vielleicht eine kleine Lernkurve, aber es ist immer dasselbe, wenn du Autos zeichnest. Wir müssen nicht so spezifisch sein, was verschiedene Details angeht. Es ist wirklich so, diese Autos das Einzige auf dem Gemälde sind , das viele Details enthält. Vielleicht machen wir ein paar trockene Pinselstriche für die Fenster, aber das ist sehr allgemein gehalten. Die Phase des Zeichnens besteht natürlich nur aus Linien. Wir können nicht zeigen, wo die verschiedenen Töne sein werden. Wir müssen das unserer Fantasie überlassen. Aber Sie können sehen, dass auf beiden Seiten der Straße viel leerer Raum ist. Ich füge Richtlinien für die Fenster ein , ich werde später weitermalen. Aber davon abgesehen ist es nur leerer Raum. Ich versuche immer, mir bewusst zu sein, wo dieser Fluchtpunkt ist, und ich werde ihn nicht ausradieren, weil ich auch beim Malen sehen möchte , wo er ist Irgendwann wird die Farbe es verdecken, sodass wir es nicht ausreiben müssen Jetzt wird es etwas länger dauern, bis ich die Zeichnung verfeinert habe, also werde ich zurückkommen, wenn sie vollständig fertig ist. 5. Anwenden von Maskierungsflüssigkeit: Der erste Schritt des Malvorgangs, also bevor wir die Farbe auf das Papier bekommen , besteht darin, etwas Maskierflüssigkeit aufzutragen Und wie Sie sehen, trage ich die Maskierflüssigkeit nicht direkt auf das Papier auf Ich habe hier eine etwas alte Palette und verwende einen kleinen Stift, um sie nur in die spezifischen Bereiche Und obwohl das ein bisschen knifflig erscheinen mag, wird das Ergebnis am Ende sehr wirkungsvoll sein , weil wir viel Ton verwenden und starke Kontraste nutzen werden, um Ton verwenden und das Ganze sehr fesselnd wird das Ergebnis am Ende sehr wirkungsvoll sein, weil wir viel Ton verwenden und starke Kontraste nutzen werden, um das Ganze sehr fesselnd zu gestalten. Das Weiß des Papiers beizubehalten , wird am Ende so gewagt aussehen, und die Szene, die wir heute malen, ist eine regnerische Es wird kein Licht geben. Ein Großteil des Lichts wird künstliches Licht und Straßenlaternen und ähnliches sein. Das ist es also, was diese kleinen Spuren von Maskierflüssigkeit am Ende oder auf der Straße, den Schildern, den Ladenfronten vermitteln oder auf der Straße, den Schildern, den Ladenfronten Das ist ein gutes Beispiel dafür, was ich in dieser Lektion meine. werde immer wieder darauf hinweisen , dass ich bei Einzelheiten nicht so spezifisch sein werde. Es gibt nur Vorschläge für Details, und wir überlassen es der Vorstellungskraft des Betrachters, die Lücken zu füllen, unabhängig davon, ob er sich bewusst ist oder nicht, dass wir mit unseren Details nicht so direkt sein müssen oder nicht. Sie können also nach Belieben experimentieren wenn Sie diese Maskierungsflüssigkeit auftragen Ich werde sagen, hinterlasse nicht zu viele große Spuren. Sogar diese kleinen Punkte , die ich dort auftrage, werden aufgrund des hohen Kontrasts zwischen den weißen und den dunklen Tönen sehr deutlich . Wenn Sie also Ihre Markierungen setzen oder zu viel vom Weiß des Papiers beibehalten , wirkt das überwältigend und lenkt vom eigentlichen Thema ab. Selbst wenn ich das auftrage, kannst du sehen, dass ich den Stift drehe, diesen Punkt, sodass ich die Punkte behalte, dass sie auf diesen Fluchtpunkt zeigen Ich drehe den Stick so, dass er dich in Richtung Mitte zieht Ich versuche nicht, es zu offensichtlich zu machen. Sie sind nicht alle in einer Linie zueinander, aber man kann spüren dass sie, je näher sie sich dem Fluchtpunkt nähern, näher zusammenrücken und dichter werden, und wenn sie sich zu den Rändern des Papiers hin ausbreiten, und wenn sie sich zu den Rändern des Papiers hin ausbreiten, haben sie etwas mehr Platz um sie herum 6. Den Himmel malen: Jetzt habe ich dafür gesorgt, dass ich einen Fön benutzt habe, um die Maskierungsflüssigkeit vollständig zu trocknen Ich möchte, dass du dir das endgültige Bild ansiehst, um zu sehen, wo diese erhaltenen weißen Bereiche gelandet sind Ich erwarte nicht , dass Sie dem Bild folgen , ohne es sich vorher komplett anzusehen , nur um zu sehen, wie es funktioniert, denn viel Wasserfarbe bereitet auf die Dinge gegen Ende vor. Möglicherweise tun Sie Dinge ohne Kontext, es ist immer nützlich, sich den gesamten Prozess anzusehen , bevor Sie es selbst versuchen. Ich beginne mit einem Himmel mit Cadmiumgelb und ein bisschen Blau, und ich mache es so schwach, dass es sich nicht wirklich zu einem Grün vermischt wie es Gelb und Blau normalerweise tun würden Ich möchte beim Malen einen starken Kontrast haben, also möchte ich nicht, dass der Himmel so dunkel ist Ich möchte, dass es existiert, aber sehr subtil ist. Ich verwende dafür einen großen Pinsel denn wenn Sie einen kleinen Pinsel verwenden, entsteht kein Himmel mit glattem Farbverlauf. Ich werde zu sehr ablenkend sein. Wenn am Himmel zu viel los ist, muss es nur subtil sein Ich habe mein Bild leicht geneigt. Damit das Wasser allmählich nach unten fällt und wir nutzen diese Schwerkraft, um zu kontrollieren, wohin der Wasserkühler fließt. Denn wenn das Papier flach auf der Oberfläche liegt, wissen Sie nicht, wohin das Wasser laufen wird, wenn zu viel Wasser vorhanden ist oder wo Sie Ihre Wäsche herstellen Aber wenn du eine leichte Neigung hast, weißt du immer, dass es nach unten geht und dass das Bild eine Einheit bilden wird, weil das gesamte Pigment dieses Gefühl hat, diese vertikale Essenz Also habe ich eine leichte Waschung für den Himmel gemacht, aber unten ist er ein bisschen zu blass Ich möchte, dass es unten etwas lebendiger ist, solange es noch nass ist. Ich füge etwas mehr Gelb hinzu, um ihm diesen Glanz zu verleihen. Diese erste Phase des Gemäldes ist eigentlich die einfachste , weil wir die weniger offensichtlichen Dinge malen. Wir streichen die Unterschicht. Wir können also etwas ausdrucksvoller sein. Wir müssen zu diesem Zeitpunkt überhaupt nicht über Details nachdenken . Und ich möchte das Wasser auf die Gebäude auftragen, um den Gebäuden etwas Wärme zu verleihen , als ob künstliches Licht leuchtet Und noch einmal, sieh dir das endgültige Bild an, um zu sehen, wovon ich spreche mit dem gelben Bild auf der linken Seite des Gebäudes Denn wenn wir mit einem Gemälde wie diesem beginnen, ist es leicht, sich in Gedanken zu verfangen Wir müssen bei jedem einzelnen Pinselstrich präzise und exakt sein . Aber die wahre Schönheit dieses Stücks und des Wassers im Allgemeinen liegt in seiner Spontanität, seiner Energie Und die Hauptidee dieses Kurses besteht nicht darin, sich in technischer Perfektion zu verlieren, sondern sich die Fließfähigkeit der Aquarellfarbe zunutze zu machen Und die Art und Weise, wie wir mit dem Pinsel umgehen, der Fluss des Wassers und die Unvorhersehbarkeit der Pigmente, all das haucht dem Werk Es geht darum, einen Moment oder ein Gefühl einzufangen, anstatt jedes winzige Detail zu reproduzieren Denn wenn Sie versuchen, es so nah wie möglich zu replizieren , ohne dem Aquarell zu erlauben , sein eigenes Ding zu machen, dann geht ein Großteil der Magie verloren Wenn Sie zum Beispiel dieses gelbe Leuchten des Gebäudes auf der linken Seite malen , das Wasser möglicherweise nicht genau in die gleichen Bereiche läuft das Wasser möglicherweise nicht genau in die gleichen Bereiche wie bei mir nur aufgrund der Spontanität des Mediums 7. Die erste Wäsche: Also bringe ich das Gelbe auf die Straße hinter den Autos. Und ich mache das , weil ich versuche, das Spiegelbild einer nassen Straße nachzuahmen Diese Gebäude werden also gelbes Licht haben. Der Himmel wird etwas gelb sein und es wird einfach dieses Gefühl von Licht vermitteln. Im Moment verwenden wir die Nass-in-Nass-Technik. Also vorerst nicht viele harte Kanten . also bei der Arbeit an diesem Gemälde daran, dass wir die Lebendigkeit und Bewegung der Szene vermitteln die Lebendigkeit und Bewegung der Szene Und unsere Striche müssen nicht präzise sein. In der Tat, je lockerer sie sind, desto mehr regen wir die Fantasie des Betrachters an, die Lücken zu füllen Die Ausdrucksqualität dieses Mediums macht es so mächtig Wir malen natürlich kein Foto, wir schaffen eine dynamische, evokative Interpretation , die Raum für Fantasie lässt Natürlich weiß ich, dass diese Szene ersten Blick überwältigend wirkt Es ist viel los. Wir haben Autos, Gebäude, Straßenlaternen, Reflexionen und so weiter. Aber ich möchte Ihnen versichern , dass es nicht so komplex ist, wie es scheint Und selbst für mich mache ich es manchmal komplizierter, als es sein muss Wenn ich mit dem Bild fertig bin, denke ich oft, dass ich das viel schneller hätte machen können, wenn ich dem Aquarell einfach erlaubt seine Magie zu entfalten, ohne mich einzumischen Wenn ich mich einmische, mache ich es oft komplizierter, als es sein muss Es fügt dem Bild nichts hinzu, es nimmt es weg. Es ist eine natürliche Inkarnation, es übertreiben zu wollen, um das Medium zu kontrollieren Und natürlich gehört Technik dazu. Man muss sich mit Technik auskennen, aber es ist nicht die Technik , die das Bild am Ende ausmacht. Wenn wir es aufschlüsseln, geht es eigentlich nur um Farb-, Formen- und Lichtschichten. Und wir versuchen nicht, jedes einzelne Autofenster, jeden Stein des Gebäudes, jede Straßenlaterne, jeden Straßentext zu rendern jeden Stein des Gebäudes, jede Straßenlaterne, . Wir konzentrieren uns auf die allgemeine Stimmung und Atmosphäre. Und das tun wir, indem wir die Formulare vereinfachen. Ein paar gut platzierte Striche können etwas suggerieren, ohne es vollständig zu definieren Und das ist, wenn überhaupt, das Schwierigste, diese gut platzierten Striche zu finden. Und das geschieht, wenn man forscht und furchtlos ist , und genau darum geht es in diesem Kurs Sobald wir das verstanden haben, wird der gesamte Malprozess viel zugänglicher Versuchen Sie also, sich nicht einschüchtern zu lassen, denn wenn wir locker arbeiten, befreien wir uns vom Und Sie können auf diesem Gemälde sehen, dass es in 75% der Fälle ein Chaos ist Und es sind nur die letzten paar Detailstriche am Ende, die es zusammenhalten. Jedes Bild fängt chaotisch an. Das ist nur ein Teil der Reise. In diesen groben abstrakten Anfängen beginnen wir, die Energie in das letzte Stück einzubauen Im Moment arbeite ich immer noch an dem Glanz der Gebäude, aber ich achte darauf, die Autos nicht zu übermalen Ich bringe es nur auf die Dächer der Autos runter, und abgesehen von der Mitte der Straße geht dieses Orange nicht über die Horizontlinie hinaus. Du kannst den Fluchtpunkt sehen. Im Moment geht es kaum darunter . Auch hier kannst du dir das endgültige Bild ansehen, um zu sehen, wohin ich diese Orange nehme. Eine andere Sache ist, sich nicht von hässlichen Ergebnissen abschrecken zu lassen, denn am Anfang wenn du Student bist, werden sie hässlich sein. Aber dieses hässliche Entlein wird irgendwann zu einem herrlichen Schwan Wenn Sie die Angewohnheit beibehalten, das Medium Aquarell zu respektieren und es sein Ding machen zu lassen, ohne es zu zwingen, wird es wachsen und Sie werden als Künstler reifen 8. Vorschlag über Genauigkeit: Jetzt werde ich den Waschvorgang auf die rechte Seite ausdehnen, und dafür möchte ich etwas kräftiges Rot verwenden, und ich werde mit meiner Wischbürste ziemlich ausdrucksstark sein, vielleicht sogar ein paar trockene Pinselspuren erzielen, und Sie können sehen, dass Sie vertikale Linien verwenden und auch Linien , die zum Fluchtpunkt zeigen Nur um diesen Glanz zu bekommen. Dieses rote Leuchten ist unten , wo die Straßenbeleuchtung oder die Wegweiser oder die Ladenfronten sein werden, wo das künstliche Licht aus den Fenstern und Schildern kommt und eher die Unterseite der Gebäude beleuchtet als die Oberseite Ich werde einfach meinen Pinsel reinigen und ein bisschen Wasser unten links auf der Straße verteilen, nur um etwas mehr Textur und ein Gefühl von nassen Tropfen hinzuzufügen etwas mehr Textur und ein Ich denke, was Aquarell so besonders macht, ist, dass es eher zur Anregung als zur Exaktheit einlädt Wenn wir in einen Teil dieses Gemäldes hineinzoomen, wenn Sie sich die Referenz ansehen, werden Sie feststellen, dass das, was aus der Ferne wie ein Detail aussieht , eigentlich nur ein paar Spritzer oder abstrakte gestische Markierungen sind, und das ist oder abstrakte gestische Markierungen sind, und Wir suggerieren Details, ohne dabei akribisch kleine Dinge zu malen Wenn wir eher implizieren als definieren, lassen wir diese Interaktion mit dem Betrachter und seiner Es macht ein Gemälde interaktiver und ansprechender. Wir lenken den Blick, lassen aber Raum für Interpretationen. Und der Betrachter könnte beim Betrachten der Szene sofort die geschäftige Energie der Straße spüren, das Glitzern des Lichts auf dem nassen Bürgersteig ohne jedes einzelne Auto oder jede einzelne Person sehen zu müssen Tatsächlich glaube ich nicht, dass sich in der Szene überhaupt eine Person befindet , nur ein Vorschlag , vielleicht im nur ein Vorschlag Es ist die Stimmung, es ist die Atmosphäre im Jenseits. Und der Ansatz eher etwas vorzuschlagen als wiederzugeben, ist eines der Hauptelemente, die man wirklich anwenden sollte, wenn es um Aquarelle geht Es bezieht sich auch auf andere Medien, aber es hilft dabei, ein Gemälde zu schaffen, das sich lebendig anfühlt Ich fange an, eines der Gebäude in der Ferne zu malen , und ich halte es hell und hell , weil ich die Atmosphäre verbessern möchte Realismus ist natürlich sehr beeindruckend, das Talent und die Technik , an denen sie jahrelang gearbeitet haben Aber es erlaubt dem Zuschauer nicht, die Lücken zu füllen. Es macht ein Gemälde persönlicher, aber evokativer, und genau darin liegt die wahre Kraft von Watercolor in seiner Fähigkeit, auf etwas hinzuweisen und es im Kopf des Betrachters entfalten zu lassen 9. Chaos und Kontrolle: Jetzt habe ich es komplett mit dem Fön getrocknet und fange jetzt an, und fange jetzt an die Hauptwäsche an den Gebäuden zu streichen. Ich werde einen ziemlich dunklen Ton mischen, aber wenn er ziemlich wässrig bleibt, wird es kein dickes Pigment sein Ich werde es ziemlich neutral, ziemlich braun und gedämpft halten ziemlich braun und gedämpft benutze die Spitze meines Pinsels, meines Ascoda Hinzu kommt, dass wir zwar mit Spontanität arbeiten, dennoch eine starke Grundkomposition benötigen, eine Idee in unserem Kopf, eine Idee in unserem Kopf uns durch das gesamte Bild leitet Das hilft auch dabei Blick des Betrachters durch das Bild zu lenken Hier kommt das Gleichgewicht zwischen Chaos und Kontrolle ins Spiel. Wir verwenden Komposition und Kontrast, um Ordnung in die Fluidität zu bringen Denken Sie darüber nach, wo wir die dunkelsten Werte oder die hellsten Lichter platzieren , und diese Kontraste erzeugen nicht nur Tiefe, erzeugen nicht nur Tiefe, sondern lenken auch die Aufmerksamkeit auf die Fokusbereiche des Gemäldes, was im Grunde die Horizontlinie oder der Fluchtpunkt ist, wo alles zusammenkommt ist, wo alles zusammenkommt verleiht es Struktur und Trotz des abstrakten Charakters des Gemäldes im Allgemeinen verleiht es Struktur und Zweck . Diese Struktur oder Komposition eines Gemäldes kann auf ein paar einfache Prinzipien reduziert werden, und es gibt Prinzipien, die miteinander interagieren, es ist also ziemlich dynamisch. Aber im Allgemeinen kann sich jeder an diese Prinzipien halten, unabhängig von Ihrem Kenntnisstand. Wir verlassen uns nicht auf fortgeschrittene Techniken. Stattdessen konzentrieren wir uns auf die Prinzipien der Komposition und die Elemente des Designs, die die Bausteine für jedes starke Gemälde sind. Und alle Meister und professionellen Künstler verwenden diese Kompositionsprinzipien und Designelemente, um ihre Kunstwerke hervorzuheben und ihre Kunstwerke so besonders zu machen ihre Kunstwerke hervorzuheben und . Um es ganz einfach auszudrücken Wenn wir über Komposition sprechen, sprechen wir darüber, wie wir die Elemente unseres Gemäldes anordnen , um Balance, Bewegung und Fokus zu erzeugen. Zum Beispiel verwenden wir Kontrast, um die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die Bereiche zu lenken , die am wichtigsten sind. Wir denken an Ausgewogenheit, nicht unbedingt an Symmetrie, sondern an ein visuelles Gleichgewicht, das dem Stück ein einheitliches und harmonisches Gefühl verleiht dem Stück ein einheitliches und harmonisches Gefühl Wir führen das Auge mit Bewegung durch das Gemälde , indem wir Linien, Formen oder sogar Farbübergänge Gleichzeitig helfen uns die Elemente des Designs, Dinge wie Linie, Form, Farbe, Textur und Raum, dabei, die Komposition zum Leben zu erwecken. Die Linie kann Richtung und Rhythmus vorgeben, während Kontrast zwischen Hell und Dunkel Tiefe und Stimmung verleiht. All diese Dinge fügen sich zu einem Gemälde zusammen, das sich bewusst und auch ausdrucksstark anfühlt 10. Contre-jour: Also tupfe ich hier einfach etwas von dem Orange weil es ein bisschen zu dunkel ist Ich bin hier in der Mitte. Ich will nur das Gelb zurückbringen. Also mache ich es einfach mit meinem Pinsel wieder nass , um das Gelb zurückzubekommen Also haben wir die untere Schicht aufgetragen und fangen jetzt an, darüber mit dunkleren Tönen zu arbeiten darüber mit dunkleren Tönen Wie ich bereits sagte, ist Kontrast eines der stärksten Elemente und Prinzipien von Design und Komposition. Und eines der beliebtesten Beleuchtungsschemata Sie für ein Gemälde verwenden können, ist das sogenannte Contrade Und diese Szene ist ein gutes Beispiel dafür. Es ist ein französischer Begriff, der übersetzt „gegen das Tageslicht“ bedeutet. Und bei dieser Technik wird eine Lichtquelle hinter den Objekten, in diesem Fall den Gebäuden, platziert eine Lichtquelle hinter den Objekten, in diesem Fall den Gebäuden, , wodurch ein markanter Kontrast zwischen Licht und Schatten Es ist eine mächtige Methode, die in unseren Gemälden Emotionen und Dramatik hervorrufen kann , weshalb sie für dieses Werk besonders relevant Sie können sehen, dass sie eine wichtige Rolle spielt , weil sie die Gesamtatmosphäre prägt Es macht es auch einfacher zu malen, da wir durch die Positionierung der Lichtquelle hinter Gebäuden und Straßenelementen Silhouetten erzeugen, die Positionierung der Lichtquelle hinter Gebäuden und Straßenelementen Silhouetten erzeugen, die sich von der beleuchteten Kulisse abheben der beleuchteten Kulisse abheben Dieser Ansatz steigert nicht nur das visuelle Interesse, sondern trägt auch zum Gefühl von Tiefe und Dimensionalität des Gemäldes Wenn wir die leuchtenden Straßenlaternen und die warmen Farben beobachten , die sich auf dem nassen Bürgersteig spiegeln, wird uns klar, wie Contradue es uns ermöglicht, das Zusammenspiel von Licht und Schatten zu erforschen Die hellen Bereiche ziehen unseren Blick während die dunklen Bereiche einen Spannungskontrast erzeugen, sodass sich die Szene Dieser Kontrast verstärkt die emotionale Wirkung des Gemäldes. Sie können viele dieser Contradu-Beispiele in sehr berühmten Kunstwerken oder sogar in der Fotografie William Turner oder Mone verwenden diese Technik meisterhaft in ihrer Arbeit Sie können Turner mit seinen atmosphärischen Landschaften sehen, oft gemalte Szenen, in denen das Licht der Sonne über die Leinwand fällt und dramatische Silhouetten vor hellem Himmel entstehen Und in Monets Gemälden können wir sehen, wie er mithilfe von Contrad Lebendigkeit der Natur verstärkt hat, indem er das Sonnenlicht durch Bäume dringen oder Felder mit vielen schillernden Farben erleuchten die Lebendigkeit der Natur verstärkt hat, indem er das Sonnenlicht durch Bäume dringen oder Felder mit vielen schillernden Farben erleuchten ließ. Wenn Sie also an Ihren eigenen Bildern arbeiten, sollten Sie nicht davor zurückschrecken, mit Contrade zu experimentieren. Spielen Sie mit der Positionierung Ihrer Lichtquelle und beobachten Sie wie sie Ihr Motiv verändert Beachten Sie, dass Schatten tatsächlich Formen definieren und ein Gefühl des Geheimnisvollen erzeugen können Formen definieren und ein Gefühl des Geheimnisvollen erzeugen , das den Betrachter dazu einlädt genauer hinzuschauen und sich zu engagieren Contradur ist also mehr als nur eine Technik. Es ist eine Möglichkeit, die Beziehung zwischen heller und dunkler Energie und Ruhe auszudrücken zwischen heller und dunkler Energie und Ruhe Es ermöglicht uns, die emotionale Tiefe unserer Themen zu erforschen und durch unsere Pinselstriche eine Geschichte zu vermitteln . Wenn wir mit diesem Bild weitermachen, sollten wir uns die Macht von Licht und Schatten vor Augen halten und daran, wie Contradur uns helfen kann, aufregendere und einladendere Bilder zu schaffen aufregendere und einladendere Bilder Also habe ich mit den Hauptformen auf der linken Seite begonnen und verwende nur die Spitze meines Pinsels, um die Waschung bis an die äußersten Kanten dieser Autos zu bringen die Waschung bis an die äußersten Kanten dieser Autos Versuche noch nicht, die Autos zu übermalen. Jetzt verwende ich ein dunkles Pigment , nur um den Kontrast zwischen dem Auto und dem Straßenboden zu erzeugen . Und Sie können sehen, wie die Maskierflüssigkeit das Papier immer noch konserviert, und wir brauchen diesen Kontrast damit das Weiß des Papiers zum Vorschein kommt. 11. Die Prinzipien der Komposition: Lassen Sie uns nun etwas mehr über die Prinzipien und Elemente der Komposition sprechen die Prinzipien und Elemente der Komposition denn es sind diese Dinge, die Ihnen helfen können, Ihre eigenen Kompositionen und Ihre eigenen Bilder zu entwickeln. Wenn du diese Prinzipien kennenlernst, wirst du besser verstehen was ich erreichen möchte und was andere Künstler erreichen wollen. Du kannst diese Dinge in anderen Kunstwerken erkennen , die dir gefallen könnten, und du kannst sie in deine eigenen integrieren. ich sie durchgehe, wirst du feststellen, dass es tatsächlich viele Überschneidungen gibt , weil alles sehr dynamisch ist und sie sich aufeinander beziehen, obwohl sie technisch gesehen nicht identisch sind Das erste, über das wir sprechen werden, ist Gleichgewicht oder Symmetrie und Asymmetrie Bei der Ausgewogenheit in der Komposition geht es darum, ein Gefühl von Stabilität und Harmonie in einem Dies ist eines der wichtigsten Prinzipien, anhand derer wir den Blick des Betrachters lenken und ein einheitliches Gefühl in unserer Arbeit erzeugen ein einheitliches Gefühl in unserer Arbeit Beim Aquarell bedeutet Ausgewogenheit nicht, dass alles symmetrisch oder auf beiden Seiten gleich gewichtet sein muss Es geht darum, wie wir visuelle Elemente verteilen , unabhängig davon, ob Farben, Formen oder Werte ein Gefühl des Gleichgewichts als Ganzes erreichen Symmetrie bezieht sich auf die Herstellung eines Gleichgewichts durch Spiegelung von Elementen auf beiden Seiten der Komposition Denken Sie an eine Spiegelung im Wasser oder ein perfekt zentriertes Gebäude in einer Landschaft Symmetrie ruft oft ein Gefühl von Ruhe oder Ordnung und beispielsweise in einer Straßenszene ein großes Objekt wie ein Gebäude mit gleichen visuellen Elementen auf beiden Seiten platzieren wie ein Gebäude , kann ein ausgewogenes und harmonisches Gefühl erzeugt Symmetrische Kompositionen können geformt oder strukturiert werden, was ihnen eine zeitlose klassische Qualität verleiht. Wir müssen jedoch vorsichtig mit Symmetrie umgehen, denn wenn alles zu perfekt ausbalanciert ist, kann es sich manchmal ein wenig erfunden, ein bisschen statisch oder vorhersehbar anfühlen ein bisschen statisch oder Es eignet sich hervorragend für bestimmte Effekte, aber wenn Sie es zu oft verwenden, kann das Gefühl der Komposition weniger Ein anderes Beispiel könnte eine Landschaft sein. Wenn Sie auf beiden Seiten symmetrische Bäume haben, während das Gleichgewicht erhalten bleibt, fühlt sich der Betrug möglicherweise etwas zu strukturiert an und es fehlt ihm an Bewegung oder Energie. Hier kommt die Asymmetrie ins Spiel. Asymmetrie verleiht einem Gemälde ein Gefühl von Energie, Bewegung und Interesse Es geht darum, mithilfe verschiedener Elemente auf beiden Seiten der Komposition ein Gleichgewicht herzustellen mithilfe verschiedener Elemente auf beiden Seiten der Komposition Aber es sind keine gespiegelten Bilder. Stattdessen könnten wir eine größere Form auf der einen Seite platzieren und sie ausgleichen , sodass wir auf der anderen Seite eine Gruppe kleinerer Elemente haben Es ist immer noch ausgewogen, aber auf eine Weise, die sich spontaner und dynamischer anfühlt. Bei dieser Straßenszene kann man zum Beispiel erkennen, dass sie nicht auf beiden Seiten symmetrisch, aber ziemlich ausgewogen ist. Auf der linken Seite haben wir große Gebäude und auf der rechten Seite haben wir auch Gebäude, aber sie sind nicht symmetrisch, sondern gleich gewichtet. Gleiche gilt für die Autos, obwohl wir die Autos noch nicht einmal lackiert haben, können wir sehen, dass es zwei Autos auf der einen Seite und zwei Autos auf der anderen Seite gibt. Aber du hast ein kleineres Auto mit einem größeren Auto, und es gleicht sich aus, wenn du sie dir im Maßstab vorstellen kannst Es gleicht sich aus, weil das größere Auto weiter von der Mitte entfernt ist und die beiden größeren, anderen Autos nicht so weit entfernt sind, sondern näher an der Mitte Es gibt aber auch andere Möglichkeiten, das visuelle Gewicht zu verteilen. Wir können die Straßenlaternen benutzen. Wir können möglicherweise Zahlen verwenden. Das Bild bleibt also ausgewogen, fühlt sich aber lebendiger und weniger vorhersehbar an als strenge Symmetrie 12. Ausgeglichenheit: Jetzt fühle ich mich etwas mutiger, also verwende ich ein sehr dickes Pigment und mache mit dieser violetten Mischung weiter , die ich auf meiner Palette gemischt habe Und ich möchte, dass es dick weil es sich integriert, wenn wir später mehr Wasser hinzufügen, und es wird einige spontane Effekte erzeugen Auch hier lassen wir Wasserfarben ihre Magie entfalten. Ich habe also keine Angst davor , das dicke Pigment hier wirklich aufzutragen Im Moment sind es sehr trockene Pinseleffekte. Ich plane auch für die Zukunft. Sie können also auf dem endgültigen Bild wieder sehen , dass wir hier lila haben. Wir haben Orange und ich werde dort auch Türkisgrün hinzufügen. Und das sind Tertiärfarben. Wenn Sie Primärfarben hätten, würden Sie sich das Farbrad mit den Primärfarben ansehen und dann das Farbrad nach hinten drehen, würden Sie sehen, dass sie wie die Primärfarben in einer Reihe angeordnet sind: Lila, Türkis, Grün und Orange Sie arbeiten auf wunderschöne Weise zusammen, ein bisschen wie Komplementärfarben, aber auf drei Arten und nicht auf zwei Arten. Ich weiß also, dass wir viel von diesem Rot vertuschen, aber dieses Rot ist ein nettes Pigment, weil es das Papier befleckt, und später verwenden wir ein Palettenmesser oder Sie können ein normales Messer verwenden oder Sie möchten, dass ein Lineal einen Teil des Pigments wegkratzt und etwas von der lebendigen Farbe darunter freilegt. Aber Sie werden sehen, wenn wir später darauf zurückkommen. Ich erkläre nur, was meine Absichten für die Zukunft sind. Aquarell eignet sich aufgrund seiner spontanen Natur besonders für Asymmetrie Wir können eine Waschung ungleichmäßig über das Papier fließen lassen oder einen Bereich hell und luftig lassen, während der andere mit kräftigen, dunkleren Tönen und Texturen gefüllt ist dunkleren Tönen Asymmetrische Kompositionen fühlen sich oft organischer an, wie die natürliche Welt selbst, in der die Dinge in einem Spiegelbild selten perfekt ausgewogen sind , aber dennoch ein Gefühl von Harmonie bewahrt Es ist auch wichtig , das visuelle Gewicht zu berücksichtigen, wenn es um das Gleichgewicht geht , denn visuelle Gewicht bezieht sich darauf, wie viel Aufmerksamkeit verschiedene Elemente in der Ein großes dunkles Objekt zieht das Auge also von Natur aus stärker auf sich als ein kleines, helles Objekt. Also können wir mit diesen Beziehungen spielen , um ein Gleichgewicht zu erreichen. Ein kleines, aber farbenfrohes Auto könnte ein viel größeres Gebäude in neutralen Tönen ausgleichen ein viel größeres Gebäude in neutralen Tönen weil die Farbe die Aufmerksamkeit auf sich zieht Ebenso könnte ein dunkler, stark detaillierter Baum durch einen hellen, offenen Himmel auf der anderen Seite des Gemäldes ausgeglichen werden auf der anderen Seite des Gemäldes Es geht nicht immer um Größe. Manchmal geht es um Farbe, Textur oder sogar darum, wie belebt oder ruhig ein Bereich im Gemälde ist. Eines der aufregenden Dinge an Asymmetrie ist, wie sie ein Gefühl von Bewegung erzeugt Wir wollen natürlich kein perfektes Gleichgewicht haben, denn das Auge bewegt sich auf natürliche Weise um das Bild herum und erkundet verschiedene Elemente Diese Bewegung hält den Betrachter bei der Stange und ermutigt ihn, zu verweilen und neue Details zu entdecken. Sie gibt uns auch die Möglichkeit, mit der Richtung zu spielen, indem wir den Blick vielleicht auf einen Brennpunkt lenken oder ihn auf einem Pfad entlang der Straße, des Flusses oder der Straßen führen lenken oder ihn auf einem Pfad entlang , den Bürgersteig hinauf, wo auch immer Der beste Weg, sich mit der Balance vertraut zu machen, egal ob sie symmetrisch oder asymmetrisch ist, besteht darin, zu experimentieren mit verschiedenen Kompositionen zu spielen in Ihren Skizzen Versuchen Sie, für eine symmetrische Komposition einen Mittelpunkt genau in der Mitte zu platzieren , fast so wie bei diesem Schieben Sie ihn dann aus Gründen der Asymmetrie zur Seite und beobachten Sie, wie sich die Energie des Gemäldes verändert, wenn Sie solche Dinge tun 13. Verwenden von Kontrast: Und denken Sie immer daran, dass Ausgewogenheit nicht bedeutet, dass alles gleich ist. Es bedeutet, dass sich alles zusammen richtig anfühlt. Egal, ob Sie Symmetrie für Ruhe und Ordnung oder Asymmetrie für Energie und Bewegung verwenden Ordnung oder Asymmetrie für Energie und Wir möchten, dass sich unsere Kompositionen so anfühlen , als würden sie harmonisch zusammenwirken, auch wenn wir uns die wunderschöne Unvorhersehbarkeit von Aquarell zunutze die wunderschöne Unvorhersehbarkeit von Aquarell zunutze Ich weiß, dass in dem Bild, das ich mache, viele Dinge passieren, und ich erkläre nicht unbedingt jeden einzelnen Schritt, welche spezifischen Farben ich verwende usw. usw. Aber wenn du meine anderen Kurse gesehen hast, kannst du dort meine Palette sehen und du kannst wissen, welche Farben ich habe, und du kannst sehen, wie ich sie mische und du kannst in jedem Abschnitt zurückspulen Ich denke sogar, dass es wichtiger ist und du wirst mehr Wachstum in deinen Bildern finden wenn du diese Prinzipien hörst Und Konzepte über Kunst im Allgemeinen. diesem Sinne Lassen Sie uns in diesem Sinne zum nächsten Prinzip übergehen, das ist natürlich der Kontrast. Er ist eines der mächtigsten Werkzeuge, die wir haben, um unseren Aquarellen visuelles Interesse, Tiefe und Fokus zu verleihen unseren Aquarellen visuelles Interesse, Tiefe und Fokus Es geht im Wesentlichen um Gegensätze. Hell gegen dunkel, weich gegen hart, glatt gegen rau, warm gegen kalt usw. und so weiter, und wie diese Gegensätze zusammenwirken können, und wie diese Gegensätze um den Blick des Betrachters zu lenken, ein Gefühl von Dramatik zu erzeugen und bestimmte Bereiche unserer Malerei in den Fokus zu rücken Normalerweise denken wir als Erstes an hell und dunkel, wenn es um Kontrast geht hell und dunkel, wenn es um Kontrast geht Und das wird als Wertkontrast bezeichnet. Indem wir helle Werte neben dunklen Werten platzieren, erzeugen wir einen markanten visuellen Unterschied , der Aufmerksamkeit erregt. den Kontrast zwischen Licht und Dunkelheit heben wir bestimmte Bereiche eines Gemäldes hervor. Zum Beispiel in diesem Gemälde, am Fluchtpunkt, an dem all diese Lichter zusammenkommen, wo es sehr dicht mit Maskierungsflüssigkeit Wir haben einen konzentrierten Fleck kontrastreicher Bereiche, der den Fokus wirklich auf diesen Bereich lenkt Und Sie können sehen , dass sich dieser Kontrast fast auflöst, wenn wir ihn erweitern , weil er nicht so dicht oder nah beieinander ist Nehmen wir an, wir wollten dieser Szene Figuren hinzufügen. Weißt du, wir malen eine Straßenszene bei Sonnenuntergang. Wenn wir wollten, dass sich der Betrachter auf eine bestimmte Figur oder ein bestimmtes Gebäude konzentriert , könnten wir es vor einem kontrastierenden Hintergrund platzieren. Stellen Sie sich vor, eine Figur in einem weißen Hemd steht vor einem dieser dunklen Gebäude, beschatteten Wänden Das helle Hemd wird aufgrund des starken Kontrasts zwischen den hellen und dunklen Werten sofort die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich aufgrund des starken Kontrasts zwischen den hellen und dunklen Werten sofort die Aufmerksamkeit des Betrachters auf starken Kontrasts zwischen den hellen und dunklen Werten sofort die Und auf der anderen Seite, wenn dieselbe Figur eine dunkle Jacke tragen und an einer ähnlich dunklen Wand stehen würde, würden sie mit dem Hintergrund verschmelzen, und der Kontrast wäre viel schwächer und die Figur viel weniger auffällig Der Kontrast zwischen hellen und dunklen Werten ist entscheidend für die Schaffung von Tiefe. Bei Aquarellfarben neigen wir dazu, Bereiche in die Ferne zurückzudrängen, und dunklere Waschungen, um Elemente nach vorne zu ziehen Und Sie können sehen, dass wir im Vordergrund an den Rändern des Papiers Pigmente verwenden, Vordergrund an den Rändern des Papiers Pigmente verwenden, sehr dick, sehr schwarz, und in der Mitte in der Ferne ist das das hellste Gebäude, das wir haben, dieser violette Ton, den wir da und in der Mitte in der Ferne ist das das hellste Gebäude, das wir haben, dieser violette Ton, den wir Aber das geht über eine Stadtszene hinaus. Dies könnte eine Landschaft mit fernen Bergen sein , die in sanften Hellblau- und Grautönen gestrichen sein könnten , während die Bäume im Vordergrund in dunklen Grau- und Brauntönen gehalten sind Es ist also der Kontrast zwischen Hell und Dunkel, der ein Gefühl von Tiefe und Freiheit erzeugt 14. Verlorene und gefundene Kanten: Und dann gibt es harte und weiche Kanten oder, wie es manchmal bekannt ist, verlorene und gefundene Kanten. Natürlich sind harte Kanten dort, wo eine Form oder Farbe scharf endet und eine andere beginnt, wodurch eine definierte Grenze entsteht. Dann haben wir weiche Kanten, bei denen natürlich zwei Bereiche sanft ineinander übergehen. Und in manchen Fällen ist es so allmählich, dass Sie die Kante gar nicht sehen können. Es ist eine verlorene Kante, wie man sie nennt, weil es keine klare Trennung gibt. Beim Aquarell haben wir viel Kontrolle über die Kanten und wie viel Wasser wir verwenden und wie wir die Farbe auftragen Harte Kanten können mit weniger Wasser erzeugt werden indem man eine Farbschicht vollständig trocknen lässt , bevor die nächste hinzugefügt wird Im Gegensatz dazu können weiche Kanten durch die Verwendung von Nass-in-Nass-Techniken erzielt werden, denen Farben verschmelzen und ineinander übergehen Ein Großteil dieses Gemäldes ist nass und nass. Und wenn Sie jetzt auf den Bildschirm schauen, können Sie sehen, wo sich die harten Kanten und die weichen Kanten befinden. Im Moment gibt es viele weiche Kanten, viele undefinierte Bereiche Aber wenn wir das Bild zu Ende bringen, werden Sie später mehr harte Kanten sehen, weil wir uns im Moment auf werden Sie später mehr harte Kanten sehen, weil wir uns im Moment das Nasse auf das Nasse konzentrieren, also sind die weichen Kanten genau das, wo sich die weichen Kanten wirklich auszeichnen Harte Kanten eignen sich hervorragend, um die Aufmerksamkeit auf bestimmte Bereiche des Gemäldes zu lenken, z. B. auf den Brennpunkt. Zum Beispiel, wenn wir all diese Straßenlaternen malen, die wir wiederum, am Fluchtpunkt, harte Kanten verwenden könnten Wenn wir die Maskierflüssigkeit wegnehmen, es sehr harte Kanten sein weil die Maskierflüssigkeit diese harten Kanten hat, keine allmählichen Kanten keine Wir möchten vielleicht einige davon weicher machen, aber mit dem, was ich später mache, können Sie sich zum Beispiel was ich später mache das endgültige Referenzbild ansehen Die Lichter an den Autos, obwohl wir Klebeband verwendet haben und es eine harte Kante hat sie sogar weicher, weil ich nicht möchte, dass sie so viel Aufmerksamkeit auf sich ziehen, weil sie nicht im Mittelpunkt stehen Ich möchte nicht, dass sie von der zentralen Schublade der Komposition ablenken der zentralen Schublade der Komposition Das ist es, was harte Kanten bewirken. Weiche Kanten können verwendet werden, um ein Gefühl von Atmosphäre oder Distanz zu erzeugen . In dieser Szene können Sie sehen , weit entfernte Gebäude weichere Kanten haben, was natürlich darauf hindeutet, dass sie weiter entfernt sind , und wir sehen sie durch den Smog der Stadt oder den Nebel oder die Sicht, die in der Dämmerung untergeht Dieser Kontrast zwischen dem Vordergrund mit harten Kanten und Hintergrund mit weichen Kanten als Tiefe Es gibt eine Menge Dinge zu beachten, weil wir uns überlegen müssen, wie wir sie in Ihre Komposition integrieren können Aber durch Wiederholung können Sie diese Konzepte beibehalten und Sie werden feststellen, dass sie durch Intuition in Ihrer Arbeit niederschlagen Sie müssen nicht einmal darüber nachdenken. Sie haben ein Gefühl dafür, was sich irgendwann richtig anfühlt. Aber wie ich denke, es ist Wiederholung. Dann hast du glatte und raue Texturen. Texturkontrast ist ein weiteres leistungsstarkes Werkzeug, insbesondere bei Aquarellfarben, wo wir Texturen erzeugen können, indem wir variieren, wie wir die Farbe auftragen und welche Art von Pinselstrichen wir verwenden Glatte Texturen lassen sich natürlich auch durch kontrolliertes Waschen erzielen, während grobe Texturen mit Trockenpinseltechniken oder durch Spritzen oder Abheben der Farbe mit einem Schwamm oder Abkratzen erzeugt werden können Trockenpinseltechniken oder durch Spritzen oder Abheben der Farbe mit einem Schwamm oder Abkratzen 15. Glatt und rau: Stellen Sie sich vor, wir streichen eine gepflasterte Straße. Wir könnten grobe oder gebrochene Pinselstriche verwenden , um die Textur der Steine zu suggerieren, die sich von der sanften Farbe des Himmels darüber Dieser Kontrast zwischen glatter und rauer Textur verleiht dem Gemälde taktiles Interesse und lädt den Betrachter ein, sich die Haptik der verschiedenen Oberflächen vorzustellen Der Kontrast in der Textur kann auch ein Gefühl von Abwechslung und visueller Spannung erzeugen Wenn alles auf dem Bild dieselbe Textur hat, egal ob alles glatt oder grob ist, kann sich die Komposition eintönig anfühlen Indem wir die Texturen variieren und glatte Bereiche neben groben und so platzieren , können wir dafür sorgen, dass sich der Blick des Betrachters im Bild bewegt, was es ansprechender macht Lassen Sie uns nun über den Farbkontrast sprechen, insbesondere zwischen warmen und kühlen Farben. Dies ist eine weitere effektive Möglichkeit, Ihrem Gemälde Dynamik zu verleihen Warme Farben wie Rot, Orange und Gelb neigen dazu, in der Komposition voranzukommen Sie fühlen sich dem Betrachter näher. Kühle Farben wie Blau, Grün und Violett neigen dagegen dazu, sich zurückzuziehen, wodurch ein Gefühl von Wir können diesen Temperaturkontrast nutzen , um Tiefe zu erzeugen oder bestimmte Bereiche hervorzuheben Wenn ich mir die Szene ansehe, die wir heute malen, habe ich diese Regel fast gebrochen , weil ich coole Farben im Vordergrund habe und ich habe dieses leuchtende orangegelbe Gelb bis in die Ferne reicht Ich habe vielleicht diese entfernten Gebäude in Violett, was als coole Farbe angesehen werden kann, aber es zeigt, dass man manchmal Regeln brechen kann Aber wenn ich dieses Bild noch einmal malen und über alle Aspekte nachdenken würde dieses Bild noch einmal malen und , würde sich die Komposition vielleicht verbessern, wenn ich die warmen Farben im Vordergrund belassen würde und nur kühle Farben in der Ferne hätte Es gibt auch einen emotionalen Aspekt, wenn es um Farben geht. Normalerweise rufen warme Farben ein Gefühl von Wärme hervor, natürlich Energie und Licht, während kühle Farben ruhige Gelassenheit und manchmal sogar Melancholie hervorrufen ruhige Gelassenheit und manchmal sogar In einem abstrakteren Sinne möchten wir also vielleicht warme und kühle Farben verwenden, um Bewegung und Fokus in der Komposition zu erzeugen, einen warmen roten Spritzer in einem ansonsten kühlen Bereich Tatsächlich werden wir das auf der linken Seite tun. Sie können diese kleinen roten Markierungen sehen. Ich habe in der letzten Phase des Gemäldes darauf gespritzt. Dieser Kontrast zwischen Rot Blau erregt aufgrund dieses starken Kontrasts in der Farbtemperatur sofort die Aufmerksamkeit die 16. Das Auge des Betrachters führen: All diese Kompositionsprinzipien sollen also helfen, die Augen des Betrachters auf unterschiedliche Weise zu lenken, und der Kontrast ist da keine Ausnahme. Indem wir Bereiche mit hohem Kontrast strategisch neben Bereichen mit geringem Kontrast platzieren , können wir den Fluss der Komposition kontrollieren und sicherstellen, dass das Auge des Betrachters dort landet, wo wir es haben möchten. Nehmen wir zum Beispiel an, wir malen eine geschäftige Marktszene. Die Gesamtszene könnte mit vielen Mitteltonwerten und weichen, verschwommenen Texturen gefüllt sein Mitteltonwerten und weichen, verschwommenen Texturen Aber wir könnten eine Figur mit scharfen Details und starkem Wertekontrast in den Vordergrund stellen , vielleicht eine dunkle Figur vor einem hellen Hintergrund, und das würde die Aufmerksamkeit des Betrachters aufgrund des Kontrasts sofort auf diese Aufmerksamkeit des Betrachters Figur lenken und sie zum Mittelpunkt des Gemäldes machen Und von dort aus kann das Auge des Betrachters die Details der Umgebung erkunden, aber dieser anfängliche Punkt mit hohem Kontrast dient als visueller Anker. Und Kontrast kann auch dazu beitragen , einem Gemälde einen Rhythmus den Blick des Betrachters auf eine Reise zu lenken. Nach diesem ersten, diesem visuellen Anker, der das Bild in einer Landschaft erkunden kann, könnten wir also der das Bild in einer Landschaft erkunden kann, zwischen Bereichen mit hellen und dunklen Werten wechseln , um den Blick vom Vordergrund zum Mittelgrund und dann zu den fernen Horizonten zu lenken und dann zu den fernen Horizonten Der Kontrast trägt dazu bei, ein Gefühl von Bewegung und Fluss zu erzeugen und das Gemälde dynamischer und ansprechender Und dann können wir die Idee eines ausgewogenen Kontrasts mit einbeziehen . Kontrast ist zwar ein mächtiges Mittel, es ist auch wichtig, ihn mit Bedacht einzusetzen, denn zu viel Kontrast kann dazu führen, dass sich ein Bild chaotisch oder überwältigend anfühlt, während zu wenig dazu führen kann, dass es sich flach oder leblos anfühlt Der Schlüssel liegt darin, ein Gleichgewicht zu finden , das der Stimmung und der Botschaft des Stücks entspricht Was möchtest du vermitteln? Solche Fragen müssen Sie sich wirklich stellen, bevor Sie mit einem Gemälde beginnen. Natürlich denken Sie daran, während Sie malen, aber wenn Sie sich ein Thema ansehen, müssen Sie sich fragen: Was versuche ich zu vermitteln? Behalte diese Botschaft und Idee fest im Kopf. Und dann werden Sie in der Lage sein, diese Kompositionsideen um diese Idee herum zu strukturieren . Beim Aquarell haben wir den Vorteil, dass wir mit Transparenz arbeiten, was sich von Natur aus für subtile Kontraste eignet Wir müssen uns nicht wirklich auf harte oder krasse Gegensätze verlassen, um Wirkung zu erzielen Wie Sie auf diesem Gemälde sehen können , tun wir jedoch genau Wir verwenden intensiven Kontrast , weil dieses Gemälde genau das ist, was ich in diesem Gemälde vermitteln wollte. Es ist eine regnerische Szene bei Sonnenuntergang in einer Stadt, und vielleicht eilen die Leute nach Hause, sodass der Kontrast das Gefühl der Energie verstärkt Nun, wenn es eine ländliche Szene ohne Autos und nicht viele Figuren wäre, wollte ich vielleicht vermitteln, dass dort Ruhe herrscht, also würde ich vielleicht nicht so harte Gegensätze verwenden , um Wirkung zu erzielen Manchmal reicht der kleinste Kontrast zwischen einer sanften und einer etwas dunkleren Waschung einer sanften und einer etwas dunkleren Waschung aus, um Tiefe und Interesse zu erzeugen , je nachdem , welche Botschaft Sie vermitteln möchten Es gibt ein ganzes Spektrum dieser Kontraste und Elemente , die sich in die Botschaft integrieren, die Sie vermitteln möchten So können Emotionen und Gefühle in Ihre Bilder einfließen 17. Beispiele für Kontrast: Sie können sehen, ich fange an, mit meinem Spachtel die Farbe wegzukratzen, und Sie müssen das bei einem gewissen Grad an Nässe tun Es kann nicht absolut durchnässt sein. Das Pigment muss formbar sein. Owise, du wirst sehen, dass es zurückläuft. Sie können sogar sehen, wenn ich es auf der linken Seite versuche, können Sie die leuchtenden Farben darunter sehen, aber weil es immer noch so nass ist, werden sie danach sofort verdeckt Also muss ich aufpassen, dass ich es nicht übertreibe oder vielleicht etwas später warte und wiederkomme, weil es ein bisschen zu nass Ich kann große Abschnitte auf diese Weise bewegen, aber ich kann noch keine feinen Linien zeichnen, wie ich es auf der anderen Seite getan habe Wir können sehen, wie die Farbe, die das Papier darunter befleckt hat, durchkommt. Und amüsanter Farbüberschuss auf der Oberfläche dieses Palettenmessers , der Details des Gebäudes suggeriert Es ist nicht notwendig , das so zu machen, aber ich denke, warum nicht? Ich habe die Farbe auf meiner Palette? Es muss nicht sehr detailliert sein. Es ist eher ein Vorschlag für Details als ein sorgfältig durchdachtes und durchdachtes Detail. Falls Sie es noch nicht bemerkt haben, können Sie sehen, dass ich links neben der Anzeige, auf der linken Straßenseite, Linien hinzugefügt habe , um die Aufmerksamkeit des Betrachters in die Mitte zu lenken. Und inzwischen können Sie beginnen, sich umzuschauen , wenn Sie sich im Uhrzeigersinn bewegen, die Komposition, all die verschiedenen Linien, die ich angedeutet habe , um eine Art oder ein Bild in der Mitte zu suggerieren , wo der Fluchtpunkt ist Lassen Sie mich Ihnen einige Beispiele für Kontraste in Aquarellfarben geben Kontraste in Aquarellfarben zum Beispiel ein Stadtbild ausprobieren möchten, Wenn Sie zum Beispiel ein Stadtbild ausprobieren möchten, können Sie Kontrast zwischen harten und eckigen Formen der Gebäude und dem sanft fließenden Himmel oder den Wasserreflexionen darunter verwenden Gebäude und dem sanft fließenden Himmel oder den Wasserreflexionen darunter Die starren geometrischen Linien der Architektur stehen im Kontrast zu den flüssigen, unvorhersehbaren Waschungen, und es entsteht eine dynamische Spannung die dem Gemälde ein lebendiges Gefühl verleiht Bei einem Porträt kann der Kontrast genutzt werden, um das Gesicht hervorzuheben, indem helle Hauttöne vor einem dunklen Hintergrund platziert Der Kontrast zwischen Hell und Dunkel lenkt die Aufmerksamkeit auf die Merkmale des Motivs verleiht dem Bild ein Gefühl von Schärfe und Tiefe. Und dann kann man es sogar mit abstrakten Stücken in Verbindung bringen. Wir könnten mit Kontrasten in der Textur spielen, indem glatte, gleichmäßige Waschungen und einige Bereiche mit groben Textstreben Im Moment passiert hier in den Gebäuden eine Menge passiert hier in den Gebäuden Es ist völlig abstrakt. Sie müssen sich also wirklich keine Gedanken darüber machen, zu viele Details hinzuzufügen , da es sich nur um Gedanken darüber machen, zu viele Details hinzuzufügen eine ganze Mischung aus weichen und hohen Texturen handelt Wir brauchen nur ein paar Dinge, um es zu verankern. Und diese Dinge, die ich erwähne, sind es, die es verankern. Es scheint zwar ein einschüchterndes Gemälde zu sein, versuchen, sich an diese Dinge zu erinnern, können Sie herausfinden, wie Sie das Chaos kontrollieren Der Kontrast sorgt dafür, dass sich die Augen des Betrachters über das Bild bewegen, wodurch ein Gefühl von Energie und Aufregung entsteht, auch wenn manchmal kein klares Thema oder eine klare Erzählung vorliegt Die Beziehung zwischen den Elementen, sei es durch helle oder dunkle Textur oder Farbe, ist also sei es durch helle oder dunkle Textur oder wichtig. 18. Schwerpunkt: Sie können also jetzt anfangen zu verstehen , was diese Prinzipien bewirken sollen, und ihr Hauptzweck besteht darin, die Augen des Betrachters, der Zuschauer, zu lenken. Und wohin wollen wir diese Zuschauer führen ? Der Mittelpunkt. Jedes Gemälde braucht einen Schwerpunkt, und es ist auch ein verloren gegangenes Gemälde. Und wie können wir den Schwerpunkt verdeutlichen Das ist das nächste Prinzip, das Betonung genannt wird Es ist eines der wichtigsten Kompositionsprinzipien weil es uns wirklich Kontrolle darüber gibt, wohin die Aufmerksamkeit des Betrachters geht? Wir wollen nicht, dass jeder Teil des Bildes die gleiche Aufmerksamkeit erfordert. Andernfalls wird es überwältigend und schwierig, sich zurechtzufinden. Stattdessen können wir Betonung verwenden um den Blick des Betrachters auf bestimmte Bereiche zu lenken. Manchmal können wir mehrere Schwerpunkte wenn sie helfen, eine Geschichte des Stücks zu erzählen, aber normalerweise ist es nur einer. Es muss nur eine einfache kleine Idee sein, wie der Punkt, an dem man verbannt werden soll. Letzten Endes geht es darum , eine Hierarchie in Ihrem Bild zu schaffen, einen klaren visuellen Pfad , dem jemand folgen kann Es ist, als ob du jemanden durch die Erfahrung führst , dir deine Arbeit anzusehen. Regel ist der Schwerpunkt der Bereich mit dem höchsten Kontrast, größten Kontrast oder dem Interesse oder der Bedeutung in der Komposition. Hier soll der Betrachter innehalten und sich konzentrieren, bevor er den Rest des Gemäldes erkundet. Aquarell mit seiner inhärenten Fließfähigkeit und Fähigkeit kräftige Kontraste zu erzeugen, bietet uns so viele Möglichkeiten, mit Betonung zu spielen, unabhängig davon, ob wir Farbe, Wert, Textur oder Kontrast verwenden Wert, Textur oder Wir können Bereiche schaffen, die auffallen und die Blicke auf sich ziehen. Aber der Mittelpunkt muss nicht immer in der Mitte einer Komposition liegen. Tatsächlich fühlt sich das Gemälde manchmal etwas dynamischer an, wenn es etwas außerhalb der Mitte platziert wird, wie wir es hier getan haben . Es gibt also viele Möglichkeiten den Blick auf den Brennpunkt zu lenken. Wir haben bereits über Kontrast gesprochen. Dies ist eine der wichtigsten einfachen Möglichkeiten, dies zu tun. Wir haben über Farbe und den Farbkontrast oder die Lebendigkeit der Farben gesprochen , die den Schwerpunkt Vielleicht ist in einer Landschaft die gesamte Szene in sanften RV-Tönen gemalt, aber es gibt eine Figur in einer leuchtend gelben Jacke , die durch ein Feld geht, und das wird die Aufmerksamkeit definitiv auf den Mittelpunkt Dann haben wir Schärfe und Detailgenauigkeit. Ich habe gesagt, dass das nur begrenzte Details enthält. Es wird viel abstrakt, aber eine Möglichkeit, Akzente zu setzen , besteht darin, Details und Schärfe nur in einem Bereich des Gemäldes zu verwenden und Schärfe nur in einem Bereich des Gemäldes die anderen Teile abstrakt oder verschwommen zu lassen die anderen Teile abstrakt Wenn wir also eine Szene malen, müssen wir nicht alles gleich detailgetreu rendern Tatsächlich besteht ein Teil der Magie von Aquarellfarben darin, wie wunderbar es uns ermöglicht, Details zu suggerieren, ohne alles buchstabieren Wenn Sie Ihre eigenen Stadtszenen oder Stadtlandschaften gestalten möchten, können Sie sich auf ein Gebäude konzentrieren und es mit scharfen Linien und markanten Fenstern rendern scharfen Linien und markanten Fenstern während der Rest der Stadt in sanften Farben verschwimmen lässt Allmählich, je weiter Sie sich von diesem Stimmpunkt entfernen, und der Kontrast zwischen den weichen und scharfen Formen macht dieses eine Gebäude zum Blickfang, der die Aufmerksamkeit auf sich zieht . 19. Positionierung und Größe: Und dann haben wir die Positionierung, bei der wir den Stimmpunkt platzieren, was sich auch auf die Betonung auswirkt. Wie ich bereits sagte, ist es zwar verlockend den Stimmpunkt genau in der Mitte zu platzieren, aber das kann manchmal dazu führen, dass sich das Bild statisch anfühlt Normalerweise entsteht eine ansprechendere Komposition, wenn wir es etwas außerhalb der Mitte oder noch besser entlang eines Drittels der Leinwand platzieren der Mitte oder noch besser entlang eines Drittels der Leinwand , die Drittelregel entsteht eine ansprechendere Komposition Stellen Sie sich eine Strandszene vor, in der im Mittelpunkt ein Segelboot steht Anstatt es direkt in der Mitte zu platzieren, könnten Sie es im oberen rechten Drittel der Leinwand positionieren , und der Rest der Komposition fließt darauf zu Diese außermittige Platzierung erregt immer noch die Aufmerksamkeit, fühlt sich aber organischer und weniger vorhersehbar an. Schließlich, denn der Schwerpunkt liegt auf der Größe. Größere Elemente im Gemälde erfordern naturgemäß mehr Aufmerksamkeit als kleinere. Indem wir die Seiten der Objekte in der Komposition variieren, können wir manchmal einen Bereich gegenüber einem anderen hervorheben. Ein großer Baum im Vordergrund einer Landschaft wird auf natürliche Weise zum Mittelpunkt während kleinere, weniger detaillierte Objekte im Hintergrund dazu dienen, das Hauptelement zu stützen. Allerdings muss die Größe nicht der einzige Faktor sein. Natürlich sind diese Gebäude im Vergleich zum Mittelpunkt, der das Zentrum ist , sehr groß . Manchmal kann ein kleines, aber sehr detailliertes oder farbenfrohes Objekt aber sehr detailliertes oder farbenfrohes Objekt noch stärker hervorstechen als die größeren, gedämpften Formen Es geht nur darum, wie wir diese Elemente ausbalancieren. Und während viele Kompositionen nur einen einzigen Schwerpunkt haben, profitieren einige Gemälde von einem sekundären Schwerpunkt oder mehreren sekundären Schwerpunkten, um einen komplexeren visuellen Pfad zu schaffen . Sekundäre Stimmpunkte können Bereiche mit geringerer Betonung sein , die dennoch Aufmerksamkeit erregen, aber nicht mit dem Hauptschwerpunkt konkurrieren. Ein bisschen wie die Autos. Die Autos haben zwar eine gewisse Aufmerksamkeit, aber weil sie alle perspektivisch sind, lenken sie das Auge näher zur Mitte. Wie bei all diesen Dingen besteht ihr Hauptziel auch hier darin, den Blick des Betrachters durch das Bild zu lenken Blick des Betrachters durch und Bewegung und Fluss zu erzeugen. In einem Landschaftsgemälde der Hauptfokus vielleicht ein Berg in der Ferne sein. Du könntest aber auch sekundäre Brennpunkte wie Bäume oder einen Äther im Vordergrund haben , und diese werden so positioniert dass der Blick des Betrachters auf den Berg gelenkt wird. Diese sekundären Elemente sind sozusagen Nebendarsteller des Hauptdarstellers. Sie unterstützen die Komposition und verleihen Tiefe, ohne dabei vom Hauptfokus abzuweichen. Und was ich betonen sollte, wenn wir über Betonung sprechen , ist , dass es wichtig ist, sich daran zu erinnern, dass nicht jeder Teil des Gemäldes um Aufmerksamkeit konkurrieren sollte. Wenn zu viele Bereiche hervorgehoben werden, ist der Betrachter überwältigt und weiß nicht, wie oder wo er zuerst hinschauen soll Aus diesem Grund ist es wichtig, ein Gleichgewicht zwischen Schwerpunktbereichen und ruhigeren, gedämpfteren Bereichen des Gemäldes herzustellen ein Gleichgewicht zwischen Schwerpunktbereichen und ruhigeren, gedämpfteren Bereichen des Schwerpunktbereichen und ruhigeren, gedämpfteren Bei Aquarellfarben wird dieses Gleichgewicht oft durch Waschungen erreicht oft Eine große Fläche mit weichen, neutralen Farbtönen kann als ruhiger Hintergrund dienen , wodurch der Schwerpunkt noch besser zur Geltung kommt Zum Beispiel wird eine leuchtend rote Blume hervorstechen wenn sie von einem weichen grünen Feld umgeben ist. Indem wir also die umgebenden Elemente einfach und zurückhaltend halten , stellen wir sicher, dass der stimmliche Aspekt der Komposition weiterhin im Mittelpunkt Sie können jetzt sehen, wie ich die Leinwand mit Wasser bespritzt habe , eine Weile gewartet habe und das Taschentuch benutzt habe, um es wegzureiben 20. Entfernen der Maskierungsflüssigkeit: Und während ich gerade dabei bin, verwende ich das Taschentuch, um den Rest der Maskierungsflüssigkeit, die sich dort befindet, zu entfernen , sodass das Weiß des Papiers darunter zum Vorschein Und Sie müssen sicherstellen, dass die Pigmente vollständig trocken sind Sie möchten nicht einige Bereiche verschmieren , die noch nicht getrocknet sind Jetzt ist die gesamte Maskierflüssigkeit aus. Sie können den Kontrast sehen und sehen, wie stark das Weiß des Papiers ist Wir nähern uns jetzt dem Ende des Gemäldes. Wir binden einfach alles zusammen. Ich verwende an einigen Stellen wieder reinweißes Pigment , um das Auge in die Mitte des dortigen Brennpunkts zu lenken Mitte des dortigen Brennpunkts Und mit ein paar Spritzern. Nun, viele dieser Weißweine sind zu weiß. Aber das ist okay. Wir werden die Transparenz von Aquarell verwenden die Transparenz von Aquarell Also brauchten wir sie zunächst weiß , aber wir werden viele von ihnen mit ein paar leuchtenden Gelb - und Orangetönen überarbeiten , nur um den Weißgrad etwas zu verringern Und wir haben auch angefangen, viele der Autos zu detaillieren, kleine Highlights hinzuzufügen, ein paar Punkte an Überhaupt nicht viele Details, ein paar gut positionierte Striche und Punkte vermitteln die Illusion von Details. Und man kann unter den Autos die Motorhauben sehen, alles ist im Schatten Es ist alles dunkel, also mussten wir die Räder nicht wirklich lackieren oder auch nur deutlich machen, wo das Auto endet und der Boden oder der Boden beginnt Du kannst sehen, wie ich zu diesen Weißen gehe . Diese Spiegelung in der Mitte ist das Weiß des Papiers, was sehr wichtig ist, weil das der Bereich mit sehr hohem Kontrast ist der Bereich mit sehr hohem Kontrast Es ist der größte weiße Bereich auf dem Papier, und es ist eine Vertikale, die direkt zum Brennpunkt führt. Es ist interessant, dass der Brennpunkt in dieser Szene eigentlich kein echtes Motiv hat, sondern nur das Zentrum, zu dem die gesamte Perspektive führt. Und Sie können anfangen zu sehen, wie plötzlich eine Illusion von Details entsteht. Jetzt, wo wir die Weißtöne des Papiers hinzugefügt haben, oder besser gesagt, wir haben die Maskenflüssigkeit weggenommen , um das Weiß des Papiers zum Vorschein zu bringen, und wir fangen an, ein paar Details zu machen Es verankert das Bild einfach und vermittelt die Illusion von Details, und vermittelt die Illusion von wo wir nur noch 3 Minuten von dem Gemälde übrig haben , und 90% davon waren 21. Fertigstellen des Gemäldes: Wir haben heute also über viele Konzepte gesprochen, und es könnte schwierig sein darüber nachzudenken, wie Sie sie in Ihre Bilder integrieren können . Sie können dies unter anderem tun, indem Sie sich Ihre eigenen Bilder oder Ihre Lieblingsbilder ansehen und überlegen, wie sich diese Elemente und Prinzipien auf sie beziehen. Vielleicht kannst du dir Fragen stellen wie, gibt es ein klares Stimmungsbild oder kann ich mir eines einfallen lassen? Denn ohne ein Stimmsignal kann es sich unzusammenhängend oder ziellos anfühlen Du musst dich also jedes Mal fragen, ob es ein starkes Element gibt, das hervorsticht, oder ob du die Szene sogar manipulieren kannst , um einen gewissen Fokus zu erzeugen Dann können Sie sich fragen, gibt es einen natürlichen Fluss oder Pfad , dem das Auge folgen kann? Sie können in der Architektur nach Elementen wie Straßen, Schatten, Flüssen oder Linien suchen in der Architektur nach Elementen wie Straßen, Schatten, Flüssen oder Linien die das Auge auf natürliche Weise durch die Szene lenken können. Wenn sich die Szene zu chaotisch anfühlt und keinen klaren Fluss aufweist, kann es schwierig sein, sie in einer starken Komposition zu organisieren Und dann werden Sie sich fragen: Bietet die Szene Kontrast, das Motiv, das Sie wählen, können Sie Kontraste in Farbe, Wert, Hell und Dunkel oder Textur erkennen Wert, Hell und Dunkel oder Textur Wenn alles gleich ist, in Farbe und Ton, wird es wahrscheinlich ein flaches oder uninteressantes Gemälde sein ein flaches oder uninteressantes Gemälde Oft müssen wir die Szene vereinfachen, um diese Dinge zu erreichen, ohne ihre Essenz zu verlieren Vielfältige Szenen wie diese müssen durch Abstraktion vereinfacht werden, denn bei zu vielen konkurrierenden Elementen kann es schwierig sein, sie zu malen und für den Betrachter schwierig , eine Verbindung herzustellen Wir müssen also versuchen , uns vorzustellen, wie wir Teile der Szene vereinfachen könnten Und das wird höchstwahrscheinlich bedeuten Details zu entfernen, anstatt Details hinzuzufügen, wie wir am Anfang sagen, mehr der Fantasie des Publikums zu überlassen, anstatt all diese Details direkt einzufügen. So schaffen wir Kunst voller Emotionen und Ausdruck. Gemälde sind am überzeugendsten wenn sie ein Gefühl ausdrücken. Überlegen Sie, ob die Szene , die Sie malen möchten, Ihnen etwas vermittelt, ob sie ruhig ist, ob sie angespannt ist oder ob sie inspirierend ist. Wenn Sie mit diesem Gefühl in Kontakt kommen, können Sie herausfinden, wie Sie es mit diesen Prinzipien fast formisch vermitteln können. 22. Schlussgedanken: Nun, willkommen zurück. Wie ist es gelaufen? Wenn du das Bild noch nicht gemalt hast, schlage ich vor, dass du es wirklich denn auch wenn es wie ein komplexeres Gemälde als sonst aussieht, ist es das, was Aquarell so aufregend macht, sich selbst herauszufordern und furchtlos zu sein Als ich anfing, malte ich schreckliche Bilder, aber indem ich einfach weitermache und all diese einzigartigen Dinge ausarbeite, die du tun kannst, nur wenn du dich selbst ist das, was es wirklich auf die nächste Ebene bringt, und du musst einen schwierigen Zustand durchmachen, bevor du an den Punkt kommst, an dem du zufrieden bist. Und diese Befriedigung hält wirklich an, denn wenn man einmal gelernt hat, wie man etwas macht, möchte man etwas anderes tun. Selbst wenn etwas überwältigend erscheint, ist es immer noch eine gute Idee wenn es um Aquarellfarben geht, sich selbst denn das Niveau wird sich viel schneller verbessern und Ihre Intuition wird sich dabei wirklich verbessern Denken Sie daran, dass es beim Aquarellmalen nicht nur um technische Fähigkeiten geht, sondern auch darum, Ihrer Kreativität und Ihrem persönlichen Stil Ausdruck zu verleihen Ihrer Kreativität und Ihrem persönlichen Stil Ich ermutige Sie, weiter zu erforschen, zu experimentieren und Ihre Grenzen zu überschreiten, um Ihre eigenen einzigartigen Aquarell-Meisterwerke zu schaffen Ihre eigenen einzigartigen Aquarell-Meisterwerke Am Ende dieses Kurses hoffe ich, dass Sie sich mit Ihren Fähigkeiten in der Aquarellmalerei sicherer und wohler fühlen Aquarellmalerei sicherer und wohler Übung ist der Schlüssel, wenn es darum geht, Ihre Fähigkeiten zu verbessern Malen Sie also weiter und experimentieren Ich möchte meine Dankbarkeit für jeden einzelnen von Ihnen Ihre Leidenschaft für Aquarellmalerei ist so inspirierend und ich fühle mich geehrt, Ihr Lehrer zu sein Wenn du Feedback zu deinem Gemälde haben möchtest, gebe ich es gerne Bitte teile dein Bild in der Studentenprojekt-Galerie unten, und ich werde mit Sicherheit antworten. Wenn du es vorziehst, kannst du es auf Instagram teilen mich bei Williston taggen, da ich es gerne sehen würde Skillshare liebt es auch, meine Schüler bei der Arbeit zu sehen, also tagge sie auch bei Skillshare , nachdem Sie sich so viel Mühe gegeben Warum teilen Sie Ihre Kreation nicht Wenn Sie Fragen oder Kommentare zum heutigen Kurs haben oder spezielle Ratschläge zum Thema Aquarell wünschen , wenden Sie sich bitte im Diskussionsbereich an mich Du kannst mich auch über jedes Thema, Wildtiere oder Szene informieren, zu dem ich einen Kurs geben soll Wenn Sie diesen Kurs nützlich fanden, würde ich mich sehr über Ihr Feedback dazu freuen. Das Lesen Ihrer Bewertungen erfüllt mein Herz mit Freude und hilft mir, meinen Schülern die beste Erfahrung zu bieten. Abschließend klicken Sie bitte oben auf die Schaltfläche „Folgen“ , damit Sie mir auf Skillshare folgen können Das bedeutet, dass du als Erster erfährst , wenn ich einen neuen Kurs starte oder Werbegeschenke poste Ich hoffe, dieser Kurs hat dich inspiriert und du freust dich darauf, dich mit aufregenderen Aquarelltechniken weiterzuentwickeln aufregenderen Aquarelltechniken bis zum nächsten Mal, bis bald